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- Lieber Dmitry Yuryevich, kurze biografische Informationen über Sie finden Sie im Internet, aber fangen wir noch einmal von vorne an: mit Ihrer Familie, von Kindheit an. Wie und wo begann Ihr Einstieg in die Welt der Musik, des Gesangs und des Operntheaters?

Ich bin in Swerdlowsk geboren und aufgewachsen. Meine Eltern und alle meine Verwandten im Allgemeinen sind ausschließlich Physiker und Mathematiker. Mama ist Lehrerin für höhere Mathematik an der Ural State University, Papa ist Physiker, er war Direktor eines großen Forschungsinstituts, sein Onkel ist ebenfalls Physiker, seine Tante ist Algebraistin, sein Bruder ist der Leiter. Fakultät für Mathematik an der Akademie, jetzt in Jekaterinburg. Die über die ganze Welt verstreuten Cousins ​​sind allesamt Mathematiker.

Ich bin also, wie man so sagt, die einzige Ausnahme in der Familie, nicht ohne ... einen Musiker!

Aber gleichzeitig haben alle in der Kindheit Musik studiert: sowohl der Vater als auch der Bruder. Aber irgendwie habe ich dabei einfach „verweilt“. Er schloss die Musikschule mit einem Abschluss in Klavier ab und trat in die Theaterabteilung von GITIS ein. Und dann erwies sich mein Pianismus als sehr nützlich, ich lebte damit und begleitete die Sänger. Das heißt, es war eine Art „Tauschhandel“ – ich lernte Gesang von Freunden und Bekannten und „zahlte es zurück“, indem ich Arien und Romanzen auf dem Klavier spielte und mit ihnen neue Werke lernte. Ich wollte in meiner Jugend unbedingt selbst singen, aber meine Eltern, die ernsthafte Menschen waren, rieten mir, zunächst eine zuverlässigere Spezialisierung zu machen, also schloss ich mein Studium als Theaterfachfrau mit Spezialisierung auf Oper ab und absolvierte dann die Graduiertenschule.

Leider habe ich keinen echten Gesangslehrer getroffen, der an mich glauben und mir einen Anfang geben würde. Vielleicht reichten die persönlichen Qualitäten für eine Karriere als Sänger-Solist nicht aus, und Gott sei Dank habe ich das rechtzeitig erkannt. Alles, was nicht getan wird, ist zum Besseren. Im Allgemeinen begann ich erst ziemlich spät, mit 30 Jahren, anständig zu singen. Zu diesem Zeitpunkt kannten mich bereits viele Leute Opernwelt in einer anderen Funktion. Die Situation war heikel – in der Union der Theaterarbeiter „befehligte“ ich das Musiktheater. Es war ein kurzlebiger Verein am Ende der Sowjetunion, der riesige Festivals und Wettbewerbe mit Millionenbudgets und guten Absichten organisierte ...

Anfang der 90er Jahre ging ich nach Belgien, um mich als Gesangslehrer weiterzubilden, und als sie mir einen Vertrag bei einer ziemlich großen Agentur als Sängerin anboten, wurde mir plötzlich klar, dass es zu spät war, wie man so schön sagt: „Der ganze Dampf.“ war weg“, oder besser gesagt, ich machte mich auf den Weg in die andere Richtung – zum Unterrichten.

- Aber es gibt historische Beispiele für späte Gesangskarrieren – Tenor Nikandr Khanaev, der mit 36 ​​Jahren begann, Bass Boris Gmyrya – mit 33 Jahren debütierte Antonina Nezhdanova erst mit 29 Jahren auf der professionellen Bühne.

Erstens lebten sie Anfang bis Mitte des 20. Jahrhunderts. Je näher sie ihren Zeitgenossen stehen, desto schwieriger ist es, Sänger zu finden, die mit 30 Jahren anfangen, und außerdem hat jeder seinen eigenen „Sicherheitsspielraum“ in Sachen Ausdauer beim Erreichen ihrer Ziele.

Als es auseinanderfiel die Sowjetunion Wir haben „auf den Ruinen“ von STD eine Konzert- und Schauspielagentur organisiert, die recht erfolgreich war. Ich erinnere mich mit besonderer Dankbarkeit an diese Tage, denn im Alter von 28 Jahren begann ich zum ersten Mal, ins Ausland zu reisen; aus irgendeinem Grund hatte man mir vorher nicht erlaubt, das Land zu verlassen. Dies bot ein riesiges Hörerlebnis, die Möglichkeit, die besten Opernproduktionen auf Weltbühnen kennenzulernen und Stimmen live zu bewerten berühmte Sänger. Ich habe es entdeckt neue Welt, wo sie bis auf seltene Ausnahmen völlig anders sangen als wir.

Ich musste einige Ideen in mir zerbrechen, weil mein Gehör durch die sowjetische Operntradition sowohl im guten als auch im schlechten Sinne des Wortes „verwischt“ war. Ich wurde technisch und stilistisch umgebaut, mein Geschmack veränderte sich. Es war nicht einfach, manchmal habe ich dumme Dinge getan. Eine Zeit lang habe ich aus Interesse mit den Jungs gelernt; ich kann mich nicht einmal daran erinnern, Geld für den Unterricht genommen zu haben.

Und dann wurde ich eingeladen, Gesang an der Gnessin-Schule in der Abteilung für Musiktheaterschauspieler zu unterrichten. Für mich nahmen sie den einzigen Studenten speziell für die zusätzliche Aufnahme auf – Rodion Pogosov. Er war damals 16 Jahre alt, hatte noch nie gesungen und träumte im Allgemeinen davon, Theaterschauspieler zu werden. Aber drin Theateruniversitäten Er wurde nicht angenommen, ging „aus Trauer“ in die Schule und landete bei mir. Bereits im Alter von 19 Jahren, im dritten Jahr, debütierte er als Papageno an der Nowaja-Oper, mit 21 wurde er der jüngste Teilnehmer des Jugendprogramms der Metropolitan usw. Mittlerweile ist Rodion ein gefragter internationaler Künstler.

- Na ja, selbst der „erste Pfannkuchen“ ist bei dir nicht klumpig geworden!

Ja, die Arbeit mit meinem ersten Schüler hat mir viel Kraft und Energie abverlangt. Ich zwang ihn, zusammen mit seiner Mutter ständig Gesang zu üben. Dabei handelte es sich nicht um gewöhnlichen Unterricht zweimal pro Woche für 45 Minuten, sondern um Unterricht fast jeden Tag. Einfach ausgedrückt: Ich habe ihn verfolgt und dabei Widerstände und Lernunlust überwunden. Du kannst es vollkommen verstehen kleiner Junge, der ebenfalls nicht an seine stimmlichen Fähigkeiten glaubte. Er lachte sogar über die Sänger; allein der Prozess des akademischen Singens kam ihm lächerlich vor.

- Es stellte sich heraus, dass Sie von Grund auf lernen mussten! Und man hat den Eindruck, dass Vdovins Schüler – wir wissen mehr über die Absolventen der Chorakademie – bereits von Kindheit an vorbereitete Jungs sind, die im Alter von 6 bis 7 Jahren singen, sehr kompetente Musiker.

Jetzt sagt man über mich, dass ich die Besten vom Besten, die besten Stimmen, in meine Klasse nehme. Sollen wir die Schlechten nehmen? Oder muss ich jemandem etwas beweisen? Jeder normale Künstler (Künstler, Meister) wählt immer das Beste. Ja, jetzt kommen junge Leute zu mir, um die Ergebnisse meiner Arbeit zu sehen, und ich habe die Möglichkeit zu wählen. Und zuerst gaben sie mir verschiedene Schüler. Also durchlief ich die Schule, schwierige Schüler herauszuziehen volles Programm, und ich denke, dass dies für einen jungen Lehrer notwendig ist.

- Gab es völlig aussichtslose Optionen? Dass jemand seine Stimme völlig verliert oder seine Gesangskarriere aufgibt, auch wenn es nicht Ihre Schuld ist?

Auch das extrem junge Alter der aktuellen Neuzugänge ist eines der Probleme. Zuvor begannen Menschen im Alter von 23 bis 25 Jahren, Gesang professionell zu studieren, insbesondere Männer, das heißt körperlich entwickelte Menschen, die nicht nur körperlich, sondern auch geistig stark waren und ihren Beruf sinnvoll gewählt hatten. Jetzt kommen 15- bis 16-Jährige in die Schulen und in meine Klasse – mit 17 Jahren – in die Chorakademie.

Es stellt sich heraus, dass sie mit 22 bereits Absolventen sind. Ich hatte diesen Typen, einen sehr guten Bassisten, er gewann Wettbewerbe. Er wurde sofort in ein Jugendprogramm in einem der aufgenommen Europäische Länder, dann ins Theater. Und das war’s – ich habe schon lange nichts mehr von ihm gehört, er ist verschwunden. Sogenannte Festverträge in Repertoiretheatern sind für sehr junge Sänger besonders riskant. Das bedeutet, alles zu singen, ob es zu Ihrer Stimme passt oder nicht. Heute - Rossini, morgen - Mussorgsky, übermorgen - Mozart und so weiter, bis hin zu Bernstein und Operette. Sie sehen, es sind noch nicht einmal ein paar Jahre vergangen, und statt einer Stimme gibt es Überreste ehemaliger Schönheiten.

- Aber in der russisch-sowjetischen Tradition wechselten sich im Theaterstück immer verschiedene Stile und Namen ab, und die führenden Solisten sangen auch nicht wie heute im Westen 6-7 „La Traviata“ oder „Pikovykh“, sondern 4-5 der unterschiedlichsten Rollen pro Monat.

Ich glaube, dass Vollzeitkompanien und Repertoiretheater überholt sind, sie sind schlecht für alle: Künstler, Dirigenten, Publikum. Erstens mangelt es immer an Proben, um aktuelle Titel in Schuss zu halten. Selbst in so mächtigen Ensembles wie der Metropolitan Opera in New York oder der Wiener Staatsoper gibt es nicht genügend Proben. Denken Sie also nicht, dass bei uns alles schlecht ist und es ihnen dort vollkommen gut geht. Ich kann mich erinnern, wie meine Schülerin ohne eine einzige Bühnenprobe ihr Debüt an der Met in der schwierigsten Hauptrolle gab! Also kam sie heraus und sang, aber der Plattenteller blieb stecken und sie begann die Arie hinter den Kulissen.

Ich bin also kein Befürworter des Repertoiresystems; in unserem Land betrachte ich es als ein Relikt der Sowjetzeit, das nichts mit Kunst zu tun hat, sondern nur mit Arbeitsgesetzgebung, Ideologie usw. verbunden ist. Jetzt sitzen wir also in einer Sackgasse und wissen nicht, was wir tun sollen. Über ihre Zukunft sind sich die Sänger nicht sicher, wohl aber über den Beruf Opernkünstler Generell ist es recht riskant, die Stimme ist ein zu fragiles Instrument, im Zweifelsfall kann und sollte man sich zunächst für ein anderes Fach entscheiden. Die Dirigenten sind unzufrieden, weil der Sänger Mozart heute und Prokofjew morgen nicht gleichermaßen überzeugend spielen kann. Auch das Publikum ist heute verwöhnt und braucht Stars oder neue Namen. Und es entstehen Kompromisse, die der Kunst abträglich sind.

In einer Freelancer-Situation haben führende Sänger immer mehr Chancen, das Repertoire zu beherrschen, das zu ihnen passt, interessante Dirigenten, gleichwertige Partner usw. kennenzulernen. Und wie sorgfältig kann bei einem Produktionsteam für ein bestimmtes Projekt alles geprobt werden!

- Aber erleben die Künstler in einer Situation, in der es nicht einmal 5-6, sondern manchmal 12 Aufführungen desselben Titels hintereinander gibt, nicht den Effekt des Automatismus, wie Solisten in Musicals? Es fällt mir schwer zu verstehen, wie man Hunderte von Vorstellungen hintereinander am Broadway mit einem freien Tag, oft ohne Ersatz, absolvieren kann, um Gefühle, Lachen und Tränen auf der Bühne darzustellen ...

Im Gegensatz zum Broadway treten die Schauspieler nicht jeden Abend auf (außer in Notfällen); es gibt immer ein oder zwei Ruhetage. Und selten werden Aufführungen mehr als fünfmal in einem Produktionsblock aufgeführt. Die besten Theater, wie das Metropolitan, versuchen, sich auf der ganzen Welt zu versammeln beste Darsteller diese Oper für heute. Und glauben Sie mir, in einer Atmosphäre hoher Professionalität und Perfektion jedes Details fällt es dem Künstler viel leichter, sich auf das Bild zu konzentrieren.

Auch für das Publikum ist das Met-Beispiel interessant, da man in einer Woche Werke unterschiedlichster Stilrichtungen in bester Aufführung hören kann. Es ist kein Geheimnis, dass Besucher und Touristen häufiger ins Opernhaus gehen als „Einheimische“. Als ich im Januar dieses Jahres in New York war, besuchte ich in wenigen Tagen die talentierte Barockkompilation „The Enchanted Island“, sah den sensationellen „Faust“, dann „Tosca“ und „The Daughter of the Regiment“. Und für die langsamen „Einheimischen“ wiederholen sich die erfolgreichsten Titel nach etwa sechs Monaten, wie „Anne Boleyn“, mit dem die aktuelle Opernsaison eröffnet wurde.

Im Allgemeinen ist das Thema der verschiedenen Traditionen der Existenz des Opernhauses unglaublich interessant und schwierig; jedes Land hat seine eigenen rationalen Aspekte, die sich gut kombinieren lassen, man muss sie nur kennen und wissen, wie man es macht.

- An Sie persönlich, besonders am Anfang pädagogische Tätigkeit, hat Ihr Mangel an Bühnenerfahrung dazwischengewirkt?

Am Anfang war es natürlich hinderlich! Wenn ich mit meiner geliebten Elena Vasilyevna Obraztsova in einem Meisterkurs sitze, schwelge ich natürlich einfach in ihren Vergleichen und ihrer bildlichen Rede. Ihre große Erfahrung, die Arbeit mit herausragenden Meistern und ihre persönliche reiche künstlerische Vorstellungskraft – alles in allem ist es faszinierend! Wenn sie an einem Fragment aus einer Oper oder einer Romanze arbeitet, die sie gut kennt, baut sie eine ganze Welt auf, die aus Wissen und Talent zusammen entsteht und in der es nicht nur ein schauspielerisches, sondern auch ein Regie- und sogar ein Dirigentenelement gibt.

Ich lerne ständig! Ich habe studiert, während ich mit der unvergesslichen Irina Konstantinovna Arkhipova, jetzt neben Obraztsova, mit Evgeniy Evgenievich Nesterenko und mit den Lehrern unseres Jugendprogramms zusammengearbeitet habe. Ich gehe mit meinen Schülern die Riffs neuer Teile und Produktionen, auch ausländischer, durch. All dies ist Suche, Schule, Bereicherung der persönlichen Praxis. Ich hatte zeitliches Glück; ich begann in dem Alter aktiv zu unterrichten Opernsänger meist nur mit sich selbst und ihrer Karriere beschäftigt. Ich hatte die Möglichkeit, sehr tief und umfassend in pädagogische Probleme einzutauchen – pädagogische Erfahrungen zu sammeln, mit allen Arten von Stimmen zu arbeiten, verschiedene Repertoires zu studieren.

- Lassen Sie mich hier einen etwas unerwarteten Vergleich anstellen. Es gibt die Meinung, dass die besten Geburtshelfer Männer sind, weil sie nicht in der Lage sind, die Schmerzen der Wehen zu verstehen oder sich vorzustellen und entschlossener und ruhiger zu handeln.

Ja, vielleicht kann der Moment meiner Distanzierung von der Leistung als solcher von Vorteil sein. Ich habe viel darüber nachgedacht und bin zu dem Schluss gekommen Operngesang und Gesangspädagogik sind zwei verschiedene Berufe, die sich natürlich in mancher Hinsicht ähneln, aber nicht in allem.

Genauso wie es, wenn wir uns der Medizin zuwenden, einen Chirurgen und einen Diagnostiker gibt. Ein ausgezeichneter Chirurg mit „goldenen Händen“ kann schlecht in der Diagnosestellung sein und umgekehrt. Diese Berufe erfordern unterschiedliche Kenntnisse.

Unsere Pädagogik ist recht eng, wenn es nur um die Gesangstechnik geht, und erfordert eine große Weitsicht, wenn Fragen zum Repertoire auftauchen, Kenntnisse über den Beruf des Sängers von allen Seiten. Ja, ich singe nicht auf der Bühne, aber ich mache es die ganze Zeit im Unterricht und zeige es mit meiner Stimme. Ich spiele zwar nicht in der Öffentlichkeit Klavier, kann aber Schüler gut begleiten. Da ich Manager war, kann ich Studenten über die Fallstricke von Verträgen, über schlechte und gute Leistungsbedingungen informieren. Abgesehen davon, dass ich die Oper nicht selbst dirigiert oder inszeniert habe, übe ich diese Funktionen wiederum bei den Proben aus.

- Und trotzdem sind Sie, Dmitry, eine Ausnahme von der Regel – ein erfolgreicher Gesangslehrer, der noch nie auf der Bühne aufgetreten ist. Gibt es noch andere Kollegen mit einem ähnlichen Schicksal?

Ich kann Svetlana Grigorievna Nesterenko (die Namensgeberin unseres großartigen Basses) nennen, wir arbeiten im Jugendprogramm des Bolschoi-Theaters zusammen, sie leitet die Gesangsabteilung der Chorakademie. V. S. Popova. Zu ihren Schülern zählen Alexander Vinogradov, Ekaterina Lyokhina, Dinara Aliyeva und viele andere würdige Sänger. Und die breite Öffentlichkeit kennt viele herausragende westliche Lehrer nicht als Sänger. Und im Allgemeinen sind wir Gesangslehrer Kämpfer an der unsichtbaren Front.

Und allen Klagen zum Trotz ist das allgemeine Niveau an Sängern auf der Welt inzwischen ziemlich hoch, es gibt sogar ein gewisses Überangebot an ihnen, aber der Mangel an lohnenswerten, seriösen Gesangslehrern ist konstant, da es sich um einen bruchstückhaften Beruf handelte, und er bleibt es auch . Das ist das Paradoxon.

Zu Beginn der Arbeit kommen Kommentare von erfahrenen Sängern, dass ich selbst kein Sänger bin, kein Make-up gerochen habe, dies und das nicht ausprobiert habe, es tat weh, nicht viel, aber es kratzte. Und jetzt ist es mir absolut egal. In diesem Sinne habe ich mich beruhigt, ich habe so viele Aufgaben und eine große Verantwortung für Dutzende meiner erfolgreichen Studenten, die über die ganze Welt verstreut sind. Wir müssen sie davon abhalten, Fehler zu machen und zu versuchen, in ihr Repertoire einzugreifen. Wir müssen ihnen schreiben, sie anrufen, sie überzeugen. Bis zum Konflikt – das kommt zwar selten vor, aber es kam schon vor, dass es in einem Streit und einer Trennung endete (nicht meinerseits). Jeder möchte erwachsen sein und gleichzeitig ist jeder verletzlich, wie Kinder! Sie verstehen manchmal nicht, dass ihr guter Gesang mein großes Interesse ist und dass ich nicht so ein Tyrann mit der Peitsche bin, ich bin zu einem Theaterstück oder Konzert gekommen, um sie scharf zu kritisieren.

- Ein sehr alter und weiser Lehrer an einer Musikschule lobte die Schüler immer direkt nach einem Konzert nur und verschob die „Nachbesprechung“ auf den nächsten Tag. Weil die Bühne voller Adrenalin ist, werden sie Kritik in der Euphorie des Applaus zwar noch nicht ernst nehmen, aber die kindlichen Flügel und die Lust am Musizieren können mit einer scharfen Bemerkung abgebrochen werden.

In diesem Sinne habe ich einen schwierigen Charakter. Ich weiß, dass ich etwas falsch mache, da ich ein emotionaler und harter Mensch bin, aber ich kann mich nicht immer zurückhalten, obwohl ich es versuche.

Kürzlich gab es ein Konzert, das äußerst erfolglos war. Es kam so: eine schwierige Situation, wenige Proben, schlechter Kontakt zum Orchester. Am Ende ging ich zu den Jungs und zitierte einfach noch einmal E.V. Obraztsova: „Genossen, heute hatten wir kein Theater, sondern einen nach Tsuryupa benannten Club.“ Alle waren natürlich sehr traurig, aber das hinderte das zweite Konzert am nächsten Tag nicht daran, viel besser zu verlaufen!

Manchmal tut man seinen Schülern natürlich weh. Aber gleichzeitig sage ich: Leute, aber ich verletze mich auch und beleidige mich mit Kommentaren, ich gebe euch nicht die Schuld für alles, das sind unsere häufigsten Fehler, ich selbst schlafe nachts nicht, ich leide, ich analysiere .

- Ein Lehrer, der nicht schimpft, ist derselbe Arzt, der nicht behandelt!

Es gibt auch Probleme mit mentalen Unterschieden. Eine meiner Kolleginnen, eine sehr berühmte Pianistin und wunderbare Lehrerin in Amerika, erhob einmal wütend ihre Stimme und warf die Noten einem Schüler zu. Es gibt Ermittlungen, Polizei, Skandal... Daher war es für mich in den USA nicht einfach, mich an die Arbeit in dieser Hinsicht zu gewöhnen: Nun, manchmal möchte ich Emotionen hinzufügen, meine Stimme gegenüber dem Studenten erheben, aber das ist unmöglich Dort.

Aber die Studenten dort sind anders! Bei meinem ersten Besuch der Meisterklasse in Houston war ich schockiert. Ein guter junger Bariton kam zu mir und zeigte mir Eletskys Arie. Ich bot ihm am Abend nach allen anderen eine zusätzliche Unterrichtsstunde an. Er wollte Figaros Cavatina von Sevilla aus durchgehen. Doch um 18 Uhr stand die Pianistin Minute für Minute auf und ging – ihr Arbeitstag war vorbei, alles war streng. Ich selbst merkte, dass ich mich zu sehr in Rossinis bravouröser Begleitung verlieren würde, und sagte: „Möchten Sie Jeletsky noch einmal singen?“ Er stimmte bereitwillig zu und überraschte mich – in den wenigen Stunden, die seit dem Morgenkurs vergangen waren, reparierte er alles! Alle meine Kommentare zu Phrasierung, Aussprache, Intonation, Schauspiel – alles wurde berücksichtigt!

„Wie machst du das?“ - Ich frage ihn. „Maestro, ich habe mich hingesetzt, 15 Minuten lang die Notizen angeschaut, mir die Aufzeichnung unserer Lektion angehört, verstanden, was Sie gesagt haben – und jetzt ist die Arie fertig.“

Es war ein freudiger Schock für mich! Rückkehr nach Moskau – wie er seinen einheimischen Schülern diesen Vorfall vorgeworfen hat, bis man ihnen zwanzig Mal sagt, dass sie es nicht tun werden! Sie kommen ohne Blockflöte zum Unterricht, manchmal sogar ohne Bleistift und ein Extraexemplar der Noten zum Mitschreiben. Was kann ich sagen? Du musst hart sein.

- In deiner Klasse sind auch Mädchen. Gibt es einen Unterschied in den Ansätzen?

Mit Jungs fällt es mir teilweise leichter, aber ohne Mädchen in der Klasse wäre es einfach langweilig! Natürlich erfordert die Stimme einer Frau von mir einen anderen Zugang zur stimmlichen Realität und eine größere Konzentration. Unterschiedliches Material und dementsprechend unterschiedliche Werkzeuge. Es erfordert mehr Nachdenken, mehr Aufwand und sogar technisches Wissen und Erfahrung. Aber wie das Leben gezeigt hat, im Allgemeinen und mit in Frauenstimmen Ich kann es schaffen. Und im Klassenzimmer bietet die Anwesenheit verschiedener Geschlechter einen großen Repertoirevorteil; es können Ensembles und Duette aufgeführt werden.

- Gibt es am Ende des 20. und Anfang des 21. Jahrhunderts eine allgemeine Krise im Weltgesang? im Vergleich zum Beispiel mit 60-70 des 20. Jahrhunderts und wenn ja, warum?

Wenn man so darüber nachdenkt, dann hat es die Krise schon immer gegeben. Während der Blütezeit von Callas und Del Monaco gab es Menschen, die sehnsüchtig von den Zeiten von Ponselles, Gigli und Caruso usw. sprachen, bis in die Tiefen der Zeit, bis zum Beginn des 19. Jahrhunderts, bis hin zu ganz legendäre Namen. Das ist aus der Serie: „Der Himmel war blauer und das Gras grüner.“

Grundsätzlich ist die Schule besser und gleichberechtigter geworden verschiedene Länder Da wir begannen, in einem einzigen Informationsraum zu leben, hatten wir die Möglichkeit, oft live oder in einer ganz aktuellen Aufnahme das Beste der Welt zu hören Opernszenen. Für viele Musikliebhaber ist es zur Realität geworden, in ein Flugzeug zu steigen und sich innerhalb weniger Stunden in jeder Musikhauptstadt wiederzufinden.

Meiner Meinung nach liegt die Krise woanders. Mittlerweile gibt es viele starke Fachkräfte, die Zahl der Arbeitslosen im mittleren Management nimmt zu, aber es gibt nur sehr wenige herausragende, außergewöhnliche Stimmen. Und zwar nicht so sehr in der Schönheit, sondern in der Kraft und Lautstärke des Klangs.

- Ich schließe mich Ihnen voll und ganz an - ich kann einige der besten Opernsänger von heute ohne Ansage im Radio erkennen, obwohl die „alten Männer“ – sofort, mit zwei Tönen!

Und das sind auch die Kosten der Technik! Alle begannen gleich gut zu singen. Viele ehemalige Größen waren nicht nur wegen ihrer Verdienste erkennbar, außergewöhnlich und schön, sondern auch wegen ihrer „göttlichen Unregelmäßigkeiten“, wie die unvergleichlichen Callas. Es mangelt bis auf seltene Ausnahmen nicht nur an leuchtenden Klangfarben, sondern vor allem an Individualität. Unter anderem, weil die Sänger inzwischen stark von den Vorgaben des Regisseurs abhängig sind und ihr Berufsstand in der Bedeutung für das Opernhaus nicht an erster Stelle steht.

- Oh, unser Lieblingsthema über den „Regisseur“! Was denkst du über sie?

Jetzt ist eine Zeit im Musiktheater, die wir alle erleben, wie Krankheit oder schlechtes Wetter. Erinnern Sie sich, als wir die Musikgeschichte studierten und über den „Untergang der Oper“ im Barock, über das „Konzert in Kostümen“ sprachen? Mitte des 20. Jahrhunderts regierte Luchino Visconti zusammen mit Callas die Weltbühnen; die Oper begann sich mit der Welt des Dramas und des Kinos zu vermischen, Bilder aus der Malerei zu ziehen und in gewisser Weise aufzusteigen künstlerisches Niveau. Doch in der Folge verfiel das Opernhaus in das andere Extrem, den Manierismus. Besonders radikal ist das in Deutschland, so sehr, dass Peter Stein schon irgendwo sagte, als es um die deutsche Opernregie ging: „Tut mir leid, aber in diesem Zusammenhang fühle ich mich nicht wohl, wenn ich mich als deutschen Regisseur bezeichne, ich betrachte mich nicht als einen.“ .“

Aber es ist interessant, dass seit Jahrhunderten vom Tod der Oper gesprochen wird. Sie frönt immer einigen Extremen. Doch als scheinbar alles vorbei ist, gelingt es ihr plötzlich, neue Mittel zu finden und wieder in ihrer ganzen Schönheit zu erscheinen.

- Ja, ja! Deshalb ernten Trachtenproduktionen wie „Werther“ im Jahr 2010 an der Opéra Bastille in Paris, „Adrienne Lecouvreur“ in der vergangenen Saison am Covent Garden oder die jüngste „Die verwunschene Insel“ an der Met bereits bei der ersten Premiere großen Beifall Vorhang. .

Aber ich möchte in dieser Situation nicht wie ein völliger Orthodoxer, Rückschritt und Konservativer wirken. Es gibt erstaunlich subtile und tiefgründige moderne Opernproduktionen.

Den Grad der Überzeugungskraft und des Talents des Regisseurs bestimmt jeder selbst, und auch ich habe mir zu diesem Thema eine persönliche Meinung gebildet. Ich glaube, wenn die Produktion ihre eigene tiefe Logik hat, wenn jede „Kanone feuert“, dann ist die Produktion ein Erfolg. Und wenn der Regisseur einfach alle Bilder und Metaphern, die er aus früheren Jahren der Inaktivität aufgespart hatte, in einem Stück zusammenfasste und nicht über die Runden kommen konnte und wir da sitzen und nicht verstehen – warum ist das dann so? Theoretisch kann das buchstäbliche „Auf dem Kopf gehen“ überzeugen, wie Nathalie Dessay in „Ariadne auf Naxos“ demonstrierte.

- Aber kann Gesangsmeister Vdovin nicht sagen, dass es schwierig und nicht physiologisch ist, beim Singen auf den Kopf zu gehen, um für seine Schüler einzustehen?

Nein, dazu kann ich leider nichts sagen, auch wenn ich manchmal über vieles empört bin. Im Theater sind alle Menschen abhängig und müssen dem Plan des Regisseurs treu bleiben. Ich sehe manchmal, dass sich die Leute auf der Bühne für die Arrangements eines Regisseurs bis zur Scham schämen. Von was für einer künstlerischen Überzeugungskraft reden wir hier! Und das Traurigste ist, dass das, abgesehen von Egoismus und Launen, manchmal keinen Sinn ergibt. Aber andererseits stimme ich zu, dass es möglich ist, einen Künstler auch in einer hässlichen Form zu zeigen, wenn darin ein wirklich tiefer künstlerischer Zweck steckt.

Ich bin ausgebildeter Theaterexperte, dessen erster Regisseur Pavel Aleksandrovich Markov und dessen Hauptmeister Inna Natanovna Solovyova war, großartige Menschen. Ich sah gute Zeiten für das Theater – ich besuchte Aufführungen von A. Efros, G. Tovstonogov, Y. Lyubimov, und es gab so viele Tourneen in Moskau …

- Gibt es Studenten, die sich nicht der Tyrannei der Regisseure „beugen“ wollen und sich nur im reinen Genre des Kammerkonzerts vorstellen?

Ich habe einen solchen Menschen getroffen, obwohl er nicht mein Schüler war. Er hat alles, um zu einem herausragenden Phänomen unserer Zeit zu werden – das ist Bass Dmitry Beloselsky. Er verließ den Chor und sang lange Zeit nur noch Kantaten-Oratorien-Musik und Konzerte. Ich wollte nicht in die Oper gehen. Erst kürzlich, mit 34 Jahren, änderte er seine Meinung, kam ans Bolschoi-Theater, und Gott sei Dank ist das so. In diesem Alter ist die Wahrscheinlichkeit größer, dass er nicht davonkommt. früher als geplant Bauen Sie aus der Ferne, mit Intelligenz und Verständnis, ein langes Bild auf erfolgreiche Karriere. Dmitry hat jetzt überall, wo er auftritt, erstaunliche Erfolge. Vom Metropolitan zum Bolschoi. Aber „rein“ Konzertsänger Leider ist es finanziell schwierig, den Beruf des Kammermusikers zu überleben. Ach!

- Ist der Begriff „Russisch“ heutzutage sinnvoll? Gesangsschule„? In diesem Zusammenhang war es beim Abschlusskonzert des Jugendprogramms des Bolschoi-Theaters im vergangenen Frühjahr, das Sie, Dmitry, leiten, unangenehm überraschend, wie viel besser und überzeugender junge Sänger mit westlicher Musik zurechtkommen und wie problematisch es für sie ist, aufzutreten Russisch.

Die russische Schule existiert zweifellos, weil es eine riesige gibt Opernerbe und russische Sprache. Und als Bestandteil - Theatertradition. Das russische Repertoire selbst erfordert einen anderen technischen Ansatz als die Werke italienischer, französischer, Deutsche Musik. Das Problem ist meiner Meinung nach, dass unsere Musik hauptsächlich für sehr starke Stimmen, für reife Sänger konzipiert ist. Denn die meisten Opern wurden für die beiden Kaisertheater geschrieben, die seit jeher für ihre kraftvollen und tiefen Stimmen bekannt waren. Die Frage, wo man heute den echten Herman oder Marfa für „Chovanshchina“ finden kann, wird immer schwieriger zu lösen ...

Übrigens gilt Tatiana in Amerika als stärkere Altersgruppe als sogar Lisa in „Spade“. Und Jeletsky ist stärker als der Graf in „Die Hochzeit des Figaro“. Auch Lenski und Onegin gelten nicht, wie hier üblich, als Jugendrollen, nur weil Pjotr ​​Iljitsch seine lyrischen Szenen für Studenten des Moskauer Konservatoriums schrieb. Aber es gibt eine sehr dichte Orchestrierung und eine komplexe Stimmlage mit großen Sprüngen nach oben und unten, was, glauben Sie mir, als Lehrer, nicht alle jungen Sänger können. Und wenn man bedenkt, wie problematisch die Akustik in vielen Sälen ist und wie laut Orchester gerne sind, braucht man sehr kraftvolle, starke Stimmen, um das alles auszuhalten. Tut mir leid, aber ich denke, dass es zum Beispiel aus diesem Grund so schwierig ist, Glinkas Kavatina der Antonida zu schreiben gute Leistung Wir sollten der Sopranistin sofort eine Medaille in den Startlöchern geben! Ein weiterer heikler Punkt ist, dass russische Komponisten trotz ihrer Genialität die Feinheiten des Vokalsatzes nicht immer beherrschten. Und das ist verständlich - sie selbst Operntradition in Russland ist noch nicht so alt, und viele seiner Vertreter haben das selbst gelernt.

Mehr zu Glinka, im Zusammenhang mit der sensationellen letzten Premiere von „Ruslan“, jetzt spreche ich nur noch von der stimmlichen Seite, weil es in der Presse Aussagen gab, dass es im Vergleich zu ihnen eigentlich niemanden gibt, der singen kann frühere Produktion des Bolschoi-Theaters in den 70er Jahren von B.A. Als lebender Zeuge und Zuhörer möchte ich sagen: Ja, bei dieser Aufführung waren die brillanten Ruslan – Evgeniy Nesterenko, Lyudmila – Bela Rudenko, Tamara Sinyavskaya – Ratmir dabei. Aber unter der Fülle an Charakteren (und die Aufführung wurde in 2-3 Besetzungen aufgeführt) gab es Sänger, die aus unbekannten Gründen auf der Bühne des Bolschoi-Theaters auftraten, und es ist kein Geheimnis, dass es dort Aufführungen gab, als sie gingen bei dem man das Interesse an der Oper als solcher für immer verlieren könnte.

Lassen Sie mich noch einmal auf die Genreeinteilung zurückkommen: Es gibt wunderbare Sänger, die in Mozarts Opern einzigartig sind, und das ist alles. Und andere sollten ausschließlich russische Musik singen – das ist ihre Stärke. Aber wenn sie anfangen, sowohl dies als auch das zu singen, ist es für Mozart, Glinka und die Zuhörer noch schlimmer.

- Leider haben nicht alle Sänger einen eigenen nüchternen analytischen Verstand und den Willen, abenteuerliche Projekte abzulehnen, wie Ihr Dmitry Korczak, dem bereits angeboten wurde, Herman zu singen!

Ja, Dima ist in diesem Sinne großartig, aber die Tatsache, dass er so wenig russische Musik in seinem Repertoire hat, weil seine Stimme zu leicht ist, ist schade, er macht das sehr gut. Und Vasily Ladyuk übrigens auch. Ich erinnere mich an den Abend, als er russische Romanzen aufführte – obwohl ich orchestrierte Kammermusikwerke nicht mag, hat Mikhail Pletnev es erstaunlich gut gemacht, es war eines der besten Konzerte, um einen Einblick in die Bedeutung von Musik zu erhalten!

Um russische Musik gut singen zu können, muss man im Allgemeinen sehr hart daran arbeiten, eine Vielzahl eigener Klischees loszuwerden und das Gefühl der Frische zu verlieren. Manchmal lassen sich Ausländer erstaunliche neue Nuancen einfallen, und manchmal nehmen wir die Tradition unabsichtlich als Urtext wahr, der die Aufnahme eines anerkannten Klassikers der russischen Szene aus längst vergangenen Zeiten klischeehaft darstellt.

- Über das „Anhören“ alter Aufnahmen. Die Aussage von Svyatoslav Teofilovich Richter ist mir schon lange in den Sinn gekommen, dass die moderne Jugend, verwöhnt durch die Verfügbarkeit von Aufnahmegeräten, sich daran gewöhnt, sich nach der Aufführung ständig von außen zu kontrollieren. Und frühere Generationen von Musikern, denen dieser zivilisatorische Vorteil entzogen war, entwickelten das sogenannte „Vorhören“, also die Fähigkeit, die nächste musikalische Phrase im Voraus mit dem Innenohr zu spüren.

Zum Thema. Kürzlich habe ich eine Audioaufnahme von der Met gehört – „Die Hochzeit des Figaro“. Und bei Ensemble-Auftritten konnte ich manchmal nicht verstehen, wer gerade klang – die Gräfin, Susanne oder Cherubino, wenn ich ohne Noten da saß. Denn alle drei sind, sorry, kleine Renee Flemings! Natürlich die Verfügbarkeit von Tonaufnahmen von allem und jedem, You Tube usw. hinterlassen ihre Spuren zeitgenössische Künstler, und die klischeehafte Interpretation kommt von hier.

- Aber gestatten Sie Ihren Schülern persönlich den Einsatz von Technologie im Unterricht und bei Aufführungen?

Ich erlaube es, ja. Als Theatermensch verstehe ich, dass man, wenn man anfängt, mit den Jungs Aufgaben zu vereinbaren, nach den Ursprüngen von diesem oder jenem sucht musikalisches Bild, Ursachen und Folgen – dann verschwinden die Klischees, der Druck auf die Audio- und Videoaufnahmen anderer Leute verschwindet.

- Brauchen Sänger einen historischen Kontext, Wissen über Zeit und Ort der Handlung ihres Helden, über die Biografie des Autors?

Na klar! Ein Opernkünstler oder Sänger muss eine gebildete Person sein! Um das Werk zu füllen, muss der Text mit Bedeutung gefüllt werden – sogar weiter Muttersprache Es ist notwendig, nicht nur die Worte zu verstehen, sondern auch die gesamte Situation rund um die Figur, die Handlung, historische Zusammenhänge, wenn es sich um das Material handelt. Es ist schrecklich, wenn junge Leute die Namen der Dichter nicht kennen, die die Texte zu Liebesromanen geschrieben haben, oder nicht wissen, wo Flandern liegt, das in der Arie aus Don Carlos besungen wird. Oder er erkennt nicht, dass die Arie an einen Partner gerichtet ist und es sich im Wesentlichen um ein Duett handelt.

Das Wichtigste ist, die künstlerische Vorstellungskraft des Sängers zu entwickeln, damit er sieht und versteht, was in den Tiefen und zwischen den Zeilen steckt.

- Zum Teil eine provokante Frage: Was bevorzugen Sie – der brillante Gesang des Sängers kombiniert mit begrenzter Kunstfertigkeit und unscheinbarem Aussehen oder, im Gegenteil, helle Kunstfertigkeit mit sehr gemäßigtem Gesang?

Ich persönlich würde in einer solchen Situation jetzt lieber zu Hause bleiben! Aber im Ernst, in der Oper ist brillante Kunst in Kombination mit mittelmäßigem Gesang unangemessen; ein Sänger mag in Bezug auf Stärke oder Klangfarbe nicht herausragend sein, aber er muss sein Instrument vollständig beherrschen. Ansonsten werden Sie eine schlanke Figur, korrekte Gesichtszüge und schauspielerische Fähigkeiten in keiner Weise retten, wenn Sie die Noten völlig verfehlen – was zu tun ist, ein synthetisches Genre.

Deshalb schätzen wir die seltensten Beispiele der Harmonie von allem so sehr: eine phänomenale Stimme, Musikalität, enormes schauspielerisches Temperament gepaart mit strahlender, sehr mutiger Schönheit – so war Wladimir Andrejewitsch Atlantow, der auf der Bühne des Bolschoi-Theaters regierte. Ich hatte das Glück, mit ihm zu kommunizieren Studentenjahre. Atlantov war wahrscheinlich kein Beispiel für eine ideale, raffinierte Gesangsschule, aber er hat mir viel dabei geholfen, den Prozess des Operngesangs zu verstehen und zu verstehen, was ein echter Künstler sein sollte.

Interview mit Tatyana Elagina

Es ist bemerkenswert, dass in drei Opern, das dieses Jahr beim ROF-Festival aufgeführt wird, werden die Hauptpartien des Tenors von Sängern aus Russland gesungen, und alle von ihnen sind Schüler von Professor Dmitri Jurjewitsch Wdowin.

Es scheint, dass die Sommermonate einen Rückgang der Intensität der Theaterleidenschaften mit sich bringen sollten, aber das geschieht nicht. Gerade im Sommer finden zahlreiche schwierige und sehr prestigeträchtige Wettbewerbe und Festivals statt. Unter der Vielzahl von Festivals nimmt ROF – Rossinievsky – einen besonderen Platz ein Opernfestspiele, findet jährlich in der Stadt Pesaro in Italien statt, dem Geburtsort von Gioachino Rossini. Die Eröffnung dieses Festivals findet am 10. August statt.

Das ROF-2017-Programm wird mit einer Aufführung der Oper „Die Belagerung von Korinth“ von G. Rossini, Tenor Sergei Romanovsky in der Hauptrolle, eröffnet. Am nächsten Tag, dem 11. August, wird die Oper Touchstone von G. Rossini unter Beteiligung des Tenors Maxim Mironov aufgeführt. Am 12. August wird die Oper „Torvaldo und Dorliska“ von G. Rossini aufgeführt, in der der Tenor Dmitry Korczak singen wird. Sie alle sind Schüler von Dmitry Vdovin.

- Was ist das Geheimnis des „Wdovin-Schulphänomens“?

Eine Frage, die nicht leicht zu beantworten ist, da sie eher „Fanfare“-Charakter hat. Und wie Sie wissen, kann man „zur Fanfare“ donnern. (lacht) Aber andererseits, ich werde nicht lügen, es gibt Ergebnisse und die Sänger, mit denen ich zusammengearbeitet habe, nehmen einen festen und ernsten Platz im Weltoperntheater ein. Es ist interessant, dass ich mich in meiner Jugend sehr für Rossini interessierte. Grund dafür waren die Aufnahmen von „Der Barbier von Sevilla“ und „Italienerin in Algerien“. Sie wurden auf Russisch gemacht, was auch eine wichtige Rolle spielte; ich war zu jung und vielleicht hätte mich ein Auftritt auf Italienisch nicht so sehr gefesselt. Ich war fasziniert von Rossinis Theatralik, seinem Humor, seiner erstaunlichen melodischen Großzügigkeit und seinem vitalen Hedonismus. Und für mich, der ich im rauen Klima des Urals und unter den nicht minder harten Bedingungen der UdSSR lebte, schien nicht nur seine Musik, sondern auch seine gesamte Geschichte (ich las Stendhals „Das Leben des Rossini“) wie eine Art außergewöhnliche und festliche Welt. Worauf ich mich nur als bescheidener Besitzer von Schallplatten einlassen konnte.

Doch so kam es, dass zu Beginn meiner Lehrtätigkeit mit einer kleinen zeitlichen Lücke drei Tenöre zu mir kamen, die sich zu Spezialisten des Rossini-Repertoires entwickelten. Es stimmt, es hat nicht alles so einfach geklappt. Der 18-jährige Maxim Mironov wurde von mir aufgrund der Besonderheiten seiner ungewöhnlich hohen und sehr beweglichen Stimme ohne Zweifel sofort als Tenor für Rossini in Betracht gezogen. Die erste Arie, die ich ihm gab, war „Languir per una bella“ aus „Eine Italienerin in Algier“ und dann „O come mai non senti“ aus „Othello“. Und er ist jetzt einer der besten Lindors und Rodrigos.

Sergei Romanovsky... In den ersten Monaten und sogar einem Jahr habe ich wahrscheinlich mehr mit ihm an Don Ottavio, Nemorino, Lensky gearbeitet. Obwohl nein, begannen wir schon bald, „Aschenputtel“ zu singen, und ich erinnere mich, wie Mironov es zum ersten Mal hörte und mich am Telefon anrief, wie jemand anderes, der Rossini sang. Es war Romanowski! Aber Serezhas ernsthafte Annäherung an Rossini erfolgte, als ich beschloss, in Moskau eine halbszenische Aufführung von „Reise nach Reims“ zu geben. Es muss gesagt werden, dass diese Geschichte von vor 10 Jahren viele Menschen sowohl in den Beruf als auch in die Rossini-Welt eingeführt hat. Vor allem aber gab sie Romanovsky viel, der der einzige Graf Libenskof war. Dies ist der schwierigste und virtuoseste Teil, und dank ihm erregte er die Aufmerksamkeit von Spezialisten, von denen viele damals speziell für unsere praktisch studentischen Aufführungen nach Moskau kamen. Bald darauf debütierte er in dieser Rolle in Italien, in Treviso und Jesi, und bald stellte sich heraus, dass Libenskoff in einer Reihe von Aufführungen an der Scala abwechselnd Korczak und Romanovsky sang. Es war ein sehr riskanter Moment, es war zu früh für ein Debüt an einem so wichtigen Theater in so jungen Jahren. Aber trotzdem ging alles weiter. Mironov sang seinen ersten Rossini in La Fenice in Venedig (Mahomet II), dies war sein erster Vertrag im Westen nach dem Wettbewerb Neue Stimmen, wo er im Finale von Lindors Arie das obere stratosphärische Es übernahm. Übrigens muss ich sagen, dass es Anfang der 2000er Jahre noch nicht so viele hohe Rossini-Tenöre gab wie heute. Der Wettbewerb hat spürbar zugenommen.

Dmitry Korczak, den ich eher als Tenor für Mozart, die französische Lyrik und das russische Repertoire betrachtete (und ich glaube bis heute, dass dies seine wichtigsten sind). Stärken), dennoch begann Rossini viel zu singen. Seine herausragenden musikalischen Fähigkeiten erregten die Aufmerksamkeit bedeutender Dirigenten (Muti, Chailly, Maazel, Zedda) sowie von Ernesto Palacio, früher ein sehr bekannter Rossini-Tenor, später der Mentor von Juan Diego Flores und jetzt der erste Mensch in der Rossini-Welt , Leiter des Festivals, und jetzt der Akademie in Pesaro, Rossinis Heimat. Er, Maestro Palacio, war es, der dieses Jahr unsere drei Tenöre zusammenbrachte, worauf ich stolz sein kann.

Bei ROF-2017 gibt es drei Tenöre, und alle sind Ihre Schüler. Dies sind Korczak, Mironov, Romanovsky. Sie sind natürlich unterschiedlich, aber was verbindet sie als Ihre Schüler?

Sie sind talentiert, sehr klug, jeder auf seine Art und sehr fleißig. Ich kann faule Leute nicht ausstehen. Faule Besitzer schöne Stimmen- für mich sind das Philister aus der Kunst, eine Art geistig dickbäuchiger Mieter ihrer stimmlichen Fähigkeiten. Diese drei sind überhaupt nicht so. Sehr verantwortungsbewusste, ernsthafte, nachdenkliche Künstler. Das ist es, was sie verbindet

Wdowin Dmitri Jurjewitsch
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Dmitri Jurjewitsch Wdowin(b.) - Russische Opernfigur und Gesangslehrer, Verdienter Künstler der Russischen Föderation, Professor an der Akademie der Chorkünste.

Künstlerischer Leiter des Jugendopernprogramms des Bolschoi-Theaters Russlands.

Biographie

Wurde geboren 17. April 1962 in Swerdlowsk (heute Jekaterinburg). Absolvent Staatsinstitut Theaterwissenschaften (heute RATI) in Moskau und studierte anschließend an der Graduiertenschule dieser Universität unter der Leitung von Professor Inna Solovyova als Theaterkritikerin (Opernkritikerin), veröffentlichte in großen zentralen Zeitungen und Magazinen. Anschließend absolvierte er eine Umschulung und absolvierte die Akademie der Chorkünste. V. S. Popova als Sängerin und Gesangslehrerin. Von 1987 bis 1992 - Verantwortlicher Mitarbeiter für die Arbeit im Bereich Musiktheater der Union der Theaterarbeiter der UdSSR. Ausbildung zum Gesangslehrer am ECOV – Europäisches Zentrum für Oper und Gesangskunst in Belgien unter der Leitung des Leiters der Gesangsabteilung des Curtis Institute of Music in Philadelphia, Michael Elisen (1992-1993). 1992 wurde Dmitry Vdovin künstlerischer Leiter des Moskauer Zentrums für Musik und Theater, einer Kunstagentur, die an gemeinsamen kreativen Projekten mit großen internationalen Theatern, Festivals und Musikorganisationen teilnahm. Seit 1996 arbeitete D. Vdovin als Lehrer und Leiter mit der großen russischen Sängerin I. K. Arkhipova zusammen Sommerschule, Co-Moderatorin ihres Fernsehens und Konzertprogramme. Von 1995 - Lehrer, von 2000 bis 2005. - Leiter der Gesangsabteilung der nach ihm benannten Staatlichen Medizinischen Universität. Gnesins, 1999-2001 - Lehrer an der Russischen Musikakademie. Gnesins, seit 2001 - außerordentlicher Professor, Leiter (bis 2003) der Abteilung Sologesang Akademie für Chorkunst benannt nach. V. S. Popova, seit 2008 - Professorin am AHI. D. Vdovin gab Meisterkurse in vielen Städten Russlands sowie in den USA, Mexiko, Italien, Lettland, Frankreich, Polen und der Schweiz. Er war regelmäßiger Gastdozent beim Jugendprogramm der Houston Grand Opera (HGO Studio). Von 1999 bis 2009 - künstlerischer Leiter und Lehrer der Moskauer Hochschule Internationale Schule stimmliche Beherrschung, die es den größten Opernlehrern und Spezialisten aus Russland, den USA, Italien, Deutschland und Großbritannien ermöglichte, nach Moskau zu kommen, um mit jungen Sängern zu arbeiten

Mitglied der Jury vieler renommierter Gesangswettbewerbe – des nach ihm benannten Internationalen Wettbewerbs. Glinka, 1. und 2. Allrussischer Musikwettbewerbe, Internationaler Wettbewerb Le voci verdiane (Verdi-Stimmen) in Busseto, Internationaler Gesangswettbewerb. Viotti und Pavarotti (Italien), Internationale Wettbewerbe in Paris und Bordeaux (Frankreich), Competizione dell'opera Italiana am Bolschoi-Theater, Internationaler Wettbewerb in Montreal (Kanada), Wettbewerb des Fernsehsenders „Culture“, „Grand Opera“, Gesangswettbewerb in Izmir (Türkei), nach ihm benannte internationale Wettbewerbe. Moniuszko in Warschau, „Die Meistersinger von Nürnberg“ in Nürnberg, Opera de Tenerife in Spanien.

Seit 2009 - einer der Gründer und künstlerischer Leiter des Jugendopernprogramms des Bolschoi-Theaters Russlands. Seit 2015 - Gastdozent des International Opernstudio Oper Zürich. Meisterkurse an der Metropolitan Opera, New York (Lindemann Young Artist Development Program).

Musikalischer Berater für Pavel Lungins Film „ Pik-Dame" (2016).

Außerdem war D. Yu. Vdovin stellvertretender Leiter des Kreativteams der Operntruppe des Bolschoi-Theaters (2013–2014).

Schreiben Sie eine Rezension zum Artikel „Vdovin, Dmitry Yurievich“

Notizen

Links

http://gazetaigraem.ru/a21201406

Auszug über Wdowin, Dmitri Jurjewitsch

- Nein, Isidora. Wissen Sie, was das Wort Franks bedeutet? – Ich schüttelte verneinend den Kopf. „Franks“ bedeutet einfach kostenlos. Und die Merowinger waren Nordrussen, die kamen, um den freien Franken die Kunst des Krieges, der Regierung des Landes, der Politik und der Wissenschaft beizubringen (wie sie in alle anderen Länder gingen und zum Unterricht und Nutzen anderer lebender Menschen geboren wurden). Und sie wurden richtigerweise Meravingli genannt (wir-Ra-in-Inglia; wir, die Kinder von Ra, die Licht in unser ursprüngliches, ursprüngliches England bringen). Aber dann wurde dieses Wort natürlich, wie viele andere auch, „vereinfacht“... und es begann wie „Merowinger“ zu klingen. So entstand eine neue „Geschichte“, die besagte, dass der Name Merowinger vom Namen des fränkischen Königs – Merowien – abstamme. Obwohl dieser Name nichts mit König Merovius zu tun hatte. Darüber hinaus war König Merovius bereits der dreizehnte der merowingischen Könige. Und es wäre natürlich logischer, die gesamte Dynastie nach dem ersten der regierenden Könige zu benennen, nicht wahr?
Genau wie die andere dumme Legende über das „Seeungeheuer“, aus dem angeblich die Merowinger-Dynastie hervorging, hatte auch dieser Name natürlich nichts damit zu tun. Anscheinend wollten die Denkenden Dunklen wirklich, dass die Menschen die wahre Bedeutung des NAMEN der herrschenden Frank-Dynastie nicht kennen. Deshalb versuchten sie, sie schnell umzubenennen und sie in „schwache, unglückliche und erbärmliche“ Könige zu verwandeln, wobei sie erneut über die wahre Weltgeschichte lügten.
Meravingli waren eine kluge, intelligente und begabte Dynastie im Norden Russlands, die ihr Land freiwillig verließ tolle Heimat und vermischten ihr Blut mit den höchsten Dynastien des damaligen Europas, so dass daraus eine neue mächtige Familie von Magiern und Kriegern hervorging, die die Länder und Völker, die zu dieser Zeit im halbwilden Europa lebten, weise regieren konnten.
Sie waren wunderbare Zauberer und Krieger, sie konnten die Leidenden heilen und die Würdigen lehren. Ausnahmslos alle Meravingli trugen sehr langes Haar, die sie unter keinen Umständen töten wollten, da sie aus ihnen lebendige Kraft schöpften. Aber leider war dies auch den Denkenden Dunklen bekannt. Deshalb am meisten schreckliche Strafe Die letzte Königsfamilie der Meravingl wurde gewaltsam tonsuriert.
Nach dem Verrat des königlichen jüdischen Schatzmeisters, der in dieser Familie mit Lügen und List Bruder gegen Bruder, Sohn gegen Vater hetzte und dann leichtfertig den Stolz und die Ehre der Menschen ausnutzte ... So geschah es zum ersten Mal in der königlichen Familie von Meravingley: die ehemalige Festung wurde erschüttert. Und der unerschütterliche Glaube an die Einheit der Familie gab den ersten tiefen Riss... Der jahrhundertealte Krieg der Meravingleys mit dem gegnerischen Clan begann sein trauriges Ende zu finden... Der letzte echte König dieser wunderbaren Dynastie – Dagobert II wurde erneut auf heimtückische Weise getötet – er starb bei der Jagd durch die Hände eines bestochenen Mörders, der ihm mit einem vergifteten Speer in den Rücken stach.

Hier endete die begabteste Dynastie Europas, die dem unaufgeklärten europäischen Volk Licht und Stärke brachte (oder vielmehr ausgerottet wurde). Wie Sie sehen können, wagten Isidora, Feiglinge und Verräter zu allen Zeiten, nicht offen zu kämpfen, da sie sicher wussten, dass sie nie die geringste Chance hatten und auch nicht haben würden, ehrlich zu gewinnen. Aber mit Lügen und Niedrigkeit besiegten sie selbst die Stärksten und nutzten ihre Ehre und ihr Gewissen zu ihren Gunsten ... ohne sich überhaupt Sorgen um ihre eigene Seele zu machen, die „in Lügen zugrunde geht“. Nachdem sie die „störenden Erleuchteten“ vernichtet hatten, erfanden die Denkenden Dunklen dann eine „Geschichte“, die zu ihnen passte. Und die Menschen, für die eine solche „Geschichte“ geschaffen wurde, akzeptierten sie sofort, ohne auch nur den Versuch zu unternehmen, darüber nachzudenken ... Das ist wiederum unsere Erde, Isidora. Und ich bin aufrichtig traurig und verletzt, dass ich sie nicht „aufwachen“ lassen kann ...
Mein Herz schmerzte plötzlich bitterlich und schmerzhaft... Es gab also zu jeder Zeit helle und starke Leute, der mutig, aber aussichtslos für das Glück und die Zukunft der Menschheit gekämpft hat! Und sie starben in der Regel alle... Was war der Grund für solch grausame Ungerechtigkeit?... Was war der Grund für so wiederholte Todesfälle?

Am 17. April 2017 feiert einer der berühmtesten Opernlehrer der Welt, Dmitry Vdovin, sein Jubiläum – der Maestro wird 55 Jahre alt.

Seine Studenten haben die prestigeträchtigsten Wettbewerbe gewonnen, an denen er teilnimmt die besten Theater, ist aber dem Bolschoi seit mehr als dreißig Jahren treu geblieben.

Der Leiter des Jugendopernprogramms des Bolschoi-Theaters und geehrter Künstler der Russischen Föderation, Professor Dmitry Vdovin, sprach in einem exklusiven Interview offen über die Feinheiten seiner Arbeit und wie schnell sich die Welt der Oper verändert (und was man dagegen tun kann). Radio Orpheus.

– Sie sind kürzlich von der Metropolitan Opera zurückgekehrt, wo Sie Meisterkurse gegeben haben. Was sind die Hauptunterschiede zwischen Jugendprogrammen und Sängern?

– Es gibt mehr Gemeinsamkeiten als Unterschiede. Ich bin in den USA auf Jugendprogramme gestoßen und habe dort angefangen zu arbeiten. Als wir das Jugendprogramm am Bolschoi eröffneten, nutzte ich diese Erfahrung und es ergab einen Sinn: Warum ein Fahrrad öffnen? Was das Niveau der Sänger angeht, wäre es etwas unbescheiden, wenn ich sagen würde, dass das Niveau unserer Sänger höher ist. Aber natürlich gibt es Unterschiede.

Wir sind nicht so weltoffen und international wie unsere Kollegen in New York, London oder Paris. In diesem Sinne haben sie natürlich mehr Möglichkeiten. Um am Bolschoi-Theater arbeiten und generell in Moskau leben zu können, muss man Russisch sprechen, was für Ausländer nicht einfach ist. Wir haben viele von ihnen, aber meistens sind sie Bürger von Republiken ehemalige UdSSR– Wir laden Sänger aus dem russischsprachigen Kreis ein.

Zweitens unsere Kollegen im Westen große Theater manchmal ein größeres Budget. Aber es scheint mir, dass unser Programm mehr als andere gezielt auf die Entwicklung des Künstlers abzielt. Nennen wir es beim Namen: In vielen Theatern besteht das Hauptziel solcher Programme darin, junge Künstler in kleinen Rollen des aktuellen Repertoires einzusetzen.

– Ein angehender Sänger hat nicht die Möglichkeit, mit einem echten Orchester zu singen oder in einer Opernaufführung aufzutreten. Die Theater der Hauptstadt sind überfüllt, wo können wir diese notwendige Erfahrung machen?

– Aus diesem Grund wurde das Jugendprogramm am Bolschoi-Theater ins Leben gerufen. Das Ausbildungssystem für Sänger in Russland ist sehr archaisch. Wir haben innovative Interventionen im Allgemeinen Bildungssystem, aber manchmal sind sie schlecht durchdacht, absurd und stehen nicht immer im Einklang mit unseren Traditionen und unserer Mentalität. Dies war beim Einheitlichen Staatsexamen der Fall, was zu Ablehnung in der Gesellschaft und einer enormen Welle negativer Emotionen führte.

Natürlich sind Veränderungen im Gesangspädagogiksystem notwendig. Dieses System ist alt, es wurde vor 100-150 Jahren entwickelt, als die ersten Wintergärten angelegt wurden. Heute müssen wir verstehen, dass das Opernhaus weitgehend zu einem Regietheater geworden ist. Und als das bestehende System geschaffen wurde, war das Theater rein lautstark Best-Case-Szenario- Dirigent. Seitdem hat sich viel verändert. Der Regisseur ist heute eine der Hauptfiguren; für einen Sänger ist nicht nur die Stimme wichtig, sondern auch die schauspielerische und körperliche Komponente.

Zweitens, wenn vor 30 Jahren in unserem Land die Oper auf Russisch aufgeführt wurde, wird heute alles in der Originalsprache aufgeführt. Darüber hinaus sind die Anforderungen an Notentexte gestiegen. Heutzutage ist es nicht mehr möglich, so frei zu singen, wie unsere großen Sänger noch vor 30 Jahren sangen. Und darauf muss der Sänger entsprechend vorbereitet sein. Es muss immer eine pädagogische Anpassung an die aktuelle Zeit und ihre komplexen Trends erfolgen.

Wenn man einem Sänger aus den 70ern zuhört, muss man verstehen, dass manche Dinge heute nicht mehr möglich sind. Die Struktur des Opernhauses und des Opernbetriebs hat sich verändert. Für einen Sänger reicht es nicht aus, nur das russische Theater zu kennen; er muss die Trends des Welttheaters kennen, die Innovationen kennen, die Künstler, Dirigenten und Regisseure mit sich bringen, und sie haben die Wahrnehmung der Oper bereits stark verändert.

– Reicht es nicht, nur zwei Opernprogramme für ein so singendes Land wie unseres zu haben?

– Vergessen Sie nicht, dass es immer noch das Galina Vishnevskaya-Zentrum für Operngesang gibt. Wahrscheinlich gibt es in vielen Opernhäusern Azubi-Gruppen.

Das Jugendprogramm, wie es in großen Theatern existiert, ist ein sehr kostspieliges Unterfangen. Handelt es sich wirklich um ein Jugendprogramm und nicht um eine Art Praktikumsgruppe, dann werden die Leute in eine Probezeit genommen und entscheiden, ob sie sich weiter damit befassen oder nicht.

Und das Jugendprogramm umfasst Lehrer, Trainer (Pianisten-Tutoren), Sprachen, Bühnen- und Schauspielausbildung, Unterricht und Räumlichkeiten sowie eine gewisse soziale Komponente. Das alles kostet viel Geld. Unsere Theater sind nicht reich, ich glaube, sie können es sich einfach nicht leisten.

Aber in unserem befreundeten Armenien haben sie kürzlich ein Programm eröffnet, und wie ich sehe, geht es ihnen besser. Was die russischen Opernhäuser betrifft, bemerke ich kein großes Interesse an dem, was wir tun. Mit der möglichen Ausnahme von Jekaterinburg.

– Warum wissen es andere Theater nicht? Vielleicht sollten sie einen Newsletter verschicken?

- Jeder weiß alles genau. Aber ausländische Partner interessieren sich für das, was wir im Bolschoi-Theater machen. Unsere enge internationale Zusammenarbeit begann mit der Washington Opera. Mit der Hilfe der italienischen Botschaft und der großzügigen Unterstützung von Herrn David Yakuboshvili, für den wir ihm sehr danken, pflegen wir eine ständige Zusammenarbeit mit der Scala-Akademie und anderen Opernprogrammen in Italien .

Wir bauen eine aktive Zusammenarbeit mit der Pariser Oper und der Metropolregion auf. Darüber hinaus kooperieren wir mit den Queen Sonja-Wettbewerben in Oslo und dem Pariser Wettbewerb, die ihre Künstler sehr aktiv fördern. Dies geschieht nicht nur, weil wir an ihre Türen klopfen, sondern es ist ein gemeinsames, partnerschaftliches Interesse.

– Von einem jungen Sänger in Russland wird oft ein außergewöhnlicher Beweis dafür verlangt, dass er eine Stimme hat. Man muss so laut singen, dass die Wände beben. Erleben Sie das oder nicht?

– Diese Kosten des Geschmacks begegnen mir jeden Tag. Dafür gibt es mehrere Gründe. Die Tradition hat sich so entwickelt, dass unser Publikum lauten Gesang verlangt. Das Publikum liebt es, wenn es laut ist, wenn es viele hohe Töne gibt und der Sänger dann anfängt zu applaudieren. Es kommt vor, dass unsere Orchester auch recht laut spielen. Es ist eine Art Leistungsmentalität.

Ich erinnere mich noch gut daran, als ich zum ersten Mal ins Metropolitan kam, es war für eine Minute Wagners „Tannhäuser“, ich war erstaunt – das Orchester unter der Leitung von James Levine spielte sehr leise! Das ist Wagner! Meine Ohren sind an einen völlig anderen Klang gewöhnt, an eine sattere Dynamik. Das brachte mich zum Nachdenken: Alle Sänger waren in jeder Tonlage perfekt hörbar, es gab keine Probleme mit der Klangbalance, keiner der Sänger erzwang etwas. Das heißt, das Problem liegt nicht nur bei den Sängern, die laut singen, sondern auch darin, dass sich das System, der Geschmack und die Mentalität aller Teilnehmer der Aufführung, einschließlich des Publikums, auf diese Weise entwickelt haben.

Darüber hinaus gibt es in den meisten unserer Säle gravierende akustische Probleme. Viele Theater haben eine sehr trockene Akustik, die Sänger nicht unterstützt. Ein weiterer wichtiger Faktor: Russische Opernkomponisten dachten sehr groß und schrieben hauptsächlich für die beiden großen kaiserlichen Theater mit leistungsstarken Orchestern und Chören sowie reifen und kraftvollen Solistenstimmen.

Im Westen gilt beispielsweise Tatianas Part aus Tschaikowskys „Eugen Onegin“ als äußerst stark. Einige meiner Kollegen glauben, dass dies eine stärkere Partei ist als die von Lisa in „Die Pique Dame“. Dafür gibt es einige Gründe – die Dichte des Orchesters, die spannungsgeladene Tonlage und die Ausdruckskraft des Gesangsparts (insbesondere in der Schreibszene und dem Schlussduett). Und gleichzeitig ist „Onegin“ im Vergleich zu anderen Opern von Tschaikowsky sowie den Werken von Mussorsky, Rimsky-Korsakov und Borodin nicht die kraftvollste und epischste russische Oper.

Hier kommt alles zusammen: historische Gegebenheiten, nationale Traditionen sowie Gesangs-, Dirigier- und Zuhörmentalitäten. Als sich die UdSSR öffnete und wir begannen, Informationen aus dem Westen zu erhalten, wo vieles anders war, war unsere Tradition eine eher „grobkörnige“ Leistung ohne dynamische Unterschiede und besondere Feinheit im Ansatz. Der Missbrauch dieses Gesangs hat zum Scheitern der Karrieren vieler prominenter Künstler geführt.

Man muss sagen, dass wir hier nicht ganz allein sind – in den USA singen sie auch groß, da dort ihre riesigen Hallen überdacht werden müssen. Amerikanische Lehrer wiederholen wie ein Zauberspruch: „Don’t push!“ (Erzwingen Sie es nicht!), aber Sänger drücken oft Push-Push. Dennoch existiert es dort nicht in dem Maße, wie es einmal war und manchmal noch immer bei uns ist.

– Wie kann man an der Flatterhaftigkeit des Klangs arbeiten?

– Das Wichtigste ist, Stärke durch Geschicklichkeit zu ersetzen. Darin liegt die Bedeutung der Belcanto-Schule, die ohne sichtbaren Aufwand und mit unterschiedlicher Klangdynamik (auch auf Klavier und Pianissimo) die Klangprojektion in den Saal ermöglicht. Das ist für jeden individuell und nationale Schulen immer noch unterschiedlich. Wenn Sie wetten typischer Vertreter Amerikanische Schule, Französisch, Italienisch und Russisch, man wird einen großen Unterschied in der Technologie hören, selbst jetzt, wo alles ziemlich verschwommen und globalisiert ist.

Die Unterschiede sind auf die Sprache zurückzuführen. Sprache ist nicht nur Sprache, Sprache ist die Struktur des Apparats, artikulatorische und phonetische Merkmale. Aber das Ideal des Gesangsklangs, also das Ergebnis der Schule, ist in vielen Ländern ähnlich. Wenn wir über Sopran sprechen, möchten nicht nur russische, sondern auch ausländische Sänger wie Anna Netrebko singen. Wie viele Tenöre imitieren Kaufman und Flores?

– Das ist ein großes Minus für den Sänger.

– Das war schon immer so. Warum minus? Wenn ein Sänger niemanden hat, von dem er lernen kann, er aber die richtige Gesangsrichtlinie für sich selbst auswählt, kann dies durchaus hilfreich sein. Aber was tun, wenn Sie einen Stimmtyp haben, der Bezugspunkt aber das Gegenteil ist? Das passiert oft und ist voller Katastrophen. Zum Beispiel ahmt ein Bass, der für ein tieferes, profundes Repertoire geeignet ist, eine Basskantante nach und singt ein hohes Repertoire, aber das schadet ihm nur und umgekehrt. Hier gibt es unzählige Beispiele.

– Unsere Gesangsschule basiert auf tiefer Bass. Was ist Hochbass? Leider wird diese Art von Stimme als Bariton klassifiziert...

– Im Allgemeinen wissen die Leute hier nichts über die Existenz bestimmter Arten von Stimmen, die tatsächlich existieren. Ohne Berücksichtigung dieser Gesangskategorien, die man Gesangsrolle oder Stimmtyp oder, wie in der Opernwelt üblich, „Fach“ nennen kann, ist ein Unterricht nicht möglich. Bis vor Kurzem wussten viele nicht, was eine lyrische Mezzosopranistin ist. Alle Mezzosopranisten mussten Lyubasha mit tiefen, dunklen Stimmen singen. Wenn sie das dramatische Repertoire nicht beherrschen konnten, wurden sie einfach auf Sopran versetzt. Das hat zu nichts Gutem geführt.

Der lyrische Mezzosopran ist keine Grenzstimme, sondern ein eigenständiger Stimmtyp mit einem umfangreichen und streng definierten Repertoire. Es gibt dramatische und lyrische Tenöre, auch für den Mezzosopran gibt es Klassifizierungen (dramatisch, lyrisch). Darüber hinaus können die lyrischen Mezzosopranen selbst aus stilistischen Gründen unterschiedlich sein technische Merkmale. Der lyrische Mezzosopran kann Händel-, Rossini- oder Mozart-Stimme sein oder vielleicht eine größere Vorliebe für die französische lyrische Oper haben, die auch viele Rollen für diese Stimme hat.

Das Gleiche gilt für Bassbariton. Wir hatten in Russland wunderbare Bassbaritonen: Baturin, Andrei Ivanov, Savransky, jetzt Ildar Abdrazakov, Evgeny Nikitin, Nikolai Kazansky. Wenn Sie die Künstlerliste der Met öffnen, ist einer der größten Abschnitte ihrer Sängerliste Bassbariton. Das ist sehr wichtig, denn der Bassbariton ist ideal für viele Rollen in den Opern von Händel und Mozart, und in der russischen Oper gibt es Rollen für Bassbariton – Dämon, Fürst Igor, Galizki, innerhalb dieser Gesangsrolle kann Ruslan sein und Shaklovity und Tomsky und sogar Boris Godunov.

Wenn der Sänger höher oder tiefer gezogen wird, beginnen die Probleme. Wenn der Sänger ein Bassbariton ist, bedeutet dies keineswegs, dass der Sänger eine kurze Stimme hat (d. h. ohne extreme Ober- oder Tieftöne), im Gegenteil, er hat meist einen sehr großen Stimmumfang. Aber dieser Stimmtyp hat eine andere Farbe und ein anderes Grundrepertoire als Bariton oder Bass. Opernspezialisten – Dirigenten, Pianisten-Dozenten, Casting-Direktoren, Kritiker und natürlich vor allem Lehrer – müssen all diese Feinheiten kennen, unterscheiden und in den Stimmen der Sänger hören.

Unser Fachgebiet (Operngesang) erfordert, wie es sich für jedes akademische Genre gehört, enormes Wissen, Verständnis für Traditionen, Unzufriedenheit, ständiges Wachstum, kontinuierliche Arbeit an sich selbst und das Studium sich ständig ändernder Aufführungstrends.

Wenn Sie das Interesse an Selbstverbesserung verloren haben, sich in Ihre persönliche kleine Welt zurückgezogen haben oder, noch schlimmer, plötzlich entschieden haben, dass Sie Perfektion erreicht haben und mit sich selbst vollkommen zufrieden sind, dann bedeutet dies, dass Sie als Kunstmensch fertig sind und sofort fertig sind Ich muss dieses Geschäft aufgeben. Jeder von uns, der unterrichtet, muss ständig selbst lernen. Die Opernwelt bewegt sich schnell in eine bestimmte Richtung, man kann für das Bessere argumentieren oder nicht, aber sie verändert sich. Und wenn Sie von diesen Veränderungen nichts wissen, sie nicht sehen, nicht verstehen und sich nicht an sie halten wollen, dann auf Wiedersehen, Sie sind ein veralteter Charakter und Ihre Schüler sind nicht bereit für die Realitäten der modernen Szene .

Junge Menschen fordern dieses Wissen, manchmal sind sie dank des Internets und seiner Möglichkeiten viel besser informiert. Jeder Student kann Meisterkurse eröffnen, zum Beispiel von Joyce DiDonato oder Juan Diego Flores, beobachten und vergleichen, was am Konservatorium oder in der Schule von ihm verlangt wird und was diese sehr klugen und vor allem sehr modern denkenden Künstler verlangen. Das bedeutet nicht, dass das, was wir fordern, schlecht ist und dass es dort eine gute Nachfrage gibt, aber manchmal sind die Unterschiede erheblich. Sie müssen sich dieser Details bewusst sein.

Im Allgemeinen ist der Vergleich eine tolle Sache; im Vergleich wird ein Profi geboren. Wenn ein Sänger beginnt, Stimmen, ihre Eigenschaften, die Individualität von Künstlern und ihre Interpretationen sowie die Interpretationen verschiedener Dirigenten, Regisseure, Lehrer, Künstler, Musiker usw. zu vergleichen, dann formt er sein eigenes Denken, seine eigene Methode und was auch immer ist in der Kunst am wichtigsten - künstlerischer Geschmack.

– Jetzt sagen sie, dass ein Diplom unwichtig sei. Es ist wichtig, wie man singt. Ist das so?

– Das stimmt jetzt nicht ganz. Wenn ich bei Wettbewerben und Vorsingen in der Jury sitze und die Lebensläufe von Sängern lese, sehe ich selten Leute, die nur privat studiert haben. Zuvor viele, besonders Italienische Sänger studierte nicht an Konservatorien, nahm Unterricht bei Privatlehrern und begann sofort ihre Karriere. Da die Anforderungen an Sänger heute so umfangreich sind und sich nicht nur auf die Stimme beschränken, gibt es weniger davon. Sowie wunderbare Privatlehrer in Italien und überall sonst.

– Entscheiden Wettbewerbe jetzt etwas? Welche Wettbewerbe lohnen sich? an die junge Sängerin?

– Wenn Sie an einem Wettbewerb teilnehmen, müssen Sie verstehen, was Sie davon erwarten. Dafür gibt es mehrere mögliche Gründe. Der Grund – Erfolg, der Wunsch zu gewinnen, ist in allen Fällen impliziert, dies ist Teil des Künstlerlebens, das ein täglicher Wettbewerb ist. Es gibt sogenannte „Wettkampfsänger“, die eine besondere Leidenschaft haben, und unter meinen Schülern gibt es auch solche. Sie lieben Wettbewerbstests als solche, sie genießen die Atmosphäre des Wettbewerbs, dieses Adrenalin, sie blühen dort einfach auf, während viele ihrer Kollegen davon traumatisiert sind.

Grund eins. Versuchen Sie es. Verstehen Sie den anfänglichen Grad Ihrer Fähigkeiten, der „Schau die Menschen an und zeige dich“ heißt. Wettbewerbe sind hier nicht geeignet hohes Niveau– lokal, Low-Budget. Für sehr junge Sänger ist es eine gute Idee, damit zu beginnen, um Muskeln zu trainieren und aufzubauen (nicht nur Stimm-, sondern auch Nerven- und Kampfmuskeln).

Wenn Sie ein junger Sänger sind und sich einfach nur versuchen möchten, müssen Sie nicht zu den größten Wettbewerben wie dem Francisco Viñas-Wettbewerb in Barcelona, ​​​​Placido Domingos Operalia, New Voices in Deutschland, der BBC in Cardiff usw. gehen Königin-Sonja-Wettbewerb in Oslo oder Königin Elisabeth in Brüssel.

Grund zwei. Um einen Job zu finden. Das kann ein Wettbewerb sein, bei dem die Jury aus Theaterregisseuren, Agenten und anderen Arbeitgebern besteht, oder ein Wettbewerb, der bei Agenten beliebt ist. Die Jury von Wettbewerben wie „Belvedere“ (Hans-Gabor-Wettbewerb) oder „Competizione dell’opera Italiana“ (Hans-Joachim Frey) besteht größtenteils aus Agenten und Casting-Administratoren. Obwohl sich die oben genannten auch darin unterscheiden.

Diese Wettbewerbe richten sich an diejenigen, die Agenten und Arbeit brauchen, und das sind die meisten Sänger. Das ist eine andere Art von Wettbewerb. Wenn Sie ein Anfängerkünstler sind, keine Wettbewerbserfahrung haben, müssen Sie nicht an diesen großen Wettbewerben teilnehmen, zu denen erfahrenere Sänger gehen, die das Singen mit einem Orchester geübt haben und außerdem über eine gute Ausbildung verfügen Nerven.

Grund drei. Geld. Nun, hier ist kein besonderes Philosophieren nötig, es handelt sich um Wettbewerbe mit einem hohen Bonusfonds. Viele gute südkoreanische Sänger, die in ihrem Heimatland nicht viel Arbeit haben, ziehen von Wettbewerb zu Wettbewerb, gewinnen und gewinnen ständig Preise und verdienen so ihren Lebensunterhalt.

Unser Tschaikowsky-Wettbewerb ist ein Wettbewerb für mehrere Fachrichtungen, nicht nur für Gesang. Leider standen die Sänger nie im Rampenlicht. Vielleicht hat erst der IV. Wettbewerb, bei dem Obraztsova, Nesterenko, Sinyavskaya gewannen und Callas und Gobbi in die Jury kamen, besondere Aufmerksamkeit auf die Gesangssektion gelenkt.

Ich weiß nicht, was der Grund ist, für mich ist es sehr seltsam und unverständlich. Beim Tschaikowsky-Wettbewerb sind wir Sänger eine Art Außenseiter, vielleicht liegt das daran, dass das Singen auf Russisch immer noch eine gewisse Hürde für die Ankunft ausländischer Teilnehmer darstellt. Dieser Wettbewerb war für unsere ausländischen Kollegen schon immer schwierig. Teilweise aufgrund unserer verschlossenen Natur, vielleicht auch aufgrund der Tatsache, dass nicht genügend Agenten und Theaterdirektoren kamen, um Arbeit zu leisten. Auch die Visaregelung schafft Probleme, und zwar erhebliche.

Trotzdem Gesangswettbewerb Tschaikowsky ist, wenn wir über seine internationale Repräsentativität sprechen, lokaler Natur. Bisher kam es auch darauf an, wie die Jury arbeitete. Auf Einladung von Irina Konstantinovna Arkhipova war ich 1998 Geschäftsführerin der Jury, was auf mich einen eher schwierigen Eindruck machte. Ich hoffe, dass sich das jetzt geändert hat. Gleichzeitig gab es aber auch Siege beim Tschaikowsky-Wettbewerb, die meiner Karriere einen großen Auftrieb gaben.

Am Beispiel der Siegerin von 2007, Albina Shagimuratova, habe ich gesehen, wie sich die Blicke bedeutender Persönlichkeiten der Opernwelt sofort auf sie richteten. Für sie war dies ein großer Sprungbrett in ihr Berufsleben. Aber für viele Gewinner hatte es nicht den gleichen Effekt.

Für einen Sänger ist es sehr schwierig, sich selbst richtig einzuschätzen. Das ist sehr schwierig und gelingt ehrlich gesagt selten. Darüber hinaus besteht neben einem überhöhten Selbstwertgefühl auch die Gefahr der Selbsterniedrigung. Oftmals wird unser Selbstwertgefühl von unseren Mitmenschen herabgesetzt und zerstört. Das ist unsere russische pädagogische Mentalität, sowohl in der Familie als auch in der Schule im weitesten Sinne des Wortes. Und ich hatte solche Fälle in meiner Arbeit.

Ich liebe meine Schüler und schätze sie, aber manchmal kommt es mir vor, dass dieser Sänger zu früh für den Wettbewerb ist, dass er noch nicht bereit ist. Und der Sänger selbst entscheidet sich zu gehen, und wenn ich zum Wettbewerb komme und ihn sehe, bin ich selbst überrascht, wie er zusammengesetzt ist und wie er klingt. Für Lehrer ist es auch wichtig, von außen auf das zu schauen, was Sie tun. Es gibt andere Situationen, in denen ich einen Sänger für großartig halte und er nicht gewinnt. Dann sehe ich selbst, dass es fair war. Alles in unserem Beruf ist unbeständig, veränderlich, manchmal subjektiv...

– Auf Ihrer Facebook-Seite haben Sie Informationen über die NYIOP-Auditions gepostet, die von David Blackburn organisiert werden. Warum hast du das getan?

– Absolventen einer Bildungseinrichtung brauchen Arbeit. Jede Art von Vorsprechen ist eine Möglichkeit, einen Job zu bekommen. Da ich viele Abonnenten habe, denke ich nicht nur an meine Studierenden, sondern auch an diejenigen, die in der Provinz leben und nicht über genügend Kontakte und einfach nur Informationen verfügen. Ich glaube, dass ich ihnen helfen und über alles schreiben sollte, was für sie von Interesse sein könnte.

Ich habe kürzlich Informationen über das Teneriffa-Opern-Jugendprogramm veröffentlicht. Dieses Theater wurde vom großen spanischen Architekten Calatrava erbaut und verfügt über 2.000 Sitzplätze. Das Theater hat eine wunderbare Leitung; dieses Programm wird von meinem Kollegen, dem italienischen Pianisten Giulio Zappa, geleitet, der mit uns in Moskau arbeitet. Das Programm ist kurz, nur ein paar Monate, aber in dieser Zeit schaffen sie es, die Produktion zu produzieren. Für viele ist das auch eine Chance.

– Ich verrate Ihnen ein Geheimnis: In naher Zukunft plane ich, gemeinsam mit russischen und asiatischen Partnern ein großes Unternehmen zu gründen internationales Projekt„Russisch-Asiatisches Haus der Kultur.“ Was denken Sie darüber?

– Jede Anstrengung zum kulturellen Austausch ist viel wert. Das ist eine wichtige Angelegenheit. Asien ist nicht nur ein wachsender Wirtschaftsmarkt, sondern auch ein enorm wachsendes kulturelles Sprungbrett. Einschließlich Oper. Für sie kann Russland ein wichtiger Verbindungskorridor zwischen dem Westen und dem Osten sein.

Ich glaube, dass wir diese Sänger auch mehr einladen sollten; manchmal fehlen uns ihre großen und gut ausgebildeten Stimmen. Und in Asien eröffnen immer mehr neue Konzertsäle Und Opernhäuser. Wir vom Jugendprogramm möchten auch mit China zusammenarbeiten, das wunderschöne Theater und Konzertsäle gebaut hat. Es gibt viele großartige asiatische Sänger, sie sind großartige kluge Leute und harte Arbeiter. Ich habe es bei Wettbewerben gehört gute Sänger aus China, Japan, Indien, Sri Lanka, den Philippinen, Taiwan. Südkoreanische Sänger gehören zu den besten der Welt. Warum laden wir sie nicht ein, arbeiten zusammen, treten gemeinsam auf?

– Was reizt Sie im Leben außer der Oper noch?

– Ich liebe es immer noch, zu reisen, wenn auch nicht mehr so ​​leidenschaftlich wie vor 20 bis 30 Jahren. Und ich schätze die menschliche Kommunikation sehr. Aus beruflichen Gründen vermisse ich das leider. Ich möchte mehr Zeit mit Familie und Freunden verbringen. Als ich anfing, am Bolschoi zu arbeiten, begann ich diese Verbindungen zu verlieren. Das Theater ist auch ein Whirlpool. Jetzt bin ich zur Besinnung gekommen. Ich habe in meinem Leben einige schwierige Veränderungen durchgemacht und mir ist mit besonderer Eindringlichkeit bewusst geworden, wie wichtig Familie und Freunde sind.

Musik ist auch ein großes Glück, Musik kann ein Trost für Menschen sein, die geliebte Menschen verlieren, die Probleme haben, die nicht jung sind. Und Musik verrät nie. Ich schätze, dass ich einen schwierigen Charakter habe, aber es macht mir große Freude, jungen Menschen zu helfen und sie in der schwierigsten Phase zu unterstützen kreatives Leben. Und Sie müssen nicht auf eine angemessene Antwort, Dankbarkeit oder gar Treue warten. Wenn es da ist, ist das großartig; wenn nicht, besteht kein Grund, darüber nachzudenken.

Ein weiterer Jugendwahn besteht darin, Karriere und Erfolg als den absoluten Sinn des Lebens anzusehen. Es scheint mir, dass diese Idee früher oder später zu einer großen Enttäuschung wird. Wenn ich Menschen ansehe, die nur ihren Ruhm lieben, fühle ich mich unwohl. Es ist klar, dass es in der ersten Lebenshälfte wichtig ist, eine gewisse Körpergröße zu erreichen, denn dann eröffnen sich einem andere, größere Möglichkeiten. Aber wir müssen verstehen, dass ein guter beruflicher Ruf nur ein Werkzeug ist. Und Reputation oder genauer gesagt Erfolg sollte nicht das Hauptziel sein, sonst steht man alleine da.

Mit der Zeit wurde mir auch klar, dass man in der Lage sein muss, Menschen gehen zu lassen. Verabschieden Sie sich nicht von ihnen, sondern lassen Sie sie gehen. Manchmal ist es leicht zu sagen, aber schwer zu akzeptieren. Aber irgendwie habe ich gelernt. Da ich viele Studenten habe, fiel es mir schwer, mich an all die vielen Threads zu halten (lacht).

Ich liebe die überwiegende Mehrheit meiner Schüler sehr, ich beobachte, wie sie im Leben vorankommen, und wenn sie etwas brauchen, freue ich mich immer, sie wiederzusehen und ihnen gerne zu helfen. Obwohl es mich manchmal nervt, wenn unsere Arbeit vergessen wird, fangen die Leute an, etwas zu singen, das nicht zu ihrer Stimme passt, fangen an, andere dumme Dinge zu tun, werden faul, hören auf zu wachsen oder verschlechtern sich einfach. Aber auch das liegt in der menschlichen Natur und den damit verbundenen Gesetzen des Darwinismus. Das ist natürliche Selektion.

Wenn früher etwas passierte, übernahm ich die volle Verantwortung für alle Probleme meiner aktuellen und ehemaligen Schüler. Natürlich ist es manchmal unsere Schuld, die Lehrer. Aber es gibt noch andere Gründe – schlechte Gesundheit für unseren Beruf, falsche Entscheidungen, Gier, Dummheit, Selbstüberschätzung. Deshalb hat mich das Leben gezwungen, mich mit der Tatsache abzufinden, dass wir Lehrer nicht allmächtig sind. Jetzt genieße ich den Prozess. Ich glaube nicht, dass dieser Student unbedingt alle Weltwettbewerbe gewinnen und im Metropolitan singen sollte. Was ich vorher hatte...

-Was war das? Eitelkeit oder Perfektionismus?

– Menschen, die sich mit der Kunst befassen, sind ehrgeizig. Sie wollen die Ersten sein, und es geht nicht anders. Mit der Zeit wird eine Karriere zu einem Werkzeug, mit dem Sie die richtigen Partner finden und mit denen Sie zusammenarbeiten können die besten Künstler, Dirigenten, Regisseure bei beste Szenen. Ich bin froh, dass ich zum Bolschoi-Theater gehöre, das ich seit meinem 14. Lebensjahr liebe, als das ganze Land sein 200-jähriges Bestehen feierte und ich diesen erstaunlichen Saal zum ersten Mal betrat.

Im Alter von 17 Jahren kam ich als Praktikant ans Bolschoi, für mich war es das besonderes Theater. Und ich bin froh, dass wir jetzt eine solche Atmosphäre im Theater haben und es gegenseitigen Respekt und Unterstützung gibt. Ich bin von talentierten Künstlern umgeben und interessiere mich sehr für die Menschen, die hier Entscheidungen treffen. Wenn ich in andere (und nicht schlechte!) Länder und Orte reise, denke ich sehr oft: Ich wünschte, ich könnte so schnell wie möglich zurückkehren. Es ist ein Glück, dass ich nach Hause zurückkehren möchte. Ich steige ins Flugzeug und bin aufgeregt – morgen werde ich dieses sehen, wir werden diese Arie mit dieser machen, ich werde dieser einen neuen Stoff geben …

– Was möchtest du sonst noch im Leben lernen? Was fehlt dir?

– Mir fehlen noch ein paar wichtige. Fremdsprachen. Ich kenne einige ihrer Grundlagen, habe das Studium aber nicht rechtzeitig abgeschlossen. Jetzt ist dafür keine Zeit mehr – ich verbringe 10-12 Stunden im Theater. Wenn ich diese Sprachen nur perfekt beherrschen würde! Aber denken Sie daran, wie Raikin – lass alles da sein, aber etwas fehlt! (lacht).

Meine Schüler gewannen prestigeträchtige Wettbewerbe, ich arbeitete in den besten Theatern der Welt und saß in der Jury großer Wettbewerbe. Wovon könnte ein Lehrer sonst noch träumen? Jetzt kann ich mehr mit den Jungs zusammenarbeiten und muss weniger an mich selbst denken. Ich kann einfach sitzen und arbeiten. Das Erstaunlichste ist, dass ich einen Moment erlebt habe, in dem ich nicht mehr denke: „Ah! Werden sie mich anrufen? Sie haben mich nicht angerufen... Und jetzt haben sie mich endlich angerufen!“ Nein, natürlich fühle ich mich geschmeichelt und freue mich, wenn ich irgendwohin gerufen werde, aber diese Freude ist gut funktionierender Natur, nicht mehr und nicht weniger.

Ich habe das große Glück, in meinem Leben wunderbare Lehrer und Mentoren gehabt zu haben. Ich vermisse sie schrecklich. Einige sind, Gott sei Dank, bei guter Gesundheit. Ich erinnere mich, dass ich Irina Konstantinovna Arkhipova gefragt habe: Was ist für Sie das Spannendste am Gesangsberuf? Sie sagte, dass es für sie die größte Befriedigung sei, schwierige Dinge zu meistern. Als ihr eine neue Rolle oder schwieriges Material zum Erlernen und Aufführen übertragen wurde, erlebte sie eine enorme kreative Euphorie durch die Überwindung dieser Schwierigkeiten.

Jetzt verstehe ich sie. Kürzlich gab es einen Fall: Ich habe einen talentierten Schüler, der aber schon seit längerem ein Problem mit den Kopfnoten hatte. Ich verstehe, dass er diese Noten in seinem Sortiment hat, aber er hatte Angst, sie zu treffen. Irgendwie hat es lange nicht gehalten. Und dann wurde ich einfach wütend auf mich selbst und auf ihn und stürzte mich einfach in dieses Problem. Nun, am Ende müssen wir es lösen! Meiner Meinung nach hatte dieser Sänger sogar Angst vor meinem Druck. Und plötzlich kamen diese Notizen! Es war, als hätten sie etwas Neues in das obere Register eingefügt.

Ich empfand Glück, wahrscheinlich viel größeres als er. Ich flog wie auf Flügeln von dem Gefühl, dass der Sänger erst gestern einen nach dem anderen sang, und heute kam ich zum Unterricht und hörte, dass er einen Durchbruch hatte, dass wir es geschafft hatten! Natürlich ist es schön, wenn der Schüler einen Wettbewerb gewinnt oder in einem guten Theater debütiert, aber noch wichtiger ist dieser Arbeitsprozess, der Prozess der Überwindung.