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Schubert

Das Werk von Franz Schubert – Die Morgenröte romantische Richtung in Musik.

In seinen großartigen Werken stellte er die alltägliche Realität dem Reichtum der inneren Welt gegenüber kleiner Mann. Der wichtigste Bereich seiner Musik ist der Gesang.

In seinem Werk kommen Dunkelheit und Licht immer in Kontakt, das möchte ich am Beispiel zweier seiner Liederzyklen zeigen: „The Beautiful Miller's Wife“ und „Winter Retreat“.

"Usw. Kreide." 1823 – Der Zyklus entstand nach Müllers Gedichten, die den Komponisten durch ihre Naivität und Reinheit anzogen. Vieles davon fiel mit den Erlebnissen und Schicksalen Schuberts selbst zusammen. Eine einfache Geschichte über das Leben, die Liebe und das Leiden eines jungen Müllerlehrlings.

Umrahmt wird der Zyklus von 2 Liedern – „On the Way“ und „Lullaby of the Stream“, die die Einleitung und den Abschluss darstellen.

Zwischen den Extrempunkten des Zyklus liegt die Geschichte des jungen Mannes selbst über seine Wanderungen, über seine Liebe zur Tochter des Müllers.

Der Zyklus scheint sich in zwei Phasen aufzuteilen:

1) von 10 Liedern (bis „Pause“ Nr. 12) – es sind Tage voller Hoffnungen

2) bereits andere Motive: Zweifel, Eifersucht, Traurigkeit

Entwicklung der Dramaturgie des Zyklus:

1 Ausstellung der Bilder Nr. 1-3

2 Prämisse Nr. 4 „Dankbarkeit gegenüber dem Strom“

3 Gefühlsentwicklung Nr. 5-10

4 Höhepunkt Nr. 11

5 dramatischer Wendepunkt, Auftritt von Gegner Nr. 14

6 Kreuzung Nr. 20

"Lasst uns los fahren"- offenbart die Gedanken- und Gefühlsstruktur eines jungen Müllers, der gerade den Lebensweg betreten hat. Allerdings ist der Held in „The Beautiful Miller's Wife“ nicht allein. Neben ihm gibt es einen anderen, nicht weniger wichtiger Held- Bach. Er lebt ein turbulentes, sich stark veränderndes Leben. Die Gefühle des Helden ändern sich, und auch der Strom ändert sich, denn seine Seele verschmilzt mit der Seele des Müllers, und das Lied drückt alles aus, was er erlebt.
Musikalische Mittel 1 Lieder sind extrem einfach und kommen den Volkstechniken am nächsten Liedkreativität.

Höhepunktnummer "Mein"- die Konzentration aller freudigen Gefühle. Dieses Lied schließt den ersten Abschnitt des Zyklus ab. Mit seiner reichen Textur und fröhlichen Beweglichkeit, der Elastizität des Rhythmus und dem schwungvollen Melodiemuster ähnelt es dem Eröffnungslied „On the Road“.

In den Liedern des zweiten Abschnitts zeigt Schubert, wie Schmerz und Bitterkeit in der Seele des jungen Müllers wachsen, wie sie in heftigen Ausbrüchen von Eifersucht und Trauer ausbricht. Der Müller sieht einen Rivalen – einen Jäger.

Nr. 14 „Jäger“ Bei der Darstellung dieser Figur verwendet der Komponist Techniken, die dem sogenannten bekannt sind. „Jagdmusik“: Größe 6/8, „leer“ 4 und 5 - „Golden Horn Move“, Darstellung eines Jagdhorns, ebenfalls charakteristische Züge 63//63.

3 Lieder „Jealousy and Pride“, „Favorite Color“, „Miller and Stream“ – bilden den dramatischen Kern von Abschnitt 2. Wachsende Angst führt zu einer Verwirrung aller Gefühle und Gedanken.

„Wiegenlied vom Bach“- die genauen Stimmungen vermitteln, mit denen er seine beendet Lebensweg. Erfüllt von einem Gefühl stiller Traurigkeit und Melancholie. Das monotone rhythmische Schwanken und die Tonalität der Harmonie, die Dur-Tonleiter und der ruhige Verlauf der Liedmelodie erwecken den Eindruck von Ruhe und Ordnung.

Am Ende des Zyklus kehrt Schubert zur Dur-Tonart zurück und verleiht ihr eine helle Färbung – dies ist eine Geschichte über ewigen Frieden, Demut, aber nicht über den Tod.

"Winter Weg" 1827 – ebenfalls auf Müllers Gedichten basierend, zeichnet sich der Zyklus dadurch aus, dass sich der Hauptheld von einem fröhlichen und fröhlichen jungen Mann in einen leidenden, enttäuschten, einsamen Menschen verwandelt hat (jetzt ist er ein von allen verlassener Wanderer).

Er ist gezwungen, seine Geliebte zu verlassen, weil ... arm Unnötigerweise macht er sich auf den Weg.

Das Thema Einsamkeit wird im Zyklus in vielen Schattierungen dargestellt: von lyrischen Veränderungen bis hin zu philosophischen Reflexionen.

Der Unterschied zu „Pr Mel“ besteht auch darin, dass es hier keine Handlung gibt. Die Lieder verbindet ein tragisches Thema.

Die Komplexität der Bilder – die Betonung der inneren psychologischen Seite des Lebens – führte dazu, dass die Musen komplexer wurden. Sprache :

1) Die 3-teilige Form ist dramatisiert (d. h. Variationsänderungen in jedem Teil erscheinen darin, der erweiterte Mittelteil und die Reprise ändern sich im Vergleich zum 1-Teil.

2) Die Melodie ist mit Deklamations- und Sprachmustern angereichert (Text für Gesang)

3) Harmonie (plötzliche Modulationen, nicht-tertianische Akkordstruktur, komplexe Akkordkombinationen)

Der Zyklus besteht aus 24 Liedern: 2 Teile mit jeweils 12 Liedern.

In Abschnitt 2 (13-24) wird das tragische Thema deutlicher dargestellt und das Thema der Einsamkeit durch das Thema des Todes ersetzt.

Erstes Lied des Zyklus "Schlaf gut", genau wie „On the Road“ als Einleitung dient – ​​dies ist eine traurige Geschichte über vergangene Hoffnungen und Liebe. Ihre Melodie ist einfach und traurig. Die Melodie ist inaktiv. Und nur der Rhythmus und die Klavierbegleitung vermitteln die gemessene, monotone Bewegung eines einsamen Wanderers. Sein Nonstop-Tempo. Die Melodie stellt eine Bewegung von oben her (Katabasis – Abwärtsbewegung) dar – Trauer, Leid. 4 Verse werden durch Passagen mit fesselnder Intonation voneinander getrennt – Steigerung der Dramatik.

In den folgenden Liedern des ersten Abschnitts neigt Schubert zunehmend zu Moll, zur Verwendung dissonanter und alterierter Akkorde. Die Schlussfolgerung daraus: Schönheit ist nur eine Illusion von Träumen – die typische Stimmung des Komponisten letzten Jahren Leben.

In Abschnitt 2 wird das Thema Einsamkeit durch das Thema Tod ersetzt. Die tragische Stimmung nimmt immer mehr zu.

Schubert führt sogar das Bild eines Todesboten ein Nr. 15 „Rabe“, mit vorherrschender düsterer Stimmung. Die traurige Einleitung voller schmerzlicher Melancholie zeigt ununterbrochene Bewegung und gemessenes Flügelschlagen. Ein schwarzer Rabe verfolgt in den verschneiten Höhen sein zukünftiges Opfer – einen Reisenden. Raven ist geduldig und ohne Eile. Er wartet auf Beute. Und er wird auf sie warten.

Letztes Lied #24 "Leierkastenmann." Sie schließt den Zyklus ab. Und es ist völlig anders als die anderen dreiundzwanzig. Sie malten die Welt so, wie sie dem Helden vorkam. Dieses Bild zeigt das Leben, wie es ist. In „The Organ Grinder“ gibt es weder die aufgeregte Tragödie, noch die romantische Aufregung, noch die bittere Ironie, die den anderen Liedern innewohnt. Dies ist ein realistisches Bild des Lebens, traurig und berührend, sofort eingefangen und treffend eingefangen. Alles daran ist einfach und unprätentiös.
Der Komponist personifiziert sich hier mit dem im Lied vorgestellten benachteiligten armen Musiker, die Katze baut auf dem Wechsel von Gesangsphrasen und Instrumentalpassagen auf. Die tonische Orgelspitze stellt den Klang einer Drehorgel oder eines Dudelsacks dar; monotone Wiederholungen erzeugen eine Stimmung der Melancholie und Einsamkeit.

Von großer Bedeutung in der Gesangsliteratur sind Schuberts Liedersammlungen nach den Gedichten Wilhelm Müllers – „Die schöne Müllersfrau“ und „Winterreise“, die gewissermaßen eine Fortsetzung von Beethovens Idee darstellen, die in der Liedersammlung zum Ausdruck kommt. Geliebten. In all diesen Werken kann man bemerkenswertes melodisches Talent und eine große Vielfalt an Stimmungen erkennen; höherer Wert Begleitung, hoch künstlerischer Sinn. Nachdem Schubert Müllers Texte entdeckt hatte, die von den Irrwegen, Leiden, Hoffnungen und Enttäuschungen einer einsamen romantischen Seele erzählen, schuf er Gesangszyklen – im Wesentlichen die erste große Reihe von Monologliedern in der Geschichte, die durch eine einzige Handlung verbunden sind.

(Schubert) Franz (1797-1828), Österreichischer Komponist. Schöpfer romantischer Lieder und Balladen, Gesangszyklen, Klavierminiaturen, Sinfonien und Instrumentalensembles. Liedhaftigkeit durchdringt Werke aller Genres. Autor von etwa 600 Liedern (nach den Worten von F. Schiller, J. V. Goethe, G. Heine), darunter aus den Zyklen „Die schöne Müllerin“ (1823), „Winterreise“ (1827, beide nach den Worten von W. Müller ); 9 Sinfonien (darunter „Unvollendete“, 1822), Quartette, Trios, Klavierquintett „Trout“ (1819); Klaviersonaten (über 20), Impromptu, Fantasien, Walzer, Landler.

SCHUBERT Franz (vollständiger Name Franz Peter) (31. Januar 1797, Wien – 19. November 1828, ebenda), österreichischer Komponist, der größte Vertreter der Frühromantik.

Kindheit. Frühe Arbeiten

Geboren in die Familie eines Schullehrers. Außergewöhnlich musikalische Fähigkeiten Schubert erschien in frühe Kindheit. Ab seinem siebten Lebensjahr erlernte er das Spielen mehrerer Instrumente, Gesang und theoretische Disziplinen. In den Jahren 1808–12 sang er im Imperial Hofkapelle unter der Leitung eines herausragenden Wiener Komponist und Lehrer A. Salieri, der auf das Talent des Jungen achtete und begann, ihm die Grundlagen der Komposition beizubringen. Bereits im Alter von siebzehn Jahren war Schubert Autor von Klavierstücken, Gesangsminiaturen, Streichquartetten, einer Sinfonie und der Oper „Das Schloss des Teufels“. Während seiner Tätigkeit als Lehrergehilfe an der Schule seines Vaters (1814-18) beschäftigte sich Schubert weiterhin intensiv mit dem Komponieren. Zahlreiche Lieder stammen aus den Jahren 1814–15 (darunter Meisterwerke wie „Margarita am Spinnrad“ und „Der Waldkönig“ nach den Worten von J.V. Goethe, die 2. und 3. Symphonie, drei Messen und vier Singspiele).

Musikerkarriere

Gleichzeitig machte Schuberts Freund J. von Spaun ihn mit dem Dichter I. Mayrhofer und dem Jurastudenten F. von Schober bekannt. Diese und andere Freunde Schuberts – gebildete Vertreter des neuen Wiener Bürgertums, ausgestattet mit einem raffinierten musikalischen und poetischen Geschmack – veranstalteten regelmäßig zu Hause Abende mit Schuberts Musik, die später „Schubertiaden“ genannt wurden. Die Kommunikation mit diesem freundlichen und aufgeschlossenen Publikum war völlig beruhigt junger Komponist in seiner Berufung, und 1818 gab Schubert seine Stelle an der Schule auf. Gleichzeitig kam der junge Komponist dem berühmten Wiener Sänger I. M. Vogl (1768-1840) nahe, der zu einem eifrigen Förderer seines stimmlichen Schaffens wurde. In der zweiten Hälfte der 1810er Jahre. Aus der Feder Schuberts stammen zahlreiche neue Lieder (darunter die beliebtesten „Der Wanderer“, „Ganymed“, „Forelle“), Klaviersonaten, die 4., 5. und 6. Symphonie, elegante Ouvertüren im Stil von G. Rossini , Klavierquintett „Trout“, inklusive Variationen über das gleichnamige Lied. Sein 1820 für Vogl geschriebenes und im Kärntnertor-Theater in Wien aufgeführtes Singspiel „Die Zwillingsbrüder“ hatte keinen großen Erfolg, brachte Schubert aber Berühmtheit. Eine ernstere Leistung war das Melodram „Die Zauberharfe“, das einige Monate später im Theater an der Wien aufgeführt wurde.

Veränderlichkeit des Vermögens

Die Jahre 1820–21 waren für Schubert erfolgreich. Er genoss die Schirmherrschaft aristokratischer Familien und machte zahlreiche Bekanntschaften mit einflussreichen Persönlichkeiten Wiens. Schuberts Freunde veröffentlichten 20 seiner Lieder im Privatabonnement. Bald jedoch begann eine ungünstigere Zeit in seinem Leben. Die Oper „Alfonso und Estrella“ mit einem Libretto von Schober wurde abgelehnt (Schubert selbst betrachtete sie als seinen großen Erfolg); die finanziellen Verhältnisse verschlechterten sich. Darüber hinaus erkrankte Schubert Ende 1822 schwer (offenbar erkrankte er an Syphilis). Dennoch war dieses komplexe und schwierige Jahr geprägt von der Entstehung herausragender Werke, darunter Lieder, die Klavierphantasie „Der Wanderer“ (dies ist praktisch Schuberts einziges Beispiel eines bravourös-virtuosen Klavierstils) und die „Unvollendete Symphonie“ voller Romantik Pathos (der Komponist komponierte zwei Teile der Symphonie und skizzierte den dritten, verließ das Werk aus unbekannten Gründen und kehrte nie mehr dazu zurück).

Das Leben wurde in seiner Blütezeit abgebrochen

Bald erschienen der Gesangszyklus „Die schöne Müllerin“ (20 Lieder mit Texten von W. Müller), das Singspiel „Verschwörer“ und die Oper „Fierabras“. Im Jahr 1824 entstanden die Streichquartette A-moll und D-moll (der zweite Teil besteht aus Variationen über das Thema von Schuberts früherem Lied „Der Tod und das Mädchen“) und ein sechsstündiges Oktett für Bläser und Streicher, das dem sehr beliebten Vorbild nachempfunden war Septett Op. 20 L. van Beethoven, übertrifft ihn aber an Umfang und virtuoser Brillanz. Offenbar hat Schubert im Sommer 1825 in Gmunden bei Wien seine letzte Symphonie (die sogenannte „Große“, C-Dur) entworfen oder teilweise komponiert. Zu diesem Zeitpunkt genoss Schubert in Wien bereits ein sehr hohes Ansehen. Seine Konzerte mit Vogl zogen großes Publikum an, und die Verlage veröffentlichten eifrig seine neuen Lieder sowie Theaterstücke und Klaviersonaten. Unter Schuberts Werken von 1825–26 stechen die Klaviersonaten a-Moll, D-Dur, G-Dur, das letzte Streichquartett in G-Dur und einige Lieder, darunter „Die junge Nonne“ und Ave Maria, hervor. In den Jahren 1827-28 wurde Schuberts Werk aktiv in der Presse behandelt, er wurde zum Mitglied der Wiener Gesellschaft der Musikfreunde gewählt und gab am 26. März 1828 im Saal der Gesellschaft ein Autorenkonzert, das mit stattfand großer Erfolg. Zu dieser Periode gehören der Gesangszyklus „Winterreise“ (24 Lieder mit Texten von Müller), zwei Notizbücher mit spontanen Klavierstücken, zwei Klaviertrios und Meisterwerke letzte Monate Schuberts Leben – die Es-Dur-Messe, die letzten drei Klaviersonaten, das Streichquintett und 14 Lieder, die nach Schuberts Tod in Form einer Sammlung mit dem Titel „ Schwanengesang"(am beliebtesten sind „Serenade“ nach den Worten von L. Relshtab und „Double“ nach den Worten von G. Heine). Schubert starb im Alter von 31 Jahren an Typhus; Zeitgenossen empfanden seinen Tod als den Verlust eines Genies, das nur einen kleinen Teil der in ihn gesetzten Hoffnungen rechtfertigen konnte.

Lieder von Schubert

Schubert war lange Zeit vor allem für seine Lieder für Gesang und Klavier bekannt. Im Wesentlichen begann es mit Schubert neue Ära in der Geschichte der deutschen Gesangsminiatur, vorbereitet durch die Blüte des Deutschen Lyrik Ende des 18. – Anfang des 19. Jahrhunderts. Schubert schrieb Musik zu Gedichten von Dichtern unterschiedlichen Niveaus, vom großen J. V. Goethe (ca. 70 Lieder), F. Schiller (über 40 Lieder) und G. Heine (6 Lieder aus „Schwanengesang“) bis hin zu relativ wenig bekannten Schriftstellern und Amateure (zum Beispiel komponierte Schubert etwa 50 Lieder nach den Gedichten seines Freundes I. Mayrhofer). Zusätzlich zu seiner enormen spontanen melodischen Begabung verfügte der Komponist über die einzigartige Fähigkeit, durch Musik sowohl die allgemeine Atmosphäre eines Gedichts als auch seine semantischen Nuancen zu vermitteln. Beginnend mit seinen frühesten Liedern nutzte er die Fähigkeiten des Klaviers auf erfinderische Weise für klangliche und ausdrucksstarke Zwecke; So repräsentiert in „Margarita am Spinnrad“ die kontinuierliche Figuration von Sechzehntelnoten die Drehung des Spinnrads und reagiert gleichzeitig sensibel auf alle Veränderungen der emotionalen Spannung. Schuberts Lieder sind in ihrer Form äußerst abwechslungsreich und reichen von einfachen strophischen Miniaturen bis hin zu frei konstruierten Gesangsszenen, die oft aus kontrastierenden Abschnitten zusammengesetzt sind. Nachdem Schubert Müllers Texte entdeckt hatte, die von den Irrfahrten, Leiden, Hoffnungen und Enttäuschungen einer einsamen romantischen Seele erzählen, schuf er die Gesangszyklen „Die schöne Müllersfrau“ und „Winterreise“ – im Grunde die erste große Reihe zusammenhängender Monologlieder in der Geschichte durch ein einzelnes Grundstück.

In anderen Genres

Sein ganzes Leben lang strebte Schubert nach Erfolg im Theatergenre, doch seine Opern sind trotz aller musikalischen Vorzüge nicht dramatisch genug. Von der gesamten Musik Schuberts, die einen direkten Bezug zum Theater hatte, erlangten nur einzelne Nummern zu V. von Cesis Stück „Rosamund“ (1823) Popularität.

Schuberts Kirchenkompositionen sind mit Ausnahme der Messen As-dur (1822) und Es-dur (1828) wenig bekannt. Inzwischen schrieb Schubert sein ganzes Leben lang für die Kirche; in seiner geistlichen Musik überwiegt entgegen einer langen Tradition die homophone Struktur (polyphone Schrift gehörte nicht dazu). Stärken Schuberts Kompositionstechnik, und 1828 beabsichtigte er sogar, einen Kontrapunktkurs beim renommierten Wiener Lehrer S. Sechter zu belegen. Schuberts einziges und ebenfalls unvollendetes Oratorium „Lazarus“ ist stilistisch mit seinen Opern verwandt. Unter Schuberts weltlichen Chor- und Vokalensemblewerken überwiegen Stücke für Laienaufführungen. „Lied der Geister über den Wassern“ für acht Männerstimmen und tiefe Streicher nach Worten Goethes (1820) zeichnet sich durch seinen ernsten, erhabenen Charakter aus.

Instrumentalmusik

Beim Schaffen von Musik instrumentaler Genres konzentrierte sich Schubert natürlich auf die Wiener Musik klassische Designs; selbst die originellsten seiner frühen Sinfonien, die 4. (mit dem Untertitel des Autors „Tragische“) und 5., sind noch immer vom Einfluss Haydns geprägt. Doch bereits im Forellenquintett (1819) erscheint Schubert als absolut reifer und origineller Meister. In seinen wichtigsten Instrumentalwerken spielen lyrische Liedthemen (einschließlich solcher, die Schuberts eigenen Liedern entlehnt sind – wie im „Forellen“-Quintett, „Der Tod und das Mädchen“ und „Der Wanderer“-Fantasie), Rhythmen und Intonationen eine große Rolle der Alltagsmusik. Auch Schuberts letzte Symphonie, die sogenannte „Große“, basiert vor allem auf Gesangs- und Tanzthemen, die sie in wahrhaft epischem Ausmaß entwickelt. Stilmerkmale, die aus der Praxis des alltäglichen Musizierens stammen, verbinden sich im reifen Schubert mit distanzierter Andacht und plötzlichem tragischem Pathos. In Schuberts Instrumentalwerken dominieren ruhige Tempi; R. Schumann sprach angesichts seiner Vorliebe für die gemächliche Darstellung musikalischer Gedanken von seinen „göttlichen Längen“. Die Besonderheiten von Schuberts Instrumentalkomposition kamen am eindrucksvollsten in seinen letzten beiden Hauptwerken zum Ausdruck – dem Streichquintett und der Klaviersonate in H-Dur. Ein wichtiger Bereich von Schuberts instrumentalem Schaffen ist Musikalische Momente und Impromptu für Klavier; Mit diesen Stücken begann eigentlich die Geschichte der romantischen Klavierminiaturen. Schubert komponierte auch viele Klavier- und Ensembletänze, Märsche und Variationen für die Heimmusik.

Am meisten deckt das Werk des großen romantischen Komponisten Franz Schubert ab verschiedene Genres, von Klavierminiaturen bis hin zu symphonischen Werken. Der Komponist erhob Neues level stimmliche Kreativität.

Die Vokalkunst gilt als eines der Lieblingsgebiete Franz Schuberts. Der Künstler wendet sich einem Genre zu, das das Leben und den Alltag eines „kleinen Mannes“, seine innere Welt und seinen Geisteszustand vereint. Der Komponist findet einen neuen lyrisch-dramatischen Stil, der den künstlerischen und ästhetischen Ansprüchen der Menschen seiner Zeit gerecht wird. Der Komponist hob das alltägliche österreichisch-deutsche Lied auf ein neues Niveau großartige Kunst, was diesem besonderen Genre eine außerordentliche künstlerische Bedeutung verleiht. Schubert stellte das deutsche Lied anderen Gattungen der Gesangskunst gleich.

Die Romanzen des Komponisten sind eng mit dem deutschen Lied verbunden, das in einer demokratischen Gesellschaft seit dem 17. Jahrhundert beliebt war. Schubert führte neue Eigenschaften in die stimmliche Kreativität ein, die das Lied der Vergangenheit völlig veränderten. .

Exquisit entwickelte Bilder, neue Features romantischer Texte – all das hängt eng zusammen Deutsche Kultur Mitte des 18. Jahrhunderts- gestartet 19. Jahrhundert. Schuberts künstlerischer und ästhetischer Geschmack orientierte sich an den Maßstäben literarischer Meisterwerke. In der Jugend des Musikers waren die dichterischen Grundlagen von Hölti und Klopstock lebendig. Nach einiger Zeit betrachtete der Künstler Goethe und Schiller als seine ältesten Kameraden. Ihr Schaffensprozess hatte großen Einfluss auf Schubert: Er schrieb mehr als fünfzig Lieder nach Texten von Schiller und mehr als siebzig Lieder nach Texten von Goethe. Zu Lebzeiten des Komponisten machte sich die romantische Literaturschule bemerkbar. Später interessierte sich der Künstler für Übersetzungen von Werken von Petrarca, Shakespeare und Walter Scott, die zu dieser Zeit in Deutschland und Österreich sehr beliebt waren. F. Schubert beendete seine Karriere als Liedkomponist mit Texten von Heine, Relstab und Schlegel.

Die verborgene und poetische Welt, die Erscheinung der Natur und des Alltags, Balladen sind der gemeinsame Inhalt der Texte des Komponisten. Er fühlte sich absolut nicht von „rationalen“, moralisierenden Themen angezogen, die typisch für das Songwriting der vergangenen Generation waren. Er lehnte Texte ab, die Spuren der „galanten Gallizismen“ trugen, die in der deutschen und österreichischen Poesie der Mitte des 18. Jahrhunderts populär waren. Auch die bewusste Einfachheit fand keinen Widerhall in der Seele des Komponisten. Interessant ist, dass der Musiker unter den Dichtern der Vergangenheit eine besondere Zuneigung zu Klopstock und Hölti empfand. Der erste verkündete den Ursprung der Sensibilität in Deutsche Literatur, der zweite schuf Gedichte und Balladen, deren Stil der Volkskunst ähnelt.

Eines von Schuberts Lieblingsliedthemen ist das klassische „lyrische Geständnis“ für Romantiker mit den unterschiedlichsten emotionalen und psychologischen Nuancen. Wie Dichter, die ihm atmosphärisch viel näher standen, fühlte sich der Künstler besonders von Liebestexten angezogen, in denen die innere Welt des lyrischen Helden vollständig zum Vorschein kommt. Hier ist die unschuldige Einfachheit der Sehnsucht nach der ersten Liebe (das Lied „Margarita am Spinnrad“ nach den Worten von Goethe) und die Träume eines glücklichen Liebhabers („Serenade“ nach den Worten von Relshtab) und eleganter Humor („ Schweizer Lied“ nach den Worten Goethes) und Drama (Lieder nach den Worten Heines).

Das unter romantischen Dichtern weit verbreitete Thema der Einsamkeit lag dem Komponisten unglaublich nahe, was sich in seinen Gesangstexten widerspiegelte („Winter Road“ zu Gedichten von Müller, „In einem fremden Land“ zu Gedichten von Relshtab und anderen).

„Ich kam als Fremder hierher.

Er verließ die Region als Fremder – …“ Mit diesen Zeilen beginnt Schubert seinen berühmten Zyklus „Winterreise“ nach Müllers Worten, in dem die Tragödie der inneren Einsamkeit verkörpert wird.

„Wer möchte schon einsam sein?

Es wird nur noch einer übrig sein;

Jeder möchte leben, jeder möchte lieben,

Warum brauchen sie die Unglücklichen? -“ erklärt der Komponist in „Das Lied der Harfenistin“ zu den Worten Goethes.

Überhöhung lobender Oden an die Kunst („An die Musik“, „An die Laute“, „An mein Klavier“), Volksszenen (Feldrose“ nach den Worten Goethes, „Die Beschwerde eines Mädchens“ nach den Worten Schillers, „Morgen „Serenade“ auf die Gedichte Shakespeares), weltanschauliche Probleme („Die Grenzen der Menschheit“, „An den Kutscher Kronos“) – all diese Motive offenbart Schubert in poetischer Klangbrechung.

Das Verständnis der Unparteilichkeit der Welt und der Natur ist untrennbar mit den Gefühlen der romantischen Dichter verbunden. Tautropfen auf Blumen werden mit Tränen der Liebe verglichen („Lob den Tränen“ nach den Worten von Schlegel), ein Bach wird zur Verbindung zwischen Liebenden („Botschafter der Liebe“ nach den Worten von Relshtab), eine leuchtende Forelle in der untergehenden Sonne denn der Fischerköder ist zum Symbol der Unzuverlässigkeit des Glücks geworden („Forelle“ von Schubert), der nächtlichen Stille der Natur – mit einem Traum vom Frieden („Nachtlied des Wanderers“ nach den Worten Goethes).

Franz Schubert sucht Neues Ausdrucksmittel um die lebendigen Bilder moderner Poesie vollständig zu vermitteln. Das deutsche Lied verwandelt sich in der Interpretation des Komponisten in eine facettenreiche, nämlich liedinstrumentale Gattung. Für den Musiker erlangte der Klavierpart die Bedeutung einer emotionalen und psychologischen Untermalung Gesangspart. Schubert legt in dieser Präsentation großen Wert auf die Begleitung, die den Orchesterstimmen in den Gesangs- und Schauspielwerken von Mozart, Haydn und Beethoven entspricht.

Das stimmliche Schaffen des Komponisten ist zugleich psychologische Leinwand und tragische Szene. Sie basieren auf den emotionalen Erfahrungen des lyrischen Helden. Der Künstler verkörpert die Vereinigung von Texten und äußeren Weltbildern durch die Verschmelzung von Gesangs- und Instrumentalparts.

Die ersten Einleitungstakte der Begleitung beziehen den Zuhörer in das emotionale und psychologische Umfeld der Komposition ein. Normalerweise werden im Klavierpart in den letzten Takten die Schlussakkorde im Bild der gesamten Romanze angegeben. Der Komponist verwendet die Methode des einfachen Schauspiels in einer Instrumentallinie, es sei denn, es war notwendig, ein bestimmtes Bild hervorzuheben (z. B. in „Field Rose“).

Zum Wohle aller Gesangsarbeit, der Künstler sucht sein Eigenes individuelles Thema, wo in jedem Schlag auftaucht künstlerische Grundlage und eine lyrisch-epische Geisteshaltung. Handelt es sich bei dem Werk nicht um eine Ballade, so basiert der Klavierpart auf einem konstanten zyklischen Motiv. Dieser Methode liegt die tanzrhythmische Grundlage zugrunde, die für die Volksmusik der Mehrheit charakteristisch ist europäische Länder. Er verleiht den Liedern des Komponisten eine enorme emotionale und psychologische Natürlichkeit. Der Komponist füllt das homogene rhythmische Pulsieren mit scharfen und hellen Intonationen.

So vermittelt der Komponist in „Margarita am Spinnrad“ nach Goethes Worten nach zwei Einleitungstakten einen Zustand der Traurigkeit vor dem Hintergrund eines surrenden Spinnrads. Das Lied wird praktisch zu einer Szene aus einer Oper. In der Ballade „Der Waldkönig“ vermittelt der Komponist in den ersten Takten des Klavierparts, in denen das Geräusch von Hufen nachgeahmt wird, die Gefühle von Angst, Aufregung und Anspannung. In „Serenade“ nach den Worten von Relshtab vermittelt Schubert tief empfundene Gefühle und das Zupfen der Saiten einer Gitarre oder Laute.

Der Musiker bildete sich in seinem stimmliche Kreativität der neueste pianistische Geschmack. Es positioniert das Klavier als Instrument mit enormer Farb- und Ausdruckskraft. Vokale, rezitativische, klangbildliche Methoden verleihen Schuberts Begleitung etwas Neues. Tatsächlich sind die letzten koloristischen Züge von Schuberts Liedern mit dem Instrumentalpart verbunden.

Franz Schubert war der Erste, der Neues erkannte literarische Bilder in der stimmlichen Kreativität, geeignete musikalische Ausdrucksmittel gefunden zu haben. Vokaltexte in der Musik waren eng mit dem Umdenken der Musiksprache verbunden. So entstand die Gattung des deutschen Liedes, die das Höchste und Eigentümlichste verkörperte Gesangskunst„Romantisches Zeitalter“.

Referenzliste:

1. V.D. Konen. Skizzen zum Thema ausländische Musik: M.: Muzyka, 1974. – 482 S.

Entstanden im vorletzten Jahr seines Lebens, voller trauriger Ereignisse. Der Komponist verlor jede Hoffnung, seine Werke in Deutschland und der Schweiz zu veröffentlichen. Im Januar erfuhr er, dass ein weiterer Versuch, eine Festanstellung zu bekommen, um über ein solides Einkommen zu verfügen und frei zu schaffen, erfolglos blieb: auf die Position des Hof-Vizekapellmeisters Wiener Oper sie zogen jemand anderen ihm vor. Nachdem er sich entschieden hatte, am Wettbewerb um die deutlich weniger prestigeträchtige Stelle des zweiten Vizekapellmeisters des Wiener Vorstadttheaters „Am Kärntner Tor“ teilzunehmen, konnte er diese auch nicht bekommen – auch weil die von ihm komponierte Arie sich als solche herausstellte Für die am Wettbewerb teilnehmende Sängerin war es schwierig, und Schubert lehnte dies ab – sei es wegen Wechsels oder wegen theatralischer Intrigen.

Der Trost war die Reaktion Beethovens, der im Februar 1827 mehr als fünfzig Lieder Schuberts kennenlernte. So sprach Beethovens erster Biograph Anton Schindler darüber: „Der große Meister, der vorher nicht einmal fünf Lieder Schuberts kannte, staunte über deren Zahl und wollte nicht glauben, dass Schubert bis dahin bereits mehr als fünfhundert Lieder geschaffen hatte.“ Zeit... Mit freudiger Inspiration wiederholte er immer wieder: „In der Tat lebt der Funke Gottes in Schubert!“ Die Beziehung zwischen den beiden großen Zeitgenossen entwickelte sich jedoch nicht: Einen Monat später stand Schubert am Grab Beethovens.

Nach den Erinnerungen eines Freundes des Komponisten war Schubert die ganze Zeit über „in einer düsteren Stimmung und schien müde zu sein“. Als ich fragte, was mit ihm los sei, antwortete er nur: „Du wirst es bald hören und verstehen.“ Eines Tages sagte er zu mir: „Kommen Sie heute zu Schober (Schuberts engstem Freund). - A.K.). Ich werde dir ein paar schreckliche Lieder vorsingen. Sie langweilen mich mehr als jedes andere Lied. Und er sang uns die gesamte „Winterreise“ mit berührender Stimme vor. Bis zum Schluss waren wir von der düsteren Stimmung dieser Lieder völlig verblüfft und Schober sagte, dass ihm nur ein Lied gefiel – „Linden Tree“. Schubert widersprach nur: „Diese Lieder gefallen mir am besten.“

Wie „Die schöne Müllersfrau“ basiert auch „Winterreise“ auf Gedichten des berühmten deutschen romantischen Dichters Wilhelm Müller (1794-1827). Als Sohn eines Schneiders entdeckte er seine dichterische Begabung so früh, dass er bereits mit 14 Jahren seine erste Gedichtsammlung zusammenstellte. Auch seine freiheitsliebenden Ansichten zeigten sich schon früh: Mit 19 Jahren meldete er sich freiwillig zur Teilnahme, nachdem er sein Studium an der Universität Berlin unterbrochen hatte Befreiungskrieg gegen Napoleon. Berühmt wurde Müller durch „Griechische Lieder“, in denen er den Kampf der Griechen gegen die türkische Unterdrückung verherrlichte. Müllers Gedichte, oft auch Lieder genannt, zeichnen sich durch große Melodik aus. Der Dichter selbst bereicherte sie oft mit Musik und seine „Trinklieder“ wurden in ganz Deutschland gesungen. Normalerweise kombinierte Müller Gedichte zu Zyklen, die sich auf das Bild einer Heldin (ein schöner Kellner, eine schöne Müllersfrau), ein bestimmtes Gebiet oder das bei Romantikern beliebte Thema Reisen beziehen. Er selbst reiste gern – er besuchte Wien, Italien, Griechenland und unternahm jeden Sommer Wanderausflüge in verschiedene Teile Deutschlands, wobei er mittelalterliche Wanderlehrlinge nachahmte.

Den ersten Plan für die „Winterstraße“ hatte der Dichter vermutlich bereits 1815–1816 entworfen. Ende 1822 erschienen in Leipzig die „Wanderlieder Wilhelm Müllers“. Winterweg. 12 Lieder.“ Weitere 10 Gedichte wurden am 13. und 14. März in der Breslauer Zeitung veröffentlicht nächstes Jahr. Und schließlich bestand „Winter Reise“ im zweiten Buch der „Gedichte aus Nachlässen eines wandernden Hornisten“, das 1824 in Dessau erschien (das erste von 1821 enthielt „Die schöne Müllerin“), aus 24 arrangierten Liedern in einer anderen Reihenfolge als zuvor; die letzten beiden geschriebenen wurden Nr. 15 und Nr. 6.

Schubert verwendete alle Lieder des Zyklus, ihre Reihenfolge ist jedoch unterschiedlich: Die ersten 12 folgen genau der Erstveröffentlichung der Gedichte, obwohl ihr Komponist sie viel später schrieb letzte Veröffentlichung- sie sind in Schuberts Manuskript als Februar 1827 vermerkt. Nachdem Schubert die Gesamtausgabe der Gedichte kennengelernt hatte, arbeitete er im Oktober weiter an dem Zyklus. Es gelang ihm dennoch, die Veröffentlichung des ersten Teils zu erreichen, der im Januar des folgenden Jahres in einem Wiener Verlag erschien; In der Ankündigung zur Veröffentlichung der Lieder hieß es: „Jeder Dichter kann sich das Glück wünschen, von seinem Komponisten so verstanden zu werden, mit so warmem Gefühl und so kühner Fantasie vermittelt zu werden ...“ Schubert arbeitete an den Korrekturen des 2. Teils In den letzten Tagen seines Lebens nutzte er laut den Erinnerungen seines Bruders „kurze Bewusstseinsschimmer“ während einer tödlichen Krankheit. Der 2. Teil von „Winter Retreat“ erschien einen Monat nach dem Tod des Komponisten.

Schon zu Schuberts Lebzeiten erklangen die Lieder der „Winterreise“ in den Häusern von Musikliebhabern und erfreuten sich, wie auch seine anderen Lieder, großer Beliebtheit. Eine öffentliche Aufführung fand nur einmal statt, wenige Tage vor der Veröffentlichung, am 10. Januar 1828 (Wien, Gesellschaft der Musikliebhaber, Lied Nr. 1, „Schlaf wohl“). Bezeichnenderweise war der Interpret kein professioneller Sänger, sondern ein Universitätsprofessor.

Musik

„Winter Retreat“ ist einer der größten Zyklen, er besteht aus 24 Liedern. Sowohl seine Konstruktion als auch seine emotionale Zusammensetzung unterscheiden sich deutlich von „The Beautiful Miller's Maid“. Es gibt keine Entwicklung der Handlung; die Reise des Helden hat weder Anfang noch Ende. Düstere Stimmungen stellen sich bereits in Nr. 1 ein und dominieren bis zum Schluss. Nur gelegentlich werden sie von hellen Erinnerungen und falschen Hoffnungen erleuchtet, und im Gegensatz dazu wird das Leben noch dunkler. Auch die Natur, die den Helden umgibt, ist düster: Schnee bedeckt die ganze Erde, ein zugefrorener Bach, ein Irrlicht, das ihn in entlegene Felsen lockt, ein Rabe, der auf den Tod des Wanderers wartet. In einem schlafenden Dorf wird der Held nur vom Bellen von Wachhunden begrüßt, ein Wegweiser weist auf einen Ort hin, von dem es kein Zurück mehr gibt: Die Straße führt zu einem Friedhof. Die Einfachheit der Melodie und Form bringt die Lieder des Zyklus den Volksliedern näher.

Nr. 1, „Schlaf gut“, ist voller verhaltener Trauer, betont durch den gemessenen Rhythmus der Schritte und Prozessionen. Nur der letzte Vers ist in Durtönen gehalten, wie ein Lächeln unter Tränen. Nr. 2, „Weather Vane“, klingt unruhig, wobei alarmierende Ausrufe hervorstechen. Nr. 5, „Linden“, mit einer leichten, unprätentiösen Melodie bildet den ersten Kontrast; Aber das Licht täuscht – es ist nur ein Traum. Ähnlich in der Stimmung wie Nr. 10: „ Frühlingstraum", aufgebaut auf innerem Kontrast: Einer leichten melodiösen Melodie in Dur stehen harte, abrupte Moll-Phrasen gegenüber. Eines der fröhlichsten Lieder ist Nr. 13, „Mail“, mit einem energischen Rhythmus und klingenden Fanfarenwechseln, die das Spiel eines Posthorns imitieren; aber das ist nur der Anfang jedes Verses: Nach einer Pause ertönen traurige Ausrufe. Der deklamatorische Anfang dominiert die traurig konzentrierte Nr. 14 „Sedina“, in der sich Klavier und Gesang wie ein Echo gegenseitig widerspiegeln. Eine unausweichliche Traurigkeit geht von Nr. 15, „Der Rabe“, aus. Die letzte Nummer 24, „The Organ Grinder“, ist eines der verblüffendsten Lieder Schuberts in Sachen Hoffnungslosigkeit, gelöst mit äußerst dürftigen Mitteln: Traurig wiederholte primitive Klänge eines Drehorgelspielers unterbrechen die seelenzerreißende, melancholische, überraschend einfache Melodie, die endet mit einer traurigen Frage.

A. Königsberg

Der Liederzyklus „Winter Reise“ (1827) liegt nur vier Jahre von „The Fair Miller's Maid“ entfernt, aber es scheint, als ob ein ganzes Leben zwischen ihnen liegt. Trauer, Widrigkeiten und Enttäuschungen veränderten das Aussehen des einst fröhlichen und fröhlichen jungen Mannes bis zur Unkenntlichkeit. Jetzt ist er ein verlassener, einsamer Wanderer, der verzweifelt versucht, bei den Menschen Mitgefühl und Verständnis zu finden. Er ist gezwungen, seine Geliebte zu verlassen, weil er arm ist. Ohne Hoffnung auf Liebe und Freundschaft verlässt er Orte, die ihm am Herzen liegen, und begibt sich auf eine lange Reise. Alles ist in der Vergangenheit, nur vor uns Langstrecke bis zum Grab. Das Thema Einsamkeit und Leid wird in vielen Nuancen dargestellt: Die lyrischen Ausbrüche mancher Lieder nehmen den Charakter philosophischer Reflexionen über das Wesen des Lebens und der Menschen an.

„Winter Reise“ knüpft gewissermaßen an „Die schöne Müllerin“ an und fungiert sozusagen als deren Fortsetzung. Doch die Unterschiede in der Dramaturgie der Zyklen sind durchaus erheblich. In der Winterreise gibt es keine Handlungsentwicklung, und die Lieder werden durch das tragischste Thema des Zyklus, die dadurch bestimmten Stimmungen, vereint.

Mehr komplexer Natur poetische Bilder spiegelten sich in der gesteigerten Dramatik der Musik wider, in der Betonung der inneren, psychologischen Seite des Lebens. Dies erklärt die erhebliche Komplikation der musikalischen Sprache und den Wunsch, die Form zu dramatisieren. Einfache Liedformen werden dynamisiert; spürbare Dominanz verschiedene Typen dreiteiliger Aufbau – mit erweitertem Mittelteil, mit dynamischer Reprise, Variationswechsel in jedem Teil. Die wohlklingende Melodie wird durch deklamatorische und rezitativische Wendungen bereichert, die Harmonie durch kühne Vergleiche, plötzliche Modulationen und den Einsatz komplexerer Akkordkombinationen. Die überwiegende Mehrheit der Lieder ist in Moll geschrieben, was durchaus mit der allgemeinen Stimmung des Zyklus übereinstimmt. Schubert greift nur auf visuelle Techniken zurück, um die dramatische Natur von Kontrasten hervorzuheben, zum Beispiel Traum und Realität, Erinnerung und Realität in den Liedern „Frühlingstraum“ und „Lindenbaum“; oder um einem bestimmten Bild („Raven“) eine symbolische Bedeutung zu verleihen, ist der illustrative Charakter des Liedes „Mail“ eine Ausnahme.

„Winter Reise“ besteht aus vierundzwanzig Liedern und ist in zwei Teile zu je zwölf aufgeteilt. Das allererste Lied“ Schlaf gut„- eine Art Einleitung, eine traurige Geschichte über vergangene Hoffnungen und Lieben, darüber, was einen Reisenden erwartet, der gezwungen ist zu gehen Heimat. Die Melodie des Liedes ist über einen weiten Bereich gestreut. Mit der anfänglichen Intonation von „Detention“ beginnt die absteigende Bewegung. Diese Intonation, kombiniert mit der vollständigen Verwendung der diatonischen Moll-Tonleiter, verleiht der Melodie Tiefe, Breite und eine besondere Mehrdimensionalität;

Die rhythmisch ausgerichtete Bewegung der Begleitung wird nur gelegentlich (in der Einleitung, in Zwischenspielen) durch scharf akzentuierte, harte Akkorde unterbrochen. Durch die Betonung des letzten Taktschlags entsteht eine Art Synkope; In diesem Moment nimmt der „Grundton“ der Inhaftierung einen überaus dramatischen Charakter an:

Die Steigerung eines freudlosen Gefühls wird auch durch die Form selbst, die immer wieder wiederholten Verse, verursacht. Erst in der vierten und letzten Strophe kommt es zu einer unerwarteten Verschiebung in die gleichnamige Dur-Stimme. Aber die vorübergehende Erleuchtung lässt uns die Trauer des gesamten Liedes noch stärker spüren.

« Linde" Süße Erinnerungen an die Linde, die am Eingang der Stadt steht. Der Reisende träumte einst in seinem kühlen Schatten, doch nun werden diese Träume durch den kalten Nachtwind in der Steppe, in einem fremden Land, vertrieben. „Linden“ ist eines der berühmtesten Lieder des Zyklus. Schubert verkörpert den romantischen Kontrast von Traum und Realität, Vergangenheit und Gegenwart und findet in diesem Lied viele neue Techniken und Mittel des musikalischen Ausdrucks.

(Die Interpretation der Strophenform ist hier eigenartig: Es entsteht ein dreiteiliger Aufbau, bei dem nicht nur der Mittelteil gegenüber den Extremteilen kontrastiert ist, sondern auch innerhalb der Extremteile durch ständige Variationserneuerung Kontraste entstehen. Die Der erste Teil besteht aus zwei Strophen, die zweite ist eine Variante der ersten; dann dringt das Material der Klaviereinleitung ein, auf der der Mittelsatz aufbaut, und es folgt eine abwechslungsreiche Reprise.)

Wie die meisten Lieder wird „Linden“ von einer Einleitung und einem Schluss am Klavier umrahmt. Der übliche Zweck der Einleitung – eine Einführung in die emotionale Atmosphäre des Werkes – wird hier durch weitere Funktionen ergänzt. Die auf eigenständigem thematischem Material aufbauende Einleitung durchläuft eine große Entwicklung, bei der ihre Zweidimensionalität zum Vorschein kommt: Ausdruckskraft und Bildhaftigkeit. Das leichte Wirbeln von Sechzehntelnoten und ähnliche Echos können viele assoziative Ideen hervorrufen: das leise Rascheln von Blättern und der Hauch einer in die Ferne wehenden Brise, oder vielleicht die Zerbrechlichkeit von Träumen, geträumten Visionen usw.:

Mit der Einführung einer Stimme, die ruhig ihre Geschichte leitet, verändert sich die Textur der Begleitung, ihr Klang wird gewissermaßen materieller. Im gemächlichen Tempo der Begleitung, im Satz in parallelen Terzen, in den kaum hörbaren Lichtechos sind Elemente der Landschaft und des Pastoralismus spürbar:

Die zweite Strophe des Liedes beginnt mit dem Material der Klaviereinleitung. Der Stimmungswechsel wird durch einen Moll-Modus hervorgehoben, der dann wieder in den gleichnamigen Dur-Modus übergeht: Diese Modusschwankungen werden durch eine Reihe heller und trauriger Bilder verursacht. Gleichzeitig maskiert die abwechslungsreiche Darstellung des Klavierparts die Wiederholung, macht die Form beweglich, und die Rückkehr zur Haupttonalität schließt den ersten Teil des Liedes ab und trennt ihn klar vom Mittelteil. Die Klavierbegleitung wird anschaulicher. Chromatisierung, harmonische Instabilität, Texturmerkmale dienen visuelle Mittel, was die Realität des beschriebenen Bildes verstärkt. Gleichzeitig kommt es zu Veränderungen in der mit rezitativischen Elementen gesättigten Gesangsstimme:

In der Reprise, die durch einen dynamischen Rückgang und eine allmähliche Abschwächung vorbereitet wird, wird die warme Farbe des ersten Satzes wiederhergestellt; aber der Prozess der Variation des Klavierparts entsprechend der Bewegung des poetischen Bildes geht weiter.

« Frühlingstraum" - ein von interessante Beispiele Dramatisierung des Liedes. Musik, die frei dem poetischen Text folgt, hebt alle Details hervor.

Die Gesamtkomposition besteht aus drei kontrastierenden Episoden, die dann buchstäblich wiederholt werden, jedoch mit einem anderen Text. Eine Frühlingswiese, ein fröhlicher Vogelchor – der poetische Inhalt der ersten musikalischen Struktur. Eine anmutige, „flatternde“ Melodie mit kurzen Trillern, Vorschlagsnoten, sanfter Figuration mit Begleitung, Leichtigkeit der Bewegung, versteckter Tanzbarkeit vermitteln den bezaubernden Charme dieses idyllischen Bildes:

Die folgende Episode klingt mit scharfer Dissonanz: „Plötzlich krähte der Hahn. Er Süßer Traum fuhr weg, es war Dunkelheit und Kälte ringsum und ein Rabe auf dem Dach schrie.“ IN wunderbarer Traum Die grausame Welt des Lebens bricht herein. Die Dramatik dieses Kontrasts wird durch viele Techniken der musikalischen Ausdruckskraft betont. Die Klarheit der Farbgebung des Dur-Modus, die Einfachheit der harmonischen Struktur, die abgerundeten Phrasen der Melodie der ersten Episode werden durch den Moll-Modus, harmonische Instabilität, dissonante Verzögerungen und scharfe Würfe alterierter Akkorde ersetzt. Die melodische Glätte verschwindet, sie wird durch Intonationen ersetzt, die deklamatorischen ähneln, manchmal eng konjugiert, manchmal im Abstand von Oktaven und Nonen:

Die dritte Folge ist das Ergebnis (Schlussfolgerung) des Vergleichs. Die lyrische Reflexion dieses Abschnitts drückt aus Leitgedanke Werke, die typisch für Schuberts Mentalität der letzten Jahre sind – „Es ist komisch, wer im Winter einen Sommertag in seiner ganzen Pracht sieht“:

Dies ist das traurige philosophische Konzept des Liedes, das seinen poetischen Metaphern zugrunde liegt. Das Schöne existiert nur als Traum, ein Traum, der bei der geringsten Berührung mit der kalten, düsteren Realität zusammenbricht. Diese Ansicht wurde also sicherlich zum ersten Mal geäußert, aber in den folgenden Liedern greift Schubert denselben Gedanken auf und variiert ihn auf unterschiedliche Weise.

Im zweiten Teil des Zyklus nimmt die Tragödie stetig zu. Das Thema der Einsamkeit weicht dem Thema des Todes, das immer beharrlicher behauptet wird. Dies geschieht im düsteren Lied „Raven“ (der Rabe ist der Vorbote des Todes, sein Emblem), im tragisch nackten Lied „Pole“. „Raven“ und „Pole“ sind die wichtigsten Meilensteine ​​auf dem Weg zum traurigen Abschluss des Zyklus – dem Lied „Organ Grinder“.

« Leierkastenmann" Das Bild eines Drehorgelspielers – eines obdachlosen Bettlerlandstreichers – ist zutiefst symbolisch. Er verkörpert das Schicksal des Künstlers, des Künstlers und Schuberts selbst. Es ist kein Zufall, dass am Ende des Liedes in der direkten Rede des Autors eine Frage an den armen Musiker gestellt wird: „Willst du, wir werden gemeinsam die Trauer ertragen, willst du, wir werden Lieder singen?“ die Orgel einer Drehorgel.“

In der Einfachheit und Lakonizität sparsam ausgewählter Techniken – der Kraft ihrer Ausdruckskraft und des von ihnen erzeugten Eindrucks – fesselt die gehaltene Tonika im Bass – die Harmonie eines primitiven Volksinstruments: Dudelsack, Leier, Orgel – den gesamten Satz des Liedes . Charakteristisch für spezifische Orgel-Orgel-Klangformationen ist die harmonische Adstringenz, die durch die Überlagerung dominanter Konsonanzen entsteht. Die schwere Monotonie der Bassschläge dient als Hintergrund für das Klimpern eines kurzen Instrumentalliedes:

Aus diesem Gesang entsteht eine Gesangsmelodie, die auf dem Singen der Tonikaklänge einer Moll-Tonleiter basiert. Subtile Veränderungen im Muster der Melodie haben keinen Einfluss auf ihr Wesen. Schmerzhafte Melancholie geht von der Leblosigkeit und Mechanik aus, mit der sich die Phrasen des traurigen Gesangs der Stimme und des Instrumentalklimperns abwechseln. Erst wenn die Beschreibung des Schicksals des benachteiligten Musikers zur direkten Autorenrede wird: „Wenn du willst, werden wir die Trauer gemeinsam ertragen“, offenbart sich die wahre dramatische Bedeutung des Liedes. Mit dem Ausdruck tragischer Rezitationen erklingen sie letzte Sätze"Leierkastenmann".

Wenn „The Beautiful Miller's Wife“ von der Poesie der Jugend durchdrungen ist, dann ist der zweite Zyklus von vierundzwanzig Liedern, „Winter Retreat“, der vier Jahre später geschrieben wurde, von einer tragischen Stimmung geprägt. Die jugendliche Welt des Frühlings weicht der Melancholie, Hoffnungslosigkeit und Dunkelheit, die in den letzten Jahren seines Lebens so oft die Seele des Komponisten erfüllte.

Ein junger Mann, von einer reichen Braut abgelehnt, verlässt die Stadt. In einer dunklen Herbstnacht beginnt er seine einsame und ziellose Reise. Das Lied „Schlaf gut“, das den Prolog des Zyklus darstellt, gehört zu den tragischsten Werken Schuberts. Der Rhythmus eines gleichmäßigen Schrittes, der die Musik durchdringt, weckt Assoziationen an das Bild einer gehenden Person:

Verstecktes Marschieren ist auch in einer Reihe anderer Lieder von „Winter Retreat“ präsent und lässt einen den ständigen Hintergrund spüren – den Schritt eines einsamen Reisenden*.

* Zum Beispiel: „Einsamkeit“, „Wegweiser“, „Fröhlichkeit“.

Der Komponist nimmt subtile Variationsänderungen an den Versen der Romanze „Schlaf gut“ vor, die brillant einfach und voller tiefer Gefühle ist. Im letzten Vers, im Moment der spirituellen Erleuchtung, wenn der leidende junge Mann seinem geliebten Glück wünscht, wird die Moll-Tonart durch eine Dur-Tonart ersetzt.

Bilder von toter Winternatur verschmelzen mit schwerer Geisteszustand Held. Sogar die Wetterfahne über dem Haus seiner Geliebten erscheint ihm als Symbol einer seelenlosen Welt („Wetterfahne“). Winters Taubheit verstärkt seine Melancholie („Frozen Tears“, „Daze“). Der Ausdruck des Leidens erreicht eine außerordentliche Schärfe. Das Lied „Daze“ hat einen Hauch von Beethovenscher Tragödie. Ein Baum, der am Eingang der Stadt steht und von einem Herbstwind heftig gepeinigt wird, erinnert an das unwiederbringlich verschwundene Glück („Linde“). Das Bild der Natur wird mit immer düstereren, unheimlicheren Farben gesättigt. Das Bild eines Baches bekommt hier eine andere Bedeutung als in „Die schöne Müllersfrau“: geschmolzener Schnee wird mit einem Tränenstrom assoziiert („Wasserstrom“), ein gefrorener Bach spiegelt die spirituelle Versteinerung des Helden wider („Am Bach“) ), Winterkälte weckt Erinnerungen an vergangene Freude („By the Stream“). Erinnerungen").

Im Lied „Will-o’-the-wisp“ taucht Schubert in das Reich fantastischer, unheimlicher Bilder ein.

Der Wendepunkt im Zyklus ist das Lied „Spring Dream“. Seine gegensätzlichen Episoden stellen das Aufeinanderprallen von Traum und Realität dar. Beängstigend Lebenswahrheit vertreibt einen wunderbaren Traum.

Von nun an sind die Eindrücke der gesamten Reise von Hoffnungslosigkeit durchdrungen. Sie erwerben eine generalisierte tragischer Charakter. Der Anblick einer einsamen Kiefer oder einer einsamen Wolke verstärkt das Gefühl der eigenen Entfremdung („Einsamkeit“). Das freudige Gefühl, das beim Klang des Posthorns unwillkürlich aufkam, vergeht augenblicklich: „Für mich wird es keinen Brief geben“ („Post“). Der Morgenfrost, der das Haar des Reisenden versilbert hat, ähnelt grauem Haar und weckt die Hoffnung auf den bevorstehenden Tod („Graues Haar“). Der schwarze Rabe scheint ihm die einzige Manifestation der Loyalität auf dieser Welt zu sein („Der Rabe“). In den letzten Liedern (vor dem „Epilog“) – „Cheerfulness“ und „False Suns“ – erklingt bittere Ironie. Die letzten Illusionen verschwanden.

Der Text von „Winter Retreat“ ist unermesslich umfassender als das Liebesthema. Es wird in einem allgemeineren philosophischen Sinne interpretiert – als Tragödie der geistigen Einsamkeit des Künstlers in der Welt der Spießer und Händler. Im letzten Lied „The Organ Grinder“, das den Epilog des Zyklus bildet, verkörperte für Schubert das Bild eines armen alten Mannes, der hoffnungslos an der Kurbel eines Drehorgelspielers dreht, sein eigenes Schicksal. In diesem Zyklus gibt es weniger externe Handlungspunkte und weniger akustische Visualisierung als in „Die schöne Müllerin“. Seine Musik ist von tiefer innerer Dramatik geprägt. Je weiter sich der Zyklus entwickelt, desto intensiver werden Gefühle der Einsamkeit und Melancholie. Schubert gelang es, für jede der vielen Schattierungen dieser Stimmungen – von lyrischer Traurigkeit bis hin zu einem Gefühl völliger Hoffnungslosigkeit – einen einzigartigen musikalischen Ausdruck zu finden.

Der Zyklus offenbart ein neues Prinzip der musikalischen Dramaturgie, das auf der Entwicklung und Kollision psychologischer Bilder basiert. Die wiederholte „Invasion“ von Motiven aus Träumen, Hoffnungen oder Glückserinnerungen (z. B. „Lindenbaum“, „Frühlingstraum“, „Post“, „Letzte Hoffnung“) steht im dramatischen Kontrast zur Dunkelheit der Winterstraße. Diese Momente falscher Erleuchtung, die stets durch modale Tonkontraste betont werden, erwecken den Eindruck einer schrittweisen Entwicklung.

Die Gemeinsamkeit der melodischen Struktur manifestiert sich in Liedern, die im poetischen Bild besonders nahe beieinander liegen. Solche Intonationsappelle vereinen weit voneinander entfernte Episoden, insbesondere Prolog und Epilog.

Auch der sich wiederholende Marschrhythmus, der Wendepunkt des Liedes „Spring Dream“ (oben erwähnt) und eine Reihe anderer Techniken tragen zum Eindruck der Integrität der dramatischen Komposition bei.

Um die tragischen Bilder der Winterreise auszudrücken, fand Schubert eine Reihe neuer Ausdruckstechniken. Dies betrifft vor allem die Interpretation des Formulars. Schubert gab hier eine freie Liedkomposition vor, deren Struktur, die nicht in den Rahmen des Verses passt, durch die Befolgung der semantischen Details des poetischen Textes bestimmt wird („Gefrorene Tränen“, „Irrlicht“. “, „Einsamkeit“, „Letzte Hoffnung“). Sowohl die Dreistimmigkeit als auch die Coupletform werden mit gleicher Freiheit interpretiert, was ihnen eine organische Einheit verleiht. Die Ränder der Innenteile sind kaum erkennbar („Rabe“, „Graue Haare“, „Orgelmühle“). Jeder Vers des Liedes „Water Stream“ befindet sich in der Entwicklung.

Auch Schuberts harmonische Sprache wurde in der Winterreise spürbar bereichert. Durch unerwartete Modulationen in Terzen und Sekunden, dissonante Verzögerungen und chromatische Harmonien erreicht der Komponist eine gesteigerte Ausdruckskraft.

Auch der melodisch-intonatorische Bereich ist vielfältiger geworden. Jede Romanze von „Winter Retreat“ hat ihre eigene einzigartige Intonationspalette und verblüfft gleichzeitig mit der extremen Lakonizität der melodischen Entwicklung, die durch die Variation einer dominanten Intonationsgruppe („Organ Grinder“, „Water Stream“) entsteht “, „Stürmischer Morgen“).

Schuberts Liederzyklen *

* Schuberts Zyklen können mit gewissen Vorbehalten sieben Lieder aus „Die Jungfrau vom See“ von Walter Scott (1825), vier Lieder aus „Wilhelm Meister“ von Goethe (1826), fünf Lieder nach Texten von Heine, enthalten in die Sammlung „Schwanengesang“: Ihre Einheit von Handlung, Stimmung und poetischem Stil schafft die Integrität, die für das zyklische Genre charakteristisch ist.

hatte einen erheblichen Einfluss auf die Entstehung nicht nur der Gesangs-, sondern auch der Klaviermusik der Mittel- und Mittelschicht Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert. Ihre charakteristischen Bilder, Kompositionsprinzipien und Strukturmerkmale wurden in den Lieder- und Klavierzyklen Schumanns („Die Liebe eines Dichters“, „Die Liebe und das Leben einer Frau“, „Karneval“, „Kreisleriana“, „ „Phantastische Stücke“), Chopin (Präludien), Brahms („Magelon“) und andere.