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- ▲ Art der Belletristik, Arten der Literatur. episches Genre. Epos. Prosa-fiktionale Geschichte über welche Art von Menschen. Veranstaltungen. Prosa (# Werke). Fiktion. Text. Theater... Ideographisches Wörterbuch der russischen Sprache

Dieser Begriff hat andere Bedeutungen, siehe Drama. Nicht zu verwechseln mit Drama (einer Art Literatur). Drama ist ein literarisches (dramatisches), Bühnen- und Filmgenre. Besondere Popularität erlangte es in der Literatur des 18. und 21. Jahrhunderts,... ... Wikipedia

In der Kunst: Drama ist eine Art Literatur (zusammen mit epischer und lyrischer Poesie); Drama ist eine Art Bühnenfilm-Action; ein Genre, das verschiedene Subgenres und Modifikationen umfasst (wie bürgerliches Drama, absurdistisches Drama usw.); Toponym(e): ... ... Wikipedia

D. als poetische Gattung Herkunft D. Ost D. Antike D. Mittelalter D. D. Renaissance Von der Renaissance zum Klassizismus Elisabethanisch D. Spanisch D. Klassik D. Bürgerlich D. Ro ... Literarische Enzyklopädie

Episch, lyrisch, dramatisch. Sie wird nach verschiedenen Kriterien bestimmt: aus der Sicht der Methoden der Nachahmung der Realität (Aristoteles), der Inhaltsarten (F. Schiller, F. Schelling), der erkenntnistheoretischen Kategorien (objektiv subjektiv bei G. W. F. Hegel), formal. . ... Enzyklopädisches Wörterbuch

Drama (griechisch dráma, wörtlich: Handlung), 1) eines davon drei Arten Literatur (zusammen mit epischer und lyrischer Poesie; siehe literarische Gattung). D. gehört gleichzeitig zum Theater und zur Literatur: Als grundlegende Grundlage der Aufführung wird es gleichzeitig wahrgenommen in... ... Große sowjetische Enzyklopädie

Moderne Enzyklopädie

Literarisches Geschlecht- Gattungsliteratur, eine der drei Werkgruppen der Belletristik: Epos, Lyrik, Drama. Die Tradition der generischen Einteilung der Literatur wurde von Aristoteles begründet. Trotz der Fragilität der Grenzen zwischen den Gattungen und der Fülle an Zwischenformen (lyrisches Epos ... ... Illustriert Enzyklopädisches Wörterbuch

Episch, lyrisch, dramatisch. Sie wird nach verschiedenen Kriterien bestimmt: aus der Sicht von Methoden der Nachahmung der Realität (Aristoteles), Inhaltstypen (F. Schiller, F. Schelling), erkenntnistheoretischen Kategorien (objektiv subjektiv bei G. Hegel), formalen Merkmalen ... ... Großes enzyklopädisches Wörterbuch

ROD, a (y), vorher. über (im) Geschlecht und im (über) Geschlecht, Plural. s, ov, Ehemann. 1. Die wichtigste soziale Organisation des primitiven Gemeinschaftssystems, vereint durch Blutsverwandtschaft. Der Älteste des Clans. 2. Eine Reihe von Generationen, die von einem Vorfahren abstammen, sowie eine Generation im Allgemeinen ... Ozhegovs erklärendes Wörterbuch

Bücher

• Puschkin, Tynjanow Juri Nikolajewitsch. Juri Nikolajewitsch Tynjanow (1894-1943) – ein herausragender Prosaschriftsteller und Literaturkritiker – sah aus wie Puschkin, von dem man ihm seit seiner Studienzeit erzählt hatte. Wer weiß, vielleicht war es diese Ähnlichkeit, die geholfen hat ...

Drama ist eine der drei Arten von Literatur (zusammen mit epischer und lyrischer Poesie). Das Drama gehört gleichzeitig zum Theater und zur Literatur: Als grundlegende Grundlage der Aufführung wird es auch in der Lektüre wahrgenommen. Sie entstand auf der Grundlage der Entwicklung der Theateraufführungen: Die Bedeutung von Schauspielern, die Pantomime mit dem gesprochenen Wort kombinierten, markierte ihre Entstehung als eine Art Literatur. Da es für die kollektive Wahrnehmung gedacht ist, hat sich das Drama immer auf die dringendsten gesellschaftlichen Probleme konzentriert und ist in den auffälligsten Beispielen populär geworden; Ihre Grundlage sind sozialgeschichtliche Widersprüche oder ewige, universelle Antinomien. Es wird vom Drama dominiert – einer Eigenschaft des menschlichen Geistes, die durch Situationen geweckt wird, in denen das, was für einen Menschen geschätzt und lebenswichtig ist, unerfüllt bleibt oder bedroht ist. Die meisten Dramen basieren auf einer einzigen äußeren Handlung mit ihren Wendungen (was dem auf Aristoteles zurückgehenden Prinzip der Handlungseinheit entspricht). Dramatische Handlungen sind meist mit einer direkten Konfrontation zwischen den Helden verbunden. Es wird entweder vom Anfang bis zum Ende verfolgt und erfasst große Zeiträume (mittelalterliche und orientalische Dramen, zum Beispiel „Shakuntala“ von Kalidasa), oder es wird nur auf seinem Höhepunkt, kurz vor dem Ende, aufgenommen (antike Tragödien oder viele Dramen der Moderne). mal, zum Beispiel „Mitgift“, 1879, A.N. Ostrovsky).

Prinzipien der Dramakonstruktion

Die klassische Ästhetik des 19. Jahrhunderts verabsolutierte diese Prinzipien der Dramakonstruktion. V.G. Belinsky betrachtete das Drama – in Anlehnung an Hegel – als eine Reproduktion miteinander kollidierender Willensimpulse („Aktionen“ und „Reaktionen“) und glaubte, dass „es im Drama keine einzige Person geben sollte, die in seinem Mechanismus nicht notwendig wäre.“ Verlauf und Entwicklung“ und dass „die Entscheidung über die Wahl eines Weges vom Helden des Dramas und nicht vom Ereignis abhängt.“ In den Chroniken von William Shakespeare und in der Tragödie „Boris Godunow“ von A. S. Puschkin ist die Einheit der äußeren Handlung jedoch geschwächt, und bei A. P. Tschechow fehlt sie völlig: Hier entfalten sich mehrere gleichberechtigte Handlungsstränge gleichzeitig. Oftmals überwiegt in einem Drama die innere Handlung, bei der die Figuren nicht so sehr etwas tun, sondern anhaltende Konfliktsituationen erleben und intensiv nachdenken. Innere Handlung, deren Elemente bereits in den Tragödien „Oedipus Rex“ von Sophokles und „Hamlet“ (1601) von Shakespeare vorhanden sind, dominiert das Drama des späten 19. – mittleren 20. Jahrhunderts (G. Ibsen, M. Maeterlinck, Tschechow). , M. Gorky, B. Shaw, B. Brecht, modernes „intellektuelles“ Drama, zum Beispiel: J. Anouilh). Das Prinzip des inneren Handelns wurde in Shaws Werk „Die Quintessenz des Ibsenismus“ (1891) polemisch verkündet.

Grundlage der Komposition

Die universelle Grundlage der Dramakomposition ist die Gliederung ihres Textes in Bühnenepisoden, in denen ein Moment eng an einen anderen, benachbarten angrenzt: Die dargestellte, sogenannte Echtzeit entspricht eindeutig der Zeit der Wahrnehmung, der künstlerischen Zeit (siehe).

Die Einteilung des Dramas in Episoden erfolgt auf unterschiedliche Weise. Im volkstümlichen mittelalterlichen und orientalischen Drama, aber auch bei Shakespeare, in Puschkins Boris Godunow, in Brechts Stücken ändern sich Ort und Zeit der Handlung oft, was dem Bild eine Art epische Freiheit verleiht. Das europäische Drama des 17.-19. Jahrhunderts basiert in der Regel auf wenigen und umfangreichen Bühnenepisoden, die mit den Akten der Aufführungen zusammenfallen, was der Darstellung eine lebensnahe Authentizität verleiht. Die Ästhetik des Klassizismus bestand auf möglichst kompakter Beherrschung von Raum und Zeit; Die von N. Boileau proklamierten „drei Einheiten“ überlebten bis ins 19. Jahrhundert („Woe from Wit“, A.S. Griboedova).

Drama und Charakterausdruck

Im Drama sind die Aussagen der Charaktere entscheidend., die ihr willentliches Handeln und ihre aktive Selbstoffenbarung kennzeichnen, während die Erzählung (Geschichten der Charaktere über frühere Ereignisse, Nachrichten von Boten, die Einführung der Stimme des Autors in das Stück) untergeordnet ist oder sogar völlig fehlt; Die von den Charakteren gesprochenen Worte bilden eine durchgezogene, ununterbrochene Linie im Text. Die theatralisch-dramatische Rede hat eine doppelte Art der Ansprache: Der Charakterdarsteller tritt mit Bühnenpartnern in Dialog und appelliert monologisch an das Publikum (siehe). Der monologe Beginn der Rede erfolgt im Drama zunächst latent in Form von Nebenbemerkungen, die in den Dialog eingefügt werden und keine Antwort erhalten (dies sind die Aussagen von Tschechows Helden, die einen Gefühlsausbruch isolierter und einsamer Menschen markieren); zum anderen in Form von Monologen selbst, die die verborgenen Erfahrungen der Figuren offenbaren und dadurch die Dramatik der Handlung verstärken, den Umfang des Dargestellten erweitern und dessen Bedeutung unmittelbar offenbaren. Durch die Kombination von dialogischer Konversationalität und monologer Rhetorik bündelt das Sprechen im Theater die appellativ wirksamen Fähigkeiten der Sprache und erlangt eine besondere künstlerische Energie.

In den historisch frühen Stadien (von der Antike bis zu F. Schiller und W. Hugo) stützte sich der überwiegend poetische Dialog stark auf Monologe (Seelenausgießungen von Helden in „Pathosszenen“, Aussagen von Boten, Nebenbemerkungen, direkte Appelle der Öffentlichkeit), was sie dem Reden und Sprechen näher brachte Lyrik. Im 19. und 20. Jahrhundert wurde die Tendenz der Helden eines traditionellen poetischen Dramas, „zu schweben, bis ihre Kräfte völlig erschöpft sind“ (Yu.A. Strindberg), oft distanziert und ironisch wahrgenommen, als Hommage an die Routine und Lüge. Im Drama des 19. Jahrhunderts, das von einem ausgeprägten Interesse am Privat-, Familien- und Alltagsleben geprägt ist, dominiert das gesprächig-dialogische Prinzip (Ostrowski, Tschechow), die monologe Rhetorik wird auf ein Minimum reduziert (Ibsens spätere Stücke). Im 20. Jahrhundert wurde der Monolog erneut im Drama aktiviert, das die tiefsten gesellschaftspolitischen Konflikte unserer Zeit (Gorki, V. V. Mayakovsky, Brecht) und die universellen Antinomien des Seins (Anouilh, J. P. Sartre) thematisierte.

Rede im Drama

Dramatische Rede, die über einen weiten Raum gehalten werden soll Theaterraum, konzipiert für Massenwirkung, potenziell klangvoll, voller Stimme, das heißt voller Theatralik („Ohne Beredsamkeit gibt es keinen dramatischen Schriftsteller“, bemerkte D. Diderot). Theater und Drama brauchen Situationen, in denen der Held zum Publikum spricht (der Höhepunkt von „Der Regierungsinspektor“, 1836, N. V. Gogol und „Das Gewitter“, 1859, A. N. Ostrowski, entscheidende Episoden von Majakowskis Komödien) sowie theatralische Übertreibungen: eine dramatische Figur braucht mehr laute und klar ausgesprochene Worte, als die dargestellten Situationen erfordern (der journalistisch eindringliche Monolog von Andrei allein, der einen Kinderwagen schiebt, im 4. Akt von „Drei Schwestern“, 1901, Tschechow). Puschkin („Von allen Arten von Werken sind die dramatischsten Werke.“ A.S. Puschkin. Über die Tragödie, 1825), E. Zola und L.N. Tolstoi sprachen über die Anziehungskraft des Dramas auf die Konventionalität von Bildern. Die Bereitschaft, Leidenschaften rücksichtslos nachzugeben, die Neigung zu plötzlichen Entscheidungen, scharfe intellektuelle Reaktionen und der extravagante Ausdruck von Gedanken und Gefühlen sind den Helden des Dramas viel stärker inhärent als den Charakteren Erzählwerke. Die Bühne „vereint auf kleinem Raum, in nur zwei Stunden, alle Bewegungen, die selbst ein leidenschaftlicher Mensch oft nur in einem langen Lebensabschnitt erleben kann“ (Talma F. On Stage Art.). Das Hauptthema der Suche des Dramatikers sind bedeutende und lebendige mentale Bewegungen, die das Bewusstsein vollständig ausfüllen und überwiegend Reaktionen auf das Geschehen sind dieser Moment: auf ein gerade gesprochenes Wort, auf die Bewegung von jemandem. Gedanken, Gefühle und Absichten, vage und vage, werden in der dramatischen Sprache mit weniger Spezifität und Vollständigkeit wiedergegeben als in der Erzählform. Solche Einschränkungen des Dramas werden durch seine Bühnenreproduktion überwunden: Die Intonationen, Gesten und Gesichtsausdrücke der Schauspieler (manchmal von Autoren in Regieanweisungen aufgezeichnet) fangen die Nuancen der Erfahrungen der Charaktere ein.

Zweck des Dramas

Der Zweck des Dramas besteht laut Puschkin darin, „auf die Menge einzuwirken, ihre Neugier zu wecken“ und zu diesem Zweck die „Wahrheit der Leidenschaften“ einzufangen: „Lachen, Mitleid und Entsetzen sind die drei Saiten unserer Vorstellungskraft, die erschüttert werden.“ durch dramatische Kunst“ (A.S. Puschkin. Über Volksdrama und Drama „Marfa Posadnitsa“, 1830). Das Drama ist besonders eng mit der Sphäre des Lachens verbunden, denn das Theater wurde im Rahmen von Massenfeiern, in einer Atmosphäre von Spiel und Spaß gestärkt und weiterentwickelt: Der „komödiantische Instinkt“ ist „die grundlegende Grundlage allen dramatischen Könnens“ (Mann T .). In früheren Epochen – von der Antike bis zum 19. Jahrhundert – entsprachen die Grundeigenschaften des Dramas allgemeinen literarischen und allgemeinen künstlerischen Strömungen. Das transformative (idealisierende oder groteske) Prinzip in der Kunst dominierte über das reproduzierende, und das Dargestellte wich deutlich von den Formen ab wahres Leben, so dass das Drama nicht nur erfolgreich mit dem epischen Genre konkurrierte, sondern auch als „Krone der Poesie“ (Belinsky) wahrgenommen wurde. Im 19. und 20. Jahrhundert nahm der Wunsch der Kunst nach Lebendigkeit und Natürlichkeit zu, als Reaktion auf die Vorherrschaft des Romans und den Rückgang der Rolle des Dramas (insbesondere im Westen in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts). Gleichzeitig veränderte es seine Struktur radikal: Unter dem Einfluss der Erfahrung der Romanautoren begannen die traditionellen Konventionen und Übertreibungen des dramatischen Bildes auf ein Minimum reduziert zu werden (Ostrowski, Tschechow, Gorki mit ihrem Wunsch nach alltäglicher und psychologischer Authentizität der Bilder). Allerdings behält das neue Drama auch Elemente der „Unplausibilität“ bei. Selbst in Tschechows realistischen Stücken sind die Aussagen einiger Charaktere konventionell poetisch.

Obwohl in figuratives System Drama dominiert immer Sprachcharakteristik Sein Text ist auf spektakuläre Ausdruckskraft ausgerichtet und berücksichtigt die Möglichkeiten der Bühnentechnik. Daher ist die wichtigste Voraussetzung für ein Drama seine szenische Qualität (letztendlich bestimmt durch akute Konflikte). Es gibt jedoch Dramen, die nur zum Lesen gedacht sind. Dies sind viele Stücke aus den Ländern des Ostens, in denen die Blütezeit von Drama und Theater manchmal nicht zusammenfiel, der spanische Dramaroman „Celestine“ (Ende des 15. Jahrhunderts), in der Literatur des 19. Jahrhunderts – die Tragödien von J. Byron, „Faust“ (1808-31) von I.V. Goethe. Puschkins Betonung der Bühnenaufführung in „Boris Godunow“ und insbesondere in kleinen Tragödien ist problematisch. Das Theater des 20. Jahrhunderts, das nahezu alle Genres und generischen Formen der Literatur erfolgreich beherrscht, verwischt die frühere Grenze zwischen Drama selbst und Drama zum Lesen.

Auf der Bühne

Bei der Inszenierung auf der Bühne wird das Drama (wie andere literarische Werke) nicht einfach aufgeführt, sondern von Schauspielern und Regisseur in die Sprache des Theaters übersetzt: Auf der Grundlage des literarischen Textes werden Intonation und Gestenzeichnungen der Rollen entwickelt, Bühnenbilder Es entstehen Soundeffekte und Inszenierungen. Der szenische „Abschluss“ eines Dramas, in dem seine Bedeutung bereichert und deutlich verändert wird, hat eine wichtige künstlerische und kulturelle Funktion. Dank ihm erfolgt eine semantische Neubetonung der Literatur, die ihr Leben in den Köpfen der Öffentlichkeit unweigerlich begleitet. Das Spektrum der Bühneninterpretationen von Dramen ist, wie die moderne Erfahrung zeigt, sehr breit. Bei der Erstellung eines aktualisierten tatsächlichen Bühnentextes sind sowohl Illustrativität, Wörtlichkeit beim Lesen des Dramas und die Reduzierung der Aufführung auf die Rolle ihres „Interlinearen“ als auch willkürliche, modernisierende Umgestaltung eines zuvor geschaffenen Werks – seine Umwandlung in einen Grund für den Regisseur – wichtig seine eigenen dramatischen Ambitionen zum Ausdruck zu bringen, sind unerwünscht. Ein respektvoller und sorgfältiger Umgang der Schauspieler und des Regisseurs mit dem sinnvollen Konzept, den Gattungs- und Stilmerkmalen eines dramatischen Werks sowie seinem Text ist bei der Hinwendung zu Klassikern unerlässlich.

Als eine Art Literatur

Drama als Literaturtyp umfasst viele Genres. In der gesamten Geschichte des Dramas gibt es Tragödien und Komödien; Das Mittelalter war geprägt von liturgischen Dramen, Mysterienspielen, Wunderspielen, Moralstücken und Schuldramen. Im 18. Jahrhundert entwickelte sich das Drama zu einem Genre, das sich später im Weltdrama durchsetzte (siehe). Auch Melodramen, Farcen und Varietés kommen häufig vor. Im modernen Drama haben Tragikomödien und Tragifarzen, die im Theater des Absurden vorherrschen, eine wichtige Rolle erlangt.

Die Ursprünge des europäischen Dramas liegen in den Werken der antiken griechischen Tragiker Aischylos, Sophokles, Euripides und des Komikers Aristophanes. Sie konzentrierten sich auf die Formen von Massenfeiern, die rituellen und kultischen Ursprung hatten, folgten den Traditionen der Chortexte und Redekunst und schufen ein originelles Drama, in dem die Charaktere nicht nur untereinander, sondern auch mit dem Chor kommunizierten, was die Stimmung von ausdrückte der Autor und das Publikum. Das antike römische Drama wird durch Plautus, Terence, Seneca repräsentiert. Antikes Drama wurde mit der Rolle eines öffentlichen Pädagogen betraut; Es zeichnet sich durch Philosophie, die Erhabenheit tragischer Bilder, die Helligkeit des karnevalsatirischen Spiels in der Komödie aus. Die Theorie des Dramas (hauptsächlich des tragischen Genres) erschien seit der Zeit des Aristoteles in Europäische Kultur zugleich als Theorie der verbalen Kunst im Allgemeinen, was auf die besondere Bedeutung hinwies dramatische Art Literatur.

Im Osten

Die Blütezeit des Dramas im Osten reicht bis in eine spätere Zeit zurück: in Indien – ab der Mitte des 1. Jahrtausends n. Chr. (Kalidasa, Bhasa, Shudraka); Das antike indische Drama basierte weitgehend auf epischen Handlungen, vedischen Motiven sowie Gesangs- und lyrischen Formen. Der größte Dramatiker Japans ist Zeami (frühes 15. Jahrhundert), in dessen Werk das Drama zum ersten Mal vollendet wurde literarische Form(Yokyoku-Genre) und Monzaemon Chikamatsu (spätes 17. - frühes 18. Jahrhundert). Im 13. und 14. Jahrhundert nahm in China das weltliche Drama Gestalt an.

Europäisches Drama der Neuzeit

Das europäische Drama des New Age, das auf den Prinzipien der antiken Kunst (hauptsächlich in Tragödien) basierte, erbte gleichzeitig die Traditionen des Mittelalters Volkstheater, meist komödiantisch-skurril. Sein „goldenes Zeitalter“ ist der Titanismus der englischen und spanischen Renaissance und die Dualität der Renaissance-Persönlichkeit, ihre Freiheit von den Göttern und gleichzeitig die Abhängigkeit von Leidenschaften und der Macht des Geldes, die Integrität und Widersprüchlichkeit des historischen Flusses wurden in Shakespeare in einer wahrhaft volkstümlichen dramatischen Form verkörpert, die Tragik und Komik, Reales und Fantastisches synthetisierte, über kompositorische Freiheit und Handlungsvielfalt verfügte und subtile Intelligenz und Poesie mit rauer Farce kombinierte. Calderon de la Barca verkörperte die Ideen des Barock: die Dualität der Welt (die Antinomie des Irdischen und des Geistigen), die Unvermeidlichkeit des Leidens auf Erden und die stoische Selbstbefreiung des Menschen. Auch das Drama des französischen Klassizismus wurde zum Klassiker; Die Tragödien von P. Corneille und J. Racine haben den Konflikt zwischen persönlichen Gefühlen und Pflichten gegenüber Nation und Staat psychologisch tief entwickelt. Molières „Hohe Komödie“ verband die Traditionen des Volksspektakels mit den Prinzipien des Klassizismus und Satire auf soziale Laster mit volkstümlicher Fröhlichkeit.

Die Ideen und Konflikte der Aufklärung fanden ihren Niederschlag in den Dramen von G. Lessing, Diderot, P. Beaumarchais, C. Goldoni; Im Genre des bürgerlichen Dramas wurde die Universalität der Normen des Klassizismus in Frage gestellt und es kam zu einer Demokratisierung des Dramas und seiner Sprache. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts schufen die Romantiker (G. Kleist, Byron, P. Shelley, V. Hugo) die bedeutendste Dramaturgie. Das Pathos der individuellen Freiheit und des Protests gegen das Bürgertum wurde durch markante Ereignisse, ob legendär oder historisch, vermittelt und in lyrische Monologe gekleidet.

Der neue Aufschwung des westeuropäischen Dramas geht auf die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert zurück: Ibsen, G. Hauptmann, Strindberg, Shaw konzentrieren sich auf akute soziale und moralische Konflikte. Im 20. Jahrhundert wurden die Traditionen des Dramas dieser Zeit von R. Rolland, J. Priestley, S. O'Casey, Y. O'Neill, L. Pirandello, K. Chapek, A. Miller und E. de geerbt Filippo, F. Dürrenmatt, E. .Albee, T. Williams. Einen herausragenden Platz in der ausländischen Kunst nimmt das sogenannte intellektuelle Drama ein, das mit dem Existentialismus verbunden ist (Sartre, Anouilh); in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts entwickelte sich das Drama des Absurden (E. Ionesco, S. Beckett, G. Pinter etc.). Die akuten gesellschaftspolitischen Konflikte der 1920er und 1940er Jahre spiegelten sich in Brechts Werk wider; Sein Theater ist betont rationalistisch, intellektuell intensiv, offen konventionell, rednerisch und aufmunternd.

Russisches Drama

Ab den 1820er und 1830er Jahren erlangte das russische Drama den Status eines großen Klassikers.(Gribojedow, Puschkin, Gogol). Ostrovskys Multigenre-Dramaturgie mit ihrem Querschnittskonflikt zwischen Menschenwürde und der Macht des Geldes, mit der Hervorhebung einer vom Despotismus geprägten Lebensweise, mit ihrer Sympathie und ihrem Respekt für den „kleinen Mann“ und die Vorherrschaft des „Lebens“. -ähnliche“ Formen wurden für die Bildung des nationalen Repertoires des 19. Jahrhunderts entscheidend. Psychologische Dramen voller nüchternem Realismus wurden von Leo Tolstoi geschaffen. An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert erlebte das Drama im Werk Tschechows einen radikalen Wandel, der, nachdem er das spirituelle Drama der Intelligenz seiner Zeit verstanden hatte, tiefes Drama in die Form trauriger und ironischer Lyrik kleidete. Antworten und Episoden seiner Stücke werden nach dem Prinzip des „Kontrapunkts“ assoziativ verbunden; die mentalen Zustände der Charaktere werden vor dem Hintergrund des üblichen Lebensverlaufs mit Hilfe des von Tschechow parallel zum Symbolisten entwickelten Subtexts offenbart Maeterlinck, der sich für die „Geheimnisse des Geistes“ und die verborgene „Tragödie“ interessierte Alltagsleben».

Zu den Ursprüngen des russischen Dramas Sowjetzeit- Gorkis Werk, fortgesetzt durch historische und revolutionäre Stücke (N. F. Pogodin, B. A. Lavrenev, V. V. Vishnevsky, K. A. Trenev). Anschauliche Beispiele für satirisches Drama wurden von Mayakovsky, M.A. Bulgakov, N.R. Erdman geschaffen. Das Genre des Märchenspiels, das leichte Lyrik, Heldentum und Satire verbindet, wurde von E.L. Shvarts entwickelt. Das soziale und psychologische Drama wird durch die Werke von A.N. Afinogenov, A.E. Korneychuk und später - V.S. Volodin repräsentiert. L.G.Zorina, R.Ibragimbekova, I.P.Drutse, L.S.Petrushevskaya, V.I.Slavkina, A.M.Galina. Das Inszenierungsthema bildete die Grundlage der gesellschaftskritischen Stücke von I.M. Dvoretsky und A.I. Gelman. Eine Art „Drama der Moral“, das sozialpsychologische Analyse mit einem grotesken Varieté-Stil verbindet, wurde von A.V. Vampilov geschaffen. Im letzten Jahrzehnt waren die Stücke von N.V. Kolyada erfolgreich. Das Drama des 20. Jahrhunderts hat manchmal einen lyrischen Anfang (die lyrischen Dramen von Maeterlinck und A.A. Blok) oder einen narrativen (Brecht nannte seine Stücke „episch“). Die Verwendung von Erzählfragmenten und die aktive Bearbeitung von Bühnenepisoden verleihen der Arbeit von Dramatikern oft eine dokumentarische Note. Und gleichzeitig wird in diesen Dramen die Illusion der Authentizität des Dargestellten offen zerstört und der Demonstration von Konventionen (direkte Ansprache der Charaktere an das Publikum; Reproduktion der Erinnerungen des Helden auf der Bühne) Tribut gezollt oder Träume; Gesang und lyrische Fragmente, die in die Handlung eindringen). Mitte des 20. Jahrhunderts verbreitete sich ein dokumentarisches Drama, das reale Ereignisse wiedergab. historische Dokumente, Memoirenliteratur („Dear Liar“, 1963, J. Kilty, „The Sixth of July“, 1962 und „Revolutionary Study“, 1978, M. F. Shatrova).

Das Wort Drama kommt von Griechisches Drama, was Aktion bedeutet.

Die dramatische Literaturgattung besteht aus drei Hauptgattungen: Tragödie, Komödie und Drama im engeren Sinne des Wortes, aber auch Gattungen wie Varieté, Melodram und Tragikomödie.

Tragödie (Griechisch)

Tragoidia, lit. – Ziegenlied) – „ein dramatisches Genre, das auf einer tragischen Kollision basiert heroische Charaktere, sein tragischer Ausgang und voller Pathos ...“266.

Die Tragödie stellt die Realität als ein Bündel innerer Widersprüche dar; sie offenbart die Konflikte der Realität in einer äußerst spannungsgeladenen Form. Dies ist ein dramatisches Werk, das auf einem unversöhnlichen Konflikt im Leben basiert, der zum Leiden und Tod des Helden führt. So kommt in einer Kollision mit der Welt der Verbrechen, Lügen und Heuchelei der Träger fortschrittlicher humanistischer Ideale, der dänische Prinz Hamlet, der Held der gleichnamigen Tragödie von William Shakespeare, auf tragische Weise ums Leben.

Im Kampf tragischer Helden kommen die heroischen Züge des menschlichen Charakters in großer Vollständigkeit zum Vorschein.

Das Genre der Tragödie hat eine lange Geschichte. Es entstand aus religiösen Kultritualen und war eine Bühnenaufführung eines Mythos. Mit dem Aufkommen des Theaters entwickelte sich die Tragödie zu einer eigenständigen Gattung der dramatischen Kunst. Die Schöpfer der Tragödien waren antike griechische Dramatiker des 5. Jahrhunderts. Chr e. Sophokles, Euripides, Aischylos, die perfekte Beispiele dafür hinterlassen haben. Sie spiegelten den tragischen Zusammenstoß der Traditionen des Stammessystems mit der neuen Gesellschaftsordnung wider. Diese Konflikte wurden von Dramatikern vor allem anhand mythologischer Stoffe wahrgenommen und dargestellt. Held antike Tragödie wurde entweder durch den Willen eines herrschaftlichen Schicksals (Schicksal) oder durch den Willen der Götter in einen unlösbaren Konflikt hineingezogen. So leidet der Held von Aischylos‘ Tragödie „Der gefesselte Prometheus“, weil er den Willen des Zeus brach, als er den Menschen Feuer gab und ihnen Handwerke beibrachte. In Sophokles‘ Tragödie „König Ödipus“ ist der Held dazu verdammt, ein Vatermörder zu sein und seine eigene Mutter zu heiraten. Die antike Tragödie umfasste normalerweise fünf Akte und war nach den „drei Einheiten“ – Ort, Zeit, Handlung – strukturiert. Tragödien wurden in Versen verfasst und zeichneten sich durch eine erhabene Rede aus; ihr Held war ein „erhabener Held“.

Der große englische Dramatiker William Shakespeare gilt zu Recht als Begründer der modernen Tragödie. Seine Tragödien „Romeo und Julia“, „Hamlet“, „Othello“, „König Lear“, „Macbeth“ basieren auf akuten Konflikten. Shakespeares Figuren sind keine Helden mehr aus Mythen, sondern echte Menschen, mit realen, nicht mythischen Kräften und Umständen kämpfen. Im Streben nach maximaler Wahrhaftigkeit und Vollständigkeit in der Wiedergabe des Lebens entwickelte Shakespeare die besten Aspekte der antiken Tragödie und befreite dieses Genre gleichzeitig von jenen Konventionen, die zu seiner Zeit ihre Bedeutung verloren hatten (mythologische Handlung, Einhaltung der Regel von „ drei Einheiten“). Die Figuren in Shakespeares Tragödien verblüffen durch ihre lebensnahe Überzeugungskraft. Formal ist die Shakespeare-Tragödie weit von der Antike entfernt. Shakespeares Tragödie deckt alle Aspekte der Realität ab. Die Persönlichkeit des Helden seiner Tragödien ist offen, nicht vollständig definiert und wandelbar.

Die nächste Stufe in der Entwicklung des Tragödiengenres ist mit der Arbeit der französischen Dramatiker P. Corneille (Medea, Horaz, Der Tod des Pompeius, Ödipus usw.) und J. Racine (Andromache, Iphigenie, Fed - ra) verbunden. usw.)* Sie schufen brillante Beispiele der Tragödie des Klassizismus – der Tragödie des „hohen Stils“ mit der obligatorischen Einhaltung der Regel der „drei Einheiten“.

An der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert.

F. Schiller aktualisierte den „klassischen“ Stil der Tragödie und schuf die Tragödien „Don Carlos“, „Maria Stuart“ und „Die Jungfrau von Orleans“.

Im Zeitalter der Romantik wird das Leben eines Menschen mit seiner spirituellen Suche zum Inhalt der Tragödie. Tragische Dramen wurden von V. Hugo („Ernani“, „Lucretia Borgia“, „Ruy Blaz“, „Der König amüsiert sich“ usw.), J. Byron („Die zwei Faskari“) und M. Lermontov („ Maskerade“).

In Russland entstanden im 18. Jahrhundert die ersten Tragödien im Rahmen der Poetik des Klassizismus. A. Sumarokov („Khorev“), M. Kheraskov („Plamena“), V. Ozerov („Polyxena“), Y. Knyazhnin („Dido“).

Im 19. Jahrhundert Auch der russische Realismus lieferte überzeugende Beispiele für Tragödien. Der Schöpfer einer Tragödie neuen Typs war A.

S. Puschkin. Die Hauptfigur seiner Tragödie „Boris Godunow“, in der alle Anforderungen des Klassizismus verletzt wurden, war das Volk, das als treibende Kraft der Geschichte dargestellt wurde. Das Verständnis der tragischen Konflikte der Realität wurde von A.N. fortgesetzt. Ostrovsky („Schuldig ohne Schuld“ usw.) und L.N. Tolstoi („Die Macht der Dunkelheit“).

Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts. Die Tragödie wird „im hohen Stil“ wiederbelebt: in Russland - in den Werken von L. Andreev („Das Leben eines Mannes“, „Die Hungersnot des Zaren“), Vyach. Ivanov („Prometheus“), im Westen – in den Werken von T.-S. Elliot („Murder in the Cathedral“), P. Claudel („The Annunciation“), G. Hauptmann („Rats“). Später, im 20. Jahrhundert, in den Werken von J.-P. Sartre („Fliegen“), J. Anouilh („Antigone“).

Tragische Konflikte in der russischen Literatur des 20. Jahrhunderts. spiegelt sich in der Dramaturgie von M. Bulgakov („Tage der Turbinen“, „Laufen“) wider. In der Literatur Sozialistischer Realismus Sie erhielten eine einzigartige Interpretation, da die vorherrschende in ihnen ein Konflikt war, der auf einem unversöhnlichen Zusammenstoß von Klassenfeinden beruhte, und Protagonist starb im Namen einer Idee („Optimistische Tragödie“ von Vs. Vishnevsky, „Sturm“ von V.

N. Bill-Belotserkovsky, „Invasion“ von L. Leonov, „Carrying an Eagle on the Shoulder“ von I. Selvinsky usw.). Im gegenwärtigen Entwicklungsstadium des russischen Dramas ist das Genre der Tragödie fast vergessen, aber in vielen Stücken werden tragische Konflikte interpretiert.

Komödie (lateinisch sotoesIa, griechisch kotosIa, von kotoe – fröhliche Prozession und 6с1ё – Lied) ist eine Art Drama, in dem Charaktere, Situationen und Handlungen in witzigen Formen dargestellt oder mit dem Komischen1 durchdrungen werden.

Die Komödie hat wie die Tragödie ihren Ursprung im antiken Griechenland. Als „Vater“ der Komödie gilt der antike griechische Dramatiker Aristophanes (V-IV Jahrhundert v. Chr.). In seinen Werken verspottete er die Gier, Blutdurst und Unmoral der athenischen Aristokratie und plädierte für ein friedliches patriarchalisches Leben („Reiter“, „Wolken“, „Lysistrata“, „Frösche“).

In der europäischen Literatur der Neuzeit führte die Komödie die Traditionen der antiken Literatur fort und bereicherte sie. In der europäischen Literatur werden stabile Komödientypen unterschieden. Zum Beispiel die Maskenkomödie Commedia dell'arte (1e1Gar1e), die im 16. Jahrhundert in Italien erschien. Ihre Figuren waren typische Masken (Harlekin, Pulcinella usw.). Dieses Genre beeinflusste das Werk von J.-B. Moliere, C. . Goldoni, C. Gozzi.

In Spanien war die Komödie „Umhang und Schwert“ in den Werken von Lope de Vega („Der Schafsfrühling“), Tirso de Molina („Don Gil Green Pants“) und Calderon („Sie scherzen nicht mit Liebe“) beliebt. ).

Kunsttheoretiker haben sich auf unterschiedliche Weise mit der Frage nach dem sozialen Zweck der Komödie befasst. Während der Renaissance beschränkte sich seine Rolle auf die Korrektur der Moral. Im 19. Jahrhundert V. Belinsky bemerkte, dass die Komödie nicht nur leugnet, sondern auch bekräftigt: „Wahre Empörung über die Widersprüche und Vulgarität der Gesellschaft ist eine Krankheit einer tiefen und edlen Seele, die über ihrer Gesellschaft steht und das Ideal eines anderen, besseren in sich trägt.“ Gesellschaft." Erstens musste die Komödie darauf abzielen, das Hässliche lächerlich zu machen. Aber neben dem Lachen, dem unsichtbaren „ehrlichen Gesicht“ der Komödie (laut N. V. Gogol war das einzige ehrliche Gesicht seiner Komödie „Der Regierungsinspektor“ das Lachen), könnte es „edlen Komismus“ enthalten, der das dargestellte positive Prinzip symbolisiert. zum Beispiel nach dem Bild von Chatsky von Griboyedov, Figaro von Beaumarchais, Falstaff von Shakespeare.

Bedeutende Erfolge erzielte die Kunst der Komödie in den Werken von W. Shakespeare („Twelfth Night“, „The Taming of the Shrew“ usw.). Der Dramatiker drückte darin die Idee der Renaissance von der unwiderstehlichen Macht der Natur über das menschliche Herz aus. Die Hässlichkeit in seinen Komödien war lustig, der Spaß herrschte in ihnen, sie enthielten solide Charaktere starker Menschen, die zu lieben wussten. Shakespeares Komödien sind immer noch auf den Bühnen der Theater auf der ganzen Welt zu sehen.

Der französische Komiker des 17. Jahrhunderts erzielte glänzende Erfolge. Moliere ist der Autor der weltberühmten „Tartuffe“, „Der Bürger im Adel“ und „Der Geizige“. Beaumarchais wurde ein berühmter Komiker („ Barbier von Sevilla„, „Die Hochzeit des Figaro“).

In Russland gibt es Volkskomödien schon seit langem. Ein herausragender Komiker der russischen Aufklärung war D.N. Fonvizin. Seine Komödie „The Minor“ verspottete gnadenlos die „wilde Herrschaft“, die in der Familie Prostakov herrscht. Schrieb Komödien I.A. Krylov („Lektion für Töchter“, „Modeladen“) macht sich über die Bewunderung für Ausländer lustig.

Im 19. Jahrhundert Beispiele für satirische, sozialrealistische Komödien stammen von A.S. Griboyedov („Woe from Wit“), N.V. Gogol („Der Generalinspekteur“), A.N. Ostrowski („ Pflaume“, „Unsere Leute – wir werden gezählt“ usw.). In Fortsetzung der Traditionen von N. Gogol zeigte A. Sukhovo-Kobylin in seiner Trilogie („Die Hochzeit von Krechinsky“, „Die Affäre“, „Der Tod von Tarelkin“), wie die Bürokratie ganz Russland „entspannte“ und es brachte Probleme vergleichbar mit den Schäden, die das mongolische Joch und die Invasion Napoleons verursachten. Berühmte Komödien von M.E. Saltykov-Shchedrin („Der Tod von Pazukhin“) und A.N. Tolstoi („Früchte der Aufklärung“), die sich in gewisser Weise der Tragödie näherten (sie enthalten Elemente der Tragikomödie).

Aus der Komödie sind verschiedene Genrevarianten hervorgegangen. Es gibt Situationskomödie, Intrigenkomödie, Figurenkomödie, Sittenkomödie (Alltagskomödie), Slapstickkomödie. Es gibt keine klare Grenze zwischen diesen Genres. Die meisten Komödien kombinieren Elemente verschiedener Genres, was die komödiantischen Charaktere vertieft, die Palette des komischen Bildes abwechslungsreicher macht und erweitert. Dies wird von Gogol in „Der Generalinspekteur“ deutlich demonstriert. Einerseits schuf er eine „Situationskomödie“, die auf einer Kette lustiger Missverständnisse basiert. Das wichtigste davon war der absurde Fehler von sechs Bezirksbeamten, die den „Elistratishka“, den „Turmfalke“ Chlestakov, mit einem mächtigen Wirtschaftsprüfer verwechselten, der als diente die Quelle vieler komischer Situationen. Andererseits erschöpft die komische Wirkung, die durch verschiedene absurde Situationen im Leben entsteht, den Inhalt von „Der Generalinspekteur“ nicht. Der Grund für die Fehler der Bezirksbeamten liegt schließlich in ihren persönlichen Qualitäten – in ihrer Feigheit, spirituellen Unhöflichkeit, geistigen Einschränkungen – und im Wesen des Charakters von Chlestakov, der während seines Aufenthalts in St. Petersburg das angenommen hat Verhalten von Beamten. Was wir vor uns haben, ist eine lebendige „Charakterkomödie“, oder besser gesagt, eine Komödie realistisch dargestellter sozialer Typen, dargestellt unter typischen Umständen.

Hinsichtlich des Genres wird außerdem zwischen satirischen Komödien („The Minor“ von Fonvizin, „The Inspector General“ von Gogol) und hohen Komödien, die dem Drama nahe stehen, unterschieden. Die Handlung dieser Komödien enthält keine lustigen Situationen. Im russischen Drama ist dies vor allem „Woe from Wit“ von A. Griboyedov. An Chatskys unerwiderter Liebe zu Sophia ist nichts Komisches, aber die Situation, in die sich der romantische junge Mann gebracht hat, ist komisch. Die Stellung des gebildeten und fortschrittlich gesinnten Chatsky in der Gesellschaft der Famusovs und der Silences ist dramatisch. Es gibt auch lyrische Komödien, ein Beispiel dafür ist „ Der Kirschgarten» A.P. Tschechow.

Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts. Es erscheinen Komödien, die sich durch einen erhöhten Psychologismus und eine Betonung der Darstellung komplexer Charaktere auszeichnen. Dazu gehören „Ideenkomödien“ von B. Shaw („Pygmalion“, „Millionärin“ usw.), „Stimmungskomödien“ von A.P. Tschechow („Der Kirschgarten“), Tragikomödien von L. Pirandello („Sechs Charaktere in Suche nach einem Autor“, J. Anouya („Savage“).

Im 20. Jahrhundert Der russische Avantgardeismus macht sich bemerkbar, auch im Bereich des Dramas, dessen Wurzeln zweifellos in der Folklore liegen. Das Folkloreprinzip findet sich jedoch bereits in den Stücken von V. Kapnist, D. Fonvizin, in der Satire von I. Krylov, N. Gogol, M. Saltykov-Shchedrin, deren Traditionen im 20. Jahrhundert. Fortsetzung von M. Bulgakov („Crimson Island“, „Zoykas Apartment“, „Adam und Eva“), N. Erdman („Suicide“, „Mandate“), A. Platonov („Drehleier“).

In der russischen Avantgarde des 20. Jahrhunderts. Konventionell werden drei Bühnen unterschieden: futuristisch („Zangezi“ von V. Khlebnikov, „Sieg über die Sonne“ von A. Kruchenykh, „Mystery-bouffe“ von V. Mayakovsky), postfuturistisch (Theater des Absurden der Oberiuts). : „Elizabeth to You“ von D. Kharms, „The Ivanovs‘ Christmas Tree“ von A. Vvedensky) und die Dramaturgie des modernen Avantgardismus (A. Artaud, N. Sadur, A. Shipenko, A. Slapovsky, A. Zheleztsov, I. Savelyev, L. Petrushevskaya, E. Gremina usw.).

Avantgardistische Strömungen im modernen Drama sind Gegenstand der Literaturwissenschaft. Zum Beispiel M.I. Gromova sieht den Ursprung dieses Phänomens in den 20er Jahren des 20. Jahrhunderts. Versuche, eine „alternative“ Kunst (Oberiut-Theater) zu schaffen, wurden unterdrückt, die viele Jahre in den Untergrund ging, was zu „Samisdat“ und „Dissidenz“ führte und sich in den 70er Jahren (Jahre der Stagnation) auf den Bühnen zahlreicher „ „Underground“-Studios, die in den 90er Jahren (den Jahren der Perestroika) das Recht erhielten, legal zu arbeiten, als sich die Gelegenheit ergab, westeuropäisches Avantgarde-Drama aller Art kennenzulernen: „Theater des Absurden“, „Theater der Grausamkeit“. “, „Theater des Paradoxes“, „Happenings“ usw. Auf der Studiobühne „Laboratory“ wurde V. Denisovs Stück „Six Ghosts on the Piano“ inszeniert (sein Inhalt wurde von einem Gemälde von Salvador Dali inspiriert). Kritiker waren beeindruckt von der grausamen, absurden Realität der Stücke von A. Galin („Stars in the Morning Sky“, „Sorry“, „Title“), A. Dudarev („Dumping Ground“) und E. Radzinsky („ Sport Spiele 1981“, „Unser Decameron“, „Ich stehe im Restaurant“), N. Sadur („Mondwölfe“),

A. Kazantsev („Träume von Evgenia“), A. Zheleztsov („Askolds Grab“, „Nagel“), A. Buravsky („Russischer Lehrer“). Stücke dieser Art veranlassten den Kritiker E. Sokolyansky zu dem Schluss: „Es scheint, dass das Einzige, was ein Dramatiker unter den gegenwärtigen Bedingungen vermitteln kann, ein gewisser Wahnsinn des Augenblicks ist.“ Das heißt, das Gefühl eines Wendepunkts in der Geschichte mit dem Sieg des Chaos“267. Alle diese Stücke enthalten Elemente der Tragikomödie. Tragikomödie ist eine Art dramatischer Arbeit (Drama als eine Art), die sowohl Merkmale der Tragödie als auch der Komödie aufweist und die Tragikomödie von Formen unterscheidet, die zwischen Tragödie und Komödie liegen, d. h. vom Drama als Typus.

Die Tragikomödie verlässt das moralische Absolute von Komödie und Tragödie. Die zugrunde liegende Einstellung ist mit einem Gefühl der Relativität bestehender Lebenskriterien verbunden. Die Überschätzung moralischer Prinzipien führt zu Unsicherheit und sogar zur Aufgabe derselben; subjektive und objektive Prinzipien verschwimmen; Ein unklares Verständnis der Realität kann Interesse daran oder völlige Gleichgültigkeit und sogar die Anerkennung der Unlogik der Welt hervorrufen. An Wendepunkten der Geschichte dominiert bei ihnen die tragikomische Haltung, obwohl das tragikomische Prinzip bereits in der Dramaturgie des Euripides („Alkestis“, „Ion“) vorhanden war.

Der „reine“ Typus der Tragikomödie wurde charakteristisch für das barocke und manieristische Drama (F. Beaumont, J. Fletcher). Seine Merkmale sind eine Kombination aus lustigen und ernsten Episoden, eine Mischung aus erhabenen und komischen Charakteren, das Vorhandensein pastoraler Motive, die Idealisierung von Freundschaft und Liebe, komplizierte Handlung mit unerwarteten Situationen, die vorherrschende Rolle des Zufalls im Schicksal der Charaktere; Die Helden sind nicht mit einer Charakterkonstanz ausgestattet, aber ihre Bilder betonen oft eine Eigenschaft, die einen Charakter zu einem Typ macht.

In der Dramaturgie des ausgehenden 19. Jahrhunderts. in den Werken von G. Ibsen, Yu.A. Strindberg, G. Hauptmann, A. Tschechow, L. Pirandello, im 20. Jahrhundert. - G. Lorca, J. Giraudoux, J. Anouya, E. Ionesco, S. Beckett, das tragikomische Element wird verstärkt, wie im russischen Avantgarde-Drama des 20. Jahrhunderts.

Die moderne Tragikomödie ist nicht klar Genremerkmale und zeichnet sich durch einen „tragikomischen Effekt“ aus, der durch die gleichzeitige Darstellung der Realität sowohl im tragischen als auch im komischen Licht entsteht, durch die Diskrepanz zwischen dem Helden und der Situation (die tragische Situation ist der komische Held oder umgekehrt, wie in Gribojedows Komödie „Woe from Wit“); die Unlösbarkeit des inneren Konflikts (die Handlung setzt die Fortsetzung der Handlung voraus; der Autor verzichtet auf eine abschließende Bewertung), das Gefühl der Absurdität der Existenz.

Eine besondere Art der unterhaltsamen Komödie ist das Varieté (französisches Varieté von Vau de Vire – der Name des Tals in der Normandie, in dem diese Gattung der Theaterkunst zu Beginn des 15. Jahrhunderts auftrat) – ein Stück alltäglichen Inhalts mit unterhaltsamer Entwicklung Action, in der sich witzige Dialoge mit Tanz und Gesang abwechseln – Senka-Reime.

In Frankreich wurde Varieté von E. Labiche und O. Scribe geschrieben. Vaudeville erschien in Russland zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Er übernahm das Erbe der komischen Oper des 18. Jahrhunderts. Interesse an nationalen Themen. Vaudevilles schrieb an A.S. Griboyedov („Vorgetäuschte Untreue“), D.T. Lensky („Lev Gurych Sinichkin“), V.A. Sollogub („Der Kutscher oder der Streich eines Husarenoffiziers“), P.A. Karatygin („Borrowed Wives“, „Dead Eccentric“), N.A. Nekrasov („Petersburger Geldverleiher“), A.P. Tschechow („Bär“, „Der Antrag“, „Hochzeit“, „Über den Schaden des Tabaks“). In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Das Varieté wurde durch die Operette ersetzt. Das Interesse daran kehrte Ende des 20. Jahrhunderts zurück.

In der Theaterkunst des 19. – 20. Jahrhunderts. Varieté-Komödien mit leichtem Inhalt und externen komischen Techniken wurden als Farce bezeichnet (französische Farce, vom lateinischen Farcio – ich beginne: das Mittelalter. Mysterien „begannen“ mit komödiantischen Einlagen) – eine Art Volkstheater und westeuropäische Literatur Länder des 14. Jahrhunderts, hauptsächlich in Frankreich. Er zeichnete sich durch eine komische, oft satirische Ausrichtung, realistische Konkretheit und Freigeist aus; voller Possenreißer. Seine Helden waren die Städter. Den Maskenbildern der Farce fehlte ein individueller Anfang (Farce steht der Maskenkomödie nahe), obwohl sie der erste Versuch waren, soziale Typen zu schaffen268.

Die Mittel zur Erzeugung einer komischen (satirischen) Wirkung sind Sprachkomödie – Alogismus, Inkongruenz von Situationen, Parodie, Spiel mit Paradoxien, Ironie, in der neuesten Komödie – Humor, Ironie, Sarkasmus, Groteske, Witz, Witz, Wortspiel.

Witz basiert auf einem Sinn für Humor (tatsächlich sind sie ein und dasselbe) – einer besonderen assoziativen Fähigkeit, der Fähigkeit, sich einem Thema kritisch zu nähern, Absurditäten zu bemerken und schnell darauf zu reagieren269. Das Paradox „drückt eine Idee aus, die auf den ersten Blick absurd, aber, wie sich später herausstellt, bis zu einem gewissen Grad gerechtfertigt ist“1. In Gogols „Ehe“ zum Beispiel tadelt Arina Panteleimonovna nach der beschämenden Flucht von Podkolesin Kochkarev: Ja, ich lebe seit sechzig Jahren, aber ich habe noch nie so ein Vermögen gemacht. Ja, Vater, ich werde dir ins Gesicht spucken, wenn du gerechter Mann. Ja, danach bist du ein Schurke, wenn du ein ehrlicher Mensch bist. Schande über ein Mädchen vor aller Welt!

Merkmale des grotesken Stils sind charakteristisch für viele Komödien der russischen Literatur des 20. Jahrhunderts. („Suicide“ von N. Erdman, „Zoykas Apartment“ von M. Bulgakov, „The House that Swift Built“ von G. Gorin). E. Schwartz („Dragon“, „Shadow“) verwendete in seinen Märchenstücken komische Allegorien und satirische Symbole.

Das Drama als Genre erschien später als Tragödie und Komödie. Wie eine Tragödie neigt sie dazu, akute Widersprüche hervorzurufen. Als eine Art Drama verbreitete es sich in Europa während der Aufklärung und wurde dann als Genre konzipiert. Ein eigenständiges Genre Drama wurde in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. unter den Aufklärern (Spießbürgerdrama erschien in Frankreich und Deutschland). Es zeigte Interesse an der sozialen Lebensweise, in moralische Ideale demokratisches Umfeld, zur Psychologie des „durchschnittlichen Menschen“.

In dieser Zeit erlebt das tragische Denken eine Krise und wird durch eine andere Sicht auf die Welt ersetzt, die die soziale Aktivität des Einzelnen bestätigt. Während sich das Drama entwickelt, verdichtet sich sein inneres Drama, ein erfolgreicher Ausgang wird immer seltener, der Held gerät in Konflikt mit der Gesellschaft und mit sich selbst (zum Beispiel die Stücke von G. Ibsen, B. Shaw, M. Gorky, A. Tschechow).

Drama ist ein Stück mit einem akuten Konflikt, der im Gegensatz zum Tragischen nicht so erhaben, banaler, gewöhnlicher und auf die eine oder andere Weise lösbar ist. Die Besonderheit des Dramas liegt erstens darin, dass es auf modernem und nicht auf antikem Stoff basiert, und zweitens bestätigt das Drama einen neuen Helden, der gegen sein Schicksal und seine Umstände rebelliert hat. Der Unterschied zwischen Drama und Tragödie liegt im Wesen des Konflikts: Tragische Konflikte sind unlösbar, weil ihre Lösung nicht vom persönlichen Willen einer Person abhängt. Tragischer Held gerät unfreiwillig und nicht aufgrund eines Fehlers, den er begangen hat, in eine tragische Situation. Dramatische Konflikte sind im Gegensatz zu tragischen nicht unüberwindbar. Sie basieren auf dem Zusammenprall von Charakteren mit Kräften, Prinzipien und Traditionen, die ihnen von außen entgegenstehen. Wenn der Held eines Dramas stirbt, ist sein Tod weitgehend ein Akt freiwilliger Entscheidung und nicht das Ergebnis einer tragisch aussichtslosen Situation. So stürzt sich Katerina in „Das Gewitter“ von A. Ostrovsky, zutiefst besorgt darüber, dass sie gegen religiöse und moralische Normen verstoßen hat und nicht in der bedrückenden Umgebung des Hauses der Kabanovs leben kann, in die Wolga. Eine solche Auflösung war nicht zwingend; Die Hindernisse für die Annäherung zwischen Katerina und Boris können nicht als unüberwindbar angesehen werden: Die Rebellion der Heldin hätte anders enden können.

Die Blütezeit des Dramas beginnt Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts. Im Zeitalter der Romantik herrschte im Drama die Tragödie. Die Geburt des Dramas ist mit der Anziehungskraft von Schriftstellern auf moderne gesellschaftliche Themen verbunden. Die Tragödie entstand in der Regel auf historischem Material. Die Hauptfigur war eine bedeutende historische Persönlichkeit, die unter äußerst ungünstigen Umständen für sich selbst kämpfte. Das Aufkommen des dramatischen Genres kennzeichnete das zunehmende Interesse am Verständnis des modernen gesellschaftlichen Lebens. dramatisches Schicksal"Privatperson.

Das Spektrum der Dramen ist ungewöhnlich breit. Der Dramatiker schildert das alltägliche Privatleben der Menschen, ihre Beziehungen, Auseinandersetzungen aufgrund von Standes-, Eigentums- und Klassenunterschieden. Im realistischen Drama des 19. Jahrhunderts. Es entwickelte sich überwiegend ein psychologisches Drama (Dramen von A. N. Ostrovsky, G. Ibsen usw.). Um die Jahrhundertwende veränderte sich das Drama im Werk von A.P. Tschechow („Iwanow“, „Drei Schwestern“) mit seiner traurigen und ironischen Lyrik, die Subtext verwendet. Ähnliche Tendenzen sind im Werk von M. Maeterlinck mit seiner verborgenen „Tragödie des Alltags“ („Der Blinde“, „Monna Vitta“) zu beobachten.

In der Literatur des 20. Jahrhunderts. Der Horizont des Dramas hat sich deutlich erweitert, seine Konflikte sind komplexer geworden. Im Drama von M. Gorki („Bourgeois“, „Feinde“, „Kinder der Sonne“, „Barbaren“) wird das Problem der Verantwortung der Intelligenz für das Schicksal des Volkes aufgeworfen, aber hauptsächlich betrachtet Familien- und Alltagsmaterial.

Im Westen wurden Dramen von R. Rolland, J. Priestley, Y.O. Neal, A. Miller, F. Dürrenmatt, E. Albee und T. Williams geschaffen.

Das „Element“ des Dramas ist die Moderne, das Privatleben der Menschen, Situationen, die auf lösbaren Konflikten um das Schicksal einzelner Menschen basieren und Probleme von öffentlicher Bedeutung nicht berühren.

Solche Dramaarten erschienen als das lyrische Drama von M. Maeterlinck und A. Blok („Showcase“, „Rose and Cross“), das intellektuelle Drama von J.-P. Sartre, J. Anouilh, Drama des Absurden von E. Ionesco („The Bald Singer“, „Chairs“), S. Beckett („Waiting for Godot“, „End of the Game“), Redekunst, Kundgebungstheater – politisch Theater von B. Brecht mit seinen „epischen“ Stücken („Was ist das für ein Soldat, was ist das?“).

In der Geschichte des sowjetischen Theaters nahm das politische Theater, dessen Traditionen von V. Mayakovsky, V. Kirshon, A. Afinogenov, B. Lawrenev und K. Simonov begründet wurden und sich durch eine klar zum Ausdruck gebrachte Autorenposition auszeichneten, einen wichtigen Platz ein . In den 60er - 90er Jahren des 20. Jahrhunderts. Es erschienen journalistische Dramen („Ein Mann von außen“ von I. Dvoretsky, „Minutes of One Meeting“ von A. Gelman, „Interview in Buenos Aires“ von G. Borovik, „Weiter... weiter... weiter“ von M. Shatrov) und Dokumentarfilme („Leaders“ von G. Sokolovsky, „Joseph and Nadezhda“ von O. Kuchkina, „The Black Man, or Me, Poor Soso Dzhugashvili“ von V. Korkiya, „The Sixth of July“ und „Blaue Pferde auf rotem Gras“ von M. Schatrow, „Anna Iwanowna“ von V. Schalamow, „Republik der Arbeit“ von A. Solschenizyn usw.). Im Genre des Dramas sind Spielarten wie Debattenstücke, Theaterstücke-Dialoge, Chronikspiele, Gleichnisspiele, Märchenspiele und „Neues Drama“.

Bestimmte Arten von Dramen verschmelzen mit verwandten Genres und nutzen ihre Ausdrucksmittel: Tragikomödie, Farce, Maskentheater.

Es gibt auch ein Genre wie Melodram. Melodrama (aus dem Griechischen m?los – Lied, Melodie und Drama – Handlung, Drama) – 1) ein Genre des Dramas, ein Stück mit akuter Intrige, übertriebener Emotionalität, einem scharfen Kontrast zwischen Gut und Böse, einer moralischen und erzieherischen Tendenz; 2) ein musikdramatisches Werk, in dem Monologe und Dialoge der Figuren musikalisch untermalt werden. J.J. Rousseau entwickelte die Prinzipien dieses Genres und schuf sein Beispiel – „Pygmalion“; Ein Beispiel für russisches Melodram ist „Orpheus“ von E. Fomin.

Das Melodram entstand im 18. Jahrhundert. In Frankreich (Stücke von J.-M. Monvel und G. de Pixerécourt) blühte es in den 30er und 40er Jahren des 19. Jahrhunderts auf, und später dominierte darin die externe Unterhaltung. In Russland erschien das Melodram in den 20er Jahren des 19. Jahrhunderts. (Stücke von N.V. Kukolnik, N.A. Polevoy usw.), das Interesse daran wurde in den 20er Jahren des 20. Jahrhunderts wiederbelebt. In den Werken von A. Arbuzov („Old-Fashioned Comedy“, „Tales of the Old Arbat“) finden sich Elemente des Melodrams270. Dramatische Genres erwiesen sich als sehr flexibel.

Zusammenfassend lässt sich festhalten, dass es intergenerische und nicht-generische Formen gibt. Laut B.O. Corman können wir Werke unterscheiden, die die Eigenschaften zweier Gattungsformen vereinen – „bigenerische Formationen“271.

Laut V. Khalizev ist beispielsweise der epische Anfang in den Stücken von A.N. vorhanden. Ostrovsky und B. Brecht, M. Maeterlinck und A. Blok schufen „lyrische Dramen“; der lyrisch-epische Anfang in den Gedichten wurde zu einer bekannten Tatsache. Zu den nicht generischen Formen in der Literaturkritik gehören Essays, „Stream of Consciousness“-Literatur, Essays, zum Beispiel „Experiences“ von M. Montaigne, „Fallen Leaves“ und „Solitary“ von V. Rozanov (sie tendiert zum Synkretismus: die Prinzipien). des eigentlichen Künstlerischen darin werden mit journalistischem und philosophischem kombiniert, wie in den Werken von AM Remizov „Posolon“ ​​und M. Prishvin „Eyes of the Earth“).

So fasst V.E. seine Gedanken zusammen. Khalizev: „... wir können zwischen den tatsächlichen generischen Formen, die seit vielen Jahrhunderten traditionell und ungeteilt im literarischen Schaffen vorherrschen, und „nicht-generischen“, nicht-traditionellen Formen, die in der „postromantischen“ Kunst verwurzelt sind, unterscheiden.“ Erstere interagieren sehr aktiv mit Letzteren und ergänzen sich gegenseitig. Heutzutage ist der platonisch-aristotelisch-hegelianische Dreiklang (Epos, Lyrik, Drama) wie ersichtlich erheblich ins Wanken geraten und bedarf einer Anpassung. Gleichzeitig gibt es keinen Grund, die üblicherweise unterschiedenen drei Arten von Literatur für veraltet zu erklären, wie dies manchmal mit der leichten Hand des italienischen Philosophen und Kunsttheoretikers B. Croce geschieht. Unter russischen Literaturwissenschaftlern äußerte sich A.I. ähnlich skeptisch. Beletsky: „Für die antike Literatur waren die Begriffe Epos, Lyrik, Drama noch nicht abstrakt. Sie bezeichneten besondere, äußere Wege, ein Werk einem Zuhörerpublikum zu vermitteln. Nachdem sie sich in ein Buch verwandelt hatte, gab die Poesie diese Methoden der Übermittlung auf, und zwar nach und nach<...>Typen (also Arten der Literatur. - V.Kh.) wurden immer mehr zur Fiktion. Ist es notwendig, die wissenschaftliche Existenz dieser Fiktionen weiter zu verlängern?“1 Ohne dem zuzustimmen, stellen wir fest: literarische Werke aller Epochen (einschließlich der modernen) haben eine gewisse generische Spezifität (eine epische, dramatische, lyrische Form oder die Formen einer Skizze, eines „Bewusstseinsstroms“, eines Aufsatzes, die im 20. Jahrhundert keine Seltenheit waren (). oder im Gegenteil die Beteiligung an einer der „nicht-generischen“ Formen) bestimmt weitgehend die Organisation des Werkes, seine formalen und strukturellen Merkmale. Daher ist der Begriff „Literaturgattung“ als Teil der theoretischen Poetik von wesentlicher Bedeutung.“2 Testfragen und Aufgaben I 1.

Was als Grundlage für die Identifizierung von drei Arten von Literatur diente. Was sind die Merkmale der epischen, lyrischen, dramatischen Art, die Realität wiederzugeben? 2.

Nennen Sie die Arten der künstlerischen Literatur und geben Sie ihre Merkmale an. Erzählen Sie uns etwas über den Zusammenhang zwischen den Gattungen, Typen und Genres literarischer Werke. 3.

Was ist der Unterschied zwischen einem Roman und einer Kurzgeschichte? Nenne Beispiele. 4.

Was sind die Merkmale Novellen? Nenne Beispiele. 1 Beletsky A.I. Ausgewählte Werke zur Literaturtheorie. G. 342,2

Khalizev V.E. Theorie der Literatur. S. 318 - 319.

Testfragen und Aufgaben 5.

Warum sind Ihrer Meinung nach Roman und Erzählung zu den führenden Genres der realistischen Literatur geworden? Ihre Unterschiede. 6.

Machen Sie sich Notizen zum Artikel von M.M. Bachtin „Epos und Roman: Zur Methodik des Studiums des Romans“ (Anhang 1, S. 667). Lösen Sie die Aufgaben und beantworten Sie die Fragen, die nach dem Artikel gestellt werden. 7.

Gogol nannte ursprünglich „ Tote Seelen„Ein Roman“, also ein „kleines Epos“. Warum entschied er sich, das Genre seines Werks als „Gedicht“ zu definieren? 8.

Bestimmen Sie die Merkmale eines epischen Romans in den Werken „Krieg und Frieden“ von L. Tolstoi und „Quiet Don“ von M. Sholokhov. 9.

Geben Sie eine Genredefinition für N. Schmelevs Werk „Der Sommer des Herrn“ und begründen Sie diese (Märchenroman, Mythenroman, Legendenroman, Fabel, Mythen-Erinnerung, freies Epos, spiritueller Roman). 10.

Lesen Sie O. Mandelstams Artikel „Das Ende des Romans“. S Mandelstam O. Werke: In 2 Bänden M., 1990. S. 201-205). Erklären Sie am Beispiel von B. Pasternaks Roman „Doktor Schiwago“, was innovativ an der Herangehensweise von Schriftstellern des 20. Jahrhunderts ist. zum Problem moderner Roman. Kann man sagen: „...das kompositorische Maß eines Romans ist eine menschliche Biographie“? I. Wie definieren Sie das Genre von Bulgakovs Werk „Der Meister und Margarita“, in dem Geschichte und Feuilleton, Lyrik und Mythos, Alltag und Fantasie frei kombiniert werden (Roman, komisches Epos, satirische Utopie)?

Was zeichnet Lyrik als Literaturtyp aus? 2.

Machen Sie sich Notizen zum Artikel von V.E. Khalizeva „Lyrics“ (Anhang 1, S. 682). Bereiten Sie Antworten auf die gestellten Fragen vor. 3.

Basierend auf dem Artikel von L.Ya. Ginzburg „On Lyrics“ (Anhang 1, S. 693) bereitet eine Nachricht „Stilmerkmale von Texten“ vor. Nennen Sie die wichtigsten lyrischen und lyrischen epischen Genres und geben Sie ihre Unterschiede an. Wie werden Liedtexte nach thematischen Prinzipien klassifiziert? 4.

Erklären Sie, was die Begriffe „suggestive Texte“ und „meditative Texte“ bedeuten. Nenne Beispiele. 5.

Lesen Sie den Artikel von A.N. Pashkurov „Poetik der vorromantischen Elegie: „Zeit“ von M.N. Murawjow“ (Anhang 1, S. 704). Bereiten Sie die Nachricht vor: „Welchen Weg hat die russische Elegie in ihrer Entwicklung von der Vorromantik zur Romantik eingeschlagen?“ 6.

Erzählen Sie uns etwas über die Entwicklungsgeschichte des Sonett-Genres. 7.

Lesen Sie den Artikel von G.N. Esipenko „Studie des Sonetts als Genre“ (Literatur in der Schule. 2005. Nr. 8. S. 29-33) und Vervollständigung der darin vorgeschlagenen Aufgaben im Zusammenhang mit der Analyse von Sonetten von N. Gumilyov, I. Severyanin, I . Bunin (optional) und auch ein Gedicht in Form eines Sonetts schreiben (in Nachahmung eines Dichters zulässig). 8.

Welche Methoden zur Darstellung des Lebens verwendet A. Puschkin im Gedicht „Zigeuner“? 9.

Welche Werke werden lyroepisch genannt? Analysieren Sie am Beispiel eines der Gedichte von V. Mayakovsky („Mann“, „Gut!“), S. Yesenin („Anna Onegin“) oder A. Tvardovsky („By Right of Memory“), wie lyrisch und episch In ihnen sind Elemente vereint. 10.

Was ist das Bild der lyrischen Heldin des „Denisyev-Zyklus“ F.I. Tjutschew? 13.

Bestimmen Sie die Eigenschaften der lyrischen Heldin in der Poesie von M. Tsvetaeva und A. Akhmatova. 14.

Kann man von der eigentümlichen „Passivität“ des lyrischen Helden B. Pasternak sprechen, wie R. Yakobson glaubte? 15.

In welcher Beziehung steht die Biografie von A. Blok zu seiner Arbeit? Welche Entwicklung hat das Bild des lyrischen Helden durchlaufen? 16.

Warum hat die moderne Poesie die meisten ihrer traditionellen Genres verloren?

Beschreiben Sie die Genreeinteilung im dramatischen Genre. 2.

Machen Sie sich Notizen zum Artikel von V.E. Khalizeva „Drama“ (Anhang 1, S. 713). Bereiten Sie Antworten auf die gestellten Fragen vor. 3.

Erzählen Sie uns von den wichtigsten Etappen in der Entwicklung des Tragödiengenres. 4.

Was ist der Unterschied zwischen Drama und Tragödie? 5.

Nennen Sie die Arten von Comedy. Nenne Beispiele. 6.

Beschreiben Sie die „kleinen“ dramatischen Genres. Nenne Beispiele. 7.

Wie verstehen Sie die Genredefinition der Stücke von A. Ostrovsky? Kann man die Dramen „Das Gewitter“ und „Mitgift“ als klassische Tragödien bezeichnen? 8.

Bestimmen Sie das Genre von „The Cherry Orchard“ von A.P. Tschechow (Komödie, Tragödie, Farce, Melodram). 9.

Analysieren Sie am Beispiel eines der Stücke Tschechows neue Ansätze zur Organisation des dramatischen Handelns (Dezentralisierung der Handlungsstränge, Verweigerung der Aufteilung der Charaktere in Haupt- und Nebencharaktere) und Techniken zur Schaffung einzelner Charaktere (Selbstmerkmale, Monologe-Repliken, Konstruktion des Sprachteils der Figur durch Veränderung der stilistischen Tonalität; „zufällige“ Zeilen in Dialogen, die die Instabilität des psychologischen Zustands der Figuren betonen usw. 10.

Lesen und analysieren Sie eines der Stücke eines zeitgenössischen Dramatikers (optional). elf.

Definieren Sie den Begriff „Subtext“ (siehe: Literarische Enzyklopädie der Begriffe und Konzepte. M., 2001. S. 755; Literarisches Enzyklopädisches Wörterbuch. M., 1987. S. 284). Nennen Sie Beispiele für lyrische und psychologische Subtexte in den Stücken von A.P. Tschechow (optional), in den Romanen von E. Hemingway, in den Gedichten von M. Tsvetaeva („Sehnsucht nach dem Vaterland! Vor langer Zeit...“) und O. Mandelstam („Slate Ode“).

Was ist Dramaturgie? Die Antwort auf diese Frage hängt vom Kontext ab, in dem das Wort verwendet wurde. Erstens handelt es sich hierbei um eine Art von Literatur, die für Bühnenaufführungen gedacht ist und die Interaktion von Charakteren mit der Außenwelt impliziert, die von einer Erklärung des Autors begleitet wird.

Unter Dramaturgie versteht man auch Werke, die nach einem einzigen Prinzip und Gesetzen aufgebaut sind.

Merkmale der Dramaturgie

• Die Handlung sollte in der gegenwärtigen Zeit stattfinden und sich schnell am selben Ort entwickeln. Der Betrachter wird zum Zeugen und muss gespannt sein und sich in das Geschehen hineinversetzen.
• Die Produktion kann einen Zeitraum von mehreren Stunden oder sogar Jahren umfassen. Allerdings sollte die Aktion nicht länger als einen Tag auf der Bühne dauern, da sie durch die Sehmöglichkeiten des Publikums begrenzt ist.
• Abhängig von der Chronologie des Werkes kann ein Drama aus einem oder mehreren Akten bestehen. So wird die Literatur des französischen Klassizismus in der Regel durch 5 Akte repräsentiert, während das spanische Drama durch 2 Akte gekennzeichnet ist.
• Alle Figuren Dramen werden in zwei Gruppen eingeteilt – Antagonisten und Protagonisten (es können auch Charaktere außerhalb der Bühne anwesend sein), und jeder Akt ist ein Duell. Aber der Autor sollte niemanden unterstützen – der Betrachter kann nur anhand von Hinweisen aus dem Kontext des Werkes raten.

Dramakonstruktion

Ein Drama hat eine Handlung, einen Plot, ein Thema und eine Intrige.

• Die Handlung ist ein Konflikt, die Beziehung von Charakteren zu Ereignissen, die wiederum mehrere Elemente umfassen: Exposition, Handlung, Entwicklung der Handlung, Höhepunkt, Niedergang der Handlung, Auflösung und Finale.
• Eine Handlung ist eine Reihe miteinander verbundener realer oder fiktiver Ereignisse in einer zeitlichen Abfolge. Sowohl die Handlung als auch die Handlung sind eine Erzählung über Ereignisse, aber die Handlung stellt nur die Tatsache dar, was passiert ist, und die Handlung ist eine Ursache-Wirkungs-Beziehung.
• Ein Thema ist eine Reihe von Ereignissen, die die Grundlage eines dramatischen Werks bilden und die durch ein Problem verbunden sind, nämlich das, worüber der Autor den Betrachter oder Leser nachdenken lassen wollte.
• Dramatische Spannung ist das Zusammenspiel von Charakteren, das den erwarteten Verlauf einer Geschichte beeinflusst.

Elemente des Dramas

• Exposition – eine Darstellung des aktuellen Sachverhalts, der den Konflikt auslöst.
• Der Anfang ist die Auslösung eines Konflikts bzw. die Voraussetzungen für seine Entwicklung.
• Der Höhepunkt ist der höchste Konfliktpunkt.
• Die Auflösung ist der Staatsstreich oder Untergang der Hauptfigur.
• Das Finale ist eine Lösung des Konflikts, die auf drei Arten enden kann: Der Konflikt wird gelöst und hat ein Happy End, der Konflikt wird nicht gelöst, oder der Konflikt wird auf tragische Weise gelöst – durch den Tod der Hauptfigur oder durch eine andere Schlussfolgerung der Held aus dem Werk im Finale.

Die Frage „Was ist Dramaturgie?“ lässt sich nun mit einer anderen Definition beantworten – nämlich der Theorie und Kunst der Konstruktion eines dramatischen Werkes. Es muss sich an die Regeln der Handlung halten, einen Plan und eine Grundidee haben. Doch im Laufe der historischen Entwicklung veränderten sich Dramaturgie, Genres (Tragödie, Komödie, Drama), ihre Elemente und Ausdrucksmittel, was die Geschichte der Dramaturgie in mehrere Zyklen gliederte.

Die Geburt des Dramas

Zum ersten Mal zeugen Wandinschriften und Papyri vom Ursprung des Dramas in dieser Zeit Antikes Ägypten, in dem es auch einen Anfang, einen Höhepunkt und einen Abschluss gab. Die Priester, die Kenntnisse über die Gottheiten hatten, beeinflussten das Bewusstsein des ägyptischen Volkes gerade dank Mythen.

Der Mythos von Isis, Osiris und Horus stellte für die Ägypter eine Art Bibel dar. Die Dramaturgie entwickelte sich im antiken Griechenland im 5.-6. Jahrhundert v. Chr. weiter. e. Das Genre der Tragödie hat seinen Ursprung im antiken griechischen Drama. Die Handlung der Tragödie drückte sich im Widerstand eines guten und gerechten Helden gegen das Böse aus. Das Finale endete mit dem tragischen Tod der Hauptfigur und sollte beim Zuschauer starke Emotionen für die tiefe Reinigung seiner Seele hervorrufen. Dieses Phänomen hat eine Definition – Katharsis.

In den Mythen dominierten militärische und politische Themen, da die damaligen Tragiker selbst mehr als einmal an Kriegen teilnahmen. Die Dramaturgie des antiken Griechenlands wird wie folgt dargestellt berühmte Schriftsteller: Aischylos, Sophokles, Euripides. Neben der Tragödie wurde auch das Genre der Komödie wiederbelebt, in dem Aristophanes den Frieden zum Hauptthema machte. Die Menschen sind der Kriege und der Gesetzlosigkeit der Behörden überdrüssig und fordern deshalb ein friedliches und ruhiges Leben. Die Komödie entstand aus komischen Liedern, die manchmal sogar frivol waren. Humanismus und Demokratie waren die Hauptgedanken in der Arbeit der Komiker. Zu den berühmtesten Tragödien dieser Zeit zählen die Dramen „Die Perser“ und „Der gefesselte Prometheus“ von Aischylos, „König Ödipus“ von Sophokles und „Medea“ von Euripides.

Zur Entwicklung des Dramas im 2.–3. Jahrhundert v. Chr. e. beeinflusst von antiken römischen Dramatikern: Plautus, Terence und Seneca. Plautus fühlte sich in die unteren Schichten der Sklavenhaltergesellschaft hineinversetzt, verspottete gierige Geldverleiher und Händler und ergänzte sie daher anhand antiker griechischer Geschichten mit Geschichten über das schwierige Leben der einfachen Bürger. Seine Werke enthielten viele Lieder und Witze; der Autor war bei seinen Zeitgenossen beliebt und beeinflusste in der Folge das europäische Drama. Ja, er berühmte Komödie„Der Schatz“ wurde von Moliere als Grundlage genommen, als er sein Werk „Der Geizige“ schrieb.

Terence ist ein Vertreter einer späteren Generation. Er konzentriert sich nicht auf Ausdrucksmittel, sondern geht tiefer auf die Beschreibung der psychologischen Komponente des Charakters der Charaktere ein, und die Themen für Komödien sind alltägliche und familiäre Konflikte zwischen Vätern und Kindern. Sein berühmtes Stück „Brüder“ spiegelt dieses Problem am deutlichsten wider.

Ein weiterer Dramatiker, der einen großen Beitrag zur Entwicklung des Dramas geleistet hat, ist Seneca. Er war der Lehrer von Nero, dem Kaiser von Rom, und bekleidete bei ihm eine hohe Position. Die Tragödien des Dramatikers drehten sich immer um die Rache des Protagonisten, die ihn dazu drängte, schreckliche Verbrechen zu begehen. Historiker erklären dies mit den blutigen Ausschreitungen, die sich damals im Kaiserpalast ereigneten. Senecas Werk „Medea“ beeinflusste später das westeuropäische Theater, doch im Gegensatz zu Euripides‘ „Medea“ wird die Königin als negative Figur dargestellt, die nach Rache dürstet und keine Emotionen empfindet.

In der Kaiserzeit werden Tragödien durch ein anderes Genre ersetzt – die Pantomime. Dies ist ein von Musik und Gesang begleiteter Tanz, der normalerweise von einem Schauspieler mit zugeklebtem Mund aufgeführt wird. Aber noch beliebter waren Zirkusvorstellungen in Amphitheatern – Gladiatorenkämpfe und Wagenwettbewerbe, die zum Verfall der Moral und zum Zusammenbruch des Römischen Reiches führten. Zum ersten Mal präsentierten Dramatiker dem Publikum möglichst genau, was Dramaturgie ist, doch das Theater wurde zerstört und das Drama wurde erst nach einer fünftausendjährigen Entwicklungspause wiederbelebt.

Liturgisches Drama

Nach dem Zusammenbruch des Römischen Reiches wurde das Drama erst im 9. Jahrhundert wiederbelebt kirchliche Rituale und Gebete. Kirche, um so viel wie möglich anzulocken mehr Leute Um die Massen durch die Anbetung Gottes anzubeten und zu kontrollieren, werden kleine spektakuläre Inszenierungen wie die Auferstehung Jesu Christi oder andere biblische Geschichten vorgestellt. So entstand das liturgische Drama.

Allerdings versammelten sich die Menschen zu den Aufführungen und wurden vom Gottesdienst selbst abgelenkt, wodurch ein halbliturgisches Drama entstand – die Aufführungen wurden auf die Veranda verlegt und es wurden Alltagsgeschichten zugrunde gelegt, die auf biblischen Geschichten basierten waren für das Publikum verständlicher.

Wiederbelebung des Dramas in Europa

Die Dramaturgie entwickelte sich während der Renaissance im 14.-16. Jahrhundert weiter und kehrte zu den Werten zurück antike Kultur. Geschichten aus antiken griechischen und römischen Mythen inspirieren Autoren der Renaissance

In Italien begann die Wiederbelebung des Theaters, eine professionelle Herangehensweise an Bühnenproduktionen entstand, eine musikalische Gattung von Werken wie die Oper entstand, Komödie, Tragödie und Pastoral wurden wiederbelebt – eine Gattung des Dramas, Hauptthema das war ländliches Leben. Die Komödie gab in ihrer Entwicklung zwei Richtungen vor:

• eine wissenschaftliche Komödie für einen gebildeten Kreis;
• Straßenkomödie – improvisiertes Maskentheater.

Am meisten prominente Vertreter Italienische Dramaturgen sind Angelo Beolco („Kokette“, „Komödie ohne Titel“), Giangiorgio Trissino („Sofonisba“) und Lodovico Ariosto („Komödie der Brust“, „Orlando Furious“).

Das englische Drama stärkt die Position des Theaters des Realismus. Mythen und Mysterien werden durch ein sozialphilosophisches Lebensverständnis ersetzt. Als Begründer des Renaissance-Dramas gilt der englische Dramatiker Christopher Marlowe („Tamerlane“, „Die tragische Geschichte des Doktor Faustus“). Das Theater des Realismus wurde unter William Shakespeare entwickelt, der in seinen Werken – „Romeo und Julia“, „König Lear“, „Othello“, „Hamlet“ – auch humanistische Ideen unterstützte. Die Autoren dieser Zeit hörten auf die Wünsche des einfachen Volkes, und die Lieblingshelden der Stücke waren Einfaltspinsel, Geldverleiher, Krieger und Kurtisanen sowie bescheidene, aufopfernde Heldinnen. Die Charaktere passen sich der Handlung an, die die Realitäten der damaligen Zeit vermittelt.

Der Zeitraum des 17.-18. Jahrhunderts wird durch die Dramaturgie des Barock und der Klassik repräsentiert. Der Humanismus als Richtung tritt in den Hintergrund und der Held fühlt sich verloren. Barocke Ideen trennen Gott und Mensch, das heißt, nun ist es dem Menschen selbst überlassen, sein eigenes Schicksal zu beeinflussen. Die Hauptrichtung der barocken Dramaturgie ist der Manierismus (die Vergänglichkeit der Welt und die prekäre Lage des Menschen), der den Dramen „Fuente Ovejuna“ und „Der Stern von Sevilla“ von Lope de Vega sowie den Werken von Tirso de Molina innewohnt - „Die Verführerin von Sevilla“, „Die fromme Martha“.

Der Klassizismus ist das Gegenteil des Barock, vor allem weil er auf dem Realismus basiert. Das Hauptgenre ist die Tragödie. Ein beliebtes Thema in den Werken von Pierre Corneille, Jean Racine und Jean-Baptiste Moliere ist der Konflikt zwischen persönlichen und bürgerlichen Interessen, Gefühlen und Pflichten. Dem Staat zu dienen ist das höchste edle Ziel eines Menschen. Die Tragödie „The Cid“ brachte Pierre Corneille enormen Erfolg, und zwei Stücke von Jean Racine „Alexander der Große“ und „Thebaid oder die feindlichen Brüder“ wurden auf Anraten von Molière geschrieben und inszeniert.

Moliere war der beliebteste Dramatiker seiner Zeit und stand unter der Schirmherrschaft der regierenden Dame und hinterließ 32 Stücke verschiedener Genres. Die bedeutendsten davon sind „Madman“, „Doctor in Love“ und „Imaginary Patient“.

Während der Aufklärung entwickelten sich drei Strömungen: Klassizismus, Sentimentalismus und Rokoko, die das Drama im England, Frankreich, Deutschland und Italien des 18. Jahrhunderts beeinflussten. Die Ungerechtigkeit der Welt gegenüber den einfachen Menschen ist zu einem Hauptthema für Dramatiker geworden. Die Oberschicht teilt sich den Platz mit den einfachen Leuten. „Aufklärungstheater“ befreit Menschen von etablierten Vorurteilen und wird für sie nicht nur zur Unterhaltung, sondern auch zur Schule der Moral. Das bürgerliche Drama erfreut sich immer größerer Beliebtheit (George Lylo „Der Kaufmann von London“ und Edward Moore „Der Spieler“), das die Probleme der Bourgeoisie hervorhebt und sie als ebenso wichtig ansieht wie die Probleme der Royals.

Das Gothic-Drama wurde erstmals von John Gom in den Tragödien „Douglas“ und „Fatal Discovery“ präsentiert, deren Themen familiärer und alltäglicher Natur waren. Die französische Dramaturgie wurde in größerem Maße durch den Dichter, Historiker und Publizisten Francois Voltaire repräsentiert („Ödipus“, „Der Tod Cäsars“, „Der verlorene Sohn“). John Gay (Die Bettleroper) und Bertolt Brecht (Die Dreigroschenoper) eröffneten der Komödie neue Wege – moralisierend und realistisch. Und Henry Fielding kritisierte fast immer die Engländer politisches System durch satirische Komödien („Love in Different Masks“, „Coffee Shop Politician“), Theaterparodien („Pasquin“), Farcen und Balladenopern („The Lottery“, „The Intrigante Maid“), gefolgt von einem Gesetz zur Theaterzensur wurde vorgestellt .

Da Deutschland der Begründer der Romantik ist, erlebte das deutsche Drama im 18. und 19. Jahrhundert seine größte Entwicklung. Die Hauptfigur der Werke ist eine idealisierte, schöpferisch begabte Persönlichkeit, die der realen Welt gegenübergestellt wird. F. Schelling hatte großen Einfluss auf das Weltbild der Romantiker. Später veröffentlicht Gotthald Lessing sein Werk „Hamburger Drama“, in dem er den Klassizismus kritisiert und für dessen Ideen wirbt pädagogischer Realismus Shakespeare. Johann Goethe und Friedrich Schiller gründen das Weimarer Theater und verbessern die Schauspielschule. Die prominentesten Vertreter des deutschen Dramas sind Heinrich von Kleist („Die Familie Schroffenstein“, „Prinz Friedrich von Homburg“) und Johann Ludwig Tieck („Der gestiefelte Kater“, „Die Welt von innen nach außen“).

Der Aufstieg des Dramas in Russland

Das russische Drama begann sich bereits im 18. Jahrhundert unter dem Vertreter des Klassizismus – A. P. Sumarokov, der als „Vater des russischen Theaters“ bezeichnet wird – aktiv zu entwickeln, dessen Tragödien („Monster“, „Narziss“, „Wächter“, „Cuckold by Imagination“) ) konzentrierten sich auf die Arbeit von Moliere. Doch erst im 19. Jahrhundert spielte diese Bewegung eine herausragende Rolle in der Kulturgeschichte.

In russischen Dramen entwickelten sich mehrere Genres. Dabei handelt es sich um Tragödien von V. A. Ozerov („Yaropolk und Oleg“, „Ödipus in Athen“, „Dimitri Donskoy“), die gesellschaftspolitische Probleme der Napoleonischen Kriege widerspiegelten, satirische Komödien von I. Krylov („Mad Family“, „ „Das Café“) und Lehrdramen von A. Gribojedow („Woe from Wit“), N. Gogol („Der Generalinspekteur“) und A. Puschkin („Boris Godunow“, „Fest zur Zeit der Pest“).

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts etablierte sich der Realismus fest in der russischen Dramenwelt, und A. Ostrovsky wurde zum bedeutendsten Dramatiker dieser Strömung. Sein Werk umfasste historische Theaterstücke („Der Woiwode“), Dramen („Das Gewitter“), satirische Komödien („Wölfe und Schafe“) und Märchen. Die Hauptfigur der Werke war ein findiger Abenteurer, Kaufmann und Provinzschauspieler.

Merkmale der neuen Richtung

Der Zeitraum vom 19. bis zum 20. Jahrhundert führt uns in ein neues Drama ein, nämlich die naturalistische Dramaturgie. Schriftsteller dieser Zeit versuchten, das „echte“ Leben zu vermitteln und die unansehnlichsten Aspekte des Lebens der Menschen dieser Zeit aufzuzeigen. Die Handlungen einer Person wurden nicht nur durch ihre inneren Überzeugungen bestimmt, sondern auch durch die umgebenden Umstände, die sie beeinflussten, sodass die Hauptfigur eines Werkes nicht nur eine Person, sondern sogar eine ganze Familie oder ein separates Problem oder Ereignis sein konnte.

Das neue Drama repräsentiert mehrere literarische Strömungen. Sie alle eint die Aufmerksamkeit der Dramatiker Geisteszustand Charakter, eine plausible Darstellung der Realität und eine Erklärung aller menschlichen Handlungen aus naturwissenschaftlicher Sicht. Henrik Ibsen war der Begründer des neuen Dramas, und der Einfluss des Naturalismus zeigte sich am deutlichsten in seinem Stück „Geister“.

IN Theaterkultur Im 20. Jahrhundert begannen sich vier Hauptrichtungen zu entwickeln – Symbolismus, Expressionismus, Dada und Surrealismus. Alle Begründer dieser Richtungen im Drama waren sich in der Ablehnung einig traditionelle Kultur und die Suche nach neuen Ausdrucksmitteln. Maeterlinck („Der Blinde“, „Jeanne d’Arc“) und Hofmannsthal („Der Narr und der Tod“) thematisieren als Vertreter des Symbolismus in ihren Stücken den Tod und die Rolle des Menschen in der Gesellschaft, und Hugo Ball, ein Vertreter des dadaistischen Dramas, betonte die Sinnlosigkeit der menschlichen Existenz und die völlige Verleugnung aller Glaubensvorstellungen. Der Surrealismus ist mit dem Namen Andre Breton („Bitte“) verbunden, dessen Helden sich durch zusammenhangslose Dialoge und Selbstzerstörung auszeichnen. Das expressionistische Drama erbt die Romantik, in der die Hauptfigur der ganzen Welt gegenübersteht. Vertreter diese Richtung In der Dramaturgie waren es Han Jost („Der junge Mann“, „Der Einsiedler“), Arnolt Bronnen („Aufstand gegen Gott“) und Frank Wedekind („Die Büchse der Pandora“).

Zeitgenössisches Drama

An der Wende vom 20. zum 21. Jahrhundert moderne Dramaturgie verlor seine erreichten Positionen und begab sich in einen Zustand der Suche nach neuen Genres und Ausdrucksmitteln. Die Richtung des Existentialismus wurde in Russland geformt und entwickelte sich dann in Deutschland und Frankreich.

Jean-Paul Sartre wählt in seinen Dramen („Hinter verschlossenen Türen“, „Fliegen“) und anderen Dramatikern einen Menschen zum Helden ihrer Werke, der ständig an ein gedankenloses Leben denkt. Diese Angst lässt ihn über die Unvollkommenheiten der Welt um ihn herum nachdenken und sie verändern.

Unter dem Einfluss von Franz Kafka entsteht das Theater des Absurden, das realistische Charaktere leugnet, und die Werke der Dramatiker werden in Form von sich wiederholenden Dialogen, Inkonsistenzen der Handlungen und dem Fehlen von Ursache-Wirkungs-Beziehungen geschrieben. Das russische Drama wählt als Hauptthema universelle menschliche Werte. Sie verteidigt menschliche Ideale und strebt nach Schönheit.

Die Entwicklung des Dramas in der Literatur steht in direktem Zusammenhang mit dem Studiengang historische Ereignisse in der Welt. Dramatiker aus verschiedenen Ländern, ständig unter dem Eindruck gesellschaftspolitischer Probleme, führten oft selbst Kunsttrends an und beeinflussten so die Massen. Die Blütezeit des Dramas fiel in die Zeit des Römischen Reiches, des alten Ägypten und Griechenlands, in deren Verlauf sich die Formen und Elemente des Dramas veränderten und das Thema der Werke entweder neue Probleme in die Handlung einführte oder zu alten zurückkehrte Probleme aus der Antike. Und wenn die Dramatiker der ersten Jahrtausende auf die Ausdruckskraft der Sprache und den Charakter des Helden achteten, der im Werk des damaligen Dramatikers Shakespeare am deutlichsten zum Ausdruck kommt, dann verstärkten Vertreter der modernen Bewegung die Rolle der Atmosphäre und Subtext in ihren Werken. Basierend auf dem oben Gesagten können wir eine dritte Antwort auf die Frage geben: Was ist Dramaturgie? Dabei handelt es sich um dramatische Werke, die durch eine Epoche, ein Land oder einen Schriftsteller vereint sind.

griechisch Drama - Handlung) ist eine Art Literatur, die das Leben durch Ereignisse, Handlungen, Zusammenstöße von Helden darstellt, d.h. durch die Phänomene, die es ausmachen Außenwelt.

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THEATER

griechisch Drama - Aktion).- 1. Einer der wichtigsten. Geburtskünstler Literatur (zusammen mit Texten und Epen), die Werke umfasst, die normalerweise für die Aufführung auf der Bühne bestimmt sind; ist in Genrevarianten unterteilt: Tragödie, Komödie, Drama im engeren Sinne, Melodram, Farce. Texte dramatischer Werke. besteht aus Dialogen und Monologen von Charakteren, die bestimmte menschliche Charaktere verkörpern und sich in Handlungen und Reden manifestieren. Das Wesen des Dramas besteht darin, die Widersprüche der Realität aufzudecken, die in den Konflikten verkörpert sind, die die Entwicklung der Handlung des Werkes bestimmen, und in den inneren Widersprüchen, die der Persönlichkeit der Charaktere innewohnen. Die Themen, Formen und Stile der Malerei haben sich im Laufe der Kulturgeschichte verändert. Das Thema des Bildes waren zunächst Mythen, in denen die spirituelle Erfahrung der Menschheit verallgemeinert wurde (D. Osten, Antikes Griechenland, religiöses D. Europäisches Mittelalter). Der Wendepunkt in D. kam mit einem Appell an die reale Geschichte, den Staat und häusliche Konflikte(D. Renaissance, Dramaturgie von Shakespeare, Lope de Vega, Corneille, Racine usw.); Die Handlungen von D. begannen, majestätische und heroische Ereignisse und Charaktere widerzuspiegeln. Im 18. Jahrhundert Unter dem Einfluss der Ästhetik der Aufklärung agierte D. bereits zuvor als Helden

Direktoren der aufstrebenden bürgerlichen Klasse (Diderot, Lessing). Realismus der pädagogischen D. Romantik des Ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts V. Sie kontrastieren legendäre und historische Themen, außergewöhnliche Helden und intensive Leidenschaften. An Wende XIX-XX Jahrhunderte Der Symbolismus lässt in D. mythologische Themen wieder aufleben, und der Naturalismus wendet sich den dunkelsten Seiten des Alltags zu. D. in der sozialistischen Kunst, die eine umfassende Berichterstattung über die Realität anstrebt, folgt den Traditionen des Realismus der Vorperiode und ergänzt den Realismus oft durch revolutionäre Romantik. 2. Eine Art Theaterstück, bei dem der Konflikt keinen tragischen, tödlichen Ausgang nimmt, die Handlung jedoch keinen rein komischen Charakter erhält. Dieses Genre des Dramas, das zwischen Tragödie und Komödie angesiedelt ist, verbreitete sich vor allem in der zweiten Hälfte des 19. und 20. Jahrhunderts. Ein markantes Beispiel für diese Art von Stück ist die Dramaturgie von A.P. Tschechow.

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