Sa isang libretto (sa Pranses) nina Jules Barbier at Michel Carré, batay sa trahedya ni W. Shakespeare.

Mga tauhan:

SIGNOR CAPULET (bass)
JULIET, ang kanyang anak na babae (soprano)
GERTRUDE, ang kanyang nars (mezzo-soprano)
TYBALD, pamangkin ni Capulet (tenor)
GREGORIO, isa sa mga Capulet (baritone)
ROMEO, isa sa mga Montague (tenor)
MERCUTIO, isa pa sa mga Montague (baritone)
BENVOLIO, isa pa sa mga Montague (tenor)
STEFANO, pahina Romeo (soprano)
DUKE OF VERONA (bass)
SIGNOR PARIS (kamag-anak ng Duke ng Verona), katipan kay Juliet (baritone)
TATAY LAURENT (bass)

Panahon ng panahon: XIV siglo.
Lokasyon: Verona.
Unang pagtatanghal: Paris, Théâtre Lyricique, 27 Abril 1867.

Sa lahat ng mga obra maestra sa panitikan na ginamit ng "firm" ni Barbier & Carré, ang mga pambihirang producer ng lahat ng uri ng libretto, para sa kanilang mga literary craft, ang trahedya ni Shakespeare na Romeo at Juliet ay may pinakamababang pagbaluktot. Kahit na ang script ay naging makabuluhang pinaikli, lalo na sa unang yugto, at ang karakter ng mababang komedya, si Pietro, ay ganap na natanggal (ngunit ang kaakit-akit na batang lalaki na si Stefano, na wala sa Shakespeare, ay ipinakilala sa libretto), ang pangkalahatang kurso ng balangkas ay naihatid nang tama, at ang mga pangunahing tauhan ay napanatili ang kanilang tunay na kasiglahan ng Shakespearean. Maaaring literal na isinalin ng mga librettist ang marami sa mga linya o kahit man lang ay na-paraphrase ang mga ito. Isang malaking konsesyon sa mga hinihingi ng opera ang kailangang gawin ng mga masisipag na manggagawang pampanitikan na ito: pinahintulutan nilang magising si Juliet mula sa kanyang droga sa lalong madaling panahon na maaari niyang kantahin ang kanyang love duet kasama si Romeo bago ito namatay mula sa lason na kanyang ininom. Ngunit kahit na para sa paglihis na ito mula kay Shakespeare ay may ilang katwiran sa kasaysayan ng panitikan: A. Si Brooke, ang may-akda ng isang tula na isa sa mga pangunahing mapagkukunan para kay Shakespeare, ay ginawa rin ito sa kanyang panahon.

Si Adeline Patti, ang pinakatanyag na Juliet, ay sumunod din sa diwa ng teksto na may kamangha-manghang katapatan sa buhay. Noong 1880s, habang kasal sa Marquis de Caux (ngunit hindi nakatira kasama niya), ginampanan niya ang papel na ito sa Paris Grand Opera. Ang kanyang kapareha ay ang mang-aawit na Pranses na si Nicoloni (ang kanyang tunay na pangalan ay Ernest Nicolas, ngunit binago niya ito dahil sa kanyang paghanga sa Italya, na mas pinahahalagahan ang kanyang boses kaysa sa kanyang sariling bansa). Ang mga gumaganap na ito ng dalawang pangunahing bahagi ay, tila, masigasig na umiibig sa isa't isa gaya ng mga karakter na kanilang kinakatawan. Ang isang cool-headed observer (siya ba ay isang kritiko?) ay nagbilang ng dalawampu't siyam na tunay na halik na kanilang ipinagpalit sa tanawin sa balkonahe. Nang tuluyang humiwalay si Patti sa Marquis, nagpakasal ang mag-asawang opera - namuhay silang masaya nang magkasama sa loob ng labindalawang taon bago namatay ang tenor at ang soprano ay bumalik sa aristokratikong mundo bilang Baroness Sedeström.

PROLOGUE

Ang dula ni Shakespeare ay pinangungunahan ng isang prologue sa anyo ng isang soneto, na ipinagkatiwala sa isang aktor na tinatawag na "The Chorus". Ang kanyang unang kilalang mga linya ay:

Sa dalawang pamilyang magkapantay sa kadakilaan at kaluwalhatian,
Sa Verona muling sumiklab ang malago
Ang mga awayan ng nakalipas na mga araw ay madugong alitan...

Ang opera ni Gounod ay nagsisimula sa parehong soneto, ngunit ang mga linya ng "Koro" ay inaawit ng isang tunay na buong koro.

ACT I

Ang unang pagkilos ay bubukas kaagad sa eksena ng bola, na panglima sa dula ni Shakespeare. Gayunpaman, nagawang sabihin sa amin ng mga librettist ang tungkol sa lahat ng pinakamahalagang bagay na nangyari sa mga naunang eksena, at maging ang tungkol sa mga bagay na wala talaga kay Shakespeare! Ang kurtina ay tumataas sa musika ng isang waltz, na ginaganap sa isang bola na pinangungunahan ng pamilya Capulet. Tinalakay ni Tybalt ang paparating na kasal ng kanyang kamag-anak na si Juliet kay Signor Paris. (Nga pala, walang nag-abalang sabihin kay Juliet na engaged na siya sa kanya. Noong mga araw na iyon, ang mga magulang ay gumagawa ng mga ganoong transaksyon sa pinaka-domineering na paraan.)

Hindi nagtagal, lumitaw si Signor Capulet, ang ama ni Juliet. Ipinakilala niya ang kanyang anak na babae sa mga nakatipon, at pinasaya niya ang lahat sa pagganap ng isang maliit, kaakit-akit na aria. Sa aria na ito ay ipinakita niya ang hindi bababa sa isa sa kanyang mga kahanga-hangang talento - ang kahanga-hangang coloratura.

Tila, gayunpaman, na mayroong ilang mga hindi inanyayahang bisita sa pagdiriwang - isang grupo ng mga kinasusuklaman na Montague. Isa sa kanila si Romeo. Siya ay natural na umibig kay Juliet sa unang tingin. Bahagyang tinukso siya ni Mercutio at kumakanta ng magaan na baritone aria (balad) - isang French paraphrase ng kanyang mga iniisip tungkol kay Queen Mab (sa Shakespeare - Meb. - AM.), isang kamangha-manghang karakter na nilikha, tila, ni Shakespeare mismo, ngunit sa diwa ng mga imahe ng alamat (sa Shakespeare ang episode na ito ay nasa ika-apat na eksena ng unang gawa - A.M. Ang sumunod ay isang eksena sa pagitan ng nars at Juliet, at nang magpahiwatig siya tungkol sa kasal, ipinahayag ni Juliet na ayaw niyang marinig ang tungkol dito. Dumating ang sandali para sa kanyang sikat na aria - ang kilalang waltz song na “Ah! Mamuhay nang walang pakialam, magsaya.” Ang kabalintunaan ay na sa susunod na sandali ay nakilala niya ang isang lalaki na agad na gumising sa kanyang pagnanais na pakasalan siya. At narito ang una sa isang serye ng mga duet ng pag-ibig kung saan sikat ang opera na ito, at sa pagtatapos nito, si Juliet ay masigasig na umiibig kay Romeo gaya ng pag-ibig nito sa kanya.

Ngunit si Tybalt, ang pamangkin ni Capulet (sa Shakespeare - Signora Capulet; dahil wala siya sa opera, ginawa siya ng mga librettist na pamangkin ni Capulet mismo. - A.M.), ay naniniwala na nakilala niya ang boses ng isa sa mga Montague. Hindi pa siya lubos na sigurado, dahil nakamaskara ang mga bisita. Gayunpaman, bilang isang mainitin ang ulo na binata, handa siyang maging sanhi ng kaguluhan, at sa kaunting kahirapan lamang ay napatahimik siya ng may-ari na si Signor Capulet at igiit na walang mga pag-aaway sa holiday sa kanyang bahay. . Nanawagan siya sa lahat na sumayaw, at nagtatapos ang aksyon kung saan ito nagsimula - isang waltz kung saan nakikilahok ang lahat.

GAWAIN II

Ang pangalawang gawa ay ang sikat na tanawin sa balkonahe. Nagsisimula ito - tulad ng pagsisimula ng eksenang ito sa Shakespeare - na si Romeo ay nahiwalay sa kanyang masayang mga kaibigan, at ngayon ay nasa ilalim siya ng balkonahe ni Juliet. "Ang hindi nasugatan ay nagbibiro tungkol sa peklat," sabi niya (tulad ng sa pagsasalin ng Russian ni Shakespeare, at bilang tugon sa prangka na hindi maliwanag na pahayag ni Mercutio; sa tinatanggap na pagsasalin ng Russian ng opera ito ay naiiba: "Naririnig ko ang boses ni Mercutio . / Iyan ang nasugatan ay hindi alam ang mga puso / At palaging nagbibiro"), at pagkatapos ay kumanta ng kanyang malaking aria - cavatina "Ah! leve-toi, soleil! (“Araw, mabilis na sumikat”). Ang balanse ng buong eksena ay ibinibigay ng isang hindi pangkaraniwang magandang duet ng pag-ibig. Tulad ng sa Shakespeare, sa opera ay si Juliet ang nagmumungkahi ng kasal - at nagmumungkahi ito nang napakabilis. Sumasang-ayon si Romeo, na gustong gusto ang parehong bagay. Dalawang beses naputol ang mahabang duet nila. Isang araw, sinusubukan ng mga Capulet na maghanap ng mga miyembro ng angkan ng Montague. Minsan naman tinawagan ng nurse si Juliet para matulog. Sa pagtatapos ng aksyon na ito, ang sikat na couplet ay tumunog: "Nakakalungkot para sa akin na ulitin ang mga salita ng paalam," na sabay-sabay na inaawit ng mga bayani At pagkatapos, nang magretiro si Juliet sa bahay pagkatapos ng kanyang nars, marubdob na binibigkas ni Romeo ilang mga parirala pa (“Hayaan mong bumulong ang lahat sa iyo: Mahal kita!” Mahal na mahal kita! / Hayaang halikan ng simoy ng gabi ang iyong mga labi!

GAWAIN III

Eksena 1 napakaikli: ito ang lihim na kasal nina Romeo at Juliet. Dumating ang ating mga bayani sa selda ng matandang si Padre Laurent; Ipinaliwanag sa kanya ni Romeo na nais nilang magpakasal nang mabilis at palihim; Naniniwala si Padre Laurent na ang kasal na ito ay maaaring wakasan ang mapait na namamanang alitan sa pagitan ng mga Montague at ng mga Capulet, at ang seremonya ay ginanap. Ang eksena ay nagtatapos sa isang masayang apatan ("Oh, isang kahanga-hangang sandali!"), kung saan ang nars ay sumali sa mga bayani.

SA larawan 2 Napakaraming mga kaganapan ang nangyayari, at bukod sa, isang ganap na bagong karakter ang lilitaw dito, wala sa Shakespeare - ang pahinang Stefano. Ito ay isang matikas, masayahin at walang takot na batang Montague. Napakabata niya talaga na ang kanyang papel ay ginagampanan ng isang soprano. Nagsimula ang eksena sa kanyang mapangahas at nakakainsultong harana - “Que fais-tu, blanche tourterelle?” (“Ah, ang aking puting kalapati”). Si Gregorio, isa sa mga Capulet, ay sinubukan siyang salakayin gamit ang isang espada. Ngunit lumitaw ang mga Montague, at ang sitwasyon ay agad na nagiging seryoso. Hinahamon ni Tybalt si Romeo, ngunit si Romeo, na kakasal lang sa pinsan ni Tybalt, ay tumangging tanggapin ang hamon. Sa halip, tinatanggap ng mainitin ang ulo na si Mercutio ang hamon na ito. Isang tunggalian ang sumiklab, at nang mapatay ni Tybalt si Mercutio, hindi na maaaring tumabi si Romeo. Lumilitaw ang mas matanda at mas matalinong mga ulo, at kabilang sa kanila ang matandang Capulet at ang Duke ng Verona. Ang Duke, na nabigla sa dumanak na dugo, ay pinarusahan si Romeo: pinalabas niya siya sa lungsod ("Hanggang sa dumating ang Araw, / Aalis ka sa lungsod!"). Ito ang pinakamasamang pangungusap para sa batang asawa, at ngayon ang ensemble ay tumutunog, kung saan siya ang nangunguna sa papel at kung saan siya ay nagluluksa sa kanyang kasawian ("Oh, malungkot na araw! Expulsion! Expulsion! / Hindi, mas mabuti ang kamatayan, ngunit Makikita ko!") .

GAWAIN IV

Ang ika-apat na yugto ay nagsisimula sa ikatlo at ikaapat na mga duet ng pag-ibig, na malumanay, na parang may tuldok na linya, na dumaan sa buong malungkot na kuwentong ito. Nag-iisang gabing magkasama sina Romeo at Juliet, at ngayon ay oras na para iwan ni Romeo ang kanyang minamahal. Ang Duke ay nagbigay ng utos na kung si Romeo ay matatagpuan sa lungsod, siya ay papatayin. Walang kabuluhan ang mga manliligaw na sinusubukang kumbinsihin ang kanilang mga sarili na ang pagkanta na kanilang naririnig ay hindi isang lark na umaawit kaya "wala sa tono" (to quote Shakespeare) (ang lark ay kumakanta sa madaling araw at ibinalita ang pagdating ng araw na si Romeo ay dapat umalis sa lungsod), ngunit isang nightingale (ang gabing mang-aawit ng pag-ibig). Tunay na "magkasundo" ang soprano at tenor na kumakanta ng kanilang trahedya na paalam sa isa't isa ("Dapat tayong maghiwalay").

Ngunit ang pinakamasama ay darating pa para sa kawawang Juliet. Dumating ang kanyang ama upang ipaalam sa kanya na dapat niyang pakasalan kaagad si Signor Paris. Laking gulat niya. Naiwan mag-isa kasama si Padre Laurent, humingi ng payo si Juliet sa kanya. Siya ay handa sa anumang bagay. Inabutan siya ni Padre Laurent ng isang bote. Naglalaman ito, tulad ng ipinaliwanag niya, ng isang gamot. Kung inumin niya ito, lilitaw siyang patay nang eksaktong apatnapu't dalawang oras. Sa pagtatapos ng panahong ito, nangako ang monghe, dadalhin niya si Romeo sa kanya. Mabilis na kinuha ni Juliet ang potion na ito.

Kasunod nito, ang isang ballet ay ginaganap sa ilang bahagi. Gumagawa siya ng medyo kakaibang impression. Sinasabi kong "medyo kakaiba" dahil wala ito sa orihinal na bersyon ng marka. Napilitang idagdag ito ni Gounod noong unang itanghal ang opera sa entablado ng National Opera, isang taon pagkatapos ng premiere nito sa entablado ng Lyric Theater. Ang mga miyembro ng Jockey Club, ang mga batang dandies na ito na tumangkilik sa mga batang mananayaw ng teatro na ito, ay humiling na sa gitna ng anumang opera na ibinibigay sa yugtong ito ay dapat palaging may mga numero ng ballet. At maaari bang maghimagsik ang isang simpleng kompositor laban sa kahilingan nilang ito? Ang ballet dito ay walang anumang dramatikong kahulugan, ngunit ang musika nito ay gumagawa ng isang kaaya-ayang impresyon.

Lumilitaw ang Signor Capulet; dumating siya para kumbinsihin si Juliet na magpakasal. Si Juliet ay nasa kawalan ng pag-asa, siya ay bumulalas na ang kanyang kama sa kasal ay magiging libingan - at, sa takot ng lahat, siya ay nahulog na patay. Ang gamot ay tila nagsimulang gumana sa panahon ng ballet.

ACT V

Ang huling maikli at trahedya na aksyon ay pangunahing binubuo ng mga huling pag-ibig na duet ng mga bayani. Nagsisimula ito, gayunpaman, sa isang maikling symphonic na tula, na naglalarawan gamit ang mga tunog na parang pagkamatay ni Juliet sa crypt ng pamilya Capulet. Si Romeo (na nakarinig na siya ay namatay - ngunit hindi alam na ito ay isang panloloko) ay pumunta sa crypt upang huling pagkakataon magpaalam sa iyong minamahal (“Oh ma femme! Oh ta bien aimee!” - “Oh Juliet, oh my dear angel!”). Hinalikan niya si Juliet, pagkatapos ay naglabas ng isang bote ng lason at ininom din ito - ngunit itong lason na dala niya ay totoo, at hindi lamang pampakalma na ininom ni Juliet. Sa sandaling ito, nagising si Juliet at, sa kanyang takot, nalaman niya ang ginawa ni Romeo. Kumanta sila ng isa pang duet, ngunit masyadong mabilis kumilos ang lason at namatay si Romeo. Inilabas ni Juliet ang kanyang punyal - at dalawa sa pinakasikat na magkasintahan ng panitikan ang namatay sa magkayakap.

Henry W. Simon (isinalin ni A. Maikapara)

Kasaysayan ng paglikha

Ang opera ni Gounod ay batay sa trahedya ng mahusay na English playwright na si William Shakespeare (1564-1616). Ang "Romeo at Juliet" ay isa sa kanyang mga pinakaunang gawa, malamang na itinayo noong 1595 at tinatangkilik ang malawak na katanyagan kapwa sa panahon ng buhay ng may-akda at sa mga sumunod na siglo. Sa Italya, ang kuwento ng mga mahilig sa Verona ay itinuturing na isang tunay na pangyayari, at sa panahon na ni Shakespeare, lumitaw ang libingan ni Juliet. Ang libingan, tulad ng bahay na may sikat na balkonahe at ang rebulto ng pangunahing tauhang babae sa ibaba nito, ay ipinapakita pa rin sa mga turista. Ang mga librettist ni Gounod ay ang sikat na French playwright na sina Jules Barbier (1819-1872) at Michel Carré (1822-1901). Madalas silang nagtutulungan, lumikha ng humigit-kumulang 25 libretto para sa mga opera at operetta, kabilang ang libretti para kay Faust at 7 pang opera ni Gounod. Tulad ng iba pang mga libretto na batay sa mga gawa ng panitikan sa mundo, sina Barbier at Carré ay nakatuon sa kuwento ng pag-ibig. Sa apat sa limang acts, ang love duets ang naging sentro ng stage. Gaya ng sinabi ng Pranses na biograpo na si Gounod C. Bellague, ang opera ay “halos kabuuan ay binubuo ng apat na duet. Kung sila ay aalisin, ang gawain ay hindi umiiral; kung sila ay umiiral, ito ay patuloy na nabubuhay." Ang huling duet, na makabuluhang pinalawak kumpara sa trahedya ni Shakespeare, ay sumasakop sa buong pangwakas na pagkilos (sa Romeo ni Shakespeare, na kumuha ng lason, namatay bago gumising si Juliet). Para sa mga librettist, ang alitan sa pagitan ng mga Montague at Capulets ay background lamang ng isang kuwento ng pag-ibig, at hindi nagkataon na ang opera ay nagtatapos sa pagkamatay ng isang mapagmahal na mag-asawa, at hindi sa pagkakasundo ng mga nag-aaway na pamilya. Ito ay hindi nagkataon na ang bilang ng mga eksena sa karamihan ng tao at mga kalahok sa away ay nabawasan din sa limitasyon, at si Duke Escalus ay hindi nakalista sa listahan ng mga karakter. Wala ang pinuno ng pamilya Montague - ang ama ni Romeo, o ang mga ina ng parehong bayani, ang papel ng kapatid ni Juliet na si Tybalt ay maliit, at ang kanyang kasintahang si Paris ay na-relegate sa isang karakter sa entablado ng masa. Ngunit ang travesty boy na minamahal ng French opera, ang pahinang Romeo Stefano, ay ipinakilala.

Sa simula ng Abril 1865, nanirahan si Gounod sa isang villa sa bayan ng Saint-Raphael sa baybayin ng Dagat Mediteraneo, kung saan ang lahat ay nakapagpapaalaala sa Italya - ang labas ng Naples, ang Roman Campania. Pagbangon ng alas singko ng umaga, sinalubong ng kompositor ang pagsikat ng araw. Nanirahan sa isang maliit na bahay dalawampung hakbang mula sa kumukulong mga alon o sa ilalim ng isang seaside pine tree, siya, sa kanyang sariling mga salita, "nagtrabaho nang may pag-ibig" hanggang alas-diyes at kalahati - onse, hindi napansin ang paglipas ng oras: "limang oras lumipas habang nakikinig ako kay Romeo, o Juliet, o Friar Lorenzo, o sinuman, na iniisip na isang oras lang akong nakikinig sa kanila.” "Naririnig ko ang aking mga karakter na kumakanta nang malinaw na nakikita ko ang lahat sa paligid ko, at ang kalinawan na ito ay pumupuno sa akin ng kaligayahan." Walang nakagambala sa kapayapaan, at sa loob ng 4-5 na araw ay sumulat siya nang higit na hindi niya gagawin sa lungsod. Lumipas ang mga linggo tulad nito: "Wala akong nararamdamang anumang pagkapagod, 20 taong gulang ako, kahit na 10 ako, para akong bata." Noong April 9, halos ang buong I act ay composed with “the first gallant duet of Romeo and Juliet.” Ang duet sa balkonahe ng Act II ay ganap na nilikha sa isang upuan. Mas nahirapan ang duet na ipanganak sa kwarto: “Sa wakas nahawakan ko, itong maldita na duet ng Act IV. Oh! Sana alam ko kung siya ba talaga! Sa tingin ko ay siya na ito. Nakikita ko silang dalawa, naririnig ko sila; Pero ayos lang nakikita ko ba ayos lang naririnig ko ba itong dalawang magkasintahan? Kung maaari lang nilang sabihin sa akin ito at gumawa ng isang "Oo" sign! Binasa ko, itong duet, binasa ko ulit, buong atensyon ko itong pinapakinggan; Sinusubukan kong hanapin siya ng masama; Natatakot akong makita siyang mabuti at malinlang!" Nakumpleto ang sketch ng score sa loob ng isang buwan. Napakatindi ng nerbiyos na tensyon kaya't masayang nakilala ni Gounod ang kanyang doktor at sumama sa kanya sa Saint-Cloud malapit sa Paris. Dito, pagkatapos ng dalawang linggong pahinga, noong Mayo 25, masigla siyang nagsimulang magtrabaho muli. Walang impormasyon kung paano ito Dumaan ang mga sumunod na buwan hanggang noong Agosto 19, 1866, ang isa sa mga pahayagan sa Paris ay nagpahayag ng pagsisimula ng mga pag-eensayo para sa Romeo at Juliet sa Lyric Theater Gayunpaman, ang premiere, na naka-iskedyul para sa simula ng 1867, ay maaari lamang maganap sa Abril 27 (isa sa mga dahilan para sa pagpapaliban ay ang kawalan ng isang tenor sa loob ng balangkas ng World Exhibition, na nagbukas sa Paris isang buwan bago, dinala ni Gounod ang kanyang unang tunay na tagumpay, na, ayon sa isang kontemporaryo, ay sumabog tulad ng mga paputok. Bago pa man matapos ang taon, ipinakita ang Romeo at Juliet sa maraming yugto sa Germany at Belgium, sa Milan at maging sa New York, ang tagumpay ay pangmatagalan at patuloy na tumataas. Comic opera at Grand Opera, ang opera ay may humigit-kumulang 500 na pagtatanghal hanggang sa katapusan ng ika-19 na siglo, at sa loob ng 50 taon mula noong premiere nito, ang kanilang bilang ay malapit sa 1000.

Musika

Ang "Romeo at Juliet" ay isang maliwanag na halimbawa ng French lyric opera. Ang mga pangunahing yugto nito ay apat na duet ng magkasintahan at ang kanilang dalawang maliliit na aria na may melodic melodies, nagpapahayag at hindi malilimutan.

Sa Act I, ang sikat na waltz ni Juliet na "In Unclear Dreams," kasama ang mga nakamamanghang makikinang na mga sipi, ay nagpinta ng imahe ng isang bata, walang pakialam na babae. Ang duet ng unang pagkikita nina Romeo at Juliet na "Heavenly angel, I would like to touch the lovely hand" (ang pamagat ng may-akda ay isang madrigal para sa dalawang boses) ay nakikilala sa pamamagitan ng kanyang pinigilan, eleganteng, medyo seremonyal na karakter. Ang Act II ay naglalaman ng cavatina ni Romeo na "Sun, quick rise," na pinainit ng taos-puso at madamdaming pakiramdam. Ang duet ng mga confession sa balkonahe na "Oh, night of bliss!", na binubuo ng isang bilang ng mga episode na naiiba sa tempo at rhythmic pattern, ngunit pantay na magaan sa mood, ay malapit din dito. Sa duet ng bagong kasal na nagbubukas sa Act IV, "The Night of Hymen!" O gabi ng banal na pag-ibig! ang mga yugtong puno ng kasiyahan, pagkalasing sa pag-ibig, ay napalitan ng balisa, nasasabik. Ang Act V ay ganap na inookupahan ng naghihingalong duet na "Hello to you, gloomy and silent coffin." Ang pinakamalawak sa lahat, kabilang dito ang parehong recitative at melodic sections, kung saan maririnig ang mga tema ng nakaraang duet; Ang orkestra ay gumaganap ng isang mahalagang papel.

A. Koenigsberg

Ang gawaing ito ni Gounod ang pangalawa sa pinakamahalaga (pagkatapos ni Faust) sa gawa ng kompositor at isa sa pinakamahusay (kasama ang opera ni Bellini na Capulet at ang Montagues) sa maraming bersyon ng trahedya ni Shakespeare sa entablado ng musika. Ang balangkas ay binago at melodramatize. Ang opera ay nakasulat sa tipikal Mga tradisyong Pranses lyric opera. Tulad ng sa Faust, isinama ng may-akda ang ballet sa akda.

Sa entablado ng Russia sa unang pagkakataon noong 1870 (St. Petersburg, sa Italyano). Ang unang produksyon ng Russia ay naganap noong 1883, gayundin sa St. Petersburg (Mariinsky Theater). Sa mga modernong produksyon, napapansin natin ang pagganap ng Metropolitan Opera noong 1967 (mga soloistang Freni, Corelli). Nag-record si Conductor Lombard kasama ng mga mang-aawit na ito noong 1968 sa EMI.

Discography: CD - EMI. Sinabi ni Dir. Plasson, Romeo (Kraus), Juliet (Malfitano), Padre Laurent (Van Damme), Mercutio (Quilico), Capulet (Baquier), Stefano (Marri).

pagsubok

1. Ang kasaysayan ng paglikha ng ballet na "Romeo at Juliet"

Ang unang pangunahing gawain, ang ballet na Romeo at Juliet, ay naging isang tunay na obra maestra. Mahirap ang simula ng kanyang buhay sa entablado. Ito ay isinulat noong 1935-1936. Ang libretto ay binuo ng kompositor kasama ang direktor na si S. Radlov at ang koreograpo na si L. Lavrovsky (L. Lavrovsky ay itinanghal ang unang produksyon ng ballet noong 1940 sa Leningrad Opera at Ballet Theater na pinangalanang S. M. Kirov). Ngunit ang unti-unting pagbagay sa hindi pangkaraniwang musika ni Prokofiev ay nakoronahan pa rin ng tagumpay. Ang ballet na "Romeo at Juliet" ay nakumpleto noong 1936, ngunit naisip nang mas maaga. Ang kapalaran ng balete ay patuloy na umunlad nang kumplikado. Sa una ay may mga kahirapan sa pagkumpleto ng balete. Si Prokofiev, kasama si S. Radlov, habang binubuo ang script, ay nag-isip tungkol sa isang masayang pagtatapos, na nagdulot ng isang bagyo ng galit sa mga iskolar ng Shakespeare. Ang maliwanag na kawalang-galang sa mahusay na manunulat ng dula ay ipinaliwanag nang simple: "Ang mga dahilan na nagtulak sa amin sa barbarity na ito ay puro koreograpiko: ang mga nabubuhay na tao ay maaaring sumayaw, ang mga namamatay na tao ay hindi maaaring sumayaw nang nakahiga." Ang desisyon na tapusin ang ballet sa trahedya, tulad ni Shakespeare, ay naiimpluwensyahan higit sa lahat sa pamamagitan ng katotohanan na walang purong kagalakan sa musika mismo, sa mga huling yugto nito. Nalutas ang problema pagkatapos ng mga pag-uusap sa mga koreograpo, nang lumabas na "posibleng lutasin ang nakamamatay na pagtatapos sa pamamagitan ng balletically." Gayunpaman, nilabag ng Bolshoi Theater ang kasunduan, isinasaalang-alang ang musika na hindi sumasayaw. Sa pangalawang pagkakataon, tinanggihan ng Leningrad Choreographic School ang kasunduan. Bilang resulta, ang unang produksyon ng Romeo at Juliet ay naganap noong 1938 sa Czechoslovakia, sa lungsod ng Brno. Ang direktor ng ballet ay sikat na koreograpo L. Lavrovsky. Ang papel ni Juliet ay sinayaw ng sikat na G. Ulanova.

Bagaman sa nakaraan ay may mga pagtatangka na itanghal si Shakespeare sa entablado ng ballet (halimbawa, noong 1926 ay itinanghal ni Diaghilev ang ballet na Romeo at Juliet na may musika. Ingles na kompositor K. Lambert), ngunit wala sa kanila ang itinuturing na matagumpay. Tila kung ang mga imahe ni Shakespeare ay maaaring katawanin sa opera, tulad ng ginawa ni Bellini, Gounod, Verdi, o sa symphonic na musika, tulad ng sa Tchaikovsky, pagkatapos ay sa ballet, dahil sa pagiging tiyak ng genre nito, imposible. Kaugnay nito, ang pagliko ni Prokofiev sa balangkas ni Shakespeare ay isang matapang na hakbang. Gayunpaman, inihanda ng mga tradisyon ng Russian at Soviet ballet ang hakbang na ito.

Ang hitsura ng ballet na "Romeo at Juliet" ay bumubuo ng isang mahalagang punto ng pagbabago sa gawain ni Sergei Prokofiev. Ang ballet na "Romeo and Juliet" ay naging isa sa mga pinakamahalagang tagumpay sa paghahanap para sa isang bagong choreographic na pagganap. Nagsusumikap si Prokofiev na isama ang buhay na damdamin ng tao at pagtibayin ang pagiging totoo. Ang musika ni Prokofiev ay malinaw na nagpapakita ng pangunahing salungatan ng trahedya ni Shakespeare - ang pag-aaway ng maliwanag na pag-ibig sa away ng pamilya ng mas lumang henerasyon, na nagpapakilala sa kabangisan ng medieval na paraan ng pamumuhay. Ang kompositor ay lumikha ng isang synthesis sa ballet - isang pagsasanib ng drama at musika, tulad ni Shakespeare sa kanyang panahon na pinagsama ang tula sa dramatikong aksyon sa Romeo at Juliet. Ang musika ni Prokofiev ay naghahatid ng mga banayad na sikolohikal na paggalaw kaluluwa ng tao, ang yaman ng pag-iisip ni Shakespeare, ang hilig at drama ng kanyang una sa mga pinakaperpektong trahedya. Nagawa ni Prokofiev na muling likhain ang mga character na Shakespearean sa ballet sa kanilang pagkakaiba-iba at pagkakumpleto, malalim na tula at sigla. Ang tula ng pag-ibig nina Romeo at Juliet, ang katatawanan at kalokohan ni Mercutio, ang kawalang-kasalanan ng Nars, ang karunungan ni Pater Lorenzo, ang poot at kalupitan ni Tybalt, ang maligaya at magulo na kulay ng mga lansangan ng Italyano, ang lambing ng madaling araw. at ang drama ng mga eksena sa kamatayan - lahat ng ito ay kinakatawan ng Prokofiev na may kasanayan at napakalaking nagpapahayag na kapangyarihan.

Ang mga detalye ng genre ng ballet ay nangangailangan ng pagpapalaki ng aksyon at konsentrasyon nito. Pinutol ang lahat ng bagay na hindi sinasadya o pangalawa sa trahedya, itinuon ni Prokofiev ang kanyang pansin sa mga sentral na semantikong sandali: pag-ibig at kamatayan; nakamamatay na awayan sa pagitan ng dalawang pamilya ng maharlikang Verona - ang Montagues at ang Capulets, na humantong sa pagkamatay ng mga magkasintahan. Ang "Romeo and Juliet" ni Prokofiev ay isang mayamang nabuong choreographic na drama na may mga kumplikadong motibasyon para sa mga sikolohikal na estado at isang kasaganaan ng malinaw na mga larawan at katangian ng musikal. Ang libretto ay maikli at nakakumbinsi na nagpapakita ng batayan ng trahedya ni Shakespeare. Pinapanatili nito ang pangunahing pagkakasunud-sunod ng mga eksena (ilang eksena lamang ang pinaikli - 5 kilos ng trahedya ang pinagsama-sama sa 3 malalaking kilos).

Ang "Romeo at Juliet" ay isang malalim na makabagong ballet. Ang pagiging bago nito ay ipinakita din sa mga prinsipyo ng pag-unlad ng symphonic. Ang symphonized dramaturgy ng balete ay naglalaman ng tatlong magkakaibang uri.

Ang una ay isang magkasalungat na pagsalungat sa pagitan ng mga tema ng mabuti at masama. Ang lahat ng mga bayani - may dalang kabutihan ay ipinapakita sa magkakaibang at multifaceted na paraan. Ang kompositor ay nagpapakita ng kasamaan sa mas pangkalahatang paraan, na inilalapit ang mga tema ng poot sa mga tema ng rock noong ika-19 na siglo, at sa ilang mga tema ng kasamaan noong ika-20 siglo. Ang mga tema ng kasamaan ay lumilitaw sa lahat ng mga gawa maliban sa epilogue. Sinasalakay nila ang mundo ng mga bayani at hindi umuunlad.

Ang pangalawang uri ng pag-unlad ng symphonic ay nauugnay sa unti-unting pagbabago ng mga imahe - Mercutio at Juliet, kasama ang pagsisiwalat ng mga sikolohikal na estado ng mga bayani at ang pagpapakita ng panloob na paglago ng mga imahe.

Ang ikatlong uri ay nagpapakita ng mga tampok ng pagkakaiba-iba, pagkakaiba-iba, katangian ng simphonismo ni Prokofiev sa kabuuan;

Ang lahat ng tatlong pinangalanang uri sa ballet ay napapailalim din sa mga prinsipyo ng pag-edit ng pelikula, isang espesyal na ritmo ng pagkilos ng frame, mga diskarte ng close-up, medium at long shot, mga diskarte ng "dissolves", matalim na magkakaibang mga pagsalungat na nagbibigay sa mga eksena ng isang espesyal na kahulugan.

British Museum London

Ang nagtatag ng koleksyon ng museo ay itinuturing na sikat na manggagamot at naturalista, presidente ng Royal Society (English Academy of Sciences) na si Hans Sloan (1660-1753), na ayaw makita...

Mga magagandang museo sa ating panahon. Pagsusuri ng pinakamahalaga at natatanging museo sa mundo

Sa simula ng pagkakaroon nito, muling pinunan ng Louvre ang mga pondo nito mula sa mga koleksyon ng hari na nakolekta sa isang pagkakataon ni Francis I (Italian paintings) at Louis XIV (ang pinakamalaking acquisition ay 200 paintings ng banker na si Everhard Jabach...

Hollywood - pabrika ng pangarap

Ang paliwanag na diksyunaryo ay naglalaman ng lahat ng pangunahing impormasyon: ang lugar ng Los Angeles (California), ang lugar kung saan ang karamihan sa industriya ng pelikulang Amerikano ay dating puro. At ang pangalawa, matalinghagang kahulugan...

Palasyo at parke ensemble Tsaritsyno, Moscow

Katangian sa pagtatapos ng ika-18 siglo. Ang diwa ng romantikismo ay nagpakita mismo sa Tsaritsino malapit sa Moscow. "Ang lipunang napaliwanagan ng Russia ay malapit na nauugnay sa mga uso sa kultura ng Europa...

Sinaunang Greece. Acropolis. Iskultura: Phidias, Polykleitos, Myron

Ang Acropolis ng Athens, na isang mabatong burol na may taas na 156 metro na may banayad na taluktok (tinatayang 300 m ang haba at 170 m ang lapad), ay ang lugar ng pinakamatandang pamayanan sa Attica. Sa panahon ng Mycenaean (15-13 siglo BC) ito ay isang pinatibay na tirahan ng hari. Noong ika-7-6 na siglo. BC eh...

Kasaysayan ng paggawa ng ballet na "Don Quixote"

Ang unang produksyon batay sa balangkas ng nobela na may parehong pangalan ni M. Cervantes ay naganap noong 1740 sa Vienna, na ginawa ni F. Hilferding. Ang kasaysayan ng multi-act Spanish play sa Russia ay nagsimula noong 1869. Ito ay itinanghal ng koreograpo na si Marius Petipa...

Ang kasaysayan ng pagbuo ng ballet ng Russia

Noong Mayo 4, 1738, sinimulan ng unang Russian professional ballet school ang kronolohiya nito - Dance Her Imperial Majesty Ang paaralan, ngayon ay ang Vaganova Academy of Russian Ballet...

Mga tampok ng Russian Baroque gamit ang halimbawa ng Catherine Palace

Ang isang kapansin-pansing halimbawa ng Russian Baroque ay ang Great Catherine Palace sa lungsod ng Pushkin (dating Tsarskoye Selo). Ang kasaysayan ng Leningrad at ang mga suburb nito ay malapit na magkakaugnay...

Mga pamamaraan para sa pag-edit ng isang music video clip. Ang mga gawain ng psycho-emosyonal na epekto sa manonood

Direktor: Traktor (Mats Lindberg, Pontus Löwenhielm...

Mga rehiyonal na katangian ng mga laruang luad

Ang isang laruan ay isa sa mga pinakamaliwanag na pagpapakita ng kulturang masa, lubhang mahalaga at katutubong. Ang mga tradisyon ng sining at sining ng mga laruan ay ipinapasa mula sa henerasyon hanggang sa henerasyon, at ang mga ideya tungkol sa buhay, trabaho, at kagandahan ay ipinapasa sa mga tao. Ang laruan ay malapit sa alamat...

Repasuhin ang pagpipinta ni Van Gogh na "Vase with Twelve Sunflowers"

"Vase na may labindalawang sunflower." Langis sa canvas, 91 x 72 cm, Agosto 1888 Neue Pinakothek, Munich Sa pinakamasaya at pinakamabungang panahon ng kanyang buhay, bumalik ang artista sa mga sunflower. Si Van Gogh ay nakatira sa timog ng France, sa Arles...

Smolny Institute at Tsarskoye Selo Lyceum - mga prinsipyo ng pedagogical para sa pagtuturo ng isang bagong henerasyon ng mga Ruso

Ang isang tunay na rebolusyon sa mga ideya ng pedagogical ng lipunang Ruso noong ika-18 siglo ay dinala ng ideya ng pangangailangan para sa pagtitiyak sa edukasyon ng kababaihan. Nakasanayan na natin...

Paglikha ng mga mural ng Katedral ng St. Equal-to-the-Apostles Prince Vladimir sa Kyiv

Stylistic analysis ng akda ni A.P. Bogolyubov "Labanan ng isang Russian brig na may dalawang Turkish ship" mula sa State Fund museo ng sining Teritoryo ng Altai

Para sa mahusay na kaalaman sa bahagi ng craft ng pagpipinta, kinakailangan na pag-aralan ang mga diskarte ng mga lumang master, ang mga tampok ng kanilang paraan ng pag-unlad, at ang pagpipinta at teknikal na mga diskarte na ginamit nila. Ang pagpipinta na ito ay nilikha noong 1857...

Ang kakanyahan ng mga proseso ng media library sa mga aklatan ng Russia

• Escalus, Duke ng Verona
• Paris, batang maharlika, kasintahang Juliet
• Capulet
• Ang asawa ni Capulet
• Juliet, ang kanilang anak
• Tybalt, pamangkin ni Capulet
• Ang nurse ni Juliet
• Mga Montague
• Romeo, ang kanyang anak
• Mercutio, kaibigan ni Romeo
• Benvolio, kaibigan ni Romeo
• Lorenzo, monghe
• Pahina ng Paris
• Pahina Romeo
• Troubadour
• Mga mamamayan ng Verona, mga tagapaglingkod ng Montagues at Capulets, mga kaibigan ni Juliet, ang may-ari ng tavern, mga panauhin, mga kasama ng Duke, mga maskara

Ang aksyon ay nagaganap sa Verona sa simula ng Renaissance.

Prologue. Sa gitna ng overture ay bumukas ang kurtina. Ang hindi gumagalaw na mga pigura ni Romeo, Padre Lorenzo na may hawak na libro at Juliet ay bumubuo ng isang triptych.

1. Maagang umaga sa Verona. Si Romeo ay gumagala sa lungsod, nagbubuntong-hininga para sa malupit na Rosamund. Kapag lumitaw ang mga unang dumaan, nawawala siya. Ang lungsod ay nabuhay: ang mga mangangalakal ay nag-aaway, ang mga pulubi ay nagmamadali, ang mga nagsasaya sa gabi ay nagmamartsa. Ang mga katulong na sina Gregorio, Samson at Piero ay umalis sa bahay ng Capulet. Nilalandian nila ang mga kasambahay ng tavern, at tinatrato sila ng may-ari ng beer. Ang mga tagapaglingkod ng bahay ng Montague, sina Abram at Balthazar, ay lumabas din. Nagsimulang makipag-away ang mga katulong ng mga Capulet sa kanila. Nang masugatan si Abram, dumating si Benvolio, pamangkin ni Montague, sa tamang oras, hinugot ang kanyang espada at inutusan ang lahat na ibaba ang kanilang mga armas. Ang mga hindi nasisiyahang tagapaglingkod ay nagkakalat sa iba't ibang direksyon. Biglang sumulpot ang pamangkin ni Capulet na si Tybalt, umuwing lasing. Nasumpa ang mapagmahal sa kapayapaan na si Benvolio, nakipagdigma siya sa kanya. Nagpapatuloy ang labanan ng mga katulong. Si Capulet mismo ay nanonood ng labanan ng hindi magkakasundo na mga bahay mula sa bintana. Isang batang maharlika, si Paris, ang lumapit sa bahay ng Capulet, na sinamahan ng kanyang mga pahina, upang hingin ang kamay ni Juliet, ang anak na babae ni Capulet. Hindi pinapansin ang nobyo, si Capulet mismo ay tumakbo palabas ng bahay na nakasuot ng damit at may espada. Ang pinuno ng bahay ng Montague ay sumasali rin sa labanan. Ang lungsod ay nagising sa pamamagitan ng isang alarm bell, ang mga taong-bayan ay tumakbo sa plaza. Lumilitaw ang Duke ng Verona kasama ang kanyang bantay, ang mga tao ay humingi sa kanya ng proteksyon mula sa away na ito. Inutusan ng Duke na ibaba ang mga espada at espada. Ipinako ng bantay ang utos ng Duke na parusahan ng kamatayan ang sinumang humawak ng armas sa mga lansangan ng Verona. Ang lahat ay unti-unting nagkakalat. Si Capulet, nang masuri ang listahan ng mga bisita sa bola, ibinalik ito sa jester at umalis kasama ang Paris. Tinanong ng biro sina Romeo at Benvolio, na lumitaw, na basahin ang listahan sa kanya, nang makita ang pangalan ni Rosamund sa listahan, nagtanong tungkol sa lugar ng bola.

Kwarto ni Juliet. Si Juliet ay nakikipaglaro sa kanyang Nurse. Pumasok ang isang mabagsik na ina at sinabi sa kanyang anak na hinihingi ng karapat-dapat na Paris ang kanyang kamay. Nagulat si Juliet; hindi pa niya naiisip ang tungkol sa kasal. Dinala ng ina ang kanyang anak sa salamin at ipinakita sa kanya na hindi na siya isang maliit na babae, ngunit isang ganap na batang babae. Naguguluhan si Juliet.

Parade ang mga bisitang nakadamit ng marangyang damit sa isang bola sa palasyo ng Capulet. Ang mga kasabayan ni Juliet ay may kasamang troubadours. Dumaan si Paris kasama ang kanyang pahina. Huling tumakbo si Mercutio, minamadali niya ang mga kaibigang sina Romeo at Benvolio. Nagbibiro ang magkakaibigan, ngunit nababahala si Romeo sa mga forebodings. Ang mga hindi inanyayahang bisita ay nagsusuot ng maskara upang hindi makilala.

Bola sa mga silid ng Capulets. Ang mga bisita ay nakaupo sa mga mesa nang may dignidad. Si Juliet ay napapaligiran ng kanyang mga kaibigan, malapit ang Paris. Ang mga troubadours ay nagbibigay-aliw sa mga batang babae. Magsisimula na ang sayawan. Ang mga lalaki ay taimtim na nagbukas ng sayaw gamit ang mga pad, na sinundan ng mga kababaihan. Pagkatapos ng prim at heavy procession, tila magaan at mahangin ang sayaw ni Juliet. Ang lahat ay nalulula sa tuwa, ngunit hindi maalis ni Romeo ang kanyang mga mata sa hindi pamilyar na babae. Si Rosamund ay agad na nakalimutan. Ang bonggang kapaligiran ay naibsan ng nakakatawang taong si Mercutio. Tumalon siya at yumuko na nakakatawa sa mga bisita. Habang abala ang lahat sa pakikipagbiruan sa kanilang kaibigan, nilapitan ni Romeo si Juliet at ipinahayag ang kanyang kasiyahan sa kanya sa isang madrigal. Isang hindi inaasahang pagkahulog na maskara ang bumungad sa kanyang mukha, at namangha si Juliet sa kagandahan ng binata, ito pala ang mamahalin niya. Ang kanilang unang pagkikita ay nagambala ni Tybalt; nakilala niya si Romeo at nagmamadaling babalaan ang kanyang tiyuhin. Pag-alis ng mga bisita. Ipinaliwanag ng nurse kay Juliet na ang binata na bumihag sa kanya ay anak ni Montague, ang kaaway ng kanilang bahay.

SA gabing naliliwanagan ng buwan sa ilalim ng balkonahe ng Capulet Dumating si Romeo. Sa balcony ay nakita niya si Juliet. Nang makilala ang kanyang pinapangarap, bumaba ang dalaga sa hardin. Puno ng kaligayahan ang magkasintahan.

2. Sa Verona Square maingay at nagkakagulo. Ang buong may-ari ng zucchini ay tinatrato ang lahat, ngunit lalo siyang masigasig para sa mga turistang Aleman. Biro nina Benvolio at Mercutio sa mga babae. Ang mga kabataan ay sumasayaw, ang mga pulubi ay nagkakandarapa, at ang mga nagbebenta ay nakakainis na nag-aalok ng mga dalandan. Isang masayang prusisyon sa lansangan ang nagaganap. Sumasayaw ang mga mummer at jester sa paligid ng isang estatwa ng Madonna, na pinalamutian ng mga bulaklak at halaman. Sina Mercutio at Benvolio, mabilis na tinatapos ang kanilang beer, ay sumugod pagkatapos ng prusisyon. Sinisikap ng mga babae na huwag silang pabayaan. Lumabas ang Nurse, kasama si Pierrot. Binigyan niya si Romeo ng note mula kay Juliet. Matapos basahin ito, nagmamadali si Romeo na iugnay ang kanyang buhay sa buhay ng kanyang minamahal.

Selda ni Padre Lorenzo. Mga hindi mapagpanggap na kasangkapan: ang isang bukas na libro ay namamalagi sa isang simpleng mesa, sa tabi nito ay isang bungo - isang simbolo ng hindi maiiwasang kamatayan. Sinasalamin ni Lorenzo: kung paanong may mga bulaklak sa isang kamay at isang bungo sa kabilang kamay, gayon din may mabuti at masama sa taong nasa tabi niya. Pumasok si Romeo. Matapos mahalikan ang kamay ng matanda, nakiusap siya sa kanya na i-seal ang kanyang unyon sa kanyang minamahal sa isang kasal. Ipinangako ni Lorenzo ang kanyang tulong, umaasa sa kasal na ito na magkasundo ang awayan ng mga angkan. Naghanda si Romeo ng bouquet para kay Juliet. Narito siya! Inalok siya ni Romeo ng kanyang kamay, at si Lorenzo ang nagsagawa ng seremonya.

May interlude sa proscenium. Isang masayang prusisyon kasama si Madonna, mga pulubi na humihingi ng limos sa mga turistang Aleman. Ang orange na nagbebenta ay awkward na humakbang sa paa ng courtesan, ang kasama ni Tybalt. Pinipilit niya itong lumuhod para humingi ng tawad at halikan ang binti na ito. Bumili sina Mercutio at Benvolio ng isang basket ng mga dalandan mula sa nasaktang nagbebenta at bukas-palad na tinatrato ang kanilang mga batang babae sa kanila.

Parehong lugar. Nasa tavern sina Benvolio at Mercutio, sumasayaw ang mga kabataan sa paligid nila. Lumilitaw si Tybalt sa tulay. Nang makita niya ang kanyang mga kaaway, hinugot niya ang kanyang espada at sumugod sa Mercutio. Si Romeo, na lumabas sa plaza pagkatapos ng kasal, ay sumusubok na magkasundo sila, ngunit kinukutya siya ni Tybalt. Duel sa pagitan ng Tybalt at Mercutio. Si Romeo, na sinusubukang paghiwalayin ang mga manlalaban, ay ginalaw sa tagiliran ang espada ng kanyang kaibigan. Sinasamantala ito, insidiously inflicts Tybalt isang nakamamatay na suntok sa Mercutio. Sinubukan pa ring magbiro ni Mercutio, ngunit inabot siya ng kamatayan at siya ay nawalan ng buhay. Si Romeo, na nagalit dahil namatay ang kanyang kaibigan dahil sa kanyang kasalanan, ay sumugod kay Tybalt. Ang galit na galit na labanan ay nagtatapos sa pagkamatay ni Tybalt. Itinuro ni Benvolio ang utos ng Duke at puwersahang kinuha si Romeo. Ang mga Capulets ay nanumpa sa paghihiganti sa pamilya Montague sa katawan ni Tybalt. Ang patay na lalaki ay binuhat sa isang stretcher, at isang mabangis na prusisyon ang patungo sa lungsod.

3. Kwarto ni Juliet. madaling araw. Si Romeo, pagkatapos ng kanyang unang lihim na gabi ng kasal, ay magiliw na nagpaalam sa kanyang minamahal sa utos ng Duke, siya ay pinalayas mula sa Verona. Pinipilit ng mga unang sinag ng araw na maghiwalay ang magkasintahan. Lumabas sa pinto ang nanay ng Nurse at Juliet, kasunod ang kanilang ama at si Paris. Iniulat ng ina na ang kasal kay Paris ay naka-iskedyul sa Peter's Church. Ipinahayag ni Paris ang kanyang magiliw na damdamin, ngunit tumanggi si Juliet na magpakasal. Natakot ang ina at hiniling si Paris na iwan sila. Pagkatapos ng kanyang pag-alis, pinahihirapan ng mga magulang ang kanilang anak na babae sa mga paninisi at pang-aabuso. Naiwan mag-isa, nagpasya si Juliet na kumunsulta sa kanyang ama.

Sa selda ni Lorenzo Patakbong pumasok si Juliet. Humihingi siya ng tulong sa kanya. Habang nag-iisip ang pari, kumuha ng kutsilyo si Juliet. Kamatayan ang tanging paraan! Inalis ni Lorenzo ang kutsilyo at nag-alok sa kanya ng isang gayuma, kung saan siya ay magiging katulad ng namatay. Dadalhin siya sa crypt sa isang bukas na kabaong, at si Romeo, na aabisuhan, ay darating para sa kanya at dadalhin siya kasama niya sa Mantua.

Sa bahay, pumayag si Juliet sa kasal. Sa takot, ininom niya ang gamot at nawalan ng malay sa likod ng kurtina ng kama. Dumating ang umaga. Ang mga kaibigan at musikero ay nagmula sa Paris. Gustong gisingin si Juliet, nagpatugtog sila ng masayang music sa kasal. Pumunta ang nurse sa likod ng kurtina at tumalon pabalik sa takot - patay na si Juliet.

Gabi ng taglagas sa Mantua. Si Romeo ay nababasa ng mag-isa sa ulan. Ang kanyang lingkod na si Balthazar ay lumitaw at nag-ulat na si Juliet ay namatay. Nagulat si Romeo, ngunit pagkatapos ay nagpasya na bumalik sa Verona, dala ang lason sa kanya. Ang isang prusisyon ng libing ay lumilipat sa sementeryo sa Verona. Ang katawan ni Juliet ay sinundan ng nagdadalamhati na mga magulang, si Paris, ang Nars, mga kamag-anak at kaibigan. Ang kabaong ay inilalagay sa crypt. Namatay ang ilaw. Patakbong pumasok si Romeo. Niyakap niya ang namatay niyang kasintahan at umiinom ng lason. Nagising si Juliet mula sa isang mahabang "tulog". Nang makita ang patay na si Romeo na mainit pa ang labi, sinaksak niya ang sarili gamit ang punyal nito.

Epilogue. Dumating ang kanilang mga magulang sa puntod nina Romeo at Juliet. Ang pagkamatay ng mga bata ay nagpapalaya sa kanilang mga kaluluwa mula sa galit at poot, at iniunat nila ang kanilang mga kamay sa isa't isa.

Ngayon na kinikilala ng maraming tao ang musika ng ballet na "Romeo at Juliet" ni Sergei Prokofiev na literal sa pamamagitan ng dalawang bar, maaaring mabigla ang isa kung gaano kahirap para sa musikang ito na mahanap ang daan patungo sa entablado. Nagpatotoo ang kompositor: "Sa pagtatapos ng 1934, lumitaw ang mga pag-uusap tungkol sa isang ballet kasama ang Leningrad Kirov Theatre. Interesado ako sa lyrical plot. Nakita namin ang "Romeo at Juliet." Ang unang tagasulat ng senaryo ay ang sikat na teatro na si Adrian Piotrovsky.

Hindi hinangad ni Prokofiev na ilarawan sa musika ang trahedya ni Shakespeare. Nabatid na noong una ay gusto pa ng kompositor na iligtas ang buhay ng kanyang mga bayani. Nahihiya siguro siya sa hindi maiiwasang manipulasyon ng mga bida sa kabaong kasama ang walang buhay na katawan ng kapareha. Sa istruktura, ang bagong ballet ay naisip bilang isang pagkakasunud-sunod ng mga choreographic suite (enmity suite, carnival suite). Ang montage ng magkakaibang mga numero, yugto, at angkop na katangian ng mga karakter ang naging nangungunang prinsipyo sa komposisyon. Ang hindi pangkaraniwang istraktura ng ballet at ang melodic novelty ng musika ay hindi karaniwan para sa koreograpikong teatro noong panahong iyon.

Ang isang natatanging tampok ng lahat ng kasunod (at ibang-iba!) domestic choreographic na solusyon para sa "Romeo at Juliet" ay isang mas malaking pagtagos sa plano ng kompositor, isang pagtaas sa papel ng sayaw at ang talas ng mga natuklasan ng direktor.

Tandaan natin dito ang pinakasikat na pagtatanghal ni Nikolai Boyarchikov (1972, Perm), Yuri Grigorovich (1979, Bolshoi Theater), Natalia Kasatkina at Vladimir Vasilev (1981, Classical Ballet Theater), Vladimir Vasiliev (1991, Moscow Musical Theater).

Ang isang malaking bilang ng mga produksyon ng ballet ni Prokofiev ay ginanap sa ibang bansa. Nakakapagtataka na kung ang mga domestic choreographers ay aktibong "sinalungat" sa pagganap ni Lavrovsky, ang pinakasikat na mga produksyon sa labas ng Russia nina John Cranko (1958) at Kenneth MacMillan (1965), na ginanap pa rin ng mga sikat na Western troupe, sinasadyang ginamit ang estilo ng orihinal na koreodrama. Sa St. Petersburg Mariinsky Theater (pagkatapos ng higit sa 200 na pagtatanghal) makikita mo pa rin ang 1940 na pagtatanghal.

A. Degen, I. Stupnikov

Ang pinakamahusay na kahulugan ng "Romeo at Juliet" ay ibinigay ng musicologist na si G. Ordzhonikidze:

Ang Romeo at Juliet ni Prokofiev ay isang repormistang gawain. Maaari itong tawaging isang symphony-ballet, dahil bagaman hindi ito naglalaman ng mga elemento ng formative ng sonata cycle sa kanilang, wika nga, "purong anyo", lahat ito ay natatakpan ng isang purong symphonic na hininga... Sa bawat beat ng madarama ng musika ang nanginginig na hininga ng pangunahing dramatikong ideya. Sa kabila ng lahat ng kabutihang-loob ng nakalarawang prinsipyo, hindi ito kumukuha ng sapat na karakter, na puspos ng aktibong dramatikong nilalaman. Ang pinaka-nagpapahayag na paraan, ang mga sukdulan ng musikal na wika, ay ginagamit dito sa isang napapanahong paraan at panloob na katwiran... Ang ballet ni Prokofiev ay nakikilala sa pamamagitan ng malalim na pagka-orihinal ng musika nito. Ito ay nagpapakita ng sarili lalo na sa sariling katangian ng simula ng sayaw, katangian ng estilo ng ballet ni Prokofiev. Ang prinsipyong ito ay hindi tipikal para sa klasikal na ballet, at kadalasan ito ay nagpapakita ng sarili lamang sa mga sandali ng emosyonal na pagtaas - sa mga liriko na adagios. Pinalawak ni Prokofiev ang pinangalanang dramatikong papel ng adagio sa buong liriko na drama.

Ang mga indibidwal, pinaka-kapansin-pansing mga numero ng ballet ay madalas na naririnig sa entablado ng konsiyerto, kapwa bilang bahagi ng mga symphonic suite at sa mga transkripsyon ng piano. Ito ay ang "Juliet the Girl", "Montagues and Capulets", "Romeo and Juliet Before Separation", "Dance of the Antillean Girls", atbp.

Sa larawan: "Romeo at Juliet" sa Mariinsky Theater / N. Razina

"Romeo at Juliet" sa wika ng Terpsichore

"Paglipad na puno ng kaluluwa."
"Eugene Onegin" A. S. Pushkin.

Ang walang kamatayang kwento ni Romeo at Juliet, walang alinlangan, ay matagal nang kinuha ang hindi matitinag na lugar nito sa Olympus ng kultura ng mundo. Sa paglipas ng mga siglo, ang kagandahan ng nakakaantig na kuwento ng pag-ibig at ang katanyagan nito ay lumikha ng mga paunang kondisyon para sa maraming adaptasyon sa bawat posibleng artistikong anyo. Hindi rin makalayo si Ballet.

Sa Venice noong 1785, ginanap ang five-act ballet ni E. Luzzi na "Juliet at Romeo".
Ang natitirang koreograpo na si August Bournonville, sa kanyang aklat na "My Theatrical Life," ay naglalarawan ng kakaibang produksyon ng "Romeo and Juliet" noong 1811 sa Copenhagen ng koreograpo na si Vincenzo Galeotte sa musika ni Schall. Sa balete na ito, ang isang napakahalagang motif ng Shakespearean bilang ang away ng pamilya sa pagitan ng mga Montague at ng mga Capulet ay tinanggal: Si Juliet ay sapilitang ikinasal sa kinasusuklaman na bilang, at ang sayaw ng pangunahing tauhang babae kasama ang kanyang hindi minamahal na kasintahang lalaki sa pagtatapos ng Act IV ay isang malaking tagumpay. kasama ang publiko. Ang pinakanakakatawang bagay ay ang mga tungkulin ng mga batang mahilig sa Verona ay itinalaga - ayon sa umiiral na theatrical hierarchy - sa mga artista ng napakagalang na edad; ang performer na si Romeo ay limampung taong gulang, si Juliet ay halos apatnapu, si Paris ay apatnapu't tatlo, at ang monghe na si Lorenzo ay naglaro sa kanyang sarili sikat na koreograpo Vincenzo Galeotti, na pitumpu't walong taong gulang!

VERSION NI LEONID LAVROVSKY. USSR.

Noong 1934, ang Moscow Bolshoi Theatre ay lumapit kay Sergei Prokofiev na may panukala na magsulat ng musika para sa ballet na Romeo at Juliet. Ito ang oras na ang sikat na kompositor, na natakot sa paglitaw ng mga diktatoryal na rehimen sa gitna ng Europa, ay bumalik sa Unyong Sobyet at nais ang isang bagay - ang mahinahong magtrabaho para sa ikabubuti ng kanyang tinubuang-bayan, na kanyang iniwan noong 1918. Ang pagkakaroon ng pagtatapos ng isang kasunduan sa Prokofiev, ang pamamahala ng Bolshoi Theatre ay umaasa para sa hitsura ng isang ballet sa tradisyonal na istilo sa isang walang hanggang tema. Sa kabutihang palad, sa kasaysayan ng musikang Ruso ay mayroon nang mahusay na mga halimbawa nito, na nilikha ng hindi malilimutang Pyotr Ilyich Tchaikovsky. Ang teksto ng trahedya na kuwento ng Verona lovers ay kilala sa bansa kung saan ang teatro ni Shakespeare ay tinatangkilik ang popular na pag-ibig.
Noong 1935, natapos ang marka at nagsimula ang paghahanda para sa produksyon. Kaagad, idineklara ng mga ballet dancer na ang musika ay "hindi maisasayaw," at idineklara ng mga miyembro ng orkestra na ito ay "salungat sa mga pamamaraan ng pagtugtog ng mga instrumentong pangmusika." Noong Oktubre ng parehong taon, si Prokofiev ay gumanap ng isang suite mula sa ballet, na inayos para sa piano, sa isang recital sa Moscow. Pagkalipas ng isang taon, pinagsama niya ang pinaka-nagpapahayag na mga sipi mula sa ballet sa dalawang suite (isang pangatlo ay lumitaw noong 1946). Kaya, ang musika para sa hindi itinanghal na ballet ay nagsimulang gumanap sa mga programa ng symphony ng pinakamalaking European at American orchestra. Matapos sa wakas ay sinira ng Bolshoi Theater ang kontrata sa kompositor, ang Leningrad Kirov (ngayon ay Mariinsky) Theater ay naging interesado sa ballet at itinanghal ito sa entablado nito noong Enero 1940.

Higit sa lahat salamat sa koreograpia ni Leonid Lavrovsky at ang sagisag ng mga imahe nina Juliet at Romeo nina Galina Ulanova at Konstantin Sergeev, ang premiere ng produksyon ay naging isang hindi pa naganap na kaganapan sa buhay kultural ng pangalawang kabisera. Ang balete ay naging maharlika at trahedya, ngunit sa parehong oras ay romantiko sa punto ng pagkamangha. Nagawa ng direktor at mga artista na makamit ang pangunahing bagay - nadama ng madla ang isang malalim na panloob na koneksyon sa pagitan ng Romeo at Juliet at mga ballet ni Tchaikovsky. Sa alon ng tagumpay, kalaunan ay lumikha si Prokofiev ng dalawa pang maganda, kahit na hindi matagumpay, mga ballet - "Cinderella" at "The Stone Flower". Ipinahayag ng Ministro ng Kultura ang pagnanais na ang pag-ibig sa balete ay magtatagumpay laban sa kriminal na kontrabida ng mga awtoridad. Ang kompositor ay may parehong opinyon, bagaman para sa iba't ibang mga kadahilanan na may kaugnayan sa mga kinakailangan ng produksyon ng entablado.

Gayunpaman, ang maimpluwensyang Moscow Shakespeare Commission ay sumalungat sa desisyong ito, na ipinagtanggol ang mga karapatan ng may-akda, at ang mga makapangyarihang tagasunod ng sosyalistang optimismo ay napilitang sumuko. Sa isang kapaligiran na sadyang katutubong at makatotohanan, at, samakatuwid, laban sa avant-garde at modernistang uso ng kontemporaryong ballet noong panahong iyon, nagsimula ang isang bagong yugto sa sining ng klasikal na sayaw. Gayunpaman, bago magbunga ang pamumulaklak na ito, nagsimula ang Ikalawang Digmaang Pandaigdig, na sinuspinde ang anuman mga gawaing pangkultura kapwa sa USSR at sa Kanlurang Europa.

Una at pangunahing tampok Ang bagong ballet ay ang tagal nito - binubuo ito ng labintatlong eksena, hindi binibilang ang prologue at epilogue. Ang balangkas ay mas malapit hangga't maaari sa teksto ni Shakespeare, at ang pangkalahatang ideya ay nagdadala ng isang pagkakasundo na kahulugan. Nagpasya si Lavrovsky na bawasan ang hindi napapanahong mga ekspresyon ng mukha noong ika-19 na siglo, na laganap sa mga sinehan ng Russia, na nagbibigay ng kagustuhan sa sayaw bilang isang elemento, sayaw na ipinanganak sa direktang pagpapakita ng mga damdamin. Naipakita ng koreograpo sa mga pangunahing termino ang katakutan ng kamatayan at ang sakit ng hindi natutupad na pag-ibig, na malinaw na ipinahayag ng kompositor; gumawa siya ng mga live crowd scene na may mga makapigil-hiningang laban (kumunsulta pa siya sa isang espesyalista sa armas para itanghal ang mga ito). Noong 1940, si Galina Ulanova ay naging tatlumpung taong gulang sa ilan, maaaring siya ay masyadong matanda para sa papel na Juliet. Sa katunayan, ito ay hindi alam kung ang imahe ng isang batang magkasintahan ay ipinanganak na walang ganitong pagganap. Ang ballet ay naging isang kaganapan na may kahalagahan na nagbukas ng isang bagong yugto sa sining ng ballet Unyong Sobyet- at ito sa kabila ng mahigpit na censorship sa bahagi ng naghaharing pamahalaan sa mga mahihirap na taon ng Stalinismo, na nakatali sa mga kamay ni Prokofiev. Sa pagtatapos ng digmaan, sinimulan ng balete ang kanyang matagumpay na martsa sa buong mundo. Pumasok ito sa repertoire ng lahat ng mga teatro ng ballet ng USSR at mga bansang European, kung saan natagpuan ang mga bago, kagiliw-giliw na mga solusyon sa koreograpiko para dito.

Ang ballet na "Romeo and Juliet" ay unang itinanghal noong Enero 11, 1940 sa Kirov (ngayon Mariinsky) Theater sa Leningrad. Ito ang opisyal na bersyon. Gayunpaman, ang tunay na "premiere" - kahit na sa isang pinaikling anyo - ay naganap noong Disyembre 30, 1938 sa Czechoslovakian na lungsod ng Brno. Ang orkestra ay pinamunuan ng Italian conductor na si Guido Arnoldi, ang choreographer ay ang batang Ivo Vania-Psota, na gumanap din bilang Romeo kasama si Zora Semberova - Juliet. Ang lahat ng dokumentaryong ebidensya ng produksyon na ito ay nawala bilang resulta ng pagdating ng mga Nazi sa Czechoslovakia noong 1939. Sa parehong dahilan, napilitang tumakas ang koreograpo sa Amerika, kung saan hindi niya matagumpay na sinubukang itanghal muli ang ballet. Paano maaaring mangyari na ang gayong makabuluhang produksyon ay itinanghal nang halos ilegal sa labas ng Russia?
Noong 1938, nilibot ni Prokofiev ang Kanluran sa huling pagkakataon bilang isang pianista. Sa Paris ginawa niya ang parehong mga suite mula sa ballet. Ang konduktor ng Brno Opera House ay naroroon sa bulwagan, at labis na interesado sa bagong musika.

Binigyan siya ng kompositor ng kopya ng kanyang mga suite, at ang ballet ay itinanghal sa kanilang batayan. Samantala, sa wakas ay inaprubahan ng Kirov (ngayon Mariinsky) Theater ang paggawa ng ballet. Ang bawat isa ay ginustong patahimikin ang katotohanan na ang produksyon ay naganap sa Brno; Prokofiev - upang hindi kalabanin ang USSR Ministry of Culture, ang Kirov Theater - upang hindi mawala ang karapatan ng unang produksyon, ang mga Amerikano - dahil gusto nilang mamuhay nang payapa at igalang ang mga copyright, ang mga Europeo - dahil marami sila mas nag-aalala tungkol sa mga seryosong problema sa pulitika na kailangang lutasin. Ilang taon lamang pagkatapos ng premiere ng Leningrad ay lumabas ang mga artikulo sa pahayagan at mga litrato mula sa mga archive ng Czech; dokumentaryong ebidensya ng produksyong iyon.

Noong 50s ng ikadalawampu siglo, sinakop ng ballet na "Romeo at Juliet" ang buong mundo tulad ng isang epidemya ng bagyo. Maraming mga interpretasyon at bagong bersyon ng ballet ang lumitaw, kung minsan ay nagdudulot ng matalim na protesta mula sa mga kritiko. Walang sinuman sa Unyong Sobyet ang nagtaas ng kanilang kamay sa orihinal na produksyon ni Lavrovsky, maliban na si Oleg Vladimirov, sa entablado ng Maly Opera Theater sa Leningrad noong dekada 70, gayunpaman ay nagdala ng kuwento ng mga batang magkasintahan sa isang masayang pagtatapos. Gayunpaman, hindi nagtagal ay bumalik siya sa tradisyonal na produksyon. Maaari mo ring tandaan ang bersyon ng Stockholm ng 1944 - sa loob nito, nabawasan sa limampung minuto, ang diin ay sa pakikibaka ng dalawang naglalabanang paksyon. Hindi maaaring balewalain ng isa ang mga bersyon ni Kenneth Mac Milan at ng London Royal Ballet kasama ang di malilimutang Rudolf Nureyev at Margot Fonteyn; John Neumeier at ang Royal Danish Ballet, kung saan ang interpretasyon ng pag-ibig ay niluluwalhati at pinupuri bilang isang puwersang may kakayahang labanan ang anumang pamimilit. Magiging posible na maglista ng maraming iba pang mga interpretasyon, simula sa produksyon sa London ni Frederick Ashton, ang ballet sa mga fountain ng pagkanta sa Prague hanggang sa pagtatanghal ng Moscow ni Yuri Grigorovich, ngunit tututuon natin ang interpretasyon ng napakatalino na si Rudolf Nureyev.

Salamat kay Nuriev, ang ballet ni Prokofiev ay nakatanggap ng bagong impetus. Ang kahalagahan ng partido ni Romeo ay tumaas, na naging katumbas ng kahalagahan sa partido ni Juliet. Nagkaroon ng isang pambihirang tagumpay sa kasaysayan ng genre - bago ito, ang papel ng lalaki ay tiyak na nasasakop sa prima ballerina. Sa ganitong diwa, si Nureyev ay talagang isang direktang tagapagmana ng mga gawa-gawang karakter tulad ni Vaslav Nijinsky, (na naghari sa entablado ng Russian Ballets mula 1909 hanggang 1918), o Serge Lefar, (na nagniningning sa mga magarang produksyon. Paris Opera noong 30s).

RUDOLF NURIEV'S VERSION. USSR, AUSTRIA.

Ang produksyon ni Rudolf Nureyev ay mas madidilim at mas trahedya kaysa sa magaan at romantikong produksyon ni Leonid Lavrovsky, ngunit ito ay hindi gaanong maganda. Mula sa mga unang minuto ay nagiging malinaw na ang tabak ng Damocles ng kapalaran ay nakataas na sa mga bayani at ang pagbagsak nito ay hindi maiiwasan. Sa kanyang bersyon, pinahintulutan ni Nureyev ang kanyang sarili ng ilang pagkakaiba-iba mula kay Shakespeare. Ipinakilala niya si Rosaline sa ballet, na naroroon sa klasiko bilang isang ethereal phantom. Nagpakita ng mainit na damdamin ng pamilya sa pagitan nina Tybalt at Juliet; ang eksena nang makita ng batang Capulet ang kanyang sarili sa pagitan ng dalawang apoy, na nalaman ang tungkol sa pagkamatay ng kanyang kapatid at ang kanyang asawa ay ang kanyang pumatay, literal na nagbibigay sa iyo ng goosebumps na tila kahit na ang ilang bahagi ng kaluluwa ng batang babae ay namatay. Ang pagkamatay ng ama ni Lorenzo ay medyo nakakagulo, ngunit sa balete na ito ito ay lubos na naaayon sa pangkalahatang impresyon. Kawili-wiling katotohanan: Ang mga artista ay hindi kailanman ganap na nag-eensayo sa huling eksena, sumasayaw sila dito at ngayon ayon sa sinasabi ng kanilang puso.

VERSION NI N. RYZHENKO AT V. SMIRNOV-GOLOVANOV. USSR.

Noong 1968, itinanghal ang isang mini ballet. Choreography ni N. Ryzhenko at V. Smirnov - Golovanov sa musika ng "Fantasy Overture" ni P.I. Tchaikovsky. Sa bersyong ito, lahat ng mga character maliban sa mga pangunahing ay nawawala. Ang papel ng mga kalunos-lunos na pangyayari at pangyayari na humahadlang sa mga magkasintahan ay ginagampanan ng corps de ballet. Ngunit hindi nito mapipigilan ang isang taong pamilyar sa balangkas na maunawaan ang kahulugan, ideya at pahalagahan ang versatility at imagery ng produksyon.

Ang pelikula - ang ballet na "Shakespearean", na bilang karagdagan sa "Romeo at Juliet" ay may kasamang mga miniature sa tema ng "Othello" at "Hamlet", ay naiiba pa rin sa miniature na nabanggit sa itaas, sa kabila ng katotohanan na gumagamit ito ng parehong musika at ang mga direktor ay pareho o choreographers. Dito idinagdag ang karakter ni Padre Lorenzo, at ang iba pang mga tauhan, bagama't nasa corps de ballet, ay naroroon pa rin, at bahagyang nabago rin ang koreograpia. Ang isang kahanga-hangang frame para sa isang larawan ay isang sinaunang kastilyo sa dalampasigan, sa loob ng mga pader at paligid kung saan nagaganap ang aksyon. ...At ngayon ang pangkalahatang impression ay ganap na naiiba....

Dalawang magkasabay na magkatulad at magkaibang mga nilikha, na ang bawat isa ay nararapat na espesyal na pansin.

VERSION NG RADU POKLITARU. MOLDOVA.

Ang paggawa ng koreograpo ng Moldavian na si Radu Poklitaru ay kawili-wili dahil ang poot ni Tybalt sa panahon ng tunggalian ay hindi nakadirekta nang labis kay Romeo kundi sa Mercutio, dahil sa bola siya, nagbalatkayo bilang isang babae, upang maprotektahan ang kanyang kaibigan, ay lumandi sa " cat king” at hinalikan pa siya, at sa gayo’y inilantad siya sa panlahatang panlilibak. Sa bersyong ito, ang eksenang "balkonahe" ay pinalitan ng isang eksena na katulad ng isang eksena mula sa isang maliit na set sa musika ni Tchaikovsky, na naglalarawan sa sitwasyon sa kabuuan. Kawili-wili ang karakter ni Padre Lorenzo. Siya ay bulag at sa gayon, kumbaga, ay nagpapakilala sa ideya na unang binigkas ni Victor Hugo sa nobelang "The Man Who Laughs", at pagkatapos ay ni Antoine de Saint-Exupéry sa "The Little Prince" na "ang puso lamang ang mapagbantay" , dahil sa kabila ng pagkabulag, siya lang ang nakakakita ng hindi napapansin ng mga taong may paningin. Ang eksena ng pagkamatay ni Romeo ay nakakatakot at sa parehong oras ay romantiko;

VERSION NI MAURICE BEJART. FRANCE, SWITZERLAND.

Ang ballet na Dramatic Symphony na "Romeo and Juliet" sa musika ni Hector Berlioz ay itinanghal ni Maurice Bejart. Ang pagtatanghal ay kinunan sa Boboli Gardens (Florence, Italy). Nagsisimula ito sa isang Prologue set sa modernong panahon. Sa bulwagan ng pag-eensayo, kung saan nagtipon ang isang grupo ng mga mananayaw, sumiklab ang pag-aaway, na naging pangkalahatang away. Dito si Bejar mismo, ang choreographer, ang Author, ay tumalon palabas ng auditorium papunta sa entablado. Isang maikling pag-wagayway ng mga kamay, isang snap ng mga daliri - at lahat ay pumunta sa kanilang mga lugar. Kasabay ng choreographer ay lumabas ang dalawa pang mananayaw mula sa kaibuturan ng entablado, na wala noon at hindi nakasali sa nakaraang laban. Nakasuot sila ng parehong suit tulad ng iba, ngunit puti. Mga mananayaw pa lang ito, pero biglang nakita ng choreographer ang kanyang mga bida sa kanila - sina Romeo at Juliet. At pagkatapos siya ay naging May-akda, at ang manonood ay nararamdaman kung paano ang isang plano ay misteryosong isinilang, na ang May-akda, tulad ng Lumikha-Demiurge, ay ipinarating sa mga mananayaw - sa pamamagitan nila ang plano ay dapat na maisakatuparan. Ang may-akda dito ay ang makapangyarihang pinuno ng kanyang entablado-uniberso, na, gayunpaman, ay walang kapangyarihang baguhin ang kapalaran ng mga bayani na kanyang binuhay. Ito ay lampas sa kapangyarihan ng May-akda. Maiparating lamang niya ang kanyang plano sa mga aktor, simulan lamang sila sa bahagi ng kung ano ang malapit nang mangyari, inaako sa kanyang sarili ang pasanin ng responsibilidad para sa kanyang desisyon.... Sa pagtatanghal na ito, nawawala ang ilang bayani ng dula, at ang sa halip, ang produksyon mismo ang naghahatid ng pangkalahatang diwa ng trahedya kaysa sa kuwento ni Shakespeare.

VERSION NI MAURO BIGONZETTI.

Ang makabagong disenyo ng isang charismatic multimedia artist, ang klasikal na musika ni Prokofiev at ang makulay at eclectic na koreograpia ni Mauro Bigonzetti, na hindi nakatutok sa trahedya na kuwento ng pag-ibig kundi sa enerhiya nito, ay lumikha ng isang palabas na pinagsasama ang sining ng media at ang sining ng ballet. Simbuyo ng damdamin, tunggalian, kapalaran, pag-ibig, kamatayan - ito ang limang elemento na bumubuo sa koreograpia ng kontrobersyal na balete na ito, batay sa senswalidad at pagkakaroon ng malakas. emosyonal na epekto sa manonood.

MATS EKA VERSION. SWEDEN.

Nagsumite sa bawat tala ni Tchaikovsky, ang Swedish theatergoer na si Mats Ek ay gumawa ng sarili niyang ballet. Sa kanyang pagganap ay walang lugar para sa Prokofiev's ebullient Verona sa masikip na mga pista opisyal nito, riotly fun of the crowd, carnivals, relihiyosong prusisyon, courtly gavottes at magagandang patayan. Itinayo ng set designer ang metropolis ngayon, isang lungsod ng mga avenue at dead ends, mga backyard ng garahe at mga mararangyang loft. Ito ay isang lungsod ng mga loner na nagsasama-sama para lang mabuhay. Dito sila pumapatay nang walang pistola o kutsilyo - mabilis, tahimik, regular at madalas na ang kamatayan ay hindi na nagdudulot ng takot o galit.

Idudurog ni Tybalt ang ulo ni Mercutio sa sulok ng portal na pader, at pagkatapos ay iihi sa kanyang bangkay; ang galit na galit na si Romeo ay tatalon sa likod ni Tybalt, na natisod sa laban, hanggang sa mabali ang kanyang gulugod. Ang batas ng puwersa ay naghahari dito, at mukhang nakakatakot na hindi natitinag. Isa sa mga nakakagulat na eksena ay ang Monologue of the Ruler pagkatapos ng unang masaker, ngunit ang kanyang kalunos-lunos na pagsisikap ay walang kabuluhan, walang nagmamalasakit sa mga opisyal na awtoridad, ang matanda ay nawalan ng ugnayan sa oras at mga tao Marahil sa unang pagkakataon, ang ang trahedya ng mga mahilig sa Verona ay tumigil na maging isang balete para sa dalawa; Binigyan ni Mats Ek ang bawat karakter ng isang kahanga-hangang talambuhay ng sayaw - detalyado, sopistikadong sikolohikal, kasama ang nakaraan, kasalukuyan at hinaharap.

Sa eksena ng pagluluksa ni Tybalt, nang makatakas ang kanyang tiyahin mula sa mga kamay ng kanyang kinasusuklaman na asawa, mababasa ang buong buhay ni Lady Capulet, kasal laban sa kanyang kalooban at pinahihirapan ng isang kriminal na pagnanasa para sa kanyang pamangkin. Sa likod ng mapangahas na birtuos ng mahiyain na maliit na si Benvolio, na nakasunod na parang aso sa likod ng pinalayas na si Mercutio, ang kanyang walang pag-asa na kinabukasan ay makikita: kung ang duwag na kapwa ay hindi nasaksak hanggang sa mamatay sa gateway, kung gayon ang matigas na tao mula sa ibaba ay tatanggap ng edukasyon at isang klerk na posisyon sa ilang opisina. Si Mercutio mismo, isang marangyang ahit na may tattoo at leather na pantalon, na pinahihirapan ng hindi nasusuklian at mahiyaing pagmamahal kay Romeo, ay nabubuhay lamang sa kasalukuyan. Ang mga panahon ng depresyon ay sinusundan ng mga pagsabog ng galit na galit, kapag ang higanteng ito ay pumailanglang sa baluktot na leggings o kumilos na parang tanga sa isang bola, na gumaganap ng klasikong entrechat sa isang tutu.

Binigyan ni Mats Ek ang pinakamabait na Nurse ng isang mayamang nakaraan: kailangan mo lang panoorin kung paano nakikipag-juggle ang matandang babae na ito sa apat na lalaki, pinipiga ang kanyang mga kamay sa Espanyol, iindayog ang kanyang balakang at iindayog ang kanyang palda. Sa pamagat ng balete, inuna ni Mats Ek ang pangalan ni Juliet dahil siya ang nangunguna sa mag-asawang pag-iibigan: siya ay gumagawa ng mga nakamamatay na desisyon, siya lamang sa lungsod ang humahamon sa hindi mapagpatawad na angkan, siya ang unang nakatagpo ng kamatayan - sa kamay ng kanyang ama: walang ama ni Lorenzo sa dula , walang kasal, walang pampatulog - lahat ng ito ay hindi mahalaga para kay Ek.

Ang mga tagasuri ng Suweko ay nagkakaisa na ikinonekta ang pagkamatay ng kanyang Juliet sa kahindik-hindik na kuwento ng isang batang babaeng Muslim sa Stockholm: ang batang babae, na hindi gustong pakasalan ang napili sa pamilya, ay tumakas sa bahay at pinatay ng kanyang ama. Siguro nga: Kumbinsido si Mats Ek na ang kuwento ni Romeo at Juliet ay ang DNA ng buong sangkatauhan. Ngunit anuman ang tunay na mga kaganapan na nagbigay inspirasyon sa produksyon, ang mas mahalaga ay kung ano ang tumatagal ng pagganap na higit sa kaugnayan nito. Gaano man ka-trite, para kay Ek ito ay pag-ibig. Ang batang babae na si Juliet at ang batang si Romeo (para siyang "millionaire mula sa mga slums", ilang Brazilian lamang) ay walang oras upang maunawaan kung paano makayanan ang hindi mapaglabanan na pananabik. Ang pagkamatay ni Ek ay static: sa isang lubusang pagtatanghal ng sayaw, ang pagkamatay ng mga tinedyer ay itinanghal na puro bilang isang direktor at samakatuwid ay umuuwi - sina Juliet at Romeo ay dahan-dahang nawawala sa ilalim ng lupa, at ang kanilang mga binti lamang, na nakapilipit tulad ng mga lantang puno, ay nakalabas sa itaas ng entablado bilang isang monumento sa pinatay na pag-ibig.

GOYO MONTERO VERSION.

Sa bersyon ng Spanish choreographer na si Goyo Montero, lahat ng mga tauhan ay mga pawn lamang na kumikilos ayon sa kalooban ng tadhana, sa isang larong pinilipit ng tadhana. Wala si Lord Capulet o ang prinsipe dito, ngunit ang Lady Capulet ay naglalaman ng dalawang aspeto: maaaring siya ay isang nagmamalasakit na ina, o siya ay isang makapangyarihan, malupit, walang kompromiso na ginang. Ang tema ng pakikibaka ay malinaw na ipinahayag sa balete: ang mga emosyonal na karanasan ng mga karakter ay ipinakita bilang isang pagtatangka upang labanan ang kapalaran, at ang huling adagio ng mga magkasintahan ay ipinakita bilang pakikibaka ni Juliet sa kanyang sarili. Ang pangunahing karakter ay nagmamasid sa plano upang mapupuksa ang kinasusuklaman na kasal na parang mula sa gilid, sa crypt, sa halip na saksakin ang sarili, binubuksan niya ang kanyang mga ugat. Ang paglabag sa lahat ng stereotypes, ang mananayaw na gumaganap ng bahagi ng Fate ay mahusay na nagbigkas at kumakanta ng mga sipi mula kay Shakespeare.

JOEL BOUVIER'S VERSION. FRANCE.

Ang Bolshoi Theatre Ballet ng Geneva ay nagpakita ng isang bersyon ng ballet ni Sergei Prokofiev. Ang may-akda ng produksyon ay ang French choreographer na si Joelle Bouvier, na gumawa ng kanyang debut sa Grand Theater ng Geneva sa pagganap na ito. Sa kanyang pangitain, ang kuwento ni Romeo at Juliet, "isang kuwento ng pag-ibig na sinakal ng poot," ay maaaring magsilbing ilustrasyon ng anumang digmaang ipinaglalaban ngayon. Ito ay isang abstract na produksyon, walang malinaw na tinukoy na mga kaganapan ng dula, sa halip higit pa ang ipinapakita panloob na estado bayani, at ang aksyon ay bahagyang binalangkas.

Sa takdang panahon mahusay na kompositor Si Hector Berlioz, na nakakaranas ng matinding pagkahumaling kay Shakespeare, na kalaunan ay humantong sa kanya sa mapangahas na plano ng "Shakespeareanization of music," na nasasabik na sumulat mula sa Roma: "Romeo ng Shakespeare! Diyos, anong pakana! Lahat ng bagay sa loob nito ay tila nakalaan para sa musika!.. Isang nakasisilaw na bola sa bahay ng Capulet, ang mga galit na galit na labanan sa mga lansangan ng Verona... ang hindi maipaliwanag na eksena sa gabi sa balkonahe ni Juliet, kung saan ang dalawang magkasintahan ay nagbubulungan tungkol sa pag-ibig, malambing, matamis at dalisay, tulad ng mga sinag ng mga bituin sa gabi... nakakatuwang buffoone ng walang ingat na Mercutio... pagkatapos ay isang kakila-kilabot na sakuna... mga buntong-hininga ng kahali-halina, na nagbago sa paghinga ng kamatayan, at, sa wakas, isang taimtim na panunumpa ng dalawang magkaaway na pamilya - sa ibabaw ng mga bangkay ng kanilang mga kapus-palad na mga anak - upang wakasan ang alitan na nagdulot ng napakaraming dugo na dumanak at lumuha..."

VERSION NI THIERRY MALANDIN. FRANCE.

Sa kanyang produksyon, ginamit ni Thierry Malandin ang musika ni Berlioz. Sa interpretasyong ito, ang mga bahagi ng Verona lovers ay ginagampanan ng ilang pares ng mga artista nang sabay-sabay, at ang produksyon mismo ay isang set ng mga eksena mula sa sikat na trahedya. Ang mundo ni Romeo at Juliet dito ay binubuo ng mga bakal na kahon, na nagiging barikada, o isang balkonahe, o isang kama ng pag-ibig... hanggang sa, sa wakas, sila ay naging isang kabaong, na naglalaman ng isang dakilang pag-ibig na hindi naiintindihan ng malupit na ito. mundo.

VERSION NI SASHA WALTZ. GERMANY.

Ang koreograpong Aleman na si Sasha Waltz ay hindi nais na ihatid ang pampanitikan na bersyon, ngunit tulad ni Berlioz, na ang buong kuwento ay sinabi sa isang paunang salita, ay humihinto sa mga sandali na nakatuon sa malakas na damdamin. Ang mga kahanga-hanga, espirituwal, bahagyang wala sa mundong mga bayani ay mukhang magkatugma pareho sa liriko at trahedya na mga eksena at sa mapaglarong eksena "sa bola". Ang nagbabagong senaryo ay nagiging balkonahe, pader, o nagiging pangalawang yugto, na nagbibigay-daan sa dalawang eksena na maipakita nang sabay-sabay. Ito ay hindi isang kuwento ng pakikibaka sa mga tiyak na pangyayari, ito ay isang kuwento ng paghaharap sa hindi maiiwasang kapalaran ng kapalaran.

VERSION NI JEAN-CHRISTOPHE MAILOT. FRANCE.

Sa Pranses na bersyon ni Jean-Christophe Maillot, na itinakda sa musika ni Prokofiev, dalawang malabata na magkasintahan ang napapahamak hindi dahil nag-aaway ang kanilang mga pamilya, ngunit dahil ang kanilang nakakabulag na pag-ibig ay humahantong sa pagkawasak sa sarili. Ang pari at ang duke (sa balete na ito ay may isang tao), isang tao na matinding nakaranas ng trahedya ng awayan ng dalawang hindi magkasundo na angkan, ngunit sumuko, nagbitiw sa kanyang sarili sa nangyayari at naging tagamasid sa labas ng araw-araw. pagdaloy ng dugo. Si Rosaline, na pinipigilang nanliligaw kay Romeo, bagama't mas kusang tumugon sa maiinit na pagpapakita ng damdamin ni Tybalt, na ang mga ambisyon bilang isang babaero ay naging isa pang impetus para sa salungatan kay Mercutio. Ang eksena ng pagpatay kay Tybalt ay ginawa sa mabagal na paggalaw, na sumasalamin sa mabilis, mabangis na musika, at sa gayon ay biswal na nagpapakita ng estado ng pagnanasa kung saan si Romeo ay gumawa ng isang kakila-kilabot na krimen. Ang balo, ang vamp Lady Capulet, ay malinaw na hindi walang malasakit sa batang count, na mas gugustuhin na maging isang stepfather kaysa sa nobyo ng batang tagapagmana ng pamilya. At ang ipinagbabawal na pag-ibig, kabataang maximalism at marami pang iba ang naging dahilan kung bakit hinigpitan ni Juliet ang silong sa kanyang leeg at walang buhay na bumagsak sa katawan ng kanyang katipan.

ANGELAN PRELJOCAJ'S VERSION. FRANCE.

Ang pagganap ni Angelin Preljocaj ay puno ng mga leitmotif mula sa nobela ni Orwell noong 1984. Ngunit hindi tulad ni Orwell, na inilarawan ang isang totalitarian na lipunan sa ilalim ng pangangasiwa ng "malaking kapatid," nagawa ng koreograpo ang kapaligiran ng isang bilangguan sa isang lipunan ng caste. Sa isang lipunan na nakakaranas ng isang dramatic breakdown sa declassification. Si Juliet ay anak ng pinuno ng kulungan ng Gulag, mula sa elite na angkan ng Capulet, na nabakuran mula sa labas ng mundo ng barbed wire at binabantayan ng mga asong pastol, kung saan ang mga guwardiya na may mga searchlight ay naglalakad sa perimeter ng zone. At si Romeo ay isang upstart mula sa labas ng proletaryong mas mababang mga uri, ang walang pigil na mundo ng mga mandurumog sa labas ng metropolis, kung saan ang pagsaksak ay karaniwan. Si Romeo ay agresibo na brutal, at hindi siya isang romantikong bayani-lover. Sa halip na ang absent Tybalt, Romeo, sneaking sa isang petsa kasama si Juliet, pumatay ng bantay. Inalis niya ang unang kordon, tumalon sa hierarchical level, tumagos sa elite na mundo, na parang sa isang kaakit-akit na "Kafkaesque" na kastilyo. Sa Preljocaj, sadyang hindi malinaw kung ang buong mundo ay isang bilangguan, o kung ang mga kapangyarihan ay mahigpit na nagtatanggol sa kanilang sarili mula sa deklase na mundo, nag-iingat sa kanilang sarili sa mga ghetto at gumagamit ng karahasan laban sa anumang panghihimasok mula sa labas. Narito ang lahat ng mga konsepto ay "baligtad". Ito ay isang pagkubkob ng lahat laban sa lahat.

Hindi mahalaga kung anong wika ang ikinuwento sa mga magagandang kuwento: kung ang mga ito ay tinutugtog sa entablado o sa mga pelikula, kung ang mga ito ay sinasabi sa pamamagitan ng pag-awit o tunog kahanga-hangang musika, nagyelo sa canvas, sa eskultura, sa lens ng isang kamera, kung sila ay binuo na may mga linya ng mga kaluluwa at katawan ng tao - ang pangunahing bagay ay nabuhay sila, nabubuhay at mabubuhay, na pinipilit tayong maging mas mahusay.

Ang pagkopya ng materyal na ito sa anumang anyo ay ipinagbabawal. Malugod na tinatanggap ang isang link sa site. Para sa anumang mga katanungan mangyaring makipag-ugnayan sa: Ang address na ito email protektado mula sa mga spam bot. Dapat ay pinagana mo ang JavaScript upang matingnan ito.

o

Prokofiev S. Ballet "Romeo at Juliet"

BALLET "ROMEO AT JULIET"

Ang gawain ni Prokofiev ay nagpatuloy sa mga klasikal na tradisyon ng ballet ng Russia. Ito ay ipinahayag sa malaking etikal na kahalagahan ng napiling tema, sa pagmuni-muni ng malalim na damdamin ng tao, sa nabuong symphonic dramaturgy ng ballet performance. At kasabay nito, ang marka ng ballet ng "Romeo at Juliet" ay hindi pangkaraniwan na tumagal ng oras upang "masanay" ito. Mayroong kahit isang balintuna na kasabihan: "Walang mas malungkot na kuwento sa mundo kaysa sa musika ni Prokofiev sa ballet." Unti-unti lamang nagbigay daan ang lahat ng ito sa masigasig na saloobin ng mga artista, at pagkatapos ng publiko, sa musika 35 .

35 Pinag-uusapan ni G. Ulanov kung gaano kakaiba ang musika ng ballet ni Prokofiev para sa mga artista sa kanyang mga memoir tungkol sa kompositor: "Noong una... mahirap para sa amin na likhain ito (ang ballet - R. Sh., G. S.), dahil ang musika ay tila hindi maintindihan at hindi komportable. Ngunit habang mas pinakinggan namin ito, lalo kaming nagtrabaho, naghanap, nag-eksperimento, mas maliwanag ang mga imahe na ipinanganak mula sa musika na lumitaw sa harap namin. At unti-unting dumating ang kanyang pang-unawa, unti-unting naging komportable siya sa pagsasayaw, malinaw sa choreographically at psychologically” (Ulanova G. Author of her favorite ballets. Cited ed., p. 434).

Una sa lahat, hindi karaniwan ang balangkas. Ang pagbabalik sa Shakespeare Feast ay isang matapang na hakbang para sa koreograpia ng Sobyet, dahil, ayon sa pangkalahatang tinatanggap na opinyon, pinaniniwalaan na ang sagisag ng gayong masalimuot na pilosopikal at dramatikong mga tema ay imposible sa pamamagitan ng paraan ng ballet 36 . Ang tema ni Shakespeare ay nangangailangan ng kompositor na magbigay ng multifaceted realistic characterization ng mga karakter at ang kanilang kapaligiran sa buhay, na nakatuon sa mga dramatiko at sikolohikal na eksena.

Ang musika ni Prokofiev at ang pagganap ni Lavrovsky ay puno ng diwa ng Shakespearean. Sa pagsisikap na mailapit ang pagtatanghal ng ballet hangga't maaari sa pinagmulang pampanitikan nito, pinanatili ng mga may-akda ng libretto ang mga pangunahing kaganapan at pagkakasunud-sunod ng pagkilos ng trahedya ni Shakespeare. Ilang eksena lang ang naputol. Ang limang kilos ng trahedya ay pinagsama sa tatlong malalaking kilos. Batay sa mga kakaiba ng dramaturgy ng ballet, ipinakilala ng mga may-akda, gayunpaman, ang ilang mga bagong eksena na naging posible upang maihatid ang kapaligiran ng aksyon at ang aksyon mismo sa sayaw, sa paggalaw - isang katutubong pagdiriwang sa Act II, isang libing prusisyon kasama ang katawan ni Tybalt, at iba pa.

Ang musika ni Prokofiev ay malinaw na nagpapakita ng pangunahing salungatan ng trahedya - ang pag-aaway ng maliwanag na pag-ibig ng mga batang bayani sa ninuno, pagkapoot ng mas matandang henerasyon, na nagpapakilala sa kabangisan ng medyebal na paraan ng pamumuhay (nakaraang ballet stagings ng Romeo at Juliet at sikat na opera Ang Gounod ay limitado lamang sa paglalarawan ng linya ng pag-ibig ng trahedya). Nagawa rin ni Prokofiev na isama sa musika ang mga kaibahan ni Shakespeare ng trahedya at komiks, kahanga-hanga at kalokohan.

Si Prokofiev, na nauna sa kanya ay may mataas na halimbawa ng symphonic embodiment ng Romeo at Juliet bilang symphony ni Berlioz at fantasy overture ni Tchaikovsky, ay lumikha ng isang ganap na orihinal na gawa. Ang mga liriko ng balete ay pinipigilan at dalisay, at kung minsan ay banayad. Iniiwasan ng kompositor ang mahabang pagbuhos ng liriko, ngunit kung kinakailangan, ang kanyang mga liriko ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagsinta at pag-igting. Ang katangian ni Prokofiev na makasagisag na katumpakan, ang kakayahang makita ng musika, pati na rin ang laconicism ng mga katangian ay ipinahayag na may partikular na puwersa.

Ang pinakamalapit na koneksyon sa pagitan ng musika at aksyon ay nakikilala ang musikal na dramaturhiya ng trabaho, na malinaw na theatrical sa kakanyahan nito. Ito ay batay sa mga eksenang idinisenyo upang organikong pagsamahin ang pantomime at sayaw: ito ay mga solong portrait na eksena."

36 Sa panahon nina Tchaikovsky at Glazunov, ang mga fairy-tale-romantic plot ang pinakakaraniwan sa ballet. Itinuring sila ni Tchaikovsky na pinaka-angkop para sa ballet, gamit ang mga patula na plot " Swan Lake", "Sleeping Beauty", "Nutcracker" upang ipahayag ang mga pangkalahatang ideya at malalim na damdamin ng tao.

Ang ballet ng Sobyet, kasama ang mga fairy-tale-romantic plot, ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang apela sa makatotohanang mga tema - historikal-rebolusyonaryo, moderno, na kinuha mula sa panitikan sa mundo. Ito ang mga ballet: "The Red Flower" at "The Bronze Horseman" ni Gliere, "The Flame of Paris" at "The Fountain of Bakhchisarai" ni Asafiev, "Gayane" at "Spartacus" ni Khachaturian, "Anna Karenina" at "Ang Seagull" ni Shchedrin.

(“Juliet the Girl,” “Mercutio,” “Pater Lorenzo”), at mga eksenang diyalogo (“Sa Balkonahe.” Ang Rome at Juliet ay nababagabag sa paghihiwalay”), at mga dramatikong eksena sa karamihan (“Aawayan,” “Labanan”) .

Walang anumang divertissement, iyon ay, ipinasok, puro sayaw na "konsiyerto" na mga numero (mga siklo ng mga pagkakaiba-iba at katangiang sayaw). Ang mga sayaw ay maaaring katangian ("Dance of the Knights," kung hindi man ay tinatawag na "Montagues and Capulet") o muling likhain ang kapaligiran ng aksyon (aristocratically graceful ballroom dancing, masasayang katutubong sayaw), nakakaakit sa kanilang makulay at dynamics.

Ang isa sa pinakamahalagang dramatikong paraan sa Romeo at Juliet ay leitmotifs. Sa kanyang mga ballet at opera, si Prokofiev ay nakabuo ng isang natatanging pamamaraan ng pag-unlad ng leitmotif. Karaniwan, ang mga musikal na portrait ng kanyang mga bayani ay hinabi mula sa ilang mga tema na nagpapakilala sa iba't ibang aspeto ng imahe. Maaari silang ulitin at iba-iba sa hinaharap, ngunit ang paglitaw ng mga bagong katangian ng imahe ay kadalasang nagiging sanhi ng paglitaw ng isang bagong tema, na sa parehong oras ay malapit na konektado sa intonationally sa nakaraang mga tema.

Ang pinakamalinaw na halimbawa ay ang tatlong tema ng pag-ibig, na minarkahan ang tatlong yugto ng pag-unlad ng damdamin: ang pinagmulan nito (tingnan ang halimbawa 177), ang pamumulaklak nito (halimbawa 178), ang kalunos-lunos na intensidad nito (halimbawa 186).

Inihahambing ni Prokofiev ang multifaceted at kumplikadong binuo na mga imahe ng Romeo at Juliet na may isang imahe, halos hindi nagbabago sa buong balete, ng madilim, mapurol na poot, ang kasamaan na naging sanhi ng pagkamatay ng mga bayani.

Ang paraan ng matalim na magkakaibang paghahambing ay isa sa pinakamalakas na dramatikong pamamaraan ng ballet na ito. Kaya, halimbawa, ang tagpo ng kasal sa Father Lorenzo's ay naka-frame sa pamamagitan ng mga eksena ng festive folk fun (ang karaniwang larawan ng buhay sa lungsod ay nagbibigay-diin sa pagiging eksklusibo at trahedya ng kapalaran ng mga bayani); sa huling pagkilos, ang mga larawan ng matinding espirituwal na pakikibaka ni Juliet ay sinasalubong ng maliwanag, transparent na tunog ng "Morning Serenade".

Binubuo ng kompositor ang ballet sa isang kahalili ng medyo maliit at napakalinaw na dinisenyong mga numero ng musika. Sa ganitong matinding pagkakumpleto, "facetedness" ng mga anyo, mayroong laconism ng istilong pro-Kofyev. Ngunit ang mga pampakay na koneksyon, karaniwang mga dynamic na linya, na madalas na nagkakaisa ng ilang mga numero, kontra ang maliwanag na mosaic ng komposisyon at lumikha ng pagbuo ng isang malaking symphonic breath. At ang end-to-end na pag-unlad ng leitmotif na mga katangian sa buong ballet ay nagbibigay ng integridad sa buong trabaho at pinag-iisa ito nang husto.

Sa pamamagitan ng anong paraan ang Prokofiev ay lumilikha ng isang pakiramdam ng oras at lugar ng pagkilos? Tulad ng nasabi na may kaugnayan sa cantata na "Alexander Nevsky," hindi pangkaraniwan para sa kanya na bumaling sa mga tunay na halimbawa ng nakalipas na musika. Mas gusto niya ito upang ihatid ang isang modernong ideya ng sinaunang panahon. Minuet at gavotte, ang mga sayaw ng ika-18 siglo na nagmula sa Pranses ay hindi tumutugma Italyano na musika"Ika-15 siglo, ngunit kilala sila ng mga tagapakinig bilang sinaunang panahon Mga sayaw sa Europa at pukawin ang malawak na makasaysayan at tiyak na matalinghagang asosasyon. Ang minuet at gavotte 37 ay nagpapakilala ng isang tiyak na katigasan at kumbensyonal na gradasyon sa eksena ng bola ng Capulet. Kasabay nito, inihahatid nila ang bahagyang kabalintunaan ng isang modernong kompositor na nililikha ang mga imahe ng isang "seremonyo" na panahon.

Ang musika ng katutubong pagdiriwang ay orihinal, na naglalarawan sa umuusok na kapaligiran ng Renaissance Italy, puspos ng araw at maliwanag na damdamin. Ginagamit dito ni Prokofiev ang mga ritmikong katangian ng Italian folk dance tarantella (tingnan ang "Folk Dance" ng Act II)..

Ang pagpapakilala ng mandolin sa marka ay makulay (tingnan ang "Dance with Mandolins", "Morning Serenade"), isang instrumento na karaniwan sa buhay ng Italyano. Ngunit ang mas kawili-wili ay na sa maraming iba pang mga yugto, pangunahin ang mga genre, inilalapit ng kompositor ang texture at pangkulay ng timbre sa tiyak, hindi mapagpanggap na "plucked" na tunog ng instrumentong ito (tingnan ang "The Street Wakes Up", "Masks", "Paghahanda para sa Bola", "Mercutio" ").

Act I Ang balete ay bubukas sa isang maikling "Introduction". Nagsisimula ito sa tema ng pag-ibig, laconic, tulad ng isang epigraph, maliwanag at nagdadalamhati sa parehong oras:

Ang unang eksena ay naglalarawan kay Romeo na gumagala sa lungsod sa madaling araw 38 . Ang isang maalalahanin na himig ay nagpapakilala sa isang binata na nangangarap ng pag-ibig:

87 Ang musika ng gavotte ay kinuha ni Prokofiev mula sa kanyang "Classical Symphony".

88 Walang ganoong eksena si Shakespeare. Ngunit si Benvolio, ang kaibigan ni Romeo, ay nagkuwento tungkol dito. Ang paggawa ng kuwento sa aksyon, ang mga may-akda ng libretto ay nagpapatuloy mula sa mga kakaiba ng dramaturhiya ng balete.

Isa ito sa dalawang pangunahing tema ni Romeo (ang isa ay ibinigay sa "Introduction").

Ang mga larawan ay mabilis na humalili sa isa't isa, na naglalarawan sa umaga, ang unti-unting pagbuhay sa mga lansangan ng lungsod, isang masayang pagmamadali, isang away sa pagitan ng mga tagapaglingkod ng Montague at Capulet, at sa wakas - isang labanan at ang nagbabantang utos ng Duke na maghiwa-hiwalay.

Ang isang makabuluhang bahagi ng unang larawan ay puno ng isang mood ng kawalang-ingat at masaya. Ito ay, na parang nakatutok, na nakolekta sa isang maliit na eksena na "The Street Is Waking Up", batay sa isang himig ng sayaw, na may pantay na "plucked" na saliw, na may pinaka hindi mapagpanggap, tila, pagkakasundo.

Ilang ekstrang touch: double seconds, rare syncopations, unexpected tonal juxtapositions nagbibigay sa musika ng espesyal na poignancy at mischief. Ang orkestra ay nakakatawa, papalitan ng diyalogo sa pagitan ng bassoon at violin, oboe, flute at clarinet:

Ang mga intonasyon at ritmo na katangian ng melody na ito o malapit dito ay nagkakaisa ng ilang numero ng larawan. Nasa “Morning Dance” sila, sa eksenang awayan.

Nagsusumikap para sa matingkad na theatricality, ang kompositor ay gumagamit ng visual musical na paraan. Kaya, ang galit na utos ng Duke ay nagdulot ng isang nagbabantang mabagal na "pagtapak" sa mga matitinding dissonant na tunog at matalim na mga dynamic na kaibahan. Ang larawan ng labanan ay itinayo sa patuloy na paggalaw, na ginagaya ang pagkatok at pagkalansing ng mga armas. Ngunit dito mayroon ding tema ng pangkalahatang pagpapahayag na kahulugan - ang tema ng awayan. "Clumsiness", prangka ng melodic na paggalaw, mababang ritmikong kadaliang kumilos, harmonic stiffness at malakas, "inflexible" na tunog ng tanso - lahat ng paraan ay naglalayong lumikha ng isang primitive at mabigat na madilim na imahe:

maganda, malambing:

Ang iba't ibang panig ng imahe ay lumilitaw nang husto at hindi inaasahan, na pinapalitan ang isa't isa (tulad ng karaniwan para sa isang babae o binatilyo). Ang gaan at kasiglahan ng unang tema ay ipinahayag sa isang simpleng iskala na parang "tumatakbo" na melody, na tila pinaghiwa-hiwalay ng iba't ibang grupo at instrumento ng orkestra. Ang mga makukulay na harmonic na "throws" ng mga chord - pangunahing triads (sa VI lower, III at I degrees) ay binibigyang-diin ang ritmikong sharpness at mobility nito. Ang biyaya ng pangalawang tema ay ipinarating ng paboritong ritmo ng sayaw (gavotte) ni Prokofiev, isang plastik na melody mula sa clarinet.

Ang banayad, dalisay na liriko ay ang pinaka makabuluhang "facet" ng imahe ni Juliet. Samakatuwid, ang hitsura ng ikatlong tema ng musikal na larawan ni Juliet ay namumukod-tangi mula sa pangkalahatang konteksto sa pamamagitan ng isang pagbabago sa tempo, isang matalim na pagbabago sa texture, napakalinaw, kung saan ang mga liwanag na dayandang lamang ang nagpapalabas ng pagpapahayag ng melody, at isang pagbabago sa timbre (flute solo).

Magpapatuloy ang lahat ng tatlong tema ni Juliet sa hinaharap, at pagkatapos ay sasali sa kanila ang mga bagong tema.

Ang balangkas ng trahedya ay ang eksena ng bola ng Capulet. Dito umusbong ang damdamin ng pagmamahalan nina Romeo at Juliet. Dito nagpasya si Tybalt, isang kinatawan ng pamilya Capulet, na maghiganti kay Romeo, na nangahas na tumawid sa threshold ng kanilang bahay. Ang mga kaganapang ito ay nagaganap laban sa maliwanag, maligaya na backdrop ng bola.

Ang bawat isa sa mga sayaw ay may sariling dramatikong tungkulin. Ang mga bisita ay nagtitipon sa mga tunog ng isang minuto, na lumilikha ng mood ng opisyal na solemnity:

"Sayaw ng Knights"- ito ay isang larawan ng grupo, isang pangkalahatang paglalarawan ng "mga ama". Ang maiska at may bantas na ritmo, na sinamahan ng sinusukat, mabigat na pagtapak ng bass, ay lumilikha ng isang imahe ng pakikipaglaban at katangahan, na sinamahan ng isang uri ng kadakilaan. Ang makasagisag na pagpapahayag ng "Dance of the Knights" ay tumindi kapag ang tema ng awayan, na pamilyar sa nakikinig, ay pumasok sa bass. Ang tema ng "Dance of the Knights" mismo ay ginagamit sa hinaharap bilang isang katangian ng pamilya Capulet:

Bilang isang kakaibang episode sa Dance of the Knights, ang marupok, sopistikadong sayaw ng Juliet kasama ang Paris ay ipinakilala:

Unang ipinakilala sa eksena ng bola si Mercutio, ang masayahin at palabiro na kaibigan ni Romeo. Sa kanyang musika (tingnan ang Blg. 12, "Mga Maskara"), isang kakaibang martsa ang nagbibigay daan sa isang mapanukso, komiks na harana:

Ang sceriotic na paggalaw, na puno ng texture, harmonious rhythmic surprises, ay naglalaman ng kinang, talino, at irony ni Mercutio (tingnan ang No. 15, “Mercutio”):

Sa eksena ng bola (sa dulo ng variation No. 14), tumunog ang masigasig na tema ni Romeo, na unang ibinigay sa pagpapakilala sa balete (napansin ni Romeo si Juliet). Sa "Madrigal", kung saan tinutugunan ni Romeo si Juliet, lumilitaw ang tema ng pag-ibig - isa sa pinakamahalagang lyrical melodies ng ballet. Ang paglalaro ng major at minor ay nagdaragdag ng espesyal na kagandahan sa medyo malungkot na tema na ito:

Ang mga tema ng pag-ibig ay malawakang binuo sa malaking duet ng mga bayani ("Scene at the Balcony", No. 19-21), na nagtatapos sa Act I. Nagsisimula ito sa isang mapagnilay-nilay na himig, na dati ay bahagyang nakabalangkas ("Romeo", No. 1, mga huling bar). Medyo higit pa, ang tema ng pag-ibig, na unang lumabas sa "Madrigal," ay tumutunog sa isang bago, bukas, emosyonal na matinding paraan mula sa cellos at cor anglais. Lahat ng ito malaking entablado, na parang binubuo ng hiwalay na mga numero, ay napapailalim sa isang solong pag-unlad ng musika. Maraming leitthemes ang magkakaugnay dito; Ang bawat kasunod na presentasyon ng parehong paksa ay mas matindi kaysa sa nauna, ang bawat bagong paksa ay mas dynamic. Sa kasukdulan ng buong eksena (“Sayaw ng Pag-ibig”) isang kalugud-lugod at solemne na himig ang lilitaw:

Ang pakiramdam ng katahimikan at rapture na humawak sa mga bayani ay ipinahayag sa ibang tema. Kumanta, makinis, na may malumanay na pag-indayog na ritmo, ito ang pinakanasasayaw sa mga tema ng pag-ibig ng balete:

Ang tema ni Romeo mula sa "Introduction" ay makikita sa coda ng "Love Dance":

Ang Act II ng ballet ay puno ng malakas na kaibahan. Ang makulay na mga katutubong sayaw ay nakabalangkas sa eksena ng kasal, na puno ng malalim, nakatutok na liriko. Sa ikalawang kalahati ng aksyon, ang kumikinang na kapaligiran ng pagdiriwang ay nagbibigay daan sa trahedya na larawan ng tunggalian sa pagitan ng Mercutio at Tybalt at pagkamatay ni Mercutio. Ang prusisyon ng libing kasama ang katawan ni Tybalt ay kumakatawan sa kasukdulan ng Act II, na minarkahan ang trahedya na pagliko ng balangkas.

Ang mga sayaw dito ay kahanga-hanga: ang mabilis, masayang “Folk Dance” (No. 22) sa diwa ng tarantella, ang magaspang na sayaw sa kalye ng limang mag-asawa, ang sayaw na may mga mandolin. Dapat pansinin ang pagkalastiko at pagkalastiko ng mga melodies, na naghahatid ng mga elemento ng mga paggalaw ng sayaw.

Sa eksena ng kasal ay may larawan ng matalino, mapagkawanggawa na si Padre Lorenzo (No. 28). Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng choral music, na nailalarawan sa pamamagitan ng lambot at init ng intonasyon:

Ang hitsura ni Juliet ay sinamahan ng kanyang bagong himig sa plauta (ito ang leittimbre para sa isang bilang ng mga tema ng pangunahing tauhang ballet):

Ang malinaw na tunog ng plauta ay pinapalitan ng isang duet ng mga cello at violin - mga instrumento na malapit sa pagpapahayag sa boses ng tao. Lumilitaw ang isang madamdaming himig, puno ng maliwanag, "nagsasalita" na mga intonasyon:

ito" musikal na sandali” parang reproduce ng dialogue! Romeo at Juliet sa isang katulad na eksena sa Shakespeare:

Romeo

Ay, kung ang sukatan ng aking kaligayahan

Katumbas sa iyo, aking Juliet,

Ngunit mayroon kang higit pa ang sining ay,

"Para ipahayag ito, pakiusap

Ang hangin sa paligid na may malumanay na pananalita.

Juliet

Hayaang maging buhay ang himig ng iyong mga salita

Inilalarawan ang hindi masabi na kaligayahan.

Isang pulubi lamang ang makakabilang sa kanyang mga ari-arian,

Ang aking pag-ibig ay lumago nang husto,

Na hindi ko mabilang ang kalahati nito 39 .

Ang choral music na sinasabayan ng seremonya ng kasal ang kumukumpleto sa eksena.

Mahusay na pinagkadalubhasaan ang pamamaraan ng symphonic reincarnation ng mga tema, binibigyan ni Prokofiev ang isa sa pinakamasayang tema ng balete (“The Street Awakens,” No. 3) sa Act II ng isang madilim at hindi magandang kalidad. Sa eksena ng pakikipagkita ni Tybalt kay Mercutio (No. 32), ang pamilyar na himig ay nasira, ang integridad nito ay nasira. Maliit na pangkulay, matalas na chromatic echoes na pumuputol sa melody, ang "uungol" na timbre ng saxophone - lahat ng ito ay kapansin-pansing nagbabago sa karakter nito:

Si Shakespeare W. Poly. koleksyon cit., tomo 3, p. 65.

Ang parehong tema, tulad ng imahe ng pagdurusa, ay tumatakbo sa eksena ng kamatayan ni Mercutio, na isinulat ni Prokofiev na may napakalaking sikolohikal na lalim. Ang eksena ay batay sa paulit-ulit na tema ng pagdurusa. Kasama ng pagpapahayag ng sakit, naglalaman ito ng isang makatotohanang malakas na pagguhit ng mga galaw at kilos ng isang taong nanghihina. Sa isang malaking pagsisikap ng kalooban, pinilit ni Mercutio ang kanyang sarili na ngumiti - ang mga fragment ng kanyang mga nakaraang tema ay halos hindi marinig sa orkestra, ngunit ang mga ito ay tumutunog sa "malayong" itaas na rehistro ng mga instrumentong gawa sa kahoy - oboe at plauta.

Ang bumabalik na pangunahing tema ay naantala ng isang paghinto. Ang hindi pangkaraniwan ng sumunod na katahimikan ay binibigyang-diin ng mga huling chord, "alien" sa pangunahing tonality (pagkatapos ng D minor, ang triad ng B minor at E-flat minor).

Nagpasya si Romeo na maghiganti para kay Mercutio. Sa isang tunggalian ay pinatay niya si Tybalt. Nagtatapos ang Act II sa isang maringal na prusisyon ng libing kasama ang katawan ni Tybalt. Ang piercing atungal sonority ng tanso, ang density ng texture, ang paulit-ulit at monotonous ritmo - lahat ng ito ay gumagawa ng musika ng prusisyon malapit sa tema ng awayan. Ang isa pang prusisyon ng libing - "Juliet's Funeral" sa epilogue ng ballet - ay nakikilala sa pamamagitan ng espirituwalidad ng kalungkutan.

Sa Act III, ang lahat ay nakatuon sa pagbuo ng mga imahe nina Romeo at Juliet, na bayaning nagtatanggol sa kanilang pag-ibig sa harap ng mga puwersang pagalit. Binigyang-pansin ni Prokofiev ang imahe ni Juliet dito.

Sa buong Act III, ang mga tema mula sa kanyang "portrait" (ang una at lalo na ang pangatlo) at mga tema ng pag-ibig ay nabuo, na nagkakaroon ng dramatiko o malungkot na hitsura. Lumilitaw ang mga bagong melodies, na minarkahan ng trahedya na pag-igting at kapangyarihan.

Ang Act III ay naiiba sa unang dalawa sa mas malawak na pagpapatuloy ng end-to-end na aksyon, na nag-uugnay sa mga eksena sa isang solong musikal na kabuuan (tingnan ang mga eksena ni Juliet, Blg. 41-47). Symphonic development, "hindi angkop" sa balangkas ng entablado, ay nagreresulta sa dalawang interlude (Blg. 43 at 45).

Ang maikling pagpapakilala sa Act III ay muling ginawa ang musika ng nagbabantang "Utos ng Duke" (mula sa Act I).

Nasa stage ang kwarto ni Juliet (No. 38). Gamit ang pinaka banayad na mga diskarte, muling nililikha ng orkestra ang pakiramdam ng katahimikan, ang tugtog, misteryosong kapaligiran ng gabi, ang paalam nina Romeo at Juliet: tinutugtog ng plauta at celesta ang tema mula sa eksena ng kasal sa ilalim ng mga kaluskos ng mga kuwerdas.

Ang maliit na duet ay puno ng pinipigilang trahedya. Ang bagong himig nito ay batay sa tema ng paalam (tingnan ang halimbawa 185).

Ang imaheng nakapaloob dito ay kumplikado at panloob na contrasting. Mayroong parehong nakamamatay na tadhana at nabubuhay na salpok. Ang himig ay tila mahirap umakyat at kasing hirap mahulog. Ngunit sa ikalawang bahagi ng tema, isang aktibong protestang intonasyon ang maririnig (tingnan ang mga bar 5-8). Binibigyang-diin ito ng orkestra: pinapalitan ng masiglang tunog ng mga kuwerdas ang "fatal" na tawag ng busina at ang timbre ng clarinet, na tumunog sa simula.

Ito ay kagiliw-giliw na ang segment na ito ng melody (ang pangalawang kalahati nito) ay nabuo sa karagdagang mga eksena bilang isang malayang tema ng pag-ibig (tingnan ang Blg. 42, 45). Ibinigay din ito bilang isang epigraph sa buong balete sa "Introduction".

Ang tema ng paalam ay ganap na naiiba sa "Interlude" (No. 43). Dito nakuha niya ang katangian ng isang madamdamin na salpok, trahedya na pagpapasiya (Handa nang mamatay si Juliet sa ngalan ng pag-ibig). Ang texture at kulay ng timbre ng tema, na ngayon ay ipinagkatiwala sa mga instrumentong tanso, ay nagbabago nang husto:

Sa eksena ng diyalogo sa pagitan nina Juliet at Lorenzo, sa sandaling binibigyan ng monghe ng tabletang pampatulog si Juliet, ang tema ng Kamatayan ("Juliet Alone", No. 47) ay narinig sa unang pagkakataon - isang musikal na imahe na eksaktong tumutugma sa ni Shakespeare:

Ang malamig at matamlay na takot ay bumabaon sa aking mga ugat. Pinapalamig nito ang init ng buhay 40 .

Ang awtomatikong pumipintig na paggalaw ng ikawalong nota ay nagbibigay ng pamamanhid; muffled tumataas na bass - lumalagong "languid fear":

Sa Act III, ang mga elemento ng genre na nagpapakilala sa setting ng aksyon ay ginagamit nang mas matipid kaysa dati. Dalawang magagandang miniature - "Morning Serenade" at "Dance of Girls with L and L and I" - ay ipinakilala sa tela ng ballet upang lumikha ng pinaka banayad na dramatikong kaibahan. Ang parehong mga numero ay transparent sa texture: light accompaniment at melody na nakatalaga sa mga solong instrumento. Ang "Morning Serenade" ay ginampanan ng mga kaibigan ni Juliet sa ilalim ng kanyang bintana, hindi alam na siya ay patay na.

40 Ang Elepante ni Juliet.

41 Habang ito ay isa pa ring haka-haka na kamatayan.

Ang matingkad na tugtog ng mga kuwerdas ay tumutunog ng magaan na himig, dumudulas na parang sinag (mga instrumento: mandolin na inilagay sa likod ng mga eksena, piccolo flute, solo violin):

Sayaw ng mga batang babae na may mga liryo na binabati ang nobya, guwang na marupok na biyaya:

Ngunit pagkatapos ay narinig ang isang maikling nakamamatay na tema ("At Jula Etta's Bedside," No. 50), na lumilitaw sa ikatlong pagkakataon sa ballet 42:

Sa sandaling pumunta ang Ina at ang Nars para gisingin si Juliet, ang kanyang tema ay malungkot at walang timbang na dumadaan sa pinakamataas na rehistro ng mga biyolin. Patay na si Juliet.

Nagsisimula ang epilogue sa eksena ng "Libing ni Juliet". Ang tema ng kamatayan, na inihatid ng mga violin, melodicically binuo, napapalibutan

42 Tingnan din ang mga pagtatapos ng mga eksenang “Juliet the Girl”, “Romeo at Father Lorenzo”.

Mula sa kumikinang na misteryosong piano hanggang sa nakamamanghang fortissimo - ito ang dynamic na sukat ng funeral march na ito.

Ang mga tumpak na stroke ay nagmamarka ng hitsura ni Romeo (ang tema ng pag-ibig) at ang kanyang kamatayan. Ang paggising ni Juliet, ang kanyang pagkamatay, at ang pagkakasundo ng mga Montague at ng Capulet ang bumubuo sa nilalaman ng huling eksena.

Ang katapusan ng balete ay isang maliwanag na himno ng pag-ibig na nagtatagumpay sa kamatayan. Ito ay batay sa unti-unting pagtaas ng nakakasilaw na tunog ng tema ni Juliet (ang ikatlong tema, na ibinigay muli sa isang pangunahing key). Ang ballet ay nagtatapos sa tahimik, "pagkakasundo" na mga harmonies.

Numero ng tiket 3

Romantisismo

Sosyal at historikal na background ng romanticism. Mga tampok ng nilalamang ideolohikal at pamamaraang masining. Mga katangiang pagpapakita ng romantikismo sa musika

Ang Classicism, na nangingibabaw sa sining ng Enlightenment, noong ika-19 na siglo ay nagbibigay daan sa romantikismo, sa ilalim ng bandila kung saan nabuo ang pagkamalikhain sa musika sa unang kalahati ng siglo.

Ang pagbabago sa artistikong uso ay bunga ng napakalaking pagbabago sa lipunan na nagmarka sa buhay panlipunan ng Europa sa pagpasok ng dalawang siglo.

Ang pinakamahalagang kinakailangan para sa hindi pangkaraniwang bagay na ito sa sining ng mga bansang European ay ang paggalaw ng masa na nagising ng Great French Revolution *.

* “Ang mga rebolusyon noong 1648 at 1789 ay hindi ang mga rebolusyong Ingles at Pranses; ang mga ito ay mga rebolusyon sa isang saklaw ng Europa... kanilang ipinahayag ang sistemang pampulitika ng isang bagong lipunang Europeo... Ang mga rebolusyong ito ay nagpahayag sa mas malaking lawak ng mga pangangailangan ng buong mundo noong panahong iyon kaysa sa mga pangangailangan ng mga bahagi ng mundo kung saan naganap ang mga ito, i.e. England at France" (Marx K. and Engels F. Works, 2nd ed., vol. 6, p. 115).

Ang rebolusyon, na nagbukas ng isang bagong panahon sa kasaysayan ng sangkatauhan, ay humantong sa isang malaking pagtaas sa espirituwal na lakas ng mga tao sa Europa. Ang pakikibaka para sa tagumpay ng mga demokratikong mithiin ay nagpapakilala sa kasaysayan ng Europa ng panahong sinusuri.

Mahigpit na nauugnay sa kilusang pagpapalaya ng bayan, isang bagong uri ng artista ang lumitaw - isang advanced pampublikong pigura, na nagsusumikap para sa ganap na pagpapalaya ng mga espirituwal na kapangyarihan ng tao, para sa pinakamataas na batas ng katarungan. Hindi lamang ang mga manunulat tulad ni Shelley, Heine o Hugo, ngunit madalas ding ipinagtanggol ng mga musikero ang kanilang mga paniniwala sa pamamagitan ng paglalagay ng panulat sa papel. Ang mataas na intelektwal na pag-unlad, malawak na ideolohikal na abot-tanaw, at civic consciousness ay nailalarawan sa Weber, Schubert, Chopin, Berlioz, Wagner, Liszt at marami pang ibang kompositor noong ika-19 na siglo *.

* Ang pangalan ni Beethoven ay hindi binanggit sa listahang ito, dahil ang sining ni Beethoven ay kabilang sa ibang panahon.

Kasabay nito, ang pagtukoy sa kadahilanan sa pagbuo ng ideolohiya ng mga modernong artista ay ang malalim na pagkabigo ng malawak na mga seksyon ng lipunan sa mga resulta ng Great French Revolution. Ang ilusyon na katangian ng mga mithiin ng Enlightenment ay nahayag. Ang mga prinsipyo ng "kalayaan, pagkakapantay-pantay at kapatiran" ay nanatiling isang utopiang pangarap. Ang burges na sistema na pumalit sa pyudal-absolutistang rehimen ay nakilala ng walang awang mga anyo ng pagsasamantala sa masa.

"Ang State of Reason ay nagdusa ng isang kumpletong pagbagsak." Pampubliko at mga ahensya ng gobyerno, na bumangon pagkatapos ng rebolusyon, "... naging isang masama, mapait na nakakadismaya na karikatura ng mga makikinang na pangako ng mga nagpapaliwanag" *.

* Marx K. at Engels F. Works, ed. Ika-2, tomo 19, p. 192 at 193.

Nalinlang sa kanilang pinakamabuting pag-asa, na hindi nakayanan ang katotohanan, ang mga artista sa modernong panahon ay nagpahayag ng kanilang protesta laban sa bagong kaayusan ng mga bagay.

Ito ay kung paano bumangon at nagkaroon ng hugis ang isang bagong kilusang masining - romantisismo.

Ang pagtuligsa sa burges na makitid na pag-iisip, inert philistinism, at philistinism ay bumubuo ng batayan ng ideolohikal na plataporma ng romantisismo. Pangunahing tinutukoy nito ang nilalaman ng mga artistikong klasiko noong panahong iyon. Ngunit tiyak na nasa likas na katangian ng kritikal na saloobin sa kapitalistang realidad ang pagkakaiba sa pagitan dalawang pangunahing uso nito; ito ay ibinunyag depende sa mga interes ng kung aling mga panlipunang bilog ito o ang sining na obhetibong sinasalamin.

Ang mga artista na nauugnay sa ideolohiya ng papalabas na klase, na nanghinayang sa "magandang lumang araw," ay tumalikod sa nakapaligid na katotohanan sa kanilang pagkapoot sa umiiral na pagkakasunud-sunod ng mga bagay. Ang ganitong uri ng romantikismo, na tinatawag na "passive," ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang ideyalisasyon ng Middle Ages, isang pagkahumaling sa mistisismo, at pagluwalhati ng isang kathang-isip na mundo na malayo sa kapitalistang sibilisasyon.

Ang mga tendensiyang ito ay katangian ng mga nobelang Pranses ng Chateaubriand, at ang mga tula ng mga makatang Ingles ng "paaralan ng lawa", at mga maikling kwento ng Aleman nina Novalis at Wackenroder, at ang mga artista ng Nazarene sa Alemanya, at ang mga artistang Pre-Raphaelite sa England. . Ang pilosopikal at aesthetic treatises ng "passive" romantics ("The Genius of Christianity" ni Chateaubriand, "Christianity or Europe" ni Novalis, mga artikulo sa aesthetics ni Ruskin) ay nagsulong ng paghihiwalay ng sining mula sa buhay at niluwalhati ang mistisismo.

Ang isa pang direksyon ng romantikismo - "epektibo" - ay sumasalamin sa hindi pagkakasundo sa katotohanan sa ibang paraan. Ang mga artista ng ganitong uri ay nagpahayag ng kanilang saloobin patungo sa modernidad sa anyo ng madamdaming protesta. Ang paghihimagsik laban sa bagong sitwasyong panlipunan, pagtatanggol sa mga mithiin ng hustisya at kalayaan na itinaas ng panahon ng Rebolusyong Pranses - ang motibong ito, sa iba't ibang mga repraksyon, ay nangingibabaw sa bagong panahon sa karamihan ng mga bansang Europeo. Ito ay tumatagos sa akda nina Byron, Hugo, Shelley, Heine, Schumann, Berlioz, Wagner at marami pang ibang manunulat at kompositor ng post-rebolusyonaryong henerasyon.

Ang romantikismo sa sining sa kabuuan ay isang kumplikado at magkakaibang kababalaghan. Ang bawat isa sa dalawang pangunahing trend na nabanggit sa itaas ay may sariling mga varieties at nuances. Sa bawat pambansang kultura, depende sa sosyo-politikal na pag-unlad ng bansa, ang kasaysayan nito, ang sikolohikal na pagkakabuo ng mga tao, artistikong tradisyon, ang mga estilistang katangian ng romantikismo ay nagkaroon ng kakaibang anyo. Kaya't marami sa mga katangian nitong pambansang sangay. At kahit na sa gawain ng mga indibidwal na romantikong artista, naiiba, kung minsan ay nagkakasalungatan, ang mga agos ng romantikong minsan ay tumawid at magkakaugnay.

Ang mga pagpapakita ng Romantisismo sa panitikan, sining biswal, teatro at musika ay malaki ang pagkakaiba-iba. Gayunpaman, sa pag-unlad ng iba't ibang sining ng ika-19 na siglo mayroong maraming mahahalagang punto ng pakikipag-ugnay. Nang walang pag-unawa sa kanilang mga tampok, mahirap maunawaan ang likas na katangian ng mga bagong landas sa musikal na pagkamalikhain ng "Romantic Age".

Una sa lahat, pinayaman ng romantikismo ang sining na may maraming mga bagong tema, na hindi kilala sa masining na gawain ng mga nakaraang siglo o dati nang naantig sa mas kaunting ideolohikal at emosyonal na lalim.

Ang pagpapalaya ng indibidwal mula sa sikolohiya ng pyudal na lipunan ay humantong sa pagtatatag ng mataas na halaga ng espirituwal na mundo ng tao. Lalim at pagkakaiba-iba emosyonal na mga karanasan pumukaw ng malaking interes sa mga artista. Pinong disenyo liriko-sikolohikal na mga imahe- isa sa mga nangungunang tagumpay ng sining noong ika-19 na siglo. Sa pamamagitan ng katotohanang sumasalamin sa masalimuot na panloob na buhay ng mga tao, ang romantikismo ay nagbukas ng isang bagong saklaw ng damdamin sa sining.

Kahit na sa paglalarawan ng layunin ng panlabas na mundo, nagsimula ang mga artista sa personal na pang-unawa. Sinabi sa itaas na ang humanismo at pakikipaglaban sa sigasig sa pagtatanggol sa kanilang mga pananaw ay nagtatakda ng kanilang lugar sa mga kilusang panlipunan ng panahon. At kasabay nito, ang mga masining na gawa ng mga romantiko, kasama na ang mga nakakatugon sa mga suliraning panlipunan, ay kadalasang may katangian ng isang matalik na pagbubuhos. Ang pamagat ng isa sa mga pinakatanyag at makabuluhang akdang pampanitikan ng panahong iyon ay nagpapahiwatig - "Pagkumpisal ng isang Anak ng Siglo" (Musset). Ito ay hindi nagkataon na ang liriko na tula ay nakakuha ng isang nangungunang posisyon sa pagkamalikhain mga manunulat noong ika-19 na siglo mga siglo. Ang pag-usbong ng mga liriko na genre at ang pagpapalawak ng pampakay na hanay ng mga liriko ay hindi pangkaraniwang katangian ng sining ng panahong iyon.

At sa musikal na pagkamalikhain, ang tema ng "lyrical confession" ay nakakakuha ng nangingibabaw na kahalagahan, lalo na ang mga lyrics ng pag-ibig, na pinaka-ganap na nagpapakita ng panloob na mundo ng "bayani". Ang temang ito ay tumatakbo tulad ng isang pulang sinulid sa lahat ng sining ng romantikismo, na nagsisimula sa mga romantikong kamara ni Schubert at nagtatapos sa mga monumental na symphony ng Berlioz at ang mga magarang musikal na drama ni Wagner. Wala sa mga klasikal na kompositor na nilikha sa musika tulad ng magkakaibang at banayad na nakabalangkas na mga larawan ng kalikasan, tulad ng mga nakakumbinsi na nabuong mga larawan ng pananabik at mga pangarap, pagdurusa at espirituwal na salpok, gaya ng mga romantiko. Sa alinman sa mga ito ay wala tayong makikitang mga intimate na pahina ng talaarawan, na lubos na katangian ng mga kompositor noong ika-19 na siglo.

Kalunos-lunos na tunggalian sa pagitan ng bayani at ng kanyang kapaligiran- isang tema na nangingibabaw sa panitikan ng romantisismo. Ang motif ng kalungkutan ay tumatagos sa akda ng maraming manunulat noong panahong iyon - mula Byron hanggang Heine, mula Stendhal hanggang Chamisso... At para sa sining ng musika, ang mga larawan ng hindi pagkakasundo sa katotohanan ay nagiging isang mataas na katangian na simula, na nagre-refract dito bilang motibo ng pananabik para sa isang hindi matamo na magandang mundo, at tulad ng paghanga ng artista sa kusang buhay ng kalikasan. Ang temang ito ng hindi pagkakasundo ay nagdudulot ng mapait na kabalintunaan sa mga di-kasakdalan ng totoong mundo, mga pangarap, at isang tono ng marubdob na protesta.

Ang kabayanihan-rebolusyonaryong tema, na isa sa mga pangunahing sa musikal na pagkamalikhain ng "panahon ng Gluck-Beethoven," ay tunog sa isang bagong paraan sa gawain ng mga romantiko. Na-refracted sa pamamagitan ng personal na mood ng artist, nakakakuha ito ng isang katangian na kalunus-lunos na hitsura. Kasabay nito, sa kaibahan sa mga klasikal na tradisyon, ang tema ng kabayanihan sa mga romantiko ay binigyang-kahulugan hindi sa isang unibersal, ngunit sa isang tiyak na makabayan na pambansang kahulugan.

Dito natin hinawakan ang isa pang pangunahing mahalagang tampok masining na pagkamalikhain"Romantic Age" sa kabuuan.

Ang pangkalahatang kalakaran ng romantikong sining ay ang tumaas interes sa pambansang kultura . Binuhay ito ng tumaas na pambansang kamalayan na dala ng mga digmaang pambansang pagpapalaya laban sa pagsalakay ni Napoleon. Ang iba't ibang mga pagpapakita ng katutubong-pambansang tradisyon ay umaakit sa mga artista ng modernong panahon. SA maagang XIX siglo, lumilitaw ang pangunahing pananaliksik sa alamat, kasaysayan, at sinaunang panitikan. Ang mga alamat ng medieval, sining ng Gothic, at ang kultura ng Renaissance, na nakalimutan na, ay muling binubuhay. Ang mga pinuno ng mga kaisipan ng bagong henerasyon ay sina Dante, Shakespeare, Cervantes. Ang kasaysayan ay nabubuhay sa mga nobela at tula, sa mga larawan ng dramatiko at musikal na teatro (Walter Scott, Hugo, Dumas, Wagner, Meyerbeer). Ang malalim na pag-aaral at karunungan ng pambansang alamat ay nagpalawak ng hanay ng mga masining na larawan, na nagpayaman sa sining na may mga dating hindi kilalang mga tema mula sa globo kabayanihan epiko, mga sinaunang alamat, mga larawan ng mga engkanto, paganong tula, kalikasan.

Kasabay nito, ang isang matalim na interes sa pagiging natatangi ng buhay, pang-araw-araw na buhay, at sining ng mga tao sa ibang mga bansa ay paggising.

Sapat na upang ihambing, halimbawa, ang Don Juan ni Moliere, na ipinakita ng may-akda ng Pranses bilang isang maharlika sa korte ng Louis XIV at isang Pranses ng pinakadalisay na tubig, kay Don Juan ni Byron. Binabalewala ng classicist playwright ang Espanyol na pinagmulan ng kanyang bayani, ngunit para sa romantikong makata siya ay isang buhay na Iberian, na kumikilos sa partikular na setting ng Spain, Asia Minor, at Caucasus. Kaya, kung sa mga kakaibang opera na laganap noong ika-18 siglo (halimbawa, ang “Gallant India” ni Rameau o ang “The Abduction from the Seraglio” ni Mozart) ang mga Turks, Persian, American natives o “Indians” ay kumilos bilang sibilisadong Parisian o Viennese ng parehong Ika-18 siglo, pagkatapos ay si Weber, sa silangang mga eksena ng Oberon, ay gumagamit ng isang tunay na silangang himig upang ilarawan ang mga guwardiya ng harem, at ang kanyang Preciosa ay puno ng mga Spanish folk motif.

Para sa sining ng musika ng bagong panahon, ang interes sa pambansang kultura ay nagsasangkot ng mga kahihinatnan ng napakalaking kahalagahan.

Ang ika-19 na siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng pag-usbong ng mga pambansang paaralan ng musika batay sa mga tradisyon ng katutubong sining. Nalalapat ito hindi lamang sa mga bansang nakagawa na ng mga kompositor na may kahalagahan sa mundo sa nakaraang dalawang siglo (tulad ng Italy, France, Austria, Germany). Ang isang bilang ng mga pambansang kultura (Russia, Poland, Czech Republic, Norway at iba pa), na hanggang noon ay nanatili sa mga anino, ay lumitaw sa entablado ng mundo kasama ang kanilang sariling mga independiyenteng pambansang paaralan, na marami sa mga ito ay nagsimulang gumanap ng isang napakahalaga at minsan nangungunang papel sa pagbuo ng pan-European na musika.

Siyempre, kahit na sa "pre-romantic era" Italian, French, Aleman na musika naiiba sa bawat isa sa mga tampok na nagmumula sa kanilang pambansang makeup. Gayunpaman, ang pambansang prinsipyong ito ay malinaw na pinangungunahan ng mga tendensya patungo sa isang tiyak na unibersalismo ng musikal na wika *.

* Kaya, halimbawa, sa panahon ng Renaissance, ang pag-unlad ng propesyonal na musika sa buong Kanlurang Europa ay napapailalim sa Franco-Flemish mga tradisyon Noong ika-17 at bahagyang ika-18 siglo, ang melodic na istilo ay nangingibabaw sa lahat ng dako. Italyano mga opera. Orihinal na binuo sa Italya bilang isang expression pambansang kultura, siya ay naging tagadala ng pan-European court aesthetics, kung saan nakipaglaban ang mga pambansang artista sa iba't ibang bansa, atbp.

Sa modernong panahon, tiwala sa lokal, lokal, pambansa nagiging tukoy na sandali ng sining ng musika. Ang mga pan-European na tagumpay ay binubuo na ngayon ng mga kontribusyon ng maraming malinaw na tinukoy na mga pambansang paaralan.

Bilang kinahinatnan ng bagong ideolohikal na nilalaman ng sining, lumitaw ang mga bagong nagpapahayag na pamamaraan, katangian ng lahat ng magkakaibang sangay ng romantikismo. Ang pagkakatulad na ito ay nagpapahintulot sa amin na pag-usapan ang tungkol sa pagkakaisa masining na paraan ng romantisismo sa pangkalahatan, na pantay na nakikilala ito mula sa parehong klasiko ng Enlightenment at kritikal na realismo ng ika-19 na siglo. Pareho itong katangian ng mga drama ni Hugo, tula ni Byron, at mga tula na simponiko ni Liszt.

Masasabi na ang pangunahing tampok ng pamamaraang ito ay nadagdagan ang emosyonal na pagpapahayag. Ang romantikong artista ay naghatid sa kanyang sining ng isang buhay na kasiglahan ng mga hilig na hindi umaangkop sa karaniwang mga pamamaraan ng estetika ng paliwanag. Ang primacy ng pakiramdam kaysa sa katwiran ay isang axiom ng teorya ng romanticism. Ang antas ng kaguluhan, pagsinta, at pagiging makulay ng mga masining na gawa noong ika-19 na siglo ay pangunahing naghahayag ng orihinalidad ng romantikong pagpapahayag. Hindi nagkataon na musika nagpapahayag na pagtitiyak na pinaka-ganap na tumutugma sa romantikong sistema ng damdamin, ay idineklara ng mga romantiko bilang isang perpektong anyo ng sining.

Ang isang pantay na mahalagang katangian ng romantikong pamamaraan ay kamangha-manghang fiction. Ang haka-haka na mundo ay tila itinaas ang artist sa ibabaw ng pangit na katotohanan. Ayon sa depinisyon ni Belinsky, ang globo ng romantikismo ay ang "lupa ng kaluluwa at puso, kung saan ang lahat ng malabong hangarin para sa mas mabuti at kahanga-hangang pagbangon, sinusubukang makahanap ng kasiyahan sa mga mithiin na nilikha ng pantasya."

Ang malalim na pangangailangan ng mga romantikong artista ay ganap na natugunan ng bagong fairy-tale-pantheistic na globo ng mga imahe, na hiniram mula sa alamat at sinaunang medieval na mga alamat. Para sa pagkamalikhain sa musika noong ika-19 na siglo, nagkaroon siya, tulad namin, makikita natin sa hinaharap, pinakamahalaga.

Ang mga bagong tagumpay ng romantikong sining, na makabuluhang nagpayaman sa masining na pagpapahayag kumpara sa yugto ng klasiko, kasama ang pagpapakita ng mga phenomena sa kanilang kontradiksyon at pagkakaisa ng diyalektiko. Pagtagumpayan ang mga karaniwang pagkakaiba na likas sa klasisismo sa pagitan ng kaharian ng dakila at pang-araw-araw, mga artista noong ika-19 na siglo ang mga siglo ay sadyang binangga ang mga banggaan ng buhay, na binibigyang-diin hindi lamang ang kanilang kaibahan, kundi pati na rin ang kanilang panloob na koneksyon. Parang ang prinsipyo ng "dramatic antithesis" pinagbabatayan ng maraming mga gawa ng panahong iyon. Ito ay tipikal para sa romantikong teatro ng Hugo, para sa mga opera ng Meyerbeer, ang mga instrumental cycle ng Schumann, Berlioz. Ito ay hindi nagkataon na ito ay ang "romantikong edad" na muling natuklasan ang makatotohanang dramaturhiya ni Shakespeare, kasama ang lahat ng malawak na kaibahan nito sa buhay. Makikita natin sa ibang pagkakataon kung ano ang mahalagang papel na ginampanan ng gawa ni Shakespeare sa pagbuo ng bagong romantikong musika.

Ang mga tampok na katangian ng pamamaraan ng bagong sining ng ika-19 na siglo ay dapat ding isama pagkahumaling sa makasagisag na konkreto, na binibigyang-diin sa pamamagitan ng pagpapakita ng mga detalye ng katangian. Detalye- isang tipikal na kababalaghan sa sining ng modernong panahon, kahit na para sa gawain ng mga figure na iyon na hindi romantiko. Sa musika, ang ugali na ito ay ipinakita sa pagnanais para sa maximum na paglilinaw ng imahe, para sa makabuluhang pagkakaiba-iba ng wikang musikal kumpara sa sining ng klasisismo.

Ang artistikong paraan na binuo batay sa aesthetics ng classicism na katangian ng Enlightenment ay hindi tumutugma sa mga bagong ideya at larawan ng romantikong sining. Sa kanilang mga teoretikal na gawa (tingnan, halimbawa, ang paunang salita ni Hugo sa drama na "Cromwell", 1827), ang mga romantiko, na nagtatanggol sa walang limitasyong kalayaan ng pagkamalikhain, ay nagpahayag ng isang walang awa na pakikibaka laban sa rasyonalistikong mga canon ng klasisismo. Pinayaman nila ang bawat lugar ng sining na may mga genre, anyo at nagpapahayag na mga diskarte na tumutugma sa bagong nilalaman ng kanilang trabaho.

Tuntunin natin kung paano ipinahayag ang prosesong ito ng pagpapanibago sa loob ng balangkas ng sining ng musika.

Romantisismo - ideolohikal at masining na direksyon sa kulturang Europeo at Amerikano sa wakas XVIII- 1st half XIX V.
Sa musika, nabuo ang romanticism sa 1820s. at pinanatili ang kahulugan nito hanggang sa simula XX V. Ang nangungunang prinsipyo ng romantisismo ay nagiging matalim na kaibahan araw-araw na buhay at pangarap, pang-araw-araw na pag-iral at ang pinakamataas perpektong mundo nilikha ng malikhaing imahinasyon ng artista.

Sinasalamin niya ang pagkabigo ng pinakamalawak na bilog sa mga resulta ng Great French Revolution ng 1789-1794, sa ideolohiya ng Enlightenment at burges na pag-unlad. Samakatuwid, siya ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang kritikal na oryentasyon, isang pagtanggi sa philistine vegetation sa isang lipunan kung saan ang mga tao ay nababahala lamang sa paghahanap ng tubo. Sa tinanggihang mundo, kung saan ang lahat, maging ang mga relasyon ng tao, ay napapailalim sa batas ng pagbili at pagbebenta, ang mga romantiko ay nagsalungat sa isa pang katotohanan - ang katotohanan ng mga damdamin, ang malayang pagpapahayag ng malikhaing personalidad. Ito ay kung saan ang kanilang

malapit na pansin sa panloob na mundo ng isang tao, isang banayad na pagsusuri ng kanyang kumplikadong mga paggalaw ng kaisipan. Ang Romantisismo ay gumawa ng isang mapagpasyang kontribusyon sa pagtatatag ng sining bilang liriko na pagpapahayag ng sarili ng artist.

Sa una, ang romanticism ay kumilos bilang isang pundamental

kalaban ng klasisismo. Ang sining ng Middle Ages at malayong mga kakaibang bansa ay tutol sa sinaunang ideal. Natuklasan ng Romantisismo ang mga kayamanan ng katutubong sining - mga kanta, kwento, alamat. Gayunpaman, ang pagsalungat ng romantisismo sa klasiko ay kamag-anak pa rin, dahil ang mga romantiko ay nagpatibay at higit pang binuo ang mga nagawa ng mga klasiko. Maraming kompositor ang lubos na naimpluwensyahan ng gawa ng huling klasikong Viennese -
L. Beethoven.

Ang mga prinsipyo ng romantisismo ay pinagtibay ng mga natatanging kompositor mula sa iba't ibang bansa. Ito ay sina K. M. Weber, G. Berlioz, F. Mendelssohn, R. Schumann, F. Chopin,

F. Schubert F. Liszt, R. Wagner. G. Verdi.

Ang lahat ng mga kompositor na ito ay pinagtibay ang symphonic na paraan ng pagbuo ng musika, batay sa pare-parehong pagbabago ng musikal na pag-iisip, na bumubuo sa loob ng sarili nitong kabaligtaran. Ngunit ang mga romantiko ay naghangad ng higit na pagtitiyak ng mga ideya sa musika, ang kanilang mas malapit na koneksyon sa mga larawan ng panitikan at iba pang uri ng sining. Ito ay humantong sa kanila na lumikha ng mga gawa ng software.

Ngunit ang pangunahing tagumpay ng romantikong musika ay ipinakita sa sensitibo, banayad at malalim na pagpapahayag panloob na mundo tao, ang dialectics ng kanyang mga emosyonal na karanasan. Hindi tulad ng mga klasiko, hindi gaanong pinagtibay ng mga romantiko ang sukdulang layunin ng mga mithiin ng tao, na nakamit sa pamamagitan ng matigas na pakikibaka, habang naglunsad sila ng walang katapusang kilusan patungo sa isang layunin na patuloy na lumalayo at tumatakas. Iyon ang dahilan kung bakit ang papel ng mga transition at maayos na pagbabago ng mood ay napakahusay sa mga gawa ng mga romantiko.
Para sa isang romantikong musikero, ang proseso ay mas mahalaga kaysa sa resulta, mas mahalaga kaysa sa tagumpay. Sa isang banda, nauukol sila sa mga miniature, na madalas nilang kasama sa isang cycle ng iba, kadalasang naiiba, mga dula; sa kabilang banda, iginiit nila ang mga malayang komposisyon, sa diwa ng mga romantikong tula. Ang mga romantiko ang nabuo bagong genre- isang symphonic na tula. Napakahusay ng kontribusyon ng mga romantikong kompositor sa pagbuo ng symphony, opera, at ballet.
Kabilang sa mga kompositor ng ika-2 kalahati ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo, kung saan ang mga gawaing romantikong tradisyon ay nag-ambag sa pagtatatag ng mga ideyang makatao, - I. Brahms, A. Bruckner, G. Mahler, R. Strauss, E. Grieg, B. Maasim, A. Dvorak at iba pa

Sa Russia, halos lahat ng mahusay na masters ng Russian classical na musika ay nagbigay pugay sa romanticism. Ang papel ng romantikong pananaw sa mundo sa mga gawa ng tagapagtatag ng mga klasikong musikal ng Russia ay mahusay M. I. Glinka, lalo na sa kanyang opera na "Ruslan at Lyudmila".

Sa gawain ng kanyang mga dakilang kahalili, na may pangkalahatang makatotohanang oryentasyon, ang papel ng mga romantikong motif ay makabuluhan. Naaninag ang mga ito sa maraming fairy-tale at fantasy opera N. A. Rimsky-Korsakov, sa mga symphonic na tula P.I. Tchaikovsky at mga kompositor" Makapangyarihang grupo».
Ang romantikong elemento ay tumagos sa mga gawa nina A. N. Scriabin at S. V. Rachmaninov.

2. R.-Korsakov

Kaugnay na impormasyon.