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Rhinos ist ein Theaterstück von Eugene Ionesco. (Die gängige Übersetzung des Stücktitels als „Rhinozeros“ widerspricht den Behauptungen des Autors, dass er immer meinte Plural„einhörnige“ und „zweihörnige“ Tiere).

Die jahrhundertealte Geschichte der Weltliteratur hat nicht so viele Werke, deren Helden und Bilder darüber hinaus fortbestehen Kunstwerk, sich in etwas verwandeln gebräuchliche Namen oder Definitionen. Für Europäische Kultur 20. Jahrhundert ein solches Phänomen ist zweifellos das Stück Rhinos von Ionesco. Seit seiner ersten Produktion, durchgeführt im Januar 1960 in Pariser Theater„Odeon“ von Jean-Louis Barrot und die unmittelbar danach erschienenen Aufführungen in verschiedene Länder, der Neologismus "Nasopharynx" ist in vielen enthalten Europäische Sprachen um das dumme und fraglose Festhalten an den der Menge auferlegten Parolen, die Ansteckungs- und Ansteckungskraft des totalitären Denkens anzuzeigen.

Bereits wie Beckett als Meister des „Theaters des Absurden“ anerkannt, schrieb Ionesco Ende der 50er Jahre Kurzgeschichten und Theaterstücke, die sich deutlich von seinen unterschieden frühe Arbeiten, wie "Bald Singer", "Lesson", "Chairs". In The Unselfish Assassin and Rhinos taucht ein Held auf, der sich der Welt um ihn herum stellt und versucht, seine zu erhalten Menschenwürde. In der Kurzgeschichte "Rhinos" (1957), dann im gleichnamigen Theaterstück (1959) entwirft der Autor ein groteskes Bild jeglicher Art von Fanatismus, der einem Menschen die Möglichkeit nimmt, außerhalb der Herde zu leben. Jeder verwandelt sich in ein Nashorn, außer Berenger, unabhängig von sozialer Herkunft und Stellung in der Gesellschaft. Die Transformation, die bei Menschen stattfindet, ist nicht das Ergebnis einiger tiefgreifender innerer Veränderungen. Es bringt nur die äußere Hülle in Einklang mit ihrem Wesen. Gerade weil Berenger schon immer ein Fremder war, der das Leben anders betrachtete als seine Umgebung, etwas anderes schätzte als sie, darf er kein Nashorn werden. Was er in dem Moment bitter bereut, als seine geliebte Daisy auch in der Nashornherde ist. In der Kurzgeschichte steht das persönliche Drama des Helden im Mittelpunkt, die Szene von Berangers Abschied von Daisy vermittelt auf subtile Weise die Verzweiflung eines Mannes, der sein geliebtes Wesen nicht halten kann. Diese Szene ging in das Stück über, bestimmte aber nicht mehr den Gesamtton des Werks in dem Maße wie in der Kurzgeschichte.

Nachdem der Schauplatz der Handlung (wie in The Desinterested Killer) zu einer Provinzstadt gemacht wurde, erschafft der Dramatiker Ionesco mehrere amüsante Straßenszenen, in denen die Engstirnigkeit der Interessen und die Engstirnigkeit der Stadtbewohner, die wie jeder sein wollen, leicht zu erkennen ist andere in allem. Für sie, im Leben nur vom gesunden Menschenverstand geleitet, ist Beranger ein Versager und Idealist. Sein Antipode Jean ist zutiefst davon überzeugt, dass er Recht hat und belehrt Berenger ständig. „Ein überzeugtes Nashorn“, freut er sich auf das Herdenleben und entwickelt schließlich vor einem Freund eine menschenverachtende Theorie, die nicht länger stumpfe Grausamkeit und Intoleranz hinter der Integrität des Laien versteckt.

Durch die Aufteilung des Stücks in drei Akte bietet Ionesco ein hochsymbolisches Bild der allgemeinen Onkologie. Im ersten Akt mutet das Erscheinen eines Nashorns im Stadtraum seltsam an. In der zweiten verlagert sich die Aktion von der Straße ins Büro, und die ersten, die die menschliche Gestalt in ein Nashorn verwandeln, sind Beamte als Menschen, die am wenigsten daran gewöhnt sind, für sich selbst zu denken. Im dritten Akt wird deutlich, dass nicht nur diejenigen zur Herde aufbrechen, die das „Glaubenssystem“ akzeptieren, sondern auch diejenigen, die einfach „wie alle anderen“ sein wollen. Das Stück endet wie die Kurzgeschichte mit Berangers Monolog voller Verzweiflung. Aber es hat ein Motiv unbeugsamer Wille ein Mann, der beschloss, nicht zu kapitulieren, auch wenn er allein gegen alle war.

Genevieve Cerro und Dr. T. Frenkel

Serie "Exklusive Klassiker"

Übersetzung aus dem Französischen E.D. Bogatyrenko

Nachdruck mit freundlicher Genehmigung von GALLIMARD, Frankreich.

Die exklusiven Rechte zur Veröffentlichung des Buches in russischer Sprache liegen bei AST Publishers.

© Editions GALLIMARD, Paris, 1959

© Übersetzung. ED Bogatyrenko, 2018

© Russische Ausgabe AST Publishers, 2018

Figuren

Eine Hausfrau.

Ladenbesitzer.

Kellnerin.

Ladenbesitzer.

Alter Meister.

Cafébesitzer.

Herr Papillon.

Frau Bet.

Feuerwehrmann.

Monsieur Jean.

Die Frau von Monsieur Jean.

Zahlreiche Nashornköpfe.

Platz in einer Provinzstadt. Auf der Rückseite ist ein zweistöckiges Haus. Im Erdgeschoss befindet sich ein Schaufenster. Sie können den Laden durch eine Glastür betreten, indem Sie zwei oder drei Stufen hinaufsteigen. Über dem Fenster ist ein großes Schild „Lebensmittelgeschäft“. Im zweiten Stock des Hauses befinden sich zwei Fenster, offenbar aus der Wohnung der Ladenbesitzer. Somit befindet sich der Shop im hinteren Teil der Bühne, aber gleichzeitig links, nicht weit von den Flügeln entfernt. Über dem Dach des Hauses, in dem sich das Geschäft befindet, ist in der Ferne ein Glockenturm zu sehen. Zwischen Geschäft u rechte Seite Szenen - eine Straße, die in die Ferne geht. Rechts, etwas schräg, ist ein Caféfenster. Über dem Café befindet sich der Boden eines Hauses mit einem Fenster. Vor dem Café befindet sich eine Terrasse mit Tischen und Stühlen, die fast bis zur Bühnenmitte reicht. Staubige Äste hängen über der Terrasse. Blauer Himmel, helles Licht, weiße Wände. Es findet im Sommer an einem Sonntag gegen Mittag statt. Jean und Béranger setzen sich an einen Tisch auf der Terrasse.

Bevor sich der Vorhang hebt, hört man Glockenläuten. Es stoppt einige Sekunden, bevor der Vorhang aufgeht. Als sich der Vorhang hebt, geht eine Frau schweigend von rechts nach links über die Bühne und trägt unter ihrem Arm auf der einen Seite einen leeren Einkaufskorb und auf der anderen Seite eine Katze. Die Ladenbesitzerin öffnet die Tür ihres Ladens und beobachtet sie.

Ladenbesitzer. Ah, hier ist sie! ( Sie spricht ihren Mann an, der im Laden ist.) Oh, nun, ich war eingebildet! Wir wollen nicht mehr kaufen.

Der Ladenbesitzer geht, die Bühne ist für ein paar Sekunden leer.

Jean erscheint rechts und Beranger erscheint gleichzeitig mit ihm links. Jean ist sehr adrett gekleidet: ein brauner Anzug, eine rote Krawatte, ein gestärkter falscher Kragen, ein brauner Hut. Er hat ein rötliches Gesicht. Die gelben Stiefel sind gut poliert. Béranger ist unrasiert, ohne Kopfschmuck, ungekämmt, in schäbiger Kleidung; alles an ihm spricht von Nachlässigkeit, er sieht müde, schläfrig aus; gähnt ab und zu.

Jean ( richtig kommen). Beranger, du bist doch gekommen.

Beranger ( von links nähern). Grüße Jean.

Jean. Natürlich sind Sie wie immer zu spät! ( Blickt auf seine Armbanduhr.) Wir vereinbarten, uns um halb elf zu treffen. Es ist jetzt fast Mittag.

Berenger. Entschuldigung. Hast du lange auf mich gewartet?

Jean. Nein. Sehen Sie, ich bin gerade angekommen.

Sie gehen zu den Tischen auf der Terrasse.

Berenger. Nun, ich fühle mich dann nicht besonders schuldig, da … Sie selbst …

Jean. Bei mir ist das anders. Ich warte nicht gern, ich kann keine Zeit verschwenden. Da Sie immer zu spät kommen, bin ich absichtlich später gekommen, weil ich damals dachte, ich hätte Gelegenheit, Sie zu sehen.

Berenger. Du hast recht... Du hast Recht, aber...

Jean. Sie werden nicht behaupten, zur vereinbarten Zeit angekommen zu sein!

Berenger. Natürlich ... Ich kann es nicht mit Sicherheit sagen.

Jean und Beranger setzen sich.

Jean. Nun, du verstehst.

Berenger. Was wirst du trinken?

Jean. Hast du morgens schon Durst?

Berenger. Es ist so heiß, so stickig.

Jean. Wie er sagt Volksweisheit je mehr du trinkst, desto mehr willst du trinken...

Berenger. Wenn es diesen Weisen gelungen wäre, die Wolken am Himmel einzuholen, wäre es nicht so stickig und hätte weniger Durst.

Jean ( sah Beranger genau an). Was ist mit Ihnen? Aber du, mein lieber Beranger, willst kein Wasser ...

Berenger. Was meinst du, mein lieber Jean?

Jean. Du verstehst mich vollkommen. Ich rede von deinem trockenen Hals. Es ist wie eine unersättliche Erde.

Berenger. Ich finde deinen Vergleich...

Jean ( ihn unterbrechen). Sie, mein Freund, sind in einem traurigen Zustand.

Berenger. Glaubst du, ich sehe erbärmlich aus?

Jean. Ich bin nicht blind. Sie brechen vor Müdigkeit zusammen, sind wieder die ganze Nacht gelaufen. Du gähnst und bist schrecklich schläfrig...

Berenger. Ich habe getrunken und mein Kopf tut ein bisschen weh...

Jean. Du stinkst nach Alkohol!

Berenger. Du hast Recht, ich habe ein wenig getrunken!

Jean. Und so jeden Sonntag, ganz zu schweigen von der restlichen Woche!

Berenger. Nun, nein, nicht jeden Tag, ich arbeite ...

Jean. Wo ist deine Krawatte? Du hast es verloren, während du Spaß hattest!

Beranger ( lege deine Hand auf deinen Hals). Nun, es ist wirklich, wirklich lustig. Wo könnte ich ihn hinbringen?

Jean ( eine Krawatte aus der Jackentasche ziehen). Hier, zieh das an.

Berenger. Danke, sehr freundlich.

Zieht eine Krawatte an.

Jean ( während Berenger irgendwie seine Krawatte bindet). Du bist komplett ungekämmt! ( Béranger versucht, sein Haar mit den Fingern zu kämmen.) Hier, nimm einen Kamm!

Er holt einen Kamm aus einer anderen Jackentasche.

Beranger ( einen Kamm nehmen). Danke.

Glättet das Haar.

Jean. Du hast dich nicht rasiert! Sehen Sie, wie Sie aussehen.

Er holt einen Spiegel aus der Innentasche seiner Jacke, reicht ihn Béranger, der hineinschaut und ihm die Zunge herausstreckt.

Berenger. Ich habe einen Belag auf meiner Zunge.

Jean ( nimmt ihm den Spiegel ab und steckt ihn wieder in seine Tasche). Und kein Wunder! .. ( Er nimmt den Kamm, den Berenger ihm reicht, und steckt ihn ebenfalls in seine Tasche..) Sie haben das Risiko einer Zirrhose, mein Freund.

Beranger ( besorgt). Das denkst du?..

Jean ( Er spricht Beranger an, der versucht, seine Krawatte zurückzugeben). Behalte die Krawatte, ich habe genug davon.

Beranger ( mit Bewunderung). Nun, du bist völlig in Ordnung.

Jean ( sah weiterhin Beranger an). Die Klamotten sind alle zerknittert, eine Art Horror, das Hemd ist ekelhaft dreckig, deine Schuhe ... ( Berenger versucht, seine Beine unter dem Tisch zu verstecken.) Deine Schuhe sind nicht poliert ... Was für ein Durcheinander! .. Deine Schultern ...

Berenger. Und was ist mit den Schultern los?

Jean. Dreh dich um. Nun, dreh dich um. Du hast dich an die Wand gelehnt... ( Béranger streckt Jean träge die Hand entgegen..) Nein, ich habe keinen Pinsel dabei. Ich will meine Taschen nicht herausziehen. ( Béranger klopft sich immer noch lustlos auf die Schultern, um den weißen Staub abzuschütteln; Jean wendet sich ab.) Oh… Woher hast du so viel Glück?

Berenger. Ich kann mich nicht erinnern.

Jean. Schlecht, schlecht! Ich schäme mich, mit dir befreundet zu sein.

Berenger. Du bist sehr streng...

Jean. Und das nicht ohne Grund!

Berenger. Hör zu, Jean. Ich habe keine Unterhaltung; diese stadt ist langweilig. Ich bin nicht gemacht für den Job, den ich mache... acht Stunden am Tag im Büro und nur drei Wochen Urlaub im Sommer! Am Samstagabend werde ich müde, na ja, wissen Sie, um mich zu entspannen ...

Jean. Meine Liebe, alle arbeiten, und ich arbeite auch, ich verbringe, wie alle Menschen auf der Welt, jeden Tag acht Stunden im Büro, ich habe auch nur einundzwanzig Tage Urlaub im Jahr, und doch seht mich an! Es geht um Willenskraft, verdammt!

Dieser Gedanke wird durch sein berühmtes Drama Rhinos bestätigt. Es scheint, dass offensichtliche Absurditäten darin verschwinden und sie in den Text eindringen. künstlerische Elemente. "Rhinoceros" ist kein "Anti-Piece" im Sinne von "The Holomozoa Singer" mit seinem völlig überzeichneten "englischen Interieur", Marionettenfiguren und absurden Handlungssituationen. Wenn "Golomoza der Sänger", den Ionesco aus seinen Stücken als "neabsurdisch" und "nichts" bezeichnete, beraubte er die Gesetze dramatische Handlung, Komposition, Charaktere, dann hat das Drama "Rhinos" die übliche dramatische Struktur. Der Autor selbst betonte, es sei "traditionell und klassisch gestaltet. Ich habe mich hier an die Grundgesetze des Theaters gehalten: eine einfache Idee, dieselbe einfache Handlungsentwicklung und eine schiere Auflösung."

Das Gebiet einer französischen Provinzstadt. Zwei Freunde sitzen in einem Café und unterhalten sich: Berenger und Jean. Jean ärgert sich über das Verhalten, die Gewohnheiten und die Lebensweise seines Freundes, seine Unpünktlichkeit, seine Leidenschaft für Alkohol. Berenger rechtfertigt sich: Er langweile sich in dieser Stadt, er sei nicht geschaffen für die tägliche Acht-Stunden-Arbeit, er werde müde und trinke, „um in Vergessenheit zu geraten“ und nicht die „Existenzangst“ zu spüren. Jean will die ganze Zeit mit Hilfe nackter Didaktik seinen untalentierten Freund auf den wahren Weg bringen, fordert ihn auf, sich mit Toleranz, Kultur, Intelligenz "zu wappnen", "Herr der Situation zu werden", gewissenhaft seine " Amtspflicht“. Als Antwort auf die Argumente von Jean Beranger gähnt er nur: Im Gegensatz zu seinem dogmatischen und gesetzestreuen Zweiten fällt es ihm schwer, jeden Tag „einen sauberen Hut, eine unverknitterte Krawatte, polierte Schuhe“ zu tragen ...

Doch plötzlich wird das Gespräch des Provinzfriedens unterbrochen. Ein Nashorn taucht in der Stadt auf. Dann die zweite, die dritte... Eine ungewöhnliche Epidemie beginnt: Die Einwohner der Stadt beginnen sich - und zwar ganz freiwillig und bewusst, auch diejenigen, die sich zunächst gewehrt haben - in dickhäutige Tiere zu verwandeln. Beim Nashorn wenden sich Berangers Kollegen: Mr. Bef und Mr. Papillon, Bothard und Dudar. Sein Freund Jean und seine geliebte Desi schließen sich ebenfalls der Herde an.

Nur ein Beranger, der sich mit den Worten von E. Ionesco „gegen die Geschichte gestellt“ hat, gibt entsetzt zu: „Sie sind verrückt geworden. Die Welt ist krank. Sie sind alle krank.“ Er ist einer der "nüchternen" Bewohner der Stadt, der sich in eine Herde Nashörner verwandelt hat, versteht, dass es notwendig ist, sich "bewusst und aufrichtig auf sie zu verlassen". Und am Ende des Dramas wendet sich Beranger – ein einzelner Mann unter den Tieren – an alle Nashornköpfe: „Ich werde nicht mit euch gehen. Ich verstehe euch nicht! Ich bleibe, wer ich bin Mann. Ein Mann.“ Und obwohl er einer momentanen Schwäche ausgesetzt ist („OB! Wie gerne würde ich werden wie sie! Schade, dass ich kein Horn habe!“), schaffte es Beranger, zur gleichen Pflicht zur Vernunft zu kommen und sein letztes zu vollbringen Worte im Stück: „Gegen jeden werde ich kämpfen! letzter Mann und ich werde es bis zum Ende sein! Ich werde nicht aufgeben!"

Doch wie ist dieses Gleichnis zu interpretieren? Welche Bedeutung hat die Massenonkologie im Werk und der Widerstand der Protagonistin? Was verbirgt sich hinter der Metapher von Ionesco?

Der Dramatiker erklärte, dass der „Ausgangspunkt“ bei der Entstehung von „Rhinoceros“ die Geschichte des Schriftstellers Denis de Rougemont über die Nazi-Demonstration 1938 in Nürnberg war. Die Menge erwartete die Ankunft Hitlers, er verfiel in eine Art Hysterie, und Rougemont war zunächst überrascht von solchen Anzeichen einer Massenpsychose. „Als Hitler“, sagt Ionesco, „sich als sehr nahe herausstellte und alle um ihn herum tot waren und schließlich in Trance verfielen, spürte er, dass in ihm ein Gefühl der Raserei aufsteigt, das der allgemeine Wahnsinn und ihn selbst „elektrisiert“. war schon bereit, sich diesem Zauber zu unterwerfen, als sein ganzes Wesen rebellierte und sich dem kollektiven Wahnsinn widersetzte ... "

Ionesco gestand, dass „Rhinoceros“ „ein antifaschistisches Stück“ sei, dass er „wirklich versucht habe, den Prozess der Befriedung des Landes zu beschreiben“ und „der Nationalsozialismus zunächst unter „Nashornkrankheit“ verstanden wurde“. Zumindest war es der Faschismus, insbesondere sein Ursprung in Rumänien in den 30er Jahren, der den Dramatiker dazu veranlasste, das Stück zu schaffen. Und nicht wenige Regisseure, wie der herausragende französische Regisseur Jean-Louis Barrault, interpretierten Rhinos als antifaschistisches Drama. Und die berühmte Schriftstellerin Elsa Triolet verteidigte die Möglichkeit einer ausschließlich antifaschistischen Interpretation des Stücks.

Aber die Bedeutung der Drama-Parabel (nämlich das ist Jones' Stück) ist immer weiter als ein bestimmtes Phänomen, "Rhinoceros" bietet keine einzige Interpretation. Französischer Kritiker Paul Surer bemerkte treffend: „Rhinoceros“ ist keine Kritik, wie manche verstanden haben, an einem bestimmten Regime – einem totalitären Nazi-Regime – in einem bestimmten Land, in einer bestimmten historischen Periode; Dies ist eine Studie über den allgemeinen Prozess jeder kollektiven Rekrutierung, der vom Moment seiner Entstehung bis zu seinem Abschluss nachgezeichnet wird.“ Ja, Ionesco selbst warnte vor einer ausschließlich antifaschistischen Interpretation seines Dramas: „Rhinos“ ist zweifellos ein Anti-Nazi Arbeit, aber vor allem ist es ein Spiel gegen kollektive Hysterie und Epidemien, die sich unter dem Deckmantel von Verstand und Ideen verstecken, aber nicht zu weniger ernsten kollektiven Krankheiten werden, die unterschiedliche Ideologien rechtfertigen. Der Dramatiker bemerkte, dass sein Stück "eine ziemlich objektive Beschreibung des Wachstums des Fanatismus, der Geburt des Totalitarismus ... Das Stück sollte die Stadien dieses Phänomens nachzeichnen und identifizieren."

Beranger ist der Protagonist von "Rhinoceros", ein Held, der sich laut Autor mit "der Suche nach dem Sinn des Lebens, der Suche nach dem Wesentlichen in unserer Realität" beschäftigt, ein Held, der unter "seiner Entfremdung" leidet und von "seinen Mängeln". Wichtig ist, dass Ionesco ihn trotz seiner offensichtlichen Sympathie für Beranger nicht als Bild konzipiert hat perfekte Person, ein Wrestler, eine titanische Persönlichkeit, die in der Lage ist, in einer an Rhinitis erkrankten Gesellschaft alleine zu bestehen. Der Dramatiker merkte an, dass es positiv zu nennen sei, „wenn anerkannt wird, dass ein Mensch das Recht hat, sich in seine Einsamkeit zurückzuziehen“, und gleichzeitig ein negatives Bild sei, „wenn wir bedenken, dass ein Mensch das nicht hat Recht, seiner Einsamkeit ausgesetzt zu sein ... um eines zu sagen - Berenger hasst das totalitäre Regime."

Das Theater des Absurden ist eine Art modernes Drama, das auf dem Konzept der totalen Entfremdung einer Person von der physischen und sozialen Umgebung basiert. Diese Art von Theaterstücken tauchte erstmals in den frühen 1950er Jahren in Frankreich auf und verbreitete sich dann überall Westeuropa und USA.

Der Begriff Theater des Absurden wurde zuerst verwendet Theaterkritiker Martin Esslin, der 1962 ein Buch mit diesem Titel schrieb. Esslin sah in diesen Werken künstlerischer Ausdruck die Philosophie von Albert Camus über die Sinnlosigkeit des Lebens in seinem Kern, die er in seinem Buch Der Mythos von Sisyphus illustrierte. Es wird angenommen, dass das Theater des Absurden in der Philosophie des Dadaismus, der Poesie aus nicht existierenden Worten und der Avantgarde-Kunst der 1910er und 20er Jahre verwurzelt ist. Trotz scharfe Kritik, gewann das Genre nach dem Zweiten Weltkrieg an Popularität, was auf erhebliche Unsicherheit hindeutete Menschenleben. Auch der eingeführte Begriff wurde kritisiert, es gab Versuche, ihn als Anti-Theater und umzudefinieren neues Theater. Laut Esslin basierte die absurdistische Theaterbewegung auf den Produktionen von vier Dramatikern – Eugène Ionesco, Samuel Beckett, Jean Genet und Arthur Adamov, aber er betonte, dass jeder dieser Autoren seine eigene einzigartige Technik hatte, die über den Begriff Absurdität hinausging.

Das Theater der absurden oder neuen Theaterbewegung entstand offenbar in Paris als avantgardistisches Phänomen, das mit kleinen Theatern im Quartier Latin verbunden und nach einiger Zeit erworben wurde Weltanerkennung. Die Entstehung eines neuen Dramas begann danach zu sprechen Pariser Premieren Sänger mit Glatze, 1950 E. Ionesco und Warten auf Godot, 1953 S. Beckett. Bezeichnenderweise tritt die Sängerin selbst nicht in The Bald Singer auf, sondern es stehen zwei Ehepaare auf der Bühne, deren uneinheitliche, klischeehafte Sprache die Absurdität einer Welt widerspiegelt, in der Sprache die Kommunikation mehr erschwert als hilft. In Becketts Stück warten zwei Landstreicher auf der Straße auf einen gewissen Godot, der nie auftaucht. In einer tragikomischen Atmosphäre von Verlust und Entfremdung erinnern diese beiden Antihelden in zusammenhanglosen Fragmenten ab vergangenes Leben ein unerklärliches Gefühl der Gefahr erfahren.

Waiting for Godot ist ein Theaterstück des irischen Dramatikers Samuel Beckett. Auf Französisch geschrieben von Beckett zwischen dem 9. Oktober 1948 und dem 29. Januar 1949 und dann von ihm ins Englische übersetzt. In der englischen Fassung trägt das Stück den Untertitel Tragikomödie in zwei Akten.

Das Stück Warten auf Godot gehört zu jenen Werken, die das Erscheinungsbild des Theaters des 20. Jahrhunderts insgesamt geprägt haben. Beckett verzichtet grundsätzlich auf dramatische Konflikte, die dem Zuschauer vertraute Handlung, rät P. Hall, der bei der englischsprachigen Erstinszenierung des Stücks Regie führte, Pausen möglichst hinauszuzögern und den Zuschauer buchstäblich zu langweilen. Estragons Klage nichts passiert, keiner kommt, keiner geht, schrecklich! ist sowohl die Quintessenz der Haltung der Figuren als auch eine Formel, die einen Bruch mit der bisherigen Theatertradition markiert.

Aufbauend auf Wiederholungen und Parallelitäten = ein klares Zeichen von Kunstfertigkeit. Auf der einen Seite diskutieren 2 Penner über ihre körperliche Verfassung. Einschränkungen. Aber das ist ein Traum. Prod., Spiel = Dialog der Figuren - das ist kein Dialog, sondern eine Art Botschaft an Sie. Der Dramatiker hat mehrere Methoden, das Absurde aufzublähen. Hier gibt es Verwirrung in der Abfolge der Ereignisse, und einen Haufen gleicher Vor- und Nachnamen, und Ehegatten, die einander nicht erkennen, und Rochaden von Gastgebern-Gästen, Gästen-Gastgebern, unzählige Wiederholungen desselben Beinamens, ein Strom von Oxymoronen, eine offensichtlich vereinfachte Satzkonstruktion, wie im Lehrbuch auf Englisch für Anfänger. Mit einem Wort, die Dialoge sind wirklich lustig. Kein Höhepunkt, keine Progression = Anti-Plot. Der Anti-Charakter der Charaktere ist nicht zu unterscheiden. Anti-Sprache, Anti-Sprache, Anti-Kommunikation. Die Lücke zwischen dem Signifikanten und dem Signifikat. Der 1. Name des Spiels ist problemlos englisch, die 1. Zeile ist ein Thema. Aufgrund der Kluft zwischen dem Signifikanten und dem Signifikat vergessen die Menschen zu sprechen und lernen es wieder, deshalb sprechen sie in Themen = ein Konflikt auf der Ebene der Sprache, nicht des Universums. Spannung in der Schlagzeile - Der glatzköpfige Sänger ist eine Nebenfigur ohne Bedeutung. Titel - eine komprimierte Abkürzung des Textes, ein Anti-Titel. Anti-Zeit: Bemerkungen die Uhr schlägt null mal - Anti-Bemerkung, weil soll dem Regisseur helfen, tut dies aber nicht. Antifinal: Die Handlung am Ende beginnt von Neuem, die Charaktere tauschen die Plätze. Was für uns absurd ist, ist für Helden normal; Was für Helden absurd ist, ist für uns die Norm; das eigentliche Konzept der Norm, ihre Stabilität, ist fraglich.

Eugen Ionesco- einer der Vertreter des "Theater des Absurden". Der berühmte französische Dramatiker Eugene Ionesco (1909-1994) hatte nicht das Ziel, die Realität nachzubilden. Die Werke des Dramatikers gleichen einem Puzzle, denn die Situationen, Charaktere und Dialoge seiner Stücke gleichen eher Assoziationen und Bildern eines Traums als der Realität. Aber mit Hilfe von Absurdität vermittelt der Autor die Traurigkeit hinter dem Verlust von Idealen, was seine Stücke humanistisch macht. Eugene Ionesco war nicht nur ein Dramatiker, sondern auch ein Essayist-Philosoph. Oft werden seine Stücke mit Existentialismus verglichen, da sie im Wesentlichen darauf abzielen, die Absurdität des Seins zu vermitteln und eine Person in einem Zustand der Wahl zu zeigen. Der Surrealismus von Ionescos Stücken wird mit den Gesetzen des Zirkusclowns und der antiken Farce verglichen. Ein typisches Mittel seiner Stücke ist die Anhäufung von Gegenständen, die die Schauspieler zu verschlingen drohen. Dinge erhalten Leben und Menschen werden zu leblosen Objekten. Das Drama von E. Yonesco „Rhinoceros“ ist eines davon die interessantesten Stücke nicht nur seiner Zeit. 1959 geschrieben, zeigte es die wesentlichen Züge der Entwicklung menschliche Gesellschaft(außerhalb der Grenzen von Zeit und Raum). In der Tat spielt Rhinos das Drama der Einsamkeit des Individuums, des individuellen Bewusstseins im Zusammenstoß mit dem sozialen Mechanismus. Ionesco argumentiert, dass eine Idee Wert und Bedeutung hat, solange sie nicht die Köpfe vieler gefesselt hat, denn dann wird sie zu einer Ideologie. Und das ist schon gefährlich. Yonesco verwendet eine eigentümliche Form, ein groteskes Bild der Verwandlung von Menschen in Nashörner. Die Absurdität der vom Dramatiker geschilderten Ereignisse unterstreicht die Schärfe des Denkens des Autors, das sich der Entpersönlichung, dem Entzug der Individualität widersetzt. Angesichts der Zeit, in der das Stück geschrieben wurde, beschäftigt Ionesco natürlich das Problem des fortschreitenden militanten Totalitarismus. Mussolini, Stalin oder Mao – irgendwo gibt es immer ein Idol, das von der Menge vergöttert, verehrt wird. Aber es ist das Idol, das zur Menge spricht, und nicht zur Person. Gott wird individuell wahrgenommen und macht uns für alles, was wir tun, persönlich verantwortlich, also einzigartig. Und Satan entpersönlicht, macht eine Menge. So macht Jonesko aus den Ereignissen seiner Zeit einen Schritt in Richtung einer Verallgemeinerung allgemeiner ethischer Natur. Durch die scheinbare Absurdität der in Rhinos beschriebenen Ereignisse, wichtig philosophische Ideen: die Bedeutung des Seins, die Fähigkeit einer Person, dem Bösen zu widerstehen, sich als Person zu bewahren. Die Idee, dem Bösen zu widerstehen, wird durch den Widerstand des Säufers und der Schlampe Beranger gegen die allgemeine Masse gezeigt.

Warum gelingt es ihm und nicht dem feinen, korrekten Jean, der zu leben weiß? In der Tat ist Jean auf den ersten Blick die Personifikation aller Tugenden, die Personifikation der Ehrbarkeit und öffentliche Anerkennung. All dies ist jedoch ein Weg, wie alle anderen zu sein, den Respekt der Gesellschaft zu genießen und sich an die Regeln zu halten. Er erkennt andere Menschen und Gedanken nicht an, und diese Intoleranz erlaubt ihm nicht, andere zu sehen, jemand anderen zu fühlen. Tolerante Haltung gegenüber den Idealen, Vorlieben, Religionen, Nationen anderer Menschen - Beweise Hochkultur, Friedlichkeit. Mit diesen Eigenschaften ist Berenger ausgestattet. Für ihn ist der äußere Erfolg, den Jean anstrebt, unbedeutend. Aber das gibt ihm die Freiheit, selbst zu entscheiden, was das Böse ist, und alleine zu kämpfen: „Ich bin der letzte Mensch und werde es bis zum Ende sein! Ich werde nicht aufgeben!". So warnt Eugene Ionesco die Menschheit durch das Theater des Absurden vor der Bedrohung durch Depersonalisierung und Totalitarismus. Und darin versteckte Bedeutung Nashörner spielen. Ionescos Spiele sind verschlüsselt, für sie gibt es einen Begriff "Anti-Spiele". Die Charaktere sind oft surreal, übertrieben, als würde jeder seine eigene Linie führen. Deshalb wurden Aufführungen nach seinen Stücken manchmal nach dem Prinzip einer Fuge inszeniert, bei der ein Thema organisch in ein anderes verwoben ist, aber es gibt viele von ihnen und sie klingen gleichzeitig. Der Dramatiker selbst gab zu, dass es für ihn interessant war, Bühnenpräsenz auch dort zu finden, wo es keine gibt. Ein auffälliges Merkmal von Ionescos Stücken ist auch das "abgeschnittene" Ende. Der Dramatiker glaubte, dass das Stück kein Ende haben könne, ebenso wie das Leben kein Ende haben könne. Aber die Enden der Stücke werden gebraucht, weil das Publikum irgendwann ins Bett gehen muss. Es spielt also keine Rolle, wann Sie das Stück vom Zuschauer "abschneiden". Absurdität ist ein Missverständnis einiger Dinge, der Gesetze der Weltordnung. Absurdität entsteht nach Ionesco aus dem Konflikt des Willens des Individuums mit dem Willen der Welt, aus dem Konflikt des Individuums mit sich selbst. Da die Meinungsverschiedenheit nicht der Logik untergeordnet werden kann, wird Absurdität geboren. Darüber hinaus erscheint dem Autor dieser Zustand der Absurdität überzeugender als jedes logische System, da er eine Idee verabsolutiert und eine andere verliert. Absurdität ist eine Art, Überraschung vor der Welt zu zeigen, vor dem Reichtum und der Unverständlichkeit ihrer Existenz. Die Sprache von Ionescos Stücken wird durch paradoxe, oft humorvolle Klischees, Sprüche und Wortspiele von konventionellen Bedeutungen und Assoziationen befreit. Die Worte, die die Charaktere sagen, widersprechen oft der Realität und bedeuten genau das Gegenteil. Ionesco glaubte, dass das Theater ein Spektakel ist, bei dem eine Person sich selbst betrachtet. Dies ist eine Reihe von Zuständen und Situationen mit zunehmender semantischer Belastung. Ziel des Theaters ist es, den Menschen selbst zu zeigen, um ihn von der Angst vor Gesellschaft, Staat und Umwelt zu befreien.

Zweck: Studenten mit Leben und Werk des französischen Dramatikers E. Ionesco bekannt zu machen; den Begriff des "Drama des Absurden" zu geben; aufzudecken symbolische Bedeutung die Handlung des Dramas "Rhinoceros"; Kommentar Schlüsselepisoden Dramen mit dem Ausdruck der eigenen Einschätzung dessen, was in ihnen dargestellt wird; den Wunsch erziehen, die Individualität zu bewahren; bereichern die spirituelle und moralische Erfahrung und erweitern den ästhetischen Horizont der Studierenden. Ausstattung: Porträt von E. Ionesco, Text des Dramas Rhinos.

Voraussichtliche Ergebnisse: Die Studierenden kennen die wichtigsten Phasen des Lebens und Werks von E. Ionesco, den Inhalt des studierten Dramas; definieren Sie das Konzept des „Drama des Absurden“; die Bedeutung der Aktionsbindung erklären; die Schlüsselepisoden des Dramas mit dem Ausdruck ihrer eigenen Einschätzung dessen, was darin dargestellt wird, kommentieren; Formulieren Sie die Probleme, die der Dramatiker aufwirft. Unterrichtstyp: Unterricht zum Erlernen von neuem Material. WÄHREND DER KLASSEN ICH. Organisatorische Phase II.

Aktualisieren Grundwissen Mehrfach hören kreative Werke(cm. Hausaufgaben vorherige Lektion) III. Festlegen des Ziels und der Ziele des Unterrichts. Motivation Aktivitäten lernen Lehrer. Französischer Schriftsteller Eugene Ionesco - berühmter Dramatiker, einer von die klügsten Vertreter theatralische Strömung des Absurden.

Die dramatischen Werke von Eugene Ionesco sind voller abstrakter Bilder, die größtenteils die Idee der Ablehnung des Totalitarismus und der Unterdrückung des Individuums verkörpern. Trotz der offensichtlichen Originalität und Originalität von Bildern, Charakteren, Ideen und Handlungsstränge, erklärte Ionesco selbst, dass seine Stücke völlig real seien.

real im gleichen Maße wie das absurde Leben, das in diesen Stücken dargestellt wird. Der Ansatz dieses Autors zeigt uns überzeugend, wie philosophische Ansichten sind. Unter den meisten Berühmte Werke Autor - die Stücke "Bald Singer", "Rhinos", "Desinterested Killer", "Air Pedestrian", "Delirium Together", "Thirst and Hunger", "Man with Suitcases".

Die Autorschaft von E. Ionesco besitzt auch viele Geschichten, Essays, Memoiren, Artikel über Kunst. Viele der Stücke von Eugene Ionesco sind schwer zu interpretieren und können ebenso gut vollständig betrachtet werden verschiedene Punkte Vision. Dennoch widmet sich jedes dramatische Werk von E. Ionesco dem Leben als solchem, seiner Komplexität, Vollständigkeit und Vielfalt.

Und heute in der Lektion werden Sie es sehen. IV. Bearbeitung des Unterrichtsthemas 1. Einleitung Lehrer - französischer Dramatiker Rumänischer Abstammung E.

Ionesco (1909-1994) ging als der hellste Theoretiker und Praktiker des "Theaters des Absurden" in die Geschichte der Weltliteratur ein. Der Begriff „Theater des Absurden“ wurde 1962 von Martin Esslin eingeführt, der den Namen der Dramaturgie mit einer unlogischen, sinnlosen Handlung geben wollte, die dem Zuschauer die Kombination des Unvereinbaren präsentierte. viele Literaturwissenschaftler des 20. Jahrhunderts.

sah die Ursprünge des Genres in avantgardistischen literarischen und philosophischen Strömungen, insbesondere im Dadaismus. Die Hauptgrundlagen des Dadaismus waren die Propaganda des Unsystematischen und die Verleugnung jeglicher ästhetischer Ideale. Das Theater des Absurden wurde gerade zu einer neuen Kraft, die Theaterkanons zerstörte, die keine Autoritäten anerkannten.

Das Theater des Absurden fordert nicht nur heraus Kulturelle Traditionen, sondern teilweise auch das politische und gesellschaftliche System. Die Ereignisse jedes absurden Stücks sind weit von der Realität entfernt und versuchen nicht, sich ihr zu nähern.

Das Unglaubliche und Unvorstellbare kann sich sowohl in den Charakteren als auch in den umgebenden Objekten und auftretenden Phänomenen manifestieren. Ort und Zeit der Handlung in solchen dramatische Werke, ist in der Regel ziemlich schwierig zu bestimmen, zumal die Reihenfolge und Logik des Geschehens möglicherweise nicht respektiert wird.

Es gibt keine Logik in den Handlungen der Charaktere, noch in ihren Worten. Absurdistische Autoren schaffen lächerliche fantastische Bilder, die durch ihre eklatante Widersprüchlichkeit verblüffen, erschrecken und manchmal amüsieren. Irrationalität ist das, was das Theater des Absurden anstrebt. Eugene Ionesco fand den Begriff „Theater des Absurden“ nicht sehr passend. In seiner Rede mit dem Titel "Gibt es eine Zukunft für das Theater des Absurden?" schlug er ein anderes vor - "Theater des Spotts".

Darin werden laut dem Dramatiker alle psychologischen und physischen Gesetze verletzt, und die Charaktere sind nur Clowns. Mehrheitlich klassische Werke E. Ionesco hielt es für nicht weniger absurd als Proben Neue Dramaturgie zu denen seine Stücke gehörten. Schließlich ist der Realismus im Theater bedingt und subjektiv, da er in jedem Fall die Frucht der Vorstellungskraft und Kreativität des Schriftstellers ist. 2. Aufführung von Schülern mit "literarischen Visitenkarten" über Leben und Werk von E.

ionesco (Schüler komponieren Zeittafel Leben und Werk von E. Ionesco.) - Eugene Ionesco - Französischer Dramatiker, Schriftsteller und Denker, Klassiker der Theateravantgarde. Eugene wurde am 26. November 1909 in der Stadt Slatina in Rumänien geboren; in frühe Kindheit Seine Eltern brachten ihn nach Frankreich. Bis zu seinem elften Lebensjahr lebte Eugene im Dorf La Chapelle Anthenaise.

Das Leben im Dorf war glücklich für ihn, es waren die Erinnerungen daran, die in der Arbeit des gereiften Ionesco verkörpert waren. 1920 zog Eugene nach Paris, lebte dort aber nicht länger als zwei Jahre.

Mit dreizehn Jahren kehrte Ionesco nach Rumänien zurück und lebte bis zu seinem sechsundzwanzigsten Lebensjahr in Bukarest. Der Einfluss der französischen und rumänischen Kultur auf das Weltbild des späteren Schriftstellers und Dramatikers war widersprüchlich und ambivalent.

Die erste Sprache für Eugene war Französisch. Kindheitserinnerungen spiegeln sich lebendig und voll in seinen Werken wider. Der Umzug nach Rumänien, der im Alter von dreizehn Jahren folgte, führte jedoch dazu, dass Eugene sein geliebtes Französisch zu vergessen begann. Er schrieb sein erstes Gedicht in rumänisch, gefolgt von französischer und wieder rumänischer Poesie. Erste Stufe literarische Kreativität Ionesco wurde von einem gewagten Pamphlet "Nein!" auf nihilistische Weise. Darin zeigte Eugene die Einheit der Gegensätze, indem er drei rumänische Schriftsteller zuerst verurteilte und dann lobte.

Eugene studierte an der Universität Bukarest Französisch und französische Literatur die Fähigkeit zu erwerben, kreativ auf Französisch zu schreiben. Seit 1929

Eugene begann Französisch zu unterrichten. In dieser Zeit begann sich sein literarisches Geschick zu entwickeln. Im Alter von zwanzig Jahren kehrte E. Ionesco nach Paris zurück, diesmal mit der Absicht, dort längere Zeit zu leben.

1938 verteidigte er an der Sorbonne seine philosophische Doktorarbeit „Über die Motive von Angst und Tod in der französischen Dichtung nach Baudelaire“. Schon während seines Studiums an der Universität Bukarest war Eugene mit der Manifestation nationalistischer und profaschistischer Gefühle konfrontiert, die in der Jugendgesellschaft vorherrschten. Mit seiner Arbeit versuchte Ionesco, die Ablehnung dieses „modischen“ Trends zu zeigen. Der junge Schriftsteller hasste jede Manifestation von Totalitarismus und ideologischem Druck auf die Menschen. Er verkörperte diese Idee in dem Stück Rhinos, das später zu einem der beliebtesten wurde.

1970 wurde Eugene Ionesco Mitglied der Französischen Akademie der Wissenschaften. Eugene hatte bereits viele Theaterstücke auf seinem Konto, sowie Sammlungen von Kurzgeschichten, Essays und biografischen Memoiren: „Photograph of a Colonel“ (1962), „Baby from a Diary“ (1967), „Past Present, Present Past “ (1968) und viele andere. 1974

Ionesco erstellt berühmter Roman"Einsiedler". Am 28. März 1994 starb Eugene Ionesco in Paris an einer schweren und schmerzhaften Krankheit. 3. Analytisches GesprächŠ Was veranlasste den Dramatiker, das Drama „Rhinos“ zu schreiben?

Š Welche anderen Interpretationen kann die Geschichte über „Nashorn“ haben? Š Erzählen Sie kurz und bündig die Handlung dieses Schauspiels („in einer Kette“). Š Was bedeutet die Massen-„Nino-Leid“ im Werk und der Widerstand der Protagonistin? was verbirgt sich hinter der yonesco-metapher? Š Wie hängt das Problem der menschlichen Identität mit der Idee des Stücks zusammen? Š Kommentieren Sie die Schlüsselepisoden des Dramas mit einem Ausdruck Ihrer eigenen Einschätzung dessen, was darin dargestellt wird.

4. Problemfrage (zu zweit) Š Was, glauben Sie, meinte E. Ionesco, als er sagte: „Das Theater des Absurden wird ewig leben!

"? Stimmen Sie seiner Vorhersage zu? v. Betrachtung. Zusammenfassung der Lektion Verallgemeinerung des Lehrers - Die Handlung des Dramas findet in einem kleinen statt Provinzstadt, seine Bewohner sind vertreten durch die Besitzer von Geschäften und Cafés, die Hausfrau, Beamte des Büros, das juristische Literatur herausgibt, der Logiker und ein gewisser Altmeister, die wahrscheinlich die "intellektuelle Elite" bilden.