Arten von Pop-Art. Varieté-Kunst

Bühne- eine Art darstellender Kunst, die sowohl ein eigenes Genre als auch eine Synthese von Genres impliziert: Gesang, Tanz, originelle Aufführung, Zirkuskunst, Illusionen.

Popmusik- Art der Unterhaltung Musikalische Kunst, gerichtet an das breiteste Hörpublikum.

Ihre größte Entwicklung erlebte diese Musikrichtung im 20. Jahrhundert. Es umfasst in der Regel Tanzmusik, verschiedene Lieder, Werke für Pop-Sinfonieorchester und Vokal-Instrumentalensembles.

Popmusik wird oft mit dem bestehenden Konzept der „Unterhaltungsmusik“ gleichgesetzt, also leicht verständlich, für die Öffentlichkeit zugänglich. Historisch gesehen umfasst die Unterhaltungsmusik klassische Werke, die inhaltlich einfach sind und weltweite Popularität erlangt haben, zum Beispiel Theaterstücke von F. Schubert und J. Brahms, F. Lehár und J. Offenbach, Walzer von J. Strauss und A. K. Glasunow, „Kleine Nachtserenade“ von W. A. Mozart.

In diesem riesigen und in Charakter und ästhetischem Niveau äußerst heterogenen Gebiet musikalische Kreativität Dabei kommen einerseits die gleichen Ausdrucksmittel wie in der E-Musik zum Einsatz, andererseits eigene, spezifische.

Der Begriff „Poporchester“ wurde Ende der 40er Jahre von L. O. Utesov vorgeschlagen, was die Trennung zweier Konzepte ermöglichte:
Pop- und Jazzmusik selbst.

Moderne Popmusik und Jazz weisen eine Reihe gemeinsamer Merkmale auf: das Vorhandensein einer konstanten rhythmischen Pulsation, die von der Rhythmusgruppe ausgeführt wird; überwiegend tänzerische Figur, gespielt von Pop und Jazzbands funktioniert. Aber wenn Jazzmusik von Improvisation geprägt ist, Swing eine besondere rhythmische Eigenschaft hat und die Formen des modernen Jazz manchmal recht schwer wahrzunehmen sind Popmusik unterscheidet sich in der Zugänglichkeit musikalische Sprache, Melodie und extreme rhythmische Einfachheit.

Eine der häufigsten Arten von Pop-Instrumentalkompositionen ist das Pop-Sinfonieorchester (ESO) oder Symphonic Jazz. In unserem Land ist die Gründung und Entwicklung der ESO mit den Namen V. N. Knushevitsky, N. G. Minkha, Yu. Das Repertoire von Pop-Sinfonieorchestern ist äußerst umfangreich: von originalen Orchesterstücken und Fantasien bis hin zu berühmte Themen zur Begleitung von Liedern und Operetten.

Neben der unverzichtbaren Rhythmussektion und voll Messingkomposition Big Band (Gruppen von Saxophonen und Kupfergruppe) Die ESO umfasst traditionelle Gruppen von Sinfonieorchesterinstrumenten – Holzbläser, Hörner und Streicher (Violinen, Bratschen, Celli). Das Gruppenverhältnis im ESO nähert sich dem eines Sinfonieorchesters an: String-Gruppe dominiert, was auf den überwiegend melodischen Charakter der Musik für ESO zurückzuführen ist; Holz spielt eine große Rolle Blasinstrumente; Das Prinzip der Orchestrierung selbst kommt dem in sehr nahe Symphonieorchester, obwohl das Vorhandensein einer ständig pulsierenden Rhythmusgruppe und eine aktivere Rolle der Blechbläser (und manchmal auch der Saxophone) manchmal dem Klang eines Jazzorchesters ähneln. Eine wichtige koloristische Rolle in ESO spielen Harfe, Vibraphon und Pauke.

ESOs erfreuen sich in unserem Land großer Beliebtheit. Ihre Auftritte werden im Radio und Fernsehen übertragen; am häufigsten spielen sie Filmmusik und nehmen an großen Popkonzerten und Festivals teil. Viele sowjetische Komponisten schreiben Musik speziell für die ESO. Dies sind A. Ya. Eshpai, I. V. Yakushenko, V. N. Lyudvikovsky, O. N. Khromushin, R. M. Ledenev, Yu. S. Saulsky, M. M. Kazhlaev, V. E. Ter-letsky, A. S. Mazhukov, V. G. Rubashevsky, A. V. Kalvarsky und andere.

Das Genre der Popmusik umfasst verschiedene Arten von Popsongs: traditionelle Romantik, moderne lyrische Lieder, Lieder in Tanzrhythmen mit entwickelter Instrumentalbegleitung. Das Wichtigste, was zahlreiche Arten von Popsongs vereint, ist der Wunsch ihrer Autoren nach größtmöglicher Zugänglichkeit und Einprägsamkeit der Melodie. Die Wurzeln einer solchen Demokratie liegen in alte Romanze und in der modernen urbanen Folklore.

Ein Popsong ist nicht auf reine Unterhaltung beschränkt. So enthalten sowjetische Popsongs Themen wie Staatsbürgerschaft, Patriotismus, Friedenskampf usw. Nicht umsonst sind die Lieder von I. O. Dunaevsky, V. P. Solovyov-Sedoy, M. I. Blanter, A. N. Pakhmutova, D. F. Tukhmanov und anderen Sowjetische Komponisten Sie werden nicht nur in unserem Land geliebt, sondern auch weit über seine Grenzen hinaus. Solovyov-Sedoys Lied „ Moskauer Nächte" Im 20. Jahrhundert Verschiedene Arten von Tanzmusik ersetzten einander. So wurden Tango, Rumba und Foxtrott durch Rock'n'Roll ersetzt, sie wurden durch Twist and Shake ersetzt, Samba- und Bossa-Nova-Rhythmen waren sehr beliebt. Der Disco-Stil war einige Jahre lang in der Pop- und Tanzmusik weit verbreitet. Es entstand aus einer Verschmelzung von Neger-Instrumentalmusik mit Elementen des Gesangs und der Plastizität, die für Popsänger charakteristisch sind Lateinamerika, insbesondere von der Insel Jamaika. In Westeuropa und den USA eng mit der Tonträgerindustrie und der Praxis der Diskotheken verbunden, entpuppte sich die Discomusik als einer der schnelllebigen Trends in der Pop- und Tanzmusik der 2. Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Zu den sowjetischen Komponisten, die heimische Traditionen im Genre der Tanzmusik begründeten, gehören A. N. Tsfasman, A. V. Varlamov, A. M. Polonsky und andere.

Moderne Rockmusik kann der Popmusik zugeordnet werden. IN Musikkultur Westeuropa und die USA sind eine Bewegung, die in ihrem ideologischen und künstlerischen Niveau und ihren ästhetischen Prinzipien sehr vielfältig ist. Sie wird sowohl durch Werke repräsentiert, die Protest gegen soziale Ungerechtigkeit, Militarismus und Krieg zum Ausdruck bringen, als auch durch Werke, die Anarchismus, Unmoral und Gewalt predigen. Ebenso heterogen ist der Musikstil der Ensembles, die diese Bewegung vertreten. Sie haben es jedoch getan allgemeine Grundlage, einige Besonderheiten.

Eines dieser Merkmale ist der Einsatz von Gesang, Solo und Ensemble und damit von Texten, die eigenständige Inhalte tragen, und der menschlichen Stimme als besondere Klangfarbe. Mitglieder von Ensembles oder Gruppen vereinen häufig die Funktionen von Instrumentalisten und Sängern. Die führenden Instrumente sind Gitarren sowie verschiedene Keyboards und seltener Blasinstrumente. Der Klang von Instrumenten wird durch verschiedene Schallwandler und elektronische Verstärker verstärkt. Rockmusik unterscheidet sich von Jazzmusik durch ihre stärker unterteilte metrorhythmische Struktur.

In unserem Land spiegeln sich Elemente der Rockmusik in der Arbeit von Vokal- und Instrumentalensembles (VIA) wider.

Sowjetische Popmusik spielte aufgrund ihrer Massenattraktivität und großen Popularität eine bedeutende Rolle in der ästhetischen Bildung der jüngeren Generation.

Unter den spezifischen Merkmalen der Pop-Art sind für den Betrachter vor allem Einfachheit und Zugänglichkeit sowie künstlerische Klarheit hervorzuheben. Häufiger Besucher Varieté-Programme Er ist stets bestrebt, sicherzustellen, dass der Darsteller von den ersten Minuten an einen starken und natürlichen Kontakt zu ihm aufbaut.

Ein Pianist, Geiger oder Sänger kann sich darauf verlassen, dass er mit der Aufführung seiner Werke von Passage zu Passage das Publikum für sich gewinnen kann. „Der Entertainer stellt einen unmittelbaren, aufrichtigen und offenen Kontakt her. Die höfliche Beobachtung des Bühnengeschehens durch den Zuschauer kommt einem Scheitern gleich.“ 34

In der Entwicklungsgeschichte der Pop-Art gibt es viele Beispiele für den Verlust der Einfachheit der Wahrnehmung, der zum Zusammenbruch des offenen und aufrichtigen Kontakts mit dem Publikum führte, was ganze Genres teuer zu stehen kam. Dies gilt vor allem für diese Art von Pop-Art, nämlich Jazzmusik. In den Vorkriegsjahrzehnten war der Jazz in unserem Land (und nicht nur hier – ähnliche Prozesse lassen sich auch im Ausland, in seiner Heimat USA, beobachten) sehr eng mit der Unterhaltungsmusik, mit dem Massengesang verbunden. Unsere beliebten Sänger, darunter Leonid Utesov, führten ihre berühmten Lieder begleitet von Jazz-Ensembles auf. Jazz-Instrumentalmusik (A. Tsfasman, V. Knushevitsky) basierte ebenfalls auf Melodien und Rhythmen, die für den Durchschnittshörer zugänglich waren.

Allmählich wurde die Jazzmusik komplexer und orientierte sich an den Errungenschaften des modernen Symphonismus in Bezug auf Harmonie und melodisch-rhythmische Strukturen. Beginnend mit dem Bebop-Stil Nachkriegsjahre Und bis zur modernen „Fusion“ entwickelt sich der Jazz tatsächlich im Einklang mit der „ernsthaften“ Musik, wobei er sich auf einen vorbereiteten Zuhörer konzentriert und sich wie zuvor das Verständnis und die Liebe nicht aller zunutze macht. Ein besonderes Merkmal der Jazzkunst ist heute, dass die enge Verbindung des Jazz mit Gesang und „leichter“ Musik schwächer, wenn nicht sogar gebrochen ist.

Die spezifischen Merkmale der Pop-Art – Zugänglichkeit und Einfachheit – stehen in engem Zusammenhang mit einem weiteren spezifischen Merkmal – ihrer Massenattraktivität 35 . Es ist heute nicht mehr zu übersehen, dass die überwiegende Mehrheit der Zuschauer das Werk seiner besten Meister nur durch „Abwesenheits“-Treffen kennt. „Auch ohne genaue soziologische Daten können wir mit Sicherheit sagen, dass mindestens 90 Prozent des Publikums, das das Repertoire von Alla Pugacheva oder Valery Leontyev liebt und kennt, noch nie bei ihren Auftritten dabei war Konzerthalle. Für sie ist der in seiner Größe unbegrenzte Zuschauerraum der Fernsehbildschirm“ 36 .

Fernsehvielfalt Kunst- ein besonderes Studienfach, das besondere Aufmerksamkeit verdient. Der Prozess der sozialen Regulierung des modernen Publikums kann nicht vollständig verstanden werden, ohne die Prozesse zu berücksichtigen, die bei der Ausstrahlung von Fernsehunterhaltung ablaufen 37 .

Viele Autoren, die über die Probleme von Fernsehunterhaltungsprogrammen schreiben, beklagen die unzureichende Anzahl solcher Programme. Literaturnaya Gazeta, die eine Umfrage unter jungen Menschen zu ihrer Einstellung zum Fernsehen durchführte, stellte fest, dass „die Vorschläge der Zuschauer („Welche Programme für junge Leute könnten Ihrer Meinung nach im Fernsehen erscheinen?“) eindeutig zwei Geistern untergeordnet sind – dem Geist von Unterhaltung und Wissensgeist“ Gleichzeitig fordern 91 Prozent (!!) des Publikums die Bühne! Und selbst diejenigen, denen die aktuellen Sortenprogramme gefallen: Sie haben einfach nicht genug – sie brauchen mehr“ 38 .

Es muss gesagt werden, dass quantitative Schätzungen der Fernseh-Varieté-Kunst nicht ganz korrekt sind. Forscher berücksichtigen nur spezielle Varieté-Programme, während in vielen anderen Programmen alle künstlerischen „Einlagen“ (und davon gibt es viele) tatsächlich musikalische Varieté-Nummern sind. Heute sind in der Pop-Art zwei Trends zu erkennen: das Aufkommen spezieller Unterhaltungsprogramme – wie „The Last Hero“, an denen neben einem engen Kreis von Pop-„Stars“ auch unbekannte Künstler aus der „Star Factory“ teilnehmen die Programme. Unter den Besonderheiten der Pop-Art ist die Mode hervorzuheben. Mode kann für ein bestimmtes Genre, für einen Darsteller, sogar für äußere Techniken der Präsentation einer Aufführung, für den Auftritt eines Künstlers in einem Varietéprogramm sein. Es ist sehr schwierig, die Muster der Modeentwicklung festzulegen. Noch schwieriger ist es, ein „maßgeschneidertes“ Stück vorzubereiten, das allgemeine Popularität erlangt und „den Ton angibt“.

Der ästhetischen Bildung der Bevölkerung (insbesondere junger Menschen) wird durch die gedankenlose Ausnutzung der Popularität einiger Varietéprogramme durch die Leitung von Konzertorganisationen erheblich geschadet. In der Presse wurden zahlreiche Fakten darüber angeführt, wie einzelne Direktoren philharmonischer Gesellschaften Showprogramme zum Nachteil von Symphonie- oder Kammerkonzerten „fördern“. Infolgedessen sind in vielen Städten, die früher für ihre Konzerttradition berühmt waren, inzwischen alle Veranstaltungsorte vollständig der Macht des Showbusiness ausgeliefert 39 .

Allerdings ist deutlich zu erkennen, dass dieser Kreis um junge talentierte Musiker und Sänger erweitert wurde, die die unterschiedlichsten Geschmäcker eines breiten Publikums bedienen.

Als Beispiel können wir uns an die Arbeit des hervorragenden Jazz-Ensembles „Arsenal“ unter der Leitung von A. Kozlov erinnern: Auf der Suche nach einem stärkeren Kontakt mit dem Publikum entschieden sich diese Künstler für eine mutige und unerwartete Theatralisierung ihrer Auftritte und schufen so etwas Neues Genrestruktur in der Pop-Art, die die Fantasie des Betrachters und Zuhörers anregt. Zu Beginn des Experiments gingen die Musiker natürlich das Risiko ein, dass Fans der Jazzimprovisation ihren Auftritt ablehnen würden. Alles wurde durch die ästhetische Kategorie des Maßes und den künstlerischen Geschmack bestimmt – solche scheinbar vergänglichen, schwer messbaren Konzepte.

All dies deutet darauf hin, dass Pop-Art trotz ihrer weiten Verbreitung ihre eigenen Besonderheiten aufweist. Das theoretische Verständnis dieser Kunst zeigt, dass in jeder Kreativität eine unvermeidliche Kluft zwischen Ideal und Realität, Wunsch und Tatsache, Absicht und Umsetzung besteht, und die Analyse dieses Umstands ist von grundlegender Bedeutung für das Verständnis der Perspektiven für die künstlerische Entwicklung der Realität. Wie von I.G. Sharoev: „Das Zusammenspiel verschiedener Kunstgattungen in unserer Zeit nimmt einen mehrwertigen Charakter an und die Dynamik der Grenzverletzungen nimmt zu.“ Heutzutage wird die Klassifizierung von Typen und Gattungen zu einer äußerst schwierigen Angelegenheit, da Typen und Gattungen so eng miteinander verbunden und verflochten sind, dass die Festlegung ihrer Grenzen oft recht willkürlich ist“ 40.

Ein ähnlicher Prozess führt zur Entstehung und Anerkennung neuer Genres verschiedene Arten In der Kunst macht sich das vor allem auf der Bühne bemerkbar, die immer sehr sensibel auf neue Trends reagiert. So wurden neue Genres und Formen etabliert, die ungewöhnlich vielfältig und flexibel sind: Rockoper, Zong-Oper, Rockmesse, Rocksuite und andere, in denen Elemente aus Oper und Ballett, Schauspiel und Pop-Art vorhanden sind.

Eine der Besonderheiten der von uns analysierten Kunstgattung ist die Vereinheitlichung verschiedener Genres, ihre Vielseitigkeit.

„Varieté-Kunst vereint ihrem Wesen nach vielfältige Gattungsmerkmale anderer Kunstgattungen, deren Gemeinsamkeit in der leichten Anpassungsfähigkeit an verschiedene Bedingungen der öffentlichen Demonstration, in der kurzen Wirkungsdauer, in der Konzentration ihres künstlerischen Schaffens liegt.“ Ausdrucksmittel, was zur klaren Identifizierung der kreativen Individualität des Interpreten und im damit verbundenen Genrebereich beiträgt lebendiges Wort, – in der Aktualität, der akuten gesellschaftspolitischen Relevanz der angesprochenen Themen, im Überwiegen humorvoller, satirischer und journalistischer Elemente“ 41.

Die nächste Besonderheit der Pop-Art besteht darin, dass die Vielfalt der Genres und Hintergründe sowohl die zeitliche als auch räumliche Verkörperung der Idee und Bedeutung in einer eigenen Nummer vorgibt, die die Grundlage der Pop-Performance bildet.

Es umfasst einzelne abgeschlossene Auftritte eines oder mehrerer Künstler und dauert nur 3-5 Minuten.

Bei der Erstellung einer Aufführung können die Darsteller die Hilfe eines Regisseurs, Dramatikers, Künstler, Komponist, Choreograf, während sie selbst über den Inhalt entscheiden. Die Ausdrucksmittel der Handlung sind ihrer Idee untergeordnet, und in dieser Hinsicht sollte alles in völliger Harmonie sein: Kostüm, Make-up, Bühnenbild, Bühnenpräsenz.

Die Kombination verschiedener Zahlen ergibt ein Vielfaltsprogramm, bei dem alle Arten von darstellende Künste: Darsteller: Sänger, Jongleure, Feuilletonisten, Sketchkünstler, Tiertrainer, Zauberer, Sänger, Akrobaten, Tänzer, Musiker, Demonstratoren psychologischer Experimente, Luftakrobaten und Reiter. Diese Vielfalt an Möglichkeiten macht die Pop-Art vielfältig, lebendig, originell und mit ihren ganz eigenen Besonderheiten.

Normalerweise werden die Nummern in einem Popkonzert durch den Moderator oder die Handlungsbasis vereint. Anschließend gibt es auf der Bühne einen Varieté-Review, der sowohl thematisch als auch strukturell vielfältig ist.

Eine weitere Besonderheit der Pop-Art besteht darin, dass ihre Künstler fast immer direkt mit dem Publikum kommunizieren. K.S. Stanislavski formulierte das Gesetz der Bühne, nach dem der Schauspieler unter Bedingungen „öffentlicher Einsamkeit“ agiert. „Wenn der Schauspieler in einem Theaterstück spielt und merkt, dass ihn Hunderte von Zuschauern anschauen, muss er sie gleichzeitig vergessen können. Ein Schauspieler sollte die Person, die er darstellt, nicht nachahmen, sondern zu einer werden und unter den Umständen, die das Stück und die Aufführung bieten, das fast reale Leben einer Bühnenperson führen“ 42.

Der Entertainer, Verssänger oder Sänger wendet sich also direkt an das Publikum. Das Publikum erweist sich als Partner der Künstler und reagiert lebhaft auf das Bühnengeschehen, indem es den Darstellern Hinweise und Notizen gibt. Auch im Dialog sprechen die Künstler nicht nur einander, sondern auch das Publikum an.

Wie von A.V. Lunacharsky: „...in ihrer Lebendigkeit, in ihrer Fähigkeit, unmittelbar auf aktuelle Ereignisse zu reagieren, in ihrer politischen Schärfe hat die Bühne große Vorteile gegenüber Theater, Kino, ernsthafter Literatur“, denn „... letztere erfordert viel Zeit, seine Produkte zuzubereiten, ist in seiner Grundform deutlich schwerer als eine leichtflügelige und stechende, wie eine Wespe, ein Schlager oder eine Couplet-Chronik“ 43 .

Die oben aufgeführten qualitativen Merkmale der Pop-Art dienten als Kriterium für die Auswahl verschiedener Phänomene, die sein kreatives Erleben charakterisieren.

Im Laufe seiner Entwicklung haben sich die Pop-Stile mehrfach verändert. Stil zu verstehen bedeutet, in die verborgenen Mechanismen der Technik einzudringen. Schließlich ist hier nicht nur jedes Pop-Genre wichtig, sondern auch eine eigene Intonation, eine zufällige Geste. Es sind Metaphern, die die im Alltag verwobenen Lebensfäden zu einem komplexen künstlerischen Knoten verknüpfen. Nur sind Pop-Metaphern im Gegensatz zu anderen Künsten keine Abbilder langer, nicht ausgedehnter Zeiträume; hier erfolgt die Zählung nicht in Jahren, sondern in Monaten, Tagen und sogar Minuten. Variety ist eine Chronik zeitgenössischer Ereignisse.

Natürlich ist ein historischer Zeitraum von einem Vierteljahrhundert für jede Kunst ein riesiger Zeitraum. Aber weder in der Literatur noch im Theater und Kino hat die Zeit so dramatische Veränderungen hervorgebracht wie in der Pop-Art. Und es geht nicht darum, dass die neuen Idole die alten sowohl von der Bühne als auch aus der Erinnerung des Publikums verdrängt haben, sondern um etwas anderes, Wichtigeres. Veränderungen haben das Wesen dieses Typs, die innere Struktur seiner Formen und Gattungen, beeinflusst.

Selbst in den 60er Jahren kannte die Pop-Art beispielsweise keine Galaaufführungen einer Art „Liedertheater“ rund um einen „Stern“ mit einem Corps de Ballet und einem prächtigen spektakulären Gefolge, das nun von A. Pugacheva geschaffen wurde. V. Leontyev, S. Rotaru, L. Vaikule, noch Vokal- und Instrumentalensembles der 70er Jahre oder Rockbands der 80er Jahre.

Von der Bühne moderne Bühne Die Programme der Jazzorchester verschwanden nicht, weil die Gründer und Idole starben – L. Utesov, B. Rensky, E. Rosner. Ihren Nachfolgern gelang es nicht, das Leben des Jazz zu verlängern. Das Genre selbst ist ausgestorben – theatralisches Divertissement, das unter Begleitung und Beteiligung von Jazzmusikern neu geschaffen wurde.

Zahlreiche Spielarten von Miniaturtheatern – vom „Theater der zwei Schauspieler“ – M. Mironova und A. Menaker, L. Mirov und M. Novitsky oder dem Theater von A. Raikin bis hin zu einer Vielzahl studentischer Popgruppen der späten 50er Jahre – Anfang der 60er Jahre – eines nach dem anderen verschwanden sie aus verschiedenen Gründen oder wurden bis zur Unkenntlichkeit verändert, wie zum Beispiel das Hermitage Theatre – die Idee von Vl. Poljakowa. Das letzte Theater Miniaturen verschwanden mit dem Tod von A. Raikin. An ihre Stelle traten R. Kartsev und V. Ilchenko, M. Zhvanetsky sowie „Ein-Mann-Theater“ – G. Khazanov, E. Petrosyan, E. Shifrin, V. Vinokur...

Theater-Varieté-Programme haben bis heute in irgendeiner Form überlebt, unterscheiden sich jedoch stark von früheren Programmen.

Die Zahl als Maßeinheit ist in einigen Sendungen auf die Größe einer Episode angewachsen, was ganz natürlich ist, da die Pop-Art neue Veranstaltungsorte erobert hat – die Arenen von Sportpalästen und Stadien. Große Räume erforderten die Konsolidierung aller Elemente der Pop-Art und der Technologie zur Erstellung und Reproduktion neuer Formen von Pop-Programmen.

In den letzten Jahren haben groß angelegte Varietéprogramme zunehmend Kammeraufführungen ersetzt. Das Varieté-Konzert, das bis vor Kurzem wie ein Theaterstück oder ein Film im Kino die Hauptform der Pop-Art darstellte, wurde an den Rand der Unterhaltungspraxis gedrängt. Und das Popkonzert selbst hat sich bis zur Unkenntlichkeit verändert.

Im historischen Rückblick wurde die Grundlage des Konzerts durch das Prinzip der Vielfalt bestimmt, nach dem die Aufführung eines Genres durch ein anderes ersetzt wurde: ein Vorleser – ein Jongleur, ein Illusionist – ein Akkordeonspieler, ein Gitarrist usw.

Im Laufe des letzten Vierteljahrhunderts sind Interpreten von musikalischen Feuilletons, Couplets, Skizzen, Zwischenspielen, Miniaturen, Vorlesern, Geschichtenerzählern, Instrumentalisten usw. irgendwie unmerklich aus der nationalen Popkonzertszene ausgeschieden.

Der individuelle Auftritt auf der Bühne erfordert eine hohe Selbstbeherrschung. Um ein hohes Maß an Aktivität für einen Drehbuchautor, Regisseur oder Darsteller sicherzustellen, ist ein detailliertes System der alltäglichen kreativen Kontrolle wichtig, denn Unterhaltung kann man nur betreiben, wenn man die philosophische Kategorie „Maß“ beherrscht.

Stanislavsky schrieb: „Sagen wir nicht, dass das Theater eine Schule ist. Nein, Theater ist Unterhaltung. Es lohnt sich für uns nicht, dieses wichtige Element aus unseren Händen zu verlieren. Lassen Sie die Leute immer ins Theater gehen, um sich unterhalten zu lassen. Aber hier kommen sie, wir haben die Türen hinter ihnen geschlossen (...) und wir können in ihre Seelen gießen, was wir wollen“ 44. Dies bezieht sich ausschließlich auf die Funktionsweise der Pop-Art. Bei einem Popkonzert, wenn es ein wunderbares Bühnenbild, tolle Interpreten, eine brillante, funkelnde Beleuchtung gibt, aktiviert und verblüfft alles den Zuschauer.

Dabei ist zu beachten, dass ein besonderes Merkmal der Pop-Art die Offenheit der Darbietung ist. Der Bühnenkünstler ist weder durch einen Vorhang noch durch eine Bühne vom Publikum getrennt, er ist sozusagen „ein Einheimischer“ und eng mit dem Publikum verbunden. Er macht alles offen vor dem Publikum, alles ist nah am Publikum, wo die Darsteller das Publikum sehen und hören können und in direkten Kontakt mit ihm kommen.

Das Ergebnis der oben diskutierten Besonderheiten der Pop-Art ist der nur ihr innewohnende wahrnehmungskommunikative Prozess, bei dem durch die enge Annäherung des Darstellers an das Publikum ein ganz besonderes System der Kommunikation, genauer gesagt der Kommunikation, entsteht. Während eines Auftritts macht ein Pop-Künstler aufmerksame Zuschauer und Zuhörer zu aktiven Partnern und lässt ihnen viel an Reaktionen zu. Ein Popkünstler selbst kann viel mehr, als in einem klassischen Konzert oder einer Theateraufführung vorgesehen ist. Dieser Künstler nimmt gegenüber der Öffentlichkeit eine Position maximalen Vertrauens und Offenheit ein.

Kurz gesagt, der Hauptunterschied zwischen Pop-Art ist die Spezifität des wahrnehmungskommunikativen Prozesses, der vom Publikum leicht wahrgenommen wird und zur Schaffung einzigartiger Werke beiträgt.

Der wahrnehmungskommunikative Prozess in der Pop-Art zeichnet sich trotz der Breite seiner Genrepalette und des Einflusses vieler sozialer und kultureller Faktoren durch die innere Dynamik der Kreativität aus.

Zu den Kunstgattungen zählen viele musikalische und poetische Werke der sogenannten Liebestexte, die berührende Einblicke auf die Bühne bringen: Sie zeichnen sich durch Unterhaltung und Humor aus.

Die Antwort ist dort zu suchen, also im Beziehungssystem der beiden Parteien – Darsteller und Zuschauer – sowie in der eigenen Lebensposition des Darstellers, im wahrnehmungskommunikativen Prozess. Liebestexte, verkörpert in einem Varieté-Programm, suggerieren eine sehr höheren Grad das Vertrauen des Darstellers in das Publikum, das eine Art Geständnis entstehen lässt, wenn jemand jemandem etwas ganz Intimes erzählen muss – über sein Glück oder seine Sorgen.

Ein besonderes Merkmal der Pop-Art ist Effizienz, die Fähigkeit, auf die „heißen“ Themen des Tages zu reagieren, den positiven emotionalen Ton des Betrachters nach dem Prinzip zu formen und zu stärken: morgens – in einer Zeitung, abends - in einem Vers.

Es ist kein Zufall, dass alle gesellschaftlich akuten Situationen zunächst die Entstehung neuer Werke kleinerer Formen anregten, die wiederum dem Publikum als Kraft- und Inspirationsquelle dienten.

Daher ist das wichtigste Merkmal der Pop-Art ihre soziale Ausrichtung. Damit einhergehend entwickelte sich die Popmusik als Kunst der festlichen Freizeitgestaltung, die zu einer Vielzahl von Popgenres, zur Ungewöhnlichkeit ihrer Wahrnehmung führte und den Wunsch der Menschen erfüllte, ihre Urlaubsfreizeit, ihre Ruhe mit neuen Eindrücken, künstlerischen Entdeckungen zu füllen , und positive Emotionen. Es sind diese Eigenschaften, die einen Urlaub vom Alltag unterscheiden. Helligkeit und Originalität dienten und dienen dazu, die Aufmerksamkeit des Publikums auf jede Nummer zu lenken, da ein Varietéprogramm, auch von kurzer Dauer, zwangsläufig einen Moment der Konkurrenz der Nummern enthält, da jeder von ihnen sein Recht auf einen verteidigen muss freundliche Haltung des Publikums.

Das Publikum eines Popkonzerts oder Theaterstücks erwartet von jeder Nummer, von jeder Episode eine Art Neuheit, eine unerwartete Wendung in der Handlung, in der Aufführungstechnik. „Zuschauer, die zu einer Varieté-Show kommen, denken normalerweise, dass sie alles im Voraus wissen – jetzt wird der Prolog gespielt, dann wird der Moderator auf der Bühne erscheinen, aber wir müssen uns bemühen, sie im guten Sinne zu „enttäuschen“, ihnen zu gefallen ( mehr als einmal) eine fröhliche Überraschung, um den gemessenen Ablauf des Programms „in die Luft zu jagen“ 45.

Wenn der Künstler auf der Bühne vor einem Publikum auftritt, das auf ein festliches Spektakel eingestellt ist, muss er seine Wünsche erfüllen, alle seine individuellen Fähigkeiten offenbaren und sich als „Alleskönner“ erweisen. Dazu sollten Sie Ihr Repertoire ständig aktualisieren, eine neue Wendung in der Lösung des Aktes finden, die Besonderheiten des wahrnehmungskommunikativen Prozesses der Pop-Art berücksichtigen und einen witzigen Anfang, Höhepunkt und Ende der Aufführung erfinden. Daher erfolgt die Erneuerung bekannter Genres aufgrund der Schaffung eines unerwarteten künstlerischen Bildes und der Art seiner Ausführung.

Die produktivsten und künstlerisch überzeugendsten Versuche bestanden immer darin, das Varieté-Genre, in dem der Interpret normalerweise auftritt, zu verkomplizieren. Einst erschien auf der Bühne ein theatralisches Jazzorchester unter der Leitung von Leonid Utesov. Die Aufführungen der Leser begannen sich in „Ein-Mann-Theater“ zu verwandeln, Solosänger begannen zu tanzen und es wurde die Geburt völlig neuer, bisher unbekannter Genres beobachtet.

Ein besonderes Merkmal der Pop-Art ist eine festliche Atmosphäre, die der Natur des kreativen Prozesses selbst entspricht. Gesang und Schauspielkunst brachten den Theatergesang hervor, der die Kunst der Begleittänzer (Tanzen mit kleinen Bewegungsamplituden) ergänzte, und der moderne Popgesang ist zu einer noch komplexeren Kunst in seiner Struktur geworden.

Heutzutage findet man häufig Varieté-Aufführungen, bei denen ein Darsteller singt, tanzt, einen Monolog hält und als Parodist auftritt. Pop-Instrumentalisten sind in der Lage, mehrere verschiedene Instrumente zu spielen und wecken dadurch zusätzliches Interesse an ihrem Auftritt.

Folglich kann ein Popkünstler im Gegensatz zu einem akademischen Künstler viele berufliche Fähigkeiten, die „an der Schnittstelle“ mehrerer Kunstarten liegen, perfekt beherrschen, diesen Zustand jedoch nicht vergessen. In diesem Fall unterhält und fesselt der Darsteller das Publikum und ruft bei ihm nicht nur mit dem Inhalt des Werks, sondern auch mit seiner „Festlichkeit“ positive Emotionen hervor, wobei die Besonderheiten des wahrnehmungskommunikativen Prozesses der Pop-Art berücksichtigt werden.

Auch durch rein äußerliche Unterhaltung lässt sich ein festliches Gefühl erzeugen. Am häufigsten bei Revue-Aufführungen in Varietés anzutreffen sind die Lichtspiele, der Wechsel malerischer Kulissen, die Veränderung der Form des Bühnenraums vor den Augen des Publikums, die beim Publikum für freudige Aufregung und gute Laune sorgen.

Ja, viele Genres der Pop-Art bestechen durch ihre Leichtigkeit und Kürze der Wahrnehmung aufgrund einer gewissen Vereinfachung der Struktur des Werks, die seinen Inhalt und seine Form aufhellt. Dies kann jedoch nicht als Rückzug in kleinliche Themen angesehen werden. Das gewählte (abgedeckte) Thema kann sehr umfangreich und bedeutsam sein. Aber weil es im Werk frei von der komplexen Verflechtung mit anderen Themen erscheint, wird das Werk leichter wahrzunehmen sein. Eine andere Möglichkeit, den Inhalt zu verarbeiten, besteht darin, Themen auszuwählen, die keinen Anspruch auf Umfang und Tiefe erheben, sondern persönlich und unternehmensorientiert sind und für einen bestimmten Personenkreis von Interesse sein können.

Daher wird der Begriff „Varietät“ als eine spezifische Sprache der Ausdrucksmittel interpretiert, die nur zu dieser Art von Kunst gehört.

Vielfalt ist ein Merkmal der Technik und Kunstfertigkeit eines Künstlers, der auf einer Popbühne auftritt.

Ein Pop-Künstler ist zunächst ein Meister in einem der Genres und kann erst dann sein Talent in den verschiedenen Genres der Pop-Art unter Beweis stellen.

Ein besonderes Merkmal der Pop-Art ist daher ihr genreübergreifender Charakter, der Musik, Tanz, Gesang, Konversation, Zirkus usw. vereint. Trotz der Multigenre hat jeder Künstler sein eigenes künstlerische Besonderheiten und Ausdrucksmittel diktiert die offene Bühne (Bühne), auf der der Schauspieler auftritt, seine eigenen Bedingungen: direkter Kontakt mit dem Publikum, „Offenheit“ des Könnens, die Fähigkeit zur sofortigen Transformation usw. Der wichtigste „Baustein“ eines Varietéprogramms , oder Konzert, ist eine Nummer – eine kurze, einmalige Aufführung (von einem oder mehreren Interpreten), die nach den Gesetzen der Dramaturgie strukturiert ist. Kurzfilme setzen eine extreme Konzentration der Ausdrucksmittel, „Anziehung“, den Einsatz von Groteske, Possenreißern und Exzentrizität voraus. Von besonderer Bedeutung sind das Vorhandensein einer hellen Individualität, ein vom Schauspieler erfolgreich gefundenes Bild (manchmal eine Maske) und innere Energie.

Dies sind unserer Meinung nach die wesentlichen Besonderheiten der modernen Pop-Art.

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Varieté-Kunst. Voraussetzungen für die Entstehung und Geschichte der Entwicklung der Pop-Art……………………………………………………… 3
Zirkus. Besonderheiten der Zirkuskunst…………………………………16

Referenzliste………………………………………………………..20

Varieté-Kunst. Voraussetzungen für die Entstehung und Geschichte der Entwicklung des Pop-Art-Genres Pop-Art-Regisseur

Die Wurzeln der Pop-Art reichen bis in die ferne Vergangenheit zurück und lassen sich in der Kunst Ägyptens und Griechenlands nachweisen. Die Wurzeln der Pop-Art reichen bis in die ferne Vergangenheit zurück und finden sich in der Kunst Ägyptens, Griechenlands und Roms; seine Elemente sind in den Auftritten von reisenden Komikern (Russland), Shpilmanov (Deutschland), Jongleuren (Frankreich), Dandies (Polen) und Maskeradern ( Mittelasien) usw.

Als Träger einer neuen gesellschaftlichen Idee fungierte die Troubadour-Bewegung in Frankreich (spätes 11. Jahrhundert). Seine Spezialität war das Schreiben von Auftragsmusik, Genrevielfalt Lieder von Liebestexten bis zur Verherrlichung militärischer Heldentaten von Militärführern. Engagierte Sänger und reisende Künstler verbreiteten die musikalische Kreativität. Die Wurzeln der Pop-Art reichen bis in die ferne Vergangenheit zurück und finden sich in der Kunst Ägyptens, Griechenlands und Roms; seine Elemente sind in den Auftritten von reisenden Possenreißern (Russland), Shpilmanov (Deutschland), Jongleuren (Frankreich), Dandys (Polen), Maskeradern (Zentralasien) usw. präsent.

Satire auf städtisches Leben und Moral, scharfe Witze zu politischen Themen, eine kritische Einstellung zur Macht, Couplets, komische Szenen, Witze, Spiele und musikalische Exzentrizitäten waren die Anfänge zukünftiger Pop-Genres, geboren im Lärm von Karneval und Platzvergnügungen. Barkers, die mit Hilfe von Witzen, Witzen und lustigen Sprüchen jedes Produkt auf Plätzen und Märkten verkauften, wurden später zu den Vorgängern des Entertainers. All dies war massiver und verständlicher Natur, was eine unabdingbare Voraussetzung für die Existenz aller Pop-Genres war. Alle mittelalterlichen Karnevalskünstler traten nicht auf. Die Grundlage der Aufführung war die Miniatur, die sie vom Theater unterschied, dessen Hauptmerkmal die Elemente sind, die die Handlung miteinander verbinden. Diese Künstler stellten keine Charaktere dar, sondern handelten immer in ihrem eigenen Namen und kommunizierten direkt mit dem Publikum. Dies ist immer noch das Wichtigste Unterscheidungsmerkmal modernes Showbusiness.

Etwas später (Mitte und Ende des 18. Jahrhunderts) entstanden im Ausland verschiedene Unterhaltungseinrichtungen – Musikhallen, Varietés, Kabaretts, Ministershows, die alle Erfahrungen von Jahrmarkts- und Karnevalsaufführungen vereinten und die Vorläufer moderner Unterhaltungsorganisationen waren . Mit dem Übergang vieler Straßengattungen in Innenräume begann sich eine besondere Ebene der darstellenden Kunst herauszubilden, da die neuen Bedingungen eine konzentriertere Wahrnehmung des Betrachters erforderten. Die Tätigkeit von Cafés – Chantans, Cafés – Konzerten, die für eine kleine Anzahl von Besuchern konzipiert waren und in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts entstanden, ermöglichte die Entwicklung von Kammergenres wie lyrischem Gesang, Entertainer, Solotanz und Exzentrizität. Der Erfolg solcher Cafés führte zur Entstehung größerer, spektakulärerer Unternehmen – Café-Konzerte wie „Ambassador“, „Eldorado“ und andere.

Diese Form der Darbietung zeichnete sich durch Qualitäten wie Offenheit, Lakonizität, Improvisation, Festlichkeit, Originalität und Unterhaltung aus. Zu dieser Zeit erlangt Frankreich den Status eines Kultur- und Unterhaltungszentrums. „Theater Montassier“ (Varieté) – vereint Musik-, Theater- und Zirkuskunst. Im Jahr 1792 erfreute sich das Vaudeville-Theater großer Beliebtheit. Das Repertoire des Theaters besteht aus Komödienstücken, die Dialoge mit Couplets, Liedern und Tänzen abwechseln. Kabarett (ein Veranstaltungsort, der Lied- und Tanzgenres mit unterhaltsamem Charakter kombiniert) und Operette erfreuten sich großer Beliebtheit.

Popmusik entwickelte sich als Kunst der festlichen Freizeitgestaltung und strebte schon immer nach Originalität und Vielfalt. Das festliche Gefühl entstand durch äußere Unterhaltung, Lichtspiele, einen Wechsel der malerischen Szenerie und eine Veränderung der Form des Bühnenbereichs.

Seit den 20er Jahren des letzten Jahrhunderts steht Popmusik im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit von Kultur- und Künstlerpersönlichkeiten, Forschern verschiedener Wissensgebiete und ist Gegenstand von Kontroversen auf den Seiten von Zeitschriften und Streitigkeiten in wissenschaftlichen Kreisen. Im Laufe der Geschichte der russischen Pop-Art hat sich die Einstellung dazu mehrmals geändert. "IN nationale Wissenschaft Es hat sich eine Tradition entwickelt, Pop-Art und in diesem Zusammenhang Jazz und dann Rockmusik als Manifestationen zu betrachten Popkultur, das Gegenstand der Forschung im Rahmen der Soziologie, Sozialpsychologie und anderen wurde Sozialwissenschaften. Das Interesse von Kultur- und Politikwissenschaftlern an den Problemen der modernen Popmusik und den von ihr erzeugten soziokulturellen Phänomenen ist bis heute ungebrochen.“

Die Entwicklung des Kinos hatte auf der ganzen Welt erstaunliche Auswirkungen und wurde in der Folge zu einem unmittelbaren Merkmal jeder Gesellschaft. Seit den späten 1880er und frühen 1900er Jahren steht es in enger Nachbarschaft zur entstehenden heimischen Bühne, ist als Institution und als Spektakel eine direkte Fortsetzung der Bude. Die Bänder wurden von Unternehmern in Transportern zusammen mit der Projektionsausrüstung von Stadt zu Stadt transportiert. Der Mangel an Elektrizität behinderte die Entwicklung des Kinos in weiten Teilen des Landes. Unter Berücksichtigung dieser Tatsache kaufen Unternehmer kleine tragbare Kraftwerke, die die Möglichkeiten des Filmvertriebs erheblich erweitert haben.

In Russland manifestierten sich die Ursprünge des Pop-Genres in Possenspaß, Spaß und Massenkreativität sowie Volksfesten. Ihre Vertreter sind die Raus-Joker mit dem obligatorischen Bart, die das Publikum von der oberen Plattform der Raus-Kabine aus amüsierten und einluden, darunter Petersilienspieler, Raeshniks, Anführer der „wissenschaftlichen“ Bären, Possenreißer, die „Sketche“ und „Reprisen“ vorführten die Menge, spielte Pfeifen, Harfe, schnüffelte und amüsierte die Leute.

Varietékunst zeichnet sich durch Eigenschaften wie Offenheit, Lakonizität, Improvisation, Festlichkeit, Originalität und Unterhaltung aus.

Popmusik entwickelte sich als eine Kunst der festlichen Freizeitbeschäftigung und strebte immer nach Ungewöhnlichkeit und Vielfalt. Das eigentliche Festgefühl entstand durch äußere Unterhaltung, Lichtspiele, malerische Landschaftswechsel, veränderte Form des Bühnenbereichs usw.

Variety als synthetisierte Kunst hat verschiedene Genres aufgenommen – Instrumentalmusik und Gesang, Tanz und Kino, Poesie und Malerei, Theater und Zirkus. All dies, wie ein Amalgam zusammengemischt, begann ein eigenständiges Leben zu führen und verwandelte sich in klare, vollständige Genreformen, die nicht müde werden, synthetisiert zu werden und bis heute etwas Neues hervorzubringen, das keinen Platz hatte. Pop-Art ist wie ein riesiger Baum mit vielen Zweigen – Genres, die, wenn sie wachsen und sich verstärken, neue Triebe – Stile – aussenden.

„Varieté-Kunst vereint verschiedene Genres, deren Gemeinsamkeit in der leichten Anpassbarkeit an verschiedene Aktionen der öffentlichen Demonstration, in der kurzen Dauer der Aktion, in der Konzentration ihrer künstlerischen Ausdrucksmittel liegt, was zur lebendigen Identifizierung der schöpferischen Individualität beiträgt.“ des Darstellers und im Bereich der mit dem lebendigen Wort verbundenen Genres - in der Aktualität, der akuten gesellschaftlichen und politischen Relevanz der behandelten Themen, im Vorherrschen von Elementen des Humors, der Satire und des Journalismus. Diese Qualität ist besonders wertvoll und zugleich bühnenspezifisch.“

Obwohl die Bühne durch eine Vielfalt an Formen und Genres gekennzeichnet ist, lässt sie sich in drei Gruppen einteilen:

Konzertbühne (früher „Divertissement“ genannt) vereint alle Arten von Aufführungen in Varietékonzerten;

Theaterbühne (Kammeraufführungen von Miniaturtheatern, Kabaretttheatern, Café-Theatern oder großen Konzertrevuen, Varietés, mit großer Besetzung und erstklassiger Bühnentechnik);

Festliche Bühne (Volksfeste, Feiertage in Stadien, voller Sport- und Konzertaufführungen sowie Bälle, Karneval, Maskeraden, Festivals usw.).

Es gibt auch diese:

1. Varietétheater

2. Musikhallen

Wenn die Grundlage einer Varieté-Aufführung eine abgeschlossene Nummer ist, dann erforderte die Rezension, wie jede dramatische Handlung, die Unterordnung aller Ereignisse auf der Bühne unter die Handlung. Dies fügte sich in der Regel nicht organisch zusammen und führte zu einer Schwächung einer der Komponenten der Aufführung: entweder der Nummer, der Charaktere oder der Handlung. Dies geschah während der Produktion von „Wunder des 20. Jahrhunderts“ – das Stück zerfiel in mehrere unabhängige, lose zusammenhängende Episoden. Erfolgreich beim Publikum waren lediglich das Ballettensemble und mehrere erstklassige Varieté-Shows. Zirkusvorstellungen. Das von Goleizovsky inszenierte Ballettensemble führte drei Nummern auf: „Hey, lasst uns schreien!“, „Moskau im Regen“ und „30 englische Mädchen“. Besonders beeindruckend war der Auftritt von „Snake“. Unter den Zirkusdarbietungen waren die besten: Tea Alba und die „Australian Lumberjacks“ Jackson und Laurer. Alba schrieb gleichzeitig mit der rechten und der linken Hand mit Kreide auf zwei Tafeln verschiedene Wörter. Am Ende des Raumes rannten die Holzfäller los, um zwei dicke Baumstämme zu fällen. Der deutsche Strodi zeigte einen hervorragenden Balanceakt auf dem Drahtseil. Er schlug Saltos an einem Drahtseil. Von den sowjetischen Künstlern hatten wie immer Smirnov-Sokolsky und die Lieder V. Glebova und M. Darskaya großen Erfolg. Unter den Zirkusdarbietungen stach die Darbietung von Zoe und Martha Koch auf zwei parallelen Drähten hervor.

Im September 1928 fand die Eröffnung der Leningrader Musikhalle statt.

3. Theater der Miniaturen – eine Theatergruppe, die hauptsächlich an kleinen Formen arbeitet: kleine Theaterstücke, Skizzen, Opern, Operetten sowie Varieténummern (Monologe, Couplets, Parodien, Tänze, Lieder). Humor, Satire und Ironie dominieren das Repertoire, auch Lyrik ist nicht ausgeschlossen. Die Truppe ist klein, ein Theater mit einem oder zwei Schauspielern ist möglich. Die Aufführungen sind lakonisch gestaltet, richten sich an ein relativ kleines Publikum und präsentieren eine Art Mosaik-Leinwand.

4. Konversationsgenres auf der Bühne – ein Symbol für Genres, die hauptsächlich mit dem Wort verbunden sind: Entertainer, Zwischenspiel, Sketch, Sketch, Geschichte, Monolog, Feuilleton, Mikrominiatur (inszenierte Anekdote), Burime.

Entertainer – Entertainer können zu zweit, einzeln oder in der Masse auftreten. Ein Konversationsgenre, das nach den Gesetzen der „Einheit und des Kampfes der Gegensätze“ aufgebaut ist, also dem Übergang von Quantität zu Qualität nach dem satirischen Prinzip.

Ein Pop-Monolog kann satirisch, lyrisch oder humorvoll sein.

Zwischenspiel ist eine komische Szene oder ein Musikstück mit humorvollem Inhalt, das als eigenständige Nummer aufgeführt wird.

Eine Skizze ist eine kleine Szene, in der sich schnell Intrigen entwickeln, in der die einfachste Handlung auf unerwarteten lustigen, ergreifenden Situationen und Wendungen aufbaut und während der Handlung eine ganze Reihe von Absurditäten entstehen lässt, in der aber in der Regel alles glücklich endet Auflösung. 1-2 Zeichen (jedoch nicht mehr als drei).

Miniatur ist das beliebteste gesprochene Genre auf der Bühne. Auf der Bühne ist heute ein beliebter Witz (nicht veröffentlicht, nicht gedruckt – aus dem Griechischen) ein kurzer aktueller Witz mündlich überlieferte Geschichte mit einem unerwartet witzigen Ende.

Ein Wortspiel ist ein Witz, der auf der komischen Verwendung ähnlich klingender, aber unterschiedlich klingender Wörter basiert, um die Klangähnlichkeit äquivalenter Wörter oder Kombinationen auszuspielen.

Reprise ist das am weitesten verbreitete Genre für kurze Konversationen.

Couplets gehören zu den verständlichsten und beliebtesten Konversationsgenres. Der Coupletist versucht, dieses oder jenes Phänomen lächerlich zu machen und seine Einstellung dazu zum Ausdruck zu bringen. Muss Sinn für Humor haben

Zu den Musik- und Konversationsgenres gehören Couplet, Liedchen, Chansonette und musikalisches Feuilleton.

Eine auf der Bühne übliche Parodie kann „konversational“, gesanglich, musikalisch oder tänzerisch sein. Zu den Sprachgenres gehörten einst Rezitationen, melodische Rezitationen, literarische Montagen und „künstlerische Lesung“.

Es ist unmöglich, eine genau erfasste Liste von Sprachgenres anzugeben: Unerwartete Synthesen von Wörtern mit Musik, Tanz, ursprünglichen Genres (Transformation, Ventrologie usw.) bringen neue Genreformationen hervor. Die lebendige Praxis liefert ständig alle möglichen Varianten; es ist kein Zufall, dass es auf alten Plakaten üblich war, den Namen des Schauspielers mit „in seinem Genre“ zu versehen.

Jede der oben genannten Sprachgattungen hat ihre eigenen Merkmale, ihre eigene Geschichte und Struktur. Die Entwicklung der Gesellschaft und der sozialen Bedingungen diktierten die Entstehung des einen oder anderen Genres. Eigentlich kann nur der im Kabarett geborene Entertainer als „Varieté“-Genre gelten. Der Rest kam aus Kabinen, Theatern und von den Seiten humoristischer und satirischer Zeitschriften. Sprachgenres entwickelten sich im Gegensatz zu anderen, die dazu neigen, ausländische Innovationen zu berücksichtigen, im Einklang mit der heimischen Tradition, in enger Verbindung mit Theater und humorvoller Literatur.

Die Entwicklung von Sprachgenres hängt mit dem Niveau der Literatur zusammen. Hinter dem Schauspieler steht der Autor, der im Darsteller „stirbt“. Und doch schmälert der Eigenwert der Schauspielerei nicht die Bedeutung des Autors, der maßgeblich über den Erfolg der Handlung entscheidet. Oftmals wurden die Künstler selbst zu Autoren. Die Traditionen von I. Gorbunov wurden von Pop-Geschichtenerzählern aufgegriffen – Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov und andere schufen ihr eigenes Repertoire. Schauspieler, die kein literarisches Talent hatten, wandten sich um Hilfe an Autoren, die mit der Erwartung einer mündlichen Aufführung schrieben Berücksichtigen Sie die Maske des Darstellers. Diese Autoren blieben in der Regel „namenlos“. Seit vielen Jahren wird in der Presse die Frage diskutiert, ob ein für die Aufführung auf der Bühne geschriebenes Werk als Literatur gelten kann. In den frühen 80er Jahren wurden die Allunions- und dann die Allrussischen Verbände der Popautoren gegründet, die zur Legitimierung dieses Typs beitrugen literarische Tätigkeit. Die „Anonymität“ des Autors gehört der Vergangenheit an; zudem betraten die Autoren selbst die Bühne. Ende der 70er Jahre erschien das Programm „Hinter den Kulissen des Lachens“, komponiert wie ein Konzert, jedoch ausschließlich aus Auftritten von Pop-Autoren. Präsentierten in den vergangenen Jahren nur einzelne Autoren (Averchenko, Ardov, Laskin) ihre eigenen Programme, ist dieses Phänomen mittlerweile weit verbreitet. Das Phänomen M. Zhvanetsky trug wesentlich zum Erfolg bei. Nachdem er in den 60er Jahren als Autor des Leningrader Miniaturtheaters begonnen hatte, begann er unter Umgehung der Zensur an geschlossenen Abenden in den Häusern der kreativen Intelligenz seine kurzen Monologe und Dialoge zu lesen, die sich wie Wyssozkis Lieder im ganzen Land verbreiteten.

5. Jazz auf der Bühne

Der Begriff „Jazz“ wird allgemein verstanden als: 1) eine Art Musikkunst, die auf Improvisation und besonderer rhythmischer Intensität basiert, 2) Orchester und Ensembles, die diese Musik aufführen. Zur Bezeichnung von Gruppen werden auch die Begriffe „Jazzband“, „Jazzensemble“ (manchmal mit Angabe der Anzahl der Interpreten – Jazztrio, Jazzquartett, „Jazzorchester“, „Big Band“) verwendet.

6. Lied auf der Bühne

Vokale (vokal-instrumentale) Miniatur, die in der Konzertpraxis weit verbreitet ist. Auf der Bühne wird es oft als Bühnen-„Spiel“-Miniatur mit Hilfe von Plastik, Kostüm, Licht, Inszenierung („Liedtheater“) gelöst; Von großer Bedeutung sind die Persönlichkeit, die Talentmerkmale und das Können des Interpreten, der in manchen Fällen zum „Co-Autor“ des Komponisten wird.

Kurzbeschreibung

Seite 1

Wort "Vielfalt" (

aus dem Lateinischen Schichten

Mittel – Bodenbelag, Plattform, Hügel, Plattform.

Am meisten präzise Definition Varietékunst als Kunst, die verschiedene Genres vereint, findet sich im Wörterbuch von D.N. Ushakov: „ Bühne

Das ist die Kunst der kleinen Formen, der Bereich der spektakulären und musikalischen Darbietungen auf offener Bühne. Seine Besonderheit liegt in seiner leichten Anpassungsfähigkeit an verschiedene Bedingungen der öffentlichen Demonstration und der kurzen Aktionsdauer, in künstlerischen und ausdrucksstarken Mitteln, in der Kunst, die zur lebendigen Identifizierung der schöpferischen Individualität des Darstellers beiträgt, in der Aktualität, der akuten gesellschaftspolitischen Relevanz von Die behandelten Themen dominieren Elemente des Humors, der Satire und des Journalismus.

Die sowjetische Enzyklopädie definiert Popmusik als aus Frankreich stammend estrade

eine Kunstform, die kleine Formen dramatischer und dramatischer Kunst umfasst Gesangskunst, Musik, Choreografie, Zirkus, Pantomime usw. In Konzerten gibt es separate abgeschlossene Nummern, verbunden durch Unterhaltung und eine Handlung. Wie unabhängige Kunst entstand Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert.

Es gibt auch die folgende Definition der Bühne:

Ein dauerhafter oder temporärer Bühnenbereich für Konzertauftritte eines Künstlers.

Pop-Art hat seine Wurzeln in der fernen Vergangenheit und lässt sich in der Kunst nachweisen Antikes Ägypten Und Antikes Griechenland. Obwohl die Bühne eng mit anderen Künsten wie Musik interagiert, Theater des Dramas, Choreografie, Literatur, Kino, Zirkus, Pantomime, es ist eine eigenständige und spezifische Kunstform. Die Grundlage der Pop-Art ist „Die Nummer Seiner Majestät“ – wie N. Smirnov-Sokolsky sagte1.

Nummer

Eine kleine Aufführung eines oder mehrerer Künstler mit eigener Handlung, eigenem Höhepunkt und eigenem Abschluss. Die Besonderheit der Aufführung liegt in der direkten Kommunikation des Künstlers mit dem Publikum, im eigenen Namen oder von einer Figur aus.

In der mittelalterlichen Kunst der reisenden Künstler, im Possentheater in Deutschland, im Possenreißer in Russland, im Maskentheater in Italien usw. Es erfolgte bereits eine direkte Ansprache des Künstlers an das Publikum, die es dem späteren Künstler ermöglichte, direkter Teilnehmer der Aktion zu werden. Die kurze Dauer der Aufführung (nicht mehr als 15–20 Minuten) erfordert höchste Konzentration der Ausdrucksmittel, Lakonizität und Dynamik. Sortennummern werden nach Merkmalen in vier Gruppen eingeteilt. Die erste Typgruppe umfasst Konversations- (oder Sprach-) Nummern. Dann gibt es musikalische, plastisch-choreografische, gemischte, „originelle“ Nummern.

Die Kunst der Commedia del-arte (Maskentheater) des 16.-17. Jahrhunderts basierte auf dem offenen Kontakt mit dem Publikum.

Aufführungen wurden normalerweise auf der Grundlage von Standard-Handlungsszenen improvisiert. Musikalischer Klang als Zwischenspiele (Einlagen): Lieder, Tänze, Instrumental- oder Gesangseinlagen – war die direkte Quelle des Varieté-Acts.

Im 18. Jahrhundert erschienen sie komische Oper und Varieté. Vaudevilles waren spannende Darbietungen mit Musik und Witzen. Ihre Haupthelden – gewöhnliche Menschen – besiegten immer dumme und bösartige Aristokraten.

Und dazu Mitte des 19 Jahrhundert wurde das Genre der Operette (wörtlich: kleine Oper) geboren: eine Art Theaterkunst, die Gesang und Gesang kombinierte Instrumentalmusik, Tanz, Ballett, Elemente der Pop-Art, Dialoge. Wie unabhängiges Genre Die Operette erschien 1850 in Frankreich. Der „Vater“ der französischen Operette und der Operette im Allgemeinen war Jacques Offenbach(1819-1880). Später entwickelte sich das Genre in der italienischen „Maskenkomödie“.

Die Bühne ist eng mit dem Alltag, mit Folklore, mit Traditionen verbunden. Darüber hinaus werden sie neu gedacht, modernisiert, „ausgeliefert“. Verschiedene Formen Varietékunst wird als unterhaltsamer Zeitvertreib genutzt.

Die Wurzeln der Pop-Art reichen bis in die ferne Vergangenheit zurück und finden sich in der Kunst Ägyptens, Griechenlands und Roms; seine Elemente sind in den Auftritten von reisenden Possenreißern (Russland), Shpilmanov (Deutschland), Jongleuren (Frankreich), Dandys (Polen), Maskeradern (Zentralasien) usw. präsent.

Satire auf städtisches Leben und Moral, scharfe Witze zu politischen Themen, eine kritische Einstellung zur Macht, Couplets, komische Szenen, Witze, Spiele, Clown-Pantomime, Jonglieren und musikalische Exzentrizitäten waren die Anfänge zukünftiger Pop-Genres, geboren im Lärm des Karnevals und quadratische Vergnügungen.

Marktschreier, die mit Hilfe von Witzen, Witzen und lustigen Sprüchen jedes Produkt auf Plätzen und Märkten verkauften, wurden später zu den Vorläufern der Entertainer. All dies war massiver und verständlicher Natur, was eine unabdingbare Voraussetzung für die Existenz aller Pop-Genres war. Alle mittelalterlichen Karnevalskünstler traten nicht auf.

In Russland manifestierten sich die Ursprünge des Pop-Genres in Possenspaß, Spaß und Massenkreativität sowie Volksfesten. Ihre Vertreter sind die Raus-Joker mit dem obligatorischen Bart, die das Publikum von der oberen Plattform der Raus-Kabine aus amüsierten und einluden, darunter Petersilienspieler, Raeshniks, Anführer der „gelehrten“ Bären und Possenreißer, die „Skizzen“ und „Reprisen“ vorführten die Menge, spielte Pfeifen, Harfe, schnüffelte und amüsierte die Leute.

Varietékunst zeichnet sich durch Eigenschaften wie Offenheit, Lakonizität, Improvisation, Festlichkeit, Originalität und Unterhaltung aus.

Die Konzertbühne (früher „Divertissement“ genannt) vereint alle Arten von Aufführungen in Varietékonzerten;

Theaterbühne (Kammeraufführungen von Miniaturtheatern, Kabaretttheatern, Café-Theatern oder großen Konzertrevuen, Varietés, mit großer Besetzung und erstklassiger Bühnentechnik);

Festliche Bühne (Volksfeste, Feiertage in Stadien, voller Sport- und Konzertaufführungen sowie Bälle, Karneval, Maskeraden, Festivals usw.).

Es gibt auch diese:

3. 1. Varietétheater

3.1.1.Musikhallen

Wenn die Grundlage einer Varieté-Aufführung eine abgeschlossene Nummer ist, dann erforderte die Rezension, wie jede dramatische Handlung, die Unterordnung aller Ereignisse auf der Bühne unter die Handlung. Dies fügte sich in der Regel nicht organisch zusammen und führte zu einer Schwächung einer der Komponenten der Aufführung: entweder der Nummer, der Charaktere oder der Handlung. Dies geschah während der Produktion von „Wunder des 20. Jahrhunderts“ – das Stück zerfiel in mehrere unabhängige, lose miteinander verbundene Episoden. Lediglich das Ballettensemble und mehrere erstklassige Zirkusdarbietungen hatten beim Publikum Erfolg. Das von Goleizovsky inszenierte Ballettensemble führte drei Nummern auf: „Hey, lasst uns schreien!“, „Moskau im Regen“ und „30 englische Mädchen“. Besonders beeindruckend war die Performance von „Snake“. Unter den Zirkusdarbietungen waren die besten: Tea Alba und die „Australian Lumberjacks“ Jackson und Laurer. Alba schrieb mit der rechten und der linken Hand gleichzeitig verschiedene Wörter mit Kreide auf zwei Tafeln. Am Ende des Raumes rannten die Holzfäller los, um zwei dicke Baumstämme zu fällen. Der deutsche Strodi zeigte einen hervorragenden Balanceakt auf dem Drahtseil. Er schlug Saltos an einem Drahtseil. Von den sowjetischen Künstlern hatten wie immer Smirnov-Sokolsky und die Lieder V. Glebova und M. Darskaya großen Erfolg. Unter den Zirkusdarbietungen stach die Darbietung von Zoe und Martha Koch auf zwei parallelen Drähten hervor.

Im September 1928 fand die Eröffnung der Leningrader Musikhalle statt.

3. 1.2. THEATER DER MINIATUREN – eine Theatergruppe, die hauptsächlich an kleinen Formen arbeitet: kleine Theaterstücke, Sketche, Opern, Operetten sowie Varieténummern (Monologe, Couplets, Parodien, Tänze, Lieder). Humor, Satire und Ironie dominieren das Repertoire, auch Lyrik ist nicht ausgeschlossen. Die Truppe ist klein, ein Theater mit einem oder zwei Schauspielern ist möglich. Die Aufführungen sind lakonisch gestaltet, richten sich an ein relativ kleines Publikum und präsentieren eine Art Mosaik-Leinwand.

3. 1.3. KONVERSATIONSGENRES auf der Bühne – ein Symbol für Genres, die hauptsächlich mit Worten verbunden sind: Entertainer, Nebenschau, Sketch, Sketch, Geschichte, Monolog, Feuilleton, Mikrominiatur (inszenierter Witz), Burime.

Ein Varieté-Monolog kann satirisch, lyrisch oder humorvoll sein.

Zwischenspiel ist eine komische Szene oder ein Musikstück mit humorvollem Inhalt, das als eigenständige Nummer aufgeführt wird.

Eine Skizze ist eine kleine Szene, in der sich schnell Intrigen entwickeln, in der die einfachste Handlung auf unerwarteten lustigen, ergreifenden Situationen und Wendungen aufbaut und während der Handlung eine ganze Reihe von Absurditäten entstehen lässt, in der jedoch normalerweise alles mit einem glücklichen Abschluss endet. 1-2 Schauspieler(aber nicht mehr als drei).

Miniatur ist das beliebteste gesprochene Genre auf der Bühne. Auf der heutigen Bühne ist ein beliebter Witz (nicht veröffentlicht, nicht gedruckt – aus dem Griechischen) eine kurze, aktuelle mündliche Geschichte mit einem unerwarteten, witzigen Ende.

Reprise ist das am weitesten verbreitete Genre für kurze Konversationen.

Zu den Musik- und Konversationsgenres gehören Couplet, Liedchen, Chansonette und musikalisches Feuilleton.

Die Entwicklung von Sprachgenres hängt mit dem Niveau der Literatur zusammen. Hinter dem Schauspieler steht der Autor, der im Darsteller „stirbt“. Und doch schmälert der Eigenwert der Schauspielerei nicht die Bedeutung des Autors, der maßgeblich über den Erfolg der Handlung entscheidet. Oftmals wurden die Künstler selbst zu Autoren. Die Traditionen von I. Gorbunov wurden von Pop-Geschichtenerzählern aufgegriffen – Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov und andere schufen ihr eigenes Repertoire. Schauspieler, die kein literarisches Talent hatten, wandten sich um Hilfe an Autoren, die mit der Erwartung einer mündlichen Aufführung schrieben Berücksichtigen Sie die Maske des Darstellers. Diese Autoren blieben in der Regel „namenlos“. Seit vielen Jahren wird in der Presse die Frage diskutiert, ob ein für die Aufführung auf der Bühne geschriebenes Werk als Literatur gelten kann. In den frühen 80er Jahren wurden die Allunions- und dann die Allrussischen Verbände der Popautoren gegründet, die zur Legitimierung dieser Art literarischer Tätigkeit beitrugen. Die „Anonymität“ des Autors gehört der Vergangenheit an; zudem betraten die Autoren selbst die Bühne. Ende der 70er Jahre erschien das Programm „Hinter den Kulissen des Lachens“, komponiert wie ein Konzert, jedoch ausschließlich aus Auftritten von Pop-Autoren. Präsentierten in den vergangenen Jahren nur einzelne Autoren (Averchenko, Ardov, Laskin) ihre eigenen Programme, ist dieses Phänomen mittlerweile weit verbreitet. Das Phänomen M. Zhvanetsky trug wesentlich zum Erfolg bei. Nachdem er in den 60er Jahren als Autor des Leningrader Miniaturtheaters begonnen hatte, begann er unter Umgehung der Zensur an geschlossenen Abenden in den Häusern der kreativen Intelligenz seine kurzen Monologe und Dialoge zu lesen, die sich wie Wyssozkis Lieder im ganzen Land verbreiteten.

3. JAZZ AUF STAND

4. LIED AUF STAND

Die Genres und Formen des Liedes sind vielfältig: Romantik, Ballade, Volkslied, Couplet, Liedchen, Chansonette usw.; Auch die Aufführungsmethoden sind vielfältig: Solo, Ensemble (Duette, Chöre, Vokal-Instrumentalensemble).

Auch unter Popmusikern gibt es eine Komponistengruppe. Dies sind Antonov, Pugacheva, Gazmanov, Loza, Kuzmin, Dobrynin, Kornelyuk usw. Das vorherige Lied war hauptsächlich ein Lied eines Komponisten, das aktuelle ist ein Lied eines „Interpreten“.

Viele Stile, Umgangsformen und Trends existieren nebeneinander – von sentimentalem Kitsch und urbaner Romantik bis hin zu Punkrock und Rap. Somit ist das heutige Lied ein vielfarbiges und stilistisches Panel, das Dutzende von Richtungen umfasst, von heimischen Folklore-Imitationen bis hin zu Aufgüssen afroamerikanischer, europäischer und asiatischer Kulturen.

5. TANZ AUF STAND

Dabei handelt es sich um eine kurze Solo- oder Gruppentanznummer, die in landesweiten Popkonzerten, Varietés, Musikhallen und Miniaturtheatern aufgeführt wird. begleitet und ergänzt das Programm von Sängern, zahlreichen Original- und sogar Sprachgenres. Es entstand auf der Grundlage von Volkstanz, Alltagstanz (Gesellschaftstanz), klassischem Ballett, modernem Tanz, Sportgymnastik, Akrobatik und auf der Kreuzung aller Arten ausländischer Einflüsse und nationaler Traditionen. Die Art der Tanzplastizität wird durch moderne Rhythmen bestimmt und entsteht unter dem Einfluss verwandter Künste: Musik, Theater, Malerei, Zirkus, Pantomime.

Volkstänze gehörten zunächst zu den Aufführungen der Hauptstadttruppen. Das Repertoire umfasste theatralische Divertissement-Aufführungen des Dorf-, Stadt- und Militärlebens sowie Gesangs- und Tanzsuiten aus dem Russischen Volkslieder und tanzen.

In den 90er Jahren polarisierte der Tanz auf der Bühne stark, als würde er zur Situation der 20er Jahre zurückkehren. Im Showbusiness tätige Tanzgruppen wie „Erotic Dance“ und andere setzen auf Erotik – Auftritte in Nachtclubs diktieren ihre eigenen Gesetze.

6. PUPPEN AUF STAND

Seit jeher wird in Russland Kunsthandwerk geschätzt, Spielzeug geliebt und lustiges Spiel mit einer Puppe. Petruschka beschäftigte sich mit einem Soldaten, einem Polizisten, einem Priester und sogar mit dem Tod selbst, schwang tapfer eine Keule, tötete diejenigen, die das Volk nicht mochte, stürzte das Böse und bekräftigte die Moral des Volkes.

Die Petersilienspieler wanderten allein, manchmal zusammen: ein Puppenspieler und ein Musiker, sie selbst komponierten Theaterstücke, sie waren selbst Schauspieler, sie waren selbst Regisseure – sie versuchten, die Bewegungen der Puppen, die Inszenierung und die Puppe zu bewahren Tricks. Puppenspieler wurden verfolgt.

Es gab andere Shows, in denen Puppen auftraten. Auf den Straßen Russlands konnte man Lieferwagen sehen, die mit Puppen an Schnüren beladen waren – Marionetten. Und manchmal mit Kisten mit Schlitzen im Inneren, durch die die Puppen von unten bewegt wurden. Solche Kisten wurden Krippen genannt. Puppen beherrschten die Kunst der Nachahmung. Sie liebten es, Sänger zu verkörpern, sie ahmten Akrobaten, Turner und Clowns nach.

7. PARODIE AUF DER BÜHNE

Dies ist eine Nummer oder Aufführung, die auf einer ironischen Nachahmung (Nachahmung) sowohl der einzelnen Art, des Stils, der charakteristischen Merkmale und Stereotypen des Originals als auch ganzer Bewegungen und Genres in der Kunst basiert. Die Bandbreite des Komischen: von scharf satirisch (abwertend) bis humorvoll (freundlicher Cartoon) wird durch die Haltung des Parodisten zum Original bestimmt. Die Parodie hat ihre Wurzeln in antike Kunst, in Russland ist es schon lange in Possenspielen und Possenaufführungen präsent.

8. THEATER KLEINER FORMEN

Gründung von Kabaretttheatern in Russland „The Bat“, „Curved Mirror“ usw.

Sowohl „The Crooked Mirror“ als auch „The Bat“ waren professionell starke Schauspielgruppen, deren Niveau der Theaterkultur zweifellos höher war als in zahlreichen Miniaturtheatern (von den Moskauer Theatern stach Petrovsky mehr als andere hervor, der Regisseur war D.G. Gutman). , Mamonovsky, der dekadente Kunst kultivierte, wo Alexander Vertinsky während des Ersten Weltkriegs debütierte, Nikolsky – Künstler und Regisseur A.M Künstler des künstlerischen Theaters, erfolgreich als Entertainer aufgetreten.

4. Musikgenres auf der Bühne. Grundprinzipien, Techniken und Regie.

Pop-Genres werden unterschieden:

1 Lateinamerikanische Musik

Lateinamerikanische Musik (spanisch: musica latinoamericana) ist eine allgemeine Bezeichnung für die Musikstile und -genres lateinamerikanischer Länder sowie für die Musik von Menschen aus diesen Ländern, die kompakt auf dem Territorium anderer Staaten leben und große lateinamerikanische Gemeinschaften bilden ( zum Beispiel in den USA). In der Umgangssprache wird häufig die Kurzbezeichnung „Lateinamerikanische Musik“ (span. musica latina) verwendet.

Lateinamerikanische Musik, deren Bedeutung im Alltag Lateinamerikas sehr hoch ist, ist eine Verschmelzung vieler Musikkulturen, basiert jedoch auf drei Komponenten: der spanischen (oder portugiesischen), der afrikanischen und der indischen Musikkultur. Lateinamerikanische Lieder werden in der Regel auf Spanisch oder Portugiesisch aufgeführt, seltener auf Französisch. In den USA lebende lateinamerikanische Künstler sind in der Regel zweisprachig und verwenden häufig englische Texte.

Eigentlich gehört die spanische und portugiesische Musik nicht zur lateinamerikanischen Musik, ist jedoch durch eine Vielzahl von Verbindungen eng mit dieser verbunden; Darüber hinaus beruht der Einfluss spanischer und portugiesischer Musik auf die lateinamerikanische Musik auf Gegenseitigkeit.

Trotz der Tatsache, dass die lateinamerikanische Musik äußerst heterogen ist und jedes Land Lateinamerikas seine eigenen Besonderheiten hat, kann sie stilistisch in mehrere regionale Hauptstile unterteilt werden:

* Andenmusik;

* Zentralamerikanische Musik;

* Karibische Musik;

* Argentinische Musik;

* Mexikanische Musik;

* Brasilianische Musik.

Allerdings ist zu bedenken, dass eine solche Einteilung sehr willkürlich ist und die Grenzen dieser Musikstile sehr fließend sind.

Blues (engl. Blues von Blue Devils) ist ein Musikgenre, das in den 20er Jahren des 20. Jahrhunderts weit verbreitet war. Es ist eine der Errungenschaften der afroamerikanischen Kultur. Es entstand aus ethnischen Musikbewegungen der afroamerikanischen Gesellschaft wie „Work Song“, „Spirituals“ und Cholera. In vielerlei Hinsicht beeinflusste er die moderne Popmusik, insbesondere Genres wie „Pop“ (englische Popmusik), „Jazz“ (englischer Jazz) und „Rock and Roll“ (englischer Rock’n’Roll). Die vorherrschende Form des Blues ist der 4/4-Takt, wobei die ersten 4 Takte oft auf der Tonika gespielt werden, je 2 auf der Subdominante und der Tonika und je 2 auf der Dominante und der Tonika. Dieser Wechsel wird auch als Blues-Progression bezeichnet. Häufig wird der Rhythmus von Achteltriolen mit Pause verwendet – der sogenannte Shuffle. Ein charakteristisches Merkmal des Blues sind die „Blue Notes“. Musik basiert oft auf einer „Frage-Antwort“-Struktur, die sowohl im lyrischen Inhalt der Komposition als auch im musikalischen Inhalt zum Ausdruck kommt und oft auf einem Dialog zwischen Instrumenten aufbaut. Blues ist eine improvisierte Form des Musikgenres, bei der Kompositionen oft nur das tragende „Grundgerüst“ verwenden, das von Soloinstrumenten gespielt wird. Das ursprüngliche Blues-Thema basiert auf der sinnlichen sozialen Komponente des Lebens der afroamerikanischen Bevölkerung, seinen Schwierigkeiten und Hindernissen, die auf dem Weg jedes schwarzen Menschen auftreten.

Jazz (englischer Jazz) ist eine Form der Musikkunst, die im späten 19. – frühen 20. Jahrhundert in den USA als Ergebnis der Synthese afrikanischer und afrikanischer Musik entstand Europäische Kulturen und verbreitete sich anschließend. Die charakteristischen Merkmale der Musiksprache des Jazz waren zunächst Improvisation, Polyrhythmik auf der Grundlage synkopierter Rhythmen und eine einzigartige Reihe von Techniken zur Ausführung rhythmischer Texturen – Swing. Die Weiterentwicklung des Jazz erfolgte durch die Entwicklung neuer rhythmischer und harmonischer Modelle durch Jazzmusiker und Komponisten.

Country-Musik vereint zwei Arten amerikanischer Folklore – die Musik weißer Siedler, die sich im 17.-18. Jahrhundert in der Neuen Welt niederließen, und die Cowboy-Balladen des Wilden Westens. Diese Musik hat ein starkes Erbe elisabethanischer, irischer und schottischer Madrigale Volksmusik. Die wichtigsten Musikinstrumente dieses Stils sind Gitarre, Banjo und Violine.

„The Little Old Log Cabin in the Lane“ ist der erste „dokumentierte“ Country-Song, der 1871 von Will Heiss aus Kentucky geschrieben wurde. 53 Jahre später nimmt Fiddin John Carson diese Komposition auf einer Schallplatte auf. Im Oktober 1925 nahm das Radioprogramm Grand Ole Opry seinen Betrieb auf, das bis heute Live-Konzerte von Country-Stars überträgt.

Country-Musik als Musikindustrie begann in den späten 1940er Jahren an Dynamik zu gewinnen. Dank des Erfolgs von Hank Williams (1923–53), der nicht nur das Bild eines Country-Sängers für mehrere Generationen prägte, sondern auch die typischen Themen des Genres umriss – tragische Liebe, Einsamkeit und die Nöte des Arbeitslebens. Schon damals gab es solche verschiedene Stile: Western-Swing, der die Arrangement-Prinzipien des Dixieland übernimmt – hier waren Bob Wills und seine Texas Playboys der König des Genres; Bluegrass, dominiert vom Gründer Bill Monroe; Der Stil von Musikern wie Hank Williams wurde damals Hillbilly genannt. Mitte der 1950er Jahre. Country-Musik brachte zusammen mit Elementen aus anderen Genres (Gospel, Rhythm and Blues) den Rock'n'Roll hervor. Es entstand sofort ein Grenzgenre – Rockabilly – mit ihm begannen Sänger wie Elvis Presley, Carl Perkins und Johnny Cash ihre kreativen Karrieren – es ist kein Zufall, dass sie alle im selben Studio von Memphis Sun Records aufnahmen. Dank des Erfolgs von Marty Robbins‘ Album Gunfighter Ballads and Trail Songs (1959) entwickelte sich das Genre Country und Western, das von Geschichten aus dem Leben des Wilden Westens dominiert wurde, zu einem Genre.

Chanson (französisches Chanson – „Lied“) ist ein Genre der Vokalmusik; das Wort wird in zwei Bedeutungen verwendet:

2) Französischer Popsong im Kabarettstil (auf Russisch angelehnt).

Blatna?ya-Lied (Blatnoy-Folklore, Blatnyak) ist ein Liedgenre, das das Leben und die Bräuche im kriminellen Umfeld verherrlicht und ursprünglich für das Umfeld von Gefangenen und Menschen, die der kriminellen Welt nahestehen, gedacht ist. Kommt ursprünglich aus Russisches Reich und verbreitete sich in der Sowjetunion und anschließend in den GUS-Staaten. Im Laufe der Zeit wurden im Genre der Kriminalmusik Lieder geschrieben, die über das kriminelle Thema hinausgehen, es aber beibehalten Eigenschaften(Melodie, Jargon, Erzählung, Weltanschauung). Seit den 1990er Jahren wird das Kriminallied in der russischen Musikindustrie unter dem Namen „Russisches Chanson“ vermarktet (vgl. den gleichnamigen Radiosender und Auszeichnungen).

„Romance in Music“ ist eine Gesangskomposition, die auf einem kurzen Gedicht mit lyrischem Inhalt, hauptsächlich Liebe, basiert.

Autorenlied oder Bardenmusik ist ein Liedgenre, das Mitte des 20. Jahrhunderts in der UdSSR entstand. Das Genre wuchs in den 1950er und 1960er Jahren. aus Amateuraufführungen, unabhängig von der Kulturpolitik der sowjetischen Behörden, und erlangte schnell große Popularität. Der Schwerpunkt liegt auf der Poesie des Textes.

6 Elektronische Musik

Elektronische Musik (aus dem Englischen Electronic Music, umgangssprachlich auch „electronics“) ist ein weit gefasstes Musikgenre, das Musik bezeichnet, die mit elektronischen Musikinstrumenten geschaffen wird. Obwohl die ersten elektronischen Instrumente zu Beginn des 20. Jahrhunderts auf den Markt kamen, Elektronische Musik wie sich das Genre in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts entwickelte und Anfang XXI Jahrhundert umfasst Dutzende von Sorten.

7 Rockmusik

Rockmusik ist ein allgemeiner Name für eine Reihe von Trends Popmusik. Das Wort „rocken“ – schwingen – bezeichnet in diesem Fall die für diese Richtungen charakteristischen rhythmischen Empfindungen, die mit einer bestimmten Bewegungsform verbunden sind, in Analogie zu „rollen“, „drehen“, „schwingen“, „schütteln“ usw. So Zeichen der Rockmusik, etwa der Einsatz elektrischer Musikinstrumente, kreative Eigenständigkeit (Rockmusiker spielen typischerweise ihre eigenen Kompositionen) sind zweitrangig und oft irreführend. Aus diesem Grund ist die Identität einiger Musikstile als Rock umstritten. Außerdem ist Rock ein besonderes subkulturelles Phänomen; Subkulturen wie Mods, Hippies, Punks, Metalheads, Gothics, Emo sind untrennbar mit bestimmten Genres der Rockmusik verbunden.

Rockmusik hat viele Richtungen: von leichten Genres wie Dance Rock and Roll, Pop Rock, Britpop bis hin zu brutalen und aggressiven Genres – Death Metal und Hardcore. Der Inhalt der Lieder variiert von leicht und lässig bis düster, tiefgründig und philosophisch. Rockmusik wird oft mit Popmusik und sogenannter Popmusik verglichen. „Pop“, obwohl es keine klare Grenze zwischen den Begriffen „Rock“ und „Pop“ gibt und viele musikalische Phänomene auf der Grenze zwischen ihnen balancieren.

Die Ursprünge der Rockmusik liegen im Blues, aus dem die ersten Rockgenres hervorgingen – Rock and Roll und Rockabilly. Die ersten Subgenres der Rockmusik entstanden in enger Verbindung mit der damaligen Folk- und Popmusik – vor allem Folk, Country, Skiffle und Music Hall. Während seines Bestehens gab es Versuche, Rockmusik mit fast allen möglichen Musikrichtungen zu kombinieren – mit akademischer Musik (Art Rock, erscheint Ende der 60er Jahre), Jazz (Jazz Rock, erscheint Ende der 60er – Anfang der 70er Jahre), Latin Musik (Latin Rock, erscheint Ende der 60er Jahre), indische Musik (Raga Rock, erscheint Mitte der 60er Jahre). In den 60er und 70er Jahren traten fast alle wichtigen Genres der Rockmusik auf, von denen neben den aufgeführten die wichtigsten Genres Hardrock, Punkrock und Avantgarde-Rock sind. In den späten 70er und frühen 80er Jahren erschienen Rockmusikgenres wie Post-Punk, New Wave, Alternative Rock (obwohl frühe Vertreter dieser Richtung bereits in den späten 60er Jahren auftraten), Hardcore (ein großes Subgenre des Punkrocks) usw sowie brutale Subgenres des Metals – Death Metal, Black Metal. In den 90er Jahren waren die Genres Grunge (erschien Mitte der 80er Jahre), Britpop (erschien Mitte der 60er Jahre) und Alternative Metal (erschien Ende der 80er Jahre) weit verbreitet.

Die Hauptzentren der Entstehung und Entwicklung der Rockmusik sind die USA und Westeuropa (insbesondere Großbritannien). Die meisten Liedtexte sind auf Englisch. Allerdings erschien, wenn auch in der Regel mit einiger Verzögerung, in fast allen Ländern nationale Rockmusik. Bereits in den 1960er und 1970er Jahren erschien in der UdSSR russischsprachige Rockmusik (sogenannter russischer Rock). Sie erreichte ihren Höhepunkt in den 1980er Jahren und entwickelte sich in den 1990er Jahren weiter.

8 Ska, Rocksteady, Reggae

Ska - Musikrichtung, das Ende der 1950er Jahre in Jamaika erschien. Die Entstehung des Stils ist mit dem Aufkommen von Soundsystemen verbunden, die es ermöglichten, direkt auf der Straße zu tanzen.

Soundinstallationen sind nicht nur Stereolautsprecher, sondern eine besondere Form von Straßendiskotheken mit DJs und ihren mobilen Stereoanlagen, wobei die Konkurrenz zwischen diesen DJs immer größer wird bester Klang, bestes Repertoire und so weiter.

Der Stil zeichnet sich durch einen schwungvollen 2/4-Rhythmus aus, wobei die Gitarre auf den geraden Trommelschlägen spielt und der Kontrabass oder die Bassgitarre die ungeraden betont. Die Melodie wird von Blasinstrumenten wie Trompete, Posaune und Saxophon vorgetragen. Unter den Ska-Melodien finden sich auch Jazz-Melodien.

Rocksteady („rock steady“, „rocksteady“) ist ein Musikstil, der in den 1960er Jahren in Jamaika und England existierte. Die Grundlage des Stils sind karibische Rhythmen im 4/4-Takt, mit verstärktem Augenmerk auf Keyboards und Gitarren.

Reggae (engl. Reggae, andere Schreibweisen „Reggae“ und „Reggae“), jamaikanische Popmusik, wurde erstmals Ende der 1960er Jahre erwähnt. Wird manchmal als allgemeiner Name für die gesamte jamaikanische Musik verwendet. Eng verwandt mit anderen jamaikanischen Genres – Rocksteady, Ska und anderen.

Dub (englischer Dub) - Musik Genre, das Anfang der 1970er Jahre in Jamaika entstand. Ursprünglich handelte es sich bei den Aufnahmen dieses Genres um Reggae-Songs, bei denen der Gesang (manchmal teilweise) entfernt wurde. Seit Mitte der 1970er Jahre hat sich Dub zu einem eigenständigen Phänomen entwickelt und gilt als experimentelle und psychedelische Form des Reggae. Die musikalischen und ideologischen Entwicklungen des Dub brachten die Technologie und die Remix-Kultur hervor und beeinflussten direkt oder indirekt auch die Entwicklung der New Wave und von Genres wie Hip-Hop, House, Drum and Bass, Trip-Hop und Dub-Techno , Dubstep und andere .

Popmusik (englisch: Pop-Music from Popular Music) ist eine Richtung der modernen Musik, eine Art moderner Massenkultur.

Der Begriff „Popmusik“ hat eine doppelte Bedeutung. Im weitesten Sinne handelt es sich dabei um jegliche Massenmusik (einschließlich Rock, Elektronik, Jazz, Blues). Im engeren Sinne handelt es sich um ein eigenständiges Genre der Popmusik, die Popmusik selbst mit bestimmten Merkmalen.

Die Hauptmerkmale der Popmusik als Genre sind Einfachheit, Melodie, die Abhängigkeit von Gesang und Rhythmus, wobei dem Instrumentalpart weniger Aufmerksamkeit geschenkt wird. Die wichtigste und praktisch einzige Form der Komposition in der Popmusik ist das Lied. Popmusiktexte handeln meist von persönlichen Gefühlen.

Popmusik umfasst Subgenres wie Euro-Pop, Latin, Disco, Elektropop, Tanzmusik und andere.

10 Rap (Hip-Hop)

Hip-Hop ist eine kulturelle Bewegung, die am 12. November 1974 in der Arbeiterklasse New Yorks entstand. DJ Afrika Bambaataa definierte als erster die fünf Säulen der Hip-Hop-Kultur: MCing, DJing, Breaking, Graffiti Writing und Knowledge . Weitere Elemente sind Beatboxing, Hip-Hop-Mode und Slang.

Ursprünglich aus der South Bronx stammend, wurde Hip-Hop in den 1980er Jahren in vielen Ländern der Welt Teil der Jugendkultur. Seit den späten 1990er Jahren hat sich Hip-Hop von einem Straßen-Underground mit starker sozialer Ausrichtung nach und nach zu einem Teil der Musikindustrie entwickelt, und in der Mitte des ersten Jahrzehnts dieses Jahrhunderts war die Subkultur „in Mode“ und „Mainstream“ geworden “. Dennoch verfolgen viele Persönlichkeiten des Hip-Hop weiterhin seine „Hauptlinie“ – den Protest gegen Ungleichheit und Ungerechtigkeit, den Widerstand gegen die Machthaber.

Es ist bekannt, dass die Leitung einer Varieté-Show in die Leitung einer Varieté-Aufführung und die Leitung eines Varieté-Auftritts unterteilt wird.

Die Methodik für die Arbeit an einer Varieté-Aufführung (Konzert, Rezension, Show) beinhaltet in der Regel nicht die Aufgabe, die Nummern zu erstellen, aus denen sie besteht. Der Regisseur vereint vorgefertigte Nummern mit einer Handlung, einem einzigen Thema, baut die End-to-End-Aktion der Aufführung auf, organisiert ihre tempo-rhythmische Struktur und löst die Probleme der musikalischen, szenografischen und lichttechnischen Gestaltung. Das heißt, er steht vor einer ganzen Reihe künstlerischer und organisatorischer Probleme, die im Gesamtprogramm gelöst werden müssen und nicht in direktem Zusammenhang mit dem Varieté selbst stehen. Diese Position wird durch die These des berühmten Varieté-Regisseurs I. Sharoev bestätigt, der schrieb: „Am häufigsten akzeptiert ein Varieté-Regisseur Auftritte von Spezialisten verschiedener Genres und erstellt daraus dann ein Varieté-Programm.“ Der Raum hat eine große Unabhängigkeit.“

Bei der Arbeit an einem Varieté-Stück muss der Regisseur eine Reihe spezifischer Probleme lösen, auf die er in der Produktion nicht stößt großes Programm. Dies ist in erster Linie die Fähigkeit, die Individualität des Künstlers zu offenbaren, die Dramaturgie der Handlung aufzubauen, mit Reprise, Trick, Gag zu arbeiten, die Natur der spezifischen Ausdrucksmittel der Handlung zu kennen und zu berücksichtigen und vieles mehr mehr.

Viele methodische Postulate zur Gestaltung einer Aufführung basieren auf allgemeinen Grundprinzipien, die sowohl im Drama als auch im Theater existieren Musiktheater, und im Zirkus. Doch dann werden auf dem Fundament ganz andere Bauwerke aufgebaut. Es gibt eine Besonderheit in der Regie, die vor allem durch die Genretypologie des Varietés bestimmt wird.

Auf der Bühne erreicht der Regisseur als Schöpfer in einer Aufführung das ultimative Ziel jeder Kunst – die Schaffung eines künstlerischen Bildes, das die kreative Seite des Berufs ausmacht. Doch im Prozess der Inszenierung einer Aufführung arbeitet ein Spezialist an der Technologie der Ausdrucksmittel. Dies liegt in der Natur einiger Genres: Nehmen wir an, die meisten Subgenre-Varianten von Sport und Zirkus erfordern Proben- und Trainingsarbeit mit einem Trainer zu sportlichen Elementen und speziellen Tricks; Die Arbeit an einer Gesangsnummer ist ohne Unterricht bei einem spezialisierten Gesangslehrer nicht möglich. Im choreografischen Genre ist die Rolle des Choreografen-Dozenten von entscheidender Bedeutung.

Manchmal bezeichnen sich diese technischen Spezialisten lautstark als Regisseure, obwohl sich ihre Tätigkeit tatsächlich nur auf den Aufbau eines speziellen Stunts oder einer technischen Komponente der Aufführung beschränkt – egal, ob es sich um Akrobatik, Tanz oder Gesang handelt. Hier ist es weit hergeholt, über die Schaffung eines künstlerischen Bildes zu sprechen. Wenn führende Pop-Meister (insbesondere in Originalgenres) in gedruckten Werken die Geheimnisse ihres Könnens preisgeben, beschreiben sie hauptsächlich die Techniken von Zaubertricks, Akrobatik, Jonglieren usw.

Ich möchte noch einmal betonen, dass die künstlerische Struktur eines Varieté-Auftritts komplex, vielfältig und oft konglomerativ ist. Daher gehört die Inszenierung eines Varietés zu den schwierigsten Tätigkeiten eines Regisseurs. "Tun gute Nummer Auch wenn es nur ein paar Minuten dauert, ist es sehr schwierig. Und es scheint mir, dass diese Schwierigkeiten unterschätzt werden. Vielleicht respektiere und schätze ich deshalb die Kunst derjenigen, die manchmal etwas abfällig als Entertainer bezeichnet werden, so sehr und weise ihnen einen nicht sehr ehrenvollen Platz in der ungeschriebenen Berufsskala zu.“ Diese Worte von S. Yutkevich bestätigen einmal mehr, wie wichtig es ist, die künstlerische Struktur eines Varieté-Auftritts zu analysieren, mit dem ultimativen Ziel, die Grundlagen der Methodik seiner Entstehung zu studieren, insbesondere im Hinblick auf die Regie- und Produktionsarbeit.

Abschluss.

VARIETY ART (von französisch estrade – Plattform, Erhebung) ist eine synthetische Art der Bühnenkunst, die kleine Formen von Drama, Komödie, Musik sowie Gesang und Kunst vereint. Lesen, Choreografie, Exzentrizität, Pantomime, Akrobatik, Jonglieren, Illusionismus usw. Trotz seines internationalen Charakters behält es seine volkstümlichen Wurzeln, die ihm ein besonderes nationales Flair verleihen. Entstanden in der Renaissance auf der Straßenbühne und beginnend mit Clownerie, primitiven Possen, Possenreißern, E. und. In verschiedenen Ländern entwickelte es sich unterschiedlich und bevorzugte das eine oder andere Genre, das eine oder andere Maskenbild. In den Varietéprogrammen der später entstandenen Salons, Zirkel und Clubs, in Kabinen, Musikhallen, Cafés, Kabaretts, Miniaturtheatern und auf erhaltenen Varietégärten finden sich heiterer Humor, witzige Parodien und Zeichentrickfilme, bissige Gemeinschaftssatire, pointierte Übertreibungen usw Es herrschen Possenreißer, groteske, verspielte Ironie, gefühlvolle Texte, modischer Tanz und musikalische Rhythmen vor. Einzelne Nummern der polyphonen Spielart des Divertissements werden auf der Bühne oft durch einen Entertainer oder eine einfache Handlung zusammengehalten, in Theatern mit einem oder zwei Schauspielern, Ensembles (Ballett, Musical etc.) – durch ein originelles Repertoire, eine eigene Dramaturgie. Varieté-Kunst richtet sich an ein breites Publikum und setzt in erster Linie auf das Können der Darsteller, ihre Transformationstechnik, die Fähigkeit, mit lakonischen Mitteln spektakuläre Unterhaltung zu schaffen, und einen hellen Charakter – häufiger komödiantisch-negativ als positiv. Indem er seine Antihelden bloßstellt, greift er auf metaphorische Merkmale und Details zurück, auf die bizarre Verflechtung von Wahrhaftigkeit und Karikatur, Realem und Fantastischem und trägt so dazu bei, eine Atmosphäre der Ablehnung ihrer Lebensprototypen und des Widerstands gegen ihren Wohlstand in der Realität zu schaffen. Populäre Kunst zeichnet sich durch Aktualität aus, eine Kombination der besten Unterhaltungsbeispiele mit ernsthaften Inhalten, pädagogischen Funktionen, wenn der Spaß durch eine vielfältige emotionale Palette und manchmal durch gesellschaftspolitisches, bürgerliches Pathos ergänzt wird. Neueste Qualität des von der bürgerlichen Massenkultur generierten Showbusiness beraubt. Fast alle operativen „kleinen“, „leichten“ Sorten, einschließlich des gewöhnlichen „Kohls“, zeichnen sich durch eine relativ kurze Lebensdauer, einen schnellen Wertverlust von Masken aus, der von der Erschöpfung der Relevanz des Themas und der Umsetzung sozialer Ordnungen abhängt. Veränderungen in den Interessen und Bedürfnissen des Publikums. Als eine der dynamischsten und zugleich ältesten Kunstformen unterliegt die Pop-Art der Krankheit des Stempelns, einer Abnahme des künstlerischen und ästhetischen Wertes talentierter Funde bis hin zu ihrer Verwandlung in Kitsch. Die Entwicklung wird stark von „technischen“ Künsten wie dem Kino und insbesondere dem Fernsehen beeinflusst, deren Programm häufig Varietés und Konzerte umfasst. Dadurch gewinnen traditionelle Formen und Techniken der Bühne nicht nur an Umfang und Verbreitung, sondern auch an psychologischer Tiefe (Verwendung von Nahaufnahmen, anderen visuellen und ausdrucksstarken Mitteln der Filmkunst) und lebendiger Unterhaltung.

Im System darstellende Künste Popmusik nimmt heute einen eigenständigen Platz ein und stellt ein eigenständiges Phänomen der künstlerischen Kultur dar. Die Popularität der Popmusik bei einem breiten und vielfältigen Publikum zwingt sie dazu, auf die widersprüchlichen ästhetischen Bedürfnisse verschiedener Bevölkerungsgruppen nach sozialer, altersbezogener, bildungsbezogener und sogar nationaler Zusammensetzung zu reagieren. Dieses Merkmal der Pop-Art erklärt weitgehend das Vorhandensein negativer Aspekte in den professionellen, ästhetischen und geschmackvollen Vorzügen von Pop-Werken. Die enorme Größe des Pop-Art-Publikums in Vergangenheit und Gegenwart, seine Heterogenität, die Notwendigkeit, Unterhaltungs- und Bildungsfunktionen in der Pop-Art zu verbinden, stellt besondere Anforderungen an die Schöpfer von Pop-Art-Werken und legt ihnen eine besondere Verantwortung auf.

Die Komplexität des Studiums von Popwerken sowie der Entwicklung methodischer Ansätze zu ihrer Entstehung liegt darin begründet, dass es sich insgesamt um ein Konglomerat handelt verschiedene Künste. Es vereint Schauspiel, Instrumentalmusik, Gesang, Choreografie, Malerei (zum Beispiel das Genre „Instant Artist“) und Wissenschaft (unter den Pop-Genres gibt es einen mathematischen Akt). - „Live-Zählmaschine“). Darüber hinaus gibt es Varieté-Genres, die auf der Stunt-Komponente basieren, die die Manifestation der einzigartigen Fähigkeiten und Fertigkeiten einer Person erfordert (z. B. eine Reihe von Varieté- und Zirkus-Subgenres, Hypnose, psychologische Experimente). Die Vielfalt der Ausdrucksmittel, ihre unerwarteten und ungewöhnlichen Kombinationen in verschiedenen synthetischen Formen auf der Bühne sind oft vielfältiger als in anderen darstellenden Künsten.

Liste der verwendeten Literatur.

Bermont E. Sortenwettbewerb. //Theater. 1940, Nr. 2, S. 75-78

Birzhenyuk G.M., Buzene L.V., Gorbunova N.A.

Kober. Der Höhepunkt des Programms: Transl. mit ihm. L., 1928. S. 232-233; Stanishevsky Yu. Anzahl und Kultur seiner Präsentation // SEC. 1965. Nr. 6.

Konnikov A. Welt der Vielfalt. M., 1980.

Ozhegov S.I. und Shvedova N.Yu. Erklärendes Wörterbuch der russischen Sprache: 80.000 Wörter und Phraseologieausdrücke

Rozovsky M. Regisseur des Spektakels. M., 1973.

Russische Sowjetbühne // Essays zur Geschichte. Rep. Hrsg. Dok. Anspruch, Prof. E. Uvarova. In 3 T. M., 1976, 1977, 1981.

Uvarova E. Varietétheater: Miniaturen, Rezensionen, Varietés (1917-1945). M., 1983; Arkadi Raikin. M., 1986; Wie sie in den russischen Hauptstädten Spaß hatten. St. Petersburg, 2004.

Sharoev I. Regie und Massenaufführungen. M., 1986; Die vielen Gesichter der Bühne. M., 1995.

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