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Ticketnummer 30. Varietés. Moderne Funktionen und Trends.

Zeigen - Dies ist ein besonders bezauberndes Spektakel, dessen semantische und handlungsbezogene Seite zugunsten einer spektakulären Präsentation von Eindrücken verschwindet (die Handlung ist in den Effekten „verschwommen“). Das Showprogramm sollte auf einem ständigen Wechsel der Eindrücke und einem hellen Spektakel basieren Techniken der Ausdrucksmittel.

Der Begriff Showbusiness taucht seit Mitte der 80er Jahre in der Fachliteratur auf. 20. Jahrhundert und ersetzte das bisherige Konzept der „sowjetischen Bühne“. Der Begriff „Vielfalt“ entstand in der russischen Kunstgeschichte zu Beginn des letzten Jahrhunderts und vereinte alle Arten von Künsten leicht erkennbarer Genres.

Varieté-Kunst zeichnet sich aus durch Offenheit, Lakonismus,

Improvisation, Festlichkeit, Originalität, Unterhaltung. Popmusik entwickelte sich als Kunst der festlichen Freizeitgestaltung und strebte schon immer nach Originalität und Vielfalt. Das festliche Gefühl entstand durch äußere Unterhaltung, Lichtspiele, malerische Landschaftswechsel, Umgestaltung des Bühnenbereichs usw.

Im Rahmen des Übergangs zu einer offenen demokratischen Gesellschaft hat der Verbraucher die Möglichkeit zu wählen. Trend Die moderne Show ist Folgendes: Der sich schnell ändernde Geschmack des Publikums erfordert die harte Arbeit von Managern, Künstlern und Produzenten.

Das Produkt kultureller Tätigkeit ist bereits Gegenstand von „Kauf und Verkauf“, d.h. Es entstehen wirtschaftlich gerechtfertigte Beziehungen, und da die Bühne in die Geschäftswelt eintritt, braucht es dafür Fachkräfte, Menschen, die wissen, wie man ein Unternehmen so organisiert, dass es nicht nur dem Künstler, der Gruppe, dem Unternehmen, sondern auch dem Staat Gewinn bringt ( in Form von Steuern). Derzeit entwickelt sich das Showbusiness nach den Gesetzen des Marktes. Von großer Bedeutung ist die Lösung von Fragen des Personalmanagements und der Nutzung seiner Potenziale, die den Erfolg bei der Zielerreichung vorgeben.

Also, moderne Show ist ein großartiges Bühnenspektakel mit Beteiligung von Popstars, Zirkus, Sport, Jazzorchester, Eisballett usw. Der Schwerpunkt der Show verlagert sich auf Außeneffekte, die den Inhalt des Geschehens verschönern sollen.

Im Management des Showbusiness kommen viele unterschiedliche Methoden, Ansätze und Techniken zum Einsatz, die darauf abzielen, Voraussetzungen für effektives Arbeiten zu schaffen. Somit können wir die Merkmale der modernen Show hervorheben:

1. Die Anwesenheit eines „Sterns“.

Der Begriff „Star“ entstand im Zeitalter des Kinos, als Filmschauspieler namenlos waren und die Zuschauer die Charaktere, die sie mochten, sowohl nach den Titeln der Filme als auch nach ihren äußeren Merkmalen nannten („ein Mann mit traurigen Augen“, „ ein Mädchen mit Locken“ usw.). Zuschauer begannen, Filmproduktionsfirmen anzugreifen und nach dem Nachnamen, Vornamen und verschiedenen biografischen Informationen der Schauspieler zu fragen, die ihnen gefielen. Der Chef der amerikanischen Firma IMP, Carl Laemmle, nutzte als erster die Popularität der Schauspielerin Florence Lawrence, um durch die Verbreitung von Gerüchten über ihren Tod das Publikum ins Kino zu locken. Damit erregte er großes Interesse beim Publikum und machte die Schauspielerin über Nacht zum amerikanischen Filmstar.

Damit war der Grundstein für das „Sternsystem“ gelegt. Andere Filmfirmen folgten dem Beispiel von IMP. Die Zahl der „Sterne“ begann schnell zu wachsen. Sie werden zum Kassenköder sowohl für das Kino als auch Musikindustrie, Theater, Modelshows usw.

Der Kern des Konzepts „Star“ besteht darin, dass der Künstler, den sie mögen, beim Publikum Sympathie hervorruft und sie ihn deshalb sehen wollen, wie er sein wollen. Der Konsument (Zuschauer, Zuhörer) beschränkt sich nicht nur darauf, das Idol zu sehen, er möchte alles über ihn wissen, auch die Details seines Privatlebens. Dieser Aspekt ist bei der Schaffung von „Stars“ von großem Nutzen, da er als Zeichen großer Beliebtheit gilt, was dazu führt, dass die Honorare des „Stars“ steigen. Einen „Star“ für die Teilnahme an einer Show, einer Modelshow, einem Film, einem Musical, einer Theaterproduktion oder einer Albumaufnahme zu gewinnen, ist ein Garant für Nachfrage und ein volles Haus.

Tanz auf der Bühne – kurze Tanznummer , Solo oder Gruppe, präsentiert in nationalen Popkonzerten, Varietés, Musikhallen, Miniaturtheatern, begleitet und ergänzt das Programm von Sängern, Originalnummern sogar von Sprachgenres . Es wurde auf der Grundlage von Volkstanz, Alltagstanz (Gesellschaftstanz), klassischem Ballett, modernem Tanz, Kunstturnen und Akrobatik gegründet , über die Überwindung fremder Einflüsse aller Art und nationale Traditionen. Die Art der Tanzplastizität wird durch moderne Rhythmen bestimmt und entsteht unter dem Einfluss verwandter Künste: Musik, Theater, Malerei, Zirkus, Pantomime.

Die Entwicklungsgeschichte der Tanzrichtung lässt sich in zwei Meilensteine ​​einteilen: die Zeit vor dem 20. Jahrhundert und die Zeitspanne vom 20. Jahrhundert bis zur Gegenwart.

Neben mittelalterlichen Wanderkünstlern und ihren Darbietungen können Divertissements auch als Vorfahren des modernen Poptanzes gelten. Es handelte sich um Szenen, die im 17. und 18. Jahrhundert zwischen musikalischen Akten oder Teilen gezeigt wurden dramatische Darbietungen. In den Divertissements wurden Opernarien aufgeführt, der Zuschauer konnte Ausschnitte aus Balletten sehen, Volksliedern lauschen und schließlich auch das Tanzen genießen. In Russland liegen die Ursprünge der Tanzbühne in den Auftritten von Tänzern in russischen und Zigeunerchören und ab Mitte des 19. Jahrhunderts auf Volksfesten. Das Ende des 19. Jahrhunderts war geprägt von der Abhaltung von Gruppenkonzerten auf den Bühnen von Gärten, Voxalen und Cafés.

Volkstanz des 19. Jahrhunderts. - Cancan(Französischer Cancan, von Canard – Ente), französischer Tanz algerischen Ursprungs, 2-Takt, schnelles Tempo. Charakteristische Schritte - Beine ausstrecken, Springen. Seit Mitte des 19. Jahrhunderts verbreitet, weit verbreitet in der klassischen Operette und im Varieté. Wir können sagen, dass mit dem Aufkommen des Cancan eine neue Tanzära beginnt. Der Cancan entstand um 1830 in Paris. Es handelte sich um einen Frauentanz, der auf der Bühne aufgeführt wurde und von hohen Tritten der Beine begleitet wurde. Im Jahr 1860 wurden in St. Petersburg viele Tanzkurse eröffnet, in denen hauptsächlich Cancan getanzt wurde.

Ein weiterer beliebter Tanz des 19. Jahrhunderts ist der Cake Walk-Tanz.

Spaziergang -(auch Cake Walk, Cake Walk; englisch cakewalk – Gehen mit einem Kuchen) ist ein seit Mitte des 19. Jahrhunderts beliebter Marschtanz afroamerikanischen Ursprungs. Charakteristische Merkmale: schnelles Tempo, musikalische Größe – 2-Takt, synkopierter Rhythmus, Akkorde, die den Klang eines Banjos reproduzieren, verspielter komödiantischer (oft ironisch-grotesker) Stil. Die für Cake Walk typischen scharf akzentuierten Rhythmen bildeten später die Grundlage des Ragtime und definierten zwei Jahrzehnte später den Stil des Pop-Jazz. Der Cake Walk war Teil der humorvollen Aufführungen des nordamerikanischen Minstrel-Theaters des 19. Jahrhunderts, in denen er zu schneller, synkopierter Musik im Geiste des späteren Ragtime aufgeführt wurde. In den letzten Jahren des 19. Jahrhunderts verbreitete sich der von der Minnesängerbühne losgelöste Kuchengang in Form eines Salontanzes in Europa. Pop-Dance-Choreograf dramaturgisch

Auf der Minnesängerbühne hatte der Kuchengang eine besondere symbolische Bedeutung. Es handelte sich um eine Promenadenszene, in der gekleidete Negerdandys, Arm in Arm mit ihren ebenso modisch gekleideten Damen, in komischer Form die feierlichen Sonntagsprozessionen weißer Damen und Herren nachstellten. Schwarze Dandys reproduzierten das äußerliche Auftreten von Pflanzern und verspotteten deren dumme Wichtigkeit, geistige Trägheit und selbstgefälliges Gefühl der eingebildeten Überlegenheit. Das im Kuchengang enthaltene Motiv des versteckten Spottes fand in der Klangsphäre eine spezifische Widerspiegelung.

Die Tanzmusik, deren Ausdruckskraft vor allem auf perkussiven Klängen und deutlich komplizierteren Metrhythmiken beruhte, spielte eine bedeutende innovative Rolle und eröffnete neue Wege für die Entwicklung der modernen Musikkunst. Neue musikalische Prinzipien wurden zunächst nur in den USA und dann in Europa in die Psychologie eines breiten Publikums eingeführt und widersprachen allem, was europäische Komponisten im Laufe der Jahrhunderte behauptet hatten. Die musikalische Form des Kuchenspaziergangs findet sich in Salonklavierstücken, in Varieténummern für traditionelle Instrumentalkompositionen, in Märschen für eine Blaskapelle und manchmal in Gesellschaftstänzen europäischen Ursprungs. „Selbst in den Walzern traten Synkopen auf, von denen Waldteufel und Strauss nie geträumt hätten“ (Blesh R., Janis H. Sie alle spielten Ragtime). Das Cake-Walk-Genre wurde von vielen akademischen Komponisten verwendet (z. B. Debussy, Strawinsky usw.).

Der Cake Walk war nicht nur musikalisch, sondern auch choreographisch innovativ. Dies äußerte sich in besonderen Bewegungen der Beine, scheinbar „unabhängig“ vom Körper des Tänzers. Wie bei anderen Tänzen des Minnesängertheaters blieb der Körper des Darstellers in einem streng kontrollierten, ausgeglichenen Zustand, seine Arme hingen wie hilflose, formlose „Lumpen“ herab. Die ganze Energie des Tänzers, sein ganzes phänomenales Können und sein schwindelerregendes Tempo spiegelten sich in den Bewegungen seiner Beine wider. Präzise synchronisierte Akzente durch die Ferse des einen Fußes und die Zehen des anderen; eine Art „klopfendes“ Stempeln mit Holzsohlen; auf den Fersen vorwärts rennen; freies, scheinbar zufälliges „Mischen“. Das für das traditionelle Ballett ungewöhnliche Verhältnis von „gleichgültigem Körper“ und „besorgten“ Beinen betonte die humorvolle Wirkung des äußeren Gleichmuts, der untrennbar mit dem Bild einer erstarrten Maske verbunden ist.

Der Kuchenspaziergang hatte großen Einfluss auf die Tanzkunst des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Er brachte eine Reihe von Tänzen hervor, die Polka, Square Dance, Country Dance und andere populäre Tänze der jüngeren Vergangenheit aus dem kulturellen Gebrauch verdrängten. Diese neuesten Tänze – Grizzly-Bear, Bunny-Hug, Texas Tommy, Tarky-Trott usw. – zeichneten sich durch einen besonderen 2-Takt aus, der untrennbar mit dem Cake Walk verbunden ist, und seinen charakteristischen „Swing“-Effekt. Ihre Entwicklung gipfelte im bekannten Two-Step- und Foxtrott-Tanz, der auf der ganzen Welt große Popularität erlangte und viele Jahre lang im alltäglichen Tanzrepertoire blieb.

Die anfängliche Blütezeit all dieser Tänze fällt mit dem Höhepunkt der Popularität des Ragtime und dem Beginn der „Jazz-Ära“ zusammen.

Kapitel V

„Form ist eine Existenzweise und ein Ausdruck von Inhalten... Die Einheit von Inhalt und Form eines Kunstwerks bedeutet nicht absolute Identität, sondern nur einen gewissen Grad gegenseitiger Übereinstimmung... Der Grad der Übereinstimmung... hängt vom Talent und Können des Künstlers ab.“

Ästhetik. Wörterbuch

Konzert [von lat. Konzert – konkurrieren] – eine öffentliche Aufführung von Künstlern nach einem bestimmten vorab zusammengestellten Programm.

Theaterlexikon

Ohne in diesem Kapitel von der Position abzuweichen, nur das zu untersuchen, was die Kreativität des Regisseurs auf der Bühne direkt betrifft, müssen wir die Besonderheiten der Kreativität jeder einzelnen Form von Varietéprogrammen nicht vollständig offenlegen. Es ist uns wichtig, hier nur aufzuzeigen, was die Arbeit eines Popregisseurs von der eines Theaterregisseurs unterscheidet, wenn er ein Popprogramm inszeniert.

Für einen Theaterregisseur ist in der Regel keine der Formen des Varietéprogramms von Bedeutung, da er sich bei der Inszenierung eines Theaterstücks praktisch nicht mit ihnen befassen muss, da sie (diese Formen) nur zur Varietékunst gehören.

Bevor wir über die eine oder andere Form von Popprogramm sprechen:

Konzert, Aufführung, es ist nützlich, die Bedeutung des Wortes „Konzert“ zu bestimmen (abgesehen von der Tatsache, dass dieses Wort eine bestimmte Bühnenaktion bezeichnet, die aus der Summe der Zahlen besteht, aus denen es besteht).

Das Wort „Konzert“ [lat. Konzert] bedeutet aus dem Lateinischen übersetzt Wettbewerb, Wettbewerb.

Tatsächlich gibt es in jedem Konzert, auch in einem Popkonzert, eine Art Wettbewerb, einen Wettbewerb zwischen Interpreten und Nummern in ihrer künstlerischen Kreativität: in Bezug auf das Können der Darbietung, in Bezug auf den Erfolg beim Publikum usw. Darüber hinaus findet der Varieté-Auftritt im Konzert (dem Wettbewerb vor Publikum) seine künstlerische Vollendung.

Natürlich ist ein Popkonzert, wie jedes Konzert, nicht nur ein mechanisches Bühnenbild, sondern eine Verschmelzung verschiedener Nummerngattungen zu einer einzigen Gesamtaufführung, wodurch ein neues Kunstwerk entsteht, dessen Name lautet Konzert.

Gerade die Schaffung eines Konzerts aus zum Teil in Genre, Charakter und Inhalt unterschiedlichen Nummern ist ein weiterer wichtiger Unterschied zwischen der Arbeit eines Popregisseurs und eines Theaterregisseurs, der sich in der Regel mit einem Werk (Stück) beschäftigt. desselben Genres, mit einer einzigen Handlung und einer einzigen Entwicklung, die sich vom Anfang bis zum Ende der Aufführung entwickelt.

Ein Popkonzert ist ein wirkungsvoll dynamisches Spektakel, es ist eine besondere Fantasiewelt, in der das unterhaltsame Prinzip vorherrscht, gekleidet in eine helle, scharfe Form, eine festliche Atmosphäre, die es dem Zuschauer ermöglicht, ihren Inhalt leicht wahrzunehmen.

Natürlich hängt der Erfolg eines Konzerts von vielen Gründen ab: Hier sind die Interpreten und die Qualität ihrer Nummern und ihre Neuheit sowie die Konstruktion der Reihenfolge der Nummern (Komposition) und die Kohärenz der Übergänge von Nummer zu Nummer und sein Genre, seine Typen usw. .

Wenn wir Seite 95 von Band VIII der III. Ausgabe des Bolschoi öffnen Sowjetische Enzyklopädie, dann können wir lesen: „Ein Konzert ist ein öffentlicher Auftritt von Künstlern nach einem bestimmten Programm.“ Konzertarten: Musical (Symphonie, Kammermusik, Klavier, Violine usw.), Literatur (Kunstlesung), Pop (leichte Vokal- und Instrumentalmusik, humorvolle Geschichten, Parodien, Zirkusdarbietungen usw.) „Wir können fast das Gleiche lesen.“ Ding in der „Theater-Enzyklopädie“: „Konzertarten: musikalisch (Symphonie, Kammermusik, Klavier, Violine usw.), literarisch (künstlerische Lesung), gemischt (Musiknummern, künstlerische Lesung, Szenen aus Theaterstücken, Balletten usw.) , Abwechslung (leichte Vokal- und Instrumentalmusik, humorvolle Geschichten, Parodien, Zirkusdarbietungen usw.)“

Ohne die Meinung zweier maßgeblicher Quellen zu bestreiten, stellen wir fest, dass dieser Begriff des Wortes „Konzert“ keinen sehr wichtigen Umstand offenbart. Nämlich, dass alle Arten von Konzerten, je nach Art und Inhalt der darin gespielten Nummern, je nach Art und Weise, wie sie ausgedrückt werden (auch wenn es sich um ein „gemischtes Konzert“ handelt), in zwei Haupttypen unterteilt werden: Philharmonische und Pop. Wir gehen davon aus, dass Philharmonie und Popkonzert funktional und psychologisch voneinander getrennt sind. Trotz der Tatsache, dass beide Funktionen, ohne von der Lösung bestimmter allgemeiner Probleme (ästhetisch, ideologisch, erzieherisch) abzuweichen, die unterschiedlichen Bedürfnisse des Betrachters (Hörers) befriedigen.

Konzertorte zur Erfüllung des monatlichen Aufführungskontingents.

Von einer Logik bei der Konstruktion eines solchen Konzertes konnte keine Rede sein. Hier musste sich der Entertainer „befreien“.

Vielleicht spielte letzterer Umstand in gewissem Maße eine Rolle beim Verschwinden von Gruppenkonzerten von der Bühne: Führende Popkünstler begannen, Solokonzerte oder große Varieté-Auftritte den Gruppen vorzuziehen, da mit der quantitativen Zunahme der Zahl gewöhnlicher Konzerte ihr kreatives Niveau zunahm war überwiegend unter dem Durchschnitt

Ein weiterer wichtiger Grund für das Verschwinden von Gruppenkonzerten in unserer Zeit war das extrem niedrige künstlerische Niveau von Menschen, die sich als professionelle Entertainer betrachteten. Echte Entertainer, die es verstehen, aus vielen verschiedenen Genres einen Varieté-Act zusammenzustellen, sind aus verschiedenen Gründen praktisch verschwunden. Das Fernsehen spielte auch eine wichtige Rolle beim Verschwinden nationaler Konzerte, auf deren Bildschirmen ständig Pop-„Stars“ aufblitzen, insbesondere in verschiedenen Werbevideos. Warum viel (um nicht zu sagen viel Geld) für ein Konzert bezahlen, wenn Ihre Lieblingskünstler auf dem Fernsehbildschirm zu sehen sind?

Eine vom Autor des Werkes durchgeführte Umfrage unter vielen potenziellen Zuschauern zeigt nicht nur, dass ihre Sichtweise mit der Meinung von V. Kalish übereinstimmt, sondern auch, dass die Mode für grandiose Spektakel, egal wie das Showbusiness sie einprägt, vergehen wird Und auf die Bühne kehren Gruppenkonzerte zurück, die der Show ebenbürtig sind, wenn auch in anderer und vor allem spektakulärer Qualität, aber bestehend aus Nummern verschiedener Genres. Dies wird durch die heutige Praxis westlicher Popmusik und eine Reihe vergangener Konzerte im Moskauer Varieté-Theater, das aktuelle Leben regionaler und regionaler Philharmoniegesellschaften und die Tatsache bestätigt, dass sein Held auch bei Solokonzerten Künstler anderer Genres einlädt teilnehmen, weil er unbewusst das der menschlichen Wahrnehmung innewohnende Psychologische spürt – den Wunsch nach vielfältigen Eindrücken.

In den letzten Jahren finden wir auf Plakaten, die für Popkonzerte werben, am häufigsten Namen wie „Varieté“, „Kabarett“, am häufigsten jedoch „Show“. Obwohl jedes dieser Konzerte auf einer Reihe von Nummern verschiedener Genres basiert (wie bei einer Nationalmannschaft), weist jedes von ihnen seine eigenen, eher offensichtlichen Merkmale auf.

Wenn wir ein „Varieté“ als eine besondere Form eines Popkonzerts betrachten, dann verbirgt sich hinter diesem Namen meist eine leichte, unterhaltsame Aufführung, bestehend aus Auftritten von Sängern, Tänzern, Musikern, Parodisten, Akrobaten, Zauberern usw.

Typischerweise ist ein Varieté-Programm ein Kaleidoskop von Nummern, das oft mit minimaler Beteiligung des Entertainers aufgeführt wird, ganz zu schweigen von anderen Konversationsgenres.

Wenn wir über den Unterschied zwischen Varieté und Kabarett sprechen, dann begann die inhaltliche und formale Grenze zwischen ihnen bereits ab Mitte des 20. Jahrhunderts praktisch zu verschwinden. Heutzutage ist es sehr schwierig, den Unterschied zwischen ihnen zu erkennen.

Kabarett [fr. - Zucchini] ist nicht so sehr das an den Tischen sitzende Publikum, sondern der Stil, die Form und der Inhalt des Popkonzerts, der maßgeblich von der Atmosphäre abhängt, in der es stattfindet.

Im Kern besteht ein Kabarettprogramm auch aus einer Reihe verschiedener Aufführungen (Nummern). Diese Programme hatten jedoch eine Reihe wichtiger Funktionen.

Zuerst gingen sie in Tavernen, in Cafés, wo das Publikum, das an Tischen saß, auf die Redner schaute. Zunächst handelte es sich dabei um eine Art künstlerische und literarische Clubs, in denen sich Dichter, Künstler, Schriftsteller und Künstler nach zwölf Uhr abends versammelten. Wer hierher kam, um sich zu entspannen und Spaß zu haben, ging in der Regel auf eine kleine Bühne in der Mitte oder an der Seite des Saals, wo er Lieder sang und Gedichte vortrug. In gewisser Weise spiegelte das, was in solchen Zucchini geschah, die Prozesse wider, die im künstlerischen Bereich abliefen.

Zweitens war das Spektakel abwechslungsreich und improvisatorisch. Die Künstler versuchten, das Publikum emotional zu berühren. Gelächter, Applaus und Bravo-Rufe waren die übliche Atmosphäre für ein Kabarettprogramm. Im damaligen Kabarett herrschten Aufregung und Konkurrenz, die eine Atmosphäre der Leichtigkeit, Freude und Freiheit der Kreativität und Festlichkeit schufen. Im Kabarett schien die Grenze zwischen Bühne und Zuschauerraum zu verschwimmen.

Drittens, Voraussetzung Kabarettaktivitäten zeichneten sich durch eine intime Atmosphäre aus, die es den Künstlern ermöglichte, engen Kontakt zum Publikum herzustellen. Und obwohl die Kabarettprogramme aus verschiedenen humorvollen und lyrischen Liedern, Solotänzen, satirischen Nummern, Parodien usw. bestanden und bestehen. usw., die Hauptrolle spielt dabei der Entertainer, der dafür sorgt, eine vertrauensvolle, intime Atmosphäre zu schaffen, ein lockeres Gespräch zu führen und oft eine sofortige Reaktion hervorzurufen (was bei einem Kabarettprogramm sehr wichtig ist).

Das Volumen der Kabarettprogramme hat erheblich zugenommen und ist zu einer Art Kaleidoskop der für das Kabarett charakteristischen Zahlen geworden. Gleichzeitig wurden bei ihrer Lösung die Methoden der Groteske, Exzentrizität, Possenreißer und ironischen Stilisierung eingesetzt. Parodien wurden weit verbreitet, in denen Aufführungen und Ereignisse im Land lächerlich gemacht wurden. dieser Moment auf der Theaterbühne.

In Russland entstanden die ersten Kabaretts gleich zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Unter ihnen waren die bekanntesten: „Die Fledermaus“ in Moskau – ursprünglich ein Kabarett für Schauspieler des Moskauer Kunsttheaters, das später zum Kabaretttheater wurde. Balieva, „Crooked Mirror“, „Stray Dog“, „Comedians‘ Halt“ in St. Petersburg und andere. Bald erschienen Kabaretts in Odessa, Kiew, Baku und Charkow. Normalerweise befanden sie sich in Kellern und Halbkellern mit einer kleinen Bühne.

Bereits in den frühen neunziger Jahren des 20. Jahrhunderts verloren viele Kabaretts ihre Gattungsmerkmale: Tische verschwanden, Struktur und Inhalt der Programme veränderten sich.

Kabaretttheater begannen, theatralische Techniken einzusetzen: Vorhänge, Rampen, Bühnendekorationen.

Anzeigen [Englisch] - 1. Spektakel; 2. Show] – eine besonders heutzutage sehr verbreitete Art von Pop-Unterhaltungsshow mit der obligatorischen Teilnahme mindestens eines Pop-„Stars“.

Die Show ist ein helles, emotionsreiches Varietéprogramm ohne festen Handlungsstrang, das auf äußerlich spektakulären, spektakulären Nummern und Attraktionen basiert, die durch unerwartete Übergänge und Verbindungen zu einem Ganzen verbunden sind; basiert auf rasantem Bühnengeschehen und ähnelt im Charakter einem Varieté. Mit der gleichen Varieté-Eleganz der choreografischen Nummern, mit der gleichen Farbigkeit und Pracht, mit der atemberaubenden Tempodynamik, die es Ihnen ermöglicht, das Showprogramm mit einer Vielzahl abwechslungsreicher Nummern zu sättigen, allerdings ohne das für ein Varieté-Programm obligatorische ein primitiver, „gepunkteter“ Handlungsstrang. Gleichzeitig schließt das Showprogramm die Kühnheit der Zahlenpräsentation nicht aus. Im Gegenteil: Je vielfältiger die Präsentationsmethoden der im Programm enthaltenen Nummern sind, desto heller ist die Bühnenform der Show.

Es sollte beachtet werden, dass die Show nicht nur eine Genrekategorie ist. Die Form einer Show kann Auftritte eines beliebten Pop-Künstlers, verschiedene Wettbewerbe, Präsentationen, Theaterauktionen usw. umfassen.

Ein Showprogramm ist ein groß angelegtes Spektakel, dessen Szenografie in einem realen Bühnenraum entsteht und maßgeblich von den technischen Möglichkeiten der Bühne und ihrer Ausstattung abhängt. Die Show setzt der Fantasie des Bühnenbildners keine Grenzen. Wichtig ist, dass seine Erfindung technisch machbar ist.

Und obwohl man heute durchaus beobachten kann, wie ein Bühnenbildner als Regisseur agiert, scheint uns dieses Phänomen auf einen Mangel an echter Pop-Regie zurückzuführen zu sein. Sie mögen uns widersprechen: Sie sagen, viele Künstler seien später Regisseure geworden. Zum Beispiel Gordon Craig, Nikolai Pavlovich Akimov und andere. Tatsächlich begann ihr kreatives Leben mit dem Beruf eines Künstlers. Doch später wurde ihr kreativer Beruf die Regie als Grundlage ihrer Bühnentätigkeit. Vielleicht wird das kreative Schicksal von B. Krasnov, der sich selbst als „Regisseur und Bühnenbildner“ bezeichnet, dasselbe sein.

Natürlich spürt ein Bühnenbildner bis zu einem gewissen Grad wie ein Regisseur das Drama in der Dynamik, in der Bewegung. Das bedeutet aber, dass er dadurch ersetzen kann Regisseur. Leider sehen wir genau das heute in der Produktion verschiedener Showprogramme. Dadurch wird die Bühnenperformance des Künstlers von der Gestaltung abhängig und nicht umgekehrt, wenn der Künstler den Inhalt seines Programms, seine Performance bestimmt andere Lösung Szenografie. Wir sehen oft, wie die Gestaltung eines Bühnenbildes mit allen modernen Tricks des Spiels mit Licht, Rauch, dem Einsatz von Elektronik und anderen Spezialeffekten für den Künstler nicht funktioniert, sondern zu einem pompösen Hintergrund wird. Wie wir bereits im vorherigen Kapitel sagten, wurde dies beispielsweise in der neuesten Produktion von A.B. deutlich gezeigt. Pugacheva „Weihnachtstreffen“ 1998 (Künstler B. Krasnov).

Rezension [fr. - Pantomime, Rezension] entstand erstmals im ersten Drittel des 19. Jahrhunderts (1830) in Frankreich als satirische Theatergattung. So war die damals beliebte „Jahresrevue“ ein aktueller Rückblick auf das Pariser Leben. Der Inhalt der Revue bestand schon damals aus wechselnden Nummern verschiedener Genres. Das heißt, die Revue trug im Wesentlichen alle Hauptmerkmale eines Varietéprogramms.

Eine Revue (Rezension) ist eine Form der Varietéaufführung, bei der einzelne Nummern durch eine Handlung verbunden werden, die es ermöglicht, dass sich der Handlungsort im Laufe seiner Entwicklung ständig „verändert“. Beispielsweise wird eine Bühnenbühne, manchmal ohne Änderung des Designs (nur unter Verwendung von Details), zu einem unterirdischen Durchgang für einen Akt, zu einer Parkbank für einen anderen, zu einer Stadiontribüne für einen dritten usw. Meistens basiert der Handlungsschritt auf der Notwendigkeit, dass der Held (die Helden) eine „Reise“ macht oder nach jemandem oder etwas „sucht“, oder der Handlungsschritt kann die Veröffentlichung einer Bühnenversion der Zeitung sein, wie in die gleiche Sortenrezension „Evening Moskau“. In einer Revue wird jede Nummer vom Zuschauer nicht als isoliertes Werk wahrgenommen, sondern als leuchtende Episode, als leuchtende Handlung in der Gesamtkomposition des Konzerts. Mit anderen Worten, eine Revue (Rezension) ist eine Varieté-Show zu einem Thema, das durch die Handlung konzipiert und zum Ausdruck gebracht wird und aus verschiedenen, zu Episoden zusammengefassten Nummern besteht.

Musiksaalprogramm“

Gewöhnlich wird „Music Hall“ auf zwei Arten definiert: Die erste Definition ist eine Art Theater, das Pop-Konzertaufführungen bietet, die zweite – als eine Art Varietéprogramm, eine Aufführung, deren Inhalt auf dem Wechsel verschiedener Nummern, Attraktionen, Demonstrationen virtuoser Spieltechniken, Bühnentricks, zementiert durch eine Handlung („gepunktete“) Bewegungen und Tanzeinlagen einer Ballettgruppe, meist einer Frauengruppe („Mädchen“).

Anders als Kabaretts hatten die Varietéprogramme von Anfang an keinen Anspruch auf Aktualität. Bei solchen Programmen stand nicht so sehr die Relevanz im Vordergrund, sondern vielmehr die Helligkeit der äußeren Form und die technische Raffinesse.

Die Bedingungen der Musiksaalprogramme, ihre Sättigung mit verschiedenen Produktionseffekten und Attraktionen veränderten auch die Art des öffentlichen Verhaltens. „Anstatt ein Komplize zu sein (wie in anderen Formen der Unterhaltung), wurde das Publikum im Musiksaal, wie im Theater, zu einem Publikum von Zuschauern.“

Das Schicksal der Moskauer Musikhalle war ziemlich schwierig. Entweder wurde es verfolgt und hörte auf zu existieren, dann entstand es wieder. Zu Beginn der zwanziger Jahre verfügte das Theater über keine feste Truppe. Auf dem Programm standen Gastdarsteller, darunter auch ausländische, die fast am Tag der Aufführung eintrafen. Natürlich ist es den Regisseuren selten gelungen, einen einzigen Film zu schaffen, der durch ein gemeinsames Konzept vereint ist.

Doch je bedeutender die Erfolge wurden, desto größer war der Einfallsreichtum und das Können.“

Das Programm des Varietés ist eine einzigartige Inszenierung eines farbenfrohen, manchmal exzentrischen Rezensionsspektakels, bestehend aus bezaubernden Szenen, die sich schnell ablösen, voller Abwechslung und Zirkusattraktionen; Rezensionsspektakel, bei dem erstklassige Nummern und Episoden mit Beteiligung von Pop-„Stars“ durch die sogenannte „Doted Line“-Plot verbunden werden. Einen sehr wichtigen Platz im Programm der Varietés nehmen die einfallsreich choreografierten Massentanznummern von „Mädchen“ mit perfekter Bewegungssynchronisation ein. Hierbei handelt es sich um ein Programm, an dem ein Poporchester teilnimmt, das sich meist auf der Bühne befindet. Dies sind immer helle, einprägsame Kostüme der Darsteller (insbesondere Ballett). Das ist die Brillanz der Farben, das Spiel von Licht und Schatten. Dies ist eine Designtransformation. Beispielsweise verwandeln sich Eisstalaktiten im Verlauf des Programms plötzlich in Blumen; oder fliegt quer durch den Saal auf die Bühne und landet Raumschiff(wie im Pariser Alcazar); oder plötzlich erhebt sich in der Mitte der Bühne ein riesiges Glasbecken, in dem Mädchen in Badeanzügen gemeinsam mit Krokodilen schwimmen und unter Wasser ein sportliches Synchronschwimmen absolvieren („Schloss Friedrichstatt“). Dabei handelt es sich um verschiedene Arten von Bühneneffekten. Hierbei handelt es sich um den Einsatz verschiedenster moderner technischer Gestaltungsmittel.

In der Varietékunst gibt es eine Form der Varietédarbietung wie „Teamminiaturen“.

In unserem Verständnis betont das Wort „Theater“ seine schöpferischen und organisatorischen Prinzipien, da in diesem Fall das Wort „Theater“ nicht gleichbedeutend mit dem Begriff „Theater“ ist, wenn wir unter diesem Wort einen kreativen Organismus verstehen, dessen Repertoire auf Dramatik basiert oder Ballettaufführungen. Andererseits basieren ihre Programme in Miniaturtheatern auf den gleichen Varieté-Aufführungen und unterscheiden sich von Varietés und Kabaretts nur durch die Größenordnung der Teilnehmerzahl. Was die Aufteilung der Miniaturen von Zuschauern und Darstellern in Theatern (durch die Trennung der Zuschauer von letzteren durch eine Rampe und andere Bühnenelemente) und das Verschwinden von Tischen aus dem Saal betrifft, so kam es auch in späteren Kabaretts zum Auftauchen von Rampen und Tischen.

Miniaturentheater ist nicht nur eine bestimmte Form und ein bestimmter Inhalt, sondern auch ein besonderer Stil und eine besondere Denkweise, eine Lebensweise.

Das erschreckte die Machthaber, die darin (besonders in den 20er und 30er Jahren) eine dem Proletariat fremde bürgerliche Kunst sahen. Diese Einstellung zur Kunst der kleinen Formen konnte die Entwicklung nur bremsen Pop-Art.

Sie konnten es nicht verbieten (aus Gründen, die nicht Gegenstand unserer Studie sind), sondern haben es nur toleriert. Von der Aufschrift „Varieté“ und schon gar nicht von „Kabarett“ auf Plakaten, die Popkonzerte ankündigten, war keine Rede. Wie sich herausstellte, wurde eine für alle akzeptable Lösung gefunden: Die Kunst der kleinen Formen wurde als „Varieté“ bezeichnet, obwohl das Wort „Varieté“ zuvor einen Bühnenbereich, eine Bühnenbühne und kleine Theater bedeutete Form-Theater Miniaturen, die keine feste Personaltruppe hatten und im Wesentlichen eine Mietplattform waren.

Miniatur [fr. Miniatur] – ein Wort, das einst nur eine gezeichnete und gemalte Dekoration in alten handgeschriebenen Büchern bedeutete (diese Zeichnungen wurden nach der aus der Miniatur hergestellten Farbe benannt), hat es auch übertragener Sinn: etwas verkleinert. Letzteres bestimmt das Repertoire des Miniaturtheaters. Hier können Sie verschiedene Varieté-Aufführungen sehen: ein kurzes Scherzstück, Varieté, einen Sketch, eine choreografische Miniatur, eine Pantomimeszene und sogar Kino. Das sind, wie man sagt, Werke kleiner Formen.

Das Moskauer Miniaturtheater unter der Leitung von Wladimir Poljakow, das Saratower Miniaturtheater (künstlerischer Leiter Lew Gorelik) und natürlich das berühmteste seit vielen Jahren das Leningrader Miniaturtheater unter der künstlerischen Leitung des einzigartigen Künstlers Arkady Raikin .

Aber zusätzlich zu den Arten von Programmen, über die wir sprechen, gibt es in der Pop-Art Formen der Pop-Performance, die sich von den von uns betrachteten unterscheiden. Dies ist eine Varieté-Show, eine Aufführung.

Unter Beibehaltung aller Hauptmerkmale eines Varietéprogramms und vor allem der Präsenz verschiedener Genres darin synthetisieren diese Kunstwerke gewissermaßen die Merkmale theatralischer Aktion. Die Dramaturgie einer Varieté-Show basiert auf einer detaillierten Handlung mit Rollenverkörperung und dem Schicksal der Helden. Sie nutzen in großem Umfang die dem Theater innewohnenden Ausdrucksmittel: Bühnengeschehen, Inszenierung, Bühnenatmosphäre usw.

Es ist kein Zufall, dass wir uns für eine Varieté-Show entschieden haben allgemeines Konzept„Varieté-Konzert“ Wenn der Begriff „Performance“ nicht erklärt werden muss (vielleicht gibt es kein einziges Werk zur Theaterkunst, in dem dieser Begriff nicht gründlich untersucht wurde), dann gibt es für „Performance“ viele, manchmal widersprüchliche Definitionen. Oft wird vor dem Wort „Performance“ das Wort „theatralisch“ geschrieben oder ausgesprochen, das heißt, sie nennen das Öl im Wesentlichen Öl, da der Begriff „Performance“ selbst mit dem Begriff „Theatralisierung“ identisch ist.

Da dieser Begriff („Theatralisierung“) bis heute unterschiedlich interpretiert wird, halten wir es in dieser Arbeit für notwendig, ihn aus der Sicht von Praktikern zu enthüllen, die mehr als eine Varietéaufführung inszeniert haben, zumal ein Theaterkonzert der Vorläufer eines ist Sortenleistung, nach unserem Verständnis die letzte. Das Konzept der „Theatralisierung“ in Bezug auf ein Konzert bedeutet, dass bei der Inszenierung eines solchen Konzerts zusätzlich zu all den poppigen Ausdrucksmitteln, über die wir bei der Analyse der Merkmale eines kombinierten Konzerts gesprochen haben, das Theaterkonzert auch die für das Theater charakteristischen Ausdrucksmittel verwendet und theatralische Aktion. Nämlich: Bühnenaktion (bekanntlich das wichtigste Ausdrucksmittel des Theaters), Inszenierung (wenn eine solche Kombination von Posen. Bewegungen der Darsteller in die dem Genre des Aktes innewohnende Statik eingeführt wird, die bei der Moment drückt die Essenz des Inhalts der Handlung und der Beziehung zwischen den Darstellern aus), Bühnenatmosphäre (für ihre Schaffung werden, wie im Theater, Spielbeleuchtung, Lärm, Hintergrundmusik und andere Elemente verwendet, die eine bestimmte Umgebung schaffen, in der die Handlung der Aufführung entsteht), Kostüm und Design.

Wenn man sich verschiedene Pop-Aufführungen ansieht, kann man leicht feststellen, dass die Handlung einer solchen Aufführung das Publikum nicht nur dazu zwingt, die Entwicklung der Handlung zu verfolgen, sondern auch die Logik der Konstruktion der Aufführung zu verstehen und zu akzeptieren und manchmal die eine oder andere Nummer wahrzunehmen (oder alle Zahlen) in einem unerwarteten Licht.

Eine Varietéaufführung zeichnet sich im Gegensatz zu einem Theaterkonzert durch die Rollenverkörperung des Entertainers (des oder der Moderatoren) aus. Das heißt, er oder sie werden, ausgestattet mit bestimmten Charaktereigenschaften und Merkmalen (Beruf, Alter, sozialer Status, Gewohnheiten usw.), zu einem aktiv aktiven Charakter in der Aufführung, weil er (sie) die Bewegung des verkörpert Handlung.

Während der Aufführung einer Aufführung denkt der Regisseur nicht darüber nach, welche „Spielbedingungen“ – theatralisch oder poppig – seine Regieentscheidung für den einen oder anderen Moment der Aufführung bestimmen. Die Synthese dieser „Spielbedingungen“ erfolgt für den Regisseur auf einer unterbewussten Ebene, und zum Zeitpunkt der Proben ist dem Regisseur nicht bewusst, was gerade von der Bühne und was vom Theater kommt. Diese Fähigkeit beruht, wenn auch unbewusst, auf zwei verschiedene Typen darstellende Künste.

Wie wir sehen, sogar in einem so scheinbar nahestehenden Genre Theaterkunst Eine Aufführung hat wie eine Varietéaufführung ihre eigenen Besonderheiten, ihre eigenen Methoden zur Steuerung der Kreativität. Und doch ist die Zukunft der Bühne trotz der Komplexität dieses Varietéprogramms nach unserem durch die moderne Praxis bestätigten Verständnis mit den Handlungsaufführungen verbunden. Wenn mit den Mitteln der Pop-Art eine Performance entsteht, bei der alles – Unterhaltung, Bühneneffekte, Licht- und Farbspiel, Szenografie und vor allem die Auswahl der Nummern – dem Gedanken, der Handlung, dem Konflikt usw. untergeordnet ist am wichtigsten - zum künstlerischen Bild der Aufführung. Es genügt, an einige der neuesten Programme zu erinnern, die auf der Bühne des Rossija-Konzertsaals aufgeführt wurden.

Natürlich ist die Aufführung die komplexeste Art von Varietéprogramm, denn darin, wie der herausragende Regisseur Fjodor Nikolajewitsch Kaverin schrieb: „Es gibt ein bestimmtes Textmaterial mit einer eigenen Handlung, mit einer bestimmten, wenn auch sehr geringen Anzahl von Charakteren.“ , und ihre Charaktere und Schicksale (meistens ihre komödiantischen Abenteuer) rücken unweigerlich in den Mittelpunkt. Reine Popnummern werden in einzelnen Momenten in den Spielverlauf eingestreut... Bei der konkreten Entwicklung der Idee einer solchen Aufführung steht der Regisseur vor ganz besonderen Aufgaben, ganz anders als das, was seine Arbeit im Theater allgemein bestimmt . Er muss das Prinzip festlegen, nach dem Zahlen in ein solches Spielprogramm eingeführt werden, die richtigen Proportionen ihrer Zahlen im Verhältnis zur Handlung finden und festlegen, ihren Charakter bestimmen ... Das besondere Anliegen des Regisseurs bei der Arbeit an einer solchen Aufführung ist die Suche und Definition des Stils der gesamten Aufführung, der Spielweise, die in Kombination mit konventionellen Popstücken... „Außerdem bedarf es eines eigenen inneren Verlaufs und eines klar etablierten Zusammenhangs (egal ob koordiniert oder bewusst kontrastierend) innerhalb der Aufführung.“

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Einführung

3. Genres der Pop-Art

Abschluss

Liste der verwendeten Literatur

Einführung

Regisseur des Genres Varieté-Kunst

Die Wurzeln der Pop-Art reichen bis in die ferne Vergangenheit zurück und lassen sich in der Kunst Ägyptens und Griechenlands nachweisen. Elemente der Bühne waren in den Auftritten reisender Menschen präsent – ​​Possenreißer (Russland), Shpilmans (Deutschland), Jongleure (Frankreich) und so weiter. Als Träger einer neuen gesellschaftlichen Idee fungierte die Troubadour-Bewegung in Frankreich (spätes 11. Jahrhundert). Seine Spezialität war das Schreiben von Auftragsmusik, Genrevielfalt Lieder von Liebestexten bis zur Verherrlichung militärischer Heldentaten von Militärführern. Engagierte Sänger und reisende Künstler verbreiteten die musikalische Kreativität.

Satire auf städtisches Leben und Moral, scharfe Witze zu politischen Themen, eine kritische Haltung gegenüber der Macht, Couplets, komische Szenen, Witze, Spiele und musikalische Exzentrizitäten waren die Anfänge zukünftiger Pop-Genres, geboren im Lärm von Karneval und Platzvergnügungen. Barkers, die mit Hilfe von Witzen, Witzen und lustigen Sprüchen jedes Produkt auf Plätzen und Märkten verkauften, wurden später zu den Vorläufern des Entertainers. All dies war massiver und verständlicher Natur, was eine unabdingbare Voraussetzung für die Existenz aller Pop-Genres war. Alle mittelalterlichen Karnevalskünstler traten nicht auf. Die Grundlage der Aufführung war die Miniatur, die sie vom Theater unterschied, dessen Hauptmerkmal die Elemente sind, die die Handlung miteinander verbinden. Diese Künstler stellten keine Charaktere dar, sondern handelten immer in ihrem eigenen Namen und kommunizierten direkt mit dem Publikum. Dies ist immer noch das Hauptmerkmal des modernen Showbusiness.

Etwas später (Mitte und Ende des 18. Jahrhunderts) entstanden im Ausland verschiedene Unterhaltungseinrichtungen – Musikhallen, Varietés, Kabaretts, Ministershows, die alle Erfahrungen von Jahrmarkts- und Karnevalsaufführungen vereinten und die Vorläufer moderner Unterhaltungsorganisationen waren . Mit dem Übergang vieler Straßengattungen in Innenräume begann sich eine besondere Ebene der darstellenden Kunst herauszubilden, da die neuen Bedingungen eine konzentriertere Wahrnehmung des Betrachters erforderten. Die Tätigkeit von Cafés – Chantans, Cafés – Konzerten, die für eine kleine Anzahl von Besuchern konzipiert waren und in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts entstanden, ermöglichte die Entwicklung von Kammergenres wie lyrischem Gesang, Entertainer, Solotanz und Exzentrizität. Der Erfolg solcher Cafés führte zur Entstehung größerer, spektakulärerer Unternehmen – Café-Konzerte wie „Ambassador“, „Eldorado“ und andere.

Diese Form der Darbietung zeichnete sich durch Qualitäten wie Offenheit, Lakonizität, Improvisation, Festlichkeit, Originalität und Unterhaltung aus. Zu dieser Zeit erlangt Frankreich den Status eines Kultur- und Unterhaltungszentrums. „Theater Montassier“ (Varieté) – vereint Musik-, Theater- und Zirkuskunst. Im Jahr 1792 erfreute sich das Vaudeville-Theater großer Beliebtheit. Das Repertoire des Theaters besteht aus Komödienstücken, die Dialoge mit Couplets, Liedern und Tänzen abwechseln. Kabarett (ein Veranstaltungsort, der Lied- und Tanzgenres mit unterhaltsamem Charakter kombiniert) und Operette erfreuten sich großer Beliebtheit.

Popmusik entwickelte sich als Kunst der festlichen Freizeitgestaltung und strebte schon immer nach Originalität und Vielfalt. Das festliche Gefühl entstand durch äußere Unterhaltung, Lichtspiele, einen Wechsel der malerischen Szenerie und eine Veränderung der Form des Bühnenbereichs.

Seit den 20er Jahren des letzten Jahrhunderts steht Popmusik im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit von Kultur- und Künstlerpersönlichkeiten, Forschern verschiedener Wissensgebiete und ist Gegenstand von Kontroversen auf den Seiten von Zeitschriften und Streitigkeiten in wissenschaftlichen Kreisen. Im Laufe der Geschichte der russischen Pop-Art hat sich die Einstellung zu ihr immer wieder geändert. „In der Hauswissenschaft gibt es eine Tradition, Pop-Art und in diesem Zusammenhang Jazz und dann Rockmusik als Manifestationen der Massenkultur zu betrachten, die im Rahmen der Soziologie, Sozialpsychologie und anderen sozialen Bereichen zum Untersuchungsgegenstand wurden.“ Das Interesse von Kultur- und Politikwissenschaftlern an den Problemen der modernen Popmusik und den von ihr erzeugten soziokulturellen Phänomenen ist bis heute ungebrochen.“

Die Entwicklung des Kinos hatte auf der ganzen Welt erstaunliche Auswirkungen und wurde in der Folge zu einem unmittelbaren Merkmal jeder Gesellschaft. Seit den späten 1880er und frühen 1900er Jahren steht es in enger Nachbarschaft zur entstehenden heimischen Bühne, ist als Institution und als Spektakel eine direkte Fortsetzung der Bude. Die Bänder wurden von Unternehmern in Transportern zusammen mit der Projektionsausrüstung von Stadt zu Stadt transportiert. Der Mangel an Elektrizität behinderte die Entwicklung des Kinos in weiten Teilen des Landes. Unter Berücksichtigung dieser Tatsache kaufen Unternehmer kleine tragbare Kraftwerke, die die Möglichkeiten des Filmvertriebs erheblich erweitert haben.

Also „Entwicklung“. Musikkultur„Ohne die Umsetzung einer ganzen Reihe von Managementaufgaben, deren Lösung die Ausbildung von qualifiziertem Personal entsprechend den modernen soziokulturellen Bedingungen erfordert, ist dies nicht möglich.“

Es gibt auch einen umgekehrten Prozess – die Kommerzialisierung (ohne negative Konnotation) der Bühne. So lagen die Fanspreise für Madonnas Konzerte in London im August 2007 zwischen 80 und 160 Pfund (von 140 bis 280 Dollar) plus 13 Pfund für die Buchung. Die Re-Invention-Tournee, mit der sie vor zwei Jahren durch die USA und Europa tourte, brachte 125 Millionen US-Dollar ein, mehr als jede andere Show in diesem Jahr. Tickets für Konzerte in London kosten dann bis zu 150 Pfund.

Tatsächlich ist Madonna eine der Hauptnutznießerinnen der Veränderungen, die mächtige Wirtschaftskräfte in der Unterhaltungsindustrie mit sich gebracht haben.

1. Zahl – der Hauptbestandteil der Pop-Art

Eine Aufführung ist eine eigenständige, vollständige Aufführung eines oder mehrerer Künstler. Es ist die Grundlage der Pop-Art – „Die Nummer Seiner Majestät“ – sagte N. Smirnov-Sokolsky. Die Abfolge, die „Montage“ von Zahlen ist die Essenz eines Konzerts, eines Theaterprogramms oder einer Varietéaufführung. Zunächst wurde der Begriff „Anzahl“ im wörtlichen Sinne verwendet, er bestimmte die Reihenfolge der aufeinander folgenden Künstler: erster, zweiter, fünfter... in einem Varieté- (oder Zirkus-)Programm (auch der Wechsel einzelner Szenen in eine Oper – „Nummernoper“, im Ballett).

Für einen Künstler, der auf der Bühne auftritt, ist eine Nummer eine kleine Aufführung mit eigenem Anfang, Höhepunkt und Abschluss. Die kurze Dauer der Aufführung (nicht mehr als 15–20 Minuten) erfordert eine extreme Konzentration der Ausdrucksmittel, Lakonizität und Dynamik. Zu Bühnenaufführungen werden Regisseure und manchmal auch Komponisten, Choreografen und Künstler, darunter Kostüm- und Lichtdesigner, hinzugezogen.

In einem Skript kann eine Zahl als separater Aktionsabschnitt definiert werden, der über eine eigene interne Struktur verfügt.

Der Aufbau der Zahl ist identisch mit dem Aufbau jeder dramatischen Handlung. Es sollte eine Art expositionellen Moment geben, eine notwendige Handlung für die Handlung. Eine Aufführung kann ohne Entwicklung nicht existieren, deren Intensität von den konkreten Aufgaben des Regisseurs abhängt. Der Höhepunkt im Akt wird meist als kontrastierender Wendepunkt ausgedrückt, ohne den die notwendige Vollständigkeit der Entwicklung des gesamten Szenarios nicht stattfinden kann. Die Nummer endet in der Regel mit einem Moment der Lösung, der die Handlung relativ vollständig abschließt.

Die Intensität der Nummer sollte relativ kurz sein, aber nicht kurz. Seine Dauer hängt direkt von seiner Funktion, seinem Zweck, seiner Aufgabe bei der Gesamtlösung des Themas ab: nicht weniger und nicht mehr, als ihm die künstlerische Logik zuschreibt.

Die nächste Anforderung an den Akt ist eine hohe inhaltliche Konzentration: In kürzester Zeit gilt es, maximale Informationen bereitzustellen und die Informationen nicht nur dem Betrachter zu vermitteln, sondern sie im Hinblick auf eine emotionale und ästhetische Wirkung künstlerisch zu gestalten.

Jedes Musikgenre hat seine eigene Existenzform. IN Opernhaus Bei dieser Aufführung handelt es sich um ein ganzheitliches, umfassendes, künstlerisch vollendetes Werk. Für Symphonie, Blaskapelle, Orchester Volksinstrumente, Kammerensembles und Solisten, diese Form ist ein Konzert, das die Aufführung eines oder mehrerer Werke beinhaltet. Für die Musicalbühne ist es ebenfalls ein Konzert, aber der besonderen Art. Es basiert auf Musiknummern verschiedener Genres und Stilrichtungen. Wenn sie beispielsweise in Begleitung eines Orchesters mit russischen Volksinstrumenten singen, handelt es sich um ein akademisches Konzert, und wenn sie von einem Instrumentalensemble ebenfalls mit Volksinstrumenten begleitet werden, handelt es sich um ein Popkonzert. Dieser Unterschied wird durch die spezifischen Leistungsmerkmale jedes Genres bestimmt. Eines der Hauptmerkmale eines musikalischen Varieté-Acts, ob gesanglich oder instrumental, ist die Besonderheit der Kommunikation mit dem Publikum. Der Bühnenkünstler wendet sich immer an das Publikum, das Publikum. Dieses Merkmal der Musikbühne hat historische Wurzeln. Sogar Possenreißer auf Volksfesten traten in direkte Kommunikation mit den Zuhörern. Heutzutage ist die direkte Kommunikation mit dem Betrachter komplexer und vielfältiger geworden. A. Alekseev hat diese Idee in seinem Buch „Serious and Funny“ sehr treffend und interessant ausgedrückt. Auf der Bühne habe man, im Gegensatz zu einem akademischen Konzert, „immer das Gefühl, dass man das nicht für einen sagt, sondern dass man mit einem spricht ...“.

Dieses Merkmal der darstellenden Kunst – sei es ein musikalisches Feuilleton, Verse, ein Lied, ein Instrumentalstück – bestimmt das Wesen und den Unterschied zwischen einer Popnummer und einer akademischen Aufführung. Wenn ein Solist-Instrumentalist oder Sänger an den Bühnenrand tritt, ein Lied singt oder ein Musikstück spielt, ist das nicht nur ein Auftritt, sondern ein zutiefst persönlicher, aufrichtiger Appell an die im Saal Sitzenden, an alle gleichzeitig und an jeden Einzelnen.

Vielfalt ist sehr eng mit dem Theater verbunden; die Formen von Theater- und Popwerken sind unterschiedlich. Wenn es sich im ersten Fall, wie A. Anastasyev feststellte, um eine Leistung handelt, dann handelt es sich in der Kunst des Varietés um eine Zahl, die in den Worten von Yu Dmitriev „die Grundlage der Varietékunst“ ist.

Gleichzeitig gibt es eine Lücke in der Wissenschaft der Popmusik. Die einhellige Erkenntnis, dass es die Zahl ist, die die Grundlage und „Maßeinheit“ der Varietékunst darstellt, einerseits und das praktisch Fehlen einer Theorie zur Schaffung eines Varietégesetzes andererseits, schafft eine Art von „Paradoxon über den Varieté Act.“ Die dominierende Stellung der Zahl in der Struktur der Pop-Art zwingt uns zu folgender grundsätzlichen Schlussfolgerung: Nämlich künstlerischer Wert Varieté-Acts bestimmen letztlich den Entwicklungsvektor der Pop-Art als Ganzes. Daher kann die Analyse der künstlerischen Struktur eines Sortengesetzes in enger Verbindung mit der Methodik seiner Entstehung als eines der Hauptprobleme der Sortenforschung bezeichnet werden, das einer gründlichen Forschung bedarf.

Die Schaffung eines Varieté-Acts bündelt die Kreativität des Autors, Schauspielers, Regisseurs und Künstlers. Bestimmte Aspekte der Arbeit des Autors und Künstlers werden in der Dissertation bei der Analyse der künstlerischen Struktur des Themas berücksichtigt, das Hauptaugenmerk liegt jedoch auf der Arbeit des Schauspielers und Regisseurs.

Bei der künstlerischen Gestaltung eines Varietés nimmt der Schauspieler wie im Theater eine führende Stellung ein. Auf der Bühne macht sich dies aber vor allem durch seine extreme Personifizierung bemerkbar. Die Praxis zeigt, dass Pop-Künstler im Gegensatz zum Theater oft die Autoren ihrer eigenen Kunstwerke – Nummern – sind. Darüber hinaus macht es die Improvisationskunst des Schauspielers, die die Grundlage bestimmter Pop-Genres bildet, erforderlich, die Besonderheiten des Entstehungsprozesses einer Nummer direkt im Moment ihrer Aufführung zu studieren.

Bei der Regie eines Varietés konzentrieren sich alle Komponenten der Inszenierung auf die Zusammenarbeit mit dem Autor des Textes, dem Komponisten, dem Choreografen, dem Künstler und dem Schauspieler. Dieses Axiom muss wiederholt werden, da mit Bedauern festgestellt werden muss, dass selbst die grundlegenden Aspekte der Theorie und Praxis der Arbeit eines Regisseurs an einem Varieté-Stück kaum formuliert und überhaupt nicht verallgemeinert sind. „Meiner Meinung nach wurde wenig über die Arbeit des Regisseurs innerhalb des Akts gesagt“, bemerkte beispielsweise N. Zavadskaya zu Recht: „Inzwischen ist sie für den Künstler notwendig, auch wenn er über alle professionellen Fähigkeiten verfügt.“ Selbst die herausragendsten beruflichen Fähigkeiten eines Pop-Künstlers werden zu einer bedeutungslosen Reihe von Tricks, Reprisen und anderen Ausdrucksmitteln, wenn sie nicht auf den gemeinsamen Nenner eines ganzheitlichen künstlerischen Bildes gebracht werden, das einer der Hauptbestandteile des Regisseurberufs ist Im Algemeinen. Und es gibt keinen Grund, das Sortengesetz als Ausnahme von dieser Regel zu betrachten.

2. Klassifizierung von Sortengesetzen nach generischen Sortengattungen

Jede Klassifizierung in der Kunst ist unvollständig, und deshalb können wir hier Arten und Genregruppen unterscheiden und uns nur auf die Zahlen konzentrieren, die häufig in Aufführungsszenarien vorkommen. Sortennummern werden nach Merkmalen in vier Gruppen eingeteilt.

Die erste Typgruppe umfasst Konversations- (oder Sprach-) Nummern. Dann gibt es musikalische, plastisch-choreografische, gemischte, „originelle“ Nummern.

Zu den Konversationsgenres gehören: Entertainer, Reprise, Wortspiel, Zwischenspiel, Miniatur, Sketch, Pop-Monolog, Pop-Feuilleton, Musikfeuilleton, Musikmosaik, Couplets, Liedchen, Parodien.

Genres plastischer choreografischer Nummern: Tanz (Folk, Charakter, Pop, Modern), Pantomime und plastische Skizze.

Genres der Typengruppe der „Originaldarbietungen“: Exzentrizität, Zaubertricks, Possenreißer, Spielen ungewöhnlicher Musikinstrumente, Lautmalerei, populäre Drucke, Tantamoresken, Akrobatik, Zirkusdarbietungen, Sportdarbietungen.

Die Einbeziehung der Zuschauer in die direkte Aktion einer Theateraufführung ist eines der Besonderheiten dieser Art von Kunst. Daher ist hier die Spielnummer in ihren verschiedenen Genreformen (entweder bezogen auf gemischte oder „originale“ Nummern) weit verbreitet.

Zur Gruppe der Musiknummern zählen wir zunächst eine Konzertmusiknummer. Seine Vollständigkeit wird durch die musikalische Form selbst bestimmt. Wenn die Nummer als Auszug aus genommen wird Gute Arbeit Dann sollte es relativ vollständig sein und einen ganzheitlichen Eindruck hinterlassen. Das wichtigste Musikgenre ist das Lied: Folk, Lyrik, Pop, Urban Romance, Zigeunerromantik, Musikfeuilleton.

Das beliebteste Musikgenre der Menschen ist Liedchen. Seine Merkmale sind Aktualität, extreme Kürze, Ausdruckskraft der Form und Kapazität des Inhalts. Ein auf einem bestimmten Material erstelltes Liedchen ist im Hinblick auf die Effizienz ein unverzichtbares Genre. Das Reden in einem Liedchen klingt immer individualisiert, künstlerisch begründet, wie Reden eine bestimmte Person oder als Dialekt, der für eine bestimmte Region, Region, Region charakteristisch ist.

Dem lakonisch ausgedrückten Inhalt des Liedchens entspricht eine klare Komposition, die durch Form und Struktur des Vierzeilers bestimmt wird. Eines der charakteristischen Merkmale dieser Form ist die organische Verbindung von Konversationsintonation und musikalischer Struktur. Aber im Allgemeinen wird die Liedchenzahl als wirksames Element des in sich abgeschlossenen Programms konstruiert.

Beim Singen wird die vierzeilige Liedchenstrophe in zwei Halbstrophen mit einer tiefen Pause in der Mitte geteilt. Die Pause bereitet auf eine neue, meist unerwartete Wende, Lösung des zu Beginn „deklarierten“ Themas vor. In der Regel spielt das erste Couplet die Rolle des Anfangs; es gibt sozusagen den Anfang einer lyrischen Erzählung; Der zweite Vers ist der Schluss: Entwicklung des Themas und abschließender Schluss. Gerade diese dramatische Struktur des Liedchens macht es zu einem äußerst ausdrucksstarken, wirkungsvollen Genre, das vom Hörer leicht wahrgenommen wird.

Lieder mit „Vorbehalten“ haben eine große emotionale Wirkung.

3. Genres der Pop-Art

Die Wurzeln der Pop-Art reichen bis in die ferne Vergangenheit zurück und finden sich in der Kunst Ägyptens, Griechenlands und Roms; Seine Elemente sind in den Auftritten von reisenden Possenreißern (Russland), Shpilmanov (Deutschland), Jongleuren (Frankreich), Dandys (Polen) und Maskeradern ( Mittelasien) usw.

Satire auf städtisches Leben und Moral, scharfe Witze zu politischen Themen, eine kritische Einstellung zur Macht, Couplets, komische Szenen, Witze, Spiele, Clown-Pantomime, Jonglieren und musikalische Exzentrizitäten waren die Anfänge zukünftiger Pop-Genres, geboren im Lärm des Karnevals und quadratische Vergnügungen.

Barkers, die mit Hilfe von Witzen, Witzen und lustigen Sprüchen jedes Produkt auf Plätzen und Märkten verkauften, wurden später zu den Vorläufern des Entertainers. All dies war massiver und verständlicher Natur, was eine unabdingbare Voraussetzung für die Existenz aller Pop-Genres war. Alle mittelalterlichen Karnevalskünstler traten nicht auf.

In Russland manifestierten sich die Ursprünge des Pop-Genres in Possenspaß, Spaß und Massenkreativität sowie Volksfesten. Ihre Vertreter sind die Raus-Joker mit dem obligatorischen Bart, die das Publikum von der oberen Plattform der Raus-Kabine aus amüsierten und einluden, darunter Petersilienspieler, Raeschniks, Anführer der „gelehrten“ Bären, Possenreißer, die „Skizzen“ und „Reprisen“ vorführten die Menge, spielte Pfeifen, Harfe, schnüffelte und amüsierte die Leute.

Varietékunst zeichnet sich durch Qualitäten wie Offenheit, Lakonizität, Improvisation, Festlichkeit, Originalität und Unterhaltung aus.

Popmusik, die sich als Kunst der festlichen Freizeitgestaltung entwickelte, strebte immer nach Ungewöhnlichkeit und Vielfalt. Das eigentliche Festgefühl entstand durch äußere Unterhaltung, Lichtspiele, malerische Landschaftswechsel, veränderte Form des Bühnenbereichs usw. Obwohl die Bühne durch eine Vielfalt an Formen und Genres gekennzeichnet ist, lässt sie sich in drei Gruppen einteilen:

Konzertbühne (früher „Divertissement“ genannt) vereint alle Arten von Aufführungen in Varietékonzerten;

Theaterbühne (Kammeraufführungen von Miniaturtheatern, Kabaretttheatern, Café-Theatern oder großen Konzertrevuen, Varietés, mit großer Besetzung und erstklassiger Bühnentechnik);

Festliche Bühne (Volksfeste, Feiertage in Stadien, voller Sport- und Konzertaufführungen sowie Bälle, Karneval, Maskeraden, Festivals usw.).

Es gibt auch diese:

1. Varietétheater

2. Musikhallen

Wenn die Grundlage einer Varieté-Aufführung eine fertige Nummer ist, dann erforderte die Rezension, wie jede dramatische Handlung, die Unterordnung aller Ereignisse auf der Bühne unter die Handlung. Dies fügte sich in der Regel nicht organisch zusammen und führte zu einer Schwächung einer der Komponenten der Aufführung: entweder der Nummer, der Charaktere oder der Handlung. Dies geschah während der Produktion von „Wunder des 20. Jahrhunderts“ – das Stück zerfiel in mehrere unabhängige, lose zusammenhängende Episoden. Lediglich das Ballettensemble und mehrere erstklassige Zirkusdarbietungen hatten beim Publikum Erfolg. Das von Goleizovsky inszenierte Ballettensemble führte drei Nummern auf: „Hey, lasst uns schreien!“, „Moskau im Regen“ und „30 englische Mädchen“. Besonders beeindruckend war der Auftritt von „Snake“. Unter den Zirkusdarstellern waren die besten: Tea Alba und die „Australian Lumberjacks“ Jackson und Laurer. Alba schrieb mit der rechten und der linken Hand gleichzeitig verschiedene Wörter mit Kreide auf zwei Tafeln. Holzfäller am Ende des Raumes rannten darum, zwei dicke Baumstämme zu fällen. Der deutsche Strodi zeigte einen hervorragenden Balanceakt auf dem Drahtseil. Er schlug Saltos an einem Drahtseil. Von den sowjetischen Künstlern hatten wie immer Smirnov-Sokolsky und die Lieder V. Glebova und M. Darskaya großen Erfolg. Unter den Zirkusdarbietungen stach die Darbietung von Zoe und Martha Koch auf zwei parallelen Drähten hervor.

Im September 1928 fand die Eröffnung der Leningrader Musikhalle statt.

3. Theater der Miniaturen – eine Theatergruppe, die hauptsächlich an kleinen Formen arbeitet: kleine Theaterstücke, Skizzen, Opern, Operetten sowie Varieténummern (Monologe, Couplets, Parodien, Tänze, Lieder). Humor, Satire und Ironie dominieren das Repertoire, auch Lyrik ist nicht ausgeschlossen. Die Truppe ist klein, ein Theater mit einem oder zwei Schauspielern ist möglich. Die Aufführungen sind lakonisch gestaltet, richten sich an ein relativ kleines Publikum und präsentieren eine Art Mosaik-Leinwand.

4. Konversationsgenres auf der Bühne – ein Symbol für Genres, die hauptsächlich mit dem Wort verbunden sind: Entertainer, Zwischenspiel, Sketch, Sketch, Geschichte, Monolog, Feuilleton, Mikrominiatur (inszenierte Anekdote), Burime.

Entertainer – Entertainer können zu zweit, einzeln oder in der Masse auftreten. Ein Konversationsgenre, das nach den Gesetzen der „Einheit und des Kampfes der Gegensätze“ aufgebaut ist, also dem Übergang von Quantität zu Qualität nach dem satirischen Prinzip.

Ein Pop-Monolog kann satirisch, lyrisch oder humorvoll sein.

Zwischenspiel ist eine komische Szene oder ein Musikstück mit humorvollem Inhalt, das als eigenständige Nummer aufgeführt wird.

Eine Skizze ist eine kleine Szene, in der sich Intrigen schnell entwickeln, in der die einfachste Handlung auf unerwarteten lustigen, ergreifenden Situationen und Wendungen aufbaut und während der Handlung eine ganze Reihe von Absurditäten entstehen lässt, in der jedoch in der Regel alles mit einem glücklichen Ende endet Auflösung. 1-2 Zeichen (jedoch nicht mehr als drei).

Miniatur ist das beliebteste gesprochene Genre auf der Bühne. Auf der heutigen Bühne ist ein beliebter Witz (nicht veröffentlicht, nicht gedruckt – aus dem Griechischen) eine kurze aktuelle mündliche Geschichte mit einem unerwarteten witzigen Ende.

Ein Wortspiel ist ein Witz, der auf der komischen Verwendung ähnlich klingender, aber unterschiedlich klingender Wörter basiert, um die Klangähnlichkeit äquivalenter Wörter oder Kombinationen auszuspielen.

Reprise ist das am weitesten verbreitete Genre für kurze Konversationen.

Couplets sind eine der verständlichsten und beliebtesten Varianten des Konversationsgenres. Der Coupletist versucht, dieses oder jenes Phänomen lächerlich zu machen und seine Einstellung dazu zum Ausdruck zu bringen. Muss Sinn für Humor haben

Zu den Musik- und Konversationsgenres gehören Couplet, Liedchen, Chansonette und musikalisches Feuilleton.

Eine auf der Bühne übliche Parodie kann „konversational“, gesanglich, musikalisch oder tänzerisch sein. Zu den Sprachgenres gehörten einst Rezitationen, melodische Rezitationen, literarische Montagen und „künstlerische Lesung“.

Es ist unmöglich, eine genau erfasste Liste von Sprachgenres anzugeben: Unerwartete Synthesen von Wörtern mit Musik, Tanz, ursprünglichen Genres (Transformation, Ventrologie usw.) bringen neue Genreformationen hervor. Die lebendige Praxis liefert ständig alle möglichen Varianten; es ist kein Zufall, dass es auf alten Plakaten üblich war, den Namen des Schauspielers mit „in seinem Genre“ zu versehen.

Jede der oben genannten Sprachgattungen hat ihre eigenen Merkmale, ihre eigene Geschichte und Struktur. Die Entwicklung der Gesellschaft und der sozialen Bedingungen diktierten die Entstehung des einen oder anderen Genres. Tatsächlich kann nur der im Kabarett geborene Entertainer als „Varieté“-Genre bezeichnet werden. Der Rest kam aus Kabinen, Theatern und von den Seiten humoristischer und satirischer Zeitschriften. Sprachgenres entwickelten sich im Gegensatz zu anderen, die dazu neigen, ausländische Innovationen zu berücksichtigen, im Einklang mit der heimischen Tradition, in enger Verbindung mit Theater und humorvoller Literatur.

Die Entwicklung von Sprachgattungen hängt mit dem Niveau der Literatur zusammen. Hinter dem Schauspieler steht der Autor, der im Darsteller „stirbt“. Und doch schmälert der Eigenwert der Schauspielerei nicht die Bedeutung des Autors, der maßgeblich über den Erfolg der Handlung entscheidet. Oftmals wurden die Künstler selbst zu Autoren. Die Traditionen von I. Gorbunov wurden von Pop-Geschichtenerzählern aufgegriffen – Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov und andere schufen ihr eigenes Repertoire. Schauspieler, die kein literarisches Talent hatten, wandten sich um Hilfe an Autoren, die mit der Erwartung einer mündlichen Aufführung schrieben Berücksichtigen Sie die Maske des Darstellers. Diese Autoren blieben in der Regel „namenlos“. Seit vielen Jahren wird in der Presse die Frage diskutiert, ob ein für die Aufführung auf der Bühne geschriebenes Werk als Literatur gelten kann. In den frühen 80er Jahren wurden die Allunions- und dann die Allrussischen Verbände der Popautoren gegründet, die zur Legitimierung dieser Art literarischer Tätigkeit beitrugen. Die „Anonymität“ des Autors gehört der Vergangenheit an; zudem betraten die Autoren selbst die Bühne. Ende der 70er Jahre erschien das Programm „Hinter den Kulissen des Lachens“, komponiert wie ein Konzert, jedoch ausschließlich aus Auftritten von Pop-Autoren. Präsentierten in den vergangenen Jahren nur einzelne Autoren (Averchenko, Ardov, Laskin) ihre eigenen Programme, ist dieses Phänomen mittlerweile weit verbreitet. Das Phänomen M. Zhvanetsky trug wesentlich zum Erfolg bei. Nachdem er in den 60er Jahren als Autor des Leningrader Miniaturtheaters begonnen hatte, begann er unter Umgehung der Zensur an geschlossenen Abenden in den Häusern der kreativen Intelligenz, seine kurzen Monologe und Dialoge zu lesen, die sich wie Wyssozkis Lieder im ganzen Land verbreiteten.

5. Jazz auf der Bühne

Der Begriff „Jazz“ wird allgemein verstanden als: 1) eine Art Musikkunst, die auf Improvisation und besonderer rhythmischer Intensität basiert, 2) Orchester und Ensembles, die diese Musik aufführen. Zur Bezeichnung von Gruppen werden auch die Begriffe „Jazzband“, „Jazzensemble“ (manchmal mit Angabe der Anzahl der Interpreten – Jazztrio, Jazzquartett, „Jazzorchester“, „Big Band“) verwendet.

6. Lied auf der Bühne

Vokale (vokal-instrumentale) Miniatur, weit verbreitet in der Konzertpraxis. Auf der Bühne wird es oft als Bühnen-„Spiel“-Miniatur mit Hilfe von Plastik, Kostüm, Licht, Inszenierung („Liedtheater“) gelöst; Von großer Bedeutung sind die Persönlichkeit, die Talentmerkmale und das Können des Interpreten, der in manchen Fällen zum „Mitautor“ des Komponisten wird.

Die Genres und Formen des Liedes sind vielfältig: Romantik, Ballade, Volkslied, Couplet, Liedchen, Chansonette usw.; Auch die Aufführungsmethoden sind vielfältig: Solo, Ensemble (Duette, Chöre, Vokal-Instrumentalensemble).

Auch unter Popmusikern gibt es eine Komponistengruppe. Dies sind Antonov, Pugacheva, Gazmanov, Loza, Kuzmin, Dobrynin, Kornelyuk usw. Das vorherige Lied war hauptsächlich ein Lied eines Komponisten, das aktuelle ist ein Lied eines „Interpreten“.

Viele Stile, Umgangsformen und Trends existieren nebeneinander – von sentimentalem Kitsch und urbaner Romantik bis hin zu Punkrock und Rap. Somit ist das heutige Lied ein vielfarbiges und stilistisches Panel, das Dutzende von Richtungen umfasst, von heimischen Folklore-Imitationen bis hin zu Aufgüssen afroamerikanischer, europäischer und asiatischer Kulturen.

7. Tanzen Sie auf der Bühne

Dabei handelt es sich um eine kurze Solo- oder Gruppentanznummer, die in landesweiten Popkonzerten, Varietés, Musikhallen und Miniaturtheatern aufgeführt wird. begleitet und ergänzt das Programm von Sängern, zahlreichen Original- und sogar Sprachgenres. Es entstand auf der Grundlage von Volkstanz, Alltagstanz, klassischem Ballett, modernem Tanz, Gymnastik, Akrobatik und der Kreuzung aller Arten ausländischer Einflüsse und nationaler Traditionen. Die Art der Tanzplastizität wird durch moderne Rhythmen bestimmt und entsteht unter dem Einfluss verwandter Künste: Musik, Theater, Malerei, Zirkus, Pantomime.

Volkstänze gehörten zunächst zu den Aufführungen der Hauptstadttruppen. Das Repertoire umfasste theatralische Divertissement-Aufführungen des Dorf-, Stadt- und Militärlebens sowie Gesangs- und Tanzsuiten russischer Volkslieder und Tänze.

In den 90er Jahren polarisierte der Tanz auf der Bühne stark, als würde er zur Situation der 20er Jahre zurückkehren. Im Showbusiness tätige Tanzgruppen wie „Erotic Dance“ und andere setzen auf Erotik – Auftritte in Nachtclubs diktieren ihre eigenen Gesetze.

8. Puppen auf der Bühne

Seit jeher wird in Russland Kunsthandwerk geschätzt, Spielzeug geliebt und lustiges Spiel mit einer Puppe. Petruschka beschäftigte sich mit einem Soldaten, einem Polizisten, einem Priester und sogar mit dem Tod selbst, schwang tapfer eine Keule, tötete diejenigen, die das Volk nicht mochte, stürzte das Böse und bekräftigte die Moral des Volkes.

Die Petersilienspieler wanderten allein, manchmal zusammen: ein Puppenspieler und ein Musiker, sie selbst komponierten Theaterstücke, sie waren selbst Schauspieler, sie waren selbst Regisseure – sie versuchten, die Bewegungen der Puppen, der Inszenierung und der Puppe zu bewahren Tricks. Puppenspieler wurden verfolgt.

Es gab andere Shows, in denen Puppen auftraten. Auf den Straßen Russlands konnte man Lieferwagen sehen, die mit Puppen an Schnüren beladen waren – Marionetten. Und manchmal mit Kisten mit Schlitzen im Inneren, durch die die Puppen von unten bewegt wurden. Solche Kisten wurden Krippen genannt. Puppen beherrschten die Kunst der Nachahmung. Sie liebten es, Sänger zu verkörpern, sie ahmten Akrobaten, Turner und Clowns nach.

9. Parodie auf der Bühne

Dies ist eine Nummer oder Darbietung, die auf einer ironischen Nachahmung (Nachahmung) sowohl der individuellen Art, des Stils, der charakteristischen Merkmale und Stereotypen des Originals als auch ganzer Bewegungen und Genres in der Kunst basiert. Die Bandbreite des Komischen: von scharf satirisch (abwertend) bis humorvoll (freundlicher Cartoon) wird durch die Haltung des Parodisten zum Original bestimmt. Die Parodie hat ihre Wurzeln in der antiken Kunst; in Russland ist sie seit langem in Possenspielen und Possendarbietungen präsent.

10. Kleine Theater

Gründung von Kabaretttheatern in Russland „The Bat“, „Curved Mirror“ usw.

Sowohl „The Crooked Mirror“ als auch „The Bat“ waren professionell starke Schauspielgruppen, deren Niveau der Theaterkultur zweifellos höher war als in zahlreichen Miniaturtheatern (von den Moskauer Theatern stach Petrovsky, dessen Direktor D.G. Gutman war, mehr hervor als). andere, Mamonovsky, der dekadente Kunst kultivierte, wo Alexander Vertinsky während des Ersten Weltkriegs debütierte, unter den St. Petersburger - Troitsky A.M. Rappoport, wo mit Liedern und wie Entertainer wurde erfolgreich von V.O. Toporkov, später einem künstlerischen Theaterkünstler, aufgeführt.

4. Musikgenres auf der Bühne. Grundprinzipien, Techniken und Regie

Pop-Genres werden unterschieden:

1. Lateinamerikanische Musik

Lateinamerikanische Musik (span. musica latinoamericana) ist eine verallgemeinerte Bezeichnung für die Musikstile und -genres lateinamerikanischer Länder sowie für die Musik von Menschen aus diesen Ländern, die kompakt auf dem Territorium anderer Staaten leben und große lateinamerikanische Gemeinschaften bilden (z Beispiel in den USA). In der Umgangssprache wird häufig die Kurzbezeichnung „Lateinische Musik“ (span. musica latina) verwendet.

Lateinamerikanische Musik, deren Rolle in Alltagsleben Lateinamerika ist sehr hoch, es ist eine Verschmelzung vieler Musikkulturen, basiert aber auf drei Komponenten: spanischer (oder portugiesischer), afrikanischer und indischer Musikkultur. Lateinamerikanische Lieder werden in der Regel auf Spanisch oder Portugiesisch aufgeführt, seltener auf Französisch. In den USA lebende lateinamerikanische Künstler sind in der Regel zweisprachig und verwenden häufig englische Texte.

Eigentlich gehört die spanische und portugiesische Musik nicht zur lateinamerikanischen Musik, ist jedoch durch eine Vielzahl von Verbindungen eng mit dieser verbunden; Darüber hinaus beruht der Einfluss spanischer und portugiesischer Musik auf die lateinamerikanische Musik auf Gegenseitigkeit.

Trotz der Tatsache, dass die lateinamerikanische Musik äußerst heterogen ist und jedes Land Lateinamerikas seine eigenen Besonderheiten aufweist, kann sie stilistisch in mehrere regionale Hauptstile unterteilt werden:

* Andenmusik;

* Zentralamerikanische Musik;

* Karibische Musik;

* Argentinische Musik;

* Mexikanische Musik;

* Brasilianische Musik.

Allerdings ist zu bedenken, dass eine solche Einteilung sehr willkürlich ist und die Grenzen dieser Musikstile sehr fließend sind.

Blues (englisch: Blues from Blue Devils) ist ein Musikgenre, das in den 20er Jahren des 20. Jahrhunderts weit verbreitet war. Es ist eine der Errungenschaften der afroamerikanischen Kultur. Es entstand aus ethnischen Musiktrends der afroamerikanischen Gesellschaft wie „Work Song“, „Spirituals“ und Cholera. In vielerlei Hinsicht beeinflusste er die moderne Popmusik, insbesondere Genres wie „Pop“ (englische Popmusik), „Jazz“ (englischer Jazz), „Rock and Roll“ (englischer Rock „n“ Roll). Die vorherrschende Form des Blues ist der 4/4-Takt, wobei die ersten 4 Takte oft auf der Tonika gespielt werden, je 2 auf der Subdominante und der Tonika und je 2 auf der Dominante und der Tonika. Dieser Wechsel wird auch als Blues-Progression bezeichnet. Häufig wird der Rhythmus von Achteltriolen mit Pause verwendet – der sogenannte Shuffle. Ein charakteristisches Merkmal des Blues sind die „Blue Notes“. Musik basiert oft auf einer „Frage-Antwort“-Struktur, die sowohl im lyrischen Inhalt der Komposition als auch im musikalischen Inhalt zum Ausdruck kommt und oft auf einem Dialog zwischen Instrumenten aufbaut. Blues ist eine improvisierte Form des Musikgenres, bei der Kompositionen oft nur das tragende „Grundgerüst“ verwenden, das von Soloinstrumenten gespielt wird. Das ursprüngliche Blues-Thema basiert auf der sinnlichen sozialen Komponente des Lebens der afroamerikanischen Bevölkerung, seinen Schwierigkeiten und Hindernissen, die auf dem Weg jedes schwarzen Menschen auftreten.

Jazz ist eine Form der Musikkunst, die im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert in den Vereinigten Staaten als Ergebnis der Synthese afrikanischer und europäischer Kulturen entstand und sich anschließend weit verbreitete. Die charakteristischen Merkmale der Musiksprache des Jazz waren zunächst Improvisation, Polyrhythmik auf der Grundlage synkopierter Rhythmen und eine einzigartige Reihe von Techniken zur Darstellung rhythmischer Texturen – Swing. Weitere Entwicklung Die Entwicklung des Jazz erfolgte aufgrund der Entwicklung neuer rhythmischer und harmonischer Modelle durch Jazzmusiker und -komponisten.

Country-Musik vereint zwei Arten amerikanischer Folklore – die Musik weißer Siedler, die sich im 17.-18. Jahrhundert in der Neuen Welt niederließen, und die Cowboy-Balladen des Wilden Westens. Diese Musik hat ein starkes Erbe aus elisabethanischen Madrigalen sowie irischer und schottischer Volksmusik. Die wichtigsten Musikinstrumente dieses Stils sind Gitarre, Banjo und Violine.

„The Little Old Log Cabin in the Lane“ ist der erste „dokumentierte“ Country-Song, der 1871 von Will Heiss aus Kentucky geschrieben wurde. 53 Jahre später nahm Fiddin John Carson diese Komposition auf einer Schallplatte auf. Im Oktober 1925 nahm das Radioprogramm Grand Ole Opry seinen Betrieb auf, das bis heute Live-Konzerte von Country-Stars überträgt.

Country-Musik als Musikindustrie begann in den späten 1940er Jahren an Dynamik zu gewinnen. Dank des Erfolgs von Hank Williams (1923-53), der nicht nur das Bild eines Country-Künstlers für mehrere Generationen prägte, sondern auch die typischen Themen des Genres skizzierte – tragische Liebe, Einsamkeit und die Strapazen des Arbeitslebens. Bereits zu dieser Zeit gab es im Country verschiedene Stile: Western Swing, der die Arrangementprinzipien des Dixieland übernahm – hier war Bob Wills und seine Texas Playboys der König des Genres; Bluegrass, dominiert vom Gründer Bill Monroe; Der Stil von Musikern wie Hank Williams wurde damals Hillbilly genannt. Mitte der 1950er Jahre. Country-Musik brachte zusammen mit Elementen aus anderen Genres (Gospel, Rhythm and Blues) den Rock'n'Roll hervor. Es entstand sofort ein Grenzgenre – Rockabilly – mit ihm begannen Sänger wie Elvis Presley, Carl Perkins und Johnny Cash ihre kreativen Karrieren – es ist kein Zufall, dass sie alle im selben Studio von Memphis Sun Records aufnahmen. Durch den Erfolg des Albums „Gunfighter Ballads and Trail Songs“ (1959) von Marty Robbins entstand das Genre Country und Western, das von Geschichten aus dem Leben des Wilden Westens dominiert wurde.

Chanson (französisches Chanson – „Lied“) – Genre Vokalmusik; das Wort wird in zwei Bedeutungen verwendet:

2) Französischer Popsong im Kabarettstil (auf Russisch angelehnt).

Blatnaya-Lied (Blatnoy-Folklore, Blatnyak) ist ein Liedgenre, das das Leben und die Bräuche des kriminellen Umfelds verherrlicht und ursprünglich für das Umfeld von Gefangenen und Menschen gedacht ist, die der kriminellen Welt nahe stehen. Es entstand im Russischen Reich und verbreitete sich in der Sowjetunion und anschließend in den GUS-Staaten. Im Laufe der Zeit wurden im Genre der Kriminalmusik Lieder geschrieben, die über das Kriminalthema hinausgehen, aber dessen charakteristische Merkmale (Melodie, Jargon, Erzählung, Weltanschauung) beibehalten. Seit den 1990er Jahren wird das Kriminallied in der russischen Musikindustrie unter dem Namen „Russisches Chanson“ vermarktet (vgl. den gleichnamigen Radiosender und Auszeichnungen).

„Romance in Music“ ist eine Gesangskomposition, die zu einem kurzen Gedicht mit lyrischem Inhalt, hauptsächlich Liebe, geschrieben wurde.

Das Lied des Autors oder Bardenmusik ist ein Liedgenre, das Mitte des 20. Jahrhunderts in der UdSSR entstand. Das Genre wuchs in den 1950er und 1960er Jahren. von Amateuraufführungen, unabhängig von der Kulturpolitik Sowjetische Behörden und erlangte schnell große Popularität. Der Schwerpunkt liegt auf der Poesie des Textes.

6. Elektronische Musik

Elektronische Musik (aus dem Englischen Electronic Music, umgangssprachlich auch „electronics“) ist ein weit gefasstes Musikgenre, das Musik bezeichnet, die mit elektronischer Hilfe geschaffen wird Musikinstrumente. Obwohl der erste elektronische Instrumente erschien zu Beginn des 20. Jahrhunderts, elektronische Musik als Genre entwickelte sich in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und umfasst zu Beginn des 21. Jahrhunderts Dutzende Spielarten.

7. Rockmusik

Rockmusik ist ein allgemeiner Name für eine Reihe von Trends Popmusik. Das Wort „rocken“ – schwingen – bezeichnet in diesem Fall die rhythmischen Empfindungen, die für diese Bewegungen charakteristisch sind und mit einer bestimmten Bewegungsform verbunden sind, in Analogie zu „rollen“, „drehen“, „schwingen“, „schütteln“ usw. Solche Merkmale der Rockmusik wie der Einsatz elektrischer Musikinstrumente und kreative Selbstgenügsamkeit (Rockmusiker spielen typischerweise ihre eigenen Kompositionen) sind zweitrangig und oft irreführend. Aus diesem Grund ist die Identität einiger Musikstile als Rock umstritten. Außerdem ist Rock ein besonderes subkulturelles Phänomen; Subkulturen wie Mods, Hippies, Punks, Metalheads, Gothics, Emo sind untrennbar miteinander verbunden bestimmte Genres Rockmusik.

Rockmusik hat viele Richtungen: von leichten Genres wie Dance Rock and Roll, Pop Rock, Britpop bis hin zu brutalen und aggressiven Genres – Death Metal und Hardcore. Der Inhalt der Lieder variiert von leicht und lässig bis düster, tiefgründig und philosophisch. Rockmusik wird oft mit Popmusik und sogenannter Popmusik verglichen. „Pop“, obwohl es keine klare Grenze zwischen den Begriffen „Rock“ und „Pop“ gibt und viele musikalische Phänomene auf der Grenze zwischen ihnen balancieren.

Die Ursprünge der Rockmusik liegen im Blues, aus dem die ersten Rockgenres hervorgingen – Rock and Roll und Rockabilly. Die ersten Subgenres der Rockmusik entstanden in enger Verbindung mit der damaligen Folk- und Popmusik – vor allem Folk, Country, Skiffle und Music Hall. Während seines Bestehens gab es Versuche, Rockmusik mit fast allen möglichen Musikrichtungen zu kombinieren – mit akademischer Musik (Art Rock, erscheint Ende der 60er Jahre), Jazz (Jazz Rock, erscheint Ende der 60er – Anfang der 70er Jahre -x) , lateinamerikanische Musik (Latin Rock, erscheint Ende der 60er Jahre), indische Musik (Raga Rock, erscheint Mitte der 60er Jahre). In den 60er und 70er Jahren entstanden fast alle großen Subgenres der Rockmusik, von denen neben den aufgeführten die wichtigsten Subgenres Hardrock, Punkrock und Avantgarde-Rock sind. In den späten 70er und frühen 80er Jahren erschienen Rockmusikgenres wie Post-Punk, New Wave, Alternative Rock (obwohl frühe Vertreter dieser Richtung bereits in den späten 60er Jahren auftraten), Hardcore (ein großes Subgenre des Punkrocks) usw sowie brutale Subgenres des Metals – Death Metal, Black Metal. In den 90er Jahren waren die Genres Grunge (erschien Mitte der 80er Jahre), Britpop (erschien Mitte der 60er Jahre) und Alternative Metal (erschien Ende der 80er Jahre) weit verbreitet.

Die Hauptzentren der Entstehung und Entwicklung der Rockmusik sind die USA und Westeuropa (insbesondere Großbritannien). Die meisten Liedtexte sind auf Englisch. Allerdings erschien, wenn auch in der Regel mit einiger Verzögerung, in fast allen Ländern nationale Rockmusik. Bereits in den 1960er und 1970er Jahren erschien in der UdSSR russischsprachige Rockmusik (sogenannter russischer Rock). Sie erreichte ihren Höhepunkt in den 1980er Jahren und entwickelte sich in den 1990er Jahren weiter.

8. Ska, Rocksteady, Reggae

Ska ist ein Musikstil, der Ende der 1950er Jahre in Jamaika entstand. Die Entstehung des Stils ist mit dem Aufkommen von Soundsystemen verbunden, die es ermöglichten, direkt auf der Straße zu tanzen.

Bei Klanginstallationen handelt es sich nicht nur um Stereolautsprecher, sondern um eine besondere Form von Straßendiskotheken mit DJs und ihren mobilen Stereoanlagen, wobei die Konkurrenz zwischen diesen DJs um den besten Sound, das beste Repertoire usw. zunimmt.

Der Stil zeichnet sich durch einen schwungvollen 2/4-Rhythmus aus, wobei die Gitarre auf den geraden Trommelschlägen spielt und der Kontrabass oder die Bassgitarre die ungeraden betont. Die Melodie wird von Blasinstrumenten wie Trompete, Posaune und Saxophon vorgetragen. Unter den Ska-Melodien finden sich auch Jazz-Melodien.

Rocksteady („rock steady“, „rocksteady“) ist ein Musikstil, der in den 1960er Jahren in Jamaika und England existierte. Die Grundlage des Stils sind karibische Rhythmen im 4/4-Takt, mit verstärktem Augenmerk auf Keyboards und Gitarren.

Reggae (engl. Reggae, andere Schreibweisen „Reggae“ und „Reggae“), jamaikanische Popmusik, wurde erstmals Ende der 1960er Jahre erwähnt. Wird manchmal als allgemeiner Name für die gesamte jamaikanische Musik verwendet. Eng verwandt mit anderen jamaikanischen Genres – Rocksteady, Ska und anderen.

Dub ist ein Musikgenre, das Anfang der 1970er Jahre in Jamaika entstand. Ursprünglich handelte es sich bei den Aufnahmen dieses Genres um Reggae-Songs, bei denen der Gesang (manchmal teilweise) entfernt wurde. Seit Mitte der 1970er Jahre hat sich Dub zu einem eigenständigen Phänomen entwickelt und gilt als experimentelle und psychedelische Form des Reggae. Die musikalischen und ideologischen Entwicklungen des Dub brachten die Technologie und Kultur des Remixes hervor und beeinflussten direkt oder indirekt auch die Entwicklung der New Wave und von Genres wie Hip-Hop, House, Drum and Bass, Trip-Hop und Dub-Techno , Dubstep und andere .

Popmusik (englisch: Pop-Music from Popular Music) ist eine Richtung der modernen Musik, eine Art moderner Massenkultur.

Der Begriff „Popmusik“ hat eine doppelte Bedeutung. Im weitesten Sinne handelt es sich dabei um jegliche Massenmusik (einschließlich Rock, Elektronik, Jazz, Blues). Im engeren Sinne handelt es sich um ein eigenständiges Genre der Popmusik, die Popmusik selbst mit bestimmten Merkmalen.

Die Hauptmerkmale der Popmusik als Genre sind Einfachheit, Melodie, die Abhängigkeit von Gesang und Rhythmus, wobei dem Instrumentalpart weniger Aufmerksamkeit geschenkt wird. Die wichtigste und praktisch einzige Form der Komposition in der Popmusik ist das Lied. Popmusiktexte handeln meist von persönlichen Gefühlen.

Popmusik umfasst Subgenres wie Europop, Latin, Disco, Elektropop, Tanzmusik und andere.

10. Rap ​​(Hip-Hop)

Hip-Hop (Englisch) Hip Hop) ist eine kulturelle Bewegung, die am 12. November 1974 in der Arbeiterklasse New Yorks entstand. DJ Afrika Bambaataa definierte als erster die fünf Säulen der Hip-Hop-Kultur: MCing, DJing, Breaking, Graffiti Writing und Wissen. Weitere Elemente sind Beatboxing, Hip-Hop-Mode und Slang.

Ursprünglich aus der South Bronx stammend, wurde Hip-Hop in den 1980er Jahren in vielen Ländern der Welt Teil der Jugendkultur. Seit den späten 1990er Jahren hat sich Hip-Hop von einem Straßen-Underground mit einer starken sozialen Ausrichtung nach und nach zu einem Teil der Musikindustrie entwickelt, und in der Mitte des ersten Jahrzehnts dieses Jahrhunderts war die Subkultur „in Mode“ und „in Mode“ geraten. Mainstream". Dennoch verfolgen viele Persönlichkeiten des Hip-Hop weiterhin seine „Hauptlinie“ – den Protest gegen Ungleichheit und Ungerechtigkeit, den Widerstand gegen die Machthaber.

Es ist bekannt, dass die Leitung einer Varieté-Show in die Leitung einer Varieté-Aufführung und die Leitung eines Varieté-Auftritts unterteilt wird.

Die Methodik für die Arbeit an einer Varieté-Aufführung (Konzert, Rezension, Show) beinhaltet in der Regel nicht die Aufgabe, die Nummern zu erstellen, aus denen sie besteht. Der Regisseur vereint vorgefertigte Nummern mit einer Handlung, einem einzigen Thema, baut die End-to-End-Aktion der Aufführung auf, organisiert ihre tempo-rhythmische Struktur und löst die Probleme der musikalischen, szenografischen und lichttechnischen Gestaltung. Das heißt, er steht vor einer ganzen Reihe künstlerischer und organisatorischer Probleme, die im Gesamtprogramm gelöst werden müssen und nicht in direktem Zusammenhang mit dem Varieté selbst stehen. Diese Position wird durch die These des berühmten Varieté-Regisseurs I. Sharoev bestätigt, der schrieb: „Meistens akzeptiert der Regisseur Darsteller von Spezialisten verschiedener Genres und erstellt daraus ein Varieté-Programm. Der Darsteller hat große Unabhängigkeit.“ ”

Bei der Arbeit an einem Varieté-Auftritt muss der Regisseur eine Reihe spezifischer Probleme lösen, auf die er bei der Inszenierung eines großen Programms nicht stößt. Dies ist vor allem die Fähigkeit, die Individualität des Künstlers zu offenbaren, die Dramaturgie der Handlung aufzubauen, mit Reprise, Trick, Gag zu arbeiten, die Natur der spezifischen Ausdrucksmittel der Handlung zu kennen und zu berücksichtigen und vieles mehr mehr.

Viele methodische Postulate zur Gestaltung einer Aufführung basieren auf gemeinsamen Grundprinzipien, die im Theater, im Musiktheater und im Zirkus existieren. Doch dann werden auf dem Fundament ganz andere Bauwerke aufgebaut. Es gibt eine Besonderheit in der Regie, die vor allem durch die Genretypologie des Varietés bestimmt wird.

Auf der Bühne erreicht der Regisseur als Schöpfer in einer Aufführung das ultimative Ziel jeder Kunst – die Schaffung eines künstlerischen Bildes, das die kreative Seite des Berufs ausmacht. Doch im Prozess der Inszenierung einer Aufführung arbeitet ein Spezialist an der Technologie der Ausdrucksmittel. Dies liegt in der Natur einiger Genres: Nehmen wir an, die meisten Subgenre-Varianten von Sport und Zirkus erfordern Proben- und Trainingsarbeit mit einem Trainer zu sportlichen Elementen und speziellen Tricks; Die Arbeit an einer Gesangsnummer ist ohne Unterricht bei einem spezialisierten Gesangslehrer nicht möglich. Im choreografischen Genre ist die Rolle des Choreografen-Dozenten von entscheidender Bedeutung.

Manchmal bezeichnen sich diese technischen Spezialisten lautstark als Regisseure, obwohl sich ihre Tätigkeit tatsächlich nur auf den Aufbau eines speziellen Stunts oder einer technischen Komponente der Aufführung beschränkt – egal, ob es sich um Akrobatik, Tanz oder Gesang handelt. Hier ist es weit hergeholt, über die Schaffung eines künstlerischen Bildes zu sprechen. Wenn führende Pop-Meister (insbesondere in Originalgenres) in gedruckten Werken die Geheimnisse ihres Könnens preisgeben, beschreiben sie hauptsächlich die Techniken von Zaubertricks, Akrobatik, Jonglieren usw.

Ich möchte noch einmal betonen, dass die künstlerische Struktur eines Varieté-Auftritts komplex, vielfältig und oft konglomerativ ist. Daher gehört die Inszenierung eines Varietés zu den schwierigsten Tätigkeiten eines Regisseurs. „Es ist sehr schwierig, einen guten Auftritt zu machen, selbst wenn er nur ein paar Minuten dauert. Und es scheint mir, dass diese Schwierigkeiten unterschätzt werden, weshalb ich die Kunst derer, die manchmal etwas abfällig als Entertainer bezeichnet werden, so sehr respektiere und schätze. was ihnen einen nicht sehr ehrenvollen Platz in der ungeschriebenen Rangliste der Berufe einräumt.“ Diese Worte von S. Yutkevich bestätigen einmal mehr, wie wichtig es ist, die künstlerische Struktur eines Varieté-Auftritts zu analysieren, mit dem ultimativen Ziel, die Grundlagen der Methodik seiner Entstehung zu studieren, insbesondere im Hinblick auf die Regie- und Produktionsarbeit.

Abschluss

Varietékunst (von französisch estrade – Plattform, Erhebung) ist eine synthetische Art der Bühnenkunst, die kleine Formen von Drama, Komödie, Musik sowie Gesang und Kunst kombiniert. Lesen, Choreografie, Exzentrizität, Pantomime, Akrobatik, Jonglieren, Illusionismus usw. Trotz seines internationalen Charakters behält es seine volkstümlichen Wurzeln, die ihm ein besonderes nationales Flair verleihen. Ursprünglich in der Renaissance auf der Straßenbühne entstanden und mit Clownerie und primitiven Possen begonnen, entwickelte sich die Possenreißerei in verschiedenen Ländern unterschiedlich und bevorzugte das eine oder andere Genre, das eine oder andere Maskenbild.

In den Varietéprogrammen der später entstandenen Salons, Zirkel und Clubs, in Buden, Varietés, Cafés, Kabaretts, Miniaturtheatern und auf den noch erhaltenen Varietégärten finden sich heiterer Humor, witzige Parodien und Zeichentrickfilme, bissige Gemeinschaftssatire, pointierte Übertreibungen, Slapstick, Groteske, verspielte Ironie, gefühlvolle Texte, modischer Tanz und musikalische Rhythmen. Einzelne Nummern der polyphonen Spielart des Divertissements werden auf der Bühne oft durch einen Moderator oder eine einfache Handlung zusammengehalten, in Theatern mit einem oder zwei Schauspielern, Ensembles (Ballett, Musical etc.) – durch ein originelles Repertoire, eine eigene Dramaturgie. Varieté-Kunst richtet sich an ein möglichst breites Publikum und setzt in erster Linie auf das Können der Darsteller, auf ihre Imitationstechnik, die Fähigkeit, mit lakonischen Mitteln spektakuläre Unterhaltung zu schaffen, und einen hellen Charakter – häufiger komödiantisch-negativ als positiv . Indem er seine Antihelden bloßstellt, greift er auf metaphorische Merkmale und Details zurück, auf die bizarre Verflechtung von Wahrhaftigkeit und Karikatur, Realem und Fantastischem und trägt so dazu bei, eine Atmosphäre der Ablehnung ihrer Lebensprototypen und des Widerstands gegen ihren Wohlstand in der Realität zu schaffen. Populäre Kunst zeichnet sich durch Aktualität aus, eine Kombination der besten Unterhaltungsbeispiele mit ernsthaften Inhalten, pädagogischen Funktionen, wenn der Spaß durch eine vielfältige emotionale Palette und manchmal durch gesellschaftspolitisches, bürgerliches Pathos ergänzt wird. Dem von der bürgerlichen Massenkultur hervorgebrachten Showbusiness fehlt diese letztere Qualität. Fast alle operativen „kleinen“, „leichten“ Sorten, einschließlich des gewöhnlichen „Kohls“, zeichnen sich durch eine relativ kurze Lebensdauer, einen schnellen Wertverlust von Masken aus, der von der Erschöpfung der Relevanz des Themas und der Umsetzung sozialer Ordnungen abhängt. Veränderungen in den Interessen und Bedürfnissen des Publikums. Als eine der dynamischsten und gleichzeitig ältesten Kunstformen unterliegt die Pop-Art der Krankheit des Stempelns, einer Abnahme des künstlerischen und ästhetischen Wertes talentierter Funde bis hin zu ihrer Verwandlung in Kitsch. Die Entwicklung wird stark von „technischen“ Künsten wie dem Kino und insbesondere dem Fernsehen beeinflusst, deren Programm häufig Varietés und Konzerte umfasst. Dadurch gewinnen traditionelle Formen und Techniken der Bühne nicht nur an Umfang und Verbreitung, sondern auch an psychologischer Tiefe (Verwendung von Nahaufnahmen, anderen visuellen und ausdrucksstarken Mitteln der Filmkunst) und lebendiger Unterhaltung.

Im System darstellende Künste Popmusik nimmt heute einen eigenständigen Platz ein und stellt ein eigenständiges Phänomen dar künstlerische Kultur. Die Beliebtheit der Bühne bei einem breiten und vielfältigen Publikum ermöglicht es ihr, auf die widersprüchlichen ästhetischen Bedürfnisse verschiedener Bevölkerungsgruppen je nach sozialem, Alter, Bildungsniveau und sogar unterschiedlichem Alter einzugehen nationale Zusammensetzung. Dieses Merkmal der Pop-Art erklärt weitgehend das Vorhandensein negativer Aspekte in den professionellen, ästhetischen und geschmackvollen Vorzügen von Pop-Werken. Die enorme Größe des Pop-Art-Publikums in Vergangenheit und Gegenwart, seine Heterogenität, die Notwendigkeit, Unterhaltungs- und Bildungsfunktionen in der Pop-Art zu verbinden, stellt besondere Anforderungen an die Schöpfer von Pop-Art-Werken und legt ihnen eine besondere Verantwortung auf.

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Thema 6. Panorama der wichtigsten Trends im Bereich der Weltunterhaltung

Thema 7 Popmusik der 90er und frühen 21. Jahrhundert

Probestunde

ABSCHNITT III. Rockkultur
Thema 1. Rockmusik als Phänomen der Musikkultur des 20. Jahrhunderts.

Thema 2. US-Rockmusik der 1950er Jahre.

Thema 4. Rückblick auf Trends in der Rockmusik der 1970er-1980er Jahre.

Thema 5. Rückblick auf Trends in der Rockmusik der 1990er Jahre.

Thema 6. Überblick über Trends in der Rockmusik des 21. Jahrhunderts.

Thema 7. Rockmusik in der UdSSR

Thema 8. Panorama der Hauptrichtungen des modernen heimischen Rocks

Abschnitt IV: Gattungen der Messe Musiktheater

Thema

Thema 4. Rockmusical

Thema 5. Rockoper

Studentenberichte

Differenzierter Kredit

GESAMT:

1. 3. BEDINGUNGEN FÜR DIE DURCHFÜHRUNG DES DISZIPLINPROGRAMMS

3.1. Mindestanforderungen an die Logistik

Eine Bildungseinrichtung, die ein Ausbildungsprogramm für Fachkräfte des mittleren Niveaus in der Fachrichtung der beruflichen Sekundarbildung durchführt, muss über eine materielle und technische Grundlage verfügen, die die Durchführung aller Arten von praktischem Unterricht, disziplinärer, interdisziplinärer und modularer Ausbildung sowie pädagogischer Praxis gewährleistet, die von vorgesehen sind der Lehrplan der Bildungseinrichtung. Die Umsetzung des Disziplinprogramms erfordert die Anwesenheit eines Klassenzimmers für Gruppenunterricht.

Unterrichtsausstattung: Tische, Stühle (je nach Schülerzahl), Demonstrationstafel, Video- und Audiogeräte (Fernseher, DVD-Player, Vinyl- und CD-Player, Projektor, Laptop, Klavier)

Technische Lehrmittel: Fernseher, DVD-Player, Vinyl- und CD-Player, Beamer, Laptop (Internetzugang)

1. 3.2. Informationsunterstützung für die Ausbildung

2. Referenzliste

1. Konen V. Die Geburt des Jazz.-M., 1984.
2. Menschikow V. Enzyklopädie der Rockmusik. – Taschkent, 1992.
3. Sargent W. Jazz.-M., 1987.
4. Feofanov O. Rockmusik gestern und heute - M., 1978.
5. Schneerson G. Amerikanisches Lied.-M., 1977.
6. Erisman-Typ. Französisches Lied.-M., 1974.

Thema 1. Jazz als Phänomen der Musikkunst

Definition von Jazz. Gemischter Charakter der Jazzkultur. Historische, soziale und künstlerische Voraussetzungen für die Entstehung des Jazz. Periodisierung der Geschichte des Jazz.

Kommunikative Offenheit der Jazzkultur. Interaktion mit akademischer Musik („Dritte Strömung“), mit Folklore der Völker der Welt („Vierte Strömung“).

Der Einsatz von Ausdrucksmitteln und Techniken des Jazz durch akademische Komponisten.

Thema 2. Ursprünge des Jazz

Gemischte Herkunft Jazz Musik.

Negerwurzeln (improvisatorisches Musizieren, spezielle rhythmische Organisation – Swing, spezifische Techniken der Stimm-Labilität – Intonation. Durty-Töne, Shut-Out, Growl-, Holler-Effekte).

Europäische Traditionen im Jazz (Tradition des Konzertmusizierens, Aufführung von Kompositionen, tonale Harmonie, metrorhythmische Organisation, Rechtwinkligkeit kompositorischer Strukturen)

Amerikanische Alltagskultur. Minstrel-Theater.

Thema 3. Genres der afroamerikanischen Folklore

Gemeinsame Genremerkmale sind das Responsor-Prinzip, die labile Intonation und die Rolle des rhythmischen Anfangs.

Spirituelle Genres – Spirituals, Gospel, Ring-Shout, Jubiläen.

Arbeitslieder – Arbeitslied: Straße, Feld, Plantage.

Thema 4 Blues: Entwicklungsstadien des Genres

Archaischer („ländlicher“) Blues ist ein Folk-Genre improvisatorischer Natur.

Klassischer Blues – Genremerkmale (figurativer Inhalt, Blues-Form, Blues-Modus, Blues-Intonation, blaue Fläche, Blues-Quadrat-Harmonie). Blues-Künstler – B. Smith, I. Cox, A. Hunter und andere.

Blues im modernen Jazz. Instrumental-Blues; Entwicklung des Genres in verschiedenen Stilrichtungen des Modern Jazz.

Thema 5. Ragtime

Ursprünge des Genres; Rag-Musik, Cake Walk.

Genremerkmale: „synkopierte Melodie vor dem Hintergrund der metronomisch präzisen Bewegung der Achtelnoten in der Begleitung“, „Suite“-Prinzip der Formorganisation. Merkmale der Aufführungstechnik.

Ragtime-Komponisten: Scott Joplin, Thomas Tarpen, James Scott und andere.

Entwicklung von Ragtime – Genres Advanced, Novetly.

Ragtime-Oper. „Trimonisha“ (S. Joplin)

Thema 6. Frühe Jazzstile

Die Migration von Afroamerikanern aus ländlichen Gebieten in die Städte und die Gründung der ersten Jazzzentren (New Orleans, Chicago, Kansas City, New York).

New Orleans-Stil. Blaskapelle, ihre Rolle bei der Bildung der ersten Jazzensembles. Instrumentale Zusammensetzung von Jazzorchestern, Funktionen von Instrumenten.

Die Werke von D. R. Morton, S. Bechet, L. Armstrong.

Die Verbreitung des Jazz an der Ostküste und im Mittleren Westen (Kansas City, Memphis usw.)

Chicago-Stil. Dixieland und seine Rolle in der Entwicklung des Jazz. Aktivitäten von „Original Dixieland“ Jazz-Band"(Betreuer Jack Lane). Fasshausstil. Boogie-Woogie-Genre.

Thema 7. 1920-1930. Der Aufstieg des Jazz. Swing-Ära

Die 1920er Jahre sind das „Zeitalter des Jazz“ (F. S. Fitzgerald). Verlegung des Zentrums der Jazzentwicklung nach New York.

Symphonischer Jazz als Beispiel für die Annäherung des Jazz an die Traditionen der akademischen Musik. Die Arbeit von J. Gershwin. Porgy and Bess ist die erste Oper, die auf schwarzer Folklore basiert.

Süße Musik ist eine Richtung des Tanz- und Unterhaltungsjazz. Die Werke von J. Kern, K. Porter und anderen.

1930er Jahre – die „Swing-Ära“. Erweiterung des Existenzbereichs des Jazz (Tanzlokale, Restaurants, Hotels; musikalische Begleitung von Shows, Musicals, Filmen). Die Tanz- und Unterhaltungsfunktion der Jazzmusik als Folge ihrer Kommerzialisierung.

Die vorherrschende Stellung der Big Bands. Prinzipien der sektionalen Gruppierung von Instrumenten. Funktionen eines Arrangeurs und Improvisators. „Standardisierung“ der Musiksprache.

„Nennen“ Sie Big Bands (F. Henderson, C. Basie, D. Ellington, B. Goodman, G. Miller, V. Herman usw.)

Thema 8. Der Beginn der Ära des modernen Jazz. 1940er Jahre. Bebop-Stil.

Gesellschaftspolitische Gründe für die Entstehung des Bebop – des ersten Stils des Modern Jazz. Neuausrichtung des Jazz vom Bereich der Massenkultur hin zum Status einer Elitekunst.

Der Schwerpunkt liegt auf dem Kammermusikmachen, was zur Bildung kleiner Auftrittsgruppen – Combos – führt. Stärkung der Rolle der Improvisation.

Verkomplizierung des Systems der musikalischen Ausdrucksmittel des Jazz durch „Ausleihen“ der Errungenschaften der modernen akademischen Musik. Wiederbelebung der Traditionen labiler Volksintonation und ihrer Manifestation im harmonischen Bereich des Jazz.

Bebop-Koryphäen – D. Gillespie, C. Parker, T. Monk.

Thema 9. 1950er Jahre. Kul-Stil und andere Bewegungen

Cool (cool) – als Reaktion auf heißen Bebop. Die Entwicklung von Trends in den 1940er Jahren - eine Tendenz zum intimen Musizieren, zur Aktualisierung der Musiksprache, zur Stärkung des Improvisationsprinzips. Intellektualisierung des Jazz, Annäherung an die Musik der akademischen Tradition.

Vertreter des coolen Stils sind D. Brubeck, P. Desmond, B. Evans. „Modernes Jazzquartett“.

Progressiver Stil ist ein Stil des Konzertjazz, der auf den Traditionen der Swing-Big-Band basiert. Orchesterleiter S. Kenton, V. German, B. Raeburn und andere.

Thema 10. 1960er Jahre. Avantgardistische Jazzstile

Free Jazz ist der erste avantgardistische Jazzstil. Soziale Voraussetzungen für die Entstehung von Stil. Tendenz zur Verwendung moderner komplexer musikalischer Sprachmittel mit freier Einstellung zu Formation, Thematik, harmonischem „Raster“, gleichmäßiger metrischer Pulsation.

„Modaler“ Jazz als eine Art Free Jazz. Die Haupteinstellung des Stils ist die Improvisation in einer ausgewählten Skala.

Vertreter des Free Jazz – O. Cowelman, J. Coltrane, C. Mingus, A. Shepp und andere.

Thema 11. Jazzstile von 1960-1970

Die Interaktion des Jazz mit verschiedenen Musikkulturen, um Quellen zur Bereicherung der Jazzsprache zu finden.

Ethnische Stile. Afrocuba und Bossa Nova – Jazzmusik mit lateinamerikanischem Flair. Charakteristische Merkmale sind der Tanzgenre-Rhythmus, die Erweiterung der Schlagwerkgruppe durch den Einsatz verschiedener exotischer Instrumente.

Jazz-Rock ist eine Bewegung, die auf der Synthese von Jazz- und Rockstilistiken basiert. Bereicherung des Jazzklangs durch den Einsatz spezifischer elektromusikalischer Instrumente. Jazzrock in der Musik von M. Davis, C. Corea und anderen.

„Der Dritte Strom“ ist eine Richtung, die Akademiker vereint Musikalische Traditionen(„erster Satz“) mit Jazz („zweiter Satz“). Der Schwerpunkt liegt auf dem Schreiben großer Orchesterkompositionen, wobei die Improvisation in den Hintergrund tritt. Vertreter des „dritten Satzes“ – G. Schuller, „Swingle Singers“.

„Der vierte Strom“ oder „ Weltmusik„ – eine neue Welle des Ethno-Jazz seit den 1970er Jahren. Es basiert auf der ursprünglichen nationalen Folklore der Welt. Die Werke von John McLaughlin, Jan Garbarek, John Zorn, Sun Ra.

Thema 18. Jazz in Soviet Russland

1920er Jahre in Russland – „Jazzboom“. Tourneen ausländischer Jazzgruppen und Jazzsolisten in der UdSSR. Die ersten Jazzbands: „Eccentric Jazz Band of V. Parnakh“ (1922), A. Tsfasman Orchestra (1926), Tea Jazz von L. Utesov-Ya. Skomorowski (1929). Popularisierung des Jazz durch das Kino („Jolly Fellows“ von G. Alexandrov, mit dem Orchester von L. Utesov). Gründung des State Jazz der UdSSR (unter der Leitung von M. Blanter und V. Knushevitsky) und des Jazzorchesters des All-Union Radio (unter der Leitung von A. Varlamov, später - A. Tsfasman)

Vielfalt und Unterhaltungsorientierung der Jazzmusik in den 1930er-1940er Jahren; Annäherung an das sowjetische Massenlied. „Song-Jazz“. Aktivitäten von Orchestern unter der Leitung von O. Lundstrem, E. Rosner. Das Werk der Komponisten I. Dunaevsky, N. Bogoslovsky und anderer.

Die 1940er und 1950er Jahre waren eine Zeit scharfer Kritik und des Verbots des Jazz als Spiegelbild der Staatsideologie und der Außenpolitik der UdSSR. „Underground“-Jazz. Kreativität von Yu. Saulsky.

1950-1960er Jahre – das „Chruschtschow-Tauwetter“ – die Zeit der Gründung von Jazzclubs und der Organisation Jazzfestivals. Tourneen ausländischer Jazzmusiker. Teilnahme sowjetischer Musiker an ausländischen Jazzfestivals.

Schrittweise Legalisierung des Jazz in den 1980er Jahren. Der Auftritt des ersten unabhängigen Jazzclubs in Leningrad (1986), Veröffentlichungen über Jazz in der Zeitschrift „Musical Life“, die Veröffentlichung des Films „We are from Jazz“ (Regie: K. Shakhnazarov) unter Beteiligung eines dirigierten Orchesters von A. Kroll (1983).

Thema 19. Jazz im postsowjetischen Russland

Inländische Jazzmusiker, die zwischen 1960 und 1980 auftraten: A. Kuznetsov, A. Kozlov, G. Golshtein, I. Bril, L. Chizhik, D. Kramer, V. Ganelin, V. Chekasin, A. Kondakov und andere. Sänger – L. Dolina, I. Otieva, V. Ponomareva.

Die Stilvielfalt in den Aktivitäten einheimischer Gruppen und Solisten der 1980er Jahre: Retro-Stile (Leningrad Dixieland), Bebop (D. Goloshchekin), Cool Jazz (G. Lukyanov und sein Ensemble „Kadans“), Free Jazz (V. Gaivoronsky , V. Volkov).

Die Entstehung neuer Persönlichkeiten des heimischen Jazz in den 1990er Jahren – A. Rostotsky, A. Shilkloper, V. Tolkachev, N. Kondakov, A. Podymkin und andere.

Sektion 2

Thema 1. Populäres Liedgenre als Bestandteil der Popmusik

Das Lied ist eines der am weitesten verbreiteten Pop-Genres. Die Ursprünge des beliebten Liedes. Chronologie der Entwicklung des Genres: Antike (Synthese von Poesie und Musik), Mittelalter (Lieder von Troubadours, Trouvères, Minnesängern, Minnesängern usw.), Renaissance (Lieder mit Instrumentalbegleitung in der professionellen Kunst und im alltäglichen Musizieren) , zweite Hälfte des 18.-20. Jahrhunderts. - ein Ableger des Genres Liebeslieder, 19. Jahrhundert. Aufteilung des Liedgenres in zwei Richtungen – Pop (orientiert an der Masse des Publikums) und „Ernst“ (der Tätigkeitsbereich akademischer Komponisten).

Spezifische Merkmale des Genres sind Kommunikationsfähigkeit, Demokratie, Textmerkmale („Liedpoesie“). Verschiedene Songgenres:

· nach Existenzformen (Kinder-, Studenten-, Soldaten-, Stadt- usw.)

· nach Genrevorgaben (Hymne, Klagelied, Hymne etc.)

Die zentrale Stellung des Liedgenres in der Kultur der Popmusik

Thema 2. Französischer Chanson

Die Ursprünge des Chansons liegen in Volksliedern, in den Werken von Troubadours und Trouvères. Im 15.-16. Jahrhundert. Chanson ist ein polyphones Lied, das die nationalen Liedtraditionen der französischen Musik zusammenfasst.

17. Jahrhundert – Aufführung von Stadtliedern durch professionelle Musiker – Gros Guillaume, Jean Solomon usw.) Themenvielfalt.

18. Jahrhundert – Tätigkeit der „Chansonnier-Theater“. Chanson-Interpreten - Jean Joseph Vade, Pierre-Jean-Gara und andere.

Das 19. Jahrhundert ist das Werk eines Chansonniers. Eine Vielzahl künstlerischer Masken – „Country Boy“ (Chevalier), „Dandy“ (Frant) usw. Der Schwerpunkt im Aufführungsstil liegt nicht so sehr auf Gesangskunst, wie viel auf Kunst.

20. Jahrhundert – Chanson in den Werken von Jacques Brel, Gilbert Bécaud, Charles Aznavour, Edith Piaf, Yves Montand. Traditionen des Chansons in den Werken von Joe Dassin und Mireille Mathieu.

Thema 3. Sowjetisches Massenlied

Die Rolle des Liedgenres in der sowjetischen Musikkunst der 1920er-1930er Jahre.

Massenlied als Beispiel sozialer Ordnung; ein Mittel der Massenpropaganda. Demokratie des Genres, Massenverbreitung. Kino als Mittel zur Genremassifizierung. „Filmlieder“ von I. Dunaevsky.

Die Bedeutung von Massenliedern während des Großen Vaterländischen Krieges und der Nachkriegszeit.

1950-1060er Jahre. Stärkung des Einflusses der Liedgattung auf den Bereich der akademischen Gattungen (Liedoper) und der Massenmusik (Liedjazz).

Das Werk sowjetischer Komponisten und Liedermacher – M. Blanter, S. Tulikov, V. Solovyov-Sedoy, Y. Frenkel, A. Pakhmutova und andere.

Thema 4. Genre Popsong: Entwicklungsstadien im häuslichen Bereich

Die Entstehung des Genres an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Die ersten Genres der musikalischen Vielfalt in Russland waren Couplets, „grausam“ und Zigeunerromantik. Beliebte Künstler Sänger der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts - I. Yuryeva, A. Vyaltseva, P. Leshchenko und andere.

Die Entwicklung des Popsongs in Sowjetrussland findet in den Werken von L. Utesov, M. Bernes, M. Kristallinskaya, E. Piekha und anderen Künstlern statt. Kreativität von VIA („Earthlings“, „Electroclub“, „Jolly Fellows“). Die Gruppen konzentrierten sich auf den Retro-Stil („Bravo“, „Doctor Watson“) und auf die folkloristische Besonderheit der Unionsrepubliken („Yalla“, „Pesnyary“, „Mziuri“).

Interpreten moderner Popsongs - A. Pugacheva, S. Rotaru, L. Vaikule, F. Kirkorov, V. Leontyev und andere. Die bestimmende Haltung in modernen Popshows, visuelle Helligkeit und Wirksamkeit, Abwertung der stimmlichen Fähigkeiten (Singen zu einem Soundtrack).

Autorenlied als Alternative zur Pop-Art. Kammermusik, maximale Nähe zum Zuhörer. Interpreten des Originalliedes sind Alexander Galich, Yuri Vizbor, Novella Matveeva, Sergei und Tatyana Nikitin, Alexander Dolsky, Yuliy Kim und andere.

Das Werk von Bulat Okudzhava. „Moskau-Thema“; Lieder-Erinnerungen, Lieder-Stilisierungen.

Die Originalität des Liedschaffens von Vladimir Vysotsky; extreme Emotionalität, eindringliche Charakterisierung der Charaktere, Satire. „Zyklizität“ von Liedern – militärische, historische, alltägliche und andere.

Thema 6. Panorama der wichtigsten Trends im Bereich der heimischen modernen Popmusik

Das Liedgenre ist das dominierende Genre der modernen Popmusik. Das Hauptaugenmerk der Songwriter liegt auf dem Hit; stereotype, vereinfachte Musiksprache. Veränderungen in der Genrespezifität des Liedes des Autors unter dem Einfluss von Pop (A. Rosenbaum, O. Mityaev), „Russischem Chanson“ (M. Shufutinsky, A. Novikov). Moderner Popsong als Hintergrundbestandteil des Alltags.

Eine alternative Möglichkeit, Popsongs zu entwickeln, ist das „Theater des Liedes“ von E. Kamburova in Synthese mit Folk-Rock (I. Zhelannaya).

Sektion 3

Thema 1. Rock als Phänomen der Musikkultur des 20. Jahrhunderts

Rockkultur als soziokulturelles Phänomen; eine Form moderner urbaner Folklore, die die Möglichkeit zur Selbstdarstellung bietet. Die spezifischen Mittel der Rockmusik orientieren sich an Vorbildern (Country, Blues, kommerzielle Musik), gleichzeitig ist aber auch der Inhalt problematisch, der Wunsch nach thematischer und bildlicher Tiefe.

Elektronische Instrumente definieren einen bestimmten Rocksound.

Thema 2. US-Rockmusik der 1950er Jahre

Die „Explosion“ des Rock and Roll in den Vereinigten Staaten in den 1950er Jahren. Herkunft: Rhythm and Blues, Country, Western.

Rock'n'Roll-Künstler - B. Haley, J. Lewis, E. Presley. Die Besonderheit des Stils ist seine Klangfarbenkomposition (drei E-Gitarren und Schlagzeug), Tanzorientierung.

Thema 3. Britischer Beat der 1960er Jahre

Beatmusik als eine der Formen der Jugendtanz- und Unterhaltungsmusik der 1960er Jahre. Musikalische Merkmale der Beatmusik.

Arten von Beat-Musik (Hard Beat, Soft Beat, Mainstream Beat und andere). Vertrieb in den USA und Europa.

Das Werk der Beatles. Bildung eines originellen Aufführungsstils. Kreative Trends, die die Hauptrichtungen der Rockentwicklung bestimmten.

Thema 4. Rückblick auf Rockmusiktrends der 1970er – 1980er Jahre

Ende 1960-1970 – Reifezeit Entwicklung der Rockmusik. „Verzweigung“ kreativer Trends.

Psychedelic Rock als Spiegelbild der Hippie-Ideologie. Meditative Kompositionen, Komplikation der musikalischen Sprache. Kreativität der Gruppe „Pink Floyd“.

Progressive Rock ist ein Thema des Protests gegen Regierungspolitik, Rassismus, Krieg und Arbeitslosigkeit. Album „Pink Floyd“

"Die Mauer".

Art Rock ist eine Richtung, die durch die Verkomplizierung der Musiksprache aufgrund der Konvergenz mit den Traditionen der akademischen Musik und des Jazz gekennzeichnet ist. Kreativität der Gruppen „Emerson, Lake & Palmer“, „King Crimson“.

„Hard Rock“ – verstärkter elektronischer Sound, harscher Rhythmus, Schwere des Klangs. Kreativität der Gruppen „Uriah Heep“ „Black Sabbath“.

Glam Rock ist eine Rockrichtung, die mit erhöhter Unterhaltung und Theatralisierung von Konzertaufführungen verbunden ist. Vertreter des Glam Rock - Freddie Mercury, Frank Zappa.

Thema 5. Rockmusik in der UdSSR

Das Ende der 1960er Jahre war die Zeit des Eindringens westlicher Rockmusik in die UdSSR. Die Wahrnehmung von Rock als eine Form des Protests gegen die offizielle Ideologie des Staatssystems.

„Legalisierter“ Rock, dargeboten von der Philharmonie VIA („Jolly Fellows“, „Singing Guitars“, „Pesnyary“); lyrische Themen, Tanz- und Unterhaltungsorientierung der Lieder.

Der Gegenspieler zum „philharmonischen Rock“ ist die Gruppe „Time Machine“.

Folklorerichtung in der Rockkultur - „Pesnyary“, „Syabry“, „Yalla“.

VIA und Musiktheater. „Singing Guitars“ – „Orpheus and Eurydice“ (Musik von A. Zhurbin), „Ariel“ – „The Tale of Emelyan Pugachev“ (Musik von V. Yarushin), „Araks“ – „The Star and Death of Joaquin Murrieta“ (Musik von A. Rybnikov), „Rock Studio“ – „Juno und Avos“ (Musik von A. Rybnikov).

Rock-Underground - Clubs in Leningrad (Gruppen „Aquarium“, „Alisa“, „Kino“), Moskau („Zvuki Mu“, „Brigade S“), Ufa „DDT“ und anderen Städten. Swerdlowsk ist eines der Zentren des heimischen Rock (Gruppen „Urfin Juice“, „Nautilus Pompilius“, „Chaif“, „Agatha Christie“, „Sansara“, „Sahara“, „Semantic Hallucinations“ und andere).

Thema 6. Panorama der wichtigsten Trends des modernen Rocks.

Die Auswirkungen moderner Rocktrends. Der Einfluss der Computertechnologie auf die Entwicklung der Rockkultur. Standardisierung der Musiksprache, Nivellierung der Herkunft des Autors, Dominanz von Studiomusikformen gegenüber Konzertformen.

Moderne Technologietrends:

Hip-Hop ist eine Richtung, die Wandmalereien – Graffiti, Breakdance und eine Musikrichtung – Rap kombiniert.

House ist eine Bewegung, die auf einer Kombination aus Technomusik und Disco basiert. Es basiert auf einer Mischung aus strukturiertem perkussivem Bass (Disco) und „schwerem“ elektronischen Sound (Bass, Beats, verschiedene Soundeffekte usw.).

Rave ist ein Trend, der eine Lebensart im Allgemeinen repräsentiert. Rave-Party – riesige Clubdisco. Rave ist eine Art Technomusik, die sich durch die Dominanz des Rhythmus gegenüber der Melodie und maximale Lautstärke auszeichnet.

Sektion 4

Thema 1. Musical: Entstehungsgeschichte, Entwicklungsstadien des Genres

Das Musical ist eines der führenden Massengenres des Musiktheaters. Die Ursprünge des Genres sind Minstrel-Theater, Revue, Varieté, Music Hall und Musical-Sketche. Vielfältige Genres der im Musical eingesetzten Ausdrucksmittel (Operette, Varieté, moderne Pop- und Rockkultur, Choreografie). Die Rolle der Jazzkunst bei der Bildung der Genrespezifität des Musicals.

Entwicklungsstadien des Genres (1920-1930er, 1930-1960er, 1970-1980er, modernes Musical).

Die Entstehung des Genres in den 1920er Jahren als Ausdruck der gestiegenen öffentlichen Nachfrage nach Unterhaltungskultur. Merkmale der Massenkunst in einem Musical sind eine schematische Handlung, Unterhaltung, „klischeehafte“ Sprache und vereinfachtes Vokabular.

Merkmale der Dramaturgie eines klassischen Musicals am Beispiel von Werken von J. Gershwin („Lady, Be Kind“), J. Kern („Excellent, Eddie“), K. Porter „Kiss Me, Kat“), I. Blakey und andere.

Thema 3. Der Aufstieg des Musikgenres (1940-1960er Jahre)

Neue Genrefunktionen

Erweiterung der Themen; „Beherrschen“ der Handlung klassischer literarischer Werke – K. Porter „Kiss Me, Kate“ (basierend auf „Der Widerspenstigen Zähmung“ von W. Shakespeare, F. Lowe „My Fair Lady“ (basierend auf „B. Shaws Pygmalion“) “), L. Bernstein „West Side Story“ (nach „Romeo und Julia“ von W. Shakespeare) usw.

Stärkung der Rolle des Tanzes. Beteiligung berühmter Choreografen an der Produktion: B. Fosse in „Chicago“ und „Cabaret“, J. Robbins und P. Gennaro in „West Side Story“

Filmmusicals – Übertragung eines Theatermusicals ins Kino sowie Erstellung eines Musicals basierend auf einem Film („Oliver!“, „My Fair Lady“, „Man of La Mancha“)

Thema 4. Rockoper

1960-1070er Jahre – die Entstehung der Rockoper. Die Tradition, Kompositionen basierend auf einer einzigen zu kombinieren Handlung zum Album („The Wall“ von Pink Floyd).

Frühe Rockopern – „Hair“ von G. McDermott, „Salvation“ von T. Lean usw.

Die Besonderheiten einer Rockoper am Beispiel von „Jesus Christ Superstar“ von E. L. Webber. Weitere Rockopern des Komponisten sind „Evita“, „Cats“ und „Das Phantom der Oper“.

Thema 5. Rockmusicals

Rockmusicals in Russland – „Orpheus und Eurydike“ von A. Zhurbin, „Der Stern und Tod von Joaquin Murrieta“, „Juno und Avos“ von A. Rybnikov, „Giordano“ von L. Quint und andere.

Zeitgenössische Jazz- und Popmusik befindet sich in ständiger Entwicklung. Es umfasst sowohl etablierte Musikgenres und -formen als auch neue Stilrichtungen. Daher wird dieser Kurs ständig mit Material ergänzt und aktualisiert. Das Programm ist in mehrere Abschnitte unterteilt. Der erste Abschnitt ist der Entwicklung der Jazzmusik gewidmet. Die Studierenden sollen ein Verständnis für die Hauptstadien in der Entwicklung der Jazzmusik erlangen, die allgemeinen Muster in der Entwicklung ihrer Stile verstehen, sich mit den besten Beispielen ausländischer und inländischer Jazzklassiker sowie der Arbeit von Komponisten, Arrangeuren usw. vertraut machen herausragende Jazzkünstler. Der zweite Teil des Programms ist einem Überblick über die Hauptrichtungen der Popsong-Kreativität gewidmet. Im dritten Abschnitt werden wir die Entwicklung der Rockmusik und im vierten, letzten Abschnitt der Rockoper und des Rockmusicals nachzeichnen.

Das Ziel des Kurses „Geschichte der musikalischen Varietéstile“ im berufsbildenden Sekundarbereich ist Bildungseinrichtung besteht darin, den künstlerischen Horizont der Studierenden zu erweitern und ihre Fähigkeit zu entwickeln, sich in ihrer künstlerischen Praxis in verschiedenen Musikstilen und -richtungen zurechtzufinden. Daher ist die Hauptvoraussetzung für die selbstständige Arbeit eines Schülers das Studium der empfohlenen Literatur und das Anhören von Audiomaterial für den Unterricht.

Dieses Fach ergänzt den Zyklus der Spezial- und Theoriedisziplinen. Studium des Studiengangs“Geschichte der musikalischen Popstile„beinhaltet interdisziplinäre Verbindungen mit Disziplinen wie Musikliteratur, Spezialgebiet, Ensemble, Orchester.

Die Beherrschung des Fachs trägt zur Entwicklung des kreativen Denkens der Studierenden bei. Die systematische und systematische Erledigung der Hausaufgaben trägt zur Entwicklung von bei kreative Möglichkeiten Student, der seinen Horizont erweitert.

1. Arbeiten mit dem Fragebogen.
2. Arbeiten Sie mit zusätzlicher, vom Lehrer empfohlener Literatur (einschließlich Notizen).
3. Zusammenfassungen vervollständigen.
4. Musik hören.

1. 4. Kontrolle und Bewertung der Ergebnisse der Beherrschung der Disziplin

1. Die Überwachung und Bewertung der Ergebnisse der Beherrschung der Disziplin erfolgt durch den Lehrer im Rahmen der Durchführung praktischer Unterrichts- und Laborarbeiten, Tests sowie der Erledigung einzelner Aufgaben, Projekte und Forschungsarbeiten durch die Studierenden.

Lernerfolge (beherrschte Fähigkeiten, erworbenes Wissen)	Formen und Methoden der Überwachung und Bewertung von Lernergebnissen
Fähigkeiten: Navigieren Sie durch die wichtigsten Stilrichtungen der Popmusik und des Jazz. sich mit Fragen der Philosophie und Psychologie der Pop-Jazz-Musik auseinandersetzen; unterscheiden Jazzmeister von ihren kommerziellen Pendants.	Aktuelle Kontrolle - Ausführung von Abstracts
Wissen: die wichtigsten historischen Etappen der Entstehung und Entwicklung von Popmusik und Jazz im Kontext sozioökonomischer, nationalethnischer und künstlerisch-ästhetischer Phänomene; die wichtigsten stilistischen Spielarten des Jazz, die im Laufe seiner Entwicklung entstanden sind; spezifische Jazztechniken (Improvisation, Taktrhythmik, Swing, Artikulation); Mittel zur musikalischen und darstellerischen Ausdruckskraft von Pop- und Jazzmusik; Merkmale der Entwicklung und Stilistik des heimischen Jazz; Interaktion des Jazz mit anderen Formen der Musikkunst	Fragebögen, Quizze, Nachrichten unter Verwendung zusätzlicher Literatur und zusammenfassendes Material, das im Unterricht gelernt wurde

5. LISTE DER GRUNDLEGENDE UND ZUSÄTZLICHE LITERATUR

Hauptliteratur

1. Ovchinnikov, E. Geschichte des Jazz: Lehrbuch. In 2 Ausgaben. / E. Ovchinnikov. – Moskau: Musik, 1994. – Ausgabe. 1.
2. Klitin, S. Varietékunst des 19.-20. Jahrhunderts / S. Klitin. – St. Petersburg: SPbGATI, 2005.
3. Konen, V. Die Geburt des Jazz / V. Konen. - Moskau: Sowjetischer Komponist, 1990.
4. Rockmusik in der UdSSR: die Erfahrung einer populären Enzyklopädie / Komp. A. Troitsky. – Moskau: Buch, 1990.

weitere Literatur

1. Ayvazyan A. Rock 1953/1991.- St. Petersburg, 1992
2. Batashev A. Sowjetischer Jazz.-M., 1972.
3. Benson Ross. Paul McCartney. Persönlichkeit und Mythos. – M., 1993.
4. Bril I. Ein praktischer Leitfaden zur Jazzimprovisation – M., 1979.
5. Bychkov E. Pink Floyd (Legends of Rock) – Karaganda, 1991.
6. Vorobyova T. Geschichte des Beatles-Ensembles.-L., 1990.
7. Dmitriev Yu. Leonid Utesov.-M., 1983.
8. Davis Hunter. Die Beatles. Autorisierte Biographie.-M., 1990.
9. Kozlov, A. Rock: Geschichte und Entwicklung / A. Kozlov. – Moskau: Syncopa, 2001.
10. Kokorev, A. Punkrock von A bis Z / A. Kokorev. – Moskau: Musik, 1991.
11. Collier J. Louis Armstrong. M., 1987
12. Collier J. Die Entstehung des Jazz.-M., 1984.
13. Korolev, O. Prägnantes enzyklopädisches Wörterbuch der Jazz-, Rock- und Popmusik: Begriffe und Konzepte / O. Korolev. – Moskau: Musik, 2002 Collier J. Duke Ellington. M., 1989
14. Kurbanovsky A. Rock-Notizbuch. St. Petersburg, 1991
15. Markhasev L. Im Lichtgenre.-L., 1984.
16. Menschikow V. Enzyklopädie der Rockmusik. –Taschkent, 1992
17. Moshkov, K. Blues. Einführung in die Geschichte / K. Moshkov. – St. Petersburg: Lan, 2010
18. Moshkov, K. Jazzindustrie in Amerika / K. Moshkov. – St. Petersburg: Lan, 2008
19. Musik unserer Tage / Hrsg. D. Volokhin – Moskau: Avanta+, 2002
20. Panasier Süd. Geschichte des authentischen Jazz.-M., 1990
21. Pereverzev L. Essays zur Geschichte des Jazz. // Musikleben.-1966.-№3,5,9,12
22. Pereverzev L. Duke Ellington und sein Orchester // Musikleben.-1971.-Nr.22.
23. Pereverzev L. Charlie Parker.// Musikalisches Leben.-1984.-Nr.
24. Pereverzev L. Oleg Lundstrem Orchestra // Musikalisches Leben.-1973.-Nr.12.
25. Reden wir über Jazz: Reflexionen großer Musiker über Leben und Musik / trans. aus dem Englischen Yu. Vermenich. – Rostow am Don: Phoenix, 2009.
26. Sargent W. Jazz.-M., 1987.
27. Simonenko P. Melodien des Jazz. – Kiew, 1984
28. Sky Rick. Freddie Mercury.-M., 1993.
29. Sowjetischer Jazz: Probleme. Veranstaltungen. Masters.-M., 1987.
30. Troitsky A. Jugendmusik der 80er Jahre // Musikleben.-1980.-Nr.
31. Fedorov E. Rock in mehreren Gesichtern.-M., 1989.
32. Feiser L. Ein Buch über Jazz. Übersetzung von Yu. Vermenich. Woronesch, 1971
33. Feofanov O. Musik der Revolte.-M., 1975.
34. Feyertag, V. Jazz in Russland. Kurzes enzyklopädisches Nachschlagewerk / V. Feyertag. – St. Petersburg: SKIFIA, 2009.
35. Fischer, A. Jazz-Bebop-Stil und seine Koryphäen: ein Lehrbuch) / A. Fischer, L. Shabalina. – Tjumen: RIC TGAKIST, 2010.
36. Chugunov Y. Harmonie im Jazz.-M., 1980.
37. Schmiedel G. Beatles. Leben und Lieder.-M., 1977.

1. Ausgewählte Diskografie nach Kursen

1. „AVVA“ s60-08353-54
2. Ensemble „Arsenal“. Zweiter Wind s60-2369002
3. Anthologie des sowjetischen Jazz. Erste Schritte M6045827006
4. Armstrong Louis. s60-05909-10
5. Basie Count und sieben aus Kansas City s60-10279-80
6. Basie Count. Wenn die Sonne untergeht. M60-47075-009
7. Basie Count. 14 goldene Melodien (2pl). s60-18653-4
8. Die Beatles. Ein Geschmack von Honig. s60-26581-006
9. Die Beatles. Die Nacht eines harten Tages. s60-23579-008
10. Die Beatles. Liebeslieder VTA 1141/42
11. Bril Igor, Jazzensemble. Das Orchester kam von 60-14065-66 an
12. Brubeck Dave in Moskau (2pl.) S. 60-301903007, S. 60-30195-001
13. Gershwin George. Beliebte Melodien s60-08625-26
14. Disco-Club-9. Jazzkompositionen s60-19673-000
15. Goloshchekin David. Leningrader Jazzensemble. 15 Jahre später. s60-20507-007
16. Goodman Benny. Was kann Mondlicht bewirken? M6047507006
17. Davis Miles und die Giganten des Modern Jazz M60-48821-006
18. James Harry und sein Orchester. Der Mann, den ich liebe M60-49229-006
19. Dunkellila. In Rock P91-00221-2
20. John Elton. Stadtstreicher. s60-24123-002
21. John Elton. Dein Lied s60-26003-002
22. John Elton. Der eine BL1027
23. Dorothy Donegan s60-20423-005
24. "Königin." Größte Hits A60-00703-001
25. „Glaubwürdigkeit“, Gruppe. Wanderorchester. С60-27093-009
26. Gruppe „Led Zeppelin“. Treppe zum Himmel s60-27501-005
27. Oleg Lundstrem und sein Orchester. In Erinnerung an Duke Ellington s60-08473-74
28. Leningrad Dixieland 33SM02787-88
29. Oleg Lundstrem und sein Orchester. In satten Farben s60-1837-74
30. Oleg Lundstrem und sein Orchester. Sun Valley Serenade S. 60-18651-52
31. McCartney Paul. Zurück in der UdSSR. A6000415006
32. Miller Glenn und sein Orchester. In der Stimmung M60-47094-002
33. Ein Musikgeschäft. Zum Gedenken an L. Utesov M6044997-001
34. Parker Charlie. M60-48457-007
35. Pink Floyd. Live A60 00543-007
36. Peterson Oscar und Dizzy Gillespie s60-10287-88
37. Peterson-Oscar. O. Peterson Trio. s60-16679-80
38. Presley Elvis. Alles ist in Ordnung M60-48919-003
39. Rolling-Stones-Band. Spiel mit dem Feuer M60 48371 000
40. Rolling-Stones-Band. Lady Jane s60 27411-006
41. Ross Diana s60-12387-8
42. Whiteman Paul, Orchester p/u M60 41643-44
43. Wonder StevieSun of my life S60 26825-009
44. Fitzgerald Ella S60-06017-18
45. Fitzgerald Ella singt die Werke von Duke Ellington C90 29749004
46. Fitzgerald Ella. Tanzen in Savoyen. С6027469006
47. Hendrix Barbara. Neger-Spirituals A 1000185005
48. Tsfasman Alexander. Treffen und Abschiede M6047455-008
49. Webber Andrew Lloyd. Jesus Christus - Superstar P9100029
50. Winter Paul. Konzert Erde s6024669003
51. Charles Ray. Ausgewählte Lieder. VTA 11890
52. Ellington Duke trifft Coleman Hawkins c60-10263-64
53. Ellington Duke und sein Orchester. Konzert (Bild 2) с6026783007

Anlage 2

Fragebogen

1. Afroamerikanische Wurzeln des Jazz.
2. Was ist Improvisation?
3. Periodisierung der stilistischen Entwicklung des Jazz.
4. Spirituals:

Zeitpunkt des Auftretens;

Definition;

1. Frühe afroamerikanische Folklore:

2 Gruppen;

Kurze Beschreibung der Genres;

1. Arbeitslieder
2. Poetische Bilder (Texte) von Spirituals.
3. Musikstil oder charakteristische Genremerkmale von Spirituals.
4. Evangelium:

Eine kurze Beschreibung von;

Unterschied zu Spirituals;

1. Interpreten von Arbeitsliedern und Spirituals.
2. Ragtime:

Definition;

Merkmale (Auftreten, Zeitpunkt);

1. "Sportliches leben":

Bedeutung des Wortes;

1. Scott Joplin
2. Wann wurde der Ragtime „Maple Leaf“ veröffentlicht?

Erklären Sie das Aussehen.

1. Unterhaltungsviertel von New Orleans, Chicago,

New York.

1. Merkmale der Minstrel-Bühne (schwarz).
2. Welche Tänze vervollständigten die Entwicklung des Ragtime.
3. In welchen Werken der klassischen Musik tauchen Merkmale von Spiritual und Ragtime auf?
4. Listen Sie die Genres und Namen der Spirituals auf.
5. Die Bedeutung des Wortes „Blues“.
6. Die Zeit der Entstehung des frühen Blues.
7. Sorten des Blues (Klassifizierung).
8. Berühmte Vertreter und Interpreten des ländlichen Blues.
9. Merkmale des ländlichen Blues.
10. Merkmale des Urban Blues (Zeitpunkt des Auftretens).
11. Der erste Blues-Sänger.
12. „Könige“ und „Königinnen“ des Blues.
13. Merkmale des Urban Blues (Entstehungszeit).
14. Der Unterschied zwischen Blues und Spirituals.
15. Genremerkmale des Blues.
16. Poetische Bilder des Blues und seiner Inhalte.
17. Blues-Künstler.
18. Der erste gedruckte Blues. Komponisten. Titel.
19. Der Titel eines Werks von J. Gershwin, das Blues-Themen verwendet.
20. Genre- und Stilmodifikationen des Blues. Vertreter.
21. Jazz – Bedeutung des Wortes. Herkunft.
22. Die Stadt ist die „Wiege des Jazz“.
23. Frühe Jazzstile. Unterschiede.
24. Euroamerikanische Art von Jazzmusik. Dixieland. Vertreter.
25. Blaskapellen und Straßenkapellen von New Orleans.
26. Jazzmusiker der neuen Generation (New Orleans, Chicago).
27. Streetjazz:

Zeitpunkt des Auftretens;

Charakteristisch;

Vertreter;

Anhang 3

Liste der Begriffe für terminologisches Diktat

ABSCHNITT I. Jazzkunst

Archaischer Blues, archaischer Jazz, afroamerikanische Musik, Barbershop-Harmonie, Barrel-House-Stil, Big Beat, Big Band, Blockakkorde, Wanderbass, Blues, Blues-Modus, Brass Band, Break, Bridge, Boogie-Woogie, Hintergrund, Harlem Jazz , Growl, Ground Beat, Dirt Tones, Jazzing, Jazzform, Jungle Style, Dixieland, Cake Walk, klassischer Blues, Refrain, Minstrel Theater, Off Beat, Off Pitch Tones, Riff, Swing, Symphonic Jazz, Stride Style

Avantgarde-Jazz, afro-kubanischen Jazz, Barock-Jazz, Bebop, Version, West Coast Jazz, Combo, Mainstream, Progressive, Scat, Modern Jazz, Stop-Time-Technik, „Dritter Satz“, Folk-Jazz, kraftvoller Beat, Free Jazz , Fusion, Hard Bop, Ohler, Hot Jazz, „Fourth Current“, Chicago Jazz, Shuffle, Electronic Jazz, „Jazz Era“.

ABSCHNITT II. Popmusik

ABSCHNITT III. Rockkultur

Avantgarde-Rock, Alternative Rock, Underground Rock, Art Rock, Beatniks, Black Metal, Breakdance, Gitter Rock, Glam Rock, Grunge, Industrial Rock, Intellektueller Rock, Mainstream Rock, Punk Rock, Progressive Rock, Rhythm and Blues, Rockabilly, Rock and Roll, Reggae, Rave, Rap, Symphonic Rock, Folk Rock, Hard Rock, Heavy Metal,

Anhang 4

Mustertickets für differenzierte Platzierungen

Ticket Nr. 1

1. Ursprünge der Jazzmusik

2. Französisches Chanson

Ticket Nummer 2

1. Genres der afroamerikanischen Folklore

2. Entwicklungsstadien des Popsongs in der in- und ausländischen Popmusik

Ticketnummer 3.

1. Ragtime

2. US-Rockmusik der 1950er-1960er Jahre

Ticket Nr. 4

1. Blues: Entwicklungsstadien des Genres

2. Sowjetisches Massenlied

Ticket Nr. 5

1. Klassischer Jazz. Swing-Stil

2. Rockmusik in der UdSSR

Ticketnummer 6

1. Cooler Stil und andere Jazzbewegungen der 1950er Jahre

Ticketnummer 7

1. Jazzstile 1960-1970

2. Britischer Beat der 1960er Jahre

Ticketnummer 8

1. Bebop-Stil.

2. Rockoper und Rockmusical

Ticketnummer 9

1. Entwicklungswege des Jazz im postsowjetischen Russland

2. Klassisches Musical (1920er-1930er)

Ticketnummer 10

1. Avantgardistische Jazzstile. Free-Jazz

2. Klassisches Musical (1920er-1930er)

Ticket Nr. 11

1. Jazz in Sowjetrussland

2. Musikgenre: Entstehungsgeschichte, Entwicklungsstadien

Anhang 5

Kriterien für die Bewertung der Antworten der Studierenden während des Tests:

Die Note „sehr gut“ wird dann vergeben, wenn die Antwort auf den theoretischen Stoff aussagekräftig und logisch aufgebaut ist, den behandelten Sachverhalt hinreichend detailliert aufzeigt, auf einer korrekten Interpretation der Terminologie beruht und mit musikalischen und anschaulichen Beispielen ausgestattet ist.

Die Bewertung „gut“ erfolgt, wenn die Antwort auf den theoretischen Stoff nicht detailliert genug ist und kleinere Fehler in der Terminologie vorliegen.

Die Bewertung „befriedigend“ wird dann vergeben, wenn die theoretische Antwort auf diskret dargelegten Informationen basiert, die nicht erschaffen Gesamtbild In Bezug auf das betrachtete Thema zeigen sich mangelnde terminologische Kenntnisse.