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Orgel Orgel

Als Kinder haben viele von uns mit Begeisterung das Werk des wunderbaren französischen Schriftstellers G. Malo „Ohne Familie“ gelesen. Eine Geschichte, die sicherlich niemanden gleichgültig lassen konnte. In dieser berührenden Geschichte wurde den Helden in schwierigen Lebenssituationen ein interessanter Gegenstand zum Überleben verholfen, ein mechanisches Musikinstrument – ​​eine Drehorgel. Um es zu spielen, musste man die Noten nicht studieren oder gar kennen; den Knopf drehen – die Melodie erklingt.

Heutzutage ist eine Drehorgel bereits eine Kuriosität. Wir hören Musik aus digitalen Medien, denen Plattenspieler und Tonbandgeräte vorausgingen, und noch früher – Grammophone und Grammophone. Der Vorläufer all dieser Technik war die Drehorgel, die früher so beliebt war, dass ihr viele große Dichter ihre Gedichte widmeten.

Der Klang einer Drehorgel wird durch Rohre erzeugt, die in einem Akustikgehäuse untergebracht sind. Ein sehr wichtiges Element des Werkzeugs ist die Rolle mit darin eingebauten Stiften. Die Pins werden in einer bestimmten Reihenfolge platziert, die der Melodie entspricht, die wir hören möchten. Werden die Pins neu angeordnet, kommt die Musik völlig anders zur Geltung. Das Instrument beginnt zu erklingen, wenn man den Griff der Orgel dreht, wodurch ein ziemlich komplizierter Mechanismus in Gang gesetzt wird.

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Interessante Fakten

• In jedem Land hat die Drehorgel einen eigenen Namen. In Deutschland - Leierkasten, in England - Drehorgel, in Frankreich - Orgue de Barbarie, in Spanien - Organillo und in Italien - Organistro, in Bulgarien - Laterna, in Ungarn - Kintorna.
• Der französische „Sonnenkönig“ Ludwig XIV. war der erste Monarch, der die Drehorgel zu schätzen wusste und das Instrument in Mode brachte.
• Viele große russische Dichter, darunter A. Vertinsky, A. Fet, P. Antokolsky, O. Mandelstam, I. Annensky, L. Semenov, M. Tsvetaeva, V. Bryusov, B. Okudzhava, widmeten ihre Gedichte der Drehorgel.

• Das Musikinstrument Drehleier findet sich sehr häufig in der Kinderliteratur, beispielsweise in den Märchen von H.K. Andersens „Der Schweinehirt“, C. Collodis „Pinocchio“, A. Tolstois „Der goldene Schlüssel oder die Abenteuer des Pinocchio“, in den Werken von A. Kuprin „Der weiße Pudel“. VON. Walton „Old Organ-Gurdy Christy“, G. Malo „Without a Family“.
• Auf der ganzen Welt wird dem Instrument großer Respekt entgegengebracht. In vielen europäischen Ländern, wie der Schweiz, Frankreich, Finnland, Ungarn, Estland, Deutschland, der Tschechischen Republik, internationale Festivals Drehorgelspieler. Das größte Festival, das Hunderte von Künstlern anzieht, findet normalerweise jährlich im Juli in Berlin, der Hauptstadt Deutschlands, statt. Ein beeindruckender Umzug gekleideter Orgelspieler Vintage-Kostüme, verläuft entlang des berühmten Boulevards Kurfürstendamm, erregt Aufmerksamkeit und weckt reges Interesse nicht nur bei den Bewohnern der Hauptstadt, sondern auch bei Gästen der Stadt.
• In Brasilien tanzte man sogar Tango zu den Klängen einer Drehorgel.
• In Dänemark glaubt man immer noch, dass das Brautpaar ein Leben lang glücklich sein wird, wenn ein Drehorgelspieler zu einer Hochzeit eingeladen wird.
• In der österreichischen Hauptstadt Wien ist auf dem Stephansplatz in der Nähe des Wiener Doms stets der Klang einer Drehorgel zu hören.
• In Prag sind Drehorgelspieler immer in der Nähe der wichtigsten historischen Sehenswürdigkeiten der Stadt zu finden – der Karlsbrücke und dem Altstädter Ring.
• In Australien finden jährlich viele verschiedene, teilweise sehr ausgefallene und exzentrische Paraden und Festivals statt. Sie sind meist hell und interessant, oft begleitet von den Klängen von Drehorgeln.
• Denkmäler für Drehorgelspieler und Drehorgelspieler gibt es in verschiedenen Städten auf der ganzen Welt: Moskau (Russland), St. Petersburg (Russland), Kiew (Ukraine), Gomel (Weißrussland), Berlin (Deutschland), Newport (USA).
• Im Russischen gibt es den Ausdruck „eine Drehorgel starten“, was bedeutet, ärgerlicherweise über dasselbe zu reden.
• Derzeit erfreut sich die Drehorgel als Kinderspielzeug großer Beliebtheit, da sie die Muskulatur und Fingermotorik des Kindes fördert und zudem beruhigend wirkt.
• Funkamateure nennen eine Drehorgel ein selbstgebautes Funksendegerät.

Design

Der Aufbau einer Drehorgel ist nicht so einfach, wie es scheint. Es besteht aus einem Griff, der als Kragen bezeichnet wird, einer Balgkammer, einem Stift, einer Klangwalze, Stiften, Hebeln, Stimmzungen, Ventilen und Rohren.
Der Drehorgelgriff bewirkt die Bewegung von Stift und Klangwalze. Mithilfe einer Nadel wird Luft in die Balgkammer am Boden des Instruments gepumpt. Auf der Klangwalze befinden sich Stifte, bei deren Kontakt sich die Arme heben und senken. Die Hebel wiederum bewirken, dass sich die Stimmzungen bewegen und die Ventile öffnen und schließen, die den Luftstrom in die Rohre steuern, die den Klang erzeugen.

Geschichte

Die Drehorgel war einst so beliebt, dass mehrere europäische Länder: Frankreich, Holland, die Schweiz und Italien immer noch darüber streiten und nach Beweisen suchen, in welchem ​​Land die Drehorgel ursprünglich geboren wurde. Allerdings geht die Geschichte des Instruments in die Antike zurück. Der Einsatz von Nockenvorrichtungen, die der Klangerzeugung in einer Drehorgel dienen, ist seit der Antike bekannt. Schon damals wurden sie bei der Konstruktion verschiedener Arten von Unterhaltungsmechanismen verwendet. Zum Beispiel in Antikes Griechenland es gab Theater, in denen sich selbstbewegende Figuren präsentierten, die Androiden genannt wurden und sich zu den erzeugten Geräuschen bewegten mechanisch. Und der berühmte chinesische Philosoph Konfuzius, der im 6. Jahrhundert v. Chr. lebte, verbrachte eine ganze Woche ohne Unterbrechung damit, dem Klang von Melodien zu lauschen, die aus einem Gerät namens „Tigerrippen“ extrahiert wurden, das aus Platten bestand, die Klänge unterschiedlicher Tonhöhen aussendeten. Vielleicht war dieses Musikwerk der Vorfahre der Drehorgel. Und selbst die pneumatische Orgel, die im 3. Jahrhundert v. Chr. vom berühmten antiken griechischen Erfinder Ctesibius erfunden wurde, stand indirekt im Zusammenhang mit dem Aussehen der Drehorgel.

Während der Renaissance wurden die Mechanismen zur Klangerzeugung immer weiter verbessert und zum Vergnügen des Adels wurden bereits mechanische Musikinstrumente geschaffen, die Melodien reproduzierten: Drehorgeln, Spieldosen und Schnupftabakdosen.

Das erste Instrument, das überlebt und zu uns gelangt ist, war ein primitives Exemplar, das im 17. Jahrhundert in Frankreich geschaffen wurde. Sie konnte nur eine Melodie spielen und diente zum Unterrichten von Singvögeln, weshalb sie „Vogelorgel“ genannt wurde. Die Drehorgel wurde sehr schnell von reisenden Künstlern angenommen, da man auf ihr Melodien spielen konnte, ohne auch nur eine einzige Note zu kennen, man musste nur den Griff des Instruments drehen. Beispielsweise ließen die Bewohner von Savoyen, einer Region im Südosten Frankreichs am Fuße der Alpen, in Zeiten der Hungersnot ihre Kinder für ihr eigenes Essen sorgen. Kinder reisen herum große Städte Zu den Klängen einer Drehorgel führten sie unter Beteiligung ihrer vierbeinigen Haustiere – Murmeltiere – verschiedene Straßenaufführungen auf. Unter dem Eindruck einer dieser Aufführungen entstand das weltberühmte Lied „Murmeltier“, basierend auf den Versen des berühmten deutschen Dichters I.V. Goethe und Musik L.V. Beethoven.

Das von den Menschen sehr geliebte Instrument entwickelte sich ständig weiter. Meister von verschiedene Länder habe es ständig verbessert. Der Italiener D. Barbieri, der Franzose J. Vacanson und der Schweizer A. Favre sind Mechaniker und Erfinder, die ganz wesentliche Änderungen am Design der Drehorgel vorgenommen haben. Das Instrument wurde zu einer kleinen mechanischen Orgel ohne Tastatur – einem Kasten, in dem sich in Reihen Klangröhren, Blasebälge und eine Walze mit kleinen Vorsprüngen – Stiften – befanden. Auf einer Drehorgel war es möglich, nicht wie bisher nur eine, sondern sechs oder acht oder sogar mehr Melodien aufzuführen, da die Walze unabhängig voneinander entfernt werden konnte und sich so das Repertoire des Instruments veränderte. Der Anwendungsbereich der Drehorgel hat sich deutlich erweitert. Beispielsweise wurde es in englischen Kirchen zum Erklingen von Hymnen und Psalmen verwendet.

In Russland erschien das Instrument Ende des 18. Jahrhunderts aus Polen und wurde schnell von reisenden Musikern und Zeltzirkuskünstlern beherrscht. Die Melodie, die die Russen zum ersten Mal von einer Drehorgel hörten, war die Melodie eines Liedes namens „Charmant Katarina“ auf Französisch. Es gibt eine Version, nach der das Instrument in unserem Land einen so ungewöhnlichen Namen erhielt – Drehorgel, manchmal wurde es auch „Katarinka“ genannt. Eine weitere Möglichkeit zur Herkunft des Instrumentennamens wird ebenfalls in Betracht gezogen. Vielleicht wurde es ursprünglich „Schirmanka“ genannt, abgeleitet vom Wort „Bildschirm“, da sich die Darsteller des Instruments während ihrer Aufführungen oft mit Puppenspielern zusammentaten, die während der Aufführungen hinter einer Leinwand arbeiteten.

Dank Orgelspielern wuchs die Popularität des Instruments in Russland sehr schnell. Um ihren Lebensunterhalt zu verdienen, wanderten wandernde Musiker, manchmal begleitet von Waisenkindern, die mit erbärmlichen Stimmen sangen, durch die Innenhöfe der Häuser. Bei ihren Darbietungen setzten die Drehorgelspieler auch kleine Affen ein, die zum Klang des Drehorgelspielers Grimassen schnitten, beim Tanzen taumelten und sich sogar drehten, sowie große Papageien. Die Vögel zogen gefaltete Zettel aus der Schachtel, auf denen Vorhersagen für die Zukunft geschrieben waren.

Die Drehorgel erfreute sich großer Beliebtheit und wurde ständig umgebaut. An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert mehrere verschiedene Typen Werkzeug. Die Rollen wurden durch Bänder mit Löchern ersetzt , Jedes davon entsprach einem bestimmten Klang. Dadurch wurden die Möglichkeiten des Instruments erheblich erweitert und es konnten nicht nur beliebte Lieder und Tänze, sondern sogar Auszüge aus Opern aufgenommen werden. Solche Instrumente wurden Aristons genannt. Bereits in dieser Form gab es Drehorgeln bis in die 30er Jahre des letzten Jahrhunderts, und nach dem Aufkommen fortschrittlicherer Mittel zur Tonwiedergabe: Grammophone, Grammophone, elektrische Abspielgeräte, Tonbandgeräte wurden sie vollständig verdrängt und gehörten der Vergangenheit an.

Heutzutage ist eine Drehorgel eine Kuriosität, die häufiger in einem Museum zu sehen ist, als ihren Klang auf der Straße zu hören. Zwar erinnern sich die Bewohner von Paris, Wien, Berlin, Amsterdam und einigen anderen Städten der Welt noch daran, denn dort kann man immer noch Orgelspieler allein spielen sehen. Und als Hommage an die Drehorgel, die sich im Laufe der Zeit bewährt hat, werden ständig verschiedene Feiertage und Feste unter Beteiligung eines alten Instruments organisiert, das heute erheblich verbessert wurde.

Video: Hören Sie sich die Drehorgel an

MUSIKINSTRUMENTE UND SPIELZEUG

Orgel Orgel

Dmitri Schostakowitsch. Leierkasten;
Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky. Der Orgelspieler singt.

1. Lektion

Programminhalte. Bringen Sie den Kindern bei, die Natur der Musik (fröhlich, verspielt, schelmisch) zu bestimmen und ihre Bilder zu unterscheiden (Nachahmung der Klänge einer Drehorgel).

Fortschritt der Lektion:

Erzieher Kinder, Sie sind bereits ein wenig mit der Arbeit von Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch vertraut. Denken Sie daran, welches Werk von D. Schostakowitsch Sie gehört haben (spielt ein Fragment).

Kinder. "Marsch".

Pädagoge: Was ist die Natur dieses Marsches? (Führt ein Theaterstück auf.)

Kinder. Verspielt, fröhlich, schelmisch.

LEHRER: Warum haben Sie den Charakter dieser Musik auf diese Weise definiert?

Kinder. Der Marsch klingt abrupt, hoch, leise, mit Akzenten, als würden Spielzeugsoldaten gehen.

Pädagoge Heute hören Sie ein weiteres Stück von D. Schostakowitsch – „Drehleier“. Wer weiß, was eine Drehorgel ist?

Kinder. Dies ist ein Musikinstrument.

LEHRER: Richtig, das ist ein altes mechanisches Musikinstrument, das Melodien spielt, wenn der Drehorgelspieler den Griff dreht. Sie kann eine oder mehrere Melodien spielen, die viele Male wiederholt werden. Die Melodien von Drehorgeln sind oft klagend und traurig. Drehorgelspieler waren arme Leute. Sie verdienten ihren Lebensunterhalt damit, durch die Höfe und Straßen zu streifen und unermüdlich an der Kurbel ihrer Orgel zu drehen. Seine klagenden Geräusche hallten herum, und die Leute warfen Kleingeld aus den Fenstern auf den Drehorgelspieler. Sie alle kennen das Märchen „Der goldene Schlüssel“ von A. Tolstoi. Papa Carlo, der Pinocchio aus einem Baumstamm machte, war Drehorgelspieler. Sie haben Drehorgelspieler auch in Filmen gesehen. Für diejenigen, die sich nicht erinnern, wie sie aussieht, schauen Sie sich ihr Bild an (zeigt ein Bild). Es gab aber auch Drehorgeln, die fröhliche, lustige Melodien spielten. Hören Sie sich D. Schostakowitschs Stück „Drehorgel“ an und sagen Sie, welche Melodie sie spielt (das Stück aufführt).

Kinder. Fröhlich, verspielt, frech, lustig.

Pädagogisch: Stimmt, die Musik ist unbeschwert, verspielt, tanzbar. Es ähnelt einem fröhlichen, schelmischen Liedchen. Wie hat D. Schostakowitsch in diesem Stück eine Drehorgel dargestellt? Wird darin etwas wiederholt? (Führt die Begleitung separat durch.)

Kinder. Ja, die gleichen Geräusche werden wiederholt.

P a g o g Die Begleitung im Stück erklingt vom Anfang bis zum Ende unverändert (spielt ein Fragment der Begleitung). Dies vermittelt die Monotonie und Mechanik des Klangs dieses Instruments. Hören Sie sich das Stück noch einmal an (spielt es auf).

2. Lektion

Programminhalte. Unterscheiden Sie die Form eines Musikwerks, die Art der einzelnen Teile, bestimmen Sie die Mittel musikalische Ausdruckskraft, Bildgestaltung (Dynamik, Register, Akzente, Artikulation), der Charakter des Tanzes (klare, abrupte Polka).

Fortschritt der Lektion:

LEHRER: Kinder, jetzt spiele ich euch einen Auszug aus einem Theaterstück vor, das ihr schon gehört habt. Merken Sie sich den Namen und den Autor (führt das Fragment aus).

Kinder. „Drehorgel“ von D. Schostakowitsch.

P a g o g Was ist das Wesen der Musik? (Führt ein Theaterstück auf.)

Kinder. Fröhlich, verspielt, verspielt, schelmisch, tanzend.

Pädagogisch. Welche Art von Tanz spielt die Orgel?

Kinder. Polka.

P a g o r. Richtig. Warum kamen Sie zu dem Schluss, dass es Polka war?

Kinder. Die Musik ist schnell, ruckartig, hüpfend, fröhlich.

P a g o r. Richtig. Der Rhythmus ist klar und tanzbar. Die Melodie basiert auf dem Wechsel von sanften, gleitenden und abrupten, scharfen Klängen. Die Musik hat viele humorvolle Akzente, die unerwartet und verspielt klingen. Ich spiele den Anfang des Stücks und Sie markieren die Akzente mit Klatschen (die Uraufführung des Themas wird aufgeführt, die Kinder lösen die Aufgabe). Wie klingt die Melodie beim zweiten Mal? (Spielt die erste Variation – Takt 11–18.)

Kinder. Leise, abrupt, leicht.

LEHRER: Richtig, die Melodie klingt leicht und einschmeichelnd, wird aber von schelmischen, großspurigen Akzenten unterbrochen (spielt das Fragment vor). Markieren Sie sie mit Klatschen (wird wiederholt ausgeführt, Kinder erledigen die Aufgabe). Die Melodie ändert sich ständig und die Begleitung wiederholt sich ständig (spielt das Stück zu Ende). Die ersten beiden Male klang die Melodie unterschiedlich – zunächst recht laut, fröhlich, heiter, dann leise, schüchtern, aber dennoch mit verspielten, scharfen Akzenten. Wie klingt die Melodie als nächstes? (Spielt die zweite Hälfte des Stückes, beginnend mit dem 19. Takt.)

Kinder. Zuerst sanft, hoch, leise, melodisch, dann laut, fröhlich, klingend.

P a g o g Zu Beginn und am Ende erklingt die Melodie hell (die erste und letzte Umsetzung des Themas wird vorgetragen), und in der Mitte erklingt sie zweimal leise, aber auf unterschiedliche Weise. Hören Sie sich die Natur des Themas beim zweiten und dritten Mal an (führen Sie diese Variationen vor).

Kinder. Das zweite Mal ist abrupt, leicht, frech und das dritte Mal sanft und sanft.

Erzieher: Hören Sie aufmerksam zu. Wenngleich letztes Mal Die Melodie klang sanft, sanft, verlor aber dennoch nicht ihren verspielten, verspielten, schelmischen Ton. Es beginnt jeweils liebevoll und endet mit einem kurzen, abrupten Ton (Takt 19–26). Hören Sie sich das Stück noch einmal an (spielt es auf).

3. Lektion

Programminhalte. Stärken Sie die Fähigkeit der Kinder, zwischen Einleitung und Schluss sowie Teilen des Stücks im Zusammenhang mit der Veränderung des Charakters der Musik zu unterscheiden. Bestimmen Sie die Klangfarben von Musikinstrumenten, die dem Klangcharakter von Teilen des Stücks entsprechen. Spielen Sie diese Instrumente und betonen Sie die rhythmische und klangliche Originalität der Musik.

Fortschritt der Lektion:

Erzieher: Kinder, versucht herauszufinden, was ich euch vorspiele (führt den Schluss aus).

Kinder. Das ist „Drehleier“ von D. Schostakowitsch. Ende des Stücks.

Lehrer: Sagen Sie mir, ob das Stück eine Einleitung und einen Schluss hat (es wird vollständig aufgeführt).

Kinder. Essen.

P a g o g Wie klingt die Einleitung? (Tut es.)

Kinder. Wiederholte Klänge einer Drehorgel sind zu hören.

P e d a g o g. Und das Fazit? (Tut es.)

Kinder. Zuerst sanft, leise und dann laut, fröhlich.

Pädagogisch Und am Ende des Stücks klingt die Musik verspielt und lustig. Es beginnt liebevoll und hinterhältig und wird plötzlich von einem lauten Akkord unterbrochen, der das Stück beendet. Der Schluss ähnelt einer sanften Leitung einer in hoher Lage erklingenden Melodie (vorgetragen vom Fragment). Wir sagten, dass die Melodie im Stück auf unterschiedliche Weise wiederholt wird. Es variiert. Wie klingt es beim ersten und letzten Mal? (Führt Fragmente durch.)

Kinder. Laut, fröhlich, mit Akzenten.

Erzieher: Sie und ich haben Akzente mit Klatschen markiert, und heute verwenden wir dafür ein Tamburin. Es betont die Akzente und verleiht dem Klang eine klingende Qualität. Markieren wir die Akzente in der Musik, zuerst durch Klatschen und dann durch Schlagen auf die Tamburine (führt den ersten Teil aus, die Kinder erledigen die Aufgabe). Vergleichen Sie nun diesen Teil des Stücks mit dem letzten (vierten). Hat es so viele Akzente wie das erste oder nicht? (Führt Fragmente durch.)

Kinder. NEIN.

P a g o g Wie viele Akzente hat diese Melodie? (Führt den vierten Teil durch.)

Kinder. Zwei.

Erzieher: Markieren wir sie mit Klatschen (führt eine Variation aus, Kinder erledigen die Aufgabe). Jetzt werden wir das Tamburin während der Akzentuierung (zweimal) anschlagen; Dies verleiht der Musik Klangfülle und Helligkeit. Lassen Sie uns diesen Teil gemeinsam spielen (spielt ihn mit den Kindern). Lassen Sie uns nun darüber nachdenken, welche Instrumente bei der zweiten und dritten Aufführung der Melodie verwendet werden können (sie werden aufgeführt). Wie klingt die Musik?

Kinder. Leise, sanft. Im zweiten Teil ist es abrupt und im dritten Teil glatt.

P a g o g Die Musik im zweiten Teil klingt ruhig, transparent und leicht. Es können zarte Glocken verwendet werden, und die Tamburine betonen dennoch die Akzente. Markieren Sie die Akzente in diesem Teil des Stücks durch Klatschen (die zweite Präsentation des Themas wird durchgeführt, die Kinder lösen die Aufgabe). Spielen wir nun diese Rolle sowohl auf Glocken als auch auf Tamburinen (er spielt sie noch einmal mit den Kindern). Und welches Instrument kann man im sanften Teil, wenn die Musik sehr hoch klingt, verwenden? (Führt ein Fragment aus.)

Kinder. Dreieck.

P a g o r. Richtig. In diesem Teil gibt es keine Akzente und die Triangel betont den hohen, klingenden Klang der Musik. Lassen Sie uns das gesamte Stück aufführen (teilt die Kinder in Gruppen ein, verteilt Musikinstrumente, führt das Stück mit ihnen auf).

4. Lektion

Programminhalte. Stärken Sie die Fähigkeit von Kindern, Musik zu orchestrieren. Unterscheiden Sie zwischen dem emotionalen und dem figurativen Inhalt gleichnamiger Stücke.

Fortschritt der Lektion:

Pädagoge Kinder, heute spielen wir D. Schostakowitschs Stück „Drehleier“ selbstbewusster und ausdrucksvoller. Tamburine werden die Akzente in der Musik setzen. Der sanfte, transparente und abrupte Klang der Melodie wird durch Glocken vermittelt, der sanfte Klang durch die Triangel. Welche Werkzeuge können in der Haft verwendet werden? (Fragment spielt.)

Kinder. Ein Dreieck und am Ende ein Tamburin.

P a g o r. Richtig. Wenn die Melodie sanft und sanft klingt, ertönt eine Triangel. Und zum Schlussakkord – alle Instrumente sind fröhlich, fröhlich (spielt den Schluss gemeinsam mit den Kindern). Jetzt lasst uns das ganze Stück aufführen (sie spielen es). Was haben wir für eine verspielte, schelmische Musik, wie fröhlich spielt die Orgel!

Und jetzt werde ich für Sie ein weiteres Stück mit einem ähnlichen Titel aufführen: „The Organ Grinder Sings“. Es wurde vom großen russischen Komponisten Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky geschrieben. Hören Sie sich das Stück an und sagen Sie, welche Gefühle und Stimmungen die Musik vermittelt (aufführt).

Kinder. Die Musik ist traurig, traurig.

LEHRER: Richtig, diese Orgel spielt eine klagende, melodische, traurige Melodie, anders als das Stück, das wir kennen. Wie vermittelt das neue Werk den monotonen Klang einer Drehorgel? Gibt es wiederkehrende Geräusche, die an ihr Spiel erinnern? (Führt den zweiten Teil durch.)

Kinder. Essen. Die Töne werden wiederholt.

P a g o g Das Stück besteht aus zwei Teilen. Ich habe den zweiten Teil für dich gespielt. Besonders gut sind darin die sich wiederholenden Klänge einer Drehorgel zu hören. Die Musik klingt traurig und klagend. Trotz der Tatsache, dass beide Stücke eine Nachahmung der Klänge eines alten Musikinstruments – einer Drehorgel – vermitteln, welch unterschiedliche Gefühle und Stimmungen werden in ihnen ausgedrückt! Hören Sie beide Stücke noch einmal (spielt sie vor).

5. Lektion

Programminhalte. Den Charakter der Musik in Bewegung vermitteln, den unterschiedlichen Tanzcharakter kontrastierender Stücke (Polka, Walzer) bestimmen.

Fortschritt der Lektion:

LEHRER: Kinder, hört euch zwei Theaterstücke an, die ihr kennt, und benennt sie (spielt die Stücke vor).

Kinder. Dies sind „Der Orgelspieler“ von D. Schostakowitsch und „Der Orgelspieler singt“ von P. Tschaikowsky.

P e d a g o g Warum heißt P. Tschaikowskys Stück „Der Drehorgelspieler singt“?

Kinder. Es klingt wie ein Lied – sanft, melodisch.

Pädagogisch. Richtig, in der Musik von P. Tschaikowski spürt man die Liedhaftigkeit der Melodie, die Geschmeidigkeit und die Gemächlichkeit. Gibt es in dieser Musik tänzerische Züge? (Führt den Anfang des Stücks durch.)

Kinder. Das ist ein Walzer.

Pädagoge. Richtig, die Drehorgel in P. Tschaikowskys Stück spielt einen eintönigen, klagenden Walzer. Und welchen Tanz spielt die Orgel in D. Schostakowitschs Stück? (Führt ein Fragment aus.)

Kinder. Polka.

P a g o g. In D. Schostakowitschs Stück gibt es ein schelmisches Liedchen, das man zum Tanz aufführen kann – eine leichte, verspielte Polka. Versuchen wir, den unterschiedlichen Charakter dieser Stücke in Bewegung zu vermitteln, indem wir Tanzelemente verwenden – Polka und Walzer (ruft Kinder in Gruppen auf, führt Theaterstücke auf, bespricht erfolgreich gefundene Bewegungen).

Präsentation

Im Lieferumfang enthalten:
1. Präsentation, ppsx;
2. Musikklänge:
Tschaikowsky. Der Orgelspieler singt. Kinderalbum, mp3;
Schostakowitsch. Orgelorgel (drei Versionen: Klavier, Sinfonieorchester, Lied), mp3;
3. Begleitartikel – Unterrichtsnotizen, docx;
4. Noten zur selbstständigen Darbietung durch den Lehrer, jpg.

Tschernyschew A.F. Leierkastenmann.

Heute erinnert sich kaum noch jemand an die Drehorgel, aber einst war sie sehr verbreitet. Ein alter Mann betrat den Hof mit einer bunt bemalten Kiste auf der Schulter, oft mit einem darauf sitzenden Affen. Es war ein Orgelspieler. Er nahm die Last von seiner Schulter, begann, den Griff der Drehorgel gleichmäßig zu drehen, und unter Zischen und Schluchzen erklangen Walzer und Polkas, oft unharmonisch und verstimmt.

Es gibt eine Legende, dass bereits im 6. Jahrhundert v. Konfuzius genoss sieben Tage lang ununterbrochen den Klang der Melodien auf den „Rippen des Tigers“ (Metallplatten, die Geräusche erzeugen). verschiedene Höhen) wird angenommen, dass dieser Mechanismus 1769 vom Schweizer Mechaniker Antoine Favre erfunden wurde.

Henry William Bunbury. 1785

In Westeuropa erschien dieses mechanische Musikinstrument Ende des 17. Jahrhunderts. Zuerst war es eine „Vogelorgel“ zum Trainieren von Singvögeln, dann wurde sie von Wandermusikanten übernommen.

Emil Orlik. 1901

So entstand ein Musikinstrument für diejenigen, die nicht spielen können. Sie drehen den Knopf und die Musik erklingt. Der damalige Hit „Lovely Katarina“ (auf Französisch „Charmant Katarina“) wurde am häufigsten gehört. Der Name des Instruments leitet sich vom Namen des Liedes ab – der Drehorgel.

Einer der ersten Meister, die sich mit der Herstellung von Drehorgeln beschäftigten, war der Italiener Giovanni Barberi (daher der französische Name für dieses Instrument – ​​orgue do Barbarie, wörtlich „Orgel aus dem Land der Barbaren“, verzerrt orgue do Barbcri). Die deutschen und englischen Namen für dieses Instrument enthalten auch das Wurzelmorphem „Orgel“. Und im Russischen steht „Orgel“ oft als Synonym für „Orgelspieler“: „Im Zimmer war auch ein Drehorgelspielerjunge mit einer kleinen Handorgel ...“ (Dostojewski. Verbrechen und Sühne).

Die Drehorgel kam nach Russland Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhundert, und die Bekanntschaft der Russen mit dem neuen Instrument begann genau mit dem französischen Lied „Charman Catherine“. Das Lied gefiel allen sofort sehr gut und der Name „Katerinka“, ukrainisch „katernika“, weißrussisch „katzerynka“, polnisch „katarynka“ oder „Lee-Drehorgel“ haftete fest an dem Instrument.

Es besteht auch die Vermutung, dass der ursprüngliche Name nicht Drehleier, sondern Schirmanka war.

„... Und es kam von den Bildschirmen, hinter denen Pulcinella, der fast immer Begleiter des Drehorgelspielers, mit seiner klingenden Stimme die Schaulustigen und Neugierigen anrief. Die Orgeln, die unter uns auftauchten, waren untrennbar mit der Puppenkomödie verbunden“ (Aufsatz „ Petersburger Orgelspieler“ aus „Physiologie von Petersburg“ von D.V.

V.G. Perow. Leierkastenmann.

Die Niederländer behaupten, dass die erste Drehorgel in ihrem Heimatland aufgetaucht sei. Und das war vor 500 Jahren. Der einzige physische Beweis, den sie haben, ist jedoch eine Zeichnung aus dem späten 15. Jahrhundert – so baufällig, dass man darauf kaum noch etwas erkennen kann. Von den uns überlieferten Exemplaren wurde das älteste in Frankreich hergestellt Anfang des XVII Jahrhundert.

R. Zink. Die Farandole. 1850

Oft kommt es uns so vor, als wäre eine Drehorgel nur eine große Spieluhr und die Melodie wird darin mit Hilfe einer Walze mit Stiften und einer Eisenplatte mit „Schwänzen“ geboren. Die Walze dreht sich, die in der richtigen Reihenfolge angeordneten Stifte berühren die „Schwänze“ – hier haben Sie „Auf den Hügeln der Mandschurei“. Allerdings ist nicht alles so einfach. Ja, es gibt Drehorgeln mit einem solchen Mechanismus und sogar mit einem Xylophon-Mechanismus, bei dem die Stifte der Walze musikalische Hämmer berühren, die auf Metalltasten schlagen, aber das sind bereits Derivate.

Eine echte Drehorgel ist fast eine Orgel, und ihr Aufbau ist viel komplexer, als wir denken. Damit die Orgel zu spielen beginnt, müssen Sie zunächst ihren Griff – das Tor – drehen. Dieser Griff setzt zwei Mechanismen gleichzeitig in Bewegung: einen Stift, der Luft in den Blasebalg an der Unterseite des Instruments pumpt, und eine Musikrolle mit Vertiefungen, die Stifte genannt werden. Die rotierende Walze setzt die Hebel in Bewegung, die sich an den Stiften festklammern und sich in einer bestimmten Reihenfolge auf und ab bewegen. Die Hebel bewegen wiederum die Zungen, die die Luftventile öffnen und schließen. Und die Ventile steuern den Luftstrom in die Pfeifen, ähnlich wie bei Orgelpfeifen, wodurch die Melodie erklingt.

Durch Drehen des Griffs konnte der Drehorgelspieler 6-8 auf der Walze aufgezeichnete Melodien abspielen. Solche „Nockengeräte“ sind seit der Antike bekannt: Kleine Vorsprünge, sogenannte „Nocken“, sind an rotierenden Zylindern oder Scheiben befestigt und erzeugen abwechselnd den Klang einer Note oder einer anderen. Auf einer Walze war nur eine Melodie aufgezeichnet, die Walze ließ sich aber leicht austauschen.

Im 20. Jahrhundert wurden anstelle von Rollen perforierte Papierbänder verwendet, auf denen jeder Ton einem bestimmten Loch entspricht. Oft ist eine Drehorgel mit einer Vorrichtung ausgestattet, die den Klang intermittierend und zitternd macht, damit es besser möglich ist, den Zuhörern „eine Träne herauszupressen“. Es gab aber auch Rohrorgeln – heute findet man sie als Kinderspielzeug. Mit der Zeit nutzten sich die Wirbel der Drehorgel ab, der Klang wurde undeutlich und aufdringlich – daher „Na, ich habe meine Drehorgel neu gestartet!“

Das Repertoire der Drehorgeln bestand aus den beliebtesten Liedern der alten Zeit, zum Beispiel: „Muttertaube“, „Entlang der Piterskaja-Straße“. Aber der Hit zu Beginn des letzten Jahrhunderts war das Lied „Marusya wurde vergiftet“. Das Lied wurde 1911 auf einer Schallplatte von Nina Dulkevich veröffentlicht, der Autor war Yakov Prigozhey, Pianist und Arrangeur des Moskauer Restaurants „Yar“.

Das Lied blieb jahrzehntelang beliebt. Es gibt eine Aufnahme des Zirkusclowns „Hurdy Organ“ aus dem Jahr 1919, in der das Lied „Marusya Poisoned“ vom berühmten Clown-Akrobaten Vitaly Lazarenko aufgeführt wird.

Ich habe das Springen satt

Und, Bürger, ich gestehe Ihnen,

Ich habe mir etwas anderes vorgenommen:

Ich gehe mit einer Drehorgel durch die Höfe.

Die Klänge der Drehorgeln sind traurig,

Und manchmal sind sie Bravour.

Die Beweggründe sind euch allen bekannt

Sie spielt überall!

Für ihre Auftritte taten sich Puppenspieler mit Orgelspielern zusammen, und von morgens bis abends gingen sie von Ort zu Ort und wiederholten die Abenteuer von Petruschka viele Male. Der Drehorgelspieler fungierte auch als „Prompter“ – er stellte Petruschka dem Publikum vor, diskutierte mit ihm, schlug ihm vor, warnte ihn oder versuchte ihn davon abzubringen, schlechte Dinge zu tun, spielte auf dem Drehorgelspieler oder anderen Musikinstrumenten.

Vor 100 bis 200 Jahren liefen Orgelspieler durch die Höfe und spielten beliebte Romanzen, Walzer oder von der Masse geliebte Lieder wie „Trennung“. Die Bewohner der umliegenden Häuser lauschten der Straßenmusik und warfen kleine Münzen aus den Fenstern auf den Orgelspieler . Manchmal saß auf der Schulter des Leierkastenmanns ein Affe, der an der Aufführung teilnahm – sie schnitt Grimassen, stürzte auf den Boden und tanzte sogar zur Musik.

Oder der Begleiter war ein großer Papagei oder ein dressierter Papagei weiße Maus, der für einen Cent „mit Glück“ zusammengerollte Tickets aus der Schachtel holte – auf dem Zettel stand, was die Person in Zukunft erwartet. Oft ging ein sehr kleiner Junge mit dem Leierkastenmann spazieren und sang mit dünner Stimme klagende Lieder (über das Schicksal der Straßenmusikanten liest man am besten Hector Malos Roman „Ohne Familie“).

Aus der Erzählung „Savvushka“ von I. T. Kokorev erfahren wir etwas über die Musikstücke, die zum Repertoire der Drehorgelspieler gehörten: „Die gewagte Troika“, „Du wirst es nicht glauben“, (Die Nachtigall), „Die Dame“, „Polka“, „Valets“. Ein weiteres äußerst wichtiges Wort wird hier erwähnt beliebte Melodie— es wurde von der berühmten Orgel-Orgel Nozdryov in „ Tote Seelen" Wie Gogol sagte: „Die Drehleier spielte nicht ohne Vergnügen, aber mittendrin schien etwas zu geschehen, denn die Mazurka endete mit dem Lied: „Malbruk ging auf eine Wanderung“ und „Malbruk ging auf eine Wanderung.“ endete unerwartet mit einem seit langem bekannten Walzer. Nozdryov versucht, Chichikov die Drehorgel mitzuschieben tote Seelen, während behauptet wird, dass es „aus Mahagoni“ gefertigt sei.

Später wurden weitere Melodien in das Repertoire des Orgelspielers aufgenommen: die einfühlsamen Romanzen „Am Abend eines stürmischen Herbstes“ und „Öffne das Fenster, öffne“ [Erinnerungen von I. A. Belousov „Gone Moscow“]. Und die Drehorgel, mit der die Helden von Kuprins „Weißer Pudel“ auftraten, spielte den „traurigen deutschen Walzer“ des Komponisten I. F. Lanner und den Galopp aus der Oper „Reise nach China“.

„Drehleier“ wird in den Werken von F. M. Dostojewski mehrfach erwähnt. Der Held der Geschichte „Arme Leute“, Makar Devushkin, trifft in der Gorokhovaya-Straße in St. Petersburg auf einen Drehorgelspieler, und der Künstler spielt nicht nur den Drehorgelspieler, sondern zeigt dem Publikum auch tanzende Puppen: „Ein Herr ging vorbei und warf eine kleine Münze für den Drehorgelspieler; Die Münze fiel direkt in die Kiste mit dem kleinen Garten, in dem der Franzose mit den Damen tanzend dargestellt ist.“

Drehorgelspieler erfreuten sich in Frankreich, Deutschland, Russland und Italien großer Beliebtheit. Detaillierte Beschreibung Von Dmitri Grigorowitsch kann man als Leierkastenmann aus St. Petersburg lesen: „Eine zerrissene Mütze, unter der langes, pechschwarzes Haar in Unordnung hervorbricht und ein dünnes, gebräuntes Gesicht überschattet, eine Jacke ohne Farbe und Knöpfe, ein Garus-Schal, der achtlos um eine Dunkelheit gewickelt ist.“ Hals, Leinenhosen, verstümmelte Stiefel und schließlich eine riesige Orgel, die diese Figur in drei Tode stürzte, all das gehört dem unglücklichsten aller St. Petersburger Handwerker – dem Orgelspieler.“

Korzuchin Alexej Iwanowitsch. Petersilie.

- „Herr Wolodja, schauen Sie sich das Notizbuch an!“

- „Liest du nicht schon wieder, Betrüger?“

Warte, er wird es nicht wagen zu spielen

Nimmer mehr diesen fiesen Drehorgelspieler!“

Goldene Tagesstrahlen

Das Gras wurde mit einer warmen Liebkosung erwärmt.

- „Hässlicher Junge, lerne Verben!“

Oh, wie schwer ist es im April zu lernen!..

Ich beuge mich vor und schaue aus dem Fenster

Gouvernante in einem lila Umhang.

Fräulein Else ist heute traurig,

Auch wenn sie hart wirken möchte.

In ihren vergangenen Träumen sind sie frisch

Diese Antworten alter Melodien,

Und die Tränen zittern schon lange

Auf den Wimpern des kranken Wolodja.

Jan Michael Ruyten

Das Instrument ist ungeschickt, unansehnlich:

Immerhin wurde es mit einer kleinen Summe bezahlt!

Jeder ist frei: ein Gymnasiast, ein Mieter,

Und Natasha und Doric mit einer Schaufel,

Und ein Hausierer mit einem schweren Tablett,

Wer verkauft unten Kuchen...

Fräulein Else mit Schal bedeckt

Und Brillen und Augen unter Brillen.

Der blinde Drehorgelspieler geht nicht,

Ein leichter Wind bläst den Vorhang,

Und es ändert sich zu: „Sing, Birdie, sing“

Die gewagte Herausforderung des Toreadors.

Fräulein schreit: Das Spiel reizt!

Der Junge bewegt seinen Stift über die Schreibunterlage.

- „Sei nicht traurig, lieber Junge, es ist Zeit

Wir sollten einen Spaziergang entlang des Twerskoi-Boulevards machen.

Versteckt eure Notizbücher und Bücher!“

- „Ich werde Aljoscha um Süßigkeiten bitten!“

Fräulein Else, wo ist die kleine schwarze Kugel?

Wo sind meine, Fräulein Else, Galoschen?

Ich kann der Melancholie von Süßigkeiten nicht widerstehen!

UM tolles Leben Köder!

Draußen gibt es keine Hoffnung, kein Ende

Die Orgel spielt traurig.

Marina Zwetajewa. Abendalbum.

Makowski Wladimir Egorowitsch. Leierkastenmann. 1879

Rupert Bunny. Künstler in Paris.

Valery Krylatov. Pariser Orgelspieler. 1995

Nikolai Blochin. Verkäufer des Glücks.

Carl Henry d'Unker.

Fritz von Uhde.

Makowski Wladimir Egorowitsch.

François-Hubert Drouais.

3. „Kinderalbum“ von P. I. Tschaikowsky

Die Neuheit und Originalität von Schumanns Album für die Jugend weckte die Fantasie vieler Komponisten.

Im April 1878 schrieb Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky an seinen Freund und Bewunderer:

Ich habe schon lange darüber nachgedacht, dass es nicht schaden würde, im Rahmen meiner Möglichkeiten zur Bereicherung der Kinder beizutragen Musikalische Literatur, was sehr schlecht ist. Ich möchte eine ganze Reihe kleiner Passagen von bedingungsloser Leichtigkeit mit Titeln machen, die für Kinder verlockend sind, wie der von Schumann.

Den unmittelbaren Anstoß für die Entstehung des „Kinderalbums“ gab Tschaikowskys Kommunikation mit seinem kleinen Neffen Wolodja Dawydow, dem diese im Oktober 1878 veröffentlichte Sammlung aus 24 leichten Stücken gewidmet ist. Interessant ist, dass auf dem Cover der Erstausgabe in Klammern steht: „Nachahmung Schumanns“.

Mit Stücken aus „ Kinderalbum„Sie haben Tschaikowsky schon oft im Musikliteraturunterricht getroffen. Und einige von euch kannten sie auch aus dem Klavierunterricht.

Gehen wir die Seiten des „Kinderalbums“ durch und erinnern wir uns gleichzeitig an die Stücke, die uns bereits begegnet sind.

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Zusätzlich zu den Links zu den zuvor aufgeführten Beispielen kann jedes Stück über die Schaltfläche links in voller Länge angehört werden. Aufgeführt von Y. Flier.

1. « Morgengebet». Siehe Analyse und Beispiel in Thema 6.
2. « Wintermorgen». Eine musikalische Skizze mit „stacheliger“, „frostiger“ Harmonie.
3. „Spiel der Pferde“ Ein rasantes Stück mit ununterbrochener Achtelnotenbewegung.
4. "Mutter". Lyrisches Porträt.
5. Marsch der Holzsoldaten. Spielzeugmarsch (siehe Beispiel 53 in Thema 2).
6. „Puppenkrankheit“ Traurige Musik über die sehr aufrichtigen Erlebnisse eines Mädchens, das sein Spiel ernst nimmt. Oder vielleicht ist Ihre Lieblingspuppe wirklich hoffnungslos kaputt.
7. „Puppenbegräbnis“ Trauermarsch.
8. Walzer. Weitere Informationen finden Sie in Thema 5 und Thema 6 (Abschnitt 3 und Abschnitt 6).
9. „Neue Puppe.“ Das in einem Impuls erklingende Stück drückt die unbändige Freude des Mädchens aus.
10. Mazurka. Tanzminiatur im Mazurka-Genre.
11. Russisches Lied. Siehe Analyse und Beispiel in Thema 6.
12. „Ein Mann spielt Mundharmonika.“

Schauen wir uns diese Originalminiatur genauer an. Vielleicht hörte Tschaikowsky zufällig, wie der unglückliche Akkordeonspieler versuchte, etwas aufzuheben, aber es gelang ihm einfach nicht. Mit viel Humor hat der Komponist diese Episode in einem kleinen Theaterstück dargestellt.

Beispiel 102

Zunächst wird derselbe kleine Satz viermal wiederholt. Dann beginnt der Akkordeonspieler zweimal erneut mit dem ersten Motiv, hält jedoch inne und spielt verwirrt zwei Akkorde. Anscheinend hat einer von ihnen (der Dominantseptakkord) seine Fantasie zu sehr angeregt, und er öffnet und schließt wie verzaubert den Blasebalg und umklammert diesen Akkord mit seinen Fingern.

Wenn Sie eine Taste auf der linken Tastatur drücken, erklingen bei vielen Mundharmonikas nicht nur eine Note, sondern ein ganzer Akkord: Tonika, Dominante oder Subdominante. Daher verwendet Tschaikowsky eine Akkordstruktur, um das ungeschickte Mundharmonikaspiel zu imitieren. Auch die Tonart B-Dur ist kein Zufall. Die meisten Mundharmonikas sind in dieser speziellen Tonleiter gestimmt (im Gegensatz zum Knopfakkordeon und Akkordeon kann man auf der Mundharmonika weder eine chromatische Tonleiter noch Musik in verschiedenen Tonarten spielen).

Hier haben wir eine andere Art der Bildprogrammierung gesehen lautmalerisch. Eine solche Nachahmung von Musikinstrumenten ist recht selten. Häufiger verwenden Komponisten Lautmalerei, um Naturgeräusche oder Vogelgezwitscher darzustellen. Ähnliches Beispiel erscheint auch im „Kinderalbum“, und wir werden bald darauf zurückkommen.

1. „Kamarinskaja“. Figurative Variationen einer berühmten russischen Tanzmelodie.
2. Polka. Tanzminiatur im Polka-Genre (siehe Beispiel 150 in Thema 5).
3. Italienisches Lied. Die Erinnerungen des Komponisten an Italien. Tschaikowsky hörte die im Refrain dieses Liedes enthaltene Melodie in Mailand, vorgetragen von einem kleinen Straßensänger.
4. Ein altes französisches Lied. Siehe Analyse und Beispiel in Thema 6.
5. Deutsches Lied.

Im allgemeinen Charakter erinnert dieses Stück an den altdeutschen Tanz Ländler (einen etwas langsameren und raueren Walzer). Und einige charakteristische melodische Wendungen erinnern an ein anderes Genre jodeln, ein eigenartiges Lied der Alpenbergsteiger. Regelmäßiger Gesang mit Worten wird durch Jodler mit Vokalisationen unterbrochen, die instrumentales Klimpern darstellen. Diese Vokalisen werden auf besondere Weise mit häufigen großen Sprüngen ausgeführt, die über die Klänge der Akkorde verteilt sind. Die Melodie des ersten Abschnitts des Deutschen Liedes ähnelt stark einem Jodler:

Beispiel 103

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Und hier ist der traditionelle deutsche (Tiroler) Jodler in einer modernen Version.

1. Neapolitanisches Lied. Siehe Analyse und Beispiel in Thema 6.
2. „Nanny’s Tale“

Obwohl Tschaikowsky uns nicht verrät, was für eine Geschichte das Kindermädchen erzählt, und wir die Handlung nicht kennen, können wir hören, dass die Musik von einer Art Abenteuer spricht.

Der Anfang klingt geheimnisvoll, „stachelige“ Akkorde werden von geheimnisvollen Pausen unterbrochen. Der zweite Satz beginnt heimlich, eine Oktave tiefer, dann fliegen alle Stimmen schnell nach oben, und in der Kadenz selbst passiert plötzlich etwas Neues und Unerwartetes.

Beispiel 104

Mäßig

Und dann passierte etwas Schreckliches. Im gesamten Mittelteil wird es in der rechten Hand mit ansteigenden Wellen in zwei Wellen wiederholt. Crescendo gleiches Geräusch Zu, als würde er sagen: „Oh-oh! Oh-oh!..“ Und in der linken Hand zittert das Rascheln chromatischer Terzen in „erschreckend“ tiefer Lage.

Beispiel 105

Kurz vor der Reprise Zu geht hinein Re Wir empfinden dieses Ereignis als den Höhepunkt eines schrecklichen Märchens. Doch sofort kehrt Ruhe ein: Die Reprise ist vollkommen akkurat, und wenn wir die bekannte Musik wieder hören, wirkt sie nicht mehr so ​​geheimnisvoll und „stachelig“, wie es zunächst schien. Ein gruseliges Märchen hat ein glückliches und freundliches Ende.

1. „Baba Jaga“. Eine weitere gutmütige „Horrorgeschichte“, ein Bild der schnellen Flucht einer bösen Hexe auf einem Besen.
2. "Süßer Traum" Lyrisches Theaterstück. Obwohl es einen Namen hat, handelt es sich nicht um eine Software-Miniatur. Das musikalisch vermittelte Bild eines strahlenden Traums kann mit jedem passenden Inhalt gefüllt werden. Oder Sie können einfach zuhören und genießen.
3. Lied der Lerche.

Wie im Stück „Ein Mann spielt Mundharmonika“ gibt es hier Lautmalerei. Aber das Bild entsteht völlig anders. Nicht lustig, aber lyrisch. In einem seiner Briefe schrieb Tschaikowsky: Wie ich es liebe, wenn Ströme schmelzenden Schnees durch die Straßen fließen und man etwas Lebensspendendes und Belebendes in der Luft spürt! Mit welcher Liebe grüßt du den Ersten grünes Gras Wie freuen Sie sich über die Ankunft der Türme, gefolgt von den Lerchen und anderen Sommergästen aus Übersee!

Vögel singen schon seit langem Musikalische Kunst wurde mit Bildern des Frühlings, der sanften Sonne und dem Erwachen der Natur in Verbindung gebracht. Erinnern Sie sich an die symbolischen Figuren der Lerchen in den Volksritualen des Frühlings.

Und außerdem verblüffen Singvögel seit jeher die Menschen mit dem Einfallsreichtum und der Vielfalt ihrer Triller. Die Musiker können viel von ihnen lernen.

Im Lied der Lerche hören wir sowohl sonnige Frühlingsfreude als auch eine ungewöhnliche Vielfalt an „Vogel“-Passagen in hoher Lage.

Das Stück ist in einer einfachen dreiteiligen Form geschrieben. Von den ersten Takten an spürt man sowohl „Ströme schmelzenden Schnees“ als auch „etwas Lebensspendendes und Belebendes“, das in der Frühlingsluft verströmt wird. Und über diesem sonnigen Bild, irgendwo hoch, hoch, singt eine Lerche.

Beispiel 106

Mäßig

Im Mittelteil, der versteckt beginnt S , der Komponist scheint dem Gesang der Lerche zu lauschen und lässt uns immer neue Wendungen dieses Liedes hören.

Beispiel 107

Nach einer präzisen Reprise hören wir in einer kleinen Coda ein weiteres „Knie“ der Lerche

1. „Der Orgelspieler singt.“ Siehe Analyse und Beispiel in Thema 6.
2. „In der Kirche.“

Der Kindertag begann und endete mit einem Gebet. Und wenn „Morgengebet“ eine Einführung in die Bilder, Bilder und Eindrücke ist, die den Tag eines Kindes erfüllen, dann ist das Stück „In der Kirche“ ein Abschied von einem anderen Tag. Der Kirchenchor singt streng und harmonisch im Abendgottesdienst; in den sanften „sprechenden“ Intonationen der ersten Sätze ist zu hören: „Herr, erbarme dich.“

Beispiel 108

Mäßig

Diese vier Sätze, die eine Phase des freien Aufbaus bilden, werden noch einmal wiederholt, aber immer lauter: Der Gesang weitet sich aus und wächst.

Aber hier sind die letzten, verklingenden Phrasen des Chors und eine riesige Coda, die die Hälfte des gesamten Stücks einnimmt: ein langer Abschied, in dem man den gemessenen und leicht traurigen Klang der zähflüssigen Abendkirchenglocken hören kann…

Beispiel 109

Wenn Schumanns Stücke immer komplexer arrangiert wurden, können Tschaikowskys sehr einfache Stücke mit recht schwierigen Stücken koexistieren. Bei der Anordnung der Stücke im Album orientierte sich Tschaikowsky an deren figurativem Inhalt.

Alle Genrespielszenen „Pferdespiel“, Marsch der Holzsoldaten, „Puppenkrankheit“, „Begräbnis einer Puppe“, „Neue Puppe“ sind in der ersten Hälfte der Sammlung konzentriert.

In der Mitte befindet sich eine kleine russische „Suite“: Russisches Lied, „Ein Mann spielt Mundharmonika“ und „Kamarinskaja“.

Dann kommt die „Reisesuite“ – Lieder aus verschiedenen Ländern, Zeiten und Städten: Italienisch, Altfranzösisch, Deutsch und Neapolitanisch.

Dann ein Abschnitt über Märchen: „Nanny’s Tale“ und „Baba Yaga“.

Lyrische Theaterstücke und Tänze sorgen für den nötigen Kontrast oder lösen Spannungen. „Mama“ leitet „The Horse Game“ und den Marsch der Holzsoldaten ein. Der Walzer mildert den Übergang von untröstlicher Trauer („Funeral of a Doll“) zu stürmischer Freude („New Doll“). Mazurka und Polka machen originelle „Brüche“ zwischen den Abschnitten „Russisch“ und „Europäisch“. "Süßer Traum" " Abschweifung" nach Gruselgeschichten. Noch ein „lyrischer Exkurs“ kurz vor dem Abschied – das Stück „The Organ Grinder Sings“.

Zwei Naturgemälde „Wintermorgen“ und „Das Lied der Lerche“ befinden sich fast ganz am Anfang, das andere näher am Ende.

Und zum Schluss noch eine Einleitung und ein Fazit zum Thema Kirchenmusik: „Morning Prayer“ und „In Church“.

Diese Gruppierung der Stücke macht Tschaikowskys „Kinderalbum“ zu einem überraschend harmonischen Werk – nicht nur eine Sammlung von Theaterstücken, sondern eine große Suite, deren Anhören von Anfang bis Ende interessant und nicht ermüdend ist.

Tschaikowsky verschiebt die Grenzen der Kindermusik. In den Stücken „Russisches Lied“, „Kamarinskaja“, „Italienisches Lied“, „Altes französisches Lied“, „Neapolitanisches Lied“ und „Der Drehorgelspieler singt“ führt er kleine Musiker an Volksmelodien aus verschiedenen Ländern heran. Und die Musik einiger Stücke ist auch in Tschaikowskys „erwachsenen“ Werken zu hören. So kam das neapolitanische Lied aus dem Ballett auf das Album „ Schwanensee„Ein altes französisches Lied wurde in der Oper zu einem Minnesängerlied.“ Jungfrau von Orleans„, erklang die Melodie des Stücks „Der Drehorgelspieler singt“ erneut in der Klavierminiatur „Unterbrochene Träume“ und die Intonationen von „Süßer Traum“ tauchten unerwartet in der Szene im Fichtenwald aus dem Ballett „Der Nussknacker“ auf.

Romanova E.V.

Kandidat für Kunstgeschichte, Landeshaushalt Bildungseinrichtung Hochschulbildung „Staatliches Konservatorium St. Petersburg, benannt nach N.A. Rimski-Korsakow“

ÜBER ZUSAMMENSETZUNGDIMINUENDO IN TSCHAIKOWSKYS STÜCK „DER ORGELSCHLEIFER SINGT“

Anmerkung

Bei der Betrachtung von Tschaikowskys Stück wurden traditionelle Kriterien der russischen Theorie auf seine Komposition angewandt einfache Formen einerseits und einige Kriterien für die Theorie der Mischformen andererseits. Das Zusammenspiel von strukturkompositorischen, motivintonatorischen, harmonischen, textuellen und dynamischen Entwicklungsaspekten wird aufgezeigt und bestätigt bedeutende Rolle kompositorische Merkmale in der Verkörperung des musikalischen Bildes des Stücks. Die Ergebnisse können in der Praxis des Unterrichts zur Analyse musikalischer Werke in der Umsetzung grundlegender Kenntnisse genutzt werden Bildungsprogramme höhere Bildung.

Schlüsselwörter: einfache zweiteilige Form, kontrast-kompositierte Form, Refrain, Refrain, tragende Form.

Romanova E.V.

Ph.D. in Kunst, Landeshochschule

„Staatliches Rimski-Korsakow-Konservatorium Sankt Petersburg“

ÜBER COMPOSITE DIMINUENDOIN TSCHAIKOWSKYS STÜCK „DER ORGELSPIELER SINGT“

Abstrakt

Im Zuge der Betrachtung des Stücks von Tschaikowsky werden einerseits traditionelle Kriterien der häuslichen Theorie der einfachen Formen und andererseits einige Kriterien der Theorie der gemischten Formen auf ihre Komposition angewendet. Das Zusammenspiel von strukturellen und kompositorischen, motivisch-intonatorischen, harmonischen, beeindruckenden und dynamischen Aspekten der Entwicklung wird gezeigt, die wesentliche Rolle zusammengesetzter Merkmale bei der Verkörperung des musikalischen Bildes des Stücks wird bestätigt. Die Ergebnisse können in der Praxis des Unterrichts zur Analyse von Musikstücken bei der Umsetzung der wichtigsten Bildungsprogramme der Hochschulbildung verwendet werden.

Schlüsselwörter: einfache binäre Form, Kontrast und zusammengesetzte Form, mit dem Singen begonnen, ein Refrain, eine Form des zweiten Plans.

Das Konzept einer zweiten Planform wird hauptsächlich verwendet, wenn Kompositionsanalyse Werke, die auf verschiedenen Variationsformen basieren, sowie auf Formen, die normalerweise als gemischt definiert werden. Gleichzeitig offenbart eine Analyse des kompositorischen Subtextes einer Miniatur oft einen solchen Grad der Individualisierung der Umsetzung der Prinzipien der einen oder anderen einfachen Form, dass wir über die verborgene Wirkung der Hintergrundform sprechen können. Die Erstellung dieses Formulars hilft in der Regel, die Ergebnisse der Analyse zu verdeutlichen Musikalisches Material nicht so sehr im strukturellen, sondern im inhaltlichen Aspekt. Als eines der markanten Beispiele wenden wir uns der Komposition des Theaterstücks „The Organ Grinder Sings“ aus dem „Children’s Album“ von P.I. zu. Tschaikowsky.

Dieses Stück (zusammen mit vielen anderen Miniaturen der Sammlung) ist eine musikalische Skizze aus dem Leben und verkörpert damit die Idee einer „virtuellen“ Reise. Darin verwendete Tschaikowsky wie im „Neapolitanischen Lied“ eine Melodie, die er in Venedig von Straßenkünstlern gehört hatte. Im Rahmen einer kontrastierenden, einfachen zweiteiligen Form scheint dieses Stück eine Szene einer Begegnung mit einem Drehorgelspieler zu malen und einige seiner Nuancen und Details zu vermitteln.

Das Stimmenverhältnis im Stück ähnelt dem Verhältnis von Haupt- und Refrain in der Strophe und entspricht einer der typischen Möglichkeiten zur Gestaltung einer zweistimmigen Form. Der Expositionsteil (Takt 1-16 des Stücks, Beispiel 1) ist eine quadratische Periode wiederholter Konstruktion und weist gleichzeitig eine Reihe ausdrucksstarker Merkmale auf. Am auffälligsten ist die nicht normative Koordinierung der Kadenzen, die durch die am Ende des ersten Satzes auftretende Abweichung in die Tonalität zweiter Stufe entsteht – die mittlere Kadenz findet sich dabei in einer Subdominantfunktion wieder. Der romanische Genre-Charakter dieses Dur-Themas, das im Allgemeinen sehr unprätentiös, aber dennoch nicht ohne eine gewisse Raffinesse ist, wird durch eine Abweichung ins Moll ausdrucksstark abgeschwächt, was den Eindruck einer spirituellen, offenen und direkten Aussage verstärkt. Der Beginn scheint von einem emotionalen Ausbruch geprägt zu sein. Dadurch klingt der erste Teil der Komposition besonders prominent und prominent.

Weitere Merkmale der Anfangsperiode, die durch die oben erwähnte Modenabweichung verursacht werden, sind der Beginn des zweiten Satzes in einer anderen Tonhöhe (die Melodie ist eine Sekunde höher) und in einer anderen harmonischen Funktion (II65). Sie verleihen der Äußerung Dynamik und der Periode eine größere Einheit, basierend auf der funktionalen Heterogenität der Sätze (der erste ist expositionell und entwickelnd, der zweite ist entwickelnd und abschließend).

Reis. 1 – anfängliche Expositionsdauer

Auch der zweite Teil des Stückes stellt eine Epoche dar, ist jedoch (in modaler und funktionaler Hinsicht) viel traditioneller organisiert, wodurch er ganz natürlich als Chor wahrgenommen wird. Diese quadratische Periode wiederholter Konstruktion (Takt 17–32 des Stücks, Beispiel 2) unterscheidet sich von der normativen nur in der mittleren Kadenz der Tonika. Durch das Fehlen von Abweichungen, das strikt eingehaltene Tonika-Dominant-Funktions-Harmonik-Schema (ohne Verwendung von Akkorden der Subdominant-Funktion), die exakte Wiederholung von Sätzen klingt der zweite Teil des Stücks wie ein emotionaler Verfall – das „Sensible“. „Romance Revelation“ wird durch eine ruhigere und friedlichere, zusammenfassende Intonation ersetzt, die hinter wiederholten Phrasen deutlich sichtbar ist, wie ein zärtlicher, sanfter Abschied.

Beachten wir einige sehr individuelle Merkmale des thematischen Materials des zweiten Teils, die die Wahrnehmung der Gesamtform des Stücks maßgeblich beeinflussen.

Erstens wird die exakte Wiederholung von Sätzen durch Dynamik gestört: P - im ersten Satz und S - im zweiten. Idee Diminuendo Dadurch findet ein direkter, unmittelbarer Ausdruck statt, der offensichtlich zu dem im Stück verkörperten Effekt der räumlichen Distanz beiträgt: Die Melodie des Drehorgelspielers wird immer weniger deutlich hörbar, immer weniger unterscheidbar – entweder ist der Zuhörer am Interpreten vorbeigegangen oder umgekehrt.

Zweitens ist ein sehr auffälliges Merkmal des zweiten Teils der in der Melodie skizzierte Dialog kurzer Motive (der manchmal Assoziationen an die Technik der versteckten Zweistimmigkeit hervorruft): In diesem Dialog manifestiert sich einerseits das Prinzip der Zerstreuung , wodurch das Relief und die Spezifität der Thematik verringert werden, und andererseits wird die Idee des Registerappells widergespiegelt, die für die letzten Abschnitte einer musikalischen Form charakteristisch ist und auf der Wirkung von Niedergang und Bremsung basiert.

Das bestimmende Merkmal des zweiten Satzes ist schließlich der Orgelpunkt auf der Tonika-Quinte, der über die gesamte Länge beibehalten wird. Seine Verwendung betont deutlich die endgültige kompositorische Funktion im Klang des zweiten Teils, was es ermöglicht, ihn weniger als kontrastierend, sondern als zweiten Teil des Coda-Typs zu definieren.

Beachten Sie auch, dass der Oberton der Quinte vorkommt – ein kontinuierlicher Klangwechsel D– eähnlich einer Vibration, wodurch der klangografische Effekt der Unschärfe, der Unschärfe von Konturen entsteht und der oben erwähnte Effekt der räumlichen Entfernung noch verstärkt wird.

Eine wesentliche Note, die die „absteigende“ kompositorische Richtung des zweiten Satzes und des gesamten Stücks betont, ist die sogenannte schriftliche Verlangsamung, die Tschaikowsky im letzten Takt (Takt 32, Beispiel 2) verwendet: in diesem Moment der Durchgang Das Pulsieren der Achtelnoten, das zuvor aufgrund des Komplementärrhythmus stets zu beobachten war, hört auf. Die in der mittleren Schicht der Textur erhaltenen synkopierten Terzen der Begleitung pulsieren somit doppelt so langsam, was ohne den Einsatz entsprechender verbaler Bemerkungen einen verlangsamenden Effekt erzeugt ( Ritardando, Ritenuto usw.).

Reis. 2 – kontrastierender zweiter Teil (zweiter Teil des Codetyps).

Die Form des Stücks als Ganzes kann daher als eine einfache zweiteilige Kontrastkomposition definiert werden, bei der im Hintergrund die Zeichen einer einfachen zweiteiligen Form mit einem zweiten Teil des Coda-Typs deutlich zum Ausdruck kommen. Gleichzeitig wird eine sich allmählich herauskristallisierende Idee zu ihrem individuellen Merkmal. Diminuendo, unterstützt durch rhythmisch-dynamische Mittel: In subjektiv-lyrischen Tönen gefärbtes, emotional helles Material der Anfangsperiode wird dem neutraleren, objektiveren und weniger individualisierten Material des zweiten Teils gegenübergestellt, das den emotionalen Niedergang (die Abnahme von Relief, Helligkeit usw.) verkörpert Die individuelle Charakteristik des Materials erklärt mit einem Zusatz die kompositorische Beziehung der betrachteten zweiteiligen Form zur Formperiode, die im letzten Takt geschriebene Entschleunigung und die abnehmende dynamische Nuance betonen den Effekt der Auslöschung. Es ist dieses Merkmal, das zur Helligkeit der Verkörperung des Hauptbildes des Stücks beiträgt, verbunden mit dem allmählichen Verschwinden seiner Hauptfigur, als würde sie sich im Raum auflösen, und mit dem eigentümlichen Verschwinden – Verblassen von Klangspuren seine Anwesenheit.

Ich erinnere mich an den Titel „Von fremden Ländern und Völkern“, den Schumann einem der in seinen „Kinderszenen“ enthaltenen Stücke gegeben hat.

„In Venedig kam abends manchmal eine Straßensängerin mit einer kleinen Tochter in unser Hotel, und eines ihrer Lieder gefällt mir wirklich gut.“

In der Klassifizierung von Yu.N. Aufgrund der thematischen Unabhängigkeit des zweiten Teils und des Vorhandenseins neuer Intonationselemente schlägt Tyulin vor, solche Formen im A+B-Schema auszudrücken.

In diesem Fall entsteht eine exakte Wiederholung von Sätzen, wodurch der Punkt der Strophenstruktur ähnelt.

Die kompositorische Verwandtschaft der betrachteten zweiteiligen Form mit der Periodenform mit Zusatz lässt von einem Phänomen sprechen, das der absteigenden kompositorischen Modulation in der Klassifikation von V. Bobrovsky ähnelt.

Eine ähnliche kompositorische Abstammung (die Verwendung des zweiten Teils des Coda-Typs) finden wir auch im Stück aus dem „Kinderalbum“ „In der Kirche“. Wir stellen auch einige kompositorische Analogien des betrachteten Stücks mit dem Stück „Morning Prayer“ fest: Beide enden mit einem Abschnitt, der eindeutig die endgültige kompositorische Funktion erfüllt, aber gleichzeitig stellt „Morning Prayer“ formal eher eine dar Punkt mit einem Zusatz.

Literaturverzeichnis / Referenzen

1. Bobrovsky V. Funktionale Grundlagen der musikalischen Form. – M.: Muzyka, 1978. – 332 S.
2. Tyulin Yu. Musikalische Form / Yu. Tyulin, T. Bershadskaya, I. Pustylnik und andere; Allgemeine Hrsg. Prof. Yu.N. Tjulina. – 2. Auflage, rev. und zusätzlich – M.: Muzyka, 1974. – 361 S.
3. PI. Tschaikowsky - N.F. von Meck: Korrespondenz, 1876-1890: in 4 Bänden T. 1. 1876-1877/ zusammengestellt, wissenschaftlicher Textologe. Hrsg., Kommentare von P.E. Weidmann. – Tscheljabinsk: MPI, 2007. – 704 S.

Liste der Literatur auf Englisch / Referenzen auf Englisch

1. Bobrovskij V. Funkcional’nye osnovy muzykal’noj formy. . – M.: Muzyka, 1978. – 332 S.
2. Tjulin Ju. Muzykal'naja forma / Ju. Tjulin, T. Bershadskaja, I. Pustyl’nik und andere, herausgegeben von Yu. N. Tyulin. – 2. Auflage, korrigiert und top. – M.: Muzyka, 1974. – 361 S.
3. I. Chajkovskij – N.F. fon Mekk: perepiska, 1876-1890: v 4 t. T. 1. 1876-1877. / Erstellung., wissenschaftliche und textliche Ausgabe, Kommentare P.E. Vaydman. – Tscheljabinsk: MPI, 2007. – 704 S.