Veröffentlichungen im Bereich Architektur

Architektur in Gemälden russischer Künstler

Panoramen der Straßen der Hauptstadt, Baudenkmäler, nicht mehr existierende Gebäude, Holzboote, die entlang der Newa und der Moskwa huschen – all das ist in den Gemälden städtischer Landschaftsmeister des späten 18. – ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts zu sehen. Etwa 10 Künstler dieses Genres - im Material des Portals "Culture.RF".

Fedor Alekseev. Blick auf die Auferstehung, das Nikolsky-Tor und die Neglinny-Brücke von der Twerskaja-Straße in Moskau (Fragment). 1811. Staat Tretjakow-Galerie, Moskau

Fedor Alekseev. Roter Platz in Moskau (Fragment). 1801. Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau

Fedor Alekseev. Blick auf Strelka Wassiljewski-Insel aus Peter-und-Paul-Festung(Fragment). 1810. Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg

Fedor Alekseev begann seine kreativer Weg aus den Stadtansichten von Venedig, wo er als Rentner der Akademie der Künste lebte. Nach seiner Rückkehr nach Russland malte er Ansichten der Krim, Poltawa und Orel, berühmt wurde er jedoch durch seine Gemälde, die Moskau und St. Petersburg darstellen. Am meisten Berühmte Gemälde sein Moskauer Zyklus – „Roter Platz in Moskau“ und „Blick auf die Auferstehung und das Nikolsky-Tor und die Neglinny-Brücke von der Twerskaja-Straße in Moskau“ – werden heute in der Tretjakow-Galerie aufbewahrt. Die wichtigsten St. Petersburger Gemälde des Künstlers – „Blick auf die Landzunge der Wassiljewski-Insel von der Peter-und-Paul-Festung aus“ und „Blick auf den Englischen Damm“ – sind in der Sammlung des Russischen Museums zu sehen.

Alekseevs Gemälde sind nicht nur aus künstlerischer, sondern auch aus historischer Sicht interessant: Beispielsweise zeigt das Gemälde aus dem 19. Jahrhundert „Ansicht der Kirche St. Nikolaus des Großen Kreuzes auf Iljinka“ einen Barocktempel aus dem späten 17. Jahrhundert Jahrhundert, das 1933 abgerissen wurde. Und dank des Gemäldes „Blick auf die Kasaner Kathedrale“ können Sie herausfinden, dass vor diesem St. Petersburger Tempel ursprünglich ein hölzerner Obelisk stand. Im Laufe der Zeit verfiel es und wurde in den 1820er Jahren vom Platz entfernt.

Maxim Vorobiev. Blick auf den Moskauer Kreml (von der Seite der Ustinsky-Brücke) (Fragment). 1818. Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau

Maxim Vorobiev. Blick auf die Kasaner Kathedrale von der Westseite (Fragment). Erste Hälfte der 1810er Jahre. Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg

Maxim Vorobiev. Peter-und-Paul-Festung (Fragment). Ende der 1820er Jahre. Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg

Er stellte auch andere Vororte von St. Petersburg dar – Peterhof, Pawlowsk, Gatschina und tatsächlich St. Petersburg selbst. Zu den Werken des Künstlers zählen „Apollo-Kaskade und der Palast“, „Blick auf den Kamennoostrowski-Palast“, „Blick auf die Insel des Großen Teichs in den Gärten von Zarskoje Selo“ und „Ländlicher Hof in Zarskoje Selo“. Und obwohl Semyon Shchedrin ein Meister der Stadtlandschaft war, malte er Architekturobjekte eher konventionell. Das Hauptaugenmerk des Künstlers galt der Natur – Kunsthistoriker betrachten ihn als Vorbote der russischen lyrischen Landschaft.

Stepan Galaktionow. Blick auf die Newa von der Peter-und-Paul-Festung (Fragment). 1821. Allrussisches Museum ALS. Puschkin, St. Petersburg

Stepan Galaktionow. Brunnen im Park. (Fragment). 1820. Sewastopol Kunstmuseum benannt nach P.M. Kroshitsky, Sewastopol

Stepan Galaktionow. Ferienhaus im Park (Fragment). 1852. Museum der Schönen Künste Tjumen, Tjumen

Stepan Galaktionov war nicht nur Maler und Aquarellist, sondern auch ein brillanter Graveur: Er war einer der ersten in Russland, der die Technik der Lithographie beherrschte – das Gravieren auf Stein. Galaktionovs Hauptinspirationsquelle waren die Baudenkmäler von St. Petersburg. Er beteiligte sich an der Erstellung eines Lithografiealbums „Ansichten der Vororte und Umgebung von St. Petersburg“, das 1805 vom Künstler Semyon Shchedrin kuratiert wurde. Diese Sammlung umfasst seine Werke: „Blick auf den Kamenny-Inselpalast von der Datscha des Grafen Stroganow“ und „Blick auf den Monplaisir-Palast“ in Peterhof, „Blick auf den Apollontempel mit der Kaskade im Garten des Pawlowski-Palastes“ und „Blick auf einen Teil des Palastes von der Seite des großen Sees in der Stadt Gatschina“. Anschließend beteiligte er sich an der Arbeit an der Sammlung „Ansichten von St. Petersburg und Umgebung“, die 1825 von der Gesellschaft zur Förderung von Künstlern veröffentlicht wurde.

Wassili Sadownikow. Blick auf die Uferpromenade und den Marmorpalast (Fragment). 1847. Staatliche Eremitage, St. Petersburg

Wassili Sadownikow. Blick auf die Newa und die Peter-und-Paul-Festung. 1847. Staatliche Eremitage, St. Petersburg

Wassili Sadownikow. Blick auf die Newa und die Peter-und-Paul-Festung (Fragment). 1847. Staatliche Eremitage, St. Petersburg

Der autodidaktische Künstler Wassili Sadownikow malte die Architektur von St. Petersburg, als er noch Leibeigener der Fürstin Natalja Golitsyna war. Nachdem er seine Freiheit erhalten hatte, trat er in die Akademie der Künste ein, wo Maxim Vorobyov sein Lehrer wurde.

Es sind zahlreiche Ansichten des Winterpalastes bekannt, die Sadownikow im Auftrag der Kaiser Nikolaus I. und Alexander II. malte. Das berühmteste Werk des Künstlers ist jedoch das 16 Meter hohe Aquarell „Panorama des Newski-Prospekts“, an dem er fünf Jahre lang arbeitete – seit 1830. auf ihr die Hauptstraße Petersburg ist in beide Richtungen gezeichnet – vom Admiralteyskaya-Platz bis zur Anitschkow-Brücke. Der Künstler hat jedes Haus am Newski-Prospekt detailliert dargestellt. Später veröffentlichte der Verleger Andrei Prevost einzelne Teile dieses Panoramas in Form von Lithographien; die Serie umfasste 30 Blätter.

Zu den weiteren Hauptgemälden des Künstlers gehören „Blick auf die Uferpromenade und den Marmorpalast“ und „Hofausgang vom Haupteingang“. Großer Palast in Peterhof“, „Feldmarschallsaal“. In der Arbeit „Abfahrt einer Postkutsche vom Isaaksplatz“ ist die Kathedrale noch im Bau dargestellt.

Neben St. Petersburg malte Sadovnikov Stadtlandschaften von Moskau, Vilnius und Helsinki. Eines der letzten Werke des Künstlers war ein Panorama von St. Petersburg von den Pulkowo-Höhen aus.

Andrej Martynow. Blick auf den Palast Peters I. im Sommergarten (Fragment). 1809-1810. Staatliche Eremitage, St. Petersburg

Andrej Martynow. Blick auf den Finnischen Meerbusen vom Balkon des Oranienbaum-Palastes (Fragment). 1821-1822. Staatliche Eremitage, St. Petersburg

Andrej Martynow. Blick auf den Newski-Prospekt von der Fontanka bis zur Admiralität (Fragment). 1809-1810. Staatliche Eremitage, St. Petersburg

Zu den ersten eigenständigen Werken des Meisters der Landschaftsmalerei Andrei Martynov zählen italienische Ansichten. Nach seinem Abschluss an der Akademie der Künste lebte der Künstler als Rentner in Rom. Als Martynow aus Italien in seine Heimat zurückkehrte, malte er Ansichten von St. Petersburg in verschiedenen Techniken, darunter Aquarell und Gravur. Martynow eröffnete sogar eine eigene Lithografiewerkstatt, um Stiche zu drucken.

Zu den berühmten Werken des Künstlers zählen „Das Ufer des Bolshaya-Ufers in St. Petersburg von Liteinaya bis zum Sommergarten“, „Entlang des Sommergartens bis zu den Gebäuden des Marmorpalastes“, „Von der Moshkov-Gasse entlang der Gebäude des Winterpalast".

Martynow reiste viel; er besuchte Peking mit dem russischen Botschafter. Später veröffentlichte der Künstler das lithografische Album „Picturesque Journey from Moscow to the Chinese Border“. Während seiner Reisen sammelte Martynow Ideen für seine Gemälde; er hielt auch Ansichten der Krim und des Kaukasus fest. Die Werke des Künstlers sind in den Sammlungen der Staatlichen Tretjakow-Galerie, des Staatlichen Russischen Museums und des A.S. Museums der Schönen Künste zu sehen. Puschkin.

Karl Beggrow. Im Sommergarten (Fragment). 1820er Jahre. Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg

Karl Beggrow. Bogen des Generalstabsgebäudes (Fragment). 1822. Allrussisches Museum A.S. Puschkin, St. Petersburg

Karl Beggrow. Triumphtor (Fragment). 1820er Jahre. Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg

Karl Beggrov malte Landschaften, allerdings malte er im Gegensatz zum Sohn des Marinemalers Alexander Beggrov keine Meerblicke, sondern Stadtansichten. Als Schüler von Maxim Vorobyov malte er zahlreiche Aquarelle und Lithografien mit Landschaften von St. Petersburg.

In den Jahren 1821–1826 schuf Karl Beggrov eine Reihe von Lithographien, die in die Sammlung „Ansichten von St. Petersburg und Umgebung“ aufgenommen wurden. Darunter ist beispielsweise „Blick auf den Generalstabsbogen“. Nach der Veröffentlichung dieses Albums arbeitete Beggrov mehr mit Aquarellen, malte aber immer noch hauptsächlich St. Petersburg – zum Beispiel „Im Sommergarten“ und „Triumphtore“. Heute werden die Werke von Karl Beggrov in der Staatlichen Tretjakow-Galerie, dem Staatlichen Russischen Museum, der Staatlichen Eremitage und Museen in anderen Städten aufbewahrt.

Alexander Benois. Gewächshaus (Fragment). 1906. Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau

Alexander Benois. Frontispiz für „ Bronzener Reiter» Alexander Puschkin (Fragment). 1905. Staatliches Museum der Schönen Künste, benannt nach A.S. Puschkin, Moskau

Alexander Benois. Oranienbaum (Fragment). 1901. Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg

1902 in der Zeitschrift „World of Art“

Mstislav Dobuzhinsky. Petersburg (Fragment). 1914. Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau

Mstislav Dobuzhinsky. Kleines Haus in St. Petersburg (Fragment). 1905. Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau

Mstislav Dobuzhinsky. Ecke von St. Petersburg (Fragment). 1904. Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau

Mstislav Dobuzhinsky war ein vielseitiger Künstler – er entwarf Theateraufführungen, illustrierte Bücher und Zeitschriften. Den zentralen Platz in seinem Werk nahm jedoch die Stadtlandschaft ein, besonders gern stellte der Künstler St. Petersburg dar – Dobuzhinsky verbrachte dort seine Kindheit.

Zu seinen Werken zählen „Ecke von St. Petersburg“ und „Petersburg“. St. Petersburger Landschaften sind auch im Buch „Petersburg im Jahr 1921“ zu sehen, in den Illustrationen zu „Dostojewskis Weiße Nächte“ und „Dostojewskis Petersburg“ von Nikolai Antsiferov. 1943 schuf Dobuzhinsky einen Zyklus imaginärer Landschaften des belagerten Leningrads.

Wie der Kunstkritiker Erich Hollerbach schrieb: „Im Gegensatz zu Ostroumova-Lebedeva, die in ihren Stichen und Lithografien vor allem die architektonische Schönheit von St. Petersburg einfing, blickte die Künstlerin auch in die Niederungen des Stadtlebens und umarmte mit seiner Liebe nicht nur die monumentale Pracht der Architektur von St. Petersburg, sondern auch die Architektur das erbärmliche Elend der schmutzigen Außenbezirke.“ Nachdem er das Land verlassen hatte, malte Dobuzhinsky weiterhin Landschaften, diesmal jedoch von Litauen und den USA.

Anna Ostroumova-Lebedeva. Petersburg, Moika (Fragment). 1912. Privatsammlung

Anna Ostroumova-Lebedeva. Pawlowsk (Fragment). 1953. Privatsammlung

Anna Ostroumova-Lebedeva. Petrograd. Rote Säulen (Fragment). 1922. Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg

Einer der bedeutendsten Grafiker und Graveure der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. In Holzschnitten – Holzschnitten, Lithographien und Aquarellen – stellte sie vor allem Ansichten von St. Petersburg dar. Zu ihren Werken zählen Illustrationen für die Bücher von Vladimir Kurbatov „Petersburg“ und Nikolai Antsiferov „Die Seele von Petersburg“, Aquarell „Feld des Mars“, „Herbst in Petrograd“ und Stiche „Petersburg“. Sommergarten im Winter“, „Petersburg. Rostralsäulen und die Börse“ und andere.

Auch während der Belagerung verließ die Künstlerin ihre Heimat Leningrad nicht: „Ich habe oft im Badezimmer geschrieben. Ich stelle ein Zeichenbrett auf das Waschbecken und stelle ein Tintenfass darauf. Auf dem Regal davor steht eine Räucherei. Hier klingen die Schläge gedämpft, das Pfeifen fliegender Granaten ist weniger hörbar, es ist einfacher, zerstreute Gedanken zu sammeln und sie in die richtige Bahn zu lenken.“ Werke dieser Zeit - „Sommergarten“, „ Rostralsäule„und andere – wurden auch in Form von Postkarten veröffentlicht.

IN Zieht es ein Maler immer vor, die Natur sozusagen in ihrer reinen Form, ohne architektonische Strukturen, zu verherrlichen? Nicht immer. Schließlich beleben Gebäude es wieder und geben ihm eine neue Bedeutung. Auch ohne historisch zu sein und künstlerischer Wert Im Einklang mit der Umgebung erhalten sie eine besondere Ausdruckskraft und werden als wichtiges und manchmal als Hauptelement der Komposition wahrgenommen.

Andere Meister lassen sich von der Stadtlandschaft inspirieren, wenn es in einem Gemälde, einer Skizze oder Zeichnung nicht um die Natur, sondern um die Natur geht architektonische Gebäude gehört zum Hauptort.

Viele Holz- und Steingebäude sind bei jedem Wetter schön. Aber im Winter sind sie eher „in Sichtweite“ – sie werden nicht von Bäumen und Büschen verdeckt, die Schneedecke verbirgt alle störenden Details.

Allerdings ist das Arbeiten im Freien zu dieser Jahreszeit schwierig: Es ist kalt und sogar frostig. Deine Hände werden kalt, deine Farben werden dicker. Wir wissen jedoch viel schöne Werke, in dem Winterlandschaften verherrlicht werden. Zwar entstanden nicht alle unter freiem Himmel, sondern wurden im Atelier nach Skizzen, aus der Erinnerung oder aus dem Fenster gemalt.

Die Leinwand von S. Svetoslavsky trägt den Titel „Aus dem Fenster der Moskauer Malschule“. Es ist, wie man sagt, aus der Natur gemacht: Volumen, Farbe und Textur von Objekten werden äußerst genau wiedergegeben. Das Dach des Walmglockenturms, die grünen Glühbirnen der Kirche, mit Stuck verzierte Trommeln, loser Schnee und die weiß getünchten Häuserwände sind greifbar bemalt. Dennoch ist das Bild keineswegs naturalistisch. Es enthält die Poesie eines ruhigen Wintertages, an dem der blaue Himmel durch den eisigen Dunst scheint und die Strahlen der tiefstehenden Sonne die schneebedeckten Dächer vergoldet. Wenn blauer Rauch aus den Schornsteinen steigt und die Ferne in einem kühlen Dunst versinkt. Der Künstler beobachtete die Landschaft voller Raum und Luft jeden Tag vom Fenster aus, aber er malte sie so frisch, mit klingenden Farben, als hätte er sie zum ersten Mal gesehen.

Wenn Svetoslavskys Leinwand eine Vorstellung von der Größe Moskaus und seinem Aussehen vor Jahrhunderten vermittelt, dann entführt N. Goncharovas Gemälde den Betrachter in die Stadt zu Beginn dieses Jahrhunderts, an die Kreuzung enger, gemütlicher Gassen. Frisch gefallener Schnee verwandelte die Bäume in Wolkenwolken, bedeckte sorgfältig die Dächer und Gehwege und knarrte fröhlich unter den Kufen.

Dies ist keine natürliche Landschaft mehr, sondern ein Gemälde, das aus einem Eindruck entstanden ist. Es ist dekorativ, konturiert, allgemein geschrieben, ohne auf Details einzugehen. Mit nur wenigen Farben umging Goncharova
Dabei achtete sie auf Luftperspektive, Ton- und Farbnuancen – es war ihr wichtig, den Gesamteindruck dessen einzufangen, was sie sah, um ein Bild des Moskauer Winters zu schaffen.

Das Gemälde von P. Konchalovsky „Apotheke auf Sadovaya“ wurde ganz anders entschieden. Die Annäherung an die Natur erfolgt hier im Freien: Der Künstler vermittelt die für sie charakteristischen Effekte Freifläche,- eine Fülle von Farben und Schattierungen, ein Gefühl von Licht, das aus allen Richtungen einströmt. Es ist eher eine Skizze in der Alla-Prima-Technik – sofort erstellt, in einem Arbeitsgang, in einem Atemzug.

Allerdings stellte der Künstler nicht das Erste dar, was ihm ins Auge fiel. Er fühlte sich von der Ecke der Altstadt angezogen, der Lyrik einer dünn besiedelten Winterstraße mit kahlen Bäumen und kleinen gedrungenen Häusern. Das antike Gebäude, in dem sich die Apotheke befindet, nimmt einen zentralen Platz in der Komposition ein. Bäume im Vordergrund verstärken das Gefühl der Raumtiefe, dienen als Stimmgabel für Ton- und Farbeinstellungen und bestimmen die Größe von Gebäuden.

Um Bleistift und Farbe zu beherrschen, ist es hilfreich, die Werke der Meister sorgfältig zu analysieren. In dieser Hinsicht kann Konchalovskys Skizze viel verraten: Wie hat der Künstler mit einem Pinsel gearbeitet? Was
dunkler – schneebedeckte Dächer und Straßen oder bewölkter Himmel? Werden Schneeverwehungen nur in Weiß geschrieben? Wie führte er seinen Pinsel aus, als er Bäume malte – von oben nach unten oder von unten nach oben? Und was stellte er zuerst dar – den Himmel oder die Bäume?

Vergleichen Sie das Werk von P. Konchalovsky mit dem Gemälde von K. Yuon „Morgen des industriellen Moskau“. Sind sie nicht völlig unterschiedlich? Die erste ist intimer Natur, die Landschaft ist auf einen kleinen Raum beschränkt. Und Yuons Gemälde ist ein majestätisches Panorama.

Vor uns liegt die Hauptstadt des Ersten Nachkriegsjahre. Die strengen Silhouetten von Rohren, Fabrikgebäuden und Hangars finden ihr Echo in den energischen Figuren der Arbeiter. Viele vertikale Linien stehen den horizontalen gegenüber und schaffen so ein plastisches Gleichgewicht. Der Rauch scheint sich in Wolkenflügel zu verwandeln und über den Himmel zu zerstreuen. Hohe Bäume rechts und links scheinen den oberen und unteren Teil der Komposition zu vereinen und betonen gleichzeitig mit den bizarren Umrissen ihrer Äste die Strenge der Industrielandschaft.

Yuon schneidet das Bild so zu, dass es mit beginnt zweite Plan: So können Sie unnötige Details vermeiden und die Aufmerksamkeit des Betrachters auf das Wesentliche lenken. Die Morgensonne entfaltete einen Fächer goldener Strahlen über der Fläche und brachte Feierlichkeit in die Landschaft. Wenn der Meister nicht den Zähler gewählt hätte- Durchbrochene Beleuchtung, die Gebäude und Menschenfiguren wie Silhouetten aussehen lässt, aber wenn ich Seitenbeleuchtung vorziehen würde und mich auf die Volumina und Farbeigenschaften von Objekten konzentrieren würde, wäre der Eindruck der Leinwand viel weniger stark. Jetzt ist es wirklich monumental – dank der strengen Komposition, durchdrungen von einem klaren, klaren Rhythmus, der Stabilität der meisten Objekte, dem hohen Horizont und der ruhigen Strichführung. Und die Art des Gemäldes ähnelt einem Mosaik.

Ihr eigener, einzigartiger StilBriefe von V. Byalynitsky-Birul. Seine Landschaften sind poetisch, voller stiller Traurigkeit. Sie scheinen in einen leichten, sanften Nebel gehüllt zu sein, in dem die Umrisse und Formen von Objekten, die Kontraste von Licht und Schatten und die Helligkeit der Farben gemildert werden. Aber die Malerei erhält eine besondere Integrität und Vollständigkeit.

Der Künstler stellte das Haus dar, in dem der große Lenin vor kurzem lebte. Sowohl das Gebäude als auch alles um ihn herum sieht genauso aus wie zu seiner Zeit. Ein Haus im Stil des russischen Klassizismus des späten 18. Jahrhunderts. Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhundert, große schneebedeckte Wiese, hell- In einem ähnlichen Farb- und Tonumfang ist der graue Himmel gestaltet, dessen Klang durch die dunklen Flecken der Fichten verstärkt wird. Der Baumstamm im Vordergrund ist wie ein Trauerband. Stellen Sie sich eine Komposition ohne dieses Detail vor – sie verliert an räumlicher Tiefe, Integrität und Ausdruckskraft.

Manchmal fragen angehende Künstler: Wo sucht man nach interessanten Motiven? Bei dieser Gelegenheit sagt der Moskauer Maler I. Sorokin: „Nachdem ich viel durch das Land gereist bin, wurde mir klar, dass mein Hauptthema ist
Zentralrussland. Alte russische Städte, sowie umliegende Dörfer, Dörfer, füllen und fesseln mich völlig kreative Fantasie. Jetzt fühle ich mich irgendwie nicht mehr in ferne Länder gezogen. Bisher schien es, als würde man dort etwas Ungewöhnliches finden. Aber es schien nur so. Und alles Ungewöhnliche und Interessante ist in unserer Nähe, unter uns, man muss es nur sehen.“

Sorokins Landschaft „Winter in Susdal“ verkörpert den Charme der Stadt mit ihren zahlreichen antiken Denkmälern, farbenfrohen Kuppeln, Dächern und Mauern. Die Schneeverwehungen, Gebäude und Bäume sind mit kräftigen, kräftigen, freien Strichen geformt. Der Blickwinkel auf die Geburtskathedrale und die umliegenden Gebäude ist gut gewählt. Die Perspektive der Straße, der Zäune und der Bäume lenkt unseren Blick auf den zentralen Teil
der antiken Stadt und birgt zugleich die Gesamtkomposition. Die linke Seite der Leinwand ist optisch stärker belastet als die rechte, was der Landschaft noch mehr Lebendigkeit und Natürlichkeit verleiht.

Wie hat der Künstler eine solche Konsistenz aller Bildelemente erreicht? Zunächst sah er die Natur in Einheit mit der Umwelt, erfasste sofort alles mit seinem Blick und verglich sofort Proportionen, Volumen und Farben.

Architektonische Gebäude können nicht nur sein Bestandteil Landschaft – ländlich, städtisch, industriell. In vielen Gemälden werden sie mit einer Genreszene in Verbindung gebracht. In V. Telins Werk „The House is Empty“ wird beispielsweise die Beziehung zwischen einem Menschen und seinem Zuhause offenbart, die
kann dir viel erzählen. Darüber, dass es von Meistern ihres Fachs gebaut wurde. Und mit Liebe und Geschmack dekoriert. Dass es den Menschen lange Zeit gedient hat. Aber die Besitzer sind weg, das alte, noch gute, starke Haus steht leer – und sie vernageln die Fenster mit wunderschönen geschnitzten Rahmen ...

Sie können unendlich viele Beispiele für die unterschiedlichsten architektonischen Landschaftslösungen nennen. Wenn Sie, liebe junge Künstler, sich von diesem Thema mitreißen lassen – und es ist einfach unmöglich, sich nicht davon mitreißen zu lassen – dann
Zeichnen Sie zunächst mit einem Bleistift, malen Sie in Wasserfarben und Öl Gebäude, die in Form und Dekor nicht zu komplex sind. Versuchen Sie zunächst, die Struktur des Gebäudes und die Beziehung zwischen seinen Volumina und den umgebenden Objekten zu verstehen. Achten Sie bei der Darstellung einer alten Kirche, Kammern oder Festungsmauern besonders auf deren Einheit trinken Seien wir ehrlich – antike Architekten sahen Architektur immer im Einklang mit der Natur.

Die Fabrikgebäude, der landwirtschaftliche Aufzug, das Wärmekraftwerk mit seinen gedrungenen Kühltürmen und schlanken Schornsteinen haben ihre eigene Poesie. Wählen Sie einen Standpunkt, der die charakteristischen Merkmale der Architektur am besten zum Vorschein bringt. Es ist interessant, das gleiche Motiv für das Zeichnen und Pinkeln zu haben andere Zeit Jahre und unter verschiedenen Lichtverhältnissen.

Während der Arbeit beherrschen Sie nicht nur grafische und bildnerische Fähigkeiten – Sie scheinen auch in den Plan des Architekten einzudringen und wie er Wände und ein Dach auf Papier oder Leinwand zu bauen, das Bauwerk mit Schnitzereien oder Stuck zu verzieren.

Versuchen Sie, die Monolithizität, die Schwere des Gebäudes oder das Streben nach oben, die Luftigkeit zu vermitteln. Schauen Sie sich die Fassade des Gebäudes an – stellen Sie sich die Seiten- und Rückwände vor und wenden Sie Striche oder Striche an, wobei Sie das Design und die Merkmale der Verlegung von Ziegeln, Baumstämmen und Stahlbetonblöcken berücksichtigen.

Architektur umgibt uns überall. Man könnte sagen, wir leben in einer Welt der Architektur, die seit der Antike zu uns gekommen ist und ihr Aussehen ständig verändert. Diese Welt darzustellen ist eine äußerst spannende Aufgabe,
spannend. In jedem konkreten Fall hat es seine eigenen Merkmale und seine eigenen Lösungen.

Wir wünschen Ihnen kreativen Erfolg!

A. Aljechin

Zeitschrift " Junger Künstler" №12, 1987

Eine weitere Meisterklasse

Mit weichen Materialien meinen wir hier Bleistifte 3B und weicher, gepresste Kohle, Rötel, Soße, Sepia, Kreide, Pastell. Wie weicheres Material, desto sanfter sollte die Berührung des Papiers sein. Es ist besser, schlechte Stellen am Anfang mit einer Serviette oder einem Stock zu entfernen, dann mit einem Radiergummi. Einige dieser Materialien können beim Arbeiten auf nassem Papier verwendet werden: Soße, Rötel, Sepia. Sie können auch zu Staub verrieben, mit Wasser beliebig verdünnt und mit einem Pinsel bearbeitet werden. Im Folgenden werden Beispiele für konkrete Arbeitsmethoden aufgeführt.
Anfänger haben oft einen unüberlegten Umgang mit Materialien, zum Beispiel wird bei begrenzter Zeit auf einem großen Blatt Papier mit einem harten Bleistift gezeichnet. Mangels Erfahrung wird der Arbeitsprozess schwierig und ein vollständiges Ergebnis unerreichbar. Skizzen große Größe bieten positiver Einfluss um ein Gefühl der Integrität zu entwickeln, und sie werden natürlich mit flexiblen, beweglichen Materialien wie Rötel, Holzkohle, Sepia usw. durchgeführt. Solche großen Skizzen werden auf Armeslänge angefertigt.

Innenzeichnung.

Die Darstellung von Innenräumen nach dem Vorbild der Natur hat ihre eigenen Besonderheiten. Erstens umfasst der Innenraum Raumpläne. Der Zeichner muss einen solchen Punkt finden, dass die Architektur in der Zeichnung lesbar ist und die richtigen Proportionen des Allgemeinen und der Details aufweist. Gleichzeitig ist es bei sehr großen Räumen notwendig, die scheinbare Perspektive zu „korrigieren“, damit weniger Verzerrungen auftreten. Dazu ist es möglich, „nach Augenmaß“ eine Weitwinkelperspektive mit drei oder mehr Fluchtpunkten am Horizont zu konstruieren und die Vertikalen streng parallel zu zeichnen. Kammerinnenräume werden aus normaler Perspektive dargestellt. Die Lage der Horizontlinie ist sehr wichtig – auf Augenhöhe einer stehenden oder sitzenden Person. In seltenen Fällen wird in Bodennähe eine Horizontlinie angebracht, um dem Objekt eine besondere Monumentalität zu verleihen. Zweitens verfügt der Innenraum über verschiedene Lichtquellen und manchmal „funktionieren“ mehrere Lichtpunkte. Auf jeden Fall ist auf die Luftperspektive zu achten, die die lineare ergänzt. Der Vordergrund wird am kontrastreichsten; wenn er sich entfernt, erscheint das Licht dunkler, die Schatten erscheinen heller und alle anderen Tonverhältnisse werden enger. Drittens variieren die Objekte im Innenraum in Farbe (von Weiß bis Schwarz) und Textur (Holz, Marmor, Metall).
Für schnelle Skizzen verwenden Sie eine Linie. Aber die Linie als solche definiert nur bedingt die Grenzen des Objekts, ohne eine Vorstellung von seiner Farbe und seinen Textureigenschaften zu vermitteln. Daher können Sie anhand der ersten linearen Skizze sofort mit einem Mixer oder Wildleder einen hellen Ton auftragen, nachdem Sie ihn zunächst auf der Palette ausprobiert haben. Auch die Möglichkeiten der Leitung zur Übertragung realer Lautstärke sind begrenzt. Wir kennen die brillanten linearen Zeichnungen von Innenräumen von Architekten wie Voronikhin, Thomas de Thomon, Cameron, Zholtovsky, Noakovsky.
Das abgeschnittene Muster bringt nicht nur den konventionellen Charakter der Beleuchtung zum Ausdruck, sondern noch viel mehr. Bevor Sie eine solche Zeichnung erstellen, müssen Sie darüber nachdenken, wie Sie die Beleuchtung im Innenraum effektiver nutzen und die Beleuchtungspläne am ausdrucksvollsten zur Geltung bringen können. Ob das Licht durch die Fenster fällt, ob es sich um diffuses Licht handelt oder ob das Licht von Kronleuchtern kommt – in jedem Fall ist eine qualitativ neue Designlösung erforderlich. Für Innenzeichnungen empfiehlt es sich, getöntes Papier zu verwenden, wobei zu erwarten ist, dass im letzten Arbeitsschritt mit Kreide Striche in die Lichtpunkte gezogen werden.
Ein brillantes Beispiel für Hell-Dunkel-Zeichnungen von Innenräumen sind die Zeichnungen von Gonzago, Premazzi und Piranesi.

Zeichnung einer Landschaft mit Architektur.

Sie müssen bei unterschiedlichem Wetter und zu unterschiedlichen Zeiten im Freien malen – dann sehen wir dieselbe Architektur in unterschiedlicher Beleuchtung und es ist einfacher, das Wesentliche zu erkennen. Auch hier gilt es, ein perspektivisches Bild zu konstruieren, das die Beziehung der Raumpläne zum Horizont sowie den Fluchtpunkt und die Position aller Objekte im Raum bestimmt. Versuchen Sie zunächst, die eigentliche Form der Gebäude zu skizzieren, die nicht von der Beleuchtung abhängt. Während sich die Sonne bewegt, ändert sie sich ständig und Sie müssen sich die günstigste Position auf dem Blatt merken und schnell festlegen, sonst gehen Sie von Anfang an von diffuser Beleuchtung durch den bewölkten Himmel aus. Arbeiten Sie zunächst an großen Plänen, unterordnen Sie sie und beziehen Sie sie weniger ein große Formen und Details. Es empfiehlt sich, auf verschiedenen Papierformaten zu zeichnen, damit die Architektur in einem anderen Maßstab erscheint. Es ist einfacher, mit Stadtansichten an einem nicht sonnigen Tag zu beginnen, wenn die Beleuchtung stabiler ist und sich das Licht-Schatten-Verhältnis kaum ändert. Beispiele für solche Werke sind Zeichnungen von M. Vorobyov, F. Alekseev, I. Charlemagne und anderen.

Zeichnung von Architektur in einer Landschaft (aus meiner Erfahrung).


Ich wähle ein Papierformat und skizziere sofort die Komposition auf einem Blatt Papier in Sepia (ohne Bleistift): wie viel Land, wie viel Architektur und wie viel Himmel. Normalerweise ist die Himmelsfläche auf dem Blatt größer als die Landfläche (es ist schlecht, wenn sich herausstellt, dass sie gleich ist). In der ersten Phase werden Probleme der Beleuchtung und der Tonverhältnisse „im Auge behalten“ – die Form der Erde und der Architektur wird durch vereinfachte Formen ohne Details – Ebene, Prisma, Zylinder usw. – skizziert. Aus Gründen der Klarheit der Komposition sollte die erste Skizze hell, aber „leicht“ sein.
Anschließend beginnt die Ausarbeitung der wesentlichen Details und Erläuterungen generelle Form Ton. Sie können geriebenes Sepia mit einem Pinsel oder Wildleder auftragen und es einfach, ohne es in das Papier einzureiben, an den für die Komposition erforderlichen Stellen auftragen. Bei diffuser Beleuchtung sind dies zunächst Öffnungen, bei sonniger Beleuchtung auch die allgemeinen Grenzen ihrer eigenen Schatten. Der durchschnittliche Grundton ist normalerweise dunkler als der durchschnittliche Architekturton. Die weitere Detaillierung und Tonentwicklung erfolgt in Übereinstimmung mit der linearen und Luftperspektive. Gleichzeitig, am besten in einem Zug, entsteht der Himmel: der Zustand der Wolken in Perspektive und Beleuchtung, und die Architektur wird vor dem Hintergrund des Himmels vollendet. Im gesamten Werk bleibt die Architektur das Hauptelement der Komposition. Im Endstadium empfiehlt es sich immer, ein oder zwei der hellsten und ein oder zwei der dunkelsten Stellen zu gestalten und gleichzeitig die Kontraste im Vordergrund zu verstärken. Näher an den Blatträndern werden die Kontraste schwächer. Die Umgebung (Natur, Menschen) in solchen Zeichnungen ist mitteltönig und mehr oder weniger konventionell, das heißt, sie „spielt“ mit der Architektur. Die lineare Bühne und die Details werden nur mit einem scharf geschärften Sepiastift erstellt. Für fast alle Motive kann Papier mit einer rauen Struktur verwendet werden. Anschließend werden die entfernten Pläne schattiert und der Vordergrund mit Kreide versehen, um eine grobe Textur (Baumrinde, Mauern aus Felsbrocken, Erde usw.) zu vermitteln. Wenn Sie getöntes Papier nehmen – gelblich, gräulich, bräunlich usw. – Im letzten Schritt werden mit Kreide oder flüssigem Weiß mit einem Pinsel mehrere Akzente gesetzt. Tünche wird auf zwei Arten verwendet: entweder als Highlight oder als Lichtfläche. Die Blendung ist von der Fläche her klein, aber von heller Intensität. Lichtebenen sind weniger hell, aber flächenmäßig größer. In beiden Fällen sind diese Lichtpunkte unterschiedlich intensiv und einer von ihnen wird am hellsten. Der Gesamtton des Himmels ist normalerweise heller als alles andere.

Zeichnung einer Landschaft mit architektonischen Elementen.

Sie können insbesondere Landschaftszeichnungen in Betracht ziehen, bei denen die Architektur in der Komposition nur die Rolle eines Akzents spielt, der die Schönheit der Landschaft betont. Bei solchen Zeichnungen ist die Größenordnung des architektonischen Elements und der Landschaft besonders wichtig. Hier gilt es zu zeigen, wie schön sich Architektur in die Natur einfügt und sich gleichzeitig von ihr unterscheidet. Die Beschaffenheit der Natur ist unendlich vielfältig: Himmel, Laub, Bäume, Erde, Steine ​​usw. im Gegensatz zur mehr oder weniger gleichen Textur in der Architektur. Dabei spielen architektonische Details eine besondere Rolle. Solche Zeichnungen werden in der Regel in einem tiefen Ton angefertigt – von Weiß bis zum Dunkelsten, es ist jedoch ratsam, niemals einen solchen Grad an Dunkelheit zu erreichen, wenn das Material nicht mehr „funktioniert“.

architektonische Landschaften, Meisterwerke der Weltmalerei, Gemälde von Künstlern der Vergangenheit

Wie Sie wissen, sind Architektur und Malerei seit der Geburt der Ölmalerei miteinander verbunden, denn Architekturkunst viel älter. Antike griechische Architekten strebten nach Präzision und überlegener Handwerkskunst, die die Markenzeichen von sind Griechische Kunstüberhaupt. Die von ihnen bereits im sechsten Jahrhundert v. Chr. erfundenen Formeln beeinflussten die Architektur der letzten zwei Jahrtausende. Es genügt, an die beiden Hauptordnungen der archaischen und klassischen griechischen Architektur zu erinnern – die dorische Ordnung und die ionische Ordnung. Die Architektur der gesamten westlichen Welt wurde von den griechischen Klassikern inspiriert. Viele Künstler des 19. Jahrhunderts waren in den römischen und griechischen Kanon architektonischer Schönheit verliebt (die Architekturphantasien von Thomas Cole), bewunderten zeitgenössische Architektur oder waren von exotischer islamischer (Alberto Pasini, Jerome Jean-Leon und andere) und indischer Architektur fasziniert ( Lord Edwin Weekes und andere Künstler). Dieser Abschnitt enthält einen kleinen Teil der Meisterwerke der Weltmalerei, die der Architektur gewidmet sind. Gemälde mit Architektur sind immer nicht nur Meisterwerke der Kunst, sondern auch eine Gelegenheit, in die Geschichte einzutauchen, wie sie sich Künstler vergangener Jahrhunderte vorgestellt haben.

Architektonische Träume, Thomas Cole (USA)

1840, x, m,

Künstler: Thomas Cole

[antike Architektur, Gebäude, Häuser]

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Alle Geschenke können in verschiedene Arten unterteilt werden:

1. Symbolische Geschenke.

In der Antike galt Wissen als obligatorisch symbolische Bedeutungen irgendwelche Geschenke. Damals war es üblich, Halbedelsteine ​​und Edelsteine, Haarsträhnen, Blumensträuße aus bestimmten Pflanzenarten, Perlenbrieftaschen usw. als Geschenke zu überreichen. Heutzutage ist eine solche Symbolik nicht mehr in Mode und die Bedeutung des Geschenks hängt davon ab Umstände. Bei einer Präsentation lohnt es sich, vorab eine begleitende Rede oder eine Postkarte vorzubereiten, damit der Empfänger die Bedeutung sofort versteht.

2. Comic-Geschenke.

Solche Geschenke bescheren dem Beschenkten viele schöne Momente, sollten aber mit Bedacht ausgewählt werden. Lustige Geschenke können unangemessen sein, wenn die beschenkte Person keinen Sinn für Humor hat oder wenn sie nicht zum Rahmen der Feier passen. Komische Geschenke werden an enge Freunde oder Verwandte verschenkt, vulgäre Andeutungen sollten jedoch besser vermieden werden.

Diese Art umfasst Dinge, die mit Ihren eigenen Händen hergestellt wurden: Stickereien, gestrickte Kleidung, Holzprodukte, geschmiedete Einrichtungsgegenstände usw. Alle Eigenschaften des Geschenks hängen ausschließlich von den Fähigkeiten des Autors ab. IN In letzter Zeit Zu den Geschenken des Autors gehörten zunehmend auch Druckerzeugnisse, zum Beispiel ein Kalender mit einem Foto des Empfängers. Besser ist es, einem solchen Geschenk eine Glückwunschkarte beizufügen.

4. Notwendige Dinge.

Zu diesen Geschenken gehören Gegenstände, die im täglichen Leben benötigt werden, zum Beispiel eine Tasche, Unterwäsche, Schuhe, Kosmetika. Sie werden nur von Verwandten und engen Freunden präsentiert. Sie sollten solche Geschenke nicht an Personen machen, die Sie nicht kennen, da sie ein Gefühl der Unbeholfenheit hervorrufen können und Sie außerdem bei der Größe einen Fehler machen können.

5. Traumgeschenk.

Für jeden Menschen ist Erfüllung das größte Wunschgeschenk gehegter Traum Allerdings diskutiert selten jemand über solche Themen, selbst mit nahestehenden Menschen. Sie sollten ein solches Geschenk nur machen, wenn Sie absolut sicher sind, dass der Beschenkte dies auch erhalten möchte. Während der Lieferung sollten Sie eine vorbereitete Rede halten und gleichzeitig die Hoffnung zum Ausdruck bringen, dass Ihnen der erhaltene Artikel wirklich gefallen wird.

6. Ein universelles Geschenk.

Zu dieser Sorte gehört eine Gruppe neutraler Artikel, die verschenkt werden, wenn die Vorlieben des Empfängers unbekannt sind. Dazu gehören Souvenirs, Blumen, Vasen, Aschenbecher, Gläser, Geschirrsets, Notizblöcke und Süßigkeiten.

7. Geldgeschenk.

War es noch vor nicht allzu langer Zeit üblich, zur Hochzeit Geld zu verschenken, so werden solche Geschenke mittlerweile auch zu anderen Feierlichkeiten verschenkt. Ein Geldgeschenk ist besonders für Menschen relevant, die sich in finanziellen Schwierigkeiten befinden. Gleichzeitig müssen die als Geschenk überreichten Banknoten einen großen Nennwert haben und neu sein. Legen Sie sie in einen sauberen Umschlag oder eine spezielle Karte mit Tasche.

Für welche Art von Geschenk man sich auch entscheidet, man sollte sich vorher darüber Gedanken machen, sonst kann es sein, dass im letzten Moment das Notwendige nicht gefunden wird.

Hochgeladen von: VolkovaMarina

Das Thema Landschaft als Genre bildende Kunst ist das Gelände. MIT Französisch Das Wort „Landschaft“ wird mit „Gelände, Land“ übersetzt. Schließlich ist Landschaft nicht nur das uns bekannte Abbild der Natur. Die Landschaft kann auch städtisch sein (z. B. architektonisch). In der Stadtlandschaft zeichnet sich ein dokumentarisches Bild ab – „Vedute“.

Und wenn wir über die Naturlandschaft sprechen, dann werden sie separat hervorgehoben Meereslandschaft, das „Marina“ genannt wird (entsprechend werden Künstler, die das Meer darstellen, „Marinisten“ genannt), kosmisch (Bild des Himmelsraums, der Sterne und Planeten).
Aber auch zeitlich unterscheiden sich Landschaften: moderne, historische, futuristische Landschaften.
In der Kunst ist es jedoch immer so, egal wie die Landschaft aussieht (real oder eingebildet). künstlerisches Bild. In diesem Zusammenhang ist es wichtig, das für alle zu verstehen künstlerischer Stil(Klassizismus, Barock, Romantik, Realismus, Moderne) zeichnen sich durch eine eigene Philosophie und Ästhetik der Landschaftsbilder aus.
Natürlich entwickelte sich das Landschaftsgenre nach und nach, ebenso wie sich die Wissenschaft entwickelte. Es scheint, was haben Landschaften und Wissenschaft gemeinsam? Viel gemeinsam! Um eine realistische Landschaft zu erstellen, müssen Sie über lineare und lineare Kenntnisse verfügen Aerial Perspektive, Proportionalität, Komposition, Licht und Schatten usw.
Daher gilt das Landschaftsgenre als relativ junges Genre der Malerei. Landschaft war lange Zeit nur ein „Hilfsmittel“: In Porträts, Ikonen und Genreszenen wurde die Natur als Hintergrund dargestellt. Oft war es nicht real, sondern idealisiert und verallgemeinert.
Und obwohl sich die Landschaft in der antiken östlichen Kunst zu entwickeln begann, unabhängige Bedeutung er erhielt ab etwa dem 14. Jahrhundert Eingang in die westeuropäische Kunst.
Und es wäre sehr interessant herauszufinden, warum das passiert ist. Schließlich wusste die Person zu diesem Zeitpunkt bereits, wie man sie einigermaßen richtig darstellt grafische Symbole abstrakte Ideen, sein Aussehen, seine Lebensweise, Tiere, aber der Natur gegenüber bleibt er lange Zeit gleichgültig. Und erst jetzt versucht er, die Natur und ihr Wesen zu verstehen, denn... Um darzustellen, muss man verstehen.

Entwicklung der Landschaft in der europäischen Malerei

Das Interesse an der Landschaft wird deutlich spürbar, beginnend mit der Malerei der Frührenaissance.
Italienischer Künstler und Architekt Giotto(ca. 1267-1337) entwickelte sich absolut neuer Ansatz zum Bild des Raumes. Und obwohl die Landschaft in seinen Gemälden auch nur ein Hilfsmittel war, trug sie bereits eine eigenständige semantische Last; Giotto verwandelte den flachen, zweidimensionalen Raum der Ikone in einen dreidimensionalen Raum und erzeugte durch Hell-Dunkel die Illusion von Tiefe.

Giotto „Flucht nach Ägypten“ (Kirche San Francesco in Assisi)
Das Gemälde vermittelt die idyllische Frühlingsstimmung der Landschaft.
In der Hochrenaissance (16. Jahrhundert) begann die Landschaft eine noch wichtigere Rolle zu spielen. In dieser Zeit begann die Suche nach den Möglichkeiten der Komposition, Perspektive und anderer Komponenten der Malerei, die umgebende Welt zu vermitteln.
Meister spielten eine wichtige Rolle bei der Entstehung des Landschaftsgenres dieser Zeit Venezianische Schule: Giorgione (1476/7-1510), Tizian (1473-1576), El Greco (1541-1614).

El Greco „Ansicht von Toledo“ (1596-1600). Metropolitan Museum of Art (New York)
Dargestellt ist die spanische Stadt Toledo unter einem düsteren, stürmischen Himmel. Der Kontrast zwischen Himmel und Erde ist offensichtlich. Der Blick auf die Stadt erfolgt von unten, die Horizontlinie ist hoch angehoben und es kommt phantasmagorisches Licht zum Einsatz.
In der Kreativität Pieter Bruegel (der Ältere) Die Landschaft gewinnt bereits an Weite, Freiheit und Aufrichtigkeit. Er schreibt einfach, aber in dieser Einfachheit kann man den Adel einer Seele erkennen, die die Schönheit der Natur zu erkennen weiß. Er versteht es, sowohl die kleine Welt unter seinen Füßen als auch die Weite der Felder, Berge und Himmel zu vermitteln. Er hat keine toten, leeren Orte – alles lebt und atmet mit ihm.
Wir machen Sie auf zwei Gemälde von P. Bruegel aus dem Zyklus „Die Jahreszeiten“ aufmerksam.

P. Bruegel (der Ältere) „Rückkehr der Herde“ (1565). Kunsthistorisches Museum (Wien)

P. Bruegel (der Ältere) „Jäger im Schnee“ (1565). Kunsthistorisches Museum (Wien)
In den Gemälden eines spanischen Künstlers D. Velazquez Wir können bereits die Geburt des Pleinairs erleben ( klare Luft- ab Fr. en plein air – „unter freiem Himmel“) Malerei. Sein Werk „Blick auf die Villa Medici“ vermittelt die Frische des Grüns, warme Farbtöne Licht, das über Baumblätter und hohe Steinmauern gleitet.

D. Velazquez „Ansicht des Gartens der Villa Medici in Rom“ (1630)
Rubens(1577-1640), lebensbejahend, dynamisch, charakteristisch für das Werk dieses Künstlers.

P. Rubens „Landschaft mit Regenbogen“
U Französischer Künstler Francois Boucher(1703-1770) Landschaften scheinen aus Blau-, Rosa- und Silbertönen gewoben zu sein.

F. Boucher „Landschaft mit Wassermühle“ (1755). Nationalgallerie(London)
Impressionistische Künstler versuchten, Methoden und Techniken zu entwickeln, die es ermöglichten, möglichst natürliche und lebendige Bilder einzufangen echte Welt in seiner Beweglichkeit und Variabilität, um Ihre flüchtigen Eindrücke zu vermitteln.

Auguste Renoir „Das Planschbecken“. Metropolitan Museum of Art (New York)
Postimpressionistische Künstler entwickelten in ihrer Malerei die Traditionen der Impressionisten weiter.

Vincent Wag Gogh“ Sternennacht"(1889)
Im 20. Jahrhundert Vertreter verschiedenster Menschen wandten sich dem Landschaftsgenre zu künstlerische Richtungen: Fauvisten, Kubisten, Surrealisten, Abstraktionisten, Realisten.
Hier ist ein Beispiel einer Landschaft eines amerikanischen Künstlers Helen (Helen) Frankenthaler(1928-2011), der im Stil der abstrakten Kunst arbeitete.

Helen Frankenthaler „Berge und Meer“ (1952)

Einige Landschaftstypen

Architekturlandschaft

N.V. Gogol nannte Architektur „die Chronik der Welt“, weil Sie spricht seiner Meinung nach „auch dann, wenn sowohl Lieder als auch Legenden bereits verstummt sind ...“. Nirgendwo manifestieren sich Charakter und Stil der Zeit so bildlich und deutlich wie in der Architektur. Anscheinend haben die Meister der Malerei deshalb die architektonische Landschaft auf ihren Leinwänden festgehalten.

F. Ya. Alekseev „Blick auf die Börse und die Admiralität von der Peter-und-Paul-Festung“ (1810)
Das Gemälde zeigt die Nehrung der Wassiljewski-Insel. Kompositionszentrum ihr architektonisches Ensemble- Austauschgebäude. Vor der Börse befindet sich ein halbkreisförmiger Platz mit einer Granitböschung. An seinen beiden Seiten befinden sich Säulen, die als Leuchtfeuer dienten. Am Fuße der Säulen - Steinskulpturen, symbolisiert die russischen Flüsse Wolga, Dnjepr, Newa und Wolchow. Am gegenüberliegenden Flussufer sind der Winterpalast und die Admiralitätsgebäude zu sehen, Senatsplatz. Der Bau der von Thomas de Thomon entworfenen Börse dauerte von 1804 bis 1810. Als Puschkin 1811 in St. Petersburg ankam, war die Börse bereits zum architektonischen Zentrum der Nehrung der Wassiljewski-Insel und zum geschäftigsten Ort der Hafenstadt geworden.
Eine Art Architekturlandschaft ist die Vedute. Tatsächlich handelt es sich bei dieser Landschaft von F. Alekseev um die Vedova.

Vedute

Vedute - Genre Europäische Malerei, besonders beliebt im Venedig des 18. Jahrhunderts. Es handelt sich um ein Gemälde, eine Zeichnung oder einen Stich einer detaillierten Darstellung einer alltäglichen Stadtlandschaft. Also der niederländische Künstler Jan Vermeer stellte genau seine Heimatstadt Delft dar.

Jan Vermeer „Ansicht von Delft“ (1660)
Vedutenmeister arbeiteten in vielen europäischen Ländern, darunter auch in Russland (M. I. Makhaev und F. Ya. Alekseev). Eine ganze Reihe von Hauptrollen mit russischen Ansichten wurde von Giacomo Quarenghi aufgeführt.

Yachthafen

Marina ist ein Genre der Malerei, eine Art Landschaft (vom lateinischen marinus – Meer), die einen Meerblick oder eine Szene einer Seeschlacht sowie andere Ereignisse auf See darstellt. Als eigenständige Art Landschaftsmalerei Marina stach heraus Anfang des XVII V. in Holland.
Marinemaler (französisch mariniste) ist ein Künstler, der Meereslebewesen malt. Die prominentesten Vertreter dieser Gattung sind die Engländer William Turner und russischer (armenischer) Künstler Iwan Konstantinowitsch Aiwasowski, der etwa 6.000 Gemälde zum Thema Meer malte.

W. Turner „Die letzte Reise des Schiffes „Brave““

I. Aivazovsky „Regenbogen“
Ein Regenbogen, der in einem stürmischen Meer erscheint, gibt Hoffnung auf die Erlösung der Menschen wegwerfen Schiff.

Historische Landschaft

Alles daran ist ganz einfach: durch historische Situation, natürliche und architektonische Umgebung zeigen die Vergangenheit. Hier können wir uns an die Bilder erinnern N.K. Roerich, Bilder von Moskau im 17. Jahrhundert. BIN. Wasnezowa, Russisch Barock XVIII V. IHR. Lanceray, EIN. Benoit, archaischer K.F. Bogajewski usw.

N. Roerich „Gäste aus Übersee“ (1901)
Dies ist ein Gemälde aus der Serie „Der Anfang der Rus“. Slawen“. In dem Artikel „Auf dem Weg von den Warägern zu den Griechen“ (1899) beschrieb Roerich ein imaginäres poetisches Bild: „Die Mitternachtsgäste segeln. Wie ein heller Streifen erstreckt sich das sanft abfallende Ufer des Finnischen Meerbusens. Das Wasser schien vom Blau des klaren Frühlingshimmels gesättigt zu sein; Der Wind kräuselt sich darüber und vertreibt mattviolette Streifen und Kreise. Ein Schwarm Möwen landete auf den Wellen, schwankte achtlos auf ihnen und nur unter dem Kiel des Vorderbootes blitzten ihre Flügel auf – sie waren alarmiert friedliches Leben etwas Unbekanntes, Beispielloses. Ein neuer Bach bahnt sich seinen Weg durch das stehende Wasser, er mündet in das jahrhundertealte slawische Leben, er wird durch Wälder und Sümpfe fließen, er wird über ein weites Feld rollen, er wird die slawischen Familien großziehen – sie werden seltene sehen, Fremde Gäste werden über ihr streng kriegerisches, über ihr überseeisches Brauchtum staunen. Die Türme kommen in einer langen Reihe! Helle Farben brennen in der Sonne. Die Bugseiten waren schneidig nach oben gebogen und endeten in einer hohen, schlanken Nase.“

K. Bogaevsky „Konsularturm in Sudak“ (1903). Feodosiyskaya Bildergalerie benannt nach I.K. Aivazovsky

Futuristische (fantastische) Landschaft

Gemälde Belgischer Künstler Jonas De Ro sind epische Gemälde neuer, unerforschter Welten. Hauptgegenstand der Bilder von Jonas sind großflächige Bilder der postapokalyptischen Welt, futuristische, fantastische Bilder.
Neben der Zukunft absolut realer Städte zeichnet Jonas auch völlig originelle Illustrationen einer verlassenen Stadt.

J. De Roe „Verlassene Zivilisation“

Philosophie der Landschaft

Was ist es?
Im Zentrum der Landschaftsmalerei steht immer die Frage nach dem Verhältnis des Menschen zur Umwelt – sei es Stadt oder Natur. Aber auch Umgebung hat auch einen eigenen Bezug zu einer Person. Und diese Beziehungen können harmonisch und unharmonisch sein.
Betrachten Sie die Landschaft „Abendglocken“.

I. Levitan „Abendglocken“ (1892). Staatliche Tretjakow-Galerie (Moskau)
Das Gemälde „Abendglocken“ zeigt ein Kloster an einer Flussbiegung, beleuchtet von den Strahlen der Abendsonne. Das Kloster ist von einem Herbstwald umgeben, Wolken schweben über den Himmel – und das alles spiegelt sich in der Spiegeloberfläche eines ruhig fließenden Flusses. Die helle Freude der Natur und Seelenfrieden Leben und Gefühle der Menschen. Ich möchte dieses Bild anschauen und anschauen, es beruhigt die Seele. Das ist glückselige, idyllische Schönheit.
Und hier ist eine weitere Landschaft desselben Künstlers – „Oben ewiger Friede».

I. Levitan „Über dem ewigen Frieden“ (1894). Staatliche Tretjakow-Galerie (Moskau)
Levitan selbst schrieb über dieses Bild: „... ich bin ganz darin, mit meiner ganzen Psyche, mit all meinem Inhalt…“. In einem anderen Brief: „Ewigkeit, eine schreckliche Ewigkeit, in der Generationen ertrunken sind und wieder ertrinken werden ... Was für ein Schrecken, was für eine Angst!“ Es ist diese bedrohliche Ewigkeit, über die uns Levitans Gemälde nachdenken lässt. Das Wasser und der Himmel im Bild fesseln und verblüffen den Menschen und wecken den Gedanken an die Bedeutungslosigkeit und Vergänglichkeit des Lebens. An einem steilen, hohen Ufer steht eine einsame Holzkirche, daneben ein Friedhof mit klapprigen Kreuzen und verlassenen Gräbern. Der Wind schüttelt die Bäume, treibt die Wolken, zieht den Betrachter in die endlose Weite des Nordens. Der düsteren Erhabenheit der Natur steht nur ein winziges Licht im Fenster der Kirche entgegen.
Möglicherweise wollte der Künstler mit seiner Malerei die Frage nach der Beziehung zwischen Mensch und Natur, nach dem Sinn des Lebens beantworten, indem er die ewigen und mächtigen Kräfte der Natur dem schwachen und kurzlebigen menschlichen Leben gegenüberstellte. Das ist eine erhabene Tragödie.