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Und Sie haben Symbole in der Dunkelheit
Mit dem Lächeln der Sphinx blicken sie in die Ferne
Halbheidnische Frauen, -
Und ihre Traurigkeit ist nicht ohne Sünde.

Prophet, Dämon oder Zauberer,
Das ewige Rätsel bewahren,
Oh Leonardo, du bist der Vorbote
Ein weiterer unbekannter Tag.
Dmitri Mereschkowski

Madonna mit einer Blume ( Madonna Benedikt)
Leonardo da Vinci
1478
Leinwand, Öl
Staatliche Eremitage

Leonardo da Vinci (1452 - 1519): „Prophet oder Dämon oder Zauberer“

Die kleine toskanische Stadt Vinci war einst die Heimat eines davon größte Genies Menschheit. Im Alter von zehn Jahren zog Leonardo, der Sohn eines Notars und einer Bäuerin, nach Florenz – dem Epizentrum von Wirtschaft, Industrie und Wirtschaft Kulturleben Renaissance. Hier lernte er die ersten Grundlagen künstlerische Kreativität, und schon damals zeigte er eine außerordentliche Interessenvielfalt. Leonardo ließ sich unter anderem von der Wissenschaft verführen, doch seine Zeitgenossen glaubten, dass sie ihn nur davon ablenkte, den hohen Idealen der Kunst zu dienen. Teilweise hatten sie Recht, denn die übermäßige Begeisterung des Genies für alle Bereiche des Daseins diente indirekt als Grund für sein bescheidenes malerisches Erbe, das heute knapp über zehn Werke umfasst. Andererseits war es aber auch die wissenschaftliche Forschung, die dazu beigetragen hat, dass jedes der von Leonardo geschaffenen Gemälde ein unschätzbares Beispiel dafür ist, wie hoch der menschliche Geist emporsteigen kann, wenn er danach strebt, die Welt zu verstehen. Das Gemälde „Madonna mit Blume“ ist ein solcher Beweis.

Porträt von dir selbst im Alter
Leonardo da Vinci (?)
Rötel, Papier
Königliche Bibliothek, Turin (Italien)

„Madonna mit einer Blume (Benois-Madonna)“ (1478) in der Sammlung der Eremitage

Die meisten Forscher datieren dieses Gemälde auf das Jahr 1478, was bedeutet, dass Leonardo da Vinci es malte, als er erst 26 Jahre alt war. 1914 wurde „Madonna mit Blume“ aus der Privatsammlung der Familie Benois für die Sammlung der Kaiserlichen Eremitage erworben. Kurz davor der Keeper Kunstgalerie Hermitage Ernst Karlovich Lipgart vermutete, dass das Werk zum Pinsel des großen Leonardo gehörte, und wurde dabei von führenden europäischen Experten unterstützt. Das ist schon im ersten bekannt Drittel des XIX Jahrhundert befand sich „Madonna mit Blume“ in Russland bei General Korsakow, aus dessen Sammlung es später in die Familie des Astrachaner Kaufmanns Saposchnikow gelangte. Maria Alexandrowna Benois, geborene Sapozhnikova, erbte dieses Gemälde, und als sie 1912 beschloss, es zu verkaufen, bot ein Londoner Antiquitätenhändler 500.000 Franken dafür. Allerdings überließ die Besitzerin die „Madonna“ für eine viel bescheidenere Summe der Eremitage – sie wollte, dass Leonardos Schöpfung in Russland blieb.

Selbstporträt
Ernst Friedrich Liphart – russischer Künstler und Dekorateur, Chefkurator der Hermitage-Kunstgalerie in den Jahren 1906–29
1883

„Halbheidnische Frauen blicken mit dem Lächeln der Sphinx in die Ferne, und ihre Traurigkeit ist nicht ohne Sünde.“

Auf den ersten Blick recht bescheiden und unprätentiös, überrascht „Madonna mit der Blume“ dadurch, dass es seinen Charme nicht sofort, sondern erst nach und nach offenbart, wenn man in dieses Besondere eintaucht Innere. Die Muttergottes und das Jesuskind sind von der Dämmerung umgeben, aber die Tiefe dieses Raumes ist deutlich zu erkennen helles Fenster. Die Jungfrau Maria ist noch ein Mädchen: pralle Wangen, eine nach oben gerichtete Nase, ein freches Lächeln – all das sind Merkmale nicht eines abstrakten göttlichen Ideals, sondern eines ganz bestimmten irdischen Mädchens, das einst als Vorbild für dieses Bild diente. Sie ist in der Mode des 15. Jahrhunderts gekleidet und gekämmt, und jedes Detail ihres Kostüms, jede Locke ihres Haares wird von der Künstlerin genau untersucht und in Renaissance-Details wiedergegeben. Die Liebe und Freude der Mutterschaft spiegelten sich in ihrem Gesicht wider, während sie sich darauf konzentrierte, mit ihrem Kind zu spielen. Sie gibt ihm eine Blume und er versucht, sie zu ergreifen, und diese ganze Szene ist so lebendig und überzeugend, dass es an der Zeit ist, die bevorstehende Tragödie Christi zu vergessen. Dennoch ist die Blume mit ihrem kreuzförmigen Blütenstand nicht nur das kompositorische Zentrum des Gesamtbildes, sondern auch ein Zeichen, ein Symbol, ein Omen der kommenden Passion. Und es scheint, dass in diesem bewussten und konzentrierten Gesicht eines Babys, das nach einer Blume greift, bereits der zukünftige Erlöser sichtbar ist, der sein ihm bestimmtes Kreuz annimmt. Andererseits steckt in dieser Geste aber auch ein Symbol der Renaissance mit ihrem grenzenlosen Wunsch, die Welt zu verstehen, ihre Geheimnisse zu entdecken, über ihre Grenzen hinauszugehen – überhaupt alles, was Leonardo selbst anstrebte.

Madonna mit einer Blume (Benois Madonna) - Fragment
Leonardo da Vinci
1478
Leinwand, Öl
Staatliche Eremitage

„Oh Leonardo, du bist der Vorbote eines noch unbekannten Tages“

Neben hohen spirituellen Bestrebungen ist das Bild ein gewisses Ergebnis davon malerische Errungenschaften, die im 15. Jahrhundert von florentinischen Meistern angefertigt wurden, und ist gleichzeitig ein Sprungbrett für die zukünftige Entwicklung der Kunst. Die Harmonie des Ganzen entsteht bei Leonardo durch die Synthese von Einzelheiten: mathematisch verifizierte Komposition, anatomische Konstruktion von Körpern, Cut-Off-Modellierung Volumen, weiche Konturen und warme Farben. Die traditionelle Handlung wird hier neu gedacht: Das Bild der Madonna ist menschlicher denn je, und die Szene selbst ist eher gewöhnlich als religiös. Durch das subtile Spiel von Licht und Schatten wirken die Figuren voluminös und fast greifbar. Jede Kleidungsfalte liegt entsprechend dem Körpervolumen und ist mit Bewegung gefüllt. Leonardo war einer der ersten in Italien, der die Technik der Ölmalerei einsetzte, die es ihm ermöglichte, die Textur von Stoffen, Licht- und Schattennuancen sowie die Materialität von Objekten genauer wiederzugeben. Um sich noch besser vorstellen zu können, wie weit all diese Entdeckungen damals reichten, genügt ein Vergleich von Leonardos Madonna mit dem Werk seines Vorgängers und Lehrers, des Malers Andrea Verrocchio.

Madonna und Kind
Andrea Verrocchio
Um 1473-1475
Holz, Tempera
Staatliche Museen, Berlin

Technologische Untersuchung des Gemäldes

Die Blumenmadonna war ursprünglich auf Holz gemalt, wurde aber zur besseren Erhaltung 1824 auf Leinwand übertragen. Auf dem Foto, das in unserer Zeit in reflektierten Infrarotstrahlen aufgenommen wurde, ist über dem Hinterkopf des Babys eine zweite Kontur sichtbar, was darauf hindeutet, dass Leonardo beabsichtigte, das Kind noch größer zu machen, als es jetzt ist. Marias Frisur ist etwas anders – auf dem Foto ist sie flauschiger und bedeckt ihr rechtes Ohr. In der endgültigen Fassung hält Madonna in ihrer linken Hand einen Strauß Grashalme, auf dem Foto ist eine Blume zu sehen. All diese Änderungen sind nicht wesentlich, aber sehr interessant, da sie einen Blick in die malerische Küche des Schöpfers ermöglichen. 1978 feierte der Film sein 500-jähriges Jubiläum. Zu diesem Zeitpunkt wurde eine umfassende Restaurierung durchgeführt, bei der Oberflächenflecken und Spätaufnahmen entfernt und der alte Lack wiederhergestellt wurden. Nach Abschluss dieser Arbeiten wurde die „Madonna von Benois“ in eine speziell für sie angefertigte Glasvitrine gelegt.

Madonna Benedikt
Foto in reflektierter IR-Strahlung

© Projekt SpbStarosti

09. November 2012

„Leonardo da Vinci ist der einzige Künstler, von dem man sagen kann, dass alles, was seine Hand berührte, zu ewiger Schönheit wurde. Die Struktur des Schädels, die Beschaffenheit des Stoffes, ein angespannter Muskel... – all das wird mit einem erstaunlichen Gespür für Linien, Farben und Licht umgesetzt wahre Werte” Bernard Berenson, 1896

Madonna Benedikt

1475-1478; 49,5 x 31,5 cm;
Holz, Öl auf Leinwand übertragen
Eremitage, St. Petersburg

„Madonna Benois“ wurde von Leonardo geschrieben, als er noch sehr jung war. Obwohl der Künstler gerade seine Ausbildung in Verrocchios Werkstatt abgeschlossen hatte, ist dies eines der ersten Werke, in denen Leonardos ursprünglicher Stil zum Vorschein kam.

Aus dieser Zeit sind zahlreiche Skizzen erhalten, in denen Leonardo mit der für ihn typischen Sorgfalt nicht nur die verschiedenen Posen und Gesichtsausdrücke der Madonna mit Kind skizziert, sondern auch die Falten ihrer Kleidung, Details des Schmucks und natürlich In der Sfumato-Technik gemalte Landschaften, von denen eine vom Meister als Hintergrund im Gemälde „Madonna mit der Nelke“ verwendet wurde.

Das Gemälde „Benois Madonna“ besticht durch die Kühnheit seiner Interpretation der Figuren. Trotz des goldenen Heiligenscheins (man geht davon aus, dass der Heiligenschein um die Köpfe der Figuren später und möglicherweise nicht von Leonardos Hand hinzugefügt wurde) erscheint die Madonna vor uns ohne jegliche Zeichen von Heiligkeit.

Dies ist ein junges Mädchen, fast ein Mädchen, das mit einem ziemlich großen Baby spielt, das auf ihrem Schoß sitzt. Eine interessante Nuance erregt Aufmerksamkeit: Das Kind, das Spaß haben soll, wirkt völlig erwachsen, ernst und konzentriert, während die Madonna – entgegen allen Gesetzen der traditionellen Ikonographie – fröhlich und sogar verspielt ist.

Definitiv sinnlicher Realismus Die Atmosphäre spiritueller Wärme und strahlender Freude belebt dieses Bild, obwohl die insgesamt braun-grüne Farbpalette und die recht komplexe kompositorische Lösung der Posen und Gesten der Figuren dem emotionalen Ton der Leinwand eine Note von Angst und Erwartung verleihen.

Bewundernswert ist die perfekte Modellierung des Körpers des Babys mittels Hell-Dunkel – der Einfluss von Verrocchios skulpturalen Experimenten ist hier spürbar. Smyslov und Kompositionszentrum Bei diesem Werk handelt es sich zweifellos um die Kreuzung dreier Hände – der pummeligen Händchen des Kindes und der mädchenhaft dünnen Hand der Gottesmutter.

Dieses rührende Detail lässt uns Leonardos brillante Idee verstehen: Eine solche Darstellung der Madonna mit Kind ist tatsächlich die Verkörperung der Gefühle von Müttern auf der ganzen Welt. Also schon ganz am Anfang kreativer Weg da Vinci schaffte es nicht nur, seiner Schöpfung eine erstaunliche Ausdruckskraft zu verleihen, sondern ihr auch einen transtemporalen Charakter zu verleihen, der nur für wahre Meisterwerke charakteristisch ist.

Im Herbst 1478 schreibt er in eines seiner Notizbücher neben verschiedenen Skizzen folgende Worte: „... im Jahr 1478 begann ich mit zwei Jungfrauen.“ Auf den Blättern seiner Zeichnungen aus der gleichen Zeit finden wir tatsächlich große Menge Skizzen für die Komposition „Madonna mit Kind“ und mit seiner ihm eigenen Sorgfalt und Aufmerksamkeit skizziert er sowohl die verschiedenen Positionen der Körper der Materie und des Kindes als auch Details: Hände mit Falten leichter und schwerer Kleidung, Stoffstücke. Diese Zeichnungen sind noch etwas naiv und trocken, sprechen aber bereits von einer allmählichen Beherrschung der Technik.
Ihre Linie wird selbstbewusster, Schattierungen und Schattierungen betonen die Volumina. Zahlreiche Varianten unterschiedlicher und ähnlicher Positionen der Körper von Mutter, Kind und beider zusammen sind zweifellos ein Beweis dafür, dass der junge Meister mit leichten Strichen eines Bleistifts oder einer Feder versuchte, flüchtige Eindrücke aus Beobachtungen der Realität zu vermitteln, diese Realität einzufangen in all seiner Lebensdynamik.
Die erste der beiden Madonnen, über die Leonardo schreibt und die auf der Grundlage vieler Skizzen entstand, ist die „Madonna von Benois“.
Als Leonardo es schrieb, war er sechsundzwanzig Jahre alt. Zu diesem Zeitpunkt beherrschte der Künstler bereits die große Kunst der Malerei perfekt, die er, wie wir sehen werden, über alle anderen stellte.
„Madonna mit einer Blume“ („Benois Madonna“) ist chronologisch die erste Madonna, deren Bild innerlich jeglicher Heiligkeit entbehrt.
Die Madonna sieht aus wie ein etwas kränkliches Mädchen, das mit einem übergroßen Baby auf dem Schoß spielt. Eine eigentümliche totengrüne Farbgebung, betont realistische Interpretation menschlicher Körper, erhöhte Aufmerksamkeit für die Darstellung des Licht- und Schattenspiels an einzelnen Körperteilen, die komplexe Stellung beider Figuren – alles in diesem Bild zeigt uns den jungen Leonardo, der zwar noch nach einem weiten freien Stil sucht, aber schon fest darauf steht den Weg, den er bei seinen zukünftigen Aktivitäten einschlagen würde.
Beide eng in das Bild eingeschriebenen Figuren füllen dessen gesamte Fläche nahezu vollständig aus, nur rechts oben befindet sich ein kleines Spitzbogenfenster, das offenbar vom Künstler nicht fertiggestellt wurde. Man muss annehmen, dass er beabsichtigte, hier seine Lieblingsberglandschaft mit einem Fluss zu platzieren, die an die Ansichten seiner Heimatstadt Vinci erinnert, aber wie üblich verzögerte er die Arbeit und ließ dieses Detail unvollendet, als er sich etwas anderem zuwandte.
Das Licht auf die Figuren im Bild fällt hauptsächlich von links, aber es ist gut möglich, dass es das kleine Fenster und wahrscheinlich die Berge und das Wasser dahinter sind, die dafür sorgen, dass der Raum, in dem sich die Madonna befindet, schwach beleuchtet ist und darüber hinaus mit einem eigenartigen grünlichen Licht. Es färbt alles in grünlichen Tönen, wirft grünliche Glanzlichter auf nackte Körperteile, erzeugt dicke Schatten an dunkleren Stellen, die durch etwas vom Licht, das aus dem Fenster fällt, verdeckt werden.
Das kompositorische und ideologische Zentrum des Bildes ist die Verflechtung drei Hände: zwei pummelige Händchen eines Jungen und eine zarte, mädchenhafte Hand einer Mutter, die eine Blume am Stiel hält, auf die der aufmerksame und liebevolle Blick der Madonna und der neugierige, ernste Blick eines Babys gerichtet sind, das ungeschickt versucht, sie zu ergreifen Blume. Der kindlich unbewusste, aber nicht kindisch leidenschaftliche Wissensdurst, der Leonardo quälte und vorantrieb, drückt sich in der gesamten Erscheinung des Babys aus. Der Blick des Betrachters wird unwillkürlich auf die semantische Mitte des Bildes gelenkt – die darin dargestellte schlichte und bescheidene Szene gewinnt an Bedeutung und ideologischer Tiefe. Ein kleines Bild weckt Aufmerksamkeit, Interesse, erregt.

„MADONNA LITTA“

Es gibt so viele Gemälde, die die Jungfrau Maria darstellen, dass den berühmtesten oft Spitznamen gegeben werden. Oftmals bleibt ihnen der Name eines der Vorbesitzer haften, wie es bei der „Madonna Litta“ der Fall war.

Das in den 1490er Jahren gemalte Gemälde blieb viele Jahrhunderte in Italien. Seit 1813 war es im Besitz der Mailänder Familie Litta, deren Vertreter sehr gut wussten, wie reich Russland war. Aus dieser Familie stammte der maltesische Ritter Graf Giulio Renato Litta, der bei Paul I. in großer Gunst stand und nach seinem Austritt aus dem Orden dessen Neffen heirateteItze Potemkin wird Millionär. Es hat jedoch nichts mit Leonardos Gemälde zu tun. Ein Vierteljahrhundert nach seinem Tod, im Jahr 1864, wandte sich Herzog Antonio Litta anEinsiedelei, wurde kürzlich zu einem öffentlichen Museum, mit einem Angebot zum Kauf mehrerer Gemälde aus der Familiensammlung.

Angelo Bronzino. Konkurrenz zwischen Apollo und Marsyas. 1531-1532. Staatliche Eremitage

Da Vincis Gemälde kam in sehr schlechtem Zustand in Russland an; es musste nicht nur gereinigt, sondern auch sofort von der Tafel auf die Leinwand übertragen werden. So erschien der erste in der Eremitage« Leonardo» .

Hier übrigens ein Beispiel für Zuschreibungsstreitigkeiten: Hat Leonardo die „Madonna Litta“ selbst oder mit einem Assistenten geschaffen? Wer war dieser Co-Autor – sein Schüler Boltraffio? Oder hat Boltraffio es vielleicht vollständig geschrieben, basierend auf Leonardos Skizze?
Dieses Problem ist noch nicht endgültig geklärt und die Madonna Litta gilt als etwas zweifelhaft.

Leonardo da Vinci hatte viele Schüler und Anhänger – sie werden „Leonardeschi“ genannt. Manchmal interpretierten sie das Erbe des Meisters auf eine sehr seltsame Weise. So entstand der Akttyp „Mona Lisa“. Die Eremitage besitzt eines dieser Gemälde eines unbekannten Autors – „Donna Nuda“ („Nackte Frau“). Es erschien in Zimny ​​​​während der Regierungszeit von Katharina der Großen: 1779 erwarb die Kaiserin es als Teil der Sammlung von Richard Walpole. Neben ihr enthält auch die Eremitage große Sammlung weitere Leonardesken, darunter eine Kopie der bekleideten Mona Lisa.

„MADONNA BENOIS“

Zuvor gehörte das Gemälde ihrem Vater, dem millionenschweren Kaufmann Alexander Aleksandrovich Sapozhnikov aus Astrachan, und vor ihm ihrem Großvater Alexander Petrovich (Enkel von Semyon Sapozhnikov, der im Dorf Malykovka von einem jungen Leutnant namens Gavrila Derzhavin wegen seiner Teilnahme gehängt wurde im Pugatschow-Aufstand). Die Familie sagte, dass „Madonna“ von umherziehenden italienischen Musikern, die irgendwie in Astrachan gelandet seien, an die Sapozhnikovs verkauft worden sei.

Wassili Tropinin. Porträt von A.P. Sapozhnikov (Großvater). 1826; Porträt von A.A. Sapozhnikov (Vater), 1856.

Tatsächlich kaufte Sapozhnikovs Großvater es jedoch 1824 für 1.400 Rubel auf einer Auktion nach dem Tod des Senators, Präsidenten des Berg College und Direktors der Bergbauschule Alexei Korsakov (der es offenbar in den 1790er Jahren aus Italien mitgebracht hatte).
Überraschenderweise kaufte die Eremitage mehrere Werke (insbesondere Millet, Mignard), als seine Sammlung, zu der Tizian, Rubens, Rembrandt und andere Autoren gehörten, nach Korsakovs Tod versteigert wurde, vernachlässigte jedoch diese bescheidene „Madonna“.

Nachdem Sapozhnikov nach Korsakovs Tod Eigentümer des Gemäldes geworden war, begann er auf seinen Wunsch hin, das Gemälde zu restaurieren. Es wurde sofort von der Tafel auf die Leinwand übertragen.

Orest Kiprensky. Porträt von A. Korsakow. 1808. Russisches Museum.

Die russische Öffentlichkeit erfuhr von diesem Gemälde im Jahr 1908, als der Hofarchitekt Leonty Benois das Werk aus der Sammlung seines Schwiegervaters ausstellte und der Chefkurator der Eremitage Ernst Lipgart die Hand des Meisters bestätigte. Dies geschah auf der „Ausstellung westeuropäischer Kunst aus den Sammlungen von Sammlern und Antiquitätenhändlern von St. Petersburg“, die am 1. Dezember 1908 in den Hallen der Kaiserlichen Gesellschaft zur Förderung der Künste eröffnet wurde.

1912 beschloss das Ehepaar Benois, das Gemälde zu verkaufen; das Gemälde wurde ins Ausland geschickt, wo Experten es untersuchten und seine Echtheit bestätigten. Der Londoner Antiquitätenhändler Duveen bot 500.000 Francs (etwa 200.000 Rubel), doch in Russland begann eine Kampagne für den Staat, das Werk zu kaufen. Der Direktor der Eremitage, Graf Dmitri Tolstoi, wandte sich an Nikolaus II. Das Ehepaar Benois wollte auch, dass „Madonna“ in Russland blieb, und verlor es schließlich 1914 für 150.000 Rubel, die in Raten gezahlt wurden, an die Eremitage.

Enthalten in „ Erste Liga» Weltmuseumsschätze. Die Sammlung umfasst drei Millionen Exponate und die prächtige Sammlung, die von Katharina der Großen begonnen wurde, wird bis heute ergänzt. Wir bieten einen kurzen Rundgang durch die Eremitage – und 10 Gemälde, die Sie sehen müssen.

Leonardo da Vinci. Madonna und Kind (Benois Madonna)

Italien, 1478–1480

Der zweite Name leitet sich vom Nachnamen der Besitzer des Gemäldes ab. Unter welchen Umständen das Werk des großen Leonardo nach Russland gelangte, ist noch unbekannt. Einer Legende zufolge kaufte die Familie Benoit es von einem Wanderzirkus. Das Meisterwerk wurde von Maria Sapozhnikova (nach der Heirat Benoit) von ihrem Vater geerbt. 1914 erwarb die Eremitage dieses Gemälde von ihr. Zwar hätte die UdSSR-Regierung es nach der Revolution in den schwierigen 1920er und 1930er Jahren beinahe an den US-Finanzminister, den leidenschaftlichen Sammler Andrew Mellon, verkauft. Kunstkritiker, die sich diesem Verkauf widersetzten, hatten Glück: Der Deal scheiterte.

Raphael. Madonna mit Kind (Madonna Conestabile)

Italien, um 1504

„Madonna und Kind“ ist eines davon frühe Arbeiten Raphael. Alexander II. kaufte dieses Gemälde in Italien vom Grafen Conestabile für seine geliebte Frau Maria Alexandrowna. Im Jahr 1870 kostete dieses Geschenk den Kaiser 310.000 Franken. Der Verkauf von Raffaels Werk empörte die örtliche Gemeinde, aber die italienische Regierung verfügte nicht über die Mittel, um das Gemälde vom Eigentümer zu kaufen. Der Besitz der Kaiserin wurde sofort im Eremitage-Gebäude ausgestellt.

Tizian. Danae

Italien, um 1554

Katharina II. erwarb das Gemälde von Tizian im Jahr 1772. Das Gemälde basiert auf einem Mythos, in dem König Akrisius vorhergesagt wurde, dass er durch die Hand seines eigenen Enkels sterben würde, und um dies zu vermeiden, ließ er seine Tochter Danae einsperren. Der findige Gott Zeus drang jedoch dennoch in Form eines goldenen sintflutartigen Regens in sie ein, woraufhin Danae einen Sohn, Perseus, zur Welt brachte.

Katharina II. war eine aufgeklärte Monarchin, hatte einen ausgezeichneten Geschmack und verstand genau, was genau für ihre Sammlung gekauft werden sollte. Es gibt mehrere weitere Gemälde in der Eremitage mit ähnliche Handlung. Zum Beispiel „Danae“ von Ferwilt und „Danae“ von Rembrandt.

El Greco (Domenikos Theotokopoulos). Apostel Petrus und Paulus

Spanien, zwischen 1587–1592

Das Gemälde wurde dem Museum 1911 von Pjotr ​​Durnowo geschenkt. Einige Jahre zuvor zeigte Durnovo es auf einer Ausstellung der Kaiserlichen Gesellschaft zur Förderung der Künste. Dann begann El Greco, der als sehr mittelmäßiger Künstler galt, von ihm als Genie zu sprechen. In diesem Gemälde erwies sich der Maler, der stets weit vom europäischen Akademismus entfernt war, als besonders nah an der byzantinischen Ikonenmalerei-Tradition. Er versuchte zu vermitteln Spirituelle Welt und die Charaktere der Apostel. Paulus (in Rot) ist durchsetzungsfähig, entscheidungsfreudig und selbstbewusst, während Petrus im Gegenteil zweifelnd und zögerlich ist... Es wird angenommen, dass El Greco sich im Bild von Paulus eingefangen hat. Doch darüber streiten Forscher noch immer.

Caravaggio. Junger Mann mit Laute

Italien, 1595–1596

Caravaggio - berühmter Meister Barock, der mit seinem „Beerdigungs“-Licht das Bewusstsein mehrerer Generationen veränderte Europäische Künstler. Nur eines seiner Werke wird in Russland aufbewahrt, in dem der Künstler damals malte frühe Jahre. Für Gemälde von Caravaggio Charakteristisch ist eine gewisse Dramatik, und die gibt es in „Der Lautenspieler“. Das auf dem Tisch abgebildete Notizbuch enthält die damals beliebte Madrigalmelodie von Jacob Arkadelt „Du weißt, dass ich dich liebe“. Und die zerbrochene Laute in den Händen des jungen Mannes ist ein Symbol unglücklicher Liebe. Die Leinwand wurde 1808 von Alexander I. gekauft.

Peter Paul Rubens. Porträt der Magd der Infantin Isabella

Flandern, Mitte der 1620er Jahre

Trotz des Namens wird angenommen, dass es sich hierbei um ein Porträt der Tochter des Künstlers, Clara Serena, handelt, die im Alter von 12 Jahren starb. Das Gemälde entstand nach dem Tod des Mädchens. Der Künstler hat das flauschige Haar, die zarte Gesichtshaut und den nachdenklichen Blick, von dem man den Blick nicht abwenden kann, subtil dargestellt. Vor dem Betrachter erscheint ein spirituelles und poetisches Bild.

Katharina II. erwarb das Gemälde 1772 für die Sammlung der Eremitage.

Rembrandt van Rijn. Rückkehr des verlorenen Sohnes

Holland, um 1668

Katharina II. kaufte 1766 eines der berühmtesten und bekanntesten Gemälde von Rembrandt. Das Evangeliumsgleichnis vom verlorenen Sohn beschäftigte den Künstler zeitlebens: Die ersten Zeichnungen und Radierungen dieser Handlung schuf er bereits in den 1630er und 40er Jahren und begann in den 1660er Jahren mit der Malerei des Bildes. Rembrandts Gemälde wurde für andere zur Inspiration kreative Persönlichkeiten. Der Avantgarde-Komponist Benjamin Britten schrieb eine von diesem Werk inspirierte Oper. Und Regisseur Andrei Tarkovsky zitierte „Return verlorene Sohn" in einer der letzten Szenen von Solaris.

Edgar Degas. Place de la Concorde (Viscount Lepic mit seinen Töchtern überquert den Place de la Concorde)

Frankreich, 1875

Das Gemälde „Place de la Concorde“ wurde nach dem Zweiten Weltkrieg von Berlin nach Russland transportiert, wo es in einer Privatsammlung aufbewahrt wurde. Die Leinwand ist interessant, weil es sich einerseits um ein Porträt und andererseits um eine typische impressionistische Genreskizze aus dem Leben der Stadt handelt. Degas stellte seine dar enger Freund, Aristokrat Louis Lepic, zusammen mit seinen beiden Töchtern. Das vielfigurige Porträt birgt noch immer viele Geheimnisse. Es ist nicht bekannt, wann und unter welchen Umständen das Gemälde entstand. Kunsthistoriker vermuten, dass das Werk 1876 und nicht auf Bestellung gemalt wurde. Der Künstler hat weder vorher noch nachher ein solches Gemälde gemalt. Da er Geld brauchte, verkaufte er die Leinwand dennoch an Graf Lepik und bis Ende des 19. Jahrhunderts Sie wussten jahrhundertelang nichts von ihm. Nach dem Fall Berlins im Jahr 1945 wurde das Meisterwerk neben anderen „Trophäen“-Werken dorthin geschickt die Sowjetunion und landete in der Eremitage.

Henri Matisse. Tanzen

Frankreich, 1909–1910

Das Gemälde wurde im Auftrag von Sergej Schtschukin, einem berühmten russischen Sammler französischer Kunst, geschaffen Gemälde des 19. Jahrhunderts- Anfang des 20. Jahrhunderts. Die Komposition ist zum Thema des goldenen Zeitalters der Menschheit geschrieben und stellt daher dar bestimmte Menschen, A symbolische Bilder. Matisse ließ sich von Volkstänzen inspirieren, die, wie Sie wissen, den Ritualismus einer heidnischen Handlung in sich tragen. Matisse verkörperte die Wut der antiken Bacchanalien in einer Kombination aus reinen Farben – Rot, Blau und Grün. Als Symbole für Mensch, Himmel und Erde. Das Gemälde wurde aus der Moskauer Sammlung in die Eremitage überführt Landesmuseum neue westliche Kunst im Jahr 1948.

Wassily Kandinsky. Komposition VI

Deutschland, 1913

In der Eremitage gibt es einen ganzen Saal, der Kreativität gewidmet Wassily Kandinsky. „Komposition VI“ entstand im Mai 1913 – ein Jahr vor Ausbruch des Ersten Weltkriegs – in München. Das dynamische, helle Bild ist mit freien und schwungvollen Strichen gemalt. Ursprünglich wollte Kandinsky es „Die Sintflut“ nennen: Die abstrakte Leinwand basierte darauf biblische Geschichte. Später gab der Künstler diese Idee jedoch auf, damit der Titel des Werks die Wahrnehmung des Betrachters nicht beeinträchtigte. Die Leinwand kam 1948 vom State Museum of New Western Art ins Museum.

Das Material verwendet Illustrationen von der offiziellen Website