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13. Mai. /ITAR-TASS/. Eines der ältesten Kinos in St. Petersburg, Rodina, feiert im Mai 2014 sein 100-jähriges Bestehen.

Das Gebäude, in dem sich heute das Kinozentrum befindet, wurde 1914-1915 am Manezhnaya-Platz nach dem Entwurf der Absolventen der Kaiserlichen Akademie der Künste, der Architekten K. S. Pokrovsky und B. Ya., erbaut. Botkin.

Ursprünglich war es als Sitz der Petrograder Woiwodschaftskreditgesellschaft konzipiert, die bis 1918 die oberen Stockwerke des Gebäudes bewohnte. Das Zwischengeschoss war der Demonstration der „lebendigen Fotografie“, wie Kinematographie damals genannt wurde, vorbehalten.

Im Jahr 1917 wurde das Kino „Splendid Palace“ („Brilliant Palace“) in dem Gebäude eröffnet, das seinen Namen wegen der Pracht seiner Dekoration erhielt.

Schostakowitsch der Zapfhahn und die ersten sowjetischen Premieren

Ein Jahr später fand im Kino die Premiere des ersten Sowjets statt Spielfilm„Verdichtung“, gedreht nach dem Drehbuch des Volkskommissars für Bildung Lunatscharski. Im Foyer ist dieser Premiere eine Gedenktafel aus Marmor gewidmet.

Als Zeichen der Solidarität mit der deutschen Arbeiterklasse erhielt das Kino seit 1924 den Namen „Rot-Front“ und führte diesen bis zum Ende des Großen Vaterländischen Krieges. Vaterländischer Krieg.

1930 wurde hier der erste sowjetische Tonfilm „Ein Start ins Leben“ uraufgeführt. Vor dieser Veranstaltung wurden die Visuals der Filme durch den Auftritt eines Tappers begleitet. Ein Konservatoriumsstudent, der junge D.D., arbeitete hier als Pianist. Schostakowitsch.

Von 1929 bis 1934 Im kleinen Saal des Kinos waren mehrere Theater tätig: „Curved Mirror“, „Theater of Small Forms“ sowie die Theatergruppe „Comedy“ unter der Leitung von Regisseur Ya.B.

Das erste Kinderkino des Landes

Im Jahr 1937 erhielt das Rot-Front-Kino durch Erlass des Präsidiums des Obersten Sowjets der UdSSR den Status des ersten Kinderkinos des Landes.

1942, während der Blockade, wurde im Kino ein Weihnachtsbaum für Kinder aus Waisenhäusern aufgestellt, Silvesterpartys. Und Ende 1945, nach dem Sieg im Großen Vaterländischen Krieg, erhielt das Kino einen neuen Namen – „Mutterland“.

Derzeit veranstaltet das Städtische Kinderfilmzentrum „Rodina“ Filmfestivals, auf denen originelle nichtkommerzielle Filme, Festivalfilme, Sachfilme und Animationsfilme gezeigt werden. Das Filmzentrum wurde mit der „Goldmedaille“ von Lenfilm und der St. Petersburg Federation of Film Press „Für langjährige Bildungsaktivitäten mit den Mitteln des Kinos“ ausgezeichnet und erhielt zahlreiche Danksagungen von Kinder-, öffentlichen und Wohltätigkeitsorganisationen.

Im Jahr 2009 wurde das Rodina Cinema Center durch Beschluss des Stadtrats in die „Liste der Immobilienobjekte auf dem Territorium von St. Petersburg aufgenommen, deren Zweck für die Einwohner von St. Petersburg wertvoll ist und für die empfohlen wird.“ Erhaltung."
Bei der Aufbereitung des Materials wurden Informationen des Rodina Film Centers genutzt.
Quelle -

Kindheit und Familie von Dmitri Schostakowitsch

Dmitri Schostakowitsch wurde 1906 in St. Petersburg geboren. Seine Eltern stammten aus Sibirien, wohin der Großvater väterlicherseits des zukünftigen Komponisten wegen seiner Teilnahme an der Volkswillenbewegung verbannt wurde.

Der Vater des Jungen, Dmitri Boleslawowitsch, war Chemieingenieur und leidenschaftlicher Musikliebhaber. Mutter Sofya Vasilievna, die einst am Konservatorium studierte, war eine gute Pianistin und Klavierlehrerin für Anfänger.

Neben Dmitry gab es noch zwei weitere Mädchen in der Familie. Ältere Schwester Mitya – Maria wurde später Pianistin und die jüngste Zoya wurde Tierärztin. Als Mitya 8 Jahre alt wurde, war der Erste Weltkrieg. Der Junge hörte den ständigen Gesprächen der Erwachsenen über den Krieg zu und schrieb sein erstes Musikstück: „Soldier“.

Im Jahr 1915 wurde Mitya zum Gymnasium geschickt. Im gleichen Zeitraum begann sich der Junge ernsthaft für Musik zu interessieren. Seine Mutter wurde seine erste Lehrerin und einige Monate später begann der kleine Schostakowitsch dort zu studieren Musikschule berühmter Lehrer I. A. Glyasser.

1919 trat Schostakowitsch in das Petrograder Konservatorium ein. Seine Klavierlehrer waren A. Rozanova und L. Nikolaev. Dmitry schloss das Konservatorium in zwei Klassen gleichzeitig ab: 1923 in Klavier und zwei Jahre später in Komposition.

Kreative Tätigkeit des Komponisten Dmitri Schostakowitsch

Erste bedeutende Arbeit Schostakowitschs Sinfonie Nr. 1 war die Abschlussarbeit eines Konservatoriumsabsolventen. 1926 wurde die Symphonie in Leningrad uraufgeführt. Musikkritiker Sie begannen über Schostakowitsch als einen Komponisten zu sprechen, der in der Lage sei, den Verlust der aus dem Land ausgewanderten Sergej Rachmaninow, Igor Strawinsky und Sergej Prokofjew durch die Sowjetunion auszugleichen.

Der berühmte Dirigent Bruno Walter war von der Symphonie begeistert und bat Schostakowitsch, ihm die Partitur des Werks nach Berlin zu schicken.

Am 22. November 1927 wurde die Symphonie in Berlin und ein Jahr später in Philadelphia uraufgeführt. Die ausländischen Erstaufführungen der Symphonie Nr. 1 machten den russischen Komponisten weltberühmt.

Inspiriert vom Erfolg schrieb Schostakowitsch die Zweite und Dritte Symphonie sowie die Opern „Die Nase“ und „Lady Macbeth“. Bezirk Mzensk"(basierend auf den Werken von N.V. Gogol und N. Leskov).

Schostakowitsch. Walzer

Kritiker nahmen Schostakowitschs Oper „Lady Macbeth von Mzensk“ geradezu mit Begeisterung auf, dem „Führer der Völker“ gefiel sie jedoch nicht. Natürlich kommt sofort ein scharf negativer Artikel heraus: „Verwirrung statt Musik.“ Wenige Tage später erscheint eine weitere Veröffentlichung – „Ballet Falsity“, in der Schostakowitschs Ballett „Der helle Strom“ vernichtender Kritik ausgesetzt ist.

Schostakowitsch wurde durch das Erscheinen der Fünften Symphonie vor weiteren Schwierigkeiten bewahrt, die Stalin selbst mit den Worten kommentierte: „Antwort Sowjetischer Künstler zu fairer Kritik.“

Leningrader Symphonie von Dmitri Schostakowitsch

Der Krieg von 1941 fand Schostakowitsch in Leningrad. Der Komponist begann mit der Arbeit an der Siebten Symphonie. Das Werk mit dem Namen „Leningrader Symphonie“ wurde am 5. März 1942 in Kuibyschew uraufgeführt, wohin der Komponist evakuiert wurde. Vier Tage später wurde die Symphonie im Säulensaal des Moskauer Gewerkschaftshauses aufgeführt.

Leningrader Symphonie von Dmitri Schostakowitsch

Am 9. August wurde die Symphonie im belagerten Leningrad aufgeführt. Dieses Werk des Komponisten wurde zum Symbol des Kampfes gegen den Faschismus und der Widerstandsfähigkeit der Leningrader.

Die Wolken ziehen wieder auf

Bis 1948 hatte der Komponist keine Probleme mit den Behörden. Darüber hinaus erhielt er mehrere Stalin-Preise und Ehrentitel.

Aber im Jahr 1948 wurde in der Resolution des Zentralkomitees der Allunionskommunistischen Partei der Bolschewiki, in der es um die Oper „Die große Freundschaft“ des Komponisten Wano Muradeli ging, die Musik von Prokofjew, Schostakowitsch und Chatschaturjan als „fremd“ anerkannt das sowjetische Volk.“

Schostakowitsch unterwirft sich dem Diktat der Partei und „erkennt seine Fehler“. In seinem Werk erscheinen Werke militärisch-patriotischer Natur und die „Reibung“ mit den Behörden hört auf.

Persönliches Leben von Dmitri Schostakowitsch

Nach den Erinnerungen von Personen, die dem Komponisten nahe standen, war Schostakowitsch im Umgang mit Frauen schüchtern und unsicher. Seine erste Liebe war ein zehnjähriges Mädchen, Natasha Kube, der die dreizehnjährige Mitya ein kurzes musikalisches Vorspiel widmete.

1923 lernte der aufstrebende Komponist seine Kollegin Tanja Gliwenko kennen. Ein siebzehnjähriger Junge verliebte sich unsterblich in ein schönes, gebildetes Mädchen. Die jungen Leute begannen eine romantische Beziehung. Trotz seiner leidenschaftlichen Liebe dachte Dmitry nicht daran, Tatjana einen Heiratsantrag zu machen. Am Ende heiratete Glivenko einen anderen Verehrer. Nur drei Jahre später lud Schostakowitsch Tanja ein, ihren Mann zu verlassen und ihn zu heiraten. Tatjana weigerte sich – sie erwartete ein Kind und bat Dmitry, sie für immer zu vergessen.

Als Schostakowitsch erkannte, dass er seine Geliebte nicht zurückgeben konnte, heiratete er Nina Varzar, eine junge Studentin. Nina schenkte ihrem Mann eine Tochter und einen Sohn. Sie lebten mehr als 20 Jahre lang verheiratet, bis zu Ninas Tod.

Nach dem Tod seiner Frau heiratete Schostakowitsch noch zweimal. Die Ehe mit Margarita Kayonova war von kurzer Dauer und die dritte Frau, Irina Supinskaya, kümmerte sich bis zu seinem Lebensende um den großen Komponisten.

Zur Muse des Komponisten wurde schließlich Tatjana Gliwenko, der er seine Erste Symphonie und sein Trio für Klavier, Violine und Cello widmete.

Die letzten Lebensjahre Schostakowitschs

In den 70er Jahren des 20. Jahrhunderts schrieb der Komponist Gesangszyklen nach Gedichten von Marina Tsvetaeva und Michelangelo, das 13., 14. und 15. Streichquartett sowie die Symphonie Nr. 15.

Der letzte Aufsatz Das Werk des Komponisten war eine Sonate für Bratsche und Klavier.

Am Ende seines Lebens litt Schostakowitsch an Lungenkrebs. 1975 wurde der Komponist durch eine Krankheit zu Grabe getragen.

Schostakowitsch wurde auf dem Nowodewitschi-Friedhof in Moskau beigesetzt.

Dmitri-Schostakowitsch-Preise

Schostakowitsch wurde nicht nur gescholten. Von Zeit zu Zeit erhielt er staatliche Auszeichnungen. Bis zu seinem Lebensende hatte der Komponist eine beträchtliche Anzahl von Orden, Medaillen und Ehrentiteln gesammelt. Er war ein Held der sozialistischen Arbeit, hatte drei Lenin-Orden sowie den Orden der Völkerfreundschaft. Oktoberrevolution und das Rote Banner der Arbeit, das Silberne Kreuz der Republik Österreich und den Französischen Orden der Künste und Literatur.

Dem Komponisten wurde der Titel Verdienter Künstler der RSFSR und der UdSSR verliehen. Volkskünstler DIE UDSSR. Schostakowitsch erhielt den Lenin- und fünf Stalin-Preise, Staatspreise der Ukrainischen SSR, der RSFSR und der UdSSR. Er war Preisträger des Internationalen Friedenspreises und des nach ihm benannten Preises. J. Sibelius.

Schostakowitsch war Ehrendoktor der Musik der Universitäten Oxford und Evanston Northwestern. Er war Mitglied der französischen und bayerischen Akademie der Schönen Wissenschaften sowie der englischen und schwedischen Königlichen Akademie Musikakademien, Akademie der Künste „Santa Cecilia“ in Italien usw. All diese internationalen Auszeichnungen und Titel sprechen von einem – dem weltweiten Ruhm des großen Komponisten des 20. Jahrhunderts.

Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch (12. (25.) September 1906, St. Petersburg – 9. August 1975, Moskau) – Russisch-sowjetischer Komponist, Pianist, Lehrer und Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, einer der bedeutendsten Komponisten des 20. Jahrhunderts, der es gab und gibt einen kreativen Einfluss auf Komponisten auszuüben. IN frühe Jahre Schostakowitsch wurde von der Musik Strawinskys, Bergs, Prokofjews, Hindemiths und später (Mitte der 1930er Jahre) Mahlers beeinflusst. Indem er sich ständig mit klassischen und avantgardistischen Traditionen beschäftigte, entwickelte Schostakowitsch seine eigene musikalische Sprache, die emotional aufgeladen ist und die Herzen von Musikern und Musikliebhabern auf der ganzen Welt berührt.

Im Frühjahr 1926 spielte das Leningrader Philharmonische Orchester unter der Leitung von Nikolai Malko zum ersten Mal Dmitri Schostakowitschs Erste Symphonie. In einem Brief an die Kiewer Pianistin L. Izarova schrieb N. Malko: „Ich bin gerade von einem Konzert zurückgekehrt. Dirigierte erstmals die Sinfonie des jungen Leningraders Mitja Schostakowitsch. Es kommt mir vor, als hätte ich mich geöffnet neue Seite in der Geschichte der russischen Musik“.

Die Aufnahme der Symphonie durch Publikum, Orchester und Presse kann nicht nur als Erfolg bezeichnet werden, sie war ein Triumph. Das Gleiche galt für ihren Umzug durch die berühmtesten Symphoniebühnen der Welt. Otto Klemperer, Arturo Toscanini, Bruno Walter, Hermann Abendroth, Leopold Stokowski beugten sich über die Partitur der Symphonie. Ihnen, den Dirigenten und Denkern, erschien der Zusammenhang zwischen dem Können und dem Alter des Autors unplausibel. Ich war beeindruckt von der völligen Freiheit, mit der der neunzehnjährige Komponist über alle Ressourcen des Orchesters verfügte, um seine Ideen zu verwirklichen, und die Ideen selbst waren von frühlingshafter Frische.

Schostakowitschs Symphonie war tatsächlich die erste Symphonie aus der neuen Welt, über die das Oktobergewitter hinwegfegte. Auffallend war der Kontrast zwischen der Musik voller Fröhlichkeit, dem überschwänglichen Aufblühen junger Kräfte, den subtilen, schüchternen Texten und der düsteren expressionistischen Kunst vieler ausländischer Zeitgenossen Schostakowitschs.

Unter Umgehung der üblichen Jugendphase trat Schostakowitsch selbstbewusst in die Reife ein. Diese hervorragende Schule gab ihm dieses Selbstvertrauen. Der gebürtige Leningrader wurde in den Mauern des Leningrader Konservatoriums in den Klassen des Pianisten L. Nikolaev und des Komponisten M. Steinberg ausgebildet. Leonid Wladimirowitsch Nikolajew, der als Komponist einen der fruchtbarsten Zweige der sowjetischen Pianistenschule begründete, war wiederum ein Schüler Tanejews ehemaliger Schüler Tschaikowsky. Maximilian Oseevich Steinberg ist ein Schüler Rimski-Korsakows und Anhänger seiner pädagogischen Prinzipien und Methoden. Von ihren Lehrern haben Nikolaev und Steinberg den völligen Hass auf den Amateurismus geerbt. In ihren Klassen herrschte ein Geist tiefen Respekts vor der Arbeit, vor dem, was Ravel gerne mit dem Wort Metier bezeichnete – Handwerk. Deshalb war die Kultur der Meisterschaft bereits im ersten großen Werk des jungen Komponisten so hoch.

Seitdem sind viele Jahre vergangen. Der Ersten Symphonie wurden vierzehn weitere hinzugefügt. Es erschienen fünfzehn Quartette, zwei Trios, zwei Opern, drei Ballette, zwei Klavier-, zwei Violin- und zwei Cellokonzerte, Liebeszyklen, Sammlungen von Klavierpräludien und -fugen, Kantaten, Oratorien, Musik für zahlreiche Filme und dramatische Aufführungen.

Die frühe Periode von Schostakowitschs Schaffen fällt mit dem Ende der zwanziger Jahre zusammen, einer Zeit hitziger Diskussionen über Kernfragen der sowjetischen Kunstkultur, in der sich die Grundlagen der Methode und des Stils der sowjetischen Kunst herauskristallisierten – Sozialistischer Realismus. Wie viele Vertreter der jungen und nicht nur der jüngeren Generation der sowjetischen künstlerischen Intelligenz würdigt Schostakowitsch seine Leidenschaft für die experimentellen Werke des Regisseurs V. E. Meyerhold, die Opern von Alban Berg (Wozzeck) und Ernst Kschenek (Jumping Over the Shadow). , Johnny) , Ballettaufführungen Fedora Lopukhov.

Aufmerksamkeit erregt auch die Kombination aus akuter Groteske und tiefer Tragik, die für viele Phänomene der aus dem Ausland stammenden expressionistischen Kunst typisch ist junger Komponist. Gleichzeitig lebt in ihm immer die Bewunderung für Bach, Beethoven, Tschaikowsky, Glinka und Berlioz. Einst machte ihm Mahlers grandioses symphonisches Epos Sorgen: die Tiefe der darin enthaltenen ethischen Probleme: der Künstler und die Gesellschaft, der Künstler und die Moderne. Doch keiner der Komponisten vergangener Epochen schockiert ihn so sehr wie Mussorgski.

Ganz am Anfang von Schostakowitschs Schaffenslaufbahn, in einer Zeit der Suche, Hobbys und Streitereien, entstand seine Oper „Die Nase“ (1928) – eines der umstrittensten Werke seiner Schaffensjugend. In dieser auf Gogols Handlung basierenden Oper waren durch die spürbaren Einflüsse von Meyerholds „Der Generalinspekteur“ musikalische Exzentrizitäten und helle Züge erkennbar, die „Die Nase“ an Mussorgskys Oper „Die Hochzeit“ erinnern. „Die Nase“ spielte eine bedeutende Rolle in Schostakowitschs kreativer Entwicklung.

Der Beginn der 30er Jahre ist in der Biografie des Komponisten durch eine Flut von Werken unterschiedlicher Genres gekennzeichnet. Hier sind die Ballette „Das Goldene Zeitalter“ und „Der Bolzen“, Musik für Meyerholds Inszenierung von Majakowskis Stück „Die Bettwanze“, Musik für mehrere Aufführungen des Leningrader Theaters der arbeitenden Jugend (TRAM) und schließlich Schostakowitschs erster Einstieg in die Kinematographie. die Erstellung von Musik für die Filme „Alone“, „Golden Mountains“, „Counter“; Musik für die Varieté- und Zirkusvorstellung der Leningrader Musikhalle „Conditionally Killed“; kreative Kommunikation mit verwandten Künsten: Ballett, Schauspiel, Kino; Die Entstehung des ersten Liebeszyklus (basierend auf Gedichten japanischer Dichter) zeugt vom Bedürfnis des Komponisten, die figurative Struktur der Musik zu konkretisieren.

Den zentralen Platz unter Schostakowitschs Werken der ersten Hälfte der 1930er Jahre nimmt die Oper „Lady Macbeth von Mzensk“ („Katerina Izmailova“) ein. Grundlage ihrer Dramaturgie ist das Werk von N. Leskov, dessen Genre die Autorin mit dem Wort „Essay“ bezeichnete, als ob sie damit die Authentizität, Verlässlichkeit der Ereignisse und die Porträtmalerei betonen würde Figuren. Die Musik von „Lady Macbeth“ ist eine tragische Geschichte über eine schreckliche Ära der Tyrannei und Gesetzlosigkeit, in der alles Menschliche in einem Menschen, seine Würde, Gedanken, Bestrebungen, Gefühle, getötet wurde; Als primitive Instinkte gefordert waren und die Handlungen und das Leben selbst beherrschten, gingen sie gefesselt über die endlosen Straßen Russlands. Auf einem von ihnen sah Schostakowitsch seine Heldin - ehemalige Kaufmannsfrau, eine Sträfling, die den vollen Preis für ihr kriminelles Glück bezahlte. Ich sah es und erzählte aufgeregt ihr Schicksal in meiner Oper.

Der Hass auf die alte Welt, die Welt der Gewalt, der Lüge und der Unmenschlichkeit, manifestiert sich in vielen Werken Schostakowitschs unterschiedlicher Genres. Sie ist die stärkste Antithese zu positiven Bildern, Ideen, die Schostakowitschs künstlerisches und gesellschaftliches Credo prägen. Glaube an die unwiderstehliche Kraft des Menschen, Bewunderung für Reichtum Seelenfrieden, Mitgefühl für sein Leiden, ein leidenschaftlicher Drang, sich am Kampf für seine strahlenden Ideale zu beteiligen – das sind die wichtigsten Merkmale dieses Credos. Besonders deutlich kommt es in seinen Schlüssel- und Meilensteinwerken zum Ausdruck. Darunter ist eine der bedeutendsten, die 1936 erschienene Fünfte Symphonie, die ihren Anfang nahm neue Bühne kreative Biografie Komponist, neues Kapitel Geschichten Sowjetische Kultur. In dieser Symphonie, die man als „optimistische Tragödie“ bezeichnen kann, nähert sich der Autor dem tiefen philosophischen Problem der Persönlichkeitsbildung seines Zeitgenossen.

Der Musik Schostakowitschs nach zu urteilen, war das Symphoniegenre für ihn schon immer eine Plattform, von der aus nur die wichtigsten und feurigsten Reden gehalten werden sollten, die auf die Erreichung höchster ethischer Ziele abzielten. Die Symphonieplattform wurde nicht zur Beredsamkeit errichtet. Dies ist ein Sprungbrett für militantes philosophisches Denken, das für die Ideale des Humanismus kämpft, das Böse und die Niedrigkeit anprangert, als ob es noch einmal die berühmte Goethean-Position bekräftigen würde:

Nur er ist des Glücks und der Freiheit würdig,
Wer kämpft jeden Tag für sie?
Bezeichnenderweise weicht keine einzige der fünfzehn Sinfonien Schostakowitschs von der Moderne ab. Das Erste wurde oben erwähnt, das Zweite ist eine symphonische Widmung an den Oktober, das Dritte ist der „Maifeiertag“. In ihnen greift der Komponist auf die Poesie von A. Bezymensky und S. Kirsanov zurück, um die Freude und Feierlichkeit der darin lodernden revolutionären Feierlichkeiten deutlicher zum Ausdruck zu bringen.

Doch schon ab der Vierten Symphonie aus dem Jahr 1936 dringt eine fremde, böse Macht in die Welt des freudigen Verständnisses von Leben, Güte und Freundlichkeit ein. Sie nimmt verschiedene Gestalten an. Irgendwo tritt sie grob auf den mit Frühlingsgrün bedeckten Boden, mit einem zynischen Grinsen befleckt sie Reinheit und Aufrichtigkeit, sie ist wütend, sie droht, sie lässt den Tod ahnen. Es steht in innerer Nähe zu den dunklen Themen, die das menschliche Glück bedrohen, auf den Seiten der Partituren von Tschaikowskys letzten drei Sinfonien.

Sowohl im fünften als auch im zweiten Satz von Schostakowitschs Sechster Symphonie macht sich diese gewaltige Kraft bemerkbar. Aber erst in der Siebten, der Leningrader Symphonie, erreicht sie ihre volle Höhe. Plötzlich dringt eine grausame und schreckliche Macht in die Welt der philosophischen Gedanken, reinen Träume, sportlichen Kraft und levitanischen poetischen Landschaften ein. Sie kam, um diese reine Welt hinwegzufegen und Dunkelheit, Blut und Tod zu schaffen. Einschmeichelnd erklingt aus der Ferne das kaum hörbare Rascheln einer kleinen Trommel, aus deren klarem Rhythmus sich ein hartes, kantiges Thema erschließt. Es wiederholt sich elfmal mit dumpfer Mechanik und gewinnt an Stärke, es nimmt heisere, knurrende, irgendwie struppige Töne an. Und nun betritt das Mensch-Tier in seiner ganzen erschreckenden Nacktheit die Erde.

Im Gegensatz zum „Thema der Invasion“ taucht in der Musik das „Thema des Mutes“ auf und wird immer stärker. Der Monolog des Fagotts ist extrem von der Bitterkeit des Verlustes durchdrungen und erinnert an Nekrasovs Zeilen: „Das sind die Tränen armer Mütter, sie werden ihre Kinder, die auf dem blutigen Feld starben, nicht vergessen.“ Aber so traurig die Verluste auch sein mögen, das Leben behauptet sich jede Minute. Diese Idee durchdringt das Scherzo – Teil II. Und von hier aus führt es durch Nachdenken (Teil III) zu einem triumphal klingenden Ende.

Der Komponist schrieb seine legendäre Leningrader Symphonie in einem Haus, das ständig von Explosionen erschüttert wurde. In einer seiner Reden sagte Schostakowitsch: „Ich blickte mit Schmerz und Stolz auf meine geliebte Stadt. Und er stand da, vom Feuer verbrannt, kampferprobt, das tiefe Leid eines Kämpfers erlebt und war in seiner strengen Erhabenheit noch schöner. Wie könnte ich diese von Petrus erbaute Stadt nicht lieben und nicht der ganzen Welt von ihrem Ruhm und dem Mut ihrer Verteidiger erzählen ... Meine Waffe war Musik.“

Der bürgerliche Komponist hasst das Böse und die Gewalt leidenschaftlich und prangert den Feind an, den Krieg, der Nationen in den Abgrund der Katastrophe sät. Deshalb fesselt das Thema Krieg die Gedanken des Komponisten seit langem. Es erklingt in der achten, grandiosen Skala, in der Tiefe tragischer Konflikte, komponiert 1943, in der zehnten und dreizehnten Symphonie, im Klaviertrio, geschrieben zum Gedenken an I. I. Sollertinsky. Dieses Thema dringt auch in das Achte Quartett ein, in die Musik zu den Filmen „Der Fall Berlins“, „Treffen an der Elbe“ und „Junge Garde“. In einem Artikel zum ersten Jahrestag des Sieges schrieb Schostakowitsch: „ Der Sieg verpflichtet nicht weniger als der Krieg, der im Namen des Sieges geführt wurde. Die Niederlage des Faschismus ist nur eine Etappe in der unaufhaltsamen Offensivbewegung der Menschheit, in der Verwirklichung der fortschrittlichen Mission des sowjetischen Volkes.“

Die Neunte Symphonie, Schostakowitschs erstes Nachkriegswerk. Die Uraufführung erfolgte im Herbst 1945; diese Symphonie blieb jedoch teilweise hinter den Erwartungen zurück. Es gibt darin keine monumentale Feierlichkeit, die die Bilder des siegreichen Kriegsendes in Musik verkörpern könnte. Aber da ist noch etwas anderes drin: unmittelbare Freude, Witze, Lachen, als wäre einem eine riesige Last von den Schultern gefallen, und zum ersten Mal seit so vielen Jahren war es möglich, das Licht ohne Vorhänge, ohne Verdunkelung und … anzumachen Alle Fenster der Häuser leuchteten vor Freude. Und erst im vorletzten Teil taucht eine harte Erinnerung an das Erlebte auf. Doch für kurze Zeit herrscht Dunkelheit – die Musik kehrt wieder in die Welt des Lichts und Spaßes zurück.

Acht Jahre liegen zwischen der Zehnten und der Neunten Symphonie. Einen solchen Bruch hat es in der symphonischen Chronik Schostakowitschs noch nie gegeben. Und wieder haben wir ein Werk voller tragischer Zusammenstöße und tiefer ideologischer Probleme vor uns, das mit seinen pathetischen Erzählungen über eine Zeit großer Umbrüche, eine Zeit großer Hoffnungen für die Menschheit fesselt.

Die Elfte und Zwölfte nehmen in der Liste der Sinfonien Schostakowitschs einen besonderen Platz ein.

Bevor man sich der Elften Symphonie aus dem Jahr 1957 zuwendet, muss man sich die Zehn Gedichte für gemischten Chor (1951) in Erinnerung rufen, die auf den Worten von Revolutionär basieren Dichter des 19. Jahrhunderts- Anfang des 20. Jahrhunderts. Die Gedichte revolutionärer Dichter: L. Radin, A. Gmyrev, A. Kots, V. Tan-Bogoraz inspirierten Schostakowitsch zu Musik, deren jeder Takt von ihm komponiert wurde und die gleichzeitig den Liedern des Revolutionärs ähnelte Untergrund-Studentenversammlungen, die in den Kerkern Butyrok, in Shushenskoye und in Lynjumo auf Capri zu Liedern gehört wurden, die auch im Haus der Eltern des Komponisten Familientradition waren. Sein Großvater, Boleslaw Boleslawowitsch Schostakowitsch, wurde wegen seiner Teilnahme am polnischen Aufstand von 1863 ins Exil geschickt. Sein Sohn Dmitri Boleslawowitsch, der Vater des Komponisten, Studentenjahre und nach seinem Abschluss an der Universität St. Petersburg war er eng mit der Familie Lukaschewitsch verbunden, deren Mitglieder zusammen mit Alexander Iljitsch Uljanow ein Attentat auf Alexander III. vorbereiteten. Lukaschewitsch verbrachte 18 Jahre in der Festung Schlisselburg.

Einer der eindrucksvollsten Eindrücke aus Schostakowitschs gesamtem Leben stammt vom 3. April 1917, dem Tag der Ankunft W. I. Lenins in Petrograd. So spricht der Komponist darüber. „Ich war Zeuge der Ereignisse der Oktoberrevolution und gehörte zu denen, die Wladimir Iljitsch am Tag seiner Ankunft in Petrograd auf dem Platz vor dem Finnischandski-Bahnhof zuhörten. Und obwohl ich damals noch sehr jung war, hat es sich für immer in meiner Erinnerung eingeprägt.“

Das Thema der Revolution ging dem Komponisten bereits in seiner Kindheit in Fleisch und Blut über und reifte in ihm mit zunehmendem Bewusstsein zu einer seiner Grundlagen. Dieses Thema kristallisierte sich in der Elften Symphonie (1957) mit dem Titel „1905“ heraus. Jeder Teil hat seinen eigenen Namen. Daraus kann man sich die Idee und Dramaturgie des Werkes gut vorstellen: „Palastplatz“, „9. Januar“, „Ewige Erinnerung“, „Alarm“. Die Symphonie ist durchdrungen von den Intonationen von Liedern des revolutionären Untergrunds: „Hör zu“, „Gefangener“, „Du bist ein Opfer gefallen“, „Wut, Tyrannen“, „Warschawjanka“. Sie verleihen der reichen musikalischen Erzählung eine besondere Spannung und Authentizität eines historischen Dokuments.

Die Zwölfte Symphonie (1961) – ein Werk von epischer Kraft – ist dem Andenken an Wladimir Iljitsch Lenin gewidmet und setzt die instrumentale Geschichte der Revolution fort. Wie in der Elften geben die Programmnamen der Teile eine völlig klare Vorstellung von ihrem Inhalt: „Revolutionäres Petrograd“, „Razliv“, „Aurora“, „Dawn of Humanity“.

Schostakowitschs Dreizehnte Symphonie (1962) steht dem Genre des Oratoriums nahe. Es wurde für eine ungewöhnliche Komposition geschrieben: Symphonieorchester, Basschor und Basssolist. Textliche Grundlage der fünf Teile der Symphonie sind die Verse von Evg. Jewtuschenko: „Babi Jar“, „Humor“, „Im Laden“, „Ängste“ und „Karriere“. Die Idee der Symphonie, ihr Pathos ist die Anprangerung des Bösen im Namen des Kampfes um die Wahrheit, für den Menschen. Und diese Symphonie offenbart den aktiven, offensiven Humanismus, der Schostakowitsch innewohnt.

Nach einer siebenjährigen Pause entstand 1969 die Vierzehnte Symphonie, geschrieben für ein Kammerorchester: Streicher, eine kleine Anzahl Schlagzeug und zwei Stimmen – Sopran und Bass. Die Sinfonie enthält Gedichte von Garcia Lorca, Guillaume Apollinaire, M. Rilke und Wilhelm Kuchelbecker. Die Sinfonie ist Benjamin Britten gewidmet und wurde laut ihrem Autor unter dem Einfluss von M. P. Mussorgskys „Lieder und Tänze des Todes“ geschrieben. In dem großartigen Artikel „Aus den Tiefen der Tiefen“, der der Vierzehnten Symphonie gewidmet ist, schrieb Marietta Shaginyan: „... Schostakowitschs Vierzehnte Symphonie, der Höhepunkt seines Schaffens. Die vierzehnte Symphonie – ich möchte sie die ersten „Menschlichen Leidenschaften“ der neuen Ära nennen – spricht überzeugend davon, wie sehr unsere Zeit sowohl eine tiefgreifende Interpretation moralischer Widersprüche als auch ein tragisches Verständnis spiritueller Prüfungen („Leidenschaften“) braucht. , durch die die Menschheit geht.“

D. Schostakowitschs fünfzehnte Symphonie wurde im Sommer 1971 komponiert. Nach einer längeren Pause kehrt der Komponist für die Sinfonie zu einer rein instrumentalen Partitur zurück. Die helle Farbgebung des „Spielzeugscherzo“ des ersten Satzes wird mit Bildern aus der Kindheit assoziiert. Das Thema aus Rossinis „Wilhelm Tell“-Ouvertüre „fügt“ organisch in die Musik ein. Die traurige Musik zu Beginn des zweiten Teils im düsteren Klang einer Blaskapelle lässt Gedanken an den Verlust, an die erste schreckliche Trauer aufkommen. Die Musik von Teil II ist voller unheilvoller Fantasie und erinnert in gewisser Weise an die Märchenwelt des Nussknackers. Zu Beginn von Teil IV greift Schostakowitsch erneut auf Zitate zurück. Diesmal ist es das Schicksalsthema von Walküre, das den tragischen Höhepunkt der weiteren Entwicklung vorgibt.

Fünfzehn Sinfonien von Schostakowitsch sind fünfzehn Kapitel der epischen Chronik unserer Zeit. Schostakowitsch reiht sich in die Reihe derjenigen ein, die aktiv und direkt die Welt verändern. Seine Waffe ist Musik, die zur Philosophie geworden ist, Philosophie, die zur Musik geworden ist.

Schostakowitschs schöpferischer Anspruch umfasst alles bestehende Genres Musik – vom Massenlied aus „The Counter“ bis zum monumentalen Oratorium „Lied der Wälder“, Opern, Sinfonien, Instrumentalkonzerte. Ein bedeutender Teil seines Schaffens ist der Kammermusik gewidmet, wobei eines seiner Werke, „24 Präludien und Fugen“ für Klavier, eine besondere Stellung einnimmt. Nach Johann Sebastian Bach trauten sich nur wenige Menschen, einen polyphonen Zyklus dieser Art und Größenordnung anzufassen. Dabei geht es nicht um das Vorhandensein oder Fehlen geeigneter Technologie, einer besonderen Art von Fähigkeit. Schostakowitschs „24 Präludien und Fugen“ sind nicht nur eine Sammlung polyphoner Weisheiten des 20. Jahrhunderts, sie sind auch der deutlichste Indikator für die Stärke und Spannung des Denkens und dringen in die Tiefen der komplexesten Phänomene vor. Diese Art des Denkens ähnelt der intellektuellen Kraft von Kurchatov, Landau, Fermi, und daher überraschen Schostakowitschs Präludien und Fugen nicht nur durch den hohen Akademismus, mit dem sie die Geheimnisse von Bachs Polyphonie enthüllen, sondern vor allem durch das philosophische Denken, das wirklich in die eindringt „Tiefen der Tiefen“ seines Zeitgenossen, die treibenden Kräfte, Widersprüche und Pathos der Ära großer Transformationen.

Nah an Sinfonien guter Platz Schostakowitschs Schaffensbiografie umfasst seine fünfzehn Quartette. In diesem hinsichtlich der Anzahl der Interpreten bescheidenen Ensemble wendet sich der Komponist einem thematischen Kreis zu, der dem ähnelt, von dem er in seinen Sinfonien spricht. Es ist kein Zufall, dass einige Quartette fast gleichzeitig mit Sinfonien erscheinen und ihre ursprünglichen „Begleiter“ sind.

In den Symphonien wendet sich der Komponist an Millionen und setzt in diesem Sinne die Linie der Beethovenschen Symphonie fort, während sich die Quartette an einen engeren, kammermusikalischen Kreis richten. Mit ihm teilt er, was erregt, erfreut, deprimiert, wovon er träumt.

Keines der Quartette trägt einen besonderen Titel, um seinen Inhalt besser zu verstehen. Nichts als eine Seriennummer. Und doch ist ihre Bedeutung jedem klar, der Kammermusik liebt und zu hören weiß. Das erste Quartett ist im gleichen Alter wie die Fünfte Symphonie. In seiner heiteren, dem Neoklassizismus nahestehenden Struktur mit einer nachdenklichen Sarabande des ersten Satzes, einem Haydnschen funkelnden Finale, einem flatternden Walzer und einem gefühlvollen russischen Bratschenchor, langgezogen und klar, kann man die Heilung von den schweren Gedanken spüren, die ihn überwältigten Held der Fünften Symphonie.

Wir erinnern uns, wie wichtig die Lyrik in Gedichten, Liedern und Briefen während der Kriegsjahre war und wie sie sich vervielfachte mentale Stärke die lyrische Wärme einiger gefühlvoller Sätze. Der Walzer und die Romantik des 1944 geschriebenen Zweiten Quartetts sind davon durchdrungen.

Wie unterschiedlich sind die Bilder des Dritten Quartetts voneinander. Es enthält die Sorglosigkeit der Jugend und schmerzhafte Visionen der „Mächte des Bösen“, das Spannungsfeld des Widerstands und Texte neben philosophischer Reflexion. Fünftes Quartett (1952), vor der Zehnten Symphonie, und in einem anderen in einem größeren Ausmaß Das achte Quartett (1960) ist voller tragischer Visionen – Erinnerungen an die Kriegsjahre. In der Musik dieser Quartette, wie auch in der Siebten und Zehnten Symphonie, stehen sich die Kräfte des Lichts und die Kräfte der Dunkelheit scharf gegenüber. An Titelblatt Das achte Quartett lautet: „Im Gedenken an die Opfer von Faschismus und Krieg.“ Dieses Quartett wurde drei Tage lang in Dresden geschrieben, wo Schostakowitsch an der Musik für den Film Fünf Tage, fünf Nächte arbeitete.

Zusammen mit den Quartetten, die „ Große Welt„Mit seinen Konflikten, Ereignissen und Lebenskollisionen hat Schostakowitsch Quartette, die wie Seiten eines Tagebuchs klingen. Im Ersten sind sie fröhlich; im Vierten sprechen sie von Selbstbezogenheit, Kontemplation, Frieden; im Sechsten werden Bilder der Einheit mit der Natur und tiefer Ruhe offenbart; in der Siebten und Elften, die dem Andenken an geliebte Menschen gewidmet sind, erreicht die Musik vor allem in den tragischen Höhepunkten geradezu verbale Ausdruckskraft.

Im Vierzehnten Quartett die Charaktereigenschaften Russische Melos. In Teil I Musikalische Bilder Sie bestechen durch ihre romantische Art, ein breites Spektrum an Gefühlen auszudrücken: von tief empfundener Bewunderung für die Schönheit der Natur bis hin zu Ausbrüchen geistiger Unruhe und der Rückkehr in die Ruhe und Stille der Landschaft. Das Adagio des Vierzehnten Quartetts erinnert an den russischen Geist des Bratschenchors im Ersten Quartett. In III – dem letzten Teil – wird die Musik von Tanzrhythmen umrissen, die mehr oder weniger klar klingen. Bei der Beurteilung von Schostakowitschs Vierzehntem Quartett spricht D. B. Kabalevsky vom „Beethoven-Anfang“ seiner hohen Vollkommenheit.

Das fünfzehnte Quartett wurde im Herbst 1974 uraufgeführt. Seine Struktur ist ungewöhnlich; es besteht aus sechs Teilen, die ohne Unterbrechung aufeinander folgen. Alle Sätze haben ein langsames Tempo: Elegie, Serenade, Intermezzo, Nocturne, Trauermarsch und Epilog. Das fünfzehnte Quartett verblüfft durch die Tiefe des philosophischen Denkens, die für Schostakowitsch in vielen Werken dieser Gattung so charakteristisch ist.

Schostakowitschs Quartettwerk stellt einen der Höhepunkte der Gattungsentwicklung in der Zeit nach Beethoven dar. Genau wie in Symphonien gibt es eine Welt voller hoher Ideen, Gedanken, Philosophische Verallgemeinerungen. Aber im Gegensatz zu Sinfonien haben Quartette diesen vertrauensvollen Tonfall, der beim Publikum sofort eine emotionale Reaktion hervorruft. Diese Eigenschaft der Quartette von Schostakowitsch macht sie den Quartetten von Tschaikowsky ähnlich.

Neben den Quartetten nimmt das Klavierquintett aus dem Jahr 1940 zu Recht einen der höchsten Plätze im Kammermusikgenre ein, ein Werk, das tiefen Intellektualismus, der sich besonders im Präludium und in der Fuge zeigt, mit subtiler Emotionalität verbindet und irgendwo an Levitans Werk erinnert Landschaften.

Zur Kammer Vokalmusik Der Komponist wendet sich zunehmend zu Nachkriegsjahre. Es erscheinen sechs Romanzen, die auf den Worten von W. Raleigh, R. Burns und W. Shakespeare basieren. Gesangszyklus „Aus jüdischer Volksdichtung“; Zwei Romanzen zu Gedichten von M. Lermontov, vier Monologe zu Gedichten von A. Puschkin, Lieder und Romanzen zu Gedichten von M. Svetlov, E. Dolmatovsky, der Zyklus „Spanische Lieder“, fünf Satiren zu den Worten von Sasha Cherny, fünf Humoresken zu Worten aus der Zeitschrift „Crocodile“, Suite nach Gedichten von M. Tsvetaeva.

Eine solche Fülle an Vokalmusik, die auf Texten von Klassikern der Poesie und sowjetischen Dichtern basiert, zeugt vom breiten Spektrum der literarischen Interessen des Komponisten. In Schostakowitschs Vokalmusik beeindruckt nicht nur das subtile Gespür des Dichters für Stil und Handschrift, sondern auch die Fähigkeit, die nationalen Besonderheiten der Musik wiederzugeben. Besonders deutlich wird dies in den „Spanischen Liedern“, im Zyklus „Aus jüdischer Volkspoesie“, in Romanzen nach Gedichten englischer Dichter. Die Traditionen russischer Liebestexte, die von Tschaikowsky und Tanejew stammen, sind in den Fünf Romanzen „Fünf Tage“ zu hören, die auf den Gedichten von E. Dolmatovsky basieren: „Der Tag der Begegnung“, „Der Tag der Geständnisse“, „Der Tag der Ressentiments“, „Der Tag der Freude“, „Der Tag der Erinnerungen“ .

Einen besonderen Platz nehmen „Satires“ nach den Worten von Sasha Cherny und „Humoresques“ aus „Crocodile“ ein. Sie spiegeln Schostakowitschs Liebe zu Mussorgski wider. Es entstand in frühe Jahre und erschien zuerst in seinem Zyklus „Krylovs Fabeln“, dann in der Oper „Die Nase“, dann in „Katerina Ismailowa“ (insbesondere im vierten Akt der Oper). Dreimal wendet sich Schostakowitsch direkt an Mussorgski, orchestriert und bearbeitet „Boris Godunow“ und „Khowanschtschina“ neu und orchestriert zum ersten Mal „Lieder und Tänze des Todes“. Und wieder spiegelt sich die Bewunderung für Mussorgsky im Gedicht für Solist, Chor und Orchester wider – „Die Hinrichtung von Stepan Rasin“ zu den Versen von Evg. Jewtuschenko.

Wie stark und tief muss die Verbundenheit mit Mussorgski sein, wenn Schostakowitsch, der eine so strahlende Individualität besitzt, die man an zwei, drei Sätzen unverkennbar erkennen kann, so bescheiden, mit so viel Liebe den Stil nicht nachahmt, nein, sondern übernimmt und interpretiert auf seine eigene Weise einen großartigen realistischen Musiker zu schreiben.

Robert Schumann bewunderte einst das Genie Chopins, der gerade erst am europäischen Musikhorizont aufgetaucht war, und schrieb: „Wenn Mozart am Leben wäre, hätte er ein Chopin-Konzert geschrieben.“ Um Schumann zu paraphrasieren, können wir sagen: Wenn Mussorgski gelebt hätte, hätte er „Die Hinrichtung von Stepan Rasin“ von Schostakowitsch geschrieben. Dmitri Schostakowitsch - herausragender Meister Theatermusik. Nahe bei ihm verschiedene Genres: Oper, Ballett, Musikkomödie, Varietés (Music Hall), Schauspieltheater. Dazu gehört auch Musik für Filme. Nennen wir nur einige Werke dieser Genres aus mehr als dreißig Filmen: „Die goldenen Berge“, „The Counter“, „The Maxim Trilogy“, „The Young Guard“, „Treffen an der Elbe“, „The Fall of Berlin“. “, „The Gadfly“, „Fünf“ Tage – fünf Nächte“, „Hamlet“, „König Lear“. Von der Musik bis dramatische Darbietungen: „The Bedbug“ von V. Mayakovsky, „The Shot“ von A. Bezymensky, „Hamlet“ und „King Lear“ von V. Shakespeare, „Salute, Spain“ von A. Afinogenov, „The Human Comedy“ von O. Balzac.

So unterschiedlich Schostakowitschs Werke in Film und Theater in Genre und Umfang auch sein mögen, eines verbindet sie: Musik schafft sozusagen ihre eigene „sinfonische Reihe“ der Verkörperung von Ideen und Charakteren und beeinflusst die Atmosphäre des Films oder Leistung.

Das Schicksal der Ballette war unglücklich. Hier liegt die Schuld ausschließlich beim minderwertigen Drehbuch. Aber die mit lebendigen Bildern und Humor ausgestattete Musik, die im Orchester brillant klingt, ist in Form von Suiten erhalten geblieben und nimmt einen herausragenden Platz im Repertoire ein Sinfoniekonzerte. Mit großem Erfolg auf vielen Bühnen des sowjetischen Musicals Theater laufen Ballett „Die junge Dame und der Hooligan“ zur Musik von D. Schostakowitsch nach dem Libretto von A. Belinsky, dem das Drehbuch von V. Mayakovsky zugrunde lag.

Dmitri Schostakowitsch leistete einen großen Beitrag zur Gattung des Instrumentalkonzerts. Das erste, das geschrieben wurde, war ein Klavierkonzert in c-Moll mit Solotrompete (1933). Mit seiner Jugendlichkeit, seinem Schalk und seiner jugendlich-charmanten Kantigkeit erinnert das Konzert an die Erste Symphonie. Vierzehn Jahre später erscheint ein Violinkonzert von tiefem Nachdenken, großartigem Umfang und virtuoser Brillanz; 1957 folgte das Zweite Klavierkonzert, das er seinem Sohn Maxim widmete und für Kinderaufführungen konzipierte. Die Liste der Konzertliteratur aus der Feder Schostakowitschs wird durch die Cellokonzerte (1959, 1967) und das Zweite Violinkonzert (1967) vervollständigt. Diese Konzerte sind am allerwenigsten auf den „Rausch technischer Brillanz“ ausgelegt. In puncto Gedankentiefe und intensiver Dramatik stehen sie den Symphonien gleich.

Die in diesem Aufsatz aufgeführte Werkliste umfasst nur die typischsten Werke der Hauptgattungen. Dutzende Titel in verschiedenen Bereichen der Kreativität blieben außerhalb der Liste.

Sein Weg zum Weltruhm ist der Weg eines von ihnen größten Musiker des 20. Jahrhunderts und setzte mutig neue Meilensteine ​​in der Welt Musikkultur. Sein Weg zum Weltruhm, der Weg eines jener Menschen, für die es bedeutet, für seine Zeit mitten im Geschehen eines jeden zu leben, tief in die Bedeutung des Geschehens einzutauchen, in Streitigkeiten eine faire Position einzunehmen, Meinungsverschiedenheiten, im Kampf und mit der ganzen Kraft seiner gigantischen Gaben für alles zu antworten, was in einem großen Wort ausgedrückt wird – dem Leben.

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Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch(12. September, St. Petersburg – 9. August, Moskau) – Russischer und sowjetischer Komponist, Pianist, Musiker und Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, Doktor der Kunstgeschichte, Lehrer, Professor. 1957-1974 - Vorstandssekretär des Komponistenverbandes der UdSSR, 1960-1968 - Vorstandsvorsitzender des Komponistenverbandes der RSFSR.

In Jekaterinburg stieg Pjotr ​​Schostakowitsch zum Kollegiatsassessor auf; 1858 zog die Familie nach Kasan. Hier kam Boleslaw Petrowitsch schon in seiner Gymnasialzeit den Anführern von „Land und Freiheit“ nahe. Nach seinem Abschluss am Gymnasium ging er Ende 1862 nach Moskau und folgte den Kasaner „Landern“ Yu. M. Mosolov; arbeitete in der Leitung der Nischni Nowgorod-Eisenbahn und beteiligte sich aktiv an der Organisation der Flucht des Revolutionärs Jaroslaw Dombrowski aus dem Gefängnis. 1865 kehrte Boleslaw Schostakowitsch nach Kasan zurück, wurde jedoch bereits 1866 verhaftet, nach Moskau transportiert und im Fall N. A. Ishutin - D. V. Karakozov vor Gericht gestellt. Nach vier Monaten in der Peter-und-Paul-Festung wurde er zur Verbannung nach Sibirien verurteilt; lebte 1872-1877 in Tomsk - in Narym, wo am 11. Oktober 1875 sein Sohn namens Dmitry geboren wurde, dann war er in Irkutsk Leiter der örtlichen Filiale der Sibirischen Handelsbank. Im Jahr 1892 erhielt Boleslaw Schostakowitsch, damals bereits Ehrenbürger von Irkutsk, das Recht, überall zu leben, entschied sich jedoch dafür, in Sibirien zu bleiben.

Das Grab von Schostakowitschs Mutter auf der Literatorskie Mostki in St. Petersburg.

Dmitri Boleslawowitsch Schostakowitsch (1875-1922) ging Mitte der 90er Jahre nach St. Petersburg und trat in die naturwissenschaftliche Abteilung der Fakultät für Physik und Mathematik der Universität St. Petersburg ein, woraufhin er 1900 von der Kammer für Gewichte und Maße, kurz zuvor von D.I. Mendeleev erstellt. 1902 wurde er zum Oberprüfer der Kammer und 1906 zum Leiter des Städtischen Prüfzeltes ernannt. Die Teilnahme an der revolutionären Bewegung in der Familie Schostakowitsch war bereits zu Beginn des 20. Jahrhunderts zur Tradition geworden, und Dmitri bildete keine Ausnahme: Nach Familienaussagen nahm er am 9. Januar 1905 an einer Prozession zum Winterpalast teil. und spätere Proklamationen wurden in seiner Wohnung gedruckt.

Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitschs Großvater mütterlicherseits, Wassili Kokoulin (1850-1911), wurde wie Dmitri Boleslawowitsch in Sibirien geboren; Nach seinem Abschluss an der Stadtschule in Kirensk zog er Ende der 1860er Jahre nach Bodaibo, wo in diesen Jahren viele vom „Goldrausch“ angezogen wurden, und wurde 1889 Leiter eines Minenbüros. Die offizielle Presse bemerkte, dass er „Zeit gefunden habe, sich mit den Bedürfnissen der Angestellten und Arbeiter auseinanderzusetzen und ihre Bedürfnisse zu befriedigen“: Er führte Versicherungen und medizinische Versorgung für die Arbeiter ein, etablierte den Handel mit billigeren Waren für sie und baute warme Kasernen. Seine Frau, Alexandra Petrovna Kokoulina, eröffnete eine Schule für Arbeiterkinder; Es gibt keine Informationen über ihre Ausbildung, aber es ist bekannt, dass sie in Bodaibo ein in Sibirien weithin bekanntes Amateurorchester organisierte.

Die Liebe zur Musik wurde von ihrer Mutter auf die jüngste Tochter der Kokoulins, Sofja Wassiljewna (1878–1955), geerbt: Sie studierte Klavier unter der Anleitung ihrer Mutter und am Irkutsker Institut für edle Jungfrauen und folgte nach ihrem Abschluss ihrem älteren Bruder Yakov ging sie in die Hauptstadt und wurde am St. Petersburger Konservatorium aufgenommen, wo sie zunächst bei S. A. Malozemova und dann bei A. A. Rozanova studierte. Jakow Kokoulin studierte an der naturwissenschaftlichen Fakultät der Fakultät für Physik und Mathematik der Universität St. Petersburg, wo er seinen Landsmann Dmitri Schostakowitsch kennenlernte; Ihre Liebe zur Musik brachte sie zusammen. Jakow stellte Dmitri Boleslawowitsch seiner Schwester Sophia als hervorragenden Sänger vor, und ihre Hochzeit fand im Februar 1903 statt. Im Oktober desselben Jahres bekam das junge Paar eine Tochter, Maria, im September 1906 einen Sohn namens Dmitry und drei Jahre später eine jüngste Tochter, Zoya.

Kindheit und Jugend

Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch wurde im Haus Nr. 2 in der Podolskaja-Straße geboren, wo D. I. Mendelejew 1906 den ersten Stock für das Stadtkalibrierungszelt mietete.

Im Jahr 1915 trat Schostakowitsch in das Maria-Schidlowskaja-Handelsgymnasium ein, und seine ersten ernsthaften musikalischen Eindrücke gehen auf diese Zeit zurück: Nach dem Besuch einer Aufführung von N. A. Rimsky-Korsakows Oper „Das Märchen vom Zaren Saltan“ äußerte der junge Schostakowitsch seinen Wunsch, sich mit der Musik zu beschäftigen ernsthaft. Den ersten Klavierunterricht erhielt er von seiner Mutter, und nach mehreren Monaten Unterricht konnte Schostakowitsch ein Studium an der privaten Musikschule des damals berühmten Klavierlehrers I. A. Glyasser beginnen.

Während seines Studiums bei Glasser erzielte Schostakowitsch einige Erfolge im Klavierspiel, teilte jedoch nicht das Interesse seines Schülers an der Komposition und verließ 1918 seine Schule. Nächsten Sommer junger Musiker hörte A.K. Glasunow zu, der anerkennend über sein Talent als Komponist sprach. Im Herbst 1919 trat Schostakowitsch in das Petrograder Konservatorium ein, wo er Harmonielehre und Orchestrierung unter der Leitung von M. O. Steinberg, Kontrapunkt und Fuge bei N. A. Sokolov sowie Dirigieren studierte. Ende 1919 schrieb Schostakowitsch sein erstes Hauptwerk Orchesterkomposition - Scherzo fis-moll.

Im folgenden Jahr trat Schostakowitsch in die Klavierklasse von L. V. Nikolaev ein, wo zu seinen Klassenkameraden Maria Judina und Wladimir Sofronizki gehörten. In dieser Zeit entstand der „Anna-Vogt-Kreis“, der sich an den neuesten Trends der westlichen Musik jener Zeit orientierte. Schostakowitsch wurde auch ein aktiver Teilnehmer in diesem Kreis; er traf die Komponisten B. V. Asafiev und V. V. Shcherbachev, den Dirigenten N. A. Malko. Schostakowitsch schrieb „Zwei Fabeln von Krylov“ für Mezzosopran und Klavier und „Drei fantastische Tänze“ für Klavier.

Am Konservatorium studierte er fleißig und mit besonderem Eifer, trotz der Schwierigkeiten dieser Zeit: Erster Weltkrieg, Revolution, Bürgerkrieg, Verwüstung, Hungersnot. Im Winter gab es im Wintergarten keine Heizung, die Verkehrsanbindung war schlecht und viele gaben die Musik auf und schwänzten den Unterricht. Schostakowitsch „nagte am Granit der Wissenschaft“. Fast jeden Abend war er bei den Konzerten der Petrograder Philharmonie zu sehen, die 1921 wiedereröffnet wurde.

Ein hartes Leben mit einer halb verhungerten Existenz (konservative Rationen waren sehr gering) führte zu schwerer Erschöpfung. 1922 starb Schostakowitschs Vater und die Familie war ohne Existenzgrundlage. Einige Monate später unterzog sich Schostakowitsch einer schweren Operation, die ihn fast das Leben kostete. Trotz seines angeschlagenen Gesundheitszustandes sucht er Arbeit und bekommt einen Job als Pianist-Pianist in einem Kino. Große Hilfe und Unterstützung leistete in diesen Jahren Glasunow, dem es gelang, Schostakowitsch zusätzliche Rationen und ein persönliches Stipendium zu verschaffen. .

1920er Jahre

Schostakowitsch im Jahr 1925

1923 schloss Schostakowitsch sein Studium am Konservatorium in Klavier (bei L. V. Nikolaev) und 1925 in Komposition (bei M. O. Steinberg) ab. Sein Abschlusswerk war die Erste Symphonie. Die Uraufführung fand am 12. Mai 1926 statt (Schostakowitsch feierte diesen Tag später als seinen Geburtstag). Während seines Studiums am Konservatorium unterrichtete er das Lesen von Partituren an der nach M. P. Mussorgsky benannten Musikhochschule. In einer Tradition, die auf Rubinstein, Rachmaninow und Prokofjew zurückgeht, wollte Schostakowitsch sowohl eine Karriere als Konzertpianist als auch als Komponist verfolgen. 1927 beim Ersten Internationalen Chopin-Klavierwettbewerb in Warschau, wo Schostakowitsch die Sonate auch aufführte eigene Komposition, erhielt er ein Ehrendiplom. Das außergewöhnliche Talent des Musikers wurde schon früher, während seiner Tournee in der UdSSR, vom berühmten deutschen Dirigenten Bruno Walter bemerkt; Nachdem er die Erste Symphonie gehört hatte, bat Walter Schostakowitsch, ihm die Partitur nach Berlin zu schicken; Die Auslandspremiere der Sinfonie fand am 22. November 1927 in Berlin statt. Nach Bruno Walter wurde die Symphonie in Deutschland von Otto Klemperer, in den USA von Leopold Stokowski (amerikanische Erstaufführung am 2. November 1928 in Philadelphia) und Arturo Toscanini aufgeführt und machte den russischen Komponisten dadurch berühmt.

Im Jahr 1927 ereigneten sich zwei weitere bedeutende Ereignisse im Leben Schostakowitschs. Ich habe Leningrad im Januar besucht Österreichischer Komponist Neue Wiener Schule Alban Berg. Bergs Ankunft war auf die russische Erstaufführung seiner Oper zurückzuführen „Wozzeck“, was ein riesiges Ereignis war Kulturleben Land und inspirierte Schostakowitsch auch dazu, mit dem Schreiben einer Oper zu beginnen "Nase", basierend auf der Geschichte von N.V. Gogol. Zu anderen wichtige Veranstaltung war die Bekanntschaft Schostakowitschs mit I. I. Sollertinsky, der Schostakowitsch während seiner langjährigen Freundschaft mit dem Komponisten durch die Bekanntschaft mit den Werken großer Komponisten der Vergangenheit und Gegenwart bereicherte.

Zur gleichen Zeit, in den späten 1920er und frühen 1930er Jahren, entstanden die nächsten beiden Sinfonien Schostakowitschs – beide unter Mitwirkung eines Chores: Die Zweite ( „Symphonische Widmung an den Oktober“, zu den Worten von A. I. Bezymensky) und Drittens ( „Pervomayskaya“, zu den Worten von S. I. Kirsanov).

1928 lernte Schostakowitsch V. E. Meyerhold in Leningrad kennen und arbeitete auf seine Einladung hin einige Zeit als Pianist und Leiter der Musikabteilung des V. E. Meyerhold-Theaters in Moskau. Von 1930 bis 1933 arbeitete er als Leiter der Musikabteilung des Leningrader TRAM (heute Baltisches Haustheater).

1930er Jahre

Im selben Jahr 1936 sollte die Uraufführung der Vierten Symphonie stattfinden – ein Werk von weitaus monumentalerem Umfang als alle früheren Sinfonien Schostakowitschs, das tragisches Pathos mit grotesken, lyrischen und intimen Episoden verbindet und vielleicht auch hätte haben sollen begann eine neue, reife Periode im Schaffen des Komponisten. Schostakowitsch unterbrach die Proben für die Symphonie vor der Premiere im Dezember. Die vierte Symphonie wurde erst 1961 uraufgeführt.

Im Mai 1937 vollendete Schostakowitsch die Fünfte Symphonie – ein Werk, dessen dramatischer Charakter im Gegensatz zu den drei vorangegangenen „Avantgarde“-Symphonien äußerlich in der allgemein anerkannten symphonischen Form (4 Sätze: mit einer Sonatenform des ersten Satzes) „versteckt“ ist , ein Scherzo, ein Adagio und ein Finale mit scheinbar triumphalem Schluss) und andere „klassische“ Elemente. Stalin kommentierte die Uraufführung der Fünften Symphonie auf den Seiten der Prawda mit den Worten: „Die sachliche kreative Antwort des sowjetischen Künstlers auf faire Kritik.“

Seit 1937 unterrichtete Schostakowitsch eine Kompositionsklasse am Leningrader Konservatorium. 1939 wurde er Professor.

1940er Jahre

	Schostakowitschs Botschaft zum Schreiben der Siebten Symphonie
	Leningrad, Rundfunksendung 1941
Hilfe bei der Wiedergabe

Externe Bilder
	Ein Mitglied der freiwilligen Feuerwehr des Lehrpersonals des Konservatoriums D. D. Schostakowitsch im Dienst (nicht definiert) (nicht verfügbarer Link). Abgerufen am 26. Mai 2013. Archiviert am 17. August 2013.

Um seine innersten Ideen, Gedanken und Gefühle auszudrücken, nutzte Schostakowitsch die Genres der Kammermusik. In diesem Bereich schuf er Meisterwerke wie das Klavierquintett (1940), das Zweite Klaviertrio (in Erinnerung an I. Sollertinsky, 1944; Stalin-Preis, 1946), Streichquartette Nr. 2 (1944), Nr. 3 (1946). ) und Nr. 4 (1949). 1945, nach Kriegsende, schrieb Schostakowitsch die Neunte Symphonie.

Trotz der Vorwürfe besuchte Schostakowitsch 1949 als Teil der Delegation der Weltfriedenskonferenz, die in New York stattfand, die Vereinigten Staaten und hielt auf dieser Konferenz einen ausführlichen Bericht. 1950 erhielt er den Stalin-Preis für die Kantate „ „Lied der Wälder“ (geschrieben 1949) ist ein Beispiel für den erbärmlichen „großen Stil“ der offiziellen Kunst jener Zeit. [ ]

1950er Jahre

Die fünfziger Jahre begannen sehr wichtige Arbeit. Als er im Herbst 1950 als Jurymitglied am Bach-Wettbewerb in Leipzig teilnahm, war der Komponist von der Atmosphäre der Stadt und der Musik ihres großen Bewohners – J. S. Bach – so inspiriert, dass er nach seiner Ankunft in Moskau mit dem Komponieren begann 24 Präludien und Fugen für Klavier.

1952 schrieb er einen Stückzyklus „Dancing Dolls“ für Klavier ohne Orchester.

Viele Werke der zweiten Hälfte des Jahrzehnts sind von Optimismus geprägt. Dies sind das Sechste Streichquartett (), das Zweite Konzert für Klavier und Orchester () und die Operette „Moskau, Cheryomushki“. Im selben Jahr schuf der Komponist die Elfte Symphonie, nannte sie „1905“ und arbeitete weiterhin im Instrumentalkonzertgenre (Erstes Konzert für Cello und Orchester). In denselben Jahren begann Schostakowitschs Annäherung an die offiziellen Behörden. 1957 wurde er Sekretär des Untersuchungsausschusses der UdSSR, 1960 des Untersuchungsausschusses der RSFSR (1960-1968 erster Sekretär). Ebenfalls 1960 trat Schostakowitsch der KPdSU bei.

1960er Jahre

Ebenfalls 1962 besuchte Schostakowitsch (zusammen mit G. N. Rozhdestvensky, M. L. Rostropovich, D. F. Oistrach, G. P. Vishnevskaya und anderen sowjetischen Musikern) das Edinburgh Festival, dessen Programm hauptsächlich aus seinen Kompositionen bestand. Aufführungen von Schostakowitschs Musik in Großbritannien lösten große öffentliche Empörung aus.

Nach der Entmachtung N. S. Chruschtschows und mit Beginn der Ära der politischen Stagnation in der UdSSR nahm Schostakowitschs Musik erneut einen düsteren Ton an. Seine Quartette Nr. 11 () und Nr. 12 (), Konzerte mit zweitem Cello () und zweiter Violine (), Violinsonate (), Gesangszyklus nach den Worten von A. A. Blok, sind von Angst, Schmerz und unausweichlicher Melancholie durchdrungen. In der Vierzehnten Symphonie () – erneut „Gesang“, diesmal jedoch kammermusikalisch, für zwei Solosänger und ein Orchester, das nur aus Streichern und Schlagzeug besteht – verwendete Schostakowitsch Gedichte von G. Apollinaire, R. M. Rilke, V. K. Kuchelbecker und F. García Lorca. die durch ein Thema verbunden sind – den Tod (sie sprechen von ungerechtem, frühem oder gewaltsamem Tod).

1970er Jahre

In diesen Jahren schuf der Komponist Gesangszyklen nach Gedichten von M. I. Tsvetaeva und Michelangelo, das 13. (1969-1970), 14. () und 15. () Streichquartett sowie die Symphonie Nr. 15, ein Werk, das von nachdenklicher Stimmung und Nostalgie geprägt ist , Erinnerungen. Darin griff Schostakowitsch auf Zitate von zurück Berühmte Werke Vergangenheit (Collage-Technik). Der Komponist verwendete unter anderem die Musik von G. Rossinis Ouvertüre zur Oper „Wilhelm Tell“ und das Schicksalsthema aus R. Wagners Operntetralogie „Der Ring des Nibelungen“ sowie musikalische Anspielungen auf die Musik von M. I. Glinka, G. Mahler und schließlich seine eigene, zuvor geschriebene Musik. Die Sinfonie entstand im Sommer 1971, die Uraufführung fand am 8. Januar 1972 statt. Schostakowitschs letzte Komposition war die Sonate für Bratsche und Klavier.

In den letzten Jahren seines Lebens war der Komponist schwer krank und litt an Lungenkrebs. Er litt an einer sehr komplexen Krankheit, die mit einer Schädigung der Beinmuskulatur einherging – amyotrophe Lateralsklerose. 1970-1971 Er kam dreimal in die Stadt Kurgan und verbrachte hier insgesamt 169 Tage zur Behandlung im Labor (am Swerdlowsker Forschungsinstitut für Traumatologie und Orthopädie) von Dr. G. A. Ilizarov.

Dmitri Schostakowitsch starb am 9. August 1975 in Moskau und wurde auf dem Nowodewitschi-Friedhof (Grotte Nr. 2) beigesetzt.

Die Familie

1. Ehefrau - Schostakowitsch Nina Wassiljewna (geb. Varzar) (1909-1954). Sie war von Beruf Astrophysikerin und studierte bei dem berühmten Physiker Abram Ioffe. Sie gab ihre wissenschaftliche Karriere auf und widmete sich ganz ihrer Familie.

Tochter - Galina Dmitrievna Schostakowitsch.

2. Frau - Margarita Kaynova, Mitarbeiterin des Komsomol-Zentralkomitees. Die Ehe zerbrach schnell.

3. Frau - Supinskaya (Schostakowitsch) Irina Antonowna (geboren am 30. November 1934 in Leningrad). Die Tochter eines unterdrückten Wissenschaftlers. Herausgeber des Verlages Sowjetischer Komponist" Sie war von 1962 bis 1975 Schostakowitschs Frau.

Die Bedeutung von Kreativität

Ein hohes Maß an Kompositionstechnik, die Fähigkeit, helle und ausdrucksstarke Melodien und Themen zu schaffen, die meisterhafte Beherrschung der Polyphonie und die feinste Beherrschung der Orchestrierungskunst, gepaart mit persönlicher Emotionalität und kolossaler Effizienz, machten seine musikalischen Werke hell, originell und enorm besitzend künstlerischer Wert. Schostakowitschs Beitrag zur Entwicklung der Musik des 20. Jahrhunderts gilt allgemein als herausragend; er hatte großen Einfluss auf viele seiner Zeitgenossen und Anhänger.

Die Genre- und ästhetische Vielfalt von Schostakowitschs Musik ist enorm; sie vereint Elemente der tonalen, atonalen und modalen Musik und ist im Werk des Komponisten miteinander verflochten.

Stil

Einflüsse

In seinen frühen Jahren wurde Schostakowitsch von der Musik von G. Mahler, A. Berg, I. F. Strawinsky, S. S. Prokofjew, P. Hindemith und M. P. Mussorgsky beeinflusst. Indem er sich ständig mit klassischen und avantgardistischen Traditionen beschäftigte, entwickelte Schostakowitsch seine eigene musikalische Sprache, die emotional aufgeladen ist und die Herzen von Musikern und Musikliebhabern auf der ganzen Welt berührt.

Im Werk von D. D. Schostakowitsch ist der Einfluss seiner Lieblings- und verehrten Komponisten spürbar: J. S. Bach (in seinen Fugen und Passacaglia), L. Beethoven (in seinen späten Quartetten), P. I. Tschaikowsky, G. Mahler und teilweise S. V. Rachmaninow (in seinen Sinfonien), A. Berg (teilweise zusammen mit M. P. Mussorgsky in seinen Opern, sowie in der Verwendung musikalischer Zitate). Von den russischen Komponisten hatte Schostakowitsch die größte Liebe zu Mussorgski; Schostakowitsch schuf neue Orchestrierungen für seine Opern „Boris Godunow“ und „Khowanschtschina“. Der Einfluss Mussorgskis ist besonders in bestimmten Szenen der Oper spürbar. Lady Macbeth von Mzensk“, in der Elften Symphonie sowie in satirischen Werken.

Genres

Die bemerkenswertesten Genres in Schostakowitschs Werk sind Symphonien und Streichquartette – er schrieb jeweils 15 Werke. Während während der gesamten Karriere des Komponisten Symphonien entstanden, schrieb Schostakowitsch die meisten Quartette gegen Ende seines Lebens. Zu den beliebtesten Symphonien zählen die Fünfte und Zehnte und unter den Quartetten die Achte und Fünfzehnte.

Besonderheiten der Musiksprache

Das bekannteste Merkmal von Schostakowitschs Musiksprache ist die Harmonie. Obwohl immer auf einer Dur-Moll-Tonalität basierend, verwendete der Komponist zeitlebens konsequent spezielle Tonleitern (Modalismen), die der erweiterten Tonalität in der Umsetzung des Autors eine spezifische Charakteristik verliehen. Russische Forscher (A.N. Dolzhansky, Yu.N. Kholopov und andere) beschrieben diese Tonhöhencharakteristik allgemein als „Schostakowitsch-Modi“.

D. Schostakowitsch – Klassiker der Musik des 20. Jahrhunderts. Keiner seiner großen Meister war so eng mit den schwierigen Schicksalen seines Heimatlandes verbunden, noch war er in der Lage, die schreienden Widersprüche seiner Zeit mit solcher Kraft und Leidenschaft auszudrücken oder sie mit einem strengen moralischen Urteil zu bewerten. In dieser Komplizenschaft des Komponisten mit dem Leid und Unglück seines Volkes liegt die Hauptbedeutung seines Beitrags zur Musikgeschichte im Jahrhundert der Weltkriege und grandiosen gesellschaftlichen Umwälzungen, die die Menschheit noch nie zuvor erlebt hatte.

Schostakowitsch ist von Natur aus ein Künstler mit universellem Talent. Es gibt kein einziges Genre, in dem er nicht sein gewichtiges Wort gesagt hätte. Er kam auch in engen Kontakt mit jener Art von Musik, die von seriösen Musikern teilweise arrogant behandelt wurde. Er ist Autor einer Reihe von Liedern, die von der breiten Masse aufgegriffen wurden, und bis heute seine brillanten Adaptionen von Pop- und Jazzmusik, die er während der Stilbildung in den 20er und 30er Jahren besonders liebte , werden bewundert. Aber das Hauptanwendungsgebiet der schöpferischen Kräfte war für ihn die Symphonie. Nicht, weil ihm andere Genres der E-Musik völlig fremd waren – er verfügte über das unübertroffene Talent eines wahrhaft theatralischen Komponisten, und die Arbeit im Kino sicherte ihm die wichtigste Lebensgrundlage. Doch die grobe und unfaire Kritik, die er 1936 in einem Leitartikel der Prawda mit dem Titel „Verwirrung statt Musik“ äußerte, hielt ihn lange Zeit davon ab, sich mit der Operngattung zu beschäftigen – die Versuche (die Oper „Spieler“ von N. Gogol) blieb unvollendet und die Pläne erreichten nicht das Stadium der Umsetzung.

Vielleicht spiegelten sich hier gerade die Persönlichkeitsmerkmale Schostakowitschs wider – von Natur aus neigte er nicht zu offenen Formen des Protestausdrucks, er gab aufgrund seiner besonderen Intelligenz, Feinfühligkeit und Wehrlosigkeit gegenüber grober Tyrannei leicht hartnäckigen Nichtigkeiten nach. Dies war jedoch nur im Leben der Fall – in seiner Kunst blieb er seinen schöpferischen Prinzipien treu und bekräftigte sie in dem Genre, in dem er sich völlig frei fühlte. Daher wurde die konzeptionelle Symphonie, in der er offen und kompromisslos die Wahrheit über seine Zeit sagen konnte, zum Zentrum von Schostakowitschs Suche. Er weigerte sich jedoch nicht, an künstlerischen Unternehmungen teilzunehmen, die unter dem Druck der strengen Anforderungen des kommando-administrativen Systems an die Kunst entstanden waren, wie etwa M. Chiaurelis Film „Der Fall Berlins“, in dem das uneingeschränkte Lob der Größe und Die Weisheit des „Vaters der Nationen“ ging bis zum Äußersten. Aber die Teilnahme an solchen Filmdenkmälern oder anderen, manchmal sogar talentierten Werken, die die historische Wahrheit verzerrten und einen der politischen Führung gefälligen Mythos schufen, schützte den Künstler nicht vor den brutalen Repressalien des Jahres 1948. Der führende Ideologe des stalinistischen Regimes , A. Schdanow, wiederholte die groben Angriffe eines alten Artikels der Zeitung Prawda und warf dem Komponisten zusammen mit anderen Meistern der sowjetischen Musik dieser Zeit vor, am antinationalen Formalismus festzuhalten.

Später, während des „Tauwetters“ Chruschtschows, wurden diese Vorwürfe fallen gelassen und die herausragenden Werke des Komponisten, deren öffentliche Aufführung verboten worden war, gelangten zum Hörer. Aber das dramatische persönliche Schicksal des Komponisten, der eine Zeit ungerechtfertigter Verfolgung überlebte, hinterließ einen unauslöschlichen Eindruck in seiner Persönlichkeit und bestimmte die Richtung seiner schöpferischen Suche, an die er sich richtete moralische Probleme menschliche Existenz auf der Erde. Das war und ist das Hauptmerkmal Schostakowitschs unter den Musikschaffenden des 20. Jahrhunderts.

Sein Lebensweg war nicht ereignisreich. Nach seinem Abschluss am Leningrader Konservatorium mit einem brillanten Debüt – der großartigen Ersten Symphonie – begann er das Leben eines professionellen Komponisten, zunächst in der Stadt an der Newa, dann während des Großen Vaterländischen Krieges in Moskau. Seine Tätigkeit als Lehrer am Konservatorium war relativ kurz – er verließ es nicht aus freien Stücken. Doch bis heute bewahren seine Schüler die Erinnerung an den großen Meister, der maßgeblich zur Bildung ihrer schöpferischen Individualität beigetragen hat. Bereits in der Ersten Symphonie (1925) sind zwei Eigenschaften der Musik Schostakowitschs deutlich spürbar. Einer davon beeinflusste die Entstehung eines neuen Instrumentalstils mit seiner inhärenten Leichtigkeit, der Leichtigkeit des Wettbewerbs zwischen Konzertinstrumenten. Ein anderer manifestierte sich in dem anhaltenden Wunsch, der Musik die höchste Bedeutung zu geben, sie durch Mittel zu offenbaren symphonisches Genre tiefes Konzept der philosophischen Bedeutung.

Viele der Werke des Komponisten, die auf einen solch brillanten Anfang folgten, spiegelten die turbulente Atmosphäre der Zeit wider, in der ein neuer Stil Diese Ära wurde im Kampf widersprüchlicher Haltungen geschmiedet. So würdigte Schostakowitsch in der Zweiten und Dritten Symphonie („Oktober“ – 1927, „Maifeiertag“ – 1929) deutlich den Einfluss der kriegerischen Propagandakunst der 20er Jahre. (Es ist kein Zufall, dass der Komponist Chorfragmente nach Gedichten der jungen Dichter A. Bezymensky und S. Kirsanov aufgenommen hat.) Gleichzeitig zeigten sie auch eine helle Theatralik, die in den Inszenierungen von E. Vakhtangov und Vs. so fesselnd war. Meyerhold. Es waren ihre Darbietungen, die den Stil von Schostakowitschs erster Oper „Die Nase“ (1928) beeinflussten, die auf der berühmten Erzählung von Gogol basiert. Von hier aus entsteht nicht nur scharfe Satire und Parodie, die in der Darstellung einzelner Charaktere und der leichtgläubigen Menge, die schnell in Panik gerät und sich schnell verurteilen lässt, den Punkt der Groteske erreicht, sondern auch die ergreifende Intonation von „Lachen durch Tränen“, die hilft uns, eine Person selbst in solch einer Vulgarität und offensichtlich eine Nichtigkeit zu erkennen, wie Gogols Major Kovalev.

Schostakowitschs Stil nahm nicht nur Einflüsse auf, die aus der Erfahrung der Weltmusikkultur stammten (hier waren M. Mussorgsky, P. Tschaikowsky und G. Mahler die wichtigsten für den Komponisten), sondern auch die Klänge des damaligen Musiklebens – das öffentlich zugängliche Kultur des Genres „Light“, die das Bewusstsein der Massen kontrollierte. Die Haltung des Komponisten dazu ist ambivalent – ​​er übertreibt manchmal, parodiert die charakteristischen Wendungen modischer Lieder und Tänze, veredelt sie aber gleichzeitig und erhebt sie auf die Höhe echter Kunst. Diese Haltung spiegelte sich besonders deutlich in den frühen Balletten „Das Goldene Zeitalter“ (1930) und „Bolt“ (1931) im Ersten wider Klavierkonzert(1933), wo die Solotrompete zusammen mit dem Orchester zu einem würdigen Rivalen des Klaviers wird, und später im Scherzo und Finale der Sechsten Symphonie (1939). Brillante Virtuosität und kühne Exzentrizität vereinen sich in diesem Werk mit gefühlvollen Texten und der erstaunlichen Natürlichkeit der Entfaltung der „endlosen“ Melodie im ersten Teil der Symphonie.

Und schließlich kann man nicht umhin, die andere Seite der kreativen Tätigkeit des jungen Komponisten zu erwähnen – er arbeitete viel und beharrlich im Kino, zunächst als Illustrator für die Vorführung von Stummfilmen, dann als einer der Schöpfer des sowjetischen Tonkinos. Sein Lied aus dem Film „Oncoming“ (1932) erlangte landesweite Popularität. Gleichzeitig wirkte sich der Einfluss der „jungen Muse“ auch auf Stil, Sprache, Kompositionsprinzipien seine konzertanten und philharmonischen Werke.

Der Wunsch, die schärfsten Konflikte der modernen Welt mit ihren enormen Umwälzungen und heftigen Auseinandersetzungen gegensätzlicher Kräfte zu verkörpern, spiegelte sich insbesondere in den Hauptwerken des Meisters der 30er Jahre wider. Ein wichtiger Schritt Auf diesem Weg entstand die Oper „Katerina Izmailova“ (1932), die auf der Handlung der Geschichte „Lady Macbeth von Mzensk“ von N. Leskov basiert. Das Bild der Hauptfigur offenbart einen komplexen inneren Kampf in der Seele einer ganzheitlichen und von der Natur reich begabten Natur – unter dem Joch von „ bleierne Abscheulichkeiten Leben“, begeht sie unter der Macht blinder, unvernünftiger Leidenschaft schwere Verbrechen, denen grausame Vergeltung folgt.

Seinen größten Erfolg erzielte der Komponist jedoch mit der Fünften Symphonie (1937) – der bedeutendsten und grundlegendsten Errungenschaft in der Entwicklung der sowjetischen Symphonie in den 30er Jahren. (Eine Hinwendung zu einer neuen Stilqualität wurde in der zuvor geschriebenen, aber damals nicht gehörten Vierten Symphonie von 1936 skizziert.) Die Stärke der Fünften Symphonie liegt darin, dass die Erfahrungen ihres lyrischen Helden in engstem Zusammenhang mit dem Leben der Menschen und im weiteren Sinne der gesamten Menschheit am Vorabend des größten Schocks, den die Völker der Sinfonie je erlebt haben, offenbart werden Welt - der Zweite Weltkrieg. Dies bestimmte die betonte Dramatik der Musik, ihren inhärenten gesteigerten Ausdruck – der lyrische Held wird in dieser Symphonie nicht zum passiven Betrachter, er beurteilt das Geschehen und das Kommende mit höchster moralischer Instanz. Gleichgültigkeit gegenüber dem Schicksal der Welt wurde zum Ausdruck gebracht Zivilstellung der Künstler, die humanistische Ausrichtung seiner Musik. Es ist auch in einer Reihe anderer Werke zu spüren, die zur Gattung der Kammermusik gehören. instrumentelle Kreativität, unter denen das Klavierquintett (1940) hervorsticht.

Während des Großen Vaterländischen Krieges gehörte Schostakowitsch zu den ersten Künstlern, die gegen den Faschismus kämpften. Seine Siebte („Leningrader“) Symphonie (1941) wurde weltweit als lebendige Stimme eines kämpfenden Volkes wahrgenommen, das im Namen des Existenzrechts und zur Verteidigung der höchsten menschlichen Werte in einen Kampf auf Leben und Tod zog . In diesem Werk, wie auch in der später (1943) entstandenen Achten Symphonie, kam der Gegensatz der beiden gegensätzlichen Lager direkt und unmittelbar zum Ausdruck. Noch nie wurden in der Musikkunst die Mächte des Bösen so deutlich dargestellt, noch nie wurde die langweilige Mechanik der geschäftig arbeitenden faschistischen „Zerstörungsmaschine“ mit solcher Wut und Leidenschaft entlarvt. Aber die spirituelle Schönheit und der Reichtum der inneren Welt eines Menschen, der unter den Nöten seiner Zeit leidet, werden in den „militärischen“ Symphonien des Komponisten ebenso deutlich dargestellt (wie auch in einer Reihe seiner anderen Werke, beispielsweise im Klaviertrio in). Erinnerung an I. Sollertinsky - 1944).

In den Nachkriegsjahren entwickelte sich Schostakowitschs schöpferische Tätigkeit mit neuer Kraft. Nach wie vor wurde die Hauptlinie seiner künstlerischen Suche in monumentalen symphonischen Gemälden dargestellt. Nach der etwas leichteren Neunten (1945), einer Art Intermezzo, allerdings nicht ohne deutliche Anklänge an den gerade beendeten Krieg, schuf der Komponist die inspirierte Zehnte Symphonie (1953), die das tragische Schicksal des Künstlers thematisierte. das hohe Maß seiner Verantwortung in der modernen Welt. Das Neue war jedoch größtenteils das Ergebnis der Bemühungen früherer Generationen – weshalb der Komponist von den Ereignissen eines Wendepunkts in der russischen Geschichte so angezogen wurde. Die Revolution von 1905, die durch den Blutsonntag am 9. Januar gekennzeichnet war, erwacht im monumentalen Programm der Elften Symphonie (1957) zum Leben, und die Errungenschaften der siegreichen Symphonie von 1917 inspirierten Schostakowitsch zur Schaffung der Zwölften Symphonie (1961).

Reflexionen über den Sinn der Geschichte, über die Bedeutung der Taten ihrer Helden spiegelten sich auch in der einteiligen vokalsinfonischen Dichtung „Die Hinrichtung von Stepan Rasin“ (1964) wider, die auf einem Fragment von E. Jewtuschenko basiert Gedicht „Wasserkraftwerk Bratsk“. Aber die Ereignisse unserer Zeit, verursacht durch drastische Veränderungen im Leben der Menschen und in ihrer Weltanschauung, angekündigt durch den 20. Parteitag der KPdSU, ließen den großen Meister der sowjetischen Musik nicht gleichgültig – ihr lebendiger Atem ist im Dreizehnten spürbar Symphonie (1962), ebenfalls nach den Worten von E. Jewtuschenko geschrieben. In der Vierzehnten Symphonie wandte sich der Komponist den Gedichten von Dichtern verschiedener Zeiten und Völker zu (F. G. Lorca, G. Apollinaire, V. Kuchelbecker, R. M. Rilke) – das Thema der Vergänglichkeit des menschlichen Lebens und der Ewigkeit reizte ihn Schöpfungen wahrer Kunst, vor denen sogar der allmächtige Tod. Das gleiche Thema bildete die Grundlage für die Gestaltung eines vokal-symphonischen Zyklus basierend auf Gedichten des großen italienischen Künstlers Michelangelo Buonarroti (1974). Und schließlich werden in der letzten Fünfzehnten Symphonie (1971) die Bilder der Kindheit wieder lebendig, neu erschaffen vor den Augen eines weisen Schöpfers, der ein wahrhaft unermessliches Maß menschlichen Leids erlebt hat.

Bei aller Bedeutung der Symphonie in Kreativität der Nachkriegszeit Schostakowitsch erschöpft nicht alle bedeutenden Dinge, die der Komponist in den letzten dreißig Jahren seines Lebens und Schaffens geschaffen hat. Besonderes Augenmerk legte er auf die Genres Konzert- und Kammerinstrumentalmusik. Er schuf zwei Violinkonzerte (und 1967), zwei Cellokonzerte (1959 und 1966) und ein zweites Klavierkonzert (1957). Die besten Werke dieser Gattung verkörpern tiefgreifende Konzepte von philosophischer Bedeutung, die mit denen vergleichbar sind, die in seinen Sinfonien mit so beeindruckender Kraft zum Ausdruck kommen. Die Heftigkeit der Kollision zwischen dem Spirituellen und dem Unspirituellen, den höchsten Impulsen menschlichen Genies und dem aggressiven Ansturm der Vulgarität und bewussten Primitivität ist im Zweiten Cellokonzert spürbar, wo eine einfache „Straßen“-Melodie bis zur Unkenntlichkeit verwandelt wird und ihr Eigenes offenbart unmenschliches Wesen.

Doch sowohl in Konzerten als auch in der Kammermusik zeigt sich Schostakowitschs virtuoses kompositorisches Können und eröffnet Raum für einen freien Wettbewerb zwischen Musikkünstlern. Hier war das Hauptgenre, das die Aufmerksamkeit des Meisters auf sich zog, das traditionelle Streichquartett (der Komponist schrieb so viele davon wie Symphonien – 15). Schostakowitschs Quartette verblüffen durch ihre Vielfalt an Lösungen, von mehrsätzigen Zyklen (Elfter – 1966) bis hin zu einsätzigen Kompositionen (Dreizehnter – 1970). In einigen seiner Kammermusikwerke (im Achten Quartett – 1960, in der Sonate für Bratsche und Klavier – 1975) greift der Komponist auf die Musik seiner früheren Werke zurück und verleiht ihr einen neuen Klang.

Zu den Werken anderer Genres zählen der monumentale Zyklus der Präludien und Fugen für Klavier (1951), der von Bachs Feierlichkeiten in Leipzig inspiriert wurde, und das Oratorium „Lied der Wälder“ (1949), das zum ersten Mal in der sowjetischen Musik entstand Das Thema der Verantwortung des Menschen für die Erhaltung der ihn umgebenden Natur wurde angesprochen. Sie können auch Zehn Gedichte für A-cappella-Chor (1951), den Gesangszyklus „Aus jüdischer Volkspoesie“ (1948) und Zyklen nach Gedichten der Dichter Sasha Cherny („Satires“ – 1960) und Marina Tsvetaeva (1973) nennen.

Auch in den Nachkriegsjahren wurde die Arbeit im Kino fortgesetzt – Schostakowitschs Musik für die Filme „The Gadfly“ (nach dem Roman von E. Voynich – 1955) sowie für die Verfilmungen von W. Shakespeares Tragödien „Hamlet“ ( 1964) und „König Lear“ (1971) wurden weithin bekannt.

Schostakowitsch hatte maßgeblichen Einfluss auf die Entwicklung der sowjetischen Musik. Dies spiegelte sich nicht so sehr im direkten Einfluss des Stils des Meisters und seiner charakteristischen künstlerischen Mittel wider, sondern im Wunsch nach einem hohen Gehalt der Musik, ihrer Verbindung mit den grundlegenden Problemen des menschlichen Lebens auf der Erde. Humanistisch in seinem Wesen, wahrhaft künstlerisch in der Form, erlangte Schostakowitschs Werk weltweite Anerkennung und wurde zum klaren Ausdruck des Neuen, das die Musik des Landes der Sowjets der Welt schenkte.