Geboren am 3. August 1928 in der Stadt Spassk-Dalniy im Primorsky-Territorium in einer Schriftstellerfamilie. Die Mutter des Künstlers ist die Schriftstellerin Claudia Vladimirovna Fillipova, während der Vater von Vitaly Volovich durch seinen Stiefvater ersetzt wurde. Mein eigener Vater Vitaly Mikhailovich hat es noch nie gesehen.

Als V.M. Volovich wurde 4 Jahre alt, er und seine Mutter zogen nach Swerdlowsk (heute Jekaterinburg), wo Vitaly Mikhailovich aufwuchs. In Swerdlowsk heiratete die Mutter des Künstlers den Schriftsteller Konstantin Wassiljewitsch Bogoljubow, den Stiefvater von V. M. Wolowitsch.

Seit seiner Kindheit wurde ihm die Liebe und das Interesse für Literatur und Geschichte vermittelt, aber er hatte schon immer eine Leidenschaft für das Zeichnen. Seine Eltern ermutigten den Jungen stets und unterstützten ihn in seinem Wunsch, Künstler zu werden. Daher musste sich Vitaly Mikhailovich lange Zeit nicht für seinen Beruf entscheiden.

Im Jahr 1948 wurde V.M. Wolowitsch absolvierte die Kunstschule Swerdlowsk und begann anschließend mit dem Buchverlag Sredneuralsk und der Zeitschrift Ural Pathfinder zu arbeiten, wo Vitaly Wolowitsch an Umschlägen und Illustrationen für Bücher arbeitete. Seine erste Arbeit im Verlag waren Illustrationen für die Geschichte „Suworowez“.

Nach Angaben des Künstlers war dieser erste Auftrag „die erste Schande in seinem Leben“, da seine Zeichnungen lange Zeit nicht angenommen wurden, er viele Male wiederholt werden musste, und am Ende wurden die Werke nur angenommen, weil die Veröffentlichung bereits erfolgte getippt wurden, und nicht, weil ihnen die Werke beim Verlag gefielen.

Nach Abschluss der Aufgabe versprach sich Vitaly Mikhailovich, nicht mehr mit Verlagen zusammenzuarbeiten, doch ein Jahr später überlegte er seine Entscheidung noch einmal. Vitaly Volovich begann für Zeitschriften, Reiseführer und Nachschlagewerke zu zeichnen.

Nach dem College konnte Vitaly Mikhailovich das Institut nicht betreten – seine Mutter erkrankte an Tuberkulose, an der sie im Alter von 48 Jahren starb.

Vitaly Volovich nahm Buchillustrationen nicht ernst – er bevorzugte Staffeleigrafiken und Malerei, bis ihm angeboten wurde, M. M. Prishvins Buch „The Pantry of the Sun“ zu illustrieren, woraufhin Prishvin Volovich persönlich für die geleistete Arbeit dankte: „The Pantry of the Sun“ wurde unzählige Male hier und im Ausland veröffentlicht und in meinem Regal „Pantries“ in allen Größen und Farben. Aber deines ist das Beste“, waren Prishvins Worte. Damals erkannte Vitaly Volovich, dass Buchillustrationen eine wichtige Rolle in seinem Leben spielen würden.

Allerdings passte nicht alles zu Wolowitsch in seiner Arbeit. Der Künstler illustrierte „Das tschechische Märchen“, das chinesische Märchen „Der Affe und die Schildkröte“, „ Malachit-Box» Bazhova. Nach diesen Illustrationen wurde Wolowitsch des damals bekämpften Formalismus beschuldigt. Es kam so weit, dass mir der Verlag nicht erlaubte, meine Werke auf der Ausstellung auszustellen. Und V.M. Wolowitsch ging nach Moskau und nahm Gemälde und Zeichnungen mit. Dort wurde ihm sofort angeboten, M. Gorkis Werke „Lied vom Falken“ und „Lied vom Sturmvogel“ zu illustrieren. Die Arbeit dieses Künstlers erhielt zahlreiche Auszeichnungen, und dann erhielt man ein Angebot zur Teilnahme internationalen Wettbewerb Illustratoren in Leipzig.

Da der Künstler das Mittelalter seit seiner Kindheit mochte (was durch die riesige Bibliothek seines Stiefvaters mit Werken von Brahauser, Shakespeare usw. erleichtert wurde), wurde „Scottish Ballad“ von R.L. für den Wettbewerb ausgewählt. Stevenson, wofür er eine Silbermedaille erhielt.

In den 70er Jahren spielte der Zirkus eine führende Rolle in Wolowitschs Schaffen. Aus der Liebe zum Zirkus entstanden zahlreiche Radierungen und Illustrationen. Der Künstler war völlig von der Helligkeit der Farben fasziniert. Ein markantes Beispiel dafür ist die „Circus“-Reihe.

Ebenfalls in den 70er Jahren begann Vitaly Mikhailovich, aus dem Leben heraus zu arbeiten. Während seiner zahlreichen Reisen durch Russland und darüber hinaus begann er nun, eigenständige Staffelei-Landschaften mit Bleistift und Aquarell zu schaffen.

Vitaly Volovich nahm auch am Wettbewerb zum 150. Jahrestag von I.V. teil. Goethe. Zur Veranschaulichung wurde das Theaterstück „Egmont“ (1980) ausgewählt. Dieses Werk wurde in Leipzig mit einer Bronzemedaille ausgezeichnet.

Im Jahr 1982 wurde Vitaly Mikhailovich die Ehre zuteil, „The Tale of Igor’s Campaign“ zu illustrieren – ein Meisterwerk der russischen Literatur. Bei der Durchführung dieser Arbeit zog Wolowitsch eine Parallele zum Großen Vaterländischen Krieg, den er selbst durchlebte. In den Illustrationen zu diesem Buch zeigte der Künstler den Antikriegscharakter des Gedichts selbst und brachte damit seine bürgerliche Position zum Ausdruck.

Im Beitrag Sowjetzeit Als es möglich war, frei ins Ausland zu reisen, versuchte der Künstler, mehr und mehr aus dem Leben heraus zu arbeiten und die Kultur anderer Länder wie Frankreich, Italien, Österreich, Palästina und Deutschland widerzuspiegeln.

Anfang der 90er Jahre begannen Verlage aus finanziellen Gründen, Bücher ohne Illustrationen zu veröffentlichen oder schlossen aus Geldmangel ganz. Unterdessen träumte Vitaly Mikhailovich von Kunstalben. Die Bücher wurden in diesem Format veröffentlicht: „ Mittelalterlicher Roman„, „Alle Parade“, „Frauen und Monster“. „Ship of Fools“ wird zur Veröffentlichung vorbereitet.

V. M. Volovich hat auch Gemäldezyklen. Dazu gehört der Zyklus „Altes Jekaterinburg“. Die Einleitung zum Buch „Altes Jekaterinburg“ endet so: „Ich habe gemalt, deshalb habe ich geliebt.“

Jedes Jahr gingen der Künstler und sein Freund gegen Ende des Sommers hinaus, um Skizzen zu malen, und wenn es nicht möglich war, irgendwohin zu gehen, gingen sie in die Stadt. Der Künstler hält diese Ausflüge in die Natur für den schönsten Urlaub.

Vitaly Mikhailovich liebt Musik auch sehr und ging einmal mit ihr zum Unterricht Opernsänger. Aber ein Hobby als solches hat er nicht: Die Arbeit nimmt ihn die ganze Zeit in Anspruch, und er zeichnet nicht einmal Naturskizzen.

Vitaly Mikhailovich beklagt sich nicht über seine Geschäftigkeit, sondern betrachtet sie im Gegenteil als Glück.

Radierungen nehmen im Werk von V. M. Volovich einen großen Platz ein.

Zur bewundernden Überraschung aller erklärt der Künstler, dass er seinen Job liebt und große Freude an seiner Arbeit hat. Und hier kann man nicht umhin, die Worte von Vitaly Mikhailovich zu zitieren: „Die besten Dinge, die in meinem Leben passieren, passieren in der Werkstatt!“ Ich kann mir nicht vorstellen, dass ich ohne diesen Beruf 20 Jahre im Ruhestand wäre und nicht wüsste, was ich mit mir anfangen soll! Alles in mir freut sich über die fehlende Zeit und den Wunsch, zur Werkstatt zu rennen, wo es auf mich wartet höchst interessante Arbeit, die ich für mich selbst erfinde. Ich stürze mit unglaublichem Verlangen hierher und gehe mit Widerwillen.“

Ein wichtiges Ereignis im Leben des Künstlers war die Veröffentlichung des Buches „Workshop. Notizen des Künstlers“. Die Entstehungsgeschichte des Buches ist ungewöhnlich: Nach dem Tod seiner Frau, mit der Vitaly Mikhailovich 47 Jahre lang zusammenlebte, begann der Künstler, um den Verlust zu überleben, abends zu schreiben. Nachdem Vitaly Volovich das Buch fertiggestellt hatte, schickte er es per E-Mail an seinen Freund. Nach zwei Wochen kam ein Brief des Verlags mit einem Vertrag. Vitaly Volovich schilderte in dem Buch die Geschichte seines Lebens. Der Autor selbst sieht das Buch als „...einen Versuch, sich selbst, seinen Beruf, vielleicht die Psychologie der Kreativität zu verstehen ...“

In seiner Arbeit verwendet V. Volovich Techniken wie Linolschnitte, Radierung und Lithografien und bevorzugt jetzt Aquarell, Gouache und Tempera. Seine Arbeiten sind zu sehen in Tretjakow-Galerie, im Museum der Schönen Künste, benannt nach A.S. Puschkin, im Staatlichen Russischen Museum sowie in Kunstmuseen Städte wie Jekaterinburg, Iwanowo, Nischni Tagil, Jaroslawl, Perm, Magnitogorsk, Nowosibirsk, Saratow.

Neben den Städten Russlands befinden sich im Museum auch Werke von Vitaly Volovich zeitgenössische Kunst in Köln, in der Mährischen Galerie in Brünn, Prag Nationalgalerie, im Museum von I.V. Goethe und F. Schiller in Weimer. IN Gedenkmuseum W. Shakespeare in England und in vielen anderen, sowohl privaten als auch Landesversammlungen Russland, Deutschland, Frankreich, Österreich, Italien, Israel, Spanien und die USA. Die umfassendste Sammlung der Werke des Künstlers befindet sich im Irbit State Museum of Fine Arts.

Verdienter Künstler der Russischen Föderation. Geboren 1928 in Spassk, Region Primorje. 1948 schloss er sein Studium an der Kunstschule Swerdlowsk ab. Seit 1950 nimmt er an städtischen, regionalen, zonalen, republikanischen, gewerkschaftlichen und internationalen Ausstellungen teil und ist mehrfacher Gewinner in- und ausländischer Buchwettbewerbe. Seit 1956 Mitglied des Künstlerverbandes der UdSSR. 1973 wurde ihm der Ehrentitel „Verdienter Künstler der RSFSR“ verliehen. 1995 wurde ihnen der Preis verliehen. G. S. Mosin. 1998 wurde der Governor's Award verliehen Gebiet Swerdlowsk für herausragende Leistungen auf dem Gebiet der Literatur und Kunst. 2005 verliehen Goldmedaille mit dem Motto „Würdig“ der Russischen Akademie der Künste. 2007 wurde ihm der akademische Titel Korrespondierendes Mitglied der Russischen Akademie der Künste verliehen. 2007 wurde ihm der Titel „Ehrenbürger von Jekaterinburg“ verliehen. Im Jahr 2008 wurde ihm zum zweiten Mal der Gouverneurspreis der Region Swerdlowsk für seinen großen persönlichen Beitrag zur Entwicklung der bildenden Künste und seine langjährige fruchtbare Tätigkeit verliehen. Arbeitet in Buch- und Staffeleigrafiken. Lieblingstechniken sind Radierung, Weichlack, Lithographie sowie Aquarell, Gouache, Tempera... Lebt und arbeitet in Jekaterinburg. Die Werke befinden sich im Staatlichen Museum der Schönen Künste, benannt nach A.S. Puschkin, Staatliche Tretjakow-Galerie, Staatliches Russisches Museum, Kunstmuseen von Jekaterinburg, Iwanowo, Magnitogorsk, Nischni Tagil, Nowosibirsk, Perm, Saratow, Tscheljabinsk, Jaroslawl. Prager Nationalgalerie, Mährische Galerie in Brünn, Museum für moderne Kunst in Köln, J.V. Goethe und F. Schiller Museum in Weimar, Shakespeare Center in Stratfort-upon-Avon sowie andere öffentliche und private Sammlungen in Russland, Österreich, Deutschland, Israel, Spanien, Italien, USA und Frankreich. Die Sammlung des Irbit-Puschkin-Museums ist die größte und vollständigste Sammlung der Werke des Künstlers.

Vitaly Volovich

G. Golynets, S. Golynets

Der beste Beweis für Wolowitsch sind die Porträts seiner Freunde und Gleichgesinnten Gennady Mosin und Misha Brusilovsky. Das erste zeigt einen protestierenden jungen Mann voller Energie, bereit, wie Don Quijote, die Mächte des Bösen abzuwehren, das zweite zeigt einen müden, aber nicht gebrochenen Meisterphilosophen. Schon in Wolowitschs Erscheinung liegt etwas Abstoßendes für den „Menschen der Massen“. Als früh geistig reifer, strebte er stets danach, sowohl von den Machthabern als auch von modischen gesellschaftlichen Modeerscheinungen und gesellschaftlichen Illusionen unabhängig zu sein. Dennoch war der Künstler von der Zeit geprägt. Seine Kindheit und Jugend fielen in die 30er und 40er Jahre, mit ihren politischen Tragödien und Heldentaten des Großen Vaterländischen Krieges, den Schwierigkeiten des Alltags und der völligen Unterdrückung der Individualität. Die Leidenschaft für das Zeichnen lebte in Vitaly Lovich zunächst zusammen mit einer Leidenschaft für Geschichte und Literatur. Der zukünftige Künstler wuchs in einem literarischen Umfeld auf1. Die Welt der literarischen Bilder war für ihn immer sozusagen eine zweite Realität, sowohl im Gegensatz zum wirklichen Leben als auch innerlich mit ihm verglichen. Nach seinem Abschluss an der Swerdlowsker Kunstschule im Jahr 1948 widmete sich der zwanzigjährige Wolowitsch sofort dem Buchwesen2. In gewissenhaften Federzeichnungen, in intimen Landschafts- und Tiermotiven lässt sich leicht der zukünftige Schöpfer monumentaler Bilder vorhersagen, ein Künstler mit sozialer und philosophischer Ausrichtung. Aber es ist die Kammer, lyrisches Thema durfte sich in diesen Jahren vor dem Ansturm der offiziellen Ideologie schützen.

„Pantry of the Sun“ wurde unzählige Male veröffentlicht und ich habe „Pantries“ in allen Größen und Farben, aber Ihres ist das Beste.“ Diese Worte, geschrieben von Mikhail Prishvin im Jahr 1953, unterstützten den aufstrebenden Illustrator, der damals noch suchen musste eigenen Weg, die zeitlich mit dem Herannahen einer neuen Etappe in unserer Geschichte zusammenfiel – der Tauwetterperiode. Von nun an wollten sich die Menschen nicht mehr wie ein Rädchen im Staatsapparat fühlen. Doch dadurch wurden die bürgerschaftlichen Bestrebungen nicht geschwächt, sondern im Gegenteil gestärkt. Die Bejahung des Individuums und zugleich das Pathos des Kollektivismus fanden in der Kunst der Wende der 50er und 60er Jahre ihren Ausdruck im sogenannten harten Stil, der auf neue Weise versuchte, die Wahrheit des Lebens mit hohen Idealen zu verbinden . Der strenge Stil kontrastierte die äußere Naturähnlichkeit der Bilder mit der ausgeschmückten Realität mit dem Ausdruck und der Aktivität einer verallgemeinerten künstlerischen Form, die dem für diese Jahre charakteristischen entscheidenden Wunsch nach einer schnellen Veränderung der Welt entsprach. Der harte Stil manifestierte sich deutlich in Swerdlowsk, der Stadt, mit der Wolowitschs gesamtes bewusstes Leben verbunden war und in der sich seit Ende der 50er Jahre ein wahrhaft kreatives Umfeld entwickelte. In diesem Umfeld musste sich Wolowitsch befassen besonderer Ort, was ein Beispiel für eine asketische Haltung gegenüber seiner Arbeit ist. Er verbesserte unermüdlich seine Fähigkeiten, arbeitete jeden Tag zehn oder mehr Stunden, schöpfte viel aus dem Leben, insbesondere auf Reisen durch das Land, Reisen in die Tschechoslowakei, nach Deutschland, China, Korea und studierte in Museen und Bibliotheken. Die Zeit selbst bewegte sich auf den Künstler zu: Ganze Schichten der russischen und ausländischen Kultur wurden aufgewertet, vergessene Namen Es fanden bisher undenkbare Ausstellungen statt. Sowohl das Erbe der alten Meister als auch die Errungenschaften der modernen Kunst von den monumentalen Verallgemeinerungen von Rockwell Kent bis zum Kubismus von Picasso wurden von Wolowitschs Generation nicht abstrakt, von außen wahrgenommen, sondern als Quelle ihrer eigenen Suche. In den späten 50er und frühen 60er Jahren illustrierte Volovich mit Begeisterung Legenden und Märchen verschiedener Nationen: das chinesische Märchen „Der Affe und die Schildkröte“3, das arabische „Kalif der Storch“, das tschechische „Der Hirte und der Ritter“, die Nenzen „Der besiegte Wal“, „Mansi Tales“. Funktioniert Volkskunst angezogen junger Künstler Integrität der Weltanschauung, Klarheit ästhetischer Ideen. Märchen und Legenden ermöglichten es ihm, seiner Fantasie freien Lauf zu lassen, die Atmosphäre verschiedener Länder und Epochen zu spüren und zu vermitteln, indem er in Illustrationen unaufdringlich Techniken aus der Kunst der Vergangenheit einsetzte. Von nun an überträgt Volovich keine Skizzen aus der Natur in das Buch, sondern transformiert sie, ordnet sie der Ebene der Buchseite unter und strebt nach einer stilistischen Einheit von Bild, Ornament und Schrift. Die Suche nach Ausdruckskraft veranlasste ihn, mit verschiedenen Techniken zu experimentieren: Von Federzeichnung und Aquarell gelangte der Künstler zum Linolstich, dessen lapidare Sprache die Merkmale eines harten Stils deutlich erkennen ließ. Märchenausgaben mit Wolowitschs Illustrationen richteten sich an Kinder, ein Kinderkünstler wurde er jedoch nicht. Diese dünnen Notizbücher spiegelten die stilistischen Trends ihrer Zeit wider und erwiesen sich für Wolowitsch als Schule der Professionalität und bereiteten ihn auf die Arbeit an anderen Publikationen vor. Zum ersten Mal stieß der Künstler auf das Problem eines großen Buchensembles, als er Pavel Bazhovs „Malachite Box“ (1963), eine Publikation mit neun Erzählungen, illustrierte und gestaltete. Einmal beschwerte sich der Autor über Illustratoren, weil sie „nicht in die fantastische Richtung schauten“. In Volovichs Linolschnitten, die nicht ohne den Einfluss moderner litauischer Grafiken entstanden sind, magische Bilder Ural-Legenden stehen über dem Alltag. Mit einer dynamischen Komposition und Verschiebung räumlicher Ausdehnungen verstärkte der Künstler, ohne die Gestaltung eines Steins zu imitieren, die Assoziationen zwischen dem Farbdruck und einem Schliff aus Malachit oder Jaspis.

Trotz Wolowitschs wiederholter Siege auf republikanischen und gewerkschaftsweiten Buchkunstausstellungen waren die örtlichen Behörden den Unternehmungen und Experimenten des Künstlers gegenüber misstrauisch. Die Unzufriedenheit verschärfte sich, nachdem Parteiführer Ende 1962 eine Ausstellung in der Moskauer Manege besuchten: Sie begannen, in Swerdlowsk nach ihren Formalisten zu suchen. Es kam so weit, dass Wolowitsch auf Antrag der ideologischen Abteilung des regionalen Parteikomitees das Diplom entzogen wurde, das er beim Saisongewerkschaftswettbewerb für die 50 besten Bücher für Illustrationen zu „Der besiegte Wal“ erhalten hatte. Die erfolgreich begonnene Zusammenarbeit mit dem Buchverlag Swerdlowsk wurde für mehrere Jahre unterbrochen. Aber Wolowitsch war bereits außerhalb des Urals bekannt. Im Jahr 1965 veröffentlichte der Verlag „Khudozhestvennaya Literatura“ Gorkis „Lied vom Falken“ und „Lied vom Sturmvogel“ mit seinen Illustrationen als separates Buch. Die romantische Interpretation revolutionärer Ereignisse, die Plakatierung allegorischer und realer Bilder und die Ausdruckskraft der Silhouettenform machen diese Pappstiche zu typischen Beispielen eines harten Stils. Anschließend schuf der Künstler in derselben Technik Illustrationen zu Robert Stevensons Ballade „Heather Honey“ (1965), die er speziell für die Internationale Ausstellung für Buchkunst in Leipzig konzipierte und dort mit einer Silbermedaille auszeichnete. Das dünne, betont vertikal gestreckte Buch enthielt eine Reihe von Doppelseiten, in denen zwei Welten kontrastierend gegenübergestellt werden: naive, rührende Met-Zwerge, deren scharlachrote Figuren wie Heideblüten ein lebendiges, bewegtes Ornament auf schneeweißen Seiten bilden, und rücksichtslose Eroberer, wird als schlecht artikulierte schwarze und graue Masse wahrgenommen. Die Illustrationen zu „Heather Honey“ scheinen die gesamte bisherige Erfahrung des jungen Künstlers gebündelt zu haben: seine jugendliche Leidenschaft romantische Literatur 19. Jahrhundert, durch das er die europäische Antike und das Mittelalter entdeckte, an einem Kinderbuch arbeitete und sich mit Beispielen der Volksphantasie auseinandersetzte. Gleichzeitig sprachen neue Stiche vom Herannahen der Reife, in ihnen fand der Künstler sein Thema, sie zeigten die Hauptrichtung des Schaffens an: Anprangerung von Gewalt, Grausamkeit, Verherrlichung spiritueller Beharrlichkeit. Wir nennen Wolowitsch einen Sechzigerjahre-Mann. Das ist fair. Es muss jedoch berücksichtigt werden, dass es erst in der zweiten Hälfte des Jahrzehnts vollständig zum Vorschein kam, als sich die soziale Situation im Land bereits in vielerlei Hinsicht verändert hatte. In gewisser Weise begann sich die Position des Künstlers zu verbessern: Streitereien über formale Suchen und Innovationen wurden sogar in der Provinz abgemildert, es schien, dass die Sicht auf die Kunst breiter wurde, aber gleichzeitig verschwanden die romantischen Stimmungen, die aus dem Tauwetter entstanden waren, und wurden politisch Die Diktatur verschärfte sich. In dieser Zeit manifestierte sich Wolowitschs soziale Sensibilität: Er gab die hohen Ideale seiner Jugend nicht auf, sondern bekräftigte sie von nun an durch tragische Zusammenstöße. Im Spiegel der Geschichte, im Spiegel der Weltliteraturklassiker sieht der Künstler die brennenden Probleme unseres Lebens. „Für mich ist das Prinzip wichtig, in zwei Dimensionen zu arbeiten – der Zeit der Ereignisse des Buches und der, in der ich lebe. Vorstellungen von Zeit, die als persönlich empfunden werden, geben meiner Meinung nach die Möglichkeit, die Vergangenheit mit frischen, gegenwärtigen Augen zu betrachten“, erklärt Volovich. Nein, der Illustrator greift nicht auf äußere Modernisierungen zurück. Als großer Kenner der Geschichte der materiellen Kultur, der Waffen und der Architektur versteht er es, mit ausgewählten, charakteristischen Details das Flair der dargestellten Epoche zu vermitteln und gleichzeitig die Tragödien von Shakespeare, Goethe, Aischylos usw. hervorzuheben. mittelalterliches Epos und ritterliche Poesiegedanken, die heute relevant klingen. Für den Künstler treten die Wendungen der Handlung in den Hintergrund und die Details der Porträtcharakteristika erhalten einen persönlichen Charakter und werden zu Trägern ewiger Ideen. In Volovichs Interpretation werden die Figuren von „Othello“, einer Tragödie der Liebe angesichts von Neid, Verleumdung und Gnadenlosigkeit, als Symbole menschlicher Leidenschaften und Leiden wahrgenommen. In dieser Serie verdeutlichte der Künstler seine zuvor gewählte Methode zur Stilisierung von Hell-Dunkel. Weithin bekannt in der mittelalterlichen Kunst – Fresken, Ikonen – wurde diese von Wolowitsch kreativ verstandene Technik vielleicht zum wichtigsten Ausdrucksmittel des Meisters: Das Bild wird durch eine wundersame Linie nachgebildet – die Grenze zwischen Licht und Dunkelheit, es vibriert und taucht nun ein Dunkelheit, jetzt blitzendes scharfes Licht. Die Formen des harten Stils blieben für Wolowitsch organisch, doch seine mutige Kunst wurde mit neuen Zügen bereichert. Nachdem der Meister die Flächigkeit des Bildes und das Gefühl einer Buchseite bewahrt hatte, ging er zu komplexeren räumlichen und plastischen Lösungen über, was mit einer Änderung der Ausführungstechnik verbunden ist. Nachdem Wolowitsch in den Illustrationen zu Othello (1966) noch einmal die Möglichkeiten der Gravur auf Karton demonstriert hatte, wandte er sich dann der klassischen Radierung und wenig später der Lithographie zu. In seinen Illustrationen zu Shakespeares Tragödie „Richard III“ (1966) zeigt sich der Künstler äußerlich zurückhaltend und sogar rational. Die Radiernadel verdichtet die Striche zu einem schwarzen Schattenraster, zeichnet einen schachbrettartigen Boden, der einen Durchbruch der Fläche in die Tiefe andeutet, und der horizontale Himmel verfestigt diese Fläche im Gegenteil. In solch einem bedingten, luftleeren Raum gewinnen groteske, theatralische Charaktere aus historischen Chroniken und symbolische Objekte an Substanz: die Königskrone, die Dolche von Mördern, die Waage der Gerechtigkeit, die Axt des Henkers. Wolowitsch interpretierte „Richard III.“ als politische Tragödie und entlarvte konsequent den blutigen Weg seines Helden
Behörden.

Radierungen zu Shakespeares Tragödie erinnern uns daran, dass neben der Literatur auch das Theater eine Inspirationsquelle für Wolowitsch war. Der Künstler fühlt sich zu dramatischen Werken hingezogen. Und nicht nur in den Illustrationen dazu, sondern auch in den meisten Kompositionen werden die Konventionalität des Bühnenpodests und die Theatralik der Inszenierung durchbrochen. „Die ganze Welt spielt“ – mit den Worten von Terenz, eingraviert in Shakespeares „Globus“, könnte Wolowitsch sein Werk zum Motto machen. Da er dieses Merkmal des Talents des Künstlers zu schätzen wusste, wurde er wiederholt eingeladen, Aufführungen in Theatern zu entwerfen – volkstümlich und akademisch, dramatisch und musikalisch, lokal und großstädtisch. Doch trotz seiner Liebe zur Bühne, zum Theaterumfeld, trotz der Tatsache, dass er selbst einmal Schauspieler werden wollte, lehnte er diese Angebote ab. Offensichtlich braucht Volovich keine Co-Autoren. In Büchern und Staffeleikompositionen kreiert er eigene Aufführungen, die im Einklang mit den Anforderungen des modernen Theaters stehen4. Die Tragödie von Wolowitschs Weltanschauung nahm von Jahr zu Jahr zu. Das unaufhaltsame Schicksal, das einen Menschen verfolgt, wird Hauptthema Illustrationen für die isländischen und irischen Sagen (1968), in denen Menschen im Weltraum dargestellt werden, die zu einem engen Ball mit bedrohlichen Chimären verschlungen sind. Doch auch hier behielt der Künstler seine ethische Position bei und kontroverse mit dem Text der Sagen, der die Ansichten der Stammesgesellschaft widerspiegelte, den Kult der rohen Gewalt mit hellen menschlichen Gefühlen. Das Prinzip der aktiven Interpretation der Klassiker wird auch in den Illustrationen zu „Die Romanze von Tristan und Isolde“ von Joseph Bedier (1972) umgesetzt, die 1976 auf der Internationalen Ausstellung in Brünn mit einer Bronzemedaille ausgezeichnet wurden. In diesem Fall wurde dies von ihm selbst ermöglicht literarisches Material: Der Originaltext aus dem 12. Jahrhundert ist nicht erhalten; die uns überlieferten Versionen spiegeln die Ideen und Geschmäcker der Zeit wider, in der sie entstanden sind, einige sind eher mit dem antiken keltischen Epos verbunden, andere mit höfischer Ritterpoesie. Wolowitsch folgte Wagners Lesart des Romans und steigerte die düsteren, tragischen Töne. Die Uneinigkeit der Helden, ihre Unfähigkeit, sich zu vereinen und der selbstlose Traum vom Glück – das ist die Leitidee der vom Künstler des 20. Jahrhunderts geschaffenen Grafikserie. Um es plastisch auszudrücken, greift Wolowitsch auf seine Lieblingstechnik zurück – die Wiederholung eines einzigen Bauschemas in allen Abbildungen: Die Helden werden durch frontal angeordnete Steinmauern und Bögen gefesselt und voneinander entfremdet, hinter denen sich eine menschenleere Ferne öffnet. Lithographisches Sfumato, Rundheit der Formen, die die für sie charakteristische Steifheit der Kanten ersetzen bisherige Arbeit Dadurch wurden die Blätter räumlicher, die Details voluminöser und gleichzeitig wurde eine noch größere Monumentalität erreicht. In Wolowitschs Lithografien fehlt die bestechende Unbefangenheit der Erzählung. Während der Roman voller farbenfroher Beschreibungen von Schlachten, Duellen, Festen und Jagden ist, als ob er zur bildlichen Verkörperung bestimmt wäre, beschränkt sich die Grafik, die das Gefühl des frühen Mittelalters und der rauen kornischen Landschaft vermittelt, auf geizige Mittel. Bei der Auswahl der Themen hielt sich Wolowitsch nicht strikt an die Logik der Handlungsentwicklung, ließ wichtige Episoden aus und ignorierte viele Charaktere. Die eigentliche illustrative Funktion wird größtenteils von Bildschirmschonern übernommen, und Seitenillustrationen dienen als metaphorischer Ausdruck laufender Ereignisse. Ihr Inhalt offenbart sich weniger beim Lesen als vielmehr beim Nachdenken über das Gelesene und beim Erinnern daran. Einstieg in die Kunst zu einer Zeit, in der aktuelle Probleme Ensemblelösung des Buches, Wolowitsch strebte in seinen Werken an der Wende der 50er und 60er Jahre nach der dekorativen Einheit seiner Elemente. Er behielt stets eine aufmerksame Haltung gegenüber Layout und Gestaltung der Publikation bei, bestimmte Fragen der Buchkunst rücken für ihn jedoch in den Hintergrund. Bereits Ende der 60er Jahre zeichnete sich im Werk Wolowitschs eine Tendenz ab, die damals als „Enteignung“ der Buchgrafik bezeichnet wurde.

Der Künstler fühlte sich in dem Buch wohl: Lithografien und Radierungen der 70er Jahre, inspiriert von heidnischer Mythologie, mittelalterlicher Poesie und moderner Literatur, werden als eigenständige Werke wahrgenommen. Mitunter nahmen sie für die Grafik ungewöhnliche Dimensionen an und wurden nach den Gesetzen der Monumentalkunst zu Triptychen und Polyptychen geformt („Angst und Verzweiflung im Dritten Reich“ nach den Zongs zum Theaterstück von Bertolt Brecht, 1970; „Theater des Absurden“, oder Metamorphosen des Faschismus“ nach der tragischen Farce von Eugene Ionesco „Rhino“, 1974; „Conquerors“, 1975). Aber häufiger wurden sie zu Staffelei-Themenserien mit mehreren Blättern zusammengefasst, an denen in den folgenden Jahrzehnten weitergearbeitet wurde. Für viele Künstler der Generation Wolowitschs erwies sich die Sprache der Allegorie als die einzige Möglichkeit, über die brennenden Probleme unserer Zeit zu sprechen. So wurde das Mittelalter mit leeren Ritterrüstungen, brennenden Büchern, sterbenden Dichtern und Wissenschaftlern zu Wolowitschs erweitertem Symbol des menschenfeindlichen Regimes.

Seit den 70er Jahren nehmen Zirkusmotive einen besonderen Platz im Werk des Meisters ein. Ich liebe diese Aussicht darstellende Künste, die sich als nicht weniger stark erwies als die Liebe zum Theater, führte zu einer Reihe von Radierungen, später auch zu Gouachen und Tempera. Der Künstler, der sich von den üblichen Themen und kompositorischen Lösungen lösen wollte, war fasziniert von der Farbigkeit und dem karnevalistischen Charakter einer Zirkusvorstellung, in der „alles möglich ist“, wo die Arbeit von Künstlern am gefährlichen Rand einem das Herz zum Frieren bringt Angst, wo in Clowneinlagen ein Witz unter Tränen stattfindet, wo Selbstdarstellung und Schwindel, Leben und Kreativität untrennbar miteinander verbunden sind. Zunächst kam Wolowitsch mit Lautrecs Tradition des grotesken, aber dennoch unmittelbar natürlichen Erlebens einer Aufführung in Berührung, doch bald begann das Thema des Zirkus wie eine Allegorie zu klingen. Das Notenblatt „The Musical Eccentric“ (1974) wurde zu einer Art Ouvertüre zur Serie. Vor einem grau-schwarzen, schwankenden Hintergrund erhebt sich eine Figur im Clownskostüm, zwischen deren Tanzschuhen eine schachbrettartige Bahn schnell auf die niedrige Horizontlinie zuläuft. In den Doppelhänden befinden sich eine Mundharmonika, eine Klarinette und eine Laute. Die weiße Maske folgt der Bewegung einer anderen Hand, die über der rechten Schulter erschien, dreht sich horizontal und scheint ein Horn zu blasen. Leere verschmolz mit der Komposition Bühnenraum„Richard“ und das kosmische Element von „Sag“. Der Boden ist hier sowohl Erde als auch Arena, der vibrierende Dunst des Hintergrunds ist der Himmel und die Unendlichkeit, absorbierend Theatervorhang. In der plastischen Lösung von „The Musical Eccentric“ wird etwas Universelles bekräftigt und gleichzeitig erklingt zum ersten Mal eine lyrische, persönliche Note so deutlich. Die Schwärze dringt vom Hintergrund in die Figur ein, entmaterialisiert sie, zerreißt die Formen und ist bereit, in einen Puppentanz zu zerfallen. Scharfe Verbindungslinien zwischen Dunkelheit und Licht, wie beleuchtete Kanten einer Struktur, stoppen den Zerfall der ätherischen Figur. Es ist, als ob das, was wir sehen, kein Clown ist, sondern seine Seele, nicht seine Hände und Musikinstrumente, sondern ihre Bewegungen und Geräusche. In den folgenden Blättern, Zeichnungen mit der Radiernadel, teilweise ohne Vorskizze, ist Wolowitsch entspannter. Durch die Variation von Aquatinta, Reserve, Weichlack, die Kombination verschiedener Radiertechniken mit einer Collage aus Papier und Stoffen erreicht er eine einzigartige Vielfalt und Fülle an Texturen, malerische Ausdruckskraft einer monochromen Palette. Die Radierungen folgen wie Nummern aus einem großen Programm einer nach dem anderen. Aber das sind nicht nur Zirkusattraktionen: Traurige verliebte Clowns, arrogante, selbstzufriedene Esel, seelenlose Schaufensterpuppen, königliche, aber gedemütigte Löwen und weise Affen sind zu Helden von Gleichnissen über die umgebende Realität geworden. Ohne einen direkten Einfluss anzudeuten, kommt man nicht umhin, sich an die Radierungen von Francisco Goya zu erinnern. Wenn wir uns die eigentlichen Zirkusmotive vor Augen halten, die so viele Meister des 20. Jahrhunderts durch ihre Vieldeutigkeit faszinierten, dann weckt Wolowitsch Analogien nicht zur Malerei und Grafik, sondern zum Kino, zu Chaplins „Zirkus“, zu Federico Fellinis „Clowns“. Zusammenfassung des Themas im Polyptychon „Parade-alle!“ (1978) unterwirft sich Wolowitsch erneut der strengen Strukturorganisation stereometrischer Formen, der Bestimmtheit der Konturen und der Klarheit der Strichführung. Das Polyptychon ist eine fünfteilige symmetrische Komposition mit einer zeremoniellen Parade in der Mitte und schmalen vertikalen Streifen, die antipodische Esel darstellen, die wackelige Tier- und Vogelpyramiden auf ihren Hufen halten. Das Motiv der Rotation (und „Kreis“ ist die ursprüngliche Bedeutung des Wortes „Zirkus“), der kaleidoskopische Wechsel der Ereignisse bestimmten die Konstruktion der Blätter, die Kombination unterschiedlicher Zeit und unterschiedlicher räumlicher Episoden in ihnen. Auf der zweiten und vierten Seite ist die Arena, in der die Haupthandlung stattfindet, von Leinwänden umgeben, auf denen Ereignisse aus dem Zirkusleben dargestellt sind, und von schwarzen Löchern in den Ausgängen.

Von einzelnen Gleichnissen und Fabeln gelangte Wolowitsch zu einem verallgemeinerten Weltbild, dessen naives Vorbild der Zirkus mit seiner runden Arena und der darüber gestürzten Kuppel ist. Die Konflikte hier sind offensichtlich absurd: Ein dummer Esel jongliert mühelos mit majestätischen Löwen, ein zerbrechlicher weißer Clown jagt mächtige, schwere Nashörner im Kreis und es scheint, als würden die Nashörner ihn selbst jagen, ein anderer Clown tritt beim Fangen eines Schmetterlings auf eine Boa Würgeschlange, Musiker singen sorglos und legen Noten auf die Zähne ihres offenen Krokodils Die Paradoxität und Absurdität der Welt offenbart sich nicht nur in zahlreichen Handlungssträngen, sondern auch in der Verletzung des Üblichen räumliche Darstellungen, die Schärfe von Kunststoffvergleichen. Die Probleme, die Wolowitsch in „Zirkus“ anhand literarischer und historischer Materialien löst, klingen exzentrischer und damit persönlicher, mit einem Hauch von Selbstironie: Es sind Gedanken über die Welt und den Platz des Künstlers darin.

In dem Bemühen, die Bandbreite meiner Kreativität zu erweitern, zu diversifizieren Ausdrucksmittel In den 70er Jahren begann der Künstler, systematisch nach dem Leben zu arbeiten. Früher nur als Zeichnung bezeichnet Vorbereitungsmaterial, jetzt reist er durch den Ural, Zentralasien, Pamir, Dagestan, Pskow und Vladimir Rus‘ schaffen eigenständige Staffelei-Landschaften in Bleistift und Aquarell. Eine ähnliche Hinwendung zur Zeichnung zeichnete sich in unserer Kunst bereits Ende der 60er Jahre ab. Allerdings haben Wolowitschs Blätter wenig Ähnlichkeit mit den seitdem weit verbreiteten „stillen“, intimen Grafiken, die liebevoll in die Einzigartigkeit eines bestimmten Objekts eintauchen und den Prozess der Wahrnehmung und des Verständnisses der Natur selbst einfangen. Bei Volovich geriet der Wunsch, einen direkten Eindruck zu vermitteln, manchmal in Konflikt mit der internen Programmierung der Komposition; ein freier Strich oder Pinselstrich widersprach der rationalen Logik der grafischen Konstruktion. Der Künstler erlangte Integrität, indem er alles Flüchtige und Flüchtige ablehnte. Darstellung altes Land mit scheinbar damit verschmolzenen architektonischen Strukturen, Zeugen der jahrhundertealten Geschichte der Menschheit, sah er bereits das fertige Werk in der Natur und verwarf sofort das Zufällige, indem er die notwendigen Bewegungen ausführte. Die von Wolowitsch in den 70er Jahren angefertigten Zeichnungen weisen mit ihrer großen räumlichen Abdeckung, der Starrheit der Konturen und der sorgfältigen Schattierung, die an lithografische Arbeiten erinnern, deutliche Spuren seiner früheren Arbeit in der Buchgrafik und in den Drucktechniken des Autors auf. Nachdem er 1980 Illustrationen zu Goethes Tragödie „Egmont“ fertiggestellt hatte, die bald in Leipzig mit einer Bronzemedaille ausgezeichnet wurden, kehrte Wolowitsch nach achtjähriger Pause zum Schreiben zurück. Mittlerweile überlässt er Layout und Design aber lieber professionellen Designern und Schriftgestaltern. In dem Buch sind auf speziellen Beilagen zehn Diptychen platziert, von denen Teile schmale vertikale Türen sind, die Strukturen von riesigen Kreuzen und Galgen darstellen, die an Stabilität verlieren und bereit sind, Menschen zu begraben, die wie Puppen aussehen. Motive, die von Bruegels Gemälden und Dürers Stichen inspiriert sind, machen die Zeit der Niederländischen Revolution und der Kirchenkriege erlebbar. Aber für Wolowitsch ist es auch hier wieder wichtig, seine eigenen Worte zu wiederholen, nicht nur die Zeit der Ereignisse des Buches, sondern auch die Zeit, in der er lebt. Wenn der Künstler von der Inquisition des 16. Jahrhunderts erzählt, vergisst er nicht die Schrecken des Faschismus im Westen und die Verbrechen des totalitären Systems im eigenen Vaterland. Die beengten Räume und das flackernde „Zink“-Licht werden mit einer Atmosphäre der Stagnation und Unfreiheit assoziiert. In den frühen 80er Jahren sah der Illustrator zum ersten Mal ein Meisterwerk der russischen Literatur – „Die Geschichte von Igors Feldzug“. Anlass für die Arbeit war der bevorstehende 800. Jahrestag der Laien, die Vorbereitung einer Veröffentlichung, die das Ergebnis der Arbeit von Ural-Historikern, Literaturwissenschaftlern und Übersetzern war und sechzehn Radierungen von Wolowitsch (1982) enthielt. Sie hielten Szenen von Invasionen, Schlachten und Massakern fest und betonten den Antikriegsklang des Gedichts. Der Künstler, der sich an das Leid der Menschen im Großen Vaterländischen Krieg erinnerte und die „kleinen“ sinnlosen Kriege hasste, deren Zeitgenosse er sein musste, zeigte hier seine bürgerliche Position. Die Kollision altrussischer Motive, ausgehend von den Umrissen des Bogens, die die kompositorische Lösung der Blätter bestimmten, mit der ausdrucksstarken Sprache der Grafik des 20. Jahrhunderts erhöht die dramatische Spannung der Serie. Illustrationen zu Aischylos‘ Tragödie „Orestie“ (1987) sind das Ergebnis von Wolowitschs Verständnis von Weltliteraturklassikern. Wenn wir uns dem Werk des großen griechischen Dramatikers zuwenden, können wir ganz allgemein darüber sprechen, wozu moralische Blindheit und die Zerstörung natürlicher menschlicher Verbindungen führen. So wie Wolowitschs weitläufiges Bild eines unpersönlichen Mensch-Roboters einst durch die in der Eremitage ausgestellte Ritterrüstung nahegelegt wurde, so haben nun die Fragmente von Antiquitäten mit metonymischen Mitteln dazu beigetragen, das Bild einer zusammenbrechenden Welt zu vermitteln. Die Illustrationen zu „The Oresteia“, die den Betrachter mit der Schönheit und Logik der grafischen Konstruktion begeisterten, drängten den Meister selbst zur Aktualisierung.

Traditionelle Reisen durch unser Land wurden in den Jahren der Perestroika und in der postsowjetischen Zeit durch Reisen nach Frankreich, Westdeutschland, Österreich, Italien und Palästina ergänzt, bei denen der Künstler, soweit die Umstände es erlaubten, aus dem Leben arbeitete. In neuen Aquarellen und Tempera-Gemälden, die östliche Städte mit gestapelten Flachdächern, Kuppeln und Minaretten, russische Hügellandschaften unter wogenden Wolken, gotische Straßen, Tavatuya-Felsbrocken und Tschusowaja-Kämpfer darstellen, demonstrierte Wolowitsch seine Fähigkeit, die metaphysische Einzigartigkeit verschiedener Regionen und Länder mit Bildhaftigkeit zu verbinden Freiheit und Kunstfertigkeit ... In der Zwischenzeit ließ der Gedanke an das Buch Wolowitsch nie los. Er kombinierte Staffeleiblätter zu den Zyklen „Zirkus“, „Mittelalterliche Mysterien“, „Frauen und Monster“ und träumte von Buchalben, in denen seine Kompositionen nach dem Prinzip der freien Assoziation mit Auszügen aus Prosa und poetischen Texten durchsetzt waren. Aber unabhängig von solchen Plänen stehen Wolowitschs Staffeleiblätter seinen Buchgrafiken nahe. Wie Illustrationen entwickeln sie im Laufe der Zeit ein Thema und basieren auf historischen Parallelen und Allegorien. Während der sowjetischen äsopischen Zeit wurde die Sprache des Künstlers durch Zensurverbote stimuliert, obwohl sie natürlich nicht nur durch sie verursacht wurden. Schließlich trennt sich Wolowitsch auch heute noch nicht von Allegorien, Theater- und Zirkusmetaphern. Sie ermöglichen es ihm, ein verallgemeinertes Bild der Welt zu erstellen, das berührt werden kann ewige Themen menschliche Leidenschaften, Laster und Schwächen.

Die über mehrere Jahrzehnte entstandenen thematischen Zyklen überzeugen uns, dass Wolowitsch trotz aller Treue zu seinen Lieblingsbildern und plastischen Techniken nicht unverändert bleibt. Und der Punkt ist natürlich nicht nur, dass Schwarz-Weiß-Radierungen durch Monotypie und dann Gouache und Aquarell ersetzt wurden, sondern dass, wie in Landschaften, die Rolle der Farbe in thematischen Kompositionen zunimmt, sondern vor allem, dass die Kunst des Meisters ist voller neuer Gedanken und Stimmungen. So ermöglichte das in den 1980er Jahren entstandene Bild einer gotischen Kathedrale, einem Modell des Universums, den Ausdruck von Gefühlen, die sich von denen unterschieden, die normalerweise Wolowitschs mittelalterliche Motive erfüllten. In einer der Kompositionen, die in der Technik des Gravierens auf Karton und Pauspapier hergestellt wurden, durch ausgefallene Formen Aus dem Tempel erhebt sich die Gestalt eines in tiefe Gedanken versunkenen Bischofs. Drucke, die für eine sequentielle Wahrnehmung konzipiert sind, unterscheiden sich farblich voneinander. Das Bild erscheint entweder in einem goldenen oder silbernen Schimmer oder verschwindet fast und löst sich in einer Reihe gedämpfter Farben auf. Die Blätter bilden eine traurige, aber majestätische Bild- und Grafikfolge, die vom Leben des menschlichen Geistes und von der schmerzhaften Suche nach Wahrheit erzählt. Wolowitschs Problem von Gut und Böse erhält eine immer komplexere Lösung. Mit der Auseinandersetzung mit der heidnischen Welt in den Blättern der 90er Jahre aus der Serie „Women and Monsters“ unternimmt der Künstler den Versuch, sich allgemein über diese Kategorien, über die einengenden Haltungen zu erheben. Aber das ist nur ein Spiel: Wolowitsch kann sich ethischen Einschätzungen nicht völlig entziehen und will es offensichtlich auch nicht; Indem er ins Unbewusste blickt, schützt er sich nur vor Moralisierungen. Volovich ist vor allem sich selbst gegenüber ironisch und manchmal gnadenlos. Die kürzlich fertiggestellte farbenfrohe Serie „Meine Werkstatt“ erzählt von ihm, vom Künstler, von seiner Welt, über die Volovich selbst überzeugend spricht: „Die Werkstatt ist ein Lebensraum, ihre Bühne.“ In diesem Raum verflechten sich das wirkliche Leben mit der Fiktion. Das Erhabene – mit dem Unbedeutenden. Tief – mit dem Augenblick. Das Leben ist untrennbar mit dem Spiel verbunden, und das Spiel ist tatsächlich das Leben. Alle. Von tief intim bis exponiert. Von „Alles für sich selbst“ bis „Alles zum Verkauf“. Es sind Gleichnisse aus dem Leben eines Künstlers. Die wichtigsten Szenen daraus: Reflexionen. Kreatives Scheitern. Durst nach Perfektion. Ehrgeiz... Dies ist ein Zyklus, in den immer mehr neue Geschichten aufgenommen werden können. Dies ist ein Roman in Bildern. Ein Roman mit Fortsetzung. Volovichs gesamtes Werk erscheint als ein solcher Roman oder eine mehraktige, fortlaufende Aufführung. Die „Werkstatt“ ist gerade fertig und schon stehen gigantische „Tragische Farcen“ auf der Staffelei...

Notizen
1. Die Mutter des Künstlers, Claudia Vladimirovna Filippova (1902-1950), ist Journalistin und Schriftstellerin, Autorin von Artikeln, Dramatisierungen, Geschichten und Novellen. Am beliebtesten waren die immer wieder neu aufgelegten Erzählungen „Im Gymnasium“ (1938) und „Zwischen Menschen“ (1940). Sie arbeitete in der Swerdlowsker Presse mit: in der Zeitung „Uralsky Rabochiy“, der Zeitschrift „Uralsky Contemporary“ und im „Literarischen Almanach“. Stiefvater Konstantin Wassiljewitsch Bogoljubow (1897–1975) ist Schriftsteller und Literaturkritiker sowie Forscher der Ural-Literatur.

2. An der Swerdlowsker Kunstschule studierte V. M. Volovich in der Malereiabteilung. Seine Lehrer waren A.A. Schukow (1901-1978) und O.D. Korowin, der als erfahrener Buchgrafiker Wolowitsch in seinen Nachschuljahren beeinflusste. Tolles Preis-Leistungs-Verhältnis Wolowitsch hatte in seiner Jugend Kontakt zum Maler S.A. Michailow (1905–1985), der nebenan in der Mamin-Sibiryak-Straße wohnte.

3 Design und Illustrationen für das Buch „Der Affe und die Schildkröte“, ausgezeichnet mit einem Diplom
beim All-Union-Wettbewerb“ Beste Bücher UdSSR 1959“ und eine große Silbermedaille bei der Leistungsschau Volkswirtschaft wurden von V. M. Volovich zusammen mit seiner Frau Tamara Sergeevna Volovich (1928-1999) ausgeführt, einer Künstlerin, die in der Buch- und angewandten Grafik tätig war.

4. Die Idee eines „Wolowitsch-Theaters“ wurde wiederholt vom Swerdlowsker Theaterexperten Jakow Solomonowitsch Tubin (1925-1989) geäußert, dessen freundschaftliche Kommunikation dem Künstler – Interpret der Weltliteratur – viel bedeutete.

https://www.site/2018-08-20/chem_proslavilsya_na_ves_mir_vitaliy_volovich_ego_raboty_i_dostizheniya

„Legendäre Persönlichkeit, umhüllt von Ruhm und Mythen“

Werke und Errungenschaften, die den Künstler Vitaly Volovich weltweit berühmt gemacht haben

Vitaly Volovich Jaromir Romanov

In Jekaterinburg ist heute Morgen der Künstler Vitaly Volovich gestorben. Er stammte aus Jekaterinburg, lebte 85 von 90 Jahren in der Hauptstadt des Urals und wurde gleichzeitig auf der ganzen Welt berühmt. Es ist allgemein anerkannt, dass er durch seine Illustrationen mittelalterlicher Literatur berühmt wurde, seine Werke sind jedoch auch als vollständig anzusehen unabhängige Werke. Wolowitschs Zeichnungen werden im Staatlichen Museum der Schönen Künste aufbewahrt. A. S. Puschkin in Moskau, Staatliche Tretjakow-Galerie, Staatliches Russisches Museum in St. Petersburg, Prager Nationalgalerie, Mährische Galerie in Brünn, Museum für Moderne Kunst in Köln, J. W. Goethe-Museum in Weimar, Galerien in Jekaterinburg und anderen russischen Städten. Wolowitsch reiste viel und malte bis zu seinem Lebensende.

Die Mutter von Vitaly Volovich, Klavdia Filippova, war Schriftstellerin. Als Kind mochte der zukünftige Künstler Musik mehr; er träumte davon, in der Oper zu singen, schreibt itsmycity.ru. Als Wolowitsch als Kind im nach Pawlik Morosow benannten Park „Arien probte“, erkältete er sich und bekam Halsschmerzen, und während er krank war, griff er zum Bleistift. „Shakespeare hat mich als Kind völlig in Erstaunen versetzt, denn neben den Werken selbst gab es erstaunliche Zeichnungen von Sir Gilbert ... Genau unter dem Eindruck dieser Veröffentlichungen begann ich zu zeichnen – und ich malte eifrig“, sagte der Künstler später selbst sagte in seinen von Anna Matveeva aufgezeichneten Memoiren.

Volovich V. M. Aus einer Reihe von Illustrationen zur Tragödie von W. Shakespeare. „Othello. Venezianisches Moor»EMMI

Weltruhm erlangten ihn übrigens seine Illustrationen zur Literatur des Mittelalters und der Renaissance („Der Roman von Tristan und Isolde“, „Richard III“). Er schuf auch Illustrationen für das Meisterwerk der altrussischen Literatur „Die Geschichte von Igors Feldzug“. Der Erfolg gelang ihm nach der Internationalen Buchmesse 1965 in Leipzig, wo er Stevensons schottische Ballade vorstellte, die er entworfen und illustriert hatte.

EMMI

Vitaly Volovich begann unmittelbar nach seinem Abschluss in Swerdlowsk mit der Illustration von Büchern Kunstschule. In den frühen 50er Jahren begann er mit dem Buchverlag „Mittlerer Ural“ zusammenzuarbeiten.

Regionale Kunstgalerie Pensa

Einer der ersten großen Aufträge Wolowitschs waren Illustrationen zu den Erzählungen von Pawel Baschow, mit dem seine Mutter befreundet war. Fügen wir hinzu, dass sie auch mit der Mutter des berühmten Bildhauers Ernst Neizvestny befreundet war.

„Ich habe „The Box“ mit Leidenschaft gemacht, alles war für mich sehr interessant, ich habe nur versucht, meinen Geschmack und meine Ansichten zu finden und zu rechtfertigen. Und dann stellte sich heraus, dass ich als Formalist aus dem örtlichen Verlag ausschied und Moskau eroberte, mit einer Mappe voller Zeichnungen statt mit drei Kronen. Dort wurde ich ironisch und liebevoll begrüßt und mir wurde angeboten, Illustrationen für Gorkis Gedichte „Lied vom Falken“ und „Lied vom Sturmvogel“ anzufertigen, sagte Wolowitsch. Dann wurde ihm angeboten, Corneilles Lied vom Cid und Shakespeares Richard den Dritten zu illustrieren. „Und mir wurde klar: Das ist es, was wir brauchen. Und schließlich war ich überzeugt, als ich an einem Wettbewerb in Leipzig teilnahm beste Zeichnungen zu Stevensons Gedicht „Heather Honey“. Ich schloss mich anderthalb Monate lang in meinem Atelier ein, malte ununterbrochen und erhielt schließlich eine Silbermedaille für diese Serie. Natürlich hat mir die Auszeichnung ein gewisses Gewicht gegeben, ich bin schließlich ins Mittelalter „übergewechselt“ und arbeite seitdem nicht mehr im Rahmen von Verlagsverträgen – nur noch auf kreativen Anfragen“, erinnerte sich Wolowitsch in einem Interview mit Art Friday.

vol-art.ru

Zunächst malte Vitaly Volovich mit Tusche, dann begann er mit den Techniken Linolschnitt, Radierung und Lithographie zu arbeiten. Unter ihm berühmte Werke- ein Triptychon nach dem Theaterstück von Bertolt Brecht „Angst und Verzweiflung im Dritten Reich“.

„Die Geschichte mit den Verlagen“, so Volovich, endete 1987. „Dieses ganze Ordnungssystem, die Verbindung zwischen Künstler und Schriftsteller, war kaputt. Aber ohne Bücher fiel es mir schwer. Und ich habe mir das Bild des Buches ausgedacht. Die Idee entstand vor langer Zeit – als ich Illustrationen machte, saß ich tagelang in Bibliotheken, in Theaterworkshops und sammelte Materialien. Und er malte natürlich zu einem allgemeinen Thema, nicht nach Befehlen. So entstanden die Serien „Empty Shells“ und „Circus“. Natürlich war es unmöglich, sie einzeln auszustellen; alles wurde an der Wurzel gekürzt. Aber Zeichnungen für Bücher fehlten. Und ich nannte meine „Rüstungen“ so: „Illustrationen basierend auf mittelalterlicher Literatur aus den Werken von Chrétien de Troyes und Gottfried von Straßburg.“ Und er bezeichnete die Zirkusserie als „Illustrationen basierend auf dem Werk von Eduard Bass „Umbertos Zirkus“. Soweit ich weiß, wurde das Buch noch nicht ins Russische übersetzt. Aber das hat mich nicht aufgehalten.

www.culture.ru

Insgesamt stechen im Werk des Ural-Künstlers mehrere große Serien hervor – „Medieval Mysteries“, „Women and Monsters“, „Workshop“, „Jerusalem“ sowie „Parade-alle!“ und „Altstadt“.

Vitaly Volovich ist Volkskünstler Russlands, Verdienter Künstler der RSFSR und Vollmitglied der Russischen Akademie der Künste. Im Jahr 2008 wurde in Jekaterinburg ein Denkmal für Wolowitsch und seine Freunde, die Künstler Misha Brusilovsky und German Metelev, errichtet. Skulpturale Komposition, zeigt Künstler im Gespräch – „Bürger. Conversation“ befindet sich im Park an der Lenin Avenue. Wolowitsch ist Ehrenbürger von Jekaterinburg, Irbit und der Region Swerdlowsk.

EMII

Letzten Herbst, im Alter von 89 Jahren, rutschte Vitaly Volovich aus, stürzte und brach sich die Hüfte. Als Wolowitsch im Krankenhaus mit dem Journalisten der Website über seinen Gesundheitszustand sprach, beschwerte er sich nicht über seinen Gesundheitszustand, sondern beschwerte sich: „Ich hatte so viel Arbeit und es war sehr traurig, mit der Arbeit aufhören zu müssen.“

E1.Ru

„Vitaly Volovich ist eine legendäre Persönlichkeit voller Ruhm, Mythen und Anbetung. Wir können mit Sicherheit sagen, dass die Stadt eine Zukunft hat, solange Wolowitsch in Jekaterinburg lebt“, sagte sein Freund, ein weiterer berühmter Einwohner Jekaterinburgs, Misha Brusilovsky, der 2016 starb, über Wolowitsch.

Vitaly Mikhailovich Volovich (03.08.1928 - 20.08.2018) - Sowjet und Russischer Künstler, Zeitplan. Volkskünstler Russlands.

Biographie

Vitaly Volovich wurde am 3. August 1928 in Spassk-Dalny, Region Primorje, in die Familie eines Schriftstellers geboren. Mutter Claudia Filippova ist Journalistin (kollaboriert mit „Ural Worker“, „Ural Contemporary“, „Literary Almanac“) und Autorin (Geschichten „In the Gymnasium“ (1938), „Between People“ (1940)). 1932 zogen sie und ihr Sohn nach Swerdlowsk (heute Jekaterinburg).

Kurz nachdem Vitaly zehn Jahre alt geworden war, heiratete seine Mutter (eine Schriftstellerin, Literaturkritikerin, Forscherin der Ural-Literatur) und die Familie wuchs um drei weitere Personen – sein Stiefvater hatte einen Sohn und eine Tochter.

Als Kind träumte Wolowitsch davon, in der Oper zu singen und probte Arien im Park von Pawlik Morosow. Doch er erkältete sich und bekam Halsschmerzen, und während er krank war, griff er zum Bleistift. Zeichnen war neben dem Lesen eine seiner Lieblingsbeschäftigungen zu Hause. Wolowitsch liebte es, über die Ritter der Tafelrunde zu lesen. Meine Mutter, eine Schriftstellerin, hatte viele Bücher im Haus, veröffentlichte aktiv selbst und im Opernhaus wurden Theaterstücke aufgeführt, die auf ihren Drehbüchern basierten. Der Gast in ihrem Haus war der Schriftsteller Pawel Petrowitsch Baschow. So wurden Literatur und Malerei in Zukunft untrennbar miteinander verbunden und Volovich wurde ein grafischer Illustrator.

Als er dreizehn war, kam der Krieg. Es war schwierig, Nahrung zu finden, geschweige denn Farbe. Der Künstler erinnerte sich, wie er Eierpulver mit nach Hause brachte und seine Mutter es mit Wasser verdünnte und einen großen Kuchen backte. So lebten sie vier lange Jahre. Und am Ende des Krieges geschah etwas Wichtiges – Vitaly machte den ersten Schritt in Richtung seiner Berufung, indem er die Kunstschule Swerdlowsk betrat.

„1945 wurden Kunstschüler geschickt, um Gemälde aus der Eremitage zu „verschiffen“ – Meisterwerke, die den Krieg überstanden hatten, kehrten von hinten nach Leningrad zurück. Der Junge hob geschickt eine weitere Kiste auf, als plötzlich ein Eremitage-Mitarbeiter ausrief: „Um Gottes willen, seien Sie vorsichtig, junger Mann! Hier " Verlorener Sohn„Rembrandt!“ schreibt Anna Matveeva im Buch „Citizens“.

Wie alle Studenten dieser Jahre aß Wolowitsch schlecht. „Ich kam zu Beginn des Abendunterrichts in die Schule, kaufte achtzehn Kuchen mit Marmelade, aß sie und spülte sie mit Wasser aus einer Karaffe herunter“, schreibt Matveeva laut den Erinnerungen der Künstlerin. Und ein Jahr nach ihrem College-Abschluss starb Claudia Filippovas Mutter, und lange Zeit schaute niemand beim Mittag- und Abendessen zu.

Wolowitsch V.M. Othello. Von einer Illustrationsserie zur Tragödie von W. Shakespeare. „Othello. Das venezianische Moor. 1966. EMII

Nach seinem Abschluss an der Swerdlowsker Kunstschule im Jahr 1948 begann Vitaly Volovich mit dem Buchverlag Sredneuralsk zusammenzuarbeiten: Er entwarf die Cover der Bücher N. Kushtum „My Native Side“ (1953), B. Dizhur „Thoughts“ (1954), M. Pilipenko „Roads“ (1955) usw. Zu den auffälligsten Werken dieser Zeit gehören Illustrationen für „Pantry of the Sun“ von M. Prishvin, die der Autor selbst genehmigte: „„Pantry of the Sun“ wurde unzählige Male von veröffentlicht verschiedene Länder, und in meinem Regal gibt es „Pantries“ in allen Größen und Blumen. Aber deines ist das Beste.“

Die ersten Werke entstanden in der Technik der Federzeichnung, dann wandte sich der Künstler den Techniken des Linolschnitts, der Radierung, der Lithographie, der Buch- und Staffeleigrafik zu; V in letzter Zeit Verwendet Tempera, Aquarell, Gouache. Stilistische Originalität wird durch Ausdruckskraft, Ausdruckskraft der Linien und Schattierungen sowie den Wunsch nach Monumentalität bestimmt.

Vitaly Volovich wurde berühmt für seine Illustrationen mittelalterlicher Literatur: „Das Märchen vom Feldzug Igors“, „Richard III“, „Die Romanze von Tristan und Isolde“ und anderen Werken.

Wolowitsch V.M. Richard III. mit Krone. Blatt aus einer Illustrationsserie zu W. Shakespeares Tragödie „Richard III“. 1967. EMII

Seit 1952 nimmt er an Kunstausstellungen teil; seine ersten Werke wurden in Irbit (Gebiet Swerdlowsk) ausgestellt. 1956 wurde er in den Künstlerverband der UdSSR aufgenommen.

Insgesamt stechen im Werk des Ural-Künstlers mehrere große Serien hervor – „Medieval Mysteries“, „Women and Monsters“, „Workshop“, „Jerusalem“ sowie „Parade, Alle!“ und „Altstadt“.

„Zirkus ist eine weitere Leidenschaft von ihm. Der Künstler liebte es wirklich, den alten hölzernen Zirkus an der Ecke Kuibyshev- und Rosa-Luxemburg-Straße zu besuchen“, sagt Irina Riznychok. „Im alten Zirkus gab es keine separaten Räume für Tiere oder Umkleidekabinen, und er sah gern zu, wie der Clown den Turnern Witze erzählte, hier bereiten sich die Künstler auf ihren Auftritt vor, es sind Tiere in der Nähe und alles ist so lebendig.“ Zunächst handelte es sich um Skizzen, dann erschien eine Reihe von Stichen.

Wolowitsch V.M. „Parade, Alle!“ Der zentrale Teil des Triptychons. 1979. EMII

Jetzt sind die Werke des Ural-Künstlers im Museum der Schönen Künste zu sehen. A. S. Puschkin in Moskau, die Prager Nationalgalerie, die Mährische Galerie in Brünn, das Museum für moderne Kunst in Köln, das J. V. Goethe-Museum in Weimar, Galerien in Jekaterinburg, Saratow, Nowosibirsk, Perm, die Staatliche Tretjakow-Galerie, das Staatliche Russische Museum von St. Petersburg, Jekaterinburg Gallery of Modern Art usw.; in Privatsammlungen in Russland, Amerika, Deutschland, Frankreich, Israel, Österreich, Spanien usw.

Tod

Anerkennungen und Auszeichnungen

1973 - Verdienter Künstler der RSFSR
1995 - Preisträger des G. S. Mosin-Preises
1999 - Preisträger des Gouverneurspreises des Gebiets Swerdlowsk für herausragende Leistungen auf dem Gebiet der Literatur und Kunst
2005 - Goldmedaille Russische Akademie Künste für eine Reihe grafischer Blätter zur Tragödie des Aischylos „Orestie“
2007 - Korrespondierendes Mitglied der Russischen Akademie der Künste
2007 - Ehrenbürger der Stadt Jekaterinburg
2008 - in Jekaterinburg installiert Skulpturengruppe„Städter. Conversation“ mit Darstellung dreier berühmter Persönlichkeiten Ural-Künstler Vitaly Volovich, Misha Brusilovsky und German Metelev
2008 - Ehrenbürger der Stadt Irbit
2012 - Akademiker der Russischen Akademie der Künste.
2016 - Volkskünstler Russlands.
Sowie zahlreiche Medaillen und Diplome von Allrussischen, Allunions- und internationale Shows Kunstbuch.

Erinnerung

In Jekaterinburg, wo Wolowitsch lebte, lebte er hier alle bewusstes Leben, wurde ihm eine Gedenkskulptur errichtet. Das Denkmal „Bürger“ für Vitaly Volovich, Misha Brusilovsky und German Metelev steht in der Lenin Avenue 81.

Schaffung

Zyklen

• "Zirkus"
• „Frauen und Monster“
• „Mittelalterliche Geheimnisse“
• „Jerusalem“ (1995)
• „Jekaterinburg“ (1997)

Illustrationen

• „Die Geschichte von Igors Feldzug“
• „Orestie“ von Aischylos
• „Richard III“, „Othello“ von Shakespeare (1972. Radierung.)
• „Die Romanze von Tristan und Isolde“ von J. Bedier (1972. Autolithographie)
• „Egmont“ von J. W. Goethe (1980)
• „Angst und Verzweiflung im Dritten Reich“ von B. Brecht (1970. Radierung)
• Irische Sagen
• Geschichten von P. P. Bazhov

Bibliographie

• Orlova E. Wenn ein Buch zum Leben erwacht // Abend Swerdlowsk. 1965. 11. Okt.
• Neznansky L. Grafiken von Vitaly Volovich // Kunst. 1966. Nr. 7. S. 32-36.
• Voronova O. Ihre eigene Interpretation von Shakespeare // Kreativität. 1968. Nr. 8. S. 15-16.
• Pavlovsky B. Volovich illustriert Shakespeare // Ural Worker. 1969. 20. Februar
• Hubsher A. Figura – Bilder zur Literatur // Bildende Kunst. 1971. Nr. 10. S. 520-523.
• Volovich Vitaly Mikhailovich // Künstler der Völker der UdSSR: Biobibliographisches Wörterbuch. M., 1972. T. 2. S. 328.
• Voronova O. Vitaly Volovich. Buchgrafiken. M.: Sov. Künstler, 1973. 140 Seiten, mit Abb.
• Voronova O. Tiefe des Denkens und Fühlens // Buchrezension. 1974. Nr. 24.
• Vladimirova G. Grafiken von Vitaly Volovich // Sowjetische Kultur. 1974. 29. November
• Sbyrchog V. Künstler und sozialhumanistische Wahrheit // Kultur (Chisinau). 1974. 29. November (Auf Moldauisch)
• Golynets S. Verwebung von Realität und Fiktion: Ausstellung von Werken von V. Volovich in Moskau // Abend Swerdlowsk. 1975. 29. Dezember
• Vitaly Mikhailovich Volovich: Sechzehn Reproduktionen / Enter. Kunst. L.
• Dyakonitsyna. L.: Künstler der RSFSR, 1975.
• Voronova O. Stvaralastvo Vitalia Valovica // Knjiga i svet. Belgrad, 1975.
• Bisti D. Romanze alter Legenden // Sov. Kultur. 1976. 16. Januar.
• Lebedeva V. Monumentalität der Grafik // Kunst. 1976. Nr. 6. S. 22-28.
• Shatskikh A. Meister der Buchillustration // Moskauer Künstler. 1976. 29. Januar.
• Verdienter Künstler der RSFSR Vitaly Mikhailovich Volovich: Ausstellungskatalog [in Moskau] / Comp. und der Autor wird eintreten. Kunst. S. V. Golynets. L. Künstler der RSFSR, 1977. 32 S., mit Abb.
• Vitaly Mikhailovich Volovich: Ausstellungskatalog / [Eintreten. Kunst. S.V. Golynets].
• Kunstgalerie. Karlsbad, 1977. 25 S., mit Abb. (auf Tschechisch)
• Golynets S. Vitaly Volovich // Literatur und Sie. M., 1977. Bd. 6. S. 213-216.
• Golynets S. Vergangenheit und Gegenwart // Ural-Arbeiter. 1978. 30. Dez.
• Golynets G., Golynets S. Vitaly Volovich // Sowjetische Grafiken, 78. M., 1980. S. 60-68.
• Butorina E. Vitaly Volovich // Buchkünstler: VAAP-Inform. M., 1981.
• Vitaly Volovich. Alexey Kazantsev Künstler reisen. Einfügungskatalog / Comp. und der Autor wird eintreten. Artikel von N. F. Gorbatschow. Swerdlowsk, 1982. S., Abb.
• Gerd G. Witali Wolowitch // Ausstellung Haus der Kultur und Bildung. Neu Brandenburg, 1982. 20.07 - 15.O8.
• Vitaly Volovich: Grafiken. Broschüre / Komp. und der Autor wird eintreten. Artikel. S. V. Golynets. Swerdlowsk, 1984. 16 S., mit Abb.
• Tubin Ya. Es fliegen glühende Pfeile. Ural. 1984. Nr. 6. S. Gleich: Woche. 1985. Nr. 19.
• Tubin Ya. Serie von Staffeleistichen von V. Volovich basierend auf „The Tale of Igor’s Campaign“. Sowjetische Grafiken. Bd. 9. M., 1985. S.
• Vitaly Volovich. Buch, Staffelei-Grafiken. Ausstellungskatalog / Comp. und der Autor wird eintreten. Kunst. N. Gorbatschow. Swerdlowsk, 1985. S., Abb.
• Urozhenko O. Vitaly Volovich: Probleme der Bildung von Welteinstellungen (1950er – Mitte der 1960er Jahre) // Aus der Geschichte künstlerische Kultur Ural: Sa. wissenschaftlich tr. Swerdlowsk, 1985. S. 107-121.
• Petrova N. Im Strom komplexe Welt// Ural-Arbeiter. 1986. 22. Jan.
• Galeeva T. Grafische Polyphonie // Abend Swerdlowsk. 1986. 24. Februar
• Nazarova M. Vitaly Volovich // Ural-Arbeiter. 1986. 20. April
• Voronova O. Vitaly Volovich // Die Kunst der Bücher: 1972-1980. M., 1987. Ausgabe. 10. S. 169-181.
• Vitaly Volovich. Buchstaffeleigrafiken: Ausstellungskatalog / Comp. und der Autor wird eintreten. Kunst. A. I. Korczak. Magnitogorsk, 1988.
• Krichovets A. Warnung // Ural-Arbeiter. 1988. 29. Jan.
• Panfilova O., Urozhenko O. Lektionen des Mutes // Uralarbeiter. 1988. 3. August
• Urozhenko O. Vitaly Volovich: das Phänomen der kreativen Reife (Mitte der 1960er – 1980er Jahre) // Aus der Geschichte der künstlerischen Kultur des Urals. Sa. wissenschaftlich tr. Swerdlowsk, 1988. S. 98-121.
• Volovich V. Mode und Freiheit // Ural. 1993. Nr. 5. S. 3-9.
• Abelskaya R. Volovich // Vita. 1997. Nr. 10. S. 28-32.
• Gorbacheva N. „Oresteia“ von V. Volovich // Gorbacheva N. Auf der Palette der Erinnerung: Zeit. Künstler. Ausstellungen. Jekaterinburg, 1996. S. 42-43.
• Matafonova Yu. Es ist nicht schwer, vom Pegasus zu fallen, es ist schwieriger, im Sattel zu bleiben: Neue Werke von Vitaly Volovich // Ural Worker. 1997. 14. Januar
• Klepikov V. Volovich ist ein Name, nicht nur ein Nachname // Regionalzeitung. 1998. 1. August
• Vitaly Volovich: Buch- und Staffeleigrafiken. Sammlungskatalog / Rep. für Ausgabe, comp. vyst. und Katalog, Autor des Layouts und Herausgeber. V. Karpow. [Vorwort von V. Volovich, Nachwort von N. Gorbacheva]. Irbitsky Landesmuseum Schöne Künste. Irbit, 1998. 80 S., mit Abb.
• Vitaly Volovich: Das alte Jekaterinburg. [Album] / Artikel von A. Mosin, V. Volovich, S. Golynets. Projektkoordinatorin S. Prudkova. Jekaterinburg: Promdesign 1998. S. 119, Abb. (Mit teilweiser Übersetzung ins Englische.)
• Sieben Jekaterinburger Künstler: Vitaly Volovich. Alexander Alekseev-Svinkin. Deutscher Metelev. Olga Shtukaturova. Wladimir Chursin. Michail Sazhajew. Yuri Filonenko / Comp., Design: V.V. Gipser. Die Autoren werden teilnehmen. Kunst. G.S. Kholodova, A.V. Stepanow. Projektmanager Yu.A. Kukarskikh. Jekaterinburg: Promdesign, 1999. 127 S., mit Abb. (Mit teilweiser Übersetzung ins Englische.)
• Galerie „Autograph“: Gemälde, Grafiken aus der Sammlung von T.F. Nabrosova-Brusilovskaya / Comp. Katalog T.F. Nabrosova-Brusilovskaya. Der Autor wird eintreten. Artikel von V.M. Volovich und G.S. Metelev. Ed. E.V. Roizman. Jekaterinburg: Ural University Publishing House, 2000. 166 S., Abb. (Mit Übersetzung ins Englische.)

Vitaly Volovich wurde am 3. August 1928 in Spassk-Dalny, Region Primorje, in die Familie eines Schriftstellers geboren. Mutter, Claudia Vladimirovna Filippova (1902-1950) - Journalistin (zusammengearbeitet mit „Ural Worker“, „Ural Contemporary“, „Literary Almanac“), Schriftstellerin (Geschichten „In the Gymnasium“ (1938), „Between People“ (1940) ). Stiefvater Konstantin Wassiljewitsch Bogoljubow (1897–1975) – Schriftsteller, Literaturkritiker, Forscher der Ural-Literatur. 1932 zog die Familie nach Swerdlowsk.

Nach seinem Abschluss an der Swerdlowsker Kunstschule im Jahr 1948 begann Wolowitsch mit dem Buchverlag Sredneuralsk zusammenzuarbeiten: Er entwarf die Cover der Bücher N. Kushtum „My Native Side“ (1953), B. Dizhur „Thoughts“ (1954), M . Pilipenko „Roads“ (1955) usw. Zu den auffälligsten Werken dieser Zeit gehören Illustrationen zu „Pantry of the Sun“ von M. Prishvin, die der Autor selbst genehmigte: „„Pantry of the Sun“ wurde unzählige Male von verschiedenen veröffentlicht Länder, und in meinem Regal gibt es „Pantries“ in allen Größen und Farben. Aber deines ist das Beste“

Die ersten Werke entstanden in der Technik der Federzeichnung, dann wandte sich der Künstler den Techniken des Linolschnitts, der Radierung, der Lithographie, der Buch- und Staffeleigrafik zu; In letzter Zeit verwendet sie Tempera, Aquarell und Gouache. Stilistische Originalität wird durch Ausdruckskraft, Ausdruckskraft der Linien und Schattierungen sowie den Wunsch nach Monumentalität bestimmt.

Wolowitsch wurde berühmt für seine Illustrationen mittelalterlicher Literatur: „The Lay of Igor’s Campaign“, „Richard III“, „The Romance of Tristan and Isolde“ und andere Werke.

Seit 1952 nimmt Vitaly Volovich an Kunstausstellungen teil; seine ersten Werke wurden in Irbit (Gebiet Swerdlowsk) ausgestellt. 1956 wurde er in den Künstlerverband der UdSSR aufgenommen.

Die Werke von Vitaly Volovich befinden sich im Museum der Schönen Künste. A. S. Puschkin in Moskau, die Prager Nationalgalerie, die Mährische Galerie in Brünn, das Museum für moderne Kunst in Köln, das J. V. Goethe-Museum in Weimar, Galerien in Jekaterinburg, Saratow, Nowosibirsk, Perm, die Staatliche Tretjakow-Galerie, das Staatliche Russische Museum von St. Petersburg usw.; in Privatsammlungen in Russland, Amerika, Deutschland, Frankreich, Israel, Österreich, Spanien usw.

Derzeit (2009) lebt und arbeitet Vitaly Volovich in Jekaterinburg.

Anerkennung und Auszeichnungen

• 1973 - Verdienter Künstler der RSFSR
• 1995 - Preisträger des G. S. Mosin-Preises
• 1999 - Preisträger des Gouverneurspreises des Gebiets Swerdlowsk für herausragende Leistungen auf dem Gebiet der Literatur und Kunst
• 2005 – Goldmedaille der Russischen Akademie der Künste für eine Reihe grafischer Blätter zur Tragödie des Aischylos „Orestie“
• 2007 - Korrespondierendes Mitglied der Russischen Akademie der Künste
• 2007 - Ehrenbürger der Stadt Jekaterinburg
• 2008 - Die Skulpturengruppe „Bürger“ wurde in Jekaterinburg installiert. Gespräch“ mit Darstellung der drei berühmten Ural-Künstler Vitaly Volovich, Mikhail Brusilovsky und German Metelev
• 2008 - Ehrenbürger der Stadt Irbit

Sowie zahlreiche Medaillen und Diplome von gesamtrussischen, gesamtunionischen und internationalen Ausstellungen der Buchkunst.

Schaffung

Zyklen

• "Zirkus"
• „Frauen und Monster“
• „Mittelalterliche Geheimnisse“
• „Jerusalem“ (1995)
• „Jekaterinburg“ (1997)

Illustrationen

• „Die Geschichte von Igors Feldzug“
• „Orestie“ von Aischylos
• „Richard III“, „Othello“ von Shakespeare (1972. Radierung.)
• „Die Romanze von Tristan und Isolde“ von J. Bedier (1972. Autolithographie)
• „Egmont“ von J. W. Goethe (1980)
• „Angst und Verzweiflung im Dritten Reich“ von B. Brecht (1970. Radierung)
• Irische Sagen
• Geschichten von P. P. Bazhov

Bibliographie

Bücher und wissenschaftliche Sammlungen

• Butorina E. Vitaly Volovich // Buchkünstler: VAAP-Inform. M., 1981.
• Voronova O. Vitaly Volovich // Die Kunst der Bücher: 1972-1980. M., 1987. Ausgabe. 10. S. 169-181.
• Voronova O. Vitaly Volovich. Buchgrafiken. M.: Sov. Künstler, 1973. 140 Seiten, mit Abb.
• Golynets G., Golynets S. Vitaly Volovich // Sowjetische Grafiken, 78. M., 1980. S. 60-68.
• Gorbacheva N. „Oresteia“ von V. Volovich // Gorbacheva N. Auf der Palette der Erinnerung: Zeit. Künstler. Ausstellungen. Jekaterinburg, 1996. S. 42-43.
• Olshansky D.A. Jüdische Tradition in der Grafik von Vitaly Volovich // Ost – Russland – West. Weltreligionen und Kunst. St. Petersburg: Staatliche Eremitage, 2001. S. 131–134.
• Olshansky D.A. Bilder von Bertolt Brecht in der Grafik von Vitaly Volovich // Visuelle Kultur des 20. Jahrhunderts und Probleme moderne Bildung. Perm, 1999. S. 158–160.
• Sieben Jekaterinburger Künstler: Vitaly Volovich. Alexander Alekseev-Svinkin. Deutscher Metelev. Olga Shtukaturova. Wladimir Chursin. Michail Sazhajew. Yuri Filonenko / Comp., Design: V. V. Shtukaturov. Die Autoren werden teilnehmen. Kunst. G. S. Kholodova, A. V. Stepanov. Projektleiter Yu. A. Kukarskikh. Jekaterinburg: Promdesign, 1999. 127 S., mit Abb. (Mit teilweiser Übersetzung ins Englische.)
• Urozhenko O. Vitaly Volovich: Probleme der Gestaltung der Weltbeziehungen (1950er – Mitte der 1960er Jahre) // Aus der Geschichte der künstlerischen Kultur des Urals: Sammlung. wissenschaftlich tr. Swerdlowsk, 1985. S. 107-121.
• Urozhenko O. Vitaly Volovich: das Phänomen der kreativen Reife (Mitte der 1960er – 1980er Jahre) // Aus der Geschichte der künstlerischen Kultur des Urals. Sa. wissenschaftlich tr. Swerdlowsk, 1988. S. 98-121.

Zeitschriftenveröffentlichungen

• Abelskaya R. Volovich // Vita. 1997. Nr. 10. S. 28-32.
• Volovich V. Mode und Freiheit // Ural. 1993. Nr. 5. S. 3-9.
• Voronova O. Ihre eigene Interpretation von Shakespeare // Kreativität. 1968. Nr. 8. S. 15-16.
• Golynets S. Vitaly Volovich // Literatur und Sie. M., 1977. Bd. 6. S. 213-216.
• Lebedeva V. Monumentalität der Grafik // Kunst. 1976. Nr. 6. S. 22-28.
• Neznansky L. Grafiken von Vitaly Volovich // Kunst. 1966. Nr. 7. S. 32-36.
• Tubin Ya. Es fliegen glühende Pfeile. Ural. 1984. Nr. 6.
• Tubin Ya. Serie von Staffeleistichen von V. Volovich basierend auf „The Tale of Igor’s Campaign“. Sowjetische Grafiken. Bd. 9. M., 1985. S.

Broschüren und Kataloge für Ausstellungen

• Vitaly Mikhailovich Volovich: Sechzehn Reproduktionen / Enter. Kunst. L. Dyakonitsyna. L.: Künstler der RSFSR, 1975.
• Verdienter Künstler der RSFSR Vitaly Mikhailovich Volovich: Ausstellungskatalog [in Moskau] / Comp. und der Autor wird eintreten. Kunst. S. V. Golynets. L. Künstler der RSFSR, 1977. 32 S., mit Abb.
• Vitaly Mikhailovich Volovich: Ausstellungskatalog / [Eintreten. Kunst. S.V. Golynets]. Kunstgalerie. Karlsbad, 1977. 25 S., mit Abb. (auf Tschechisch)
• Vitaly Volovich. Alexey Kazantsev Künstler reisen. Einfügungskatalog / Comp. und der Autor wird eintreten. Artikel von N. F. Gorbatschow. Swerdlowsk, 1982. S., Abb.
• Vitaly Volovich: Grafiken. Broschüre / Komp. und der Autor wird eintreten. Artikel. S. V. Golynets. Swerdlowsk, 1984. 16 S., mit Abb.
• Vitaly Volovich. Buch- und Staffeleigrafiken. Ausstellungskatalog / Comp. und der Autor wird eintreten. Kunst. N. Gorbatschow. Swerdlowsk, 1985. S., Abb.
• Vitaly Volovich. Buchstaffeleigrafiken: Ausstellungskatalog / Comp. und der Autor wird eintreten. Kunst. A. I. Korczak. Magnitogorsk, 1988.
• Galerie „Autograph“: Gemälde, Grafiken aus der Sammlung von T. F. Nabrosova-Brusilovskaya / Comp. Katalog T. F. Nabrosova-Brusilovskaya. Der Autor wird eintreten. Artikel von V. M. Volovich und G. S. Metelev. Ed. E. V. Roizman. Jekaterinburg: Ural University Publishing House, 2000. 166 S., Abb. (Mit Übersetzung ins Englische.)
• Vitaly Volovich: Buch- und Staffeleigrafiken. Sammlungskatalog / Rep. für Ausgabe, comp. vyst. und Katalog, Autor des Layouts und Herausgeber. V. Karpow. [Vorwort von V. Volovich, Nachwort von N. Gorbacheva]. Staatliches Museum der Schönen Künste Irbit. Irbit, 1998. 80 S., mit Abb.
• Vitaly Volovich: Das alte Jekaterinburg. [Album] / Artikel von A. Mosin, V. Volovich, S. Golynets. Projektkoordinatorin S. Prudkova. Jekaterinburg: Promdesign 1998. S. 119, Abb. (Mit teilweiser Übersetzung ins Englische.)