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Dmitry Vdovin wurde am 17. April 1962 in der Stadt Jekaterinburg geboren. Absolvent Staatsinstitut Theaterkunst in Moskau und studierte anschließend an der Graduiertenschule dieser Universität unter der Leitung von Professor Inna Solovyova als Theaterkritikerin, veröffentlichte in großen zentralen Zeitungen und Zeitschriften. Anschließend absolvierte er eine Umschulung und schloss sein Studium als Sänger und Gesangslehrer an der V.S. Popov Academy of Choral Arts ab. Von 1987 bis 1992 - Mitarbeiter, verantwortlich für die Arbeit im Bereich Musiktheater der Union der Theaterarbeiter der UdSSR.

Ausbildung zum Gesangslehrer am ECOV – Europäisches Zentrum für Oper und Gesangskunst in Belgien unter der Leitung des Leiters der Gesangsabteilung des Curtis Institute of Music in Philadelphia, Michael Elisen. 1992 wurde Dmitry Vdovin künstlerischer Leiter des Moskauer Zentrums für Musik und Theater, einer Kunstagentur, die an gemeinsamen kreativen Projekten mit großen internationalen Theatern, Festivals und anderen beteiligt war Musikorganisationen.

Seit 1996 arbeitete D. Vdovin mit der großen russischen Sängerin I.K. Arkhipova als Lehrerin und Leiterin zusammen Sommerschule, Co-Moderatorin ihres Fernsehens und Konzertprogramme. Seit 1995 - Lehrer, von 2000 bis 2005 - Leiter der Gesangsabteilung der Gnessin State Medical University, 1999-2001 - Lehrer an der Gnessin Russian Academy of Music, seit 2001 - außerordentlicher Professor, Leiter der Abteilung Sologesang Akademie für Chorkunst, benannt nach V.S. Popov, seit 2008 - Professor der Akademie der Künste.

D. Vdovin gab Meisterkurse in vielen Städten Russlands sowie in den USA, Mexiko, Italien, Lettland, Frankreich, Polen und der Schweiz. Er war regelmäßiger Gastdozent für das Jugendprogramm der Houston Grand Opera. Von 1999 bis 2009 - künstlerischer Leiter und Lehrer der Moskauer Internationalen Schule für Gesangsbeherrschung, die es den größten Opernlehrern und -spezialisten aus Russland, den USA, Italien, Deutschland und Großbritannien ermöglichte, nach Moskau zu kommen, um mit jungen Menschen zu arbeiten Sänger

Mitglied der Jury zahlreicher renommierter Gesangswettbewerbe - Internationaler Wettbewerb Glinka, 1. und 2. Allrussischer Musikwettbewerb, Internationaler Wettbewerb Le voci verdiane in Busseto, Internationaler Gesangswettbewerb benannt nach Viotti und Pavarotti in Vercelli, AsLiCo in Como, Internationale Wettbewerbe in Paris und Bordeaux, Competizione dell'opera Italiana am Bolschoi-Theater , Internationaler Wettbewerb in Montreal, Wettbewerb des Fernsehsenders „Culture“, „Big Opera“, Gesangswettbewerb in Izmir, Internationaler Moniuszko-Wettbewerb in Warschau, „Die Meistersinger von Nürnberg“ in Nürnberg, Opera de Tenerife in Spanien.

Seit 2009 - einer der Gründer und künstlerischer Leiter Jugendopernprogramm Bolschoi-Theater Russland. Seit 2015 - Gastdozent am Internationalen Opernstudio der Oper Zürich. Meisterkurse an der Metropolitan Opera, New York.

Musikalischer Berater für Pavel Lungins Film „The Queen of Spades“. Auch D.Yu. Vdovin war stellvertretender Leiter der Kreativteams Operntruppe Bolschoi-Theater.

Wdowin Dmitri Jurjewitsch
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Dmitri Jurjewitsch Wdowin(b.) - Russische Opernfigur und Gesangslehrer, Verdienter Künstler der Russischen Föderation, Professor an der Akademie der Chorkünste.

Künstlerischer Leiter des Jugendopernprogramms des Bolschoi-Theaters Russlands.

Biografie

Geboren am 17. April 1962 in Swerdlowsk (heute Jekaterinburg). Er absolvierte das Staatliche Institut für Theaterkunst (heute RATI) in Moskau und studierte anschließend an der Graduiertenschule dieser Universität unter der Leitung von Professor Inna Solovyova als Theaterkritiker (Opernkritiker), der in großen zentralen Zeitungen und Magazinen veröffentlichte. Anschließend absolvierte er eine Umschulung und absolvierte die Akademie der Chorkünste. V. S. Popova als Sängerin und Gesangslehrerin. Von 1987 bis 1992 - Verantwortlicher Mitarbeiter für die Arbeit im Bereich Musiktheater der Union der Theaterarbeiter der UdSSR. Er absolvierte eine Ausbildung zum Gesangslehrer am ECOV – dem Europäischen Zentrum für Oper und Gesangskunst in Belgien unter der Leitung des Leiters der Gesangsabteilung des Curtis Institute of Music in Philadelphia, Michael Elisen (1992–1993). 1992 wurde Dmitry Vdovin künstlerischer Leiter des Moskauer Zentrums für Musik und Theater, einer Kunstagentur, die an gemeinsamen kreativen Projekten mit großen internationalen Theatern, Festivals und Musikorganisationen teilnahm. Seit 1996 arbeitet D. Vdovin mit der großen russischen Sängerin I.K. Arkhipova als Lehrerin und Leiterin ihrer Sommerschule zusammen und ist Co-Moderatorin ihrer Fernseh- und Konzertprogramme. Von 1995 - Lehrer, von 2000 bis 2005. - Leiter der Gesangsabteilung der nach ihm benannten Staatlichen Medizinischen Universität. Gnessins, 1999-2001 - Lehrer an der Russischen Musikakademie. Gnesins, seit 2001 - außerordentlicher Professor, Leiter (bis 2003) der Abteilung für Sologesang an der nach ihm benannten Akademie für Chorkunst. V. S. Popova, seit 2008 - Professorin am AHI. D. Vdovin gab Meisterkurse in vielen Städten Russlands sowie in den USA, Mexiko, Italien, Lettland, Frankreich, Polen und der Schweiz. War ständiger Gastlehrer Jugendprogramm an der Houston Grand Opera (HGO Studio). Von 1999 bis 2009 - künstlerischer Leiter und Lehrer der Moskauer Internationalen Schule für Gesangsbeherrschung, die es den größten Opernlehrern und -spezialisten aus Russland, den USA, Italien, Deutschland und Großbritannien ermöglichte, nach Moskau zu kommen, um mit jungen Menschen zu arbeiten Sänger

Mitglied der Jury vieler renommierter Gesangswettbewerbe – des nach ihm benannten Internationalen Wettbewerbs. Glinka, 1. und 2. Allrussischer Musikwettbewerb, Internationaler Wettbewerb Le voci verdiane (Verdi-Stimmen) in Busseto, nach ihm benannter Internationaler Gesangswettbewerb. Viotti und Pavarotti (Italien), Internationale Wettbewerbe in Paris und Bordeaux (Frankreich), Competizione dell'opera Italiana am Bolschoi-Theater, Internationaler Wettbewerb in Montreal (Kanada), Wettbewerb des Fernsehsenders „Culture“, „Grand Opera“, Gesangswettbewerb in Izmir (Türkei), nach ihm benannte internationale Wettbewerbe. Moniuszko in Warschau, „Die Meistersinger von Nürnberg“ in Nürnberg, Opera de Tenerife in Spanien.

Seit 2009 - einer der Gründer und künstlerischer Leiter des Jugendopernprogramms des Bolschoi-Theaters Russlands. Seit 2015 - Gastdozent am Internationalen Opernstudio der Oper Zürich. Meisterkurse an der Metropolitan Opera, New York (Lindemann Young Artist Development Program).

Musikalischer Berater für Pavel Lungins Film „The Queen of Spades“ (2016).

Auch D. Yu. Vdovin war stellvertretender Leiter des Kreativteams der Operntruppe des Bolschoi-Theaters (2013–2014).

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Anmerkungen

Links

http://gazetaigraem.ru/a21201406

Auszug über Wdowin, Dmitri Jurjewitsch

- Nein, Isidora. Wissen Sie, was das Wort Franks bedeutet? – Ich schüttelte verneinend den Kopf. „Franks“ bedeutet einfach kostenlos. Und die Merowinger waren Nordrussen, die kamen, um den freien Franken die Kunst des Krieges, der Regierung des Landes, der Politik und der Wissenschaft beizubringen (wie sie in alle anderen Länder gingen und zum Unterricht und Nutzen anderer lebender Menschen geboren wurden). Und sie wurden richtigerweise Meravingli (wir-Ra-in-Inglia; wir, die Kinder von Ra, die Licht in unser ursprüngliches, ursprüngliches England bringen) genannt. Aber natürlich wurde dieses Wort dann, wie viele andere Dinge auch, „vereinfacht“... und es begann wie „Merowinger“ zu klingen. So entstand eine neue „Geschichte“, die besagte, dass der Name Merowinger vom Namen des fränkischen Königs – Merowien – abstamme. Obwohl dieser Name nichts mit König Merovius zu tun hatte. Darüber hinaus war König Merovius bereits der dreizehnte der merowingischen Könige. Und es wäre natürlich logischer, die gesamte Dynastie nach dem ersten der regierenden Könige zu benennen, nicht wahr?
Genau wie die andere dumme Legende über das „Seeungeheuer“, aus dem angeblich die Merowinger-Dynastie hervorging, hatte auch dieser Name natürlich nichts damit zu tun. Anscheinend wollten die Denkenden Dunklen wirklich, dass die Menschen die wahre Bedeutung des NAMEN der herrschenden Frank-Dynastie nicht kennen. Deshalb versuchten sie, sie schnell umzubenennen und sie in „schwache, unglückliche und erbärmliche“ Könige zu verwandeln, wobei sie erneut über die Geschichte der realen Welt lügten.
Meravingli waren eine kluge, intelligente und begabte Dynastie im Norden Russlands, die ihr Land freiwillig verließ tolle Heimat und vermischten ihr Blut mit den höchsten Dynastien des damaligen Europas, so dass daraus eine neue mächtige Familie von Magiern und Kriegern hervorging, die die Länder und Völker, die damals im halbwilden Europa lebten, mit Bedacht regieren konnten.
Sie waren wunderbare Zauberer und Krieger, sie konnten die Leidenden heilen und die Würdigen lehren. Ausnahmslos alle Meravingli trugen sehr lange Haare, die sie unter keinen Umständen töten wollten, da sie lebendige Kraft durch sie zogen. Aber leider war dies auch den Denkenden Dunklen bekannt. Deshalb am meisten schreckliche Strafe Die letzte Königsfamilie der Meravingl wurde gewaltsam tonsuriert.
Nach dem Verrat des königlichen jüdischen Schatzmeisters, der in dieser Familie mit Lügen und List Bruder gegen Bruder, Sohn gegen Vater hetzte und dann leichtfertig den Stolz und die Ehre der Menschen ausnutzte ... So geschah es zum ersten Mal in der königlichen Familie von Meravingley: die ehemalige Festung wurde erschüttert. Und der unerschütterliche Glaube an die Einheit der Familie gab den ersten tiefen Riss... Der jahrhundertealte Krieg der Meravingleys mit dem gegnerischen Clan begann sein trauriges Ende zu finden... Der letzte echte König dieser wunderbaren Dynastie – Dagobert II wurde erneut auf heimtückische Weise getötet – er starb bei der Jagd durch die Hände eines bestochenen Mörders, der ihm mit einem vergifteten Speer in den Rücken stach.

Hier endete die begabteste Dynastie Europas, die dem unaufgeklärten europäischen Volk Licht und Stärke brachte (oder vielmehr ausgerottet wurde). Wie Sie sehen können, wagten Isidora, Feiglinge und Verräter zu allen Zeiten, nicht offen zu kämpfen, da sie sicher wussten, dass sie nie die geringste Chance hatten und auch nicht haben würden, ehrlich zu gewinnen. Aber mit Lügen und Niedrigkeit besiegten sie selbst die Stärksten und nutzten ihre Ehre und ihr Gewissen zu ihren Gunsten ... ohne sich überhaupt Sorgen um ihre eigene Seele zu machen, die „in Lügen zugrunde geht“. Nachdem sie die „störenden Erleuchteten“ vernichtet hatten, erfanden die Denkenden Dunklen dann eine „Geschichte“, die zu ihnen passte. Und die Menschen, für die eine solche „Geschichte“ geschaffen wurde, akzeptierten sie sofort, ohne auch nur den Versuch zu unternehmen, darüber nachzudenken ... Das ist wiederum unsere Erde, Isidora. Und ich bin aufrichtig traurig und verletzt, dass ich sie nicht „aufwachen“ lassen kann ...
Mein Herz schmerzte plötzlich bitterlich und schmerzhaft... Es gab also zu jeder Zeit helle und starke Leute, der mutig, aber aussichtslos für das Glück und die Zukunft der Menschheit gekämpft hat! Und sie starben in der Regel alle... Was war der Grund für solch grausame Ungerechtigkeit?... Was war der Grund für so wiederholte Todesfälle?

Geboren 1962 in Swerdlowsk (heute Jekaterinburg).
Er absolvierte das Staatliche Institut für Theaterkunst (GITIS-RATI) in Moskau und studierte anschließend an der Graduiertenschule bei Professor Inna Solovyova in der Fachrichtung „ Theaterkritik" Veröffentlicht in großen nationalen Zeitungen und Zeitschriften.
Anschließend absolvierte er eine Umschulung und schloss sein Studium an der nach ihm benannten Akademie für Chorkunst ab. V.S.Popova.

Von 1987 bis 1992 - Verantwortlicher Mitarbeiter für die Arbeit im Bereich Musiktheater der Union der Theaterarbeiter der UdSSR.

1992-93 Ausbildung zum Gesangslehrer am Europäischen Zentrum für Oper und Vokalkunst (ECOV) in Belgien unter der Leitung von Michael Elisen, Leiter der Gesangsabteilung des Curtis Institute of Music in Philadelphia.

1992 wurde Dmitry Vdovin künstlerischer Leiter des Moskauer Zentrums für Musik und Theater, einer Kunstagentur, die mit großen Theatern, Festivals und Musikorganisationen zusammenarbeitete.

Seit 1996 arbeitet Dmitry Vdovin mit der großen russischen Sängerin Irina Arkhipova als Lehrerin und Leiterin ihrer Sommerschule sowie als Co-Moderatorin ihrer Fernseh- und Konzertprojekte zusammen.

Seit 1995 - Lehrer, 2000-05. - Leiter der Gesangsabteilung des Staates Musikschule ihnen. Gnesins, 1999-2001. - Lehrer Russische Akademie Musik benannt nach Gnesine.
Im Jahr 2001-03 - Leiter der Abteilung für Sologesang an der nach ihm benannten Akademie für Chorkunst. V.S. Popova (seit 2001 - außerordentlicher Professor, seit 2008 - Professor am AHI).

Dmitry Vdovin gab Meisterkurse in vielen Städten Russlands sowie in den USA, Mexiko, Italien, Kanada, Lettland, Frankreich und Polen. War ständiger Gastdozent für das Jugendprogramm Große Oper Houston (HGO Studio).

1999-2009 - künstlerischer Leiter und Lehrer der Moskauer Schule internationale Schule stimmliche Beherrschung, die es den größten Opernlehrern und Spezialisten aus Russland, den USA, Italien, Deutschland und Großbritannien ermöglichte, nach Moskau zu kommen, um mit jungen Sängern zu arbeiten. Die klügsten jungen russischen Opernstars des ersten Jahrzehnts des neuen Jahrhunderts durchliefen diese Schule.

Mitglied der Jury vieler renommierter Gesangswettbewerbe – des nach ihm benannten Internationalen Wettbewerbs. M. Glinka, ich Allrussisch Musikwettbewerb, Internationaler Gesangswettbewerb, benannt nach. G.B. Viotti (Italien), Internationale Wettbewerbe in Paris und Bordeaux (Frankreich), Internationaler Wettbewerb Competizione dell’opera, Internationaler Wettbewerb in Montreal (Kanada), Wettbewerb des Fernsehsenders „Culture“ „Grand Opera“ und viele andere.

Seit 2009 - künstlerischer Leiter des Jugendopernprogramms des Bolschoi-Theaters Russlands.

Zu seinen Schülern zählen Gewinner der renommiertesten Wettbewerbe und führende Solisten größten Theater Welt, wie das Bolschoi-Theater, die Scala, die Metropolitan Opera, die Royal Opera Covent Garden, die Wiener Staatsoper, die Berliner Staatsoper, Paris Nationaloper, Teatro Real in Madrid und viele andere.

Es ist bemerkenswert, dass in drei Opern, das dieses Jahr beim ROF-Festival aufgeführt wird, werden die Hauptpartien des Tenors von Sängern aus Russland gesungen, und alle von ihnen sind Schüler von Professor Dmitri Jurjewitsch Wdowin.

Es scheint, dass die Sommermonate einen Rückgang der Intensität der Theaterleidenschaften mit sich bringen sollten, aber das geschieht nicht. Gerade im Sommer gibt es zahlreiche schwierige und sehr prestigeträchtige Wettbewerbe und Feste. Unter der großen Anzahl von Festivals spezieller Ort gehört ROF – Rossinievsky Opernfestspiele, findet jährlich in der Stadt Pesaro in Italien statt, dem Geburtsort von Gioachino Rossini. Die Eröffnung dieses Festivals findet am 10. August statt.

Das ROF-2017-Programm wird mit einer Aufführung der Oper „Die Belagerung von Korinth“ von G. Rossini, Tenor Sergei Romanovsky in der Hauptrolle, eröffnet. Am nächsten Tag, dem 11. August, wird die Oper Touchstone von G. Rossini unter Beteiligung des Tenors Maxim Mironov aufgeführt. Am 12. August wird die Oper „Torvaldo und Dorliska“ von G. Rossini aufgeführt, in der der Tenor Dmitry Korczak singen wird. Sie alle sind Schüler von Dmitry Vdovin.

- Was ist das Geheimnis des „Wdovin-Schulphänomens“?

Eine Frage, die nicht leicht zu beantworten ist, da sie eher „Fanfare“-Charakter hat. Und wie Sie wissen, kann man „zur Fanfare“ donnern. (lacht) Aber andererseits, ich werde nicht lügen, es gibt Ergebnisse und die Sänger, mit denen ich zusammengearbeitet habe, nehmen einen festen und ernsten Platz im Weltoperntheater ein. Es ist interessant, dass ich mich in meiner Jugend sehr für Rossini interessierte. Der Grund dafür waren die Aufnahmen „ Barbier von Sevilla" und "Italienische Frauen in Algerien". Sie wurden auf Russisch gemacht, was auch eine wichtige Rolle spielte; ich war zu jung und vielleicht hätte mich ein Auftritt auf Italienisch nicht so sehr gefesselt. Ich war fasziniert von Rossinis Theatralik, seinem Humor, seiner erstaunlichen melodischen Großzügigkeit und seinem vitalen Hedonismus. Und für mich, der ich im rauen Klima des Urals und unter den nicht weniger harten Bedingungen der UdSSR lebte, schien nicht nur seine Musik, sondern auch seine gesamte Geschichte (ich las Stendhals „Das Leben des Rossini“) wie eine Art außergewöhnliche und festliche Welt. Worauf ich mich nur als bescheidener Besitzer von Schallplatten einlassen konnte.

Doch so kam es, dass zu Beginn meiner Lehrtätigkeit mit einer kleinen zeitlichen Lücke drei Tenöre zu mir kamen, die sich zu Spezialisten des Rossini-Repertoires entwickelten. Es stimmt, es hat nicht alles so einfach geklappt. Der 18-jährige Maxim Mironov wurde von mir aufgrund der Besonderheiten seiner ungewöhnlich hohen und sehr beweglichen Stimme ohne Zweifel sofort als Tenor für Rossini in Betracht gezogen. Die erste Arie, die ich ihm gab, war „Languir per una bella“ aus „Eine Italienerin in Algier“ und dann „O come mai non senti“ aus „Othello“. Und er ist jetzt einer der besten Lindors und Rodrigos.

Sergei Romanovsky... In den ersten Monaten und sogar einem Jahr habe ich wahrscheinlich mehr mit ihm an Don Ottavio, Nemorino, Lensky gearbeitet. Obwohl nein, begannen wir schon bald, „Aschenputtel“ zu singen, und ich erinnere mich, wie Mironov es zum ersten Mal hörte und mich am Telefon anrief, wie jemand anderes, der Rossini sang. Es war Romanowski! Aber Serezhas ernsthafte Annäherung an Rossini erfolgte, als ich beschloss, in Moskau eine halbszenische Aufführung von „Reise nach Reims“ zu geben. Es muss gesagt werden, dass diese Geschichte von vor 10 Jahren viele Menschen sowohl in den Beruf als auch in die Rossini-Welt eingeführt hat. Vor allem aber gab sie Romanovsky viel, der der einzige Graf Libenskof war. Dies ist der schwierigste und virtuoseste Teil, und dank ihm erregte er die Aufmerksamkeit von Spezialisten, von denen viele damals speziell für unsere praktisch studentischen Aufführungen nach Moskau kamen. Bald darauf debütierte er in dieser Rolle in Italien, in Treviso und Jesi, und bald stellte sich heraus, dass Libenskoff in einer Reihe von Aufführungen an der Scala abwechselnd Korczak und Romanovsky sang. Es war ein sehr riskanter Moment, es war zu früh für ein Debüt an einem so wichtigen Theater in so jungen Jahren. Aber trotzdem ging alles weiter. Mironov sang seinen ersten Rossini in La Fenice in Venedig (Mahomet II), dies war sein erster Vertrag im Westen nach dem Wettbewerb Neue Stimmen, wo er im Finale von Lindors Arie das obere stratosphärische Es übernahm. Übrigens muss ich sagen, dass es Anfang der 2000er Jahre noch nicht so viele hohe Rossini-Tenöre gab wie heute. Der Wettbewerb hat spürbar zugenommen.

Dmitry Korczak, den ich eher als Tenor für Mozart, die französische Lyrik und das russische Repertoire betrachtete (und ich glaube bis heute, dass dies seine wichtigsten sind). Starke Seiten), dennoch begann Rossini viel zu singen. Seine herausragenden musikalischen Fähigkeiten erregten die Aufmerksamkeit bedeutender Dirigenten (Muti, Chailly, Maazel, Zedda) sowie von Ernesto Palacio, früher ein sehr bekannter Rossini-Tenor, später der Mentor von Juan Diego Flores und jetzt der erste Mensch in der Rossini-Welt , Leiter des Festivals, und jetzt der Akademie in Pesaro, Rossinis Heimat. Er, Maestro Palacio, war es, der dieses Jahr unsere drei Tenöre zusammenbrachte, worauf ich stolz sein kann.

Bei ROF-2017 gibt es drei Tenöre, und alle sind Ihre Schüler. Dies sind Korczak, Mironov, Romanovsky. Sie sind natürlich unterschiedlich, aber was verbindet sie als Ihre Schüler?

Sie sind talentiert, sehr klug, jeder auf seine Art und sehr fleißig. Ich kann faule Leute nicht ausstehen. Faule Besitzer schöne Stimmen- für mich sind das Philister aus der Kunst, eine Art geistig dickbäuchiger Mieter ihrer stimmlichen Fähigkeiten. Diese drei sind überhaupt nicht so. Sehr verantwortungsbewusste, ernsthafte und nachdenkliche Künstler. Das ist es, was sie verbindet

- Lieber Dmitry Yuryevich, kurze biografische Informationen über Sie finden Sie im Internet, aber fangen wir noch einmal von vorne an: mit Ihrer Familie, von Kindheit an. Wie und wo begann Ihr Einstieg in die Welt der Musik, des Gesangs und des Operntheaters?

Ich bin in Swerdlowsk geboren und aufgewachsen. Meine Eltern und alle meine Verwandten im Allgemeinen sind ausschließlich Physiker und Mathematiker. Mama ist Lehrerin für höhere Mathematik an der Ural State University staatliche Universität, Papa ist Physiker, war Direktor eines großen Forschungsinstituts, Onkel ist auch Physiker, Tante ist Algebraistin, Bruder ist der Kopf. Fakultät für Mathematik an der Akademie, jetzt in Jekaterinburg. Die über die ganze Welt verstreuten Cousins ​​sind allesamt Mathematiker.

Ich bin also, wie man so sagt, die einzige Ausnahme in der Familie, nicht ohne ... einen Musiker!

Aber gleichzeitig haben alle in der Kindheit Musik studiert: sowohl der Vater als auch der Bruder. Aber irgendwie habe ich dabei einfach „verweilt“. Er schloss die Musikschule mit einem Abschluss in Klavier ab und trat bei GITIS ein, um an der Fakultät für Theaterwissenschaft zu studieren. Und dann erwies sich mein Pianismus als sehr nützlich, ich lebte damit und begleitete die Sänger. Das heißt, es war eine Art „Tauschhandel“ – ich lernte Gesang von Freunden und Bekannten und „zahlte es zurück“, indem ich Arien und Romanzen auf dem Klavier spielte und mit ihnen neue Werke lernte. Ich wollte in meiner Jugend unbedingt selbst singen, aber meine Eltern, die ernsthafte Menschen waren, rieten mir, zuerst eine zuverlässigere Spezialisierung zu machen, also schloss ich mein Studium als Theaterfachfrau mit Spezialisierung auf Oper ab und schloss dann die Graduiertenschule ab.

Leider habe ich keinen echten Gesangslehrer getroffen, der an mich glauben und mir einen Anfang geben würde. Vielleicht reichten die persönlichen Qualitäten für eine Karriere als Sänger-Solist nicht aus, und Gott sei Dank habe ich das rechtzeitig erkannt. Alles, was nicht getan wird, ist zum Besseren. Im Allgemeinen begann ich erst ziemlich spät, mit 30 Jahren, anständig zu singen. Zu diesem Zeitpunkt kannten mich bereits viele Leute Opernwelt in einer anderen Funktion. Die Situation war heikel – in der Union der Theaterarbeiter „befehligte“ ich das Musiktheater. Es war ein kurzlebiger Verein am Ende der Sowjetunion, der riesige Festivals und Wettbewerbe mit Millionenbudgets und guten Absichten organisierte ...

Anfang der 90er Jahre ging ich nach Belgien, um mich als Gesangslehrer weiterzubilden, und als sie mir einen Vertrag bei einer ziemlich großen Agentur als Sängerin anboten, wurde mir plötzlich klar, dass es zu spät war, wie man so schön sagt: „Der ganze Dampf.“ war weg“, oder besser gesagt, ich machte mich auf den Weg in die andere Richtung – zum Unterrichten.

- Aber da ist historische Beispiele späte Gesangskarrieren – Tenor Nikandr Khanaev, der mit 36 ​​Jahren begann, Bass Boris Gmyrya – mit 33 Jahren debütierte Antonina Nezhdanova erst mit 29 Jahren auf der professionellen Bühne.

Erstens lebten sie Anfang bis Mitte des 20. Jahrhunderts. Je näher sie ihren Zeitgenossen stehen, desto schwieriger ist es, Sänger zu finden, die mit 30 Jahren anfangen, und außerdem hat jeder seinen eigenen „Sicherheitsspielraum“ in Sachen Ausdauer beim Erreichen ihrer Ziele.

Als die Sowjetunion zusammenbrach, organisierten wir „aus den Ruinen“ von STD eine Konzert- und Schauspielagentur, die recht erfolgreich war. Ich erinnere mich mit besonderer Dankbarkeit an diese Tage, denn im Alter von 28 Jahren begann ich zum ersten Mal, ins Ausland zu reisen; aus irgendeinem Grund hatte man mir vorher nicht erlaubt, das Land zu verlassen. Dies bot ein riesiges Hörerlebnis, die Gelegenheit, sich kennenzulernen die besten Produktionen Opern auf Weltbühnen, Stimmen live bewerten berühmte Sänger. Ich entdeckte neue Welt, wo sie bis auf seltene Ausnahmen völlig anders sangen als wir.

Ich musste einige Ideen in mir zerbrechen, weil mein Gehör durch die sowjetische Operntradition sowohl im guten als auch im schlechten Sinne des Wortes „verwischt“ war. Ich wurde technisch und stilistisch umgebaut, mein Geschmack veränderte sich. Es war nicht einfach, manchmal habe ich dumme Dinge getan. Eine Zeit lang habe ich aus Interesse mit den Jungs gelernt; ich kann mich nicht einmal daran erinnern, Geld für den Unterricht genommen zu haben.

Und dann wurde ich eingeladen, Gesang an der Gnessin-Schule in der Abteilung für Musiktheaterschauspieler zu unterrichten. Für mich nahmen sie den einzigen Studenten speziell für die zusätzliche Aufnahme auf – Rodion Pogosov. Er war damals 16 Jahre alt, hatte noch nie gesungen und träumte im Allgemeinen davon, Theaterschauspieler zu werden. Aber in Theateruniversitäten Er wurde nicht angenommen, ging „aus Trauer“ in die Schule und landete bei mir. Bereits im Alter von 19 Jahren, im 3. Lebensjahr, debütierte er als Papageno in „ Neue Oper“, und im Alter von 21 Jahren wurde er der jüngste Teilnehmer des Jugendprogramms des Metropolitan und so weiter. Mittlerweile ist Rodion ein gefragter internationaler Künstler.

- Na ja, selbst der „erste Pfannkuchen“ ist bei dir nicht klumpig geworden!

Ja, die Arbeit mit meinem ersten Schüler hat mir viel Kraft und Energie abverlangt. Ich zwang ihn, zusammen mit seiner Mutter ständig Gesang zu üben. Dabei handelte es sich nicht um gewöhnlichen Unterricht zweimal pro Woche für 45 Minuten, sondern um Unterricht fast jeden Tag. Einfach ausgedrückt: Ich habe ihn verfolgt und dabei Widerstände und Lernunlust überwunden. Du kannst es vollkommen verstehen kleiner Junge, der ebenfalls nicht an seine stimmlichen Fähigkeiten glaubte. Er lachte sogar über die Sänger; allein der Prozess des akademischen Singens kam ihm lächerlich vor.

- Es stellte sich heraus, dass Sie von Grund auf lernen mussten! Und man hat den Eindruck, dass Vdovins Schüler – wir wissen mehr über die Absolventen der Chorakademie – bereits von Kindheit an vorbereitete Jungs sind, die im Alter von 6 bis 7 Jahren singen, sehr kompetente Musiker.

Jetzt sagt man über mich, dass ich die Besten vom Besten in meine Klasse nehme, beste Stimmen. Sollen wir die Schlechten nehmen? Oder muss ich jemandem etwas beweisen? Jeder normale Künstler (Künstler, Meister) wählt immer das Beste. Ja, jetzt kommen junge Leute zu mir, um die Ergebnisse meiner Arbeit zu sehen, und ich habe die Möglichkeit zu wählen. Und zuerst gaben sie mir verschiedene Schüler. Also durchlief ich die Schule, schwierige Schüler herauszuziehen volles Programm, und ich denke, dass dies für einen jungen Lehrer notwendig ist.

- Gab es völlig aussichtslose Optionen? Dass jemand seine Stimme völlig verliert oder seine Gesangskarriere aufgibt, auch wenn es nicht Ihre Schuld ist?

Auch das extrem junge Alter der aktuellen Neuzugänge ist eines der Probleme. Zuvor begannen Menschen im Alter von 23 bis 25 Jahren, Gesang professionell zu studieren, insbesondere Männer, das heißt körperlich entwickelte Menschen, die nicht nur körperlich, sondern auch geistig stark waren und ihren Beruf sinnvoll gewählt hatten. Jetzt kommen 15- bis 16-Jährige in die Schulen und in meine Klasse – mit 17 Jahren – in die Chorakademie.

Es stellt sich heraus, dass sie mit 22 bereits Absolventen sind. Ich hatte diesen Typen, einen sehr guten Bassisten, er gewann Wettbewerbe. Er wurde sofort in ein Jugendprogramm in einem der aufgenommen europäische Länder, dann ins Theater. Und das war’s – ich habe schon lange nichts mehr von ihm gehört, er ist verschwunden. Sogenannte Festverträge in Repertoiretheatern sind für sehr junge Sänger besonders riskant. Das bedeutet, alles zu singen, ob es zu Ihrer Stimme passt oder nicht. Heute – Rossini, morgen – Mussorgsky, übermorgen – Mozart und so weiter, bis hin zu Bernstein und Operette. Sie sehen, es sind noch nicht einmal ein paar Jahre vergangen, und statt einer Stimme gibt es Überreste früherer Schönheiten.

- Aber in der russisch-sowjetischen Tradition wechselten sich im Theaterstück immer verschiedene Stile und Namen ab, und die führenden Solisten sangen auch nicht wie heute im Westen 6-7 „La Traviata“ oder „Pikovykh“, sondern 4-5 der unterschiedlichsten Rollen pro Monat.

Ich glaube, dass Vollzeitkompanien und Repertoiretheater überholt sind, sie sind schlecht für alle: Künstler, Dirigenten, Publikum. Erstens mangelt es immer an Proben, um aktuelle Titel in gutem Zustand zu halten. Selbst in so mächtigen Ensembles wie der Metropolitan Opera in New York oder der Wiener Staatsoper gibt es nicht genügend Proben. Denken Sie also nicht, dass bei uns alles schlecht ist und es ihnen dort vollkommen gut geht. Ich kann mich erinnern, wie meine Schülerin ohne eine einzige Bühnenprobe ihr Debüt an der Met in der schwierigsten Hauptrolle gab! Also kam sie heraus und sang, aber der Plattenteller blieb stecken und sie begann die Arie hinter den Kulissen.

Ich bin also kein Befürworter des Repertoiresystems; in unserem Land halte ich es für ein Relikt aus der Sowjetzeit, das nichts mit Kunst zu tun hat, sondern nur mit Arbeitsgesetzgebung, Ideologie usw. verbunden ist. Jetzt sitzen wir also in einer Sackgasse und wissen nicht, was wir tun sollen. Über ihre Zukunft sind sich die Sänger nicht im Klaren, wohl aber über den Beruf Opernkünstler Generell ist es recht riskant, die Stimme ist ein zu fragiles Instrument, im Zweifelsfall kann und sollte man sich zunächst für ein anderes Fach entscheiden. Die Dirigenten sind unzufrieden, weil der Sänger Mozart heute und Prokofjew morgen nicht gleichermaßen überzeugend spielen kann. Auch das Publikum ist heute verwöhnt und braucht Stars oder neue Namen. Und es entstehen Kompromisse, die der Kunst abträglich sind.

In einer Freelancer-Situation haben führende Sänger immer mehr Chancen, das Repertoire zu beherrschen, das zu ihnen passt, interessante Dirigenten, gleichwertige Partner usw. kennenzulernen. Und wie sorgfältig kann bei einem Produktionsteam für ein bestimmtes Projekt alles geprobt werden!

- Aber erleben die Künstler in einer Situation, in der es nicht einmal 5-6, sondern manchmal 12 Aufführungen desselben Titels hintereinander gibt, nicht den Effekt des Automatismus, wie Solisten in Musicals? Es fällt mir schwer zu verstehen, wie man Hunderte von Vorstellungen hintereinander am Broadway mit einem freien Tag, oft ohne Ersatz, absolvieren kann, um Gefühle, Lachen und Tränen auf der Bühne darzustellen ...

Anders als am Broadway treten die Schauspieler nicht jeden Abend auf (außer in Notfällen); es gibt immer ein bis zwei Ruhetage. Und selten werden Aufführungen mehr als fünfmal in einem Produktionsblock aufgeführt. Die besten Theater, wie derselbe Metropolit, versuchen heute, die besten Interpreten dieser Oper auf der ganzen Welt zusammenzubringen. Und glauben Sie mir, in einer Atmosphäre hoher Professionalität und Perfektion jedes Details fällt es dem Künstler viel leichter, sich auf das Bild zu konzentrieren.

Das Met-Beispiel ist auch für die Öffentlichkeit interessant, da man in einer Woche die meisten Werke hören kann verschiedene Stile in bester Leistung. Es ist kein Geheimnis, dass in Opernhaus Besucher und Touristen suchen häufig auch den Besuch bei den „Einheimischen“. Als ich im Januar dieses Jahres in New York war, besuchte ich ein paar Tage später die talentierte Barockkompilation „The Enchanted Island“, sah den sensationellen „Faust“, dann „Tosca“ und „The Daughter of the Regiment“. Und für die langsamen „Einheimischen“ wiederholen sich die erfolgreichsten Titel nach etwa sechs Monaten, wie „Anne Boleyn“, mit dem die aktuelle Opernsaison eröffnet wurde.

Im Allgemeinen ist das Thema der verschiedenen Traditionen der Existenz des Opernhauses unglaublich interessant und schwierig; jedes Land hat seine eigenen rationalen Aspekte, die sich gut kombinieren lassen, man muss sie nur kennen und wissen, wie man es macht.

- An Sie persönlich, besonders am Anfang pädagogische Tätigkeit, hat Ihr Mangel an Bühnenerfahrung dazwischengewirkt?

Am Anfang war es natürlich hinderlich! Wenn ich mit meiner geliebten Elena Vasilyevna Obraztsova in einem Meisterkurs sitze, schwelge ich natürlich einfach in ihren Vergleichen. Bildliche Rede. Ihre große Erfahrung in der Zusammenarbeit mit herausragende Meister plus persönliche reiche künstlerische Fantasie – alles in allem ist es faszinierend! Wenn sie an einem Fragment einer Oper oder einer Romanze arbeitet, die sie gut kennt, baut sie aus Wissen und Talent eine ganze Welt auf, in der es nicht nur ein schauspielerisches, sondern auch ein Regie- und sogar ein Dirigentenelement gibt.

Ich lerne ständig! Ich habe studiert, während ich mit der unvergesslichen Irina Konstantinovna Arkhipova, jetzt neben Obraztsova, mit Evgeniy Evgenievich Nesterenko und mit den Lehrern unseres Jugendprogramms zusammengearbeitet habe. Ich gehe mit meinen Schülern die Riffs neuer Teile und Produktionen, auch ausländischer, durch. All dies ist Suche, Schule, Bereicherung der persönlichen Praxis. Ich hatte zeitliches Glück; ich begann in dem Alter aktiv zu unterrichten Opernsänger meist nur mit sich selbst und ihrer Karriere beschäftigt. Ich hatte die Möglichkeit, sehr tief und umfassend in pädagogische Probleme einzutauchen – pädagogische Erfahrungen zu sammeln, mit allen Arten von Stimmen zu arbeiten, verschiedene Repertoires zu studieren.

- Lassen Sie mich hier einen etwas unerwarteten Vergleich anstellen. Es gibt die Meinung, dass die besten Geburtshelfer Männer sind, weil sie nicht in der Lage sind, die Schmerzen der Wehen zu verstehen oder sich vorzustellen und entschlossener und ruhiger zu handeln.

Ja, vielleicht kann der Moment meiner Distanzierung von der Leistung als solcher von Vorteil sein. Ich habe lange darüber nachgedacht und bin zu dem Schluss gekommen, dass Operngesang und Gesangspädagogik zwei verschiedene Berufe sind, die sich natürlich in mancher Hinsicht ähneln, aber nicht in allem.

Genauso wie es, wenn wir uns der Medizin zuwenden, einen Chirurgen und einen Diagnostiker gibt. Ein ausgezeichneter Chirurg mit „goldenen Händen“ ist möglicherweise nicht in der Lage, eine Diagnose zu stellen, und umgekehrt. Diese Berufe erfordern unterschiedliche Kenntnisse.

Unsere Pädagogik ist recht eng, wenn es nur um die Gesangstechnik geht, und erfordert eine große Weitsicht, wenn Fragen zum Repertoire auftauchen, Kenntnisse über den Beruf des Sängers von allen Seiten. Ja, ich singe nicht auf der Bühne, aber ich mache es die ganze Zeit im Unterricht und zeige es mit meiner Stimme. Ich spiele zwar nicht in der Öffentlichkeit Klavier, kann aber Schüler gut begleiten. Da ich Manager war, kann ich Studenten über die Fallstricke von Verträgen aufklären, über schlechte und schlechte gute Bedingungen Reden. Abgesehen davon, dass ich die Oper nicht selbst dirigiert oder inszeniert habe, übe ich diese Funktionen wiederum bei den Proben aus.

- Und trotzdem sind Sie, Dmitry, eine Ausnahme von der Regel – ein erfolgreicher Gesangslehrer, der noch nie auf der Bühne aufgetreten ist. Gibt es noch andere Kollegen mit einem ähnlichen Schicksal?

Ich kann Svetlana Grigorievna Nesterenko (die Namensgeberin unseres großartigen Basses) nennen, wir arbeiten im Jugendprogramm des Bolschoi-Theaters zusammen, sie leitet die Gesangsabteilung der Chorakademie. V. S. Popova. Zu ihren Schülern zählen Alexander Vinogradov, Ekaterina Lyokhina, Dinara Aliyeva und viele andere würdige Sänger. Und die breite Öffentlichkeit kennt viele herausragende westliche Lehrer nicht als Sänger. Und im Allgemeinen sind wir Gesangslehrer Kämpfer an der unsichtbaren Front.

Und mit all den Beschwerden allgemeines Niveau Mittlerweile gibt es auf der Welt eine ziemlich große Anzahl an Sängern, es gibt sogar ein gewisses Überangebot an ihnen, aber der Mangel an lohnenswerten, ernsthaften Gesangslehrern ist konstant, da es sich um einen bruchstückhaften Beruf handelte, und das bleibt auch weiterhin der Fall. Das ist das Paradoxon.

Zu Beginn der Arbeit kommen Kommentare von erfahrenen Sängern, dass ich selbst kein Sänger bin, kein Make-up gerochen habe, dies und das nicht ausprobiert habe, es tat weh, nicht viel, aber es kratzte. Und jetzt ist es mir absolut egal. In diesem Sinne habe ich mich beruhigt, ich habe so viele Aufgaben und eine große Verantwortung für Dutzende meiner erfolgreichen Studenten, die über die ganze Welt verstreut sind. Wir müssen sie davon abhalten, Fehler zu machen und zu versuchen, in ihr Repertoire einzugreifen; wir müssen ihnen schreiben, sie anrufen und sie überzeugen. Bis zum Konflikt – das kommt selten vor, aber es kommt schon vor, dass es in einem Streit und einer Trennung endete (nicht meinerseits). Jeder möchte erwachsen sein und gleichzeitig ist jeder verletzlich, wie Kinder! Sie verstehen manchmal nicht, dass ihr guter Gesang mein großes Interesse ist und dass ich nicht so ein Tyrann mit der Peitsche bin, ich bin zu einem Theaterstück oder Konzert gekommen, um sie scharf zu kritisieren.

- Ein sehr alter und weiser Lehrer Musikschule Immer direkt nach dem Konzert lobte er die Schüler nur und verschob die „Nachbesprechung“ auf den nächsten Tag. Weil die Bühne voller Adrenalin ist, werden sie Kritik in der Euphorie des Applauses immer noch nicht ernst nehmen, aber die Flügel und die Lust des Kindes, Musik zu machen, können mit einer scharfen Bemerkung abgebrochen werden.

In diesem Sinne habe ich einen schwierigen Charakter. Ich weiß, dass ich etwas falsch mache, da ich ein emotionaler und harter Mensch bin, aber ich kann mich nicht immer zurückhalten, obwohl ich es versuche.

Kürzlich gab es ein Konzert, das äußerst erfolglos war. So kam es: eine schwierige Situation, wenige Proben, schlechter Kontakt zum Orchester. Am Ende ging ich zu den Jungs und zitierte einfach noch einmal E.V. Obraztsova: „Genossen, heute hatten wir kein Theater, sondern einen nach Tsuryupa benannten Club.“ Alle waren natürlich sehr traurig, aber das hinderte das zweite Konzert am nächsten Tag nicht daran, viel besser zu verlaufen!

Manchmal tut man seinen Schülern natürlich weh. Aber gleichzeitig sage ich: Leute, aber ich verletze mich auch und beleidige mich mit Kommentaren, ich gebe euch nicht die Schuld für alles, das sind unsere häufigsten Fehler, ich selbst schlafe nachts nicht, ich leide, ich analysiere .

- Ein Lehrer, der nicht schimpft, ist derselbe Arzt, der nicht behandelt!

Es gibt auch Probleme mit mentalen Unterschieden. Eine meiner Kolleginnen, eine sehr berühmte Pianistin und wunderbare Lehrerin in Amerika, erhob einmal wütend ihre Stimme und warf die Noten einem Schüler zu. Es gibt Ermittlungen, Polizei, Skandal... Daher war es für mich in den USA nicht einfach, mich an die Arbeit in dieser Hinsicht zu gewöhnen: Nun, manchmal möchte ich Emotionen hinzufügen, meine Stimme gegenüber dem Studenten erheben, aber das ist unmöglich Dort.

Aber die Studenten dort sind anders! Bei meinem ersten Besuch der Meisterklasse in Houston war ich schockiert. Ein guter junger Bariton kam zu mir und zeigte mir Eletskys Arie. Ich bot ihm am Abend nach allen anderen eine zusätzliche Unterrichtsstunde an. Er wollte Figaros Cavatina von Sevilla aus durchgehen. Doch um 18 Uhr stand die Pianistin Minute für Minute auf und ging – ihr Arbeitstag war vorbei, alles war streng. Ich selbst merkte, dass ich mich zu sehr in Rossinis bravouröser Begleitung verlieren würde, und sagte: „Möchten Sie Jeletsky noch einmal singen?“ Er stimmte bereitwillig zu und überraschte mich – in den wenigen Stunden, die seit dem Morgenunterricht vergangen waren, reparierte er alles! Alle meine Kommentare zu Phrasierung, Aussprache, Intonation, Schauspiel – alles wurde berücksichtigt!

„Wie machst du das?“ - Ich frage ihn. „Maestro, ich habe mich hingesetzt, 15 Minuten lang die Notizen angeschaut, mir die Aufzeichnung unserer Lektion angehört, verstanden, was Sie gesagt haben – und jetzt ist die Arie fertig.“

Es war ein freudiger Schock für mich! Rückkehr nach Moskau – wie er seinen einheimischen Schülern diesen Vorfall vorgeworfen hat, bis man ihnen zwanzig Mal sagt, dass sie es nicht tun werden! Sie kommen ohne Blockflöte zum Unterricht, manchmal sogar ohne Bleistift und ein Extraexemplar der Noten zum Mitschreiben. Was kann ich sagen? Du musst hart sein.

- In deiner Klasse sind auch Mädchen. Gibt es einen Unterschied in den Ansätzen?

Mit Jungs fällt es mir teilweise leichter, aber ohne Mädchen in der Klasse wäre es einfach langweilig! Natürlich erfordert die weibliche Stimme von mir eine andere Herangehensweise an die stimmliche Realität, höhere Konzentration Aufmerksamkeit. Unterschiedliches Material und dementsprechend unterschiedliche Werkzeuge. Es erfordert mehr Nachdenken, mehr Aufwand und sogar technisches Wissen und Erfahrung. Aber wie das Leben gezeigt hat, im Allgemeinen und mit in Frauenstimmen Ich kann es schaffen. Und im Klassenzimmer bietet die Anwesenheit verschiedener Geschlechter einen großen Repertoirevorteil; es können Ensembles und Duette aufgeführt werden.

- Gibt es am Ende des 20. und Anfang des 21. Jahrhunderts eine allgemeine Krise im Weltgesang? im Vergleich zum Beispiel mit 60-70 des 20. Jahrhunderts und wenn ja, warum?

Wenn man so darüber nachdenkt, dann hat es die Krise schon immer gegeben. Während der Blütezeit von Callas und Del Monaco gab es Menschen, die sehnsüchtig von den Zeiten von Ponselles, Gigli und Caruso usw. sprachen, bis in die Tiefen der Zeit, bis zum Beginn des 19. Jahrhunderts, bis hin zu ganz legendäre Namen. Das ist aus der Serie: „Der Himmel war blauer und das Gras grüner.“

Grundsätzlich ist die Schule besser und gleichberechtigter geworden verschiedene Länder Da wir begannen, in einem einzigen Informationsraum zu leben, hatten wir die Möglichkeit, oft live oder in einer ganz aktuellen Aufnahme das Beste der Welt zu hören Opernszenen. Für viele Musikliebhaber ist es zur Realität geworden, in ein Flugzeug zu steigen und sich innerhalb weniger Stunden in jeder Musikhauptstadt wiederzufinden.

Meiner Meinung nach liegt die Krise woanders. Mittlerweile gibt es viele starke Fachkräfte, die Zahl der Arbeitslosen im mittleren Management nimmt zu, aber es gibt nur sehr wenige herausragende, außergewöhnliche Stimmen. Und zwar nicht so sehr in der Schönheit, sondern in der Kraft und Lautstärke des Klangs.

- Ich schließe mich Ihnen voll und ganz an - einige der heutigen, sogar die Besten Opernsänger Ich kann es ohne Ansage im Radio herausfinden, obwohl „alte Leute“ – sofort, mit zwei Notizen!

Und das sind auch die Kosten der Technik! Alle begannen gleich gut zu singen. Viele ehemalige Größen waren nicht nur wegen ihrer Verdienste erkennbar, außergewöhnlich und schön, sondern auch wegen ihrer „göttlichen Unregelmäßigkeiten“, wie die unvergleichlichen Callas. Es mangelt bis auf seltene Ausnahmen nicht nur an leuchtenden Klangfarben, sondern vor allem an Individualität. Unter anderem, weil die Sänger inzwischen stark von den Vorgaben des Regisseurs abhängig sind und ihr Berufsstand in der Bedeutung für das Opernhaus nicht an erster Stelle steht.

- Oh, unser Lieblingsthema über den „Regisseur“! Was denkst du über sie?

Jetzt ist eine Zeit im Musiktheater, die wir alle erleben, wie Krankheit oder schlechtes Wetter. Erinnern Sie sich, als wir die Musikgeschichte studierten und über den „Untergang der Oper“ im Barock, über das „Konzert in Kostümen“ sprachen? Mitte des 20. Jahrhunderts regierte Luchino Visconti zusammen mit Callas die Weltbühnen; die Oper begann sich mit der Welt des Dramas und des Kinos zu vermischen, Bilder aus der Malerei zu ziehen und in gewisser Weise aufzusteigen künstlerisches Niveau. Doch in der Folge verfiel das Opernhaus in das andere Extrem, den Manierismus. Besonders radikal ist das in Deutschland, so sehr, dass Peter Stein schon irgendwo sagte, als es um die deutsche Opernregie ging: „Tut mir leid, aber in diesem Zusammenhang fühle ich mich nicht wohl, wenn ich mich als deutschen Regisseur bezeichne, ich betrachte mich nicht als einen.“ .“

Aber es ist interessant, dass seit Jahrhunderten vom Tod der Oper gesprochen wird. Sie frönt immer einigen Extremen. Doch als scheinbar alles vorbei ist, gelingt es ihr plötzlich, neue Mittel zu finden und wieder in ihrer ganzen Schönheit zu erscheinen.

- Ja Ja! Deshalb ernten Trachtenproduktionen wie „Werther“ im Jahr 2010 an der Opéra Bastille in Paris, „Adrienne Lecouvreur“ in der vergangenen Saison am Covent Garden oder die jüngste „Die verwunschene Insel“ an der Met bereits bei der ersten Premiere großen Beifall Vorhang. .

Aber ich möchte in dieser Situation nicht wie ein völliger Orthodoxer, Rückschritt und Konservativer wirken. Es sind erstaunlich dünn und tief moderne Produktionen oper.

Den Grad der Überzeugungskraft und des Talents des Regisseurs bestimmt jeder selbst, und auch ich habe mir zu diesem Thema eine persönliche Meinung gebildet. Ich glaube, wenn die Produktion ihre eigene tiefe Logik hat, wenn jeder „Schuss feuert“, dann ist die Produktion ein Erfolg. Und wenn der Regisseur einfach alle Bilder und Metaphern, die er aus früheren Jahren der Inaktivität aufgespart hatte, in einem Stück zusammenfasste und nicht über die Runden kommen konnte und wir da sitzen und nicht verstehen – warum ist das dann so? Theoretisch kann das buchstäbliche „Auf dem Kopf gehen“ überzeugen, wie Nathalie Dessay in „Ariadne auf Naxos“ demonstrierte.

- Aber kann Gesangsmeister Vdovin nicht sagen, dass es schwierig und nicht physiologisch ist, beim Singen auf den Kopf zu gehen, um für seine Schüler einzustehen?

Nein, dazu kann ich leider nichts sagen, auch wenn ich manchmal über vieles empört bin. Im Theater sind alle Menschen abhängig und müssen dem Plan des Regisseurs treu bleiben. Ich sehe manchmal, dass sich die Leute auf der Bühne für die Arrangements eines Regisseurs bis zur Scham schämen. Von was für einer künstlerischen Überzeugungskraft reden wir hier! Und das Traurigste ist, dass das, abgesehen von Egoismus und Launen, manchmal keinen Sinn ergibt. Aber andererseits stimme ich zu, dass es möglich ist, einen Künstler auch in einer hässlichen Form zu zeigen, wenn darin ein wirklich tiefer künstlerischer Zweck steckt.

Ich bin ausgebildeter Theaterexperte, dessen erster Regisseur Pavel Aleksandrovich Markov und dessen Hauptmeister Inna Natanovna Solovyova war, großartige Menschen. Ich sah gute Zeiten für das Theater – ich besuchte Aufführungen von A. Efros, G. Tovstonogov, Y. Lyubimov, und es gab so viele Tourneen in Moskau …

- Gibt es Studenten, die sich nicht der Tyrannei der Regisseure „beugen“ wollen und sich nur im reinen Genre des Kammerkonzerts vorstellen?

Ich habe einen solchen Menschen getroffen, obwohl er nicht mein Schüler war. Er hat alles, um zu einem herausragenden Phänomen unserer Zeit zu werden – das ist Bass Dmitry Beloselsky. Er verließ den Chor und sang lange Zeit nur noch Kantaten-Oratorien-Musik und Konzerte. Ich wollte nicht in die Oper gehen. Erst kürzlich, mit 34 Jahren, änderte er seine Meinung, kam ans Bolschoi-Theater, und Gott sei Dank ist das so. In diesem Alter ist die Wahrscheinlichkeit größer, dass er nicht davonkommt. vor dem Zeitplan Bauen Sie aus der Ferne, mit Intelligenz und Verständnis, ein langes Bild auf erfolgreiche Karriere. Dmitry hat jetzt überall, wo er auftritt, erstaunliche Erfolge. Vom Metropolitan zum Bolschoi. Aber „rein“ Konzertsänger Leider ist es finanziell schwierig, den Beruf des Kammermusikers zu überleben. Ach!

- Ist das Konzept der „Russischen Gesangsschule“ heutzutage sinnvoll? In diesem Zusammenhang war es beim Abschlusskonzert des Jugendprogramms des Bolschoi-Theaters im vergangenen Frühjahr, das Sie, Dmitry, leiten, unangenehm überraschend, wie viel besser und überzeugender junge Sänger mit westlicher Musik zurechtkommen und wie problematisch es für sie ist, aufzutreten Russisch.

Die russische Schule existiert zweifellos, da es ein großes Opernerbe und die russische Sprache gibt. Und als Bestandteil - Theatertradition. Das russische Repertoire selbst erfordert einen anderen technischen Ansatz als die Werke italienischer, französischer, Deutsche Musik. Das Problem ist meiner Meinung nach, dass unsere Musik hauptsächlich für sehr starke Stimmen, für reife Sänger konzipiert ist. Denn die meisten Opern wurden für die beiden Kaisertheater geschrieben, die seit jeher für ihre kraftvollen und tiefen Stimmen bekannt waren. Die Frage, wo man heute den echten Herman oder Marfa für „Chovanshchina“ finden kann, wird immer schwieriger zu lösen ...

Übrigens gilt Tatiana in Amerika als stärkere Altersgruppe als sogar Lisa in „Spade“. Und Jeletsky ist stärker als der Graf in „Die Hochzeit des Figaro“. Auch Lenski und Onegin gelten nicht, wie hier üblich, als Jugendrollen, nur weil Pjotr ​​Iljitsch seine lyrischen Szenen für Studenten des Moskauer Konservatoriums schrieb. Aber es gibt eine sehr dichte Orchestrierung und eine komplexe Stimmlage mit großen Sprüngen nach oben und unten, was, glauben Sie mir, als Lehrer, nicht alle jungen Sänger können. Und wenn man bedenkt, wie problematisch die Akustik in vielen Sälen ist und wie laut Orchester gerne sind, braucht man sehr kraftvolle, starke Stimmen, um das alles auszuhalten. Tut mir leid, aber ich denke, dass Glinkas Antonida cavatina zum Beispiel so schwierig zu schreiben ist, dass die Sopranistin für ihre gute Darbietung sofort eine Medaille in den Startlöchern bekommen sollte! Ein weiterer heikler Punkt ist, dass russische Komponisten trotz ihrer Genialität die Feinheiten des Vokalsatzes nicht immer beherrschten. Und das ist verständlich - sie selbst Operntradition in Russland ist noch nicht so alt, und viele seiner Vertreter haben das selbst gelernt.

Mehr zu Glinka, im Zusammenhang mit der sensationellen letzten Premiere von „Ruslan“, jetzt spreche ich nur noch von der stimmlichen Seite, weil es in der Presse Aussagen gab, dass es im Vergleich zu ihnen eigentlich niemanden gibt, der singen kann frühere Produktion des Bolschoi-Theaters in den 70er Jahren von B.A. Als lebender Zeuge und Zuhörer möchte ich sagen: Ja, bei dieser Aufführung waren die brillanten Ruslan – Evgeniy Nesterenko, Lyudmila – Bela Rudenko, Tamara Sinyavskaya – Ratmir dabei. Aber unter der Fülle an Charakteren (und die Aufführung wurde in 2-3 Besetzungen aufgeführt) gab es Sänger, die aus unbekannten Gründen auf der Bühne des Bolschoi-Theaters auftraten, und es ist kein Geheimnis, dass es dort Aufführungen gab, als sie gingen bei dem man das Interesse an der Oper als solcher für immer verlieren könnte.

Lassen Sie mich noch einmal auf die Genreeinteilung zurückkommen: Es gibt wunderbare Sänger, die in Mozarts Opern einzigartig sind, und das ist alles. Und andere sollten ausschließlich russische Musik singen – das ist ihre Stärke. Aber wenn sie anfangen, sowohl dies als auch das zu singen, ist es für Mozart, Glinka und die Zuhörer noch schlimmer.

- Leider haben nicht alle Sänger einen eigenen nüchternen analytischen Verstand und den Willen, abenteuerliche Projekte abzulehnen, wie Ihr Dmitry Korczak, dem bereits angeboten wurde, Herman zu singen!

Ja, Dima ist in diesem Sinne großartig, aber die Tatsache, dass er so wenig russische Musik in seinem Repertoire hat, weil seine Stimme zu leicht ist, ist schade, er macht das sehr gut. Und Vasily Ladyuk übrigens auch. Ich erinnere mich an den Abend, als er russische Romanzen aufführte – obwohl ich orchestrierte nicht mag Kammerarbeiten, aber Mikhail Pletnev hat es erstaunlich gut gemacht; es war eines der besten Konzerte, um die Bedeutung der Musik zu verstehen!

Um russische Musik gut singen zu können, muss man im Allgemeinen sehr hart daran arbeiten, eine Vielzahl eigener Klischees loszuwerden und das Gefühl der Frische zu verlieren. Manchmal lassen sich Ausländer erstaunliche neue Nuancen einfallen, und manchmal nehmen wir die Tradition unabsichtlich als Urtext wahr, der die Aufnahme eines anerkannten Klassikers der russischen Szene aus längst vergangenen Zeiten klischeehaft darstellt.

- Über das „Anhören“ alter Aufnahmen. Die Aussage von Svyatoslav Teofilovich Richter hat sich schon lange in meiner Seele verankert, dass die moderne Jugend, verwöhnt durch die Verfügbarkeit von Aufnahmegeräten, sich daran gewöhnt, sich nach der Aufführung ständig von außen zu kontrollieren. Und frühere Generationen von Musikern, denen dieser zivilisatorische Vorteil entzogen war, entwickelten das sogenannte „Vorhören“, also die Fähigkeit, die nächste musikalische Phrase im Voraus mit dem Innenohr zu spüren.

Auf den Punkt. Kürzlich habe ich eine Audioaufnahme von der Met gehört – „Die Hochzeit des Figaro“. Und bei Ensembleauftritten konnte ich manchmal nicht verstehen, wer gerade klang – die Gräfin, Susanne oder Cherubino, wenn ich ohne Noten da saß. Denn alle drei, sorry, sind kleine Renee Flemings! Natürlich die Verfügbarkeit von Tonaufnahmen von allem und jedem, You Tube usw. hinterlassen ihre Spuren zeitgenössische Künstler, und die klischeehafte Interpretation kommt von hier.

- Aber gestatten Sie Ihren Schülern persönlich den Einsatz von Technologie im Unterricht und bei Aufführungen?

Ich erlaube es, ja. Wie Theatermann Ich verstehe, dass man, wenn man mit den Jungs anfängt, Aufgaben zu vereinbaren, nach den Ursprüngen von diesem oder jenem sucht musikalisches Bild, Ursachen und Folgen – dann verschwinden die Klischees, der Druck auf die Audio- und Videoaufnahmen anderer Leute verschwindet.

- Brauchen Sänger einen historischen Kontext, Wissen über Zeit und Ort der Handlung ihres Helden, über die Biografie des Autors?

Nun, natürlich! Ein Opernkünstler oder Sänger muss eine gebildete Person sein! Um das Werk zu füllen, muss der Text mit Bedeutung gefüllt werden – sogar weiter Muttersprache Es ist notwendig, nicht nur die Worte zu verstehen, sondern auch die gesamte Situation rund um die Figur, die Handlung, historische Zusammenhänge, wenn es sich um das Material handelt. Es ist schrecklich, wenn junge Leute die Namen der Dichter nicht kennen, die die Texte zu Liebesromanen geschrieben haben, oder nicht wissen, wo Flandern liegt, das in der Arie aus Don Carlos besungen wird. Oder er erkennt nicht, dass die Arie an einen Partner gerichtet ist und es sich im Wesentlichen um ein Duett handelt.

Das Wichtigste ist, die künstlerische Vorstellungskraft des Sängers zu entwickeln, damit er sieht und versteht, was in den Tiefen und zwischen den Zeilen steckt.

- Zum Teil eine provokante Frage: Was bevorzugen Sie – der brillante Gesang des Sängers kombiniert mit begrenzter Kunstfertigkeit und unscheinbarem Aussehen oder, im Gegenteil, helle Kunstfertigkeit mit sehr gemäßigtem Gesang?

Persönlich würde ich in einer solchen Situation jetzt lieber zu Hause bleiben! Aber im Ernst, in der Oper ist brillante Kunst in Kombination mit mittelmäßigem Gesang unangemessen; ein Sänger mag in Bezug auf Stärke oder Klangfarbe nicht herausragend sein, aber er muss sein Instrument vollständig beherrschen. Ansonsten gibt es keine Möglichkeit, eine schlanke Figur, korrekte Gesichtszüge und schauspielerische Fähigkeiten werden Sie nicht retten, wenn Sie die Noten völlig verfehlen – was zu tun ist, ein synthetisches Genre.

Deshalb schätzen wir die seltensten Beispiele der Harmonie von allem so sehr: eine phänomenale Stimme, Musikalität, enormes schauspielerisches Temperament gepaart mit strahlender, sehr mutiger Schönheit – so war Wladimir Andrejewitsch Atlantow, der auf der Bühne des Bolschoi-Theaters regierte. Ich hatte das Glück, mit ihm zu kommunizieren Studentenjahre. Atlantov war wahrscheinlich kein Beispiel für ein Ideal, verfeinert Gesangsschule, aber er hat mir viel geholfen, den Prozess zu verstehen Operngesang, was ein echter Künstler sein sollte.

Interview mit Tatyana Elagina