Theater im englischsprachigen Raum. Erstes Theater in London

Die Ursprünge der Theaterkunst Englands gehen auf alte rituelle Spiele zurück, die in englischen Dörfern bis ins 19. Jahrhundert überlebten. Unter ihnen waren die "May Games" am beliebtesten - rituelle Feste zu Ehren der Ankunft des Frühlings, die seit dem 15. Jahrhundert eine Konstante sind. waren Robin Hood und seine Draufgänger. Im Mittelalter verbreiteten sich in England Genres des Kirchendramas - Mysterium und Moral. Gerade in diesen Genres manifestierte sich die britische Vorliebe für Humor, für lebendige Lebensdetails. Die Hauptfigur der englischen Moral - religiöse allegorische Stücke - war also der Schelm Sin, ein fröhlicher Vielfraß und Säufer, einer der Vorfahren von Shakespeares Falstaff. Während der Renaissance brach das Renaissance-Drama in England im Gegensatz zu einer Reihe anderer europäischer Länder nicht mit mittelalterlichen Traditionen. Entstanden in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts, überließ es Schulen und Universitäten schnell der Bühne des Quadrattheaters und vertraute auf dessen Erfahrung (siehe Mittelaltertheater, Renaissancetheater, W. Shakespeare).

    Globus-Theater". Aussehen.

    David Garrick als Richard III in W. Shakespeares gleichnamiger Tragödie. Drury Lane-Theater. London. Von einem Stich aus dem 18. Jahrhundert.

    Drury Lane. Theatergebäude. Von einem Stich aus dem 18. Jahrhundert.

    Drury Lane. Auditorium. Von einem Stich aus dem 18. Jahrhundert.

    George Bernard Shaw.

    Charles Lawton als Galileo in B. Brechts Theaterstück „Das Leben des Galilei“. 1947

    Laurence Olivier als Richard III. in der gleichnamigen Tragödie von W. Shakespeare.

    „The Importance of Being Earnest“ von O. Wilde auf der Bühne des Londoner Theaters „Old Vic“.

    Paul Scofield (links) als Salieri im Stück „Amadeus“ von P. Schaeffer.

Am Ende des XVI - Anfang des XVII Jahrhunderts. Die Theaterkunst Englands erlebt eine Ära rasanten Wohlstands. In London tauchen eine nach der anderen Schauspieltruppen auf und spielen für gewöhnliche Leute zuerst in den Höfen von Hotels und dann in speziellen Theatergebäuden, von denen das erste 1576 erbaut wurde und Theater hieß. Dann erschienen in der englischen Hauptstadt andere Theater mit klangvollen Namen - "Swan", "Fortune", "Hope". Stücke von William Shakespeare wurden auf der Bühne des berühmten Globe aufgeführt, und der Tragöde Richard Burbage (ca. 1567–1619) wurde der erste Hamlet, Othello und Lear in der Weltkunst.

W. Shakespeare ist der größte englische Dramatiker der Renaissance. Aber es wäre falsch, ihn für einen genialen Einzelgänger zu halten. Seiner Arbeit gingen Stücke einer Gruppe von Dramatikern (J. Lily, R. Green, T. Kid, K. Marlo) voraus, in deren Komödien, historischen Chroniken und Tragödien die Ideen des Humanismus der Renaissance mit den Traditionen des Volksspektakels kombiniert wurden . Neben Shakespeare wirkten der Meister der Sozialsatire B. Johnson, der Autor philosophischer Tragödien J. Chapman, die Schöpfer romantischer Tragikomödien F. Beaumont und J. Fletcher. Shakespeares jüngere Zeitgenossen waren J. Webster, der die blutigen Horrortragödien schrieb, und J. Shirley, der Autor von Alltagskomödien aus dem Londoner Leben.

In den 20–30er Jahren. 17. Jahrhundert Theaterkunst Englische Renaissance gerät in eine Krisenzeit, und während der bürgerlichen Revolution wurden 1642 auf Anordnung des Parlaments die Theater geschlossen. Sie nahmen ihre Tätigkeit erst nach der Wiederherstellung der Monarchie im Jahre 1660 wieder auf. Aber jetzt erschien anstelle der offenen Bühne des quadratischen Theaters eine dreiseitig geschlossene Bühne (nach dem Vorbild des italienischen und Französische Theater), die heute noch im Theater existiert.

Von den dramatischen Genres in der Ära der Restauration der Monarchie entwickelte sich die Komödie am fruchtbarsten. Die Comedians W. Congreve, W. Wicherly, J. Farker schufen spektakulär konstruierte Werke voller brillantem, wenn auch etwas zynischem Witz. Unter der Feder dieser Dramatiker entstand ein typisch englisches Genre - "comedies of wits", wo der Dialog, paradox und ungestüm, wie ein Austausch von Schwerthieben, fast wichtiger wird als der Verlauf der Handlung; sie war dazu bestimmt, zwei Jahrhunderte später im Werk von O. Wilde und B. Shaw wiedergeboren zu werden.

Die Komödie war im 18. Jahrhundert, während der Zeit der Aufklärung, weiterhin eines der Hauptgenres im englischen Drama. The Beggar's Opera (1728) von John Gay (1685–1732) verbindet literarische und musikalische Parodie mit politischer Satire. Zu den ersten Werken von Henry Fielding (1707-1754) gehörten scharfsinnige politische Stücke, die in den 1730er Jahren entstanden. und Kritik an Adel und Regierung enthalten ("Der Richter in seiner eigenen Falle", "Don Quijote in England" usw.). Als Reaktion auf das Erscheinen dieser kühnen Komödien führten die herrschenden Kreise Englands eine strenge Theaterzensur ein. G. Fielding ist Autor politischer Rezensionen in Form einer Komödie („The Historical Calendar for 1736“, 1737; und andere). Die brillanten Komödien von Oliver Goldsmith (1728-1774; Night of Errors, 1773) und Richard Sheridan (1751-1816; Rivals, 1775; The School of Scandal, 1777; und andere) richten sich gegen die Unmoral der "höheren" Welt , die Heuchelei bürgerlicher Verhältnisse, vereinen Gesellschaftssatire mit realistischer Charakterbrillanz.

Die Prinzipien des Klassizismus (siehe Klassizismus) wurden nicht weiter etabliert Englische Szene Hinwendung zu realistischer Authentizität. Im Gegensatz zur klassizistischen Tragödie im englischen Drama entwickelte sich das kleinbürgerliche Drama von J. Lillo und J. Moore, das das Leben bürgerlich-kleinbürgerlicher Kreise darstellt. Der aufklärerische Realismus im englischen Theater erreichte seinen Höhepunkt im Schaffen des Schauspielers David Garrick (1717–1779), der seine Zeitgenossen nicht nur mit der Durchdringung und Psychologisierung der Shakespeare-Rollenaufführung beeindruckte, sondern auch eine Reihe von Reformen durchführte im Bereich der Inszenierung von Aufführungen und der Organisation der Truppe. Er betrachtete das Theater als Erzieher der Gesellschaft.

Das neunzehnte Jahrhundert sah den Niedergang des englischen Dramas und das Aufblühen des englischen Romans. Die Kluft zwischen der Ebene von Roman und Drama ist im Allgemeinen inhärent Literatur XIX in., in England war besonders offensichtlich. Die Grundlage des Repertoires der größten englischen Schauspieler des 19. Jahrhunderts. E. Keane (siehe Edmund Keane), W. Macready, C. Keane, E. Terry, G. Irving komponierten Shakespeares Stücke. Im 19. Jahrhundert Auf der englischen Bühne entstand eine Art Shakespeare-Aufführung, basierend auf der Verwendung historisch zuverlässiger Kulissen, kunstvoller Volksszenen und einer Fülle technischer Effekte. Die Inszenierungen von Shakespeares Stücken von C. Keane am Princess Theatre, S. Phelps am Sadler's Wells Theatre und G. Irving am Lyceum Theatre brachten die Kunst des Regieführens näher. Allerdings, wenn an Wende des XIX und XX Jahrhunderten. Die englische Regiekunst war geboren, sie versuchte zunächst, im Namen der Eigennatur mit dem historischen Theateralltag des letzten Jahrhunderts zu brechen darstellende Künste Poesie und Konventionen. Der berühmte Regisseur Gordon Craig (1872-1966) zum Beispiel versuchte, eine Theateraufführung als eine Bewegung poetischer Metaphern aufzubauen, die in der Zeit eingesetzt und in Farbe, Licht und Transformationen des Theaterraums verkörpert werden.

Oscar Wilde (1854–1900) brillierte im englischen Drama mit seinen ironischen Komödien, die die heuchlerische Ehrbarkeit der Oberschicht lächerlich machten (Lady Windermere's Fan, 1892; An Ideal Husband, 1895; The Importance of Being Earnest, 1899) und Bernard Shaw ( 1856-1950), dessen Werk voller kühner sozialer Ideen und mörderischer antibürgerlicher Kritik zu einem dramatischen Klassiker unseres Jahrhunderts geworden ist (Widower's House, 1892; Mrs. Warren's Profession, 1894; Major Barbara, 1905; Pygmalion), 1913 ; "Wagen mit Äpfeln", 1929; "Millionär", 1936 usw.).

In den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts. in England bildet sich ein kommerzielles Theatersystem heraus, das immer noch funktioniert und sich ganz auf die Unterhaltung des bürgerlichen Publikums konzentriert. Aber die fruchtbarsten Theaterrecherchen fanden in England außerhalb des kommerziellen Theaters statt – auf den Bühnen der Repertoiretheater von Birmingham, Manchester, im Shakespeare Memorial Theatre in Stratford-upon-Avon und insbesondere im Londoner Old Vic Theatre, das überlebte in den 30er Jahren. Boomzeit. In diesen Jahren trat eine ganze Konstellation von Schauspielern auf der Bühne des Old Vic auf: John Gielgud, Laurence Olivier, Peggy Ashcroft und andere. Sie schufen einen Bühnenstil, der sich an nationalen Traditionen in der Theaterkunst orientierte, aber gleichzeitig die dramatische Haltung der Briten zum Ausdruck brachte, die die Schrecken des Ersten Weltkriegs (1914–1918) überlebten. Diese Haltung kam am konsequentesten in D. Gielguds Darstellung der Rolle des Hamlet und in den Bildern zum Ausdruck, die er in Tschechows Werken schuf: Die Stücke von A. P. Tschechow, insbesondere Der Kirschgarten, wurden zu einem festen Bestandteil des englischen Theaterrepertoires.

In den 30er Jahren. In England und im Ausland gewannen die Stücke von John Boynton Priestley (1894–1984) an Popularität, die die Schärfe der Handlung mit sozial anklagender Bedeutung verbanden („Dangerous Turn“, „Time and the Conway Family“).

Nach dem Zweiten Weltkrieg durchlebte das englische Theater eine Zeit der Krise. Sein Weg aus der Krise in den 50er Jahren. im Zusammenhang mit den Aktivitäten einer Gruppe englischer Schriftsteller, die als "Angry Young People" bekannt sind. Sie brachten die Unzufriedenheit der jüngeren Generation mit der bürgerlichen Realität zum Ausdruck. Zu dieser Gruppe gehören die Dramatiker D. Osborne („Look Back in Anger“, 1956), S. Delaney („A Taste of Honey“, 1958) und andere. In den 60er und 70er Jahren. D. Arden (Sergeant Musgrave's Dance, 1961), D. Mercer (Flint, 1970), H. Pinter (The Watchman, 1960; No Man's Land, 1975) begannen, die Prinzipien des sozialpsychologischen Dramas zu entwickeln.

Der Erneuerung des Dramas folgte die Erneuerung der englischen Bühne. Ist gekommen neue Bühne Theatergeschichte Shakespeare. Das Stück „King Lear“, inszeniert von P. Brook, mit Paul Scofield Hauptrolle, vermittelte das tragische und nüchterne Weltbild der modernen Menschheit, die die Schrecken von Krieg und Faschismus erlebte. Die Chronicles of Shakespeare auf der Bühne des Royal Shakespeare Theatre (wie das Gedenktheater in Stratford-upon-Avon seit 1961 hieß) von P. Hall inszeniert mit gnadenloser Klarheit legten die gesellschaftlichen Wurzeln der englischen Geschichte frei.

In den 60er und 70er Jahren. eine in ganz England verbreitete Theaterjugendbewegung, die „fringe“ („Straßenrand“) genannt wird und mit der Suche nach einer politisch aktiven Kunst verbunden ist, die sich direkt in den öffentlichen Kampf einmischt. Im Rahmen des „Fringe“ bildete sich eine neue Generation englischer Schauspieler heraus, die dann in den 80er Jahren auf die Bühne des Royal Shakespeare Theatre und trat Nationaltheater(erstellt 1963). Vielleicht muss diese Generation ein neues Wort in der englischen Theaterkunst sagen.

Wenn Sie jemals die Gelegenheit haben, die englische Stadt Stratford zu besuchen, sollten Sie unbedingt das Shakespeare Royal Theatre besuchen.

Shakespeare-Theater The Globe ist eines der ältesten Theater in England. The Globe liegt am Südufer der Themse. Vor allem die ersten Aufführungen von Shakespeares Werken auf der Bühne brachten dem Theater Ruhm. Das Gebäude wurde aus verschiedenen Gründen dreimal umgebaut, was die reiche Geschichte von Shakespeares Theater ist.

Die Entstehung des Shakespeare-Theaters

Die Geschichte des Globe Theatre reicht bis ins Jahr 1599 zurück, als in London, wo die Theaterkunst schon immer mit Liebe behandelt wurde, die Gebäude der öffentlichen Theater nacheinander gebaut wurden. Für den Bau der neuen Arena wurden Baumaterialien verwendet – Holzkonstruktionen, die von einem anderen Gebäude übrig geblieben waren – das allererste öffentliche Theater mit dem logischen Namen „Theater“.

Die Eigentümer des ehemaligen Theatergebäudes, die Familie Burbage, errichteten es 1576 in Shoreditch, wo sie Land mieteten.

Als die Grundstückspreise stiegen, brachen sie das alte Gebäude ab und transportierten Materialien an die Themse, wo sie eine neue Einrichtung errichteten – Shakespeares Globe Theatre. Alle Theater wurden außerhalb des Einflusses der Stadtverwaltung von London gebaut, was durch die puritanischen Ansichten der Behörden erklärt wurde.

Während der Shakespeare-Ära gab es einen Übergang von der Amateur-Theaterkunst zur professionellen. Es entstanden Schauspieltruppen, die zunächst ein Wanderdasein führten. Sie reisten durch die Städte und zeigten Auftritte auf Jahrmärkten. Vertreter der Aristokratie begannen, Schauspieler unter ihre Schirmherrschaft zu nehmen: Sie nahmen sie in die Reihen ihrer Diener auf.

Dies verschaffte den Schauspielern eine Position in der Gesellschaft, wenn auch nur eine sehr niedrige. Truppen wurden oft nach diesem Prinzip bezeichnet, zum Beispiel „Diener des Lordkämmerers“. Später, als James I. an die Macht kam, begannen nur Mitglieder der königlichen Familie, die Schauspieler zu bevormunden, und die Truppen wurden in "Diener seiner Majestät des Königs" oder andere Mitglieder der königlichen Familie umbenannt.

Die Truppe des Globe Theatre war eine Partnerschaft von Schauspielern auf Aktien, d.h. Anteilseigner erhielten Einkünfte aus Honoraren von Aufführungen. Die Burbage-Brüder sind wie William Shakespeare die führenden Dramatiker der Truppe, und drei weitere Schauspieler waren Anteilseigner des Globe. Nebendarsteller und Teenager waren im Theater mit einem Gehalt und erhielten keine Einnahmen aus Aufführungen.

Shakespeares Theater in London hatte die Form eines Oktaeders. Typisch war der Zuschauerraum des Globe: eine ovale Plattform ohne Dach, umschlossen von einer großen Mauer. Die Arena erhielt ihren Namen aufgrund der Statue von Atlanta am Eingang, die den Globus stützte. Diese Kugel oder Kugel war von einem Band mit der berühmten Inschrift „ Die ganze Welt ist Theater(wörtliche Übersetzung - "Die ganze Welt handelt").

Shakespeares Theater bot 2 bis 3 Tausend Zuschauern Platz. Durch Innerhalb Die hohe Mauer beherbergte Logen für Angehörige der Aristokratie. Darüber befand sich eine Galerie für wohlhabende Leute. Der Rest befand sich rund um die Bühne, die in den Zuschauerraum überging.

Das Publikum sollte während der Aufführung stehen. Einige besonders privilegierte Personen saßen direkt auf der Bühne. Tickets für reiche Leute, die bereit sind, für Sitzplätze auf der Galerie oder auf der Bühne zu zahlen, kosten viel mehr als Sitzplätze im Parkett - rund um die Bühne.

Die Bühne war eine niedrige, um etwa einen Meter erhöhte Plattform. Auf der Bühne gab es eine Luke, die unter die Bühne führte, aus der im Verlauf der Handlung Geister auftauchten. Auf der Bühne selbst gab es sehr selten Möbel und überhaupt keine Kulissen. Es gab keinen Vorhang auf der Bühne.

Über der Hinterbühne befand sich ein Balkon, auf dem die Figuren erschienen, die sich laut dem Stück im Schloss aufhalten. Auf der Oberbühne gab es eine Art Tribüne, auf der auch Bühnenaktionen stattfanden.

Noch höher war eine hüttenartige Struktur, in der Szenen außerhalb des Fensters gespielt wurden. Interessanterweise wurde zu Beginn einer Aufführung im Globe eine Fahne auf dem Dach dieser Hütte aufgehängt, die weithin sichtbar war und ein Signal dafür war, dass im Theater eine Aufführung stattfand.

Die Armut und eine gewisse Strenge der Arena bestimmten, dass das Wichtigste, was auf der Bühne passierte, das Spiel der Schauspieler und die Kraft der Dramaturgie war. Es gab keine Requisiten für ein vollständigeres Verständnis der Handlung, vieles wurde der Fantasie des Publikums überlassen.

Es ist bemerkenswert, dass das Publikum in den Ständen während der Aufführung oft Nüsse oder Orangen aß, was durch die Funde von Archäologen bei Ausgrabungen bestätigt wurde. Das Publikum konnte einige Momente der Aufführung lautstark diskutieren und seine Emotionen nicht vor der Aktion verbergen, die es sah.

Auch das Publikum zelebrierte seine physiologischen Bedürfnisse direkt im Saal, so dass das Fehlen eines Daches eine Erlösung für den Geruchssinn von Theaterliebhabern war. Damit repräsentieren wir in etwa den hohen Anteil an Theaterautoren und Schauspielern, die aufführen.

Feuer

1613, im Juli, während der Premiere von Shakespeares Heinrich VIII. über das Leben des Monarchen, brannte das Globe-Gebäude nieder, aber das Publikum und die Truppe wurden nicht verletzt. Laut Drehbuch sollte eine der Kanonen feuern, aber etwas ging schief, und die Holzkonstruktionen und das Strohdach über der Bühne fingen Feuer.

Das Ende des ursprünglichen Baus des Globe markierte einen Wandel in Literatur- und Theaterkreisen: Etwa zur gleichen Zeit hörte Shakespeare auf, Theaterstücke zu schreiben.

Restaurierung des Theaters nach dem Brand

1614 wurde das Arenagebäude restauriert und beim Bau wurde Stein verwendet. Das Dach über der Bühne wurde durch ein Ziegeldach ersetzt. Die Theatertruppe spielte bis zur Schließung des Globe im Jahr 1642 weiter. Dann erließen die puritanische Regierung und Cromwell ein Dekret, dass alle Unterhaltungsdarbietungen, einschließlich Theateraufführungen, verboten waren. The Globe, wie alle Theater, geschlossen.

1644 wurde das Theatergebäude abgerissen und an seiner Stelle Mietshäuser errichtet. Die Geschichte des Globus wurde für fast 300 Jahre unterbrochen.

Der genaue Standort des ersten Globe in London war bis 1989 unbekannt, als der Sockel seines Fundaments in der Park Street unter einem Parkplatz gefunden wurde. Seine Konturen sind jetzt auf der Oberfläche des Parkplatzes markiert. Möglicherweise befinden sich dort auch andere Überreste des Globus, aber jetzt wird diese Zone in die Liste der historischen Werte aufgenommen und daher können dort keine Ausgrabungen durchgeführt werden.

Bühne des Globe Theatre

Die Entstehung von Shakespeares modernem Theater

Die moderne Rekonstruktion des Globe Theatre-Gebäudes wurde überraschenderweise nicht von den Briten vorgeschlagen, sondern vom amerikanischen Regisseur, Schauspieler und Produzenten Sam Wanamaker. 1970 organisierte er den Globe Trust Fund, der das Theater restaurieren sollte, eröffnet Bildungszentrum und Dauerausstellung.

Wanamaker selbst starb 1993, aber die Eröffnung fand noch 1997 unter dem modernen Namen Shakespeare's Globe Theatre statt. Dieses Gebäude befindet sich 200-300 Meter vom ehemaligen Standort des Globus entfernt. Das Gebäude wurde nach den Traditionen der damaligen Zeit rekonstruiert, außerdem war es das erste Gebäude, das nach dem großen Brand von London 1666 mit einem Strohdach gebaut werden durfte.

Die Aufführungen finden nur im Frühjahr und Sommer statt, weil. Das Gebäude wurde ohne Dach gebaut. 1995 die erste künstlerischer Leiter wurde Mark Rylance, der 2006 von Dominic Dromgoole ersetzt wurde.

Ausflüge in das moderne Theater finden täglich statt. Vor kurzem wurde neben dem Globe ein Themenpark-Museum eröffnet, das ganz Shakespeare gewidmet ist. Neben der Tatsache, dass Sie dort die größte Ausstellung sehen können, die dem weltberühmten Dramatiker gewidmet ist, können Sie an Unterhaltungsveranstaltungen teilnehmen: Sehen Sie sich einen Schwertkampf an, schreiben Sie ein Sonett oder nehmen Sie an der Produktion eines von Shakespeares Stücken teil.

Englisches Theater

Das englische Theater des 18. Jahrhunderts spielte eine sehr herausragende Rolle in der Geschichte der Entwicklung von allem Europäisches Theater. Er wurde nicht nur zum Begründer des Aufklärungsdramas, sondern leistete auch einen wesentlichen Beitrag dazu. Trotzdem wurde die Tragödie im englischen Theater der Aufklärung durch eine neue ersetzt dramatische Gattung- kleinbürgerliches Drama oder, wie es auch genannt wurde, bürgerliche Tragödie. In England entstanden die ersten Beispiele des kleinbürgerlichen Dramas, das später in die Theater Deutschlands, Frankreichs und Italiens eindrang. Nicht letzter Platz Auch Comedy gehörte zum Repertoire. Form und Inhalt wurden seit der Renaissance grundlegend reformiert.

Der Übergang vom Theater der Renaissance zum Theater der Aufklärung war lang, stürmisch und ziemlich schmerzhaft. Das Renaissance-Theater verschwand allmählich, aber sie ließen ihn nicht eines natürlichen Todes sterben. Der letzte Schlag wurde ihm von der vollendeten puritanischen Revolution versetzt. Seine alten Traditionen des sogenannten strengen Lebens passten perfekt zur Atmosphäre der neuen Zeit. England, das bis vor kurzem hell, bunt und voller Leben war, ist fromm, fromm und in eine dunkle Uniform gekleidet. In einem solchen Leben fand das Theater einfach keinen Platz. Alle Theater wurden geschlossen und wenig später niedergebrannt.

1688-1689 fand in England die sogenannte Glorious Revolution statt. Danach vollzog sich der Übergang in der Entwicklung des Theaters von der Renaissance zur Aufklärung. Die Stuarts, die an die Macht zurückgekehrt waren, restaurierten das Theater, das erhebliche Unterschiede zum Theater der vorherigen Ära aufwies.

Die Restaurationszeit blieb in der Geschichte Englands als Zeit der Abwertung aller moralischen und ethischen Werte. Nachdem die Aristokraten die Macht und alles, was damit zusammenhing, an sich gerissen hatten, schwelgten sie in ausgelassenem Gelage. Es ist ganz natürlich, dass das Theater die neue Sittenlage widerspiegelte. Die Helden der Stücke, die auf die Bühne gingen, durften eines nicht: zumindest so etwas wie die verhassten Puritaner sein.

Mit dem Niedergang des Restaurationsregimes begann sich die Position der Dramatiker dramatisch zu ändern. Elemente des bürgerlichen Dramas und einer satirischen Darstellung von Zeitgenossen begannen in ihren Werken aufzutauchen. Die Quelle des Comics waren jene Abweichungen von der menschlichen Norm, die in der Gesellschaft existierten.

Die Bildungskomödie wurde von William Congreve entwickelt. Berühmt wurde er durch das Schreiben seiner ersten Komödie „Der alte Junggeselle“ (1692).

Reis. 45. Georg Farker

Noch näher an der Aufklärung war George Farker (1678-1707) ( Reis. 45). Er begann seine Arbeit mit dem Schreiben von Theaterstücken im Einklang mit der Komödie der Restauration. Aber dann gab es in seinem Werk eine Wende zur politischen und sozialen Satire.

Farkers Komödie The Recruiting Officer (1706) kritisierte die Methoden der Rekrutierung von Soldaten für die englische Armee. Die Komödie Der schlaue Plan der Dandies (1707) war das Ergebnis der gesamten Entwicklung der Sittenkomödie des 17. Jahrhunderts. Der Dramatiker hat so interessante und wahrheitsgemäße Bilder gemalt provinzielle Bräuche dass seine Komödie die Quelle des Realismus des 18. Jahrhunderts war und die Namen vieler Charaktere zu gebräuchlichen Substantiven wurden.

In den frühen 1730er Jahren entstand ein Genre namens Philisterdrama. Sein Auftritt war ein schwerer Schlag gegen die Klassenästhetik der Genres. Die Theaterbühne begann, den einfachen Mann zu gewinnen. Wenig später wurde er alleiniger Besitzer. Der überwältigende Erfolg von George Lillos (1693-1739) Theaterstück The Merchant of London oder The Story of George Barnwell (1731) trug dazu bei, die bürgerliche Tragödie auf der Bühne zu etablieren. Gegenstand der Nachahmung war ein weiteres Stück von Lillo - eine Tragödie in Versen " tödliche Neugier» (1736). Manchmal war er nahe daran, in seinen Werken das Verbrechen als Norm der bürgerlichen Gesellschaft darzustellen. Aber die idealisierende Tendenz übertrifft die kritische Tendenz. Die endlosen Predigten des vorbildlich tugendhaften Kaufmanns Thorogood in The Merchant of London und der Aufruf, demütig sein Kreuz zu tragen, mit dem Fatal Curiosity endet, verleihen Lillos Stücken einen eher scheinheiligen Ton. Der Dramatiker trat natürlich an den "kleinen Mann" heran, aber nur, um ihn vor schlechten Gedanken und Taten zu warnen.

Mehr als zwanzig Jahre nachdem The Merchant of London geschrieben wurde, entstand in England eine weitere berühmte bürgerliche Tragödie, The Gambler (1753). Sein Autor war Edward Moore (1712-1757). Dieses Stück hatte viele dramatische Vorzüge, zeichnete sich aber einfach durch die auffällige Enge des sozialen Horizonts aus. Der Autor hat sich das einzige Ziel gesetzt - seine Zeitgenossen von der zerstörerischen Leidenschaft für das Kartenspiel abzubringen. Die spätere Gesellschaftskritik auf der Bühne wird in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts mit den Namen anderer Dramatiker in Verbindung gebracht.

Der radikalste Teil der englischen Schriftsteller sah in den menschlichen Lastern nicht nur ein Erbe der Vergangenheit, sondern auch das Ergebnis einer neuen Ordnung der Dinge. Der anerkannte Kopf dieses Trends war der große englische Satiriker Jonathan Swift, und seine treuesten Anhänger im Theater waren John Gay (1685-1732). (Abb. 46) und Henry Fielding (1707-1754).

Reis. 46. ​​​​John Gay

Im 18. Jahrhundert blühten im englischen Theater kleine Genres auf. Pantomime, Ballade, Oper und Probe sind sehr beliebt. Die letzten beiden Gattungen drückten die kritischste Haltung gegenüber der bestehenden Ordnung aus.

Mit der Aufführung von John Gays Beggar's Opera im Jahr 1728 begann die Blütezeit der Balladenoper und auch der mit kleinen Genres verbundenen kritischen Richtung. Die Aufführung war ein voller Erfolg. Die Texte der Aufführung wurden in Schaufenster gehängt, auf Fächer geschrieben und auf der Straße gesungen. Es gibt einen berühmten Fall, in dem zwei Schauspielerinnen um das Recht kämpften, die Rolle von Polly Peach zu spielen. Am Eingang des Theaters fand mehr als zwei Monate hintereinander jeden Tag ein wahres Pandämonium statt.

Henry Fielding war in den 1730er Jahren auch ein sehr berühmter Dramatiker. Er schrieb 25 Theaterstücke. Darunter sind Werke wie „Der Richter in der Falle“ (1730), „Die Grub Street Opera oder Am Schuh der Frau“ (1731), „Don Quijote in England“ (1734), „Pasquin“ (1736) und "Historischer Kalender für 1736" (1737).

Seit den 1760er Jahren dringen zunehmend kritische Strömungen in den Bereich der sogenannten richtigen Komödie vor. Erstmals seit Congreve und Farker wird eine vollwertige realistische Sittenkomödie nachempfunden. Seit dieser Zeit wurde die sentimentale Komödie der urkomischen Komödie gegenübergestellt.

Der Begriff wurde von Oliver Goldsmith (1728-1774) geprägt. Er ist Autor der Abhandlung An Experience on the Theatre, or a Comparison of a Gay and Sentimental Comedy (1772) und zweier Komödien: The Good Man (1768) und The Night of Errors (1773).

Reis. 47. Richard Brinsley Sheridan

Die Schule der fröhlichen Komödie bestimmte die Ankunft des größten englischen Dramatikers des 18. Jahrhunderts, Richard Brinsley Sheridan (1751-1816) ( Reis. 47). Im Alter von 24 Jahren produzierte er seine erste Komödie, The Rivals (1775). Es folgten mehrere weitere Stücke, darunter The Duenna (1775). 1777 schuf Sheridan sein berühmtes Stück The School for Scandal. Zwei Jahre später erschien seine letzte Komödie „The Critic“. Die gesamte Arbeit von Sheridan, einem Komiker, passte in weniger als 5 Jahren. Erst 20 Jahre später kehrte er zur Dramaturgie zurück und schrieb die Tragödie Pizarro (1799). Seit der Restaurationszeit hat sich die englische Bühnenkunst dem Klassizismus zugewandt. Den ersten, aber ganz entscheidenden Schritt in Richtung Realismus machte Charles Maclean (1699-1797). Er war ein komischer Charakterdarsteller. 1741 erhielt er die Rolle des Shylock (damals als komische Rolle angesehen). Aber McLean spielte diese Rolle als tragisch. Das war eine große ästhetische Entdeckung, die weit über die Interpretation einer einzelnen Rolle hinausging. McLean erkannte, dass die Zeit für Realismus gekommen war, und sah viele seiner Merkmale voraus.

Auf dem Gebiet der darstellenden Künste waren die Aktivitäten von David Garrick (1717-1779) von großer Bedeutung. Garrick war ein Schüler von MacLean, aber ein genialer Schüler. David war der Sohn eines Offiziers, einem Franzosen nach Nationalität, und einer Irin. Das Theater wurde in seiner Familie geliebt, aber sein Sohn wurde auf eine andere Karriere vorbereitet - die Karriere eines Anwalts. Allerdings stellte sich heraus, dass Garrick ein nachlässiger Schüler war. Im Frühjahr 1741 stand er dank eines glücklichen Zufalls auf der Bühne des Goodman's Fields Theatre. Danach nahm er mit dieser Truppe an Tourneen teil, bei denen er MacLeans Rat nutzte, und spielte bereits im Oktober brillant die Rolle von Richard III, was ihn berühmt machte ( Reis. 48).

Reis. 48. David Garrick als Richard III

1747 kaufte Garrick das Drury Lane Theatre, das er fast 30 Jahre lang leitete. All diese Jahre war er die zentrale Figur des Londoner Theaters. In seinem Theater sammelte er beste schauspieler Englische Hauptstadt. Trotz der Tatsache, dass alle Schauspieler aus verschiedenen Theatern kamen, gelang es Garrick, eine einzige Truppe zu gründen. Großen Wert legte er auf Proben, in denen er fleißig auf Rezitation verzichtete, Natürlichkeit im Spiel erreichte und die Rolle sorgfältig ausführte. Die erstellten Charaktere mussten so vielseitig wie möglich sein. Garricks Proben waren viele Stunden lang und manchmal schmerzhaft für die Schauspieler, aber die Ergebnisse, die sie brachten, waren einfach großartig.

Vielfältige, spannende Bereiche der Tragödie und Komödie als Schauspiel und Regie waren Garricks Arbeit von großer Bedeutung. Er blieb in der Geschichte des englischen Theaters als sein größter Vertreter.

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Städtisches Bildungsministerium der Verwaltung von Polysaevo

Informations- und Methodenzentrum

Städtische Bildungseinrichtung

"Sekundarschule Nr. 35"

Geschichte des britischen Theaters

Forschungsprojekt

Polysaevo 2007

Städtisches Bildungsministerium der Verwaltung von Polysaevo

Informations- und Methodenzentrum

Städtische Bildungseinrichtung

"Sekundarschule Nr. 35"

Geschichte des britischen Theaters

Daria Putintseva,

Die vorgeschlagene Forschungsarbeit enthält eine Beschreibung der Geschichte des Theaters im Vereinigten Königreich. Das Forschungsprojekt charakterisiert das englische Theater vom Mittelalter bis zur Gegenwart, seine Richtungen und Tendenzen. Die Arbeit zeichnet die Entstehung und Entwicklung der wichtigsten Theaterströmungen, die Originalität des theatralischen Kampfes in unterschiedliche Phasen historische Entwicklung. Besonderes Augenmerk wird auf die Frage nach den nationalen Besonderheiten des englischen Theaters gelegt.

Geschichte des Theaters in Großbritannien: Forschungsarbeit / . - Polysaevo: Informations- und Methodenzentrum, 2007.

Erläuterungen

Zielsetzung: Kennenlernen einer fremden Kultur.

Arbeitsaufgaben: Erweiterung des kulturellen Wissens über Großbritannien.

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Liebst du das Theater genauso wie ich? - fragte unser großer Landsmann Vissarion Belinsky seine Zeitgenossen, zutiefst davon überzeugt, dass ein Mensch das Theater lieben muss.

Du liebst Theater? Mit der gleichen Frage hätten sich vor mehr als 20 Jahrhunderten die großen Väter des antiken Theaters Äschylus und Sophokles, Euripides und Aristophanes an ihre Zuschauer wenden können, die die Steinbänke der riesigen Amphitheater im Freien von Hellas füllten.

Ihnen folgen schon in anderen Jahrhunderten andere historische Epochen Mit ähnlicher Anziehungskraft auf ihre Zeitgenossen könnten sich Shakespeare und Ben Jonson in England richten. Und alle fragen die Menschen ihrer Zeit: "Magst du das Theater?" - mit einer bejahenden Antwort rechnen dürfen.

Englisches Theater, Literatur und Musik sind ein integraler Bestandteil der Weltkultur. Die besten Traditionen der englischen Kultur haben die Welt bereichert kultureller Prozess Sie gewann Liebe und Anerkennung weit über die Grenzen Englands hinaus.

Die Arbeit englischer Dramatiker genießt in Russland seit langem Anerkennung und Liebe. Die größten Schauspieler des russischen Theaters spielten in Shakespeares Tragödien.

In der englischen Kulturgeschichte werden folgende Hauptepochen unterschieden: Mittelalter, Renaissance, 17. Jahrhundert, 18. Jahrhundert (Zeitalter der Aufklärung), 19. Jahrhundert (Romantik, Kritischer Realismus), die Periode Ende des 19. Jahrhunderts - Anfang des 20. Jahrhunderts (1871 - 1917) und des 20. Jahrhunderts, in der zwei Perioden unterschieden werden: 1917 - 1945. und 1945 - heute.

Frühes Mittelalter ( v XI Jahrhunderte)

Im 6. Jahrhundert v. Chr. wurden die Britischen Inseln von den Kelten besetzt. Im 1. Jahrhundert n. Chr. wurde Britannien von den Römern erobert. Die Herrschaft des Römischen Reiches dauerte bis zum 5. Jahrhundert, als die Angelsachsen und Juten in das Gebiet Großbritanniens eindrangen. Die angelsächsischen Stämme brachten ihre Sprache, Kultur und Lebensweise auf die Britischen Inseln.

Die Geschichte des mittelalterlichen Theaters ist die Geschichte des Kampfes idealistisch-religiöser Lebensanschauungen mit der realistischen Weltanschauung der Menschen.

Über viele Jahrhunderte im Leben der Menschen im feudalen Europa wurden Traditionen heidnischer ritueller Festlichkeiten bewahrt, die Elemente der Theatralisierung enthielten: der Zusammenprall von Winter und Sommer, die Maispiele, bei denen Szenen unter Beteiligung des Königs und der Königin aufgeführt wurden Mai usw. usw. Truppen durchstreiften Europa Volksvergnügungen - Histrions. Sie konnten alles: singen, tanzen, jonglieren, schauspielern. Sie spielten komische Szenen und amüsierten oft nicht nur das Publikum, sondern machten sich auch über diejenigen lustig, die einfache Menschen unterdrückten und unterdrückten. Deshalb verbot die Kirche rituelle Spiele, verfolgte Histrion, war aber machtlos, die Liebe der Menschen zu Theateraufführungen zu zerstören.

Um den Gottesdienst – die Liturgie – effektiver zu gestalten, beginnen die Geistlichen selbst, sich theatralischer Formen zu bedienen. Das erste Genre des mittelalterlichen Theaters erscheint - das liturgische Drama (IX-XIII Jahrhundert). Während der Liturgie spielten die Priester Geschichten aus der Heiligen Schrift nach. Im Laufe der Zeit werden Aufführungen liturgischer Dramen aus der Kirche auf die Veranda und den Kirchhof gebracht.


XI XV Jahrhundert

Im 11. Jahrhundert wurden die Britischen Inseln von den Normannen erobert. Es hat dazu beigetragen Französischer Einfluss auf der Kulturleben Länder.

In den XIII-XIV Jahrhunderten. ein neues Genre der mittelalterlichen Theateraufführung erscheint mirakl ("Wunder"). Die Handlungen der Wunder sind den Legenden über die Heiligen und die Jungfrau Maria entlehnt.

Höhepunkt des mittelalterlichen Theaters Geheimnis . Es entwickelt sich im XIV-XV Jahrhundert während der Blütezeit der mittelalterlichen Städte. Auf den Plätzen der Stadt werden Rätsel gespielt. Die Darstellung des Mysteriums war massiv - und je nach Teilnehmerzahl war die Allegorie" href="/text/category/allegoriya/" rel="bookmark"> allegorisch. Moralische Charaktere verkörperten meist verschiedene menschliche Eigenschaften, seine Laster und Tugenden .

Der Held der Moral ist eine Person im Allgemeinen. „Every man“ – so hieß die englische Moral Ende des 15. Jahrhunderts. In diesem Stück erschien jedem Menschen der Tod und rief ihn auf eine „lange Reise“ und erlaubte ihm, jeden Gefährten mitzunehmen. Eine Person wandte sich an Freundschaft, Verwandtschaft, Reichtum, wurde aber überall abgelehnt. Stärke, Schönheit, Vernunft, fünf Sinne erklärten sich bereit, eine Person zu begleiten, aber am Rand des Grabes verließen sie ihn alle. Nur gute Taten sprangen mit ihm ins Grab. Moralite gab biblische Themen auf, behielt aber die religiöse Erbauung bei.

Farce - das erste Genre des mittelalterlichen Theaters, das mit der religiösen Moral brach. Die Farce, ein fröhliches und satirisches Genre, machte sich über die sozialen, politischen und moralischen Konzepte der feudalen Gesellschaft lustig. Törichte Ritter, habgierige Kaufleute, wollüstige Mönche spielen in der Farce mit. Aber wahrer Held dieses Genres, alle nicht sehr anständig, aber immer lustig, Farce Plots - ein fröhlicher Schelm aus dem einfachen Volk. Bei einer Farce hat derjenige Recht, der alle überlistet hat.

Die Erfahrung von Farce-Aufführungen wurde vom Theater der nachfolgenden Epochen weit verbreitet. Shakespeares Komödien übernahmen nicht nur die albernen Methoden der Farce, sondern auch den Geist des populären freien Denkens, der sie erfüllte.

Renaissance

Im 15. – 16. Jahrhundert vollzieht sich in den europäischen Ländern „die größte fortschreitende Umwälzung, die die gesamte Menschheit bis dahin erlebt hat“ – der Übergang vom feudalen Mittelalter in die neue Zeit, geprägt von der Anfangsphase der Entwicklung des Kapitalismus. Diese Übergangszeit wurde Renaissance oder Renaissance genannt.

Dies war die Ära der neue Kultur, Bruch mit religiösen Dogmen, eine Ära der rasanten Entwicklung von Kunst und Literatur, Wiederbelebung der Ideale der Antike. Vor einem Menschen eröffnen sich große Möglichkeiten für eine aktive kreative Tätigkeit. In dieser Zeit findet die Bildung der nationalen Kultur statt.

Das 16. Jahrhundert war in England die Blütezeit des Dramas. Das englische Theater reagierte auf öffentliche Interessen und war in einer Atmosphäre des nationalen Aufschwungs ungewöhnlich beliebt. Ende des 16. Jahrhunderts gab es in London etwa zwanzig Theater; unter ihnen waren das James Burbage Theatre und das Philip Hensloe Theatre besonders berühmt. Entwicklung Theaterkultur Es verlief nicht ohne Schwierigkeiten, das Haupthindernis waren die Aktionen der Puritaner, die das Theater als "dämonische" Angelegenheit betrachteten.

Zu den Dramatikern dieser Zeit gehörten Robert Greene, Thomas Kidd, Christopher Marlowe und andere.

Die Stücke von Beaumont (1584-1616) und Fletcher (1579-1625) kennzeichnen eine andere Ära in der Geschichte des englischen Theaters. Sie versuchten, das Theater zu aristokratieren, eine gewisse Raffinesse und Anstand in die Bühnenaufführungen einzuführen. Edle, monarchistische Ideen werden zum Thema des Theaters von Beaumont und Fletcher besondere Aufmerksamkeit. Von der Bühne sind ständig Rufe nach selbstlosem Dienst am König zu hören.

William Shakespeare

Das Theater der englischen Renaissance verdankt seine Blütezeit vor allem William Shakespeare. Die Dramaturgie Shakespeares ist das Ergebnis der gesamten bisherigen Entwicklung des Dramas, der Spitze des Theaters.

"Die Tragödie wurde auf dem Platz geboren" - schrieb er und bezog sich auf die fernen Ursprünge von Shakespeares Werk - das Volkstheater mittelalterlicher Mysterien. Die Traditionen des Theaters der Plätze - eine breite Berichterstattung über Ereignisse, der Wechsel von komödiantischen und tragischen Episoden, die Dynamik der Handlung - wurden von Shakespeares Vorgängern - den Dramatikern R. Green, K. Marlo und anderen - bewahrt. Sie brachten freiheitsliebende Ideen auf die Bühne, zeigten neue Helden mit starkem Willen und ganzem Charakter.

In der ersten, „optimistischen“ Periode seines Schaffens schrieb Shakespeare Komödien voller fröhlicher Stimmungen. Doch als sich vor dem durchdringenden Blick des Dichters das „Meer der Katastrophen“ auftat, als der unaufhaltsame Lauf der Geschichte die Widersprüche von Feudalismus und aufkommendem Kapitalismus immer schärfer offenlegte, wurde der ideale Held in seinen Werken durch einen machthungrigen, egoistischer und eigennütziger Mensch und manchmal sogar ein Krimineller.

Zum ersten Mal wurde diese Wendung in der Tragödie "Hamlet" offenbart. Aber die Helden von Shakespeare beugten sich nicht vor der Welt des Bösen. Die Helden von Shakespeares Tragödien, die in den Kampf eintraten und Opfer ihrer allmächtigen Gegner wurden, bekräftigten sogar durch ihren Tod den Glauben an den Menschen und sein strahlendes Schicksal. Darin liegt die Unsterblichkeit von Shakespeares Tragödien und ihr moderner Klang.

Shakespeares Globe Theatre befand sich neben anderen Theatern am Südufer der Themse außerhalb von London, da die Behörden dort Schauspiele verboten hatten

William Shakespeare

Globus-Theater". Aussehen.

die Stadt selbst. Das Gebäude wurde von einem kleinen Turm gekrönt, an dem während der Aufführung eine Fahne flatterte.

Die Aktion fand unter freiem Himmel statt - eine Menschenmenge stand vor der Bühne, wohlhabende Bürger ließen sich auf den Galerien nieder, die in drei Rängen die runden Wände des Theaters umgaben. Die Bühne war in 3 Teile geteilt: die Vorderseite - das Proszenium, die Rückseite, die durch zwei Seitensäulen getrennt und mit einem Strohdach bedeckt war, und die Spitze - in Form eines Balkons. Die Bühne war mit Teppichen und Matten dekoriert, und von oben hing eine Tafel: schwarz - in Tragödien und blau - in Komödien. Der Schauplatz der Aktion wurde durch ein Detail angezeigt (der Baum zeigte an, dass die Aktion im Wald stattfand, und der Thron - der im Palast).

Die Zusammensetzung der Truppe war klein - nur 8-12 Personen. Manchmal musste jeder Schauspieler bis zu drei oder mehr Rollen in einem Stück spielen. Die Heldinnen wurden von hübschen, zerbrechlichen jungen Männern gespielt. Die größten tragischen Schauspieler waren Edward Alleyn, der mit spielte besonderer Erfolg in den Stücken von K. Marlo und Richard Burbage - bester Darsteller Rollen von Hamlet, Lear, Othello und Macbeth. Richard Tarlton und William Kemp spielten in komödiantischen Rollen mit.

XVIII Jahrhundert

Wenn während der Renaissance in England Dramaturgie und Theater ihre Blütezeit hatten, waren damals die Theaterbräuche in London recht frei, herrschte sowohl auf der Bühne als auch im Zuschauerraum völlige Leichtigkeit, und Schauspieler und Zuschauer waren vor Ausdruck nicht zurückgeschreckt, dann in der Im 17. Jahrhundert wurden sie von den Puritanern verfolgt.

In der Renaissance konnte man einen Zauberer mit einem Hund auf der Bühne sehen, der „und den König von England, den Prinzen von Wales, und wenn er auf seinem Rücken sitzt, dann den Papst und den König von Spanien“ darstellte. Eine Frau in einer Komödie könnte anhand der Bühne erkennen, dass Sie anhand des Urins raten können, oder ein Herr - schreiben Sie auf, wo er gepinkelt hat. „Unsere Bühne hat manchmal den gleichen Dreck und Gestank wie Smithfield (ein Vorort von London, wo Jahrmärkte abgehalten und manchmal Ketzer verbrannt wurden), sagt Ben Jonson. „Dort heißt alles beim richtigen Namen“, schrieb Voltaire schon im 18. Jahrhundert über die englische Bühne.

Theatermoral lässt sich aus dem anonymen „Protest oder Klage der Schauspieler gegen die Unterdrückung ihres Berufs und ihre Vertreibung aus mehreren Theatern“ (1643) ableiten. „Wir versprechen für die Zukunft, niemals promiskuitive Frauen in unsere Sixpenny-Lodges zu lassen, die nur dorthin kommen, um von Auszubildenden und Anwaltsangestellten mitgenommen zu werden, und keine andere solche Art von Frauen, außer denen, die mit ihren Ehemännern kommen oder nahe Verwandte. Auch die Einstellung zum Tabak wird sich ändern: er wird nicht verkauft ... was Schimpfwörter und ähnliche Gemeinheiten betrifft, die anständige Menschen empören und schlechte Menschen in Ausschweifungen treiben können, werden wir sie zusammen mit unmoralischen und unhöflichen Autoren - Dichtern - vollständig ausschließen .

Das Spielen und Aufführen von Theaterstücken wurde als sündige Tätigkeit erklärt; Der Besuch des Theaters wurde entschieden verurteilt und als schädliche und schädliche Handlung angesehen. Mit der Machtübernahme der Puritaner wurden Theateraufführungen in England verboten. Am 2. September 1642 schloss das englische Parlament die Theater und verbot alle Aufführungen mit dem Argument, dass die Spektakel „oft ungezügelte Fröhlichkeit und Frivolität ausdrücken“, während man seine Gedanken auf „Buße, Versöhnung und Hinwendung zu Gott“ richten sollte. Fünf Jahre später bestätigte das Parlament diese Entschließung, jetzt in härteren Worten und ordnete an, ungehorsame Personen (Schauspieler) als Kriminelle ins Gefängnis zu bringen. Die Kultur erlebte eine akute Krise. Die Kirche hat lange und entschieden gegen Theaterspektakel gekämpft. "Die Theater sind voll, aber die Kirchen sind leer", klagen puritanische Priester. Im Theater "regieren freie Gesten, lockere Reden, Gelächter und Spott, Küsse, Umarmungen und unbescheidene Blicke", empört sich die Geistlichkeit. „Dort wird gegen das Wort Gottes verstoßen und die in unserem Staat etablierte Gottesreligion profaniert“, sagt der Oberbürgermeister.

Das Theater des 17. Jahrhunderts wurde der puritanischen Bourgeoisie Englands als Theater der Ausschweifung und Ausschweifung präsentiert, ein Theater, das den Geschmack der Aristokraten bedient und das einfache Volk korrumpiert.

Es gab auch Verteidiger. Der Dramatiker Thomas Nash schrieb 1592, dass die Handlung der Stücke den englischen Chroniken entlehnt, die großen Taten der Vorfahren aus dem „Grab des Vergessens“ geholt und damit die Verurteilung der „entarteten und verweichlichten Moderne“ ausgesprochen werde, dass in den Stücken "die mit äußerer Heiligkeit vergoldete Lüge seziert wird".

Die Merkmale der Kultur wurden durch die Ereignisse der bürgerlichen Revolution bestimmt. Die Klassengegensätze zwischen der Bourgeoisie und den Großgrundbesitzern eskalierten, die Regierung der bürgerlichen Republik wurde von Oliver Cromwell geführt, und dann wurde die Stuart-Monarchie wiederhergestellt.

Die Stuarts, die an die Macht zurückkehrten, eröffneten 1660 wieder Theater, und die brillante, aber unmoralische Komödie der Restaurationszeit bestätigte sozusagen die negative Bewertung, die Cromwells Mitarbeiter dem Theater entgegenbrachten.

Nach dem Staatsstreich kam Wilhelm III. von Oranien an die Macht. Die Volksbewegung wuchs.

Wilhelm III. hat die Theater nicht geschlossen, aber mit Erlass vom 01.01.01 ermahnte er die Schauspieler eindringlich, „wenn sie weiterhin Stücke spielen, die gegen Religion und Anstand verstoßende Äußerungen enthalten und Blasphemie und Unsittlichkeit auf der Bühne zulassen, dann für das müssen sie mit dem Kopf beantworten.

Im selben Jahr, 1698, wurde eine Abhandlung von einem gewissen puritanischen Theologen namens Jeremy Collier unter dem sehr farbenfrohen Titel „ Kurze Review Unmoral und Gottlosigkeit der englischen Bühne. Der Theologe verurteilte die bestehende Theaterpraxis auf das Schärfste. Er schrieb, dass es auf der Bühne Wut und Wut gegeben habe. „Blut und Barbarei werden fast vergöttert“, dass „der Ehrbegriff pervertiert, christliche Prinzipien gedemütigt werden“, dass „Teufel und Helden aus demselben Metall sind“, und forderte eine radikale Umstrukturierung der Theater, machte sie zu einem eine Art Schule der Tugend, des guten Benehmens und des Anstands: „Der Zweck des Theaterstücks ist es, die Tugend zu fördern und das Laster aufzudecken, die Zerbrechlichkeit menschlicher Größe, die plötzlichen Wechselfälle des Schicksals und die schädlichen Folgen von Gewalt und Ungerechtigkeit zu zeigen.

Die englische Bourgeoisie wollte nicht mehr wie früher die Schließung der Theater, sondern ihre Anpassung an die Bedürfnisse der Klasse. Obwohl die "glorreiche Revolution" von 1688 ein Bündnis zwischen der Bourgeoisie und dem neuen Adel hervorbrachte, blieben die Feindseligkeiten bestehen. Die Positionen der Gutsbesitzer waren immer noch stark, obwohl sich die Aristokraten den Verhältnissen unterwarfen, waren sie keineswegs vollständig versöhnt. Angriffe auf den Adel waren auch bei Theateraufführungen zu hören.

1713 versuchte Joseph Addison (1672-1719), die klassische Tragödie auf der englischen Bühne zu etablieren.

Zu dieser Zeit erschien ein neues Genre - Drama, aber Comedy wollte seine Positionen nicht aufgeben. Die Zuschauer, die bei den Aufführungen von The London Merchant reichlich Tränen vergossen und beim düsteren Finale des Stücks mit Entsetzen erfüllt waren, wollten von Zeit zu Zeit lachen. Diese Gelegenheit wurde ihnen von Fielding und später von Oliver Goldsmith und Richard Brinsley Sheridan gegeben.

Goldsmith wollte die „schwule Komödie“ von Shakespeare und Ben Jonson wiederbeleben. In seiner Abhandlung Eine Erfahrung über das Theater oder ein Vergleich einer lustigen und sentimentalen Komödie (1733) sprach er direkt darüber und schrieb mehrere Komödienstücke ohne Moralisieren, ohne viel Tendenz, sich fröhlich über die Unerfahrenheit junger Leute lustig machend leicht getäuscht. Die Stücke sind voller lustiger Fehler, die Charaktere sind ganz natürlich dargestellt.

Richard Brinsley Sheridan (1751-1816) hinterließ jedoch die größten Spuren in der Geschichte des englischen Dramas dieser Zeit. Er schrieb für kurze Zeit. Alle seine besten Stücke entstanden innerhalb von fünf Jahren. Der Brand seines Theaters in der Drury Lane versetzte dem Schriftsteller den letzten Schlag.

Der Klassizismus in seiner klassischen Form konnte in England keinen festen Boden finden. Dafür gab es zwei Gründe: die politische Lage des Landes und die Autorität von Shakespeares Theater.

Was Shakespeare betrifft, so stellte er die Errungenschaften des antiken Dramas so in den Schatten, dass es nach ihm einfach undenkbar war, sich ganz auf das Beispiel antiker griechischer Autoren zu verlassen. Englische Dramatiker, die für das Theater arbeiteten, konnten Aischylos, Sophokles und Euripides nicht so bedingungslos folgen wie ihre französischen Kollegen. Vor ihnen war das Beispiel von Shakespeare, der nach einem völlig anderen System arbeitete und beispiellose Ergebnisse erzielte.

1644 wurde Shakespeares Globe Theatre abgerissen, nach einem Brand 1613 wieder aufgebaut, 1649 - die Theater Fortune und Phoenix, 1655 - Blackfriars. Im ganzen Land verstreute Schauspieler gingen in die Soldaten, verschwanden spurlos, so ein anonymer Autor aus dem 17. Jahrhundert (Historia histrionica).

1643 verfassten die Schauspieler ein berührendes anonymes Dokument: eine Klage über die Unterdrückung ihres Berufes. "Wir wenden uns an Sie, großer Phoebus, und an Sie, neun Schwestern - Musen, Gönnerinnen des Geistes und Beschützer von uns, arme gedemütigte Schauspieler", schrieben sie. „Wenn wir mit Hilfe Ihres allmächtigen Eingreifens wieder in unseren ehemaligen Theatern installiert werden und wieder zu unserem Beruf zurückkehren könnten ...“ Die Schauspieler schrieben, dass die Komödien und Tragödien, die sie aufführten, „eine lebendige Reproduktion der Handlungen von Menschen“ seien , „dass das Laster in ihnen bestraft und die Tugend belohnt wurde, dass „ Englische Rede richtig und natürlich ausgedrückt. Phoebus und neun Schwestern - Musen, Förderer der Künste - antworteten nicht. Das Theater hat irreparable Schäden erlitten.

John Milton, der größte englische Dichter des 17. Jahrhunderts, teilte die ablehnende Haltung der Puritaner gegenüber Theateraufführungen nicht. Milton war besonders entschieden gegen die Dramatiker und das Theater der Restaurationszeit, das einen betont unterhaltsamen Charakter hatte. Milton betrachtete die Tragödie als die Hauptsache in der dramatischen Kunst, klassische Designs antike griechische Kunst. Er ahmte sie nach, führte einen Chor ein, der das Geschehen kommentierte, und stellte die Einheit der Zeit fest: Die Dauer der Ereignisse in der Tragödie überschreitet 24 Stunden nicht. Die Einheit von Ort und Handlung wird strikt gewahrt.

Restaurierungszeit

Die Restaurationszeit begann in England kurz nach Cromwells Tod.

Die von den Puritanern verhängten Verbote für Theateraufführungen und verschiedene Arten von Unterhaltung wurden aufgehoben. Die Theater wurden wiedereröffnet, unterschieden sich jedoch sowohl in ihrer äußeren Gestaltung als auch in der Art der Stücke stark vom englischen Theater des 16. bis frühen 17. Jahrhunderts. Auf der Bühne wurden reiche Kulissen und prächtige Kostüme verwendet.

Besonders erfolgreich waren die Komödien von William Wycherley (1640-1716) und William Congreve (1670-1729).

Englische Theater "Drury Lane" und "Covent Garden"

Lassen Sie uns jetzt die Theater von London besuchen. 1663 wurde das Drury Lane Theatre in London gebaut, das das Recht auf ein Monopol bei der Auswahl des Repertoires erhielt. 1732 erschien ein weiteres großes Theater - Covent Garden. In den Londoner Theatern herrschte wenig Ordnung. Das Publikum, das in den Zuschauerraum stürmte, eilte geradeaus an den Sitzbänken des Parketts entlang, um Sitzplätze näher an der Bühne zu ergattern. Von Zeit zu Zeit gab es eigenartige "Theaterunruhen" - das Publikum, unzufrieden mit der Aufführung, der Preiserhöhung, jedem Darsteller, übertönte die Stimmen der Schauspieler, bewarf sie mit Früchten und platzte manchmal auf die Bühne.

In diesem aufrührerischen London des 18. Jahrhunderts versuchten die Schauspieler, sich anständig zu verhalten und mit gemessenen Stimmen zu sprechen. Der englische Klassizismus war jedoch nicht vollständig, integral - er wurde ständig durch die realistische Tradition von Shakespeare "korrigiert".

Schauspieler Thomas Betterton (1635 - 1710) spielte die Rolle des Hamlet, wie Burbage sie einst spielte, nachdem er Anweisungen von Shakespeare selbst erhalten hatte. Schauspieler James Quinn (1693 - 1766), der den Briten zu klassizistisch erschien, spielte die Rolle des Falstaff durchaus realistisch. 1741 spielte Charles MacLean (1697-1797) realistisch Shylock in Shakespeares Der Kaufmann von Venedig. Im selben Jahr spielte David Garrick (1717 - 1779), der zum bedeutendsten realistischen Schauspieler des 18. Jahrhunderts wurde, die Rolle des Richard III. Garrick spielte komische und tragische Rollen gleichermaßen gut. Als Mimik kannte Garrick seinesgleichen. Sein Gesicht konnte konsequent alle Schattierungen und Übergänge von Gefühlen darstellen. Er wusste, wie man lustig, erbärmlich, majestätisch und beängstigend war. Garrick war ein sehr intelligenter Schauspieler, mit einer reich entwickelten und präzisen Technik und gleichzeitig ein Gefühlsschauspieler. Einmal, als er König Lear in Shakespeares Tragödie spielte, wurde Garrick so hingerissen, dass er seine Perücke abriss und sie beiseite warf.

Garrick leitete viele Jahre das Drury Lane Theatre, wo er eine bemerkenswerte Truppe zusammenstellte und 25 Shakespeare-Stücke inszenierte. Niemand vor ihm hat so gewissenhaft und hartnäckig an der Inszenierung von Shakespeares Stücken gearbeitet. Nach Garrick lernten sie Shakespeare viel mehr schätzen als zuvor. Der Ruhm dieses Schauspielers donnerte in ganz Europa.

Kreativität Garrick fasste die Entwicklung des Theaters des 18. Jahrhunderts zusammen - vom Klassizismus zum Realismus.

18. Jahrhundert

Zeitalter der Erleuchtung

Im 18. Jahrhundert begann die Übergangszeit, die mit den Franzosen endete bürgerliche Revolution. Die Befreiungsbewegung entwickelte sich, es wurde notwendig, den Feudalismus zu zerstören und durch den Kapitalismus zu ersetzen.

Englische Literatur

Die turbulente Ära erweckte die Blüte der demokratischen Kultur, einschließlich der Theaterkreativität, zum Leben.

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20. Jahrhundert

1945 - heute

Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde im Zusammenhang mit der Bildung des sozialistischen Weltsystems und dem Anwachsen des nationalen Befreiungskrieges der Völker der Zusammenbruch des britischen Empire unvermeidlich und natürlich. Theater stehen für turbulente Wendepunkte und gesellschaftliche Umbrüche.

In den ersten Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg war John Boynton Priestley der beliebteste Schriftsteller Englands. Er schrieb über vierzig Theaterstücke. Die bedeutendsten von ihnen sind Dangerous Corner (1932) und Time and the Conways (1937).

In Priestleys Stücken ist der Einfluss von Tschechows Dramaturgie spürbar. Priestley ist bestrebt, das Drama des Alltags zu vermitteln, das Leben mit all seinen Halbtönen zu zeigen, die Charaktere nicht nur der Hauptfiguren, sondern auch der Nebenfiguren zu enthüllen.

Die Stücke von John Osborne (1929) spielten eine wichtige Rolle in der englischen Kultur. Die Stücke von John Osborne stimulierten einen Aufschwung in der Entwicklung des englischen Dramas in den 60er Jahren.

1956 wurde John Osbornes Stück Look Back in Anger im Royal Court Theatre aufgeführt, das ein durchschlagender Erfolg war. Der Dramatiker hat die Stimmung der damaligen englischen Jugend sehr treffend wiedergegeben. Jimmy Porter betrat die Szene - der junge "wütende" Held, wie ihn die Kritiker nannten. Dieser junge Mann von ganz unten, der sich in ein feindseliges soziales Umfeld vorgekämpft hatte, hatte wenig Ahnung davon, was eine würdige Existenz ist. Er griff mit allen Mitteln gegen bestehende moralische Werte, die traditionelle Art des gesellschaftlichen Lebens und teilweise gegen soziale Gesetze. Dieselben Merkmale unterscheiden einige der Charaktere, sowohl moderne als auch historische, in den Stücken von John Arden, Sheila Delaney und anderen.

Die Fähigkeiten fortschrittlicher Schauspieler und Regisseure in einigen Ländern werden an klassischem dramatischem Material perfektioniert, an den besten Beispielen realistischer Literatur. Sie verwenden die Klassiker, um akute zeitgenössische Probleme aufzuwerfen. Der englische Schauspieler Laurence Olivier in Gestalt von Othello vermittelte einen wütenden Protest gegen die aufkommende bürgerliche Zivilisation. Hamlet diente Paul Scofield dazu, die traurigen, schwierigen Gedanken der jungen Nachkriegsgeneration europäischer Intellektueller auszudrücken, die sich für die Verbrechen verantwortlich fühlten, die in der Welt begangen wurden.

Die Inszenierungen von Shakespeares Stücken durch den englischen Regisseur Peter Brook erfreuen sich beim Publikum eines wohlverdienten Publikumserfolgs.

Die Theaterkunst der letzten Zeit ist geprägt von vielen kleinen professionellen, semiprofessionellen und nichtprofessionellen Truppen, die von einem Ort zum anderen wandern; Revitalisierung von Studententheatern; der wachsende Protest von Schauspielern und Regisseuren gegen den Kunsthandel. Jugendliche nutzen die Bühne oft für scharfe politische Diskussionen. Das Theater geht auf die Straße, wo semi-improvisierte Aufführungen gespielt werden.

Nahezu jedes Phänomen der theatralischen Kreativität in England ist von grausamen inneren Widersprüchen durchdrungen, die mit einem Aufeinanderprallen gegensätzlicher ideologischer und ästhetischer Tendenzen behaftet sind.

John Osborne ist ein Befürworter des Theaters, das die Gesellschaftsordnung in der kapitalistischen Welt kritisiert, die die überzeugendste Waffe der Zeit ist.

Die Stücke von John Osborne bestimmten die Entwicklung des englischen Dramas in den 1960er Jahren.

Die Originalität der Dramaturgie von Sean O'Casey, einem herausragenden anglo-irischen Dramatiker, wird durch die Verbindung mit der irischen Folkloretradition bestimmt. Seine Stücke zeichnen sich durch eine bizarre Kombination aus Tragik und aus

Laurence Olivier als Richard III

"Richard III" W. Shakespeare

komisch, real und fantastisch, alltäglich und erbärmlich. O'Caseys Dramen bedienen sich der Konventionen des expressionistischen Theaters.

Die Bewegung der Volkstheater, die hauptsächlich erzieherische Ziele verfolgten, erfasste ganz Europa. In England entstand das Workshop Theatre unter der Leitung von Joan Littlewood und erlangte großen Ruhm.


London ist berühmt für seine Museen, historischen Gebäude und hochmodernen Restaurants. Aber nur das Theaterleben, das die Stadt beherrscht, unterscheidet sie von anderen Städten. Wenn ein Stück in London erfolgreich war, wird es seinen Erfolg anderswo wiederholen.

New York mit dem Broadway kann der einzige Konkurrent von London werden, aber selbst er kann sich nicht mit Theatergebäuden rühmen, die eine lange und reiche Geschichte haben. Der zentrale Teil der Stadt, das West End, die South Bank und die Victoria-Viertel überraschen mit einer besonderen Konzentration an Theatern - von kleinen Studios für 100 Zuschauer bis zu großen Tempeln von Melpomene. Wir bieten einen Überblick über die zehn beliebtesten große Theater London.


Das Shaftesbury Theatre, unweit der Holborn Street gelegen, ist als britisches Gebäude von architektonischem und historischem Wert aufgeführt. Dank eines kleinen Unfalls, der sich 1973 mit dem Dach des Gebäudes ereignete, achteten sie darauf. Seit 1968 wurde das berühmte Musical „Hair“ 1998 Mal auf seiner Bühne gezeigt. Später wurde die Show, die die Hippie-Bewegung förderte, geschlossen. Als das Musical zum ersten Mal von der Theaterbühne im West End gezeigt wurde, verbot es der Theaterzensor Lord Cameron Fromantil „Kim“, Baron Cobbold. Die Produzenten wandten sich hilfesuchend an das Parlament und gaben die Erlaubnis, indem sie einen Gesetzentwurf herausgaben, der das Verbot des Barons vollständig aufhob. Dieses beispiellose Ereignis in der Geschichte des Theaters beendete die Theaterzensur in Großbritannien – nicht schlecht für ein Theater mit einer Kapazität von 1.400 Zuschauern.


Nur wenige Blocks von Shaftesbury entfernt befindet sich das Palace Theatre, das ebenfalls 1.400 Zuschauern Platz bietet. Seine Spezialität sind Musicals wie Singing in the Rain oder Spamalot. Das Theater wurde 1891 eröffnet und wurde unter der Schirmherrschaft von Richard d'Oyley Kart als Royal English Opera bekannt. In letzter Zeit wurden neben Opern auch Musicals, Filme und andere Shows auf der Bühne gezeigt, in den 1960er Jahren das Musical The Sound of Music wurde im Theater 2385 Mal aufgeführt. Das Theater wurde in Großbritannien als Gebäude von architektonischem und historischem Wert aufgeführt, zusammen mit anderen Gebäuden in der Gegend.


Das Adelphi Theatre feierte kürzlich sein 200-jähriges Bestehen. Trotz der bescheidenen Größe des Gebäudes bietet das Theater Platz für 1.500 Zuschauer. Er ist bekannt für Produktionen wie „Chicago“ und „Joseph and His Amazing, Multicolour Dreamcoat“. Ein Art-Deco-Gebäude aus dem Jahr 1930 grenzt an das Strand Palace Hotel. Dies ist der vierte Bau in der gesamten Geschichte des Theaters seit 1809. Eine Gedenktafel an der Wand einer nahe gelegenen Bar macht das Theater für den Tod eines Schauspielers verantwortlich, der einst von der großen Terriss unterstützt wurde. Tatsächlich bekannte sich Prinz Richard Archer, ein gescheiterter Schauspieler, der aufgrund seiner Alkoholsucht an Popularität und Anstand verlor, des Mordes an seinem Mentor Terriss im Wahnsinn schuldig und wurde zur Zwangsbehandlung in eine psychiatrische Klinik eingewiesen, wo er leitete das Gefängnisorchester bis zu seinem Tod. Es wird gesagt, dass der Geist des ungerächten Terriss, der über das milde Urteil, das gegen seinen Schützling und Mörder verhängt wurde, aufgebracht ist, nachts immer noch durch das Theatergebäude streift.


Einige Shows spielen seit Jahrzehnten Theater im Londoner West End, und Victoria Palace bietet ständig frisches Repertoire, wie das Musical Billy Elliott. Obwohl er schon seit 2005 auf der Bühne steht, was laut viel ist regelmäßige Zuschauer. Das Theater hat eine lange Geschichte, die 1832 begann, als es nur ein kleiner Konzertsaal war. Heute bietet das 1911 erbaute Gebäude Platz für 1.517 Zuschauer. Sie ist mit einem ausfahrbaren Dach ausgestattet, das in den Pausen geöffnet wird, um die Halle zu belüften. Auf der Bühne des Theaters gab es viele denkwürdige Shows, aber die denkwürdigste davon war das patriotische Stück "Young England" aus dem Jahr 1934, das viele erhielt negative Bewertungen. Sie überstand nur 278 Vorstellungen.


Das Prince Edward Theatre befindet sich im Herzen von Soho und bietet Platz für 1.618 Personen. Es ist nach dem Thronfolger der britischen Krone, Edward VIII., benannt, einem König, der nur wenige Monate auf dem Thron saß und ihn im Namen der Liebe verließ. Traditionell finden auf der Bühne romantische Shows und Performances statt, zum Beispiel „Show Boat“, „Mamma Mia“, „West Side Story“, „Miss Saigon“. Das Theater hat eine lange Geschichte, die 1930 begann, als es nur ein Kino und ein Tanzsaal war. Erst 1978 wurde das Theater eröffnet, was mit seiner Eröffnung mit der Uraufführung des Musicals "Evita" über die weltberühmte Frau, die Frau des argentinischen Präsidenten, zusammenfiel. Das Stück erlebte 3.000 Aufführungen, und die Schauspielerin Elaine Paige, die Evita spielte, hatte einen glänzenden Start in ihre Karriere auf der Theaterbühne und wurde zum Star.


Trotz der Renovierung der Tottenham Court Road in London, um eine bessere Verbindung zu schaffen, bleibt eines gleich – eine riesige Statue von Freddie Mercury mit erhobener Hand während des Songs „We Will Rock You“ vor dem Dominion Theatre. Die Show steht seit 2002 auf der Theaterbühne und war trotz der negativen Kritiken ein Erfolg beim Publikum. Das 1929 auf dem Gelände einer alten Londoner Brauerei erbaute Theater bietet Platz für 2.000 Zuschauer. Das Gebäude beherbergt auch die Australian Sunday Church, die während der Messen die Bühne und Beleuchtung des Theaters nutzt.


Dies ist eines der großartigsten Theater in London. Die Säulen, die den Haupteingang schmücken, stammen aus dem Jahr 1834, und das Gebäude selbst wurde 1904 im Rokokostil umgebaut. In der gesamten Geschichte seiner Existenz, und es beginnt im Jahr 1765, war alles außer dem Theater darin, zum Beispiel wurden hier 50 Jahre lang Abendessen der Secret Society of Beef Steak abgehalten. 1939 wollte man das Gebäude schließen, aber im Zusammenhang mit dem Beginn des Straßenbaus wurde es gerettet. 14 Jahre lang wurde Der König der Löwen auf der Bühne des Theaters gespielt, und die Disney-Dramatisierung scheint sich hier längst etabliert zu haben und bringt gute Kassenrenditen.


Königliches Theater, das in der Halle Platz für 2196 Zuschauer bietet, gilt nicht aus diesem Grund als führendes Theater in London. Seit 1663 gab es an dieser Stelle mehrere Theater, und die Drury Lane selbst gilt als Theater. Wie viele andere Theater arbeitete auch das Royal unter der Leitung von Andrew Lloyd Webber, dem Autor der Musicals „Evita“ und „Cats“. Andere Produktionen, die auf der Bühne zu sehen waren, waren Oliver, ein gleichnamiger Musikfilm, The Producers, Shrek und Charlie and the Chocolate Factory, der noch heute läuft. Neben Musicals und Schauspielern ist das Theater für seine Geister bekannt, wie zum Beispiel den Geist eines Mannes in einem grauen Anzug und Dreispitz. Der Legende nach wurde er im 18.-19. Jahrhundert im Theatergebäude getötet. Ein anderer Geist heißt Joseph Grimaldi, ein Clown, der nervösen Schauspielern auf der Bühne helfen soll.


Das London Paladium Theatre ist nicht nur in London, sondern auf der ganzen Welt bekannt. Es liegt nur wenige Schritte von der Oxford Street entfernt. Bekannt wurde er durch die nächtliche Show „Sunday Night at the London Palladium“, die von 1955 bis 1967 lief. Millionen von Zuschauern lernten die Drehbühne und verschiedene Bühnenaktionen kennen. 1966 versuchten die Eigentümer des Gebäudes, es für den weiteren Wiederaufbau zu verkaufen, aber es wurde dank Theaterinvestoren und der Tatsache gerettet, dass dort 1973 neben dem Theater ein Konzertsaal für Auftritte der Rockband „Slade “. Das ständige volle Haus und die aktiven Aktionen der Fans der Band verursachten fast den Einsturz des Balkons in der Halle. 2014 wurde im Theatersaal die Talentshow „The X Factor: The Musical“ eröffnet.


Wenn das Apollo Victoria Theater nicht das beliebteste in London ist, kann es sicher als das höchste anerkannt werden. Es liegt nur wenige Meter vom Victoria Palace entfernt und bietet Platz für 2500 Zuschauer. Mehrere Theater aus dem vorgestellten Review befinden sich in unmittelbarer Nähe und bilden eine Art „Theaterland“. „Appollo Victoria“ wurde 1930 eröffnet. Das Gebäude ist im Art-Deco-Stil mit nautischem Thema gestaltet, mit Springbrunnen und Muscheln als Dekor. Es dauerte 18 Jahre, um zu entwerfen Eisenbahn für das Musical „Starlight Express“, sodass sich der Zug laut Drehbuch entlang des Zuschauerraums bewegt. Ein weiteres beliebtes Musical, das im Theater aufgeführt wird, ist „Wicked“. Die Abendkasse der Premiere belief sich auf 761.000 Pfund, und für 7 Jahre werden die Einnahmen aus der Aufführung auf 150 Millionen geschätzt. Filmliebhaber behaupten, dass das Theater in naher Zukunft aussterben wird, aber Statistiken über die Anzahl der Zuschauer bei jedem Musical und die Höhe der Kasseneinnahmen weisen auf das Gegenteil hin. Der Geruch von Rouge und Weiß, der Lärm des Zuschauerraums wird niemals verschwinden.
Jedoch, moderne Architektur der Schönheit und Eleganz historischer Theaterbauten in nichts nachstehen.