Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

N.A. Belousova

Ang sining noong ika-18 siglo (settecento sa Italyano) ay kumakatawan sa huling yugto ng ebolusyon sa mahabang siglo ng mahusay na klasikal na sining ng Italya. Ito ang panahon ng pan-European na katanyagan ng mga artistang Italyano. St. Petersburg, Madrid, Paris, London, Vienna, Warsaw - walang isang European capital kung saan hindi sila inanyayahan Italyano masters, saanman sila, na tumutupad sa mga utos mula sa mga maharlikang korte at maharlika, ay nagtrabaho bilang mga arkitekto at iskultor, mga pintor ng fresco o mga dekorador ng teatro, mga pintor ng landscape o mga pintor ng larawan.

Ang ganitong malawak na resonance ng Italyano masining na kultura sa panahong ito, mali na ipaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na ang mga panginoon nito ay nagsimula sa landas ng panimula ng mga bagong artistikong pagtuklas, gaya ng nangyari sa Renaissance at noong ika-17 siglo. Sa halip, maaari nating sabihin na ang mga master na Italyano ay minsan ay mas mababa sa mga tuntunin ng makasaysayang pananaw ng kanilang mga tagumpay sa mga artista mula sa ibang mga bansa, halimbawa France at England. Bukod dito, ang mga arkitekto at pintor ng Italyano ay mas malapit na nauugnay sa karakter kaysa sa mga artista ng iba pang mga pambansang paaralan. mapanlikhang pag-iisip at ang wika ng mga anyo ng mga masters ng nakaraang ika-17 siglo. Ang pan-European na tagumpay ng mga Italyano ay pinadali lalo na ng napakataas pangkalahatang antas ang kanilang sining, na sumisipsip sa mga siglo-lumang mabungang tradisyon ng mga dakilang nakaraang panahon, pagkatapos ay ang pantay na mataas na pag-unlad ng lahat ng uri ng plastik na sining at ang pagkakaroon sa Italya ng isang malaking bilang ng mga mahuhusay na masters.

Ang pinakamahalagang tagumpay ng sining ng Italyano noong ika-18 siglo. ay nauugnay hindi lamang sa arkitektura at monumental at pandekorasyon na pagpipinta, kung saan ang isang mahusay na master bilang Tiepolo ay gumaganap ng isang mapagpasyang papel, kundi pati na rin sa iba't ibang mga genre ng easel painting (pangunahin ang landscape ng arkitektura), na may theatrical at decorative art at graphics. Bilang karagdagan sa mga aspetong may kahalagahang ideolohikal nito at ang matingkad at mapanlikhang pagmuni-muni nito sa panahon, ang mga pangunahing bentahe nito ay nasa napakataas nitong kalidad ng artistikong at virtuoso na kasanayan sa pagpipinta, salamat sa kung saan ang prestihiyo ng makinang na Italyano na maestry ay nanatiling napakataas.

Ang isa sa mga dahilan para sa malawak na pamamahagi ng mga manggagawang Italyano sa buong Europa ay hindi rin sila ganap na makahanap ng aplikasyon para sa kanilang sarili sa kanilang sariling bayan. Dahil sa pagod sa mga digmaan, ang Italya ay bumaling mula sa katapusan ng ika-17 hanggang sa simula ng ika-18 siglo. hindi lamang sa isang putol-putol na pulitika, kundi pati na rin sa isang halos wasak na bansa. Ang katimugang bahagi nito ay napapailalim sa Spanish Bourbons; Ang Tuscany ay pinasiyahan ng mga miyembro ng House of Habsburg, ang Lombardy ay nasa kamay ng Austria. Mga pyudal na utos na nangingibabaw sa mga lupaing pag-aari ng mga klero at aristokrasya, tumataas na presyo, mababa sahod mga manggagawang nagtatrabaho sa pagmamanupaktura - lahat ay nagdulot ng kawalang-kasiyahan at pag-aalsa sa hanay ng masa, na nagresulta sa hindi organisadong pag-aalsa ng mga mahihirap, na hindi magtagumpay sa mga kondisyon ng pagpapasakop ng bansa sa mga dayuhan at dahil sa pagkaatrasado nito sa ekonomiya. Tanging ang Venetian Republic at ang Papal States kasama ang kabisera nito na Rome ang nagpapanatili ng kanilang kalayaan ng estado. Ang Venice at Rome ang gumanap ng pinakakilalang papel sa espirituwal at masining na buhay ng Italya noong ika-18 siglo.

Bagaman kung ihahambing sa napakatalino na kasaganaan ng ika-17 siglo, ang arkitektura ng Italyano noong ika-18 siglo ay nagpapakita ng isang tiyak na pagtanggi, nagbigay pa rin ito ng maraming mga kawili-wiling solusyon. Kahit na sa mahihirap na kalagayang pang-ekonomiya ng siglong ito, pinanatili ng mga Italyano ang kanilang katangiang pagkahilig para sa pagtatayo ng malalaking, marilag na mga istruktura, pati na rin ang monumental na wika ng mga anyo ng arkitektura. Gayunpaman, sa kaningningan ng mga indibidwal na sikat na monumento sa panahong ito, nararamdaman ng isang tao ang isang uri ng pagkawalang-galaw ng dating napakalaking sukat ng aktibidad sa pagtatayo, sa halip na isang organikong pagsusulatan sa mga kondisyon ng katotohanan. Ang pag-asa na ito sa nakaraan, na ipinahayag nang mas malakas sa Italya kaysa sa maraming iba pang mga pambansang paaralan ng sining sa Europa, ay makikita rito, sa partikular, sa nangingibabaw na papel ng istilong Baroque, na napakabagal na umatras bago ang pag-usbong ng bagong klasikong arkitektura.

Isang malapit, mahalagang hindi maihihiwalay na koneksyon sa arkitektura ng ika-17 siglo. lalo na kapansin-pansin sa mga monumento ng Roma. Mga arkitekto ng Roma noong unang kalahati ng ika-18 siglo. pinanatili ang malaking urban planning scale ng kanilang pag-iisip. Gumamit sila ng mga pagkakataong pang-ekonomiya na mas katamtaman kaysa dati upang lumikha ng mga indibidwal na malalaking istruktura na karapat-dapat na nakakumpleto ng isang bilang ng mga kilalang complex ng arkitektura at ensemble.

Noong ika-18 siglo, ang mga facade ng dalawang sikat na sinaunang Christian basilica sa Roma ay itinayo - San Giovanni sa Laterano (1736) at Santa Maria Maggiore (1734-1750), na sumasakop sa isang nangingibabaw na posisyon sa arkitektura ng mga katabing lugar. Ang tagabuo ng facade ng Lateran basilica, si Alessandro Galilei (1691-1736), ay pinili ang façade ng Roman Cathedral ng St. Peter, nilikha ni Carlo Maderna. Ngunit, hindi tulad ng huli, nagbigay siya ng mas masining na solusyon sa isang katulad na paksa. Sa dalawang palapag na facade nito na may malaking hugis-parihaba at arched openings at isang napakalaking pagkakasunud-sunod ng mga kalahating haligi at pilaster, na mas malaki kaysa sa Maderna, ang kalubhaan at kalinawan ng napakalaking arkitektura na mga anyo ay mas matalim na nililiman ng hindi mapakali na paggalaw ng malalaking estatwa na nagpaparangal sa harapan. . Ang panlabas na anyo ng Simbahan ni Sita Maria Maggiore, na ang harapan ay itinayo ayon sa disenyo ni Ferdinando Fuga (1699-1781), ay nagpapatotoo sa pagpapagaan at pagpapatahimik ng mga anyo ng arkitektura ng Baroque. Si Fuga din ang tagabuo ng eleganteng Palazzo del Consulta (1737), isang halimbawa ng arkitektura ng palasyong Romano noong ika-18 siglo. Sa wakas, ang façade ng Church of Santa Croce sa Gerusalemme ay nagbibigay ng isang halimbawa ng isang napaka-indibidwal na solusyon sa isang Baroque church façade sa isang aspeto na nakakabighani ng maraming Italian architect mula pa noong panahon ng Gesù.

Sa arkitektura ng mga Romano sa panahong ito, maaari ding makahanap ng isang halimbawa ng isang parisukat, na parang isang uri ng bukas na vestibule sa harap ng isang gusali ng simbahan. Ito ang napakaliit na Piazza Sant'Ignazio, kung saan, sa kaibahan sa mga curvilinear outline ng nakapalibot na brick facades, ang kakaibang kagandahan ng mga anyo nito, na mas malapit sa Rococo kaysa sa Baroque, ang kahanga-hangang stone mass ng harapan ng Simbahan. ng Sant'Ignazio, na itinayo noong nakaraang siglo, ay epektibong namumukod-tangi.

Kabilang sa mga pinakakahanga-hangang monumento sa Roma ay ang sikat na Spanish Steps, na itinayo ng mga arkitekto na sina Alessandro Specchi (1668-1729) at Francesco de Sanctis (c. 1623-1740). Ang prinsipyo ng isang kaakit-akit na terrace na komposisyon, na binuo ng mga arkitekto ng Baroque kapag lumilikha ng mga ensemble ng palasyo at parke, ay ginamit dito sa unang pagkakataon sa pag-unlad ng lunsod. Nahahati sa isang matarik na dalisdis, isang malawak na hagdanan ang pinagsama sa isang magkakaugnay na grupo ng Piazza di Spagna na matatagpuan sa paanan ng burol na may mga highway na dumadaan sa parisukat na matatagpuan sa tuktok ng burol na ito sa harap ng dalawang-tower na harapan ng simbahan ng San Trinita dei Monti. Ang isang napakagandang cascade ng mga hakbang, kung minsan ay nagsasama-sama sa isang mabilis na batis, kung minsan ay sumasanga sa magkakahiwalay na mga martsa na tumatakbo mula sa itaas hanggang sa ibaba kasama ang isang kumplikadong curvilinear channel, ay nakikilala sa pamamagitan ng pambihirang kagandahan at kayamanan ng mga spatial na aspeto.

Ang mga pandekorasyon na tendensya ng huli na tagumpay ng Baroque sa sikat na Trevi Fountain (1732-1762), na nilikha ng mga arkitekto na si Niccolò Salvi (c. 1697-1751). Ang magarbong façade ng Palazzo Poli ay ginagamit dito bilang backdrop para sa isang malaking fountain sa dingding at kinikilala bilang isang uri ng dekorasyong arkitektura, na hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa iskultura at mabilis na pag-agos ng tubig.

Ang isa sa mga pinaka-kagiliw-giliw na mga gusali sa katimugang rehiyon ng Italya ay dapat na pinangalanan ang maharlikang palasyo sa Caserta malapit sa Naples, na itinayo ni Luigi Vanvitelli (1700-1773). Ang multi-storey na gusaling ito, engrande sa sukat, ay nasa plano na isang napakalaking parisukat na may mga hugis krus na gusali na nagsalubong sa loob nito, na bumubuo ng apat na malalaking courtyard. Sa intersection ng mga gusali ay may napakalaking two-tiered na lobby kung saan nagtatagpo ang malalaking gallery at maringal na mga hagdanan na nagmumula sa magkaibang panig.

Ang arkitektura ay binuo sa mas makasaysayang mga promising form sa hilagang rehiyon ng Italy - sa Piedmont at Lombardy, kung saan ang mga progresibong uso ay mas malinaw na inihayag sa ekonomiya at kultura. Ang pinakamalaking arkitekto dito ay si Filippo Juvara (1676-1736), isang katutubong ng Sicily, na nagtrabaho sa Turin, Roma at iba pang mga lungsod at natapos ang kanyang malikhaing landas sa Espanya. Si Yuvara ang may-akda ng maraming iba't ibang mga gusali, ngunit sa pangkalahatan ang ebolusyon ng kanyang trabaho ay sumusunod mula sa luntiang, komposisyon na kumplikadong mga istraktura tungo sa higit na pagiging simple, pagpigil at kalinawan ng wikang arkitektura. Ang kanyang maagang istilo ay kinakatawan ng harapan ng Palazzo Madama sa Turin (1718-1720). Mayroong higit na kadalian at kalayaan sa tinatawag na kastilyo ng pangangaso ng Stupinigi malapit sa Turin (1729-1734) - isang malaking palasyo ng bansa, lubhang kumplikado at kakaiba sa plano nito (na iniuugnay sa Pranses na arkitekto na si Beaufran). Ang malakas na pinahabang mababang mga pakpak ng palasyo ay kaibahan sa mataas na gitnang gusali na inilagay sa kanilang intersection, na nakoronahan ng isang magarbong simboryo, kung saan tumataas ang pigura ng isang usa. Ang isa pang sikat na gusali ng Yuvara - ang hindi pangkaraniwang kahanga-hangang monasteryo at simbahan ng Superga sa Turin (1716-1731) na matatagpuan sa isang mataas na burol - sa anyo nito ay naglalarawan ng isang pagliko patungo sa klasisismo.

Sa mga nakumpletong anyo nito, ang klasisismo ay pinaka-malinaw na ipinahayag sa gawa ng arkitekto ng Milan na si Giuseppe Piermarini (1734-1808), kung saan maraming mga gusali ang pinakatanyag ay ang Teatro della Scala sa Milan (1778). Isa ito sa mga una Arkitekturang Europeo mga gusali ng teatro na idinisenyo para sa isang malaking bilang ng mga manonood (ang bulwagan nito ay tumanggap ng higit sa tatlo at kalahating libong tao), na pagkatapos ay naging isang modelo para sa maraming mga opera house sa modernong panahon sa mga katangiang arkitektura at teknikal nito.

Mula noong 1680s Ang Republika ng Venetian, na pagod na sa mga digmaan, na nawala ang pangingibabaw nito sa Mediterranean sa paglaban sa mga Turko, ay nagsimulang mawalan ng mga ari-arian sa Silangan nang sunud-sunod, at ang pagbaba ng ekonomiya nito ay naging halata at hindi maiiwasan. Dagdag pa rito, ang aristokrasya at katigasan ng mga anyo ng apparatus ng estado ay nagbunga ng matinding mga kontradiksyon sa lipunan at paulit-ulit na pagtatangka ng burges-demokratikong bahagi ng lipunang Venetian na baguhin ang rehimeng ito sa pamamagitan ng mga radikal na proyekto para sa muling pagtatayo nito. Ngunit kahit na ang mga pagtatangka na ito ay walang makabuluhang tagumpay, hindi dapat isipin ng Venice na ganap na naubos ang mga kakayahan nito. Dito lumakas ang bagong bourgeoisie, lumago ang isang layer ng intelihente, dahil sa kung saan ang kultura ng Venetian settechento ay napuno ng masalimuot at magkasalungat na phenomena. Ang isang partikular na kapansin-pansing halimbawa sa bagay na ito ay hindi gaanong pagpipinta kaysa sa panitikan at drama noong panahong iyon.

Napanatili ng Venice ang natatanging karilagan ng buhay nito, na noong ika-18 siglo. Nagkaroon pa ito ng isang uri ng nilalagnat na karakter. Ang mga pista opisyal, karnabal, pagbabalatkayo, kapag ang lahat ng mga klase sa lungsod ay pantay-pantay at sa ilalim ng maskara imposibleng makilala ang isang patrician mula sa isang plebeian, nagpatuloy halos sa buong taon at umakit ng mga pulutong ng mga manlalakbay sa Venice, kasama ng mga hari, mga kinatawan ng maharlika, musikero, artista, aktor, manunulat at makatarungang adventurer.

Kasama ng Paris, itinakda ng Venice ang tono sa buhay pampanitikan, teatro at musikal noong ika-18 siglo. Gaya noong ika-16 na siglo, nanatili itong mahalagang sentro ng pag-iimprenta ng aklat. Mayroong labimpitong mga teatro ng drama at opera, mga akademya ng musika, at apat na mga orphanage ng kababaihan—“conservatories”—na naging mahusay na paaralan ng musika at boses. Sa kanyang mga tagumpay sa musika, nalampasan ng Venice ang Naples at Roma, na lumikha ng mga hindi maunahang paaralan ng pagtugtog ng organ at violin, binaha ang internasyonal na mundo ng musikal noong panahong iyon ng mga kamangha-manghang mang-aawit. Dito nanirahan at nagtrabaho ang mga mahuhusay na kompositor at musikero. Ang mga teatro ng Venice ay masikip, ang mga serbisyo sa simbahan, kung saan kumanta ang mga monasteryo choir at mga soloista ng madre, ay dinaluhan na parang mga sinehan. Sa Venice at Naples, kasama ang teatro ng drama Nabuo din ang makatotohanang comic opera, na sumasalamin sa buhay at moral sa kalunsuran. Isang namumukod-tanging master ng genre na ito, si Galuppi ay malapit sa diwa ng kanyang trabaho sa pinakadakilang playwright noong ika-18 siglo. Carlo Goldoni, na ang pangalan ay nauugnay sa isang bagong yugto sa kasaysayan ng teatro sa Europa.

Ang Goldoni ay radikal na binago ang komedya ng mga maskara, pagbuhos ng bagong nilalaman dito, binibigyan ito ng bagong disenyo ng entablado, pagbuo ng dalawang pangunahing dramatikong genre: isang komedya ng mga asal mula sa burges-marangal na buhay at isang komedya mula sa katutubong buhay. Sa kabila ng katotohanan na si Goldoni ay kumilos bilang isang kaaway ng aristokrasya, ang kanyang mga dula ay nagtamasa ng napakalaking tagumpay sa Venice sa loob ng ilang panahon, hanggang sa siya ay pinatalsik mula sa yugto ng Venetian ng kanyang ideolohikal na kalaban - ang playwright at makata, ang maralitang bilang ng Venetian. Carlo Gozzi. Ang huli ay muling bumaling sa kanyang mga theatrical romantic plays ("fiabah") - "The Love for Three Oranges", "Princess Turandot", "King Deer" - sa pamana ng improvisational comedy of masks. Gayunpaman, ang pangunahing papel sa pagbuo ng Italian drama ay hindi sa kanila, ngunit sa mga komedya ng Goldoni, na kung saan makatotohanang pagkamalikhain ay nauugnay sa mga bagong ideyang pang-edukasyon.

Ang sining ng teatro ng Venice ay makikita rin sa likas na katangian ng arkitektura nito at lalo na sa pandekorasyon na pagpipinta. Ang pag-unlad ng huli ay sa isang malaking lawak na nauugnay sa isang malaking pangangailangan para sa mga kahanga-hangang theatrical at pandekorasyon na mga pagpipinta ng mga simbahan at lalo na ang mga palasyo hindi lamang sa mga Venetian nobility, kundi pati na rin sa labas ng Italya. Ngunit kasama ng direksyong ito, maraming iba pang mga genre ang nabuo din sa pagpipinta ng Venetian: ang pang-araw-araw na genre, ang tanawin ng lungsod, ang portrait. Tulad ng mga opera ni Galuppi at mga komedya ni Goldoni, sinasalamin nila ang pang-araw-araw na buhay at mga pista opisyal ng buhay Venetian.

Ang nag-uugnay na ugnayan sa pagitan ng sining noong ika-17 at ika-18 na siglo sa Venice ay gawa ni Sebastiano Ricci (1659-1734). Ang may-akda ng maraming monumental at easel na komposisyon, lubos siyang umasa sa mga tradisyon ni Paolo Veronese, gaya ng ipinakita ng mga gawa tulad ng "Madonna and Child with Saints" (1708; Venice, Church of San Giorgio Maggiore) at "The Magnanimity of Scipio" ( Parma, unibersidad), kahit na sa mga terminong iconographic na itinayo noong ika-16 na siglo. Bagama't nagbigay-pugay siya sa mga opisyal na kalunos-lunos ng Baroque, ang kanyang mga likha ay may higit na kasiglahan at kaakit-akit kaysa sa karamihan ng mga pintor ng Italyano ng kilusang ito. Ang kanyang temperamental na istilo ng pagpipinta, maliliwanag na kulay na sinamahan ng pagtaas ng theatricality ng mga imahe ay naging popular sa kanya hindi lamang sa Venice, kundi pati na rin sa ibang bansa, lalo na sa England, kung saan nagtrabaho siya kasama ang kanyang pamangkin at estudyante, ang pintor ng landscape na si Marco Ricci (1679-1729). .

Ang huli ay karaniwang nagpinta ng mga landscape sa mga komposisyon ni Sebastiano Ricci, at tulad ng isang magkasanib na gawain ng parehong mga masters ay ang malaking pagpipinta na "The Allegorical Tomb of the Duke of Devonpng" (Birmingham, Barberra Institute), na nakapagpapaalaala sa isang luntiang backstage theatrical set. Ang mga gawa ng landscape ni Marco Ricci mismo ay mga komposisyon na romantiko sa mood, na isinagawa sa isang malawak na painterly na paraan; sa mga ito ay makikita ng isang tao ang ilang mga katangian ng pagkakapareho sa mga tanawin ng Salvator Rosa at Magnasco.

Ang unang yugto ng pagpipinta ng Venetian noong ika-18 siglo. nagtatanghal ng gawa ni Giovanni Battista Piazzetta (1683-1754). Nag-aral siya sa Bolognese na pintor na si Giuseppe Maria Crespi, na pinagtibay ang kanyang buhay na buhay, natatanging istilo ng pagpipinta na may malawak na paggamit ng chiaroscuro. Ang sariwa at malakas na impluwensya ng pagiging totoo ni Caravaggio ay makikita rin sa kanyang mga ipininta. Ang Piazzetta ay pinigilan at pino sa palette nito, na pinangungunahan ng malalim, kung minsan ay parang nagliliyab mula sa loob, mga kulay - pula ng kastanyas, kayumanggi, itim, puti at kulay abo. Sa kanyang altarpiece sa Gesuati Church sa Venice - "St. Vincent, Hyacinth at Lorenzo Bertrando” (c. 1730), na may tatlong pigura ng mga santo na matatagpuan sa kahabaan ng pataas na dayagonal - ang itim, puti at kulay-abo na tunika ng kanyang mga karakter ay bumubuo ng scheme ng kulay na kapansin-pansin sa pagkakatugma at banayad na monochrome nito.

Iba pang mga komposisyon sa mga tema ng relihiyon - "St. Jacob Led to Execution” at ang kisame sa Venetian church ng San Giovanni e Paolo (1725-1727) ay isinagawa din ng artist sa malawak na pictorial na paraan. Si Piazzetta ay isang artist ng isang transisyonal na panahon; ang kalunos-lunos ng kanyang mga kuwadro na gawa sa mga paksang pangrelihiyon at kasabay nito ang buong-dugong pagiging totoo at sigla ng mga imahe, malalim na chiaroscuro, espirituwalidad at kadaliang kumilos ng buong nakalarawang tela, mayaman na maiinit na kulay, at kung minsan ay katangi-tanging mga kumbinasyon ng kulay - lahat ng ito ay bahagyang nagdudulot ng kanyang sining na mas malapit sa direksyong iyon ng paaralang Italyano noong ika-17 siglo , na ipinakita nina Fetty, Liss at Strozzi.

Ang Piazzetta ay nagpinta ng maraming mga pagpipinta ng genre, ngunit ang pang-araw-araw na elemento ay hindi gaanong ipinahayag sa kanila, ang kanilang mga imahe ay palaging nababalot ng isang romantikong ulap at pinapaypayan ng banayad na mala-tula na pakiramdam. Kahit na ang isang purong interpretasyon ng genre ng balangkas ng Bibliya, tulad ng, halimbawa, sa kanyang "Rebekah at the Well" (Milan, Brera), ay kumukuha ng isang liriko-romantikong lilim sa Piazzetta. Nakahiga sa takot sa gilid ng batong pool, nakakapit ng makintab na tansong pitsel sa kanyang dibdib, si Rebekah ay tumingin nang may takot sa alipin ni Abraham, na nag-alok sa kanya ng isang string ng mga perlas. Ang kanyang shadowed figure sa isang chestnut brown robe ay kaibahan sa nagniningning na ginto, ginintuang pink at puting kulay na bumubuo sa makulay na silweta ng pigura ni Rebekah. Ang mga ulo ng mga baka, aso at kamelyo ay pinutol ng kuwadro sa kaliwang bahagi ng larawan, ang mga kaakit-akit na pigura ng mga babaeng magsasaka sa likod ni Rebekah (isa sa kanila na may manloloko ng pastol) ay nagdaragdag ng pastoral na ugnayan sa larawan.

Kabilang sa mga pinakasikat na komposisyon ng genre ng Piazzetta ang "The Fortune Teller" (Venice, Accademia). Siya rin ay nagmamay-ari ng ilang mga larawan.

Gayunpaman, ang pagkamalikhain ni Piazzetta ay hindi limitado sa kanyang mga pagpipinta. Siya ang may-akda ng mga kahanga-hangang mga guhit, kabilang ang mga sketch ng paghahanda at mga natapos na komposisyon, na isinagawa sa lapis at tisa. Karamihan sa kanila ay mga ulo ng babae at lalaki, na inilalarawan alinman mula sa harap, minsan sa profile o tatlong-kapat na pagliko, binibigyang kahulugan sa isang three-dimensional na chiaroscuro na paraan, na kapansin-pansin sa pambihirang sigla at agarang katumpakan ng nakuhang hitsura ("Man in a Round Cap", "Flag Bearer at Drummer", Venice, Accademia, tingnan ang mga guhit).

Ang napakagandang saklaw ng monumental at pandekorasyon na sining ng Settecento ay pangunahing nauugnay sa pangalan ni Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770), na ang istilo ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng kanyang guro na sina Piazzetta at Sebastiano Ricci. Nasiyahan sa napakalaking katanyagan sa panahon ng kanyang buhay, nagtrabaho si Tiepolo hindi lamang sa Italya, kundi sa Alemanya at Espanya. Pinalamutian din ng kanyang mga komposisyon ang mga royal palace at estate sa Russia noong ika-18 siglo. Gamit ang pinakamahusay na mga tradisyon ng pandekorasyon na pagpipinta ng Renaissance at ika-17 siglo, lubos na pinalakas ni Tiepolo ang theatrical at entertainment side ng kanyang trabaho, pinagsama ito sa isang buhay na pang-unawa sa katotohanan. Nang hindi nawawala ang pakiramdam nito, pinagsama ng Tiepolo ang isang matalas na pakiramdam ng mga tunay na phenomena sa mga prinsipyo ng kombensiyon na katangian ng monumental at pandekorasyon na pagpipinta. Tinukoy ng mga interpenetrating na prinsipyong ito ang pagka-orihinal ng kanyang masining na wika. Gayunpaman, ang mga tampok ng katotohanan ng buhay sa paglalarawan ng mga indibidwal na kaganapan at mga karakter ay hindi pinagsama sa akda ni Tiepolo na may malalim na sikolohikal na pagsisiwalat ng mga masining na imahe, na sa pangkalahatan ay humantong sa isang tiyak na pag-uulit ng mga indibidwal na diskarte at bumubuo ng isang limitadong bahagi ng kanyang sining.

Ang pagkamayabong ng artista ay hindi mauubos; Napakaganda malikhaing aktibidad tumagal ng mahigit kalahating siglo. Kasama sa mga brush ng Tiepolo ang isang malaking bilang ng mga fresco, altarpieces, easel painting, at maraming mga guhit; isa rin siya sa mga pinakakahanga-hangang master ng etching.

Isang halimbawa ng maagang yugto ng aktibidad ni Tiepolo, na nagsimulang magtrabaho noong 1716, ay ang mga fresco sa Venetian church ng Scalzi -

"Apotheosis ng St. Teresa" (1720-1725), kung saan una niyang ipinakilala ang kanyang mga bagong spatial at pandekorasyon na solusyon, isang bilang ng mga easel painting sa mga mythological na tema (kabilang sa mga ito ang malaking canvas na "The Rape of the Sabine Women", c. 1720; Hermitage) at lalo na. sampung malalaking pandekorasyon na panel na ipininta ng pintor upang palamutihan ang palasyo ng Venetian patrician na si Dolfino (c. 1725).

Limang mga pagpipinta mula sa seryeng ito - "The Triumph of the Emperor", "Mucius Scaevola in the Camp of Porsenna", "Coriolanus under the Walls of Rome" at iba pa - ay nasa koleksyon ng Hermitage. Ang malakas at nagpapahayag na rendering ng mga kabayanihan na paksa, ang plastik, napakalaking nakakumbinsi na interpretasyon ng mga figure, ang spatial na pictorial na komposisyon, na binuo sa maliwanag na makulay na kaibahan sa paggamit ng mga epekto ng liwanag at anino, ay nagpapatotoo sa maagang pagkahinog ni Tiepolo.

Ang mga fresco sa palasyo ng arsobispo sa Udine ay itinayo noong 1726, na pangunahing ipininta sa mga tema ng Bibliya. Lumilitaw sa kanila ang tatlumpung taong gulang na si Tiepolo bilang isang makaranasang pintor na may kahanga-hangang husay sa kulay, gaya ng ipinakita ng "Ang Pagpapakita ng Anghel kay Sarah," "Ang Pagpapakita ng Tatlong Anghel kay Abraham," at lalo na ang fresco na "Ang Sakripisyo ni Abraham. ”; sa mga pose at kilos ng mga karakter sa Bibliya ay kahawig nila ang isang kahanga-hangang pagganap.

Sa pagpinta sa easel, gumagawa si Tiepolo ng hindi gaanong kahanga-hangang mga komposisyong pampalamuti, gaya ng ipininta noong huling bahagi ng 1730s. isang malaking tatlong bahagi na pagpipinta para sa Simbahan ng San Alvise sa Venice - "Ang Landas Patungo sa Kalbaryo", "The Flagellation of Christ" at "The Crowning with Thorns", kung saan ang maliwanag at makikinang na mga kulay ay pinapalitan ng madilim at malalim na mga kulay, ang Ang komposisyon ay nagiging mas spatial at dynamic, at ang mahalagang kapani-paniwala ng kanyang mga imahe ay ipinahayag na mas malakas kaysa sa mga fresco.

Ang makikinang na pamumulaklak ng talento sa pandekorasyon ni Tiepolo ay nagsimula noong unang bahagi ng 1740s, nang magpinta siya ng ilang mga mitolohiyang pagpipinta, kasama ng mga ito ang "The Triumph of Amphitrite" (Dresden) - isang diyosa ng dagat na tahimik na nakahiga sa isang karwahe sa hugis ng isang shell, na kung saan ang mga kabayo at mga diyos ng dagat ay mabilis na dumadaloy sa mga turkesa na berdeng alon. Sa pangkalahatang katangi-tanging scheme ng kulay, ang pulang balabal ng Amphitrite, na nakaunat ng hangin tulad ng isang layag, ay namumukod-tangi bilang isang maliwanag na lugar.

Noong 1740-1750s. Lumilikha ang Tiepolo ng sunod-sunod na magagandang pandekorasyon na cycle, mga altarpiece at maliliit na easel painting. Ang mga pamilya ng mga Venetian patrician, pati na rin ang mga monasteryo at simbahan, ay nakikipagkumpitensya sa bawat isa sa kanilang pagnanais na angkinin ang mga gawa ng kanyang brush.

Ginawa ng pintor ang nakakahilong matataas na lampshade ng simbahan sa napakalalim na kalangitan na may umiikot na mga ulap, kung saan ang mga anghel at mga santo na may magaan na pakpak ay umaaligid sa mga ulo ng mga mananamba. Ang mga paksang relihiyoso at mitolohiya ay pinalitan ng mga kahanga-hangang kasiyahan, kasal, kapistahan at tagumpay. Sa kanyang mga komposisyon, nakamit ng artist ang mga kamangha-manghang epekto ng "liwanag ng araw" na pag-iilaw sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng mga puting tono na may maputlang asul at kulay-abo na mga tono, at ang malalim na spatial na paghinto na naghihiwalay sa mga anyo ng arkitektura at daloy ng mga pigura ng tao mula sa isa't isa ay lumikha ng isang pakiramdam ng maaliwalas na liwanag at kawalan ng timbang. Ang banayad, banayad na pagkakatugma ng kanyang mga kulay, isang makulay na kahulugan ng kulay, ang dynamism ng mga komposisyon, hindi mauubos na larawang imahinasyon, ang matapang na solusyon sa pinakamasalimuot na pangmatagalang mga problema - lahat ng ito ay namangha sa mga kapanahon ni Tiepolo sa parehong lawak na ito ay nakakagulat sa atin ngayon. .

Sa pagitan ng 1740-1743 nagpinta siya ng malalaking komposisyon ng plafond para sa mga Venetian na simbahan ng Gesuati, degli Scalzi, Scuola del Carmine at iba pa. Ito ay nagkakahalaga ng tirahan sa pagpipinta ng simbahan ng degli Scalzi - ang pinakamalaking sa laki at pinaka-maringal na fresco, na isinagawa sa mga taong ito ni Tiepolo kasama ang artist na si Mengozzi Colonna, na isang quadraturist, iyon ay, isang pintor na gumanap ng mga pandekorasyon na bahagi. at pagpipinta ng arkitektura sa mga komposisyon ni Tiepolo. Ang panloob na dekorasyon ng simbahan, na itinayo ni Longhena noong ika-17 siglo, ay nakikilala sa pamamagitan ng purong baroque na ningning, na nakumpleto ng isang kahanga-hangang Tiepolo lampshade na may malaking komposisyon na "Transfer of the Madonna's House to Loreto" (nawasak ang lampshade na ito noong 1918). Ang pagpipinta sa kisame, na parang nagpapatuloy sa aktwal na dekorasyon ng arkitektura ng mga dingding ng simbahan, ay naka-frame ng isang malaking fresco, na binuo sa paghahambing ng mga light plan na may iba't ibang intensity at lalim, na lumikha ng ilusyon ng isang walang katapusang celestial space na iluminado ng liwanag. Ang imahe ay nagbukas halos parallel sa eroplano ng kisame, at hindi sa lalim nito, tulad ng ginawa ng mga dekorador noong ika-17 siglo. Sa pamamagitan ng paglalagay pangunahing yugto Sa pamamagitan ng "paglipat" hindi sa gitna ng kisame, ngunit sa gilid nito at iniwan ang natitirang bahagi ng espasyo na halos walang laman, nakamit ni Tiepolo ang kumpletong ilusyon ng mabilis na paglipad ng hangin ng isang masa ng mga pigura ng tao. Ang ilan sa mga figure ay nakahiwalay mula sa gitnang eksena at inilagay sa background ng fresco frame, tulad ng figure na kumakatawan sa maling pananampalataya at nahuhulog ang ulo sa viewer. Sa mga epektong ito, tila ikinonekta ng pintor ang makalangit na tanawin sa tunay na loob ng simbahan. Ang gayong mga kaakit-akit na optical illusions ay tumutugma sa likas na katangian ng pagsamba sa Venetian noong ika-18 siglo, na isang uri ng seremonyal na pagtatanghal ng simbahan, na puno ng sekular kaysa sa relihiyosong mga damdamin.

Ang mga kahanga-hangang fresco ng Tiepolo sa Venetian Palazzo Labia ay nagmula noong panahon pagkatapos ng 1745, kung saan ang pintor ay naging pinakamalapit sa mga pandekorasyon na prinsipyo ng Veronese. Sa dalawang fresco na matatagpuan sa magkabilang pader Malaking bulwagan, inilalarawan ang "The Feast of Anthony and Cleopatra" at "The Meeting of Anthony and Cleopatra". Ang kisame ay nagtatampok ng isang bilang ng mga alegorikal na pigura.

Pagpasok sa maluwag na ballroom ng Palazzo Labia, nawawala ang pakiramdam ng manonood sa tunay na espasyo ng arkitektura, dahil ang mga limitasyon nito ay pinalawak ng kaakit-akit na dekorasyon, na naging dahilan upang ang mga dingding ng Venetian palazzo ay maging isang marangyang palabas sa teatro. Mahusay na ginamit ng Tiepolo ang puwang sa dingding sa pagitan ng dalawang pinto at dalawang bintana sa itaas ng mga ito, kaya pinagsasama ang tunay na arkitektura sa ilusyong arkitektura. Sa eksenang "Feast", ang mga hakbang kung saan inilalarawan ang dwarf na nakatalikod sa manonood ay humahantong sa isang malawak na terrace ng marmol na may colonnade at koro sa istilong Corinthian, sa ilalim ng anino kung saan ang Egyptian queen at ang Roman general feast. Si Cleopatra, na gustong patunayan kay Antony ang kanyang paghamak sa kayamanan, ay naghagis ng isang hindi mabibiling perlas sa isang baso ng suka, kung saan dapat itong matunaw nang walang bakas. Ang kaugnayan ng mga pigura ng tao sa pagbuo ng pananaw ng eksena ay naihatid nang walang kamali-mali. Ang komposisyon, na puspos ng liwanag at hangin, ay itinayo sa kahabaan ng dalawang intersecting na diagonal, na humahantong sa lalim ng tingin ng manonood; parang inaanyayahan ang manonood na tumuntong sa terrace at makibahagi sa handaan. Ito ay kagiliw-giliw na ang gitna ng fresco ay hindi napuno ng mga figure;

Kahit na ang fresco na ito ay puno ng kalmado, ang lahat ng mga figure sa "The Meeting of Anthony and Cleopatra" ay nilamon sa paggalaw. Nang hindi hinahabol ang layunin na maging tapat sa makasaysayang katotohanan, ginagawa ni Tiepolo ang kanyang mga bayani sa halip na maging mga aktor, na nakadamit sa Venetian na fashion noong ika-16 na siglo. Ang mga yugtong ito mula sa kasaysayan nina Antony at Cleopatra ay nagbigay ng napakagandang materyal para sa malikhaing imahinasyon ni Tiepolo na nag-iwan siya ng maraming bersyon ng mga ito sa kanyang mga monumental at easel canvases. Ito ang "The Feast of Anthony and Cleopatra" sa mga museo ng Melbourne, Stockholm at London, "The Meeting of Anthony and Cleopatra" sa Edinburgh at Paris.

Noong 50-60s, ang mga kasanayan sa pagpipinta ni Tiepolo ay umabot sa napakalaking taas. Ang kulay nito ay nagiging hindi pangkaraniwang pino at nakakakuha ng mga pinong lilim ng cream, ginto, maputlang kulay abo, rosas at lila.

Ang kanyang mga fresco sa palasyo ng obispo sa Würzburg ay nagmula sa panahong ito (tingnan ang Art of Germany). Nagtatrabaho doon sa loob ng tatlong taon, sa pagitan ng 1751 -1753, lumikha si Tiepolo ng mga magagarang pandekorasyon na mga pintura, ganap na naaayon sa disenyo ng arkitektura ng palasyo. Ang kanilang bonggang theatrical character ay tumutugma sa hindi kapani-paniwala at medyo mapagpanggap na arkitektura at sculptural na dekorasyon ng imperial hall. Inilalarawan ng kisame si Apollo sa isang karwahe, na nakikipagkarera kay Beatrice ng Burgundy sa mga ulap patungo sa kanyang kasintahang si Frederick Barbarossa. Ang isang katulad na motif ay nakatagpo ng higit sa isang beses sa mga dekorador noong ika-17 siglo. (sa Guercino, Luca Giordano at iba pa), ngunit wala saanman niya nakamit ang gayong spatial na saklaw, ang gayong maningning na kailaliman ng atmospera, ang gayong ningning sa paghahatid ng paggalaw ng mga tumataas na pigura.

Sa itaas ng cornice ng maikling dingding ng bulwagan, mahusay na gumagamit ng ilaw, naglalagay si Tiepolo ng isang fresco na naglalarawan sa kasal ni Barbarossa. Sa isang kumplikadong komposisyon sa loob na may mga motif sa diwa ng Veronese, nagtatanghal siya ng isang masikip na seremonya ng kasal, na pininturahan ng masigla at masayang mga kulay - asul-asul, pulang-pula, dilaw, berde, pilak-kulay-abo.

Bilang karagdagan sa mga fresco na ito, nagpinta si Tiepolo ng isang malaking, mga 650 sq. m, isang kisame sa itaas ng hagdanan ng palasyo, kung saan inilalarawan ang Olympus. Tila "nabasag" niya ang hindi nahahati na ibabaw ng kisame, na ginawa itong walang hangganang makalangit na espasyo. Nang mailagay si Apollo sa mga rumaragasang ulap, sa kahabaan ng cornice sa paligid ng mga dingding ay inilarawan niya ang mga personipikasyon ng iba't ibang bahagi ng mundo - Europa sa anyo ng isang babae na napapaligiran ng mga alegorya na pigura ng mga agham at sining (ang ilang mga character ay binigyan ng isang portrait na karakter; kabilang sila ay inilarawan niya ang kanyang sarili, ang kanyang anak na si Giovanni Domenico at mga katulong), America, Asia at Africa na may mga larawan ng mga hayop at kakaibang motif ng arkitektura. Ang lampshade na ito ay isa rin sa mga tuktok ng pandekorasyon na sining noong ika-18 siglo.

Sa pagbabalik sa Venice, si Tiepolo, na nasa tugatog ng kanyang katanyagan, ay naging pangulo ng Venice Academy of Painting at pinangunahan ang mga aktibidad nito sa loob ng dalawang taon.

SA ang pinakamahusay na mga nilalang Kasama sa pandekorasyon na henyo ni Tiepolo ang kanyang mga fresco sa Vicenza sa Villa Valmarana, na itinayo noong 1757, kung saan nagtrabaho ang pintor kasama ang mga estudyante at ang kanyang anak na si Giovanni Domenico Tiepolo (1727-1804). Sa mga pagpipinta ng villa na ito, kung saan ang Tiepolo ay lumiliko sa mga bagong pandekorasyon na solusyon, ang kanyang estilo ay nakakakuha ng espesyal na pagiging sopistikado at ningning. Ang artist ngayon ay nagtatayo ng kanyang mga komposisyon na kahanay sa eroplano ng dingding, na bumalik muli sa mga tradisyon ng Veronese. Ang wall plane ay nagiging isang antigong peristyle, sa pamamagitan ng mga haligi kung saan bumubukas ang isang tanawin ng magandang tanawin. Malaking spatial na paghinto sa pagitan ng mga figure, isang kasaganaan ng liwanag, puti, lemon dilaw, maputlang rosas, malambot na lila, mapusyaw na kayumanggi, esmeralda berdeng mga tono ng kanyang palette ay nagbibigay sa nakamamanghang grupo ng Villa Valmarana ng isang malinaw at masayang karakter, na puno ng isang maliwanag na mahalagang pakiramdam ng mga larawan ng sinaunang at Renaissance na tula.

Ang mga fresco sa pangunahing bulwagan ng villa - ang tinatawag na Palazzo - ay naglalarawan sa eksena, ang "Sakripisyo ng Iphigenia" at mga kaugnay na yugto. Ang iba pang tatlong bulwagan ay pininturahan ng mga fresco sa mga tema na hiniram mula sa Iliad ni Homer, Aeneid ni Virgil at mga tula ng Renaissance - Roland Furious ni Ariosto at Jerusalem Liberated ni Torquato Tasso. Sa lahat ng mga eksenang ito ay maraming galaw, magaan, biyaya at emosyonalidad, na iminungkahi ng drama ng mga paksang pampanitikan na pinili ni Tiepolo.

Kapansin-pansin na ang mahusay na makatang Aleman na si Goethe, na binisita ang villa na ito, ay agad na napansin ang pagkakaroon ng dalawang estilo dito - "pino" at "natural". Ang huli ay lalo na ipinahayag sa gawa ni Giovanni Domenico Tiepolo, na noong 1757 ay nagpinta ng ilang mga silid sa "Guest House" (ang tinatawag na Forestiera) na katabi ng villa. Sa mahabang panahon, ang mga gawa ng mag-amang Tiepolo ay napunta sa ilalim ng parehong pangalan; Ngayon ang mga tampok ng malikhaing hitsura ng batang Tiepolo ay mas malinaw na tinukoy. Kaya, sa kanyang mga fresco ng Villa Valmarana, ang genre at pang-araw-araw na prinsipyo ay mas malakas na ipinahayag, kumpara sa estilo ng kanyang ama. Ganito ang kanyang mga painting na "Peasant Lunch" o "Peasants on Rest" na may malawak na background sa landscape o ang magandang "Winter Landscape" na naglalarawan sa dalawang babaeng Venetian na may kahanga-hangang pananamit. Sa iba pang mga dingding, ipinakita ang mga yugto ng karnabal, na nagsisilbing isang matingkad na paglalarawan ng mga kaugalian ng buhay ng Venetian noong ika-18 siglo. Si Tiepolo the Younger ay nagmamay-ari din ng mga genre painting sa Palazzo Rezzonico sa Venice. Gayunpaman, ang ilan sa kanyang mga gawa sa genre ay itinuturing na isinagawa kasama ng kanyang ama. Kasama sa kanyang pinakamahusay na mga tagumpay ang isang serye ng mga makinang na teknikal na pag-ukit, na ang bawat sheet ay naglalarawan ng isang yugto ng paglipad nina Jose at Maria kasama ang sanggol sa Ehipto.

Si Giovanni Battista Tiepolo mismo ay kilala rin bilang isang portrait painter. Ang kanyang mga larawan ni Antonio Riccobono (c. 1745; Rovigo, Accademia Concordi), Giovanni Querini (c. 1749; Venice, Querini-Stampaglia Museum) ay napakaliwanag at nagpapahayag ng karakter.

Bandang 1759 nagpinta si Tiepolo ng isang malaking altarpiece ng “St. Iniligtas ni Tekla ang lungsod ng Este mula sa salot” (Cathedral sa Este), na nilikha sa ibang coloristic key kaysa sa kanyang sekular na mga komposisyon. Ang malalim na madilim na tono ay binibigyang diin ang dramatikong pag-igting ng eksenang ito, ang mga larawan na nilikha sa ilalim ng impluwensya ng mahusay na pintor ng Venetian noong ika-16 na siglo. Tintoretto.

Ginugol ni Tiepolo ang mga huling taon ng kanyang buhay sa Madrid, na inatasan ng haring Espanyol na si Charles III upang ipinta ang mga lampara sa kisame ng kanyang palasyo. Ang isang malaking fresco na "Triumphs of the Spanish Monarchy" (1764-1766) ay ipininta sa kisame ng silid ng trono. Tulad ng sa Würzburg, ang kisame ay binago sa isang makalangit na espasyo, na binabalangkas ng mga makasagisag na komposisyon na kumakatawan sa mga kolonya at lalawigan ng Espanya. Gayunpaman, ito ay isinasagawa sa isang mas patag na paraan kaysa sa mga naunang pandekorasyon na mga siklo.

Ang isang espesyal na lugar ng pagkamalikhain ni Tiepolo ay binubuo ng kanyang mga guhit, napakatalino sa kanilang kasiningan. Isinasagawa na may sanguine o feather na may wash, sila ay nakikilala sa pamamagitan ng pangkalahatan ng kanilang mga anyo, matinding dynamics at - sa kabila ng sketchy fluency ng graphic na paraan - mahusay na dramatic expressiveness. Kadalasan nagsisilbi silang mga sketch ng paghahanda para sa mga indibidwal na bahagi ng kanyang malalaking komposisyon, kung minsan mayroon sila malayang kahulugan. Ang kanyang mga guhit ng ulo ng mga lalaki, na ginawang may hindi pangkaraniwang kaplastikan, ay minarkahan ng isang pakiramdam ng katotohanan ng buhay at bihirang pagmamasid. Mayroon din siyang matalas at nagpapahayag na mga karikatura ng klero, Venetian dandies, at mga karakter mula sa Comedy of Masks.

Gamit ang pamamaraan ng pag-ukit, nagsagawa si Tiepolo ng iba't ibang mga mitolohiko, alegoriko at romantikong mga eksena, na halos imposibleng ihayag ang kahulugan nito. Naglalaman ang mga ito ng mga larawan ng mga astrologo, mga taong nakasuot ng oriental na damit, gypsies, at mga mandirigma. Nakikilala sa pamamagitan ng kanilang napakagandang istilong chiaroscuro, ang mga ukit na ito ay nagkaroon ng isang tiyak na impluwensya sa mga graphic ng pinakamalaking Espanyol na pintor sa pagliko ng ika-18 at ika-19 na siglo. Francisco Goya.

Nakatali sa kanyang panahon, hindi maaaring tumaas si Tiepolo sa kanyang gawain sa mataas na sukat ng sangkatauhan, lalim at integridad na katangian ng mga dakilang master ng Renaissance. Ang hitsura ng marami sa kanyang mga bayani ay batay sa mga obserbasyon sa buhay, tulad ng ipinakita ng isang bilang ng kanyang mga babaeng karakter - Cleopatra, Armida, Amphitrite - halos palaging bumalik sa parehong tunay na prototype - ang anak na babae ng isang Venetian gondolier na si Christina, ngunit hindi nakikilala. sa pamamagitan ng tunay na panloob na kahalagahan. Ang makabuluhang bahagi ng kanyang maliwanag at maligaya na sining ay kinakatawan hindi gaanong sa pagpapahayag ng mga indibidwal na mga imahe at mga character, ngunit sa buong kumplikado ng mga pictorial at plastic na motif, sa kanilang kamangha-manghang kayamanan at pagiging sopistikado.

Ang pagpipinta ni Tiepolo ay hindi wastong pinahahalagahan noong ika-19 na siglo, dahil malayo ito sa mga suliraning pangsining na nilulutas sa sining ng siglong iyon. Nang maglaon lamang ay kinuha ni Tiepolo ang kanyang nararapat na lugar sa kasaysayan ng sining bilang isa sa mga makikinang na master ng ika-18 siglo, na lumikha ng kanyang sariling istilo at sistemang pictorial at pandekorasyon, na nagkumpleto ng mga siglong ebolusyon ng monumental na pagpipinta ng mga klasikal na panahon ng sining.

Para sa pagpipinta ng Italyano noong ika-18 siglo. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng paghahati nito sa mga genre. Ang pang-araw-araw na genre, landscape, at portrait ay naging laganap dito, at ang mga artista ay nagdadalubhasa sa kanilang sariling anyo ng sining. Kaya, pinili ng Venetian artist na si Pietro Longhi (1702-1785) bilang kanyang espesyalidad ang paglalarawan ng maliliit na magagaling na eksena, pagbisita, pagbabalatkayo, konsiyerto, bahay-sugalan, mga aralin sa sayaw, katutubong libangan, charlatan, at bihirang hayop. Hindi palaging tama sa disenyo, minsan medyo elementary sa color scheme, maliit ang sukat, mga painting ni Longhi - “Dance Lesson” (Venice, Accademia), “Behind the Toilet” (Venice, Palazzo Rezzonico), “Rhinoceros” (ibid.) - ginamit ang makabuluhang tagumpay. Ang kanyang pagsasalaysay na pagpipinta, na tinawag ni Goldoni na kapatid ng kanyang muse, ay nagdala sa amin ng orihinal at mala-tula na diwa ng "panahon ng maskara", ang walang malasakit. buhay lansangan, intriga, kalokohan at entertainment na katangian ng Venice sa ngayon.

Ang larawang Italyano ay kinakatawan ng isang bilang ng mga master, kung saan ang pinakamahalaga ay si Giuseppe Ghislandi, na tinawag noon (pagkatapos maging isang monghe) na Fra Galgario (1655-1743). Isang katutubo ng Bergamo, nagtrabaho siya nang mahabang panahon sa Venice, kung saan pinag-aralan niya ang mga gawa ng Giorgione, Titian at Veronese. Kasama sa kanyang mga brush ang marami, pangunahin ang mga larawang lalaki, na pinagsasama ang panlabas na pagiging kinatawan at mga pamamaraan ng sikolohikal na katangiang likas sa mga larawang Baroque na may katangiang biyaya, biyaya at kagandahan ng ika-18 siglo. Isang kahanga-hangang colorist na pinagkadalubhasaan ang pinakamahusay na mga tradisyon ng pagpipinta ng Venetian, inilalarawan ni Ghislandi ang mga maharlika na nagpapanggap para sa kanya sa mga peluka, malalaking tatsulok na sumbrero at mayaman na mga kamiso na may burda ng ginto, gamit ang maliwanag na pulang-pula, lila, berde at dilaw na tono sa kanyang pagpipinta. Ngunit hindi niya kailanman ikinubli sa karangyaan na ito ang makatotohanang kakanyahan ng larawang larawan Ang bawat isa sa kanyang mga larawan ay malalim na indibidwal, maging ito ay isang larawan ng lalaki, kung saan ang modelo ay napakalinaw na inilalarawan - isang ginoo na may mapagmataas na mukha, puno ng sensual na labi at isang malaking. ilong (Milan, Poldi-Pezzoli Museum), o isang eleganteng full-length na larawan ng Count Vialetti, o isang self-portrait na pininturahan sa madilim na kulay ng "Rembrandt", o isang kaakit-akit na larawan ng isang batang lalaki (1732; Hermitage).

Si Alessandro Longhi (1733-1813) - anak ni Pietro Longhi - ay kilala bilang isang pintor ng portrait. Sa pagbibigay sa kanyang mga modelo ng isang seremonyal, maligaya na hitsura, sinisikap niyang makilala ang mga ito sa pamamagitan ng mga kasangkapan sa paligid nila. Ito ang larawan ng sikat na kompositor na si Domenico Cimarosa (Vienna, Liechtenstein Gallery). Siya ay inilalarawan sa isang malago na satin na balabal, na may marka sa kanyang mga kamay, lumingon sa manonood na isang mapagmataas at guwapo, ngunit walang malalim na pagpapahayag, batang mukha, na naka-frame ng isang puting peluka. Sa tabi niya sa mesa ay isang viola d'Amour, isang violin, isang plauta, isang sungay at isang tinta na may isang balahibo Ang larawan ng Goldoni (Venice, Correr Museum) ay nakasulat sa parehong diwa: ang sikat na manunulat ng dula ay inilalarawan. sa buong pananamit, napapaligiran ng mga katangian ng kanyang propesyon.

Ang Venetian artist na si Rosalba Carriera (1675-1757) ay nagsimula sa kanyang karera bilang isang miniaturist, ngunit nakakuha ng malawak na katanyagan para sa kanyang maraming mga portrait na ipininta sa mga pastel. Ang kanyang kulay ay nakikilala sa pamamagitan ng mahusay na lambing at ilang mga kupas na tono, na ipinaliwanag sa pamamagitan ng pagtitiyak ng pamamaraan ng pastel. Buong buhay niya ay nagpinta siya ng mga larawan at mala-tula na alegorya. Nang hindi hinahabol ang layunin ng pagkamit ng kumpletong pagkakahawig, labis niyang pinapurihan ang kanyang mga modelo, kung minsan ay binibigyan sila ng isang sentimental at aristokratikong katangian, salamat sa kung saan nasiyahan siya sa napakalaking tagumpay sa mga maharlika sa Europa noong ika-18 siglo. at nahalal na miyembro ng French at Venetian Academies.

Ngunit ang pinaka makabuluhang kababalaghan sa iba't ibang mga genre ng pagpipinta ng Venetian noong ika-18 siglo ay ang tanawin ng lungsod, ang tinatawag na veduta (iyon ay, view), na pinagsama ang mga elemento ng isang pagpipinta ng arkitektura at ang tanawin mismo.

Ang Venetian landscape painting ay pangunahing perspective painting, na nagre-reproduce ng mga tunay na motif ng landscape ng lungsod. Gayunpaman, ang bawat isa sa mga vedutista ay may kanya-kanyang sarili masining na wika at ang kanilang sariling pictorial vision, samakatuwid, sa kabila ng isang tiyak na pag-uulit at paghiram ng mga motif mula sa isa't isa, sila ay hindi kailanman boring at pareho. Sa pag-ibig sa kagandahan ng Venice, sila ay naging mga tunay na biographer at portraitist nito, na naghahatid ng banayad na mala-tula na kagandahan ng hitsura nito, nakakakuha sa hindi mabilang na mga kuwadro na gawa, mga guhit at mga ukit na parisukat, mga kanal na may tuldok-tuldok na mga gondola, pilapil, mga palasyo, maligaya na kasiyahan at mahihirap na kapitbahayan.

Ang mga pinagmulan ng Venetian vedata ay dapat na hinahangad sa pagpipinta ng ika-15 siglo, sa mga gawa ng Gentile Bellini at Vittore Carpaccio, ngunit pagkatapos ay ang tanawin ng lungsod ay hindi gumaganap ng isang independiyenteng papel at nagsilbi lamang sa artist bilang isang backdrop para sa mga maligaya na salaysay at mga komposisyon ng salaysay.

Sa simula ng ika-18 siglo. Lumilikha si Luca Carlevaris ng isang uri ng Venetian cityscape, na, gayunpaman, kung ihahambing sa mga gawa ng kasunod na Vedutistas, ay may medyo primitive na karakter. Ang isang tunay na master sa larangang ito ay si Antonio Canale, binansagang Canaletto (1697-1768).

Ang anak at estudyante ng artista sa teatro na si Bernardo Canale, si Antonio ay umalis sa Venice patungong Roma at doon nakilala ang gawain ng mga Romanong pintor ng landscape at mga dekorador ng teatro, pangunahin ang mga Panninis at ang pamilyang Bibbiena. Ang kanyang estilo ay nabuo nang maaga at hindi sumailalim sa anumang binibigkas na mga pagbabago sa paraan ng pag-unlad nito. Nasa unang gawain na ni Cayaletto na "Scuola del Carita" (1726), ang mga prinsipyo ng kanyang artistikong persepsyon ay malinaw na ipinahayag. Mayroong maliit na paggalaw sa kanyang mga cityscapes, walang ilusyon, nababago o hindi permanente sa mga ito, gayunpaman sila ay napaka-spatial; Ang mga makukulay na tono ay bumubuo ng mga plano ng iba't ibang intensity, pinalambot sa kanilang kaibahan ng chiaroscuro. Ang Canaletto ay nagpinta ng mga tanawin ng marble lagoon Mga palasyo ng Venice, stone lace ng mga arcade at loggias, kalawangin-pula at grayish-pink na mga dingding ng mga bahay, na masasalamin sa masaganang berde o mala-bughaw na tubig ng mga kanal, kung saan ang mga gondola na pinalamutian ng gold glide at mga bangkang pangisda ay dumadaloy, at sa mga pilapil ay maraming tao. , ang mga walang ginagawang maharlika sa puting peluka ay makikita, mga monghe na naka-cassock, mga dayuhan at mga nagtatrabaho. Sa tumpak, halos direktoryo na pagkalkula, ang Canaletto ay nagpapangkat ng maliliit na genre na mise-en-scenes; sa mga ito siya ay parang buhay, kung minsan ay prosaic, at lubhang maselan sa paghahatid ng mga detalye.

Kabilang ang “The Grand Canal in Venice” (Florence, Uffizi), “The Square in Front of the Church of San Giovanni e Paolo in Venice” (Dresden), “The Stonemason's Court” (1729-1730; London, National Gallery). Ang pinakamahusay na mga gawa ni Canaletto. Kabilang sa kanyang mga pagpipinta na matatagpuan sa mga museo ng Sobyet, dapat na pangalanan ng isa ang "Reception of the French Embassy in Venice" (Hermitage) at "Departure of the Doge for Betrothal to the Adriatic Sea" (A. S. Pushkin Museum of Fine Arts).

Ang pagkakaroon ng malawak na katanyagan mula noong 30s. bilang isang artista na walang katumbas sa kanyang genre, si Canaletto ay inanyayahan sa London noong 1746, kung saan, sa mga utos mula sa mga patron ng Ingles, nagpinta siya ng ilang mga landscape ng lungsod kung saan ang kanyang kulay, na pinagkaitan ng maliwanag at plastik na chiaroscuro lighting, ay nawala ang dating sonority at pagkakaiba-iba, nagiging mas masunurin at lokal. Ito ay ang "View of Whitehall", "City of London under the arch of Westminster Bridge", "Holiday on the Thames" at marami pang iba.

Bilang karagdagan sa pagpipinta, binigyang pansin ni Canaletto ang pag-ukit, na sa pagitan ng 1740-1750. nakatanggap ng napakatalino na pag-unlad sa Venice. Halos lahat ng Venetian landscape painters - Marco Ricci, Luca Carlevaris, Canaletto, Bellotto - ay mga pangunahing masters ng etching. Ang kung minsan ay kulang sa malalaking canvases ni Canaletto - ang paggalaw, ang espirituwalidad ng buong tela ng larawan - ganap na lumitaw sa kanyang mga ukit, na puno ng isang tunay na mala-tula na damdamin. Gamit ang isang mahusay na linear technique sa mga ito, na nakakamit ng malalim at malambot na light-and-shadow transition sa pamamagitan ng manipis na parallel shading ng iba't ibang intensity, Canaletto at the same time made the paper "work," interrupting bahagyang kulot na pahalang na stroke na may light verticals o shading light areas kasama nila. Parehong ang langit at ang mga ulap na lumulutang sa kanila, na parang hinihimok ng isang mahinang simoy, at ang tubig at mga puno ay nabuhay sa kanyang mga ukit. Ang mabilis at matapang na mga contour, matatas na stroke ay nagbibigay ng mahalagang pagiging tunay at katotohanan sa kanyang "Port of Dolo" - isang maliit na parisukat sa baybayin ng isang palanggana ng tubig, kung saan gumagalaw ang isang batang mag-asawa - isang ginoo na may peluka at kamiseta, na pinangungunahan ang isang babae sa isang kahanga-hangang damit sa braso, na hindi sinasadyang pinupukaw sa manonood ang mga romantikong larawan ni Manon Lescaut at ng Chevalier des Grieux mula sa kuwento ng Abbot Prevost.

Bernardo Bellotto (1720-1780) - pamangkin at estudyante ng Canaletto - ay isa rin sa mga natatanging vedutista noong ika-18 siglo. Ang malinaw na pamamahagi ng pananaw ng mga plano, ang napakataas, halos photographic na katumpakan sa pagpaparami ng kalikasan, ang medyo makinis na ibabaw ng kanyang mga pintura ay nagbibigay sa kanila ng isang tiyak na kawalan ng buhay, na sanhi sa isang tiyak na lawak ng katotohanan na malawakang ginamit ni Bellotto ang mga pagmuni-muni ng isang camera obscura sa kanyang mga gawa. Ang kanyang mga vedutes sa lungsod ay hindi nakikilala sa lawak ng artistikong pangkalahatan; Bilang karagdagan sa Italya, mula 1746 hanggang 1766 ay nagtrabaho siya sa mga korte sa Vienna at Dresden, at mula 1768 siya ay isang pintor ng korte sa Poland, kung saan lumikha siya ng maraming tanawin ng Warsaw. Sa paghusga sa pagiging ganap ng mga itinatanghal na mga detalye, maaari itong ipalagay na ang mga vedute na ito ay nagbibigay ng higit pa o hindi gaanong tamang ideya ng arkitektura, cityscape at buhay ng panahong iyon.

Ang pagpipinta ng Venetian Settecento ay kumikinang sa ibang pangalan - si Francesco Guardi (1712-1793), isang mahusay na pintor na nagdala ng mahusay na mga tradisyon ng kulay ng Venetian na pagpipinta halos sa ika-19 na siglo.

Siya ay isang estudyante ng kanyang nakatatandang kapatid na lalaki, si Giovanni Antonio Guardi (1698/99-1760), isang magaling na pintor, kung saan ang workshop ay nagtrabaho siya sa halos kalahati ng kanyang buhay. Senior Guardi, na lumikha ng ilang mga pagpipinta sa altar: "Ang Kamatayan ng St. Joseph" (Berlin); "Madonna and Child and Saints" (simbahan sa Vigo d'Anaunia), malinaw naman sa pakikilahok ng kanyang nakababatang kapatid, sa kanyang sariling paraan ay nakipag-ugnayan kay Sebastiano Ricci at Piazzetta.

Kasama sa mga unang gawa ni Francesco Guardi ang ilang mga pagpipinta ng altar - "The Crucifixion" (Venice, pribadong koleksyon), "Lamentation" (Munich). Gayunpaman, ang karamihan makabuluhang gawain Ang panahong ito ay isang oil painting ng organ sa Church of Arcangelo Raffaele sa Venice na naglalarawan ng mga eksena mula sa buhay ni Tobias (c. 1753). Ang isang bilang ng mga plot at compositional motif para sa pagpipinta na ito ay hiniram ng artist mula sa iba pang mga Italyano na pintor, ngunit ang matapang at hindi pangkaraniwang coloristic na solusyon ay nagiging isang ganap na orihinal na gawa. Malayo, tulad ng kumikislap na mga landscape, kumikinang na maliwanag na pink, purple, red, lemon, golden-orange, gray at blue tones, fragility at vibration ng mga anino, kakaiba, halos pabagu-bagong makukulay na juxtapositions ang nagpapakilala sa kanyang pictorial structure. Sa lahat ng mga Venetian masters, si Guardi higit sa lahat ay nagpapakita ng pagkahilig sa paghahatid ng kapaligiran ng hangin, mga banayad na pagbabago sa atmospera, ang liwanag na paglalaro ng sikat ng araw, ang mahalumigmig na hangin ng Wursian ng mga lagoon, na ipininta sa pinakamagagandang lilim ng kulay. Sa liwanag, na parang nanginginig na mga stroke ng brush, hindi lamang nililok ni Guardi ang anyo, ngunit nakamit din ang pambihirang kadaliang kumilos at espirituwalidad ng buong larawang ibabaw ng larawan sa kabuuan.

Ang pagpipinta na "Alexander sa harap ng katawan ni Darius" (Pushkin State Museum of Fine Arts), na isang libreng kopya ng isang pagpipinta ng isang Italyano na pintor noong ika-17 siglo, ay nagmula sa parehong mga taon. Langetti. Mahirap isipin ang isang mas hindi klasikal na interpretasyon sinaunang balangkas. Gayunpaman, ang kaakit-akit na kaakit-akit ni Guardi at ang tunay na ipoipo ng kanyang mapusyaw na asul, pula, madilim na kayumanggi, maberde na makulay na mga spot ay hindi nakakubli sa malinaw na istraktura ng komposisyon ng larawan sa anyo ng isang ellipse, na kung saan ay intersected sa pamamagitan ng pahilis na matatagpuan katawan ng Darius - ang sentro ng semantiko ng komposisyon.

Ngunit ang pinakamahalagang aspeto ng gawain ni Guardi ay nauugnay sa pag-unlad pagpipinta ng tanawin, kapag siya ay mula sa 1740s. sa ilalim ng impluwensya nina Marieschi at Canaletto, na ang mga guhit ay kinopya niya sa loob ng mahabang panahon, nagsimula siyang magtrabaho sa larangan ng landscape ng arkitektura. Kasunod ni Canaletto, si Guardi sa parehong oras ay nagsikap na mapagtagumpayan ang linear-perspective na pagbuo ng kanyang gabay.

Noong 1763, sa okasyon ng pagsisimula ng paghahari ng bagong Doge Alvise IV Mocenigo, na minarkahan ng maraming makikinang na kasiyahan, nagpinta si Guardi ng labindalawang malalaking Venetian vedas, halos eksaktong ginamit ang mga komposisyon ni Canaletto na inukit ni Brustolon para sa kanyang mga pagpipinta. Ang gayong mga paghiram, tulad ng nakikita natin, ay nakatagpo sa pagsasanay ng pagpipinta ni Guardi nang higit sa isang beses, ngunit hindi nito binawasan ang dignidad ng kanyang mga pintura; Binago ng maaliwalas na kulay na interpretasyon ni Guardi ang dryly authentic vedutes sa mga imahe ng Venice, puno ng pagkamangha, paggalaw at buhay.

Si Guardi ay isang mahusay na master ng pagguhit. Ang kanyang pangunahing pamamaraan ay mga guhit ng panulat, kung minsan ay naka-highlight sa mga watercolor. Sa mga ito siya ay naghahanap lalo na para sa paggalaw at madalian na impresyon. Ang mga naunang mga guhit ay minarkahan ng mga motif ng rocaille, ang mga linya ay bilugan, kakaiba at nababaluktot, ang paggalaw ay pinalaki, sa mga susunod na lumilitaw ang mas malawak na paglalahat; Ang mga paghuhugas gamit ang tinta at bistrom ay nagbibigay sa kanila ng walang kapantay na kaakit-akit. Marami sa kanila ay ginawa nang direkta mula sa buhay - kinukuha nila ang mga tumatakbong ulap, ang paggalaw ng tubig, ang pag-slide ng mga gondolas, ang kanilang mga maling pagmuni-muni, ang temperamental at matapang na pagliko ng mga figure. Ang mga gusali, hagdanan, loggias, colonnade ay nakabalangkas sa hindi natapos, bravura, biglaang mga stroke na tumatawid sa isa't isa. At maaliwalas na grasya Arkitekturang Venetian at ang constructiveness nito ay naihatid ng artist na may kahanga-hangang kahulugan ng linya, sabay-sabay na hindi natuloy at pangkalahatan.

Ang pinaka-katangiang artistikong pamamaraan ni Guardi sa kanyang pagpipinta ay kinabibilangan ng mga libreng variation sa parehong paboritong tema, ang tinatawag na capriccio. Nakahanap siya ng higit pa at higit pang mga bagong motibo para sa kanyang patuloy na "modelo", pininturahan niya ang Venice, na hindi niya iniwan sa buong buhay niya, sa iba't ibang oras ng araw, na natuklasan ang higit pa at mas makulay na mga nuances, na nagbibigay sa kanyang mga landscape alinman sa isang romantikong hitsura, o pangkulay sa kanila sa malungkot na tono ng liriko na pagmuni-muni.

Noong 1770s, naabot ni Guardi ang tugatog ng kanyang husay. Sa pamamagitan ng manipis at libreng mga stroke, nagpinta siya ng mga parisukat, kanal, kalye, sira-sirang gusali, labas ng lungsod at mahihirap na bahagi ng Venice, ang mga liblib na patyo nito, mga desyerto na lagoon, tahimik na mga eskinita, na hindi inaasahang nagtatapos sa isang malawak na lilim na arko, mula sa arko nito, tulad ng isang higanteng transparent na patak, nakasabit ng salamin na parol, na parang natutunaw sa kulay rosas na hangin sa gabi (“City View”; Hermitage). Sa esensya, binago ni Guardi ang uri ng pandekorasyon na yugto vedata? na nangibabaw sa pagpipinta ng Venetian noong kalagitnaan ng ika-18 siglo, sa isang tanawin ng pinaka banayad na lyrical na tunog, na puno ng malalim na personal na karanasan.

Sa pamamagitan ng 1782 mayroong dalawang malalaking serye ng "Mga Pagdiriwang", na isinagawa ni Guardi ayon sa mga opisyal na utos. Ang una sa kanila ay binubuo ng apat na canvases na nakatuon sa pananatili ni Pope Pius VI sa Venetian Republic, ang pangalawa ay ipininta bilang parangal sa pagbisita ng tagapagmana sa trono ng Russia, Grand Duke Pavel Petrovich, sa Venice at kasama ang limang mga pagpipinta. Apat sa kanila ang nakaligtas - "Ball at the Teatro San Benedetto" (Paris), "Gala Concert" (Munich), "Banquet" (Paris), "Feast in St. Mark" (Venice).

Ang "Gala Concert" ay isa sa pinakamatalino na gawa ng artist. Nakukuha ng larawang ito ang mailap na bagay na higit na likas sa karunungan ni Guardi - ang diwa ng magiting na pagdiriwang ng ika-18 siglo ay ipinarating. Dito ang musika mismo ay tila naririnig, na lumilipad mula sa mga light bows ng isang babaeng violin orchestra. Sa malambot na pagkutitap ng mga kandilang nagbibigay liwanag sa mataas na ballroom, tila umiindayog ang mainit na hangin sa mga alon; Ang mga marangyang palikuran ng kababaihan ay kumikislap sa asul, pula, dilaw, kayumanggi, pilak-kulay-abo na mga kulay, na pininturahan sa isang ipoipo ng nanginginig na makukulay na mga stroke. Sa pamamagitan ng magaan na paghampas ng brush, binabalangkas ni Guardi ang mga mukha, peluka at sumbrero, kung minsan ay may mga transparent o impasto spot, na nagsasaad ng mga figure.

Noong 1784, si Guardi, na tinutupad ang isang opisyal na utos mula sa procurator ng republika, ay nagpinta ng pagpipinta na "The Rising of a Balloon in Venice" (Berlin), na naglalarawan ng isang kaganapan na hindi pangkaraniwan para sa oras na iyon. Gamit ang isang pamilyar na motif, inilagay ni Guardi sa foreground ang isang may anino na canopy na bato, kung saan nagsisiksikan ang mga mausisa na manonood, at naka-frame sa pamamagitan ng mga column, makikita ang isang kulay-rosas na maulap na kalangitan na may umuugong na hot air balloon.

Sa kanyang mga huling gawa, dumating si Guardi sa pinakadakilang generalization at laconicism ng pictorial na paraan. Sa isa sa mga huling mahusay na pagpipinta ng artist, "The Venetian Lagoon" (c. 1790; Milan, Poldi Pezzoli Museum), na ginawa sa isang pinigilan na scheme ng kulay, ngunit mayaman sa mga lilim ng kulay, walang inilalarawan maliban sa isang desyerto na look na may ilang mga gondola at umaagos na mahalumigmig na hangin, kung saan tila natutunaw ang mga balangkas ng mga simbahan at palasyo na nakikita sa malayo.

Mahinhin, walang panlabas na epekto, ang mga maliliit na kuwadro na gawa ni Guardi ay hindi sapat na pinahahalagahan sa kanilang panahon at nanatili sa anino sa tabi ng mga gawa ni Tiepolo, puno ng kinang at ningning. Pagkalipas lamang ng maraming dekada, nahayag ang tunay na kahalagahan ng kanyang mga gawa, na kumakatawan hindi lamang sa mga namumukod-tanging monumento ng Settecento, kundi pati na rin sa mga harbinger ng maraming tagumpay ng makatotohanang tanawin sa sining noong ika-19 na siglo.

Kasabay ng paaralang Venetian, na sumakop sa isang nangungunang posisyon sa sining ng Settecento, umunlad din ang iba pang mga paaralan sa Italya.

Ang pinakamalaking kinatawan ng paaralang Neapolitan ay si Francesco Solimena (1657-1747), na ang istilo ay nauugnay sa huli na pagpipinta ng Baroque noong ika-17 siglo. Naimpluwensyahan ng Lanfranco, Luca Giordano, Pietro da Cortona at Preti, si Solimena ay pangunahing nagtrabaho sa larangan ng pandekorasyon na pagpipinta, frescoing Neapolitan na mga simbahan (San Paolo Maggiore, San Domenco Maggiore, Gesu Nuovo). Kasama rin sa kanyang mga brush ang mga imahe ng altar, mga kuwadro na gawa sa relihiyoso at alegoriko na mga tema at larawan.

Ang kamangha-manghang istilo ng pagpipinta ni Solimena na may maitim na kayumangging mga batik na kabaligtaran ng dilaw at lilac na mga tono at mga stroke ng pula, ang kanyang mga dinamikong komposisyon ay kasabay nito ay nagtataglay ng kakaibang lamig gaya ng sa paglalarawan ng mga tauhan na ang mga impulses ay wala ng madamdaming kalunos-lunos na nakikilala. ang mga imahe ng Baroque masters sa nakaraang siglo, at sa kulay, kung saan ang isang pangkalahatang lilac-grey tone slips sa pamamagitan ng.

Sa kanyang mga estudyante, dapat pansinin si Giuseppe Bonito (1707-1789). Sa una ay nagtatrabaho sa diwa ng Solimena, si Bonito ay lumayo mula rito patungo sa pang-araw-araw na genre, ngunit hindi ganap na masira ang mga prinsipyo ng istilong pampalamuti. Ang mga paksa ng kanyang mga kuwadro na gawa, maliwanag ngunit medyo malamig ang kulay, ay pangunahing mga eksena sa karnabal.

Sa unang kalahati ng ika-18 siglo. Sa iba't ibang artistikong paggalaw ng Italya, lumitaw ang isang malinaw na tinukoy na genre, demokratiko sa nilalaman. Ang direksyong ito, na tinawag ng mga mananaliksik na pittura della realita (pagpipinta ng totoong mundo), ay pinag-isa ang maraming mga master na bumaling sa imahe. Araw-araw na buhay at na pumili ng iba't ibang pang-araw-araw at karaniwang mga eksena bilang paksa para sa kanilang mga pagpipinta. Kasabay ni Bonito, nagtrabaho ang Neapolitan Gasparo Traversi (nagtrabaho sa pagitan ng 1732 at 1769) - isang maliwanag at kawili-wiling artista, naiimpluwensyahan ng sining ng Caravaggio. Ito ay nakikilala sa pamamagitan ng matalim na chiaroscuro, relief sculpting ng anyo, masigla, matalim na komposisyon, at temperamental na mga liko ng mga figure. Kabilang sa kanyang pinakamahusay na mga gawa ay ang "The Wounded" (Venice, Brass collection), "Secret Letter" (Naples, Capodimonte Museum), at "The Drawing Lesson" (Vienna).

Nakahanap din kami ng mga master ng trend na ito sa Lombardy, kabilang ang Bergamo at Brescia. Kabilang sa mga ito ay sina Giacomo Francesco Chipper, o Todeschini, maliwanag na Aleman ang pinagmulan, ngunit nagtrabaho sa buong buhay niya sa Italya, at Lcopo Ceruti (nagtrabaho noong ikalawang quarter ng ika-18 siglo). Ang una ay ang may-akda ng maraming mga pagpipinta sa genre na hindi pantay ang kalidad, na naglalarawan ng mga gumagawa ng sapatos, musikero, manlalaro ng card, at kababaihan sa trabaho. Si Jacopo Ceruti ang pinakanamumukod-tanging kinatawan ng kalakaran na ito. Ang mga karakter sa kanyang mga pagpipinta ay halos palaging mga taong nagtatrabaho. Sa kanyang pinakamahusay na mga gawa ay tumutukoy sa "Laundress" - isang batang babae na naglalaba ng mga damit sa isang batong pool; ang kanyang mukha na may malalaking malungkot na mga mata ay ibinaling sa manonood (Brescia, Pinacoteca). "Beggar Negro", "Young Man with a Pipe", "Woman Weaving a Basket" - lahat ng mga imaheng ito, na inihatid ng masiglang pagmamasid, ay nakikilala sa pamamagitan ng mahusay na lakas at isang pakiramdam ng artistikong katotohanan. Sa iba pang mga pintor ng Lombard, maaaring pangalanan si Francesco Londio, na nagtrabaho sa Milan. Sa Roma noong unang kalahati ng ika-18 siglo. Namumukod-tangi si Antonio Amorosi, ang may-akda ng mga eksena mula sa buhay ng mga karaniwang tao.

Sa pangkalahatan, gayunpaman, ang pag-unlad ng kalakaran na ito sa Italya ay panandalian - ang mga demokratikong tendensya nito ay hindi nakahanap ng tamang tugon at suporta sa panlipunan at masining na kapaligiran noong panahong iyon.

Ang masining na buhay ng Roma ay sa sarili nitong paraan na hindi gaanong matindi kaysa sa Venice. Mula sa simula ng ika-18 siglo, ang Roma ay naging isang tunay na internasyonal na sentro ng sining, kung saan hindi lamang mga tao ng sining, kundi mga siyentipiko, arkeologo, mga pangunahing istoryador at manunulat noong panahong iyon.

Ang mga paghuhukay ng Sinaunang Roma, Herculaneum, Pompeii, at ang mga templo ng Paestum sa Timog Italya ay nagsiwalat sa harap ng mga mata ng mga tao noong panahong iyon ang mga kayamanan ng sinaunang sining, na naging available para mapanood. Puno ng diwa ng mga romantikong pagtuklas at mga sorpresa, ang Italy ay hindi mapaglabanan na naakit ang mga batang artista ng lahat ng mga bansa at nasyonalidad, kung saan ang paglalakbay sa Roma ay naging isang itinatangi na pangarap, at ang pagtanggap ng Rome Prize ay ang pinakamataas na parangal pagkatapos ng mga taon ng pag-aprentis na ginugol sa loob ng mga pader ng mga akademya. Ang mga gawa ng sikat na mananalaysay ng sining ng Aleman na si Winckelmann, isang masigasig na mahilig, ay gumanap ng napakahalagang papel sa pagpapakilala sa kasaysayan ng sinaunang sining. sinaunang kultura, isang saksi sa mga dakilang arkeolohiko na pagtuklas, sa paglalarawan kung saan inilaan niya ang ilan sa kanyang mga gawa. Ang pinaka-pangkalahatan sa kanila ay ang kanyang aklat na "History of the Art of Antiquity" (1764), kung saan sa unang pagkakataon ay nasubaybayan ang pangkalahatang kurso ng pag-unlad ng sining ng Greek, ang katangian kung saan tinukoy ni Winckelmann ng mga konsepto ng "marangal na pagiging simple at kalmadong kadakilaan.” Sa kabila ng isang bilang ng mga pagkakamali at hindi tamang pagtatasa ng panlipunan at ideolohikal na kakanyahan ng sining ng Griyego, isang ideya kung saan maaaring makuha ni Winckelmann ang pangunahin mula sa mga Romanong kopya ng mga orihinal na Griyego, ang kanyang aklat ay isang tunay na pagtuklas para sa mga tao noong ika-18 siglo.

Kaya't hindi nakakagulat na ang mga artista ng Italyano ng paaralang Romano ay hindi maaaring balewalain ang mga sinaunang motif sa kanilang trabaho. Ang isa sa kanila ay si Pompeo Batoni (1708-1787), na sumulat ng maraming komposisyon sa mga paksang mitolohiya at relihiyon, na nakikilala sa pamamagitan ng ilang tamis ng mga imahe at malamig na kulay - "Binibigyan ni Thetis si Achilles na palakihin ni Chiron" (1771), "Hercules sa Crossroads" (1765) (parehong - Hermitage), "Penitent Magdalene" (Dresden, Art Gallery).

Malaki rin ang naging papel ng French Academy sa artistikong buhay ng Roma, na nagtitipon sa paligid ng mga kabataang pintor, na ang artistikong aktibidad ay mas masigla at mabunga kaysa sa walang buhay, artipisyal na programmatic na pagkamalikhain ng mga Romanong neoclassicist, na pinamumunuan ng German na pintor na si Raphael Mengs. Kabilang sa mga French masters na nagtrabaho sa Roma ay ang mga pintor na sina Vienne, Hubert Robert, Fragonard, Subleira, David, ang iskultor na si Pajou, ang arkitekto na si Soufflot at marami pang iba. Bilang karagdagan, mayroong isang kolonya doon Mga artistang Aleman. Marami sa mga French masters ang bumuo ng mga motif ng klasikal na tanawin, na nasa ika-17 siglo na. kinakatawan ng pinakamalaking Pranses na pintor na nanirahan sa Italya - Poussin at Claude Lorrain. Sa genre na ito, kasama ang Pranses, ang Venetian Francesco Zuccarelli (1702-1788), ang may-akda ng mga idyllic landscape, ay nagtrabaho sa genre na ito, pati na rin ang isang kinatawan ng Roman school, ang sikat na "puintor ng pagkasira" na si Giovanni Paolo Pannini ( 1697-1764), na naglalarawan hindi lamang ng mga Romanong vedute, kundi pati na rin ang iba't ibang mga natitirang kaganapan sa kanilang panahon, pati na rin ang mga interior ng mga simbahan.

Ang maringal na mga guho ng Colosseum, mga sira-sirang colonnade sa Pompeii at Paestum, mga mausoleum, obelisks, relief, estatwa ay nagbigay ng walang limitasyong saklaw sa masining na imahinasyon at umakit ng mga pintor, draftsmen at engraver, na nagsagawa ng mga libreng komposisyon batay sa mga sinaunang motif, na sinamahan ng mga paglalarawan ng mga eksena mula sa pang-araw-araw na buhay. "Ang Roma, kahit na nawasak, ay nagtuturo," isinulat ni Hubert Robert sa isa sa kanyang mga pintura. Ang mga tanawing ito ay nagtamasa ng mahusay na tagumpay sa mga Romano at Pranses na maharlika at, tulad ng mga Venetian vedutes, ay naging laganap sa sining noong ika-18 siglo.

Ngunit ang pinakatanyag na kababalaghan sa larangan ng genre na ito ay ang gawain ng sikat na master ng architectural drawing, archaeologist at engraver na si Giovanni Battista Piranesi (1720-1778), na nagbigay inspirasyon sa buong henerasyon ng mga artista at arkitekto sa kanyang mga pantasyang arkitektura. Isang Venetian sa pamamagitan ng kapanganakan, siya ay nanirahan halos buong buhay niya sa Roma, kung saan siya ay iginuhit ng "isang hindi mapaglabanan na pagnanais na pag-aralan at makita ang mga sikat na lungsod kung saan napakaraming magagandang bagay ang ginawa, at upang ipinta ang kanilang mga monumento - mga saksi ng dakilang nakaraan, ” habang isinusulat ng kanyang biographer.

Malalim na madamdamin tungkol sa pag-aaral ng pamana ng arkitektura ng Italya, nakilala rin ni Piranesi ang gawain ng malaki at malawak na pamilya ng mga teatro na arkitekto at dekorador na si Bibbien - mga katutubo ng Bologna, ngunit nagtrabaho, na sumusunod sa halimbawa ng karamihan sa mga masters ng Settecentist, bilang karagdagan sa Italya. sa iba't ibang mga lungsod sa Europa - Bayreuth, Vienna, Prague at iba pa. Ang kanilang mga treatise at turo sa perspective illusionism, pati na rin ang mga pandekorasyon na gawa ni Andrea Pozzo,

Malaki ang impluwensya sa kanya ng mga kapatid na Pannini ni Valeriani. Sa mga gawa ng Piranesi, ang istilo ng yumaong Roman Baroque ay halos malapit na sumanib sa istilo ng umuusbong na klasisismo. Ang interes sa mga theatrical at decorative compositions ay nag-ambag sa pag-ugat sa kanyang mga gawa ng perspective-perspective perception of space at deep contrasting chiaroscuro.

Ang isa sa kanyang mga unang gawa, na inilathala noong 1745 at 1760, ay isang suite ng labing-apat na malalaking ukit na "Dungeons" ("Carceri") na naglalarawan ng walang katapusang mga multi-story vaulted room na tinatawid ng mga beam, hagdanan, gallery, drawbridges, kung saan sa kaibahan ng kadiliman at ang mga ilaw, mga bloke, mga pingga, mga lubid, mga gulong, mga kadena na nakasabit sa mga kisame ay masalimuot na pinagsasama-sama ng mga pira-piraso ng mga antigong hanay, friezes at bas-relief. Ang mga kamangha-manghang komposisyon na ito, na malamang na inspirasyon ng mga modernong set ng teatro ni Piranesi, ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang napakalawak na saklaw, ngunit gayunpaman ay malinaw na nakabalangkas sa kanilang mga detalye, sa pamamagitan ng isang architecturally crystallized space.

Ang talento sa arkitektura ni Piranesi ay hindi aktibong maipahayag ang sarili sa aktwal na pagtatayo ng Italya noong panahong iyon. "Ang modernong arkitekto ay walang pagpipilian kundi upang ipahayag ang kanyang sariling mga ideya gamit ang mga guhit lamang," isinulat ni Piranesi, na lumilikha ng kanyang "haka-haka na arkitektura" sa magkahiwalay na serye ng pag-ukit. Ang kanyang mga pangunahing cycle ay nakatuon sa mga maringal na gusali ng sinaunang Greece at Roma.

Hindi nagsusumikap para sa isang tumpak na archaeological na muling pagtatayo ng mga monumento ng sinaunang arkitektura, si Piranesi, bilang karagdagan sa libreng interpretasyon, ay pinalibutan sila ng isang espesyal na romantikong aura, na nagdulot ng matalas na pagsisi at pag-atake sa kanya mula sa mga kontemporaryong siyentipiko at arkeologo. Ang kanyang mga ukit ay sa halip ay mga monumento na pang-alaala sa dakilang nakaraan ng Roma, na kanyang sinamba nang may walang hanggang pagsinta.

Noong 1747, naglabas si Piranesi ng isang serye ng mga ukit na "Views of Rome", kung saan nakamit niya ang pambihirang monumento. larawang arkitektura dahil sa maximum na kalapitan ng mga itinatanghal na gusali sa foreground, ipinapakita din mula sa isang napakababang punto ng view. Ang maliliit na pigura ng mga tao ay tila maliit at hindi gaanong mahalaga kumpara sa malalaking haligi at arko. Palaging nagtatrabaho gamit ang pamamaraan ng pag-ukit, pinalambot ni Piranesi ang mga contour na may malalim na itim na pelus na anino, na nagbibigay ng isang pambihirang kaakit-akit sa lahat ng kanyang mga komposisyon. Sa kanyang mga paglalarawan ng mga tulay na Romano, lalo niyang binibigyang-diin ang kapangyarihan ng mga sinaunang gusaling Romano, na naghahatid ng kanilang ipinagmamalaki na kadakilaan. Ang parehong mood ay tumatagos sa ukit na "Castle of St. Anghel sa Roma."

Ang monumental na apat na volume na suite na "Roman Antiquities," na inilathala noong 1756, ay nakikilala sa pamamagitan ng kamangha-manghang lawak ng materyal na saklaw ng Piranesi na kasama ang kanyang huling hanay ng mga ukit na may mga tanawin ng sinaunang templo ng Poseidon sa Paestum. Ang ukit na karayom ​​ng Piranesi ay gumagawa ng mga kababalaghan dito, na nagbibigay sa mga komposisyon na ito ng pinakamalalim na kaakit-akit salamat sa maayos na pamamahagi ng mga liwanag at malambot na itim na pelus na anino. Ang higit na kapansin-pansin dito ay ang iba't ibang pananaw: ang mga higanteng colonnade ay lumalabas sa harap ng manonood mula sa iba't ibang mga anggulo, ang malalayong plano ay tila nakabaon sa malambot at mainit na hangin, ang harapan, libre at magaan, walang anumang kalat na dating katangian ng Piranesi, ay matagumpay na napuno ng staffage - sa ilalim ng anino ng sira-sira na mga hanay Ang mga artista ay nanirahan at ang mga mahilig sa sinaunang panahon ay gumagala. Pagkatapos ng kamatayan ni Piranesi, ang ilan sa mga hindi natapos na ukit ng siklo na ito ay nakumpleto ng kanyang anak na si Francesco (c. 1758/59-1810), na nagpatibay ng graphic na istilo ng kanyang ama.

Ang mga artistikong resulta na nakamit ng mga masters ng Roman school noong ika-18 siglo ay karaniwang hindi gaanong makabuluhan kaysa sa mga nagawa ng Venice. Ngunit ang kanyang pangunahing merito ay ang pagsulong ng mga ideya ng sinaunang sining. At sila naman, na nakatanggap ng isang bagong panlipunang pokus, puspos ng malalim na nilalaman at mataas na civic pathos, ay nagsilbing isang malakas na pampasigla para sa pagkamalikhain ng mga nangungunang European masters sa bisperas ng isang bagong panahon na nagbubukas sa Pranses. rebolusyong burges 1789.

PAGPIPINTA NG ITALY

Sa Italya, kung saan ang reaksyong Katoliko sa wakas ay nagtagumpay noong ika-17 siglo, ang Baroque art ay nabuo nang maaga, umunlad at naging dominanteng kilusan.

Ang pagpipinta sa oras na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga kamangha-manghang pandekorasyon na komposisyon, mga seremonyal na larawan na naglalarawan ng mga mapagmataas na maharlika at kababaihan na may mapagmataas na pustura, na nalulunod sa mga mararangyang damit at alahas.

Sa halip na isang linya, ang kagustuhan ay ibinigay sa isang kaakit-akit na lugar, masa, at mga kaibahan ng liwanag at anino, sa tulong kung saan nilikha ang anyo. Nilabag ng Baroque ang mga prinsipyo ng paghahati ng espasyo sa mga plano, ang mga prinsipyo ng direktang linear na pananaw upang mapahusay ang lalim, ang ilusyon ng pagpunta sa infinity.

Ang pinagmulan ng pagpipinta ng Baroque sa Italya ay nauugnay sa gawain ng magkakapatid na Carracci, ang mga tagapagtatag ng isa sa mga unang paaralan ng sining sa Italya - ang "Academy ng mga nasa tamang landas" (1585), ang tinatawag na Bologna Academy - isang workshop kung saan ang mga baguhang master ay sinanay ayon sa isang espesyal na programa.

Annibale Carracci (1560-1609) ay ang pinaka-talino sa tatlong magkakapatid na Carracci. Ang kanyang trabaho ay malinaw na nagpapakita ng mga prinsipyo ng Bologna Academy, na itinakda bilang pangunahing gawain nito ang muling pagkabuhay ng monumental na sining at ang mga tradisyon ng Renaissance sa panahon ng kanyang kasagsagan, na iginagalang ng mga kontemporaryo ni Carracci bilang isang halimbawa ng hindi matamo na pagiging perpekto at isang uri ng masining na "ganap" . Samakatuwid, mas nakikita ni Carracci ang mga obra maestra ng kanyang mga dakilang nauna bilang isang mapagkukunan kung saan ang isang tao ay maaaring gumuhit ng mga solusyon sa aesthetic na natagpuan ng mga titans ng Renaissance, at hindi bilang isang panimulang punto para sa kanyang sariling mga malikhaing pakikipagsapalaran. Ang plastik na maganda, ang perpekto ay hindi para sa kanya ang "pinakamataas na antas" ng tunay, ngunit isang obligadong artistikong pamantayan - sa gayon ang sining ay tutol sa katotohanan, kung saan ang master ay hindi nakakahanap ng isang bagong pangunahing ideyal. Kaya naman ang conventionality at abstractness ng kanyang mga imahe at pictorial solutions.

Kasabay nito, ang sining ng magkakapatid na Carracci at Bolognese na akademya ay naging napaka-angkop para sa paglalagay sa serbisyo ng opisyal na ideolohiya ay hindi walang dahilan na ang kanilang trabaho ay mabilis na nakatanggap ng pagkilala sa pinakamataas na (estado at Katoliko) na mga lugar .

Ang pinakamalaking gawa ni Annibale Carracci sa larangan ng monumental na pagpipinta ay ang pagpipinta ng gallery ng Palazzo Farnese sa Roma na may mga fresco na nagsasabi tungkol sa buhay ng mga diyos - batay sa mga eksena mula sa "Metamorphoses" ng sinaunang Romanong makata na si Ovid (1597-1604). , tapos kasama ang kanyang kapatid at mga katulong).

Binubuo ang pagpipinta ng mga indibidwal na panel na nakahilig patungo sa isang gitnang malaking komposisyon na naglalarawan ng "The Triumph of Bacchus and Ariadne", na nagpapakilala ng elemento ng dynamics sa pictorial ensemble. Ang mga hubad na pigura ng lalaki na inilagay sa pagitan ng mga panel na ito ay ginagaya ang iskultura, habang sa parehong oras ay ang mga pangunahing tauhan ng mga kuwadro na gawa. Ang resulta ay isang kahanga-hangang malakihang gawain, kamangha-manghang hitsura, ngunit hindi pinagsama ng anumang makabuluhang ideya, kung wala ang mga monumental na ensemble ng Renaissance ay hindi maiisip. Sa hinaharap, ang mga prinsipyong ito na kinakatawan ng Carracci - ang pagnanais para sa dynamic na komposisyon, illusionistic effect at self-sufficient decorativeness - ay magiging katangian ng lahat ng monumental na pagpipinta ng ika-17 siglo.

Gusto ni Annibale Carracci na punan ang mga motif na kinuha mula sa sining ng Renaissance ng buhay na buhay, modernong nilalaman. Nananawagan siya sa pag-aaral ng kalikasan sa unang bahagi ng kanyang pagkamalikhain ay binalingan pa niya pagpipinta ng genre. Ngunit, mula sa pananaw ng master, ang kalikasan mismo ay masyadong magaspang at hindi perpekto, kaya sa canvas dapat itong lumitaw na nagbago na, pinalaki alinsunod sa mga pamantayan ng klasikal na sining. Samakatuwid, ang mga tiyak na motibo sa buhay ay maaaring umiiral sa komposisyon lamang bilang isang hiwalay na fragment na idinisenyo upang pasiglahin ang eksena. Halimbawa, sa pagpipinta na "The Bean Eater" (1580s), mararamdaman ng isang tao ang ironic na saloobin ng artist sa nangyayari: binibigyang-diin niya ang espirituwal na primitiveness ng magsasaka na sakim na kumakain ng beans; ang mga larawan ng mga pigura at bagay ay sadyang pinasimple. Ang iba ay nasa parehong espiritu mga pagpipinta ng genre batang pintor: "The Butcher's Shop", "Self-Portrait with Father", "Hunting" (lahat ng 1580s) - adj., fig. 1.

Marami sa mga painting ni Annibale Carracci ay may mga relihiyosong tema. Ngunit ang malamig na pagiging perpekto ng mga anyo ay nag-iiwan ng maliit na puwang para sa pagpapakita ng mga damdamin sa kanila. Sa mga bihirang pagkakataon lang gumagawa ang isang artista ng ibang uri ng mga gawa. Ito ang “Panaghoy ni Kristo” (c. 1605). Sinasabi ng Bibliya kung paano pumunta ang mga banal na mananamba ni Kristo upang sumamba sa kanyang libingan, ngunit natagpuan itong walang laman. Mula sa isang anghel na nakaupo sa gilid ng sarcophagus, nalaman nila ang tungkol sa kanyang mahimalang muling pagkabuhay at natuwa at nabigla sa himalang ito. Ngunit ang imahe at damdamin ng sinaunang teksto ay hindi nakakahanap ng maraming tugon sa Carracci; tanging ang liwanag, umaagos na kasuotan ng anghel ang maihahalintulad niya sa napakalaki at static na pigura ng mga babae. Ang pangkulay ng larawan ay medyo karaniwan din, ngunit sa parehong oras ito ay nakikilala sa pamamagitan ng lakas at intensity nito.

Ang isang espesyal na grupo ay binubuo ng kanyang mga gawa sa mga tema ng mitolohiya, na sumasalamin sa kanyang pagkahilig para sa mga masters ng Venetian school. Sa mga kuwadro na ito, niluluwalhati ang kagalakan ng pag-ibig, ang kagandahan ng hubad na katawan ng babae, ipinakita ni Annibale ang kanyang sarili bilang isang kahanga-hangang colorist, masigla at makatang artista.

Kabilang sa mga pinakamahusay na gawa ng Annibale Carracci ay ang kanyang mga gawa sa landscape. Nilikha ni Carracci at ng kanyang mga estudyante, batay sa mga tradisyon ng tanawin ng Venetian noong ika-16 na siglo, isang uri ng tinatawag na klasikal, o kabayanihan, tanawin. Binago din ng artista ang kalikasan sa isang artipisyal na kahanga-hangang espiritu, ngunit walang panlabas na kalungkutan. Ang kanyang mga gawa ay naglatag ng pundasyon para sa isa sa mga pinakamabungang uso sa pag-unlad ng pagpipinta ng landscape sa panahong ito ("Flight into Egypt", ca. 1603), na pagkatapos ay natagpuan ang pagpapatuloy at pag-unlad nito sa gawain ng mga masters ng mga susunod na henerasyon, sa partikular na Poussin.

Michelangelo Caravaggio (1573-1610). Ang pinakamahalagang pintor ng Italyano sa panahong ito ay si Michelangelo Caravaggio, na maaaring ituring na isa sa mga pinakadakilang master ng ika-17 siglo.

Ang pangalan ng artista ay nagmula sa pangalan ng bayan sa hilagang Italya kung saan siya ipinanganak. Mula sa edad na labing-isa ay nagtrabaho na siya bilang isang baguhan sa isa sa mga pintor ng Milanese, at noong 1590 ay umalis siya patungong Roma, na sa pagtatapos ng ika-17 siglo ay naging sentro ng pansining ng buong Europa. Dito nakamit ni Caravaggio ang kanyang pinakamahalagang tagumpay at katanyagan.

Hindi tulad ng karamihan sa kanyang mga kontemporaryo, na nakakita lamang ng higit pa o hindi gaanong pamilyar na hanay ng mga aesthetic na halaga, nagawa ni Caravaggio na talikuran ang mga tradisyon ng nakaraan at lumikha ng kanyang sariling, malalim na indibidwal na istilo. Ito ay bahagyang resulta ng kanyang negatibong reaksyon sa mga artistikong cliches ng panahon.

Never belonged to a certain paaralan ng sining, na sa kanyang mga unang gawa ay inihambing niya ang indibidwal na pagpapahayag ng modelo, simpleng pang-araw-araw na motif na may idealisasyon ng mga imahe at ang alegoriko na interpretasyon ng balangkas na katangian ng sining ng mannerism at akademiko ("Little Sick Bacchus", "Young Man with a Basket ng mga Prutas", pareho - 1593).

Bagaman sa unang sulyap ay tila umalis siya sa mga artistikong canon ng Renaissance, bukod dito, ibinagsak niya ang mga ito, sa katotohanan ang mga pathos ng kanyang makatotohanang sining ay ang kanilang panloob na pagpapatuloy, na naglatag ng mga pundasyon ng realismo ng ika-17 siglo. Ito ay malinaw na pinatunayan ng kanyang sariling mga pahayag. “Bawat larawan, anuman ang inilalarawan nito, at kahit sino pa ang ipininta nito,” ang sabi ni Caravaggio, “ay hindi mabuti kung ang lahat ng bahagi nito ay hindi naisagawa mula sa buhay; Walang mas pipiliin sa mentor na ito." Ang pahayag na ito ni Caravaggio, kasama ang kanyang katangiang pagiging prangka at pagiging kategorya, ay naglalaman ng buong programa ng kanyang sining.

Ang artista ay gumawa ng malaking kontribusyon sa pagbuo ng pang-araw-araw na genre ("Rounders," 1596; "Boy Bitten by a Lizard," 1594). Ang mga bayani ng karamihan sa mga gawa ni Caravaggio ay mga tao mula sa mga tao. Natagpuan niya ang mga ito sa maraming motley ng kalye, sa murang mga tavern at sa maingay na mga parisukat ng lungsod, at dinala sila sa kanyang studio bilang mga modelo, mas pinipili ang ganitong paraan ng trabaho kaysa sa pag-aaral ng mga sinaunang estatwa - ito ay pinatunayan ng unang biographer ng artist. D. Bellori. Ang kanyang mga paboritong karakter ay mga sundalo, manlalaro ng card, manghuhula, musikero ("Fortune Teller", "Lute Player" (parehong 1596); "Musicians", 1593) - adj., fig. 2. Sila ang "naninirahan" sa mga pagpipinta ng genre ng Caravaggio, kung saan iginiit niya hindi lamang ang karapatang umiral, kundi pati na rin ang artistikong kahalagahan ng isang pribadong pang-araw-araw na motif. Kung sa kanyang mga unang gawa ang pagpipinta ni Caravaggio, para sa lahat ng plasticity at substantive persuasiveness, ay medyo magaspang, pagkatapos ay inalis niya ang pagkukulang na ito. Ang mga mature na gawa ng artist ay mga monumental na canvases na may pambihirang dramatikong kapangyarihan (“The Calling of the Apostle Matthew” at “The Martyrdom of the Apostle Matthew” (parehong 1599-1600); “Entombment”, “Death of Mary” (parehong ca. 1605). -1606)). Ang mga gawang ito, bagama't malapit sa istilo sa kanyang mga unang eksena sa genre, ay puno na ng isang espesyal na panloob na drama.

Ang estilo ng pagpipinta ng Caravaggio sa panahong ito ay batay sa makapangyarihang mga kaibahan ng liwanag at anino, nagpapahayag na pagiging simple ng mga kilos, masiglang pag-sculpting ng mga volume, kayamanan ng kulay - mga diskarte na lumilikha ng emosyonal na pag-igting, na nagbibigay-diin sa matinding epekto ng mga damdamin. Karaniwan ang artist ay naglalarawan ng ilang mga figure na kinuha malapitan, malapit sa manonood at nakasulat nang buong kaplastikan, materyalidad at nakikitang pagiging tunay. nagsisimulang gumanap ng malaking papel sa kanyang mga gawa kapaligiran, loob ng sambahayan at buhay pa rin. Ganito, halimbawa, sa pagpipinta na "The Calling of Matthew" ang master ay nagpapakita ng paglitaw ng dakila at espirituwal sa mundo ng "mababa" na pang-araw-araw na buhay.

Ang balangkas ng gawain ay batay sa kuwento mula sa Ebanghelyo tungkol sa kung paano tinawag ni Kristo ang maniningil ng buwis na si Mateo, ang maniningil ng buwis na hinamak ng lahat, upang maging kanyang alagad at tagasunod. Ang mga karakter ay inilalarawan na nakaupo sa isang mesa sa isang hindi komportable, walang laman na silid, at ang mga karakter ay ipinakita sa laki ng buhay, na nakasuot ng mga modernong kasuotan. Si Kristo at si Apostol Pedro na hindi inaasahang pumasok sa silid ay pumukaw ng iba't ibang reaksyon mula sa mga natipon - mula sa pagkamangha hanggang sa pagiging maingat. Ang daloy ng liwanag na pumapasok sa madilim na silid mula sa itaas ay maindayog na inaayos kung ano ang nangyayari, itinatampok at ikinokonekta ang mga pangunahing elemento nito (ang mukha ni Mateo, ang kamay at profile ni Kristo). Sa pamamagitan ng pag-agaw ng mga pigura mula sa kadiliman at matalas na paghahambing ng maliwanag na liwanag at malalim na anino, ang pintor ay nagbibigay ng pakiramdam ng panloob na pag-igting at dramatikong kaguluhan. Ang eksena ay pinangungunahan ng mga elemento ng damdamin at hilig ng tao. Upang lumikha ng isang emosyonal na kapaligiran, ang Caravaggio ay mahusay na gumagamit ng mayaman na kulay. Sa kasamaang palad, ang malupit na pagiging totoo ni Caravaggio ay hindi naintindihan ng marami sa kanyang mga kontemporaryo, mga tagasunod ng "mataas na sining." Pagkatapos ng lahat, kahit na lumilikha ng mga gawa sa mga mitolohiya at relihiyosong mga tema (ang pinakasikat sa kanila ay "Rest on the Flight into Egypt", 1597), palagi siyang nanatiling tapat sa makatotohanang mga prinsipyo ng kanyang pang-araw-araw na pagpipinta, kaya kahit na ang pinaka-tradisyonal na biblikal. ang mga paksa ay nakatanggap ng ganap na naiibang intimate psychological interpretasyon na naiiba sa tradisyonal. At ang apela sa kalikasan, na ginawa niyang direktang object ng paglalarawan ng kanyang mga gawa, at ang pagiging totoo ng interpretasyon nito ay nagdulot ng maraming pag-atake sa artist mula sa mga klero at mga opisyal.

Gayunpaman, sa mga artista noong ika-17 siglo, marahil, walang isa sa anumang kahalagahan na hindi, sa isang paraan o iba pa, ay nakaranas ng malakas na impluwensya ng sining ni Caravaggio. Totoo, karamihan sa mga tagasunod ng master, na tinawag na Caravaggists, ay masigasig na kinopya lamang ang kanyang panlabas na mga diskarte, at higit sa lahat, ang kanyang sikat na contrasting chiaroscuro, intensity at materiality ng pagpipinta.

Sina Peter Paul Rubens, Diego Velazquez, Jusepe de Ribera, Rembrandt van Rijn, Georges de La Tour at marami pang ibang sikat na artista ay dumaan sa yugto ng pagkahumaling sa Caravaggism. Imposibleng isipin ang karagdagang pag-unlad ng realismo sa ika-17 siglo nang walang rebolusyon na ginawa ni Michelangelo Caravaggio sa pagpipinta ng Europa.

Alessandro Magnasco (1667-1749). Ang kanyang trabaho ay nauugnay sa romantikong direksyon sa sining ng Italyano noong ika-17 siglo.

Ipinanganak hinaharap na artista sa Genoa. Nag-aral muna siya sa kanyang ama, pagkatapos, pagkatapos ng kanyang kamatayan, sa Milan kasama ang isa sa mga lokal na master, na nagturo sa kanya ng mga teknikal na pamamaraan ng pagpipinta ng Venetian at nagturo sa kanya ng sining ng portraiture. Kasunod nito, nagtrabaho si Magnasco sa loob ng maraming taon sa Milan, Genoa, Florence, at sa kanyang mga humihinang taon, noong 1735, sa wakas ay bumalik siya sa kanyang bayan.

Ang talento ngunit napakakontrobersyal na artist na ito ay pinagkalooban ng isang napakaliwanag na personalidad. Ang gawa ni Magnasco ay lumalaban sa anumang pag-uuri: kung minsan ay malalim na relihiyoso, kung minsan ay kalapastanganan sa kanyang mga gawa ay ipinakita niya ang kanyang sarili bilang isang ordinaryong dekorador o bilang isang pintor na may nanginginig na kaluluwa. Ang kanyang sining ay puno ng mas mataas na emosyonalidad, sa bingit ng mistisismo at kadakilaan.

karakter maagang mga gawa Ang mga gawa ng artist, na nakumpleto sa panahon ng kanyang pananatili sa Milan, ay nagpasiya ng mga tradisyon ng paaralan ng pagpipinta ng Genoese, na nakahilig sa pastoral. Ngunit mayroon nang mga gawa niya bilang ilang "Bacchanalia", "Bandits' Rest" (lahat mula sa 1710s) - na naglalarawan ng mga hindi mapakali na mga pigura ng tao laban sa backdrop ng mga maringal na sinaunang mga guho - ay nagdadala ng isang ganap na naiibang emosyonal na singil kaysa sa mga matahimik na pastoral ng kanyang mga nauna. Ang mga ito ay ginawa sa madilim na mga kulay, na may pabagu-bago, dynamic na mga stroke, na nagpapahiwatig ng isang pang-unawa sa mundo sa isang dramatikong aspeto (idagdag., Fig. 3).

Ang atensyon ng artista ay naaakit sa lahat ng hindi pangkaraniwan - mga eksena ng mga tribunal ng Inquisition, pagpapahirap, na maaari niyang obserbahan sa Milan sa ilalim ng pamamahala ng Espanyol ("Torture Chamber"), isang sermon sa isang sinagoga ("Synagogue", huling bahagi ng 1710s-1720s), nomadic mga life gypsies ("Gypsy Meal"), atbp.

Ang mga paboritong paksa ni Magnasco ay iba't ibang mga yugto mula sa monastic life ("Funeral of a Monk", "Nuns' Meal", parehong mula noong 1720s), mga cell ng hermit at alchemist, mga guho ng mga gusali at night landscape na may mga pigura ng mga gypsies, pulubi, gumagala na musikero , atbp. Medyo tunay na mga karakter ang kanyang mga gawa - mga bandido, mangingisda, hermit, gypsies, komedyante, sundalo, washerwomen ("Landscape with Washerwomen", 1720s) - kumilos sa isang kamangha-manghang kapaligiran. Ang mga ito ay inilalarawan sa background ng madilim na mga guho, isang rumaragasang dagat, isang ligaw na kagubatan, at malupit na bangin. Ipininta ng Magnasco ang kanilang mga pigura bilang labis na pinahaba, na parang namimilipit at patuloy na gumagalaw; ang kanilang mga pinahabang hubog na silhouette ay napapailalim sa nerbiyos na ritmo ng brushstroke. Ang mga kuwadro ay napuno ng isang trahedya na pakiramdam ng kawalang-halaga ng tao sa harap ng mga bulag na puwersa ng kalikasan at ang kalupitan ng panlipunang realidad.

Ang parehong nakakagambalang dinamika ay nakikilala ang kanyang mga sketch ng landscape, kasama ang kanilang binibigyang-diin na subjectivity at emosyonalidad, na nagtutulak sa background ng paglipat ng mga tunay na larawan ng kalikasan ("Seascape", 1730s; "Mountain Landscape", 1720s). Sa ilan sa mga huling gawa ng master, kapansin-pansin ang impluwensya ng mga landscape ng Italian Salvatore Rosa at mga engraving ng French Mannerist artist na si Jacques Callot. Ang mahirap na makilalang aspeto ng katotohanan at ang kakaibang mundo na nilikha ng imahinasyon ng artista, na lubos na naramdaman ang lahat ng kalunos-lunos at masayang mga kaganapan ng nakapaligid na katotohanan na nangyayari sa kanyang paligid, ay palaging naroroon sa kanyang mga gawa, na nagbibigay sa kanila ng karakter. ng parabula o pang-araw-araw na eksena.

Ang nagpapahayag na istilo ng pagpipinta ng Magnasco sa ilang mga paraan ay inaasahan ang mga malikhaing pakikipagsapalaran ng mga artista noong ika-18 siglo. Siya ay nagpinta nang may matatas at mabilis na paghampas, gamit ang hindi mapakali na chiaroscuro, na nagbubunga ng hindi mapakali na mga epekto ng pag-iilaw, na nagbibigay sa kanyang mga pagpipinta ng isang sinasadyang sketchiness, at kung minsan kahit na dekorasyon. Kasabay nito, ang pangkulay ng kanyang mga gawa ay walang makulay na maraming kulay, kadalasan ang master ay limitado sa isang madilim na kulay-abo-kayumanggi o maberde na palette, bagaman sa sarili nitong paraan ay medyo pino at pino. Nakilala sa panahon ng kanyang buhay at nakalimutan ng kanyang mga inapo, ang natatanging artist na ito ay muling nakakuha ng katanyagan sa simula lamang ng ika-20 siglo, nang siya ay nakita bilang isang tagapagpauna ng impresyonismo at maging ang ekspresyonismo.

Giuseppe Maria Crespi (1665-1747) Si , isang katutubo ng Bologna, ay nagsimula sa kanyang karera sa pagpipinta sa pamamagitan ng masigasig na pagkopya ng mga painting at fresco mga sikat na master, kasama ang kanyang mga kababayan na Carracci brothers. Nang maglaon, naglakbay siya sa hilagang Italya, nakilala ang gawain ng mga master ng High Renaissance, pangunahin ang Venetian (Titian at Veronese).

Sa simula ng ika-18 siglo. Si Crespi ay sikat na, lalo na, para sa kanyang mga imahe sa altar. Ngunit ang pangunahing gawain ng maagang panahon ng kanyang trabaho ay ang monumental na pagpipinta ng mga lampshades ng Palazzo Count Pepoli (1691-1692) sa Bologna, ang mga mythological character na kung saan (mga diyos, bayani, nymphs) sa kanyang interpretasyon ay mukhang lubhang makalupa, animated. at kapani-paniwala, sa kaibahan sa tradisyonal na abstract na mga larawan ng Baroque .

Nagtrabaho si Crespi sa iba't ibang genre. Nagpinta siya sa mga mitolohiko, relihiyoso at pang-araw-araw na paksa, lumikha ng mga portrait at still lifes, at nagdala ng bago at taos-pusong pananaw ng kontemporaryong mundo sa bawat isa sa mga tradisyonal na genre. Ang pangako ng artist sa kalikasan at isang tumpak na representasyon ng nakapaligid na katotohanan ay dumating sa hindi mapagkakasundo na pagkakasalungatan sa mga hulma na tradisyon ng Bolognese academicism, na sa oras na ito ay naging isang preno sa pag-unlad ng sining. Samakatuwid, ang patuloy na pakikibaka laban sa mga kumbensyon ng akademikong pagpipinta para sa tagumpay ng makatotohanang sining ay tumatakbo tulad ng isang pulang sinulid sa lahat ng kanyang gawain.

Noong unang bahagi ng 1700s. Lumipat si Crespi mula sa mga mitolohikong eksena patungo sa paglalarawan ng mga eksena mula sa buhay magsasaka, tinatrato muna ang mga ito sa diwa ng pastoralismo, at pagkatapos ay binibigyan sila ng lalong nakakumbinsi na katangian ng pang-araw-araw na pagpipinta. Isa sa mga una sa mga masters ng ika-18 siglo, sinimulan niyang ilarawan ang buhay ng mga ordinaryong tao - mga labandera, tagapaghugas ng pinggan, tagapagluto, pati na rin ang mga yugto mula sa buhay ng mga magsasaka.

Ang pagnanais na bigyan ang kanyang mga pagpipinta ng higit na pagiging tunay ay pumipilit sa kanya na bumaling sa "libing" na pamamaraan ng liwanag ng Caravaggio - matalas na pag-iilaw ng bahagi ng madilim na espasyo ng interior, salamat sa kung saan ang mga figure ay nakakuha ng plastic na kalinawan. Ang pagiging simple at katapatan ng salaysay ay kinukumpleto ng pagsasama ng mga katutubong bagay sa panloob na paglalarawan, na palaging pininturahan ni Crespi na may mahusay na artistikong kasanayan ("Scene in the Cellar"; "Peasant Family").

Ang pinakamataas na tagumpay ng pang-araw-araw na pagpipinta noong panahong iyon ay ang kanyang mga canvases na "Fair in Poggio a Caiano" (c. 1708) at "Fair" (c. 1709) na naglalarawan ng masikip na mga eksenang bayan.

Ipinakita nila ang interes ng artist sa mga graphic ni Jacques Callot, pati na rin ang kanyang malapit na kakilala sa gawain ng mga Dutch masters ng genre painting noong ika-17 siglo. Ngunit ang mga larawan ni Crespi ng mga magsasaka ay kulang sa kabalintunaan ni Callot, at hindi siya kasing dalubhasa sa pagkilala sa kapaligiran gaya ng ginawa ng mga pintor ng Dutch genre. Ang mga figure at bagay sa foreground ay iginuhit nang mas detalyado kaysa sa iba - ito ay nakapagpapaalaala sa istilo ni Magnasco. Gayunpaman, ang mga likha ng pintor ng Genoese, na isinagawa sa paraang bravura, ay laging naglalaman ng elemento ng pantasya. Nagsumikap si Crespi para sa isang detalyado at tumpak na kuwento tungkol sa isang makulay at masayang eksena. Sa pamamagitan ng malinaw na pamamahagi ng liwanag at anino, pinagkalooban niya ang kanyang mga figure na may mahalagang pagtitiyak, unti-unting nalampasan ang mga tradisyon ng genre ng pastoral.

Ang pinakamahalagang gawain ng mature master ay isang serye ng pitong mga kuwadro na "Pitong Sakramento" (1710s) - ang pinakamataas na tagumpay ng pagpipinta ng Baroque noong unang bahagi ng ika-18 siglo (idagdag., Fig. 4). Ang mga ito ay ganap na bagong mga gawa sa espiritu, na minarkahan ang pag-alis mula sa tradisyonal na abstract na interpretasyon ng mga eksena sa relihiyon.

Ang lahat ng mga painting ("Confession", "Baptism", "Marriage", "Communion", "Priesthood", "Confirmation", "Unction") ay pininturahan sa mainit na mapula-pula-kayumanggi na tonality ni Rembrandt. Ang paggamit ng malupit na pag-iilaw ay nagdaragdag ng isang tiyak na emosyonal na tala sa salaysay ng mga sakramento. Ang paleta ng kulay ng artist ay medyo monochrome, ngunit sa parehong oras ay nakakagulat na mayaman sa iba't ibang mga kulay at tints ng mga kulay, pinagsama ng isang malambot, kung minsan ay parang kumikinang mula sa loob ng chiaroscuro. Binibigyan nito ang lahat ng itinatanghal na mga yugto ng isang ugnayan ng mahiwagang pagpapalagayang-loob sa kung ano ang nangyayari at sa parehong oras ay binibigyang-diin ang plano ni Crespi, na nagsisikap na sabihin ang tungkol sa mga pinakamahalagang yugto ng pag-iral para sa bawat tao noong panahong iyon, na ipinakita sa anyo ng mga eksena. mula sa katotohanan, pagkuha ng katangian ng isang uri ng talinghaga. Bukod dito, ang kuwentong ito ay nakikilala hindi sa didactics na katangian ng Baroque, ngunit sa pamamagitan ng sekular na pagpapatibay.

Halos lahat ng isinulat ng master pagkatapos nito ay nagpapakita ng larawan ng unti-unting pagkupas ng kanyang talento. Parami nang parami, gumagamit siya ng mga pamilyar na cliches, compositional scheme, at academic poses sa kanyang mga painting, na dati niyang iniiwasan. Hindi nakakagulat na sa lalong madaling panahon pagkatapos ng kanyang kamatayan ang trabaho ni Crespi ay mabilis na nakalimutan.

Bilang isang maliwanag at orihinal na master, natuklasan lamang siya noong ikadalawampu siglo. Ngunit sa kalidad, lalim at emosyonal na kayamanan nito, ang pagpipinta ni Crespi, na kumukumpleto sa sining ng ika-17 siglo, sa pinakamahusay na mga pagpapakita nito ay pangalawa, marahil, lamang sa Caravaggio, kung saan nagsimula ang sining ng Italyano sa panahong ito nang napakatalino at makabago.