Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Sa Pransya at noong ikadalawampu siglo, ang mga sinehan ng libangan ay sumasakop sa unang lugar. Sa Paris ito ay mga teatro sa boulevard na nawala ang kanilang dating demokrasya. Ang kanilang mga may-ari ay hinabol ang mga layuning pangkomersiyo at binibilang sa isang burges na madla. Mayroon ding mga di-permanenteng tropa na nagtipun-tipon upang itanghal ang isang dula, at pagkatapos ay binuwag sa sandaling ang dula ay tumigil sa paggawa ng pera.

Kasabay nito, ang mga state stationary na sinehan ay may malaking papel sa buhay teatro ng France na may mataas na antas ng mga kasanayan sa pagdidirekta at pag-arte.

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, gaya ng nalalaman, nagsimula ang mga masining na pakikipagsapalaran sa Antoine Theater. At kahit na limitado ang mga ito sa theatrical aesthetics ng naturalism, sa kanyang teatro at sa Odeon theater, nang pinamunuan niya ito, lumitaw ang mga batang aktor na kalaunan ay nagbago sa French theater.

Ito ang una sa lahat Charles Dullen (1885-1949). Ang kanyang pinakamahusay na mga tungkulin ay Harpagon (“The Miser” ni Molière), Smerdyakov (“The Brothers Karamazov” ni Dostoevsky), Mercade (“The Businessman” ni Balzac).

Ngunit hindi nasisiyahan si Dullen sa pag-arte nang mag-isa. Nag-isip siya ng malawak na reporma ng sining sa teatro at noong 1921 ay nagbukas ng kanyang sariling Atelier theater, na umiral sa ilalim ng kanyang pamumuno hanggang 1940. Kasama sa repertoire sina Aristophanes, Moliere, Calderon, Shakespeare, Ben Jonson, at mga modernong may-akda - Pirandello at Salacru, atbp. Dullen sinubukang bumuo ng mga bagong paraan ng pagpapahayag sa entablado na sasalungat sa nakapirming klasikong istilo ng Comedy Francaise. Sa disenyo ng mga pagtatanghal, sa halip na ang tradisyonal na tanawin ng Comedy Francaise o ang photographically detalyadong naturalistic na tanawin ng Antoine, ipinakilala niya ang isang laconic na disenyo kung saan ang pangunahing papel ay ibinigay sa kulay at liwanag (ang liwanag ay maraming kulay at nagpapahayag); ang lahat ng ito ay lumikha ng tamang kapaligiran.

Hindi nag-iisa si Dullen sa kanyang masining na paghahanap. Noong 20-30s. sa Paris, ang mga direktor ng avant-garde ay nakikibahagi sa pag-renew ng sining ng teatro - Louis Jouvet (Athenaeum Theatre), Gaston Baty (Montparnasse Theater) at Georges At Lyudmila Pitoevy (Mathurin Theater). Ito ay iba't ibang mga direktor sa kanilang mga aesthetic na pananaw. Binigyang-pansin ni Bati ang pagiging sopistikado ng anyo ng pagganap. Interesado si Jouvet sa internal breakdown ng mga bayani. Ang mga Pitoev ay sumunod sa realismo sa kanilang repertoire at produksyon, na ipinakilala ang mga Parisian sa mga dula ni Chekhov. Mahirap para sa mga sinehan na ito na mamuhay sa pananalapi upang gawing mas madali ang kanilang pag-iral, nagkaisa sila noong 1926 upang bumuo ng "Cartel".

Noong 1936, ang "Cartel" ay inanyayahan sa akademikong teatro na "Comédie Française". Ngunit si Dullen lamang ang nakapagtanghal ng The Marriage of Figaro. Ang pagkakaiba sa masining na mga prinsipyo ng Cartel at Comédie Française ay masyadong naiiba, kaya't wala nang malikhaing gawain ang naganap.

Noong 1920, direktor Firmin Zhemier (1869-1933) isa pang teatro ng estado ang itinatag - ang National People's Theater (TNP). Sinasakop nito ang isang makabuluhang lugar sa buhay kultural ng France. Ito ang pangalawang teatro pagkatapos ng Comedy Française. Sinimulan ni F. Zhemier ang kanyang karera kasama si Antoine, na gumaganap ng mga papel na karakter. Noong 1911 inorganisa niya ang National Travelling Theater upang maglingkod sa masa. Ngunit ang teatro ay umiral lamang sa loob ng dalawang taon; Ngunit ang ideya ng isang teatro para sa masa ay natanto noong 1920 sa TNP Theater. Nakatanggap ang teatro na ito ng mga subsidyo ng estado at isang malaking lugar sa Palasyo ng Trocadero. Kasama sa repertoire ang mga monumental na produksyon ng mga klasiko ("Oedipus the King" na inayos ni de Buellier), mga orihinal na pagdiriwang na nagpatuloy sa mga tradisyon ng Great French Revolution at ng Paris Commune ("Marseillaise", "Apotheosis of the World", "Mga Awit ng ang Rebolusyon”, “Mabuhay ang Kalayaan!”) . Ito ay mga panoorin sa masa kung saan nakibahagi ang mga propesyonal na aktor at mga amateur na grupo. Pinamunuan ni Zhemier ang teatro hanggang sa katapusan ng kanyang buhay, na gumaganap bilang isang artista sa iba't ibang mga sinehan sa Paris. Noong 1926, pinasimulan niya ang organisasyon ng World Theatre Society, na dapat na magsulong ng cultural rapprochement sa pagitan ng mga bansa.

Pagkatapos ng kamatayan ni Zhemier, ang TNP ay pinamumunuan ng direktor na si Andre Lesueur, na nagdirekta nito noong 1937-1938. "Wolves" ni R. Rolland, "The Sheep Spring" ni Lope de Vega at "Mother" ni Gorky.

Ang bisperas ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig ay lubos na naramdaman ng mga artista sa lahat ng mga bansa sa Europa. Ang mga teatro na pakikipagsapalaran, sa isang paraan o iba pa, ay nagpapakita ng pagmamalasakit sa kapalaran ng mundo. Ang teatro at dula ay kailangang tumugon sa mga kasalukuyang kaganapan sa sosyo-pulitikal na buhay. Bumalik sa simula ng ikadalawampu siglo, sinabi ni Bernard Shaw na ang modernong drama ay isang drama ng mga ideya, drama-discussion, i.e. ang tinatawag nating intelektwal na drama.

Ang mga kakaiba ng intelektwal na drama ay na, bilang isang patakaran, walang mga panlabas na kaganapan na nagaganap dito. Lahat ng mga ito ay nagaganap sa labas ng entablado, at ang mga karakter sa entablado ay tinatalakay ang mga ito. Ang isang bayani sa isang matinding sitwasyon ng krisis ay dapat gumawa ng isang pagpipilian tungkol sa kung ano ang gagawin. Walang sapat na sikolohikal na bisa dito. Dito ang pagpili ay ideolohikal, intelektwal, at hindi sikolohikal.

Sa simula ng Pransesintelektwal na dramagastosJean Giraudoux(siya ay pinag-aralan sa Sorbonne at Cambridge). Siya ay isang pangunahing manunulat at manunulat ng dula. Sa unang bahagi ng kanyang trabaho, nanaig ang mga mood ng pagkabalisa at pagkalito. Naramdaman niya ang hindi pagkakasundo na naghahari sa mundo. Ang mga kaganapan sa Unang Digmaang Pandaigdig ay nagpasiya sa pagtanggi ni Giraudoux sa isang abstract-romantic na saloobin patungo sa katotohanan at ang kanyang pagbaling sa socio-historical at etikal na mga salungatan. Naakit niya ang isipan at damdamin ng mga tao. Marami sa kanyang mga dula ay nagkaroon ng kalunos-lunos na tono. Nagsusulat siya ng nobela"Siegfried",na kalaunan ay inangkop sa isang dula (1928). Sinasalamin nito ang pagtanggi sa nakaraang digmaan. Mayroon ding ideya tungkol sa pagkakaugnay at mutual na dignidad ng mga kulturang Pranses at Aleman. Ang unang play ni Giraudoux ay"drama ng mga ideya".Ang lahat ng mga panlabas na kaganapan ay naganap sa likod ng mga eksena. Isang tuluy-tuloy at maigting na talakayan ang bumungad sa harap ng madla, na hindi tumitigil kahit sa liriko na mga eksena. Nagkaroon ng espirituwal na pakikibaka - para kay Siegfried at Jacques, para sa isang tamang pag-unawa sa makasaysayang layunin ng mga Aleman, para sa kahulugan ng mismong konsepto ng "bansa". Totoo, hindi nagbigay ng pangwakas na sagot si Giraudoux sa alinman sa mga tanong na iniharap, ngunit nanawagan siya para sa isang pag-unawa sa katotohanan, ginising ang civic conscience, at nanawagan para sa pagsusuri ng mga aksyon mula sa posisyon ng mataas na moral na mga kinakailangan.

Noong 1935, lumitaw ang isang drama-pamplet"Walang Trojan War"na kung saan ang foreboding ng paparating na Ikalawang Digmaang Pandaigdig ay nakakaalarma. Dito niya ginamit ang balangkas ng Iliad ni Homer. Ang dula ay itinanghal ng direktorLouis Jouvet . Ang mga sinaunang kwentong mitolohiya ay ginagamit bilang isang alegorikal na anyo ng muling paglikha ng isang modernong salungatan.

Tinatalakay ng dula ang suliranin ng kalagayang moral ng tao: ang kalunos-lunos na pagmuni-muni kay Hector (alam natin kung paano natapos ang digmaang ito); isang nakakatawang pagmuni-muni sa mga matatandang uhaw sa digmaan. Ang pagkauhaw sa digmaan ay ang pagkauhaw sa kamatayan. Umaasa si Hector na may lalabas na Abogado na siyang hahatol sa hindi pagkakaunawaan (ang salungatan sa pagitan ng nakasulat at hindi nakasulat na batas). Lumilitaw ang Abogado (isang uri ng alegorya). Sinasabi niya na ang digmaan ay hindi maiiwasan. Ngunit nag-aalok sa kanya si Hector ng bayad, at siya, na may parehong mga argumento, ay nagpapatunay na dapat ibalik si Elena nang walang aksyong militar. Lumilitaw si Ulysses. Si Hector ay nagsasalita sa ngalan ng batang ama, batang ina, sa ngalan ng ibang tao, ang kanyang posisyon ay laban sa digmaan. At si Ulysses ay nagsasalita sa ngalan ng mga taong may karanasan. Ang mga argumento ng katwiran at ang mga argumento ng karanasan ay hindi nagtutugma. Ngunit ang tao ay may kapangyarihan sa buhay. Naiintindihan ito ni Ulysses, at pinipigilan siya nitong magtiwala kay Hector. Ang mga argumento ni Hector ay tumitimbang sa timbangan ng hustisya. At puro pagkakataon ang nagsisimula ng digmaan.

At ibinibigay ni Elena ang kanyang pagmamahal kay Minelaus, pagkatapos ay sa Paris, pagkatapos ay sa nakababatang kapatid na lalaki ni Paris. Worth it bang magsimula ng digmaan para sa kanya?

Ipinahahayag ng manunulat ng dula ang kanyang pagkasuklam sa mga batayang hilig, para sa mga bisyo ng indibidwalistikong tao, para sa moralidad at pilosopiya ng "mga kapangyarihan ng mundong ito."

Ang isang bagong salungatan ay pinagtibay ni Giraudoux - sa pagitan ng indibidwal at intelektwal na kalooban ng isang tao at buhay, mundo, at kapalaran.

Ang salungatan na ito ay kalunos-lunos at hindi maaaring pagtagumpayan, i.e. ito ay nakamamatay: ang kapalaran ay paunang natukoy.

Ang dulang ito ay nagsilang ng isang buong kilusan. Ngunit hindi pa rin humuhupa ang kontrobersiya tungkol dito. Sa French drama noong 30s, mahirap makahanap ng dula na iba ang kanilang isusulat at pag-uusapan. Inakusahan ng ilan si Giroda na walang pag-asa at pinag-uusapan ang digmaan bilang isang makasaysayang pagkamatay. Ang iba, sa kabaligtaran, ay kumbinsido na walang fatalismo sa dula, na ang mga digmaan ay nagsisimula hindi dahil ang walang talo na kapalaran ang namamahala sa mundo, ngunit dahil ang digmaan ay kapaki-pakinabang sa isang tao. Inaakusahan ng iba si Giroda ng pagsunod sa pamumuno ng burgesya, na nagdedeklara ng digmaan na hindi maiiwasan. At sa wakas, mayroong isang opinyon tungkol sa dula bilang isang obra maestra na nagmamarka ng isang uri ng "politikal na teatro" na nananawagan ng paglaban.

Nagbago ang panahon - nagbago ang mga pananaw. Ngunit ang polarity ng mga pagtatasa ay sanhi din ng mga panloob na kontradiksyon ng dula. Ang digmaan ay papalapit na, at naiintindihan ito ni Giraudoux nang mas mahusay kaysa sa sinuman, na nagpapakita ng mga tiyak na dahilan - nasyonalismo, ang mandaragit na pagnanais para sa mga seizure at pandarambong, militarismo na lumalason sa kamalayan ng mga tao, ang katangahan ng mga pinuno, ang kanilang mga mapanlinlang na patakaran, na kadalasang binubuo ng mga provokasyon.

Ang pagtatanghal ay isang paghihimagsik laban sa duwag at alipin na naninirahan sa tao, laban sa kapangyarihan ng mga likas na hilig ng hayop, laban sa kapangyarihan ng nakamamatay at hindi maintindihan, na lumalapit na parang hindi maiiwasan.

Oo, si Hector ay napapaligiran ng mga bulag, mga taong makasarili, mga demagogue, at mahirap para sa kanya na lumaban sa kanila. Ngunit nalampasan niya ang karamihan sa mga hadlang: Si Elena, na ang kagandahan ay ang pang-akit ng mga mapaminsalang instinct na humahantong sa digmaan, sa kabila ng lahat ng kanyang kawalang-interes, ay sumang-ayon na bumalik sa Greece. Ang pagiging makasarili at kawalang-interes ng Paris at ang palaban ni Haring Priam ay yumuko sa patuloy na kalooban ng kanilang nakatatandang kapatid na lalaki at anak. Kahit na ang lasing na katangahan ng Greek envoy na si Ajax ay hindi makalaban sa kagandahan at pagkakawanggawa ni Hector. Nagagawa niyang pigilan ang provokasyon ng "diplomatic consultant" na si Busiris (bawat isa sa mga pangungusap ay tumutunog sa paksa at pinatunayan na hindi ang mga Diyos ang nagsisimula ng mga digmaan, ngunit ang mga naghaharing bilog na may kawalang-interes at kawalan ng pang-unawa ng mga tao).

Ang eksena ng pakikipagkita ni Hector sa embahador ng Greece na si Ulysses ay umabot sa trahedya na kapangyarihan. Nang hindi tumitingin, nakatingin sila sa isa't isa. Si Ulysses ay isang makaranasang politiko, alam ang sakim na pagnanasa ng kanyang estado, na nauunawaan na halos imposibleng maiwasan ang digmaan, siya ang pinakamatalino at pinaka tuso sa mga Griyego; at Hector – bata pa, walang karanasan sa diplomasya, madamdamin, aktibo, matapang. Alam nila na ang kanilang bawat salita ay tumitimbang sa timbangan ng kasaysayan, na ang mga utos ng mga diyos ay huwad na satsat, isang imbensyon ng mga nagnanais na samantalahin ito. Nakatayo sila sa likuran ng mabibigat, sarado pa rin na "mga pintuan ng digmaan" at alam na ang kaunting kapabayaan, anumang di-sinasadyang pagpukaw ay hahantong sa pagdanak ng dugo, sa isang masaker. Ang eksenang ito ang naging kulminasyon ng pagtatanghal.

Gayunpaman, ang lahat ng pagsisikap nina Hector at Ulysses ay walang kabuluhan. Sa huling sandali, ang namamatay na Demokos, na tinusok ng sibat ni Hector, ay namamahala upang pukawin ang pagpatay kay Ajax. Ngayon ang digmaan ay hindi maiiwasan. "Ang makata ng Trojan ay patay na... Ang salita ay hanggang sa makatang Griyego" - ang dula ay nagtatapos sa hindi mapakali na hula ni Cassandra, na naglalarawan sa pagkawasak ng Troy.

Ang dulang ito ay itinanghal na kakaiba: isang walang laman na entablado, pilak sa likod ng entablado, isang tarangkahan lamang sa gitna ng entablado (ang tarangkahan ng digmaan). Ang lahat ng mga bayani ay nakasuot ng iba't ibang kasuotan: Hector at Andromache - mga antigong kasuotan, Hecuba - sa isang ika-18 siglo na kasuutan, Ulysses - sa isang tailcoat, ang Abogado - sa isang modernong kasuutan. (Naka-istilo ang mga costume noong panahon, maliban sa mga tailcoat at moderno). Eclecticism hindi lamang sa mga costume, kundi pati na rin sa dekorasyon. Para saan? Ang punto ay ang mga problemang tinalakay sa dula ay tipikal sa anumang oras, sa anumang panahon. Ang buhay ng tao ay itinakda ng tadhana. Gayunpaman, hindi ginawa ni Louis Jouvet ang dula bilang isang trahedya ng nakamamatay na kamatayan. Ang buong harmonic na istraktura ng pagtatanghal, ang kahanga-hangang acting ensemble, na ipinanganak ng espirituwal na komunidad ng mga kalahok nito, ay nilabanan ang mapanirang ideya ng isang hindi maiiwasang digmaan.

Louis Jouvet, na nagtanghal ng pagtatanghal na ito (at siya mismo ang gumanap bilang Hector dito), binibigyang-kahulugan ang intelektwal na dramang ito bilang isang drama sa lahat ng panahon, ng lahat ng mga tao.

Ang intelektwal na tradisyon sa drama ay itinatag.

Sartre, Camus, Anouilh - ito rin ay mga intelektwal na phenomena sa teatro.

Jean-Paul Sartre sumailalim sa isang ebolusyon mula sa isang kalahok sa French Resistance tungo sa isang ultra-kaliwang kilusan na sumuporta sa Maoismo.

Nagsimula siya bilang isang existentialist noong mga taon ng Resistance.

Eksistensyalismo – pilosopikal na direksyon, ang pinakasikat sa Kanluran (mga pilosopo na sina Martin Heidegger, Karl Jaspers). Sa mga manunulat ay ibinahagi ito, bukod kay Sartre, nina Hemingway, Camus, at Anouilh.

Pag-iral – pag-iral. Sinasabi ng eksistensyalismo na mayroong komprehensibong pag-unawa sa tao, personalidad, at sa mundong ginagalawan ng tao. Ang isang tao ay itinapon sa mundong ito, pinilit na umiral dito. Ang sentral na kababalaghan ay ang pagkakaroon (existence) - ang tanging parameter. Ang pag-iral ay ang unang bagay na ibinigay sa tao. At ang pangalawa ay mga batas, mga kakanyahan.

Ang tao ay isang trahedya na nilalang: siya ay pinagkalooban ng katwiran at alam ang tungkol sa katapusan ng kanyang pag-iral. At ang pag-iral ay walang katotohanan: bakit umiiral kung ang isang tao ay kailangan pang mamatay. Ito ang kalunos-lunos na kalungkutan ng tao. Ang isang tao ay ipinanganak upang magdusa (siya ay ipinanganak na sumisigaw, siya ay lumalaban sa kanyang pag-iral - ito ang sinasabi ni N. Berdyaev).

Ang kakanyahan ng pagkakaroon ng lipunan, ang kakanyahan ng buhay ay ang isang tao ay hindi nais na harapin ang katotohanan, i.e. ng kamatayan. Iniuunat niya ang kanyang pag-iral, at kung siya ay tumakas mula dito, pagkatapos ay tumakas siya sa kanyang pagkatao. At hindi ito totoong buhay. Ang takot, pag-aalala, pagkabalisa ng isang tao ay impormasyon tungkol sa kanyang paa. At ang tunay na tao na iyon ay ang hindi natatakot na sumabak sa trahedyang ito. (Ito ay makikita sa anumang gawa ng sining).

Sa Sartre, ang eksistensiyalistang pananaw sa mundo ay ipinahayag sa kontekstong moral. Ang kanyang artikulong "Being and Non-Existence" (1942) ay tumutukoy sa kanyang saloobin sa problema ng pagkakaroon (existence:

Ang isang tao na nahahanap ang kanyang sarili sa isang partikular na sitwasyon ay dapat gumawa ng isang pagpipilian, kahit na ito ay mapanganib para sa kanyang sarili. Ang kadakilaan ng isang tao ay kung siya ay gagawa ng isang pagpipilian alinsunod sa kanyang sariling kakanyahan; at kadalasan ay kailangang gumawa ng pagpili sa kabila ng sitwasyon (ito ay partikular na may kaugnayan at taas ng moral sa mga taon ng pananakop sa France).

Sa kanyang mga dula siya naglalarawan probisyon mula sa kanyang pilosopiya.

Maglaro"langaw"(1943), itinuroCharles Dullensa Sarah Bernhardt Theater sa inookupahang Paris, batay din sa isang sinaunang plot.

(Sa pamamagitan ng paraan, hiniling ng mga awtoridad sa pananakop na palitan ang pangalan ng teatro na ito, sumang-ayon dito si Charles Dullen: ang teatro ay tinawag na City Theater sa loob ng ilang panahon. Ngunit sa mismong teatro, ang lahat ng konektado sa pangalan ni Sarah Bernhardt ay sagradong iginagalang: Nakolekta ni Dullen ang lahat ng mga costume, lahat ng mga bagay na may ilang uri ng o ang kaugnayan kay Sarah Bernhardt, sa kanyang dating dressing room sa teatro - ito ay naging isang uri ng alaala.)

Dumating si Orestes sa Argos, kung saan naghahari ang paniniil at usurpation, upang palayain si Argos mula sa Clytemnestra, mula sa usurpation, mula sa mga langaw. Ang Orestes ay kahawig ng isang bayani ng Paglaban. Naiintindihan niya na dapat niyang iligtas ang kanyang bayan. Pero paano? (Ayon sa mitolohiya, dapat niyang palayain si Argos, sa gayon ay ginagampanan ang kanyang tungkulin. Ngunit ang paraan para dito ay pagpatay, ibig sabihin, katulad ng sa mga langaw at kay Clytemnestra). Ngunit nagdududa si Orestes kung may karapatan ba siyang pumatay, sa karahasan. Ngunit wala siyang ibang paraan, at napilitan siyang humawak ng espada. Ngunit ngayon ay taglay na niya ang marka ng isang rapist. Kaya naman, iniwan niya si Argos na may mabigat na pakiramdam.

Ang parehong mga tanong ay pinagtatalunan sa pampublikong buhay ng Pransya: "Posible ba ang karahasan?" Maraming nagsalita para sa katahimikan, para sa hindi pagtutol, upang hindi maging katulad ng mga Aleman sa anumang paraan. Dito pinaniniwalaan na magsisinungaling ang kadakilaan ng France.

Iba ang tanong ni Sartre: kailangang humawak ng armas, bagama't masakit ito para sa budhi, ibig sabihin, kailangan ang paglaban sa kaaway.

Nilulutas ni Sartre ang mga intelektwal na problema. Walang sapat na sikolohikal na bisa dito. Dito ang pagpili ay ideolohikal, intelektwal, at hindi sikolohikal.

Ang "langaw" ay isa sa mga unang manifesto ng eksistensyal na kalayaan, na nauunawaan bilang isang pagpapatibay ng karapatan ng indibidwal na malayang pumili ng kanilang landas sa buhay.

Hiwalay sa pangkalahatang buhay ng tao, ang isang tao ay maaaring pumili ng landas patungo sa kabutihan, o maaari niyang piliin ang landas ng kasamaan. Sa pormal at abstract na pormulasyon na ito ng tanong, ang humanistic na esensya ng tungkulin ay hindi tinukoy at ang panlipunang aktibidad ng indibidwal ay hindi ibinigay para sa. Ngunit hindi siya nagtanong sa ganitong paraan.

Nabigo si Orestes na "baligtarin ang lahat sa Argos." Pinalaya niya ang mga Argives mula sa malupit, ngunit hindi niya ginising ang kanilang mga kaluluwa. Nanatili silang isang bulag, duwag na pulutong, na handang batuhin ang kanilang tagapagligtas. Si Electra ay umatras din mula sa Orestes, na namuhay sa loob ng maraming taon na may mga pangarap ng paghihiganti at mortal na natatakot sa responsibilidad kapag ang paghihiganti ay nagawa. Si Sartre ay hindi nabubuhay: mahirap ipaliwanag kung bakit ang mga Langaw - Erinyes, ang mga lingkod ni Jupiter, na nagpahirap sa mga Argives, pinahirapan ng takot at pagsisisi, lumipad sa ulap pagkatapos ni Orestes, na hindi nakakaalam ng takot, kumbinsido sa katuwiran ng kanyang pagkilos.

Ngunit si Dullen ay hindi hilig sa abstract theorizing. Nakita niya sa dula ang pinakamalaking problema sa moral ng ating panahon. May iba rin siyang naintindihan - ang kalabuan ng kahulugan ay magliligtas sa seditious na dula, ay maiiwasan ang mga hinala ng mga mananakop mula dito - hayaan, sabi nila, ang mga Pranses ay magsaya sa mga pilosopiko na abstraction. Umaasa si Dullen na mas mauunawaan ng mga Pranses ang mga metapora ni Sartre kaysa sa mga pasistang awtoridad. Mahirap bang kilalanin ang iyong ipinako sa krus sa Argos na ito, na nabaon sa putik, kung saan umaaligid ang mga pulutong ng matabang langaw? Hindi ba't pinahirapan ang mga Pranses sa pag-iisip na sila, na pinahintulutan ang pagkakanulo sa pamamagitan ng kanilang kawalang-ingat at kawalang-interes, ay talagang kasangkot sa krimen? Ang pagganap ni Dullen ay umaakit sa budhi, katwiran, at pakiramdam ng moral na pananagutan ng mga manonood.

Gumawa si Dullen ng isang kakaibang pagganap upang malito ang mga awtoridad sa trabaho, at malinaw na malinaw para sa madla. Ilang sloping machine ang inilagay sa malaking entablado ng Sarah Bernhardt Theater, na naging posible upang makabuo ng dynamic at iba't ibang mise-en-scenes, na nagbibigay sa pagganap ng isang epic na lawak. Ang walang hugis na estatwa ni Jupiter, ang mga pangit na maskara ng mga Argives na may malalaking, namamaga na mga ulo at ang walang humpay, masakit, paulit-ulit na paghiging ng mga langaw ay lumikha ng isang madilim, nagbabala na kapaligiran ng isang lungsod na nalubog sa kakila-kilabot na kasawian.

Sa buong takbo ng aksyon, kumbinsido si Dullen na ang "order" ng mga alipin - Aegisthus at Jupiter - ay isang napakagandang blackmail.

At gaano man ka abstract ang eksistensyalistang argumentasyon ni Sartre, ang pangunahing moral na aral ng dula ay nasa mga salita ni Orestes, na sinalita bago ang pagpatay kay Aegisthus:“Ang hustisya ay bagay para sa mga tao, at hindi ko kailangan ng mga Diyos na malaman kung ano ito. Tamang durugin ka, hamak na hamak, tama na ibagsak ang iyong kapangyarihan sa mga naninirahan sa Argos, tama na ibalik ang kanilang pagpapahalaga sa sarili."

Gaano man kalilimuot ang labirint ng pilosopikong pag-iisip ni Sartre, sinabi ng kanyang dula: ang mga tao ay naging alipin dahil hinayaan nilang takutin, yumukod sa karahasan. Dapat tayong kumilos, lumaban, lumaban. Noong 1943, ang paglalaro ni Sartre ay nakita bilang manifesto ng Resistance. Ginampanan ni Dullen si Jupiter: ang pagsira sa diyos ay lantarang anti-pasista sa kanyang interpretasyon. Ang katawa-tawa ni Dullen ay katulad ng The Dictator ni Chaplin. Ang tagumpay ng "Flies" ay halos hindi kapani-paniwala para sa isang lungsod na nakuha ng mga kaaway. Bilang karagdagan sa kanyang pinakadakilang panlipunang misyon, natuklasan ni Dullen ang isa sa mga pinakadakilang manunulat ng dula sa ating panahon.

Albert Camus nagsimula ang kanyang mga aktibidad noong 1937, ay kilala bilang isang miyembro ng Resistance, bukod pa rito, isa sa mga pinuno ng Resistance. Siya ay isang Nobel laureate. Namatay sa isang aksidente sa sasakyan noong 1959.

Ang kanyang mga dula ay kadalasang batay sa isang balangkas ng Russia. Ang kanyang idolo ay si Dostoevsky. Isinadula niya ang nobelang "Mga Demonyo". Noong dekada 70, ang pagtatanghal na ito ay itinanghal sa Poland, sa direksyon ni Andrzej Wajda. Marami siyang dula sa tema ng mga populist, ngunit hindi pa ito naisalin sa Russian.

Noong mga taon ng digmaan, lumitaw ang kanyang dula na "Caligula". Antique na kwento. Sa gitna ay ang imahe ng Romanong diktador at ang kanyang panloob na pagbagsak: natunton kung paano napupunta ang isang tao patungo sa paniniil at kung paano siya nabigo.

Maglaroayitinanghal noong 1952 sa TNP theater kasama si Gerard Philip sa pamagat na papel. Ang ideya ay ipinahayag dito: ang mga tao ay nagnanais ng isang diyus-diyosan, at tinanggap nila ito. Ibig sabihin, ito ay hindi lamang tungkol sa malupit mismo, kundi pati na rin sa kanyang kapaligiran .

Sa pamamagitan ng pagsakop sa karamihan, nawala mo ang iyong pagkatao. Ang Polish na direktor na si Akser ay nagtanghal ng dulang ito sa Warsaw sa Sovremennik Theater kasama si Tadeusz Lomnicki.(At sa Leningrad sa Bolshoi Drama Theater, sa parehong diwa, itinanghal niya ang "The Career of Arturo Ui" ni Brecht kasama si E.A. Lebedev. Totoo, mayroong bahagyang magkakaibang mga punto dito: Si Arturo ay hinihimok sa kapangyarihan sa pamamagitan ng napakalaking ambisyon.) Iba ang kaso ni Lomnitsky: natatakot siya sa kapangyarihang ito, ngunit itinutulak siya sa kapangyarihan. At lalong lumalala ang lahat. Lumalabas na hindi ito tungkol sa tao mismo, ngunit tungkol sa sitwasyon.

Sa Camus, si Caligula ay hindi nagsusumikap para sa kapangyarihan, ngunit ang sitwasyon ay nagtutulak sa kanya sa tuktok ng paniniil. Idinidikta ng katotohanan ang balangkas na ito: hinirang ng mga Aleman ang isang malupit. At sinisira ng kapangyarihan ng kapangyarihan ang taong nagtataglay nito. Konklusyon: hindi ang indibidwal ang dapat sisihin, kundi ang kanyang kapaligiran.

Ang iba pang mga dula ni Camus ay tuklasin ang parehong isyu; halimbawa: may karapatan ba sa armas ang mga populistang rebolusyonaryo. Mula sa pananaw ng rebolusyon, ang landas na ito ay hindi maiiwasan, ngunit sa moral na pananaw, ang landas na ito ay hindi makatao at humahantong sa paniniil.

Sa treatise "Galit na Lalaki" pinagtitibay niya ang marami sa mga prinsipyo ng absurdismo: ang mundo ay walang katotohanan, imposibleng malaman ang mga batas nito, at ang mga aksyon ng tao na naglalayong radikal na baguhin ang mundong ito ay walang kabuluhan. Ang isang tao ay maaari lamang magalit sa mga pribadong isyu.

Ang gawaing ito ay naglalaman din ng pagpuna sa USSR. Sa kanyang iba pang mga pag-play ang mga kaisipang ito ay ipinahayag sa isang paraan o iba pa.

Inihambing ng mga intelektwalista ang pasistang isterismo at ang malawakang panloloko ng milyun-milyong ordinaryong tao na may kapangyarihan ng isip ng tao at ang halaga ng malayang indibidwalidad ng tao. Ang partikular na talamak sa kanilang mga dula ay ang problema ng relasyon sa pagitan ng indibidwal na pinalaya sa pamamagitan ng kabayanihan na pagkilos at ang hindi gumagalaw na pulutong ng mga ordinaryong tao, na mas gusto ang komportable at nakagawiang pagsunod kaysa paniniil kaysa kalayaan.

Isinasaalang-alang ng mga manunulat ng dula ang problema ng personal na kalayaan sa dalawang aspeto:

1) sa konkretong pampulitika (ang paglaban sa pasismo, reaksyon para sa pagpapalaya at humanismo); tinutukoy ng aspetong ito ang lakas ng mga intelektwal na manunulat ng dula;

2) sa abstract at walang tiyak na oras (pagpipilit sa walang hanggang paghaharap sa pagitan ng malayang bayani at ng passive mass); ito ay nagpapahiwatig ng kakitiran ng kanilang mga sosyolohikal na konsepto.

Sa mga playwright ng pangalawang direksyon, namumukod-tangi ang pagkamalikhainZhana Anouya.

Jean Anouilh(ipinanganak noong 1910) nagsimula ang kanyang mga aktibidad sa mga taon bago ang digmaan, ang kanyang trabaho ay nabuksan sa mga taon ng digmaan. Tinawag niya ang kanyang mga trahedya na gawa na "Black Plays" (1942) at "New Black Plays" (1947). Kabilang dito ang "Antigone", "Medea", "Romeo at Jeanette", atbp. Sa mga dulang "itim", ipinapahayag ni Anouilh ang pang-unawa sa buhay bilang walang pag-asa na kadiliman at kawalan ng pag-asa.

"Antigone" (1942) – muling iniisip ang sinaunang trahedya ni Sophocles. Habang pinapanatili ang sinaunang plot, binago ng Anouilh ang mga katangian ng mga bayani, pangunahin ang Creon at Antigone. Ang Anouilh's Creon ay isang liberal at mapagkunwari na pinuno na nagbibigay-katwiran sa medyo nakakumbinsi na modernong paniniil. Ang liriko na karakter ni Antigone ay pinagsama sa hindi matibay na kalooban ng isang manlalaban. Ipinagtatanggol ni Antigone ang kanyang mga likas na pangangailangan. Ang gawaing ito (paglilibing sa kanyang kapatid) ay hindi kailangan ng sinuman, ngunit sa pamamagitan ng kanyang sarili.

Ang dula ay itinanghal sa Paris sa Atelier Theater ni Andre Barsac, kung saan si Suzanne Flon ang gumaganap bilang Antigone. Ang mismong katotohanan ng produksyon sa sinakop na Paris noong 1942 ay isang gawa ng pinakamataas na katapangan. Ang pagtatanghal ay nanawagan ng paglaban sa mga mananakop.

Bilang karagdagan sa mga "itim" na dula, lumikha si Anouilh ng isang cycle ng "pink" na mga dula, na nakikilala sa pamamagitan ng isang mas magaan na pang-unawa sa mundo Kabilang sa mga ito ang "Thieves' Ball" (1932), "Invitation to the Castle" (1947), "Rendezvous in Senlis" (1941). Ang mga sitwasyon ng anti-burges na "pink" na mga komedya ay higit na inuulit ang mga banggaan ng "itim" na mga drama - hindi kapani-paniwalang masasayang pagtatapos ay hindi maaaring matakpan ang malupit na katotohanan ng katotohanan.

Itinatampok sa mga unang dula ang tema ng hindi malulutas na kalungkutan at pesimismo ng tao. Tila pinapaboran ng mga pangyayari ang kaligayahan ng mga bayani, ngunit kusang-loob nilang tinalikuran ito ("Noong unang panahon ay may isang convict," "Savage," "Eurydice").

"Lark"(1953) ay itinuturing na pinakamahusay na dula ni Anouilh at kasabay nito ay isa sa mga natatanging likha ng modernong European drama. Ito ay isang dula tungkol sa pambansang Pranses na pangunahing tauhang si Joan of Arc. Itinanghal ang dula"Old Dovecote Theatre" pinagbibidahan ni Suzanne Flon. Ang mga dulang ito ay may katulad na mga pangunahing ideya: ginagawa ito ng isang tao hindi dahil sa kanyang katwiran, ngunit dahil sa kanyang likas, moral na kakanyahan.

Ang pangunahing tauhang babae ay hindi naglalagay ng mga hinihingi ng katwiran, ngunit ito ang tinig ng kanyang kaluluwa. Hindi niya maiwasang gawin ito, dahil ipagkakanulo niya ang kanyang kalikasan.

Ang tema ng natural na kagandahan at ang tema ng buhay na binuo sa mga prinsipyo ng katwiran kaibahan sa bawat isa. Anuy - para sa isang natural na kahanga-hangang pakiramdam, at hindi para sa isang makatwirang prinsipyo na nagdidikta ng masasamang aksyon.

Intelektwal na teatrosa France ay nagkaroon ng iba't ibang hugis. Hindi lang nito dramaturgy characterized sa kanya, ngunit din kanilang mga diskarte sa pagtatanghal.

Palaging sikat ang France sa malaking bilang ng mga sinehan. Ngunit sa kalagitnaan ng ikadalawampu siglo, isang malaking bilang ng mga maliliit na sinehan ang lumitaw: sa Paris mayroong 64 sa kanila, hindi binibilang ang mga cabarets at restaurant) na may 200-300 na upuan. Isang theater TopO w – 72 upuan (pocket theater).

Ang mga teatro na ito ay itinatag ang kanilang mga sarili sa panahonteatro ng walang katotohanan(50s) .

Nagsimula sa dula ang teatro ng walang katotohananEugene Ionesco "Ang Kalbong Mang-aawit"

Kaagad at tiyak na tinanggihan namin ang teatro ng walang katotohanan at ang dramaturhiya ng walang katotohanan. Siyempre, hindi matatanggap ang pilosopiya ng kalokohan (life is meaninglessness). Ngunit mayroong maraming sa teatro ng walang katotohanan na dapat pag-aralan. Halimbawa, ang pagpapakita ng kahangalan ng burges na buhay. Ang kritikal na pathos na ito ay halatang interes.

Ang Theater of the Absurd ay isinilang bilang parody ng intelektwal na drama.

"Rhino" Ionesco – protesta laban sa pasistang prinsipyo.

Sa mga dula ng teatro ng walang katotohanan mayroong isang sorpresa ng dramatikong lohika at isang sorpresa ng poetics.

"Ang Delirium ng Dalawa" Ionesco– mayroong isang makatotohanan, maging naturalistikong tagpuan dito (at hindi “lahat ng bagay ay may kondisyon,” gaya ng nakasanayan natin na madama ang walang katotohanan). Ang isa pang bagay ay mahalaga: kondisyonal na sitwasyon sa isang walang kondisyong sitwasyon.

Sinabi niya sa kanya na ang isang suso ay hindi katulad ng isang pagong. Inaangkin niya ang kabaligtaran. At ang bawat isa ay sinisisi ang isa't isa dahil sa mahilig makipagtalo. At lumalabas na ang kanilang buong buhay ay ginugol sa walang laman, hindi kinakailangang mga pagtatalo. Ang plaster ay nahuhulog at ang isang piraso ng kisame ay nahulog. Nagtago sila sa ilalim ng kama, ngunit patuloy na nagtatalo. At isang hindi talaga walang katotohanan na ideya ang lumitaw: ang mundo ay gumuguho, at sila ay abala sa isang hindi gaanong pagtatalo.

"Bagong Nangungupahan" Ionesco. Isang ganap na walang laman na silid na may bintana at pinto. Isang bagong nangungupahan ang dinala dito. Inihahatid ng concierge ang kanyang monologo (isang prangka na nakakatawang eksena). Hinihikayat niya itong tanggapin ang kanyang mga serbisyo, ngunit tumanggi siya. Pagkatapos ay taimtim na pumasok ang loader at ibinalita na dumating na ang mga bagay. Pumasok ang pangalawang loader na may dalang tisa at gumuhit ng bilog sa sahig. Ang isang upuan ay inilalagay sa isang bilog, at si Monsieur ay nakaupo dito. Pagkatapos ay nagsimula silang magdala ng mga kasangkapan, na pinipilit ang buong silid na dinala sa kisame. Pagkatapos ay lumitaw ang isang loader na may dalang bulaklak at nagtanong, "Iyan na lang ba?" Sumagot si Monsieur: "Iyan na ngayon." Inihagis niya ang bulaklak sa direksyon kung saan nalunod si Monsieur sa dagat ng mga bagay. Ang natitira ay ang kanyang sumbrero, na inilalagay at iniiwan ng loader. Ang ideya ay ang mga bagay ay dumurog sa isang tao, siya ay namamatay sa mundong ito ng mga bagay.

Para sa kasaysayan ng French opera, ang kalagitnaan ng ika-19 na siglo ay naging isang punto ng pagbabago, isang panahon ng mga pagbabago sa mga direksyon, estilo, at isang panahon ng reorientation ng genre. Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang genre ng "grand opera" ay nangingibabaw dito, na nauugnay sa estilo ng mga nobela ni V. Hugo, kasama ang dramaturgy ng E. Scribe, na kinakatawan ng gawa ni J. Meyerbeer. Ang mga plot na katangian ng "grand opera" ay unti-unting nawawalan ng kaugnayan at nagsimulang maisip bilang stilted. Ang isang bago ay ipinanganak sa France paaralang pampanitikan, ito ay tinatawag na "school of nervous sensitivity" - ito ang mga gawa ni A. Dumas na anak ("Lady with Camellias", "Dame of the Demi-monde", "Diane de Liz"), ang Goncourt brothers (" René Mauprin"), A. Daudet ("Sappho "). Sa mga akdang ito, ang lahat ng atensyon ng mga may-akda ay nakatuon sa pagpapakita ng panloob na mundo ng mga bayani. At kadalasan - mga pangunahing tauhang babae, kababaihan, madalas - kinakabahan, maimpluwensyahan, marupok, mapusok na kababaihan. Ang isang tipikal na imahe ay isang "nagsisisi na makasalanan", isang ginang ng demimonde, nangangarap ng kaligayahan, ngunit pinilit na talikuran ang kanyang mga pangarap at pagmamahal. Kaya, pagkatapos ng mga monumental na makasaysayang drama ng Hugo, ang love-lyrical na drama at melodrama ay naging isang bagong sentro ng atraksyon para sa French theater.

Sa panitikan na batayan na ito, isang bagong genre ang lumitaw sa French musical theater - lyric opera (tandaan na ang opera na "La Traviata" ni G. Verdi ay naging isang uri ng pag-asa sa genre na ito). Nagbago siya, ngunit hindi inalis ang genre ng "grand opera". Parehong sina Gounod at Bizet (ang pinakamalaking Pranses na kompositor ng opera noong ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo) ay bumaling din sa genre ng grand opera, ngunit ito ay isang pagkilala sa nakaraan. At uso sa bagong panahon ang lyric opera. Ang Grand Opera theater mismo ay nakita sa mga taong ito bilang isang balwarte ng gawain. Lahat ng bago ay nangyari sa Opera Theater, na umiral sa Paris mula 1851 hanggang 1870.

Ang unang nakumpletong halimbawa ng lyric opera ay itinuturing na opera ni Charles Gounod na Faust (1859). Si Gounod ang nakagawa ng bagong istilo ng opera at ito ang makasaysayang kahalagahan ng kanyang trabaho. Siya ang may-akda ng 12 opera, iba ang genre. Ito ang comic opera na "The Reluctant Doctor" (1858), at ang opera sa istilong Meyerbeer na "The Queen of Sheba" (1862). Ngunit ang pinakamahusay ay ang mga gawa na kabilang sa lyrical genre: "Faust" (1859), "Mireille" (1864) at "Romeo and Juliet" (1867). Dagdag pa, si Thomas (Mignon, 1866, Hamlet, 1868), J. Bizet (The Pearl Fishers, 1863, The Beauty of Perth, 1867), Delibes (Lakmé, 1883) ay bumaling sa genre ng lyrical opera. Ang huling kapansin-pansing mga halimbawa ng genre na ito ay ang mga gawa ni Jules Massenet, pagkatapos ng Bizet, ang pinakakilalang kompositor ng opera sa France noong ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo. Tinawag ng mga kontemporaryo si Massenet na "ang makata ng babaeng kaluluwa." Bilang may-akda ng higit sa 20 opera, ganap niyang natagpuan ang kanyang sarili sa mga liriko na opera - "Manon" (1881-84, batay sa nobela ni Abbot Prevost) at "Werther" (1886, "The Sorrows of Young Werther" ni Goethe ).

Ang liriko na opera ay lumago mula sa parehong romantikong pinagmulan ng grand opera. Ang grand opera ay naging isang pagpapahayag ng kalunos-lunos na romantikismo, ang oryentasyong panlipunan-kritikal nito. Ito ay isang opera batay sa pagbuo ng isang linya ng aksyong masa. Ang liriko na opera ay ang kabilang panig ng romanticism: intimacy, intimacy, psychologism.

Salamat sa lyrical opera, lumilitaw ang mga bagong plot sa musical at theatrical stage, o ang mga klasikong plot ay ipinahayag sa isang ganap na bagong paraan. Ang mga kompositor ay madalas na bumaling kay Shakespeare ("Romeo at Juliet", "Hamlet") at Goethe ("Faust", "Werther"). Ang pilosopikal na nilalaman ng orihinal na mapagkukunan sa opera ay nabawasan, ang mga klasikal na plot ay pinagkaitan ng kanilang pangkalahatang kapangyarihan, at nakakakuha ng isang pang-araw-araw, hindi mapagpanggap na hitsura. Ang isa pang mahalagang aspeto ng mga plot ay ang pag-alis mula sa romantikong kagalakan at pagiging eksklusibo. Bilang isang patakaran, ang mga pangunahing tauhan ay mga mahilig sa liriko, iyon ay, ang anumang balangkas ay pangunahing binibigyang kahulugan bilang isang liriko na drama, o kahit na melodrama. Tulad ng modernong panitikang Pranses ("ang paaralan ng pagkasensitibo sa nerbiyos"), ang atensyon ay lumipat mula sa bayani patungo sa pangunahing tauhang babae. Halimbawa, sa opera na "Faust" ni Gounod, na isinulat batay sa unang bahagi ng nobela ni Goethe, ang pilosopikal na nilalaman ng gawa ni Goethe ay halos hindi apektado, ang balangkas ay binibigyang kahulugan sa isang liriko at pang-araw-araw na aspeto. Ang imahe ni Margarita ay nagiging sentro (tinawag pa nga ng mga kontemporaryo ang opera mismo na "Margarita" at hindi "Faust").

Ang isa pang direksyon sa French lyric opera ay nauugnay sa mga plot ng banyagang pinagmulan, na may oriental, kakaibang lasa. Sa pagtatapos ng 50s, lumitaw ang symphony ni David na "Desert" - isa sa mga unang "oriental" na gawa sa Pranses na musika, nagiging uso ang oriental na tema.

Binuksan ng opera ni Bizet na The Pearl Fishers (1863) ang listahan ng mga liriko na "exotic" na opera. Ang aksyon ay nagaganap sa isla ng Ceylon, sa gitna ng mga maninisid ng perlas, laban sa backdrop ng mga nakamamanghang kanta at sayaw, ipinakita ang pagmamahal ng mangangaso na sina Nadir at Leila. Ang mga kaganapan ng isa pang "exotic" na opera ni Bizet, "Djamila" (1872), ay nagaganap sa Cairo, sa harem ng Garzia. Sa gawaing ito, ang kompositor ay gumagamit ng ilang tunay na Arabic melodies at sensitibong bumuo ng kanilang maindayog na intonasyon.

Noong 1864, lumitaw ang opera ni Gounod na Mireille, ang balangkas na kung saan ay konektado sa Provence, ang pinaka makulay at archaic na rehiyon ng France, kung saan napanatili ang mga sinaunang kaugalian at moral. Ang lasa na ito ay naroroon din sa musika ng opera.

Sa opera ni Saint-Saëns na Samson at Delilah (1866-1877), ang balangkas ay kapareho ng sa sikat na oratorio ni Handel, ngunit sa isang ganap na naiibang interpretasyon. Naakit si Handel ng kabayanihan na espiritu ng kuwento sa Bibliya. Sa Saint-Saëns, ang opera ay isang serye ng mga makukulay na oriental na pagpipinta, sa gitna ng opera ay ang babaeng imahe ng mapanlinlang na seductress na si Delilah.

Ang oriental na lasa ay banayad ding ipinapahayag sa opera na "Lakmé" ni Delibes (mula sa buhay ng mga Indian).

Tandaan na ang mga larawan ng Silangan sa ikalawang kalahati ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo ay sumakop sa isang makabuluhang lugar sa mga opera ng iba pang mga kompositor. mga pambansang paaralan: Ruso (Glinka, Borodin, Rimsky-Korsakov), Italyano ("Aida" ni Verdi, "Cio-Cio-San" at "Turandot" ni Puccini), at natagpuan din ang isang napaka-natatanging pagmuni-muni sa musika ng mga impresyonistang Pranses ( Debussy, Ravel).

Ang French lyric opera ay nauugnay hindi lamang sa pag-update ng mga plot. Nagiiba ang istilo ng musika ng opera mismo.

Una, upang bigyang-diin ang pagiging simple at katapatan ng mga plot, ang pagiging ordinaryo ng mga damdamin ng mga character, ang mga kompositor ay nagsusumikap na "pasimplehin" ang musikal na wika ng opera, na inilalapit ito sa pang-araw-araw na kultura ng musika sa kanilang panahon. Ito ay kung paano tumagos ang elemento ng romansa sa yugto ng French opera. Ang romansa ay ipinakilala sa opera hindi lamang bilang solong numero. Minsan ang dramatikong linya ng balangkas ay nabubuo sa pamamagitan ng pagbabago ng simula ng pag-iibigan (ito ay sa pagsasadula ng melody ng romansa na ang pagbuo ng imahe ni Margarita sa Faust, ang tanging imahe ng opera, na ibinigay sa dinamika ay batay: mula sa ang walang muwang na paggising ng mga damdamin sa marubdob na pagkalasing ng mga ito at higit pa - sa trahedya denouement, ang kabaliwan ng pangunahing tauhang babae) .

Pangalawa, sa mga opera na may "exotic" na mga plot, ang lahat ng mga uri ng oriental na intonasyon, na nakikita nang hindi direkta, sa pamamagitan ng European vision, ay nagsisimulang gamitin. Ngunit sa ilang sandali ay umabot pa ito sa orihinal na pagpaparami (“Djamile” ni Bizet).

Ito ang dalawang pangunahing paraan upang i-update ang istilo ng musika French opera.

Ang lyric opera bilang isang malayang genre ay mabilis na naubos ang sarili nito. Nagtagumpay na si J. Bizet, sa kanyang pinakamahusay na opera, Carmen, na pagtagumpayan ang makitid na mga hangganan ng lyric opera, na umabot sa taas ng operatic realism (1875). Noong 90s, ang modernong tema ay naging mas aktibo sa teatro ng Pransya. Sa mga gawa ni Alfred Bruno (ang opera na "The Dream" batay sa nobela ni E. Zola, 1891, ang opera na "The Siege of the Mill" batay sa Maupassant, 1893) at Charpontier (ang opera na "Louise", 1900) , kapansin-pansin ang mga katangian ng naturalismo. Noong 1902, sa paggawa ng opera na "Pelleas et Mélisande" ni C. Debussy, nagbukas ang isang bagong panahon sa musikal at teatro na kultura ng France.

G.Verdi.

Opera "Troubadour". 1 act (No. 2 scene and Leonora’s cavatina, No. 3 scene and Manrico’s romance); Act 2 (No. 6 Azucena's song, No. 7 scene at Azucena's story); Act 3 (scene No. 13 at Manrico’s aria); Act 4 (scene No. 14 and Leonora's aria and chorus "Miserere").

Opera "Rigoletto" 1 act (No. 1 prelude and introduction, No. 2 the Duke's ballad "this or that", No. 7 scene and duet of Rigoletto and Gilda, No. 9 Gilda's aria "The heart is full of joy", No. 10 eksena at koro "Hush, hush"); Act 2 (scene No. 12 and Rigoletto’s aria “Courtisans...”, scene No. 13, 14 and the duet of Gilda and Rigoletto “I entered the temple humbly”); Act 3 (No. 15 Duke's song "Heart of Beauties", No. 16 Quartet).

Opera "La Traviata" Act 1 (Introduction, Alfred's drinking song "We will raise high the cup of joy", final scene and Violetta's aria "Aren't you for me"); Act 2 (eksena at duet nina Violetta at Germont); Act 3 (orchestral prelude, Violetta’s aria na “Forgive you forever”, eksena at duet nina Violetta at Alfred “We will leave Paris”, finale).

Opera Aida" orchestral prelude, 1 act (No. 2 recitative and romance by Radamès "Sweet Aida", chorus "To the Sacred Banks of the Nile", No. 5 solo scene of Aida, No. 6 dedication scene and finale); Act 2 (scene No. 8 at duet nina Amneris at Aida, finale - chorus "Glory to Egypt", chorus "Laurel Wreaths", march); Act 3 (No. 10 introduction, choral prayer and Aida's romance "Azure Sky", No. 12 duet of Radames and Aida); Act 4 (duet nina Amneris at Radames "Lahat ng mga pari ay nagtipon doon", duet nina Aida at Radames na "Patawarin ang Lupa").

Opera "Tannhäuser": overture, act 2 (eksena ng kumpetisyon - kanta ni Wolfram); Act 3 (Wolfram's romance "To the Evening Star", Elizabeth's prayer).

Opera "Lohengrin": Act 1 (orchestral introduction, ang kuwento ni Elsa tungkol sa panaginip na "Naaalala ko kung paano ako nanalangin", ang koro ng mga tao na "Narito! Narito! Oh, anong himala!"); Act 2 (orchestral introduction, arioso by Friedrich Telramund “You have ruined me”, panunumpa ng paghihiganti ni Friedrich at Ortrud, arioso ni Elsa “O light-winged wind”); Act 3 (orchestral introduction, wedding chorus "Our Lord is Good", love duet of Elsa and Lohengrin "Wonderful Fire", kuwento ni Lohengrin "In the Holy Land").

Opera "Tristan at Isolde": symphonic introduction to act 1; Act 1 – eksena ng pag-inom ng love potion; Act 2, scene 2 – love duet nina Tristan at Isolde; Act 3 (pagpapakilala at himig ng mga pastol, pinangyarihan ng pagkamatay ni Isolde).

Opera "Das Rheingold": orkestra na pagpapakilala, interlude sa pagitan ng mga eksena 2 at 3 (pagbaba sa Nibelheim), eksena 4.

Opera "Valkyrie": Act 1 (pagpapakilala at unang eksena ng Siegmund at Sieglinde); Act 3 (“flight of the Valkyries”, scene three – ang paalam ni Wotan kay Brünnhilde at ang fire spells).

Opera "Siegfried": 1 act (ang unang kanta ni Siegfried "Notung, Notung, ang magiting na espada" at ang pangalawang kanta ni Siegfried "Ang aking malakas na espada ay sumuko sa martilyo"); Act 2 (scene two, “the rustle of the forest”).

Opera "Kamatayan ng mga Diyos": symphonic episode ng paglalakbay ni Siegfried sa kahabaan ng Rhine mula sa prologue; Act 3 (Kuwento ni Siegfried at martsa ng libing).

Opera "Faust": Act 1 (Mephistopheles' couplets "Ang buong sangkatauhan ay nasa lupa"); Act 2 (Siebel's couplets "Tell me", Faust's cavatina "Hello, sacred shelter", Margarita's aria "with pearls"); Act 3 (Mephistopheles' serenade "Lumabas ka, oh mahal kong kaibigan").

Symphonic suite mula sa musika hanggang sa drama ni Daudet "Arlesian".

Opera "Carmen": overture (3 tema), 1 act (martsa at koro ng mga batang lalaki No. 2, koro ng mga manggagawa "Tingnan kung paano lumipad ang usok", unang paglabas ng Carmen No. 3, habanera Carmen "Ang pag-ibig ay may..." No. 4, scene No. 5 - appearance of Jose , theme of fatal passion, theme of Jose's love Duet of Micaela and Jose No. 6. Scene of Carmen with soldiers - song about an old husband, seguidilla of Carmen); Act 2 (symphonic intermission, gypsy dance and song of Carmen, couplets of Escamillo No. 13, scene of Carmen and Jose, Jose's aria with a flower); Act 3: symphonic intermission, Sextet and smugglers' choir No. 18, Carmen's fortunelling scene No. 19; Act 4 - symphonic intermission, Choir No. 24 - square sa Seville, magtatapos ang duet. Koro Blg. 26

Pranses na teatro

Sa mga pagtatanghal ng huling bahagi ng ika-18 - unang kalahati ng ika-19 na siglo, may posibilidad na palawakin ang mga hangganan ng tunay na pagkilos, at mayroong pagtanggi sa mga batas ng pagkakaisa ng panahon at lugar.

Ang mga pagbabago na nakaapekto sa sining ng drama ay hindi maaaring makaapekto sa dekorasyon ng entablado: hindi lamang ang mga kagamitan sa entablado, kundi pati na rin ang mga lugar ng teatro ay nangangailangan ng radikal na muling pagtatayo, ngunit sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo ay napakahirap na gumawa ng gayong mga pagbabago.

Ang mga pangyayaring ito ay nagpapahintulot sa mga kinatawan ng mga amateur pantomime na paaralan na kumuha ng kanilang nararapat na lugar sa mga aktor ng Bagong Panahon ay sila ang naging pinakamahusay na gumaganap ng mga gawa ng makabagong drama.

Unti-unti, lumaganap ang mga pictorial panorama, diorama at neorama sa mga sining ng pagtatanghal noong ika-19 na siglo. Isa sa mga pinakasikat na master decorator sa France sa panahon na sinusuri ay si L. Daguerre.

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, naapektuhan din ng mga pagbabago ang teknikal na muling kagamitan ng mga yugto ng teatro: noong kalagitnaan ng 1890s, isang umiikot na yugto, na unang ginamit noong 1896, sa panahon ng paggawa ni K. Lautenschläger ng Don Giovanni ni Mozart, ay natagpuan ang malawakang paggamit.

Isa sa pinakatanyag na Pranses na artista noong ika-19 na siglo ay ang ipinanganak sa Paris na si Catherine Josephine Rafin Duchesnoy (1777-1835). Ang kanyang debut sa entablado ng teatro ay naganap noong 1802. Sa mga taong iyon, ang 25-taong-gulang na aktres ay unang lumitaw sa entablado ng Comedie Française theater noong 1804, sumali na siya sa pangunahing cast ng theater troupe bilang isang socétaire.

Sa mga unang taon ng kanyang trabaho, si Catherine Duchesnoy, na gumanap ng mga trahedya na tungkulin sa entablado, ay kailangang patuloy na makipaglaban para sa palad kasama ang aktres na si Georges. Kabaligtaran sa laro ng huling pagtatanghal, naakit ni Duchesnoy ang atensyon ng madla sa init at liriko ng kanyang madamdamin at madamdamin na malambot na tinig ay hindi makapag-iiwan ng sinuman na walang malasakit.

Noong 1808, umalis si Georges patungong Russia, at si Catherine Duchesnoy ang naging nangungunang trahedya na artista ng Comedie Française theater.

Kabilang sa mga pinakamahalagang tungkulin ng aktres ay si Phaedra sa dula ng parehong pangalan ni Racine, Andromache sa "Hector" ni Luce de Lancival, Agrippina sa "Germanica" ni Arno, Valeria sa "Sulla" ni Jouy, Maria Stuart sa the paglalaro ng parehong pangalan ni Lebrun, atbp.

Ang pagganap ng aktres na si Marie Dorval (1798-1849) ay nararapat ding bigyan ng espesyal na pansin, dahil inspirasyon niya at may pambihirang husay na nakapaloob sa entablado ang mga larawan ng kababaihang humahamon sa lipunan sa pakikipaglaban para sa kanilang pagmamahalan.

Si Marie Dorval ay ipinanganak sa isang pamilya ng mga aktor na ginugol ang kanyang pagkabata sa entablado. Kahit na noon, natuklasan ng batang babae ang hindi pangkaraniwang kakayahan sa pag-arte. Sa maliliit na tungkuling ipinagkatiwala sa kanya ng direktor, sinubukan niyang isama ang isang kumpletong imahe.

Noong 1818, pumasok si Marie sa Paris Conservatory, ngunit iniwan ito makalipas ang ilang buwan. Ang dahilan para sa aksyon na ito ay ang hindi pagkakatugma ng sistema ng pagsasanay ng aktor sa institusyong pang-edukasyon na ito na may malikhaing sariling katangian ng batang talento. Di-nagtagal, naging bahagi si Marie Dorval ng acting troupe ng isa sa pinakamagandang boulevard theater, ang Port Saint-Martin. Dito ginampanan ang papel ni Amalia sa melodrama ni Ducange na "Thirty Years, or the Life of a Gambler," na nagpasikat sa aktres. Ang pagtatanghal na ito ay nagsiwalat ng napakalaking talento ni Marie; ipinakita niya ang kanyang mahusay na pag-arte sa publiko ng kabisera: na nagawang lumampas sa melodramatic na imahe at makahanap ng tunay na damdamin ng tao, ipinarating ito ng aktres sa manonood na may partikular na pagpapahayag at emosyonalidad.

Noong 1831, ginampanan ni Dorval ang papel ni Ardelle d'Hervey sa romantikong drama ni A. Dumas na "Anthony", at makalipas ang ilang buwan - ang pamagat na papel sa drama ni V. Hugo na "Marion".

Sa kabila ng katotohanan na ang mga patula na dula ay mahirap para sa aktres, dahil ang taludtod ay isang uri ng kombensiyon na sumasalungat sa kanyang agarang emosyonalidad, matagumpay na nakayanan ni Marie ang mga tungkulin. Si Marion, na isinagawa ni Dorval, ay nagdulot ng isang bagyo ng kasiyahan hindi lamang sa madla, kundi pati na rin sa may-akda ng akda.

Noong 1835, ginawa ng aktres ang kanyang debut sa drama ni Vigny na "Chatterton," na isinulat lalo na para sa kanya. Si Kitty Bell, na ginampanan ni Dorval, ay lumitaw sa harap ng madla bilang isang tahimik, marupok na babae na naging may kakayahang magmahal.

Si Marie Dorval, isang aktres na may paos na boses at hindi regular na mga tampok ng mukha, ay naging simbolo ng pagkababae para sa mga manonood noong ika-19 na siglo. Ang pagganap ng emosyonal na aktres na ito, na may kakayahang ipahayag ang napakalaking lalim ng damdamin ng tao, ay gumawa ng hindi malilimutang impresyon sa kanyang mga kontemporaryo.

Ang sikat na Pranses na aktor na si Pierre Bocage (1799-1862), na nakakuha ng katanyagan bilang nangungunang aktor sa mga drama nina Victor Hugo at Alexandre Dumas fils, ay nagtamasa ng partikular na pagmamahal sa publiko.

Si Pierre Bocage ay ipinanganak sa pamilya ng isang simpleng manggagawa; Kahit na sa kanyang pagkabata, naging interesado si Pierre sa gawain ni Shakespeare, na nagsilbing isang katalista para sa kanyang pagkahilig sa entablado.

Si Bocage, na nabuhay sa pangarap ng isang teatro, ay naglakad patungo sa kabisera upang makapasok sa konserbatoryo. Ang mga tagasuri, na natamaan ng kamangha-manghang hitsura at pambihirang pag-uugali ng binata, ay hindi lumikha ng anumang mga hadlang.

Gayunpaman, ang kanyang pag-aaral sa Paris Conservatory ay naging panandalian: Si Pierre ay walang sapat na pera hindi lamang upang magbayad para sa mga klase, kundi pati na rin para mabuhay. Di-nagtagal, napilitan siyang umalis sa institusyong pang-edukasyon at sumali sa kumikilos na tropa ng isa sa mga teatro ng boulevard. Sa loob ng ilang taon ay naglibot siya sa mga sinehan, nagtatrabaho muna sa Odeon, pagkatapos ay sa Port Saint-Martin at marami pang iba.

Ang mga imahe na nilikha ni Bocaj sa entablado ay walang iba kundi isang pagpapahayag ng saloobin ng aktor sa nakapaligid na katotohanan, ang kanyang pahayag ng hindi pagkakasundo sa pagnanais ng mga nasa kapangyarihan na sirain ang kaligayahan ng tao.

Si Pierre Bocage ay bumaba sa kasaysayan ng teatro ng Pransya bilang pinakamahusay na gumaganap ng mga tungkulin ng mga bayani ng rebelde sa mga social drama ni Victor Hugo (Didier sa "Marion Delorme"), Alexandre Dumas na Anak (Anthony sa "Anthony"), F. Pia (Ango sa “Ango”) at iba pa.

Si Bocage ang nagkusa na lumikha sa entablado ng imahe ng isang malungkot, disillusioned na romantikong bayani, na napahamak sa kamatayan sa paglaban sa naghaharing piling tao. Ang unang papel ng ganitong uri ay si Anthony sa drama ng parehong pangalan ni A. Dumas the Son; ang matalim na paglipat mula sa kawalan ng pag-asa tungo sa kagalakan, mula sa pagtawa hanggang sa mapait na paghikbi ay naging nakakagulat na epektibo. Matagal nang matatandaan ng madla ang imahe ni Anthony na ginampanan ni Pierre Bocage.

Ang aktor ay naging aktibong kalahok sa mga rebolusyonaryong kaganapan noong 1848 sa France. Sa paniniwala sa tagumpay ng hustisya, ipinagtanggol niya ang kanyang mga demokratikong adhikain na may hawak na mga armas.

Ang pagbagsak ng mga pag-asa para sa tagumpay ng hustisya sa modernong mundo ay hindi pinilit na baguhin ni Bocage ang kanyang pananaw sa mundo, sinimulan niyang gamitin ang yugto ng teatro ng Odeon bilang isang paraan ng paglaban sa arbitrariness at despotismo ng mga awtoridad ng estado.

Di-nagtagal ang aktor ay inakusahan ng mga aktibidad na anti-gobyerno at tinanggal mula sa kanyang posisyon bilang direktor ng teatro. Gayunpaman, hanggang sa pagtatapos ng kanyang mga araw, patuloy na naniniwala si Pierre Bocage sa tagumpay ng hustisya at ipagtanggol ang kanyang mga mithiin.

Katulad ng mga artista noong unang kalahati ng ika-19 na siglo bilang C. Duchesnoy at M. Dorval ay ang sikat na Louise Rosalie Allan-Depreo (1810-1856). Ipinanganak siya sa Mons, sa pamilya ng isang direktor ng teatro. Ang sitwasyong ito ay nagtakda ng buong hinaharap na kapalaran ni Louise Rosalie.

Ang kapaligiran ng buhay teatro ay pamilyar sa sikat na artista mula pagkabata. Nasa edad na sampung taong gulang, ang talentadong batang babae ay nakatanggap ng pagkilala sa komunidad ng pag-arte sa mga papel ng mga bata na ginampanan niya sa teatro ng Paris Comedie Française ay hindi nag-iwan ng sinuman na walang malasakit.

Noong 1827, pagkatapos ng pagtatapos mula sa klase ng drama sa konserbatoryo, nakatanggap si Louise Allan-Depreo ng propesyonal na edukasyon sa pag-arte. Sa oras na iyon, ang batang aktres ay medyo sikat na, at hindi siya nagulat sa alok na sumali sa acting troupe ng Comedie Française theater, kung saan siya nagtrabaho hanggang 1830. Sa panahon mula 1831 hanggang 1836, nagningning si Allan-Depreo sa entablado ng Gymnaz Theater.

Isang mahalagang papel sa buhay acting Si Louise Rosalie ay naglaro ng isang paglalakbay sa Russia: dito, sa French troupe ng St. Petersburg Mikhailovsky Theater, gumugol siya ng sampung taon (1837-1847), na pinahusay ang kanyang mga kasanayan sa pag-arte.

Pagbalik sa kanyang tinubuang-bayan, muling sumali si Allan-Depreo sa troupe ng Comedy Française, naging isa sa mga pinakamahusay na artista sa papel na grand coquette. Ang kanyang pagganap ay nakakaakit ng pansin ng mga aristokratikong layer ng lipunang Pranses at Ruso: ang kanyang pino at matikas na pag-uugali, ang kanyang kakayahang magsuot ng isang teatro na kasuutan na may espesyal na biyaya - lahat ng ito ay nag-ambag sa paglikha ng mga imahe ng mga walang kabuluhang social coquettes.

Si Louise Rosalie Allan-Depreaux ay sumikat bilang isang performer sa mga romantikong dula ni Alfred de Musset. Kabilang sa mga pinakatanyag na papel ng aktres na ito ay si Madame de Lery sa “Caprice” (1847), ang Marquise sa dulang “The Door Must Be Open or Closed” (1848), Countess Vernon sa trahedya na “You Can't Provide for Lahat" (1849), at ang Duchess Bouillon sa "Adrienne Lecouvreur" (1849), Jacqueline sa "The Candlestick" (1850), Countess d'Autray sa "The Ladies' War" (1850), atbp.

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang mga teatro ng pantomime ay naging tanyag. Ang pinakamahusay na kinatawan ng genre na ito ay si Jean Baptiste Gaspard Debureau (1796-1846).

Ipinanganak siya sa pamilya ng direktor ng isang tropa ng teatro, at ang masayang kapaligiran ng teatro ay napuno ang kanyang buong buhay mula pagkabata. Hanggang 1816, si Jean Baptiste Gaspard ay nagtrabaho sa pangkat ng kanyang ama, at pagkatapos ay lumipat sa Rope Dancers troupe, na nagtrabaho sa Funambul Theater, isa sa mga pinaka-demokratikong grupo ng entablado sa kabisera ng Pransya.

Bilang bahagi ng tropa ng "Rope Dancers", ginampanan niya ang papel ni Pierrot sa pantomime na "Harlequin the Doctor," na nagdala sa dalawampung taong gulang na aktor sa kanyang unang tagumpay. Nagustuhan ng madla ang karakter ni Debureau kaya kinailangan ng aktor na isama ang imaheng ito sa maraming iba pang mga pantomime: "The Raging Bull" (1827), "The Golden Dream, o Harlequin and the Miser" (1828), "The Whale" (1832) at "Pierrot sa Africa" ​​(1842).

Sa simula ng ika-19 na siglo, ang masayang genre ng folk slapstick ay nangingibabaw pa rin sa farce theater. Si Jean Baptiste Gaspard Debureau ay nagdala ng kahulugan sa farce pantomime, sa gayo'y inilalapit ang walang salita na katutubong pagganap sa malalim na makabuluhang mga produksyon ng modernong propesyonal na teatro.

Ito mismo ang nagpapaliwanag sa kasikatan ng Debuer's Pierrot, na kalaunan ay naging isang bayani sa komiks. Sa larawang ito ang tipikal pambansang katangian French character - enterprise, talino sa paglikha at mapang-uyam na panunuya.

Si Pierrot, na sumailalim sa hindi mabilang na mga pambubugbog, pag-uusig at kahihiyan, ay hindi nawawala ang kanyang pag-iingat at nagpapanatili ng isang hindi maaabala na kawalang-ingat, na nagpapahintulot sa kanya na lumabas na matagumpay mula sa alinman, kahit na ang pinaka-nakalilitong mga sitwasyon.

Ang karakter na ito, na ginanap ni Deburau, ay galit na tinanggihan ang umiiral na kaayusan;

Sa pantomimic na pagtatanghal ng isang mas maagang panahon, ang gumaganap ng papel ni Pierrot ay kinakailangang inilapat ang tinatawag na farcical makeup: pinaputi niya ang kanyang mukha, makapal na winisikan ito ng harina. Sa pagpapanatili ng tradisyong ito, ginamit ni Jean Baptiste Gaspard ang sikat sa mundo na Pierrot na kasuutan upang lumikha ng imahe: mahabang puting pantalon, isang malawak na blusa na walang kwelyo at isang simbolikong itim na headband.

Nang maglaon, sa kanyang pinakamahusay na mga pantomime, sinubukan ng aktor na ipakita ang kasalukuyang tema ng trahedya na kapalaran ng mga mahihirap sa isang hindi makatarungang mundo. Salamat sa kanyang birtuoso na kasanayan, na magkakasuwato na pinagsama ang napakatalino na eccentricity at isang malalim na pagmuni-muni ng panloob na kakanyahan ng karakter, lumikha siya ng mga magagandang imahe.

Ang pagganap ni Debureau ay nakakuha ng atensyon ng mga advanced na artistikong intelihente noong ika-19 na siglo. Ang mga sikat na manunulat ay nagsalita nang may kagalakan tungkol sa aktor na ito - C. Nodier, T. Gautier, J. Janin, J. Sand at iba pa Sa mga maharlikang strata ng lipunang Pranses, walang mga hinahangaan ang talento ni Deburau, na tinatanggihan ang umiiral na kaayusan, na pumukaw sa galit ng mga awtoridad.

Gayunpaman, si Jean Baptiste Gaspard Debureau ay pumasok sa kasaysayan ng sining ng teatro sa mundo hindi bilang isang manlalaban para sa hustisya, ngunit bilang isang tagapalabas lamang ng papel ng isang tanyag na karakter ng alamat. Ang pinakamahusay na mga tradisyon ng trabaho ni Debureau bilang isang aktor ay kalaunan ay makikita sa gawain ng mahuhusay na Pranses na aktor na si M. Mars.

Isang kahanga-hangang artista sa unang kalahati ng ika-19 na siglo ay si Virginie Dejazet (1798-1875). Siya ay ipinanganak sa isang pamilya ng mga artista; ang pagpapalaki na natanggap niya sa entablado ay nag-ambag sa maagang pag-unlad ng kanyang talento sa entablado.

Noong 1807, isang mahuhusay na batang babae ang nakakuha ng atensyon ng negosyante ng teatro ng Parisian Vaudeville. Tinanggap ni Virginie ang malapit nang masundan na alok na sumali sa acting troupe nang may kagalakan;

Ang trabaho sa Vaudeville ay nag-ambag sa pag-unlad ng mga kasanayan ng batang aktres, ngunit unti-unti itong tumigil upang masiyahan siya. Umalis sa teatro na ito, nagsimulang magtrabaho si Virginie sa Variety, na sinundan ng mga imbitasyon sa Gymnaz at Nuvote, kung saan gumanap ang aktres hanggang 1830.

Ang kasagsagan ng kanyang malikhaing aktibidad ay naganap noong mga taong 1831-1843, nang sumikat si Virginie Dejaze sa entablado ng Palais Royal theater. Sa mga sumunod na taon, ang aktres, na nakakaabala sa kanyang pakikipagtulungan sa mga grupo ng teatro ng Paris, ay madalas na naglibot sa bansa, kung minsan ay nananatili ng isang panahon o dalawa sa mga sinehan sa probinsiya.

Bilang isang dalubhasa sa pag-arte, matagumpay na gumanap si Dejaze bilang isang drag queen, na ginagampanan ang mga papel na ginagampanan ng rake boys, pampered marquises, mga batang babae at matatandang babae. Ang kanyang pinakamatagumpay na tungkulin ay ginampanan sa mga vaudeville at farces ng Scribe, Bayard, Dumanoir at Sardou.

Madalas itinuro ng mga kasabayan ni Virginie Dejaze ang pambihirang biyaya ng aktres, ang kanyang virtuoso na husay sa pagsasagawa ng stage dialogue at ang kanyang kakayahan para sa tumpak na pagbigkas.

Tiniyak ng masayahin at nakakatawang mga bayani ni Dejaze, na madaling gumanap ng mga taludtod sa vaudeville, ang tagumpay ng aktres at ginawa siyang paborito ng maunawaing pampublikong metropolitan sa loob ng mahabang panahon. At ito sa kabila ng katotohanan na ang repertoire ni Virginie ay hindi tumutugma sa tradisyonal na panlasa ng mass audience.

Ang husay sa birtuoso ng aktres at ang malalim na pambansang katangian ng kanyang pag-arte ay pinaka-malinaw na ipinakita nang itanghal ang mga kanta ni Béranger (sa monologo na "Lisette Béranger" ni Béré, sa vaudeville na "Songs of Béranger" nina Clairville at Lambert-Tibout).

Isa sa mga pinakasikat na artistang Pranses na nagtrabaho sa panahon ng romantikismo sa isang trahedya na papel ay si Elisa Rachel (1821-1858). Ipinanganak siya sa Paris, sa pamilya ng isang mahirap na Hudyo na nagbebenta ng iba't ibang maliliit na bagay sa mga lansangan ng lungsod. Nakapasok na maagang pagkabata ang batang babae ay nagpakita ng mga natatanging kakayahan: ang kanyang mga kanta ay umaakit ng maraming mga customer sa stall ng kanyang ama.

Ang likas na talento sa sining ay nagpapahintulot sa labing pitong taong gulang na si Eliza na sumali sa acting troupe ng sikat na French theater na "Comédie Française". Ang kanyang debut role sa yugtong ito ay si Camilla sa dula ni Corneille na "Horace".

Kapansin-pansin na noong 30s ng ika-19 na siglo, ang repertoire ng karamihan sa mga teatro ng kapital ay batay sa mga gawa ng mga nobelista (V. Hugo, A. Vigny, atbp.). Sa paglitaw lamang sa mundo ng teatro ng isang maliwanag na bituin bilang Elisa Rachel, ang mga paggawa ng mga nakalimutang klasiko ay ipinagpatuloy.

Sa oras na iyon, ang pinakamataas na tagapagpahiwatig ng pag-arte sa trahedya na genre ay itinuturing na imahe ni Phaedra sa laro ni Racine na may parehong pangalan. Ang papel na ito ang nagdulot ng malaking tagumpay at pagkilala sa aktres mula sa madla. Si Phaedra, na ginampanan ni Elisa Rachel, ay ipinakita bilang isang mapagmataas, mapaghimagsik na tao, ang sagisag ng pinakamahusay na mga katangian ng tao.

Ang kalagitnaan ng 1840s ay minarkahan ng mga aktibong aktibidad sa paglilibot ng mahuhusay na artista: ang kanyang mga paglalakbay sa mga bansang European ay niluwalhati ang French school of theatrical art. Minsan ay bumisita pa si Rachel sa Russia at Hilagang Amerika, kung saan tumanggap ng mataas na papuri ang kanyang pagganap mula sa mga kritiko sa teatro.

Noong 1848, isang dula na batay sa dula ni J. Racine na "Athaliah" ay itinanghal sa entablado ng Comédie Française, kung saan si Eliza Rachel ang gumanap sa pangunahing papel. Ang imahe na nilikha niya, na naging isang simbolo ng kasamaan, mapanirang pwersa na unti-unting sinusunog ang kaluluwa ng pinuno, pinahintulutan ang aktres na muling ipakita ang kanyang natitirang talento.

Sa parehong taon, nagpasya si Eliza na basahin sa publiko ang "La Marseillaise" ni Rouget de Lisle sa entablado ng kabisera. Ang resulta ng pagtatanghal na ito ay ang galak ng gallery at ang galit ng mga manonood na nakaupo sa mga stall.

Pagkatapos nito, ang talentadong artista ay walang trabaho nang ilang panahon, dahil itinuturing ni Eliza ang repertoire ng karamihan sa mga modernong sinehan na hindi karapat-dapat sa kanyang mataas na talento. Gayunpaman, naakit pa rin ng stage craft ang aktres, at hindi nagtagal ay nagsimula siyang mag-ensayo muli.

Ang aktibong teatrical na aktibidad ay nagpapahina sa mahinang kalusugan ni Rachel: ang tatlumpu't anim na taong gulang na aktres ay nagkasakit ng tuberculosis at namatay pagkaraan ng ilang buwan, na nag-iwan ng mayamang pamana ng kanyang hindi matatawaran na kasanayan sa kanyang nagpapasalamat na mga inapo.

Ang isa sa mga pinakasikat na aktor ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo ay ang mahuhusay na aktor na si Benoit Constant Coquelin (1841-1909). Ang interes sa sining ng teatro, na ipinakita niya sa kanyang maagang kabataan, ay naging gawain ng kanyang buhay.

Ang pag-aaral sa Paris Conservatory kasama ang sikat na aktor na si Rainier sa mga taong iyon ay nagpapahintulot sa talentadong binata na umakyat sa entablado ng teatro at matupad ang kanyang lumang pangarap.

Noong 1860, ginawa ni Coquelin ang kanyang debut sa entablado ng Comedie Française theater. Ang papel ni Gros-Rene sa dula batay sa dula ni Moliere na "The Annoyance of Love" ay nagdala ng katanyagan sa aktor. Noong 1862, sumikat siya bilang gumaganap ng papel ni Figaro sa dula ni Beaumarchais na The Marriage of Figaro.

Gayunpaman, ginampanan ni Coquelin ang kanyang pinakamahusay na mga tungkulin (Sganarelle sa "The Reluctant Doctor," Jourdain sa "The Bourgeois in the Nobility," Mascarille sa "Funny Primroses," Tartuffe sa dula ni Molière na may parehong pangalan) pagkatapos umalis sa "Comédie Française" sa 1885.

Kinilala ng maraming kritiko ang pinakamatagumpay na larawang nilikha ng mahuhusay na aktor sa mga paggawa ng mga gawa ni Molière. Sa huling yugto ng kanyang pagkamalikhain, ang repertoire ni Coquelin ay pinangungunahan ng mga tungkulin sa mga dula ni Rostand.

Ang mahuhusay na aktor ay naging tanyag din bilang may-akda ng isang bilang ng mga teoretikal na treatise at artikulo sa problema ng pag-arte. Noong 1880, ang kanyang aklat na "Art and Theater" ay nai-publish, at noong 1886 isang manwal sa pag-arte na tinatawag na "The Art of the Actor" ay nai-publish.

Sa loob ng labing-isang taon (mula 1898 hanggang 1909) nagtrabaho si Coquelin bilang direktor ng teatro ng Port-Saint-Martin. Malaki ang ginawa ng taong ito para sa pagpapaunlad ng sining sa teatro sa France.

Ang pagpapabuti ng mga kasanayan sa pag-arte ay sinamahan ng pag-unlad ng drama. Ang hitsura ng mga sikat na manunulat tulad ng O. de Balzac, E. Zola, A. Dumas fils, ang Goncourt brothers at iba pa, na gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa mga sining ng pagtatanghal ng panahon ng romantikismo at realismo, ay nagsimula sa panahong ito.

Sikat na Pranses na manunulat at manunulat ng dula Honore de Balzac(1799-1850) ay ipinanganak sa Paris, sa pamilya ng isang opisyal. Ang mga magulang, na nagmamalasakit sa kinabukasan ng kanilang anak, ay nagbigay sa kanya ng legal na edukasyon; gayunpaman, ang jurisprudence ay nakaakit sa binata nang mas mababa kaysa sa aktibidad na pampanitikan. Hindi nagtagal ay naging malawak na kilala ang mga likha ni Balzac. Sa buong buhay niya, sumulat siya ng 97 nobela, nobela at maikling kwento.

Si Honore ay nagsimulang magpakita ng interes sa theatrical art sa kanyang pagkabata, ngunit ang kanyang unang mga dramatikong obra maestra ay isinulat lamang noong unang bahagi ng 1820s. Ang pinakamatagumpay sa mga gawaing ito ay ang trahedya na "Cromwell" (1820) at ang mga melodramas na "The Negro" at "The Corsican" (1822). Ang mga malayo sa perpektong dula ay matagumpay na itinanghal sa entablado ng isa sa mga teatro sa Paris.

Sa mga taon ng pagiging malikhain, lumikha si Balzac ng isang bilang ng mga dramatikong gawa na kasama sa mga repertoire ng maraming mga sinehan sa buong mundo: "The School of Marriage" (1837), "Vautrin" (1840), "The Hopes of Kinola" (1842), "Pamela Giraud" (1843), "The Businessman" "(1844) at "Stepmother" (1848). Ang mga produksyon ng mga dulang ito ay napakapopular.

Ang mga tipikal na larawan ng mga bangkero, stockbroker, tagagawa at pulitiko na nilikha ng manunulat ng dula ay nakakagulat na kapani-paniwala; Ibinunyag ng mga akda ang mga negatibong panig ng daigdig ng burges, ang pananakop nito, imoralidad at anti-humanismo. Sa pagsisikap na ihambing ang kasamaan sa lipunan sa pagiging perpekto ng moral ng mga positibong bayani, ipinakilala ni Balzac ang mga melodramatikong tampok sa kanyang mga dula.

Karamihan sa mga dramatikong gawa ni Balzac ay nailalarawan sa matinding salungatan, batay sa mga kontradiksyon sa lipunan, puspos ng malalim na drama at pagiging tiyak sa kasaysayan.

Sa likod ng mga kapalaran ng mga indibidwal na karakter sa mga drama ng Honore de Balzac ay palaging may malawak na background ng buhay; ang mga bayani, na hindi nawala ang kanilang sariling katangian, ay lumitaw sa parehong oras sa anyo ng mga pangkalahatang imahe.

Ang playwright ay nagsusumikap na gawin ang kanyang mga gawa na parang buhay, upang ipakilala sa kanila ang mga katangian ng buhay ng isang tiyak na panahon, at upang magbigay ng tumpak na mga katangian ng pagsasalita ng mga karakter.

Ang mga drama ni Balzac, na nag-iwan ng kapansin-pansing marka sa dramaturhiya noong ika-19 na siglo, ay may malaking impluwensya sa pag-unlad ng sining ng teatro sa mundo.

Kabilang sa mga pinakatanyag na dula ng mahuhusay na manunulat ng dulang Pranses, ito ay nagkakahalaga ng pagbanggit ng "The Stepmother", "Kinola's Hopes", na kasama sa mga repertoires ng mga sinehan na tinatawag na "Harbor of Storms", "Kinola's Dreams"; “Eugene Grande” at “Provincial History”, na isinulat batay sa nobelang “The Life of a Bachelor”.

Si Honore de Balzac ay naging tanyag hindi lamang bilang isang playwright at manunulat, kundi bilang isang art theorist. Ang kanyang mga ideya tungkol sa isang bagong teatro ay ipinahayag sa marami sa mga artikulo ni Balzac.

Nagsalita ang manunulat ng dula na may galit tungkol sa censorship, na nagpataw ng bawal sa kritikal na pagmuni-muni ng modernong katotohanan sa entablado ng teatro. Bilang karagdagan, ang komersyal na batayan ng ika-19 na siglong teatro kasama ang tipikal na burges na ideolohiya at distansya mula sa mga katotohanan ng buhay ay dayuhan sa Balzac.

Ang mahuhusay na French playwright, may-akda ng maraming melodramas, comedies at vaudevilles, Benjamin Antier (1787-1870), ay nagtrabaho sa isang bahagyang naiibang direksyon kaysa sa Balzac.

Ang mga dula ng playwright na ito ay kasama sa repertoire ng maraming mga teatro sa boulevard sa kabisera. Bilang isang tagasuporta ng mga ideyang demokratiko at republikano, sinubukan ni Antje na iparating ang mga ito sa madla, kaya't ang kanyang mga gawa ay nakakatunog ng mga tala ng akusatoryo, na ginagawa itong nakatuon sa lipunan.

Sa pakikipagtulungan sa sikat na Pranses na aktor na si Frédéric Lemaître, isinulat ng playwright ang isa sa mga pinakasikat na dula, "Robert Macker," na itinanghal noong 1834 sa entablado ng Parisian Foley Dramatic Theater. Sa malaking lawak, ang tagumpay ng dulang ito ay dahil sa mahusay na pagganap ng paboritong madla na si Frederic Lemaitre at ng buong tropa ng gumaganap.

Sa iba pang mga dula ni Benjamin Antier, na nagtamasa ng tagumpay sa publiko ng kabisera, ang "The Cabman" (1825), "Masks of Resin" (1825), "Rochester" (1829) at "The Arsonist" (1830) ay nararapat na espesyal na pansin. Sinasalamin din nila ang mga talamak na suliraning panlipunan ng modernong mundo.

Isang innovator sa French drama sa unang kalahati ng ika-19 na siglo ay ang mahuhusay na manunulat na si K. Azimir Jean Francois Delavigne(1793-1843). Bilang isang labing walong taong gulang na batang lalaki, pumasok siya sa mga lupon ng panitikan ng France, at pagkalipas ng walong taon naganap ang kanyang dramatikong debut.

Noong 1819, nagsimulang magtrabaho si Casimir Delavigne sa Odeon Theater, kung saan ang isa sa kanyang mga unang trahedya, "Sicilian Vespers," ay itinanghal. Dito, tulad ng maraming iba pang mga naunang gawa ng batang manunulat ng dula, maaaring masubaybayan ng isa ang impluwensya ng mga sikat na theatrical classics ng nakaraan, na hindi pinahintulutan sa kanilang mga likha ang kaunting paglihis mula sa kinikilalang mga canon ng klasisismo.

Sa parehong mahigpit na tradisyon, isinulat ang trahedya na "Marino Falieri", na ipinakita sa unang pagkakataon sa teatro ng Port-Saint-Martin. Sa paunang salita sa dulang ito, sinubukan ni Delavigne na bumalangkas ng mga pangunahing prinsipyo ng kanyang mga aesthetic na pananaw. Naniniwala siya na sa modernong drama ay may pangangailangan para sa isang kumbinasyon ng mga masining na pamamaraan ng klasiko at romantikismo.

Tandaan na sa panahong iyon maraming mga literary figure ang sumunod sa isang katulad na pananaw, na tama ang paniniwala na ang isang mapagparaya na saloobin lamang sa iba't ibang mga uso sa drama ay magbibigay-daan sa mundo ng sining ng teatro na epektibong umunlad sa hinaharap.

Gayunpaman, ang kumpletong pagtanggi sa mga halimbawa ng klasikal na sining, lalo na sa larangan ng pampanitikang patula na wika, ay maaaring maging dahilan ng paghina ng panitikang teatro sa pangkalahatan.

Ang mahuhusay na manunulat ng dula ay naglalaman ng kanyang mga makabagong tendensya sa kanyang mga huling gawa, na ang pinakamahalaga ay ang trahedya na "Louis XI," na isinulat noong 1832 at itinanghal pagkalipas ng ilang buwan sa entablado ng teatro ng Comédie Française.

Ang trahedya ni C. J. F. Delavigne, na nailalarawan sa pamamagitan ng romantikong poetics, matingkad na dinamismo ng mga imahe at banayad na lokal na kulay, ay naiiba nang malaki sa mga tradisyonal na klasikal na dula.

Ang imahe ni Haring Louis XI, na paulit-ulit na kinakatawan sa entablado ng mga pinakamahusay na aktor sa France at iba pang mga bansa sa Europa, ay naging isa sa pinakamamahal sa mga aktor. Kaya, sa Russia, ang papel na ginagampanan ni Louis ay maganda na ginampanan ng mahuhusay na aktor na si V. Karatygin, sa Italya - ni E. Rossi.

Sa buong buhay niya, si Casimir Jean-François Delavigne ay sumunod sa mga anti-klerikal na pananaw ng mga tagasuporta ng kilusang pambansang pagpapalaya, nang hindi lumalampas sa mga hangganan ng katamtamang liberalismo. Tila, tiyak na ang sitwasyong ito ang nagbigay-daan sa mga gawa ng mahuhusay na manunulat ng dula na magkaroon ng malawak na katanyagan sa mga naghaharing pili ng panahon ng Pagpapanumbalik at hindi mawala ito kahit na sa mga unang taon ng Monarkiya ng Hulyo.

Kabilang sa mga pinakatanyag na gawa ni Delavigne ay ang mga trahedya na "Pariah" (1821) at "Mga Bata ni Edward" (1833); “Don Juan ng Austria” (1835) ) at iba pa).

Hindi gaanong sikat kaysa sa mga dula ni O. de Balzac at iba pang sikat na pigura ng sining sa teatro, noong ika-19 na siglo ang mga dramatikong gawa ng sikat Anak ni Alexandre Dumas (1824—1895).

Ipinanganak siya sa pamilya ng sikat na manunulat na Pranses na si Alexandre Dumas, may-akda ng The Three Musketeers at The Count of Monte Cristo. Ang propesyon ng ama ay paunang natukoy landas buhay ang kanyang anak, gayunpaman, hindi tulad ng kanyang tanyag na magulang, si Alexander ay mas naaakit sa mga dramatikong aktibidad.

Ang tunay na tagumpay ay dumating kay Dumas na anak lamang noong 1852, nang ang dulang "The Lady of the Camellias", na inangkop niya mula sa isang naunang nakasulat na nobela, ay ipinakita sa pangkalahatang publiko. Ang dula, na puno ng sangkatauhan, init at malalim na pakikiramay para sa courtesan na tinanggihan ng lipunan, ay itinanghal sa entablado ng Vaudeville Theater. Binati ng madla ang "The Lady of the Camellias" nang may kagalakan.

Ang dramatikong gawaing ito ni Dumas the Son, na isinalin sa maraming wika, ay pumasok sa repertoire pinakamalaking mga sinehan kapayapaan. Sa iba't ibang pagkakataon, ang mga nangungunang artista sa "The Lady of the Camellias" ay sina S. Bernard, E. Duse at iba pang sikat na artista. Batay sa dulang ito, isinulat ni Giuseppe Verdi ang opera na La Traviata noong 1853.

Noong kalagitnaan ng 1850s problema sa pamilya naging nangungunang mga tema sa mga gawa ni A. Dumas na anak. Ito ang kanyang mga dula na "Diana de Lys" (1853) at "Half-light" (1855), "The Money Question" (1857) at "The Side Son" (1858), na itinanghal sa Gymnaz Theater. Bumaling din ang playwright sa tema ng isang malakas na pamilya sa kanyang mga huling gawa: "The Views of Madame Aubray" (1867), "Princess Georges" (1871), atbp.

Maraming mga kritiko sa teatro noong ika-19 na siglo na tinawag na Alexandre Dumas ang tagapagtatag ng genre ng paglalaro ng problema at ang pinakakilalang kinatawan ng makatotohanang drama ng Pransya. Gayunpaman, ang isang mas malalim na pag-aaral ng malikhaing pamana ng manunulat ng dulang ito ay ginagawang posible na mapatunayan na ang pagiging totoo ng kanyang mga gawa ay sa karamihan ng mga kaso ay panlabas, medyo isang panig ang kalikasan.

Kinondena ang ilang mga aspeto ng kontemporaryong katotohanan, iginiit ng anak ni Dumas ang espirituwal na kadalisayan at malalim na moralidad ng paraan ng pamumuhay ng pamilya, at ang imoralidad at kawalang-katarungan na umiiral sa mundo ay lumitaw sa kanyang mga gawa bilang mga bisyo ng mga indibidwal na indibidwal. Kasama ang pinakamahusay na mga gawa nina E. Ogier, V. Sardou at iba pang mga manunulat ng dula, ang mga dula ni Alexandre Dumas fils ay naging batayan ng repertoire ng maraming mga teatro sa Europa noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo.

Ang magkapatid ay mga tanyag na manunulat, manunulat ng dula, at theater theorist. Edmond (1822-1896) at Jules (1830-1870) Goncourt. Pumasok sila sa mga bilog na pampanitikan ng France noong 1851, nang mailathala ang kanilang unang akda.

Kapansin-pansin na nilikha ng magkapatid na Goncourt ang kanilang mga obra maestra sa panitikan at dramatikong pakikipagtulungan lamang, na tama ang paniniwala na ang kanilang magkasanib na gawain ay makakahanap ng mga masigasig na tagahanga.

Ang gawain ng magkapatid na Goncourt (ang nobelang Henriette Marechal) ay unang itinanghal sa teatro ng Comédie Française noong 1865. Pagkalipas ng maraming taon, sa entablado ng Free Theater, itinanghal ni Henri Antoine ang drama na "The Fatherland in Danger." Isinadula rin niya ang mga nobela ni Goncourt na "Sister Philomena" (1887) at "Maiden Eliza" (1890).

Bilang karagdagan, ang progresibong Pranses na publiko ay hindi pinansin ang mga produksyon ng mga nobelang Germinie Lacerte (1888) sa Odeon Theater at Charles Damilly (1892) sa Gymnasie.

Ang aktibidad sa panitikan ng magkapatid na Goncourt ay nauugnay sa paglitaw ng isang bagong genre: sa ilalim ng impluwensya ng kanilang banayad na artistikong panlasa, ang kababalaghan ng naturalismo ay naging laganap sa teatro ng Europa.

Ang mga sikat na manunulat ay nagsusumikap para sa detalyadong katumpakan sa paglalarawan ng mga kaganapan, nakakabit ng malaking kahalagahan sa mga batas ng pisyolohiya at impluwensya ng panlipunang kapaligiran, habang binibigyang pansin ang isang malalim na sikolohikal na pagsusuri ng mga karakter.

Ang mga direktor na kumuha ng produksyon ng mga dula ni Goncourt ay karaniwang gumagamit ng magagandang tanawin, na sa parehong oras ay binigyan ng mahigpit na pagpapahayag.

Noong 1870, namatay si Jules Goncourt; Noong 1870s - 1880s, sumulat siya ng isang bilang ng mga nobela: "The Zemganno Brothers" (1877), "Faustina" (1882), atbp., na nakatuon sa buhay ng mga aktor sa teatro ng Paris at mga performer ng sirko.

Bilang karagdagan, si E. Goncourt ay bumaling sa genre ng mga talambuhay: ang mga gawa tungkol sa mga sikat na artistang Pranses noong ika-18 siglo (Mademoiselle Clairon, 1890) ay lalong popular.

Ang Diary, na nagsimula noong nabubuhay pa si Jules, ay hindi gaanong kaakit-akit sa mga mambabasa. Sa napakaraming gawaing ito, sinubukan ng may-akda na magpakita ng isang malaking pampakay na materyal sa relihiyon, kasaysayan at dramatikong kultura ng France noong ika-19 na siglo.

Gayunpaman, sa kabila ng kanyang espesyal na interes sa mga isyu sa teatro, itinuturing ito ni Edmond Goncourt na isang namamatay na anyo ng sining, na hindi karapat-dapat sa atensyon ng isang tunay na manunulat ng dula.

Sa mga huling gawa ng manunulat, ang mga anti-demokratikong tendensya ay ipinahayag, gayunpaman, ang kanyang mga nobela ay puno ng banayad na sikolohiya, katangian ng mga bagong uso sa modernong panitikan ng Pransya.

Kasunod ng mga impresyonistang artista, itinuring ni Edmond Goncourt na kinakailangang ipakita ang pinakamaliit na lilim ng damdamin at mood ng mga karakter sa mga gawa ng anumang genre. Marahil sa kadahilanang ito, si E. Goncourt ay itinuturing na tagapagtatag ng impresyonismo sa panitikang Pranses.

Ang ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, na minarkahan ng pag-unlad ng isang bagong kilusang pangkultura - kritikal na pagiging totoo, nagbigay sa mundo ng maraming mahuhusay na manunulat ng dula, kabilang ang mga sikat Emile Edouard Charles Antoine Zola(1840-1902), na nakakuha ng katanyagan hindi lamang bilang isang mahusay na manunulat, kundi pati na rin bilang isang kritiko sa panitikan at teatro.

Si Emile Zola ay ipinanganak sa pamilya ng isang Italian engineer, isang inapo ng isang matandang pamilya. Ginugol ng future playwright ang kanyang pagkabata sa maliit na bayan ng Pransya ng Aix-en-Provence, kung saan nagtrabaho si Father Zola sa pagdidisenyo ng isang kanal. Dito nakatanggap ang batang lalaki ng isang disenteng edukasyon, nakipagkaibigan, ang pinakamalapit sa kanila ay si Paul Cezanne, isang sikat na artista sa hinaharap.

Noong 1857, ang ulo ng pamilya ay namatay, ang pinansiyal na kagalingan ng pamilya ay lumala nang husto, at ang balo at anak na lalaki ay napilitang umalis patungong Paris. Dito, sa kabisera ng Pransya, nilikha ni Emile Zola ang kanyang unang gawa ng sining - ang komedya na "The Fooled Mentor" (1858), na isinulat sa pinakamahusay na mga tradisyon ng kritikal na realismo ng Balzac at Stendhal.

Pagkalipas ng dalawang taon, ipinakita ng batang manunulat sa madla ang isang dula batay sa pabula ni La Fontaine na "The Milkmaid and the Jug." Ang paggawa ng dulang ito, na tinatawag na "Pierrette", ay naging matagumpay.

Gayunpaman, bago tumanggap ng pagkilala sa mga bilog na pampanitikan kabisera, kinailangan munang makuntento ni Emil sa mga kakaibang trabaho, na hindi nagtagal ay nagbigay daan sa isang permanenteng trabaho sa Ashet publishing house. Kasabay nito, sumulat si Zola ng mga artikulo para sa iba't ibang pahayagan at magasin.

Noong 1864, ang kanyang unang koleksyon ng mga kuwento na pinamagatang "Tales of Ninon" ay nai-publish, at isang taon mamaya ang nobelang "Claude's Confession" ay nai-publish, na nagdala ng malawak na katanyagan sa may-akda. Hindi umalis si Zola sa dramaturgical field.

Kabilang sa kanyang mga unang gawa ng ganitong genre, ang one-act vaudeville sa taludtod na "Living with Wolves is Howling Like a Wolf," ang sentimental na komedya na "Ugly Woman" (1864), pati na rin ang mga dulang "Madeleine" (1865) at " Ang mga Misteryo ng Marseilles” (1867) ay nararapat na espesyal na pansin.

Tinawag ng maraming kritiko ang unang seryosong gawain ni Émile Zola na drama na "Thérèse Raquin," na itinanghal batay sa nobela na may parehong pangalan sa Renaissance Theater noong 1873. Gayunpaman, ang makatotohanang balangkas ng dula at ang matinding panloob na tunggalian ng pangunahing tauhan ay pinasimple ng melodramatic denouement.

Ang drama na "Thérèse Raquin" ay kasama sa repertoire ng pinakamahusay na mga teatro ng Pransya sa loob ng ilang dekada ng ika-19 na siglo. Ayon sa maraming kontemporaryo, ito ay “isang tunay na trahedya kung saan si E. Zola, gaya ni Balzac sa “Père Goriot,” ay sumasalamin sa balak ni Shakespeare, na nagpakilala kay Therese Raquin kay Lady Macbeth.

Habang nagtatrabaho sa kanyang susunod na trabaho, ang playwright, na nabighani sa ideya ng naturalistic na panitikan, ay nagtakda ng layunin na lumikha ng isang "pang-agham na nobela" na magsasama ng data mula sa mga natural na agham, medisina at pisyolohiya.

Sa paniniwalang ang karakter at pagkilos ng bawat tao ay tinutukoy ng mga batas ng pagmamana, ang kapaligiran kung saan siya nakatira, at ang makasaysayang sandali, nakita ni Zola ang gawain ng isang manunulat sa isang layunin na paglalarawan ng isang tiyak na sandali ng buhay sa ilang mga kundisyon.

Ang nobelang "Madeleine Ferat" (1868), na nagpapakita ng mga pangunahing batas ng pagmamana sa pagkilos, ay naging unang tanda sa isang serye ng mga nobela na nakatuon sa buhay ng ilang henerasyon ng isang pamilya. Pagkatapos isulat ang gawaing ito, nagpasya si Zola na tugunan ang paksang ito.

Noong 1870, pinakasalan ng tatlumpung taong gulang na manunulat si Gabrielle-Alexandrina Mele, at pagkaraan ng tatlong taon ay naging may-ari ng isang magandang bahay sa mga suburb ng Paris. Di-nagtagal, ang mga batang manunulat, mga tagasuporta ng naturalistic na paaralan, na aktibong nagtataguyod ng mga radikal na reporma sa modernong teatro, ay nagsimulang magtipon sa sala ng mag-asawa.

Noong 1880, sa suporta ni Zola, ang mga kabataan ay naglathala ng isang koleksyon ng mga kwento na "Mga Gabi ng Medan", mga teoretikal na gawa na "Experimental Novel" at "Natural Novelists", ang layunin kung saan ay ipaliwanag ang tunay na kakanyahan ng bagong drama.

Kasunod ng mga tagasuporta ng naturalistic na paaralan, si Emil ay bumaling sa pagsulat ng mga kritikal na artikulo. Noong 1881, pinagsama niya ang mga indibidwal na publikasyon tungkol sa teatro sa dalawang koleksyon: "Our Playwrights" at "Naturalism in the Theatre," kung saan sinubukan niyang magbigay ng makasaysayang paliwanag ng mga indibidwal na yugto sa pagbuo ng French drama.

Ang pagkakaroon ng ipinakita sa mga gawang ito ng mga malikhaing larawan ng V. Hugo, J. Sand, A. Dumas fils, Labiche at Sardou, sa isang pagtatalo kung kanino ito nilikha teoryang aesthetic, hinangad ni Zola na ipakita ang mga ito nang eksakto kung ano sila sa buhay. Bilang karagdagan, ang mga koleksyon ay kasama ang mga sanaysay sa mga aktibidad sa teatro ni Daudet, Erckman-Chatrian at ang magkapatid na Goncourt.

Sa teoretikal na bahagi ng isa sa mga libro, ang mahuhusay na manunulat ay nagpakita ng isang bagong programa ng naturalismo, na sumisipsip ng pinakamahusay na mga tradisyon ng mga panahon ng Moliere, Regnard, Beaumarchais at Balzac - mga manunulat ng dulang na may mahalagang papel sa pag-unlad ng sining sa teatro hindi lamang sa France, ngunit sa buong mundo.

Sa paniniwalang ang mga tradisyon sa teatro ay nangangailangan ng seryosong rebisyon, nagpakita si Zola ng bagong pag-unawa sa mga gawain ng pag-arte. Direktang bahagi sa mga palabas sa teatro, pinayuhan niya ang mga aktor na "isabuhay ang dula sa halip na gawin ito."

Hindi sineseryoso ng playwright ang mapagpanggap na istilo ng pag-arte at declamation;

Si Zola ay partikular na interesado sa problema ng disenyo ng entablado. Salungat sa hindi maipaliwanag na tanawin ng klasikal na teatro, kasunod ng tradisyon ng Shakespearean, na kinabibilangan ng walang laman na entablado, nanawagan siya na palitan ang mga tanawin na "hindi nakikinabang sa dramatikong aksyon."

Pinapayuhan ang mga artista na gumamit ng mga pamamaraan na totoong naghahatid ng "kapaligiran sa lipunan sa lahat ng pagiging kumplikado nito," ang manunulat sa parehong oras ay nagbabala sa kanila laban sa simpleng "pagkopya ng kalikasan," sa madaling salita, laban sa simple, naturalistikong paggamit ng mga tanawin. Ang mga ideya ni Zola tungkol sa papel ng theatrical costume at makeup ay batay sa prinsipyo ng paglapit sa katotohanan.

Sa kritikal na paglapit sa mga problema ng modernong French drama, hiniling ng sikat na manunulat mula sa parehong mga aktor at direktor na ilapit ang aksyon sa entablado sa katotohanan, at pag-aralan nang detalyado ang iba't ibang mga karakter ng tao.

Bagama't itinaguyod ni Zola ang paglikha ng "mga buhay na larawan" na kinunan sa "mga tipikal na posisyon," pinayuhan niya sa parehong oras na huwag kalimutan ang tungkol sa pinakamahusay na mga tradisyon ng dramaturhiya ng mga sikat na klasiko tulad ng Corneille, Racine at Moliere.

Alinsunod sa isinulong na mga prinsipyo, maraming mga gawa ng mahuhusay na manunulat ng dula ang naisulat. Kaya, sa komedya na "The Heirs of Rabourdin" (1874), nang ipakita ang nakakatawang mga taga-bayan ng probinsya na naiinip na naghihintay sa pagkamatay ng kanilang mayamang kamag-anak, ginamit ni Zola ang storyline ng "Volpone" ni B. Johnson, gayundin ang mga katangian ng komedya. ng mga dula ni Molière.

Ang mga elemento ng paghiram ay matatagpuan din sa iba pang mga dramatikong gawa ni Zola: sa dulang "Rosebud" (1878), ang melodrama na "Rene" (1881), ang mga liriko na drama na "The Dream" (1891), "Messidor" (1897) at "Hurricane" (1901).

Kapansin-pansin na ang mga liriko na drama ng manunulat, na may kakaibang ritmikong wika at kamangha-manghang balangkas, na ipinahayag sa hindi katotohanan ng oras at lugar ng pagkilos, ay malapit sa mga dula nina Ibsen at Maeterlinck at may mataas na halaga ng masining.

Gayunpaman, ang mga kritiko sa teatro at ang metropolitan na publiko, ay dinala ang "mahusay na ginawa" na mga drama ng V. Sardou, E. Ogier at A. Dumas fils, walang malasakit na binati ang mga paggawa ng mga gawa ni Zola, na isinagawa sa direktang pakikilahok ng may-akda ng mahuhusay na direktor na si V. Byuznak sa maraming yugto ng teatro sa Paris.

Kaya, sa iba't ibang panahon, ang mga dula ni Zola na "The Trap" (1879), "Nana" (1881) at "Scum" (1883) ay itinanghal sa Ambigu Comique theater, at "The Belly of Paris" (1887) ay itinanghal sa ang Théâtre de Paris ), sa Free Theater - "Jacques d'Amour" (1887), sa Chatelet - "Germinal" (1888).

Sa panahon mula 1893 hanggang 1902, kasama sa repertoire ng Odeon Theater ang "The Page of Love", "Earth" at "The Misdemeanor of Abbé Mouret" ni Emile Zola, at matagumpay silang naitanghal sa entablado sa loob ng ilang taon. .

Ang mga tauhan sa teatro noong huling bahagi ng ika-19 na siglo ay nagsalita nang may pag-apruba sa huling panahon ng akda ng sikat na manunulat, na kinikilala ang kanyang mga merito sa pagkapanalo ng kalayaan sa mga dula sa entablado "na may iba't ibang mga plot, sa anumang paksa, na nagbibigay ng pagkakataon na magdala ng mga tao, manggagawa, sundalo, mga magsasaka sa entablado - lahat ng polyphonic at kahanga-hangang pulutong na ito."

Ang pangunahing monumental na gawain ni Emile Zola ay ang serye ng mga nobela na "Rougon-Macquart", na isinagawa sa loob ng ilang dekada, mula 1871 hanggang 1893. Sa mga pahina ng dalawampu't-tomo na gawaing ito, sinubukan ng may-akda na kopyahin ang isang larawan ng espirituwal at panlipunang buhay ng lipunang Pranses sa panahon mula 1851 (ang kudeta ni Louis Napoleon Bonaparte) hanggang 1871 (ang Paris Commune).

Sa huling yugto ng kanyang buhay, ang sikat na playwright ay nagtrabaho sa paglikha ng dalawang epikong siklo ng mga nobela, na pinagsama ng mga ideolohikal na pakikipagsapalaran ni Pierre Froment, ang pangunahing karakter ng mga gawa. Ang una sa mga siklong ito (“Tatlong Lungsod”) ay kinabibilangan ng mga nobelang “Lourdes” (1894), “Roma” (1896) at “Paris” (1898). Ang susunod na serye, "The Four Gospels," ay binubuo ng mga aklat na "Fruitfulness" (1899), "Work" (1901) at "Truth" (1903).

Sa kasamaang palad, ang “Apat na Ebanghelyo” ay nanatiling hindi natapos; Gayunpaman, ang pangyayaring ito ay hindi nabawasan ang kahalagahan ng gawaing ito, ang pangunahing tema kung saan ay ang mga ideyang utopia ng may-akda, na sinubukang mapagtanto ang kanyang pangarap ng tagumpay ng katwiran at paggawa sa hinaharap.

Dapat pansinin na si Emile Zola ay hindi lamang aktibong nagtrabaho sa larangan ng panitikan, ngunit nagpakita din ng interes sa buhay pampulitika ng bansa. Hindi niya binalewala ang sikat na kaso ni Dreyfus (noong 1894, isang opisyal ng French general staff, ang Jew Dreyfus, ay hindi makatarungang hinatulan ng espiya), na, ayon kay J. Guesde, ay naging "ang pinaka-rebolusyonaryong gawa ng siglo" at nakahanap ng mainit na tugon mula sa progresibong Pranses na publiko.

Noong 1898, sinubukan ni Zola na ilantad ang isang malinaw na pagkakuha ng hustisya: isang liham ang ipinadala sa Pangulo ng Republika na may pamagat na "I Accuse."

Gayunpaman, ang resulta ng aksyon na ito ay malungkot: ang sikat na manunulat ay nahatulan ng "paninirang-puri" at sinentensiyahan ng isang taon sa bilangguan.

Kaugnay nito, napilitang tumakas si Zola sa labas ng bansa. Siya ay nanirahan sa Inglatera at bumalik sa France noong 1900, pagkatapos ng pagpapawalang-sala kay Dreyfus.

Noong 1902, ang manunulat ay namatay nang hindi inaasahan; ang opisyal na sanhi ng kamatayan ay pagkalason sa carbon monoxide, ngunit marami ang nag-isip na ang "aksidente" na ito ay pinaplano nang maaga. Sa kanyang talumpati sa libing, tinawag ni Anatole France ang kanyang kasamahan na "konsensya ng bansa."

Noong 1908, ang mga labi ni Emile Zola ay inilipat sa Pantheon, at makalipas ang ilang buwan ang sikat na manunulat ay iginawad sa posthumously ng pamagat ng miyembro ng French Academy of Sciences (tandaan na sa kanyang buhay ang kanyang kandidatura ay iminungkahi ng halos 20 beses).

Kabilang sa mga pinakamahusay na kinatawan ng French drama sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo ay maaaring pangalanan ng isang may talento na manunulat, mamamahayag at manunulat ng dula. Alexis Fields(1847-1901). Maaga siyang nagsimulang makisali sa pagkamalikhain sa panitikan;

Matapos makumpleto ang kanyang pag-aaral, nagsimulang magtrabaho si Paul sa mga pahayagan at magasin bilang karagdagan, naaakit din siya sa drama. Noong huling bahagi ng 1870s, isinulat ni Alexis ang kanyang unang dula, ang Mademoiselle Pomme (1879), na sinundan ng iba pang mga dramatikong obra maestra.

Ang aktibidad sa teatro ni Paul Alexis ay malapit na konektado sa Libreng Teatro ng natitirang direktor at aktor na si Andre Antoine. Sa pagsuporta sa malikhaing paghahanap ng mahuhusay na direktor, ang playwright ay nagtanghal pa para sa kanya ng kanyang pinakamahusay na maikling kuwento, "The End of Lucy Pellegrin," na inilathala noong 1880 at itinanghal sa Paris Theater noong 1888.

Bilang isang masigasig na tagahanga ng naturalismo sa mga sining ng pagtatanghal, sinalungat ni Paul Alexis ang pagpapalakas ng mga anti-makatotohanang tendensya sa teatro ng Pransya.

Ang pagnanais para sa naturalismo ay ipinahayag sa dulang "The Maid About Everything," na isinulat noong 1891 at itinanghal sa Variety Theater makalipas ang ilang buwan. Maya-maya, sa ilalim ng pamumuno ni Alexis, isang produksyon ng nobela ng magkapatid na Goncourt na "Charles Demaillies" (1893) ay itinanghal sa Gymnaz Theatre.

Ang mga gawa ng isa pa, hindi gaanong sikat na French playwright, ay puno ng humanistic motifs. Edmond Rostand(1868-1918). Ang kanyang mga dula ay sumasalamin sa mga romantikong mithiin ng paniniwala sa espirituwal na kapangyarihan ng bawat indibidwal. Ang mga bayani ng mga gawa ni Rostanov ay mga marangal na kabalyero, mga mandirigma para sa kabutihan at kagandahan.

Ang debut ng playwright sa entablado ay naganap noong 1894, nang ang kanyang komedya na "Romantics" ay ginanap sa Comedy Française. Sa gawaing ito, hinangad ng may-akda na ipakita ang kadakilaan ng taos-pusong damdamin ng tao, upang ipakita sa madla ang kalungkutan at panghihinayang para sa walang muwang na romantikong mundo na isang bagay ng nakaraan. Ang "Romantics" ay isang matunog na tagumpay.

Ang kabayanihang komedya ni Rostand na si Cyrano de Bergerac, na itinanghal sa Port-Saint-Martin Theater sa Paris noong 1897, ay partikular na sikat din. Nagawa ng playwright na lumikha ng isang matingkad na imahe ng isang marangal na kabalyero, isang tagapagtanggol ng mahina at nasaktan, na kalaunan ay nakatanggap ng tunay na sagisag sa paglalaro ng pinakamahusay na aktor ng French theater school.

Ang higit na nakapagpaparamdam sa masining na konsepto ng dula ay ang katotohanan na ang maganda, marangal na kaluluwa ng pangunahing tauhan ay nagtatago sa likod ng isang pangit na anyo, na pinipilit niyang itago ang kanyang pagmamahal sa magandang Roxana sa loob ng ilang taon. Bago lamang siya mamatay ay isiniwalat ni Cyrano ang kanyang nararamdaman sa kanyang minamahal.

Ang kabayanihang komedya na "Cyrano de Bergerac" ang pinakatuktok ng pagkamalikhain ni Edmond Rostand. Sa huling taon ng kanyang buhay, sumulat siya ng isa pang dula, na tinawag na "Ang Huling Gabi ni Don Juan" at nagpapaalala sa isang pilosopikal na treatise sa likas na katangian ng pagtatanghal at pangunahing kahulugan nito.

Ang isang mahalagang papel sa sining ng pagtatanghal ng France sa pagtatapos ng ika-19 at simula ng ika-20 siglo ay ginampanan ng tinatawag na Antoine Theater, na itinatag sa Paris ng namumukod-tanging direktor, aktor at teatro na si Andre Antoine.

Sinimulan ng bagong teatro ang trabaho nito sa lugar ng isa sa mga salon ng Menu-Plaisir. Ang kanyang repertoire ay batay sa mga gawa ng mga kabataang kababayan at ang pinakamahusay na mga halimbawa ng bagong dayuhang drama. Inanyayahan ni Antoine ang mga aktor sa kanyang tropa na nakatrabaho niya sa loob ng ilang taon sa Free Theater (ang huli ay tumigil na umiral noong 1896).

Ang mga premiere productions ng Antoine Theater ay medyo matagumpay na pagtatanghal ng mga dula ng mga batang French playwright na sina Brieux at Courtelin.

Sa paglikha ng kanyang teatro, hinangad ng direktor na lutasin ang parehong mga problema na iniharap sa kanya habang nagtatrabaho sa Free Theater.

Ang pag-apruba sa mga ideya ng naturalistic na paaralan ng French theatrical art, hindi lamang itinaguyod ni Antoine ang mga gawa ng mga batang manunulat na Pranses, ngunit ipinakilala din ang mga madla ng kapital sa bagong dayuhang drama, na bihirang lumitaw sa entablado ng Pransya (sa oras na iyon, walang laman, walang kahulugan na mga dula ni ang mga naka-istilong may-akda ay itinanghal sa mga yugto ng maraming mga teatro sa Paris) .

Bilang karagdagan, ang direktor ay nakipaglaban sa mga craft at "cash-office plays" na nangako ng malaking kita dahil ang sining ay nauna para sa kanya.

Sa pagsisikap na lumikha ng bago, naiiba sa Libreng Teatro, na ang mga pagtatanghal ay maaari lamang daluhan ng mga may hawak ng mamahaling season ticket, nagbigay si Antoine ng mga bayad na pagtatanghal na idinisenyo para sa malawak na madla. Upang makamit ito, ipinakilala ng teatro ang katamtamang mga presyo ng tiket, at upang makaakit ng malawak na hanay ng mga manonood, ang malawak na repertoire ay madalas na na-update.

Kasama sa playbill ng Antoine Theater ang mga dula ng mga kabataang kababayan gaya nina A. Brieux, E. Fabre, P. Loti, L. Besnier, J. Courtelin, L. Decave at iba pa na itinanghal batay sa mga gawa ni Maupassant, Zola, at Balzac ay lalo na sikat. Bilang karagdagan, ang mga pag-play ng mga dayuhang may-akda - Ibsen, Hauptmann, Sudeomann, Heijermans, Strindberg - ay nagtagal sa repertoire ng teatro sa loob ng mahabang panahon.

Noong 1904, itinanghal ang King Lear ni Shakespeare sa Antoine Theater. Ang pagtatanghal na ito ay gumawa ng isang hindi maalis na impresyon sa madla pagkatapos, maraming mga direktor ng Pransya, na napagtatanto kung gaano kataba ang lupang ito, ang bumaling sa walang hanggang drama ng Shakespeare.

Sa simula ng 1905, walang natitira sa dating progresibo ni Andre Antoine ang mga pampubliko at mga kritiko sa teatro ng kabisera na walang malasakit na bumati sa mga paggawa ng mga dulang hango sa mga dula ng reaksyunaryong manunulat ng dulang si de Curel at mga pelikulang maaksyong uso noong panahong iyon na may napakabilis na baluktot. balangkas. Noong 1906, napilitan ang direktor na iwanan ang kanyang utak at lumipat sa isa pa, na hindi gaanong tanyag sa mga Parisian, ang teatro ng Odeon.

Ang Antoine Theater ay pinamumunuan ni Firmin (Tonnerre) Zemier (1869-1933), isang mahuhusay na estudyante ni Andre Antoine, isang sikat na artista, direktor at masiglang pigura ng teatro. Siya ay ipinanganak sa pamilya ng isang mahirap na innkeeper. Dahil maagang nawalan ng ina, napilitan si Firmen na huminto sa kanyang pag-aaral at magtrabaho.

Noong 1887, pagkatapos makumpleto ang mga pribadong kurso sa drama, nakatanggap si Zhemier ng isang posisyon bilang dagdag sa Free Theater, ngunit sa lalong madaling panahon siya ay tinanggal sa utos ng direktor, na hindi nasisiyahan sa kanyang mga aktibidad.

Gayunpaman, ang trabaho sa ilalim ng direksyon ni Andre Antoine ay may malaking epekto sa pag-unlad ng mga kasanayan ng batang aktor. Kasunod nito, higit na inulit ni Zhemier ang mga ideya ng guro, na nagsusulong ng pagtanggi sa "nakasanayan, sira-sira at nakakapinsalang mga pananaw." Nakita niya ang layunin ng dramatikong sining ng teatro sa paglilingkod sa mga tao, at ang lahat ng kanyang gawain ay isinailalim sa propaganda ng mga prinsipyo ng realismo.

Kasabay nito, ang pagtatanggol sa mataas na humanistic ideals, si Zhemier ay matalas na pinuna ang mga phenomena ng pang-araw-araw na buhay na humahadlang sa progresibong pag-unlad ng lipunan at kultura ng mundo sa kabuuan.

Noong 1898, nakatanggap ng isang imbitasyon mula sa pamamahala ng teatro ng Belleville, ang aktor ay masigasig na nagtrabaho sa Belleville hanggang 1890. Kasabay nito, sinubukan ni Zemier ng tatlong beses na pumasok sa klase ng drama ng Paris Conservatory, ngunit hindi ito nagtagumpay.

Sa loob ng tatlong taon (1892-1895), ang aktor ay naglaro sa entablado ng Libreng Teatro, pagkatapos ay nagsimula ang isang panahon ng paglibot para sa kanya: Si Zhemier ay nagtrabaho sa iba't ibang mga grupo ng teatro sa Paris, ang pinakasikat kung saan sa oras na iyon ay ang Gymnaz, Pagkamalikhain, at mga teatro ng Ambigu ", Théâtre Antoine, "Renaissance" at "Chatelet".

Sa simula ng 1904, na nakatanggap ng isang paanyaya mula sa pamamahala ng tropa ng Pransya ng Mikhailovsky Theatre, si Zhemier, kasama ang kanyang asawa, ang aktres na si A. Megar, ay pumunta sa St. Sa pagbabalik sa kanyang tinubuang-bayan noong 1906, nakatanggap siya ng imbitasyon na pamunuan ang pangkat ng Antoine Theater at hinawakan ang posisyon ng direktor sa loob ng labinlimang taon.

Pagkaalis ni Zhemier noong 1921, nawala ang dating kahalagahan ng Antoine Theater bilang isang advanced artistic group, isang muog ng mga batang manunulat at progresibong intelihente, at naging isang ordinaryong metropolitan na teatro.

Sinimulan ni Firmin Zemier ang kanyang karera sa direktor noong 1900 habang nagtatrabaho sa teatro ng Gymnaz. Ginagabayan ng pinakamahusay na mga tradisyon ng makatotohanang sining, ang progresibong direktor ay matapang na nag-eksperimento, na nagpapakita sa madla ng mga bagong anyo ng pagkilos sa entablado, kung saan sinubukan niyang pagsamahin ang pagiging epektibo ng teatro sa makasariling katotohanan ng buhay.

Tinatanggihan ang "frozen classicism" kasama ang hindi napapanahong mga panuntunan sa pagdidirekta, hinangad ni Zhemier na ipakita sa publiko ang isang makulay at pabago-bagong pagganap, na siyang nakaakit ng malaking bilang ng mga manonood sa Gymnaz.

Naniniwala ang direktor na ang apela sa mga gawaing ideolohikal ang mga modernong manunulat na Pranses ang tanging tamang direksyon sa usapin ng pag-update ng French drama.

Itinanghal ng Antoine Theater at ng Renaissance Zémier ang mga dulang "La Vie Sociale" ni Fabre (1901), "The Woman of Paris" ni Beck (1901), "Thérèse Raquin" ni Zola (1902), "The 14th of July" ni Rolland (1902), "The Wedding of Krechinsky" Sukhovo-Kobylina (1902), "Anna Karenina" (1907) ni Tolstoy, "The Winners" ni Fabre (1908).

Naakit din ang direktor sa pamana ni Shakespeare; ang mga produksyon ng Hamlet (1913), The Merchant of Venice (1916), Antony and Cleopatra (1917), at The Taming of the Shrew (1918) ay masigasig na tinanggap ng publiko ng Paris.

Sa direktang pakikilahok ni Firmin Zemier, ang Shakespeare Society ay inorganisa sa France noong 1916, ang layunin nito ay gawing popular ang mga gawa ng sikat na English classic. Maya-maya, sa inisyatiba ng taong ito, nilikha ang isang unyon ng mga manggagawa sa sining.

Noong 1920, natupad ang matagal nang pangarap ni Zemier na lumikha ng isang tunay na katutubong teatro na magagamit ng masa. Sa Paris, sa magandang bulwagan ng Palasyo ng Trocadero, na kayang tumanggap ng 4 na libong manonood, binuksan ang National People's Theater. Di-nagtagal ay nakatanggap ito ng katayuan ng estado (ang Grand Opera, Comédie Française at Odeon ay ginawaran din ng katulad na karangalan).

Kasabay ng pamamahala ng kanyang paboritong brainchild, nagsagawa si Zhemier ng mga produksyon sa mga yugto ng mga sinehan ng Comedie Montaigne at Odeon.

Ang National People's Theater ay nagtanghal ng mga dula ni R. Rolland "14 July" at "Wolves", "The Marriage of Figaro" ni P. O. Beaumarchais. Ang mga pagtatanghal ng mga dula ni Shakespeare ay nagpatibay sa kadakilaan ng indibidwal at kasabay nito ang trahedya ng isang tao na nagsimula sa landas ng krimen ("The Merchant of Venice," "Richard III").

Gayunpaman, ang mga kahirapan sa materyal at ang kakulangan ng mga lugar kung saan ipinakita ang mga pagtatanghal ay humadlang sa paggawa ng pampublikong masa ay nagpapakita na pinangarap ni Zhemier nang lumikha ng kanyang teatro.

Pagkatapos ng kamatayan ni Zhemier noong 1933, ang National People's Theater ay nahulog sa pagkasira ng bagong buhay lamang sa pagdating ni Jean Vilar sa koponan noong 1951, na tatalakayin sa ibaba.

Si Firmin Zemier ay nagbigay ng espesyal na pansin sa edukasyon ng hinaharap na henerasyon ng mga aktor. Sa layuning ito, noong 1920, sa kanyang inisyatiba, ang Dramatic Conservatory ay binuksan sa Antoine Theater, kung saan natutunan ng mga batang talento ang mga pamamaraan ng modernong pag-arte.

Hindi tulad ng Paris Conservatory, kung saan ang declamation ang batayan ng pagtuturo, sa institusyong pang-edukasyon ni Zemier ang diin ay ang pag-abandona sa mga lumang tradisyon sa teatro na nawala ang kanilang sigla.

Noong 1926, sinubukan ng sikat na aktor at direktor na magtatag ng World Theatre Society, na ang mga tungkulin ay kinabibilangan ng pag-aayos ng mga internasyonal na pagdiriwang, paglilibot at lahat ng uri ng mga malikhaing kumperensya, ngunit hindi nagtagumpay.

Noong 1928, bumisita si Zhemier sa Russia sa pangalawang pagkakataon. Ang mga pagpupulong sa Moscow kasama ang mga kasamahan mula sa mga tropa ng kabisera ay nagpakita sa kanya ng mataas na antas ng kasanayan ng mga aktor at direktor ng Russia. Ang paglalakbay ay naging napaka-edukasyon.

Ang mature na panahon ng trabaho ni Firmin Zemier ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagpapatupad ng mga progresibong ideya at matapang na adhikain, na napanatili mula sa kanyang panahon sa Free Theater.

Ang kanyang maraming nalalaman na talento ay nagpapahintulot sa aktor na maglaro sa mga produksyon ng iba't ibang mga genre, lumikha ng mga nakakaantig, trahedya o liriko na mga imahe sa entablado, pati na rin ang mga papel na ginagampanan ng mga komedyang karakter sa mga satirical na dula.

Kinilala ng mga kritiko sa teatro ang pinakamatagumpay na tungkulin ni Zemier bilang Patlen sa komedya na "Abogado Patlen" at Philip II sa drama ni Schiller na "Don Carlos."

Hindi gaanong kaakit-akit ang mga imahe ni Ubu sa "The King of Ubu" ni Jarry, ang walang kaluluwang nagseselos na Karenin sa paggawa ng "Anna Karenina" ni Tolstoy, ang masayang kasamang Jourdain sa "The Bourgeois of the Nobility" ni Molière, Shylock sa " The Merchant of Venice” ni Shakespeare, Philippe Brideau sa “The Life of a Bachelor” O. Balzac.

Gayunpaman, itinuring mismo ni Zhemier ang mga larawan ng mga ordinaryong tao sa mga pagsasadula ng kanyang mga gawa bilang ang kanyang pinakamahusay na mga likha at isang mahusay na malikhaing tagumpay. modernong manunulat ng dula(ang manggagawang si Baumert sa "The Weavers", ang stonemason na si Papillon sa dulang "Papillon, the Just Lyonnais" ni Hauptmann, atbp.). Isang hindi maunahang master ng makeup, alam ni Firmin Zhemier kung paano baguhin ang kanyang hitsura nang hindi nakikilala. Ang kanyang katangian na birtuosidad at mahusay na teknikal na kasanayan ay naging posible upang lumikha ng emosyonal, dynamic na mga imahe sa entablado, na sumasalamin sa mga character ng mga character sa banayad na mga nuances.

Ang mga galaw at kilos ni Zhemier ay hindi gaanong nagpapahayag kaysa sa kanyang mga intonasyon. Ayon sa kanyang mga kasamahan, ang aktor na ito ay "lahat ng naturalness." Si Firmin Zemier ay hindi nawala ang mga tampok na ito ng kanyang pag-arte sa sinehan, ang kanyang karera kung saan nagsimula noong 1930, pagkatapos umalis sa teatro ng Odeon.

Ang gawain ng mahuhusay na aktres na si Sarah Bernhardt (1844-1923) ay may malaking kahalagahan para sa kasaysayan ng French performing arts. Ang pagkakaroon ng interes sa teatro bilang isang bata, ginawa niya ang entablado na pangunahing bagay sa kanyang buhay.

Matapos makapagtapos ng mga kurso sa pag-arte sa Paris Conservatory, nagsimulang magtrabaho si Sarah Bernhardt sa entablado ng teatro.

Ang talentadong batang aktres ay gumawa ng kanyang debut sa propesyonal na entablado (sa Comedie Française theater) noong 1862. Sa dulang hango sa dula ni Racine na "Iphigenia in Aulis" ginampanan niya ang papel ng pangunahing tauhan. Gayunpaman, isang hindi matagumpay na pagganap ang nagpilit kay Bernard na umalis sa Comédie Française. Sinundan ito ng isang panahon ng creative exploration na tumagal mula 1862 hanggang 1872. Sa oras na ito, nagtrabaho si Sarah sa Gymnasium, Port Saint-Martin at Odeon. Ang pinakamatagumpay na papel na ginampanan ng aktres sa mga entablado ng mga teatro na ito ay si Zanetto sa dula ni Coppe na "The Passer-by", ang reyna sa "Ruy Blase" nina Victor Hugo at Doña Sol sa "Hernani" ng parehong may-akda.

Noong 1872, nakatanggap si Sarah Bernhardt ng alok mula sa pamamahala ng Comédie Française at muling nagsimulang magtanghal sa entablado ng teatro na ito. Dito, sa loob ng walong taon, ginampanan ng aktres ang mga nangungunang papel sa mga komedya ng Racine at Voltaire, na nangangarap na lumikha ng kanyang sariling teatro.

Noong 1880, umalis si Sarah Bernhardt sa Comédie Française sa pangalawang pagkakataon at, nang pinamunuan ang mga kumikilos na tropa ng una sa teatro ng Port-Saint-Martin at pagkatapos ng Renaissance, sinubukan niyang ayusin ang kanyang sariling teatro. Ang kanyang mga pangarap ay nakatakdang matupad lamang noong 1898, nang lumitaw ang mga poster para sa bagong Sarah Bernhardt Theater sa mga lansangan ng Paris.

Ang walang katulad na kasanayan ng mahuhusay na artista, ang susi kung saan ay ang kanyang mahusay na panlabas na pamamaraan, ay nag-ambag sa paglago ng kanyang karera sa entablado. Ito mismo ang nakita ng mga kritiko sa teatro bilang dahilan ng matunog na tagumpay ng sikat na Sarah.

Bagama't mahusay na nakayanan ang mga ginagampanan ng babae sa mga produksyon ng kanyang teatro, ang aktres ay gayunpaman ay nagbigay ng kagustuhan sa mga papel na lalaki, lalo na ang papel ni Hamlet sa dula ni Shakespeare na may parehong pangalan. Gayunpaman, ang tugatog ng husay sa pag-arte ni Sarah Bernhardt ay ang papel ni Marguerite Gautier sa dulang "Lady of the Camellias" ni Alexandre Dumas the Son. Hindi gaanong hindi malilimutan ang pangunahing tauhang si Bernard sa melodrama na "Adrienne Lecouvreur" ni E. Scribe.

Maraming mga playwright ang lumikha ng kanilang mga dula para mismo kay Bernard, sa pag-asang ang mahuhusay na aktres, sa kanyang kahanga-hangang pagganap, na pinipilit ang madla na makiramay sa kapalaran ng mga karakter, ay luluwalhatiin ang mga pangalan ng mga may-akda. Kaya, ang mga melodramas na "Cleopatra" at "Phaedra", na isinulat ng playwright na si Sardou partikular para sa Sarah Bernhardt Theater, ay idinisenyo para sa pakikilahok sa mga produksyon ni Sarah mismo.

Noong kalagitnaan ng 1890s, ang repertoire ng aktres ay may kasamang malaking bilang ng mga tungkulin, ang pinakamatagumpay kung saan tinawag ng mga kritiko sa teatro ang mga larawang nilikha ni Sarah sa mga neo-romantic na dula ni Rostand (Princess Melissande, Duke of Reichstadt sa The Eaglet, Lorenzaccio sa dula. ng parehong pangalan).

Si Sarah Bernhardt, na bumaba sa kasaysayan ng sining ng teatro sa mundo bilang isang mahuhusay na tagapalabas ng magkakaibang mga tungkulin, ay mananatiling isang mataas na halimbawa ng pag-arte, isang hindi matamo na ideal.

Ang mga unang dekada ng ika-20 siglo, na minarkahan ng magulong mga kaganapan sa buhay pampulitika ng karamihan sa mga bansa sa mundo, ay may medyo negatibong epekto sa buhay pangkultura ng mga estadong ito, lalo na sa sining ng teatro.

Ang panahon ng pansamantalang pagpapapanatag kasunod ng pagtatapos ng Unang Digmaang Pandaigdig ay nag-ambag sa muling pagkabuhay ng aktibidad sa teatro sa France.

Ang mga repertoires ng karamihan sa mga teatro ng Pransya noong ika-20 siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pambihirang lawak ng saklaw: ang mga obra maestra ng klasikal na trahedya, romantikong drama at komedya ng medyebal na panahon ay muling nakapaloob sa entablado ng teatro. Ngunit iyon ay kalaunan, at sa ngayon ang teatro ng Pransya ay nanatiling nakaaaliw.

Sa panahon ng post-war sa France, nagkaroon ng muling pagkabuhay ng komersyal na teatro, na nakatuon sa mga interes ng metropolitan public at iginiit ang sining ng mga legal na cliches at katangi-tanging mise-en-scène.

Noong 1920s, pinagtibay ng commercial boulevard theaters ng Paris ang prinsipyo ng isang dula na ginaganap sa entablado para sa ilang gabi hangga't sikat ang pagtatanghal. Kasunod nito, inalis ang dula sa repertoire ng teatro at pinalitan ng bago, na itinatanghal din sa entablado tuwing gabi.

Sa kanilang pagnanais na aliwin ang publiko ng Paris, ang mga aktor ng mga teatro sa boulevard na "Gimnaz", "Renaissance", "Port Saint-Martin", "Héberto", "Vaudeville" at iba pa ay hindi hinamak ang anumang paraan, kahit na gumagamit ng mga malalaswang plot at murang theatrical tricks .

Napakahusay na kasanayan sa mga lihim ng kasanayan sa teatro, mga kakaibang cliches na minana mula sa mga nakaraang henerasyon ng mga aktor, ang susi sa matagumpay na pagtatanghal sa entablado noong ika-20 siglo. Ang plasticity, expressiveness, mahusay na diction at mahusay na kontrol ng boses ang naging layunin ng pag-arte.

Kasabay nito, sa mga aktor ng boulevard mayroon ding mga mataas na propesyonal na masters, na ang mga pagtatanghal ay nakikilala sa pamamagitan ng isang mataas na pakiramdam ng estilo. Kabilang sa mga pinakakilalang figure ng French artistic world noong unang kalahati ng ika-20 siglo, ang ama at anak ni Guitry ay nararapat na espesyal na atensyon.

Sikat na artista at playwright Lucien Guitry(1860-1925) ay ipinanganak sa Paris. Matapos makapagtapos mula sa konserbatoryo noong 1878, sumali siya sa tropa ng teatro ng Gymnaz - ito ay kung paano nagsimula ang kanyang aktibidad sa entablado.

Ang labing-walong taong gulang na aktor ay gumawa ng kanyang debut sa papel ni Armand sa dula batay sa dulang "The Lady of the Camellias" ni A. Dumas the Son. Ang matagumpay na pagganap ni Lucien ay napansin ng pamamahala ng tropang Pranses ng Mikhailovsky Theater, at sa lalong madaling panahon ang batang talento ay nagmamadali na sa St.

Ang talentadong aktor ay gumugol ng ilang mga panahon ng teatro sa Mikhailovsky Theater, at sa pagbabalik sa Paris noong 1891, nagsimula siyang magtanghal sa mga yugto ng iba't ibang mga teatro sa boulevard - tulad ng Odeon, Port Saint-Martin, atbp.

Noong 1898-1900, nagtrabaho si Lucien Guitry kasama ang mahuhusay na aktres na si G. Rézham sa paglahok ng duet na ito sa dula ni Rostand na "The Eaglet" (Lucien ang gumanap bilang Flambeau) ay nagdala ng hindi pa naganap na tagumpay sa produksyon.

Hindi gaanong kawili-wili ang gawain ni L. Guitry sa dulang "Chauntecleer," na itinanghal sa entablado ng isa sa mga komersyal na sinehan noong 1910. Bilang isang aktor na may pigil na ugali, gayunpaman ay nagawa ni Lucien na lumikha ng isang maliwanag, dynamic na imahe sa entablado.

Pagkalipas ng pitong taon, ipinakita ni L. Guitry sa publiko ang kanyang mga dramatikong gawa na "Grandfather" at "The Archbishop and His Sons", ang mga paggawa kung saan sa entablado ng Port-Saint-Martin Theater ay naging matagumpay.

Noong 1919, ginampanan ni Lucien ang kanyang unang papel sa isang dula batay sa dula ni Alexandre Guitry. Kasunod nito, ang ama ay gumanap ng maraming mga tungkulin sa mga gawa na isinulat ng kanyang anak lalo na para sa kanya - "Pasteur", "Tama ang Aking Ama", "Beranger", "Jacqueline", "Paano Isinulat ang Kasaysayan".

Nagpatuloy si Lucien Guitry sa pagtanghal sa entablado hanggang mga huling Araw sariling buhay; ang kanyang paglalaro, na nakikilala sa pamamagitan ng katotohanan, laconic characterization, alien sa affectation, natutuwang mga tao hanggang 1925.

Sa mga huling taon ng kanyang buhay, ang aktor ay lumikha ng maliliwanag at di malilimutang mga karakter sa mga komedya ni Molière - Alceste sa The Misanthrope, Tartuffe sa dula ng parehong pangalan at Arnolf sa The School for Wives.

Siya ay hindi gaanong sikat kaysa sa kanyang ama noong unang kalahati ng ika-20 siglo. Sasha (Alexander) Guitry(1885-1957), mahuhusay na Pranses na teatro at artista sa pelikula, sikat na manunulat at manunulat ng dula.

Ang masiglang kapaligiran ng buhay teatro na sinamahan ng pagkabata ng anak ni Guitry ay nag-ambag sa kanyang pagkahilig sa teatro ay tila hindi gaanong kaakit-akit sa batang Alexander, lalo na dahil matagumpay ang mga unang gawa ni Sasha.

Ang kanyang propesyonal na aktibidad sa panitikan ay nagsimula noong 1901, nang ang unang dula na pinamagatang "The Page" ay nai-publish, na itinanghal nang kaunti mamaya sa entablado ng Parisian Renaissance Theater. Unti-unti, si Sasha Guitry ay naging isa sa mga nangungunang kinatawan ng "boulevard drama". Halos lahat ng kanyang mga dula, at mayroong higit sa 120 sa kanila, ay kasama sa mga repertoires ng iba't ibang mga teatro ng kapital.

Ang mga dula ng Guitry the Son, kasama ang kanilang nakakatawa, medyo mapang-uyam at mababaw, ngunit sa parehong oras na nakakaaliw na aksyon, ay nagtamasa ng patuloy na katanyagan sa karamihan ng publiko ng kabisera, na nakita ang teatro lamang bilang isang paraan ng libangan.

Marami sa mga dramatikong gawa ni Sasha Guitry ay batay sa mga adulterous plot na may mga nakakatuwang sitwasyon at iba't ibang uri ng nakakatuwang mga kahangalan. Ito ang kanyang mga dulang "At the Zoaks" (1906), "A Scandal in Monte Carlo" (1908), "The Night Watchman" (1911), "Jealousy" (1915), "Husband, Wife and Lover" (1919) , "Mahal kita" (1919).

Bilang karagdagan, ang manunulat ng dulang ito ay nagsulat ng isang bilang ng mga gawa sa talambuhay na tinatawag na "mga dramatikong talambuhay" - "Jean La Fontaine", "Debureau", "Pasteur", "Beranger", "Mozart", atbp.

Noong 1902, nakakuha si Sasha Guitry ng katanyagan bilang isang mahuhusay na artista. Ang kanyang mga pagtatanghal sa Renaissance Theater ay isang hindi pa nagagawang tagumpay. Sa lalong madaling panahon, ang aktor ay bumuo ng kanyang sariling istilo ng trabaho sa entablado - isang istilo ng magaan, masayang sining, katamtamang tunay at masigla, na nagbibigay sa madla ng pagkakataong magsaya sa teatro.

Si Sasha Guitry ay naging pinakatanyag sa kanyang mga tungkulin bilang mga kaakit-akit na manliligaw sa kanyang sariling mga dula: ginampanan niya ang mga ito nang may kaunting kabalintunaan, na parang palihim na nakatingin sa kanyang bayani mula sa labas.

Ang isang madilim na batik sa reputasyon ng Guitry na anak ay ang kanyang pakikipagtulungan sa mga Nazi noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Noong 1945, siya ay nakulong, ngunit hindi nagtagal ay pinalaya at ipinagpatuloy ang kanyang trabaho bilang isang manunulat ng dula.

Noong 1949, sumulat si Guitry ng dalawang dula - "Toa" at "You Saved My Life", na ipinakita sa ibang pagkakataon sa Variety Theater. Noong 1951, sa entablado ng parehong teatro, naganap ang premiere screening ng "Madness" ni Sasha Guitry, na sa oras na iyon ay naging interesado sa sinehan (ginampanan niya ang ilang mga tungkulin sa mga pelikula noong 1950s).

Ang kuta ng akademikong yugto sa unang kalahati ng ika-20 siglo ay nanatiling parehong "Comédie Française" kasama ang tradisyonal na mga prinsipyo sa entablado at klasikal na repertoire. Ang sitwasyong ito ay nag-ambag sa pagbabago ng pinakamalaking teatro ng estado sa France sa isang uri ng teatro-museum, laban sa mga sikat na teatro sa boulevard, sa isang banda, at ang mga makabagong adhikain ng karamihan ng mga manggagawa sa teatro, sa kabilang banda.

Ang panahon mula 1918 hanggang 1945 sa kasaysayan ng teatro ng Comedie Française ay karaniwang nahahati sa tatlong yugto. Ang una sa kanila, mula 1918 hanggang 1936, ay naganap sa ilalim ng pamumuno ng pangkalahatang tagapangasiwa na si Emile Fabre, ang pangalawa, mula 1936 hanggang 1940, ay minarkahan ng aktibong gawain ni Edouard Bourdais, ang pangatlo, mula 1940 hanggang 1945, ay minarkahan. sa pamamagitan ng gawain ng unang Jacques Copeau at pagkatapos ay Jean Louis Vaudoyer.

Ang lahat ng mga pinuno ng Comédie Française ay naghangad na panatilihin ang teatro sa antas ng isang "modelong yugto," gayunpaman, ang mga bagong panlipunang ideya at pakikipagsapalaran sa larangan ng sining ng pagtatanghal ay patuloy na tumagos sa panloob na buhay ng teatro.

Noong 1921, sinubukan ng direktor na si Georges Berre na ipakita ang Tartuffe ni Molière sa entablado ng Comédie Française sa isang bagong paraan: ang aksyon ng dula, na nagaganap sa bahay ni Orgon, sa kalye, o sa hardin, ay sumisira sa dating nangingibabaw na prinsipyo ng ang pagkakaisa ng lugar, at ang pagkakaisa ng panahon ay binalewala din .

Gayunpaman, nabigo ang direktor na punan ang klasikong gawain ng bagong nilalaman na tumutugma sa diwa ng panahon. Bilang isang resulta, ang karanasan ni Burr ay hindi binuo sa karagdagang mga paggawa ng teatro.

Sa pagtatapos ng 1933, itinanghal ni E. Fabre ang Coriolanus ni Shakespeare sa Comédie Française. Ang pagganap, na nagpukaw ng mga asosasyon sa mga modernong katotohanan (ang tagumpay ng mga Nazi sa Alemanya), ay nakakuha ng hindi kapani-paniwalang katanyagan. Ito ay higit sa lahat dahil sa mahusay na pagtatanghal ng mga nangungunang aktor na sina Rene Alexandre (1885-1945) at Jean Hervé (1884-1962), na naiiba ang interpretasyon sa imahe ng despotikong Romanong pinuno na si Coriolanus.

Ang sikat na playwright, may-akda ng maraming "comedies of manners" na si Edouard Bourdais, na pumalit sa hindi gaanong kilalang Emile Fabre bilang pinuno ng Comédie Française, ay lubos na nauunawaan na ang pinakalumang teatro sa Pransya ay kailangang i-update ang repertoire nito, na ipinakilala ito sa mga pangunahing problema. ng ating panahon.

Upang malutas ang mga problemang ito, inimbitahan ng Comédie Française ang mga nangungunang figure ng theatrical art, mga tagasuporta ng realistic theater, direktor na si Jacques Copeau at ang kanyang mga mag-aaral, ang mga tagapagtatag ng "Cartel of Four" na sina Charles Dullen, Louis Jouvet at Gaston Baty.

Ang sikat na direktor, aktor, guro ng teatro, at may-akda ng isang bilang ng mga teoretikal na gawa sa teatro, si Jacques Copeau, ay naghangad na iakma ang klasikal na repertoire ng pinakamatandang teatro sa mga modernong katotohanan. Nais niyang muling bigyang-kahulugan ang mga pangunahing ideya ng mga gawa ng Moliere, Racine, Dumas fils at iba pa.

Nagtatrabaho noong 1937 sa paggawa ng "Bayazet" ni Racine, itinuro ni Copo sa mga aktor ang isang mas pinipigilang deklarasyon, malaya sa labis na melodiousness at sa parehong oras ay hindi nasisira ang kagandahan ng taludtod ni Racine.

Naka-istilong tanawin at kasuotan, ang pananalita ng mga aktor na nagpapakita hindi lamang ng kahusayan sa pagganap, kundi pati na rin ang kakayahang ipahayag ang malalalim na karanasan ng kanilang mga karakter - lahat ng ito ay nagpatotoo sa pagbuo ng mga bagong uso sa tradisyonal na sining ng Comedie Française theater.

Ang paggawa ng "The Misanthrope" ni Moliere ay bago rin. Ang apela ni Copo sa pinakamahusay na mga obra maestra ng French at world classics ay naging posible upang ganap na ipakita ang katotohanan na ang klasikal na sining, na napalaya mula sa mga itinatag na clichés, ay isang mahalagang bahagi ng espirituwal na pamana ng bawat bansa.

Kasabay nito, ang ilang mga artista sa teatro ay naghangad na mapanatili ang tradisyonal na repertoire at mga pagtatanghal sa entablado na nagpapakita lamang ng mga propesyonal na kasanayan ng mga aktor. Kabilang sa mga naturang produksyon ay maaaring pangalanan ang "Phaedra" ni Racine, "The School for Husbands" ni Moliere, "Denise" ni A. Dumas the Son at ilang iba pa.

Ang mga tagasunod ni J. Copo, na nanguna sa pangatlong direksyon sa malikhaing paghahanap ng Comedie Française, ay nagpahayag ng pagnanais na gawin ang pinakamatandang teatro sa France bilang isang mahalagang kadahilanan sa pakikibaka sa lipunan.

Kaya, sa inisyatiba ng Gaston Bati, ilang mga produksyon ang isinagawa sa entablado ng Comedy Française. Kabilang sa mga ito ang "The Candlestick" ni A. Musset (1937) at "Samum" ni A. R. Lenormand (1937). Ang mga pagtatanghal na ito ay ang susunod na hakbang patungo sa isang bagong istilo ng pag-arte at nag-ambag sa pagpapakilala ng pag-arte sa mga natuklasan ng sikolohikal na teatro.

Iniharap ni Charles Dullin ang komedya ni Beaumarchais na The Marriage of Figaro (1937) sa isang bagong paraan sa entablado ng Comédie Française. Sa pagtatanghal na ito, naipamalas ng mga aktor hindi lamang ang kanilang mataas na kasanayan, ngunit naihayag din ang malalim na panlipunan at sikolohikal na mga layer ng dula.

Ang paggawa ng "Comic Illusion" ni P. Corneille, na isinagawa sa inisyatiba ni Louis Jouvet noong 1937, ay isang pagtatangka na pag-aralan ang pag-aaway ng philistine at creative consciousness, isang pagnanais na luwalhatiin ang acting profession.

Gayunpaman, ang produksyon ay naging hindi gaanong matagumpay kaysa sa mga gawa nina Bati at Dullen, dahil hinangad ng mga aktor na ipakita ang kanilang mga propesyonal na kasanayan sa halip na tuparin ang gawain na itinakda ng direktor. Gayunpaman, ang pakikipagtulungan kay Jouvet ay hindi pumasa nang walang bakas para sa koponan ng Comedie Française. Ganap na natanto ng mga aktor ang pangangailangang ilapit ang sining sa teatro sa mga problemang intelektwal sa panahong iyon.

Ang pinakamahirap na panahon sa mga aktibidad ng Comedie Française ay ang mga taon ng pagsakop sa Paris. Sa pagtagumpayan ng mga paghihirap, sinubukan ng mga aktor sa teatro na mapanatili ang kanilang mataas na propesyonalismo, at bilang karagdagan, sa kanilang pagganap, hinahangad nilang ipakita ang mga ideyang makatao, pananampalataya sa tao at sa kanyang dignidad.

Sa mga taon ng digmaan, ang mga klasiko ay muling naging batayan ng repertoire ng Comédie Française, ngunit ang impluwensya ng mga panahon ay nadama sa mga produksyon. Kaya naman, ipinakita ni Jean Louis Barrault sa Corneille na “The Cid” (1943) si Rodrigo bilang isang tao na nakapagpanatili ng lakas ng espiritu sa mahihirap na kalagayan.

Kasama ng mga klasikal na gawa, kasama rin sa repertoire ng Comédie Française ang mga gawa ng mga modernong playwright. Kabilang sa mga ito, ang pinakamatagumpay ay ang dula ni P. Claudel na "The Satin Slipper" (1943), na tumunog sa sinasakop na kabisera ng Pransya bilang isang tawag sa pagkilos. Gayunpaman, ang pinakamatandang teatro sa Paris ay patuloy na nananatiling isang muog ng tradisyon ng pambansang entablado.

Sa unang kalahati ng ika-20 siglo ang pinakamahalagang salik Ang artistikong buhay ng France ay avant-garde art, na sumasalungat sa modernong realidad at ang likas na ideolohikal, moral at aesthetic na mga pamantayan nito.

Ang French theatrical avant-garde ay naging lubhang magkakaiba: kabilang dito ang mga surrealist na tumanggi sa mga itinatag na tradisyon (G. Apollinaire, A. Artaud), at mga tauhan sa teatro ng bayan na nagpahayag ng mga demokratikong ideyal (F. Zemier, A. Lessuer, na nagbukas ng Sarah Theater noong 1936 Bernard People's Theater), at mga tagasuporta ng makatotohanang sining (J. Copo at ang mga tagapagtatag ng "Cartel of Four").

Ang isang espesyal na papel sa buhay pampanitikan ng France sa pagtatapos ng ika-19 at simula ng ika-20 siglo ay ginampanan ng mahuhusay na manunulat, makata at manunulat ng dulang si Wilhelm Apollinary Kostrovitsky (1880-1918), na kilala sa ilalim ng pseudonym na Guillaume Apollinaire. Ang taong ito ay bumaba sa kasaysayan ng teatro ng Pransya bilang tagapagtatag ng surrealismo, isa sa mga kilusan sa modernistang sining.

Si Guillaume Apollinaire ay ipinanganak sa Roma, sa isang pamilya ng mga Polish na maharlika ng isang matandang pamilya. Ang pag-aaral sa pinakamahusay na mga kolehiyo sa Monaco at Cannes ay nagpahintulot sa binata na makakuha ng kinakailangang kaalaman. Palibhasa'y naging interesado sa mga gawaing pampanitikan, pagdating niya sa Nice, ang labing pitong taong gulang na si Guillaume ay nagsimulang maglathala ng sulat-kamay na pahayagan, "The Avenger," na may mga tula at farces ng kanyang sariling komposisyon.

Noong 1900, ang unang one-act na komedya ni Apollinaire, “The Flight of a Guest,” ay inilathala pagkalipas ng tatlong taon, ang susunod na gawain ay sinimulan, ang patula na drama na “The Breasts of Tiresias,” na natapos lamang pagkaraan ng 14 na taon, noong 1917.

Sa kanyang pampanitikan at dramatikong mga obra maestra, tinutulan ni Apollinaire ang naturalistikong paglalarawan ng nakapaligid na katotohanan, laban sa "katangi-tanging kagandahan" ng mga simbolistang produksyon. Sa kanyang opinyon, sa interpretasyon ng iba't ibang mga phenomena ay mas kanais-nais na ipakita hindi ang isang "hiwa ng buhay", ngunit ang "drama ng sangkatauhan" sa pangkalahatan.

Ang satirical-buffon orientation ng Apollinairean dramaturgy kalaunan ay natagpuan ang ekspresyon sa mga gawa ng maraming sikat na playwright noong ika-20 siglo, kabilang ang mga gawa ni J. Cocteau, J. Giraudoux, at A. Adamov.

Gayunpaman, ang panawagan ng manunulat na umangat sa umiiral na katotohanan ay napagtanto ng maraming mga modernistang artista bilang isang pagtanggi sa totoong buhay at isang pagnanais na bumagsak sa globo ng hindi malay.

Sa direksyong ito nagtrabaho si Antonin Artaud. Hinanap niya sa kanyang mga teoretikal na artikulo at manifesto, na pinagsama sa aklat na "The Theater and Its Double" (1938), at ang poetic work na "The Theater of Alfred Jarry" (kasama si Roger Vitrac) na magtatag ng sining sa teatro, na may kakayahang, tulad ng isang relihiyosong ritwal o misteryo, ng pag-impluwensya Ang subconscious ng tao ay may malaking impluwensya.

Ang mga eksperimento sa entablado ni Artaud ay hindi naging matagumpay dahil lubos nilang ipinakita ang hindi pagkakatugma ng mga pangunahing prinsipyo ng surrealismo sa buhay na kasanayan ng sining sa teatro.

Ang mga aktibidad ng "Cartel of Four," na tinalakay nang kaunti sa itaas, ay nararapat na espesyal na pansin. Ang ideya ng paglikha nito ay nagmula sa mga progresibong tauhan sa teatro na namuno sa mga sinehan ng batang kapital, C. Dullen, L. Jouvet, G. Bati at J. Pitoev, noong 1926.

Ang deklarasyon ng Cartel, na nilagdaan ng mga miyembro nito noong Hulyo 1927, ay nagtakda ng pangangailangang lumikha ng isang administratibong kagamitan upang pamahalaan ang lahat ng mga teatro sa Pransya, at binanggit din ang malikhaing tulong sa isa't isa na kinakailangan upang harapin ang mga tradisyonal at komersyal na mga sinehan.

Nangunguna sa mga sinehan na may iba't ibang mga prinsipyo ng aesthetic, gayunpaman, ang mga miyembro ng "Cartel" ay nakahanap ng karaniwang batayan - ang makatotohanang mga pathos ng pagkamalikhain at mga demokratikong pananaw sa mundo. Ito ay salamat sa pagkakapareho ng pananaw sa mundo na ang Cartel of Four ay nakaligtas sa malupit na mga kondisyon ng unang kalahati ng ika-20 siglo at gumaganap ng isang natitirang papel sa pag-unlad ng French performing arts sa panahong ito.

Natitirang aktor at direktor na si Charles Dullen (1885-1949), na tumanggap edukasyon sa tahanan, at pagkatapos ay pinag-aralan ang "agham ng buhay" sa Lyon, nagsimulang magtanghal sa entablado noong 1905. Noon naganap ang kanyang debut sa maliit na teatro na "Agile Rabbit", na hindi alam ng publiko.

Pagkalipas ng dalawang taon, natapos si Dullen sa Antoine's Odeon Theater, kung saan sinimulan niyang maunawaan ang mga lihim ng craft ng bagong teatro, at noong 1909 ay naging bahagi siya ng acting troupe ng Theatre of Arts. Ang unang natatanging imahe ni Dullen na nilikha sa entablado ng teatro na ito ay si Smerdyakov sa The Brothers Karamazov ni Dostoevsky. Ang papel na ito ay minarkahan ang pagtatapos ng pag-aprentice ng aktor.

Ang talento ni Charles ay napansin ng namumukod-tanging aktor at direktor na si J. Copo. Noong 1913, inimbitahan niya ang isang batang aktor sa kanyang "Old Dovecote Theatre". Ang produksyon ng The Brothers Karamazov ay isang matunog na tagumpay din dito. Ang papel ng Harpagon sa "The Miser" ni Molière ay hindi gaanong matagumpay;

Ang mga ideya ni Copo tungkol sa mataas na espirituwal na misyon ng teatro ay nakahanap ng tugon sa kaluluwa ni Dullen. Gayunpaman, hindi tulad ng kanyang sikat na guro, si Charles ay masigasig din sa mga ideya ng katutubong teatro, na naging dahilan ng kanyang paglipat sa tropa ni Firmin Zemier.

Kasabay nito, pinangarap ni Dullen na lumikha ng kanyang sariling teatro, na binuksan noong 1922. Sa entablado ng "Atelier", bilang tinawag ng direktor sa kanyang utak, iba't ibang mga pagtatanghal ang itinanghal, at ang mga script ng ilan sa mga ito ay partikular na isinulat para sa teatro na ito ("Gusto mo bang makipaglaro sa akin" ni M. Ashar at iba pa).

Halos lahat ng mga dulang itinanghal sa entablado ng Atelier ay naging malapit sa realidad. Ito ay ang "Volpone" ni B. Jones kasama si Dullen sa pamagat na papel, "The Birds" ni Aristophanes sa interpretasyon ng B. Zimmer, "Musse, o the School of Hypocrisy" ni J. Romain, atbp.

Unti-unti, binuo ni Charles Dullen ang kanyang sariling sistema ng pedagogical, batay sa pagsasanay ng mga aktor sa proseso ng mga improvisational na pagtatanghal. Salamat dito, hindi lamang ang mga salita ng papel ang naintindihan, kundi pati na rin ang buong imahe sa kabuuan, ang bayani ay nagpakita sa harap ng gumaganap bilang isang buhay na tao, bilang isang resulta, ang aktor ay naging isang karakter.

Nakikita ang susi sa tagumpay sa mahusay na mastery ng acting technique, binigyang-pansin ni Dullen ang pagsasanay ng mga batang performer. Mula sa "Atelier" ng direktor na ito ay nagmula ang isang buong kalawakan ng mga kahanga-hangang entablado figure - M. Jamois, M. Robinson, J. Vilar, J. L. Barrot, A. Barsac at iba pa.

Ang paggawa ng dula ni A. Salakru na "The Earth is Round" ay ang huling obra ni Dullen sa Atelier. Noong 1940, nang ibigay ang kanyang brainchild kay Andre Barsak, nagsimulang magtrabaho ang tumatandang master sa mga sinehan na nakatanggap ng mga subsidyo mula sa estado - sa Théâtre de Paris at Théâtre de la Cité (dating Sarah Bernhardt Theatre).

Pinangunahan ni Dullen ang huli sa kanila hanggang 1947; itinanghal sa entablado ng teatro na ito ang dulang eksistensyalista ni J. P. Sartre na "The Flies". Kasunod nito, ang direktor ay naglibot ng maraming, at sa oras na ito ay itinanghal niya ang dula ni A. Salakru na "The Lenoir Archipelago", kung saan ginampanan ni Dullen ang pangunahing papel.

Ang mga huling taon ng trabaho ni Dullen ay minarkahan ng isang pag-alis mula sa karaniwang mga isyu sa etika at moral at isang kamalayan sa pampulitika at panlipunang mga tungkulin ng teatro. Lalong naging intelektwal ang pagiging realismo ng direktor, at kitang-kita ang impluwensya ng kanyang mga pagtatanghal sa puso at isipan ng mga manonood.

Hindi gaanong kilalang tao sa buhay teatro ng France noong panahong iyon ay si Louis Jouvet (1887-1951). Nagsimula siyang dumalo sa mga klase sa teatro habang nag-aaral sa Unibersidad ng Paris.

Tulad ng kanyang kasamahan sa Cartel, unang gumanap si Louis sa mga yugto ng maliliit, hindi kilalang mga teatro sa mga suburb, ngunit ang mga cliches sa entablado at mga lumang tradisyon sa teatro ay hindi maaaring masiyahan ang mahuhusay na aktor.

Noong 1911, sumali si Jouvet sa Theater of Arts ni Jacques Roucher. Dito niya nakilala sina Dullen at Copo, pati na rin ang kanyang debut performance sa The Brothers Karamazov (ang papel ni Elder Zosima).

Noong 1913, nagsimulang magtrabaho si Louis sa "Old Dovecote Theatre" ng Copeau; Ang mga tungkulin ni Andrew Aguechick sa Twelfth Night ni Shakespeare, Geronte sa Scapin's Plots at Sganarelle sa The Reluctant Doctor ni Molière ay nagbigay ng katanyagan sa mahuhusay na aktor.

Sa kanyang kabataan, pangunahing ginampanan ni Jouvet ang mga tungkulin ng mga matatanda, na ipinaliwanag ng kanyang pagnanais na matutunan ang sining ng pagbabago. Ang mga larawang ginawa niya sa panahong ito ng pagkamalikhain ay naging kahanga-hangang parang buhay, sa parehong oras, tapat na mga karakter sa teatro ang lumitaw sa harap ng madla.

Pinagtibay ni Jouvet mula sa Copo ang kanyang saloobin sa teatro bilang isang paraan ng pag-unawa sa buhay at tao. Nasa 1920s na, tinalikuran niya ang mariin na panlabas na theatricality nilikhang mga larawan. Ipinapakita ang panloob na kakanyahan ng bayani, ang kanyang intelektwal na nilalaman - ito ang mga gawain na itinakda ng aktor para sa kanyang sarili.

Mula 1922 hanggang 1934, pinamunuan ni Jouvet ang koponan ng Comedy des Champs-Elysees, pagkatapos nito ay lumipat siya sa Antey, na pinamunuan niya hanggang sa mga huling araw ng kanyang buhay.

Ang mga kritiko sa teatro na tinatawag na Knock, o ang Triumph of Medicine ni J. Romain ay isa sa pinakamatagumpay na produksyon ng direktor na ito. Si Jouvet, na naglaro ng Knock sa isang modernong suit at halos walang makeup, ay nagawang lumikha ng isang kahanga-hangang imahe ng isang misanthrope, isang tagasuporta ng pasistang ideolohiya.

Sa mga produksiyon ni Jouvet, ang bawat detalye ay may tiyak na kahulugan, iyon ay, mahigpit na na-verify na mise-en-scène at ang mga karakter sa entablado na malinaw na tinukoy ang nagpasiya sa istilo ng produksyon. Noong 1928, nagsimula ang pakikipagtulungan ni Jouvet sa namumukod-tanging French playwright na si J. Giraudoux sa pagtatanghal ng dulang Siegfried. Ang resulta ng kanilang karagdagang trabaho ay ang paggawa ng dulang "There Will Be No Trojan War," na, tulad ng "Knock," ay naglalaman ng isang tiyak na mapanglaw na pag-iisip. Dalawang kulay ang nangibabaw sa entablado - puti at asul ang mga manonood ay ipinakita sa mga character-ideya, na naglulunsad ng isang intelektwal na pakikibaka sa kanilang mga sarili.

Kahit sa mga klasikal na dula, nagawang i-highlight ni Jouvet ang kanilang intelektwal na pinagmulan. Halimbawa, si Arnolf sa "School for Wives" ni Molière ay inilalarawan bilang isang palaisip na ang konseptong pilosopikal ay natalo sa pakikibaka sa totoong buhay, at si Don Juan sa dula na may parehong pangalan bilang isang lalaking nawalan ng tiwala sa lahat. Ang mga pagtuklas sa teatro ni Louis Jouvet ay nagsilbing batayan para sa pag-unlad ng intelektwal na teatro sa France.

Ang simula ng aktibidad sa teatro ng natitirang aktor at direktor na si Gaston Baty (1885-1952) ay nagsimula noong 1919, ang oras ng kanyang kakilala kay Firmin Zemier at ang pagpirma ng unang kontrata. Si Bati, na nakakuha ng atensyon ng sikat na estudyante ni Andre Antoine, ay tumanggap ng trabaho bilang direktor; kwentong bayan sa Winter Circus sa Paris.

Sa loob ng ilang buwan, kinuha ni Bati ang posisyon ng direktor ng Comedie Montaigne theater. Sa limang pagtatanghal na kanyang itinanghal sa yugtong ito, ang pinakatanyag ay ang Samum ni Lenormand. Ang dulang ito ay nagsiwalat ng mga pangunahing uso sa gawain ng direktor, lalo na ang pagnanais na matuklasan sa trahedya ang mga pangunahing tauhan ng relihiyoso at pilosopikal na kahulugan, na tila katangian ng modernong katotohanan.

Noong taglagas ng 1921, pagkatapos buksan ang kanyang sariling teatro ng Chimera, naglathala si Bati ng tatlong artikulo na nagpapaliwanag sa mga pangunahing prinsipyo ng etika ng pagbuo ng isang bagong institusyon ("Theatrical Temples", "Drama Requiring Reform", "His Majesty the Word").

Ang mga publikasyong ito ay nagpapahintulot sa mga kritiko na tawagan si Gaston Baty na "isang idealista at isang militanteng Katoliko." Sa paglalagay ng slogan na “The renewal of the theater is its liberation from the dominance of literature,” tila hinahamon ng direktor ang mga siglong lumang tradisyon ng Comedy Francaise at boulevard theaters.

Noong 1930, si Bati ay inilagay na namamahala sa koponan ng Montparnasse. Ang unang produksyon ng direktor - "The Threepenny Opera" ni B. Brecht at C. Weill - ay naging matagumpay at agad na pumasok sa repertoire ng teatro.

Noong 1933, ipinakita ni Bati ang kanyang bagong gawain sa madla - "Krimen at Parusa" ni Dostoevsky. Nang hindi itinago ang kanyang interes sa relihiyosong aspeto ng gawain, ang direktor sa parehong oras ay nagbigay-pansin sa personalidad ng tao.

Ang pakikibaka para sa tao, sa kanyang pangalan, ay naging mapagpasyahan sa interpretasyon ng ilang mga karakter, lalo na si Sonya Marmeladova (Margaret Jamois). Ang tagumpay ng pangunahing tauhang babae laban kay Porfiry Petrovich (Georges Vitray), ang exponent ng konsepto ng estado ng tao, pati na rin ang kamalayan ni Raskolnikov (Lucien Nata) sa kamalian ng kanyang mga paniniwala ay ipinakita bilang isang tagumpay ng humanistic ideals. Ang mga katulad na ideya ay ipinahayag sa dulang "Madame Bovary" (1936).

Ang humanistic ideals ni Bati ay nakatanggap ng matinding panlipunang oryentasyon sa bisperas ng at sa panahon ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Noong 1942, itinanghal ng direktor si Macbeth sa sinasakop na lungsod. Ayon kay Bati, ang dulang ito, na nagsasalaysay ng kapalaran ng isang ambisyosong bayani, ay ganap na naaayon sa diwa ng panahon;

Ang ika-apat na tagapagtatag ng Cartel, si Georges Pitoev (1884-1939), ay nagmula sa Tiflis. Noong 1908, pagkatapos ng pagtatapos mula sa Moscow University, St. Petersburg Institute of Railways at sa Unibersidad ng Prague, si Pitoev ay naging malapit sa teatro ng pinakadakilang artistang Ruso na si V.F "Mobile Theater" P.P. Gaideburov at N. F. Skarskaya.

Noong 1912, binuksan ni Georges ang Our Theater sa St. Petersburg, sa entablado kung saan itinanghal ang ilang mga dula ng mga Ruso at dayuhang may-akda. Pagkalipas ng dalawang taon, umalis si Pitoev sa Russia, sa gayon ay tinapos ang panahon ng Russia ng kanyang buhay at trabaho. Sa Paris, nakilala ni Georges ang mahuhusay na aktres na si Lyudmila Smanova, na sa lalong madaling panahon ay naging kanyang asawa.

Sa loob ng pitong taon (1915-1922), ang mga Pitoev ay gumanap sa mga yugto ng mga teatro ng Switzerland, lalo na sa Plainpalais Theatre, na ang repertoire ay kasama ang mga gawa ni L. N. Tolstoy, A. P. Chekhov, A. M. Gorky, Ibsen, Bjornson, Maeterlinck, Shaw, atbp. Sa inisyatiba ni Pitoev, ang Hamlet ni Shakespeare, Macbeth at Measure for Measure ay itinanghal sa teatro, na isang matunog na tagumpay.

Noong Disyembre 1921, ang mag-asawang Pitoev ay nakatanggap ng isang imbitasyon sa permanenteng trabaho sa France mula sa sikat na negosyante, may-ari ng Champs-Elysees Theatre. Di-nagtagal, lumipat ang mag-asawa sa Paris at noong Pebrero 1922 ay nagbukas ng kanilang sariling teatro.

Kabilang sa mga produksyon na isinagawa ni Pitoev sa kabisera ng Pransya, ang "Uncle Vanya" at "The Seagull" ni Chekhov ay lalong sikat. Ang kanilang set na disenyo ay medyo katamtaman: ang mabibigat na velvet na kurtina ay naghihiwalay sa harapan ng entablado mula sa background. Napansin ng mga kritiko ang kakayahan ng direktor na ihatid ang kagandahan at tula ng mga dramatikong obra maestra, upang bigyang-diin ang malalim na sikolohiya ng mga kaganapang naganap sa entablado.

Marami ang nag-kredito kay Pitoev sa katotohanang binuksan niya ang Chekhov sa publiko ng Pransya, at sa gayon ay inilatag ang pundasyon para sa isang bago, tinatawag na direksyon ng Chekhovian sa mga sining ng pagtatanghal ng France. Ang mga direktor na nagtrabaho sa direksyon na ito ay naghangad na ipakita ang malalim na mga layer ng buhay ng tao at malutas ang masalimuot na gusot ng mga relasyon ng tao.

Si Georges Pitoev ay hindi lamang isang kahanga-hangang direktor, kundi isang mahusay na tagapalabas ng mga tungkulin sa mga dula ni Chekhov. Ang mga larawang ginawa niya ay naging nakakagulat na organic at tao. Ang pinakamatagumpay Mga tungkulin ni Chekhov kinilala ng mga kritiko ang aktor na ito bilang Astrov sa Uncle Vanya at Treplev sa The Seagull.

Tandaan na ang maliwanag na hitsura ni Zh Pitoev (manipis, medyo angular, na may asul-itim na buhok na nakabalangkas sa isang malaking maputlang mukha, kung saan nakatayo ang mga itim na kilay, na nakabitin sa malalaking, maalalahanin na mga mata) ay nagpapahintulot sa kanya na maglaro nang halos walang makeup.

Ang ikalawang kalahati ng 1920s ay minarkahan ng paglitaw ng mga bagong uso sa gawain ni Georges Pitoev, na sa oras na iyon ay naiimpluwensyahan ng iba't ibang mga artistikong paggalaw. Ito ay nagpakita ng sarili sa maraming mga produksyon: halimbawa, sa Hamlet (1926), ang pangunahing karakter ay lumilitaw bilang isang mahinang tao, walang kakayahang makipaglaban, tiyak na matatalo sa totoong mundo.

Ang dula ni Chekhov na "Three Sisters", na itinanghal sa Georges Pitoev Theater noong 1929, ay binigyang-kahulugan sa katulad na paraan. Ang walang saysay na pagtatangka ng magkapatid na Prozorov na tumakas mula sa nakakainip na pang-araw-araw na buhay ng probinsya ay nagiging isang trahedya, ang hininga nito ay nararamdaman sa lahat ng bagay - kapwa sa nakatakdang disenyo ng pagganap at sa kalunus-lunos na pagganap ng mga aktor. Kaya, ang trahedya ng pag-iral ng tao ay dinala sa unahan sa dula.

Ang mga huling taon ng buhay ni Pitoev ay napuno ng mga paghihirap ng serbisyo publiko. Noong 1939, itinanghal ng direktor na may karamdaman sa wakas ang dula ni Ibsen na "Enemy of the People."

Ang mahigpit na tanawin at mga modernong kasuutan na ginamit sa pagtatanghal na ito ay hindi nakagambala sa atensyon ng madla mula sa aksyon na nagbubukas sa entablado, at si Dr. Stockman, na ginanap ni Pitoev, ay gumawa ng isang hindi maalis na impresyon. Ang bayani ay lumitaw bilang isang maliwanag na malikhaing indibidwal, isang mangangaral ng kadakilaan ng tatlong sangkap - Dahilan, Katotohanan at Kalayaan.

Ang isang espesyal na kontribusyon sa pag-unlad ng teatro ng Pransya ay ginawa ni Lyudmila Pitoeva (1895-1951), asawa. sikat na direktor. Ang kanyang kakilala sa mga performing arts ay naganap sa Russia. Ang pagkakaroon ng nakuha na mga kasanayan sa pag-arte sa bansang ito, ipinagpatuloy ni Lyudmila na mapabuti ito sa France.

Isang maikli, balingkinitan, marupok na aktres na may malalaking ekspresyong mga mata sa isang gumagalaw na mukha ang gumawa ng malaking impresyon sa madla sa kanyang walang arte na pagganap. Ang bawat imahe na kanyang katawanin sa entablado ay isang maliwanag na indibidwal, na may awa na nakatingin sa nakapaligid na mundo na puno ng trahedya.

Sa unang bahagi ng kanyang karera sa pag-arte, hinahangad ni Lyudmila Pitoeva na ipakita sa mga pampublikong bayani na puno ng espirituwal na pagkakaisa at kadalisayan; ganyan ang kanyang Ophelia sa Hamlet ni Shakespeare, si Sonya sa Uncle Vanya ni Chekhov.

Gayunpaman, ang pinakamahalagang papel ng mahuhusay na aktres ay si Joan of Arc sa Saint Joan ni Shaw. Ang buong hitsura ng mataas, sobrang sensitibong pangunahing tauhang babae na si L. Pitoeva ay nagpahayag ng kawalan ng pag-asa. Ang imahe ni Irina mula sa "Three Sisters" ay puno ng isang premonisyon ng isang nalalapit na sakuna.

Sa ikalawang kalahati lamang ng 1930s ay nagsimulang muli ang aktres na maglaro ng mga pangunahing tauhang babae na naniniwala sa isang mas mahusay na hinaharap. Tinawag ng maraming kritiko sa teatro ang Nina Zarechnaya ni Lyudmila Pitoeva sa bagong produksyon noong 1939 na "apostol ng pag-asa."

"Ang pinaka banayad at pinaka kumplikado ng mga artista sa France," ayon kay A. V. Lunacharsky, ay si Suzanne Despres (Charlotte Bouvallee) (1874-1951). Ipinanganak siya sa pamilya ng isang doktor, at tila walang naglalarawan sa kanyang kapalaran bilang isang artista.

Ang pakikipagkita sa direktor na si O. M. Lunier Poe ay kapansin-pansing nagbago sa buhay ni Suzanne. Noong 1893, pinakasalan niya ang lalaking ito, at makalipas ang isang taon ay ginawa niya ang kanyang debut sa entablado ng Parisian theater na "Evre", kung saan siya ang direktor at punong direktor.

Sa parehong taon, ang batang aktres ay pumasok sa Paris Conservatory, sa klase ng G. I. Worms. Nang matapos ang kanyang pag-aaral, bumalik si Suzanne Despres sa yugto ng Evra, kung saan nilikha niya ang kanyang pinakamahusay na mga imahe: Hilda sa paggawa ng Solnes the Builder, Solveig sa Peer Gynt at Rautendelein sa The Sunken Bell. Para sa mga kontemporaryo, si Suzanne Despres ay isa sa pinakamahusay na gumaganap ng mga tungkulin sa mga dula ni G. Ibsen.

Ang isang mahalagang lugar sa French drama sa unang kalahati ng ika-20 siglo ay inookupahan ng mga aktibidad ng tinatawag na mga may-akda ng repertoire, na ang gawain ay nailalarawan sa pamamagitan ng komedya na saklaw ng mga kaganapan sa modernong buhay. Ang isa sa mga pinakakilalang kinatawan ng kalakaran na ito ay isang mahuhusay na manunulat at manunulat ng dula Jacques Deval(Bularan) (1890-1971).

Si Jacques ay isinilang at lumaki sa isang malaking acting family. Nagsimula siyang magtanghal sa entablado nang maaga, ngunit ang mga ito ay mga menor de edad na papel ng amateur. Noong 1920, ginawa ni Deval ang kanyang debut sa Femina Theater hindi lamang bilang isang propesyonal na artista, kundi pati na rin bilang isa sa mga direktor ng komedya na "A Weak Woman."

Si Jacques Deval ay nakakuha ng higit na katanyagan pagkatapos na magsulat ng isang bilang ng mga comedic na dula na kasama sa mga repertoires ng pinakamahusay na mga grupo ng teatro sa France noong panahong iyon.

Kaya, sa mga yugto ng mga teatro na "Monte Carlo", "Comédie-Comartin" at "Athénée" ang mga dulang "Diabolical Beauty" (1924), "Imaginary Lover" (1925), "September Rose" (1926), "Debauchery ” ay matagumpay na ginanap sa mga yugto ng mga sinehan "(1929), "Mademoiselle" (1932) at "A Plea for Life" (1933) (ang aksyon ng huling dalawang dula ay naganap sa isang makitid na domestic circle).

Ang mga gawa ni J. Deval, na nakikilala sa isang medyo magaspang, mabigat na katatawanan, ay nagkaroon ng hindi pa nagagawang tagumpay sa mga lupon ng burges. Kasabay nito, ang mga seryosong tao sa teatro ay mahigpit na pinuna ang mga komedya ni Deval para sa kanilang maraming mga turo at ang walang paltos na matagumpay na pagtatapos ng mga dula, na ang balangkas ay batay sa pag-iibigan ng mga karakter.

Upang masiyahan ang panlasa ng mahihirap na edukadong publiko, ang mga drama na "Ventoz" at "Kasama" ay isinulat: sa una sa mga ito, sinubukan ng may-akda na ipakita ang mga tagasuporta ng demokrasya bilang mga anarkista at maninira ng buhay; ang pangalawang dula ay isang karikatura ng mga Ruso na diumano'y nagdadalamhati sa sinapit ng mga inapo ng pamilyang imperyal ng Russia.

Sa mga taon ng post-war, na nagpapatuloy sa mga tradisyon ng kanyang unang bahagi ng trabaho, nagtrabaho si J. Deval sa paglikha ng maraming mga komedya at magaan na vaudeville, ang balangkas na kung saan ay batay sa masasayang pakikipagsapalaran ng matapang na mga adventurer at magagandang courtesan. Lalo na matagumpay sa mga taong iyon ang mga pagtatanghal na "The Jumper" (1957) at "Romancero" (1957), batay sa mga gawa ng parehong pangalan ni Jacques Deval.

Ang ikalawang kalahati ng ika-20 siglo ay minarkahan ng lumalagong katanyagan ng mga gawa ng mahuhusay na manunulat ng dula sa Russia. Noong kalagitnaan ng 1950s, ang "A Plea for Life" ay itinanghal sa Moscow Art Theater, at ang mga pangunahing tungkulin ay ginampanan ng mga sikat na aktor ng Russia na sina Bersenev at Giatsintova.

Noong 1957, nagsimula ang pakikipagtulungan ni Deval sa Leningrad Drama Theater. A. S. Pushkin at ang Moscow Theater na pinangalanan. M. N. Ermolova. Sa parehong oras, nagsimulang magtrabaho ang French playwright sa sinehan;

Kasama ng repertoire, ang avant-garde dramaturgy ay tumanggap ng malawakang pag-unlad sa unang kalahati ng ika-20 siglo, ang pinakakilalang kinatawan nito ay Jules Romain(1885-1966), may-akda ng isang bilang ng mga acutely social satirical plays (“Knock, or the Triumph of Medicine”, “Monsieur le Troadec is having fun”, “The Marriages of Le Troadec”, atbp.), pati na rin ang ang mga lumikha ng dalawampu't-volume na akdang "People of Goodwill" na sina Charles Vildrac at Jean-Richard Block.

Ang pinakamahusay na play ng isang mahuhusay na playwright, isang aktibong pigura sa French Resistance Charles Wildrac(1884-1971) ang mga kritiko sa teatro na tinatawag na "Steamboat Tennessee" (1919), na naging isang kapansin-pansing kababalaghan sa buhay teatro ng bansa.

Ang playwright ay isa sa mga unang tumugon sa tema ng henerasyong nagdusa sa digmaan at natagpuan ang sarili na hindi kailangan sa post-war France. Ang mga pangunahing tauhan ng dulang "Steamboat Tennessee", Bastian at Segar, ay kaibahan sa modernong lipunan, na binuo sa kasinungalingan at pagkakanulo.

Ang pamagat ng drama na "Steamboat Tennessee" ay simboliko: Segar set off sa isang barko ng katatagan ng loob at tiyaga sa malalayong lupain, kung saan naghihintay sa kanya ang mga bagong karaingan at pagkabigo.

Ang mahuhusay na Pranses na manunulat, playwright, publicist, teatro at pampublikong pigura ay itinuturing na isa sa mga tagapagtatag ng realismong Pranses sa larangan ng sining ng teatro. Jean-Richard Block (1884—1947).

Bilang isang tagasuporta ng mga malikhaing ideya nina R. Rolland at F. Zemier, si Blok sa loob ng ilang taon ay aktibong nakipaglaban para sa paglikha ng isang katutubong teatro sa France. Siya ay hinamak ang sining ng teatro noong huling bahagi ng 1920s at unang bahagi ng 1930s, na higit na nakakaaliw sa kalikasan.

Kaya, sa aklat na "The Fate of the Theater" (1930), ang manunulat ng dula ay kumilos bilang isang madamdaming tumutuligsa sa kontemporaryong sining dito ay nagkaroon ng panawagan para sa pagtatanghal ng mga dula sa entablado na may kaugnay na nilalaman na pumukaw ng "mga dakilang kaisipan at hilig" sa madla.

Si Jean-Richard Bloch ay pumasok sa mundo ng panitikan bilang isang ganap na nabuong tao: noong 1910 isinulat niya ang dulang "Restless," na 12 buwan mamaya ay itinanghal sa teatro ng Odeon sa kabisera. Pinilit ng matagumpay na premiere ang Odeon team na bumaling muli sa playwright na may kahilingang lumikha ng bagong play.

Noong 1936, ipinakita ng teatro sa publiko ang makasaysayang drama ni Blok na pinamagatang "The Last Emperor" (1919-1920), sa direksyon ni F. Zemier. Ang dulang ito ng isang mahuhusay na manunulat ng dula ay pumasok sa repertoire ng National People's Theater sa Trocadéro, at ang dula ay ipinakita sa mga yugto ng teatro sa Geneva at Berlin.

Noong unang bahagi ng 1930s, nagtrabaho si Jean-Richard Bloch sa mga libretto para sa mga pagtatanghal ng ballet at opera, kung saan mayroon nang ilang dosena sa pagtatapos ng dekada. Bilang karagdagan, ang manunulat ng dula ay nakibahagi sa organisasyon at kasunod na gawain ng People's Theatre, na binuksan sa Paris noong 1935.

Personal na dumalo si Blok sa mga pag-eensayo ng mga dula batay sa kanyang mga gawa, pinanood ang paglalaro ng mga aktor at binigyan sila kapaki-pakinabang na mga tip. Salamat sa aktibong gawain ng sikat na manunulat ng dula, noong 1937, sa lugar ng velodrome ng taglamig, nakita ng publiko ng Paris ang napakalaking tanyag na pagganap na "The Birth of a City".

Sa mga taon ng pananakop, si J. R. Blok, kasama sina A. Barbusse, R. Rolland at ilang iba pang progresibong numero sa France, ay bahagi ng anti-pasistang unyon.

Noong 1941, napilitan siyang umalis sa bansa at manirahan sa Unyong Sobyet. Ang apat na taon na ginugol dito ay naging lubhang mabunga: ang mga makabayang drama na "A Search in Paris" (1941) at "Toulon" (1943), na sumasalamin sa mga kaganapan sa totoong buhay at kalaunan ay itinanghal sa mga yugto ng maraming mga sinehan, natagpuan ang isang mainit na tugon sa mga puso at kaluluwa ng mga progresibong panahon ng mga tao. Noong 1950, si Jean-Richard Bloch ay iginawad sa posthumously ng gintong Peace Medal.

Siya ay hindi gaanong tanyag kaysa sa mga nabanggit na manunulat ng dula. Andre Gide(1869-1951) - mahuhusay na Pranses na simbolistang manunulat, Nobel Prize laureate sa larangan ng sining (1947).

Ang kanyang pangalan ay nakilala sa mundo ng panitikan mula noong 1891. Sumulat si Andre ng ilang maiikling akda na nagpakita ng imahe ng isang mapagmataas, mapagmahal sa kalayaan na taong hinahamak ang modernong lipunan at inuuna ang mga personal na interes kaysa sa interes ng estado.

Ang temang ito ay ipinagpatuloy sa mga dulang "Saul" (1898) at "King Candaulus" (1899), kung saan ang may-akda ay naglalarawan ng mga kagila-gilalas na larawan ng malupit na mga malupit at kinatawan ng mga karaniwang tao. Ang iba pang mga gawa ni Andre Gide ay napuno din ng matalim na panunuya sa modernong katotohanan.

Ang isa sa mga pinakamatagumpay na gawa, ayon sa mismong may-akda, ay ang dulang "Phioctetes", na inilathala noong 1899, na itinanghal pagkalipas ng dalawang dekada sa entablado ng isa sa mga sinehan ng kapital.

Gayunpaman, ang mga prinsipyo ng indibidwalismo at ang pangangaral ng imoralismo ay malinaw na narinig sa mga huling gawa ng manunulat - ang mga nobela na "The Immoralist" (1902), "Vatican Dungeons" (1914) at "Counterfeiters" (1925).

Ang kasagsagan ng trabaho ni A. Gide ay naganap noong 1930s - 1940s, sa panahong ito ay lumikha siya ng isang bilang ng mga dramatikong obra maestra - ang drama na "Oedipus" (1930), ang libretto para sa dramatikong symphony na "Persephone" (1934), itinanghal sa Grand Opera sa musika ni Stravinsky at iba pa.

Ang pag-asa para sa pagpapalaya mula sa isang mabigat na pasanin, na malinaw na nakikita sa mga gawa noong 1930s, ay nagbigay-daan sa mga pesimistikong pagtataya sa mga akda ng susunod na panahon. Sinubukan ng manunulat ng dulang kahit papaano na makamit ang modernong katotohanan, ngunit, napagtanto ang kawalang-saysay ng mga pagtatangka na ito, nahulog siya sa isang malalim na depresyon.

Ang aklat na “Bumalik mula sa Uniong Sobyet"(1936), kung saan sinubukan ng may-akda na magbigay ng pagsusuri sa hindi makataong ideolohiya ng pasismo.

Ang espirituwal na pagkalito, maging ang ilang takot sa isang malakas na puwersa na tumataba sa Europa, ay malinaw na nararamdaman sa dulang "Robert, o ang Pampublikong Interes," na isinulat ni A. Gide noong 1940 at itinanghal sa entablado ng isa sa mga teatro sa Paris. makalipas ang anim na taon.

Ang pinakabagong mga gawa ng manunulat (The Trial, 1947, atbp.) ay isang natatanging interpretasyon ng mga sinaunang kuwento at mga balangkas na hiniram mula sa sinaunang kasaysayan at Bibliya. Binuo nila ang pangangaral ng indibidwalismo na likas sa mga unang dramatikong gawa ng taong ito.

Bilang isang kalaban ng "panlipunan, makabayan na adhikain ng manunulat ng dula," nagsumikap si Andre Gide na lumikha ng "dalisay" na sining na hindi nakakaapekto sa mga problema ng ating panahon. Sa kanyang maraming mga gawa na nakatuon sa estado ng modernong drama (ang artikulong "On the Evolution of Theater," atbp.), naghanda siya ng isang plataporma para sa pagbuo ng isang existentialist trend sa theatrical art at ang paaralan ng French "avant-garde teatro."

Marahil ang pinakamataas na tagumpay ng makatotohanang sining ng Pransya ay ang pamumulaklak ng intelektwal na drama, na nagpatibay sa makatao na konsepto ng buhay.

Kabilang sa mga pinakamahusay na kinatawan ng genre na ito, sina Armand Salakru, Jean Cocteau, Jean Anouilh at Jean Giraudoux (1882-1944) ay nararapat na espesyal na pansin. Ang huli sa mga playwright na ito ay ang may-akda ng isang bilang ng mga gawa na humipo sa mahahalagang problema sa lipunan at pilosopikal: "Siegfried" (1928), "Amphitryon-38" (1929), "Judith" (1931), "Walang Trojan Digmaan" (1935), " Electra" (1937), "The Madwoman of Chaillot" (1942), "Sodom and Gomorrah" (1943), atbp. Ang mga pagtatanghal ng mga dulang ito ay napakapopular sa publikong Pranses.

Gayunpaman, isa sa pinakamahusay na mga gawa 1930s contemporaries na tinatawag na drama A. Salakru"Ang Earth ay Bilog" (1937). Isinasaalang-alang bilang batayan ang mga makasaysayang kaganapan na nagsasabi tungkol sa buhay ng lipunang Florentine noong 1492-1498, walang awang pinupuna ng manunulat ng dula ang panatisismo sa relihiyon, kawalan ng moral at pampulitika ng mga Florentine, at kasabay nito ang mga kinatawan ng modernong mundo.

Pinag-uusapan natin hindi lamang ang tungkol sa panatisismo sa relihiyon, kundi pati na rin ang tungkol sa anumang iba pang idolatriya, matabang lupa na kung saan ay ang kamalayan ng mga ordinaryong tao, na handang sumunod sa anumang utos na ibinigay sa kanila.

Sa laki ng sakuna, tinutumbasan ng mandudula ang digmaan sa paniniil at panatisismo. Gayunpaman, pinaniniwalaan ni Salakru ang mga manonood sa tagumpay ng pag-unlad: ang balita ng mga mandaragat na naglakbay sa buong mundo ay nakarating sa lahat. Muli nitong pinatutunayan ang kamalian ng mga paghatol ng panatikong ordinaryong tao.

Inilalaan ni Salakru ang isang bilang ng mga gawa ng mga taon ng digmaan (Margarita, 1941; Betrothal sa Le Havre, 1942) at ang panahon pagkatapos ng digmaan (Nights of Anger, 1946; Lenoir Archipelago, 1945-1947; Boulevard Durand) sa problema ng pagtatatag mataas na pagpapahalagang moral , 1960 "Black Street", 1968, atbp.). Sa mga akdang ito, nanatiling tapat ang manunulat ng dula sa matataas na mithiin ng makatao at ang kanyang kritikal na saloobin sa modernong realidad.

Isang mahuhusay na makata, playwright, at filmmaker ang nag-iwan ng kapansin-pansing marka sa kultural na buhay ng France noong ika-20 siglo. Jean Cocteau(1889-1963). Ang pagkakaroon ng naging isa sa mga natitirang manunulat ng France, naging tanyag bilang isang makata at nobelista ("The Impostor of Tom", 1923; "Problem Children", 1929), hindi nagtagal ay naging interesado siya sa mga gumaganap na sining.

Ang manunulat ng dulang ito ay isa sa mga unang bumaling sa mitolohiya sa kanyang akda, na nagbigay-daan sa kanya na tingnan ang modernong realidad at tumaas sa matataas na pilosopikal na paglalahat. Noong 1922, binigyang-kahulugan ni Cocteau ang trahedya ni Sophocles na "Antigone", at pagkalipas ng ilang taon ay ipinakita sa publiko ang mga libreng adaptasyon ng mga trahedya na "Oedipus the King" (1925) at "Orpheus" (1926).

Noong 30s at 40s ng ika-20 siglo, ipinagpatuloy ni Cocteau ang interpretasyon ng mga paksang mitolohiya. Ang mga drama na "The Infernal Machine" (1932), "Knights of the Round Table" (1937), "Reno and Armida" (1941), "The Double-Headed Eagle" (1946), "Bacchus" (1952) hanggang ngayon. Hindi tulad ng mga naunang gawa, isang bagong motibo ang maririnig dito - pananampalataya sa tagumpay ng katapangan at tiyaga ng tao.

Kasabay ng kanyang trabaho sa mga mythological play, nagtrabaho si Cocteau sa paglikha ng mga gawa na sumasalamin sa estado ng modernong katotohanan ("Terrible Parents", 1938; "Idols", 1940; "The Typewriter", 1941). Ang kanyang mga miniature, o mga kanta, na isinagawa ng sikat na Edith Piaf, Marianne Oswald, Jean Marais at Bert Bovy (miniature na "The Human Voice", 1930, atbp.) ay lalong popular.

Sinakop ng sinehan ang isang mahalagang lugar sa malikhaing buhay ni Jean Cocteau. Noong 1930, batay sa kanyang script, ang pelikulang "Blood of a Poet" ay itinanghal, ngunit ang hindi kasiya-siyang mga resulta ng trabaho ay pinilit ang screenwriter na bumaling sa independiyenteng aktibidad ng direktoryo: noong 1946, ipinakita niya ang pelikulang "Beauty and the Beast" sa ang madla, na sinundan ng "The Double-Headed Eagle" (1950), Orpheus (1958) at The Testament of Orpheus (1960).

Sa loob ng ilang dekada, ang pinakasikat na manunulat ng dula sa France ay Jean Anouilh(1910-1987). Sa pagsisimula ng kanyang karera sa panitikan noong unang bahagi ng 1930s, mabilis siyang naging isang sikat na manunulat. Ang kasagsagan ng kanyang trabaho ay naganap noong 30s at 40s ng ika-20 siglo. Noong 1932, isinulat ni Anouilh ang kanyang unang dula, na pinamagatang "Ermine," kung saan ang motibo ng pagkontra sa dalawang polar na mundo - mayaman at mahirap - ay inilagay sa unang lugar. Pagkalipas ng ilang buwan, ipinakita sa publiko ang comedy-ballet na "Thieves' Ball" (1932), na ang balangkas ay batay sa kwento ng pag-ibig ng isang mayamang babae para sa isang magnanakaw.

Kinilala ng mga kritiko ang "The Savage" (1934) bilang ang pinakamatagumpay na gawain ng maagang panahon ng pagkamalikhain ni Anouilh. Sa imahe ng isang dalisay na batang babae na nagngangalang Teresa, minarkahan ng playwright ang pagbubukas ng isang buong gallery ng mga katulad na karakter, na kalaunan ay lumitaw sa marami sa kanyang mga gawa.

Ang mga dulang may kinalaman sa mga isyu sa pamilya at moral ay hindi gaanong sikat kaysa sa "Savage". Ang isa sa kanila - "Noong unang panahon ay may isang bilanggo" (1935) - ay nagsasabi tungkol sa kapalaran ng isang bayani na pinalaya mula sa bilangguan pagkatapos ng mahabang sentensiya bilang isang bagong tao, at ang isa pa - "Isang Manlalakbay na Walang Luggage" (1936) - nagsasabi tungkol sa malungkot na kapalaran ng isang tao sa modernong mundo, na ang memorya ay nabibigatan ng mga alaala ng digmaan.

Ang mga taon ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig ay minarkahan ang simula ng isang bagong yugto sa gawain ni Jean Anouilh, na nailalarawan ng mapait na pagkabigo sa mga nakaraang mithiin. Gayunpaman, hindi nawala ang dating interes ng playwright sa teatro.

Noong 1942, dalawang cycle ng mga dula ang inilabas, parehong bago at dati nang nilikha: ang unang koleksyon, na pinamagatang "Black Plays," kasama ang mga drama na "Ermine," "Passenger Without Luggage," "Savage" at "Eurydice" (1941), na naging isang uri ng pagpapatuloy ng "Savage".

Ang pangalawang koleksyon - "Pink Plays" - naging hindi gaanong kawili-wili kaysa sa una; kasama dito ang mga akdang "Thieves' Ball", "Leocadia" (1939), "Rendezvous in Senlis" (1941).

Ang pinaka makabuluhang mga gawa sa panahong ito ng pagkamalikhain ni Anuev ay ang mga dulang "Eurydice" at "Antigone", na isinulat sa isang mitolohiyang balangkas at humipo sa mga problema ng ating panahon. Itinutuon ng may-akda ang lahat ng kanyang atensyon sa malalim na pag-aaway ng ideolohiya ng mga karakter, habang itinataas niya ang mga katotohanan ng buhay sa antas ng mga problemang pilosopikal.

Sa mga taon pagkatapos ng digmaan, patuloy na aktibong nagtatrabaho si Anuy. Nasa unang bahagi ng 1950s, ang kanyang bagong koleksyon na pinamagatang "Brilliant Plays" (1951) ay inilathala pagkalipas ng limang taon, ang "Prickly Plays" (1956) ay ipinakita sa madla na maunawain, at pagkatapos ay "Costume Plays" (1962), na nagpatuloy; upang itaguyod ang mataas na humanistic ideals.

Ang panahon ng post-war ng buhay at gawain ng mahuhusay na manunulat ng dula ay kinabibilangan din ng pagsulat ng mga gawa tulad ng "Beckett, or the Honor of God" (1959), "The Cellar" (1961), atbp.

Tinawag ng maraming kritiko ang tugatog ng dramatikong pagkamalikhain ni Anui bilang dulang "The Lark" (1953), na binuo sa anyo ng pagsubok ng pambansang pangunahing tauhang babae Joan ng Arc. Ang trahedya na salungatan ng trabaho (ang paghaharap sa pagitan ng isang tao at isang inquisitor) ay nakakakuha ng isang matinding socio-pilosopiko na resonance. Sa pagtatapos, ang mga ideyang makatao ay nagtatagumpay sa mga paniniwala ng kaaway ng sangkatauhan - ang inkisitor.

Ang dramaturgy ni Anouilh, na pumasok sa repertoires ng karamihan sa mga teatro sa Pransya noong kalagitnaan ng 1930s, ay hinihiling sa loob ng ilang dekada. Hanggang ngayon, sa mga entablado ng mga teatro sa Paris ay makikita mo ang mga pagtatanghal ng pinakamahusay na mga gawa ng manunulat ng dulang ito.

Ang pinakakilalang kinatawan ng French drama ng digmaan at mga panahon pagkatapos ng digmaan ay ang kinikilalang pinuno ng eksistensyalismo Jean Paul Sartre(1905-1980). Ang pilosopiya na naglalayong bumuo ng mga problema sa moral ay makikita sa marami sa mga dramatikong obra maestra ni Sartre.

Sa paniniwalang ang isang tao ay malaya sa kanyang pagpili at sa anumang sitwasyon ay lumilitaw bilang kung ano ang ginawa niya sa kanyang sarili, ang playwright ay bumaling sa pag-aaral ng pag-uugali ng mga bayani na natagpuan ang kanilang sarili sa isang kritikal na sitwasyon. Dahil dito, nakuha ng mga dula ang katangian ng mga talinghagang pilosopiko na may nilalamang moral at nakapagtuturo.

Sa mga taon ng digmaan, ang mga gawa ni Sartre ay tumunog ng isang panawagan para sa pakikibaka na may kaugnayan sa panahong iyon. Ganito ang kanyang "Flies," na itinanghal ni Dullin noong 1943 sa sinasakop na Paris. Sa mga mythological heroes, ang mga figure ng Resistance (ang imahe ni Orestes), ang mga maydala ng mga ideya ng Nazi (ang imahe ng Aegisthus) at mga tagasuporta ng conciliatory na posisyon ng mga collaborationist (ang imahe ni Clytemnestra) ay madaling nakilala.

Kasunod nito, madalas na bumaling si J. P. Sartre sa mga paksang pangkasaysayan (“The Devil and the Lord God,” 1951), ngunit ang repleksyon ng modernong socio-political reality ay kadalasang sinasamahan ng mga eksperimento sa pilosopikal sa diwa ng existentialism (ang mga dulang “Behind a Closed Door (1944), "Dirty Hands" "(1948), "Dead Without an Executioner" (1946), atbp.).

Isang babala laban sa pag-uulit ng mga pagkakamali ng nakaraan at laban sa muling pagbabangon ng pasismo sa mundo pagkatapos ng digmaan ay pinatunog ng sikolohikal na drama na "The Hermits of Altona" (1959). Dito, tulad ng sa maraming iba pang mga gawa ni Sartre, ang kalunus-lunos na motibo ng kalungkutan at takot na takot sa hinaharap ay natagpuang ekspresyon.

Noong 40s at 50s ng 20th century, ang mga dramatikong obra maestra ng "absurdists" ay naging katulad ng mood sa mga gawa ni Sartre. Ang pangangaral ng kapahamakan ng isang tao na, sa paghahanap ng paraan upang makalabas sa ganoong estado, ay bumaling sa alogism (isang irrationalistic o mystical vision ng mundo sa mga gawa ng Ionesco), sunud-sunod na pag-asa sa kamatayan (sa Beckett) o mapangwasak na paghihimagsik na humahantong. hanggang sa kamatayan (sa mga gawa ng Genet), ay ang pangunahing tema ng "drama ng walang katotohanan."

Isa sa pinakasikat na dula Samuel Beckett(1906-1989) ay maaaring isaalang-alang ang akdang "Naghihintay para kay Godot" (1952) - isang madilim na talinghaga kung saan, kasama ang mga motibo sa relihiyon, ang pessimistic na pilosopikal na pangangatwiran at "itim na katatawanan" ay magkakasamang nabubuhay. Tinawag ng maraming kritiko sa teatro ang akdang ito na “pilosopikong clownery.”

Ang dramatikong pamana ni Beckett (Endgame, 1957; Oh! Happy Days!, 1961) ay napuno ng kawalan ng pag-asa, ang kanyang mga bayani - bulag, pipi, paralitiko at freak - ay lumilitaw bilang mga papet na kontrolado ng hindi kilalang mga puwersa ng kasamaan.

Ang mga gawa ni Jean Genet (1910-1986) ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang luntiang libangan at ilang kumplikado ng karaniwang anyo, na naghangad na gawing kakaibang phantasmagoria ("Maids", 1946; "Negroes", 1959; "Balcony", 1960 ; "Mga Screen", 1966).

Ang pagnanais na gambalain ang publiko mula sa pagpindot sa mga problema, upang ihulog sila sa isang estado ng kawalan ng ulirat, ay madalas na nagresulta sa pagtutula ni J. Genet ng brutal na karahasan (marahil ito ay dahil sa pamumuhay na pinamunuan ng manunulat bago maging isang tanyag na tao).

Pagtanggi lohikal na pag-iisip Ang mga dula ni Eugene Ionesco (1912-1994) ay pinunan bilang paraan ng pag-alam ng katotohanan. Ang mga nakakatuwang larawan at slapstick na komedya ay naroroon sa halos lahat ng mga dramatikong gawa ng may-akda (“The Bald Singer”, 1950; “The Lesson”, 1951; “Chairs”, 1952; “Rhinoceros”, 1959, atbp.), na natatakpan ng pangangaral ng nihilismo at anarkiya na paghihimagsik.

Sa pagsasalita laban sa mga tradisyunal na anyo ng sining, itinanggi ng mga "absurdists" hindi lamang ang modernong teatro, kundi pati na rin ang panitikan at drama. Tumanggi silang isaalang-alang ang wika bilang isang paraan ng pagkakaunawaan ng mga tao, kaya ang ilan sa pagkalito at pagiging kumplikado ng mga anyo ng "drama ng walang katotohanan."

Ang isa pang direksyon sa French performing arts noong mga taon pagkatapos ng digmaan ay ang "demokratikong avant-garde", ang pinakakilalang kinatawan kung saan ay Arthur Adamov(1908-1970). Ipinanganak siya sa Kislovodsk. Noong 1914, umalis ang pamilya sa Russia at, pagkatapos ng mahabang paglibot, nanirahan sa France.

Ang mga unang dula, na nagpatotoo sa kalituhan at espirituwal na kaguluhan ng batang manunulat ng dula, ay isinulat sa ilalim malakas na impluwensya mga ideya ng "absurdist" na mga manunulat ng dula, ngunit kahit na pagkatapos ay nagsimulang magpakita ng espesyal na interes si Adamov sa kapalaran ng mga tao sa modernong mundo.

Ang anim na buwang ginugol ng mahuhusay na manunulat sa isang pasistang kampong piitan ay nag-iwan ng imprint sa kanyang karagdagang gawain. Sa mga taon pagkatapos ng digmaan, nilikha ng playwright ang kanyang pinakamahusay na mga gawa, na puno ng pananampalataya sa tagumpay ng mga demokratikong ideya at naglalaman ng matalim na pagpuna. modernong lipunan.

Partikular na sikat ang mga dula ni A. Adamov na "Invasion" (1950), "Ping Pong" (1955) at "Paolo Paoli" (1957). Hindi gaanong sikat ang "Scum Politics" (1962), "Mr. Moderate" (1967) at "No Trespassing" (1969).

Tinawag ng playwright ang kanyang pinakamahusay na mga gawa na satirical at journalistic one-act plays, na tinatawag na "topical scenes" ("I am not French," "Intimacy," "The Complaint of Laughter").

Bilang karagdagan sa paglikha ng kanyang sariling mga drama, si Arthur Adamov ay kasangkot sa mga pagsasalin. Salamat sa taong ito, nakilala ng France ang "The Bourgeois" at "Vassa Zheleznova" ni A. M. Gorky, ang malikhaing pamana ni A. P. Chekhov.

Ang pagtatapos ng 60s ng ika-20 siglo ay minarkahan ng isang walang uliran na pagtaas sa interes ng publikong Pranses sa drama. Ang mga dula ng mga batang may-akda ay nai-publish sa pinakamalaking mga publikasyong Pranses na "Sail" at "Stoke", at ang mga bagong produksyon ay ginanap sa mga yugto.

Ang mga gawa ng mga batang manunulat ng dula ay higit na tumutugon sa mga kaganapan ng modernong realidad (“Edged Weapon” at “Fruit Peel on a Rotten Tree” ni V. Aim), isang repleksyon ng socio-political reality (“Atelier”, "Pag-aaway", "Bukas", "Bintana sa kalye" ni J.C. Granbert).

Ang isang espesyal na lugar sa French dramaturgy noong ika-20 siglo ay inookupahan ng gawain ng mga batang may-akda na nagsimula ng kanilang mga karera sa entablado ng mga sinehan sa probinsiya. Nakibahagi sila sa Avignon Festival, ang natatanging “festival for the mind and heart” na ito. Ang kasaysayan ng pagdiriwang ay nagsimula noong 1947 (ang tagapag-ayos ng unang naturang kaganapan ay ang sikat na figure sa teatro na si Jean Vilar).

Ang tema ng kalungkutan at pag-abandona ng tao sa modernong mundo ay nakatanggap ng bagong kahulugan sa pagkamalikhain Barnar Marie Koltes(ipinanganak noong 1948). Halimbawa, ang mga dulang "Night Before the Forest" (ipinakita sa Avignon Festival noong 1977), "The Battle of the Negro and the Dogs" (na itinanghal noong 1983 sa mga suburb ng Paris).

Ang mga gawa ng mga playwright tulad nina Pierre Laville, Daniel Benhard at iba pa ay kilala sa kanilang apela sa mga isyung sosyo-politikal at sikolohiya ng tao.

Ang teatro ng Pransya ay umunlad sa mas mabilis na bilis kaysa sa dramaturhiya sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo. Noong unang bahagi ng 1960s, ang mga komersyal na "boulevard" na mga teatro, na unti-unting lumalapit sa mga cabarets at iba pang entertainment establishments, ay naging isang "arena" para sa mga produksyon ng adulterous comedies nina Andre Roussin at Roger Ferdinand, para sa pagpapakita ng mga madugong melodramas at mga aksyon na pelikula ng iba't ibang mga may-akda.

Ang repertoire ng naturang mga teatro, kasama ang pino at mapang-uyam na mga drama ng Françoise Sagan, ay kasama ang sira-sira, bahagyang magaspang na mga dula ni Marcel Aimé.

Sa kabila ng lahat, ang mga komersyal na sinehan ay patuloy na nakakaakit ng malalaking madla na gustong manood ng mga sikat na aktor - sina Jean-Claude Brialy at Micheline Prel (parehong nilalaro sa dulang "The Flea in the Ear"), Daniel Ivernel at Paul Meurisse (ang pangunahing mga karakter sa " The Staircase"), Marie Belle (Phaedra sa modernistang produksyon ng trahedya ni Racine), atbp.

Ang mga tagapagdala ng pinakamayamang tradisyon sa kultura sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo ay ang pinakamatandang teatro sa France, ang Comédie Française, at ang mga grupo nina Andre Barsac at Jean Louis Barrault. Ang pag-arte ng mga aktor ng Comedy Française, na iginawad ng pinakamataas na papuri ng Italian playwright na si Carlo Goldoni noong ika-18 siglo, ay namamangha pa rin ngayon sa hindi matatawaran na husay at mataas na propesyonalismo: “Walang pinipilit sa kilos o ekspresyon. Bawat hakbang, bawat galaw, sulyap, tahimik na eksena ay maingat na pinag-aaralan, ngunit itinatago ng sining ang pag-aaral sa ilalim ng tabing ng pagiging natural.” Ang ilang mga tampok ng istilo ng entablado ng pinakalumang teatro ng Pransya ay naroroon sa pagtatanghal ng iba pang mga grupo ng pag-arte. Gayunpaman, ang Comedy Française ay hindi nawala ang katanyagan at prestihiyo nito hanggang sa araw na ito.

Natutunan ng mga mahuhusay na direktor ng Pranses na sina Jean Louis Barrault at Andre Barsac ang mga lihim ng pagdidirekta sa sikat na paaralan ng Cartel, sa ilalim ng kilalang Charles Dullen. Gayunpaman, naunawaan ng bawat isa sa kanila ang mga aralin ng master sa kanilang sariling paraan.

Si Andre Barsac (1909-1973) ay nakakuha ng katanyagan hindi lamang bilang isang direktor-psychologist, kundi pati na rin bilang isang dekorador ng teatro. Ang pagkakaroon ng interes sa teatro sa kanyang pagkabata, pinili niyang hindi kumilos bilang kanyang larangan, ngunit ang propesyon ng isang artista. Ang mga taon ng pag-aaral sa Paris School of Decorative Arts (1924-1926) ay nagpapahintulot sa kanya na makabisado ang mga pangunahing kaalaman ng kanyang napiling propesyon, at noong 1928 ay nagpunta si Barsak sa trabaho sa Atelier theater ng C. Dullen, na sikat sa mga taong iyon.

Ang pasinaya na gawain ng batang artista ay ang tanawin para sa dulang "Volpone" ni B. Johnson, at ang pinakamahusay na mga obra maestra sa larangang ito ay ang mga sketch ng tanawin at mga kasuotan para sa dulang "The Doctor of His Unit" ni Calderon (1935).

Mula noong 1930, sabay-sabay na nagtrabaho si A. Barsak sa maraming mga sinehan - "Atelier", "Troupe of Fifteen" at sa opera house, kung saan pinalamutian niya ang "Persephone" ni Stravinsky.

Noong 1936, sinimulan ni Andre ang paglikha ng isang bagong teatro na tinatawag na Troupe of the Four Seasons, na sa lalong madaling panahon ay ipinakita ang unang produksyon nito sa madla - Gozzi's The Stag King (ito ang debut work ni Barsak the director).

Sa panahon ng 1937/1938, ang isang bilang ng mga pagtatanghal ay itinanghal sa entablado ng teatro na ito, ang tanawin na ginawa ng direktor mismo - "Jean from the Moon" ni Achard, "Knock" ni Romain, "Once upon a oras na mayroong isang bilanggo" ni Anouilh, atbp. Ang matagumpay na pagtatanghal ng tropa ay nagbigay-daan sa mga ito na magsimula ng mga paglilibot sa New York, Paris at mga panlalawigang lungsod ng France, Belgium at Brazil.

Noong 1940, si André Barsac ay hinirang na direktor ng Atelier Theater, habang sa parehong oras ay nagpatuloy siyang magtrabaho bilang isang set designer at stage director. Sa aktibong pakikilahok ng taong ito, "The Tricks of Scapin" (1940), "Euridice" at "Romeo and Jeanette" ni Anouilh (1940), "The Brothers Karamazov" ni Dostoevsky (1946) at maraming iba pang mga pagtatanghal ay itinanghal sa entablado ng "Atelier".

Noong 1948, ipinakita ni Barsak ang The Inspector General ni Gogol, noong 1940, The Seagull ni Chekhov, at noong 1958-1959, ang dula ni Mayakovsky na The Bedbug.

Gayunpaman, ang pinakadakilang katanyagan para sa Barsak na direktor ay nagmula sa pagsasadula ng nobela ni Dostoevsky na "The Idiot", kung saan ang papel ni Nastasya Filippovna ay ginampanan ng sikat na trahedya na aktres na si Catherine Seller.

Ang paggawa ng gawain ni Turgenev na "Isang Buwan sa Bansa" ay pantay na tanyag. Ang pagtatanghal ay naging lubhang patula;

Ang isa pang lugar ng gawain ni Andre Barsac ay aktibidad sa panitikan. Siya ang may-akda ng komedya na "Agrippa, o Mad Day," na itinanghal sa entablado ng Atelier noong 1947, at isang bilang ng mga artikulo sa teatro.

Ang isang espesyal na papel sa pagbuo ng French stage art ay ginampanan ng mahuhusay na aktor at direktor na si Jean Louis Barrault (1910-1994). Ipinanganak siya sa pamilya ng isang parmasyutiko at sa kanyang pagkabata ay natuklasan niya ang mga natatanging kakayahan sa pagguhit. Sa pag-abot sa kinakailangang edad, ang batang lalaki ay pumasok sa mga kurso sa pagpipinta sa Louvre School sa Paris. Gayunpaman, si Jean Louis ay hindi nakatakdang magtapos mula sa institusyong pang-edukasyon na ito, ang kanyang pagkahilig sa teatro ay pinilit na iwanan ang kanyang karera bilang isang artista at sumali sa tropa ng teatro ng C. Dullen "Atelier".

Ang pagkakaroon ng kanyang debut noong 1932 sa isang maliit na papel sa isa sa mga produksyon ng teatro, nagsimulang lumahok si Barro sa halos lahat ng mga pagtatanghal. Ngunit ang kakulangan ng kasanayan ay humadlang sa paglago ng karera, at ang batang aktor ay nagpahayag ng pagnanais na kunin ang sining ng pantomime kasama ang sikat na mime na E. Decroux.

Noong 1935, naganap ang premiere performance ng pantomime na "Near Mother," batay sa nobela ni Faulkner na "While I Lay Dying," sa entablado ng Atelier Theater. Sa pagtatanghal na ito, naglaro si Jean Louis ng isang kabayo at ang sakay nito. Sa parehong oras, ginawa ni Barro ang kanyang debut sa pelikula (ang pelikulang "Children of Paradise"). Ang isang napakahalagang kaganapan sa kanyang buhay ay ang kanyang kakilala sa mga surrealist at ang tropa ng teatro ng Oktubre.

Di-nagtagal, iniwan ni Jean Louis si Dullen at inayos ang kanyang sariling tropa, na tinawag na "Augustine's Attic", ngunit hindi tumigil sa pakikipagtulungan sa "Atelier". Noong 1939, ginampanan ni Barro ang papel ni Silvio sa anti-pasistang dula ni Salakru na "The Earth is Round," na itinanghal sa Dullen Theater, at ipinakita sa madla ang isang pagsasadula ng dula ni Hamsun na "Hunger."

Ilang taon bago nito, ginawa ni J. L. Barrot ang kanyang debut sa entablado ng Antoine Theater kasama ang makabayang drama na Numancia (batay sa Cervantes). Ang pagtatanghal ay isang hindi pa nagagawang tagumpay dahil sa pagiging napapanahon at kaugnayan ng produksyon (sa oras na iyon ang buong progresibong publiko ay nag-aalala tungkol sa kahihinatnan ng digmaan sa Espanya).

Noong 1940, inanyayahan si Barrot sa Comedie Française theater, kung saan siya nagtrabaho hanggang 1946. Sa pinakatanyag na yugtong ito sa France, gumanap siya ng ilang mga tungkulin, kabilang si Rodrigo sa "Side" ni Shakespeare at ang desperadong Hamlet sa dula ng parehong pangalan. Bilang karagdagan, muling binigyang-kahulugan ni Jean Louis ang klasikal na repertoire ng teatro: Racine's Phèdre (1942), Claudel's The Satin Slipper (1943) at Shakespeare's Antony and Cleopatra (1945), na itinanghal ni Barrault, ay naging napakapopular sa mga sopistikadong madlang metropolitan.

Ang katibayan ng ilang eclectic na panlasa ng mahuhusay na direktor ay ang kanyang matagumpay na pagsasadula ng mga gawa ng iba't ibang genre, maging ito ay komedya o trahedya, operetta o pantomime. Kasabay nito, sinikap niyang lumikha ng isang sintetikong teatro na magkakasuwato na pagsasama-samahin ang pinakamahusay na paraan ng pagpapahayag na katangian ng iba't ibang uri ng sining.

Noong 1946, inayos ni Jean Louis ang isang bagong tropa ng pag-arte, na, bilang karagdagan sa kanya, kasama si M. Reno (asawa ng direktor) at maraming iba pang mahuhusay na performer.

Naging si Barro direktor ng sining at ang nangungunang aktor ng tropa na ito, na gumanap sa gusali ng Marigny Theater. Mga pagtatanghal tulad ng "Nights of Wrath" ni Salakru (1946), "The Trial" ni Kafka (1947), "The Tricks of Scapin" ni Molière (1949), "Christopher Columbus" ni Claudel (1950), "Malbrouck is Ready to Go” ni Achard, ay itinanghal dito ang "The Cherry Orchard" ni Chekhov.

Sa ilan sa mga produksyon na ito, si Jean Louis ay kumilos hindi lamang bilang isang direktor, kundi pati na rin bilang isang tagapalabas ng mga nangungunang tungkulin (ang anti-pasistang patriot na si Cordo sa Nights of Wrath, Christopher Columbus sa dula ng parehong pangalan, Trofimov sa The Cherry Orchard, atbp.).

Noong 1959, si Barrot ay nahalal na pangulo ng Parisian Theatre de France. Ang kanyang mga produksyon ng mga dulang "Rhinoceros" ni Ionesco, "The Golden Head" ni Claudel at "Little Madame Molière" ni Anouilh ay nagmula sa parehong panahon.

Bilang karagdagan sa pagdidirekta at pag-arte, kasangkot din si Barrot sa mga aktibidad sa lipunan: sa loob ng ilang taon siya ang direktor ng School of Dramatic Art, na itinatag niya sa Paris sa tulong nina J. Berto at R. Rouleau. Si Jean Louis Barrault ay ang may-akda ng akdang pampanitikan na "Reflections on the Theatre", kung saan ang may-akda ay kumikilos bilang isang naghahanap ng katotohanan at isang makata ng sining ng pagganap.

Kaya, ang gawain nina Barrault at Barsac ay may malaking impluwensya sa pag-unlad ng teatro ng Pransya sa mga taon pagkatapos ng digmaan. Hindi gaanong kawili-wili ang gawain ng mga natitirang master na sina Pierre Franck, Georges Vitali, Jean Meyer sa mga yugto ng mga teatro ng Evre, La Bruyère at Michel.

Ang unang bahagi ng 1950s ay nakita ang muling pagkabuhay ng dating kaluwalhatian ng National People's Theater F. Zhemier, dahil sa pagdating ng mahuhusay na direktor na si Jean Vilar (1912-1971) sa tropa. Sa maikling panahon, nagawa ng taong ito na gawing isa sa pinakamahusay na mga sinehan sa France ang National People's Theater.

Nag-iisang layunin ang ginawa ni Vilar: gawing accessible ang teatro sa milyun-milyong manonood, "ayon sa matalino at pangunahing pormula ni Stanislavsky." Ang mahuhusay na direktor ay lumikha ng isang bagong istilo ng entablado: simple at sa parehong oras ay marilag, aesthetically perpekto at naa-access, na dinisenyo para sa isang madla ng libu-libo.

Lumikha si Vilar ng isang tunay na buhay na teatro kung saan ang publiko ay gumaganap ng isang tiyak na papel, at pinamamahalaang pukawin ang interes sa mga sining ng pagganap kahit na sa mga malayo sa teatro. Sa inisyatiba ng taong ito, ang sistema ng paglilingkod sa mga manonood ay muling inayos: dalawang oras bago magsimula ang pagtatanghal, isang cafe ang binuksan sa National People's Theater kung saan ang isang tao ay maaaring magkaroon ng meryenda pagkatapos ng trabaho, bilang karagdagan, ang mga pagtatanghal ay nagsimula sa isang pagkakataon maginhawa para sa madla.

Unti-unti, ang teatro ay naging isang uri ng House of Folk Culture, na hindi lamang nagpakita ng mga pagtatanghal at pelikula, ngunit nagho-host din ng mga pampanitikan at musikal na gabi, eskultura at mga eksibisyon sa pagpipinta. Ang "folk balls" na inorganisa ng pamunuan ng National People's Theater ay nakakuha ng pinakamalaking katanyagan sa mga taong iyon.

Sa pamamagitan ng pagtatanghal ng mga gawa ng lokal at dayuhang klasiko sa entablado, sinubukan ni Jean Vilar na hanapin sa kanila ang mga sagot sa mga tanong na gumugulo sa kanya, at kumuha ng mga kinakailangang aral mula sa nakaraan. Ganito ang mga produksyon ng "The Cid" ni Corneille kasama si Gerard Philippe sa title role (1951), "The Prince of Homburg" ni G. Kleist (1952), "Don Juan" ni Molière (1953) at "Macbeth" ni Shakespeare ( 1954).

Ang dulang "Sid", na binibigyang kahulugan ni Vilar, ay lumitaw bilang isang tula tungkol sa pag-ibig at maharlika ang teksto, na puno ng pagnanasa, na tumunog sa entablado na parang kolokyal na pananalita na naiintindihan ng bawat ordinaryong tao.

Ang produksyon na ito ay naging isang simbolo ng muling pagkabuhay ng French folk theater na may kagalakan na nagsalita tungkol dito. Kaya naman, tinawag ni Louis Aragon ang “The Cid” na “ang pinakamahusay na pagtatanghal na itinanghal sa entablado ng Pransya,” at sinabi ni Maurice Thorez, pagkatapos mapanood ang obra maestra na ito: “Atin ang pambansang pamana.”

Sa entablado ng National People's Theater, ang mga mahahalagang hakbang ay ginawa tungo sa pag-unawa sa katutubong tema ng kasaysayan ang mga produksyon ng Hugo's Mary Tudor (1955) at Musset's Lorenzaccio (1958) ay naging isang tunay na sensasyon sa modernong mundo.

Noong 1960-1961, ipinakita ni Vilar sa madla ang mga pagtatanghal na "Antigone" ni Sophocles, "The Career of Arturo Ui" ni Brecht, "Scarlet Roses for Me" ni O'Casey, "The Alcalde of Salamea" ni Calderon at "The Mundo” ni Aristophanes. Sa mga produktong ito, nabuo ang imahe ng isang bayaning bayan na lumalaban para sa kapayapaan at kalayaan.

Itinuring ng maraming mahuhusay na aktor na isang karangalan ang magtrabaho sa ilalim ng pangangasiwa ng sikat na Jean Vilar. Unti-unti, nabuo ang isang highly professional acting troupe sa National People's Theater, na kinabibilangan nina Gerard Philip, Daniel Sorano, Maria Cazares, Christian Minazzoli at iba pang aktor. Dumagsa rito ang pinakamahuhusay na set designer, lighting designer, costume designer at iba pang stage workers.

Ang isa sa mga pinakasikat na aktor ng post-war France, isang kinikilalang pinuno sa mga romantikong aktor sa ating panahon, ay si Gerard Philip (1922-1959). Ginawa niya ang kanyang pasinaya sa teatro noong 1942 at sa lalong madaling panahon ay nakakuha ng katanyagan.

Maraming mga pagtatanghal na may partisipasyon ng aktor na ito ang pumukaw ng tunay na interes ng publiko. Si Gerard Philip ay lumikha ng isang bilang ng mga hindi malilimutang larawan - Rodrigo sa Corneille's "Cide", ang Prinsipe ng Homburg sa dula ng parehong pangalan, Lorenzaccio sa dula ni Musset, atbp. Bilang unang pangulo ng Union of Actors ng France, ipinagtanggol niya ang karapatan ng mga tao ng propesyon na ito sa modernong mundo.

Si Gerard Philip ay gumanap hindi lamang sa entablado ng teatro, kundi pati na rin sa harap ng mga camera ng pelikula, nag-star siya sa mga nangungunang papel sa mga pelikula tulad ng "The Parma Monastery", "Fanfan-Tulip", "Red and Black", atbp.

Ang isang natatanging dramatikong artista ng isang trahedya na papel ay si Maria Cazares (tunay na pangalan na Quiroga) (1922-1996), isang kinatawan ng pamilya ng estadistang Espanyol.

Matapos ang paglipat ng kanyang ama sa Pransya, sinimulan ni Maria ang kanyang pag-aaral sa isa sa mga Parisian lyceum, at pagkatapos, na matagumpay na nagtapos sa institusyong pang-edukasyon na ito, pumasok siya sa Conservatory of Dramatic Art.

Noong kalagitnaan ng 1950s, iniwan ng talentadong aktres ang Comedie Française, kung saan gumanap siya sa loob ng maraming taon, at sumali sa tropa ng People's National Theater, sa entablado kung saan lumikha siya ng isang malaking bilang ng mga hindi malilimutang dramatikong mga imahe (Queen Mary. sa Mary Tudor ni Hugo at iba pa).

Si Maria Cazares ay nakakuha ng partikular na katanyagan bilang isang artista sa pelikula ang kanyang debut sa larangang ito ay ang kanyang papel sa "Mga Bata ng Paraiso" ni M. Carné (1945), na sinundan ng isang alok mula kay R. Bresson upang magbida sa pelikulang "Ladies of the Bois; de Boulogne” (1945). Gayunpaman, ang pinakamatagumpay na papel, na nag-iwan ng maliwanag na marka sa sinehan ng Pransya, ay si Sanseverina sa adaptasyon ng pelikula ni Christian-Jean " monasteryo ng Parma"A. Stendhal.

Noong 1949, ginampanan ng pambihirang dramatikong artista ang papel na Kamatayan sa "Orpheus" ni Jean Cocteau, at pagkaraan ng sampung taon ay nakatanggap siya ng isang imbitasyon sa papel ng prinsesa sa pelikulang "The Testament of Orpheus" (1959). Ang mga kasosyo ni M. Cazares sa set ay naging sina Jean Marais (Orpheus) at Jean Cocteau (makata), na ang mahuhusay na pagganap ay naging susi sa matagumpay na pagpapalabas ng pelikula.

Ang maliliit na papel na ginampanan ni M. Cazares sa mga pelikulang "Shadow and Light" ni A. Calef (1950), "The Reader" ni M. Deville (1987) at "Knights of the Round Table" ni D. Llorca (1990) ay nabanggit na may pantay na atensyon.

Napanatili ng aktres ang magandang espiritu hanggang sa mga huling araw ng kanyang buhay. Halimbawa, ang sumusunod na katotohanan ay nagpapahiwatig: noong 1996 (ang taon na siya ay namatay), ang 74-taong-gulang na si Maria Cazares ay aktibong bahagi sa paggawa ng pelikula ng Paskalevich na pelikula na "Someone's America."

Kapansin-pansin na sa buong buhay niya, hindi nagbigay ng dahilan ang aktres para pagdudahan ang kanyang reputasyon bukod pa rito, hindi niya pinayagan ang mga mamamahayag at biographer sa kanyang buhay.

Ang isa sa pinakasikat na artistang Pranses sa ating panahon ay si Jean Gabin (totoong pangalan na Jean Alexis Moncorger) (1904-1976). Ipinanganak siya sa pamilya ng isang simpleng manggagawa, at tila walang nagbabadya ng kakaibang kapalaran para kay Jean. Gayunpaman, habang baguhan pa rin sa isang lugar ng konstruksiyon at isang katulong na manggagawa sa isang pandayan, nagpakita siya ng pambihirang kakayahan sa pag-arte.

Noong 1923, ginawa ni Jean Gabin ang kanyang debut sa entablado ng teatro ng Folies Bergere ng kabisera bilang dagdag. Napansin ang talento at kaakit-akit na anyo ng young actor, at hindi nagtagal ay nakatanggap siya ng imbitasyon na maging artista sa isang variety show. Matapos magtrabaho ng ilang taon sa musical revue genre, lumipat siya sa operetta theater, at naging performer ng mga nakakatawang kanta sa mga sinehan ng Vaudeville, Bouffe-Parisienne at Moulin Rouge.

Gayunpaman, ang pinakadakilang katanyagan ni Jean Gabin ay nagmula sa kanyang maraming mga tungkulin na ginampanan sa mga pelikula. Ang kanyang debut sa pelikula ay naganap noong 1931 sa pelikulang "The Great Illusion".

Ang tagumpay ng pelikula ay nagbigay-pansin sa maraming direktor sa dalawampu't pitong taong gulang na aktor, at sa lalong madaling panahon siya ay naging isa sa mga pinaka-imbitado. Ginampanan ni Jean Gabin ang isang bilang ng mga papel sa mga pelikula tulad ng "Embankment of Fogs", "Thunder from Heaven", "At the Walls of Malapaga", "Great Families", "The Powers That Be", "Prairie Street", atbp.

Ang aktor na ito ay bumagsak sa kasaysayan ng sining ng teatro at cinematic sa mundo bilang tagalikha ng imahe ng isang taong tapat sa mga ideal na ideya ng tungkulin at katarungan, na may kakayahang ipagtanggol ang kanyang dignidad at kalayaan sa pakikibaka.

Noong 1949, pagkatapos ng pahinga ng halos dalawampung taon, bumalik si J. Gabin sa entablado. Sa Ambassador Theater ginampanan niya ang isa sa mga pinakamahusay na tungkulin sa entablado - ang pangunahing karakter sa dula ni Bernstein na "Uhaw".

Matapos ang pagtatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, hindi lamang ang mga sining ng pagtatanghal ng Paris, kundi pati na rin ang mga panlalawigang sinehan ng France, na matagal nang "hibernation" ay nabuo.

Matapos ang Unang Pista ng French Dramatic Art ay ginanap sa Avignon noong 1947, tumindi ang mga aktibidad ng mga theatergoers sa ibang mga bansa. mga lungsod ng probinsiya France. Di-nagtagal, nagsimulang gumana ang mga permanenteng tropa sa Strasbourg, Le Havre, Toulouse, Reims, Saint-Etienne, Bourges, Grenoble, Marseille, Colmar, Lille at Lyon, at lumitaw ang mga sentro para sa dramatikong sining at Bahay ng Kultura.

Kasunod ni J. Vilar, ang mga panlalawigang sinehan ay bumaling sa mga gawa ng mga namumukod-tanging domestic at foreign classic, na muling binibigyang-kahulugan ang mga klasikal na obra maestra sa isang bagong paraan. Nagtanghal ang mga direktor ng probinsiya ng mga pagtatanghal na naaayon sa diwa ng panahon.

Kaya, habang pinapanatili ang makatao na tunog ng trahedya ni Corneille na "Horace," ang direktor ng Strasbourg na si Hubert Gignoux, sa kanyang produksyon noong 1963, ay nakatuon sa mga kahihinatnan ng bulag na pagsunod sa mga utos.

Sa iba't ibang panahon, ang mga paggawa ng mga dula nina Gogol, Chekhov, Gorky, gayundin ni Arbuzov ("The Irkutsk Story" sa Strasbourg noong 1964), Schwartz ("Dragon" sa Saint-Etienne noong 1968) at iba pang Russian playwright ay napakapopular. Gustung-gusto ng madla ang mga pagtatanghal ng mga satirical na komedya ng mga may-akda ng Russia - sina Dürrenmatt at Frisch, na gumaganap nina O'Casey at Bertolt Brecht.

Isang kapansin-pansing marka sa kasaysayan ng mga panlalawigang teatro ng Pransya ang iniwan ng mahuhusay na direktor, direktor ng Théâtre de la Cité sa Villeurbanne, si Roger Planchon (ipinanganak noong 1931). Bilang isang masigasig na tagahanga ng mga gawa nina B. Brecht at J. B. Moliere, sinubukan niyang ihatid ang mga ideya ng mga manunulat na ito sa malawak na madla.

Ang pagbabago ng direktor ay ipinakita sa isang bilang ng kanyang mga pagtatanghal, halimbawa, sa paggawa ng "Schweik sa Ikalawang Digmaang Pandaigdig" ni B. Brecht (1961) R. Planchon ay gumamit ng isang patuloy na umiikot na bilog, na nagpapahintulot sa kanya na makamit ang isang tiyak. epekto: sa mga kinakailangang lugar ang bayani ay maaaring lumapit sa madla, pagkatapos ay lumayo sa kanila.

Sa pagtatanghal ng Molière's Tartuffe (1963), ang pamamaraan ng pagpapalawak ng espasyo sa entablado ay ginamit, salamat sa kung saan ang mga pangyayari ay nakakuha ng mala-avalanche, nagbabantang karakter.

Tamang naniniwala si Planchon na ang direktor ay dapat na isang banayad na psychologist, ito ay magpapahintulot sa kanya na ganap na ibunyag ang "sosyal na sitwasyon" at galugarin ang kapaligiran sa panahon ng isang tiyak na makasaysayang at pampulitikang sandali.

Sa wastong pagtukoy sa karakter ng isang partikular na dula, itinuon ng direktor ang atensyon dito. Sa panahon ng screening ng Molière's Georges Dandin (1959), ipinadama ni Planchon sa madla ang trahedya na katangian ng sitwasyon kung saan natagpuan ang isang mayamang magsasaka, na nawalan ng ugnayan sa pamilyar na mundo at hindi nakatanggap ng pagkilala sa mga maharlika.

Ang mga pagtatanghal na itinanghal ng direktor batay sa kanyang sariling mga dramatikong obra maestra ay isang walang uliran na tagumpay sa mga manonood. Kabilang sa mga ito ay ang mga dulang "Debtors" (1962), "White Paw" (1965), "Dishonest" (1969), atbp. Sa pagtuklas ng interes sa iba't ibang dramatic at stage form, gayunpaman ay hinangad ni Planchon na makahanap ng solusyon sa isang problema. sa kanyang mga produksyon - pag-aaral ng mga kontradiksyon sa lipunan ng modernong buhay.

Matibay na rasyonalismo at tumpak na pagkalkula, mga hindi inaasahang desisyon at tahasang pantasya - ito ang mga katangiang katangian ng istilo ng direktoryo ni Roger Planchon. Ang mga tampok na ito ay pinaka-malinaw na ipinakita sa proseso ng pagtatanghal ng nobela ni A. Dumas the Father "The Three Musketeers" (1957); maraming parody at ironic na mga eksena ang nagpaalala sa amin ng mga produksyon ng mga sikat na direktor ng Russia na sina Meyerhold at Vakhtangov.

Ang pinakadakilang katanyagan ay dinala sa Planchon sa pamamagitan ng mga pagtatanghal na itinanghal batay sa mga dula ng modernong Pranses na mga may-akda, mga tagasunod ng Brecht - "Paolo Paoli" ni Arthur Adamov (1957), "The Imaginary Life of the Street Sweeper Auguste Jais" ni Armand Gatti (1962). ), atbp.

Ang dula ni A. Gatti, na itinanghal ni R. Planchon, ay isang magkatugmang pagsasama ng dalawang drama - ang "drama ng mga ideya" at ang "drama ng imahinasyon": ang kasalukuyan at nakaraan, ang katotohanan at mga pangarap ay nalilito sa isipan ng isang taong sugatan sa kamatayan. Hindi isa, ngunit maraming Augustes na may iba't ibang edad ang lumitaw sa harap ng madla - isang batang lalaki, isang kabataan, isang lalaki, sa gayon ay binibigyang diin ng direktor ang pagnanais na makuha ang bayani sa iba't ibang panahon ng kanyang buhay.

Bilang karagdagan sa mga teatro sa kabisera at panlalawigan, ang mga teatro sa mga suburb ng Paris ay binuo sa France pagkatapos ng digmaan, na ang mga pinuno ay itinuloy ang layunin na gawin ang mga institusyong ito na isang "parlamento ng panlipunang pag-iisip." Sa entablado, itinanghal ang mga pagtatanghal-pagsubok at orihinal na pag-aaral, na nakatuon sa kalunos-lunos na kapalaran ng mga taong inalipin.

Kaya, ang "Run" (1971) ni Bulgakov ay itinanghal sa entablado ng Theater of Nanterre, ang tropa ng Guild ay pinamamahalaang itanghal ang "Macbeth" (1965) ni Shakespeare, ang repertoire ng Theater of the Commune sa Aubervilliers sa loob ng mahabang panahon kasama ang mga pagtatanghal na "An Optimistic Tragedy" ni Vs. Vishnevsky (1961) at "The Star Turns Red" ni O'Casey (1962), sa Theater. Ang "Spring 71" ni Gerard Philippe ni A. Adamov ang pinakasikat sa Saint-Denis.

Bilang karagdagan, ang drama ni A. Gatti na "The Stork" at ang komedya ni A. Adamov na "The Politics of Garbage", "The Cherry Orchard" ni A. P. Chekhov at mga dula ni B. Brecht ("The Threepenny Opera", "Saint Joan") ay itinanghal sa entablado ng Parisian suburbs slaughterhouses", "Dreams of Simone Machar").

Ang ikalawang kalahati ng 1960s, na minarkahan ng isang paglala ng sitwasyong pampulitika sa buong mundo, kabilang ang France, ay naging isang panahon ng reaksyon sa kasaysayan ng teatro.

Maraming mga direktor ng mga teatro sa Pransya ang napilitang magbitiw. Noong 1963, ginawa ito ni Jean Vilar, at ang kanyang kahalili bilang pinuno ng National People's Theater ay si Georges Wilson (ipinanganak noong 1921).

Bilang isang masigasig na tagahanga ng dramaturhiya ng Brecht at ng kanyang mga tagasunod (Gatti, Dürrenmatt, atbp.), Si Wilson ay nagtanghal ng maraming magagandang dula ng mga may-akda na ito sa entablado ng teatro - "Mr. 1964), "Luther" ni Osborne (1964), " Romulus the Great" ni Dürrenmatt (1964), "People's Song before Two Electric Chairs" ni Gatti (1965), "Turandot, o the Congress of the Whitewashers" ni Brecht ( 1971), atbp.

Sa kabila ng ilang matagumpay na produksyon, unti-unting nawala ang dating kasikatan ng National People's Theater, ito ay sa ilang lawak dahil sa pag-abandona sa pampublikong sistema ng subscription na ipinakilala ni J. Vilar.

Noong 1971, nang hindi na umiral ang National People's Theater, ang mga ideya nito ay kinuha ng lungsod. teatro ng munisipyo Paris - "Théâtre de la Ville", na noong mga taong iyon ay pinamunuan ni Jean Mercure (ipinanganak noong 1909). Ang magkakaibang repertoire, na binubuo ng mga obra maestra ng klasikal at modernong drama, ay umakit ng maraming manonood sa teatro.

Ang isang bagong trend sa French theatrical art noong ika-20 siglo ay ang mass performances ni Robert Hossein (ipinanganak 1927). Noong 1971, pinamunuan ng sikat na aktor ng pelikula ang People's Theater of Reims; sa kanyang direktang pakikilahok sa teatro, itinanghal ang "Krimen at Parusa" ni Dostoevsky, "Romeo at Juliet" ni Shakespeare, "The House of Bernarda Alba" ni Lorca", "The Lower Depths" ni Gorky at maraming iba pang makabuluhang pagtatanghal.

Sa isipan ni Hossein, na naniniwala na ang teatro ay dapat makaimpluwensya sa damdamin ng madla, ang konsepto ng isang "mahusay na pampublikong panoorin", isang uri ng katutubong pagdiriwang, ay unti-unting nabuo.

Ang dulang "Battleship Potemkin", na itinanghal noong 1975 sa Sports Palace ng kabisera, ay ang unang matagumpay na gawain sa direksyong ito. Sinundan ito ng mga pagtatanghal ng mga dula mula sa klasikal na repertoire - "Notre Dame de Paris" (1978) at "Les Miserables" (1980) ni Hugo, na pumukaw ng hindi gaanong interes ng publiko kaysa sa unang produksyon.

Sa pagtatapos ng 1979, ipinakita ni R. Hossein ang kanyang bagong gawain sa madla - ang makasaysayang drama na "Danton and Robespierre" (1979), at noong 1983 ang premiere ng dula na "A Man Called Jesus", batay sa isang balangkas mula sa Bibliya, naganap.

Ang mga gawa ni R. Hossein ay nakakuha ng pansin hindi lamang para sa kanilang kadakilaan at makulay na libangan, kundi para din sa kanilang mga dynamic na crowd scene, hindi pangkaraniwang liwanag at sound effects, pati na rin ang pagiging simple at accessibility ng content.

Ang isang kapansin-pansing kababalaghan sa buhay teatro ng France noong ika-20 siglo ay ang Bagong Pambansang Teatro ng Marseille, na inorganisa ng mahuhusay na direktor na si Marcel Marechal (ipinanganak noong 1938), na isa ring kahanga-hangang aktor (nilikha niya sa entablado ang matingkad na mga larawan ng Falstaff at Tamerlane, Scapin at Lear, Sganarelle at Hamlet).

Noong unang bahagi ng 1960s, nag-organisa si Maréchal ng isang tropa sa Lyon na tinatawag na Company du Cotourn. Ang mga demokratikong adhikain ng progresibong komunidad ng teatro ay hindi maiwasang maapektuhan ang mga aktibidad ng mahuhusay na direktor ng probinsiya, ito ay ipinahayag sa pagnanais ni Marechal na gawing isang Bahay ng Kulturang Popular, na naa-access ng maraming madla.

Sa paniniwalang ang pangunahing problema ng stage art ay ang kawalan ng "poetic realism," hinangad ni Marcel Marechal na lutasin ito sa pamamagitan ng paggamit ng mga bagong stage form na naiintindihan ng mass audience.

Sa kanyang trabaho, madalas siyang bumaling sa mga isyung sosyo-politikal: noong 1971, itinanghal niya ang dulang "The Man in Rubber Sandals" ng Algerian playwright na si Kateb Yassin, na nakatuon sa mga kaganapan ng Vietnam War.

SA sa susunod na taon Isang pagsasadula ng dula ni Brecht na "Mr. Puntila and His Servant Matti" (1972) ay ipinakita sa madla. Nagawa ng direktor, ayon sa mga kritiko sa teatro, na turuan ang publiko ng isang aralin "sa pinaka-nakakatuwang paraan sa mundo - sa ritmo ng isang komedya, kung saan ang mahika at katutubong karunungan, masamang pangungutya at tula ay pinagsama."

Kabilang sa mga pinakamatagumpay na gawa ni M. Marechal, dapat bigyan ng espesyal na pansin ang "Moschetta" ni Ruzante (1968), "Fracasse" ni T. Gautier (1972), at ang maraming oras na produksyon na "Grail Theater" (1979), nakatuon kay King Arthur at sa Knights of the Round Table. Ang mga pagtatanghal na ito ay isang organikong kumbinasyon ng simple at masalimuot, walang muwang at pagkalkula ng mga sandali ng mataas na liriko sa mga ito ay sinamahan ng mga nakakatawang eksena; dito nakilala ng nakaraan ang kasalukuyan, pinipilit tayong isipin ang hinaharap.

Buong pagmamalaking sinabi ni Marechal na nagawa niyang "buhayin ang isang teatrikal na tradisyon na ganap na nahuhulog sa elemento ng dula, iyon ay, upang bumalik sa mahusay na mga tradisyon at mga plot ng katutubong dula."

Noong 1975, lumipat ang tropa ni Marechal sa Marseille, ang pangalawang pinakamalaking lungsod sa France, kung saan bumangon ang Bagong Pambansang Teatro ng Marseille, na naging pinakamalaking sentro ng pakikibaka para sa mga katutubong gumaganap na sining.

Isang kapansin-pansing marka sa kasaysayan ng modernong teatro sa Pransya ang iniwan ng mga teatro ng kabataan tulad ng "Theatre Bulle" ni Alain Skof, "Great Magic Circus" ni Jerome Savary, at iba pa.

Ang pinakamahusay na mga kinatawan ng bagong henerasyon ng French directing ay sina Patrice Chéreau at Ariane Mnouchkine, kung saan ang mga makabagong ideya ay binuo.

Pinili ni Patrice Chéreau (ipinanganak 1944) ang krisis na estado ng isang lipunang binuo sa kasinungalingan, pagkukunwari at kawalan ng katarungan bilang pangunahing tema ng kanyang gawain. Sa pagbibigay ng malalim na sosyo-historikal na pagsusuri ng akda at ang panahon ng pagsulat nito, ang manunulat ng dulang sa parehong oras ay sumusubok na muling pag-isipan ito mula sa pananaw ng modernong tao.

Tinatawag ng maraming kritiko si P. Chéreau bilang tagapagmana ni Roger Planchon. Ang katotohanan ay ang huli, bilang pinuno ng National People's Theatre, na nagbukas sa Villeurbanne batay sa Theater de la Cité, ay nag-imbita batang direktor sa iyong teatro. Dito itinanghal ni P. Chéro ang kanyang mga unang pagtatanghal - "Soldiers" ni Lenz (1967), "Don Juan" ni Moliere (1969), "The Imaginary Maid" ni Marivaux (1971), "The Parisian Massacre" ni Marlowe (1972).

Noong 1982, si Patrice Chéreau ay hinirang na pinuno ng Théâtre des Amandiers, na matatagpuan sa suburb ng Paris ng Nanterre. Ang mga bagong lugar ng aktibidad para sa taong ito ay ang edukasyon at pagsasanay ng mga batang aktor sa isang paaralan ng teatro, pati na rin ang organisasyon ng isang studio ng pelikula na dalubhasa sa paggawa ng mga tampok na pelikula. Hindi rin nakakalimutan ni P. Shero ang kanyang trabaho bilang direktor sa teatro noong 1980s ay itinanghal niya ang mga dulang "The Battle of the Negro and the Dogs" ni B. M. Koltes at "Screens" ni Genet.

Si Ariana Mnouchkine, ang direktor ng Theater of the Sun, ay paulit-ulit na nakakaakit ng pansin ng mga manonood sa kanyang mga gawa sa direktoryo, kung saan ang Gorky's "The Bourgeois" (1966), Shakespeare's "A Midsummer Night's Dream" (1968), "Clowns" ( 1969), atbp. ay nararapat ng espesyal na atensyon.

Ang isang makabuluhang kaganapan sa buhay teatro ng France ay ang mga pagtatanghal na "1789" at "1793", na nakatuon sa Great French Revolution at itinanghal ni A. Mnouchkine noong 1971 at 1973, ayon sa pagkakabanggit. Nagkomento sa duology, sinabi ni Ariana: "Nais naming tingnan ang Rebolusyong Pranses sa pamamagitan ng mga mata ng mga tao," upang ipakita ang kanilang papel sa kaganapang ito.

Ang isang tampok na katangian ng mga pagtatanghal ay ang pagpapakilala ng isang kolektibong bayani, ang tagalikha ng kasaysayan - ang mga taong Pranses. Bilang karagdagan, ang bawat aktor ay gumanap ng maraming mga tungkulin, at limang yugto ng paglalaro ang ginamit, na pinipilit ang mga manonood na lumipat mula sa isang platform patungo sa isa pa upang direktang lumahok sa aksyon.

Sa mga produksyon, kanta, sayaw at simbolo ni Mnouchkine sa panahon ng Rebolusyong Pranses, natagpuan niya ang pagpapahayag, bukod dito, ipinakilala niya ang mga makasaysayang dokumento sa salaysay, na naging mahalagang bahagi ng balangkas. Ang aksyon, mapang-akit sa kanyang pambihirang kapangyarihan at kapansin-pansin sa sukat, ay parehong kumplikado at simple; ang kanyang dynamism, napakalaking emosyonalidad at kasabay ng pambihirang determinasyon ay may kakayahang gumawa ng isang mahusay na impresyon sa madla.

Ang susunod na gawain ni A. Mnouchkina, ang dulang "The Golden Age" (1975), na nagsasabi tungkol sa buhay ng mga imigranteng manggagawa sa France, ay isang pagpapatuloy ng tema ng panlipunang pakikibaka na sinimulan ng paggawa ng duology.

Kasabay nito, ang repertoire ng Theater of the Sun ay kasama ang isang bilang ng mga klasikal na dula. Kaya, noong 1981/1982 season, ipinakita ng koponan ang Richard II at Twelfth Night ni Shakespeare sa madla. Ang mga produksyon na ito, na nagkaroon ng walang katulad na tagumpay, ay ginawaran ng dalawang prestihiyosong parangal - ang Dominic Prize para sa pinakamahusay na pagganap ng Taon at ang Grand Prize ng Dramatic Critics.

Noong unang bahagi ng 90s ng ika-20 siglo, lumitaw ang mga paaralan sa teatro sa maraming mga sinehan sa France, na sinasanay ang mga nakababatang henerasyon ng mga aktor. Kabilang sa mga ito, ang pinakatanyag na mga paaralan ay ang Teatro Chaillot, ang Théâtre des Amandiers, ang Bagong Pambansang Teatro ng Marseille, at iba pa.

Sa parehong oras, ang pamamahala ng ilang mga sinehan sa kapital ay pinalitan: Si Jean Pierre Vincent pagkatapos ay naging pangkalahatang tagapangasiwa ng Comédie Française, si Jean Pierre Mikel ay naging pinuno ng Paris Conservatory of Dramatic Art, at ang koponan ng Chaillot Theater ay pinamumunuan ni Antoine Vitez, na dati nang namuno sa isa sa mga suburban theater ng Paris.

Sa kasalukuyan, nararanasan ng France ang pag-usbong ng sining sa teatro. Kasama ang mga luma, kilalang masters ng pagdidirekta, ang mga batang direktor ay aktibong nagtatrabaho sa kabisera at mga teatro ng probinsya, nagsusumikap na magdala ng bago sa sining ng pagtatanghal. Lumalabas din ang mga young stars sa acting horizon. Sa repertoire ng karamihan sa mga teatro sa Pransya, ang mga dula ng domestic at dayuhang klasiko ay mapayapang nabubuhay kasama ang dramaturhiya ng mga batang mahuhusay na manunulat.

Ang France ay nabubuhay sa isang tensiyonal na buhay pampulitika kahit na pagkatapos ng pagbagsak ni Napoleon. Ang ika-19 na siglo ay minarkahan ng mga bagong rebolusyonaryong pagsiklab. Ang pagpapanumbalik ng maharlikang kapangyarihan (ang dinastiyang Bourbon) noong 1815 ay hindi nakatugon sa mga interes ng bansa. Ang kapangyarihang ito ay sinuportahan ng landed aristokrasiya at ng Simbahang Katoliko. Ang kawalang-kasiyahan sa lipunan ng karamihan sa populasyon ng bansa, ang mga protesta laban sa pamahalaang ito ay nagresulta sa Rebolusyong Hulyo ng 1830. Ang mga panlipunang protesta, pagpuna sa umiiral na kaayusan, tahasan o nakatago, ay ipinahayag sa iba't ibang anyo: sa mga artikulo sa pahayagan, kritisismong pampanitikan at, siyempre, sa teatro.

Sa panahon ng 20s. Sa France, umusbong ang romantisismo bilang isang nangungunang kilusang masining: ang teorya ng romantikong panitikan at romantikong drama ay binuo.

Ang mga teorista ng romantisismo ay pumasok sa isang mapagpasyang pakikibaka sa klasisismo, na ganap na nawalan ng ugnayan sa mga advanced na panlipunang pag-iisip at naging opisyal na istilo ng monarkiya ng Bourbon. Ngayon siya ay nauugnay sa reaksyunaryong ideolohiya ng mga Bourbon at itinuturing na nakagawian, hindi gumagalaw, bilang isang hadlang sa pag-unlad ng mga bagong uso sa sining. Nagrebelde ang mga romantiko sa kanya.

Sa romantikismo ng panahong ito, kapansin-pansin din ang mga tampok ng realismo na may mga kritikal na tono.

Ang pinakamalaking theorists ng romanticism ay ang "dalisay" romantikong V. Hugo at ang realist Stendhal. Ang mga teoretikal na isyu ng romantisismo ay nabuo sa mga polemics sa mga klasiko: Ginagawa ito ni Hugo sa "Preface" sa kanyang drama na "Cromwell," at Stendhal sa artikulong "Racine and Shakespeare."

Ang mga kilalang manunulat sa panahong ito - sina Merimee at Balzac - ay kumikilos bilang mga realista, ngunit ang kanilang pagiging totoo ay ipininta sa mga romantikong tono. Ito ay lalong maliwanag sa kanilang mga dula.

Ang romantikong drama ay nahihirapang umakyat sa entablado. Naghari ang klasiko sa mga sinehan. Pero may kakampi ang romantic drama melodrama. Ang Melodrama bilang isang dramatikong genre ay itinatag ang sarili sa repertoire ng mga teatro sa boulevard. Malaki ang impluwensya niya sa panlasa ng publiko, sa modernong drama at sining ng pagganap sa pangkalahatan.

Ang melodrama ay isang direktang produkto ng romantikismo. Ang kanyang mga bayani ay mga taong tinanggihan ng lipunan at ng batas, na nagdurusa sa kawalan ng katarungan. Sa mga plot ng melodrama mayroong isang matalim na magkakaibang pag-aaway ng mabuti at masama. At ang salungatan na ito, para mapasaya ang publiko, ay laging naresolba pabor sa kabutihan o sa pamamagitan ng pagpaparusa sa bisyo. Ang pinakasikat na melodramas ay ang "Victor, or the Child of the Forest" ni Pixerécourt, "The Thieving Magpie" ni Quenier, "Thirty Years, or the Life of a Gambler" ni Ducange. Ang huli ay pumasok sa repertoire ng mga mahusay na trahedya na aktor noong ika-19 na siglo. Ang balangkas nito ay ang mga sumusunod: ang bayani sa simula ng paglalaro, isang masigasig na binata, ay naging interesado sa isang laro ng baraha, na nakikita sa loob nito ang ilusyon ng pakikibaka at tagumpay laban sa Fate. Ngunit, nahuhulog sa ilalim ng hypnotic na kapangyarihan ng pagsinta, nawala sa kanya ang lahat at naging pulubi. Dahil sa labis na pag-iisip ng mga baraha at pagkapanalo, nakagawa siya ng isang krimen at kalaunan ay namatay, halos patayin ang kanyang sariling anak.

Ang lahat ng ito ay sinamahan ng mga epekto sa entablado na nagpapahayag ng katakutan. Ngunit, sa kabila nito, ang melodrama ay nagpapakita ng isang seryoso at makabuluhang tema ng pagkondena ng modernong lipunan, kung saan ang mga hangarin ng kabataan at mga kabayanihan ay nagiging masama, makasarili na mga hilig.

Pagkatapos ng rebolusyon ng 1830, ang monarkiya ng Bourbon ay pinalitan ng burges na monarkiya ni Louis Philippe. Hindi huminto ang rebolusyonaryong sentimyento at rebolusyonaryong pagkilos.

Romantisismo noong 30-40s. patuloy na nagpakain sa mga damdamin ng kawalang-kasiyahan sa publiko at nakakuha ng isang malinaw na oryentasyong pampulitika: tinuligsa niya ang kawalan ng katarungan ng sistemang monarkiya at ipinagtanggol ang mga karapatang pantao. Sa panahong ito (i.e. ang 30-40s ng ika-19 na siglo) na ang kasagsagan ng romantikong teatro. Hugo, Dumas the Father, de Vigny, de Musset - mga playwright ng romanticism. Ang romantikong paaralan ng pag-arte ay kinatawan nina Bocage, Dorval, at Lemaitre.

Victor Hugo(1802-1885) ay ipinanganak sa pamilya ng isang heneral sa hukbong Napoleoniko, ang kanyang ina ay mula sa isang mayamang burgis na pamilya; Ang mga monarkiya na pananaw sa pamilya ay karaniwan.

Ang mga naunang karanasan sa panitikan ni Hugo ay nagsiwalat sa kanya bilang isang monarkiya at klasiko. Ngunit ang pampulitikang kapaligiran ng 20s. malubhang naimpluwensyahan siya, siya ay naging isang kalahok sa romantikong kilusan, at pagkatapos - ang pinuno ng progresibong romantikismo.

Ang pagkamuhi sa kawalan ng katarungang panlipunan, pagtatanggol sa mga inaapi at disadvantaged, pagkondena sa karahasan, pangangaral ng humanismo - lahat ng mga ideyang ito ay nagpasigla sa kanyang mga nobela, drama, pamamahayag, at mga polyetong pampulitika.

Ang simula ng kanyang dramaturgy ay ang drama na "Cromwell" (1827). Sa Preface nito ay sinabi niya aesthetic credo ng romanticism. Ang pangunahing ideya dito ay isang paghihimagsik laban sa klasisismo at mga aesthetic na batas nito. Nagprotesta laban sa "mga teorya", "poetics", "mga modelo", ipinahayag niya ang kalayaan ng pagkamalikhain ng artist. Binigyang-diin niya na “ang drama ay isang salamin kung saan naaaninag ang kalikasan. Ngunit kung ito ay isang ordinaryong salamin, na may patag at makinis na ibabaw, ito ay magbibigay ng mapurol at patag na pagmuni-muni, totoo, ngunit walang kulay... ang drama ay dapat na isang nakatutok na salamin na nagiging liwanag, at ang liwanag ay apoy" (V .Mga Piling Drama .

Nagbibigay si Hugo ng mga pangunahing milestone mga teorya ng romantikong katawa-tawa, ang pag-unlad at pagkakatawang-tao nito ay nasa lahat ng kanyang gawain.

"Ang grotesque ay isa sa mga kagandahan ng drama." Ito ay sa pamamagitan ng kataka-taka, na naiintindihan niya hindi lamang bilang isang pagmamalabis, ngunit bilang isang koneksyon, isang kumbinasyon ng magkasalungat at tila kapwa eksklusibong panig ng katotohanan, na ang pinakamataas na pagkakumpleto ng pagsisiwalat ng katotohanang ito ay nakakamit. Sa pamamagitan ng kumbinasyon ng mataas at mababa, trahedya at nakakatawa, maganda at pangit, naiintindihan natin ang pagkakaiba-iba ng buhay.

Para kay Hugo, si Shakespeare ay isang halimbawa ng isang artista na mahusay na gumamit ng katawa-tawa sa sining. Nakikita niya ang katawa-tawa sa lahat ng dako sa Shakespeare. Si Shakespeare ay "nagpapasok sa tradisyon ngayon ng pagtawa, ngayon ay katatakutan. Nag-aayos siya ng mga pagpupulong sa pagitan ng apothecary at Romeo, ang tatlong mangkukulam kasama si Macbeth, at ang mga sepulturero kasama si Hamlet.

Ang paghihimagsik ni Hugo ay nakasalalay din sa katotohanan na, nang walang direktang paghawak sa pulitika, sinalungat niya ang klasisismo, na tinawag itong lumang rehimeng pampanitikan: "Sa kasalukuyan mayroong isang lumang rehimeng pampanitikan, tulad ng isang lumang rehimeng pulitikal.". Kaya't iniuugnay niya ang klasisismo sa monarkiya.

Sumulat si Hugo ng 7 romantikong drama: "Cromwell"(1827), "Marion Delorme"(1829), "Ernani"(1830), "Ang Hari ay nagpapasaya sa kanyang sarili"(1832), "Mary Tudor"(1833) "Rui Blaz"(1838). Ngunit alinman sa "Cromwell" o "Marion Delorme" ay hindi maaaring umakyat sa entablado: "Cromwell" - bilang isang "mapangahas na makatotohanang drama", at "Marion Delorme" - bilang isang drama kung saan ang trahedya na salungatan ng mataas at patula na pag-ibig ng isang walang ugat. kabataan at isang courtesan na may hindi makataong mga batas ng maharlikang kapangyarihan; sa loob nito, inilarawan ni Hugo ang hari nang negatibo.

Ang unang drama na nakita ang entablado ay si Ernani (1830). Sa loob nito, inilalarawan ni Hugo ang medieval na Espanya; ang buong ideolohikal at emosyonal na sistema ay nagpapatibay ng kalayaan sa damdamin, ang karapatang pantao na ipagtanggol ang dangal ng isang tao. Ang mga bayani ay nagpapakita ng kanilang sarili sa mga gawang kabayanihan, sa pag-aalay ng pagmamahal, sa marangal na pagkabukas-palad, at sa kalupitan ng paghihiganti. Sa madaling salita, isa itong tipikal na romantikong drama na may mga pambihirang sitwasyon, pambihirang hilig, at melodramatikong kaganapan. Ang paghihimagsik ay ipinahayag sa larawan ng magnanakaw na si Ernani, isang romantikong tagapaghiganti. Ang kalunos-lunos na salungatan ay paunang natukoy ng sagupaan ng dakila at maliwanag na pag-ibig sa madilim na mundo ng pyudal-kabalyerong moralidad; Ang pag-aaway ni Hernani sa hari ay nagdagdag ng sosyal na kulay.

Ang dramang "Hernani" ay itinanghal sa Comédie Française. Ito ay isang malaking tagumpay para sa romantikismo.

Pagkatapos ng rebolusyon ng 1830, ang romantikismo ang naging nangungunang kilusang teatro. Noong 1831, lumitaw ang "Marion Delorme" sa entablado. Susunod - isa-isa: "The King Amuses himself" (1832), "Mary Tudor" (1833), "Ruy Blas" (1838). Lahat sila ay isang mahusay na tagumpay dahil sa kanilang nakakaaliw na mga plot at maliwanag na melodramatic effect. Pero pangunahing dahilan kasikatan - sa socio-political orientation, demokratikong katangian.

Ang mga demokratikong kalunos-lunos ay lalo na binibigkas sa dramang "Ruy Blas". Ang aksyon ay naganap sa Espanya sa pagtatapos ng ika-17 siglo. Ngunit ang dulang ito, tulad ng iba pang nakasulat sa makasaysayang materyal, ay hindi isang makasaysayang drama. Ito ay batay sa poetic fiction. Si Ruy Blaz ay isang romantikong bayani, puno ng matayog na mga plano at marangal na impulses. Pinangarap niya ang kabutihan ng kanyang bansa at naniwala sa kanyang mataas na kapalaran. Ngunit nabigo siyang makamit ang anuman sa buhay at napilitang maging alipin sa isang mayaman at marangal na maharlika na malapit sa korte ng hari. Si Don Sallust de Bazan (iyan ang pangalan ng maharlikang ito), masama at tuso, ay gustong maghiganti sa reyna na tumanggi sa kanyang pag-ibig. Para magawa ito, binigay niya kay Ruy Blaz ang pangalan at lahat ng titulo ng kanyang kamag-anak - ang dissolute Don Cesar de Bazan. Sa ilalim ng pangalang ito, si Ruy Blaz ay dapat na maging manliligaw ng reyna. Ito ang mapanlinlang na plano ni Sallust: ang mapagmataas na reyna ay maybahay ng alipin. Lahat ay nangyayari ayon sa plano. Ngunit si Ruy Blaz ay naging pinakamarangal, matalino at karapat-dapat na tao sa korte. Sa lahat ng mga maharlika kung kanino pagmamay-ari ang kapangyarihan sa pamamagitan ng pagkapanganay, tanging ang footman ay lumalabas na isang tao ng statesmanship. Sa isang pulong ng royal council, gumawa si Ruy Blaz ng isang malaking talumpati kung saan inaakusahan niya ang pangkat ng hukuman na sinisira ang bansa at dinadala ang estado sa bingit ng pagkawasak. Ito ang unang pagkatalo ni Sallust, at ang pangalawa ay nabigo niyang ipahiya ang reyna, bagama't umibig siya kay Ruy Blas. Iniinom ni Rui Blaz ang lason, inalis ang sikreto ng kanyang pangalan.

Sa dulang ito, unang ginamit ni Hugo ang mga pamamaraan ng paghahalo ng trahedya at komiks; Ito ay higit sa lahat ay ipinahayag sa kataka-takang pigura ng totoong Don Cesar, isang wasak na aristokrata, isang lasenggo, isang mapang-uyam, isang brute.

Ang "Ruy Blaz" ay isang karaniwang tagumpay sa teatro. Nagsimulang lumamig ang publiko patungo sa romantikismo.

Sinubukan ni Hugo na lumikha ng isang bagong uri ng romantikong drama - ang epikong trahedya na "The Burgraves" (1843). Ngunit ito ay hindi stagey at hindi lamang ito ay hindi matagumpay, ngunit ito ay isang kabiguan. Pagkatapos nito, umalis si Hugo sa sinehan.

Alexandr Duma(Si Dumas the Father) (1802-1870) ang pinakamalapit na kakampi ni Hugo. Noong 20-30s. ay aktibong kalahok sa romantikong kilusan. Bilang karagdagan sa mga nobela ("The Three Musketeers", "The Count of Monte Cristo", "Queen Margot", atbp.), nagsulat siya ng 66 na dula noong 30-40s. Ang kanyang unang dula, si Henry III at ang Kanyang Hukuman, ay nagdala sa kanya ng katanyagan sa teatro. Itinatanghal ito sa Odeon Theater noong 1829. Pinagsama-sama ng mga sumusunod na produksyon ang tagumpay na ito: "Anthony" (1831), "Nel Tower" (1832), "Kean, o Genius and Dissipation" (1836), atbp. Lahat ng mga ito - pati na rin ang mga romantikong drama, ngunit wala silang parehong espiritu ng paghihimagsik tulad ng kay Hugo.

Ginamit din ni Dumas ang mga pamamaraan ng melodrama, na nagbigay sa kanyang mga dula ng isang espesyal na libangan at kalidad ng entablado, ngunit kung minsan ang pag-abuso sa melodrama ay nagdala sa kanya sa bingit ng masamang lasa (ang paglalarawan ng mga kakila-kilabot - mga pagpatay, pagpatay, pagpapahirap na may hangganan sa naturalismo).

Noong 1847, sa dulang "Queen Margot," binuksan ni Dumas ang kanyang Historical Theater, sa entablado kung saan ang mga dula ay gaganapin na nagpapakita ng mga eksena ng pambansang kasaysayan ng France. Sinakop niya ang isang kilalang lugar sa kasaysayan ng mga teatro sa boulevard ng Paris. Ngunit ang kanyang Historical Theater ay tumagal lamang ng 2 taon at isinara noong 1849.

Ang matagumpay na manunulat ng fashion na si Dumas ay lumayo sa romantikismo, tinalikuran ito at lumapit sa pagtatanggol sa burges na kaayusan.

Prosper Merimee(1803-1870). Ang kanyang trabaho ay nagpapahayag ng makatotohanang mga tendensya. Ang kanyang pananaw sa mundo ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng pilosopiya ng Enlightenment.

Sa kanyang akda, ang romantikong paghihimagsik laban sa realidad ay pinalitan ng isang kritikal at satirikal na paglalarawan ng realidad mismo.

Nakibahagi si Mérimée sa paglaban sa klasisismo, na naglabas noong 1825 ng isang koleksyon ng mga dula na tinatawag na "The Theater of Clara Gasoul." Clara Gasul - artistang Espanyol; Sa pangalang ito, ipinaliwanag ni Merimee ang kulay ng mga dulang nakasulat sa istilo ng mga komedya ng lumang teatro ng Espanyol. At ang mga romantiko, tulad ng alam mo, ay nakita sa teatro ng Espanyol ng Renaissance ang mga tampok ng isang romantikong teatro - katutubong, libre, hindi alam ang mga canon ng klasisismo.

Sa Clara Gasoul Theatre, nagbigay si Merimee ng isang napakatalino na halimbawa ng prinsipyo ng kalayaan ng pagkamalikhain at pagtanggi na sundin ang mga canon ng normative aesthetics ng classicism. Ang ikot ng mga dula sa koleksyong ito ay, kumbaga, isang malikhaing laboratoryo para sa manunulat ng dula, na nakahanap ng bagong diskarte sa paglalarawan ng mga karakter at hilig, mga bagong paraan ng pagpapahayag at mga dramatikong anyo.

Ang koleksyon na ito ay nagpapakita ng isang gallery ng maliwanag, parang buhay, bagama't minsan kakaiba, mga larawan (ang mga character ay mga tao sa lahat ng klase). Isa sa mga paksa ay pagtuligsa sa kaparian. At kahit na ang mga bayani ng mga komedya ni Merimee ay malalakas, madamdaming tao na nasa isang pambihirang posisyon, na nakakamit ng mga hindi pangkaraniwang bagay, hindi pa rin sila mga romantikong bayani. Dahil sa pangkalahatan ay lumilikha sila ng larawan ng mga kaugaliang panlipunan (na mas malapit sa realismo).

Ang romantikong konotasyon ng sitwasyon ay nagsisilbing irony (o kahit isang parody ng romantikong drama). Halimbawa: "Pag-ibig ng Aprika" - sa dulang ito ay tinatawanan ni Merimee ang hindi kapani-paniwalang "baliw" na hilig ng mga tauhan sa dula, na inilalantad ang kanilang madula at huwad na karakter. Ang isa sa mga bida ng drama, ang Bedouin Zein, ay umiibig sa alipin ng kanyang kaibigan na si Hadji Numan, kaya sa pag-ibig na hindi siya mabubuhay kung wala siya. Pero hindi lang pala ito ang mahal niya. Pinatay siya ni Hadji Numan, at siya, namamatay, ay namamahala na sabihin na mayroong isang itim na babae na naghihintay ng isang bata mula sa kanya. Nagulat ito kay Hadji Numan, at pinatay niya ang inosenteng alipin. Sa sandaling ito, lumitaw ang isang tagapaglingkod at nag-anunsyo na "nakahain na ang hapunan, tapos na ang pagtatanghal." Ang lahat ng "pinatay" ay bumangon.

Upang mabawasan ang mga romantikong kalunos-lunos, madalas na ginagamit ni Merimee ang pamamaraan ng pagbangga ng mataas, kalunos-lunos na istilo ng pananalita sa karaniwan, kolokyal at maging bulgar na pananalita ng kalye.

"Ang Karwahe ng Banal na Sakramento" (isang satirical na komedya mula sa "Clara Gasul Theatre"), kinukutya nito ang moral ng pinakamataas na administrasyon ng estado at ang "mga prinsipe ng simbahan" (ang viceroy, ang kanyang hukuman at ang obispo). Lahat sila ay napupunta sa kamay ng matalinong young actress na si Pericola.

Pinangarap ni Merimee na lumikha ng isang pambansang makasaysayang drama. Ito ay kung paano lumitaw ang dula na "Jacquerie" (1828), na nakatuon sa pag-aalsa ng mga magsasaka noong ika-14 na siglo. Ang dula ay nilikha sa isang kapaligiran ng rebolusyonaryong pagsulong bago ang mga pangyayari noong 1830. Ang dulang ito ay nagpakita ng inobasyon ni Merimee: ang bayani ng dula ay ang mga tao. Ang trahedya ng kanyang kapalaran, ang kanyang pakikibaka at pagkatalo ang bumubuo sa balangkas na batayan ng dula. At dito siya nakikipagtalo sa mga romantiko, na hindi nagpapakita ng katotohanan ng buhay, ngunit ang katotohanan ng tula. Siya ay tapat sa katotohanan ng buhay, nagpapakita ng magaspang at malupit na moral, ang pagtataksil ng mayamang burges na mamamayang bayan, ang limitado at makitid na pananaw ng mga magsasaka at ang hindi maiiwasang pagkatalo. (Binigyang-kahulugan ni Mérimée ang dula bilang "mga eksena mula sa panahon ng pyudal." Si Pushkin ay may hindi natapos na drama na "Mga Eksena mula sa Knightly Times." At ang "Boris Godunov" (1825) ay isa ring katutubong makasaysayang drama, tulad ng "The Jacquerie" ni Mérimée).

Ngunit ang "Jacquerie" ay hindi kasama sa repertoire ng teatro.

Alfred de Vigny(1797-1863) - isa rin sa mga kilalang kinatawan ng romantikong drama. Siya ay nagmula sa isang matandang marangal na pamilya. Pero lalaki siya bagong panahon: Inilagay niya ang kalayaan kaysa sa lahat, hinatulan ang despotismo ng mga hari at Napoleon. Kasabay nito, hindi niya matanggap ang isang burges na republika, hindi naiintindihan ang kahulugan ng mga rebolusyonaryong pag-aalsa noong 30s, kahit na alam niya ang makasaysayang kapahamakan ng maharlika. Kaya naman ang pagiging pessimistic ng kanyang romanticism. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga motif ng "makamundong kalungkutan", ang mapagmataas na kalungkutan ng isang tao sa isang dayuhan sa mundo, ang kamalayan ng kawalan ng pag-asa at trahedya na kapahamakan.

Ang kanyang pinakamahusay na trabaho ay isang romantikong drama "Chatterton" (1835).

Chatterton - Ingles na makata ng ika-18 siglo. Ngunit hindi ito isang talambuhay na dula. Inilalarawan ni De Vigny ang kalunos-lunos na sinapit ng isang makata na gustong mapanatili ang kalayaan ng tula, kalayaan ng pagkamalikhain, at personal na kalayaan. Ngunit ang mundong ito ay walang pakialam sa tula o kalayaan. Hinugasan niya ang mga dula, gayunpaman, mas malawak at mas malalim. Nakita ng manunulat ng dula ang poot ng bagong panahon sa kalayaan at sangkatauhan. Ang mundo ay hindi makatao, at dito ang tao ay kalunus-lunos na nag-iisa. Puno ng panloob na kahulugan ang love plot ng drama, dahil ang dula ni de Vigny ay isa ring trahedya ng pagkababae at kagandahang ibinigay sa kapangyarihan ng isang mayamang boor.

Ang mga anti-burges na kalunos-lunos ng drama ay pinalalakas ng mahalaga kahulugan ng ideolohiya isang yugto kung saan hinihiling ng mga manggagawa sa tagagawa na bigyan ng lugar ang kanilang kasama, na napinsala ng isang makina sa kanyang pabrika. Tulad ni Byron, na nagtanggol sa interes ng mga manggagawa sa House of Lords, ang aristokrata na si de Vigny ay naging kaalyado ng kilusang paggawa noong dekada 30.

Ang pagka-orihinal ng romantikismo ni de Vigny ay nakasalalay sa kawalan ng siklab ng galit at kagalakan na katangian nina Hugo at Dumas. Ang mga karakter ay masigla, tipikal at mahusay na nabuo sa sikolohikal. Ang pagtatapos ng drama - ang pagkamatay nina Chatterton at Kitty - ay inihanda ng lohika ng kanilang mga karakter, ang kanilang relasyon sa mundo at hindi isang melodramatic effect.

Ang drama ay unang ginanap noong 1835 at naging isang mahusay na tagumpay.

Alfred de Musset(1810-1857) ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa kasaysayan ng romantikong teatro at romantikong drama. Siya ay malapit na nauugnay sa mga tagapagtatag ng romantikismo. Ang kanyang nobela "Pagtatapat ng Anak ng Siglo"- isang pangunahing kaganapan sa buhay pampanitikan ng France. Ang bayani ng nobela ay pumasok sa buhay nang ang mga kaganapan ng Great French Revolution at ang Napoleonic Wars ay namatay, nang ang mga awtoridad ay "naibalik, ngunit ang pananampalataya sa kanila ay nawala magpakailanman." Si Musset ay dayuhan sa mga pathos ng pakikibaka para sa mga ideya ng kalayaan at humanismo. Hinimok niya ang kanyang henerasyon na "madala sa kawalan ng pag-asa": "Ang kutyain ang katanyagan, relihiyon, pag-ibig, lahat ng bagay sa mundo ay isang malaking kaaliwan sa mga hindi alam kung ano ang gagawin."

Ang saloobing ito sa buhay ay ipinahayag sa kanyang dramaturhiya. Kasabay ng malakas na liriko at dramatikong sitwasyon, may tawanan. Ngunit hindi ito pangungutya, ito ay masama at banayad na kabalintunaan, na nakadirekta laban sa lahat: laban sa pang-araw-araw na prosa ng buhay na walang kagandahan, laban sa kabayanihan, laban sa mataas na romantikong impulses. Kinukutya pa nga niya ang ipinahayag niya mismo - ang kulto ng kawalan ng pag-asa: "napakasarap makaramdam ng kalungkutan, bagaman sa katotohanan ay mayroon lamang kawalan at pagkabagot sa iyo."

Ang kabalintunaan ay hindi lamang ang prinsipyo ng romantikong komedya, naglalaman din ito ng mga anti-romantic tendencies, lalo na noong 40-50s.

Noong 30s nilikha "Gabi ng Venice", "The Whims of Marianne", "Fantasio". Ito ay mga makikinang na halimbawa ng isang bagong uri ng romantikong komedya. Halimbawa, "Gabi ng Venice"(1830): mahilig magsaya at manunugal na si Razetta ay mahal na mahal si Lauretta. Sinusuklian niya ang kanyang nararamdaman. Ngunit ipinapakasal siya ng kanyang tagapag-alaga sa isang mayamang prinsipe ng Aleman. Ang masigasig na si Razetta ay nagpadala sa kanyang minamahal ng isang sulat at isang punyal - dapat niyang patayin ang prinsipe at tumakas mula sa Venice kasama si Razetta. Kung hindi ay magpapakamatay siya. Ngunit biglang nanalo ang sentido komun: Si Lauretta, na nag-iisip tungkol sa kung ano ang magiging pinaka-pinakinabangang bagay na gagawin, nagpasya na makipaghiwalay sa kanyang galit na galit at, higit pa, nasira ang kasintahan at maging asawa ng isang mayamang prinsipe. Si Razetta ay nag-iisip din ng matino; itinatapon din niya ang kathang-isip tungkol sa pagpatay at pagpapakamatay at, kasama ang isang grupo ng mga batang rake, lumutang sa isang gondola upang kumain ng hapunan. Sa pagtatapos, ipinahayag niya ang pagnanais na ang lahat ng mga labis na labis ay matapos nang masaya.

Komedya "Fantasio"(1834) ay napuno ng malungkot na kabalintunaan.

Minsan ang mga komedya ay nagtatapos sa isang trahedya na pagtatapos - "Mga kapritso ni Marianne", "Hindi sila nagbibiro ng pag-ibig" (1834).

Ang panlipunang pesimismo ni Musset ay pinakamalakas na ipinahayag sa drama "Lorenzaccio"(1834). Ito ay isang drama na nagpapahayag ng mga pagmumuni-muni sa malagim na kapahamakan ng mga pagtatangka na baguhin ang takbo ng kasaysayan sa pamamagitan ng mga rebolusyonaryong paraan. Sinubukan ni Musset na unawain ang karanasan ng dalawang rebolusyon at ilang rebolusyonaryong pag-aalsa, kung saan ang buhay pampulitika ng France ay mayaman noong unang bahagi ng 30s.

Ang balangkas ay batay sa mga kaganapan ng medieval na Florence. Si Lorenzo de' Medici (Lorenzaccio) ay napopoot sa despotismo. Nangangarap ng gawa ni Brutus, binalak niyang patayin ang malupit na si Alexandro de' Medici at bigyan ng kalayaan ang kanyang amang bayan. Ito pag-atake ng terorista dapat suportahan ng mga Republikano. Pinatay ni Lorenzaccio ang Duke, ngunit walang nagbago. Ang mga Republikano ay nag-aalangan na magsalita. At ang mga indibidwal na pagsiklab ng popular na kawalang-kasiyahan ay pinigilan ng mga sundalo. May bounty sa ulo ni Lorenzaccio. At pinatay nila siya sa pamamagitan ng taksil na pagsaksak sa kanya sa likod. Ang bangkay ni Lorenzaccio ay itinapon sa lagoon (i.e. hindi inilibing). Ang Korona ng Florence ay iniharap sa bagong Duke.

Ang drama ay gumagamit ng mga pamamaraan ng romantikismo; Ang 39 na maiikling eksena-episode nito ay pinagsama-sama sa paraang makapagbigay ng bilis ng pagkilos at malawak na saklaw ng mga kaganapan. Ang mga pangunahing tauhan ay inilalarawan sa maraming paraan.

Ang pangunahing ideya ay ang imposibilidad ng panlipunang rebolusyon. Ang may-akda ay nagbibigay pugay sa espirituwal na lakas ng bayani, ngunit kinondena ang pagmamahalan ng isang indibidwal na rebolusyonaryong gawa. Ang mga taong nakikiramay sa ideya ng kalayaan, ngunit hindi nangahas na sumali sa laban, ay hinahatulan din. Ang impluwensya ni Shakespeare ay kapansin-pansin sa drama - isang malawak na paglalarawan ng panahon sa mga panlipunang kaibahan nito, ang kalupitan ng moral.

Pagkatapos ng Lorenzaccio, hindi tinutugunan ng Musset ang malalaking sosyal na tema. Mula sa ikalawang kalahati ng 30s. nagsusulat siya ng matikas at nakakatawang mga komedya mula sa buhay ng sekular na lipunan - "Kandelero" (1835), "Caprice"(1837). Sa kalagitnaan ng 40s. Ang Musset ay bumuo ng isang espesyal na genre ng mga kasabihang komedya, ngunit ang mga ito ay salon-aristocratic comedies na.

Ang kapalaran sa entablado ng dramaturhiya ni Musset ay napaka tipikal para sa teatro ng Pransya noong panahon ng Monarkiya ng Hulyo: Ang mga unang dula ni Musset, ang pinaka makabuluhang ideolohikal at makabagong anyo, ay hindi tinanggap ng teatro ng Pransya. Ang katangian ng entablado ng mga dula ni Musset ay natuklasan sa Russia. Noong 1837, ang komedya na "Caprice" ay itinanghal sa St. Petersburg (sa ilalim ng pamagat na "Ang isip ng isang babae ay mas mahusay kaysa sa anumang mga saloobin"). Ang mahusay na tagumpay ng dulang ito ay pinilit ang French Theatre sa St. Petersburg na bumaling dito: ito ay itinanghal sa isang pagganap ng benepisyo ng aktres na si Allan, na, nang bumalik sa France, ay isinama ito sa repertoire ng Comedie Française.

Ngunit sa pangkalahatan, ang mga dula ni Musset ay hindi sumakop sa isang kilalang lugar sa repertoire ng teatro ng Pransya at walang kapansin-pansing impluwensya sa ideolohikal at aesthetic na hitsura nito. Nanatili sila sa kasaysayan bilang isang halimbawa ng makabagong dramaturhiya, na hindi nakahanap ng buong entablado na sagisag sa teatro ng panahon nito.

Augustin Eugene Scribe(1791-1864) ay isang manunulat ng bourgeoisie. “...he loves her, he is loved by her, he has adjusted himself to her concepts and her tastes so much that he himself was lost all others; Ang Scribe ay courtier, weasel, preacher, gayer, teacher, jester at makata ng bourgeoisie. Ang burgesya ay umiiyak sa teatro, naantig ng kanilang sariling kabutihan, gaya ng inilalarawan ng Scribe, naantig ng kabayanihan sa opisina at ng tula ng kontra” (Herzen).

Siya ay isang mahusay na manunulat ng dula, may talento, masipag, at alam na alam ang "mga tuntunin" ng isang "mahusay na pagkakagawa ng dula." Sumulat siya ng mga 400 dula. Pinaka sikat "Bertrand at Raton" (1833), "Hagdan ng katanyagan" (1837), "Baso ng tubig" (1840), "Adrienne Lecouvreur" (1849).

B O Karamihan sa mga dula ay isinagawa nang walang humpay na tagumpay sa entablado ng teatro ng Pransya at nagkamit ng katanyagan sa labas ng France.

Mababaw ang nilalaman ng mga dula ng Scribe, ngunit mayroon itong optimistikong espiritu at nakakaaliw. Sila ay nilikha para sa burges na publiko, ngunit matagumpay din sa iba pang uri. Nagsimula siya sa vaudeville noong 30s. nagsusulat ng mga komedya ng vaudeville na may masalimuot, mahusay na binuong intriga at ilang banayad na napansing panlipunan at pang-araw-araw na mga tampok ng kanyang panahon.

Ang kanilang simpleng pilosopiya ay bumagsak sa katotohanan na ang isang tao ay dapat magsikap para sa materyal na tagumpay at kaunlaran, dahil dito lamang mayroong kaligayahan.

Ang kanyang mga bayani ay masayahin, masigasig na burges, hindi nabibigatan ng anumang mga kaisipan tungkol sa kahulugan ng buhay, tungkol sa tungkulin, tungkol sa mga isyu sa etika at moral. Ang lahat ng ito ay walang laman para sa kanila, wala silang oras, kailangan nilang matalinong ayusin ang kanilang mga gawain: magpakasal nang kumita, bumuo ng isang nakahihilo na karera, at anumang paraan para dito ay mag-eavesdrop, subaybayan, magtanim ng isang liham o humarang ng isang liham. Ang lahat ng ito ay normal na pag-uugali at walang oras upang mag-alala.

Ang kanyang pinakamahusay na laro ay "Isang Baso ng Tubig o Sanhi at Epekto"(1840), na umikot sa mga yugto ng lahat ng mga sinehan sa mundo. Ito ay kabilang sa mga makasaysayang dula, ngunit ang kasaysayan ay isang dahilan lamang: binibigyan nito ang may-akda ng mga makasaysayang pangalan, petsa, makatas na mga detalye - at wala nang iba pa. Hindi sinusubukan ng may-akda na ihayag o subaybayan ang mga pattern ng kasaysayan. Ang intriga ay batay sa tunggalian ng dalawang magkalaban sa pulitika: si Lord Bolingbroke at ang Duchess of Marlborough, ang paborito ni Queen Anne. Ang buong "pilosopiya ng kasaysayan" ng Scribe ay ang mga sumusunod: "... political catastrophes, revolutions, falls of empires are not caused by deep and important reasons; ang mga hari, pinuno, heneral mismo ay nasa awa ng kanilang mga hilig, kapritso, kanilang walang kabuluhan, i.e. ang pinakamaliit at pinakamalungkot na damdamin ng tao."

Ang burges na manonood na binibilang ni Scribe ay walang katapusang nambobola na siya ay hindi mas masama kaysa sa mga sikat na bayani at monarko. Ginawa ng eskriba ang kuwento sa isang napakahusay na pagkakagawa ng yugto ng anekdota. Ang isang baso ng tubig na natapon sa damit ng Reyna ng Inglatera ay humantong sa kapayapaan sa pagitan ng England at France. Natanggap ni Bolingbroke ang ministeryo dahil magaling siyang sumayaw ng saraband, ngunit nawala ito dahil sa isang runny nose. Ngunit ang lahat ng kahangalan na ito ay inilalagay sa isang napakatalino na anyo ng teatro, binibigyan ito ng isang nakakahawang ritmo, at ang dula ay hindi umalis sa entablado nang higit sa 100 taon.

Felix Pia(1810-1889) – lumikha ng social melodrama. Sa kanyang mga pananaw, siya ay isang republikano, isang kalahok sa Paris Commune. Naimpluwensyahan ang kanyang trabaho buhay teatro sa panahon ng 1830-1848. (tumataas ang rebolusyonaryong damdamin).

Makasaysayang anti-monarchy drama "Ango" itinanghal sa Ambigu-Comic Theater noong 1835, ay itinuro laban kay King Francis I, na ang pangalan ay nauugnay sa alamat ng pambansang bayani - ang hari ng kabalyero, tagapagturo at humanist. Inilalantad ng drama ang “pinaka-kaakit-akit na monarko.”

Ang social melodrama na "The Rag Picker of Paris" ay ang pinaka makabuluhang gawain Pia. Ito ay itinanghal sa teatro ng Port-Saint-Martin noong 1847 at naging isang mahusay at pangmatagalang tagumpay. Lubos na pinahahalagahan ni Herzen ang dramang ito, na nagpahayag ng panlipunang protesta laban sa mataas na lipunan ng Monarkiya ng Hulyo. Ang pangunahing storyline ay ang kwento ng pagtaas at pagbagsak ng banker na si Hoffmann. Sa paunang salita ng dula, si Pierre Garus, sinira at ayaw magtrabaho, ay gumawa ng pagnanakaw at pagpatay. Sa unang kilos, ang mamamatay-tao at magnanakaw ay isang respetadong tao. Itinago ang kanyang pangalan at nakaraan, mahusay niyang sinamantala ang pagnakawan at ngayon ay isang kilalang bangkero - Baron Hoffmann. Ngunit ang rag-picker na si Father Jean, isang matapat na mahirap na tao, isang kampeon ng hustisya, ay naging isang aksidenteng saksi sa krimen na nagmarka sa simula ng karera ni Garus-Hoffmann. Sa pagtatapos ng dula, si Hoffmann ay nalantad at pinarusahan. At kahit na ang pagtatapos ay hindi tumutugma sa katotohanan ng buhay, ipinahayag nito ang optimismo na katangian ng melodrama - pananampalataya sa regularidad ng tagumpay ng mabuti.

Honore da Balzac(1799-1850). Sa kanyang trabaho, ang makatotohanang mga hangarin ng French drama noong 30-40s ay ipinakita nang may pinakamalaking lakas at pagkakumpleto.

Ang gawain ni Balzac ay ang pinakamahalagang yugto sa pagbuo at teoretikal na pag-unawa sa pamamaraan ng kritikal na realismo.

Masusing pinag-aralan ni Balzac ang mga katotohanan ng buhay, ang batayan ng mga social phenomena, sinuri ang mga ito upang makuha ang kanilang pangkalahatang kahulugan at magbigay ng isang larawan ng "mga uri, hilig at mga kaganapan."

Siya ay kumbinsido na ang isang manunulat ay dapat maging isang tagapagturo at tagapayo. At ang paraan para dito ay ang teatro, ang accessibility nito at kapangyarihan ng impluwensya sa manonood.

Si Balzac ay kritikal sa kontemporaryong teatro. Kinondena niya ang romantikong drama at melodrama bilang mga dulang malayo sa buhay. Sinikap niyang ipakilala ang mga prinsipyo ng kritikal na realismo at ang katotohanan ng buhay sa teatro. Ngunit ang landas sa paglikha ng isang makatotohanang dula ay mahirap. Ang kanyang mga unang dula ay nagpapakita ng pag-asa sa romantikong teatro. Noong 40s ang pinakamabunga at mature period kanyang pagkamalikhain.

Sumulat siya ng 6 na dula: "The School of Marriage" (1839), "Vautrin" (1839), "Kinola's Hopes" (1841), "Pamela Giraud" (1843), "The Businessman" (1844), "The Stepmother" (1848).

Komedya "Negosyante" ay isang makatotohanan at matingkad na satirical na paglalarawan ng mga kontemporaryong kaugalian. Ang lahat ng mga bayani ng komedya ay natupok ng isang uhaw para sa pagpapayaman, at lahat ng paraan ay mabuti para dito. Ang tanong kung ang isang tao ay isang manloloko at isang kriminal o isang respetadong negosyante ay napagdesisyunan ng tagumpay o kabiguan ng kanyang scam.

Ang pangunahing karakter ay ang negosyanteng si Mercade. Siya ay matalino, insightful, malakas ang loob at napaka-charming. Samakatuwid, madali siyang nakaahon sa mahirap at kahit na walang pag-asa na mga sitwasyon. Alam ng mga nagpapautang ang kanyang halaga at handa silang ilagay siya sa bilangguan, ngunit sumuko sila sa kanyang kalooban, alindog, at handa hindi lamang paniwalaan siya, kundi tumulong din sa kanyang mga pakikipagsapalaran. Nauunawaan niyang lubos na walang mga ugnayan ng pagkakaibigan o maharlika sa pagitan ng mga tao, ngunit isang mapagkumpitensyang pakikibaka para sa tubo. Lahat ay binebenta!

Ang pagiging totoo ni Balzac ay ipinakita sa isang makatotohanang paglalarawan ng mga kaugalian sa lipunan, sa isang walang awa na pagsusuri sa modernong lipunan ng mga negosyante bilang isang panlipunang kababalaghan.

Ang drama ni Balzac ang pinakamahalaga sa ideolohikal at masining na mga termino. "Madrasta", kung saan napalapit siya sa gawain ng paglikha ng isang "tunay" na dula. Tinawag niyang "drama ng pamilya" ang dula dahil malalim niyang sinuri ang mga relasyon sa pamilya; at ito ang nagbigay sa drama ng malaking kahulugang panlipunan.

Sa likod ng panlabas na kagalingan at mapayapang katahimikan ng isang maunlad na pamilyang burges, unti-unting nabubunyag ang isang larawan ng pakikibaka ng mga hilig, paniniwala sa pulitika, ang drama ng paninibugho, pag-ibig, poot, paniniil ng pamilya at pagmamalasakit ng ama para sa kaligayahan ng mga bata.

Nagaganap ang dula sa bahay ng isang mayamang tagagawa, ang dating Napoleonic general na Comte de Grandchamp. Ang mga pangunahing tauhan ay ang asawa ng Count na si Gertrude, ang kanyang anak na babae mula sa kanyang unang kasal, si Pauline, at ang bangkaroteng Count Ferdinand de Marcandal, na ngayon ay tagapamahala ng pabrika ng heneral. Mahal nina Polina at Ferdinand ang isa't isa, ngunit may mga hindi malulutas na hadlang sa paraan ng kanilang pagmamahalan. Ang heneral, ayon sa kanyang mga paniniwala sa pulitika, ay isang masigasig na Bonapartista; At ginawa iyon ng ama ni Ferdinand. Namumuhay si Ferdinand sa maling pangalan dahil alam niyang hinding-hindi ibibigay ng heneral ang kanyang anak na babae sa anak ng isang “traidor.” Ang pangalawang balakid ay si Gertrude ang maybahay ni Ferdinand bago pa man ito ikasal. Nang pakasalan niya ang heneral, umaasa siyang matanda na ito at malapit nang mamatay, at siya, mayaman at malaya, ay babalik kay Ferdinand. Ipinaglalaban niya ang kanyang pag-ibig, nangunguna sa isang malupit na intriga para paghiwalayin ang magkasintahan. Ang sikolohikal na drama na ito ay naglalaman ng parehong melodramatiko at romantikong mga elemento: ang pagnanakaw ng mga liham, ang banta ng paglalantad ng sikreto ng bayani, ang pagpapakamatay ng magkasintahan. Ngunit ang pangunahing bagay ay ang lahat ng mga trahedya na kaganapan ng "The Stepmother" ay batay sa mga phenomena ng panlipunang katotohanan - ang pagkasira ng isang aristokrata, ang poot ng mga kalaban sa politika, isang kasal ng kaginhawahan.

Nais ibunyag ni Balzac ang trahedya sa pang-araw-araw na buhay; ito ay nakapaloob sa dula ng huling bahagi ng ika-19 na siglo.

"Nilagay ang madrasta Makasaysayang teatro noong 1848. Sa lahat ng mga dula ni Balzac, ito ang may pinakamalaking tagumpay sa publiko.

Buong teksto ng abstract ng disertasyon sa paksang "Mga bagong anyo at genre ng teatro sa France sa pagliko ng ika-19-20 siglo"

Bilang isang manuskrito

Kuzovchikova Tatyana Igorevna

Mga bagong anyo at genre ng teatro sa France sa pagpasok ng ika-19 at ika-20 siglo

Specialty 17.00.01 - Sining sa teatro

disertasyon para sa antas ng kandidato ng kasaysayan ng sining

St. Petersburg 2014

Ang gawain ay ginanap sa Department of Foreign Art ng Federal State Budgetary Educational Institution of Higher Professional Education "St. Petersburg State Academy of Theatre Arts"

Scientific superbisor: Doctor of Art History, Propesor Maksimov Vadim Igorevich

Opisyal na mga kalaban:

Gracheva Larisa Vyacheslavovna, Doctor of Art History, Propesor, Associate Professor ng Department of Acting Art ng St. Petersburg State Academy of Theatre Arts

Semenova Marianna Borisovna, kandidato ng kasaysayan ng sining, associate professor ng acting department ng Baltic Institute of Ecology, Politics and Law (BIEPP)

Nangunguna sa organisasyon:

Federal State Budgetary Research Institution "State Institute of Art Studies"

Dissertation Council D 210.017.01 sa St. Petersburg State Academy of Theatre Arts sa address: 191028, St. Petersburg, Mokhovaya st., 35, room 512.

Ang disertasyon ay matatagpuan sa aklatan ng St. Petersburg State Academy of Theatre Arts (Mokhovaya St., 34 Ang abstract ay ipinadala noong 2014).

Kalihim ng Siyentipiko

konseho ng disertasyon ^

Kandidato ng Art History Nekrasova Inna Anatolyevna

Ang pagliko ng ika-19-20 siglo sa France ay isang panahon ng aesthetic eclecticism, na ipinahayag sa paghaharap ng magkakaibang mga kilusang masining na lumitaw nang halos sabay-sabay. Sa polemics na may mga tradisyong akademiko at komersyal, nabubuo sa teatro ang estetika ng naturalismo, simbolismo, neo-romantisismo, at modernismo. Ayon sa kaugalian, ang panahong ito ay itinuturing na panahon ng pagbuo ng teatro ng direktor, na iginiit ang sarili nito nang magkatulad sa dalawang pangunahing artistikong direksyon ng panahon - naturalismo at simbolismo. Ang theatrical practice ni Andre Antoine, Paul Faure, Aurelien-Marie Lunier-Pau, ang kanilang kontribusyon sa pag-unlad ng world theater ngayon ay pinag-aralan sa ilang detalye ng parehong domestic at foreign theater studies.

Ang pag-unawa sa pagtatanghal bilang isang masining na kabuuan ay dinala sa unahan ang mga konsepto tulad ng kapaligiran, estilistang pagkakaisa, tula ng may-akda, at paghubog. Ang pagnanais para sa pagiging natural, katotohanan ng buhay ay salungat sa metaporiko, maginoo na teatro, ngunit sa pangkalahatan ang lahat ng makabuluhang mga eksperimentong eksena - ang Libre Theater, ang Theater d'Ar, at ang Theater Evre - ay naglalayong pagtagumpayan ang teatro na modelo ng ika-19 na siglo. , ang mga tradisyon ng teatro sa pag-arte Ang pangangailangang ito ay higit sa lahat ay dahil sa paglitaw ng isang "bagong drama", kung saan, inabandona ang panlabas na serye ng mga kaganapan (ang konsepto ng "static na teatro" ni M. Maeterlinck), ang karaniwang pag-unawa sa. ang bayani at dramatikong salungatan, nangangailangan ng pag-unawa sa direktoryo at gumawa ng mga bagong kahilingan sa teatro.

Kasabay nito, sa France mayroong isa pang makabuluhang layer ng theatrical culture, na nag-aalok ng mga alternatibong paraan ng paglutas ng parehong mga problema. Noong 1894, tinawag ng kritiko na si A. Aderé ang hindi pangkaraniwang bagay na ito na “le théâtre à côté”1, na maaaring isalin bilang “theater next door” o “theater on the roadside.” Ang may-akda ay hindi nagtakda upang matukoy ang papel na ginagampanan ng ito o ang hindi pangkaraniwang bagay na iyon at isinasaalang-alang ang "teatro sa gilid" bilang isang amateur na kapaligiran, isang pansamantalang yugto sa daan patungo sa

1 Aderer A. Le Théâtre à côté. Paris, 1894.

propesyonal na mundo. Gayunpaman, sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo, ang "teatro sa gilid" ay lumampas sa kahulugan ni Ader at naging isang independiyenteng artistikong kababalaghan, kung saan ang aesthetic eclecticism ng panahong ito ay ipinahayag sa malapit na pagkakaugnay ng magkakaibang mga konsepto ng artistikong. Dito nagiging halata ang pagkakaugnay at pagkakatulad ng mga malikhaing paghahanap na nauugnay sa pagbuo ng teatro ng direktor at naglalayong muling pag-isipan ang konsepto ng theatricality. Sa disertasyong ito, ang "theater on the sidelines" ay isinasaalang-alang bilang isang hanay ng mga bagong anyo at genre na lumitaw sa kurso ng mga amateur na eksperimento at pribadong inisyatiba at naglalaman ng mga bagong teatro na modelo na muling isinasaalang-alang ang mga prinsipyo ng drama, ang pagkakaroon ng isang aktor, at disenyo ng pagganap. Kabilang sa mga ito, apat na pantay na malakihang phenomena ang namumukod-tangi: cabaret, shadow theater, puppet theater at ang "theater of horrors" Grand Guignol.

Hindi sumunod sa alinman sa mga masining na kilusan, ang alternatibong theatrical culture na "Belle époque" (Belle Epoque) ay naging reaksyon sa kanilang pagkakaiba-iba at nag-ambag sa pagbabago sa genre at uri ng mga hangganan. Ang papet na teatro, shadow theater, mask theater, cafe-concert at mass entertainment culture ay mayroon nang sarili nilang siglong gulang na kasaysayan o malalim na mga kondisyon sa mga katulad na phenomena ng nakaraan. Ang pagkakaroon ng palaging binuo nang hiwalay, sa anino ng dramatikong teatro, sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo sila ay naging pantay-pantay sa mga karapatan, ang unang tumugon sa mga katotohanan ng panahon at madaling nakikipag-ugnayan sa isa't isa, paglutas ng mga problema ng ang teatro na wika noong ika-20 siglo. Ang kanilang mga eksperimento sa larangan ng bagong dramaturhiya, mga bagong genre, mga bagong paraan ng pagpapahayag at mga bagong paraan ng paglikha ng isang imahe sa entablado (mask, anino, manika, naturalistic na pamamaraan) ay pinalawak at pangunahing binago ang aesthetics ng theatrical naturalism, simbolismo, at modernismo.

Sa kabila ng lumalaking interes ng agham ng Kanluranin sa mga indibidwal na porma at genre ng teatro ng Belle Epoque, hindi pa sila naging

itinuturing na magkakasama bilang mga bahagi ng isang solong artistikong proseso, na nauugnay sa parehong mga uso sa pagbuo ng teatro ng direktor. Simula sa kabaret, na naging kasingkahulugan ng malikhaing kalayaan at pinagkasundo ang mga pwersang antagonistiko sa ilalim ng bubong nito, natapos ang prosesong ito sa tagumpay ng “le théâtre de spécialité” (sa literal: isang teatro na may sariling espesyalisasyon, iyon ay, isang teatro na nakatuon sa ang mga partikular na pangangailangan ng publiko; ang termino ay iminungkahi ng mananaliksik na theatrical culture ng panahong ito na si Agnès Pierron)1, ang pagbuo ng industriya ng sining (kabilang ang isang matagumpay na komersyal na proyekto bilang Moulin Rouge). Ang mga tagalikha ng kabaret sa una ay nakatuon sa isang malawak na madla: habang ang mga pagtatanghal ng mga naturalista at simbolista ay nagulat sa karaniwang tao, ang kabaret ay nag-alok sa kanya ng ilusyon ng kompromiso, ang pakiramdam na siya ay nililigawan - sapilitang isinasali siya sa isang bagong teatro, nakasanayan. siya sa mga bagong iminungkahing pangyayari. Ang mga pagtuklas na ginawa sa "mga teatro sa gilid" ay higit na naghanda ng aesthetic na batayan para sa avant-garde ng ika-20 siglo; Kasabay nito, inilatag dito ang mga pundasyon ng industriya ng kulturang masa.

Ang layunin ng pananaliksik sa disertasyon ay tukuyin ang mga pattern ng paglitaw ng mga bagong anyo at genre ng teatro sa France sa pagpasok ng ika-19-20 siglo, upang ipakita ang pagkakapareho ng kanilang mga masining na paghahanap, ang kanilang pangunahing pagbabago sa konteksto ng mga pagbabago sa sosyo-kultural ng itong tuldok.

Kabilang sa mga layunin ng pananaliksik ang pag-aaral ng "alternatibong" proseso ng teatro sa pagsisimula ng ika-19-20 siglo, na iniuugnay ang mga bagong anyo at genre sa mga natuklasan ng teatro ng direktor; pagpapakita ng paghahanap para sa mga bagong solusyon sa teatro sa pamamagitan ng mga detalye ng cabaret at "horror theater", sa pamamagitan ng metaporikong katangian ng shadow theater at puppet theater; pagtukoy sa papel ng mga phenomena na ito sa ebolusyon ng stage language, ang kanilang kabuuang kontribusyon sa pag-unlad ng theatrical art ng ika-20 siglo.

1 Cm.: Pierron A. Préface // Pierron A. Le Grand Guignol: Le Théâtre des peurs de la Belle époque. Paris, 1995. P. X.

Ang isang komprehensibong pag-aaral ng "alternatibo" na mga anyo ng teatro na lumitaw sa France sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo at lumampas sa balangkas ng theatrical naturalism at theatrical symbolism, na iniuugnay ang mga ito sa pangkalahatang proseso ng theatrical at pagtukoy ng kanilang lugar dito ay isinasagawa. sa kauna-unahang pagkakataon at bumubuo sa maka-agham na bagong bagay sa akda. Karamihan sa mga dokumento at materyales na ginamit upang muling likhain ang ipinakita na mga kababalaghan ay hindi pa ginamit ng mga domestic theater studies; Maraming mga pagtatanghal at mga dramatikong teksto ang inilarawan at sinuri sa Russian sa unang pagkakataon.

Ang pag-aaral ng mga bagong porma at genre ng teatro sa pagsisimula ng ika-19-20 siglo sa konteksto ng pagbuo ng teatro ng direktor ay tila may kaugnayan sa liwanag ng mga katulad na proseso na nagaganap sa teatro ng unang bahagi ng ika-21 siglo, na nailalarawan din sa paglampas ang tradisyonal na mga hangganan ng espasyo ng entablado, ang pagnanais na synthesize ang mga theatrical forms (puppet, mask , anino, bagay), mastering ang karanasan ng mga kaugnay na sining. Maraming mga tuklas na ginawa mahigit isang siglo na ang nakalipas ay nawala sa makasaysayang memorya; Ang pagbabalik sa pinagmulan, ang pag-aaral sa karanasan ng nakaraang siglo ay nagpapahintulot sa amin na muling isaalang-alang ang mga pattern ng pag-unlad ng sining ng teatro, at nag-aambag sa muling pag-iisip ng mga eksperimentong teatro ngayon.

Ang layunin ng pag-aaral ay ang French theater sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo.

Ang paksa ng pag-aaral ay "alternatibo" na mga anyo at genre ng teatro sa France (cabaret, shadow theater, puppet theater, "horror theater") sa konteksto ng theatrical evolution sa pagliko ng ika-19-20 na siglo, ang paglipat sa direktor's teatro.

Ang materyal ng pananaliksik ay binubuo ng:

Theoretical publication at manifestos ng French theatrical figure sa turn ng ika-19 at ika-20 na siglo;

Mga dramatikong teksto at script para sa mga pagtatanghal (Cha Noir, Petit Theater de Marionette, Grand Guignol), na hindi pa naisalin sa Russian;

Mga pagsusuri, pagsusuri, memoir ng mga kontemporaryo;

iba't ibang makasaysayang at theatrical na mga dokumento ng panahon, mga poster, iconographic na materyales.

Ang pamamaraan ng pananaliksik ay batay sa mga prinsipyo ng pagsusuri at paglalarawan ng mga theatrical phenomena na binuo ng Leningrad - St. Petersburg school of theater studies; iniuugnay ang hindi pangkaraniwang bagay na ito sa kontekstong pangkasaysayan at sosyokultural, na tinutukoy ang lugar nito sa pangkalahatang proseso ng teatro.

Ang teoretikal na batayan ng pag-aaral ay kasama ang: modernong siyentipikong mga gawa sa likas na katangian ng teatro at ang tipolohiya ng mga sistema ng teatro - Yu.M. Barboya, V.I. Maksimova1; pangunahing mga gawa ng mga lokal at dayuhang espesyalista na nakatuon sa mga problema ng pagdidirekta at Western European (sa partikular, French) na teatro sa pagliko ng ika-19-20 siglo (L.I. Gitelman, T.I. Bachelis, V.I. Maksimov2; D. Knowles, J. Robichet , D. Bable3); pananaliksik sa larangan ng mga kaugnay na humanidad, aesthetics at teorya ng French art sa pagliko ng ika-19-20 na siglo (C. Rerick, R. Shattuck4; V.I. Bozhovich, V.I. Razdolskaya5); mga gawa ng dayuhan at kontemporaryong domestic art historian sa mga pangkalahatang isyu ng sining ng Kanlurang Europa noong panahong pinag-aaralan6.

1 Barboy Yu.M. Patungo sa teorya ng teatro. St. Petersburg, 2008; Panimula sa mga pag-aaral sa teatro / Comp. at resp. ed. Yu.M. Barboy. St. Petersburg, 2011; Maksimov V.I. Ang Edad ni Antonin Artaud. St. Petersburg, 2005.

2 Bachelis T.I. sina Shakespeare at Craig. M., 1983; Gitelman L.I. Mga klasikong Ruso sa entablado ng Pransya. L., 1978; Gitelman L.I. Ideological at malikhaing paghahanap para sa French directing ng ika-20 siglo. L., 1988; Ang sining ng pagdidirekta sa ibang bansa: (Unang kalahati ng ika-20 siglo): Reader. St. Petersburg, 2004; simbolismong Pranses. Drama at teatro / Comp., intro. Art., komento. SA AT. Maksimova. St. Petersburg, 2000.

3 Knowles D. La Reaction idéaliste au theâtre depuis 1890. Paris, 1934; Robichez J. Le Symbolisme au theâtre: Lugné-Poe et les debuts de l'OEuvre, 1957; Bablet D. La Mise en scène contemporaine: (1887-1917).

4 Rearick Ch. Mga Kasiyahan ng Belle Epoque. Bagong Haven; London, 1985; Shattuck R. Les primitifs de l "Avant-garde: (Henri Rousseau, Erik Satie, Alfred Jarry, Guillaume Apollinaire). (The Banquet years). Paris, 1974.

5 Bozhovich V.I. Mga tradisyon at pakikipag-ugnayan ng sining: (France, huling bahagi ng XIX - unang bahagi ng XX siglo). M., 1987; Razdolskaya V.I. Art of France ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. L., 1981.

6 Art Nouveau: (1890-1914). London, 2000; German M. Modernism: (Sining ng unang kalahati ng ika-20 siglo). St. Petersburg, 2008; Kirichenko I.E. Moderno. Sa tanong ng mga pinagmulan at tipolohiya // Kasaysayan ng sining ng Sobyet"78. Isyu 1. M., 1979. P. 249-283; Sarabyanov D.V. Modern: Kasaysayan ng istilo. M., 2001.

Ang literatura tungkol sa isyu ay maaaring hatiin sa apat na grupo ayon sa apat na penomena na isinasaalang-alang: 1) kabaret; 2) teatro ng anino; 3) papet na teatro; 4) Grand Guignol.

1. Bilang isang tuntunin, sa agham ng Russia, ang cabaret sa pagliko ng ika-19-20 na siglo ay inuri bilang isang pop phenomenon1, na tiyak na totoo sa konteksto ng ebolusyong aesthetic nito. Ang Cabaret, na tumangay sa buong Europa sa simula ng ika-20 siglo, ay hindi tumitigil sa pagpukaw ng interes sa mga Kanluraning mananaliksik; gayunpaman, ito ay pangunahing pinag-aaralan bilang isang penomenong pangkultura2. Ang isang espesyal na lugar ay ibinibigay sa cabaret Sha Noir3 (Black Cat) - ang unang artistikong kabaret sa Paris, na nakita ng mga kontemporaryo bilang isang modelo.

M.M. Bonch-Tomaszewski sa kanyang artikulo noong 1913 na "Theater of Parody and Grimace"4, kung saan binuo niya ang mga pangunahing prinsipyo ng kabaret, na kalaunan ay pinagtibay ng teatro ng direktor. Kabilang sa mga ito: ang pag-aalis ng rampa sa entablado, ang prinsipyo ng kapaligiran ng palabas, ang paglabas ng aksyon sa bulwagan, improvisasyon at grotesquery bilang mga bahagi ng istilo ng pagganap, ang "versatility" ng aktor, ang paglikha ng isang maskara bilang isang kinakailangang kondisyon para sa pagkakaroon sa entablado, pagtanggi at pangungutya bilang batayan ng pagiging malikhain ng kabaret.

Isang pagtatangka na gawing pangkalahatan ang mga prinsipyong ito, upang palawigin ang mga ito sa lahat ng sining ng Montmartre sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, at upang ipakita ang mismong Montmartre bilang isang espesyal na organismo sa teatro ay isinagawa sa disertasyon ng N.K. Petrova 1985 "Theatrical art of Montmartre (Pagbuo ng maliliit na sinehan

1 Uvarova E.D. Iba't ibang teatro: miniature, review, music hall (1917-1945). M., 1983; Klitin S.S. Kasaysayan ng pop art. St. Petersburg, 2008.

2 Astre A. Les cabarets littéraires et artistiques // Les spectacles à travers les ages: (Théâtre. Cirque. Music-Hall. Café-concerts. Cabarets artistiques). Paris, s.a. T. 1. P. 327-364.; Rearick Ch. Mga Kasiyahan ng Belle Epoque; Montmartre at ang paggawa ng kulturang masa. Bagong Brunswick; New Jersey; London, 2001; Appignanesi JI. Cabaret. M., 2010.

3 Le Chat Noir: (1881-1897). Les dossies du Musée d "Orsay. Paris, 1992; Fields A. Le Chat Noir: (Isang Montmartre Cabaret at ang mga Artist nito sa Tum-of-the-Century Paris). Santa Barbara, 1993; Oberthür M. Le cabaret du Chat Noir à Montmartre (1881-1897).

4 Bonch-Tomashevsky M.M. Teatro ng patawa at pagngiwi. (Cabaret) // Mga maskara. 1912-1913. No. 5. pp. 20-38.

sa French theatrical culture noong huling bahagi ng ika-19 na siglo)"1. Ang mga hiwalay na kabanata dito ay nagpapakita ng mga artistikong cabarets (gamit ang halimbawa ng Cha Noir), ang sining ng Montmartre chansonniers, at ang "kusang" teatro ng huling bahagi ng ika-19 na siglo (kasama ng may-akda ang mga bola ng Montmartre, halimbawa, ang Moulin de la Galette). N.K. Sinaliksik ni Petrova hindi lamang ang kabaret, ngunit ang katotohanan ng Montmartre sa kabuuan; Itinuturing itong repleksyon ng mga pagbabagong sosyo-kultural at bunga ng pagsasadula ng katangian ng buhay sa panahong iyon. Sa kabila ng hindi maikakaila na halaga ng pananaliksik (paglalarawan ng panahon, iba't ibang mga phenomena na ipinakita, pagiging bago ng materyal), ang teksto ay naglalaman ng maraming mga abstract na katangian; Ang bawat kamangha-manghang kaganapan ay inuri bilang isang teatro, at ang bawat pagtatanghal ay inuri bilang isang pagtatanghal, na hindi palaging makatwiran at hindi palaging nakadokumento. Una sa lahat, ito ay may kinalaman sa paglalarawan ng mga pagtatanghal ng Sha Noir2.

Natatangi sa uri nito ang monograph ni Harold Segel sa kasaysayan ng cabaret3, na sumasaklaw sa buong kultura ng European cabaret at nagpapakita ng dynamics ng pag-unlad nito. Sa paunang salita, na nagbubuod sa mga tampok ng pagbuo ng kabaret, sinuri ng may-akda ang pakikipag-ugnayan nito sa teatro, na ginawa ang pangunahing konklusyon na itinatag ng kabaret ang mga karapatan ng "sining ng maliliit na anyo," kung saan ang ibig sabihin ng Segel ay "sining na binubuo ng mga genre na tradisyonal na itinuturing na pangalawa o hindi gaanong mahalaga kaugnay ng mataas na kultura"4 (kasama ng mga ito - kanta, parody, papet na teatro, atbp.).

2. Dahil sa ang katunayan na sa loob ng sampung taon ay mayroong isang shadow theater sa Cha Noir, ito ay nakatayo bukod sa kultura ng French cabaret. Sa mga pangkalahatang pag-aaral na nakatuon sa Sha Noir, ang shadow theater ay itinuturing na isa

1 Petrova N.K. Theatrical art of Montmartre (Pagbuo ng maliliit na teatro sa

kulturang Pranses noong huling bahagi ng ika-19 na siglo). dis. ...cand. Kasaysayan ng sining M., 1985. iSee: Ibid. pp. 22-32.

3 Segel H.B. Turn-of-the-century na kabaret: (Paris, Barcelona, ​​​​Berlin, Munich, Vienna, Cracow, Moscow, St. Petersburg, Zurich). New York, 1987.

4 Ibidem. P. XVI.

mula sa mga bahagi ng isang kabaret; hindi nila sinusuri ang mga teknikal na katangian ng teatro, ang pangunahing pagkakaiba nito mula sa nakaraang tradisyon. Sa kabaligtaran, ang mga dalubhasang gawa sa kasaysayan ng shadow theater1, kung saan ang Cha Noir ay binibigyan ng magkakahiwalay na mga kabanata, nakatuon sa teknolohiya na nauugnay sa mga tradisyon ng Silangan at European ng shadow theater; Kasabay nito, ang konteksto ng kultura ng panahon, ang sariling katangian ng kabaret ay hindi isinasaalang-alang, at ang independiyenteng artistikong kahalagahan ng mga pagtatanghal ng anino ay hindi tinasa.

Ang isang pagbubukod ay ang monograp ni Paul Jeanne2, isang kontemporaryo ng Cha Noir, na nagmungkahi ng klasipikasyon ng shadow theater repertoire, na isinasaalang-alang ito bilang bahagi ng kultura ng kabaret. Ang mga detalyadong pagsusuri ng kritiko na si Jules Lemaître3, mga pagsusuri at alaala ng mga kontemporaryo, mga teksto ng mga poster, at mga materyal na iconograpiko ay nagbibigay-daan sa amin na buuin muli ang ilang mga pagtatanghal ng anino at iugnay ang mga ito sa mga estetika ng simbolismo at modernidad.

3. Ang mga eksperimento sa papet na teatro sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo ay naging pokus ng siyentipikong interes ng mga dayuhang mananaliksik kamakailan4; sa mga pag-aaral sa teatro ng Russia ay hindi pa rin sila pinapansin. Ang papet bilang kasangkapan sa pagpapatupad ng mga bagong ideya sa teatro na may direktang epekto sa mga konsepto ng extrapersonal na teatro ay tinalakay sa monograp ni Didier Plassard na nakatuon sa aktor sa sistema ng modernistang sining noong ika-20 siglo5 at sa disertasyon ng Hélène Beauchamp6 , alin

1 Bordât D., Boucrot F. Les théâtres d'ombres: Histoire et techniques Paris, 1956;

Shadow puppet. London, 1960; Cook O. Movement in Two Dimensions: (Isang pag-aaral ng animated at projected na mga larawan na nauna sa dimensyon ng cinematography). London, 1963. 1 Jeanne P. Les théâtres d'ombres à Montmartre de 1887 à 1923: (Chat Noir, Quat"z"arts, Lune Rousse Paris, 1937).

3 Tingnan ang halimbawa: Lemaitre J. Le Chat Noir // Lemaitre J. Impressions de theâtre. Paris, 1888. 2-ème series. P. 319-343; Lemaitre J. Le Chat Noir // Lemaitre J. Impressions de theâtre. Paris, 1891. 5-ème series. P. 347-354.

5 Plassard D. L "acteur en effigie. Lausanne, 1992.

6 Beauchamp H. La marionette, conscience critique et laboratoire du theâtre. Mga paggamit théorique et scénique de la marionnette entre les années 1890 et les années 1930. (Belgique, Espagne, France). Thèse de doctorat en littérature comparée. Paris IV - Sorbonne. 2007.

nag-aaral ng papet na teatro sa France, Belgium at Spain sa pagpasok ng ika-19 at ika-20 siglo bilang isang malikhaing laboratoryo para sa mga karanasan sa teatro. Ang istraktura ng disertasyon ni Beauchamp ay nakabalangkas sa paraang paulit-ulit na lumilitaw ang parehong phenomena sa iba't ibang aspeto (sa kanilang kaugnayan sa relihiyon, tradisyon sa teatro, sitwasyong sosyokultural, atbp.), na pumipigil sa pagtatasa ng kanilang kabuuang kontribusyon sa karagdagang pag-unlad ng teatro.

4. Ang pinaka-masusing pinag-aralan na kababalaghan ng "alternatibong" proseso ng teatro sa pagliko ng ika-19-20 siglo ay ang "theater of horror" Grand Guignol. Ito rin ang pinaka-eskematiko sa uri ng pagtatanghal, dahil minarkahan nito ang paglipat sa kulturang masa. Dahil nag-iwan ng isang kahanga-hangang pamana at nakakaimpluwensya sa industriya ng pelikula, ang Grand Guignol ay ginawaran ng ilang monographs sa West1; Isang espesyal na kontribusyon sa pag-aaral nito ang ginawa ng French theater researcher na si A. Pierron, na sa ilalim ng kanyang pag-edit ay nailathala ang isang pangunahing antolohiya ng Grand Guignol dramaturgy2. Ang paunang salita at mga detalyadong komento ay muling nililikha ang mahabang malikhaing kapalaran ng teatro na ito.

Sa mga domestic scientist, bumaling si E.D. Galtsov, na may kaugnayan sa pagtatanghal ng "Mga Tala mula sa Underground" ni F.M. Dostoevsky3. Ang pokus ng siyentipikong interes dito ay ang teksto ni Dostoevsky, na unang itinanghal sa entablado ng Pransya, ang interpretasyong Pranses ng klasikong Ruso, at ang ugnayan ng dramatisasyon sa orihinal.

Sa modernong pag-aaral ng teatro sa Pransya, ang interes sa ilang hindi gaanong pinag-aralan na mga tema ng teatro sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo ay tumataas: kaya, sabay-sabay itong ipinakita mula sa iba't ibang panig sa isang koleksyon ng mga artikulo noong 2006

1 Rivière F., Wittkop G. Grand Guignol. Paris, 1979; Kamay R.J., Wilson M. Grand-Guignol: (Ang French theater of horror). Exeter, 2002.

2 Le Grand Guignol. Le Théâtre des peurs de la Belle Époque / Éd. Établie par A. Pierron. Paris, 1995; Tingnan din ang: Pierron A. Petite scène à grands effets au Grand-Guignol // Le Spectaculaire dans les arts dans la scène: du Romantisme à la Belle Époque. Paris, 2006. P. 134-137.

3 Galtsova E.D. "Mga Tala mula sa Underground" sa Parisian Grand Guignol horror theater // Mula sa teksto hanggang sa entablado: Russian-French na mga theatrical na pakikipag-ugnayan noong ika-19-20 na siglo: Koleksyon. mga artikulo. M„ 2006. pp. 29-47.

“The Spectacle of the Performing Arts: (From Romanticism to Belle Epoque)”1. Ang partikular na interes ay ang mga sumusunod na artikulo: "Ang maliit na yugto at ang malaking epekto ng Grand Guignol" ni A. Pieron, "Ang tukso ng anino na teatro sa panahon ng simbolismo" ni S. Luce, "Awit, "pagganap" ng Belle-Epoque” ni O. Goetz, “Convulsions of the end of the century . Libangan na lampas sa teksto ng pantomime" ni A. Rickner. Gayunpaman, wala pang pagtatangka upang pagsamahin ang mga ito at isaalang-alang ang mga ito sa parehong eroplano. Sa mga pag-aaral sa teatro ng Russia, hanggang ngayon, ang pansin ay binabayaran lamang sa kabaret at bahagyang sa Grand Guignol (dahil din sa katotohanan na sa simula ng ika-20 siglo ay nagkaroon ng analogue nito sa St. Petersburg)2.

Ang praktikal na kahalagahan ng pag-aaral ay natutukoy sa pamamagitan ng katotohanan na ang mga resulta nito ay maaaring gamitin sa mga kurso sa panayam sa kasaysayan ng dayuhang teatro noong ika-19 at ika-20 siglo, sa mga espesyal na kurso sa kasaysayan ng pop art at papet na teatro; gayundin sa karagdagang pag-aaral ng teatro ng Pransya ng panahong sinusuri. Bukod pa rito, ang thesis ay maaaring maging interesado sa mga practitioner sa entablado na ang mga interes ay nasa larangan ng eksperimentong teatro.

Pag-apruba ng mga resulta ng pananaliksik. Ang mga resulta ng pananaliksik sa disertasyon ay nai-publish sa isang bilang ng mga artikulo ng may-akda sa mga journal at siyentipikong publikasyon; din sa mga ulat sa siyentipikong postgraduate conference (St. Petersburg, SPbGATI, 2010; Minsk, BGAI, 2010; Brno (Czech Republic), JAMU, 2011); sa International Conference "The Art of Dolls: Origins and Innovations" (Moscow, STD RF - S.V. Obraztsov State Academic Theater of Culture and Culture, 2013).

Ang disertasyon ay tinalakay sa mga pulong ng Kagawaran ng Dayuhang Sining ng St. Petersburg State Academy of Theatre Arts.

Istruktura ng trabaho. Ang disertasyon ay binubuo ng isang Panimula, apat na kabanata, isang Konklusyon, isang listahan ng mga sanggunian (higit sa 230 mga pamagat) sa Russian, French at English, pati na rin ang dalawang Appendice: sa

1 Le Spectaculaire dans les arts de la scène: (Du romantisme à la Belle époque). Paris, 2006.

2 Tingnan ang: Tikhvinskaya L.I. Araw-araw na buhay ng theatrical bohemia ng Silver Age. M., 2005.

Ang una ay naglalaman ng repertoire ng teatro, mga pagsasalin ng mga script at mga sipi mula sa mga dula, ang pangalawa ay nagtatanghal ng mga iconographic na materyales.

Ang Panimula ay nagbibigay-katwiran sa pagpili ng paksa ng pananaliksik at ang kaugnayan nito, tinutukoy ang antas ng pag-unlad ng problema, bumubuo ng mga pangunahing layunin at layunin ng gawain, at ang mga prinsipyong pamamaraan nito. Ang pagsusuri ng panitikan sa isyu na inilathala sa Russian, French, at English ay ibinigay.

Sinusuri din ng Panimula ang teatro at pangkalahatang kultural na sitwasyon sa France sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo - Belle Epoque, nang ang isang pandaigdigang rebolusyon ay nagaganap sa lahat ng larangan ng kultura, agham at sining. Lahat ng uri ng sining sa panahong ito ay pumapasok sa yugto ng “radical restructuring ng kanilang figurative structures”1. Ang mga pangunahing pagbabago sa larangan ng teatro ay nauugnay sa paglitaw ng teatro ng direktor, na binuo sa mga polemics na may akademiko at komersyal na tradisyon, na nagtatag ng sarili nang magkatulad sa dalawang artistikong direksyon - naturalismo at simbolismo. Kasabay nito, naganap ang pagbuo ng theatrical aesthetics ng neo-romanticism at modernity.

Ang aklat na "Theater on the Sidelines" ni A. Adere, na siyang pinagmulan ng paksang ito, ay sinuri. Sa kabila ng likas na kaalaman nito, dito sa unang pagkakataon ay ginawa ang isang pagtatangka upang pag-isahin ang magkakaibang mga phenomena ng prosesong "malapit sa theatrical". Gayunpaman, sa pagpasok ng ika-19 at ika-20 siglo, ang "teatro sa gilid" ay naging isang independiyenteng artistikong kababalaghan, na sumasalamin at umakma sa reporma ng direktor ng teatro. Dagdag pa, sa Panimula, ang hanay ng mga phenomena na isasaalang-alang sa disertasyon ay nakabalangkas at ang kanilang pagpili ay makatwiran, at isang pangkalahatang paglalarawan ng bawat isa sa kanila ay ibinigay.

Sa unang kabanata - "Cabaret", na binubuo ng tatlong mga seksyon, ang cabaret ay ginalugad bilang isang bagong independiyenteng anyo ng epektibong pagkamalikhain, isang alternatibong plataporma ng teatro para sa Belle Epoque, na nagtatatag ng sarili nitong

1 Bozhovich V.I. Mga tradisyon at pakikipag-ugnayan ng sining: (France, huling bahagi ng XIX - unang bahagi ng XX siglo). S. 4.

ang mga batas ng paglikha ng isang imahe sa entablado, ang relasyon sa pagitan ng entablado at bulwagan, ang mga kondisyon ng pagkakaroon ng tagapalabas at ng madla.

Sa kabila ng katotohanan na ang cabaret at teatro ng direktor ay bumangon sa France halos sabay-sabay, hindi sila nagsalubong sa isa't isa. Ang French cabaret ay hindi teatro sa sarili; iminungkahi nito ang landas ng theatricality bilang batayan ng buhay at pagkamalikhain sa entablado, ang kakanyahan nito ay mabubuo mamaya sa konsepto ng H.H. Evreinova: "Ang theatricality ay lumilitaw bilang isang uri ng formative na mekanismo, na naglalayong hindi kumatawan sa mga anyo at phenomena ng katotohanan, ngunit sa paglikha ng mga orihinal na aesthetic form, na kung saan ang buhay mismo ay pinagtibay"1. Sa "Apology for Theatricality" noong 1908, ibinigay ni Evreinov ang sumusunod na kahulugan ng termino: "Sa pamamagitan ng "theatricality"... Ang ibig kong sabihin ay isang aesthetic monstrosity ng isang malinaw na tendentious na kalikasan, na, kahit na malayo sa gusali ng teatro, na may isang kasiya-siyang kilos. , isang magandang protonated na salita, ay lumilikha ng isang entablado, tanawin at nagpapalaya sa atin mula sa tanikala ng katotohanan - madali, masaya at walang kabiguan.”1 Ang pag-unawa sa theatricality ay nabibilang sa estetika ng modernismo; ito ay batay sa thesis ng pagbabago ng buhay sa pamamagitan ng sining, na tumutugma sa direksyon ng pag-unlad ng French cabaret. Tinukoy ng O. Norwegian ang kanyang malikhaing paghahanap tulad ng sumusunod: "Mas kaunting pampanitikan na bagay at mas kumikinang, masakit na matalas at kasabay nito ay eleganteng pagmuni-muni ng buong bangungot ng pang-araw-araw na buhay"3. Sa cabaret sa France nagsimula ang pagbuo ng theatrical modernity bilang reaksyon sa simbolismo sa teatro.

Ang seksyong "Origins" ay naglalarawan sa kasaysayan ng paglikha ng pinakasikat na cabaret sa Paris - Cha Noir (1881-1897). Ang aesthetic phenomenon ng Montmartre, ang sentro ng kultura ng Belle Epoque, ay ipinapakita. "trahedya" na tinatakpan ng kabaret

1 Dzhurova T.S. Ang konsepto ng theatricality sa mga gawa ni H.H. Evreinova. St. Petersburg, 2010. P. 15.

2 Evreinov N.N. Teatro tulad nito // Evreinov N.H. Demonyo ng theatricality. M.; St. Petersburg, 2002. pp. 40-41.

3 Norwegian O. Cabaret // Teatro at sining. 1910. Blg. 10. P. 216.

araw-araw na buhay" na may festive theatricality, ay naging isang simbolo ng Montmartre - ang "libreng lungsod" ng mga batang artistikong bohemia, isang estado sa loob ng isang estado, na namumuhay ayon sa sarili nitong mga batas, alinsunod sa aesthetic na lasa at artistikong lohika. Sumunod ay ang pambihirang personalidad ni Rodolphe Saly (1851-1897) - ang sikat na direktor ng Cha Noir, ang nagpakilalang hari ng Montmartre. Salamat sa administratibong talento at creative flair ni Sali, naging modelo ng kabaret ang Cha Noir, na nagdudulot ng malawakang imitasyon sa buong Europa. Ang aesthetic eclecticism na naghari sa Cha Noir ay inaasahang sa buong kultura ng pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo. Sa panahon ng muling pag-iisip ng sining sa sarili, pinagkasundo ng kabaret ang mga kinatawan ng iba't ibang artistikong kilusan sa ilalim ng bubong nito, na naging simbolo ng malikhaing kalayaan at isang lugar para sa konsentrasyon ng mga malikhaing pwersa at ang kanilang malayang pakikipag-ugnayan sa isa't isa. Sa kauna-unahang pagkakataon, na nagpapahintulot sa mga manonood sa likod ng mga eksena ng pagkamalikhain, pinag-isa nito ang mga tradisyon ng salon at booth, at nagbigay ng lakas sa mga eksperimento sa mga porma at genre ng teatro, na hanggang sa sandaling iyon ay kabilang sa "grassroots culture."

Sinusuri ng seksyong "Komposisyon ng Gabi" ang mga batas kung saan binuo ang isang pagtatanghal ng kabaret, ang kahalagahan ng pigura ng tagapaglibang, at ang prinsipyo ng pag-iral ng performer sa entablado.

Ang mga pangunahing batas ng gabi ay immediacy at improvisation, ang pangunahing direksyon ay irony at pagtanggi; ang compere (ang lumikha ng tradisyong ito ay si Sali) ay kinakailangang magkaroon ng mahusay na pagsasalita at talino, kamalayan sa mga kontemporaryong isyu, ang kakayahang pag-isahin ang bulwagan at entablado, at bumuo ng isang lohikal na pagkakasunud-sunod ng mga numero. Sariling sariling katangian, na pinarami ng tumpak na artistikong pagkalkula - ito ang pangunahing batas ng paglikha ng imahe ng isang cabaretiere.

Ang gumaganap na tradisyon ng kabaret ay ipinahayag lalo na malinaw sa gawain ng mga chansonniers; Ang cabaret ay nagiging isang uri ng "chansonnier's theater." “Being alone on stage, the chansonniers were both performers and

mga direktor ng kanilang pagganap. Hindi gaanong napapailalim sa pagbabago kaysa sa mga aktor... bumuo sila ng isang indibidwal na uri at patuloy na pinagbuti ang kanilang mga pisikal na katangian, asal, kilos, at kasuotan. Sa wakas ay nabuo, ang ganitong uri ay naging isang nakapirming imahe, na makikilala sa unang tingin...”1. Ang imahe ng isang cabaretiere ay dinala halos sa punto ng isang maskara, sa likod kung saan ang tiyak na plasticity, paraan ng pananalita at pag-uugali ay itinalaga. Kabaligtaran sa tradisyon ng teatro, hindi itinago ng maskara ang tagapalabas sa kabaligtaran, ito ay kumakatawan sa isang entablado na nabagong larawan ng isang personalidad, kung saan ang mga likas na katangian ay pinalaking. Kasabay nito, ang cabaretie ay naging hostage sa imahe ng entablado na kanyang nilikha minsan at para sa lahat. Ang tragic farcical nature ng cabaret, ang indibidwal na maskara bilang batayan ng gumaganap na tradisyon ay inihayag sa pamamagitan ng gawa ng mga pinakadakilang chansonnier ng panahon - sina Aristide Bruant at Yvette Guilbert, na lumikha ng isang natatanging dramatikong genre ng kanta-nobela, bilang pati na rin ang isang matingkad na imahe ng tagapalabas, na pumukaw sa madla sa kanyang pagkamalikhain.

Ang seksyong "Paglikha ng Atmospera" ay nakatuon sa mga aksyon at panlilinlang na malikhain sa buhay, na kasinghalaga para sa holistic na imahe ng bawat kabaret bilang ang pagiging maalalahanin ng istilo at mga detalye sa loob.

Sa pangkalahatan, ang French cabaret ay nag-aalok ng isang kumpletong aesthetic na modelo, na sa kalaunan ay pinagkadalubhasaan ng direktor ng teatro ng Alemanya at Russia: na may isang bagong sistema ng mga relasyon sa pagitan ng entablado at bulwagan, na batay sa theatricalization - ang kabaret ay nag-aalis ng rampa. at kasama ang manonood sa pagganap; isang bagong istilo ng pagganap (cabaretiere mask), paghahalo ng mga genre (tragifarce) at paglilipat ng mga tiyak na hangganan (song-play). Sa paglipas ng panahon, ang cabaret ay gumagalaw patungo sa pop art, kung saan ito ay orihinal na katulad; ngunit ang pagkalat ng mga batas sa teatro sa loob ng kabaret ay hindi rin maiwasang humantong sa kanya sa mga independiyenteng eksperimento sa teatro, tulad ng nangyari kay Sha Noir.

1 Goetz O. La chanson, “spectacle” de la Belle Epoque // Le spectaculaire dans les arts de la scène (Du romantisme à la Belle Epoque). P. 152-153.

Ang ikalawang kabanata, "Shadow Theatre," ay binubuo ng dalawang seksyon, ay nakatuon sa shadow theater sa Cha Noir cabaret, na umiral doon sa halos sampung taon (mula Disyembre 1886 hanggang sa nagsara ang kabaret noong unang bahagi ng 1897), kung saan ito ay ang pangunahing kaganapan para sa publiko at ang pangunahing bagay para sa mga empleyado ng Sha Noir, lahat ng mga pagsisikap sa sining at lahat ng mga gastos sa pananalapi ay nakadirekta dito. Ang isang pag-uuri ng repertoire ay ibinigay, ang pinakamahalagang pagtatanghal ay nasuri, ang teknikal na istraktura ng entablado at ang teknolohiya para sa paggawa ng mga figure ng anino.

Sa mahabang panahon, ang mga pagtatanghal ng anino ay itinuturing ng mga Europeo bilang ang anyo na pinaka-sapat sa pang-unawa ng mga bata. Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, ang katanyagan ng shadow theater ay dahil sa ilang mga kadahilanan, kabilang ang pagtaas ng interes sa Silangan (Ang pag-ukit ng Hapon, na isang pagkahilig para sa lumikha ng teatro, si Henri Rivière, ay nagkaroon ng direktang impluwensya sa mga pagtatanghal ng Cha Noir) ; pagiging malapit sa simbolistang theatrical aesthetics (ang ideya ng kuweba ni Plato); sa wakas, ang pagtaas ng mga graphic sa panahong ito (kabilang sa mga lumikha ng shadow theater ay ang mga sikat na graphic artist ng pagliko ng siglo: Rivière, Caran d'Ache, Adolphe Villette, Henri Somme Ang batayan ng mga unang pagtatanghal ay a serye ng mga guhit at karikatura na regular na inilathala sa pahayagan ng cabaret1 Kaya, sa bisperas ng pagsilang ng sinehan, ang sining ng mga animated na larawan ay pumukaw ng espesyal na interes ng madla Salamat sa kalayaan ng mga may-akda mula sa pangkalahatang proseso ng teatro, ang kanilang kadalian sa paghawak ng tradisyon, nagawa ni Sha Noir na baguhin ang European na tradisyon ng shadow theater: mula sa isang panoorin para sa mga bata, ito ay naging isang pangkalahatan, pilosopiko na sining na may Sa pamamagitan ng teknikal na pagbabago, ang kulay at pananaw ay idinagdag sa itim at puting eroplano ng screen canvas.

Ang mga artista ng Cha Noir ay hindi malalim na nagsaliksik sa kasaysayan ng teatro ng anino, tiningnan nila ang ibabaw ng screen bilang isang pagpipinta, kung saan idinagdag ang isang pagbabago sa komposisyon, na sa kanyang sarili ay tumutukoy sa mga aesthetics ng modernismo. Form

1 Kasunod ng Sha Noir, halos lahat ng cabaret ay naglathala ng sarili nitong pahayagan.

Ang mga pagtatanghal ng Sha Noir ay maaaring ituring bilang pagpapatupad ng ideya ng isang "buhay na larawan" - na, ayon kay V.I. Maksimov, ay "isang tipikal na modernong pagpapatupad ng synthesis ng sining"1. Rhythmic na pagbabago ng mga imahe, pagkakapare-pareho ng kolektibong paggalaw ng mga figure, kumbinasyon ng ilang mga plano, linear modeling ng mga imahe, stylization - ang formative na mga prinsipyo ng modernity, na kung saan ay katawanin sa mga pagtatanghal ng Sha Noir.

Ang mga pagtatanghal ay nahahati sa dalawang grupo: "Mga Anino ng Kasaysayan" - malakihang mga komposisyon sa makasaysayang, maalamat, mga paksa sa Bibliya; "Contours of Modernity" - mga sketch at sketch sa mga kontemporaryong paksa, na madalas na kinuha mula sa mga pahina ng mga pahayagan ng cabaret.

Sinusuri ng seksyong "Shadows of History" ang malikhaing talambuhay ni Henri Rivière, ang nagpasimula, pinuno, at imbentor ng Sha Noir shadow theater. Ang pinakamahalagang pagtatanghal ay inilarawan: "Epic" (1886), "The Temptation of St. Anthony" (1887), "Behind the Guiding Star" (1890), na binuo sa ugnayan ng mga larawan ng karamihan at ng Bayani matayog sa itaas nito, na nagtakda ng direksyon ng landas. Salamat sa "Epic" ni Karan d'Asha, isang dula tungkol sa magagandang tagumpay ng Napoleonic, ang shadow theater ay tumatanggap ng pagkilala sa publiko ay ang pagsusuri ng isa sa mga tagasuri, na sumulat na ang "Epic" "ay nagbibigay sa manonood ng isang hindi kilalang impression. , ang impresyon ng imahe ng masa ng mga tao sa entablado”2 “...Sa nakalipas na sampung taon, ang pinakamalakas na pagkabigla mula sa realidad ng nangyayari sa entablado ay hindi natanggap mula sa mga tunay na sundalo, armado ng totoong baril at nakasuot ng tunay na tela, ito ay nilikha sa tulong ng mga artipisyal na pagkakahawig, ang pinakamarupok at hindi gaanong nakikita sa lahat.”3 Ang “mga eksena sa masa” ay naging pinaka-di malilimutang: ang pangunahing pagtanggi na isa-isa ang mga karakter, ang pagkakaugnay ng kanilang Ang kolektibong kilusan ay lumikha ng isang pakiramdam

1 Maksimov V. Ang Siglo ni Antonin Artaud. P. 101.

2 Talmeyr M. La foule en scène: (A propos de l"Epopée de Caran d"Ache) // La Revue d"drama Arttique. 1887. 15 Ene. P. 75.

3 Ibidem. P. 78.

na ang lahat ng mga bayaning ito ay ginagabayan ng iisang espiritu at may di-masusukat na kakayahan.

Sa paghahanap ng “Super-Hero,” ang mga lumikha ng shadow theater ay bumaling sa kasaysayan (“The Conquest of Algeria,” 1889), sa buhay ng mga santo (“Saint Genevieve of Paris,” 1893), sa pambansang epiko (“Roland,” 1891), hanggang sa mitolohiya (“ Sphinx”, 1896), maging sa hinaharap (“Night of Times, or the Elixir of Youth”, 1889). Sa "The Sphinx," isang "maalamat na epiko" sa 16 na mga eksena (mga guhit ni Vignola, mga salita at musika ni Georges Fragerol), na ipinakita isang taon bago magsara ang teatro, ang bayani ay ang kuwento mismo, na ipinakilala ng Sphinx: "Nagtagumpay ang mga siglo. bawat isa, ang mga tao ay dumarating at umaalis; Egyptian, Assyrians, Hudyo, Persians, Greeks, Romans, Arabs; Mga Krusada, hukbong Napoleoniko, hindi mabilang na hanay ng mga sundalong British - lahat sila ay dumaan sa maringal na nakahiga na pigura ng Sphinx, na sa huli ay nananatiling nag-iisa, malamig at misteryoso." Ang prusisyon ng mga tao na ipinakita noong 1896 ay hindi na sinundan " bituin na gumagabay“, tulad noong 1890, hindi ito naghanap ng patnubay; ang direksyon ng paggalaw ay itinakda ng kurso ng Kasaysayan, kung saan ang Sphinx ay literal na kumilos bilang Bato.

Ang pormang ito sa dulaan ay naging posible upang magtanghal ng mga malalaking plot. Ang pagdadala ng tema ng rock sa entablado, na inilalantad ang makasaysayang kurso ng mga kaganapan na ipinakita sa pamamagitan ng modernong pananaw sa mundo - lahat ng ito ay nagbigay sa teatro ng isang bagong antas ng generalization at convention. Ang mga pagtatanghal ng anino ay tumugon sa pangkalahatang trend ng teatro na itinakda ng mga Symbolists at binuo ni Pierre Couillard: "Ang teatro ay magiging kung ano ang nararapat: isang dahilan para sa isang panaginip"2.

Kasama sa seksyong "Contours of Modernity" ang mga pagtatanghal gaya ng "A Party of Whist" (1887), "The Golden Age" (1887), "Pierrot the Pornographer" (1893), pati na rin ang dalawang pagtatanghal batay sa mga dula ng M . Donnet - "Phryne" at "Sa ibang lugar" (parehong

1 Cook O. Movement in Two Dimensions: (Isang pag-aaral ng animated at projected na mga larawan na nauna sa dimensyon ng cinematography). London, 1963. P. 76.

Quote ni: Maksimov V.I. Simbolismong Pranses - pagpasok sa ikadalawampu siglo // simbolismong Pranses. Drama at teatro. P. 14.

1891). Dito nilikha ang imahe ng isang modernong bayani - nabawasan, walang katotohanan, sadyang "hindi kasama" sa pampublikong buhay, na, na may isang ironic na pagtatanghal, ay nakikilala at malapit sa manonood. Sa diwa ng kabaret, ang mga pagtatanghal sa mga kontemporaryong tema ay isang komentaryo sa nakapaligid na katotohanan; sinasalamin nila ang pananaw sa mundo ng pagliko ng siglo, pinagsasama ang matinding pag-aalinlangan at pananabik para sa Ideal.

Ang kakaiba ng mga pagtatanghal ng anino ni Sha Noir ay ang musika at mga salita ay pantulong na paraan na idinisenyo upang mapahusay ang epekto ng sunud-sunod na "mga buhay na kuwadro na gawa", na bumubuo ng isang maayos na pagkakaisa. Ang pakiramdam ng pagiging tunay ng kung ano ang nangyayari ay nilikha salamat sa pangkakanyahan integridad ng trabaho at ang pabago-bagong pagkakaugnay ng lahat ng mga elemento ng pagganap. Ang shadow theater ay naging salamin ng kultura ng French cabaret, na hindi sumuporta sa alinman sa mga masining na kilusan ng pagliko ng siglo, na isinasaalang-alang ang lahat ng ito: Ang mga pagtatanghal ni Cha Noir ay synthesize ang makabuluhang misteryo ng simbolismo, orientalismo at modernong sensuality. , ang kawalang-kinikilingan ng naturalismo at akademikong saklaw, na binabago ang mga ito sa pamamagitan ng mga batas ng "theater of parody and grimaces." Kasabay nito, ang mga pagtatanghal ng anino ni Sha Noir ay naging isang independiyenteng theatrical phenomenon na lumampas sa aesthetic na konsepto ng kabaret sa paghahanap ng solusyon sa mga aktwal na problema sa teatro. Ang metaporikal na katangian ng silweta, ang pigura ng anino, ay nagsilbing mapagkukunan para sa paglikha ng isang modernong yugto ng wika, ang yunit kung saan ang imahe sa screen.

Ang ikatlong kabanata - "Puppet Theatre", na binubuo ng dalawang seksyon, ay sinusuri ang pagsasanay ng Petit Theater de Marionette (Little Puppet Theater, 1888-1894) at ang theatrical experiment ni Alfred Jarry na may guignol (Katz'Ar cabaret, 1901) - tradisyonal na uri teatro ng papet

Inihayag ng karanasan ni Sha Noir ang artistikong potensyal ng mga tradisyonal na anyo ng papet na teatro at ipinakita ang kanilang metaporikal na katangian. Isinulat ni J. Sadoul na hindi direktang inihanda ni Sha Noir ang tagumpay ng sinehan, na nagpapatunay na ang “optical performances

maaaring magkaroon ng parehong tagumpay sa publiko tulad ng mga dulang isinagawa ng mga aktor ng laman at dugo." Salamat kay Cha Noir, sa kauna-unahang pagkakataon, isang teatro na anyo kung saan hindi ang aktor ang pangunahing tagapagdala ng kahulugan ay naging sentro ng interes ng publiko: ang anino sa kasong ito ay isa lamang sa mga elemento ng pagtatanghal, na nakasulat sa komposisyon ng entablado. Kasunod ng shadow theater, ang iba pang mga papet na sistema ay nakakuha din ng pansin: sa pagpasok ng siglo, ang papet na teatro ay nagsimulang makonsepto bilang isang independiyenteng artistikong wika, ang hanay ng mga paraan ng pagpapahayag na maaaring lumampas sa mga kakayahan ng teatro ng isang buhay na aktor.

Ang panimula ay nagbibigay ng maikling pangkalahatang-ideya ng kasaysayan ng papet na teatro sa France; ang mga pangunahing teknolohikal na sistema ay isinasaalang-alang, ang bawat isa, hanggang sa 1880s, ay isang anyo ng pagganap na kinokontrol ng tradisyon (na may isang nakapirming repertoire, uri ng yugto, paraan ng pagkontrol sa papet).

Noong 1888, dalawang taon bago ang unang mga eksperimento sa teatro ng mga Symbolists, binuksan ang Petit Theater de Marionette sa Paris, na sa maraming paraan ay inaasahan ang mga ideya ng Theater d'Art (1890-1892 Ang inisyatiba ay kabilang sa isang grupo ng mga manunulat at mga makata (ang pangunahing mga ideologist ay sina Henri Signoret at Maurice Bouchor ), na nag-alok sa publiko ng isang bagong repertoire na binubuo ng mga obra maestra ng world drama Bilang bahagi ng artistikong programang ito, ang mga sumusunod na dula ay itinanghal sa teatro sa loob ng isang panahon at kalahati: "The Birds" ni Aristophanes, ang interlude ni Cervantes "The Vigilant Guard" (parehong Mayo 1888), "The Tempest" ni Shakespeare (Nobyembre 1888), ang maagang komedya ni Moliere na "Barboulier's Jealousy" at ang medieval na drama na "Abraham the Hermit" ni Hrotsvita ng Gandersheim (Abril 1889) Ang mga may-akda ng mga pagtatanghal ay naghangad na lumikha ng isang layunin na perpektong imahe: sa kanilang opinyon, ito ay lalabagin ng materyalidad ng isang buhay na tao pagiging papet, ngunit naging

1 Sadul J. Pangkalahatang kasaysayan ng sinehan: Sa 6 na tomo M., 1958. T. 1. P. 143.

ang prototype ng modelo ng impersonal na teatro, ang mga ideya kung saan bubuo sa modernismo.

Sa lahat ng mga papet na sistema, ang Petit Theater ay bumaling sa hindi bababa sa dynamic - awtomatikong mga manika, na minana ang mga tradisyon ng "crèches" (literal na "mangers"), Western European Christmas performances na may mga mekanikal na figure. Ang mga manika, na itinulad sa klasikal na iskultura, ay isang maliit na modelo ng isang tao; sa parehong oras, sila ay walang emosyonal na simula, ang kanilang kaplastikan ay nabawasan sa isang nakapirming kilos. Statuary, static mise-en-scène, na kung saan, na sinamahan ng maluwag na melodic declamation, ay nagbigay-diin sa kamahalan ng kilusan, na nilikha espesyal na istilo isang pagtatanghal kung saan nakita ng mga kontemporaryo ang embodiment ng theatrical convention. "Ang mga ideogram ng katawan at mga mekanikal na gumaganap ay nagbawas sa pagkakaroon ng entablado ng isang karakter sa pinakamababa, sa ilang mga pangunahing palatandaan"1. Batay sa pagsusuri ng mga pagtatanghal, ang pagsasanay ng Petit Theater ay nauugnay sa mga konsepto ng teatro nina M. Maeterlinck at G. Craig.

Noong 1890, ang teatro ay pinamumunuan ng makata na si Maurice Bouchor, na dating nagsalin ng The Tempest. Sa kabila ng katotohanan na si Bushor ay "nais na lumikha ng isang moderno, bago, teatro ng may-akda"2, sa ilalim niya ang Petit Theater ay gumawa ng turn sa modelo ng ika-19 na siglo na teatro, at ito ay pangunahin dahil sa dramaturhiya nito. Sa kabuuan, itinanghal ni Bushor ang anim sa kanyang mga dula sa mga paksang panrelihiyon sa Petit Theater: "Tobias" (1890), "Christmas" (1890), "The Legend of Saint Cecilia" (1892), "The Dream of Heyyam", " Adoration of Saint Andrew" (parehong 1892), "The Eleusian Mysteries" (1894). Sa Tobias, tulad ng sa pinakaunang dula, nakikita na ang mga pagkukulang nito: Sa kalaunan ay sinundan ni Bushor ang landas ng pang-araw-araw na pag-uusap at sitwasyon, sinusubukang "i-humanize" ang mga karakter at ipasok ang pang-araw-araw na lohika sa kanilang mga aksyon.

Tinahak ni Alfred Jarry ang kabaligtaran na landas patungo sa Bouchor - mula sa "pagpapapet" na mga aktor hanggang sa pagliko sa papet na teatro; kanyang theatrical

1 Plassard D. L "acteur en effigie. P. 32.

2 Le Goffic Ch. Le Petit Théâtre des Marionnettes // La Revue encyclopédique. 1894. Blg. 85. 15 juin. P. 256.

ang eksperimento ay tinalakay sa seksyong "Guignol at Ubu the King." Naniniwala din si Jarry na ang personalidad ng aktor ay nakakasagabal sa pang-unawa ng trabaho, ngunit sa una ay itinakda: "Ang dula na "King Ubu" ay isinulat hindi para sa mga manika, ngunit para sa mga aktor na naglalaro tulad ng mga manika, na hindi pareho."1 Pagkatapos ng serye ng mga karanasan sa teatro (kabilang ang 1896 na produksyon ng Le Rei Ubu sa Théâtre de l'Evre), napunta si Jarry sa guignol, isang uri ng tradisyonal na papet na palabas na may mga glove puppet (pinangalanan sa pangunahing tauhan). Ipinangatuwiran ni Jarry na ang isang aktor ay “espesipikong dapat lumikha para sa kanyang sarili ng isang katawan na angkop para sa kanyang papel,”2 at ang papet na teatro ay nagbigay sa kanya ng pagkakataong maging modelo ng mga karakter mismo. Lalo niyang binigyang-diin ang pagtuklas na ito sa isang lektura noong 1902 na ibinigay sa Brussels: "Tanging mga manika, kung saan ikaw ang may-ari, master at Lumikha (dahil tila kailangan mong gawin ang mga ito sa iyong sarili), masunurin at simpleng ihatid kung ano ang matatawag na isang pamamaraan ng katumpakan - ang aming mga iniisip." 3.

Kaya, noong Nobyembre 1901, sa Parisian cabaret Katz"Ar (cabaret of the Four Arts), kasama ang partisipasyon ng may-akda, ang "King Ubu" ay ginanap sa mga puppet; ang teksto ay espesyal na pinaikli (sa dalawang kilos) at inangkop; Ang aksyon ay nauna sa isang prologue na nakasulat sa espiritu ng guignol Ang isang propesyonal na puppeteer mula sa Champs-Élysées ay inanyayahan upang kontrolin ang mga character na ang manika ni Papa Ubu ay isa sa mga unang nag-isip muli ng mga batas sa entablado ng guignol, na inilalapat ang mga ito sa kanyang balangkas: mula sa punto ng pananaw ng sentido komun, ang katutubong papet na komedya na ito ay kumakatawan sa isang imoral at hindi makatwiran na panoorin, kung saan ang pangunahing tauhan ay nakikitungo sa iba pang mga karakter sa tulong ng kanyang club kaso, ang pagpili ng guignol form ay ginawang mas hindi makatwiran ang aksyon, na nagpapataas ng mga nakakatuwang larawan ng mga karakter Ang performance united cabaret,

1 Sipi ni: Plassard D. L "acteur en effigie. P. 43.

2 Jarry A. Sa kawalan ng silbi ng teatro para sa teatro // Gaya ng lagi - tungkol sa avant-garde: (Anthology of the French theatrical avant-garde). M., 1992. P. 19.

Jarry A. Conférence sur les Pantins // Les mains de lumière: (Anthologie des écrits sur l "art de la marionnette) / Texts réunis et présentés par D. Plassard. Charleville-Mézières, 1996. P. 205.

tradisyonal na teatro at bagong dramaturgy, ay maaaring ituring na isa sa mga tugatog ng “theater on the sidelines.”

Tulad ng sa Petit Theatre, ang pilosopikal na nilalaman ng tradisyonal na papet na sistema ay nagtatakda ng pananaw para sa persepsyon ng madla. Ang kalupitan, kabastusan sa fairground, maging ang kalupitan ng guignol ay organikong pinagsama sa farcical figure ng halimaw na pumasok sa theatrical mythology noong ika-20 siglo - si Papa Ubu. Sa kabaligtaran, ang mabagal na plasticity at marilag na detatsment ng Petit Theater puppet, na tumutukoy sa mga relihiyosong pagtatanghal, ay lumikha ng isang kapaligiran ng hindi maunawaan, perpektong katotohanan sa entablado. Ang natuklasan ay ang pagpili ng anyo mismo ang lumikha ng magandang nilalaman. Ang mga papet na palabas na ito ay nauuna sa simula ng papet na teatro ng direktor, at mas malawak, sila ay nagiging isang salpok para sa karagdagang kalayaan ng pagmomodelo ng anyo sa teatro sa pangkalahatan.

Ang ikaapat na kabanata - "Grand Guignol" ay may kasamang dalawang seksyon at nakatuon sa "theater of horror" ng Belle Epoque. Ang teatro na ito ay matatagpuan sa isang dating kapilya sa gitna ng distrito ng Pigalle, ang pinakapuno ng krimen na lugar ng Paris. Binuksan noong 1897, ang Grand Guignol ay "tinukoy ang parehong lugar at isang genre"1, nakaligtas sa dalawang digmaang pandaigdig na may walang humpay na interes ng publiko, naging isa sa mga palatandaan ng Paris at natapos lamang ang pagkakaroon nito noong 1962, na naging isang kababalaghan ng kulturang masa. Inilalarawan ng kabanata ang istraktura ng teatro, nagbibigay ng mga pangunahing katangian ng genre, sinusuri ang mga personalidad ng mga tagalikha ng klasikong formula ng horror genre: theater director Max Moret, playwright Andre de Lorde at ang kanyang co-author, psychologist na si Alfred Binet , master ng special effects na si Paul Ratino.

Grand Guignol - guignol para sa mga nasa hustong gulang, na ipinakita sa entablado ang isang krimen na salaysay ng pagliko ng siglo. Ang kawalan ng isang kategorya ng moralidad sa likas na katangian ng tradisyonal na guignol, ang landas ng kriminal na nakaraan na sumunod sa likod ng pangunahing karakter (ang mga pagtatanghal ng guignol ay kontrolado ng pulisya), ay hindi

1 Pierron A. Préface // Le Grand Guignol: (Le Théâtre des peurs de la Belle époque). P. II.

maaaring hindi nakaimpluwensya sa pagpili ng pangalan para sa bagong teatro, na, gayunpaman, ay ganap na walang kinalaman sa papet na teatro. A. Pieron, na nagbubuod sa kanyang pananaliksik sa Grand Guignol, ay nagtapos na sa kabila ng makasaysayang at pampanitikan na background, ito ay isang ganap na bagong genre: "Theater of extreme situations and transendental emotions"1.

Sinusuri ng seksyong "Atmospheric Drama" ang mga pangunahing batas ng pagbuo ng isang mahusay na pagganap ng guignol. Ginamit ni Max Moret ang nahanap na ng kanyang hinalinhan, ang tagapagtatag ng teatro na si Oscar Métenier, na, bilang dating empleyado ng André Antoine, ay ginabayan ng unang bahagi ng Théâtre Libre. Pinatalas ni Moret ang lahat ng bahagi ng pagtatanghal: ang mga drama ng mas mababang antas ng lipunan ay nagbigay-daan sa mga kuwento ng nakagigimbal na mga krimen ng tao. Ang pagtanggal sa kategorya ng moralidad, ipinakilala ni Moret ang kahulugan ng "drama ng kapaligiran", na nakamit ang isang eksklusibong emosyonal na epekto sa manonood - sa pamamagitan ng pagtaas ng kaguluhan at takot (kasama niya, lumitaw ang isang full-time na doktor sa teatro, na nasa tungkulin. sa panahon ng pagtatanghal - kung sakaling makaramdam ng sakit ang madla). Isinalin niya ang pagiging maikli ng dramatikong anyo sa konsepto ng "timing" (ang dula ay dapat tumagal mula sampu hanggang apatnapung minuto), at ang paghalili ng mga drama at komedya sa "contrast shower" na pamamaraan, na kinakailangan para sa sikolohikal na paglabas at kung saan naging signature style ng Grand Guignol. Sa wakas, sa ilalim ng Moret, ang naturalistic na epekto sa teatro ay umabot sa pinakamataas na antas ng pag-unlad nito: kung si Antoine sa isang pagkakataon ay nabigla sa madla sa pagpapakita ng mga tunay na bangkay ng karne sa entablado, kung gayon ang mga manonood ng Grand Guignol ay maaaring panoorin ang pinaka-makatotohanang pinutol na mga paa, madugong mga sugat. , pinagputul-putol na mga bangkay, mga mukha na binuhusan ng sulfuric acid ... "Mahalagang bigyang-diin," ang isinulat ni Pieron, "na ang mga manonood ng Chaptal cul-de-sac ay bumisita sa teatro para sa kanilang sariling kasiyahan. Lumabas siya doon na nabigla, nasasabik, nag-transform.”2 Gamit ang halimbawa ng ilang mga katangiang facet

1 Pierron A. Préface // Le Grand Guignol: (Le Théâtre des peurs de la Belle époque). P. LXIII.

2 Ibidem. P. LXII.

ng mga dulang Guignol, sinusuri ang estetika ng pagganap at mga paraan ng pag-impluwensya sa manonood.

Ang pangalawang seksyon ng kabanata ay tinatawag na "Contrast shower" - isang kahulugan na ibinigay ng mga kontemporaryo at nagpapakilala sa istilo ng mga paggawa ng teatro. Ang pangunahing karakter sa Grand Guignol ay ang genre mismo, at ang lahat ng mga elemento ng komposisyon ng dula, kabilang ang aktor, dramaturhiya, disenyo ng entablado at mga espesyal na epekto, ay napapailalim sa mekanismo ng pagtaas ng katakutan sa auditorium. Ngunit ang therapeutic effect ay ang sobrang naturalistic na drama ng horror, na umabot sa pinakamataas na tensyon sa finale, ay napalitan ng slapstick comedy na sumunod dito, kung saan ang nakakatakot na epekto ay biglang naging isang sham. Unti-unti, dumarating ang Grand Guignol sa hyperbole, na dinadala ang kapaligiran ng horror at naturalistic na mga diskarte sa punto ng kahangalan; upang madaig ang mga emosyon at sensasyon na ito sa isipan ng manonood sa tulong ng impluwensya sa bingit ng katakutan at pagtawa.

Ang Grand Guignol ay bahagi ng topograpiya at mitolohiya ng Belle Epoque, at naging resulta nito: kasangkot ito sa nakaraang karanasan - ang mga tradisyon ng boulevard melodrama at ang paaralan ng "mahusay na pagkakagawa ng mga dula", ang kabastusan at libangan ng mga katutubo na kultura; modernong mga impluwensya - pinalaki ang mga pamamaraan ng theatrical naturalism, at sa ilang mga lawak simbolismo (ang prinsipyo ng inspiradong aksyon, karamihan sa mga ito ay nangyayari sa isip ng manonood); gumamit ng mga pamamaraan ng teatro ng direktor upang lumikha ng "drama sa atmospera"; isinasaalang-alang ang aesthetics ng silent films. Ang Grand Guignol ay minarkahan ang simula ng pag-aaral ng sikolohiya ng manonood, ang mga posibilidad ng emosyonal na impluwensya sa kanya. Sa wakas, ang Grand Guignol ay tumayo sa pinagmulan ng horror genre, na kalaunan ay naging pag-aari ng industriya ng pelikula.

Ang Konklusyon ay nagbubuod ng mga resulta ng pag-aaral at sinusubaybayan ang mga prospect para sa pag-unlad ng mga artistikong proseso na isinasaalang-alang.

Malinaw na ang mga bagong anyo at genre ng teatro na umusbong sa France sa pagpasok ng ika-19 at ika-20 siglo ay resulta ng reporma sa teatro na nauugnay sa

ang pagbuo ng sining ng pagdidirekta at pagbabago sa diin sa pagganap mula sa aktor patungo sa artistikong integridad ng lahat ng paraan ng pagpapahayag.

Ang impetus para sa eksperimento sa mga alternatibong theatrical form at genre ay ang pagsilang ng kabaret, na, gayunpaman, ay hindi teatro sa sarili nito. Ang Cabaret at director's theater, na halos sabay-sabay na umusbong sa France, ay hindi nag-interact sa isa't isa, dahil umuusbong pa lang sila bilang phenomena at magkaparehas na nabuo. Dagdag pa, nang kumalat sa Alemanya at Russia bilang isang yari na aesthetic na modelo, ang cabaret ay umaakit sa atensyon ng mga propesyonal na direktor at playwright at pinagtibay ng mga ito bilang isang alternatibong palaruan na may sariling mga batas sa entablado.

Ang pag-apela ng mga artista at manunulat ng dula sa pagsisimula ng siglo sa mga tradisyunal na anyo ng papet na teatro, ang aplikasyon ng mga bagong pilosopikal at masining na gawain sa kanila, ay nagsiwalat ng kanilang potensyal sa nilalaman, ang kanilang simbolikong-matalinhagang kalikasan, habang inaalis ang mga regulasyon ng tradisyon at paggawa. ang papet ay isang kasangkapan sa paglikha ng isang masining na imahe, na nagbigay sa teatro ng pagkakataong malayang pagmomodelo.

Sa paglitaw ng "theater of horror", ang pag-aaral ng sikolohiya ng manonood at ang mga posibilidad na maimpluwensyahan siya ay nagsisimula, na kasunod na humahantong sa kababalaghan ng genre ng sinehan.

Ang mga bagong anyo at genre ng teatro na lumitaw sa France sa junction ng mga artistikong kilusan sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo ay nagpapakita ng malapit na pagkakaugnay, interweaving at halatang pagkakapareho ng mga malikhaing paghahanap na nauugnay sa proseso ng pagbuo ng teatro ng direktor at naglalayong muling pag-isipan. ang konsepto ng theatricality. Ang mga pagtuklas na ginawa dito ay higit na naghanda ng aesthetic na batayan para sa theatrical avant-garde ng ika-20 siglo; Kasabay nito, ang mga pundasyon ng kulturang masa ay inilatag dito.

1. Kuzovchikova T.I. "Theater on the side of the road" sa France sa pagliko ng ika-19-20 na siglo // Pang-agham na opinyon. - 2013. - Hindi. 11. - pp. 116-121. (0.3 p.l.)

2. Kuzovchikova T.I. Guignol at "Ubu-King" // University scientific journal = Humanities and Science University Journal. - 2013. - Hindi. 6. (sa produksyon). (0.25 p.l.)

sa iba pang publikasyon:

3. Kuzovchikova T. I. Parisian shadows ng "Black Cat" // Theater of Miracles. - 2010. - Hindi. 1-2. - P. 34-40; No. 3-4. - p. 46-49. (1 p. l.)

4. Kuzovchikova T.I. Montmartre - isang libreng lungsod // Personalidad at kultura. -2010. - Hindi. 5. - p. 98-100. (0.2 p.l.)

5. Kuzovchikova T. I. The Little Puppet Theater of Henri Signoret: ang pagtanggi ng aktor // The Phenomenon of the Actor: Propesyon, Pilosopiya, Aesthetics. Mga pamamaraan ng ikaapat na pang-agham na kumperensya ng mga mag-aaral na nagtapos noong Abril 28, 2010. - St. Petersburg: SPbGATI, 2011. - pp. 118-123. (0.3 p.l.)

6. Kuzovchikova T. I. Mga manika mula sa Vivien Street // Teatron. - 2011. - No. 1. -SA. 38^19. (1 p. l.)

7. Kuzovchikova T.I. Cabaret sa France sa pagtatapos ng ika-19 na siglo bilang isang bagong anyo ng theatricality. Sha Noir // Theatron. - 2012. - No. 2. - p. 82-94. (1 p. l.)

Nilagdaan para sa pag-print ng 01/29/14 Format na 60x841Lb Digital Print. l. 1.15 Circulation 100 Order 07/01 printing

Printing house na "Falcon Print" (197101, St. Petersburg, Bolshaya Pushkarskaya st., 54, opisina 2)