Mga sinehan ng mga bansang nagsasalita ng Ingles. Ang unang teatro ng London
Ang mga pinagmulan ng English theatrical art ay bumalik sa mga sinaunang ritwal na laro na nakaligtas sa mga nayon ng Ingles hanggang sa ika-19 na siglo. Kabilang sa kanilang pinakasikat ay ang "May Games" - mga pagdiriwang ng ritwal bilang paggalang sa pagdating ng tagsibol, na ang mga palaging karakter ay mula noong ika-15 siglo. ay si Robin Hood at ang kanyang mga daredevils. Noong Middle Ages, kumalat sa England ang mga genre ng drama ng simbahan - misteryo at moralidad. Sa mga genre na ito, sa partikular, ang katangian ng Ingles na panlasa para sa katatawanan at matingkad na mga detalye ng buhay ay nagpakita mismo. Kaya, ang pangunahing pigura ng mga dulang moralidad ng Ingles - mga dulang alegoriko sa relihiyon - ay ang prankster na si Sin, isang masayang matakaw at lasenggo, isa sa mga ninuno ng Falstaff ni Shakespeare. Sa panahon ng Renaissance, ang drama ng Renaissance sa Inglatera, hindi katulad ng iba pang mga bansa sa Europa, ay hindi nasira sa mga tradisyon ng medieval. Nang lumitaw sa unang kalahati ng ika-16 na siglo, mabilis itong lumabas mula sa mga paaralan at unibersidad papunta sa entablado ng pampublikong teatro at umasa sa karanasan nito (tingnan ang Medieval theater, Renaissance theater, W. Shakespeare).
Globus Theater. Hitsura.
David Garrick bilang Richard III sa trahedya ni William Shakespeare na may parehong pangalan. Drury Lane Theatre. London. Mula sa isang 18th century na ukit.
Drury Lane. Gusali ng teatro. Mula sa isang 18th century na ukit.
Drury Lane. Auditorium. Mula sa isang 18th century na ukit.
George Bernard Shaw.
Charles Laughton bilang Galileo sa dula ni B. Brecht na “The Life of Galileo.” 1947
Laurence Olivier bilang Richard III sa trahedya ng parehong pangalan ni William Shakespeare.
“The Importance of Being Earnest” ni O. Wilde sa entablado ng Old Vic Theater sa London.
Paul Scofield (kaliwa) bilang Salieri sa dulang “Amadeus” ni P. Schaeffer.
Sa pagtatapos ng ika-16 - simula ng ika-17 siglo. Ang theatrical art ng England ay nakakaranas ng isang panahon ng mabilis na kasaganaan. Sa London, sunod-sunod na lumabas ang mga acting troupes, na naglalaro karaniwang tao una sa mga patyo ng mga hotel, at pagkatapos ay sa mga espesyal na gusali ng teatro, ang una ay itinayo noong 1576 at tinawag na "Theatre". Pagkatapos ay lumitaw ang iba pang mga sinehan na may mga sonorous na pangalan sa kabisera ng Ingles - "Swan", "Fortune", "Nadezhda". Ang mga dula ni William Shakespeare ay itinanghal sa entablado ng sikat na Globe, at ang trahedya na si Richard Burbage (c. 1567–1619) ang naging unang Hamlet, Othello, at Lear sa sining ng mundo.
Si W. Shakespeare ang pinakadakila sa mga English playwright ng Renaissance. Ngunit mali na ituring siyang isang loner genius. Ang kanyang gawain ay nauna sa mga dula ng isang pangkat ng mga manunulat ng dula (J. Lily, R. Green, T. Kyd, C. Marlowe), kung saan ang mga komedya, makasaysayang mga salaysay at trahedya ay pinagsama ang mga ideya ng Renaissance humanism sa mga tradisyon ng katutubong. panoorin. Kasama ni Shakespeare ang master ng social satire na si B. Johnson, ang may-akda ng mga pilosopikal na trahedya na si J. Chapman, at ang mga tagalikha ng mga romantikong tragikomedya na sina F. Beaumont at J. Fletcher. Ang mga nakababatang kapanahon ni Shakespeare ay sina J. Webster, na sumulat ng madugong horror na trahedya, at J. Shirley, ang may-akda ng pang-araw-araw na komedya mula sa buhay sa London.
Noong 20–30s. siglo XVII sining ng pagtatanghal English Renaissance ay pumapasok sa panahon ng krisis, at sa panahon ng burges na rebolusyon, noong 1642, sa pamamagitan ng utos ng parlyamento, ang mga sinehan ay isinara. Ipinagpatuloy nila ang kanilang mga aktibidad pagkatapos lamang ng pagpapanumbalik ng monarkiya, noong 1660. Ngunit ngayon, sa halip na ang bukas na entablado ng square theater, isang entablado na sarado sa tatlong panig ang lumitaw (modelo sa Italyano at Mga teatro sa Pransya), na umiiral pa rin sa teatro.
Sa mga dramatikong genre, ang komedya ay nabuo nang pinakamabunga sa panahon ng pagpapanumbalik ng monarkiya. Ang mga manunulat ng komedya na sina W. Congreve, W. Wycherley, J. Farquer ay lumikha ng mabisang mga gawa, puno ng makikinang, kahit medyo mapang-uyam, talas ng isip. Sa ilalim ng panulat ng mga playwright na ito, umusbong ang isang karaniwang Ingles na genre - "comedies of wits," kung saan ang diyalogo, kabalintunaan at matulin, tulad ng isang palitan ng suntok ng espada, ay nagiging halos mas mahalaga kaysa sa takbo ng balangkas; ito ay nakatakdang ipanganak muli makalipas ang dalawang siglo sa mga gawa ni O. Wilde at B. Shaw.
Ang komedya ay patuloy na naging isa sa mga pangunahing genre sa English drama noong ika-18 siglo, sa panahon ng Enlightenment. Pinagsasama ng The Beggar's Opera (1728) ni John Gay (1685–1732) ang pampanitikan at musikal na parody sa pampulitikang pangungutya. Kasama sa mga naunang gawa ni Henry Fielding (1707–1754) ang mga maaanghang na dulang pampulitika na isinulat noong 1730s. at naglalaman ng pagpuna sa maharlika at pamahalaan (“The Judge in His Own Trap,” “Don Quixote in England,” atbp.). Bilang tugon sa paglitaw ng mga matatapang na akusatoryong komedya na ito, ipinakilala ng mga naghaharing lupon ng Inglatera ang mahigpit na censorship sa teatro. Si G. Fielding ang may-akda ng mga pagsusuri sa pulitika sa anyo ng isang komedya ("Historical calendar for 1736", 1737; etc.). Napakatalino sa anyo, ang mga komedya ni Oliver Goldsmith (1728–1774; “The Night of Errors,” 1773) at Richard Sheridan (1751–1816; “The Rivals,” 1775; “The School of Scandal,” 1777; atbp.) ay nakadirekta laban sa imoralidad ng "mataas" na mundo , ang pagkukunwari ng burges na relasyon, pinagsama ang panlipunang pangungutya sa makatotohanang ningning ng mga karakter.
Ang mga prinsipyo ng classicism (tingnan ang Classicism) ay hindi itinatag sa English stage gravitating patungo sa makatotohanang pagiging tunay. Kabaligtaran sa klasikong trahedya, ang burges na drama nina J. Lillo at J. Moore, na naglalarawan sa buhay ng burges-philistine circles, ay nabuo sa English drama. Ang pagiging totoo ng Enlightenment sa teatro ng Ingles ay umabot sa tugatog nito sa gawain ng aktor na si David Garrick (1717–1779), na hindi lamang namangha sa kanyang mga kontemporaryo sa pananaw at sikolohiya ng kanyang pagganap sa mga tungkulin ni Shakespeare, ngunit nagsagawa rin ng ilang mga reporma sa ang larangan ng pagtatanghal ng pagtatanghal at pag-aayos ng tropa. Itinuring niya ang teatro bilang isang tagapagturo ng lipunan.
Ang ika-19 na siglo ay isang panahon ng paghina ng English drama at ang pagtaas ng English novel. Ang agwat sa pagitan ng antas ng nobela at drama, sa pangkalahatan ay likas XIX panitikan c., sa England ay naging lalong halata. Ang batayan ng repertoire ng pinakamalaking aktor ng Ingles noong ika-19 na siglo. Si E. Kean (tingnan ang Edmund Kean), W. Macready, Ch Kean, E. Terry, G. Irving ang bumuo ng mga dula ni Shakespeare. Noong ika-19 na siglo Sa entablado sa Ingles, nabuo ang isang uri ng pagtatanghal ng Shakespearean, batay sa paggamit ng tumpak na tanawin sa kasaysayan, detalyadong mga eksenang bayan, at maraming teknikal na epekto. Ang mga paggawa ng mga dula ni Shakespeare ni Charles Kean sa Princess Theatre, S. Phelps sa Sadler's Wells Theatre, at G. Irving sa Lyceum Theater ay nagdulot ng paglitaw ng sining ng pagdidirekta. Gayunpaman, kapag on pagliko ng ika-19 na siglo at ika-20 siglo Ang sining ng pagdidirekta ng Ingles ay ipinanganak, una sa lahat ay sinubukan nitong masira ang makasaysayang pang-araw-araw na buhay ng teatro ng huling siglo sa pangalan ng likas na kalikasan sining ng pagtatanghal tula at kumbensyon. Halimbawa, hinangad ng sikat na direktor na si Gordon Craig (1872–1966) na bumuo ng isang pagtatanghal sa teatro bilang isang paggalaw ng mga metapora ng patula na nabuksan sa oras, na nakapaloob sa kulay, liwanag, at pagbabago ng espasyo sa dula.
Si Oscar Wilde (1854–1900) ay mahusay na gumanap sa English drama kasama ang kanyang ironic na mga komedya na kinukutya ang mapagkunwari na kagalang-galang ng mga nakatataas na uri (“Lady Windermere's Fan,” 1892; “An Ideal Husband,” 1895; “The Importance of Being Earnest,” 1899 ), at Bernard Shaw (1856–1950), na ang gawain, na puno ng matatapang na ideya sa lipunan at nakamamatay na anti-burges na kritisismo, ay naging isang dramatikong klasiko ng ating siglo (The Widower's House, 1892; Mrs. Warren's Profession, 1894; Major Barbara , 1905; Pygmalion), 1913;
Sa mga unang dekada ng ika-20 siglo. Sa Inglatera, umuusbong ang isang sistema ng komersyal na teatro, na may bisa pa rin at ganap na nakatuon sa pag-aliw sa burges na publiko. Ngunit ang pinakamabungang mga teatro na pakikipagsapalaran ay naganap sa England sa labas ng komersyal na teatro - sa mga yugto ng repertory theater ng Birmingham, Manchester, sa Shakespeare Memorial Theater sa Stratford-upon-Avon at lalo na sa Old Vic Theater sa London, na nakaranas ng isang malaking rebolusyon noong 1930s. panahon ng mabilis na kaunlaran. Sa mga taong ito, isang buong konstelasyon ng mga aktor ang lumitaw sa entablado ng Old Vic: John Gielgud, Laurence Olivier, Peggy Ashcroft at iba pa. Gumawa sila ng istilo ng entablado na nakabatay sa mga pambansang tradisyon sa sining ng teatro, ngunit sa parehong oras ay ipinahayag ang dramatikong pananaw sa mundo ng mga British na nakaligtas sa mga kakila-kilabot ng Unang Digmaang Pandaigdig (1914–1918). Ang saloobing ito ay pinaka-pare-parehong ipinahayag sa pagganap ni D. Gielgud ng papel ng Hamlet at sa mga larawang nilikha niya sa mga gawa ni Chekhov: Ang mga dula ni A. P. Chekhov, lalo na ang "The Cherry Orchard," ay naging mahalagang bahagi ng repertoire ng teatro ng Ingles.
Noong 30s. Sa Inglatera at sa ibang bansa, ang mga dula ni John Boynton Priestley (1894–1984) ay nakakuha ng katanyagan, na pinagsasama ang talas ng balangkas na may kahulugang paratang sa lipunan ("A Dangerous Turn", "Time and the Conway Family").
Pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang teatro sa Ingles ay nakaranas ng panahon ng krisis. Ang kanyang paraan sa labas ng krisis noong 50s. na nauugnay sa mga aktibidad ng isang grupo ng mga manunulat na Ingles na kilala bilang Angry Young Men. Ipinahayag nila ang kawalang-kasiyahan ng nakababatang henerasyon sa burges na realidad. Kasama sa grupong ito ang mga manunulat ng dulang D. Osborne (“Look Back in Anger,” 1956), S. Delaney (“A Taste of Honey,” 1958) at iba pa. Noong 60–70s. ang mga prinsipyo ng sosyo-sikolohikal na drama ay nagsimulang binuo ni D. Arden (Sayaw ni Sergeant Musgrave, 1961), D. Mercer (Flint, 1970), H. Pinter (The Watchman, 1960; No Man's Land, 1975).
Kasunod ng renewal ng dramaturgy ay dumating ang renewal ng English stage. Dumating bagong yugto kasaysayan ng teatro Shakespeare. Ang dulang "King Lear", na itinanghal ni P. Brooke, kasama si Paul Scofield sa nangungunang papel, ay naghatid ng trahedya at matino na pananaw sa mundo ng modernong sangkatauhan, na nakaranas ng kakila-kilabot na digmaan at pasismo. Ang Chronicles of Shakespeare sa entablado ng Royal Shakespeare Theater (bilang ang Memorial Theater sa Stratford-upon-Avon ay naging kilala mula noong 1961), sa direksyon ni P. Hall, na inilantad ang panlipunang mga ugat ng kasaysayan ng Ingles nang may walang awa na kalinawan.
Noong 60–70s. Isang kilusang teatro ng kabataan na tinatawag na “fringe” (“sideline”) at nauugnay sa paghahanap para sa aktibong sining sa pulitika na direktang kasangkot sa pakikibaka sa lipunan na kumalat sa buong England. Sa loob ng balangkas ng palawit, isang bagong henerasyon ng mga aktor na Ingles ang nabuo, na noon, noong dekada 80, ay dumating sa entablado ng Royal Shakespeare Theater at Pambansang Teatro(nilikha noong 1963). Marahil ang henerasyong ito ay kailangang magsabi ng bagong salita sa English theatrical art.
Kung magkakaroon ka ng pagkakataong bisitahin ang English city ng Stratford, siguraduhing bisitahin ang Royal Shakespeare Theater.
Teatro ng Shakespeare Ang Globe ay isa sa mga pinakalumang sinehan sa England. Ang Globe ay matatagpuan sa timog na pampang ng Thames. Ang katanyagan ng teatro ay dinala, una sa lahat, sa pamamagitan ng unang yugto ng pagtatanghal ng mga gawa ni Shakespeare. Ang gusali ay itinayong muli para sa iba't ibang dahilan ng tatlong beses, na bumubuo sa mayamang kasaysayan ng teatro ni Shakespeare.
Ang paglitaw ng Shakespeare Theater
Ang kasaysayan ng Globe Theater ay itinayo noong 1599, nang sa London, kung saan ang sining ng teatro ay palaging minamahal, ang mga pampublikong gusali ng teatro ay itinayo nang sunud-sunod. Para sa pagtatayo ng bagong arena, ginamit ang mga materyales sa pagtatayo - mga istrukturang kahoy na natitira sa isa pang gusali - ang pinakaunang pampublikong teatro na may lohikal na pangalan na "Theater".
Ang mga may-ari ng orihinal na gusali ng Teatro, ang pamilyang Burbage, ay itinayo ito sa Shoreditch noong 1576, kung saan inupahan nila ang lupain.
Nang tumaas ang upa sa lupa, binuwag nila ang lumang gusali at dinala ang mga materyales sa Thames, kung saan nagtayo sila ng bagong gusali - ang Globe Theatre ni Shakespeare. Ang anumang mga sinehan ay itinayo sa labas ng impluwensya ng munisipalidad ng London, na ipinaliwanag ng mga puritanical na pananaw ng mga awtoridad.
Sa panahon ni Shakespeare nagkaroon ng paglipat mula sa amateur theatrical art tungo sa propesyonal na sining. Lumitaw ang mga kumikilos na tropa, sa una ay nangunguna sa isang pag-iral na gumagala. Naglakbay sila sa mga lungsod at nagpakita ng mga pagtatanghal sa mga perya. Ang mga kinatawan ng aristokrasya ay nagsimulang kumuha ng mga aktor sa ilalim ng kanilang pagtangkilik: tinanggap nila sila sa hanay ng kanilang mga tagapaglingkod.
Nagbigay ito sa mga aktor ng posisyon sa lipunan, kahit na ito ay napakababa. Ang mga tropa ay madalas na pinangalanan batay sa prinsipyong ito, halimbawa, "Mga Lingkod ni Lord Chamberlain." Nang maglaon, nang maluklok si James I, ang mga miyembro lamang ng maharlikang pamilya ang nagsimulang tumangkilik sa mga aktor, at ang mga tropa ay nagsimulang palitan ng pangalan na "His Majesty the King's Men" o iba pang miyembro ng royal family.
Ang tropa ng Globus Theater ay isang pakikipagtulungan ng mga aktor sa pagbabahagi, i.e. nakatanggap ang mga shareholder ng kita mula sa mga bayarin mula sa mga pagtatanghal. Ang magkapatid na Burbage, gayundin si William Shakespeare, ang nangungunang manunulat ng dula sa tropa, at tatlong iba pang aktor ay mga shareholder ng Globe. Ang mga sumusuporta sa aktor at mga tinedyer ay sinuwelduhan sa teatro at hindi nakatanggap ng kita mula sa mga pagtatanghal.
Ang Shakespeare Theater sa London ay hugis octagon. Karaniwan ang Globe auditorium: isang hugis-itlog na plataporma na walang bubong, na napapalibutan ng malaking pader. Nakuha ng arena ang pangalan nito salamat sa estatwa ng Atlas, na sumuporta sa globo, na matatagpuan sa pasukan. Ang bola o globo na ito ay napapalibutan ng isang laso na may sikat pa ring inskripsiyon na " Ang buong mundo ay isang teatro”(literal na pagsasalin - "Ang buong mundo ay kumikilos").
Ang teatro ni Shakespeare ay tumanggap ng 2 hanggang 3 libong manonood. Sa pamamagitan ng sa loob mataas sa dingding ay may mga kahon para sa mga kinatawan ng aristokrasya. Sa itaas ng mga ito ay may isang gallery para sa mayayamang tao. Ang natitira ay matatagpuan sa paligid ng lugar ng entablado, na bumubulusok sa auditorium.
Inaasahang tatayo ang mga manonood sa pagtatanghal. Ang ilang partikular na may pribilehiyo ay direktang nakaupo sa entablado. Ang mga tiket para sa mayayamang tao na gustong magbayad para sa mga upuan sa gallery o sa entablado ay mas mahal kaysa sa mga upuan sa mga stall - sa paligid ng entablado.
Ang entablado ay isang mababang plataporma na nakataas ng halos isang metro. May isang hatch sa entablado na humahantong sa ilalim ng entablado, kung saan lumitaw ang mga multo habang umuusad ang aksyon. Sa mismong entablado ay bihirang-bihira ang anumang kasangkapan at walang mga dekorasyon. Walang kurtina sa stage.
May balkonahe sa itaas ng likod na entablado, kung saan ang mga karakter na lumilitaw sa kastilyo sa dula. May isang uri ng plataporma sa itaas na entablado, kung saan naganap din ang mga aksyon sa entablado.
Ang mas mataas pa ay isang parang kubo na istraktura kung saan pinalabas ang mga eksena sa labas ng bintana. Nakakatuwang nang magsimula ang pagtatanghal sa Globe, may nakasabit na watawat sa bubong ng kubo na ito, na kitang-kita ang napakalayo at hudyat na may pagtatanghal na nagaganap sa teatro.
Ang kahirapan at tiyak na asetisismo ng arena ay nagpasiya na ang pinakamahalagang bagay na nangyayari sa entablado ay ang pag-arte at ang kapangyarihan ng drama. Walang mga props para sa isang mas kumpletong pag-unawa sa aksyon;
Ang isang kapansin-pansin na katotohanan ay ang mga manonood sa mga stall sa panahon ng pagtatanghal ay madalas na kumakain ng mga mani o dalandan, na kinumpirma ng mga archaeological na natuklasan sa panahon ng mga paghuhukay. Malakas na mapag-usapan ng mga manonood ang ilang sandali sa pagtatanghal at hindi itago ang kanilang mga emosyon mula sa aksyon na kanilang nakita.
Inalis din ng mga manonood ang kanilang mga pangangailangan sa physiological sa mismong bulwagan, kaya ang kawalan ng bubong ay isang uri ng kaligtasan para sa pakiramdam ng amoy ng mga mahilig sa teatro. Samakatuwid, halos naiisip namin ang mabigat na bahagi ng mga playwright at aktor na nagbibigay ng mga pagtatanghal. 
Sunog
Noong Hulyo 1613, sa panahon ng premiere ng dula ni Shakespeare na Henry VIII tungkol sa buhay ng monarko, nasunog ang gusali ng Globe, ngunit hindi nasugatan ang mga manonood at ang tropa. Ayon sa script, magpapaputok sana ang isa sa mga kanyon, ngunit may nangyaring mali, at nasunog ang mga istrukturang kahoy at pawid na bubong sa itaas ng entablado.
Ang pagtatapos ng orihinal na gusali ng Globe ay nagmarka ng pagbabago sa mga pampanitikan at teatro na bilog: Huminto si Shakespeare sa pagsusulat ng mga dula sa panahong ito.
Pagpapanumbalik ng teatro pagkatapos ng sunog
Noong 1614, ang gusali ng arena ay naibalik, at bato ang ginamit sa pagtatayo. Ang bubong sa ibabaw ng entablado ay pinalitan ng baldosado. Nagpatuloy ang paglalaro ng theater troupe hanggang sa pagsasara ng Globe noong 1642. Pagkatapos ay naglabas ang gobyerno ng Puritan at Cromwell ng isang utos na ipinagbabawal ang lahat ng pagtatanghal sa libangan, kabilang ang mga teatro. Ang Globe, tulad ng lahat ng mga sinehan, ay nagsara.
Noong 1644, ang gusali ng teatro ay giniba at ang mga gusali ng apartment ay itinayo sa lugar nito. Ang kasaysayan ng Globe ay nagambala sa halos 300 taon.
Ang eksaktong lokasyon ng unang Globe sa London ay hindi alam hanggang 1989, nang ang mga pundasyon nito ay natagpuan sa Park Street sa ilalim ng isang paradahan ng kotse. Nakamarka na ngayon ang outline nito sa ibabaw ng parking lot. Maaaring may iba pang mga labi ng "Globe" doon, ngunit ngayon ang zone na ito ay kasama sa listahan ng mga makasaysayang halaga at, samakatuwid, ang mga paghuhukay ay hindi maaaring isagawa doon.
Yugto ng Globe Theater
Ang paglitaw ng modernong teatro ng Shakespearean
Ang modernong muling pagtatayo ng gusali ng Globe Theater ay iminungkahi hindi ng British, na nakakagulat, ngunit ng American director, aktor at producer na si Sam Wanamaker. Noong 1970, inayos niya ang Globus Trust Fund, na nilayon upang maibalik ang teatro at buksan sentrong pang-edukasyon at isang permanenteng eksibisyon.
Si Wanamaker mismo ay namatay noong 1993, ngunit ang pagbubukas ay naganap pa rin noong 1997 sa ilalim ng modernong pangalan ng Shakespeare's Globe Theatre. Matatagpuan ang gusaling ito 200-300 metro mula sa dating lokasyon ng Globe. Ang gusali ay muling itinayo alinsunod sa mga tradisyon noong panahong iyon, at ito ang unang gusaling pinahintulutang itayo na may pawid na bubong pagkatapos ng Great Fire of London noong 1666.
Ang mga pagtatanghal ay ginaganap lamang sa tagsibol at tag-araw, dahil... ang gusali ay itinayo nang walang bubong. Noong 1995 ang una artistikong direktor naging Mark Rylance, na pinalitan noong 2006 ni Dominic Dromgoole.
Ang mga paglilibot sa modernong teatro ay nagaganap araw-araw. Kamakailan lamang, binuksan ang isang theme park-museum na ganap na nakatuon kay Shakespeare sa tabi ng Globe. Bilang karagdagan sa katotohanan na makikita mo doon ang pinakamalaking eksibisyon na nakatuon sa sikat na manunulat sa mundo, maaari kang makilahok sa mga kaganapan sa libangan: manood ng labanan ng espada, magsulat ng soneto o makibahagi sa paggawa ng isa sa mga dula ni Shakespeare.
English theater
Ang teatro ng Ingles noong ika-18 siglo ay may kapansin-pansing papel sa kasaysayan ng pag-unlad ng lahat teatro sa Europa. Siya ay hindi lamang naging tagapagtatag ng Enlightenment dramaturgy, ngunit gumawa din ng isang makabuluhang kontribusyon dito. Sa kabila nito, ang trahedya sa English theater of the Enlightenment ay napalitan ng bago dramatikong genre- isang burges na drama, o, kung tawagin din, isang burges na trahedya. Ito ay sa England na lumitaw ang mga unang halimbawa ng burges na drama, na kalaunan ay tumagos sa mga sinehan ng Germany, France at Italy. Hindi huling lugar Kasama rin sa repertoire ang komedya. Ang anyo at nilalaman nito ay nabago sa pinaka-radikal na paraan mula noong Renaissance.
Ang paglipat mula sa teatro ng Renaissance patungo sa teatro ng Enlightenment ay mahaba, magulong at medyo masakit. Ang Renaissance Theater ay unti-unting naglaho, ngunit hindi nila ito hinayaang mamatay ng natural na kamatayan. Ang huling dagok sa kanya ay ginawa ng natapos na rebolusyong Puritan. Ang mga sinaunang tradisyon nito ng tinatawag na mahigpit na buhay ay ganap na angkop sa modernong kapaligiran. Ang Inglatera, na kamakailan ay maliwanag, makulay at puno ng buhay, ay naging relihiyoso, relihiyoso at nakasuot ng madilim na kulay na uniporme. Walang lugar para sa teatro sa gayong buhay. Ang lahat ng mga sinehan ay sarado at ilang sandali pa ay nasunog.
Noong 1688-1689, naganap ang tinatawag na Glorious Revolution sa England. Pagkatapos nito, isang transisyon ang naganap sa pag-unlad ng teatro mula sa Renaissance hanggang sa Enlightenment. Ang mga Stuart, na bumalik sa kapangyarihan, ay naibalik ang teatro, na may makabuluhang pagkakaiba mula sa teatro ng nakaraang panahon.
Ang panahon ng Pagpapanumbalik ay nanatili sa kasaysayan ng Inglatera bilang isang panahon ng pagpapababa ng halaga ng lahat ng mga pagpapahalagang moral at etikal. Ang mga aristokrata, nang nasamsam ang kapangyarihan at lahat ng bagay na nauugnay dito, ay nagpakasawa sa ganap na pagsasaya. Ito ay medyo natural na ang teatro ay sumasalamin sa bagong estado ng moral. Ang mga bayani ng mga dula na isinagawa sa entablado ay hindi pinahintulutan ng isang bagay: na maging kahit papaano ay katulad ng mga kinasusuklaman na Puritans.
Habang humihina ang rehimeng Pagpapanumbalik, ang posisyon ng mga manunulat ng dula ay nagsimulang magbago nang malaki. Nagsimulang lumitaw sa kanilang mga gawa ang mga elemento ng burges na drama at satirikong paglalarawan ng kanilang mga kapanahon. Ang pinagmulan ng komiks ay yaong mga paglihis sa pamantayan ng tao na umiral sa lipunan.
Ang nagtatag ng pang-edukasyon na komedya ay si William Congreve. Siya ay naging tanyag pagkatapos isulat ang kanyang unang komedya, "The Old Bachelor" (1692).
kanin. 45. George Farquer
Si George Farquer (1678-1707) ay tumayo nang mas malapit sa Enlightenment ( kanin. 45). Sinimulan niya ang kanyang trabaho sa pamamagitan ng pagsusulat ng mga dula na naaayon sa komedya ng Panunumbalik. Ngunit pagkatapos ay nagkaroon ng turn sa kanyang trabaho patungo sa pampulitika at panlipunang pangungutya.
Ang komedya ni Farquer na The Recruiting Officer (1706) ay pinuna ang mga paraan ng pag-recruit ng mga sundalo para sa hukbong Ingles. Ang komedya na "The Cunning Plan of the Fops" (1707) ay ang resulta ng buong pag-unlad ng komedya ng mga kaugalian noong ika-17 siglo. Ang playwright ay nagpinta ng mga kawili-wili at makatotohanang mga larawan moral ng probinsya na ang kanyang komedya ang pinagmulan ng realismo noong ika-18 siglo, at ang mga pangalan ng maraming tauhan ay naging mga pangalan ng sambahayan.
Noong unang bahagi ng 1730s, lumitaw ang isang genre na tinatawag na burges na drama. Ang hitsura nito ay naging isang malakas na suntok sa class aesthetics ng mga genre. Ang mga ordinaryong tao ay nagsimulang sakupin ang yugto ng teatro. Maya-maya pa ay naging nag-iisang may-ari siya nito. Ang pagtatatag ng burges na trahedya sa entablado ay nakatulong sa nakamamanghang tagumpay ng dula ni George Lillo (1693-1739) "The Merchant of London, or the Story of George Barnwell" (1731). Ang isa pang dula ni Lillo, isang trahedya sa taludtod, ay naging bagay na dapat tularan. Nakamamatay na kuryusidad"(1736). Minsan ay malapit na siyang magpakita ng krimen sa kanyang mga gawa bilang pamantayan ng burges na lipunan. Ngunit ang idealizing tendency ay lumampas sa critical tendency. Ang walang katapusang mga sermon ng huwarang banal na mangangalakal na si Thorogood sa The Merchant of London at ang tawag na pasanin ang krus ng isang tao nang walang reklamo, kung saan nagtatapos ang Fatal Curiosity, ay nagbibigay sa mga paglalaro ni Lillo ng medyo banal na tono. Siyempre, nilapitan ng manunulat ng dula ang “maliit na lalaki,” ngunit para lamang balaan siya laban sa masasamang pag-iisip at pagkilos.
Mahigit dalawampung taon pagkatapos ng pagsulat ng The Merchant of London, isa pang sikat na burges na trahedya ang nilikha sa England - The Gambler (1753). Ang may-akda nito ay si Edward Moore (1712-1757). Ang dulang ito ay may maraming dramatikong merito, ngunit nakilala lamang sa pamamagitan ng kamangha-manghang kakitiran ng panlipunang abot-tanaw nito. Itinakda ng may-akda ang kanyang sarili ang tanging layunin - upang ilayo ang kanyang mga kontemporaryo mula sa mapanirang pagkahilig sa mga laro ng baraha. Ang kasunod na panlipunang kritisismo sa entablado ay nauugnay sa unang kalahati ng ika-18 siglo sa mga pangalan ng iba pang mga manunulat ng dula.
Ang pinaka-radikal na pag-iisip na bahagi ng mga manunulat na Ingles ay nakita sa mga bisyo ng tao hindi lamang ang pamana ng nakaraan, kundi pati na rin ang resulta ng isang bagong pagkakasunud-sunod ng mga bagay. Ang kinikilalang pinuno ng kalakaran na ito ay ang mahusay na Ingles na satirist na si Jonathan Swift, at ang kanyang pinakamatapat na tagasunod sa teatro ay si John Gay (1685-1732) (Larawan 46) at Henry Fielding (1707-1754).
kanin. 46. John Gay
Noong ika-18 siglo, nagsimulang umunlad ang maliliit na genre sa teatro ng Ingles. Ang Pantomime, ballad opera at rehearsal ay lubhang popular. Ang huling dalawang genre ay nagpahayag ng pinaka-kritikal na saloobin sa mga kasalukuyang order.
Ang kasagsagan ng ballad opera, at sa katunayan ang kritikal na kilusan na nauugnay sa mga menor de edad na genre, ay nagsimula sa paggawa ng The Beggar's Opera ni John Gay noong 1728. Ang pagtatanghal ay isang nakamamanghang tagumpay. Ang mga liriko ng mga kanta mula sa dula ay isinabit sa mga bintana ng tindahan, isinulat sa mga tagahanga, at inaawit sa mga lansangan. May isang kilalang kaso nang ipinaglaban ng dalawang aktres ang karapatan na gampanan ang papel ni Polly Peachum. Sa pasukan sa teatro, sa loob ng higit sa dalawang buwan na magkakasunod, nagkaroon ng tunay na pandemonium, araw-araw.
Si Henry Fielding ay isa ring napakatanyag na manunulat ng dula sa 1730s. Sumulat siya ng 25 dula. Kabilang sa mga ito ang mga akdang gaya ng “The Judge in the Trap” (1730), “The Grub Street Opera, or Under the Wife's Shoe” (1731), “Don Quixote in England” (1734), “Pasquin” (1736) at "Makasaysayang kalendaryo para sa 1736" (1737).
Mula noong 1760s, ang mga kritikal na uso ay lalong tumagos sa lugar ng tinatawag na tamang komedya. Sa unang pagkakataon mula noong Congreve at Farquer, muling nililikha ang isang ganap na makatotohanang komedya ng asal. Simula noon, ang sentimental na komedya ay inihambing sa masasayang komedya.
Ang terminong ito ay nilikha ni Oliver Goldsmith (1728-1774). Siya ang may-akda ng treatise na "An Essay on the Theater, or a Comparison of Merry and Sentimental Comedy" (1772) at dalawang komedya: "The Good One" (1768) at "The Night of Errors" (1773).
kanin. 47. Richard Brinsley Sheridan
Ang paaralan ng masayang komedya ay paunang natukoy ang pagdating ng pinakadakilang English playwright noong ika-18 siglo - Richard Brinsley Sheridan (1751-1816) ( kanin. 47). Sa edad na 24 ay idinirehe niya ang kanyang unang komedya, The Rivals (1775). Sinundan ito ng ilang higit pang mga dula, kabilang ang "Duenna" (1775). Noong 1777, nilikha ni Sheridan ang kanyang sikat na dula, The School for Scandal. Pagkalipas ng dalawang taon, ang kanyang huling komedya, The Critic, ay inilabas. Ang lahat ng trabaho ni Sheridan bilang isang komedyante ay umaangkop sa wala pang 5 taon. Pagkalipas lamang ng 20 taon, bumalik siya sa drama at isinulat ang trahedya na "Pizarro" (1799). Mula noong panahon ng Pagpapanumbalik, ang mga sining sa pagtatanghal ng Ingles ay nahilig sa klasisismo. Ang una, ngunit napaka mapagpasyang hakbang patungo sa realismo ay ginawa ni Charles Maclean (1699-1797). Isa siyang komiks character actor. Noong 1741, natanggap niya ang papel na Shylock (sa oras na iyon ang papel na ito ay itinuturing na komiks). Ngunit ginampanan ni Maclean ang papel na ito bilang trahedya. Ito ay naging isang malaking aesthetic na pagtuklas, na lumampas sa interpretasyon ng isang solong papel. Napagtanto ni MacLean na dumating na ang oras para sa pagiging totoo, at nakita niya ang marami sa mga tampok nito.
Sa larangan ng sining ng pagtatanghal, ang mga aktibidad ni David Garrick (1717-1779) ay napakahalaga. Si Garrick ay estudyante ni Maclean, ngunit isang tunay na magaling na estudyante. Si David ay anak ng isang opisyal, Pranses ayon sa nasyonalidad, at isang babaeng Irish. Gustung-gusto ng kanyang pamilya ang teatro, ngunit ang kanilang anak ay inihahanda para sa ibang karera - ang karera ng isang abogado. Gayunpaman, si Garrick ay naging isang pabaya na estudyante. Noong tagsibol ng 1741, salamat sa isang masayang aksidente, napunta siya sa entablado ng Goodman's Fields Theater. Pagkatapos nito, nakibahagi siya sa mga paglilibot kasama ang tropa na ito, kung saan ginamit niya ang payo ni Maclean, at noong Oktubre ay mahusay niyang ginampanan ang papel ni Richard III, na naging tanyag sa kanya ( kanin. 48).
kanin. 48. David Garrick bilang Richard III
Noong 1747, binili ni Garrick ang Drury Lane Theatre, na pinamunuan niya ng halos 30 taon. Sa lahat ng mga taon na ito siya ay isang sentral na pigura sa theatrical London. Sa kanyang teatro siya nakolekta pinakamahusay na aktor kabisera ng Ingles. Sa kabila ng katotohanan na ang lahat ng mga aktor ay nagmula sa iba't ibang mga sinehan, nagawa ni Garrick na lumikha ng isang solong tropa. Binigyan niya ng malaking kahalagahan ang mga ensayo, kung saan masigasig niyang tinanggal ang declamation, nakamit ang pagiging natural sa pag-arte ng mga aktor at maingat na natapos ang papel. Ang mga character na nilikha ay kailangang maging maraming nalalaman hangga't maaari. Ang rehearsals ni Garrick ay maraming oras at kung minsan ay masakit para sa mga aktor, ngunit ang mga resulta ay napakaganda.
Malaki ang kahalagahan ng magkakaibang gawaing pag-arte at pagdidirek ni Garrick, na ibinaon ang sarili sa larangan ng trahedya at komedya. Nanatili siya sa kasaysayan ng teatro ng Ingles bilang pinakadakilang kinatawan nito.
Mula sa aklat na Popular History of Theater may-akda Galperina Galina AnatolevnaEnglish theater Ang English Renaissance Theater ay isinilang at binuo noong square square, na nagpasiya sa pambansang British na lasa at demokrasya nito. Ang pinakasikat na genre sa mga pampublikong entablado ay ang mga dula sa moralidad at mga komedya. Sa panahon ng paghahari ni Elizabeth
Mula sa aklat na Japan: Language and Culture may-akda Alpatov Vladmir MikhailovichTeatro ng Ingles Ang teatro ng Ingles noong ika-18 siglo ay gumaganap ng isang kapansin-pansing papel sa kasaysayan ng pag-unlad ng buong teatro sa Europa. Hindi lamang siya naging tagapagtatag ng Enlightenment dramaturgy, ngunit gumawa din ng makabuluhang kontribusyon dito. Sa kabila nito, trahedya sa English theater of the Enlightenment
Mula sa aklat na Category of Politeness and Communication Style may-akda Larina Tatyana ViktorovnaKabanata 6 MGA HIRAM NA INGLES AT ANG WIKANG INGLES SA JAPAN Pangunahing sinusuri ng kabanata ang mga isyu na may kaugnayan sa kultural na pag-aaway sa pagitan ng mga wikang Hapon at Ingles. Sa ngayon, ang kulturang popular ng Amerika ay lalong nangingibabaw sa mundo, at ang pagkalat nito
Mula sa aklat na The Book of the Samurai ni Daidoji Yuzan Mula sa aklat na Tale of Prose. Pagninilay at pagsusuri may-akda Shklovsky Viktor Borisovich Mula sa aklat na Fates of Fashion may-akda Vasiliev, (kritiko ng sining) Alexander Alexandrovich Mula sa aklat na Daily Life of Moscow Sovereigns in the 17th Century may-akda Chernaya Lyudmila AlekseevnaIntroduksyon ng Tagasalin sa Ingles Ang mga makasaysayang dokumento na nagpapaliwanag sa mga pangunahing konsepto na nauugnay sa bushido (ang konsepto ng "bushido", tulad ng "samurai", ay pumasok sa mga wikang Kanluranin bilang isang loanword na nangangahulugang "ang pambansa, lalo na ang militar, espiritu ng Japan; tradisyonal
Mula sa aklat na Mga Address ng Moscow ni Leo Tolstoy. Sa ika-200 anibersaryo ng Digmaang Patriotiko noong 1812 may-akdaEnglish classic novel Tungkol sa kung paano ginamit ni Fielding ang pagkilala para sa matagumpay na kinalabasan ng kanyang nobela. Paano naiiba ang pagkilalang ito sa pagkilala sa sinaunang drama ang mga tao sa mundo ay hindi pantay-pantay - ang iba ay mayaman, ang iba ay mahirap, lahat ay nasanay na. Ito ay umiral sa
Mula sa aklat na Moscow sa ilalim ng Romanovs. Sa ika-400 anibersaryo royal dynasty Mga Romanov may-akda Vaskin Alexander AnatolievichEnglish melange Una akong nakarating sa London noong 1983. Pagkatapos ay gumala ang mga nakamamanghang punk sa King's Road sa Chelsea, ang mga dahon ng taglagas na may halong ulan ay kumanta ng isang bagay mula kay Britten sa amin, ang mga double-decker na pulang bus ay umalingawngaw sa pula ng klasikong mapurol na telepono
Mula sa libro Mga katutubong tradisyon Tsina may-akda Martyanova Lyudmila MikhailovnaTeatro Ang unang teatro sa korte, na umiral noong 1672–1676, ay tinukoy mismo ni Tsar Alexei Mikhailovich at ng kanyang mga kontemporaryo bilang isang uri ng panibagong "katuwaan" at "kalamigan" sa imahe at pagkakahawig ng mga teatro ng mga monarch sa Europa. Ang teatro sa palasyo ng hari ay hindi agad lumitaw. mga Ruso
Kagawaran ng Edukasyon ng Lungsod ng Pamamahala ng Polysayevo
Sentro ng impormasyon at pamamaraan
Institusyong pang-edukasyon sa munisipyo
"Secondary school No. 35"
Kasaysayan ng teatro sa Great Britain
Proyekto ng pananaliksik
Polysayevo 2007
Kagawaran ng Edukasyon ng Lungsod ng Pamamahala ng Polysayevo
Sentro ng impormasyon at pamamaraan
Institusyong pang-edukasyon sa munisipyo
"Secondary school No. 35"
Kasaysayan ng teatro sa Great Britain
Daria Putintseva,
Ang iminungkahing papel sa pananaliksik ay naglalarawan sa kasaysayan ng teatro sa Great Britain. Ang proyekto ng pananaliksik ay nagpapakilala sa teatro ng Ingles mula sa Middle Ages hanggang sa kasalukuyan, ang mga direksyon at uso nito. Sinusubaybayan ng gawain ang pagbuo at pag-unlad ng mga pangunahing uso sa teatro, ang pagka-orihinal ng pakikibaka sa teatro sa iba't ibang yugto makasaysayang pag-unlad. Ang espesyal na pansin ay binabayaran sa isyu ng pambansang mga detalye ng teatro sa Ingles.
Kasaysayan ng teatro sa Great Britain: gawaing pananaliksik / . – Polysayevo: Information and Methodological Center, 2007.
Paliwanag na tala
Layunin ng gawain: pamilyar sa kultura ng wikang banyaga.
Mga Layunin ng Trabaho: pagpapalawak ng kaalaman sa kultura ng Great Britain.
Ang teatro sa Ingles ay isang mahalagang bahagi ng kultura ng mundo. Ang pinakamahusay na mga tradisyon ng pambansa Ingles na sining pinayaman ang proseso ng teatro sa mundo. Ang gawain ng Ingles na mga aktor, direktor at manunulat ng dula ay nanalo ng pag-ibig at pagkilala na malayo sa mga hangganan ng England.
Ang gawain ng mga aktor, direktor, at manunulat ng dula mula sa Great Britain ay matagal nang tinatamasa ang pagkilala at pagmamahal sa Russia.
Ang kasaysayan ng teatro ay matagal nang nauugnay sa kasaysayan ng sangkatauhan. Mula sa paunang pahina ng kasaysayan na iyon, tulad ng pag-alala ng sangkatauhan sa sarili, naaalala din nito ang teatro, na naging walang hanggang kasama nito.
Mahal mo ba ang teatro gaya ng pagmamahal ko dito? – ang aming dakilang kababayan na si Vissarion Belinsky ay nagtanong sa kanyang mga kontemporaryo, lubos na kumbinsido na ang isang tao ay hindi maaaring makatulong ngunit mahalin ang teatro.
Mahilig ka ba sa teatro? Mahigit 20 siglo na ang nakalilipas, ang mga dakilang ama ng sinaunang teatro na sina Aeschylus at Sophocles, Euripides at Aristophanes ay maaaring magtanong ng parehong tanong sa kanilang mga manonood na pumuno sa mga bangkong bato ng malalaking open-air amphitheater ng Hellas.
Ang pagsunod sa kanila, na sa ibang mga siglo, iba pa mga makasaysayang panahon, Shakespeare at Ben Jonson sa England ay maaaring gumawa ng katulad na apela sa kanilang mga kontemporaryo. At silang lahat, na tinanong ang mga tao sa kanilang panahon: "Gusto mo ba ang teatro?" - magkakaroon ng karapatang umasa sa isang sang-ayon na sagot.
Ang Ingles na teatro, panitikan, musika ay isang mahalagang bahagi ng kultura ng mundo. Ang pinakamahusay na mga tradisyon ng kultura ng Ingles ay nagpayaman sa mundo prosesong pangkultura, nanalo ng pag-ibig at pagkilala na malayo sa mga hangganan ng England.
Ang gawain ng mga English playwright ay matagal nang nasiyahan sa pagkilala at pagmamahal sa Russia. Ang pinakadakilang aktor ng teatro ng Russia ay naglaro sa mga trahedya ni Shakespeare.
Ang mga sumusunod na pangunahing panahon ay nakikilala sa kasaysayan ng kulturang Ingles: ang Middle Ages, ang Renaissance, ang ika-17 siglo, ang ika-18 siglo (ang Edad ng Enlightenment), ang ika-19 na siglo (Romanticism, kritikal na pagiging totoo), ang panahon ng pagtatapos ng ika-19 na siglo - simula ng ika-20 siglo (1871 - 1917) at ika-20 siglo, kung saan ang dalawang panahon ay nakikilala: 1917 - 1945. at 1945–kasalukuyan.
Naunang Middle Ages ( V – XI siglo)
Noong ika-6 na siglo BC, ang British Isles ay sumailalim sa mga pagsalakay ng Celtic. Noong ika-1 siglo AD, ang Britanya ay nasakop ng mga Romano. Ang pamumuno ng Imperyong Romano ay nagpatuloy hanggang sa ika-5 siglo, nang ang mga Anglo-Saxon at Jutes ay sumalakay sa Britanya. Dinala ng mga tribong Anglo-Saxon ang kanilang wika, kultura, at paraan ng pamumuhay sa British Isles.
Ang kasaysayan ng medyebal na teatro ay ang kasaysayan ng pakikibaka sa pagitan ng idealistic, relihiyosong pananaw sa buhay at makatotohanang pananaw sa mundo ng mga tao.
Sa loob ng maraming siglo, sa buhay ng mga tao ng pyudal na Europa, ang mga tradisyon ng paganong ritwal na mga pagdiriwang na naglalaman ng mga elemento ng teatro ay napanatili: ang pag-aaway ng Taglamig at Tag-init, ang Mga Laro sa Mayo, kung saan ang mga eksena ay ginanap kasama ang pakikilahok ng Hari at Reyna ng Mayo, atbp. atbp. Ang mga tropa ay naglibot sa Europa katutubong libangan - histrion. Alam nila kung paano gawin ang lahat: kumanta, sumayaw, salamangkahin, kumilos. Sa pamamagitan ng pagtatanghal ng mga eksena sa komiks, madalas ay hindi lamang nila binibiro ang mga manonood, kundi pinagtatawanan din ang mga nang-aapi at nang-aapi sa mga ordinaryong tao. Samakatuwid, ipinagbawal ng simbahan ang mga larong ritwal at inusig ang mga kasaysayan, ngunit walang kapangyarihang sirain ang pagmamahal ng mga tao sa mga palabas sa teatro.
Sa pagsisikap na gawing mas epektibo ang paglilingkod sa simbahan, ang liturhiya, ang mga klero mismo ay nagsimulang gumamit ng mga pormang teatro. Ang unang genre ng medyebal na teatro ay lumitaw - liturgical drama (IX-XIII na siglo). Sa panahon ng liturhiya, isinadula ng mga pari ang mga kuwento mula sa Banal na Kasulatan. Sa paglipas ng panahon, ang mga pagtatanghal ng mga liturgical drama ay inililipat mula sa templo patungo sa balkonahe at bakuran ng simbahan.
XI – XV siglo
Noong ika-11 siglo, ang British Isles ay nasakop ng mga Norman. Nag-ambag ito impluwensyang Pranses sa kultural na buhay mga bansa.
Noong XIII-XIV siglo. isang bagong genre ng medieval theatrical performance ang lilitaw – miraculus ("himala"). Ang mga balangkas ng mga himala ay hiniram mula sa mga alamat tungkol sa mga santo at Birheng Maria.
Ang tuktok ng isang medyebal na teatro – misteryo . Ito ay nabuo sa XIV-XV na mga siglo, sa panahon ng kasagsagan ng mga medieval na lungsod. Ang mga misteryong dula ay nilalaro sa mga plaza ng lungsod. Ang pagtatanghal ng misteryo ay napakalaking - at sa mga tuntunin ng bilang ng mga kalahok, Allegory "href="/text/category/allegoriya/" rel="bookmark">allegorical. Ang mga tauhan sa moralidad ay karaniwang nagpapakilala sa iba't ibang katangian ng tao, kanyang mga bisyo at kabutihan.
Ang bayani ng kwentong moralidad ay isang tao sa pangkalahatan. Ang "Every Man" ay ang pamagat ng isang English morality play noong huling bahagi ng ika-15 siglo. Sa dulang ito, nagpakita ang Kamatayan sa bawat tao at tinawag siya sa isang "mahabang paglalakbay," na nagpapahintulot sa kanya na isama ang sinumang kasama niya. Ang lalaki ay bumaling sa Pagkakaibigan, Pagkamag-anak, Kayamanan, ngunit tinanggihan sa lahat ng dako. Ang Lakas, Kagandahan, Dahilan, Limang Senses ay pumayag na samahan ang isang tao, ngunit sa gilid ng libingan ay iniwan siya ng lahat. Tanging ang Mabuting Gawa lamang ang kasama niyang tumalon sa libingan. Ang moral na panitikan ay inabandona ang mga paksa sa Bibliya, ngunit pinanatili ang relihiyosong pagpapatibay.
Farce - ang unang genre ng medyebal na teatro na nasira sa relihiyosong moralidad. Ang Farce, isang nakakatawa at satirical na genre, ay kinutya ang panlipunan, pampulitika, at moral na mga konsepto ng pyudal na lipunan. Ang komedya ay nagtatampok ng mga hangal na kabalyero, sakim na mangangalakal, at masasamang monghe. Pero tunay na bayani genre na ito, ang lahat ng mga hindi masyadong disente, ngunit palaging nakakatawa, farcical plots - isang masayang rogue mula sa mga karaniwang tao. Sa isang komedya, tama ang nangungulit sa lahat.
Ang karanasan ng mga nakakatawang pagtatanghal ay malawakang ginamit ng teatro ng mga sumunod na panahon. Ang mga komedya ni Shakespeare ay pinagtibay hindi lamang ang mga slapstick na pamamaraan ng komedya, kundi pati na rin ang diwa ng popular na freethinking na pumupuno dito.
Renaissance
Noong ika-15 - ika-16 na siglo, sa mga bansang Europeo, "ang pinakadakilang progresibong rebolusyon ng lahat ng naranasan ng sangkatauhan hanggang sa panahong iyon" ay naganap - ang paglipat mula sa pyudal na Middle Ages hanggang sa modernong panahon, na minarkahan ng unang panahon ng pag-unlad ng kapitalismo. Ang transisyonal na panahon na ito ay tinawag na Renaissance, o Renaissance.
Ito ang panahon ng paglitaw bagong kultura, pagsira sa mga relihiyosong dogma, isang panahon ng mabilis na pag-unlad ng sining at panitikan, na muling binubuhay ang mga mithiin ng unang panahon. Ang magagandang pagkakataon para sa aktibong malikhaing aktibidad ay nagbubukas sa harap ng isang tao. Sa panahong ito, nagaganap ang pagbuo ng pambansang kultura.
Ang ika-16 na siglo sa England ay ang kasagsagan ng drama. Ang Ingles na teatro ay tumugon sa mga interes ng mga tao at napakapopular sa isang kapaligiran ng pambansang pagtaas. Sa pagtatapos ng ika-16 na siglo mayroong humigit-kumulang dalawampung mga sinehan sa London; Kabilang sa mga ito, ang James Burbage Theater at ang Philip Henslowe Theater ay lalong sikat. Pag-unlad kultura ng teatro Hindi ito napunta nang walang mga paghihirap; ang pangunahing hadlang ay ang mga aksyon ng mga Puritans, na itinuturing na ang teatro ay isang "demonyo" na gawain.
Kasama sa mga manunulat ng dula noon sina Robert Greene, Thomas Kyd, Christopher Marlowe at iba pa.
Ang mga dula nina Beaumont (1584 - 1616) at Fletcher (1579 - 1625) ay nagpapakilala ng ibang panahon sa kasaysayan ng teatro sa Ingles. Sinikap nilang gawing aristokrata ang teatro at magdala ng isang tiyak na pagiging sopistikado at disente sa mga pagtatanghal sa entablado. Ang mga marangal, monarkiya na ideya ay naging paksa ng teatro nina Beaumont at Fletcher espesyal na atensyon. Ang mga panawagan para sa walang pag-iimbot na paglilingkod sa hari ay patuloy na naririnig mula sa entablado.
William Shakespeare
Ang teatro ng English Renaissance ay may utang na loob nito, una sa lahat, kay William Shakespeare. Ang dramaturhiya ni Shakespeare ay ang resulta ng lahat ng nakaraang pag-unlad ng drama, ang tugatog ng teatro.
"Isinilang ang trahedya sa parisukat," isinulat niya, na tumutukoy sa malayong pinagmulan ng gawa ni Shakespeare - ang katutubong teatro ng mga dulang misteryo sa medieval. Ang mga tradisyon ng square theater - isang malawak na saklaw ng mga kaganapan, ang paghahalili ng mga komedya at trahedya na yugto, ang dynamics ng aksyon - ay napanatili ng mga nauna kay Shakespeare - mga manunulat ng dulang sina R. Green, C. Marlowe at iba pa. Nagdala sila ng mga ideyang mapagmahal sa kalayaan sa entablado at nagpakita ng mga bagong bayani - ang mga may malakas na kalooban at isang mahalagang karakter.
Sa una, "maasahin sa mabuti" na panahon ng kanyang trabaho, nagsulat si Shakespeare ng mga komedya, na napapalibutan ng maliwanag, masayang mood. Ngunit nang ang isang “dagat ng mga sakuna” ay bumukas sa harap ng matalas na titig ng makata, nang ang hindi maaalis na takbo ng kasaysayan ay higit na matalas na naglantad sa mga kontradiksyon ng pyudalismo at umuusbong na kapitalismo, ang huwarang bayani sa kanyang mga gawa ay napalitan ng isang gutom sa kapangyarihan, isang egoist at isang self-seeker, at kung minsan ay isang kriminal.
Ang twist na ito ay unang nahayag sa trahedya na Hamlet. Ngunit ang mga bayani ni Shakespeare ay hindi yumuko sa mundo ng kasamaan. Sa pagpasok sa pakikibaka at pagiging biktima ng kanilang pinakamakapangyarihang mga kalaban, ang mga bayani ng mga trahedya ni Shakespeare, kahit sa mismong kamatayan nila, ay nagpatibay ng pananampalataya sa tao at sa kanyang maliwanag na tadhana. Ito ay tiyak ang imortalidad ng mga trahedya ni Shakespeare at ang kanilang modernong tunog.
Matatagpuan ang Globe Theater ni Shakespeare sa iba pang mga sinehan sa timog pampang ng Thames, sa labas ng London, dahil ipinagbawal ng mga awtoridad ang mga pagtatanghal sa
William Shakespeare
Globus Theater. Hitsura.
ang lungsod mismo. Ang gusali ay nakoronahan ng isang maliit na tore, kung saan ang isang bandila ay lumipad sa panahon ng pagtatanghal.
Ang aksyon ay naganap sa bukas na hangin - isang masa ng mga tao ang nakatayo sa harap ng entablado, ang mga mayayamang taong-bayan ay matatagpuan sa mga gallery, na napapalibutan ang mga bilog na dingding ng teatro sa tatlong tier. Ang entablado ay nahahati sa 3 bahagi: ang harap - proscenium, ang likod, na pinaghihiwalay ng dalawang haligi sa gilid at natatakpan ng isang pawid na pawid, at ang tuktok - sa anyo ng isang balkonahe. Ang entablado ay pinalamutian ng mga carpet at banig, at isang banner ang sinuspinde mula sa itaas: itim para sa mga trahedya at asul para sa mga komedya. Ang lokasyon ng aksyon ay ipinahiwatig ng isang detalye (ang puno ay nagpapahiwatig na ang aksyon ay nagaganap sa kagubatan, at ang trono ay nagpapahiwatig na ito ay nagaganap sa palasyo).
Ang komposisyon ng tropa ay maliit - 8-12 tao lamang. Minsan ang bawat aktor ay kailangang gumanap ng hanggang tatlo o higit pang mga tungkulin sa dula. Ang mga pangunahing tauhang babae ay ginampanan ng magaganda, marupok na mga binata. Ang pinakadakilang trahedya na aktor ay si Edward Alleyn, na nakipaglaro espesyal na tagumpay sa mga dula nina K. Marlowe, at Richard Burbage - pinakamahusay na gumaganap mga tungkulin ng Hamlet, Lear, Othello at Macbeth. Sina Richard Tarleton at William Kemp ay nagbida sa mga komedyang papel.
XVII siglo
Kung sa panahon ng Renaissance sa Inglatera ay naranasan ng drama at teatro ang kanilang kapanahunan, ang mga moral na teatro sa London noong mga panahong iyon ay medyo libre, ganap na kadalian ang naghari sa entablado at sa auditorium, ang parehong mga aktor at manonood ay hindi nahihiya sa mga pagpapahayag, pagkatapos noong ika-17 siglo sila ay inuusig ng mga Puritano.
Sa panahon ng Renaissance, makikita mo ang isang salamangkero sa entablado kasama ang isang aso, na naglalarawan ng "Hari ng Inglatera, ang Prinsipe ng Wales, at kapag siya ay nakaupo sa kanyang likuran, ang Papa at ang Hari ng Espanya." Ang ilang Mrs. sa isang komedya ay maaaring magpahayag mula sa entablado na maaari mong sabihin ang kapalaran sa pamamagitan ng ihi, o maaaring isulat ng isang ginoo kung saan siya umihi. "Sa aming entablado kung minsan ay may parehong dumi at baho tulad ng sa Smithfield (isang suburb ng London kung saan ginanap ang mga perya, at kung minsan ang mga erehe ay sinunog), sabi ni Ben Jonson. "Lahat doon ay tinatawag sa wastong pangalan nito," sumulat si Voltaire tungkol sa yugto ng Ingles na nasa ika-18 siglo.
Tungkol sa theatrical morals ay maaaring tapusin mula sa hindi kilalang "Protesta o reklamo ng mga aktor laban sa pagsupil sa kanilang propesyon at pagpapatalsik sa ilang mga sinehan" (1643). “Nangangako kami para sa hinaharap na hindi kailanman papasukin sa aming mga sixpenny box ang dissolute na mga kababaihan, na pumupunta roon para lamang madala ng mga apprentice at mga abogado ng klerk, at walang ibang uri ng mga babae na ganoong uri, maliban sa mga kasama ng kanilang asawa o malapit. mga kamag-anak. Mababago rin ang ugali sa tabako: hindi ito ibebenta... kung tungkol sa mabahong pananalita at katulad na kabastusan na maaaring mag-iskandalo sa mga disenteng tao at magtulak sa masasamang tao sa kahalayan, tuluyan na nating itataboy sila kasama ng mga imoral at bastos na mga awtor - mga makata .”
Ang paglikha ng mga dula at ang kanilang pagtatanghal ay idineklarang makasalanang gawain; ang pagbisita sa teatro ay mahigpit na kinondena at itinuturing na isang nakakapinsala at nakakapinsalang aktibidad. Sa pagdating ng mga Puritan sa kapangyarihan, ipinagbawal ang mga palabas sa teatro sa England. Noong Setyembre 2, 1642, isinara ng parliyamento ng Ingles ang mga sinehan at ipinagbawal ang lahat ng pagtatanghal, na binanggit ang katotohanang nagpapakita ng "kadalasang nagpapahayag ng walang pigil na kagalakan at kawalang-interes," habang ang isa ay dapat na idirekta ang kanyang isip sa "pagsisisi, pagkakasundo at pagbaling sa Diyos." Pagkalipas ng limang taon, kinumpirma ng parliyamento ang kautusang ito, na ngayon ay nasa mas mahigpit na mga termino at nag-uutos sa mga sumuway (mga aktor) na ipadala sa bilangguan bilang mga kriminal. Ang kultura ay dumaranas ng matinding krisis. Ang Simbahan ay nakipaglaban sa mahabang panahon at patuloy na lumalaban sa mga panoorin sa teatro. “Puno ang mga teatro, ngunit walang laman ang mga simbahan,” reklamo ng mga ministrong Puritan. Sa teatro “naghahari ang mga malayang kilos, maluwag na pananalita, tawanan at pangungutya, mga halik, yakap at hindi mahinhin na sulyap,” ang mga klero ay nagagalit. "Ang salita ng Diyos ay nilalabag doon at ang banal na relihiyon na itinatag sa ating estado ay nilalapastangan," sabi ng Panginoong Alkalde.
Ang teatro noong ika-17 siglo ay kinakatawan ng Puritan bourgeoisie ng Inglatera bilang isang teatro ng kahalayan at kasamaan, isang teatro na tumutugon sa panlasa ng mga aristokrata at tiwaling mga karaniwang tao.
Mayroon ding mga tagapagtanggol. Isinulat ng manunulat ng dulang si Thomas Nash noong 1592 na ang mga balangkas ng mga dula ay hiniram mula sa mga salaysay ng Ingles, ang mga dakilang gawa ng mga ninuno ay nakuha mula sa "libingan ng limot" at sa gayon ay kinondena ang "decadent at effete modernity", na ang mga dula ay "na-anatomize." isang kasinungalingan, na nilagyan ng panlabas na kabanalan.”
Ang mga katangian ng kultura ay tinutukoy ng mga kaganapan ng burges na rebolusyon. Lalong tumindi ang mga kontradiksyon ng uri sa pagitan ng burgesya at malalaking may-ari ng lupa;
Ang mga Stuart, na bumalik sa kapangyarihan, ay muling nagbukas ng mga sinehan noong 1660, at ang napakatalino ngunit imoral na komedya noong panahon ng Pagpapanumbalik ay tila nagpapatunay sa negatibong pagtatasa na ibinigay sa teatro ng mga kasama ni Cromwell.
Pagkatapos ng coup d'etat, si William III ng Orange ay naluklok sa kapangyarihan. Lumago ang popular na kilusan.
Hindi isinara ni Wilhelm III ang mga sinehan, ngunit sa pamamagitan ng utos ng Enero 1, 2001, mahigpit niyang binalaan ang mga aktor na "kung patuloy silang maglalaro ng mga dula na naglalaman ng mga ekspresyong salungat sa relihiyon at kagandahang-asal, at pinapayagan ang kalapastanganan at imoralidad sa entablado, kung gayon para dito sila dapat silang sumagot sa kanilang mga ulo.”
Sa parehong taon, 1698, isang treatise ng isang Puritan theologian na nagngangalang Jeremy Collier ang inilathala sa ilalim ng napakakulay na pamagat na “ Maikling pangkalahatang-ideya imoralidad at kasamaan ng entablado ng Ingles." Mahigpit na kinondena ng teologo ang umiiral na gawaing teatro. Isinulat niya na may galit at malisya sa entablado. "Ang dugo at barbarismo ay halos ginawang diyos", na "ang konsepto ng karangalan ay baluktot, ang mga prinsipyong Kristiyano ay pinahiya", na "ang mga diyablo at mga bayani ay gawa sa iisang metal", at humiling ng isang radikal na pagsasaayos ng mga aktibidad ng mga teatro, na binabago ang mga ito. sa isang uri ng paaralan ng kabutihan, mabuting asal at kagandahang-asal: " Ang layunin ng mga dula ay hikayatin ang kabutihan at ilantad ang bisyo, upang ipakita ang kahinaan ng kadakilaan ng tao, ang biglaang pagbabago ng kapalaran at ang mapaminsalang bunga ng karahasan at kawalang-katarungan."
Hindi na nais ng burgesyang Ingles na isara ang mga teatro, gaya ng dati, kundi iangkop ang mga ito sa pangangailangan ng klase. Bagama't ang "maluwalhating rebolusyon" noong 1688 ay nagdulot ng alyansa sa pagitan ng burgesya at ng bagong maharlika, nananatili pa rin ang poot. Malakas pa rin ang mga posisyon ng mga panginoong maylupa, bagama't nagpasakop sila sa estado ng mga gawain, ay hindi ganap na napagkasundo. Ang mga pag-atake sa aristokrasya ay narinig din sa mga palabas sa teatro.
Noong 1713, sinubukan ni Joseph Addison (1672 - 1719) na magtatag ng klasikong trahedya sa entablado ng Ingles.
Sa oras na ito, lumitaw ang isang bagong genre - drama, ngunit ayaw isuko ng komedya ang posisyon nito. Ang mga manonood, na lumuha nang labis sa mga pagtatanghal ng The Merchant of London at napuno ng kilabot bago ang madilim na pagtatapos ng dula, ay gustong tumawa paminsan-minsan. Ang pagkakataong ito ay ibinigay sa kanila ni Fielding, at kalaunan nina Oliver Goldsmith at Richard Brinsley Sheridan.
Nais ng panday-ginto na buhayin ang "gay comedy" noong panahon nina Shakespeare at Ben Jonson. Sa kanyang treatise na "An Essay on the Theatre, or Comparison of Merry and Sentimental Comedy" (1733), direkta siyang nagsalita tungkol dito at sumulat ng ilang mga komedya na dula nang walang moralisasyon, walang masyadong tendentiousness, masayang pinagtatawanan ang kawalan ng karanasan ng mga kabataan na madaling malinlang. Ang mga dula ay puno ng mga nakakatawang pagkakamali, ang mga karakter ay itinatanghal nang natural.
Gayunpaman, ang pinakadakilang marka sa kasaysayan ng English drama sa panahong ito ay iniwan ni Richard Brinsley Sheridan (1751 - 1816). Sumulat siya sa maikling panahon. Ang lahat ng kanyang pinakamahusay na pag-play ay nilikha sa loob ng limang taon. Ang apoy ng kanyang teatro sa Drury Lane ang nagbigay ng huling suntok sa manunulat.
Ang klasisismo sa klasikal na anyo nito ay hindi makahanap ng matibay na lupa sa Inglatera. Mayroong dalawang dahilan para dito: ang estadong pampulitika ng bansa at ang awtoridad ng teatro ni Shakespeare.
Tulad ng para kay Shakespeare, nalampasan niya ang mga nagawa ng sinaunang drama na pagkatapos niya ay hindi maiisip na lubos na umasa sa halimbawa ng mga sinaunang may-akda ng Griyego. Ang mga English playwright na nagtrabaho para sa teatro ay hindi maaaring sumunod sa Aeschylus, Sophocles at Euripides nang walang kondisyon gaya ng ginawa ng kanilang mga kasamahan sa France. Sa harap nila ay ang halimbawa ni Shakespeare, na nagtrabaho ayon sa isang ganap na naiibang sistema at nakamit ang hindi pa nagagawang mga resulta.
Noong 1644, ang Globe Theatre ni Shakespeare ay giniba, itinayong muli pagkatapos ng sunog noong 1613, noong 1649 - ang Fortune at Phoenix theaters, noong 1655 - Blackfriars. Ang mga aktor ay nakakalat sa buong bansa, naging mga sundalo, at nawala, gaya ng iniulat ng isang hindi kilalang may-akda noong ika-17 siglo (Historia histrionica).
Noong 1643, ang mga aktor ay gumawa ng isang gumagalaw, hindi kilalang dokumento: isang reklamo tungkol sa pagsugpo sa kanilang propesyon. "Bumalik kami sa iyo, dakilang Phoebus, at sa iyo, siyam na kapatid na babae - mga muse, patronesses ng pag-iisip at tagapagtanggol sa amin, mahihirap na napahiya na aktor," isinulat nila. “Kung, sa tulong ng iyong makapangyarihang panghihimasok, maaari tayong muling ipakilala sa ating mga dating sinehan at bumalik sa ating propesyon muli...” Isinulat ng mga aktor na ang mga komedya at trahedya na kanilang ginampanan ay “mga buhay na reproduksyon ng mga aksyon ng mga tao,” na doon ay isang bisyo sa kanila ay pinarusahan, at ang kabutihan ay ginantimpalaan, na " pagsasalita sa Ingles ay ipinahayag nang tama at natural.” Si Phoebus at siyam na kapatid na babae - mga muse, mga patron ng sining, ay hindi tumugon. Ang teatro ay nagdusa ng hindi na maibabalik na pinsala.
Si John Milton, ang pinakadakilang makatang Ingles noong ika-17 siglo, ay hindi nagbahagi ng negatibong saloobin ng mga Puritan sa mga palabas sa teatro. Lalo na tutol si Milton sa mga playwright at teatro sa panahon ng Restoration, na sadyang nakakaaliw sa kalikasan. Itinuring ni Milton na ang trahedya ang pangunahing bagay sa dramatikong sining. mga klasikong disenyo sinaunang sining ng Greek. Sa paggaya sa kanila, ipinakilala niya ang isang koro na nagkomento sa kung ano ang nangyayari at itinatag ang pagkakaisa ng oras: ang tagal ng mga kaganapan sa trahedya ay hindi hihigit sa 24 na oras. Ang pagkakaisa ng lugar at pagkilos ay mahigpit na pinananatili.
Panahon ng pagpapanumbalik
Nagsimula ang panahon ng Pagpapanumbalik sa Inglatera pagkaraan ng kamatayan ni Cromwell.
Ang mga pagbabawal na ipinataw ng mga Puritan sa mga palabas sa teatro at iba't ibang uri ng libangan ay inalis. Ang mga sinehan ay muling binuksan, ngunit ang mga ito ay ibang-iba sa Ingles na teatro noong ika-16 - unang bahagi ng ika-17 siglo kapwa sa kanilang panlabas na disenyo at sa likas na katangian ng mga dula. Mayayamang tanawin at marangyang kasuotan ang ginamit sa entablado.
Ang mga komedya nina William Wycherley (1640 - 1716) at William Congreve (1670 - 1729) ay nagtamasa ng partikular na tagumpay.
Mga teatro sa Ingles na Drury Lane at Covent Garden
Bisitahin natin ngayon ang mga sinehan ng London. Noong 1663, ang Drury Lane Theatre ay itinayo sa London, na nakatanggap ng karapatan sa isang monopolyo sa pagpili ng repertoire. Noong 1732, lumitaw ang isa pang pangunahing teatro - Covent Garden. Nagkaroon ng kaunting kaayusan sa mga sinehan sa London. Ang mga manonood, na nagmamadaling pumasok sa auditorium, ay dumiretso sa mga stall upang kumuha ng mga upuan na mas malapit sa entablado. Paminsan-minsan, isang uri ng "theatrical riots" ang naganap - ang mga manonood, na hindi nasisiyahan sa pagganap, ang pagtaas ng mga presyo, o ilang tagapalabas, nilunod ang mga tinig ng mga aktor, naghagis sa kanila ng prutas, at kung minsan ay sumabog sa entablado.
Sa magulong London na ito noong ika-18 siglo, sinubukan ng mga aktor na gumanap nang mahinahon at magsalita sa sinusukat na boses. Gayunpaman, ang klasiko ng Ingles ay hindi kumpleto, mahalaga - ito ay patuloy na "itinutuwid" ng makatotohanang tradisyon na nagmula kay Shakespeare.
Ginampanan ng aktor na si Thomas Betterton (1635 - 1710) ang papel ng Hamlet bilang si Burbage ay minsang gumanap nito, na nakatanggap ng mga tagubilin mula kay Shakespeare mismo. Ang aktor na si James Queen (1693 - 1766), na sa tingin ng mga British ay masyadong isang klasiko, ay gumanap ng papel ng Falstaff nang makatotohanan. Noong 1741, si Charles Maclean (1697 - 1797) ay totoong gumanap bilang Shylock sa The Merchant of Venice ni Shakespeare. Sa parehong taon, si David Garrick (1717 - 1779), na naging pinakamalaking realistang aktor ng ika-18 siglo, ay gumanap bilang Richard III. Parehong mahusay na gumanap ng komiks at trahedya si Garrick. Bilang isang mime artist, walang kapantay si Garrick. Ang kanyang mukha ay maaaring patuloy na ilarawan ang lahat ng mga kakulay at paglipat ng mga damdamin. Alam niya kung paano maging nakakatawa, nakakaawa, maharlika, nakakatakot. Si Garrick ay isang napakatalino na aktor, na may isang mayaman na binuo at tumpak na pamamaraan at sa parehong oras ay isang aktor ng pakiramdam. Minsan, habang gumaganap si King Lear sa trahedya ni Shakespeare, nadala si Garrick kaya pinunit niya ang kanyang peluka sa kanyang ulo at inihagis ito sa gilid.
Pinangunahan ni Garrick ang Drury Lane Theater sa loob ng maraming taon, kung saan nagtipon siya ng isang kahanga-hangang kumpanya at nagtanghal ng 25 mga pagtatanghal ng Shakespearean. Bago sa kanya, walang sinuman ang nagtrabaho nang masigasig at patuloy sa paggawa ng mga dula ni Shakespeare. Pagkatapos ni Garrick, natutunan ng mga tao na pahalagahan si Shakespeare nang higit pa kaysa dati. Ang katanyagan ng aktor na ito ay dumagundong sa buong Europa.
Binubuo ng gawa ni Garrick ang pag-unlad ng teatro noong ika-18 siglo - mula sa klasisismo hanggang sa realismo.
siglo XVIII
Panahon ng Enlightenment
Noong ika-18 siglo, nagsimula ang isang transisyonal na panahon, na nagtatapos sa Pranses rebolusyong burges. Umunlad ang kilusang pagpapalaya, at bumangon ang pangangailangan na wasakin ang pyudalismo at palitan ito ng kapitalismo.
Panitikang Ingles" href="/text/category/anglijskaya_literatura/" rel="bookmark">Ang panitikang Ingles noong dekada 30 at 40 ng ika-19 na siglo. Ang Rebolusyong Industriyal ay isang malakas na impetus para sa pag-unlad ng kapitalismo sa bansa. Ang proletaryado pumasok sa makasaysayang arena.
Ang magulong panahon ay nagbigay-buhay sa pag-usbong ng demokratikong kultura, kabilang ang pagkamalikhain sa teatro.
DIV_ADBLOCK660">
XX siglo
1945–kasalukuyan
Pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, na may kaugnayan sa pagbuo ng pandaigdigang sistemang sosyalista at paglago ng pambansang digmaan sa pagpapalaya ng mga tao, ang pagbagsak ng British Empire ay naging hindi maiiwasan at natural. Kinakatawan ng mga sinehan ang magulong mga kaganapan at pagbabago sa lipunan.
Sa mga unang taon pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang pinakasikat na manunulat sa England ay si John Boynton Priestley. Nakasulat siya ng mahigit apatnapung dula. Ang pinakamahalaga sa kanila ay ang "Dangerous Corner" (1932), "Time and the Conways" ("Time and the Conways", 1937).
Sa mga dula ni Priestley ay kapansin-pansin ang impluwensya ng dramaturhiya ni Chekhov. Nagsusumikap si Priestley na ihatid ang drama ng pang-araw-araw na buhay, upang ipakita ang buhay sa lahat ng mga undertones nito, upang ipakita ang mga karakter ng hindi lamang ang mga pangunahing tauhan, kundi pati na rin ang mga pangalawang.
Ang mga dula ni John Osborne (John Osborne, 1929) ay may mahalagang papel sa kultura ng Ingles. Ang mga dula ni John Osborne ay nagpasigla sa pag-unlad ng English drama noong dekada 60.
Noong 1956, ang dula ni John Osborne na Look Back in Anger ay itinanghal sa Royal Court Theatre, na isang matunog na tagumpay. Tumpak na naihatid ng playwright ang mood ng mga kabataang Ingles noong panahong iyon. Si Jimmy Porter ay umakyat sa entablado - ang batang "galit" na bayani, bilang tawag sa kanya ng mga kritiko. Ang kabataang ito mula sa mas mababang uri, na pumasok sa isang sosyal na kapaligiran na pagalit sa kanya, ay walang ideya kung ano ang binubuo ng isang disenteng pag-iral. Siya ay humawak ng sandata, nang walang pagsisikap, laban sa umiiral na mga pagpapahalagang moral, ang tradisyonal na paraan ng pamumuhay sa lipunan, at bahagyang laban sa mga batas panlipunan. Ang parehong mga katangiang ito ay nagpapakilala sa ilan sa mga tauhan, parehong moderno at historikal, sa mga dula nina John Arden, Sheila Delaney at iba pa.
Pinahuhusay ng mga progresibong aktor at direktor sa ilang bansa ang kanilang mga kasanayan gamit ang klasikal na dramatikong materyal at ang pinakamahusay na mga halimbawa ng makatotohanang panitikan. Ginagamit nila ang mga klasiko upang mag-pose ng pagpindot sa mga kontemporaryong isyu. Ang Ingles na aktor na si Laurence Olivier, sa imahe ni Othello, ay naghatid ng isang galit na protesta laban sa umuusbong na sibilisasyong burges. Si Hamlet ay nagsilbi kay Paul Scofield upang ipahayag ang malungkot at mahihirap na pag-iisip ng mga kabataan pagkatapos ng digmaang henerasyon ng mga intelektwal na Europeo na nadama na responsable sa mga krimen na ginawa sa mundo.
Ang mga produksyon ng mga dula ni Shakespeare ng English na direktor na si Peter Brook ay nagtatamasa ng karapat-dapat na tagumpay sa mga manonood.
Ang sining sa teatro ng mga kamakailang panahon ay nailalarawan sa pamamagitan ng maraming maliliit na propesyonal, semi-propesyonal at di-propesyonal na mga tropa, na gumagala mula sa isang lokalidad patungo sa isa pa; pagpapatindi ng mga aktibidad ng mga teatro ng mag-aaral; lumalagong protesta ng mga aktor at direktor laban sa komersyalismo sa sining. Madalas ginagamit ng mga kabataan ang entablado para sa mainit na talakayan sa pulitika. Ang teatro ay lumalabas sa mga lansangan, kung saan ginaganap ang mga semi-improvisational na pagtatanghal.
Halos bawat kababalaghan ng pagkamalikhain sa teatro sa Inglatera ay nababalot ng matinding panloob na mga kontradiksyon, na puno ng salungatan ng magkasalungat na ideolohikal at aesthetic na mga ugali.
Si John Osborne ay isang tagasuporta ng teatro, na tumutuligsa sa mga kaayusan sa lipunan sa kapitalistang mundo, na siyang pinakanakakumbinsi na sandata sa panahong iyon.
Tinukoy ng mga dula ni John Osborne ang pagbuo ng English drama noong dekada 60.
Ang pagka-orihinal ng dramaturgy ni Sean O'Casey, isang natatanging manunulat ng dulang Anglo-Irish, ay tinutukoy ng koneksyon nito sa tradisyon ng alamat ng Irish. Ang kanyang mga dula ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang kakaibang kumbinasyon ng trahedya at
Laurence Olivier bilang Richard III
"Richard III" ni W. Shakespeare
komiks, totoo at hindi kapani-paniwala, araw-araw at kalunus-lunos. Ginagamit ng mga drama ni O'Casey ang mga kombensiyon ng teatro ng ekspresyonista.
Ang paggalaw ng mga katutubong teatro, na nagtataguyod ng pangunahing mga layunin sa edukasyon, ay dumaan sa buong Europa. Sa Inglatera, bumangon ang Teatro ng Pagawaan at naging napakatanyag sa ilalim ng direksyon ni Joan Littlewood.
Ang London ay sikat sa mga museo, makasaysayang gusali, at ultra-modernong restaurant. Ngunit tanging ang teatro na buhay na nangingibabaw sa lungsod ang nakikilala ito sa ibang mga lungsod. Kung matagumpay ang isang dula sa London, uulitin nito ang tagumpay nito sa ibang lugar.
Ang tanging katunggali ng London ay ang New York na may Broadway, ngunit kahit na hindi nito maaaring ipagmalaki ang mga gusali ng teatro na may mahaba at mayamang kasaysayan. Ang gitnang bahagi ng lungsod, ang West End, ang South Bank at mga distrito ng Victoria ay humanga sa isang espesyal na konsentrasyon ng mga teatro - mula sa maliliit na studio para sa 100 na manonood hanggang sa malalaking templo ng Melpomene. Nag-aalok kami ng pangkalahatang-ideya ng sampung pinaka malalaking sinehan London.
Ang Shaftesbury Theatre, na matatagpuan sa labas lamang ng Holborn Street, ay nakalista sa mga gusaling British na may arkitektura at makasaysayang halaga. Salamat sa isang maliit na aksidente na naganap sa bubong ng gusali noong 1973, binigyang pansin ito. Mula noong 1968, ang sikat na musikal na "Hair" ay ipinakita sa entablado nito 1998 beses. Ang palabas, na nag-promote ng kilusang hippie, ay isinara kalaunan. Noong unang ipinakita ang musikal sa entablado sa West End, pinagbawalan ito ng censor ng teatro na si Lord Cameron Fromentil "Kim" Baron Cobbold. Humingi ng tulong ang mga producer sa Parliament, at nagbigay ito ng pahintulot sa pamamagitan ng paglabas ng panukalang batas na ganap na nagpawalang-bisa sa pagbabawal ng baron. Ang hindi pa naganap na kaganapang ito sa kasaysayan ng sining ng teatro ay nagtapos sa censorship sa teatro sa Britain - hindi masama para sa isang teatro na may kapasidad na 1,400 na manonood.
Ilang bloke lamang mula sa Shaftesbury ay ang Palace Theatre, na maaari ding upuan ng 1,400 manonood. Ang kanyang espesyalidad ay musikal, tulad ng Singin' in the Rain o Spamalot. Ang teatro ay binuksan noong 1891 at naging kilala bilang Royal English Opera House sa ilalim ng pagtangkilik ni Richard d'Oyly Carte Kamakailan, bilang karagdagan sa mga opera, musikal, pelikula at iba pang mga palabas ay ipinakita sa buong 1960s, ang musikal na ". Ang Tunog ng Musika” ay ipinakita sa teatro ng 2385 beses Ang teatro ay kasama sa listahan ng mga gusali sa Britain na may arkitektura at makasaysayang halaga Kasama nito, ang iba pang mga gusali sa lugar ay kasama sa listahan.
Ipinagdiwang kamakailan ng Adelphi Theater ang ika-200 anibersaryo nito. Sa kabila ng katamtamang laki ng gusali, kayang tumanggap ng teatro ng 1,500 manonood. Kilala siya sa mga produksyon tulad ng Chicago at Joseph at ang Amazing Technicolor Dreamcoat. Ang 1930 Art Deco building ay katabi ng Strand Palace Hotel. Ito ang ikaapat na gusali sa buong kasaysayan ng teatro mula noong 1809. Ang isang plaka sa dingding ng isang kalapit na bar ay sinisisi ang teatro sa pagkamatay ng aktor, na dating suportado ng dakilang Terriss. Ngunit sa katunayan, si Prince Richard Archer, isang bigong aktor na nawalan ng kasikatan at disente dahil sa pagkagumon sa alkoholismo, ay umamin ng guilty sa pagpatay sa kanyang mentor na si Terriss sa isang estado ng pagkabaliw at ipinadala para sa compulsory treatment sa isang psychiatric hospital, kung saan siya pinamunuan ang orkestra ng bilangguan hanggang sa kanyang kamatayan. Sinasabi nila na ang multo ng hindi naghiganti na si Terriss, na nabalisa sa maluwag na sentensiya na ipinataw sa kanyang protégé at mamamatay-tao, ay gumagala pa rin sa gusali ng teatro sa gabi.
Ang ilang mga palabas ay nasa entablado sa West End ng London sa loob ng mga dekada, at ang Victoria Palace ay patuloy na nag-aalok ng sariwang repertoire, tulad ng musikal na Billy Elliott. Kahit na siya ay nasa entablado mula noong 2005, na marami, sabi nga nila regular na manonood. Ang teatro ay may mahabang kasaysayan, na nagsimula noong 1832, noong ito ay isang maliit na bulwagan ng konsiyerto. Ngayon ang gusali, na itinayo noong 1911, ay kayang tumanggap ng 1,517 na manonood. Ito ay nilagyan ng sliding roof, na nagbubukas sa panahon ng intermissions upang maaliwalas ang bulwagan. Maraming di malilimutang palabas sa entablado ng teatro, ngunit ang pinaka hindi malilimutan sa mga ito ay ang makabayang dulang "Young England" noong 1934, na tumanggap ng maraming mga negatibong pagsusuri. Ito ay tumagal lamang ng 278 na pagtatanghal.
Matatagpuan ang Prince Edward Theater sa gitna ng Soho at kayang upuan ng 1,618 katao. Ito ay pinangalanan sa tagapagmana ng trono ng British Crown, si Edward VIII, isang hari na nasa trono lamang ng ilang buwan at iniwan ito sa ngalan ng pag-ibig. Ayon sa kaugalian, ang mga romantikong palabas at pagtatanghal ay nagaganap sa entablado, halimbawa, "Show Boat", "Mamma Mia", "West Side Story", "Miss Saigon". Ang teatro ay may mahabang kasaysayan, na itinayo noong 1930 kung kailan ito ay isang sinehan at dance hall lamang. Noong 1978 lamang nagbukas ang teatro, na nag-time na kasabay ng pagbubukas nito sa premiere ng musikal na "Evita" tungkol sa sikat na babae sa mundo, ang asawa ng Pangulo ng Argentina. Ang dula ay nagpatuloy sa pagtakbo para sa 3,000 na pagtatanghal, at ang aktres na si Elaine Page, na gumanap bilang Evita, ay nagkaroon ng napakatalino na simula sa kanyang karera sa teatro at naging isang bituin.
Sa kabila ng muling pagpapaunlad ng Tottenham Court Road sa London upang lumikha ng isang mas magandang junction ng kalsada, isang bagay ang nananatiling hindi nagbabago - ang higanteng estatwa ni Freddie Mercury na nakataas ang kamay habang kinakanta ang "We Will Rock You" sa harap ng Dominion Theatre. Ang palabas ay nasa entablado ng teatro mula noong 2002 at, sa kabila ng hindi magandang pagsusuri mula sa mga kritiko, ay isang tagumpay sa mga manonood. Ang teatro, na itinayo noong 1929 sa site ng isang lumang brewery sa London, ay kayang tumanggap ng 2,000 manonood. Ang gusali ay naglalaman din ng Australian Sunday Church, na gumagamit ng entablado at ilaw ng teatro sa panahon ng mga misa.
Ito ay isa sa mga pinakadakilang sinehan sa London. Ang mga haligi na pinalamutian ang gitnang pasukan ay nagsimula noong 1834, at ang gusali mismo ay muling itinayo noong 1904 sa istilong Rococo. Sa buong kasaysayan ng pagkakaroon nito, na itinayo noong 1765, mayroon itong lahat maliban sa isang teatro, halimbawa, sa loob ng 50 taon ay nagho-host ito ng mga hapunan ng Secret Beef Steak Society. Noong 1939, nais nilang isara ang gusali, ngunit dahil sa pagsisimula ng paggawa ng kalsada, ito ay nailigtas. Sa loob ng 14 na taon, ang dulang "The Lion King" ay ginanap sa entablado ng teatro, at ang pagsasadula ng Disney ay tila naninirahan dito sa mahabang panahon at nagdadala ng magagandang box office receipts.
Royal Theater, na kayang tumanggap ng 2,196 na manonood, ay itinuturing na nangungunang teatro sa London para sa kadahilanang ito. Mula noong 1663, mayroong ilang mga sinehan sa site na ito, at ang Drury Lane mismo ay itinuturing na isang theatrical street. Tulad ng maraming iba pang mga sinehan, nagtrabaho ang Royal sa ilalim ng direksyon ni Andrew Lloyd Webber, may-akda ng mga musikal na Evita and Cats. Ang iba pang mga produksyon na ipinakita sa entablado ay kinabibilangan ng Oliver, na ginawa sa isang musikal na pelikula ng parehong pangalan, The Producers, Shrek at Charlie and the Chocolate Factory, na tumatakbo pa rin. Bilang karagdagan sa mga musikal at aktor, ang teatro ay sikat sa mga multo nito, tulad ng multo ng isang lalaking nakasuot ng kulay abong suit at nakasuot na sombrero. Ayon sa alamat, pinatay siya sa gusali ng teatro noong ika-18 at ika-19 na siglo. Ang isa pang multo ay si Joseph Grimaldi, isang payaso na sinasabing tumutulong sa mga kinakabahang aktor sa entablado.
Ang London Paladium Theater ay sikat hindi lamang sa London, kundi sa buong mundo. Ilang hakbang ito mula sa Oxford Street. Siya ay naging tanyag salamat sa palabas sa gabi na "Sunday Night sa London Palladium", na tumakbo mula 1955 hanggang 1967. Milyun-milyong manonood ang nakilala sa umiikot na entablado at mga aksyon sa entablado ng iba't ibang uri. Noong 1966, sinubukan ng mga may-ari ng gusali na ibenta ito para sa karagdagang muling pagtatayo, ngunit na-save ito salamat sa mga namumuhunan sa teatro at ang katotohanan na bilang karagdagan sa teatro, noong 1973 isang concert hall ang binuksan doon para sa mga pagtatanghal ng rock group na "Slade ”. Ang patuloy na sold-out na mga tao at ang aktibong pagkilos ng mga tagahanga ng banda ay halos naging sanhi ng pagbagsak ng balkonahe sa bulwagan. Noong 2014, ang talent show na "The X Factor: The Musical" ay binuksan sa theater hall.
Kung ang teatro ng Appollo Victoria ay hindi ang pinakasikat sa London, maaari itong ligtas na makilala bilang pinakamataas. Matatagpuan ito ilang metro mula sa Victoria Palace at kayang tumanggap ng 2,500 manonood. Ang ilang mga sinehan mula sa ipinakita na pagsusuri ay matatagpuan sa malapit at lumikha ng isang uri ng "bansa ng teatro". Binuksan ang Apollo Victoria noong 1930. Dinisenyo ang gusali sa istilong art deco na may tema ng dagat na may mga fountain at shell bilang palamuti. Inabot ng 18 taon ang pagtatayo riles para sa musikal na "Starlight Express", upang ang tren ay lumipat sa paligid ng perimeter ng auditorium ayon sa script. Ang isa pang sikat na musikal na itinanghal sa teatro ay "Wicked". Ang mga resibo sa takilya mula sa premiere ay umabot sa 761,000 pounds, at sa paglipas ng 7 taon, ang kita mula sa pagganap ay tinatayang 150 milyon. Sinasabi ng mga mahilig sa pelikula na ang teatro ay mamamatay sa malapit na hinaharap, ngunit ang mga istatistika na nauugnay sa bilang ng mga manonood sa bawat musikal at ang halaga ng mga resibo sa takilya ay nagpapahiwatig ng iba. Hindi mawawala ang amoy ng rouge at whitewash, ang ingay ng auditorium.
gayunpaman, modernong arkitektura sa anumang paraan ay mas mababa sa kagandahan at kagandahan ng mga makasaysayang gusali ng teatro.
