Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang pagpipinta ng unang bahagi ng Renaissance ay dumaan sa parehong ebolusyon bilang eskultura. Pagtagumpayan ang Gothic abstraction ng mga imahe, pagbuo pinakamahusay na mga tampok Pumasok ang mga painting ni Giotto, mga artista ng ika-15 siglo malawak na landas pagiging totoo. Ang monumento na pagpipinta ng fresco ay nakakaranas ng hindi pa nagagawang pag-usbong.

Masaccio. Pagpatalsik sa Paraiso, 1426–1427
Simbahan ng Santa Maria del Carmine
Brancacci Chapel, Florence

Uccello. Larawan ng isang Babae, 1450
Metropolitan Museum of Art, New York

Castaño. Larawan ng isang Seigneur, 1446
National Gallery, Washington

Masaccio. Isang repormador ng pagpipinta, na gumanap ng parehong papel tulad ng sa pagbuo ng arkitektura ni Brunelleschi at Donatello sa iskultura, ay ang Florentine Masaccio (1401–1428), na nabuhay. maikling buhay at umalis kahanga-hangang mga gawa, kung saan ipinagpatuloy ang paghahanap para sa isang pangkalahatang kabayanihan ng tao at isang makatotohanang representasyon ng mundo sa paligid niya. Ang mga paghahanap na ito ay pinaka-malinaw na ipinakita sa mga fresco ng Brancacci Chapel sa Church of Santa Maria del Carmine sa Florence, "The Miracle of the Stater" at "The Expulsion from Paradise" (parehong sa pagitan ng 1427–1428).

Masaccio break sa decorativeness at maliit na salaysay na dominado pagpipinta sa ikalawang kalahati ng ika-14 na siglo. Kasunod ng tradisyon ng Giotto, ang artist na si Masaccio ay nakatuon sa imahe ng isang tao, na nagpapahusay sa kanyang malupit na enerhiya at aktibidad, civic humanism. Gumagawa si Masaccio ng isang mapagpasyang hakbang sa pagsasama-sama ng figure at landscape, na nagpapakilala sa unang pagkakataon pananaw sa himpapawid. Sa mga fresco ni Masaccio, ang mababaw na plataporma - ang eksena ng pagkilos sa mga pintura ni Giotto - ay pinalitan ng isang imahe ng tunay na malalim na espasyo; ang plastik ay nagiging mas kapani-paniwala at mas mayaman cut-off modeling figure, ang kanilang konstruksiyon ay mas malakas, ang kanilang mga katangian ay mas iba-iba. At bukod pa, napanatili ni Masaccio ang napakalaking kapangyarihang moral ng mga imahe, na nakakaakit kay Giotto sa sining.

Angelico. Madonna Fiesole, 1430
Monasteryo ng San Domenico, Fiesole

Lippi. Babae at lalaki, 1460s
Metropolitan Museum of Art, New York

Domenico. Madonna at Bata
1437, Berenson Gallery, Florence

Ang pinakamahalaga sa mga fresco ni Masaccio ay ang "The Miracle of the Statir," isang multi-figure na komposisyon na, ayon sa tradisyon, ay kinabibilangan ng iba't ibang yugto ng alamat tungkol sa kung paano, sa pagpasok sa lungsod, si Kristo at ang kanyang mga alagad ay humingi ng bayad - isang statir (barya); kung paano, sa utos ni Kristo, si Pedro ay nakahuli ng isda sa lawa at nakakita ng isang statir sa bibig nito, na ibinigay niya sa bantay. Pareho sa mga karagdagang yugto na ito - pangingisda at ang pagtatanghal ng stater - ay hindi nakakagambala sa atensyon mula sa gitnang eksena - isang grupo ng mga apostol na pumapasok sa lungsod. Ang kanilang mga pigura ay maringal, matipuno, matapang na mga mukha ay nagtataglay ng mga indibidwal na katangian ng mga tao mula sa mga tao; sa lalaking nasa dulong kanan, nakikita ng ilang mananaliksik ang larawan ni Masaccio mismo. Ang kahalagahan ng kung ano ang nangyayari ay binibigyang-diin ng pangkalahatang estado ng pigil na kaguluhan. Ang pagiging natural ng mga kilos at galaw, ang pagpapakilala ng isang genre na motif sa pinangyarihan ng paghahanap ni Peter para sa barya, at ang maingat na pininturahan na tanawin ay nagbibigay sa pagpipinta ng isang sekular, malalim na makatotohanang karakter.

Hindi gaanong makatotohanan ang interpretasyon ng eksenang "Expulsion from Paradise", kung saan, sa kauna-unahang pagkakataon sa pagpipinta ng Renaissance, ang mga hubad na pigura ay inilalarawan, na malakas na na-modelo ng side light. Ang kanilang mga galaw at ekspresyon ng mukha ay nagpapahayag ng pagkalito, kahihiyan, at pagsisisi. Ang mahusay na pagiging tunay at mapanghikayat ng mga imahe ni Masaccio ay nagbibigay ng espesyal na lakas sa makatao na ideya ng dignidad at kahalagahan. pagkatao ng tao. Sa kanyang mga makabagong pakikipagsapalaran, binuksan ng artista ang daan karagdagang pag-unlad makatotohanang pagpipinta.

Uccello. Isang eksperimento sa pag-aaral at paggamit ng pananaw ay si Paolo Uccello (1397–1475), ang unang Italyano na pintor ng labanan. Ang Uccello ay nag-iba-iba ng mga komposisyon na may mga yugto mula sa Labanan ng San Romano nang tatlong beses (kalagitnaan ng 1450s, London, National Gallery; Florence, Uffizi; Paris, Louvre), na masigasig na naglalarawan ng maraming kulay na mga kabayo at sakay sa iba't ibang uri ng mga pagbawas at paglaganap ng pananaw.

Castaño. Kabilang sa mga tagasunod ni Masaccio, si Andrea del Castagno (mga 1421 - 1457) ay tumindig, na nagpakita ng interes hindi lamang sa plastik na anyo at mga istraktura ng pananaw na katangian ng pagpipinta ng Florentine noong panahong iyon, kundi pati na rin sa problema ng kulay. Ang pinakamahusay sa mga nilikha na larawan ng magaspang, matapang, hindi pantay na likas na artist na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng lakas ng kabayanihan at hindi mapigilan na enerhiya. Ito ang mga bayani ng mga kuwadro na gawa ng Villa Pandolfini (circa 1450, Florence, Church of Santa Apollonia) - isang halimbawa ng solusyon sa isang sekular na tema. Ang mga pigura ng mga kilalang pigura ng Renaissance ay namumukod-tangi laban sa berde at madilim na pulang background, kasama ng mga ito ang condottieri ng Florence: Farinata degli Uberti at Pippo Spano. Ang huli ay nakatayong matatag sa lupa, nakabukaka ang mga binti, nakasuot ng baluti, na walang takip ang ulo, na may hawak na espada sa kanyang mga kamay; siya ay isang buhay na tao, puno ng galit na galit na enerhiya at pagtitiwala sa kanyang mga kakayahan. Ang makapangyarihang light-and-shadow modeling ay nagbibigay sa imahe ng plastic strength, expressiveness, emphasizes ang sharpness ng mga indibidwal na katangian, at isang maliwanag na portraiture na hindi pa nakikita sa Italian painting.

Kabilang sa mga fresco ng simbahan, ang Santa Apollonia ay nakatayo para sa saklaw ng imahe at ang talas ng mga katangian " huling Hapunan"(1445–1450). Ang relihiyosong tanawin na ito - ang hapunan ni Kristo na napapaligiran ng mga alagad - ay ipininta ng maraming artista na palaging sumusunod. isang tiyak na uri mga komposisyon. Hindi lumihis si Castagno sa ganitong uri ng konstruksyon. Sa isang gilid ng mesa na matatagpuan sa tabi ng dingding, inilagay ng pintor ang mga apostol. Kabilang sa kanila, sa gitna ay si Kristo. Sa kabilang panig ng mesa ay ang malungkot na pigura ng taksil na si Judas. Gayunpaman, nakakamit ni Castaño ang mahusay na epekto at makabagong tunog sa kanyang komposisyon; Ito ay pinadali ng maliwanag na katangian ng mga imahe, ang nasyonalidad ng mga uri ng mga apostol at Kristo, ang malalim na dramatikong pagpapahayag ng mga damdamin, at ang mariin na mayaman at magkakaibang scheme ng kulay.

Angelico. Ang katangi-tanging kagandahan at kadalisayan ng mga pinong nagniningning na mga pagkakatugma ng kulay, na nakakuha ng isang espesyal na kalidad ng dekorasyon kasama ng ginto, ay nakakabighani sa sining ni Fra Beato Angelico (1387–1455), na puno ng tula at kamangha-manghang. Mistiko sa espiritu, nauugnay sa walang muwang na mundo mga ideya sa relihiyon, ito ay sakop ng tula ng isang kuwentong bayan. Ang mga madamdaming larawan ng "Coronation of Mary" (circa 1435, Paris, Louvre), mga fresco ng Monastery of San Marco sa Florence, na nilikha ng natatanging artist na ito - isang Dominican monghe, ay naliwanagan.

Domenico Veneziano. Ang mga problema sa kulay ay naakit din kay Domenico Veneziano (c. 1410 – 1461), isang katutubo ng Venice na pangunahing nagtrabaho sa Florence. Ang kanyang mga relihiyosong komposisyon ("Adoration of the Magi", 1430–1440, Berlin-Dahlem, Galerya ng sining), walang muwang-fairy-tale interpretasyon ng tema, taglay pa rin ang imprint ng tradisyong Gothic. Ang mga tampok ng Renaissance ay lumitaw nang mas malinaw sa mga larawang ginawa niya. Noong ika-15 siglo, ang portrait genre ay nakakuha ng sarili nitong kahalagahan. Ang komposisyon ng profile, na inspirasyon ng mga sinaunang medalya at ginagawang posible na gawing pangkalahatan at luwalhatiin ang imahe ng taong inilalarawan, ay naging laganap. Ang isang tumpak na linya ay nagbabalangkas ng isang matalim na profile sa "Portrait of a Woman" (kalagitnaan ng ika-15 siglo, Berlin-Dahlem, Picture Gallery). Ang artist ay nakakamit ng isang buhay na direktang pagkakatulad at sa parehong oras ng isang banayad na coloristic na pagkakaisa sa pagkakaisa ng liwanag na nagniningning na mga kulay, transparent, mahangin, paglambot sa mga contour. Ang pintor ang unang nagpakilala sa mga Florentine masters sa pamamaraan ng oil painting. Sa pamamagitan ng pagpapakilala ng mga barnis at langis, pinahusay ni Domenico Veneziano ang kadalisayan at kayamanan ng kulay ng kanyang mga canvases.

Alam ng lahat na ang Italya ay ang puso ng buong panahon ng Renaissance. Ang mga dakilang master ng salita, brush at pilosopiko na pag-iisip ay lumitaw sa bawat isa sa Kultura sa Italya ay nagpapakita ng paglitaw ng mga tradisyon na bubuo sa mga susunod na siglo, ang panahong ito ay naging panimulang punto, ang simula. dakilang panahon pag-unlad ng pagkamalikhain sa Europa.

Maikling tungkol sa pangunahing bagay

Ang sinaunang sining ng Renaissance sa Italya ay sumasaklaw sa panahon mula humigit-kumulang 1420 hanggang 1500, bago at nagtapos sa Proto-Renaissance. Tulad ng anumang panahon ng transisyonal, ang walumpung taon na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng parehong mga ideya na nauna sa kanila at mga bago, na, gayunpaman, ay hiniram mula sa malayong nakaraan, mula sa mga klasiko. Unti-unti, inalis ng mga tagalikha ang mga konsepto ng medieval, na ibinaling ang kanilang pansin sa sinaunang sining.

Gayunpaman, sa kabila ng katotohanan na sa karamihan ng bahagi ay hinahangad nilang bumalik sa mga mithiin ng isang nakalimutang sining, kapwa sa pangkalahatan at sa partikular, ang mga sinaunang tradisyon ay kaugnay pa rin sa mga bago, ngunit sa isang mas maliit na lawak.

Arkitektura ng Italya noong Maagang Renaissance

Ang pangunahing pangalan sa arkitektura ng panahong ito ay, siyempre, Filippo Brunelleschi. Siya ay naging personipikasyon ng arkitektura ng Renaissance, na organikong isinasama ang kanyang mga ideya, nagawa niyang gawing kaakit-akit ang mga proyekto, at, sa pamamagitan ng paraan, ang kanyang mga obra maestra ay maingat na protektado para sa maraming henerasyon. Isa sa kanyang pangunahing malikhaing tagumpay ang mga gusali ay itinuturing na matatagpuan sa pinakasentro ng Florence, ang pinaka-kapansin-pansin ay ang simboryo ng Florentine Cathedral ng Santa Maria del Fiore at ang Pitti Palace, na naging panimulang punto ng arkitektura ng Italyano ng Early Renaissance.

Kasama rin sa iba pang mahahalagang tagumpay ng Renaissance ng Italya, na matatagpuan malapit sa pangunahing plaza ng Venice, mga palasyo sa Roma sa pamamagitan ng mga kamay ni Bernardo di Lorenzo at iba pa. Sa panahong ito, ang arkitektura ng Italya ay nagsisikap na organikong pagsamahin ang mga tampok ng Middle Ages at ang Classics, na nagsusumikap para sa lohika ng mga proporsyon. Ang isang mahusay na halimbawa ng pahayag na ito ay ang Basilica ng San Lorenzo, muli sa pamamagitan ng mga kamay ni Filippo Brunelleschi. Sa iba mga bansang Europeo Ang maagang Renaissance ay hindi nag-iwan ng pantay na kapansin-pansin na mga halimbawa.

Mga Artist ng Sinaunang Renaissance

Mga resulta

Bagama't ang kultura ng Maagang Renaissance sa Italya ay nagsusumikap para sa parehong bagay - upang ipakita ang mga klasiko sa pamamagitan ng prisma ng pagiging natural, iba't ibang landas ang tinahak ng mga tagalikha, na iniiwan ang kanilang mga pangalan sa kultura ng Renaissance. Maraming magagandang pangalan, makikinang na mga obra maestra at isang kumpletong muling pag-iisip ng hindi lamang masining kundi pati na rin sa pilosopikal na kultura - ang lahat ng ito ay dinala sa amin ng isang panahon na naglalarawan sa iba pang mga yugto ng Renaissance, kung saan ang mga itinatag na mga ideyal ay natagpuan ang kanilang pagpapatuloy.

Renaissance, o Renaissance - isang panahon sa kasaysayan ng kulturang Europeo na pumalit sa kultura ng Middle Ages at nauna sa kultura ng modernong panahon. Ang isang natatanging tampok ng Renaissance ay ang sekular na kalikasan ng kultura at ang anthropocentrism nito (iyon ay, interes, una sa lahat, sa tao at sa kanyang mga aktibidad).

Estilo ng Renaissance

Ang mayayamang mamamayan ng Europa ay hindi na kailangang magtago sa likod ng mga pader ng kastilyo. Ang mga ito ay pinalitan ng mga palasyo ng lungsod (palazzos) at mga country villa, na nagpapasaya sa mga may-ari ng kagandahan at kaginhawahan. Ang karaniwang palazzo ay karaniwang may 3-4 na palapag. Sa ibabang palapag ay may mga vestibule, mga silid ng serbisyo, mga kuwadra at mga bodega. Sa susunod na antas - Piano Nobile - may mga maluluwag, pinalamutian nang marangyang mga state room. Minsan ang mga silid-tulugan ng mga miyembro ng pamilya ng may-ari ng bahay ay matatagpuan sa palapag na ito. Ang pribadong kwarto ay ang kwarto at ang "studio," isang silid na ginagamit bilang opisina, workshop, o silid para sa mga pribadong pag-uusap. May malapit na washing room; ang tubig ay kinuha mula sa isang bukal o balon. Ang ikatlong palapag ay madalas na may parehong layout ng piano nobile, na may mga sala na may mas mababang kisame. Sa itaas na palapag ay mas mababa pa ang taas ng mga kisame; may mga silid para sa mga tagapaglingkod. Ang mga medieval na hagdanan ay spiral o kahawig ng makitid na mga puwang na pinutol sa kapal ng mga dingding; ngayon ay naging malapad at tuwid ang mga ito at nangingibabaw sa loob. Ang mga karagdagang hagdanan ay madalas na hindi gaanong naiilawan. Ang country villa ay hindi itinayo sa ganitong masikip na mga kondisyon, at samakatuwid ay maaaring mas malaki. Kasabay nito, ang parehong pamamaraan ay pinananatili: ang mga silid ng serbisyo ay matatagpuan sa ibaba, ang mga silid ng estado ay nasa ikalawang palapag, at ang mga silid ng mga tagapaglingkod ay nasa itaas na palapag o sa attic.

Ang mga interior ng Renaissance ay nagsasalita ng pagkahilig sa mga klasiko. Ang simetrya ay higit sa lahat, at ang mga detalye ay hiniram mula sa sinaunang mga disenyo ng Romano. Ang mga dingding ay kadalasang neutral na tono o may mga pattern. Sa mga mayayamang bahay, ang mga dingding ay madalas na pinalamutian ng mga fresco. Ang mga kisame ay beamed o coffered. Ang mga beam at kaban ng kisame ay pininturahan ng maliliwanag na kulay. Ang mga sahig ay pinalamutian ng mga kumplikadong geometric na pattern. Ang mga fireplace, na nagsilbing tanging pinagmumulan ng init, ay natatakpan ng mga ukit. Sa paghusga sa pamamagitan ng mga kuwadro na gawa ng mga artista noong panahong iyon, ang mga kurtina at iba pang mga accessories ay maraming kulay.

Sa panahon ng Renaissance, ang mga muwebles ay mas laganap kaysa sa Middle Ages, ngunit ayon sa modernong mga pamantayan ay mahirap pa rin ito. Ang pag-ukit, inlay at intarsia ay naroroon sa interior, depende sa mga kakayahan sa pananalapi at panlasa ng may-ari ng bahay.

Ang mga interior ng mga simbahan ng Renaissance ay pininturahan sa mga makulay na kulay at pinalamutian nang husto ng mga detalye ng arkitektura na hiniram mula sa mga sinaunang monumento ng Romano. Bumigay na ang mga stained glass na bintana transparent na salamin. Ang pagpipinta ay malawakang ginamit - mga fresco, mga kuwadro na gawa sa altar. Karaniwang inuutusan at ibinibigay ang mga altar sa mga simbahan ng mayayamang mamamayan, na ang mga larawan ay makikita sa harapan. Sa mga interior ng Renaissance, makikita ang isang paglipat mula sa pagiging simple hanggang sa karilagan.

Maagang Renaissance

Ang Palazzo Davanzati sa Florence (huli sa ika-14 na siglo) ay isang mahusay na napreserbang bahay ng lungsod na itinayo sa pagliko ng dalawang panahon. Ang gusali ay nakatayo sa isang makitid, hindi regular na kapirasong lupa, tipikal ng isang medieval na lungsod. Sa ibabang palapag ay may isang loggia na nakaharap sa kalye, na maaaring magsilbi bilang isang bangko. Mula sa patyo, ang mga hagdan ay humahantong sa mga sahig kung saan matatagpuan ang mga tirahan - maluwag at pinalamutian nang sagana, ngunit magulo ang kinalalagyan, tulad ng sa isang medieval na kastilyo. Mula sa labas ng gusali ay simetriko. Ang mga friezes at console na sumusuporta sa mga ceiling beam ay hiniram mula sa klasikal na arkitektura; ngunit ang mga lead window frame at parang tapestry na wall painting ay bumalik sa Middle Ages. Kahit na may mga kasangkapan, ang mga silid ay tila walang laman, at ang medieval asceticism ay kapansin-pansin pa rin.

Tinatayang kronolohikal na balangkas ng panahon: simula ng XIV- ang huling quarter ng ika-16 na siglo at sa ilang mga kaso - ang mga unang dekada ng ika-17 siglo (halimbawa, sa England at, lalo na, sa Espanya). Lumilitaw ang interes sa sinaunang kultura, ang "revival" nito, kumbaga, ay nangyayari - at ganito ang hitsura ng termino. Hinati ng mga mananalaysay ang Renaissance sa tatlong panahon:maaga, mataas, mamaya Historians luma i-highlight ang matagumpay na panahon ng "High Renaissance", na nagtatapos sa pagtanggi. Itinuturing ng mga modernong siyentipiko na ang bawat panahon ay karapat-dapat sa pag-aaral at paghanga: mula sa matapang na eksperimento hanggang sa kasagsagan huling yugto nailalarawan sa pamamagitan ng malaking kalayaan at pagiging kumplikado.

Renaissance sa France

Noong 1515, si Francis I (1515-1547), sa imbitasyon ng papa, ay gumugol ng apat na araw sa Vatican, kung saan maaaring humanga siya sa sining ng High Renaissance. Inimbitahan ni Francis si Leonardo da Vinci na pumunta sa France, na natupad noong 1516. Si Leonardo ay nanirahan sa paligid ng Amboise, kung saan siya nanirahan hanggang sa kanyang kamatayan noong 1519. Ang pakpak ng Francis sa kastilyo ng Blois (1515-1519) kasama ang sikat nito Ang hagdanan ay may tatlong palapag, na pinalamutian ng mga pilaster at pandekorasyon na elemento na hiniram mula sa mga patyo ng mga palasyo ng Florentine. Ang bubong na may mga tubo at dormer na bintana ay ginawa sa istilong tipikal ng France.

Ang pinaka-kamangha-manghang ng maagang Renaissance kastilyo - malaki Royal Palace Chambord (1519). Bilog medieval tower, moats, matataas na bubong ay pinagsama sa isang simetriko na layout at mga elemento ng pagkakasunud-sunod. Ang iba't ibang chimney, turrets, domes at dormer ay nakapagpapaalaala sa Italian Renaissance. Sa Chateau de Chambord, ang lobby ay idinisenyo sa anyo ng isang Greek cross. Ang two-flight spiral staircase sa gitna ng lobby ay ang core ng buong komposisyon. Dahil nakatira si Leonardo da Vinci malapit sa Amboise, pinaniniwalaan na ang hagdanan ay nilikha batay sa mga sketch na natagpuan sa kanyang mga notebook. Ang mga tirahan ay puro sa mga sulok ng parisukat, ang mga karagdagang silid, hagdanan at koridor ay matatagpuan sa mga sulok na tore, na ginagawang parang isang malaking labirint ang gusali. Ang mga silid ay mukhang hubad. Noong mga panahong iyon, ang mga muwebles ay inilipat kasama ang royal court sa Paris at pabalik. Ito ay pinaniniwalaan na ang plano para sa kastilyo ay dinisenyo ni Domenico da Cortona (d. 1549), isang estudyante ni Giuliano da Sangallo, na bumisita sa France noong 1495 (si Sangallo ay bumalik sa Italya, habang si Domenico ay nanatili sa France). Ang Pranses na arkitekto na si Pierre Iepvo ay may mahalagang papel din, ngunit kung siya ang may-akda ng proyekto o isang simpleng mason na nagtatrabaho sa ilalim ng pangangasiwa ng iba pang mga manggagawa ay hindi malinaw.

Ang maliit na kastilyo ng Azay-le-Rideau sa Loire Valley (1518-1527) ay ang paglikha ng mga hindi kilalang arkitekto. Ang gusali sa hugis ng Latin na letrang B, isang moat na may tubig at isang lawa ay bumubuo ng isang kaakit-akit na grupo. Ang mga corner tower at moat ay nakapagpapaalaala sa Middle Ages, ngunit ang likurang harapan, na nakaharap sa moat, ay ganap na simetriko, at ang mga pilasters at friezes ay nasa istilong Renaissance. Ang pangunahing hagdanan ay matatagpuan sa gitna ng pangunahing dami. Isang kakaibang pasukan ang nagmamarka sa lokasyon nito sa labas. Asymmetrical ang facade ng gusali. Sa kabutihang palad, ang mga interior ng Azay-Rideau ay mahusay na napanatili. Nagsisimula ang isang suite ng mga kuwarto mula sa pangunahing hagdanan. Ang mga kahoy na beam ng kisame ay nakalantad, ang mga dingding ay natatakpan ng tela, ang malalaking fireplace ay malamang na isang likha. Italian master. Ang mga bintana ay naka-recess sa kapal ng mga pader na bato. Dahil ang mga silid ay wala espesyal na layunin, halimbawa, ang kama ay maaaring tumayo sa alinman sa mga ito. Bukod dito, ang bawat silid ay pinalamutian ng isang tiyak na scheme ng kulay.

Brunelleschi

Ang Maagang Renaissance sa Italya ay ang panahon mula humigit-kumulang 1400 hanggang sa katapusan ng ika-15 siglo. Ang unang makabuluhang pigura ay si Filippo Brunelleschi (1377-1446), isang panday-ginto sa Florentine na kalaunan ay naging isang iskultor, geometer at arkitekto. Siya ay isang halimbawa ng isang "Renaissance man." Ang pagkakaroon ng bahagi sa isang kumpetisyon para sa mga disenyo para sa simboryo ng Florence Cathedral, si Brunelleschi ay iminungkahi na magtayo ng isang malaking simboryo na walang mga buttress at walang mga bilog na gawa sa kahoy (sa huling kaso, ito ay kinakailangan upang magtayo ng mamahaling plantsa, na sa kanyang sarili ay isang napakalaking istraktura ng engineering). Noong 1420, sinimulan ni Brunelleschi ang pagtatayo ng engrandeng simboryo, na tumatayo pa rin sa ibabaw ng Florence.

Ang dome ni Brunelleschi ay naiiba sa mga Roman dome sa matulis na hugis nito, na akmang-akma sa Gothic cathedral. Ang pagtatayo ng isang simboryo na walang mga panlabas na buttress ay nangangailangan ng panimula ng mga bagong teknolohikal na solusyon. Matatagpuan ang mga tadyang bato sa mga sulok ng octagon, kasama ang dalawang karagdagang tadyang sa bawat gilid ng simboryo. Ang buong espasyo ng katedral ay ginamit sa proseso ng pagtatayo. Ang mga malalaking koneksyon na gawa sa bato, bakal at kahoy ay hindi nakikita, na nag-uugnay sa simboryo sa "mga singsing ng pag-igting" at pinalamig ang tulak, sapat na upang sirain ang buong istraktura. May isang bilog na bintana sa tuktok ng simboryo. Ang parol ng simboryo, na talagang isang maliit na gusali sa bubong, ay itinayo pagkatapos ng kamatayan ni Brunelleschi, ngunit nasa kanyang istilo at ito lamang ang bahagi ng simboryo na mahigpit na pinapanatili. klasikong istilo.

Kahit na ang napakalaking simboryo ay ang pinakakahanga-hangang istraktura ng Brunelleschi, ang ibang mga disenyo ay sumasalamin sa kanyang konsepto ng panloob na disenyo nang mas ganap. Sa mga simbahang Florentine ng San Lorenzo (nagsimula noong c. 1420) at Santo Spirito (nagsimula noong 1435), sinubukan ni Brunelleschi na gawing bago ang basilica gamit ang transept, choir at side naves. Ang plano ng bawat simbahan ay nahahati sa mga parisukat, ang isang parisukat ay isang module para sa buong istraktura sa kabuuan. Ang gitnang nave ay pinaghihiwalay mula sa gilid nave sa pamamagitan ng Roman arches suportado ng Corinthian columns. Ang gilid nave ay natatakpan ng mga vault. Sa mga gusaling Romano, ang arko ay hindi direktang nakasalalay sa haligi, ngunit sa entablature. Sa Brunelleschi nakikita natin ang parehong bagay: ang mga haligi ay laging nagtatapos sa isang fragment ng isang entablature, isang parisukat na slab, na kung minsan ay tinatawag na isang impost.

Ang pinakaunang gawain ni Brunelleschi sa Simbahan ng San Lorenzo ay ang maliit na Sacristy (kilala bilang Old Sacristy, mayroon ding New Sacristy ni Michelangelo, karaniwang tinatawag na Medici Chapel). Ito ay isang parisukat na silid, na nilagyan ng simboryo sa mga layag. Kumokonekta ito sa isang mas maliit na silid kung saan matatagpuan ang altar (ang tinatawag na scarcella).

Ang maliit na Pazzi Chapel sa patyo ng Church of Santa Croce sa Florence (1429-1461) ay karaniwang itinuturing na gawa ni Brunelleschi, kahit na hindi tiyak na itinatag kung ano ang kanyang kontribusyon sa pagtatayo ng kapilya, na natapos. pagkamatay ng arkitekto, ngunit ito ay sa maraming paraan na nakapagpapaalaala sa Sakristiya sa Simbahan ng St. -Lorenzo. Ito ay madalas na itinuturing na unang istraktura ng Early Renaissance, na nailalarawan sa pamamagitan ng simetrya at mga klasikal na elemento kasama ang pagiging sopistikado at pagbabago. Ang parisukat na espasyo ay natatakpan ng isang simboryo sa mga layag; sa hilaga-timog na direksyon, ang mga braso ng krus na may mga barrel vault ay umaabot mula sa simboryo na parisukat, na ginagawang hugis-parihaba ang parisukat na plano. Ang parisukat na scarcella kasama ang simboryo nito ay nagbabalanse sa plano. Ang kapilya ay itinayo bilang monastic chapter hall; sa loob ay mayroon pa ring mga bangko na nakapalibot sa perimeter ng silid, na nilayon para sa mga monghe na nakikibahagi sa mga pagpupulong. Ang mga dingding ay pinalamutian ng mga pilaster na gawa sa gray-green na marmol; sa itaas na bahagi ng mga dingding ay may mga bilog na niches na may mga relief ni Luca della Robbia (1400-1482). Ang silid ay tila maliit, ngunit sa katunayan ito ay may kahanga-hangang laki. Ito ay maaaring dahil sa hindi ganap na wastong paggamit ng mga klasikal na elemento.

Michelozzo

Ang Palazzo Medici-Riccardi sa Florence (nagsimula noong 1444), na idinisenyo ni Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), na may mga rusticated na pader at maliliit na bintana, ay kahawig ng isang medieval na kastilyo, ngunit ang simetriko na plano at mga elemento ng pagkakasunud-sunod ay nagpapahiwatig ng istilo ng Early Renaissance. Ang gitnang pasukan ay humahantong sa isang maliit na square courtyard na may access sa hardin. Labindalawang hanay ng orden ng Corinto ang sumusuporta sa mga arko, na bumubuo bukas na gallery. Ang mga arko ay direktang nakasalalay sa mga kapital ng mga haligi, na hindi nakakaakit na kumokonekta sa mga sulok, na nagpapahiwatig na ang arkitekto ay walang sapat na kaalaman sa mga batas ng klasikal na arkitektura. Ang mga interior ay simple at hindi pinalamutian, maliban sa mga kahanga-hangang coffered ceilings, door frames at mantelpieces sa klasikal na istilo. Posible na ang mga tapiserya ay nakabitin sa mga pangunahing silid at nagsilbi bilang dekorasyon sa parehong oras. Ang kapilya ay naglalaman ng mga fresco ni Benozzo Gozzoli (1420-1497), na naglalarawan sa "Adoration of the Magi" - isang linya ng mga taong magagarang bihis na gumagalaw sa maburol na lupain. Ang fresco ay kahawig ng tapiserya. Sa kasunod na muling pagtatayo (1680), ang simetrya ay napanatili, bagaman ang orihinal na simetrya ay nananatili lamang sa kaliwang bahagi. Ang patyo ng palazzo ay isang halimbawa ng arkitektura ng Maagang Renaissance: ang mga semi-circular na arko ay nakasalalay sa manipis na mga haligi ng pagkakasunud-sunod ng Corinthian, ang plano ay mahigpit na simetriko.

Alberti

Si Leon Battista Alberti (1404-1472) ay isang scientist, musikero, artist, art theorist at manunulat. Ang kanyang aklat na De Re Aedificatoria (Sa Gusali), na inilathala noong 1485, ang una makabuluhang gawain nakatuon sa arkitektura mula pa noong panahon ni Vitruvius. Ang libro ay nagkaroon malaking impluwensya sa arkitektura ng Italyano. Binabalangkas ng teksto ang mga panuntunan ng mga klasikong order. As in music, relationships mga pangunahing numero Ang 2:3, 3:4 at 3:5 (dalas ng vibration na tumutugma sa musical chords) ay maaaring matagumpay na magamit sa arkitektura.

Ang Simbahan ng Sant'Andrea sa Mantua (nagsimula noong 1471) ay ang pinakamahalagang gawain ni Alberti, na may malaking impluwensya sa arkitektura ng ika-16 na siglo. Ang plano ng simbahan ay cruciform, isang simboryo ay tumataas sa itaas ng gitnang krus, ang gitnang nave, transept at altar ay natatakpan ng mga barrel vault na may mga caisson. Walang mga side naves; sa halip na mga ito, malaki at maliliit na kapilya ang ginawa. Hiwalay nakatayong mga haligi pinalitan ng malalakas na pylon na may mga pilaster. Ang marangyang dekorasyon ng interior ay lumitaw pagkatapos ng kamatayan ni Alberti; ang karaniwang simple at marilag na arkitektura ay nagpapatunay sa impluwensya ng arkitektura ng Romano, lalo na ang imperyal na paliguan, sa arkitekto.

Ang Italya ay itinuturing na lugar ng kapanganakan ng klasikal na Renaissance. Kwento Italian Renaissance umabot ng halos dalawang siglo. Nakaugalian na pag-usapan ang Early Renaissance (kalagitnaan ng ika-14 na siglo - ika-15 siglo), High o Mature Renaissance (huli ng ika-15 siglo - 30s ng ika-16 na siglo) at Late Renaissance (40s - 80s ng ika-16 na siglo).

Bakit unang lumitaw ang kababalaghan ng Renaissance at malinaw na ipinakita ang sarili sa Italya? Ang sagot sa tanong na ito ay nakasalalay sa pang-ekonomiyang eroplano - ito ang maagang paglitaw ng kapitalistang relasyon sa bansa.

Ang mapagpasyahan ay ang pagtaas ng impluwensya ng mga artisan, artisan, mangangalakal at bangkero - iyon ay, mga klase na hindi lumahok sa pyudal na relasyon. Hindi nila ipinahayag ang hierarchical system ng medieval na mga halaga; ang pinakamalaking halaga ay ang tao at ang kanyang malikhaing aktibidad. Ito ay matabang lupa para sa paglitaw ng humanismo. Nag-ambag ito sa mabilis na paglilipat ng pananaw sa daigdig na medieval sa pamamagitan ng umuusbong na bagong burges na pananaw sa mundo na may mga palatandaan ng isang bagong kulturang burgis.

Ito ay lalong maliwanag sa XV siglo noong Quattrocento (Maagang Renaissance). Sa panahong ito, lumitaw ang mga estetika ng sining ng Renaissance, na puno ng diwa ng kaayusan at sukat. Ang isang malalim na sekular na karakter ay isang pagtukoy sa katangian ng kultura ng Renaissance. Baka sa Italy lang XV siglo, ang paboritong artista ng Cosimo de' Medici (ang hindi opisyal na pinuno ng Florence) na si Filippo Lippi (1406-1469) ay nagpasya na ilarawan ang kanyang minamahal (isang madre na minsang inagaw mula sa isang monasteryo) at ang kanyang mga anak sa imahe ng Madonna at si Kristo kasama ni Juan.

Ang mga sekular na sentro ng agham at sining ay nagsimulang lumitaw sa mga lungsod, na hindi na kontrolado ng simbahan. Ngayon ang sining ay naging isang kasangkapan para sa pag-unawa sa mundo, ito ay nauna sa agham, pilosopiya at tula. Ang pananampalataya sa kapangyarihan ng katwiran ay walang limitasyon. tumpak siyentipikong kaalaman. Ang isang bilang ng mga siyentipikong treatise ay lumitaw. Si Leon Battista Alberti (1404-1472) ay itinuturing na unang teorista sa larangan ng pagpipinta at arkitektura, na bumuo ng teorya ng linear na pananaw at isang makatotohanang paglalarawan ng lalim ng espasyo sa isang pagpipinta.

Ang pagkakapira-piraso ng Italya sa ilang mga independiyenteng rehiyon ay naging makasaysayang katangian ng pag-unlad na humantong sa paglitaw ng mga lokal na paaralan ng sining. Ang bawat paaralan ay may kanya-kanyang landas ng pag-unlad, at sa sarili nito mga kilalang kinatawan, na, gayunpaman, ay hindi nangangahulugan ng kanilang paghihiwalay. Ang lahat ng ito ay nag-ambag sa mabilis na pagtatapon ng sistema ng halaga na nilikha ng kultura ng simbahan. Nakipaghiwalay ang Art sa medieval na hindi nagpapakilala sa mga masters nito. Sa History of Art, isinulat ni Pavel Muratov sa "Mga Larawan ng Italya": "Para sa mata ng isang Florentine artist ay walang maliit at hindi gaanong mahalaga. Ang lahat ay isang bagay ng kaalaman para sa kanya. Ngunit ang kaalaman sa mga bagay na pinagsikapan ng taong Quattrocento ay hindi katulad ng kaalaman na bumubuo sa pagmamalaki ng ating edad... kung saan nakikita natin ang heneral, at samakatuwid ay laging dayuhan, doon nakita ng Quattrocento artist ang espesyal at ang kanyang sarili. ! Dahil dito, naging posible ang tagumpay ng indibidwalismo sa sining ng Florentine” .

Ang bagong pananaw sa mundo ay batay sa makatao na mga saloobin ng unang panahon. At ang pag-imbento ng paglilimbag ay nasa gitna XV siglo at malaking bilang ng Ang mga sinaunang monumento sa lupain ng Italya ay nag-ambag sa paglaganap ng sinaunang pamana.

Ang duyan ng kultura ng Renaissance noong panahon ng Quattrocento ay ang Florence, isang mayamang city-commune kung saan nag-iwan sila ng kanilang maliwanag na marka sa sining ni Dante at Giotto. Ang mga rebolusyonaryong pagbabago ay naganap hindi lamang sa agham at sining, naapektuhan din nito ang mga ugnayang panlipunan. Ang nangungunang papel ng Florence ay paunang natukoy ng isang bagong umuusbong na kababalaghan sa lipunan - pagkakawanggawa. Ang kapangyarihang pampulitika sa Florence ay pag-aari ng mga mangangalakal at artisan. Nagkaroon ng patuloy na pakikibaka para sa supremacy sa pagitan ng ilan sa pinakamayayamang pamilya. Sa dulo XIV siglo, ang pakikibaka na ito ay natapos sa tagumpay ng Medici banking house (at kalaunan ang kanyang apo na si Lorenzo, na binansagang Magnificent) sa lahat ng sining, na, siyempre, ay nagbigay-diin sa mataas na katayuang sosyal Medici, sa Florence ang Platonic Academy at ang Laurentian Library ay itinatag noong 1439. Nag-ambag ito sa isang hindi pa naganap na pamumulaklak ng arkitektura at pagpipinta.

Ito ay panahon ng mga pang-eksperimentong paghahanap at pagtuklas, na kinakatawan ng ganoon mga natatanging pangalan tulad ng Donatello, Brunelleschi at Masaccio.

mga larawan mula sa mga website : biografieonline.it, art-prints-on-demand.com, clubausonia.it

Maaari ka ring magpasimula ng talakayan sa mga paksang kinaiinteresan mo aming portal.

Maagang Renaissance sa Italya: mga kondisyon ng paglitaw at mga kinatawan -sa portal 2 queens. ru!

Ang sining ng Italyano ay hindi patuloy na umuunlad sa isang pataas na linya, mula sa isang mas mababang antas hanggang sa isang mas mataas. Linya pag-unlad ng kultura sa panahon ng Renaissance ito ay mas kumplikado at nababaluktot. Sa paglipas ng tatlong siglo, sa walang kapagurang kilusan pasulong, ilang mga pag-aalsa ang lumitaw. Ang pinaka-radikal sa kanila sa Italya ay naganap noong ika-15 siglo. Ito ang panahon ng maagang Renaissance, na minarkahan ng hindi pangkaraniwang intensity ng mga paghahanap. Ang sentro ng inobasyon sa lahat ng anyo ng sining sa panahong ito, tulad ng sa panahon ni Giotto, ay ang Florence. Ang mga aktibidad ng mga tagapagtatag ng unang bahagi ng Renaissance ay naganap dito: ang pintor Masaccio, iskultor Donatello, arkitekto Brunelleschi.

Isa sa mga pinakamahalagang tagumpay ng Quattrocento art, na nagkaroon makasaysayang kahulugan, lumitaw ang doktrina ng pananaw.Mga prospect - ito ay isang imahe ng mga bagay alinsunod sa maliwanag na pagbabago sa kanilang laki at balangkas, na tinutukoy ng antas ng kanilang distansya mula sa tumitingin. Ang mga unang eksperimento sa pagbuo ng pananaw ay ginamit na sa sinaunang Greece, ngunit sa sarili nitong klasikong anyo Ang mga masters ng Italian Quattrocento ay nakabuo ng isang siyentipikong napatunayang pananaw. Si Filippo Brunelleschi ang unang nakatuklas ng mga batas nito, sa gayo'y itinatag bagong programa pag-unlad para sa lahat ng sining ng Florentine.

Gumawa ng konklusyon si Brunelleschi na mapagpasyahan para sa pinong sining: kung ang mga tuwid na sinag na nagmumula sa isang napiling punto sa kalawakan patungo sa itinatanghal na bagay ay tinawid ng isang eroplano, ang isang tumpak na projection ng bagay na ito ay makukuha sa eroplanong ito. Malamang, ang pag-aaral ni Brunelleschi ng mga optical na batas ay naudyukan ng pag-aaral ng mga guho ng Romano, na maingat niyang sinukat at iginuhit.

Ang kaibigan ni Brunelleschi, ang iskultor na si Donatello, ay gumamit ng linear na pananaw sa sculptural relief ("Labanan ng St. George kasama ang dragon" , 1416), nakakamit ang impression ng spatial depth. Ginamit ng kanilang kontemporaryong Masaccio ang pagtuklas na ito sa pagpipinta (fresco"Trinity" , 1427). Sa wakas, ang arkitekto at art theorist na si Alberti ay nagbigay ng detalyadong teoretikal na pag-unlad ng mga batas ng pananaw sa kanyang "Treatise on Painting" (1435).

Mga bagong uso sa sining unang lumitaw saeskultura . Dati puro pangunahin sa mga interior, ito ay isinasagawa na ngayon sa mga harapan ng mga simbahan at mga pampublikong gusali, sa mga parisukat ng lungsod, hindi na nasa ilalim ng arkitektura.

Ang panimulang punto ng kasaysayan ng iskultura ng maagang Renaissance ay tradisyonal na itinuturing na 1401, nang ang batang alahas na si Lorenzo Ghiberti ay nanalo sa isang kumpetisyon ng mga iskultor na nakikipagkumpitensya para sa karapatang gumawa ng mga tansong pinto ng Florentine Baptistery . Si Ghiberti ay isa sa mga nangungunang iskultor sa kanyang panahon. Siya ang nagmamay-ari ng isa sa mga pinakatanyag na gawa ng unang bahagi ng Renaissance - ang pangalawang silangang pintuan ng baptistery, na kalaunan ay tinawag ni Michelangelo na "Gates of Paradise". Ang kanilang mga relief ay nakatuon sa mga eksena mula sa Lumang Tipan.

Ang pinakamatalino na iskultor ng Quattrocento ay si Donato di Niccolo di Betto Bardi, na bumaba sa kasaysayan ng kultura ng mundo sa ilalim ng pangalang Donatello (1386-1466). Isa siya sa pinakamapangahas na repormador ng sining ng Italyano. Isa sa mga pangunahing tagumpay ni Donatello ay ang muling pagkabuhay ng free-standing round statue. Nakumpleto niyaestatwa ng matagumpay na david (Florence) ay ang unang iskultura ng Renaissance, hindi nauugnay sa arkitektura, napalaya mula sa masikip na angkop na lugar at naa-access upang tingnan mula sa lahat ng panig. Ang paglikha ng imahe ng maalamat na pastol na tumalo sa higanteng si Goliath, na para sa maraming mga lungsod-republika ng Italya ay naging simbolo ng kalayaan, hinangad ni Donatello na mapalapit sa magagandang halimbawa ng sinaunang iskultura. Ang kanyang David ay ipinakita na hubad, tulad ng isang sinaunang bayani. Wala ni isa mang iskultor ng Renaissance ang nagpasya na magpakita ng biblikal na karakter sa ganitong anyo.

Ang isa pang sikat na likha ng Donatello ay isang monumento sa matapang na pinuno ng militar na si Erasmo di Narni, na tinawag na Gattamelata ("Sly Cat"). Ang isang tao ng mga tao, si Erasmo, sa pamamagitan ng kapangyarihan ng kanyang isip at talento, ay naging lumikha ng kanyang sariling kapalaran, naging katangi-tanging estadista. At ang iskultor, na pinapanatili ang pagkakahawig ng larawan, ay nagpakita ng isang pangkalahatang imahe ng isang tao ng isang bagong panahon, na parang kinukumpirma ang mga salita ni Petrarch: "Ang dugo ay palaging pareho ang kulay. Maharlikang tao Pinadakila niya ang kanyang sarili sa pamamagitan ng kanyang sariling mga gawa.”

Ang higit na laganap ay ang apela sa mga sinaunang tradisyon saarkitektura . Mga sketch at sukat ng mga sinaunang gusaling Romano, pag-aaral ng treatise ng Vitruvius, na natagpuan sa simulaXVsiglo, nag-ambag sa mabilis na pag-alis ng mga Gothic na anyo ng mga antique. Ang sinaunang kaayusan ay muling binubuhay at malikhaing inisip, na nagpasimula ng lohikal na proporsyonalidad at pagkakatugma sa arkitektura ng modernong panahon. Kung ang Gothic cathedral ay mahirap nang makita dahil sa napakalaking sukat nito, kung gayon ang mga gusali ng Renaissance ay tila natatakpan ng isang sulyap. Sila ay nakikilala sa pamamagitan ng kamangha-manghang proporsyonalidad.

Ang unang pangunahing monumento ng arkitektura ng Renaissance - itinayo ni Brunelleschisimboryo ng Katedral ng Santa Maria del Fiore sa Florence. Sa laki nito, ito ay bahagyang mas mababa sa simboryo ng Roman Pantheon, ngunit, hindi katulad nito, hindi ito nakasalalay sa isang bilog, ngunit sa isang octagonal na base.

Kasabay ng pagtatayo ng simboryo, pinamunuan ni Brunelleschi ang pagtatayo ng isang bahay-ampunan,Orphanage . Ito ang unang gusali ng istilong Renaissance, napakalapit sa mga sinaunang gusali sa istraktura nito, kalinawan ng hitsura at pagiging simple ng anyo. Ang pinaka-kahanga-hangang bagay tungkol dito ay ang harapan, pinalamutian ng isang portico sa anyo ng isang arched loggia. Ang portico ay nagbubukas sa buong lapad ng gusali, na lumilikha ng impresyon ng kaluwagan at kapayapaan, at pinahuhusay ang preponderance. pahalang na linya. Ang resulta ay isang gusali na ganap na kabaligtaran sa Gothic aspiration paitaas. Ang bago rin ay ang kawalan ng mayayamang sculptural na dekorasyong katangian ng mga Gothic cathedrals.

Ang uri ng loggia na may kalahating bilog na mga arko at malawak na espasyo na manipis na mga haligi na ginamit sa Orphanage ay kalaunan ay itinatag sa arkitektura ng Renaissance.palazzo .

Ang palazzo ay isang city palace-mansion kung saan nakatira ang mayayamang tao. Karaniwan itong tatlong palapag na gusali na nakaharap sa kalye. Ayon sa kanilang plano, ang palazzo ay lumapit sa isang parisukat, sa gitna nito ay looban, napapaligiran ng mga arched gallery.

Pagpipinta Ang Italian Quattrocento ay nagsisimula sa Masaccio (1401-1428, totoong pangalan Tommaso di Giovanni di Simone Cassai). Si Masaccio ay isa sa mga pinaka-independyente at pare-parehong mga henyo sa kasaysayan sining ng Europa. Tulad ng maraming iba pang mga artista sa panahong ito, nagtrabaho siya sa larangan monumental na pagpipinta, na isinagawa sa mga dingding gamit ang pamamaraan ng fresco. Sa pagpapatuloy ng paghahanap ni Giotto, nagawa ni Masaccio na bigyan ang mga larawan ng isang walang uliran na parang buhay na pagiging tunay.

Ang tuktok ng kanyang pagkamalikhain ay mga frescoMga Chapel ng Brancacci Simbahan ng Santa Maria del Carmine sa Florence. Inilalahad nila ang kuwento ni Apostol Pedro, gayundin kuwento sa Bibliya"Pagpapatalsik mula sa Paraiso", binibigyang-kahulugan nang may pambihirang dramatikong puwersa.

Lahat ng nasa fresco na ito ay puno ng espesyal na kahanga-hanga, epikong kapangyarihan, at kabayanihan. Ang lahat ay binibigyang-diin na napakalaki: ang artista ay tila hindi gumuhit ng mga porma, ngunit nililok ang mga ito sa tulong ng chiaroscuro, na nakamit ang halos sculptural relief. Isang magandang halimbawa ng malikhaing istilo ni Masaccio"Ang Himala ng Stater" (ang kuwento ng isang barya na mahimalang natagpuan sa bibig ng isang isda, na nagbigay kay Kristo at sa kanyang mga disipulo ng daan sa lungsod ng Capernaum).

Pinutol ng kapalaran ang pagtaas ng henyo sa ika-27 taon ng kanyang buhay, ngunit ang nagawa niyang gawin ay nagdala sa kanya ng katanyagan bilang tagapagtatag ng isang bagong sining. Pagkamatay ni Masaccio, ang Brancacci Chapel ay naging paaralan para sa lahat ng sumunod na pintor, isang lugar ng paglalakbay.

Masaccio, Brunelleschi, Donatello ay malayo sa nag-iisa sa kanilang paghahanap. Kasabay nito, maraming mga orihinal na master ang nagtrabaho sa kanila sa iba't ibang mga lungsod ng Italya: Fra Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca, Andrea Mantegna.

Sa pagtatapos ng Quattrocento, ang likas na katangian ng mga adhikain ng pagpipinta ng Italyano ay nagbago nang malaki: ang pag-aaral ng pananaw at mga proporsyon ay kumupas sa background, habang ang pag-aaral ng kalikasan ng tao ay nauna. Kasunod ng panitikan at tula, ang pagpipinta ay nagpapakita ng matinding buhay ng kaluluwa, ang paggalaw ng mga damdamin. Nag-aambag ito sa pagbuo ng genre ng portrait, at isang bagong uri nito, sa isang tatlong-kapat na pagkalat, at hindi sa profile, tulad ng dati.

Isang artista na ang gawa ay naglalaman ng bago masining na ideya natagpuan ang pinaka maayos na expression, lumitawSandro Botticelli (1445-1510, tunay na pangalan Alessandro Filipepi).

Si Botticelli ay isang kinatawan ng Florentine school of painting. Malapit siya sa korte ni Lorenzo Medici, isang mahuhusay na politiko at diplomat, isang mahusay na edukadong tao, isang matalinong makata, isang mahilig sa panitikan at sining, na nagawang makaakit ng maraming mahuhusay na humanista, makata, at artista

Dahil nauugnay sa isang lupon ng mga iskolar ng Florentine, kusang umasa si Botticelli sa kanyang mga gawa sa mga programang patula na kanilang pinagsama-sama. Dahil sa inspirasyon ng antiquity at Renaissance poetry, sila ay alegoriko sa kalikasan. Ang isang espesyal na papel sa kanila ay ginampanan ng imahe ni Venus, ang sagisag ng pag-ibig bilang pinakamataas na damdamin ng tao.

Ang Venus ang sentrong larawan ng mga kuwadro na nagpatanyag kay Botticelli:"Spring" At "Kapanganakan ni Venus" Sa mga mitolohikong komposisyong ito, kung saan naghahari ang pag-ibig, namumulaklak ang mahiwagang alindog ng ideal ng kagandahan ni Botticell. Ang kagandahang ito ay may espesyal na pagiging sopistikado, marupok na kawalan ng pagtatanggol. At sa parehong oras, ito ay nagtatago ng napakalaking panloob na lakas, ang lakas ng espirituwal na buhay.

Parehong kayamanan panloob na mundo ang mga tao ay ipinahayag sa manonood sa pamamagitan ng mga larawan ng artist: "Portrait of a Jeweller", "Giuliano de' Medici" at iba pa.

Ang pinakamalalim na personal na karanasan na nauugnay sa pampublikong buhay ng Florence sa duloXV siglo , tinukoy ang mataas na trahedya ng mga huling gawa ni Botticelli: "Lamentation of Christ", "Abandoned".

Sa huling ikatlong bahagi ng ika-15 siglo, kasama ang paaralang Florentine, mga paaralan ng sining sa Umbria (Pinturicchio), Venice (Gentile at Giovanni Bellini, Carpaccio), Ferrara, Lombardy, at nangunguna pa sentro ng kultura Ang Italya ay nananatiling Florence. Dito, noong 1470s, nagsimula ang malikhaing aktibidad ni Leonardo da Vinci, dito ipinanganak at lumaki si Michelangelo, na nanalo sa katanyagan ng unang artist sa pamamagitan ng paglikha ng estatwa ni David (bilang simbolo ng Florence, inilagay ito sa harap ng Palazzo della Signoria). Malaki rin ang ginampanan ni Florence sa malikhaing pag-unlad ni Raphael, na nagpinta ng malawak na suite ng kanyang Madonnas dito (nang dumating siya sa Florence, parehong nagtrabaho doon sina Leonardo at Michelangelo). Ang gawain ng mga makikinang na master na ito, kasama ang sining ng Bramante, Giorgione, at Titian, ay minarkahan ang panahon ng High Renaissance.

Ang Medicis ay isang pamilya ng mayayamang bangkero naXVsiglo, sa katunayan, ay kabilang sa kapangyarihan sa Florence.

isang popular na pag-aalsa laban sa Medici, na pinamunuan ng Dominican monghe na si Savonarola, isang marahas na pag-atake ng mga tagasunod ni Savonarola laban sa "makasalanang dumi" ng sekular na kultura, at sa wakas, ang pagtitiwalag ni Savonarola mula sa simbahan at ang kanyang kamatayan sa taya.

Ang pagkakaroon ng karanasan malakas na impluwensya Savonarola, nagulat si Botticelli sa kanyang pagkamatay.