Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Bago magsimula sa isang praktikal na pagsusuri, kinakailangan na gumawa ng isang makabuluhang puna: sa isang larawan ay hindi dapat hanapin kung ano ang wala sa loob nito, iyon ay, sa anumang kaso ay hindi dapat itakda ng isa upang ayusin ang isang buhay na gawain sa isang tiyak na pamamaraan. Kapag tinatalakay ang mga anyo at paraan ng komposisyon, inilista namin ang mga posibleng galaw at mga opsyon para sa mga aksyon ng artist, ngunit hindi namin iginiit na ang lahat ng mga ito ay kinakailangang gamitin sa pagpipinta. Ang pagsusuri na inaalok namin ay mas aktibong nagpapakita ng ilan sa mga tampok ng trabaho at, kung maaari, ay nagpapaliwanag sa layunin ng komposisyon ng artist.

Paano hatiin ang isang solong organismo sa mga bahagi? Maaari mong gamitin ang tradisyunal na hanay ng mga aksyon: gumuhit ng mga diagonal na palakol upang matukoy ang geometric na sentro ng larawan, i-highlight ang liwanag at madilim na mga lugar, malamig at mainit na tono, matukoy ang semantic center ng komposisyon, kung kinakailangan, ipahiwatig ang mga compositional axes, atbp. Pagkatapos mas madaling itatag ang pormal na istruktura ng imahe.

2.1. PAGSUSURI NG KOMPOSISYON NG BUHAY PA

Upang mas malawak na masakop ang iba't ibang mga diskarte sa pagbuo ng still life, isaalang-alang natin ang classic still life ng ikalabinpitong siglo, pagkatapos ay ang still lifes nina Cezanne at Mashkov.

2.1.1. V. Kheda. Almusal na may blackberry pie. 1631

Ang pagkakaroon ng pagguhit ng unang dayagonal, napapansin namin na ang komposisyon ng buhay na buhay ay ginawa sa gilid ng isang napakarumi, ngunit ang artist ay napakatalino na nakayanan ang gawain ng pagbabalanse, na nagpapakilala ng isang unti-unting pagliwanag ng background sa kaliwa at pataas. Pagsusuri ng hiwalay na liwanag at madilim na pangkalahatang mga spot, kumbinsido kami sa light-tonal na integridad ng komposisyon, at nakikita namin kung paano ang puting tela at ang iluminado na ibabaw ng base ng nakahiga na plorera ay humahawak sa mga pangunahing accent at lumikha ng mga kondisyon para sa maindayog na pag-aayos ng mga dark spot. Ang isang malaking maliwanag na lugar ay unti-unting gumuho sa maliliit na kislap ng liwanag. Ang lokasyon ng mga dark spot ay itinayo gamit ang parehong pamamaraan.

Ang init at lamig ng buhay na buhay sa konteksto ng halos monochrome na pagpipinta ay napaka banayad at pinong ipinahayag nang detalyado at nahahati sa malalaking masa sa kaliwa at kanan. Upang mapanatili ang integridad ng kulay, ipinakilala ni Heda ang mga malamig na lilim ng mga bagay sa kaliwa, "mainit" na bahagi ng larawan at, nang naaayon, mga mainit na tono sa kanan, "malamig" na bahagi.

Ang ningning ng buhay pa rin na ito, na isang dekorasyon ng Dresden Gallery, ay namamalagi hindi lamang sa ganap na materyalidad ng mga bagay, kundi pati na rin sa maingat na pinag-isipang komposisyon ng larawan.

2.1.2. P. Cezanne. Mga milokoton at peras. Huling bahagi ng 1880s.

Sa buhay na ito, dalawang pare-parehong sentro ang maaaring masubaybayan: una, isang puting tuwalya kung saan inilalagay ang mga prutas at pinggan, at pangalawa, mga milokoton sa isang plato sa gitna ng larawan. Lumilikha ito ng maindayog na three-way approach ng mata sa focal point ng larawan: mula sa pangkalahatang background hanggang sa tuwalya, pagkatapos ay sa mga peach sa plato, pagkatapos ay sa mga kalapit na peras.

Kung ikukumpara sa buhay pa ni Heda, mas malawak ang trabaho ni Cezanne scheme ng kulay, samakatuwid, ang init at lamig ng still life ay kumakalat sa buong ibabaw ng larawan at mahirap paghiwalayin ang mga lokal na hanay ng mainit at malamig na mga kulay. Ang isang espesyal na lugar sa still life ay inookupahan ng isang pahilig na malawak na madilim na guhit sa background. Ito ay isang uri ng anti-dominant ng komposisyon at sa parehong oras ay binibigyang diin ang kaputian ng tela sa mga highlight at ang kadalisayan ng mga kulay sa mga anino. Ang buong istraktura ng pagpipinta ay magaspang at may sadyang halatang mga bakas ng brush - binibigyang-diin nito ang likas na gawa ng kamay at paghahayag ng mismong proseso ng paglikha ng pagpipinta. Ang aesthetics ng mga komposisyon ni Cézanne, na kalaunan ay dumating sa Cubism, ay nakasalalay sa nakabubuo na kahubaran ng malakas na frame ng paghubog ng kulay ng anyo.

2.1.3. I. Mashkov. pagkain sa Moscow. 1924

Ang komposisyon ng isang still life ay may posibilidad na maging simetriko. Ang kapunuan ng buong espasyo ng larawan ay hindi lalampas sa frame; ang komposisyon ay nakaupo nang matatag sa loob, na nagpapakita ng sarili sa isang bilog o sa isang parisukat (ang pag-aayos ng mga tinapay). Ang kasaganaan ng pagkain ay tila pumutok sa mga hangganan ng larawan, habang ang tinapay ay nag-iiwan sa puting plorera bilang pinuno ng kulay, na nagpangkat-pangkat sa paligid nito. Ang makapal, puspos na kulay at siksik na materyalidad ng mga tinapay, na binibigyang-diin ng tumpak na nahanap na texture ng mga inihurnong produkto, ay pinagsasama ang mga bagay sa isang maayos na pinagsama-samang mainit na integral na lugar, na nag-iiwan sa background na medyo mas malamig ang kulay. Ang puting lugar ng plorera ay hindi lumalabas sa eroplano;

Sa pagpipinta mayroong dalawang madilim na pahaba na mga spot na matatagpuan patayo sa bawat isa: ito ay isang piraso ng nakabitin na tela sa dingding at sa ibabaw ng tabletop. Pinagsasama sa kulay, pinipigilan nila ang "pagkalat" ng mga bagay. Ang parehong pagpigil, pinag-isang epekto ay nalilikha ng dalawang pahalang na guhit sa gilid ng istante at tabletop.

Kung ihahambing mo ang buhay pa rin nina Cezanne at Mashkov, makakakuha ka ng impresyon na, gamit ang mga coloristic na tagumpay ng dakilang Cezanne, si Ilya Mashkov ay bumaling din sa kahanga-hangang colorism ng "monochrome" na Heda. Siyempre, ito ay isang impresyon lamang; tulad ng isang mahusay na artist bilang Mashkov ay ganap na independyente, ang kanyang mga tagumpay ay natural na lumago mula sa kanyang artistikong kalikasan.

2.2. KOMPOSISYON NG LANDSCAPE

Mayroong isang tradisyunal na panuntunan sa mga landscape: ang kalangitan at landscape ay dapat na hindi pantay sa compositional mass. Kung ang isang artista ay nagtatakda ng kanyang layunin na magpakita ng espasyo, walang hangganang espasyo, ibinibigay niya ang karamihan sa larawan sa kalangitan at binibigyang pansin ito. Kung ang pangunahing gawain para sa artist ay upang ihatid ang mga detalye ng landscape, kung gayon ang hangganan ng landscape at ang kalangitan sa larawan ay karaniwang matatagpuan nang malaki sa itaas ng optical center ng komposisyon. Kung ang hangganan ay inilagay sa gitna, pagkatapos ay ang imahe ay nahahati sa dalawang bahagi, na pantay na nag-aangkin ng pangingibabaw - ang prinsipyo ng subordination ng pangalawang sa pangunahing ay nilabag. Ang pangkalahatang pangungusap na ito ay mahusay na inilalarawan ng gawa ni P. Bruegel.

2.2.1. Pieter Bruegel ang Matanda. Ang Pagbagsak ni Icarus. Mga 1560

Ang komposisyon ng landscape ay kumplikado at sa parehong oras ay napaka natural, sa unang sulyap ito ay medyo nabawasan sa detalye, ngunit sa maingat na pagsusuri ito ay napakahigpit na iniakma. Ang kabalintunaan ni Pieter Bruegel ay nagpakita ng sarili sa paglilipat ng semantic center ng larawan (Icarus) sa paligid, at ang pangalawang karakter (ang mag-aararo) - sa sentro ng komposisyon. Ang ritmo ng madilim na tono ay tila random: ang kasukalan sa kaliwa, ang ulo ng mag-aararo, ang mga puno sa gilid ng tubig, ang katawan ng barko. Gayunpaman, tiyak na ang ritmong ito ang hindi nagpapahintulot sa mata ng manonood na umalis sa larawan sa kahabaan ng madilim na diagonal na strip sa madilim na gilid ng mataas na bahagi ng baybayin. Ang isa pang ritmo ay itinayo ng mga maiinit na tono ng mga magaan na lugar ng canvas, pati na rin ng isang malinaw na dibisyon ng espasyo ng landscape sa tatlong eroplano: baybayin, dagat, kalangitan.

Sa maraming mga detalye, ang komposisyon ay sinusuportahan ng isang klasikong pamamaraan - isang accent ng kulay na nilikha ng pulang kamiseta ng mag-aararo. Nang walang pagpunta sa isang detalyadong paglalarawan ng mga detalye ng larawan, hindi maaaring makatulong ngunit humanga mapanlikha pagiging simple mga ekspresyon malalim na kahulugan gawa: hindi napansin ng mundo ang pagbagsak ni Icarus.

2.2.2. Francesco Guardi. Isola di San Giorgio sa Venice. 1770s.

Sa mga tuntunin ng kulay, ito ay isa sa mga pinaka-kahanga-hangang mga pagpipinta sa buong kasaysayan ng pagpipinta, ngunit ang pagiging perpekto ng larawan ay hindi makakamit nang walang isang magandang itinayong komposisyon na nakakatugon sa lahat ng mga klasikal na canon. Ganap na balanse na may kawalaan ng simetrya, epikong kamahalan na may dynamic na ritmo, tiyak na natagpuan ang ratio ng mga masa ng kulay, mahiwagang init at lamig ng hangin at dagat - ito ang gawain ng isang mahusay na master.

Ang pagsusuri ay nagpapakita na ang ritmo sa komposisyon ay binuo nang patayo, pahalang at pahilis. Ang patayong ritmo ay nabuo sa pamamagitan ng mga tore, mga haligi, at ang paghahati ng mga pader ng palasyo kasabay ng mga palo ng mga bangka. Ang pahalang na ritmo ay tinutukoy ng lokasyon ng mga bangka sa kahabaan ng dalawang haka-haka na pahalang na linya, ang paanan ng palasyo, at ang mga linya ng mga bubong kung saan sila kumonekta sa mga dingding. Napaka-interesante ay ang dayagonal na ritmo ng mga tuktok ng mga tore, ang simboryo, ang mga estatwa sa itaas ng portico, ang pananaw ng kanang pader, ang mga bangka sa kanang bahagi ng larawan. Upang balansehin ang komposisyon, ang isang alternatibong diagonal na ritmo ay ipinakilala mula sa kaliwang bangka hanggang sa gitnang simboryo ng palasyo, pati na rin mula sa kalapit na gondola hanggang sa tuktok ng mga palo sa kanan.

Ang mainit na kulay ng mga pader ng palasyo at ang ginto ng sinag ng araw sa mga facade na nakaharap sa manonood nang maayos at malakas na i-highlight ang gusali laban sa background ng pangkalahatang mayaman na kulay ng dagat at kalangitan. Walang hangganan sa pagitan ng dagat at kalangitan - nagbibigay ito ng hangin sa buong tanawin. Ang pagmuni-muni ng palasyo sa tahimik na tubig ng bay ay pangkalahatan at ganap na walang mga detalye, na nagpapahintulot sa mga figure ng mga rowers at sailors na hindi mawala.

2.2.3. G. Nissky. Rehiyon ng Moscow. Pebrero. 1957

Nilikha ni Nyssky ang kanyang mga gawa bilang mga purong komposisyon; Kabisado niya ang mga landscape, hinigop ang pinakamaraming katangian at detalye sa kanyang kamalayan, at gumawa ng mga pagpili sa isip bago pa man magsimulang magtrabaho sa easel.

Ang isang halimbawa ng tulad ng isang pinong komposisyon ay "Podmoskovye". Ang lokalidad ng mga masa ng kulay, ang malinaw na paghihiwalay ng mahabang malamig na mga anino at ang pinkish na kaputian ng snow, ang mahigpit na naka-calibrate na mga silhouette ng mga puno ng fir sa gitnang lupa at ang malayong kagubatan, isang tren ng kargamento na nagmamadali sa isang liko, tulad ng isang kongkretong highway. iginuhit kasama ang isang pinuno - ang lahat ng ito ay lumilikha ng isang pakiramdam ng pagiging moderno, sa likod ng isang ito ay makikita ang pang-industriya na edad, kahit na ang liriko ng landscape ng taglamig kasama ang purong snow, ang katahimikan sa umaga, ang mataas na kalangitan ay hindi nagpapahintulot sa amin na maiugnay ang pagpipinta sa isang gawa sa isang tema ng produksyon:

Ang partikular na tala ay ang mga relasyon sa kulay sa background. Bilang isang patakaran, ang mga distansya ay nakasulat sa isang mas malamig na tono kaysa sa harapan, habang sa Nyssa ang malayong kagubatan ay pininturahan sa mainit na mga kulay. Mukhang mahirap ilipat ang isang bagay sa kailaliman ng larawan na may ganoong kulay, ngunit kung bibigyan mo ng pansin ang pinkish-orange na kulay ng kalangitan, kung gayon ang artist ay kailangang lumabag pangkalahatang tuntunin pagbuo ng espasyo upang ang kagubatan ay hindi tumayo nang husto laban sa kalangitan, ngunit ito ay pinagsama-sama nito. Inilagay ng master sa background ang pigura ng isang skier na nakasuot ng pulang sweater. Ang maliwanag na lugar na ito, sa isang napakaliit na lugar, ay aktibong hawak ang komposisyon at binibigyan ito ng spatial na lalim. Ang paghahati ng mga pahalang na masa na nagtatagpo patungo sa kaliwang bahagi ng larawan at ang pagkakatugma sa mga patayo ng mga puno ng fir ay nagbibigay sa gawaing compositional drama.

2.3. KOMPOSISYON NG PORTRAIT

Binibigyang-kahulugan ng mga artista ang isang larawan bilang isang gawa sa iba't ibang paraan. Ang ilan ay nagbibigay-pansin lamang sa tao, nang hindi nagpapakilala ng anumang mga detalye ng nakapaligid na sitwasyon, nagpinta sila sa isang neutral na background, ang iba ay nagpapakilala sa paligid sa larawan, tinatrato ito bilang isang pagpipinta. Ang komposisyon sa pangalawang interpretasyon, bilang isang panuntunan, ay mas kumplikado; ito ay gumagamit ng maraming pormal na paraan at pamamaraan na nabanggit kanina, ngunit kahit na sa isang simpleng imahe sa isang neutral na background, ang mga gawain sa komposisyon ay napakahalaga.

Angishola Sofonisba. Self-portrait

2.3.1. Tintoregto. Larawan ng isang lalaki. 1548

Binibigyang pansin ng artista ang lahat ng kanyang pansin sa paghahatid ng masiglang pagpapahayag ng mukha. Sa totoo lang, walang itinatanghal sa portrait maliban sa ulo; Sa sitwasyong ito, ang sukat at balanse ng komposisyon ay nagiging lalong mahalaga. Maingat na sinukat ng artist ang mga sukat ng frame na may balangkas ng imahe, tinukoy ang lugar ng mukha na may klasikal na katumpakan at, sa loob ng integridad ng kulay, nililok ang mga halftone at mga anino na may maiinit na pintura. Ang komposisyon ay simple at perpekto.

2.3.2. Raphael. Larawan ng isang binata (Pietro Bembo). Mga 1505

Sa tradisyon Mataas na Renaissance Ang mga larawan ay nilikha laban sa backdrop ng tanawin ng Italyano. Ito ay laban sa background, at hindi sa kapaligiran ng kalikasan. Ang isang tiyak na kombensyon ng pag-iilaw, na pinapanatili ang sukat ng figure na may kaugnayan sa frame, na binuo sa mga portrait na walang kapaligiran, pinapayagan ang master na ipakita ang taong inilalarawan nang napakalapit, sa lahat ng mga detalye ng katangian. Ito ang "Portrait of a Young Man" ni Raphael.

Bust figure binata komposisyon na binuo sa ritmo ng ilang mga pares ng kulay: una, mayroong isang pulang takip at ang nakikitang bahagi ng isang pulang kamiseta; pangalawa, sa kanan at kaliwa ay may isang pares ng mga dark spot na nabuo sa pamamagitan ng umaagos na buhok at isang kapa; pangatlo, ito ay mga kamay at dalawang fragment ng kaliwang manggas; pang-apat, may strip ng white lace collar at strip ng nakatiklop na papel sa kanang kamay. Ang mukha at leeg, na bumubuo ng isang karaniwang mainit na lugar, ay ang pormal at semantikong pokus ng komposisyon. Ang tanawin sa likod ng likod ng binata ay idinisenyo sa mas malamig na mga kulay at bumubuo ng isang magandang hanay sa konteksto ng pangkalahatang kulay. Ang tanawin ay hindi naglalaman ng mga pang-araw-araw na detalye; ito ay desyerto at kalmado, na nagbibigay-diin sa epikong katangian ng trabaho.

Mayroong isang detalye sa larawan na naging misteryo sa mga artista sa loob ng maraming siglo: kung ang isang maselang draftsman ay sumubaybay sa linya ng balikat at leeg hanggang sa ulo (sa kanan), kung gayon ang leeg ay lumalabas, sa mga propesyonal na termino, na ganap na walang kaugnayan sa masa ng ulo. Ang napakahusay na dalubhasa sa anatomy gaya ni Raphael ay hindi maaaring gumawa ng ganoong simpleng pagkakamali. May painting si Salvador Dali na tinawag niyang "Self-Portrait with Raphael's Neck." Sa katunayan, ang hugis ng leeg ng larawan ni Raphael ay naglalaman ng ilang uri ng hindi maipaliwanag na kaakit-akit na plastik.

2.3.3. K. Korovin. Larawan ng F.I. Shalyapin. 1911

Karamihan sa gawaing ito ay hindi karaniwan para sa isang manonood na nagsasabing klasikal na pagpipinta. Ang format mismo ay hindi pangkaraniwan, ang pag-uulit ng komposisyon ng pigura ng mang-aawit, ang balangkas ng talahanayan at ang shutter ay hindi karaniwan, at, sa wakas, ang kaakit-akit na pag-sculpting ng mga form na walang mahigpit na pagguhit ay hindi karaniwan.

Ang ritmo ng mga masa ng kulay mula sa ibabang kanang sulok (mainit na tono ng dingding at sahig) hanggang sa itaas na kaliwang sulok (berde sa labas ng bintana) ay tumatagal ng tatlong hakbang, nagbabago sa malamig na direksyon. Upang balansehin ang komposisyon at mapanatili ang integridad ng kulay, ang mga flash ng mainit na tono ay ipinakilala sa malamig na zone, at, nang naaayon, ang mga malamig sa mainit na zone.

Gumagamit ang artist ng isa pang ritmo ng kulay sa mga detalye: ang mga maiinit na accent ay kumikislap sa buong ibabaw ng larawan (sapatos - sinturon - salamin - mga kamay).

Ang sukat ng figure na may kaugnayan sa frame ay nagpapahintulot sa amin na isaalang-alang ang paligid hindi bilang isang background, ngunit bilang isang ganap na bayani ng larawan. Ang pakiramdam ng hangin kung saan ang mga hangganan ng mga bagay ay natutunaw, ang liwanag at mga reflexes ay lumilikha ng ilusyon ng libreng improvisasyon nang walang sinasadyang komposisyon, ngunit ang larawan ay may lahat ng mga palatandaan ng isang pormal na karampatang komposisyon. Ang isang master ay isang master.

2.4. KOMPOSISYON NG KWENTO LARAWAN 2.4.1. Raphael. Sistine Madonna. 1513

Ang pagpipinta na ito ay marahil ang pinakasikat sa mundo, na karibal sa kasikatan lamang ng La Gioconda ni Leonardo da Vinci. Ang imahe ng Ina ng Diyos, maliwanag at dalisay, ang kagandahan ng mga inspiradong mukha, ang pagiging naa-access at pagiging simple ng ideya ng gawain ay magkakasuwato na sumanib sa malinaw na komposisyon ng larawan.

Ginamit ng artista bilang isang paraan ng komposisyon axial symmetry, sa gayon ay nagpapakita ng orihinal na pagiging perpekto at balanseng katahimikan ng kaluluwang Kristiyano, na naniniwala sa huling tagumpay ng kabutihan. Ang simetrya bilang isang paraan ng komposisyon ay binibigyang diin sa literal na lahat: sa pag-aayos ng mga figure at mga kurtina, sa pag-ikot ng mga mukha, sa balanse ng mga masa ng mga figure mismo na may kaugnayan sa mga vertical axes, sa roll call ng mga mainit na tono.

Kunin natin ang gitnang pigura. Ang sanggol sa mga bisig ni Madonna ay nagpapabigat sa kaliwang bahagi ng komposisyon, ngunit binabalanse ni Raphael ang pigura gamit ang tumpak na kalkuladong silhouette ng kapa. Ang pigura ng batang babae sa kanan ay medyo mas maliit sa masa kaysa sa pigura ng Sixtus sa kaliwa, ngunit ang saturation ng kulay ng kanang pigura ay mas aktibo. Mula sa punto ng view ng simetrya ng masa, maaari mong tingnan ang pag-aayos ng mga mukha ng Madonna at ng Batang Kristo, at pagkatapos ay sa pag-aayos ng mga mukha ng mga anghel sa ilalim ng larawan. Ang dalawang pares ng mukha ay nasa antiphase.

Kung ikinonekta mo ang mga larawan ng mga mukha ng lahat ng mga pangunahing figure sa larawan na may mga linya, isang regular na rhombus ay nabuo. Ang sumusuportang binti ng Madonna ay nasa axis ng symmetry ng larawan. Ang compositional scheme na ito ay ginagawang ganap na balanse ang gawa ni Raphael, at ang pagkakaayos ng mga figure at mga bagay sa isang hugis-itlog sa paligid ng optical center ay nagpapanatili ng integridad ng komposisyon kahit na may ilang hindi pagkakaisa ng mga bahagi nito.

2.4.2. A.E. Arkhipov. Sa tabi ng Oka River. 1890

Ang komposisyon, bukas at pabago-bago kahit na may mga static na figure, ay binuo sa kahabaan ng reverse diagonal: mula kanan hanggang itaas hanggang kaliwa. Nakaharap ang bahagi ng longboat sa manonood, sa ilalim ng ibabang gilid ng larawan - lumilikha ito ng pakiramdam ng aming presensya nang direkta sa mga nakaupo sa longboat. Upang maihatid ang sikat ng araw at isang malinaw na araw ng tag-araw, ginagamit ng artist ang kaibahan sa pagitan ng pangkalahatang liwanag na kulay at anino na mga accent sa mga figure bilang isang paraan ng komposisyon. Kinakailangan ng linear na pananaw na bawasan ang mga figure sa bow ng longboat, ngunit ang aerial perspective (para sa ilusyon ng distansya ng baybayin) ay hindi nakabawas sa kalinawan ng mga figure sa bow kumpara sa mga kalapit na figure, iyon ay, doon ay halos walang aerial perspective sa loob ng longboat. Ang balanse ng komposisyon ay tinitiyak ng kamag-anak na posisyon ng pangkalahatang madilim na komposisyon na hugis-itlog sa kaliwa ng gitna at ang aktibong madilim na lugar sa kanan (ang mga bahagi ng anino ng dalawang figure at mga pinggan). Bilang karagdagan, kung bibigyan mo ng pansin ang palo, ito ay matatagpuan sa kahabaan ng axis ng larawan, at sa kanan at kaliwa sa malayo ay may simetriko na mga accent ng kulay ng ilaw.

2.4.3. N. Eryshev. Baguhin. 1975

Ang komposisyon ay binuo sa ritmo ng mga vertical. Ang mga gusaling pang-industriya (sa pamamagitan ng paraan, napaka-conventional), isang solong puno, mga figure ng tao - lahat ay nakatutok pataas, tanging sa ibabang bahagi ng larawan mayroong ilang mga pahalang na linya na nabuo ng mga kongkretong slab, tubo, at abot-tanaw. Ang focal point ng komposisyon ay isang grupo ng mga teenage excursionist, na matatagpuan halos simetriko sa magkabilang panig ng nagtatrabaho na foreman. Ang mga pasilidad ng oil refinery, kasama ang mga puting jersey ng dalawang teenager, ay bumubuo ng patayong parihaba. Para bang nililimitahan ang parihaba na ito, inilagay ng may-akda ang dalawang binatilyo na nakasuot ng terra-colored na damit. Ang isang kakaibang simetrya ay nilikha sa pamamagitan ng paglalagay ng master's figure sa isang vertical axis at pag-juxtaposing ng isang tuwid na nakatayo na puno na may hugis-pipe na istraktura sa kanan.

Ang direktang pagkakahanay, ang sinasadyang pagkakapareho ng sitwasyon, ang malinaw na nilalayon na static na kalikasan ng mga figure ay maaaring ituring na mga kontrobersyal na punto sa makatotohanang pag-render ng buhay, ngunit ang gawaing ito ay nagtataglay ng mga tampok ng isang monumental na direksyon ng disenyo, kung saan ang lahat ng ito ay organiko, lohikal at kailangan. Mula sa punto ng view ng komposisyon, malinaw, pormal na hindi nagkakamali na paraan ay ginagamit dito, mula sa pagpapangkat hanggang sa maindayog na mga gradasyon at mga dibisyon.

IKAAPAT NA BAHAGI

KOMPOSISYON AT SINING

Ngayon ay dumating na ang oras upang pag-usapan ang tungkol sa mga katangiang iyon ng trabaho, na, sa katunayan, ang mga nagdadala ng mga aesthetic na halaga, espirituwal na kapunuan, at sigla ng mga masining na imahe. Ito ay isang banayad na bagay, mayroong maraming dito na mailap, na nasangkot sa espirituwal na enerhiya ng artist, ang kanyang sariling katangian, at saloobin sa mundo. Ang papel ng komposisyon ay bumaba sa literacy, ang kakayahang ipahayag ang binalak sa wika ng kagandahan at pagkakaisa, hanggang sa kakayahang bumuo ng isang mabuti at malakas na anyo.

1. GENERALISASYON AT TYPIKASYON

Sa mga tradisyon ng klasikal na artistikong kasanayan, kaugalian na maiwasan ang akumulasyon ng mga aksidente na sumisira sa integridad ng imahe, ang simbolikong katiyakan nito. Ang isang sketch bilang isang paraan ng pagkolekta ng makatotohanang materyal, bilang katalinuhan sa kampo ng layunin na katotohanan, ay nagdadala sa sarili nitong labis na pag-uulat, kamadalian, at kung minsan ay verbosity. Sa pamamagitan ng pagpili ng mga pinaka-katangiang katangian ng natapos na gawain, paggawa ng mga generalisasyon at paglilipat ng diin, ang may-akda ay nakakamit ang pinakamalapit na pagkakahawig sa kanyang sarili. masining na ideya. Bilang resulta ng paglalahat at pagpili, ang isang tipikal na imahe ay ipinanganak, hindi nakahiwalay, hindi random, ngunit sumisipsip ng pinakamalalim, pangkalahatan, totoo.

Sa ganitong paraan, ipinanganak ang isang uri ng bayani o tanawin, tulad ng protodeacon sa larawan ng I. Repin o ang ganap na tanawin ng Russia sa mga kuwadro na gawa ng I. Levitan.

ALGORITHM NG PAGSUSURI

MGA GAWA NG SINING

Sa akademikong disiplina na "Kulturolohiya"

Ang layunin ng mga mag-aaral na nag-aaral ng disiplina na "Cultural Studies" ay upang bumuo ng isang pag-unawa sa sosyokultural na kahulugan ng hinaharap. propesyonal na aktibidad kapag pinagkadalubhasaan ang sistematikong kaalaman tungkol sa kultura bilang isang integridad; paggawa ng malay-tao na pagpili ng mga halaga sa mundo ng modernong kultura.

Isa sa mga anyo ng pag-aaral ng kursong pangkultura ay ang mga praktikal na pagsasanay. Ayon kay kurikulum mayroong 2 sa mga ito ang bawat praktikal na aralin ay may kasamang isang gawain, kung saan dapat kang magbigay ng isang detalyado at makatwirang sagot sa pagsulat.

Ang praktikal na gawain ay isinumite sa guro sa araw ng pagsusulit. Kung walang natapos na praktikal na gawain, hindi pinapayagan ang isang mag-aaral na kumuha ng pagsusulit.

Ang bawat mag-aaral ay gumaganap ng kanyang sarili Praktikal na trabaho. Dami ng trabaho - hanggang 6 na pahina ng typewritten na teksto sa A4 sheet, naka-print sa 1.5 na pagitan, font - Times New Roman, laki 14, lahat ng mga margin ay dapat na 2 cm Ang teksto ay nakahanay sa lapad, na may mga talata na naka-highlight, mga margin para sa mga tala ng tagasuri at pagnunumero ng pahina.

Ang gawain ay dapat isama:

1. Pahina ng pamagat na nagsasaad ng pangalan ng unibersidad at faculty, apelyido, inisyal ng mag-aaral, code, semestre ng pag-aaral, akademikong disiplina, lugar (lungsod) at taon ng pagsulat.

2. Tanong praktikal na gawain No. 1, larawan ng monumento ng arkitektura, pamagat, larawan, apelyido, pangalan ng arkitekto at ang iyong pahayag ng gawain.

3. Tanong ng praktikal na gawain Blg. 2, larawan ng pagpipinta, pamagat, larawan, apelyido, pangalan ng pintor at ang iyong paglalarawan sa gawain.

4. Listahan ng mga ginamit na literatura at mga mapagkukunan ng Internet, na nagpapahiwatig ng mga pahina at site. Kapag gumagamit ng mga monograph at textbook pagkatapos ng taon ng publikasyon, dapat mong ipahiwatig ang kabuuang bilang ng mga pahina sa aklat na ito. Kapag gumagamit ng mga artikulo mula sa mga diksyunaryo, encyclopedia, magasin, koleksyon, dapat mong ipahiwatig ang mga pahina kung saan nai-publish ang mga artikulong ito.

Isang halimbawa ng nakasulat na pagsusuri ng isang gawa ng sining

Praktikal na aralin Blg

Takdang-Aralin: Magbigay ng makabuluhang pagsusuri sa isang gawain ng arkitektura sa iyong lungsod (nayon, distrito).

Ang Church of the Intercession on the Nerl (Pokrov on the Nerl) ay isang puting simbahang bato sa rehiyon ng Vladimir ng Russia, isa at kalahating kilometro mula sa Bogolyubov.

Ito ay isang obra maestra ng arkitektura ng mundo, ang tuktok ng pagkamalikhain ng mga masters ng Vladimir mula sa kasagsagan ng pamunuan ng Vladimir-Suzdal.

Sa panitikan, ang dating ng templo ayon kay N.N. Voronin ay tinanggap - 1165, batay sa mensahe ng Buhay ni Andrei Bogolyubsky na ang Church of the Intercession ay itinayo bilang memorya ng namatay na anak ng Grand Duke - Izyaslav Andreevich.

Ang simbahan ay inilaan bilang parangal sa Pista ng Pamamagitan ng Birheng Maria, na itinatag sa Rus' noong kalagitnaan ng ika-12 siglo sa inisyatiba ni Andrei Bogolyubsky. Ito marahil ang unang Church of the Intercession sa Rus'. Ayon sa alamat na nakapaloob sa Buhay ni Andrei Bogolyubsky, ang puting bato para sa pagtatayo ng simbahan ay kinuha mula sa kaharian ng Bulgaria na sinakop ni Andrei Bogolyubsky. Gayunpaman, ang alamat na ito ay pinabulaanan kapwa sa pamamagitan ng mga makasaysayang katotohanan at sa katotohanan na ang bato ng Church of the Intercession ay nakikilala sa pamamagitan ng pambihirang kaputian nito (ito ang pinakamataas na kalidad ng bato ng lahat ng puting bato na mga simbahan ng Vladimir-Suzdal), at ang bato sa Volga Bulgaria ay may kulay-abo-kayumanggi na tint. Sa pagtatapos ng ika-18 siglo, dahil sa mababang kakayahang kumita ng Church of the Intercession, sinubukan ng abbot ng Bogolyubsky Monastery na lansagin ang templo para sa pagtatayo ng materyal para sa pagtatayo ng monastery bell tower, ngunit ang kakulangan ng pondo ay hindi pinapayagan. trabaho para magsimula.

Ang lokasyon ng templo ay natatangi: ang Church of the Intercession ay itinayo sa isang mababang lupain, sa isang parang tubig. Noong nakaraan, malapit sa simbahan mayroong isang lugar kung saan dumadaloy ang Nerl sa Klyazma (ngayon ang mga kama ng ilog ay nagbago ng kanilang posisyon). Ang simbahan ay matatagpuan halos sa ilog na "dura", na bumubuo ng isang sangang-daan ng pinakamahalagang ruta ng kalakalan sa tubig. Ang Church of the Intercession ay itinayo sa isang burol na gawa ng tao. Ang karaniwang strip na pundasyon, na inilatag sa lalim na 1.6 m, ay ipinagpapatuloy ng base ng mga dingding, 3.7 m ang taas, na natatakpan ng luad na lupa ng isang pilapil, na may linya na may puting bato. Kaya, ang pundasyon ay napunta sa lalim na higit sa limang metro. Ang teknolohiyang ito ay naging posible upang mapaglabanan ang pagtaas ng tubig sa panahon ng pagbaha ng ilog (hanggang sa 3 m).

Mula sa ika-12 siglong templo, ang pangunahing dami ay napanatili hanggang sa araw na ito nang walang makabuluhang pagbaluktot - isang maliit, bahagyang pinahaba kasama ang longitudinal axis (mga 8 x 7 m hindi kasama ang mga apses, ang gilid ng dome square ay halos 3.2 m) quadrangle at simboryo. Ang templo ay may cross-domed type, four-pillared, three-apsed, single-domed, na may arched-columnar belts at perspective portal. Ang mga dingding ng simbahan ay mahigpit na patayo, ngunit salamat sa napakahusay na natagpuan na mga proporsyon, mukhang nakakiling sila sa loob, na nakakamit ang ilusyon ng isang mas mataas na taas ng istraktura. Sa loob, ang mga haliging hugis-krus ay tumatawid patungo sa itaas, na, dahil sa maliit na sukat ng templo, ay lumilikha ng karagdagang pakiramdam ng "taas" sa loob. Ang mga dibisyon ng hilaga at timog na pader ng templo ay walang simetriko, ang silangang mga spindle ay napakakitid. Gayunpaman, ang kabuuan ng protrusion ng mga side apses at ang lapad ng silangang mga seksyon ng mga dingding ay halos katumbas ng lapad ng mga gitnang seksyon ng mga dingding, at salamat dito, ang komposisyon ng templo ay mukhang balanse kapag tiningnan mula sa anumang panig. Ang mga multi-broken na pilaster na may kalahating haligi sa panlabas na bahagi ng mga dingding ng Church of the Intercession sa Nerl ay tumutugma sa mga panloob na blades. Ang kanilang kabuuang kapal ay humigit-kumulang isa at kalahating beses na mas malawak kaysa sa mga dingding, at ito ay lumilikha ng isang napakalinaw na istrukturang "pagguhit" ng templo.

Ang mga dingding ng simbahan ay pinalamutian ng mga inukit na relief. Ang sentral na pigura sa komposisyon ng tatlong harapan ng templo ay si Haring David na nakaupo sa trono na may saltero (may kuwerdas instrumentong pangmusika) sa kaliwang kamay, binabasbasan ng dalawang daliri gamit ang kanang kamay. Ginagamit din sa disenyo ang mga leon, ibon at mga maskara ng kababaihan. Ang orihinal na panloob na mga pintura ng templo ay ganap na nawala (sila ay itinumba sa panahon ng pagsasaayos noong 1877). Ang pagiging sopistikado ng mga proporsyon at pangkalahatang pagkakatugma ng templo ay napansin ng maraming mga mananaliksik; Ang Church of the Intercession ay madalas na tinatawag na pinakamagandang simbahan ng Russia.

Ang maliwanag na imahe ng eleganteng templo ay sumasalamin sa malalim na kalungkutan ng prinsipe ng Russia para sa kanyang nawawalang anak. Para sa akin, ang pagmumuni-muni nito ay nagdudulot ng tahimik na kalungkutan at kapayapaan.

Ang ibabaw ng tubig, ang mga baha na parang at ang liwanag, single-domed na templo na kahanga-hangang tumataas sa ibabaw ng kanilang kalawakan sa lahat ng walang katapusang biyaya nito, kumikislap na may nakasisilaw na kaputian (na medyo bihira para sa mga templo), ay pumukaw sa akin ng kaugnayan sa isang kandila .

Mga Halimbawang Tanong para sa Pagsusuri ng isang Gawain ng Sining

Emosyonal na antas:

Anong impresyon ang ginagawa ng trabaho?

Anong mood ang sinusubukang ipahiwatig ng may-akda?

Anong mga sensasyon ang maaaring maranasan ng manonood?

Ano ang katangian ng gawain?

Paano nakakatulong ang sukat, pormat, pahalang, patayo o dayagonal na pagkakaayos ng mga bahagi nito, ang paggamit ng ilang partikular na anyo ng arkitektura, ang paggamit ng ilang kulay sa isang pagpipinta at ang pamamahagi ng liwanag sa isang monumento ng arkitektura ay nakakatulong sa emosyonal na impresyon ng isang akda?

Antas ng paksa:

Ano (o sino) ang ipinapakita sa larawan?

Ano ang nakikita ng manonood kapag nakatayo sa harap ng façade? Sa loob?

Sino ang nakikita mo sa eskultura?

I-highlight ang pangunahing bagay mula sa iyong nakita.

Subukang ipaliwanag kung bakit tila mahalaga ito sa iyo?

Sa paanong paraan itinatampok ng isang artista (arkitekto, kompositor) ang pangunahing bagay?

Paano nakaayos ang mga bagay sa akda (komposisyon ng paksa)?

Paano iginuhit ang mga pangunahing linya sa akda (linear composition)?

Paano inihahambing ang mga volume at espasyo sa isang istrukturang arkitektura (komposisyon ng arkitektura)?

Antas ng kwento:

Subukang isalaysay muli ang balangkas ng larawan.

Subukang isipin kung anong mga kaganapan ang maaaring mangyari nang mas madalas sa istrukturang arkitektura na ito.

Ano ang magagawa (o masasabi) ng iskulturang ito kung ito ay nabubuhay?

Simbolikong antas:

May mga bagay ba sa akda na sumasagisag sa isang bagay?

Ang komposisyon ba ng akda at ang mga pangunahing elemento nito ay simboliko sa kalikasan: pahalang, patayo, dayagonal, bilog, hugis-itlog, kulay, kubo, simboryo, arko, vault, dingding, tore, spire, kilos, pose, pananamit, ritmo, timbre, atbp..?

Ano ang pamagat ng akda? Paano ito nauugnay sa balangkas at simbolismo nito?

Ano sa palagay mo ang gustong iparating ng may-akda ng akda sa mga tao?

Pinagmulan: internet

Plano ng pagsusuri para sa isang pagpipinta

2.Estilo, direksyon.

3.Uri ng pagpipinta: easel, monumental (fresco, tempera, mosaic).

4. Pagpili ng materyal (para sa pagpipinta ng easel): mga pintura ng langis, watercolor, gouache, pastel. Mga katangian ng paggamit ng materyal na ito para sa artist.

5. Genre ng pagpipinta (portrait, landscape, still life, historical painting, panorama, diorama, icon painting, marina, mythological genre, everyday genre). Mga katangian ng genre para sa mga gawa ng artist.

6. Kaakit-akit na balangkas. Simbolikong nilalaman (kung mayroon man).

7.Pictorial na katangian ng akda:

Kulay;

liwanag;

Dami;

pagiging patag;

Kulay;

Artistic space (space na binago ng artist);

Linya.

8.Mga Detalye.

9. Personal na impresyon ang natanggap habang tinitingnan ang gawa.

Plano ng pagsusuri sa gawaing iskultura

2.Estilo, direksyon.

3.Uri ng iskultura: bilog na iskultura, monumental na iskultura, maliit na iskultura, relief at iba't-ibang nito (bas-relief, high relief), sculptural portrait, herma, atbp.

4.Pagpipilian ng isang modelo (isang tunay na tao, isang hayop, pantasiya ng isang artista, isang alegorikal na imahe).

5.Plastic (body language), black and white na pagmomodelo.

6. Pakikipag-ugnayan sa kapaligiran: kulay ng iskultura

(pangkulay) at background ng kulay ng kapaligiran, mga epekto sa pag-iilaw (backlight); iskultura bilang elemento ng arkitektura, free-standing statue, atbp.

7. Pagpili ng materyal at pagkondisyon nito (marmol, granite, kahoy, tanso, luad, atbp.).

8.Pambansang katangian.

9. Personal na pang-unawa sa monumento.

Plano ng pagsusuri para sa isang gawaing arkitektura

2. Estilo, direksyon. Arkitektura ng malaki o maliit na anyo.

3. Ilagay sa ensemble ng arkitektura (pagsasama, paghihiwalay,

ugnayan sa landscape, ang papel ng organikong detalye, atbp.). Tectonics: wall system, masonry, post-valve

istraktura, istraktura ng frame, istraktura ng vaulted, moderno

spatial na disenyo (nakatiklop, turnilyo, atbp.).

4. Ang materyal na ginamit at ang pakikilahok nito sa paglikha ng isang espesyal na hitsura ng arkitektura. Ang likas na katangian ng kanyang trabaho ay nasa disenyo (mga haligi - carry, vaults - spring, cornices - rest, arches - rise, domes - crown, atbp.).

5. Ang orihinalidad ng wikang arkitektura sa isang partikular na akda,

ipinahayag sa pamamagitan ng:

Symmetry, dissymmetry, asymmetry;

Ritmo ng mga bahagi, mga detalye;

Dami (flat out, patayo na makitid, kubiko, atbp.);

Mga proporsyon (pagkakaisa ng mga detalye at bahagi);

Contrast (pagsalungat ng mga form);

Silweta (panlabas na mga contour);

Scale (relasyon sa isang tao); Ang isa pang pamamaraan para sa pagsusuri ng isang larawan, na iminungkahi ni A. Melik-Pashayev. Sa aking mga aralin, madalas kong ginagamit ito kapag nag-aaral ng mga makasaysayang at pang-araw-araw na genre. Inaanyayahan ko ang mga bata na tingnang mabuti ang larawan, habang pinangalanan ko ang may-akda nito, ngunit hindi ipinahiwatig ang pamagat. Pagkatapos ay iminumungkahi kong sagutin ang mga iminungkahing tanong sa pamamagitan ng pagsulat. Hindi sinasagot ng mga bata ang tanong No. 3 sa pamamagitan ng pagsulat; Sa tingin ko sa pamamagitan ng mga nangungunang tanong nang maaga na makakatulong sa mga bata na mas ganap na maihayag ang balangkas ng larawan at magbigay ng malalim na mga sagot sa iba pang mga tanong.

Mga tanong para sa pagpipinta:

1.Ano ang tawag sa larawang ito?

2. Gusto mo ba ang larawan o hindi?

3. Sabihin ang tungkol sa larawang ito upang ang isang taong hindi nakakaalam nito ay magkaroon ng ideya tungkol dito.

4.Anong damdamin at mood ang ibinubunga ng larawang ito sa iyo?

7. Gusto mo bang magdagdag o magbago ng anuman sa iyong sagot sa unang tanong?

8.Balik sa sagot sa pangalawang tanong. Nanatiling pareho ba ang iyong pagtatasa o nagbago ba ito? Bakit mo nire-rate ang larawan sa ganitong paraan?

Diksyunaryo ng mga pangunahing konsepto.... 419

PAGSUSURI NG ISANG GAWA NG SINING

MGA SAMPLE NA TANONG AT Tsart

Isang gawain ng arkitektura

Kapag sinusuri ang mga gawa ng arkitektura, kinakailangang isaalang-alang ang mga tampok ng arkitektura bilang isang anyo ng sining. Ang arkitektura ay isang uri ng sining na ipinakikita sa masining na katangian ng isang istraktura. Samakatuwid, dapat suriin ang hitsura, sukat, at hugis ng istraktura.

1. Anong mga bagay ng gusali ang nararapat pansinin?

2. Sa anong mga pamamaraan at paraan ipinapahayag ang mga ideya ng may-akda sa akdang ito?

3. Anong impresyon ang nagagawa ng akda?

4. Anong sensasyon ang maaaring maranasan ng tatanggap (perceiver)?

5. Paano nakakatulong ang sukat nito, pormat, pahalang, patayo o dayagonal na pagkakaayos ng mga bahagi, ang paggamit ng ilang partikular na anyo ng arkitektura, at ang pamamahagi ng liwanag sa isang monumento ng arkitektura sa emosyonal na impresyon ng isang akda?

6. Ano ang nakikita ng bisita kapag nakatayo sa harap ng façade?

7. Subukang ipaliwanag kung bakit ito tila pinakamahalaga sa iyo?

8. Sa anong paraan itinatampok ng arkitekto ang pangunahing bagay? Ilarawan ang mga pangunahing masining na paraan at pamamaraan para sa paglikha ng isang imaheng arkitektura (simetrya, ritmo, proporsyon, liwanag at lilim at pagmomodelo ng kulay, sukat).

9. Paano binubuo ang mga volume at espasyo sa isang istrukturang arkitektura (komposisyon ng arkitektura)?

10. Ilarawan kung kabilang ang bagay na ito isang tiyak na uri arkitektura: volumetric na istruktura (pampubliko: tirahan, pang-industriya); landscape (paghahardin o maliliit na anyo), pagpaplano ng lunsod.

11. Subukang isipin kung anong mga kaganapan ang maaaring mangyari nang mas madalas sa istrukturang ito ng arkitektura.

12. Ang komposisyon ba ng akda at ang mga pangunahing elemento nito ay simboliko sa kalikasan: simboryo, arko, vault, dingding, tore, kalmado?

13. Ano ang pamagat ng akda? Ano ang itatawag mo dito?

14. Tukuyin kung ang gawaing ito ay nabibilang sa isang kultural at makasaysayang panahon, istilong masining, o kilusan.

16. Paano nauugnay ang anyo at nilalaman ng akdang ito?

17. Ano ang koneksyon sa pagitan ng panlabas at panloob na anyo ng istrukturang arkitektura na ito? Nagkakasundo ba ito sa kapaligiran?

18. Sa iyong palagay, anong embodiment ang nakita ng formula ni Vitruvius sa gawaing ito: benepisyo, lakas, kagandahan?

19. Ginagamit ba ang iba pang uri ng sining sa disenyo ng anyo ng bagay na ito sa arkitektura? alin? Sa tingin mo ba ay makatwiran ang pagpili ng may-akda?

Trabaho ng pagpipinta

Upang abstract mula sa pang-unawa ng balangkas at pang-araw-araw na buhay, tandaan na ang isang pagpipinta ay hindi isang window sa mundo, ngunit isang eroplano kung saan ang ilusyon ng kalawakan ay maaaring malikha sa pamamagitan ng pictorial na paraan. Samakatuwid, mahalagang pag-aralan muna ang mga pangunahing parameter ng trabaho.

1. Sukat ng painting (monumental, easel, miniature)?

2. Format ng pagpipinta: pahalang o patayo na pahabang parihaba (maaaring may bilugan na dulo), parisukat, bilog (tondo), hugis-itlog?

3. Sa anong pamamaraan (tempera, langis, watercolor, atbp.) at sa anong batayan (kahoy, canvas, atbp.) ginawa ang pagpipinta?

4. Mula sa anong distansya ito pinakamahusay na nakikita?

Pagsusuri ng imahe.

5. May plot ba ang pelikula? Ano ang ipinapakita? Sa anong kapaligiran matatagpuan ang mga itinatanghal na karakter at bagay?

6. Batay sa pagsusuri ng larawan, gumawa ng konklusyon tungkol sa genre (portrait, landscape, still life, hubo't hubad, araw-araw, mythological, religious, historical, animalistic).

7. Anong problema sa palagay mo ang nalulutas ng pintor – visual? nagpapahayag? Ano ang antas ng pagiging kumbensyonal o naturalismo ng imahe? Ang convention ba ay may posibilidad na maging idealization o expressive distortion?

Pagsusuri ng Komposisyon

8. Anong mga bahagi ang binubuo ng komposisyon? Ano ang kaugnayan sa pagitan ng paksa ng larawan at background/espasyo sa painting canvas?

9. Gaano kalapit sa picture plane ang mga bagay sa larawan?

10. Anong anggulo ng view ang pinili ng artist - mula sa itaas, sa ibaba, antas sa mga itinatanghal na bagay?

11. Paano natutukoy ang posisyon ng manonood - kasangkot ba siya sa pakikipag-ugnayan sa kung ano ang inilalarawan sa larawan, o itinalaga ba sa kanya ang papel ng isang hiwalay na nagmumuni-muni?

12. Matatawag bang balanse, static, o dynamic ang komposisyon? Kung may paggalaw, paano ito itinuro?

13. Paano itinayo ang espasyo ng larawan (flat, indefinite, ang spatial layer ay nabakuran, ang malalim na espasyo ay nilikha)? Paano nakakamit ang ilusyon ng spatial depth (mga pagkakaiba sa laki ng mga itinatanghal na figure, na nagpapakita ng dami ng mga bagay o arkitektura, gamit ang mga gradasyon ng kulay)?

Pagsusuri ng pagguhit.

14. Paano binibigkas ang linear na simula sa larawan?

15. Binibigyang-diin o pinakinis ba ang mga contour na naglilimita sa mga indibidwal na bagay? Sa anong paraan nakakamit ang epektong ito?

16. Hanggang saan ipinapahayag ang dami ng mga bagay? Anong mga diskarte ang lumikha ng ilusyon ng lakas ng tunog?

17. Anong papel ang ginagampanan ng liwanag sa larawan? Ano ang hitsura nito (kahit, neutral; contrasting, sculpting volume; mystical)? Nababasa ba ang pinagmulan/direksyon ng ilaw?

18. Nababasa ba ang mga silhouette ng mga itinatanghal na figure/object? Gaano sila kapahayag at kahalaga sa kanilang sarili?

19. Gaano ka detalyado (o vice versa generalised) ang imahe?

20. Naihatid ba ang iba't ibang texture ng mga itinatanghal na ibabaw (katad, tela, metal, atbp.)?

Pagsusuri ng kulay.

21. Ano ang papel na ginagampanan ng kulay sa larawan (ito ba ay nasa ilalim ng disenyo at dami, o, sa kabaligtaran, ito ba ay nagpapasakop sa disenyo sa sarili nito at nagtatayo ng komposisyon mismo)?

22. Ang kulay ba ay isang kulay lamang ng lakas ng tunog o higit pa? Ito ba ay optically faithful o expressive?

23. Nakikita ba ang mga hangganan ng mga color spot? Naaayon ba sila sa mga hangganan ng mga volume at bagay?

24. Gumaganap ba ang artist na may malalaking masa ng kulay o maliliit na spot-stroke?

25. Paano ipinipinta ang mainit at malamig na mga kulay, gumagamit ba ang pintor ng kumbinasyon ng mga pantulong na kulay? Bakit niya ito ginagawa? Paano naihahatid ang mga lugar na pinaka-iluminado at may kulay?

26. Mayroon bang mga glare o reflexes? Paano isinusulat ang mga anino (malalim o transparent, may kulay ba sila)? Mayroon bang nangingibabaw na kumbinasyon ng kulay/kulay?

Iba pang mga pagpipilian

1. Anong mga bagay ng emosyonal na saloobin ng may-akda sa bagay (katotohanan, kaganapan, kababalaghan) ang nararapat pansinin?

2. Tukuyin kung ang gawaing ito ay kabilang sa genre ng pagpipinta (historical, portrait, still life, battle, other).

3. Anong mga pamamaraan at paraan ang ginagamit upang maipahayag ang mga ideya ng may-akda sa akdang ito?

4. Anong impresyon ang nagagawa ng akda?

7. Paano nakakatulong ang paggamit ng ilang mga kulay sa emosyonal na impresyon?

8. Ano ang ipinapakita sa larawan?

9. I-highlight ang pangunahing bagay mula sa iyong nakita.

10. Subukang ipaliwanag kung bakit ito tila pinakamahalaga sa iyo?

11. Sa anong paraan itinatampok ng pintor ang pangunahing bagay?

12. Paano inihahambing ang mga kulay sa akda (kulay ng komposisyon)?

13. Subukan mong isalaysay muli ang balangkas ng larawan.

14. Mayroon bang mga balangkas sa akda na sumasagisag sa anuman?

15. Ano ang pamagat ng akda? Paano ito nauugnay sa balangkas at simbolismo nito?

16. Ang komposisyon ba ng akda at ang mga pangunahing elemento nito ay simboliko sa kalikasan: pahalang, patayo, dayagonal, bilog, hugis-itlog, kulay, kubo?

Gawain ng iskultura

Kapag sinusuri ang mga gawa ng iskultura, kinakailangang isaalang-alang ang sariling mga parameter ng iskultura bilang isang anyo ng sining. Ang iskultura ay isang anyo ng sining kung saan ang isang tunay na three-dimensional na volume ay nakikipag-ugnayan sa three-dimensional na espasyo na nakapalibot dito. Samakatuwid, dapat suriin ang dami, espasyo at kung paano sila nakikipag-ugnayan.

1. Anong impresyon ang nagagawa ng akda?

3. Ano ang katangian ng gawain?

4. Anong mga bagay ng emosyonal na saloobin ng may-akda sa bagay (katotohanan, kaganapan, kababalaghan) ang nararapat pansin?

5. Anong mga pamamaraan at paraan ang ginagamit upang maipahayag ang mga ideya ng may-akda sa akdang ito?

6. Ano ang sukat ng eskultura? Ang laki ng iskultura (monumental, easel, miniature) ay nakakaapekto sa pakikipag-ugnayan nito sa espasyo.

7. Anong genre ang kinabibilangan ng iskulturang ito? Ano ang nilayon nito?

8. Ilarawan ang orihinal na materyal na ginamit ng may-akda at ang mga tampok nito. Anong mga tampok ng iskultura ang idinidikta ng materyal nito (bakit napili ang partikular na materyal na ito para sa gawaing ito)? Ang mga katangian ba nito ay katugma sa ideya ng trabaho? Posible bang isipin ang parehong gawain mula sa iba pang mga materyales? Ano kaya ito?

9. Ano ang texture ng sculptural surface? Homogeneous o naiiba sa iba't ibang parte? Makinis o "sketch", ang mga bakas ng pagpindot ng mga tool ay nakikita, natural-like, conventional. Paano nauugnay ang texture na ito sa mga katangian ng materyal? Paano nakakaapekto ang texture sa perception ng silhouette at volume ng isang sculptural form?

10. Paano nakakatulong ang sukat, pormat, pahalang, patayo o dayagonal na pagkakaayos ng mga bahagi nito sa emosyonal na impresyon ng akda?

11. Ano ang papel ng kulay sa eskultura? Paano nakikipag-ugnayan ang dami at kulay, paano sila nakakaimpluwensya sa isa't isa?

12. Sino (ano) ang nakikita mo sa eskultura?

13. I-highlight ang pinakamahalaga, lalo na ang mahahalagang bagay mula sa iyong nakita.

14. Subukang ipaliwanag kung bakit ito tila sa iyo ang pinakamahalaga, lalo na mahalaga?

15. Sa anong paraan itinatampok ng iskultor ang pangunahing bagay?

16. Paano nakaayos ang mga bagay sa akda (komposisyon ng paksa)?

17. Sa anong espasyo matatagpuan ang gawain (sa isang templo, sa isang parisukat, sa isang bahay, atbp.)? Sa anong punto ng pang-unawa ito nilayon (mula sa malayo, mula sa ibaba, malapit)? Ito ba ay bahagi ng isang arkitektural o sculptural ensemble o ito ba ay isang malayang gawa?

18. Ang iskultura ba ay dinisenyo para sa mga nakapirming punto ng view, o ito ba ay ganap na naghahayag ng sarili nito kapag naglalakad sa paligid? Ilang nakumpletong expressive silhouette ang mayroon siya? Ano ang mga ito (sarado, compact, geometrically regular o kaakit-akit, bukas)? Paano sila nauugnay sa isa't isa?

19. Ano ang magagawa (o masasabi) ng iskulturang ito kung ito ay “mabuhay”?

20. Ano ang pamagat ng akda? Ano ang kahulugan nito (pangalan), sa palagay mo? Paano ito nauugnay sa balangkas at simbolismo?

21. Ano ang interpretasyon ng motif (naturalistic, conventional, dictated by the canon, dictated by the place occupied by the sculpture in its architectural environment, or some other)?

22. Anong mga ideolohikal na posisyon sa tingin mo ang gustong iparating ng may-akda ng akda sa mga tao?

23. Nararamdaman mo ba ang impluwensya ng anumang iba pang uri ng sining sa akda: arkitektura, pagpipinta?

24. Sa iyong palagay, bakit mas mainam na tingnan ang eskultura nang direkta kaysa sa mga litrato o reproduksyon? Magbigay ng mga dahilan para sa iyong sagot.

Mga item ng pandekorasyon at inilapat na sining

Kapag sinusuri ang mga bagay ng pandekorasyon at inilapat na sining, dapat itong alalahanin na sila ay pangunahing gumaganap ng isang inilapat na papel sa buhay ng isang tao at hindi palaging nagdadala ng isang aesthetic function. Kasabay nito, ang hugis ng bagay at ang mga functional na tampok nito ay nakakaimpluwensya sa likas na katangian ng imahe.

1. Para saan ang naturang item?

2. Ano ang mga sukat nito?

3. Paano matatagpuan ang palamuti ng bagay? Saan matatagpuan ang matalinghaga at ornamental na mga lugar ng dekorasyon? Paano nauugnay ang paglalagay ng mga imahe sa hugis ng bagay?

4. Anong uri ng palamuti ang ginagamit? Sa anong mga bahagi ng bagay sila matatagpuan?

5. Saan matatagpuan ang mga matalinghagang larawan? Gumagamit ba sila ng mas maraming espasyo kaysa sa mga ornamental o isa lamang sila sa mga ornamental register?

6. Paano nabuo ang isang rehistro gamit ang mga matalinghagang larawan? Maaari ba nating sabihin na ang mga libreng diskarte sa komposisyon ay ginagamit dito o ang prinsipyo ng juxtaposition ay ginagamit (mga figure sa magkatulad na poses, minimal na paggalaw, paulit-ulit sa bawat isa)?

7. Paano inilalarawan ang mga pigura? Gumagalaw ba sila, nagyelo, naka-istilo?

8. Paano inihahatid ang mga detalye ng mga pigura? Mas natural o ornamental ang hitsura nila? Anong mga pamamaraan ang ginagamit upang maihatid ang mga pigura?

9. Tumingin sa loob ng bagay, kung maaari. May mga larawan at palamuti ba doon? Ilarawan ang mga ito ayon sa diagram sa itaas.

10. Anong pangunahin at karagdagang mga kulay ang ginagamit sa paggawa ng mga palamuti at mga pigura? Ano ang tono ng luwad mismo? Paano ito nakakaapekto sa katangian ng imahe - ginagawa ba itong mas ornamental o, sa kabaligtaran, mas natural?

11. Subukang gumawa ng konklusyon tungkol sa mga indibidwal na pattern ng ganitong uri ng pandekorasyon at inilapat na sining.

Algorithm para sa pagsusuri ng mga gawa ng sining

Ang pangunahing kondisyon para sa pagtatrabaho sa algorithm na ito ay ang katotohanan na ang pangalan ng pagpipinta ay hindi dapat malaman sa mga gumagawa ng trabaho.

Ano ang tawag sa painting na ito?

Gusto mo ba ang larawan o hindi? (Ang sagot ay dapat na malabo).

Sabihin sa amin ang tungkol sa larawang ito upang ang isang taong hindi nakakaalam nito ay makakuha ng ideya tungkol dito.

Ano ang nararamdaman mo sa larawang ito?

Gusto mo bang magdagdag o magbago ng anuman sa iyong sagot sa unang tanong?

Bumalik sa sagot sa pangalawang tanong. Nanatili ba ang iyong pagtatasa o nagbago? Bakit mo gaanong nire-rate ang larawang ito ngayon?

Algorithm para sa pagsusuri ng mga gawa ng pagpipinta

Ang kahulugan ng pamagat ng pagpipinta.

Kaakibat ng genre.

Mga tampok ng balangkas ng larawan. Mga dahilan para sa pagpipinta. Naghahanap ng sagot sa tanong: naihatid ba ng may-akda ang kanyang ideya sa manonood?

Mga tampok ng komposisyon ng pagpipinta.

Ang pangunahing paraan ng artistikong imahe: kulay, pagguhit, texture, chiaroscuro, brushwork.

Ano ang epekto ng likhang sining na ito sa iyong damdamin at kalooban?

Saan matatagpuan ang gawaing sining na ito?

Algorithm para sa pagsusuri ng mga gawa ng arkitektura

Ano ang nalalaman tungkol sa kasaysayan ng paglikha ng istraktura ng arkitektura at ang may-akda nito?

Ipahiwatig kung ang gawaing ito ay kabilang sa isang kultural-kasaysayang panahon, artistikong istilo, o kilusan.

Anong embodiment ang natagpuan sa gawaing ito ng formula ni Vitruvius: lakas, pakinabang, kagandahan?

Ituro ang mga masining na paraan at pamamaraan para sa paglikha ng isang imaheng arkitektura (simetrya, ritmo, proporsyon, liwanag at anino at pagmomodelo ng kulay, sukat), tectonic system (post-beam, pointed-arch, arched-dome).

Ipahiwatig ang uri ng arkitektura: volumetric na istruktura (pampubliko: tirahan, pang-industriya); landscape (paghahardin o maliliit na anyo); pagpaplano ng lunsod.

Ipahiwatig ang koneksyon sa pagitan ng panlabas at panloob na hitsura ng isang istraktura ng arkitektura, ang koneksyon sa pagitan ng gusali at ang kaluwagan, ang likas na katangian ng tanawin.

Paano ginagamit ang iba pang anyo ng sining sa disenyo ng hitsura nito sa arkitektura?

Ano ang impresyon sa iyo ng trabaho?

Anong mga asosasyon ang pinupukaw ng masining na imahe at bakit?

Saan matatagpuan ang istraktura ng arkitektura?

Algorithm para sa pagsusuri ng mga gawa ng iskultura

Kasaysayan ng paglikha ng akda.

Nabibilang sa isang artistikong panahon.

Ang kahulugan ng pamagat ng akda.

Nabibilang sa mga uri ng iskultura (monumental, memorial, easel).

Paggamit ng materyal at teknolohiya sa pagproseso.

Mga sukat ng iskultura (kung mahalagang malaman).

Hugis at sukat ng pedestal.

Saan matatagpuan ang iskulturang ito?

Ano ang impresyon ng gawaing ito sa iyo?

Anong mga asosasyon ang pinupukaw ng masining na imahe at bakit?

Pagsusuri sa kasaysayan ng pelikula.

Unang bahagi ng pagsusuri. Kasaysayan ng hitsura. Ideya ng direktor. Nagtatrabaho kasama ang scriptwriter at cameraman.

1. Pagsusuri sa mga tauhan ng mga tauhan.

Ang pelikula ay puno ng mga karakter. Mga katangian ng mga pangunahing tauhan (mga detalye ng personipikasyon). Mga katangian ng mga menor de edad na karakter (ang kanilang mga tungkulin na may kaugnayan sa mga pangunahing tauhan, sa aksyon ng pelikula). Mga aktor na nagtatrabaho sa kanilang mga tungkulin. Pagsusuri ng aktor sa laro.

2. Pagsusuri sa pelikula bilang repleksyon ng pagiging subjectivity ng direktor

Tampok ang sinehan bilang isang malayang gawa ng sining. May-akda, i.e. posisyon ng direktor (madalas na ito ay nagpapakita ng sarili sa kanyang mga panayam; ito ay matatagpuan sa mga panayam, memoir, at mga artikulo ng mga kalahok sa paglikha ng pelikula). Ang impluwensya ng mga totoong pangyayari sa kanyang personal at panlipunang buhay sa pelikula. Pagninilay panloob na mundo direktor.

Praktikal na aralin Blg.

Takdang-Aralin: Magbigay ng makabuluhang pagsusuri sa monumento ng arkitektura ng iyong lungsod (nayon).

PLANO NG PAGSUSURI NG ISANG ARCHITECTURAL MONUMENT.

Pangalan.

Lokasyon.

(mga) Arkitekto.

4.Layunin ng gusali:

a) kaluwagan:

malalim,

Matambok: bas-relief; mataas na kaluwagan.

b) ayon sa layunin: kulto; sekular.

c) sa pamamagitan ng paggamit:

malaya,

Bahagi ng arkitektural na grupo,

Bahagi ng arkitektural na palamuti ng gusali;

d) ayon sa genre:

Portrait: bust; sa buong taas; eksena sa genre.

Ang materyal kung saan ginawa ang gawain.

Ang antas ng pagiging ganap ng elaborasyon at pagtatapos.

7. Ano ang mas binibigyang pansin (mga tampok):

pagkakatulad,

pampalamuti,

Pagpapakita ng panloob na estado ng isang tao,

Anumang ideya.

Ito ba ay tumutugma sa canon, kung mayroon man?

9. Lugar:

Paggawa,

Nasaan na ngayon?

Ang istilo, direksyon o panahon ng pag-unlad ng eskultura at ang pagpapakita nito sa isang naibigay na akda.

11.Ang iyong saloobin sa monumento. Pangatwiranan ang iyong opinyon.

Algorithm para sa pagsusuri ng isang gawain ng arkitektura.

1. Ano ang nalalaman tungkol sa kasaysayan ng paglikha ng istrukturang arkitektura at ang may-akda nito?

2. Ipahiwatig kung ang gawaing ito ay nabibilang sa isang kultural at makasaysayang panahon, istilong masining, o kilusan.

3. Anong embodiment ang natagpuan sa gawaing ito ng formula ni Vitruvius: lakas, pakinabang, kagandahan?

4. Ituro ang mga masining na paraan at pamamaraan para sa paglikha ng isang imaheng arkitektura (simetrya, ritmo, proporsyon, liwanag at lilim at pagmomodelo ng kulay, sukat), tectonic system (post-beam, pointed-arch, arched-dome).

5. Ipahiwatig ang uri ng arkitektura: volumetric na istruktura (pampubliko: tirahan, pang-industriya); landscape (paghahardin o maliliit na anyo); pagpaplano ng lunsod.

6. Ituro ang koneksyon sa pagitan ng panlabas at panloob na anyo ng isang istraktura ng arkitektura, ang koneksyon sa pagitan ng gusali at ang relief, ang likas na katangian ng tanawin.

7. Paano ginagamit ang iba pang anyo ng sining sa disenyo ng hitsura nito sa arkitektura?

8. Ano ang impresyon sa iyo ng akda?

10. Saan matatagpuan ang istraktura ng arkitektura?

Sample para sa ng takdang-aralin na ito: tingnan ang Appendix 1.

Praktikal na aralin Blg.

Takdang-Aralin: Magbigay ng makabuluhang pagsusuri sa isang pagpipinta ng isang pintor mula sa iyong lungsod (nayon).

Plano para sa pagsusuri ng isang gawa ng pagpipinta:

1. Pamagat.

2. Nabibilang sa isang kultural at makasaysayang panahon, istilo.

4. Ang kasaysayan ng paglikha ng gawain.

5. Ang kahulugan ng pangalan. Mga tampok ng balangkas. Kaakibat ng genre.

6. Komposisyon (kung ano ang inilalarawan, kung paano nakaayos ang mga elemento ng larawan, dinamika, ritmo).

7. Mga fixed asset masining na pagpapahayag(kulay, linya, chiaroscuro, texture, istilo ng pagsulat).

8. Ang iyong mga personal na impression.

Algorithm para sa pagsusuri ng mga gawa ng pagpipinta.

2. Nabibilang sa isang artistikong panahon.

3. Ang kahulugan ng pamagat ng pagpipinta.

4. Kaakibat ng genre.

5. Mga katangian ng balangkas ng larawan. Mga dahilan para sa pagpipinta. Naghahanap ng sagot sa tanong: naihatid ba ng may-akda ang kanyang ideya sa manonood?

6. Mga tampok ng komposisyon ng pagpipinta.

7. Pangunahing paraan ng masining na imahe: kulay, pagguhit, texture, chiaroscuro, brushwork.

8. Ano ang naging epekto ng likhang sining na ito sa iyong damdamin at kalooban?

9. Anong mga asosasyon ang pinupukaw ng masining na imahe at bakit?

10. Saan matatagpuan ang gawaing sining na ito?

Halimbawa para sa takdang-aralin na ito: tingnan ang Appendix 2.

ANNEX 1.

Pagsusuri ng monumento ng arkitektura - St. Isaac's Cathedral.

Saint Isaac's Cathedral - natatanging monumento Ruso arkitektura ng ika-19 na siglo siglo at isa sa mga pinakadakilang domed na istruktura sa mundo, pangalawa lamang sa laki sa St. Peter's sa Roma, St. Paul's sa London at Santa Maria del Fiore sa Florence.

Ang kadakilaan ng templong ito ay tinutukoy ng mga sukat nito: taas 101.5 m; haba 111.2 m; lapad 97.6 m.

Ang katedral ay isa sa mga nangingibabaw na landmark ng St. Petersburg at ang pangalawang pinakamataas na gusali pagkatapos ng Peter and Paul Cathedral. Ang monumental at marilag na imahe nito ay lumilikha ng kakaibang accent sa city silhouette at nagsisilbing parehong calling card hilagang kabisera, tulad ng spire ng Peter and Paul Fortress Cathedral at ang gintong barko ng Admiralty.

Simbahan ng St. Si Isaac ng Dalmatia ay isa sa pinakamalaki, pinaka-kumplikado at kawili-wiling mga gusali na nakumpleto ang pag-unlad ng klasisismo - ang istilo ng arkitektura na nangibabaw sa Russia noong ikalawang kalahati ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo.

Ang oras ng disenyo ng katedral ay kasabay ng kasagsagan ng klasiko ng Russia, na nailalarawan sa pamamagitan ng monumentality, kadakilaan, mahigpit na proporsyon, at koneksyon sa mga nakapaligid na gusali. Ang mga arkitekto ay madalas na bumaling sa mga tradisyon ng unang panahon, gamit ang mga motif mula sa Sinaunang Greece at Roma, at ang Italian Renaissance. Gayunpaman, sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, nagkaroon ng unti-unting pagbaba ng estilo na ito, na ipinakita sa paglabag sa kadalisayan nito at pagtanggi na mapanatili ang pagkakaisa at integridad ng arkitektura at artistikong imahe, sa labis na dekorasyon na hindi nauugnay sa mga tampok ng disenyo. ng mga gusali. Ang mga tampok na ito ay minarkahan ang simula ng isang eclectic na trend sa arkitektura, na kasabay ng pagtatayo ng St. Isaac's Cathedral. Samakatuwid, ang mga tampok ng eclecticism ay lumilitaw sa mga indibidwal na detalye ng mga facade nito, at lalo na sa interior.

Ang prototype ng katedral ay ang uri ng centric, square, five-domed na simbahan na may mga facade na pinalamutian ng mga porticos, na binuo sa pagtatapos ng ika-18 siglo. Habang pinapanatili ang tradisyonal na pamamaraan, gumamit si Montferrand ng ibang diskarte sa arkitektura at artistikong dekorasyon ng gusali.

Sa plano, ang St. Isaac's Cathedral ay isang parihaba na bahagyang pinahaba sa kahabaan ng silangan-kanlurang axis, sa gitnang bahagi kung saan mayroong isang parisukat na nakausli mula sa pangkalahatang tabas sa hilaga at timog. Bilang resulta ng layout na ito, ang gitnang bahagi ng gusali ay nakakuha ng nangingibabaw na kahalagahan.

Ang gusali mismo ay idinisenyo bilang isang solid, compact cubic volume, kung saan tumataas ang isang matangkad na cylindrical drum, na pinuputol ng mga arched window at napapalibutan ng isang eleganteng colonnade. Ang tambol ay nilagyan ng ginintuan na simboryo na may liwanag na octagonal light lantern.

Sa mga sulok ng nakausli na pangunahing dami ng gusali ay may apat na maliliit na bell tower, na matagumpay na umaayon sa silweta ng templo. Ang mga ito ay nakumpleto ng mga light gilded domes, ang laki nito ay idinidikta ng sukat ng mga bell tower mismo, kaya sila ay naging mas maliit kaysa sa pangunahing simboryo. Dahil sa pyramidal na istraktura ng katedral, ang isang pakiramdam ng dynamism at paitaas na paggalaw ng napakalaking drum na may pangunahing simboryo ay nilikha, pati na rin ang koneksyon ng buong gusali sa nakapalibot na espasyo.

Ang mga facade ay pinalamutian ng mga portico na may mga haliging granite na 17 m ang taas at tumitimbang ng 114 tonelada bawat isa. Ang mga haligi ay naka-install sa granite stylobates, kung saan matatagpuan ang mga hakbang patungo sa templo. Ang St. Isaac's Cathedral ay ang tanging monumento ng Russian classicism (maliban sa Marble Palace of A. Rinaldi), ang panlabas na dekorasyon ay gumagamit ng pinakintab na mga haligi ng granite at marmol. Ang kamangha-manghang kumbinasyon ng madilim na pulang mga haligi ng porticoes, ang colonnade ng pangunahing simboryo at ang base ng gusali na may kulay abong marmol na pader na cladding at ginintuan na mga dome ay nagbibigay sa buong istraktura ng isang seremonyal na hitsura.

Ang portico ng katedral ay humanga sa kanyang kadakilaan at maharlika ng mga anyo. Isang labing-anim na hanay na portico ay nakaharap sa hilaga, patungo sa Neva at sa Bronze Horseman, ang isa pa - patungo sa St. Isaac's Square. Kaya, ang parehong pasukan sa templo ay naging lateral na may kaugnayan sa altar, na dahil sa mga tampok sa pagpaplano ng lunsod. Ang labas ng altar ng templo ay minarkahan ng isang walong haligi na portico, na simetriko na inuulit sa kanlurang bahagi.

Ang makinis na mga eroplano ng mga pader ng katedral ay pinuputol ng malalaking arko na bintana na may napakalaking platband at volutes sa itaas. Sa pagsisikap na pagandahin ang impresyon ng kadakilaan ng istrukturang ito, labis na pinalaki ng Montferrand ang laki ng mga bintana at pintuan, na nagbaluktot sa ideya ng tunay na laki ng templo.

Ang St. Isaac's Cathedral ay isang mataas na halimbawa ng pagkakaisa, parehong monumental at pandekorasyon na sining; ang arkitektura nito ay nasa direktang artistikong kaugnayan sa pagpipinta at eskultura. Ang likas na katangian ng pandekorasyon na disenyo ng mga facade ay tinutukoy, una sa lahat, sa pamamagitan ng iskultura - isa sa mga pinaka-kalat na uri ng pinong sining ng unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo na nauugnay sa arkitektura.

Ang lokasyon ng pandekorasyon na iskultura ay tumutugma sa mga pangunahing dibisyon ng gusali, na pinagsasama ang mga indibidwal na masa ng arkitektura, biswal na pinapalambot ang mga paglipat mula sa isang bahagi patungo sa isa pa, at sa gayon ay pinahuhusay ang papel at kahalagahan ng mga indibidwal na elemento ng istraktura. Ang sculptural decoration ng templo ay nilikha ng mga sikat na sculptor noong panahong iyon - I. Vitali, P. Klodt, N. Pimenov, L. Loganovsky, F. Lemer at I. German.

Ang sculptural decoration ay hindi lamang nagpapayaman sa plasticity ng gusali, ngunit nagdadala din ng pangunahing ideological at thematic load, na tumutukoy sa functional na layunin ng templo. Ang mga portico nito ay pinalamutian ng mga multi-figure relief na nakatuon sa buhay ni Jesu-Kristo at Isaac ng Dalmatia.

Ang ganitong kasaganaan ng eskultura sa panlabas na dekorasyon ay sanhi ng katotohanan na sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo ang ideya ng monumentalidad ng istraktura ay nagbago; Nagiiba na rin ang mga paraan ng pagtayo sa mga gusali sa lunsod.

Sa lugar ng higpit at marangal na pagiging simple ng mga gusali maagang XIX Ang siglo ay dumating ang pagnanais para sa karangyaan at epekto, na humahantong sa pagtaas ng plasticity ng mga dingding, pagpuno sa makinis na larangan ng pediment ng mga kumplikadong bas-relief, at ang paggamit ng mga mamahaling materyales sa pagtatapos. Ang lahat ng ito ay ganap na makikita sa panlabas na dekorasyon ng St. Isaac's Cathedral, at lalo na malinaw na ipinahayag sa loob ng templo.

Salamat sa patayong oryentasyon ng komposisyon nito, ang St. Isaac's Cathedral ay naging isa sa mga nangingibabaw na katangian ng gitnang bahagi ng lungsod at may mahalagang kahalagahan sa pagpaplano ng lunsod. Ang templo ay organikong pumasok sa ensemble ng dalawang parisukat - mga parisukat ng St. Isaac at Senado (Dekabristov), ​​na pinagsama-sama at tinutukoy ang kanilang hitsura.

Ang Senate Square ay nilikha noong kalagitnaan ng ika-18 siglo, at ang pagbuo nito ay natapos sa unang kalahati ng susunod na siglo. Malawak na bukas sa Neva, ang parisukat na ito ay bahagi ng masining na dekorasyon ng mga natatanging magagandang dike.

Kung para sa Senate Square St. Isaac's Cathedral ay ang huling chord, ang nawawalang link ng ensemble, pagkatapos ay para sa St. Isaac's Square ito ang naging simula ng pagbabago nito sa isang solong organismo ng arkitektura.

Mula sa timog, ang St. Isaac's Square ay nakumpleto ng Mariinsky Palace ng arkitekto na si A. I. Stackenschneider (itinayo noong 1839 - 1844 sa estilo ng klasiko), na matagumpay na umaangkop sa komposisyon ng gusali. Sa magkabilang panig ng parisukat ay dalawang gusali ng Ministry of State Property ni arkitekto N. E. Efimov (nilikha noong 1844 - 1853), na nakapagpapaalaala sa mga palazzo ng Italyano noong ika-17 siglo.

Noong 1911, sa site ng mga bahay na itinayo sa simula ng ika-18 siglo, itinayo ng arkitekto na si F.I Lidval ang gusali ng Astoria Hotel - isang kawili-wiling halimbawa ng pagtatayo ng sibil noong unang bahagi ng ika-20 siglo sa St. Sa tabi nito ay may isang non-residential building, na inangkop sa huli XIX siglo para sa Angleterre Hotel. Sa gitna ng parisukat ay ang huling gawa ni Montferrand, isang monumento kay Emperador Nicholas I, na ginawa ng iskultor na si P. K. Klodt.

Ang panloob na layout ng St. Isaac's Cathedral ay tipikal para sa Orthodox mga lugar ng pagsamba siglo XVIII. Panloob na may lawak na higit sa 4,000 sq. m ay nahahati sa tatlong naves sa pamamagitan ng dalawang hanay ng mga pylon. Ang pangunahing simboryo, na sinusuportahan ng apat na napakalaking pylon, ay umabot sa taas na 69 m, ang taas ng mga side naves ay 28 m Ang pasukan sa templo ay ibinibigay ng tatlong malalaking pinto sa timog, hilaga at kanlurang bahagi ng gusali.

Sa silangang bahagi ay mayroong pangunahing altar at iconostasis, na tumataas, tulad ng mga hadlang sa altar ng mga sinaunang simbahang Ruso, sa antas na may mga vault.

Ang payat na Corinthian portico ng iconostasis ng sampung malachite na mga haligi ay sumusuporta sa attic, ang mga dibisyon kung saan ay nagpapatuloy sa patayong oryentasyon ng mga haligi at binibigyang diin ang kalubhaan ng arkitektura nito. Sa harap ng iconostasis ay isang solea, na nabakuran ng puting marble balustrade na may ginintuan na balusters.

Tatlong malalaking arko sa iconostasis ang nagsisilbing pasukan sa bahagi ng altar ng templo. Ang gitnang arko ay pinalamutian ng dalawang lapis lazuli na mga haligi at ang mga maharlikang pinto, sa likod nito ay ang pangunahing altar ng St. Isaac ng Dalmatia. Ang bintana ng altar ay may isa sa pinakamalaking mga stained glass na bintana sa Europa na may lawak na 28 metro kuwadrado. m, na ginawa sa pabrika ng Munich ni master Einmiller. Ang altarpiece ni Jesucristo ay nakikilala sa pamamagitan ng maliliwanag na kulay at lalim ng kulay nito.

Sa kabila ng katotohanan na ang stained glass ay isang uncharacteristic na detalye ng dekorasyon ng isang Orthodox church, sa St. Isaac's Cathedral ito ay organically umaangkop sa interior at nagbibigay sa altar ng isang natatanging, solemne hitsura.

Pagputol sa pangunahing iconostasis, bukas ang mga arko sa gilid para sa pagtingin sa mga kapilya sa gilid na may maliliit na iconostases. Ang kaliwang nave ay humahantong sa kapilya ng St. Alexander Nevsky, kanan - sa kapilya ng St. Catherine.

Sa napakagandang palamuti ng templo mahalaga ay may disenyo ng pangunahing dome drum. 12 mga estatwa ng mga caryatid na anghel na nakausli mula sa eroplano ng mga dingding, kasama ang mga pilaster ng marmol, ay bumubuo ng isang solong patayo at nag-aambag sa malinaw na dibisyon ng tambol. Sa pagitan ng mga eskultura, na ginawa sa pamamagitan ng electroplating, may mga magagandang larawan ng 12 apostol.

Mahusay na naiilawan ng mga bintana ng tambol, ang mga ginintuang pigura ng mga anghel ay namumukod-tangi na parang isang maliwanag na lugar laban sa background ng mga dingding at, kasama ang mga pintura, ay lumikha ng isang mayamang pandekorasyon na epekto.

Ang panloob na palamuti ng katedral ay nakoronahan ng isang pininturahan na kisame na may sukat na 816 metro kuwadrado. m, na nilikha ng natitirang artist ng ika-19 na siglo K. P. Bryullov. Ang pabilog na komposisyon ng canvas na ito ay idinidikta ng arkitektura ng templo. Ang balustrade na pininturahan sa pinakadulo ng kisame ay nagbibigay-daan sa isang malambot at natural na paglipat mula sa mga arkitektural na anyo patungo sa mga kaakit-akit. Ilusyunaryong pinalaki nito ang entablature ng drum, at ang gitna ng kisame, na walang mga imahe, ay nagdudulot ng pakiramdam ng lalim ng espasyo ng hangin at ang kawalang-hanggan ng vault ng langit. Ang komposisyon ng kisame ay nakumpleto ng isang iskultura ng isang kalapati na lumulutang sa ilalim ng arko - isang simbolo ng Banal na Espiritu.

Ang disenyo ng drum ng pangunahing simboryo mula sa punto ng view ng synthesis ng iba't ibang uri ng sining ay ang pinakamatagumpay sa St. Isaac's Cathedral.

Isang mahalagang detalye sa panloob na dekorasyon ang templo - ginintuan bahagi, cast tanso, na may relief burloloy, base at capitals ng mga haligi, medalyon, caissons, garlands, pati na rin openwork ginintuan chandelier tumitimbang ng humigit-kumulang 3 tonelada bawat isa. Sa kabuuan, 300 kg ng ginto ang ginugol sa pag-gilding ng katedral, at isa pang 100 kg sa pag-gilding ng mga domes.

Ang St. Isaac's Cathedral ay isang kapansin-pansing halimbawa ng synthesis ng arkitektura na may iba't ibang uri ng pandekorasyon at inilapat na sining.

Ang kanyang maraming mga kuwadro na gawa, mosaic, eskultura, isang kamangha-manghang kumbinasyon ng mga kulay na bato at pagtubog ay lumikha ng isang mayaman, puspos na scheme ng kulay.

Pagpapatuloy sa dekorasyon ng St. Isaac's Cathedrals

Isa sa mga tampok ng St. Isaac's Cathedral ay ang istilo ng interior decoration nito. Kung ihahambing sa iba pang mga simbahan ng Russia noong ika-19 na siglo, naiiba ito hindi lamang sa programa at artistikong pagpapatupad ng interior decoration, kundi pati na rin sa istraktura ng iconostasis, pag-aayos ng mga icon, at scheme ng kulay.

Hindi ito maipaliwanag lamang ng relihiyon ng punong arkitekto, ang Catholic Montferrand, dahil ang pagsunod sa mga canon ng Orthodox sa panahon ng pagtatayo at disenyo ng templo ay mahigpit na sinusubaybayan ng isang espesyal na komisyon ng Banal na Sinodo. Ayon sa mga protocol ng Komisyon sa Konstruksyon, makikita mo kung paano inutusan ng mga banal na ama ang mga akademiko at propesor na baguhin ang mga detalye ng komposisyon, ang laki ng mga figure, at maging ang mga kulay ng kulay ng mga sketch ng hinaharap na mga pagpipinta.

Samantala, ang pagsusuri ng mga materyales sa archival ay nagmumungkahi na ang mga panloob na tampok ng katedral na ito ay tinutukoy ng mga tradisyon na itinatag sa panahon ng disenyo ng unang mga simbahan ng St. Isaac.

Sa mga file ng Naval Ministry ay iniulat tungkol sa St. Isaac's Church: "... ito ay naglalaman ng mga larawan ng Tagapagligtas, ang Ina ng Diyos, Nicholas, John Chrysostom, Isaac ng Dalmatia, Alexander Nevsky, Andrew the First-Called ... Sa itaas ng maharlikang mga pintuan ay may isang imahe ng Tagapagligtas na may krus sa kanyang kamay, nakasulat sa lemon damask , sa mga gilid ng Tagapagligtas ay may mga kerubin sa asul na taffeta, ang mga frame ay ginintuan sa ilalim ng mga icon ay may mga nakatayo pininturahan sa telang damo... Pula ang mga kurtina sa mga pinto...". At isa pang bagay: "limang felt na piraso (grey-black) ang idinagdag sa sahig malapit sa mga pinto...".

Kung, alinsunod sa mga paglalarawang ito, naiisip natin ang iconostasis ng unang St. Isaac's Church, kung gayon ang nangingibabaw na mga kulay nito ay magiging dilaw-ginto at berde na may dalawang asul na patayong guhitan sa kahabaan ng mga pintuan ng hari. Dahil sa mga tampok na arkitektura ng drafting barn, na itinayong muli sa unang St. Isaac's Church, ang iconostasis nito, hanggang sa 4 m ang taas at higit sa 6 m ang lapad, ay hindi nangangailangan ng mga pahalang na istruktura ng kapangyarihan, at para sa visual effect ng mas mataas na taas. ay hinati ng mga patayong berdeng guhit simula sa sahig.

Alam na ibinigay ni Emperor Peter I ang kanyang mga icon para sa pag-aayos ng unang St. Isaac's Cathedral, at inilipat din sila sa iconostasis ng pangalawang St. Isaac's Cathedral.

Sa paghusga sa mga lugar na inilaan para sa kanila sa disenyo ng iconostasis, ang laki ng mga imahe ay hindi hihigit sa 100 x 60 cm at 80 x 50 cm Sa apat na proyekto ng iconostasis ng St. Isaac's Cathedral ng iba't ibang mga may-akda, ang mga sukat na ito ay pinapanatili.

Ang laki ng mga icon na ito at ang pagbanggit ng pagkakalagay sa iconostasis ng unang St. Isaac's Cathedral ng mga imahe ng Tagapagligtas at mga arkanghel na ipininta sa canvas ay nagmumungkahi na mahirap maglagay ng iba pang mga icon doon.

Sa turn, ang pahalang na istraktura ng iconostasis ay hindi pinapayagan ang paglikha ng isang multi-row (4- o 5-tier) na iconostasis para sa templong ito. Samakatuwid, ang ilan sa mga icon - ang "ikalabindalawang pista opisyal" - ay inilipat sa mga dingding ng templo o sa mga haligi nito. Kinumpirma din ito ng mga disenyo para sa iconostasis ng pangalawang St. Isaac's Cathedral, na naglaan para sa paglalagay ng hindi hihigit sa walong mga icon at tatlong pangkat ng eskultura sa itaas ng mga pintuan ng hari.

Sa kabila ng katotohanan na ang iconostasis ng pangalawang St. Isaac's Church, mga 8 m ang lapad at higit sa 12 m ang taas, ay naging posible na maglagay ng mga karagdagang tier ng mga icon, hindi ito nangyari. Ang istraktura ng iconostasis ay nanatiling pareho, bilang patayo tulad ng sa unang simbahan. Kasama sa disenyo ng iconostasis ang ilang mga grupo ng mga haligi, ang taas nito ay lumampas sa kalahati ng taas ng iconostasis mismo.

Ang parehong mga uso sa disenyo ng iconostasis ay napanatili sa ikatlong St. Isaac's Cathedral (dinisenyo ng arkitekto na si A. Rinaldi).

Ang iconostasis nito ay pangunahing binubuo ng mga patayong istruktura, ang scheme ng kulay ay puti, ginto at berde. Sa kasamaang palad, ang pangunahing altar ng katedral na ito ay hindi nakaligtas, ngunit malamang na hindi ito lumalabag sa patayong dibisyon. Ang iconostasis ay naglalaman ng hindi hihigit sa 10 - 12 mga icon na may makabuluhang laki. Ang naunang nabanggit na maliliit na icon, na inilipat mula sa una hanggang sa kasunod na mga simbahan ng St. Isaac, ay matatagpuan sa interior.

Kapansin-pansin na noong sinimulan ni Montferrand na itayo ang ikaapat na katedral, sa tabi ng ikatlong templo na binubuwag, isang espesyal na extension ang ginawa para sa mga icon nito, at ang mga serbisyo ay ginanap sa loob nito. Pagkatapos ng 1828, dahil sa matinding gawaing pagtatayo Sa pamamagitan ng utos ng Imperial at sa kahilingan ng mga parokyano, ang mga pinakaginagalang na mga icon ng St. Isaac's Cathedral ay inilipat sa isang silid sa ikalawang palapag ng western wing ng Admiralty, kung saan ang mga pansamantalang kapilya ng St. Isaac ng Dalmatia, St. Alexander Nevsky at St. Si Andrew ang Unang Tinawag.

Matapos ang pagbubukas at pagtatalaga ng ikaapat na St. Isaac's Cathedral noong 1858, ang ilan sa mga icon mula sa Admiralty ay ibinalik sa bagong itinalagang simbahan, habang ang iba (halimbawa, ang imahe ni St. Andrew the First-Called) ay naiwan sa ang Admiralty.

Sa iconostasis ng kasalukuyang St. Isaac's Cathedral, ang tradisyonal na disenyo, simula sa unang kahoy na St. Isaac's Church, ay malinaw na nakikita.

Kaya, sa kabila ng malaking lugar ng iconostasis, mayroong isang limitadong bilang ng mga icon na nakalagay dito, bukod dito, ang parehong mga tulad ng sa unang simbahan ng St. Isaac ng Dalmatia (mga larawan ng Tagapagligtas, ang Ina ng Diyos, St. Nicholas ng Myra, St. Isaac ng Dalmatia, St. Alexander Nevsky). Ang mga mukha lamang ng mga santo na ipinangalan sa mga hari at reyna ang idinagdag, kung saan itinayo ang apat na simbahan ni St. Isaac.

Ang "ikalabindalawa" na mga icon ng holiday ay inilalagay sa loob ng katedral, na tumutugma sa kanilang lokasyon sa nakaraang mga simbahan ng St. Isaac. Ang background ng mga imahe (lemon damask - dilaw) ay pinalitan ng isang gintong mosaic cantorel. Ang mga patayong haligi ay napreserba at gawa sa malachite, na parang nire-reproduce ang "grassy" (berde) na mga pedestal ng unang St. Isaac's Church na ipininta sa canvas.

Ang asul na background malapit sa maharlikang mga pintuan ay pinalitan ng mga haliging gawa sa Afghan lapis lazuli, at ang mga larawang ipininta sa itaas ng mga pintuan ng hari ay ginawa ng eskultura na grupong “Christ in Glory.” Ang mga kurtina sa ibabaw ng mga pinto ay napanatili sa pula, at kahit na ang mga marmol na slab ng nakatanim na sahig ay inuulit ang kulay abong tono ng mga nadama ng unang St. Isaac's Church.

Ang mga tampok na ito ng kulay at komposisyon na disenyo ng interior ng St. Isaac's Cathedral ay nagmumungkahi na ang mga tradisyon sa dekorasyon nito, na itinatag sa ilalim ni Emperador Peter I, ay napanatili at isa sa mga pamantayan para sa pagtatayo ng lahat ng mga simbahan ng St. Isaac ng Dalmatia sa St. Petersburg.

Minantsahang salamin

Ang bawat tao'y, papalapit sa pangunahing iconostasis ng katedral, ay malulugod sa karilagan at kayamanan ng pandekorasyon na dekorasyon nito: ang ginintuang eskultura, ang kagandahan ng malachite at lapis lazuli na mga haligi, ang misteryosong kinang ng gintong cantoral na background ng mga mosaic na imahe.

Ngunit kung sa parehong oras ang mga maharlikang pintuan ng pangunahing altar ay nakabukas, kung gayon ang atensyon ay nakatuon, una sa lahat, sa stained glass na altarpiece ng Nabuhay na Mag-uli.

Siya ay inilalarawan laban sa isang background ng dilaw-asul na kalangitan, nakasuot ng isang lilang balabal na may gintong pagbuburda, pinalamutian ng berdeng mga esmeralda at maputlang lila na amethyst.

Ang pigura ni Jesu-Kristo ay sumasakop sa halos buong espasyo ng bintana ng altar na tila masikip sa loob ng mga frame na ito, at ang isa ay nakakakuha ng impresyon na sa isang sandali ay papasok na ang Panginoon sa templo.

Ang epekto ng presensya ay binibigyang diin ng malabo, ngunit medyo tiyak na dinamika ng komposisyon. Ang ibabang bahagi ng bintana ay inookupahan ng isang ulap, na parang banayad na lumulutang patungo sa manonood, at salamat dito, ang pigura ni Kristo ay tila nakataas. Sa Kanyang mga kamay ay isang kumakaway na iskarlata na bandila na may puting krus.

Ang napakalaking sukat ng Panginoong Muling Nabuhay ay nagpapahiwatig ng kahalagahan ng imahe at ang nangingibabaw na posisyon nito. Itaas na bahagi ang bintana sa anyo ng isang kalahating bilog na arko ay binibigyang diin ang dinamika ng mga sinag ng halo. Ang mukha ni Jesu-Kristo ay na-highlight na may mas maliwanag na liwanag dahil sa mas magaan na kulay.

Ang elementong ito ng dekorasyon ay tradisyonal para sa isang simbahang Katoliko, ngunit marahil ang isa lamang sa Simbahang Ortodokso.

Ang hitsura ng isang stained glass window na may sukat na 28.5 square meters. m sa St. Isaac's Cathedral ay sanhi ng mga romantikong mood na inspirasyon ng mga larawan ng Middle Ages.

Ang pagpipinta ay ginawa sa istilo ng Italian Renaissance. Isa ito sa pinakamalaking stained glass windows sa Europe, at ang pinakamalaking sa Russia.

Ang paglalagay ng stained glass window sa altar window ng St. Isaac's Cathedral ay inirerekomenda ng Bavarian architect na si Leo von Klenze, ang may-akda ng orihinal (hindi tinatanggap) na disenyo para sa interior decoration ng templo. Ito ay inaprubahan ni Emperor Nicholas I, Banal na Sinodo at suportado si O. Montferrand, dahil ang detalyeng ito ng dekorasyon ay hindi sumasalungat sa kanyang sariling pandekorasyon na plano.

Ang paggawa ng stained glass window ay pinangangasiwaan mismo ni von Klenze, na bumuo ng isang frame ng isang espesyal na disenyo para dito. Ang Bavarian architect ay personal na umapela sa kanyang patron na si Haring Ludwig I para sa pahintulot na gumawa ng stained glass sa Munich, at tinanggap ang kanyang pahintulot.

Noong 1841, ibinigay ni Klenze at ng isang mensahero ang kanyang mga guhit sa Tagapangulo ng Komisyon para sa Konstruksyon ng Katedral, ang Kanyang Serene Highness Prince P. M. Volkonsky.

Di-nagtagal, ipinaalam ng prinsipe, sa ngalan ng Pinakamataas na Pangalan, sa arkitekto na maaari siyang mag-order sa Munich Royal Factory. Mula sa sandaling iyon, ang papel ni Klenze ay nabawasan sa pamamagitan sa pagitan ng mga German stained glass artist at ang pinuno ng Komisyon.

Ang disenyo ng pagguhit ng stained glass window ay muling ginawa nang maraming beses, ang pangwakas na bersyon ay binuo ng artist na si G. M. von Hess at higit sa lahat ay sumunod sa mga tradisyong pang-akademiko: ang tinatawag na "academic tricolor" ay namamayani sa larawan - pula, asul at dilaw-puti. mga tono.

Sa maraming paraan, ang pambihirang kagandahan, kayamanan, subtlety at pagiging bago ng kulay ay ang merito ng mga masters ng pabrika ng Munich, at, higit sa lahat, isa sa pinakamahusay na stained glass artist sa Europe, M.-E. Einmiller.

Ang kahanga-hangang master na ito ay mayroong higit sa 100 iba't ibang kulay at kulay sa kanyang pagtatapon ng baso. Ginamit niya laminated glass at salamin na pininturahan ng mga espesyal na pintura.

Halimbawa, ang lilang balabal ni Kristo ay gawa sa dalawang patong ng pula at dilaw na salamin. Ang mga mamahaling bato sa stained glass na bintana ay tila matambok na prisma na may kasamang tingga. Ang epekto ng kulay ng halo ay batay sa katotohanan na ang mga indibidwal na layer sa tatlong-layer na salamin ay bahagyang inalis, at sa gayon ang dilaw na kulay ay nakakuha ng isang maberde na tint.

Masters mula sa Munich skillfully ginamit at isa kulay na salamin. Ang mga ulap sa larawan ay gawa sa solidong mausok na kulay abong salamin, ang banner ng krus ay gawa sa ruby, ang krus sa banner ay gawa sa puti.

Ang ilang mga stained glass na bahagi ay pininturahan ng mga espesyal na pintura, pinaputok sa isang muffle furnace at pagkatapos ay ginawang makina.

Ang stained glass ay ginawa sa isang pabrika sa bayan ng Benediktbeuern, na unang pag-aari ni M. Z. Frank, at pagkatapos ay naging pag-aari ni Einmiller, na gumawa ng isang paraan para sa paggawa ng salamin na may pinakamagagandang pagbabago ng mga tono. Upang mapagkakatiwalaang ihatid ang mga mukha ng mga tao at mga bukas na bahagi sa stained glass katawan ng tao, naimbento niya ang tinatawag na "parchment" glass.

Sa pagtatapos ng 1843, natapos ang trabaho sa stained glass window. Noong tag-araw ng 1844, ang mga kahon na may disassembled na pagpipinta ay inihatid sa St. Petersburg sa pamamagitan ng dagat. Binuo ni Master G. Kühl ang stained glass na bintana at inilagay ito para ipakita sa hari.

Pagkatapos ng Pinakamataas na pag-apruba, ang pagpipinta ay muling binuwag at inilagay sa pangunahing altar pagkatapos makumpleto ang trabaho sa katedral.

Ang isang stained glass window ay binubuo ng dalawang metal frame na konektado ng mga rod. Ang makapal na salamin na salamin ay ipinasok sa panlabas na frame; ang stained glass window mismo ay naka-mount sa panloob na frame mula sa mga elemento ng kulay na translucent na salamin, na hawak kasama ng lead na paghihinang. Ito ay gaganapin sa window frame sa pamamagitan ng metal fasteners.

Ang altarpiece na "The Risen Christ" ay organikong pumasok sa istruktura ng pandekorasyon at artistikong dekorasyon ng St. Isaac's Cathedral. Ang katotohanan na siya ay lumitaw sa isang simbahang Ortodokso ay hindi sumasalungat sa diwa ng mga panahon ng kasagsagan ng romantikong Ruso.

Mga Sanggunian: Internet resource: http://www.liveinternet.ru/users/tantana/post219557930

APENDIKS 2.

Pagsusuri ng pagpipinta ni V. Surikov "Boyaryna Morozova"

Ang kasaysayan ng paglikha ng pagpipinta na ito ay pinakamayaman sa mga materyales na nagsasabi tungkol sa mga misteryo ng artistikong gawain ni Vasily Surikov. Halos lahat ng mga yugto ng kanyang paghahanap sa komposisyon ay napanatili, naitala sa iba't ibang mga sketch - mula sa pinakaunang mga sketch hanggang sa mga watercolor, kung minsan ay natatakpan ng isang graphene grid (iyon ay, idinisenyo upang ilipat sa canvas).

Unang isinulat mga pintura ng langis Ang sketch ng pagpipinta na "Boyaryna Morozova" ay ginawa ni Surikov noong 1881. Ang ideya para sa pagpipinta ay hindi pa ganap na hinog, ngunit naisip na ni V. Surikov ang buong eksena nang partikular. Ngunit ang isa pang artistikong plano ay naantala ang trabaho sa pagpipinta na ito sa loob ng mahabang panahon: mula 1881 hanggang 1883, nagtrabaho si Surikov sa "Menshikov sa Berezovo", at pagkatapos ay pumunta sa ibang bansa.

Doon, malayo sa kanyang tinubuang-bayan, masinsinang tumitingin sa walang kamatayang mga pagpipinta ng mga masters ng Renaissance, ipinagpatuloy ni Surikov ang pag-aalaga ng mga imahe ng kanyang bagong mahusay na nilikha - ang katutubong drama na "Boyaryna Morozova". Sa pagbabalik sa Russia noong tag-araw ng 1884, sa wakas ay nakapagtrabaho na siya sa pagpapatupad ng kanyang matagal nang magandang plano, ngunit noong tagsibol lamang ng 1887 ay natapos niya si "Boyarina Morozova". Ang bagong gawain ay pinangalanan pagkatapos ng pangunahing katangian ng larawan - ang noblewoman na si Morozova, isa sa mga kilalang kalahok sa "schism".

Ang sandali na pinili niya para sa larawan ay hindi nagbago: isang pulutong ng mga tao at isang sleigh na may isang galit na galit na noblewoman habang siya ay nagmamaneho sa mga lansangan ng Moscow - "ang kahihiyan ng pagsunod sa noblewoman na si Fedosya Prokopyevna Morozova para sa interogasyon sa Kremlin para sa kanyang pagsunod sa schism sa panahon ng paghahari ni Alexei Mikhailovich."

Ang panlabas na dahilan para sa paghihiwalay ay, tulad ng nalalaman, mga reporma sa simbahan, na sinimulan ni Patriarch Nikon noong 1655: pagwawasto ng mga liturgical na aklat at mga pagbabago sa mga ritwal (sa partikular, ang pagtatalo ay tungkol sa kung paano mabinyagan - na may dalawa o tatlong daliri).

Ang schism ay naging laganap sa mga aliping magsasaka at taong-bayan. Ang mga tao ay may kaunting pag-unawa sa mga teolohikong debate tungkol sa dalawang daliri at tatlong daliri na mga tao, ngunit ang dalawang daliri ay sa kanila, at ang mga taong may tatlong daliri ay dayuhan at ipinataw mula sa itaas. Sa isipan ng malawak na masa, ang pagtatanggol sa "lumang pananampalataya" ay isang natatanging paraan ng protesta laban sa estado, na, habang ipinakilala ang "bagong pananampalataya" sa pamamagitan ng puwersa, sa parehong oras ay pinalakas ang serfdom. Malinaw na sinasalamin ng paghihiwalay ang mga tampok ng makauring pakikibakang anti-pyudal. Sa hanay ng mga tagasuporta ng schism, mayroon ding mga indibidwal na pamilyang boyar, ngunit, tulad ng tala ng agham sa kasaysayan ng Sobyet, ang mga ito ay mga hiwalay na kaso lamang, na ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na ang pagnanais ng gobyerno na isentralisa ang Russia ay dumaan sa matigas na oposisyon ng mga reaksyunaryong boyar. . Ang schism sa kabuuan ay nagpapanatili ng isang buhay na koneksyon sa popular na kilusan hanggang sa katapusan ng ika-17 siglo at nagsilbing panlabas na shell para sa kusang protesta ng masa. Samakatuwid, pinigilan ng gobyernong tsarist ang kilusang schismatic sa lahat ng posibleng paraan. Ang noblewoman na si Morozova ay sumailalim din sa matinding pag-uusig.

Ano ang alam ni V. Surikov tungkol sa boyar na si Morozova sa mga taong iyon? Pangkalahatang balangkas nito malungkot na kwento, na narinig mo noong bata ka sa Siberia? Ano ang isinulat tungkol sa kanya sa nobela ni D.L. Ang "The Great Schism" ni Mordovtsev? Marahil ay nabasa ko rin ang artikulo ng N.S. Tikhonravov sa "Russian Bulletin" para sa 1865 at ang aklat ni I.E. Zabelin "Buhay sa tahanan ng mga reyna ng Russia". Ngunit wala sa mga aklat na ito, sa alinman sa mga artikulo ay walang isang salita tungkol sa karamihan ng mga tao na nakakita sa marangal na babae na si Morozova, tungkol sa kanyang itim na kalahating monastic, kalahating bilanggo na damit, tungkol sa itim na tabla sa kanyang dibdib.

Ang labing pitong taong gulang na si Fedosya Sokovnina, ang anak na babae ng isa sa mga malapit na kasama ng tsar, ay ikinasal sa matandang boyar na si G.I. Morozova. Mahusay na nagbabasa, may sariling kalooban, masigla, kahit na sa ilalim ng kanyang asawa ay hayagang nagsagawa ng mga lumang ritwal ng simbahan, na nakikilala sa pamamagitan ng kanyang kawalang-interes sa bagong "opisyal" na simbahan.

Ang simbahang ito ay ginawang legal noong 1654, nang pinagtibay ng isang pulong ng konseho ng simbahan sa Moscow ang ritwal na reporma na inihanda ni Patriarch Nikon. Mangyari pa, ang kahulugan ng mga repormang isinagawa ay higit na malalim kaysa sa mga bagong alituntunin lamang sa pagsusulat ng pangalan ni Jesu-Kristo o isang tagubilin na magpabinyag gamit ang tatlong daliri sa halip na dalawa.

Ang mga bagong ritwal ay nagdulot ng protesta sa isang makabuluhang bahagi ng klero, lalo na ang mas mababang klero, na nakakita sa kanila ng isang dayuhang impluwensya, isang banta sa kadalisayan ng tunay na pananampalatayang Ortodokso. Hindi nagtagal ay naging ganap ang puro away sa simbahan malaking impluwensya sa mga tao. Ang isa sa mga dokumento noong mga taong iyon ay nagsasabi: “Ang apoy ng galit laban sa mga pinuno, laban sa mga insulto, mga buwis, pang-aapi at kawalang-katarungan ay lalong dumami, at ang galit at kabangisan ay nag-alab.”

Boyarynya F.P. Malapit na iniugnay ni Morozova ang kanyang kapalaran sa mga masigasig ng lumang pananampalataya, suportado ang galit na galit na archpriest na si Avvakum, ang pangunahing kaaway ng mga Nikonian, at sa pagbabalik ng huli mula sa pagkatapon noong 1662, pinatira niya siya sa kanya. Sa oras na ito, siya ay nabalo at nanatiling nag-iisang tagapamahala ng napakalaking kayamanan ng kanyang asawa. Ang kanyang bahay ay nagsimulang magmukhang isang kanlungan para sa mga Old Believers, sa katunayan, ito ay naging isang uri ng schismatic monastery.

Nabiyuda sa edad na tatlumpu, ang babaeng "masigasig na puso" na ito ay namumuhay ng malupit na asetiko, ipinamahagi ang kanyang kayamanan sa mga mahihirap, at noong 1668 ay lihim na kumuha ng mga panata ng monastiko mula sa isang schismatic elder.

Hindi nagtagal ay sumunod ang mga kaganapan na naging prologue sa episode na pinili ni V. Surikov bilang plot para sa kanyang pelikula.

Noong taglagas ng 1671, ang galit ng Tahimik na Tsar Alexei ay bumagsak sa rebeldeng noblewoman. Sa una, gayunpaman, sinubukan nilang "kumbinsihin" siya, ngunit tumanggi siya sa lahat ng panghihikayat na magpasakop sa maharlikang kalooban at tanggapin ang mga bagong regulasyon ng simbahan. Bilang karagdagan, napatunayang hinikayat din niya ang kanyang kapatid na si Prinsesa Urusova, sa lumang pananampalataya.

Sila ay ikinulong sa “mga bakal ng kabayo” at inilagay sa ilalim ng bantay. Pagkalipas ng dalawang araw, nang maalis ang mga tanikala sa mga kababaihan, dinala sila para sa interogasyon sa Chudov Monastery. Ngunit walang nagawa ang Metropolitan Pavel mula sa alinman sa F.P. Morozova, o mula sa kanyang kapatid na babae. Tahimik silang tumanggi na kumuha ng komunyon ayon sa mga bagong missals, tumayo nang matatag sa dalawang daliri at inihayag na kinikilala lamang nila ang mga lumang nakalimbag na libro.

Higit sa isang beses kinuha nila ang mga babae para sa interogasyon, at nang sila ay pinahirapan, si F.P. Sumigaw si Morozova sa rack: "Ito ang dakila at tunay na kahanga-hanga para sa akin: kung karapat-dapat akong sunugin ng apoy sa isang log house sa Bolot (Sa Bolotnaya Square sa Moscow pinatay nila ang "mga kaaway ng ama"), ito ay maluwalhati sa akin, sapagkat hindi ko pa nararanasan ang karangalang ito noon.”

Ni ang panghihikayat, o pagbabanta, o masakit na pagpapahirap ay hindi makasira sa espiritu ni Morozova.
Ang kaibigan at tagapagturo ng noblewoman na si Morozova, isang debotong tagapagtanggol ng lumang pananampalataya, si Archpriest Avvakum ay sumulat tungkol sa kanya tulad nito: "Ang mga daliri ng iyong mga kamay ay banayad, at ang iyong mga mata ay mabilis na kumikidlat. Sumugod ka sa kalaban na parang leon."

Ngunit hindi sila pinatay. Natakot si Tsar Alexei Mikhailovich sa labis na publisidad at nagpasya na tahimik na alisin ang mga rebeldeng kababaihan. Sa kanyang utos, ang magkapatid na babae ay pinagkaitan ng mga karapatan ng kanilang ari-arian at ikinulong sa isang piitan ng monasteryo sa Borovsky. Doon sila namatay sa gutom at lamig.

Maliwanag at isang malakas na karakter maharlikang babae F.P. Si Morozova ay nasa espiritu ni Vasily Surikov. Siya ay nabighani sa imahe ng isang nagniningas na babaeng Ruso, ang kanyang espirituwal na kawalang-kilos at kalooban. Kung bago ang tagsibol ng 1881 ay iniisip lamang ng artista ang balangkas, ngayon ay si F.P. Kinuha ni Morozova ang lahat ng kanyang mga iniisip. Si V. Surikov ay may tanging layunin - upang ipakita ang kanyang pangunahing tauhang babae na hindi nawala sa karamihan, ngunit upang i-highlight siya nang may sukdulang artistikong panghihikayat malakas na katangian kanyang karakter.

Kinakailangang hanapin ang nag-iisang komposisyon na makapagpapahayag ng mga kaisipang nanaig kay V. Surikov, na maaaring ipahayag ang malungkot na kapalaran ng noblewoman na si F.P. Morozova sa isang kuwento tungkol sa isang pambansang trahedya. Hindi siya partikular na interesado sa dogmatikong simbahan ng schism at ang mga dramatikong awayan sa pagitan ng noblewoman at ng mga Nikonian. Hindi sa malungkot na kalunos-lunos na pagmuni-muni, hindi sa hirap ng kaisipang pakikibaka, nais itong ipakita ng artista, ngunit sa mga tao at sa harap ng mga tao.

Naunawaan ng mabuti ni Vasily Surikov na ang kasaysayan ay hindi nagagawa nang walang mga tao, at kahit na ang pinakatanyag na pigura sa kasaysayan ay walang magawa kung wala ang mga tao. Kung saan walang tao, walang bayani. At ang trahedya ng F.P. Ang Morozova (tulad ng nakita sa kanya ni V. Surikov) ay hindi gaanong trahedya ng isang babae, kahit na isa sa gayong pambihirang lakas ng pagkatao. Ito ay isang trahedya ng panahon, isang trahedya ng buong tao.

"Hindi ko naiintindihan ang mga aksyon ng mga indibidwal na makasaysayang figure na walang mga tao, nang walang karamihan, kailangan kong i-drag sila palabas sa kalye," sabi ni Surikov. Ang mga tao, ang kanilang mga saloobin at damdamin sa panahon ng split - ito ang pangunahing bagay na nakakaakit kay Surikov sa makasaysayang balangkas na kanyang pinili at kung ano ang kanyang napakatalino na inihayag sa kanyang pelikula.

Sa asul na ulap ng isang umaga ng taglamig, ang dissenter na si Boyarina Morozova, na nakadena sa mga tanikala, ay dinadala sa pamamagitan ng maluwag, basang niyebe. Ang mga mangangahoy ay nahihirapang dumaan sa siksikang pulutong na pumuno sa makipot na kalye ng mga mababang bahay at mga ginto at asul na simboryo. Itinaas ni Morozova ang kanyang kamay, nakagapos sa isang mabigat na kadena, na may manipis na mga daliri na nakatiklop sa dalawang daliri. Tinutugunan niya ang mga tao nang may marubdob na panawagan na manindigan nang matatag para sa kanyang layunin. Ang nag-aapoy na titig ng kanyang malalim na lumubog na mga mata sa kanyang haggard, nakamamatay na maputlang mukha ay nakakatakot. Handa siyang tanggapin ang anumang pagdurusa, upang mamatay.

Ang pambihirang makapangyarihang imahe ng Morozova ay nangingibabaw sa larawan, ngunit hindi natatabunan ang karamihan. Bukod dito, siya ay hindi maiiwasang nauugnay sa kanya: pinagsama niya siya sa kanyang sarili at sa parehong oras, salamat sa kanya, nakakakuha siya ng espesyal na pagpapahayag at espesyal na kahulugan. Ang Morozov ay ang pinagmulan na nakakaganyak ng isang kumplikadong hanay ng iba't ibang mga karanasan sa karamihan, at ang sentro kung saan ang mga pananaw, kaisipan at damdamin ng lahat ay nakadirekta mga karakter ang eksenang ito. Nagpapakita ng makasaysayang pangyayari bilang trahedya ng bayan, mahusay na nalutas ni Surikov ang pinakamahirap na problema ng pagsasama-sama ng "bayani at karamihan." Ang pagkakaisa na ito ay partikular na sinusuportahan ng katotohanan na ang mga babaeng mukha sa sikat na karamihan ay nauugnay sa uri sa mukha ni Morozova mismo. Ang masa ng tao ay nagkakaisa, ngunit ni isang mukha ay hindi natutunaw dito, ang artist ay nakakamit ng kamangha-manghang pagkakaisa sa paglalarawan ng masa at ng indibidwal na pagkatao ng tao: lahat ng tao sa karamihan ay nakikita ang kaganapan sa kanilang sariling paraan, ang bawat mukha ay isang bagong boses sa iisang trahedya na koro. Nakikita natin ang kaluwalhatian ng pari, na ibinuka ang kanyang walang ngipin na bibig, at ang pakikiramay ng mga taong-bayan at ang "mga kapatid na pulubi" - ang banal na hangal na inuulit ang kalunos-lunos na kilos ni Morozova, ang lagalag na naghubad ng kanyang ulo at nanlamig sa malalim na pag-iisip, ang babaeng pulubi. lumuluhod sa harap ng schismatic na inuusig ng tsar... Nakakuyom ng mahigpit ang kanyang mga kamay, na parang sinusubukang huwag sumuko sa kahinaan, upang mapanatili ang lakas ng loob at lakas, ang kapatid ni Morozova, si Prinsesa Urusova, ay nagmamadaling sumunod sa paragos. Isang batang babae sa lungsod na nakasuot ng asul na fur coat at isang gintong scarf na magalang na yumuko mula sa baywang...

Sa paglalarawan ng masa sa kalye, kinailangan ni Surikov na lutasin ang pinaka kumplikadong mga problema sa komposisyon, na ginawa niya nang may kahanga-hangang kasanayan. Ang canvas ay itinuturing bilang isang buhay na piraso ng katotohanan. Ang karamihan ay nabubuhay at nag-aalala dito; gumagalaw, bumagsak na parang kalang sa karamihan, isang kahabag-habag na paragos. Malalim na bakas na iniwan ng mga runner, dayami na nag-drag sa snow, isang batang lalaki na tumatakbo pagkatapos ng sleigh - lahat ay nagpapapaniwala sa manonood na ang sleigh, na tumatagilid sa kaliwa, ay talagang gumagalaw sa maluwag na niyebe. Ang impresyon ng paggalaw ng sleigh ay sinusuportahan din ng pagtaas ng paggalaw sa mga figure - mula sa kanang gilid hanggang sa gitna: sa kanan ay ang banal na tanga na nakaupo sa niyebe, pagkatapos ay ang babaeng pulubi na lumuhod at umaabot kay Morozova , at sa wakas, naglalakad sa tabi ng sleigh ni Urusov. Ang dynamism ng buong eksena ay pinahusay ng diagonal na konstruksyon ng larawan. Ang parehong kamangha-manghang ay ang scheme ng kulay ng pagpipinta, ang nakalarawan na "orkestrasyon", ang hanay ng kulay nito - mula itim hanggang puti, gamit ang buong gamut ng palette. Nabighani sa pagiging makulay ng sinaunang buhay ng Russia, ang Surikov ay lumilikha ng kakaibang mga spot ng kulay - asul, dilaw, pulang-pula, itim... Ngunit kahit na ang pinakasinorous na makulay na mga spot ay hindi nahuhulog sa larawan at hindi ito ginagawang isang pandekorasyon na canvas; sila ay napapailalim sa pangkalahatang pagkakaisa, sila ay pinalambot at pinagsama ng malambot na nakakalat na liwanag, isang mala-bughaw na ulap ng basa-basa na hangin. Ang mga asul na tono, na umaalingawngaw sa mga ginintuang, ay nakakalat sa lahat ng dako: sa niyebe, na parang pinagtagpi mula sa mga pagmuni-muni ng kulay, at sa kulay-abo na kalangitan, at sa mga pattern ng katutubong damit... Ang sikolohikal na sentro ng larawan ay naka-highlight din ng kulay - ang pigura ng Morozova; ang itim na bahagi ng kanyang damit ay parang isang mabigat na kampana sa background ng puting niyebe. Ngunit ang mga maliliwanag na kulay at maraming kulay ng karamihan ng mga tao ay nagbibigay sa larawan ng isang pangunahing, nagpapatibay sa buhay na tunog, na nagpapahayag ng pananampalataya sa mga tao, sa kanilang lakas, sa huling tagumpay ng pag-iisip ng mga tao laban sa pagtatangi, liwanag sa kadiliman.

Inabot ng tatlong taon si V. Surikov para ipinta ang kanyang larawan. Si Sketch ay sinundan ng sketch; Saanman siya bumisita sa panahong ito, naghahanap ng mga pinaka-katangian na mga karakter, sa kakapalan ng buhay mismo, iginuhit ang hinaharap na mga bayani ng kanyang larawan. Tinanggihan niya ang dalawang canvases na may mga sketch na nagawa na, at ang pangatlo lamang, na ginawa ayon sa kanyang espesyal na order (isang parihaba na inilagay sa isang malaking gilid) ay nasiyahan sa master.

Ang komposisyon na "Boyaryna Morozova" ay nilikha pagkatapos ng isang mahaba at mahirap na paghahanap. Sinabi mismo ni Surikov: "Ang pangunahing bagay para sa akin ay komposisyon. Mayroong ilang uri ng matibay, hindi maaalis na batas dito, na maaari lamang hulaan ng likas na hilig, ngunit hindi nababago na ang bawat idinagdag o bawas na pulgada ng canvas, o dagdag na puntong inilagay, ay agad na nagbabago sa buong komposisyon.”

Sa ibang pagkakataon, sinabi ni Surikov: "Sa paggalaw ay may mga buhay na punto, at may mga patay. Ito ang tunay na matematika. Ang mga figure na nakaupo sa sleigh ay humawak nito sa lugar. Kinakailangang hanapin ang distansya mula sa frame hanggang sa sleigh upang mailunsad ang mga ito. Medyo mas kaunting distansya - ang sleigh ay nakatayo pa rin. At si Tolstoy at ang kanyang asawa, nang mapanood nila si Morozov, ay nagsabi: "Ang ilalim ay kailangang putulin, ang ilalim ay hindi kailangan, ito ay nasa daan." Ngunit hindi mo mababawasan ang anumang bagay doon - ang sleigh ay hindi gagalaw."

Ang artist ay "hinanap" para sa mga larawan ng kanyang mga bayani na may partikular na pagtitiyaga. Upang mangolekta ng kinakailangang materyal, upang mahanap ang pinaka-katangian na mga uri ng mga tao na maaaring magsilbi bilang mga modelo para sa mga character sa larawan, si Vasily Surikov ay nanirahan sa Mytishchi. Dito, sa kahabaan ng highway ng Yaroslavl, "sa loob ng maraming siglo, ang tuluy-tuloy na mga linya ng mga peregrino ay lumakad sa buong taon, lalo na sa tag-araw, patungo sa Trinity-Sergius Lavra na si V. Surikov ay sumulat, na nasasakal, sa lahat ng mga gumagala na dumaan sa kanyang kubo, kawili-wili sa kanya ayon sa uri."

Siya ay palaging at saanman sabik na sumilip sa mga mukha ng tao, sinusubukang tuklasin sa kanila ang panlipunan o sikolohikal na uri na kailangan niya, malapit sa mga larawan ng mga iyon. mga makasaysayang karakter, na naakit sa kanyang malikhaing imahinasyon. "Ang batang babae sa karamihan, isinulat ko ito kasama si Speranskaya," naghahanda siya noon na maging isang madre. At ang mga yumuyuko ay pawang mga Lumang Mananampalataya mula sa Preobrazhensky, "sabi ni Surikov. Ang mga alaala ng artist sa nakaraan, na nakuha ng kanyang malakas na visual memory, ay nakatulong din: "Naaalala mo ba ang pari sa aking pulutong? Ito ay isang buong uri na aking nilikha. Ito ay noong pinadala nila ako mula sa Buzim upang mag-aral, dahil naglalakbay ako kasama ang sexton - Barsanuphius, walong taong gulang ako. Nakatali ang pigtails niya dito. Papasok na kami sa nayon ng Pogoreloye... Bumili siya ng berdeng damask, at doon kumagat na siya... Iinom siya sa damask at titingin sa ilaw... Uminom siya nang hindi kumagat... ”

Unti-unti, natagpuan ang mga karakter sa larawan. Narito ang isang pilgrim pilgrim - isang tipikal na pigura ng Sinaunang Rus', na napanatili halos hindi nagbabago sa paglipas ng mga siglo. Ang gayong mga lagalag ay sumasabay sa malawak na kalawakan ng Russia taun-taon. Ang mga naglalakbay na peregrino ay parehong mga mangangaral at tagapagdala ng balita para sa mga tao sa kanilang paglalakad na mga peregrinasyon ay nag-uugnay sila sa mga malalayong sulok ng bansa, at mga saksi sa mga tanyag na kaguluhan, pagbitay, at pagsisisi.

Nakaharap sa iba't ibang aspeto ng buhay ng Russia, na nakikipag-ugnayan sa iba't ibang mga segment ng populasyon, naglalakbay sa haba at lawak ng mga expanses ng Russia, naipon nila ang mayamang materyal para sa pagmuni-muni at mga kuwento. Ito ang gumagala sa pagpipinta ni V. Surikov. Malinaw na nagmula siya sa malayo, ang kanyang malakas at pandak na pigura ay may sinturon na may malawak na sinturon, ang mga lubid na nakatali sa kanyang dibdib ay sumusuporta sa isang malaking knapsack, sa kanyang mga kamay ay may hawak siyang isang matataas na tungkod na may masalimuot na hawakan - isang mahalagang kasama ng kanyang paglalagalag. .

Ang pilosopong ito ay puno ng malalim na pakikiramay sa nakadena na boyar na si F.P. Morozova. Sa likod ng kanyang malawak na sinturon ay nakasabit ang parehong Matandang Mananampalataya na "lestovka" (katad na rosaryo), tulad ng isa na nakabitin sa kamay ng maharlikang babae. Tinitingnan niya ito nang may habag at kasabay nito ay nalulubog sa sarili, na parang sumusunod sa kanyang malungkot na pag-iisip. Sa buong magkakaibang pulutong, higit pa sa iba ay ipinapahayag niya ang kanyang mga saloobin tungkol sa patuloy na kaganapan, na napakahalaga sa trahedya na kapalaran ng schism.

At natagpuan ng artista ang banal na tanga, ang katutubong manghuhula, sa isa sa mga pamilihan sa Moscow.

Ang pagpapasya sa pagpipinta bilang isang panlabas na eksena, sinikap ni Surikov na magpinta ng mga sketch sa parehong mga kondisyon. "Kung ipininta ko ang impiyerno, kung gayon ako mismo ang uupo sa apoy at pipilitin ang mga tao na mag-pose sa apoy," sabay biro ng pintor.
"At natagpuan ko ang banal na tanga sa isang flea market. Nagbenta siya ng mga pipino doon. Nakikita ko siya. Ang ganitong mga tao ay may ganoong bungo. sabi ko alis na tayo. Bahagya ko siyang napaniwala. Sinusundan niya ako, tumatalon sa mga curbstones. Tumingin ako sa paligid, at umiling siya - hindi kita linlangin. Ito ay sa simula ng taglamig. Ang niyebe ay natutunaw. Ganyan ko isinulat ito sa niyebe. Binigyan ko siya ng vodka at pinunasan ng vodka ang mga paa niya... Nakaupo siya ng nakayapak sa snow sa canvas shirt ko. Nag-blue pa nga ang legs niya... Ganyan niya ipininta sa snow,” masayang sabi ni Surikov.
Natuwa siya sa lasing na ito na nagbebenta ng mga pipino. Dinadala ni V. Surikov ang lasenggo at gumagawa ng kalokohan na ito, na sikat na tinatawag na "walang ingat na ulo," sa kanyang tahanan, pinahid ang kanyang mga paa na may vodka at nagmamadaling hulihin siya sa niyebe, na pinagmamasdan ang pink at purple na paglalaro ng mga spot. "Kung nagpinta ako ng impiyerno," ang sabi ng pintor nang maglaon, "kung gayon ako mismo ang uupo sa apoy at pipilitin ang mga tao na mag-pose sa apoy."

Bago magkaroon ng panahon ang artista para harapin ang banal na tanga, kailangan ng isang bagong karakter. At siya ay nakakatawa at nakakaantig na hinahabol ang matandang nagdadasal na mantis, na hindi sinasadyang tinakot siya, at sa walang hanggan na kasakiman ay hinawakan niya ang tungkod na itinapon niya upang agad na "ipasok" ito sa mga kamay ng gumagala, na nakasulat na sa larawan.

Pagkatapos ay isang magandang batang babae na nakasuot ng asul na fur coat at isang gintong scarf na yumuko nang may paggalang; hindi nagtagal ay pininturahan ang isang madre at isang batang babae na nakakrus ang mga braso sa dibdib; at mga mamamana na may putik, at isang batang lalaki na nakabalat ng balat ng tupa; at isang nakanganga na walang ngipin na bibig, isang matagumpay na tumatawa na pari sa isang fur coat at isang mataas na sumbrero; at lihim na Matandang Mananampalataya.

Ang artista ay nagtrabaho din nang may sigasig sa tanawin ng pagpipinta. Ang gayong taglamig sa Russia, ang gayong "multi-kulay" na niyebe, ang gayong "asul" na basa-basa na hangin sa taglamig ay hindi pa nakita sa pagpipinta bago ang Surikov. Muli, ang malapit na pagmamasid, isang masugid na pag-aaral ng buhay, at ang matalas na paningin ng pintor ay nagkaroon ng epekto. Walang pagod na nagtrabaho si Surikov sa lokasyon.

Para sa pagpipinta, kailangan ang malalim na niyebe, kung saan ang noblewoman F.P. Kailangang dalhin si Morozova sa paragos. Ang mga roller ay nag-iiwan ng mga bakas ng mga tudling sa maluwag na niyebe, ngunit kapag gumulong sila, isang napaka-espesyal na tugaygayan ang nalikha, at inaabangan ni V. Surikov ang pag-ulan ng niyebe. At pagkatapos ay tumakbo siya palabas sa kalye at lumakad ng mahabang panahon pagkatapos ng unang convoy na nadatnan niya.

"Ang pagsusulat sa niyebe ay naiiba," sabi ni Surikov. - Doon sila sumulat sa niyebe na may mga silhouette. At sa niyebe ang lahat ay puspos ng liwanag. Ang lahat ay nasa lilang at rosas na reflexes, tulad ng mga damit ng noblewoman na si Morozova - panlabas, itim; at isang kamiseta sa karamihan... Ipininta niya ang lahat mula sa buhay: parehong paragos at panggatong. Nakatira kami sa Dolgorukovskaya (sa oras na iyon ay tinatawag itong Novaya Sloboda)... Doon sa eskinita ay palaging may malalim na snowdrift, lubak, at maraming sledge. Patuloy kong sinusundan ang mga sledge, pinapanood kung paano sila nag-iwan ng marka, lalo na sa panahon ng mga dagundong. Sa sandaling bumagsak nang malalim ang niyebe, hinihiling mo sa kanila na magmaneho sa mga sledge sa bakuran upang ang niyebe ay bumagsak, at pagkatapos ay magsimula kang gumawa ng mga rut. At nararamdaman mo ang lahat ng kahirapan ng mga kulay dito!"

Mula noon, madalas niyang hinahabol ang mga sledge, kung saan man niya ito matagpuan, ibinalik ang mga ito sa kanyang bakuran, pinilit silang magmaneho sa niyebe, at agad na umupo upang isulat ang rut, tulad ng isang hiyas, na pinoprotektahan ito mula sa mga random na dumadaan. . Ipininta niya ang isang sketch ng isang natatakpan ng niyebe na boulevard ng Moscow na may pigura ng isang lalaking nakasuot ng itim na nakaupo sa isang bangko; pininturahan niya ang maitim na mga putot at mga sanga ng mga hubad na puno na yumuyuko sa mga snowdrift; isinulat niya ang mga track ng mga runner sa malinis, maluwag na niyebe.

Ngunit itinakda ni Surikov sa kanyang sarili ang gawain ng pagpaparami hindi lamang ng tanawin ng taglamig, ngunit muling likhain din sa canvas ang isang kalye ng Moscow noong huling bahagi ng ika-17 siglo. Samakatuwid, sa kanyang mga salita, “... Ako ay patuloy na naghahanap ng mga eskinita at naghahanap; at kung saan matataas ang mga bubong. At ang simbahan sa kaibuturan ng larawan ay St. Nicholas, sa Dolgorukovskaya.

Ang bawat detalye ng larawan ay maingat na hinanap, pinili, at buong pagmamahal na pininturahan. "Gustung-gusto ko ang kagandahan sa lahat ng dako," inamin ni Surikov. - May ganoong kagandahan sa kahoy na panggatong: sa mga saplings, sa mga elms, sa sanitation drains. At sa mga liko ng mga mananakbo, kung paano sila umindayog at nagniningning, kung anong mga twist ang mayroon sila. Pagkatapos ng lahat, ang mga kagubatan ng Russia ay kailangang kantahin ... "Masugid na nag-aaral ng kalikasan, si Surikov ay hindi kailanman naging kanyang alipin. Ang kanyang likas na malalim na makatotohanang damdamin ay palaging gumabay sa kanya sa pagpili at paglalahat ng mga impresyon ng katotohanan.

Ang mga simboryo ng mga simbahan, ang kalye mismo, ang mga bahay, at ang niyebe ay pininturahan na, ngunit patuloy na hinanap ni V. Surikov ang pangunahing bagay - ang imahe ng maharlikang babae mismo.

Siya mismo ang nagsabi sa kanyang biographer at manunulat na si Voloshin: "...Ipininta ko muna ang karamihan sa larawan, at pagkatapos ay sumunod sila."

Hinanap ni Surikov si Morozova sa mahabang panahon: "Sa uri ng noblewoman na si Morozova - narito ang isa sa aking mga tiyahin, si Avdotya Vasilievna, na nasa likod ni Uncle Stepan Fedorovich, isang mamamana na may itim na balbas. Nagsimula siyang sumandal sa lumang pananampalataya. Ang aking ina, naaalala ko, ay laging nagagalit: lahat siya ay mga peregrino at mga peregrino. Ipinaalala niya sa akin ang uri ng Nastasya Filippovna mula sa Dostoevsky. Ako lang ang unang nagpinta ng karamihan sa mga tao sa larawan, at pagkatapos ay pagkatapos. At kahit paano ko ipinta ang mukha niya, ang daming tumatama. Napakahirap hanapin ang mukha niya. Kung tutuusin, ang tagal ko na siyang hinahanap? Maliit ang buong mukha. Nawala ako sa dami ng tao. Sa nayon ng Preobrazhenskoye, sa sementeryo ng Old Believer - doon ko siya natagpuan. Mayroon akong isang matandang kaibigan, si Stepanida Varfolomeevna, mula sa Old Believers. Nakatira sila sa Bear Lane - may prayer house sila doon. At pagkatapos ay pinalayas sila sa sementeryo ng Preobrazhenskoe. Doon sa Preobrazhenskoye kilala ako ng lahat. Kahit na ang mga matatandang babae at ang mga narrated na babae ay pinayagan akong iguhit ang kanilang mga sarili. Nagustuhan nila na ako ay isang Cossack at hindi naninigarilyo. At pagkatapos ay dumating sa kanila ang isang mambabasa mula sa Urals, Anastasia Mikhailovna. Sumulat ako ng sketch nito sa kindergarten sa alas dos. At nang ipasok ko siya sa larawan, nasakop niya ang lahat."

Ngunit hindi natapos ng sketch na ito ang gawain. Sinubukan din niyang ipinta ang mukha ng kanyang asawa, at pagkatapos ay isang araw nakita niya ang isang reciter mula sa Urals. "At nang ilagay ko ito sa larawan, natalo niya ang lahat." Mula dito ay sumulat siya ng isang sketch, na nilagdaan noong 1886 at tinawag na "Ang Pinuno ng Boyarina Morozova."

Ang gawaing ito, na nagtapos ng patuloy na paghahanap, ay itinago nang mahabang panahon sa koleksyon ng pamilya ng artista at isa sa mga "itinatangi" na gawa, na hindi napapailalim sa pagbebenta. Siya ay lalo na mahal sa artist. Sinabi nila na ang isa sa mga Russian Grand Dukes ay nagpahayag ng pagnanais na bilhin ang "itinatangi" na ulo ni Morozova. "Wala kang sapat na pera, prinsipe," matapang at mapagpasyang sagot ng artista. Ngayon ang "The Head of Boyarina Morozova" ay nasa Tretyakov Gallery.

Nakamamatay na maputla, payat, na may nagniningas na mga mata, nagliliyab na butas ng ilong at kinakabahan na mga labi, ang mukha ng maharlikang babae ay puno ng marubdob na pananalig, kalooban at apoy na mahirap alisin ang iyong sarili mula rito. Sa manipis na pigura ni F.P. Si Morozova, sa manipis na mahabang daliri ng kanyang mga kamay, sa paraan ng kanyang pag-upo, galit na galit na nakahawak sa sleigh gamit ang isang kamay, at ang kabilang kamay ay nakataas sa isang tanda ng dalawang daliri - na ipinarating ni V. Surikov sa kanya. madamdaming buhay at malungkot na kapalaran.

Bakit maaari kang tumayo sa harap ng pagpipinta na ito nang maraming oras, sa lahat ng oras ay nakatuklas ng isang bagong bagay sa loob nito, tinitingnan ito at nararanasan ito, nagtataka at humahanga sa malalim nitong sikolohikal na pagiging tunay at hinahangaan ang kahanga-hangang paglalaro ng mga kulay? Marahil dahil ang pagiging martir ay may hindi magagapi na kapangyarihan sa kaluluwang Ruso? Siya ay yumuko sa harap niya, at ito ay tiyak sa "kaakit-akit na kapangyarihan ng mga pagdurusa ng ibang tao" (ayon sa banayad na pahayag ng manunulat na si V. Nikolsky) na isa sa mga dahilan para sa pagiging kaakit-akit ng "Boyaryna Morozova", bago kung saan ang Surikov yumuyuko pa rin ang karamihan.

Masugid na nag-aaral ng kalikasan, si Surikov ay hindi kailanman naging alipin niya. Ang kanyang likas na malalim na makatotohanang damdamin ay palaging gumabay sa kanya sa pagpili at paglalahat ng mga impresyon ng katotohanan. Ang masining na konsepto ni Surikov ay ganap na ipinakita sa "Boyaryna Morozova," isang akda mula sa panahon ng kanyang pagiging malikhain, ang pinakamataas na pamumulaklak ng kanyang mga malikhaing kapangyarihan. Ang "Boyaryna Morozova" ay malalim at maliwanag na pambansa kapwa sa nilalaman, at sa mga larawang nilikha ng artist, at sa mga karakter na ipinahayag dito, at sa larawang solusyon nito, sa "musika" ng kulay mismo. Ito ay isang gawain na maaari lamang lumabas sa lupa ng Russia, lalo na malapit at naiintindihan ng mga mamamayang Ruso. At sa parehong oras, ang unibersal na tao, pandaigdigang kahalagahan ng "Boyaryna Morozova" ay hindi maikakaila. Ang kalunos-lunos, kabayanihan na prinsipyong nakapaloob dito, ang kaakit-akit na pagkakaisa nito ay pumukaw sa sinumang pusong sensitibo sa sining.