Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Si Dmitry Vdovin ay ipinanganak noong Abril 17, 1962 sa lungsod ng Yekaterinburg. Nakapagtapos Institusyon ng Estado sining ng teatro sa Moscow, at pagkatapos ay nag-aral sa graduate school ng unibersidad na ito sa ilalim ng gabay ni Propesor Inna Solovyova bilang kritiko sa teatro, na inilathala sa mga pangunahing sentral na pahayagan at magasin. Kasunod nito, sumailalim siya sa muling pagsasanay at nagtapos sa V.S Popov Academy of Choral Arts bilang isang vocalist at vocal teacher. Mula 1987 hanggang 1992 - empleyado na responsable para sa trabaho sa larangan ng musikal na teatro ng Union of Theatre Workers ng USSR.

Sinanay bilang vocal teacher sa ECOV - European Center for Opera at sining ng boses sa Belgium sa ilalim ng direksyon ng pinuno ng vocal department ng Curtis Institute of Music sa Philadelphia, Michael Elisen. Noong 1992, si Dmitry Vdovin ay naging artistikong direktor ng Moscow Center para sa Musika at Teatro, isang ahensya ng sining na lumahok sa magkasanib na mga proyektong malikhain kasama ang mga pangunahing internasyonal na sinehan, pagdiriwang at mga organisasyon ng musika.

Mula noong 1996, nakipagtulungan si D. Vdovin sa mahusay na mang-aawit na Ruso na si I.K. Arkhipova bilang isang guro at pinuno niya Summer School, co-host ng kanyang telebisyon at mga programa sa konsiyerto. Mula noong 1995 - guro, mula 2000 hanggang 2005 - pinuno ng vocal department ng Gnessin State Medical University, noong 1999-2001 - guro sa Gnessin Russian Academy of Music, mula noong 2001 - associate professor, pinuno ng departamento solong pagkanta Academy of Choral Art na pinangalanang V.S. Popov, mula noong 2008 - propesor ng Academy of Arts.

Nagbigay si D. Vdovin ng mga master class sa maraming lungsod ng Russia, gayundin sa USA, Mexico, Italy, Latvia, France, Poland, at Switzerland. Siya ay isang regular na guest teacher para sa Youth Program sa Houston Grand Opera. Mula 1999 hanggang 2009 - artistikong direktor at guro ng Moscow International School of Vocal Mastery, na naging posible para sa pinakamalaking guro ng opera at mga espesyalista mula sa Russia, USA, Italy, Germany, at Great Britain na pumunta sa Moscow upang magtrabaho kasama ang mga kabataan. mga mang-aawit

Miyembro ng hurado ng maraming prestihiyosong kumpetisyon sa boses - Pandaigdigang kompetisyon Glinka, 1st and 2nd All-Russian Music Competitions, International Competition Le voci verdiane in Busseto, International Vocal Competition na pinangalanang Viotti at Pavarotti sa Vercelli, AsLiCo in Como, International Competitions sa Paris at Bordeaux, Competizione dell'opera Italiana sa Bolshoi Theater , International Competition sa Montreal, ang kompetisyon ng TV channel na "Culture" "Big Opera", ang vocal competition sa Izmir, ang International Moniuszko Competitions sa Warsaw, "Die Meistersinger von Nürnberg" sa Nuremberg, ang Opera de Tenerife sa Spain.

Mula noong 2009 - isa sa mga tagapagtatag at artistikong direktor Programa ng Youth Opera Bolshoi Theater Russia. Mula noong 2015 - panauhing guro sa International Opera Studio ng Zurich Opera. Mga master class sa Metropolitan Opera, New York.

Musical consultant para sa pelikula ni Pavel Lungin na "The Queen of Spades". Gayundin si D.Yu Vdovin ay ang deputy manager ng mga creative team tropa ng opera Bolshoi Theater.

Vdovin Dmitry Yurievich
Lua error sa Module:Wikidata sa linya 170: subukang i-index ang field na "wikibase" (walang halaga).
Lua error sa Module:Wikidata sa linya 170: subukang i-index ang field na "wikibase" (walang halaga).
Pangalan ng kapanganakan:	Lua error sa Module:Wikidata sa linya 170: subukang i-index ang field na "wikibase" (walang halaga).
Uri ng aktibidad:	tagapalabas ng opera, guro ng boses
Petsa ng kapanganakan:	Lua error sa Module:Wikidata sa linya 170: subukang i-index ang field na "wikibase" (walang halaga).
Lugar ng kapanganakan:
Pagkamamamayan:	Lua error sa Module:Wikidata sa linya 170: subukang i-index ang field na "wikibase" (walang halaga).
Nasyonalidad:	Lua error sa Module:Wikidata sa linya 170: subukang i-index ang field na "wikibase" (walang halaga).
Bansa:	Lua error sa Module:Wikidata sa linya 170: subukang i-index ang field na "wikibase" (walang halaga).
Petsa ng kamatayan:	Lua error sa Module:Wikidata sa linya 170: subukang i-index ang field na "wikibase" (walang halaga).
Lugar ng kamatayan:	Lua error sa Module:Wikidata sa linya 170: subukang i-index ang field na "wikibase" (walang halaga).
Ama:	Lua error sa Module:Wikidata sa linya 170: subukang i-index ang field na "wikibase" (walang halaga).
Nanay:	Lua error sa Module:Wikidata sa linya 170: subukang i-index ang field na "wikibase" (walang halaga).
asawa:	Lua error sa Module:Wikidata sa linya 170: subukang i-index ang field na "wikibase" (walang halaga).
asawa:	Lua error sa Module:Wikidata sa linya 170: subukang i-index ang field na "wikibase" (walang halaga).
Mga bata:	Lua error sa Module:Wikidata sa linya 170: subukang i-index ang field na "wikibase" (walang halaga).
Mga parangal at premyo:
Autograph:	Lua error sa Module:Wikidata sa linya 170: subukang i-index ang field na "wikibase" (walang halaga).
Website:	Lua error sa Module:Wikidata sa linya 170: subukang i-index ang field na "wikibase" (walang halaga).
Miscellaneous:	Lua error sa Module:Wikidata sa linya 170: subukang i-index ang field na "wikibase" (walang halaga).
Lua error sa Module:Wikidata sa linya 170: subukang i-index ang field na "wikibase" (walang halaga).
[[Lua error sa Module:Wikidata/Interproject sa linya 17: subukang i-index ang field na "wikibase" (walang halaga). |Mga gawa]] sa Wikisource

Dmitry Yurievich Vdovin(b.) - Russian opera figure at vocal teacher, Honored Artist ng Russian Federation, propesor sa Academy of Choral Arts.

Artistic director ng Youth Opera Program ng Bolshoi Theater ng Russia.

Talambuhay

Ipinanganak noong Abril 17, 1962 sa Sverdlovsk (ngayon ay Yekaterinburg). Nagtapos siya mula sa State Institute of Theatre Arts (ngayon ay RATI) sa Moscow, at pagkatapos ay nag-aral sa graduate school ng unibersidad na ito sa ilalim ng gabay ni Propesor Inna Solovyova bilang isang kritiko sa teatro (opera), na inilathala sa mga pangunahing sentral na pahayagan at magasin. Kasunod nito, sumailalim siya sa muling pagsasanay at nagtapos sa Academy of Choral Arts. V. S. Popova bilang isang vocalist at vocal teacher. Mula 1987 hanggang 1992 - empleyado na responsable para sa trabaho sa larangan ng musikal na teatro ng Union of Theatre Workers ng USSR. Nagsanay siya bilang isang vocal teacher sa ECOV - ang European Center for Opera and Vocal Arts sa Belgium sa ilalim ng gabay ng pinuno ng vocal department ng Curtis Institute of Music sa Philadelphia, Michael Elisen (1992-1993). Noong 1992, si Dmitry Vdovin ay naging artistikong direktor ng Moscow Center for Music and Theater, isang ahensya ng sining na lumahok sa magkasanib na mga proyektong malikhain kasama ang mga pangunahing internasyonal na sinehan, pagdiriwang at mga organisasyon ng musika. Mula noong 1996, nakipagtulungan si D. Vdovin sa mahusay na mang-aawit na Ruso na si I.K Arkhipova bilang isang guro at direktor ng kanyang Summer School, co-host ng kanyang mga programa sa telebisyon at konsiyerto. Mula 1995 - guro, mula 2000 hanggang 2005. - Pinuno ng vocal department ng State Medical University na pinangalanan. Gnesins, noong 1999-2001 - guro sa Russian Academy of Music. Gnesins, mula noong 2001 - associate professor, pinuno (hanggang 2003) ng departamento ng solo singing sa Academy of Choral Art. V. S. Popova, mula noong 2008 - propesor sa AHI. Nagbigay si D. Vdovin ng mga master class sa maraming lungsod ng Russia, gayundin sa USA, Mexico, Italy, Latvia, France, Poland, at Switzerland. Naging permanenteng guest teacher programa ng kabataan sa Houston Grand Opera (HGO Studio). Mula 1999 hanggang 2009 - artistikong direktor at guro ng Moscow International School of Vocal Mastery, na naging posible para sa pinakamalaking guro ng opera at mga espesyalista mula sa Russia, USA, Italy, Germany, at UK na pumunta sa Moscow upang magtrabaho kasama ang mga kabataan. mga mang-aawit

Miyembro ng hurado ng maraming prestihiyosong kumpetisyon sa boses - ang International Competition na pinangalanan. Glinka, 1st at 2nd All-Russian Music Competition, International Competition Le voci verdiane (Verdi Voices) sa Busseto, International Vocal Competition na pinangalanan. Viotti at Pavarotti (Italy), International competitions sa Paris at Bordeaux (France), Competizione dell'opera Italiana sa Bolshoi Theater, International competition sa Montreal (Canada), kompetisyon ng TV channel na "Culture" "Grand Opera", vocal competition sa Izmir ( Turkey), Mga Internasyonal na Kumpetisyon na pinangalanan. Moniuszko sa Warsaw, "Die Meistersinger von Nürnberg" sa Nuremberg, Opera de Tenerife sa Spain.

Mula noong 2009 - isa sa mga tagapagtatag at artistikong direktor ng Youth Opera Program ng Bolshoi Theatre ng Russia. Mula noong 2015 - panauhing guro sa International Opera Studio ng Zurich Opera. Mga master class sa Metropolitan Opera, New York (Lindemann Young Artist Development Program).

Musical consultant para sa pelikula ni Pavel Lungin na "The Queen of Spades" (2016).

Gayundin, si D. Yu Vdovin ay ang deputy manager ng mga creative team ng Bolshoi Theater opera troupe (2013 -2014)

Sumulat ng isang pagsusuri ng artikulong "Vdovin, Dmitry Yurievich"

Mga Tala

Mga link

http://gazetaigraem.ru/a21201406

Sipi na nagpapakilala kay Vdovin, Dmitry Yuryevich

- Hindi, Isidora. Alam mo ba kung ano ang ibig sabihin ng salitang Franks? - Ipinilig ko ang aking ulo nang negatibo. Ang ibig sabihin ng "Franks" ay libre. At ang mga Merovingian ay hilagang Rus na dumating upang turuan ang mga libreng Franks ng sining ng digmaan, pamahalaan ng bansa, pulitika at agham (sa kanilang pagpunta sa lahat ng iba pang mga bansa, na ipinanganak para sa pagtuturo at kapakinabangan ng ibang mga buhay na tao). At sila ay tinawag nang tama - Meravigli (kami-Ra-in-Inglia; kami, ang mga anak ni Ra, na nagdadala ng Liwanag sa aming katutubong Primordial England). Ngunit, siyempre, pagkatapos ang salitang ito, tulad ng maraming iba pang mga bagay, ay "pinasimple" ... at nagsimula itong tunog tulad ng "Merovingians". Kaya isang bagong "kasaysayan" ang nilikha, na nagsabi na ang pangalang Merovingians ay nagmula sa pangalan ng Frankish na hari - Merovia. Bagama't ang pangalang ito ay walang kinalaman kay Haring Merovius. Bukod dito, si Haring Merovius ay ang ikalabintatlo na sa mga hari ng Merovingian. At mas makatuwiran, natural, na pangalanan ang buong dinastiya sa una sa mga naghaharing hari, hindi ba?
Tulad ng ibang hangal na alamat tungkol sa "halimaw sa dagat" na diumano'y nagsilang sa dinastiyang Merovingian, ang pangalang ito, natural, ay walang kinalaman din dito. Sa malas, gusto talaga ng Thinking Dark Ones na hindi malaman ng mga tao ang tunay na kahulugan ng PANGALAN ng naghaharing Frank dynasty. Samakatuwid, sinubukan nilang mabilis na palitan ang pangalan ng mga ito at gawing "mahina, malas at kalunus-lunos" na mga hari, na muling nagsisinungaling tungkol sa totoong kasaysayan ng mundo.
Ang Meravigli ay isang maliwanag, matalino at likas na matalinong dinastiya ng hilagang Rus na kusang umalis sa kanilang dakilang tinubuang-bayan at inihalo ang kanilang dugo sa mga pinakamataas na dinastiya ng Europa noon, upang mula rito ay ipanganak ang isang bagong makapangyarihang Pamilya ng mga salamangkero at mandirigma, na matalinong mamumuno sa mga bansa at mamamayang naninirahan sa mala-wild na Europa noong panahong iyon.
Sila ay mga kahanga-hangang salamangkero at mandirigma, maaari nilang pagalingin ang pagdurusa at turuan ang mga karapat-dapat. Nang walang pagbubukod, ang lahat ng Meravigli ay nagsuot ng napakahusay mahabang buhok, na hindi nila sinang-ayunan na putulin sa anumang pagkakataon, dahil nakuha nila ang Buhay na Kapangyarihan sa pamamagitan nila. Ngunit sa kasamaang-palad, ito ay kilala rin sa Thinking Dark Ones. Kaya naman ang pinaka kakila-kilabot na parusa Ang huling maharlikang pamilya ng Meravingl ay sapilitang pina-tonsured.
Matapos ang pagkakanulo ng maharlikang ingat-yaman ng Hudyo, na may kasinungalingan at tusong nagtakda ng kapatid laban sa kapatid, anak laban sa ama sa pamilyang ito, at pagkatapos ay madaling nilalaro ang pagmamataas at karangalan ng tao... Kaya sa unang pagkakataon sa maharlikang pamilya ng Meravingley, nayanig ang dating kuta. At ang hindi natitinag na pananampalataya sa pagkakaisa ng Pamilya ang nagbigay ng unang malalim na bitak... Ang siglong gulang na digmaan ng mga Meravingley kasama ang kalabang angkan ay nagsimulang dumating sa malungkot na wakas... Ang huling tunay na hari ng napakagandang dinastiya na ito - Dagobert II, ay, muli, mapanlinlang na pinatay - siya ay namatay habang nangangaso sa mga kamay ng isang sinuhulan na mamamatay na sinaksak siya sa likod ng isang may lason na sibat.

Dito nagwakas (o sa halip, napuksa ang dinastiya sa Europa, na nagdala ng liwanag at lakas sa mga taong hindi naliwanagan sa Europa). Tulad ng makikita mo, si Isidora, mga duwag at mga taksil sa lahat ng oras ay hindi nangahas na lumaban nang hayag, alam na tiyak na hindi sila magkakaroon, at hindi magkakaroon, kahit na katiting na pagkakataon na manalo nang tapat. Ngunit sa pamamagitan ng kasinungalingan at kawalang-hanggan ay natalo nila kahit na ang pinakamalakas, gamit ang kanilang karangalan at budhi sa kanilang pabor... nang hindi nababahala sa lahat tungkol sa kanilang sariling "napahamak sa kasinungalingan" na kaluluwa. Kaya, nang sirain ang "nakikialam na mga naliwanagan," ang Thinking Dark Ones ay nakabuo ng isang "kuwento" na nababagay sa kanila. At ang mga taong kung kanino nilikha ang gayong "kuwento" ay agad na tinanggap ito, nang hindi man lang nag-isip... Ito, muli, ang ating Daigdig, si Isidora. At taimtim akong nalulungkot at nasasaktan na hindi ko siya magawang "gisingin"...
Biglang sumakit ang puso ko ng mapait at masakit... Kaya, pagkatapos ng lahat, sa lahat ng oras ay may maliwanag at malalakas na tao, na buong tapang ngunit walang pag-asa na nakipaglaban para sa kaligayahan at kinabukasan ng sangkatauhan! At silang lahat, bilang panuntunan, ay namatay... Ano ang dahilan ng gayong malupit na kawalang-katarungan?.. Ano ang dahilan ng paulit-ulit na pagkamatay?

Ipinanganak noong 1962 sa Sverdlovsk (ngayon ay Yekaterinburg).
Nagtapos siya mula sa State Institute of Theatre Arts (GITIS-RATI) sa Moscow, pagkatapos ay nag-aral sa graduate school kasama si Propesor Inna Solovyova sa specialty " pagpuna sa teatro" Nai-publish sa mga pangunahing pambansang pahayagan at magasin.
Kasunod nito, sumailalim siya sa muling pagsasanay, nagtapos mula sa Academy of Choral Art na pinangalanan. V.S.Popova.

Mula 1987 hanggang 1992 - empleyado na responsable para sa trabaho sa larangan ng musikal na teatro ng Union of Theatre Workers ng USSR.

Noong 1992-93 Sinanay bilang vocal teacher sa European Center for Opera and Vocal Arts (ECOV) sa Belgium sa ilalim ng gabay ni Michael Elisen, pinuno ng vocal department ng Curtis Institute of Music sa Philadelphia.

Noong 1992, si Dmitry Vdovin ay naging artistikong direktor ng Moscow Center for Music and Theater, isang ahensya ng sining na nakipagtulungan sa mga pangunahing sinehan, pagdiriwang at mga organisasyon ng musika.

Mula noong 1996, nakipagtulungan si Dmitry Vdovin sa mahusay na mang-aawit na Ruso na si Irina Arkhipova bilang isang guro at direktor ng kanyang Summer School, co-host ng kanyang mga proyekto sa telebisyon at konsiyerto.

Mula noong 1995 - guro, noong 2000-05. - Pinuno ng departamento ng boses ng Estado paaralan ng musika sila. Gnesins, noong 1999-2001. - guro Russian Academy musikang pinangalanan Gnesins.
Noong 2001-03 - Pinuno ng Departamento ng Solo Singing sa Academy of Choral Art na ipinangalan. V.S. Popova (mula noong 2001 - associate professor, mula noong 2008 - professor sa AHI).

Nagbigay si Dmitry Vdovin ng mga master class sa maraming lungsod ng Russia, gayundin sa USA, Mexico, Italy, Canada, Latvia, France, at Poland. Naging permanenteng guest teacher para sa Youth Program sa Grand Opera Houston (HGO Studio).

Noong 1999-2009 - artistikong direktor at guro ng Moscow internasyonal na paaralan vocal mastery, na naging posible para sa pinakamalaking guro ng opera at mga espesyalista mula sa Russia, USA, Italy, Germany, at Great Britain na pumunta sa Moscow upang makipagtulungan sa mga batang mang-aawit. Ang pinakamaliwanag na batang Russian opera star ng unang dekada ng bagong siglo ay dumaan sa Paaralan na ito.

Miyembro ng hurado ng maraming prestihiyosong kumpetisyon sa boses - ang International Competition na pinangalanan. M. Glinka, I All-Russian kumpetisyon sa musika, International Vocal Competition na pinangalanan. G.B. Viotti (Italy), International Competitions sa Paris at Bordeaux (France), International Competition Competizione dell'opera, International Competition sa Montreal (Canada), Competition ng TV channel na "Culture" "Grand Opera" at marami pang iba.

Mula noong 2009 - artistikong direktor ng Youth Opera Program ng Bolshoi Theatre ng Russia.

Kabilang sa kanyang mga mag-aaral ay nagwagi sa pinaka-prestihiyosong mga kumpetisyon, nangungunang mga soloista pinakamalaking mga sinehan mundo, tulad ng Bolshoi Theater, La Scala, Metropolitan Opera, Royal Opera Covent Garden, Vienna State Opera, Berlin State Opera, Paris pambansang opera, Teatro Real sa Madrid at marami pang iba.

Kapansin-pansin na sa tatlong opera, na ginanap sa pagdiriwang ng ROF ngayong taon, ang mga pangunahing bahagi ng tenor ay isasagawa ng mga mang-aawit mula sa Russia, at lahat sila ay mga mag-aaral ni Propesor Dmitry Yurievich Vdovin.

Ang mga buwan ng tag-araw, tila, ay dapat magdala ng pagbaba sa intensity ng mga hilig sa teatro, ngunit hindi ito nangyayari. Lamang sa tag-araw mayroong maraming mahirap at napaka mga prestihiyosong kompetisyon at mga pagdiriwang. Kabilang sa malaking bilang ng mga pagdiriwang espesyal na lugar nabibilang sa ROF – Rossinievsky Opera Festival, na ginaganap taun-taon sa lungsod ng Pesaro sa Italya, ang lugar ng kapanganakan ni Gioachino Rossini. Ang pagbubukas ng pagdiriwang na ito ay magaganap sa Agosto 10.

Ang programa ng ROF-2017 ay magbubukas sa isang pagganap ng opera na "The Siege of Corinth" ni G. Rossini, tenor Sergei Romanovsky sa pangunahing papel. Sa susunod na araw, Agosto 11, ang opera Touchstone ni G. Rossini ay isasagawa kasama ng tenor na Maxim Mironov. Ang opera na "Torvaldo at Dorliska" ni G. Rossini ay ipapakita sa Agosto 12, ang tenor na si Dmitry Korczak ay aawit dito. Lahat sila ay mga mag-aaral ni Dmitry Vdovin.

- Ano ang sikreto ng "Vdovin school phenomenon"?

Isang tanong na hindi madaling sagutin, dahil ito ay medyo "fanfare" sa kalikasan. At, tulad ng alam mo, "sa fanfare" maaari kang kumulog. (tumawa) Ngunit sa kabilang banda, hindi ako magsisinungaling, may mga resulta at ang mga mang-aawit na nakatrabaho ko ay sumasakop sa isang tiyak at seryosong lugar sa teatro ng opera sa mundo. Ito ay kagiliw-giliw na sa aking pagdadalaga ay naging interesado ako kay Rossini. Ang dahilan nito ay ang mga pag-record " Barbero ng Seville" at "Mga babaeng Italyano sa Algeria." Ang mga ito ay ginawa sa Russian, na kung saan ay gumaganap din ng isang mahalagang papel; Nabighani ako sa pagiging theatrical ni Rossini, sa kanyang katatawanan, sa kanyang kamangha-manghang melodic generosity at vital hedonism. At sa akin, na nanirahan sa malupit na klima ng mga Urals at sa hindi gaanong malupit na mga kondisyon ng USSR, hindi lamang ang kanyang musika, kundi pati na rin ang kanyang buong kasaysayan (binabasa ko ang "Buhay ni Rossini" ni Stendhal) ay tila isang uri ng pambihirang at maligaya na mundo. Na kung saan maaari ko lamang makapasok bilang isang hamak na may-ari ng mga vinyl record.

Ngunit nangyari na sa simula ng aking gawaing pagtuturo, tatlong tenor ang dumating sa akin na may maliit na agwat sa oras, na naging mga espesyalista sa repertoire ng Rossini. Totoo, hindi naging simple ang lahat. Ang 18-taong-gulang na si Maxim Mironov kaagad, nang walang pag-aalinlangan, dahil sa mga detalye ng kanyang hindi pangkaraniwang mataas at napaka-mobile na boses, ay itinuring ko bilang isang tenor para kay Rossini. Ang unang aria na ibinigay ko sa kanya ay Languir per una bella mula sa An Italian Woman in Algiers, at pagkatapos ay O come mai non senti mula sa Othello. At isa na siya sa pinakamahusay na Lindors at Rodrigos.

Sergei Romanovsky... Sa mga unang buwan at kahit isang taon, malamang na mas nakatrabaho ko siya sa Don Ottavio, Nemorino, Lensky. Bagaman hindi, hindi nagtagal ay nagsimula kaming kumanta ng "Cinderella", at naaalala ko kung paano ito narinig ni Mironov sa unang pagkakataon, na tinawag ako sa telepono, tulad ng ibang kumakanta ng Rossini. Ito ay Romanovsky! Ngunit ang seryosong paglapit ni Serezha kay Rossini ay nangyari nang magpasya akong gumawa ng semi-stage na pagganap ng "Journey to Reims" sa Moscow. Dapat sabihin na ang kuwentong ito ng 10 taon na ang nakakaraan ay nagpakilala sa maraming tao kapwa sa propesyon at sa mundo ng Rossini. Ngunit lalo siyang nagbigay ng maraming kay Romanovsky, na nag-iisang Count Libenskoff. Ito ang pinakamahirap, pinaka-virtuoso na bahagi, at salamat dito naakit niya ang atensyon ng mga espesyalista, na marami sa kanila ay espesyal na pumunta sa Moscow sa oras na iyon para sa aming praktikal na pagganap ng mag-aaral. Di-nagtagal pagkatapos nito, ginawa niya ang kanyang debut sa papel na ito sa Italya, sa Treviso at Jesi, at sa lalong madaling panahon ito ay naging sa isang serye ng mga pagtatanghal sa La Scala, si Libenskoff ay kumanta naman sina Korczak at Romanovsky. Ito ay isang napaka-delikadong sandali, masyadong maaga para sa isang pasinaya sa isang mahalagang teatro sa murang edad. Pero, gayunpaman, umusad ang lahat. Kinanta ni Mironov ang kanyang unang Rossini sa La Fenice sa Venice (Mahomet II), ito ang kanyang unang kontrata sa Kanluran pagkatapos ng kompetisyon ng Neue Stimmen, kung saan sa finale ng aria ni Lindor ay kinuha niya ang upper stratospheric E flat. Sa pamamagitan ng paraan, dapat kong sabihin na sa simula ng 2000s ay walang kasing daming matataas na Rossini tenor na mayroon ngayon. Kapansin-pansing tumaas ang kumpetisyon.

Dmitry Korczak, na itinuturing kong higit na tenor para sa Mozart, French lyric opera at ang Russian repertoire (at naniniwala ako hanggang ngayon na ito ang kanyang pinaka lakas), gayunpaman, nagsimulang kumanta si Rossini. Ang kanyang namumukod-tanging mga kakayahan sa musika ay nakakuha ng atensyon ng mga pangunahing konduktor (Muti, Chailly, Maazel, Zedda), gayundin si Ernesto Palacio, dating isang napaka-prominenteng Rossini tenor, kalaunan ay naging mentor ni Juan Diego Flores, at ngayon ang unang tao sa mundo ng Rossini. , direktor ng pagdiriwang , at ngayon ay ang Academy sa Pesaro, ang tinubuang-bayan ni Rossini. Siya, si Maestro Palacio, ang nagsama-sama sa aming tatlong tenor ngayong taon, na hindi ko maiwasang ipagmalaki.

May tatlong tenor sa ROF-2017, at lahat sila ay iyong mga estudyante. Ito ay Korczak, Mironov, Romanovsky. Magkaiba sila, siyempre, ngunit ano ang nagbubuklod sa kanila bilang iyong mga estudyante?

Sila ay may talento, napakatalino, bawat isa sa kanilang sariling paraan, at napakasipag. Hindi ko matiis ang mga tamad. Mga tamad na may-ari magagandang boses- para sa akin, ito ay mga philistines mula sa sining, isang uri ng mentally pot-bellied renters ng kanilang vocal ability. Hindi naman ganoon ang tatlong ito. Napaka responsable, seryoso, maalalahanin na mga artista. Ito ang nagbubuklod sa kanila

- Minamahal na Dmitry Yuryevich, ang maikling impormasyon sa talambuhay tungkol sa iyo ay matatagpuan sa Internet, ngunit magsimula tayo muli mula sa simula: kasama ang iyong pamilya, mula pagkabata. Paano at saan nagsimula ang iyong pagpapakilala sa mundo ng musika, vocal, at opera theater?

Ako ay ipinanganak at lumaki sa Sverdlovsk. Ang aking mga magulang, at lahat ng aking mga kamag-anak sa pangkalahatan, ay ganap na mga physicist at mathematician. Si Nanay ay isang guro ng mas mataas na matematika sa Ural State University unibersidad ng estado, si tatay ay isang physicist, noon ay ang direktor ng isang malaking research institute, si tito ay isa ring pisiko, si tita ay isang algebraist, si kuya ang pinuno. Kagawaran ng Matematika sa Academy, ngayon ay nasa Yekaterinburg. Ang mga pinsan na nakakalat sa buong mundo ay pawang mga mathematician.

Kaya ako lang ang exception, sabi nga nila, sa family not without... a musician!

Ngunit sa parehong oras, lahat ay nag-aral ng musika sa pagkabata: parehong ama at kapatid na lalaki. Ngunit kahit papaano ay "nanatiling huli" ako dito. Nagtapos siya sa paaralan ng musika na may degree sa piano at pumasok sa GITIS, ang departamento ng teatro. At pagkatapos ay naging kapaki-pakinabang ang aking pianismo, nabuhay ako kasama nito, kasama ang mga bokalista. Iyon ay, ito ay isang uri ng "barter" - natutunan ko ang mga vocal mula sa mga kaibigan at kakilala at "binayaran" sila sa pamamagitan ng pagtugtog ng arias, romansa sa piano, at pag-aaral ng mga bagong gawa sa kanila. Gusto ko talagang kantahin ang sarili ko noong kabataan ko, ngunit ang aking mga magulang, bilang mga seryosong tao, ay pinayuhan ako na kumuha muna ng isang mas maaasahang espesyalidad, kaya nagtapos ako sa kolehiyo bilang isang espesyalista sa teatro, dalubhasa sa opera, at pagkatapos ay nagtapos ng paaralan.

Naku, wala pa akong nakilalang totoong vocal teacher na maniniwala sa akin at magbibigay sa akin ng panimula. Marahil ay walang sapat na mga personal na katangian para sa isang karera bilang isang mang-aawit-soloista, at salamat sa Diyos na natanto ko ito sa oras. Lahat ng hindi ginagawa ay para sa ikabubuti. Sa pangkalahatan, nagsimula akong kumanta nang disenteng huli, sa edad na 30. By that time marami na ang nakakakilala sa akin mundo ng opera sa ibang kapasidad. Ang sitwasyon ay maselan - sa Union of Theater Workers "inutusan" ko ang musikal na teatro. Ito ay isang panandaliang asosasyon sa pagtatapos ng Unyong Sobyet, na nag-oorganisa ng malalaking pagdiriwang at kumpetisyon na may milyon-milyong dolyar na mga badyet at mabuting layunin...

Noong unang bahagi ng 90s, nagpunta ako sa Belgium upang pagbutihin ang aking sarili bilang isang vocal teacher, at nang inalok nila ako ng kontrata sa isang medyo malaking ahensya bilang isang mang-aawit, bigla kong napagtanto na huli na ang lahat, tulad ng sinasabi nila, "lahat ng singaw. ay nawala,” o sa halip, tumungo ako sa kabilang direksyon - para magturo.

- Ngunit mayroon makasaysayang mga halimbawa late vocal career - tenor Nikandr Khanaev, na nagsimula sa 36 taong gulang, bass na si Boris Gmyrya - sa 33 taong gulang, si Antonina Nezhdanova ay gumawa ng kanyang debut sa propesyonal na yugto lamang sa 29.

Una, nabuhay sila noong unang bahagi ng kalagitnaan ng ika-20 siglo, mas malapit sila sa kanilang mga kontemporaryo, mas mahirap makahanap ng mga mang-aawit na nagsisimula sa 30 taong gulang, at pagkatapos, bawat isa ay may sariling "margin ng kaligtasan" sa pagtitiyaga. sa pagkamit ng kanilang mga layunin.

Nang bumagsak ang Unyong Sobyet, nag-organisa kami ng isang konsiyerto at ahensya ng pag-arte "mula sa mga guho" ng STD, na medyo matagumpay. Naaalala ko ang mga araw na iyon nang may espesyal na pasasalamat, dahil sa unang pagkakataon sa edad na 28 ay nagsimula akong maglakbay sa ibang bansa sa ilang kadahilanan na hindi nila ako pinayagang umalis noon. Nagbigay ito ng malaking karanasan sa pakikinig, ang pagkakataong makilala ang pinakamahusay na mga produksyon mga opera sa mga yugto ng mundo, suriin ang mga boses nang live mga sikat na mang-aawit. natuklasan ko bagong mundo, kung saan kumanta sila na ganap na naiiba sa atin, na may mga pambihirang eksepsiyon.

Kinailangan kong sirain ang ilang mga ideya sa aking sarili, dahil ang aking pandinig ay "labo" ng tradisyon ng opera ng Sobyet, kapwa sa mabuti at masamang kahulugan ng salita. Ako ay itinayong muli sa teknikal at istilo, nagbago ang aking panlasa. Hindi madali, minsan nakakagawa ako ng mga katangahan. Sa loob ng ilang panahon ay nag-aral ako sa mga lalaki dahil sa interes;

At pagkatapos ay inanyayahan akong magturo ng mga vocal sa Gnessin School, sa departamento ng mga aktor ng musikal na teatro. Para sa akin, kinuha nila ang nag-iisang mag-aaral lalo na para sa karagdagang paggamit - Rodion Pogosov. Siya ay 16 taong gulang noong panahong iyon, hindi pa siya kumanta at sa pangkalahatan ay nangangarap na maging isang dramatikong artista. Ngunit sa mga unibersidad sa teatro hindi siya tinanggap, at "dahil sa kalungkutan" pumasok siya sa paaralan at napunta sa akin. Nasa edad na 19, sa kanyang 3rd year, ginawa niya ang kanyang debut bilang Papageno sa " Bagong Opera”, at sa edad na 21 siya ay naging pinakabatang kalahok sa programa ng kabataan sa Metropolitan, at iba pa. Ngayon si Rodion ay isang hinahangad na internasyonal na artista.

- Well, kahit na ang "unang pancake" ay hindi naging bukol para sa iyo!

Oo, ang pagtatrabaho sa aking unang estudyante ay nangangailangan ng maraming lakas at lakas mula sa akin. Pinilit ko siyang magpraktis ng vocals sa lahat ng oras, kasama ang kanyang ina. Ang mga ito ay hindi ordinaryong mga klase dalawang beses sa isang linggo para sa 45 minuto, ngunit ang mga aralin halos araw-araw. Sa madaling salita, hinabol ko siya, nalampasan ang pagtutol at pag-aatubili na matuto. Maaari mong lubos na maunawaan batang lalaki, na hindi rin naniniwala sa kanyang vocal capabilities. Pinagtawanan pa niya ang mga mang-aawit na tila katawa-tawa ang mismong proseso ng pag-awit.

- Ito ay lumiliko na kailangan mong mag-aral mula sa simula! At ang isa ay nakakakuha ng impresyon na ang mga mag-aaral ni Vdovin - mas alam namin ang tungkol sa mga nagtapos ng Choral Academy - ay handa na ang mga lalaki mula pagkabata, kumanta mula sa edad na 6-7, napakahusay na musikero.

Ngayon sinasabi nila tungkol sa akin na dinadala ko ang cream ng pananim sa aking klase, pinakamahusay na boses. Dapat ba nating kunin ang mga masama? O may kailangan ba akong patunayan sa isang tao? Ang sinumang normal na artist (artist, master) ay palaging pinipili ang pinakamahusay. Oo, ngayon ang mga kabataan ay lumalapit sa akin, nakikita ang mga resulta ng aking trabaho, at mayroon akong pagkakataon na pumili. At first binigyan nila ako ng iba't ibang estudyante. Kaya dumaan ako sa paaralan ng paghila ng mahihirap na estudyante buong programa, at sa tingin ko ito ay kinakailangan para sa isang batang guro.

- Mayroon bang anumang ganap na walang pag-asa na mga pagpipilian? Para sa isang tao na tuluyang mawalan ng boses, o umalis sa kanyang vocal career, kahit na hindi mo kasalanan?

Ang napakabatang edad ng kasalukuyang mga bagong dating ay isa rin sa mga problema. Noong nakaraan, ang mga tao ay nagsimulang mag-aral ng mga vocal nang propesyonal sa edad na 23-25, lalo na ang mga lalaki, iyon ay, ang pagiging pisikal na mga tao, malakas hindi lamang sa katawan, kundi pati na rin sa espiritu, na makabuluhang pinili ang kanilang propesyon. Ngayon ang mga 15-16 taong gulang ay pumupunta sa mga paaralan, at sa Choir Academy sa aking klase - sa 17 taong gulang.

Nasa 22 na pala sila ay graduate na. Mayroon akong taong ito, isang napakahusay na manlalaro ng bass, nanalo siya sa mga kumpetisyon. Agad siyang tinanggap sa isang programang pangkabataan sa isa sa mga bansang Europeo, pagkatapos ay sa teatro. At iyon nga - matagal na akong walang narinig tungkol sa kanya, nawala siya. Ang tinatawag na fest contracts sa repertory theaters ay lalong mapanganib para sa napakabatang vocalist. Nangangahulugan ito na kantahin ang lahat, angkop man ito o hindi nababagay sa iyong boses. Ngayon - Rossini, bukas - Mussorgsky, kinabukasan - Mozart, at iba pa, hanggang sa Bernstein at operetta. Tingnan mo, hindi pa lumipas ang ilang taon, at sa halip na isang boses ay may mga labi ng mga dating dilag.

- Ngunit sa tradisyon ng Russian-Soviet, ang iba't ibang mga estilo at pangalan sa playbill ay palaging nagpapalit-palit, at ang mga nangungunang soloista ay kumanta din hindi 6-7 "La Traviata" o "Pikovykh", tulad ng ngayon sa Kanluran, ngunit 4-5 sa pinaka magkakaibang mga tungkulin bawat buwan.

Naniniwala ako na ang mga full-time na kumpanya at repertory theater ay luma na, masama ang mga ito para sa lahat: mga artista, konduktor, mga madla. Una, palaging may kakapusan sa mga pag-eensayo upang mapanatiling maayos ang mga kasalukuyang pamagat. Walang sapat na pag-eensayo kahit na sa mga makapangyarihang kumpanya gaya ng Metropolitan Opera sa New York o sa Vienna Staatsoper. Kaya't huwag isipin na ang lahat ay masama sa atin, at sila ay ganap na maunlad doon. Naaalala ko kung paano ginawa ng aking estudyante ang kanyang debut sa Met sa pinakamahirap na nangungunang papel nang walang isang yugto ng pag-eensayo! Kaya lumabas siya at kumanta, at ang turntable ay natigil, at sinimulan niya ang aria mula sa likod ng mga eksena.

Kaya't hindi ako isang tagasuporta ng sistema ng repertoire; sa ating bansa ay itinuturing kong isang relic ng panahon ng Sobyet, hindi nauugnay sa sining, ngunit konektado lamang sa batas sa paggawa, ideolohiya, atbp. Kaya ngayon ay nakaupo kami sa isang patay na dulo at hindi alam kung ano ang gagawin. Ang mga mang-aawit ay hindi sigurado tungkol sa kanilang hinaharap, ngunit, sa pamamagitan ng paraan, ang propesyon artista ng opera Sa pangkalahatan, ito ay medyo delikado, ang boses ay masyadong marupok na isang instrumento, kung may pagdududa, maaari ka at dapat sa una ay pumili ng isa pang larangan. Ang mga konduktor ay hindi masaya dahil ang mang-aawit ay hindi maaaring pantay na nakakumbinsi na gumanap ng Mozart ngayon at Prokofiev bukas. Ang publiko ngayon ay spoiled din at nangangailangan ng mga bituin o bagong pangalan. At ang mga kompromiso ay nagreresulta na nakakapinsala sa sining.

Sa isang libreng sitwasyon ng lanser, ang mga nangungunang mang-aawit ay palaging may mas maraming pagkakataon na makabisado ang repertoire na nababagay sa kanila, upang matugunan ang mga kagiliw-giliw na konduktor, mga kasosyo ng pantay na antas, atbp. At kung gaano kaingat ang lahat ay maaaring rehearse sa kaso ng isang production team para sa isang partikular na proyekto!

- Ngunit pagkatapos, sa isang sitwasyon kung saan wala kahit 5-6, ngunit kung minsan ay 12 pagtatanghal ng parehong pamagat sa isang hilera, hindi ba nararanasan ng mga artista ang epekto ng automatismo, tulad ng mga soloista sa mga musikal? Nahihirapan akong unawain kung paano ka makakagawa ng daan-daang palabas nang sunud-sunod sa Broadway na may isang araw na walang pasok, madalas na walang kapalit, naglalarawan ng damdamin, tawa at luha sa entablado...

Hindi tulad ng Broadway, sa opera house ang mga artista ay hindi lumilitaw tuwing gabi (maliban sa mga emerhensiya, palaging may isa o dalawang araw na pahinga). At ang mga pagtatanghal ay bihirang gumanap nang higit sa limang beses sa isang production block. Pinakamahusay na mga sinehan, tulad ng parehong Metropolitan, ay nagsisikap na ipunin ang pinakamahusay na gumaganap ng opera na ito sa buong mundo ngayon. At maniwala ka sa akin, sa isang kapaligiran ng mataas na propesyonalismo at pagiging perpekto ng bawat detalye, mas madali para sa artist na tumutok sa imahe.

Ang halimbawa ng Met ay kawili-wili din para sa publiko, dahil sa isang linggo maaari kang makinig sa mga gawa ng karamihan iba't ibang istilo sa kanyang pinakamahusay. Hindi lihim na sa opera house Mas madalas kaysa sa hindi, hinahangad din ng mga bisita at turista na bisitahin ang "mga katutubo." Kaya, habang nasa New York noong Enero ng taong ito, sa loob ng ilang araw ay binisita ko ang talentadong baroque compilation na "The Enchanted Island", nakita ko ang sensational na "Faust", pagkatapos ay "Tosca" at "The Daughter of the Regiment". At para sa mga mabagal na "locals," ang pinakamatagumpay na mga titulo ay umuulit pagkatapos ng mga anim na buwan, tulad ng "Anne Boleyn," na nagbukas ng kasalukuyang panahon ng opera.

Sa pangkalahatan, ang paksa ng iba't ibang mga tradisyon ng pagkakaroon ng opera house ay hindi kapani-paniwalang kawili-wili at mahirap ang bawat bansa ay may sariling mga makatwirang aspeto na maaaring pagsamahin para sa kabutihan, kailangan mo lamang na malaman ang mga ito at malaman kung paano ito gagawin.

- Sa iyo personal, lalo na sa simula aktibidad ng pedagogical, nakasagabal ba ang kakulangan mo sa karanasan sa entablado?

Sa una, siyempre, oo, ito ay isang hadlang! Naturally, kapag nakaupo ako sa isang master class kasama ang aking minamahal na si Elena Vasilyevna Obraztsova, natutuwa lang ako sa kanyang mga paghahambing, matalinghagang pananalita. Ang kanyang malawak na karanasan, nagtatrabaho kasama mga natatanging master kasama ang personal na mayamang masining na imahinasyon - lahat ay kaakit-akit! Kapag gumagawa siya sa isang fragment mula sa isang opera o isang pag-iibigan na kilala niya nang husto, bumuo siya ng isang buong mundo na nilikha mula sa kaalaman at talento nang magkasama, kung saan mayroong hindi lamang pag-arte, kundi pati na rin ang pagdidirekta, at maging ang pagsasagawa.

Natututo ako sa lahat ng oras! Nag-aral ako habang nagtatrabaho kasama ang hindi malilimutang si Irina Konstantinovna Arkhipova, ngayon sa tabi ng Obraztsova, kasama si Evgeniy Evgenievich Nesterenko, kasama ang mga guro ng aming Programa sa Kabataan. Dumadaan ako sa mga riff ng mga bagong bahagi at produksyon, kasama ang mga banyaga, kasama ang aking mga mag-aaral. Ang lahat ng ito ay paghahanap, paaralan, pagpapayaman ng personal na kasanayan. Ako ay mapalad sa mga tuntunin ng oras; mga mang-aawit ng opera kadalasang abala lamang sa kanilang sarili at sa kanilang mga karera. Nagkaroon ako ng pagkakataong isawsaw ang aking sarili nang napakalalim at malawak sa mga problema sa pedagogical - upang makakuha ng karanasan sa pedagogical, upang gumana sa lahat ng uri ng boses, upang pag-aralan ang iba't ibang mga repertoire.

- Hayaan akong gumawa ng medyo hindi inaasahang paghahambing dito. Mayroong isang opinyon na ang pinakamahusay na mga obstetrician ay mga lalaki, dahil hindi nila naiintindihan o naiisip ang mga sakit ng panganganak at kumilos nang mas tiyak at mahinahon.

Oo, marahil ang sandali ng aking paghiwalay mula sa pagganap bilang tulad ay maaaring maging kapaki-pakinabang. Marami akong naisip tungkol dito at dumating sa konklusyon na ang pag-awit ng opera at vocal pedagogy ay dalawang magkaibang propesyon, magkatulad sa ilang mga paraan, siyempre, ngunit hindi sa lahat.

Tulad ng mayroon, kung tayo ay bumaling sa medisina, isang surgeon at isang diagnostician. Ang isang mahusay na surgeon na may "mga gintong kamay" ay maaaring mahirap sa paggawa ng diagnosis, at kabaliktaran. Ang mga propesyon na ito ay nangangailangan ng iba't ibang kaalaman.

Ang aming pedagogical ay medyo makitid pagdating lamang sa vocal technique at nangangailangan ng isang malaking lawak ng mga pananaw kapag lumitaw ang mga tanong ng repertoire, kaalaman sa propesyon ng mang-aawit mula sa lahat ng panig. Oo, hindi ako kumakanta sa entablado, ngunit ginagawa ko ito sa lahat ng oras sa klase, na nagpapakita sa aking boses. Hindi ako tumugtog ng piano sa publiko, ngunit mahusay kong samahan ang mga mag-aaral. Ako ay isang manager, kaya maaari kong sabihin sa mga mag-aaral ang tungkol sa mga pitfalls ng mga kontrata, masama at magandang kondisyon mga talumpati. Maliban na hindi ako mismo ang nagsagawa o nagtanghal ng opera, ngunit, muli, ginagawa ko ang mga tungkuling ito sa mga pag-eensayo.

- At sa lahat ng iyon, ikaw, Dmitry, ay isang pagbubukod sa panuntunan - isang matagumpay na guro ng boses na hindi gumanap sa entablado. Mayroon bang ibang mga kasamahan na may katulad na kapalaran?

Maaari kong pangalanan si Svetlana Grigorievna Nesterenko (ang kapangalan ng aming mahusay na bass), nagtutulungan kami sa Youth Program ng Bolshoi Theater, pinamumunuan niya ang vocal department sa Choral Academy. V. S. Popova. Kabilang sa kanyang mga mag-aaral ay sina Alexander Vinogradov, Ekaterina Lyokhina, Dinara Aliyeva at marami pang ibang karapat-dapat na mang-aawit. At ang pangkalahatang publiko ay hindi nakakakilala ng maraming natitirang mga guro sa Kanluran bilang mga mang-aawit. At sa pangkalahatan, kami, mga guro ng boses, ay mga mandirigma sa hindi nakikitang harapan.

At sa lahat ng mga reklamo pangkalahatang antas Mayroong napakaraming bilang ng mga mang-aawit sa mundo ngayon, mayroon pa ngang isang tiyak na labis na suplay sa kanila, ngunit ang kakulangan ng kapaki-pakinabang na seryosong mga guro sa boses ay pare-pareho, dahil ito ay isang unti-unting propesyon, at nananatiling gayon. Iyan ang kabalintunaan.

Sa simula ng trabaho, ang mga komento mula sa mga nakaranasang bokalista na ako, sinasabi nila, ay hindi ako isang mang-aawit sa aking sarili, hindi pa nakakaamoy ng pampaganda, hindi pa nasusubukan ito at iyon, nasaktan sila, hindi masyadong marami, ngunit kinurot nila ako. At ngayon ay wala na akong pakialam. Huminahon ako sa ganitong diwa, marami akong mga gawain, at ganoong responsibilidad para sa dose-dosenang matagumpay kong mga estudyante na nakakalat sa buong mundo. Kailangan nating pigilan silang magkamali, mula sa pagsisikap na makagambala sa kanilang repertoire, kailangan nating sumulat sa kanila, tumawag sa kanila, at kumbinsihin sila. Up to the point of conflict - bihira lang ito, pero nangyari nga na nauwi sa away at breakup (not on my part). Nais ng lahat na maging matanda, at sa parehong oras ang lahat ay mahina, tulad ng mga bata! Minsan hindi nila naiintindihan na ang kanilang mahusay na pag-awit ay ang aking malalim na interes, at hindi na ako ay isang malupit na may latigo, pumunta ako sa isang dula o konsiyerto upang malupit na punahin sila.

- Isang napakatanda at matalinong guro sa paaralan ng musika laging kaagad pagkatapos ng konsiyerto ay pinupuri lamang niya ang mga mag-aaral, at ipinagpaliban ang "debriefing" hanggang sa susunod na araw. Dahil ang entablado ay adrenaline, hindi pa rin nila seryosong mauunawaan ang kritisismo sa euphoria ng palakpakan, ngunit ang mga pakpak ng bata at pagnanais na tumugtog ng musika ay maaaring maputol sa isang matalim na pangungusap.

Sa ganitong kahulugan, mayroon akong isang mahirap na karakter. Alam kong mali ang ginagawa ko, bilang isang emosyonal at matigas na tao, ngunit hindi ko laging pigilan ang aking sarili, kahit na sinusubukan ko.

Kamakailan ay mayroong isang konsiyerto na lubhang hindi matagumpay. Ito ay kung paano ito naging - isang mahirap na sitwasyon, ilang mga pag-eensayo, mahinang pakikipag-ugnay sa orkestra. Sa pagtatapos, pumunta ako sa mga lalaki at sinipi muli ang E.V. Ang lahat, siyempre, ay labis na nalungkot, ngunit hindi nito napigilan ang pangalawang konsiyerto sa susunod na araw na maging mas mahusay!

Minsan, siyempre, sinasaktan mo ang iyong mga estudyante. Ngunit sa parehong oras sinasabi ko: guys, ngunit sinasaktan ko rin ang aking sarili at sinasaktan ang aking sarili sa mga komento, hindi ko kayo sinisisi sa lahat, ito ang aming mga karaniwang pagkakamali, ako mismo ay hindi natutulog sa gabi, nagdurusa ako, pinag-aaralan ko .

- Ang isang guro na hindi pinapagalitan ay ang parehong doktor na hindi gumagamot!

Mayroon ding mga isyu ng mga pagkakaiba sa pag-iisip. Isa sa aking mga kasamahan, isang napakatanyag na pianista at isang magaling na guro sa Amerika, ay minsang nagtaas ng kanyang boses sa galit at inihagis ang mga nota sa isang estudyante. Mayroong pagsisiyasat, pulis, iskandalo... Samakatuwid, sa USA hindi naging madali para sa akin na masanay na magtrabaho sa bagay na ito: mabuti, kung minsan gusto kong magdagdag ng mga emosyon, itaas ang aking boses sa mag-aaral, ngunit ito ay imposible doon.

Pero iba ang mga estudyante doon! Nagulat ako sa aking unang pagbisita sa master class sa Houston. Lumapit sa akin ang isang magandang batang baritone at ipinakita sa akin ang aria ni Eletsky. Inalok ko siya ng karagdagang aralin sa gabi, pagkatapos ng iba. Nais niyang dumaan sa Cavatina ni Figaro mula sa Seville. Ngunit sa alas-18, minuto-minuto, ang pianista ay tumayo at umalis - ang kanyang araw ng trabaho ay tapos na, ang lahat ay mahigpit. Napagtanto ko mismo na maliligaw ako sa saliw ng bravura ni Rossini, at sinabing: "Gusto mo bang kantahin muli si Yeletsky?" Agad siyang sumang-ayon at namangha sa akin - sa ilang oras na lumipas mula noong aralin sa umaga, naayos niya ang lahat! Lahat ng komento ko sa pagbigkas, pagbigkas, intonasyon, pag-arte - lahat ay isinaalang-alang!

“Paano mo ginagawa ito?” - tanong ko sa kanya. "Maestro, umupo ako, tumingin sa mga tala sa loob ng 15 minuto, nakinig sa pag-record ng aming aralin, naintindihan ang sinabi mo - at handa na ang aria."

Ito ay isang masayang pagkabigla para sa akin! Pagbalik sa Moscow - kung paano niya sinisiraan ang kanyang mga katutubong mag-aaral sa pangyayaring ito, hanggang sa sabihin mo sa kanila ng dalawampung beses, hindi nila ito gagawin! Pumapasok sila sa mga klase nang walang recorder, minsan kahit walang lapis at dagdag na kopya ng sheet music para kumuha ng mga tala. Ano ang masasabi ko? Kailangan mong maging matigas.

- May mga babae din sa klase mo. Mayroon bang pagkakaiba sa mga diskarte?

Sa ilang mga lawak, mas madali para sa akin ang mga lalaki, ngunit kung walang mga babae sa klase, magiging boring lang! Siyempre, ang boses ng babae ay nangangailangan sa akin na kumuha ng ibang diskarte sa vocal reality, mas mataas na konsentrasyon pansin. Iba't ibang materyal, at, nang naaayon, iba't ibang mga tool. Nangangailangan ito ng higit na pag-iisip, higit na pagsisikap, at maging ng teknikal na kaalaman at karanasan. Ngunit, tulad ng ipinakita ng buhay, sa pangkalahatan, at kasama sa boses ng mga babae kaya ko to. At sa silid-aralan, ang pagkakaroon ng iba't ibang mga kasarian ay nagbibigay ng isang malaking kalamangan sa mga tuntunin ng mga ensemble at duets ay maaaring gumanap.

- Mayroon bang pangkalahatang krisis sa mga vocal sa mundo sa pagtatapos ng ika-20 at simula ng ika-21 siglo? kumpara, halimbawa, sa 60-70 ng ika-20 siglo at kung gayon, bakit?

Kung iisipin mo ito sa ganitong paraan, kung gayon ang krisis ay palaging umiiral. Noong kasagsagan ng Callas at Del Monaco, may mga taong nagsalita nang may pananabik tungkol sa panahon ng Ponselles, Gigli at Caruso, at iba pa, pabalik sa kalaliman ng panahon, sa simula ng ika-19 na siglo, hanggang sa ganap na maalamat na mga pangalan. Ito ay mula sa serye na: “The sky was bluer and the grass was greener.”

Sa prinsipyo, ang paaralan ay naging mas mahusay at mas pantay-pantay sa iba't ibang bansa, dahil nagsimula kaming manirahan sa isang espasyo ng impormasyon, nagkaroon kami ng pagkakataong marinig nang madalas nang live o sa isang pinakahuling pag-record ng lahat ng pinakamahusay sa mundo mga eksena sa opera. Para sa maraming mga mahilig sa musika, ang pagsakay sa isang eroplano at sa loob ng ilang oras na mahanap ang kanilang sarili sa anumang music capital ay naging isang naa-access na katotohanan.

Sa aking palagay, nasa ibang lugar ang krisis. Napakaraming malalakas na propesyonal ngayon, dumarami ang mga walang trabaho sa gitnang pamamahala, ngunit kakaunti ang namumukod-tanging, hindi pangkaraniwang mga boses. At hindi gaanong sa kagandahan, ngunit sa lakas at dami ng tunog.

- Sumasama ako sa iyo nang buo - iilan sa mga pinakamaganda ngayon mga mang-aawit ng opera Maaari kong malaman nang walang anunsyo sa radyo, kahit na "mga matatanda" - kaagad, na may dalawang tala!

At ito rin ang mga gastos sa teknolohiya! Ang lahat ay nagsimulang kumanta nang pantay-pantay. Maraming mga dating dakila ang nakikilala, pambihira at maganda hindi lamang para sa kanilang mga merito, kundi pati na rin sa kanilang "mga banal na iregularidad," tulad ng walang kapantay na Callas. May kakulangan ng hindi lamang maliwanag na timbre, ngunit higit sa lahat ng sariling katangian, na may mga bihirang pagbubukod. Bahagyang dahil ang mga mang-aawit ngayon ay lubos na umaasa sa mga dikta ng direktor at ang kanilang propesyon ay wala sa unang hanay sa mga tuntunin ng kahalagahan para sa teatro ng opera.

- Oh, ang aming paboritong paksa tungkol sa "direktor"! Ano ang nararamdaman mo sa kanya?

Ngayon ay isang yugto sa musikal na teatro na nararanasan nating lahat, tulad ng sakit o masamang panahon. Tandaan noong pinag-aralan natin ang kasaysayan ng musika at pinag-usapan ang "pagbagsak ng opera" sa panahon ng Baroque, tungkol sa "konsiyerto sa mga kasuotan"? Sa kalagitnaan ng ika-20 siglo, kasama si Callas, si Luchino Visconti ay naghari sa mga yugto ng mundo ay nagsimulang sumanib sa mundo ng drama, sinehan, gumuhit ng mga imahe mula sa pagpipinta, at sa ilang mga paraan ay tumaas antas ng sining. Ngunit, bilang isang resulta, ang opera house ay napunta sa iba pang sukdulan, mannerism. Ito ay partikular na radikal sa Alemanya, kaya't sinabi na ni Peter Stein sa isang lugar pagdating sa pagdidirekta ng opera ng Aleman: "Paumanhin, ngunit sa kontekstong ito ay hindi ako kumportable na tawagin ang aking sarili na isang direktor ng Aleman, hindi ko itinuturing ang aking sarili na isa. .”

Ngunit ito ay kagiliw-giliw na sa loob ng maraming siglo ay may usapan tungkol sa pagkamatay ng opera. Palagi siyang nagpapakasawa sa ilang sukdulan. Ngunit kapag, tila, natapos na ang lahat, bigla siyang nakahanap ng ilang bagong paraan at muling lumitaw sa lahat ng kanyang kagandahan.

- Oo, oo! Kaya naman ang mga tradisyunal na produksyon ng costume, tulad ng “Werther” noong 2010 sa Opéra Bastille sa Paris, “Adrienne Lecouvreur” noong nakaraang season sa Covent Garden, o ang pinakabagong “The Enchanted Island” sa Met, ay umani ng palakpakan mula sa unang pagbubukas ng kurtina.

Ngunit hindi ko nais na magmukhang isang kumpletong orthodox, retrograde at konserbatibo sa sitwasyong ito. May mga kamangha-manghang manipis at malalim modernong mga produksyon oper.

Tinutukoy ng lahat ang antas ng panghihikayat at talento ng direktor mismo, at nakabuo din ako ng isang personal na opinyon sa bagay na ito. Naniniwala ako na kung ang produksyon ay may sariling malalim na lohika, kung ang bawat "putok ng baril", kung gayon ang produksyon ay isang tagumpay. At kung ang direktor ay nagtipon lamang sa isang dula ng lahat ng mga imahe at metapora na na-save niya mula sa mga nakaraang taon ng kawalan ng aktibidad, at hindi maabot ang mga dulo, at kami ay nakaupo at hindi naiintindihan - kung gayon bakit ito? Sa teorya, ang literal na "paglalakad sa iyong ulo" ay maaaring maging kapani-paniwala, tulad ng ipinakita ni Nathalie Dessay sa Ariadne auf Naxos.

- Ngunit hindi ba maaaring magsalita ang vocal master na si Vdovin na ang paglalakad ng pabaligtad habang kumakanta ay mahirap at hindi pisyolohikal, na tumayo para sa kanyang mga mag-aaral?

Hindi, sa kasamaang-palad, wala akong masabi, kahit na minsan ay nagagalit ako sa maraming bagay. Sa teatro, lahat ng tao ay umaasa, at dapat maging tapat sa plano ng direktor. Nakikita ko minsan na napapahiya ang mga tao to the point of shame on stage in some director’s arrangement. Anong artistic persuasiveness ang pinag-uusapan natin dito! At ang pinakamalungkot na bagay ay na, bukod sa pagkamakasarili at kapritso, kung minsan ito ay walang kahulugan. Ngunit sa kabilang banda, sumasang-ayon ako na posibleng magpakita ng isang artista kahit sa pangit na anyo, kung may tunay na malalim na layuning masining dito.

Isa akong dalubhasa sa teatro sa unang edukasyon, na ang unang direktor ay si Pavel Aleksandrovich Markov, at ang pangunahing master ay si Inna Natanovna Solovyova, mga dakilang tao. Nakakita ako ng magagandang oras para sa teatro - nagpunta ako sa mga pagtatanghal ni A. Efros, G. Tovstonogov, Y. Lyubimov, at napakaraming paglilibot sa Moscow...

- Mayroon bang mga mag-aaral na hindi nais na "yumuko sa ilalim" ng paniniil ng mga direktor at isipin ang kanilang sarili lamang sa purong, chamber-concert genre?

Nakilala ko ang isang ganoong tao, kahit na hindi ko siya estudyante. Mayroon siyang lahat upang maging isang natitirang kababalaghan sa ating panahon - ito ang bass Dmitry Beloselsky. Umalis siya sa choir at sa mahabang panahon ay kumanta lamang ng cantata-oratorio music at concerts. Hindi ko gustong pumunta sa opera. Kamakailan lamang, sa edad na 34, nagbago ang isip niya, pumunta sa Bolshoi Theater, at, salamat sa Diyos, iyon ang kaso. Sa edad niyang ito ay mas malaki ang tsansa niyang hindi bumaba. maaga sa iskedyul mula sa malayo, na may katalinuhan at pang-unawa, bumuo ng isang mahaba matagumpay na karera. Si Dmitry ngayon ay may kamangha-manghang tagumpay saan man siya gumanap. Mula sa Metropolitan hanggang sa Bolshoi. Ngunit "dalisay" mang-aawit ng konsiyerto Sa kasamaang palad, mahirap mabuhay sa pananalapi; aba!

- May katuturan ba ang konsepto ng "Russian vocal school" sa mga araw na ito? Kaugnay nito, sa konsiyerto ng pagtatapos ng Bolshoi Theater Youth Program noong nakaraang tagsibol, kung saan ikaw, Dmitry, ang pinuno, hindi kasiya-siyang nakakagulat kung gaano kahusay at mas nakakumbinsi ang mga batang mang-aawit na nakayanan ang musikang Kanluranin, at kung gaano kahirap para sa kanila ang gumanap. Ruso.

Ang paaralang Ruso ay walang alinlangan na umiiral, dahil mayroong isang malaking pamana ng opera at ang wikang Ruso. At bilang isang bahagi - theatrical tradition. Ang Russian repertoire mismo ay nagdidikta ng ibang teknikal na diskarte kaysa sa mga gawa ng Italyano, Pranses, Aleman na musika. Ang problema, sa aking opinyon, ay ang aming musika ay pangunahing idinisenyo para sa napakalakas na boses, para sa mga mature na mang-aawit. Dahil ang karamihan sa mga opera ay isinulat para sa dalawang Imperial Theaters, na palaging sikat sa kanilang malakas at malalim na boses. Ang tanong kung saan mahahanap ang totoong Herman o Marfa para sa "Kovanshchina" ngayon ay nagiging mahirap na lutasin...

Sa pamamagitan ng paraan, sa Amerika si Tatiana ay itinuturing na isang mas malakas na pangkat ng edad kaysa kay Lisa sa "Spade". At si Yeletsky ay mas malakas kaysa sa Count sa The Marriage of Figaro. Si Lensky at Onegin ay hindi rin itinuturing na mga tungkulin ng kabataan, gaya ng nakaugalian dito, dahil lamang isinulat ni Pyotr Ilyich ang kanyang mga liriko na eksena para sa mga mag-aaral ng Moscow Conservatory. Ngunit mayroong isang napaka-siksik na orkestrasyon at isang kumplikadong vocal tessitura, na may malalaking paglukso sa itaas at ibaba ng hanay, na, naniniwala sa akin, bilang isang guro, hindi lahat ng mga batang mang-aawit ay maaaring gawin. At kung isasaalang-alang kung gaano kaproblema ang mga acoustics sa maraming bulwagan, at kung gaano kalakas ang mga orkestra, kailangan mong magkaroon ng napakalakas at malalakas na boses upang matiis ang lahat ng ito. Paumanhin, ngunit sa palagay ko ang Antonida cavatina ni Glinka, halimbawa, ay napakahirap isulat na para sa mahusay na pagganap nito ang soprano ay dapat agad na bigyan ng medalya sa mga pakpak! Ang isa pang maselang punto ay ang mga kompositor ng Ruso, para sa lahat ng kanilang henyo, ay hindi palaging nakabisado ang mga subtleties ng vocal writing. At ito ay naiintindihan - ang kanyang sarili tradisyon ng opera sa Russia ay hindi ganoon katanda, at marami sa mga kinatawan nito ang natutunan ito sa kanilang sarili.

Higit pa tungkol sa Glinka, na may kaugnayan sa kahindik-hindik na huling premiere ng "Ruslan", ngayon ay nagsasalita lamang ako tungkol sa vocal side, dahil may mga pahayag sa press na, sabi nila, wala talagang kakanta kumpara sa nakaraang produksyon ng Bolshoi Theater noong 70s ni B.A. Sasabihin ko bilang isang buhay na saksi at tagapakinig - oo, sa pagtatanghal na iyon ay mayroong napakatalino na Ruslan - Evgeniy Nesterenko, Lyudmila - Bela Rudenko, Tamara Sinyavskaya - Ratmir. Ngunit kabilang sa kasaganaan ng mga character (at ang pagganap ay ginanap sa 2-3 cast), may mga mang-aawit na, sa hindi kilalang mga kadahilanan, ay lumitaw sa entablado ng Bolshoi Theater, at, hindi lihim na mayroong mga pagtatanghal, sa pagpunta. kung saan maaaring tuluyang mawalan ng interes sa opera ang isa.

Hayaan akong bumalik muli sa dibisyon ng mga genre - may mga mahuhusay na mang-aawit na natatangi sa mga opera ni Mozart, at iyon lang. At ang iba ay dapat kumanta ng eksklusibong musikang Ruso - ito ang kanilang malakas na punto. Ngunit kapag sinimulan nilang kantahin ito at iyon, mas malala ito para kay Mozart, Glinka, at sa mga nakikinig.

- Sa kasamaang palad, hindi lahat ng mga mang-aawit ay may sariling matino na analytical na pag-iisip at ang kalooban na tanggihan ang mga adventurous na proyekto, tulad ng iyong Dmitry Korchak, na inalok na kumanta ng Herman!

Oo, si Dima ay mahusay sa ganitong kahulugan, ngunit ang katotohanan na may napakakaunting musikang Ruso sa kanyang repertoire, dahil ang kanyang boses ay masyadong magaan, ay isang awa, ginagawa niya ito nang napakahusay. At si Vasily Ladyuk din pala. Naaalala ko ang gabi nang gumanap siya ng mga romansa sa Russia - kahit na hindi ko gusto ang mga orkestra gumagana sa silid, ngunit kahanga-hangang nagawa ito ni Mikhail Pletnev, isa ito sa mga pinakamahusay na konsiyerto na tumagos sa kahulugan ng musika!

Sa pangkalahatan, upang kumanta ng musikang Ruso nang maayos, kailangan mong magtrabaho nang husto upang mapupuksa ang isang malaking bilang ng aming sariling mga cliches, mula sa pagkawala ng pakiramdam ng pagiging bago. Minsan ang mga dayuhan ay may mga kahanga-hangang bagong shade, at kung minsan ay hindi natin sinasadya na nakikita ang tradisyon bilang isang urtext, na nag-cliche sa pag-record ng isang kinikilalang klasiko ng eksenang Ruso mula sa isang mahabang panahon.

- Tungkol sa "pakikinig" sa mga lumang recording. Ang pahayag ni Svyatoslav Teofilovich Richter ay matagal nang bumagsak sa aking kaluluwa na ang modernong kabataan, na nasira ng pagkakaroon ng mga kagamitan sa pag-record, ay nasanay sa patuloy na pagkontrol sa kanilang sarili mula sa labas, pagkatapos ng pagganap. At ang mga nakaraang henerasyon ng mga musikero, na binawian ng pakinabang na ito ng sibilisasyon, ay bumuo ng tinatawag na "pre-hearing", iyon ay, ang kakayahang madama ang susunod na pariralang musikal nang maaga, kasama ang panloob na tainga.

Sa paksa. Narinig ko kamakailan ang isang audio recording mula sa Met - "The Marriage of Figaro". At sa panahon ng mga ensemble, kung minsan ay hindi ko maintindihan, nakaupo nang walang mga tala, na tumutunog ngayon - ang Countess, Suzanne o Cherubino. Dahil silang tatlo, paumanhin, ay maliit na Renee Flemings! Siyempre, ang pagkakaroon ng mga sound recording ng lahat at lahat, You Tube, atbp. iwanan ang kanilang marka mga kontemporaryong tagapalabas, at ang clichéd na interpretasyon ay nanggagaling dito.

- Ngunit personal mo bang pinapayagan ang mga mag-aaral na gumamit ng teknolohiya sa mga aralin at pagtatanghal?

Pinapayagan ko ito, oo. Paano tao sa teatro Naiintindihan ko na kapag nagsimula kang mag-set up ng mga gawain kasama ang mga lalaki, hinahanap ang mga pinagmulan nito o iyon musikal na imahe, mga sanhi at kahihinatnan - pagkatapos ay mawawala ang mga cliches, mawawala ang pressure sa audio at video recording ng ibang tao.

- Kailangan ba ng mga mang-aawit ng kontekstong pangkasaysayan, kaalaman tungkol sa oras at lugar ng pagkilos ng kanilang bayani, tungkol sa talambuhay ng may-akda?

Well, siyempre! Ang isang opera artist o mang-aawit ay dapat na isang edukadong tao! Upang punan ang trabaho, ang teksto na may kahulugan - kahit na sa katutubong wika kinakailangang maunawaan hindi lamang ang mga salita, kundi pati na rin ang buong sitwasyon sa paligid ng karakter, balangkas, makasaysayang koneksyon, kung ganoon ang materyal. Nakakatakot kapag ang mga kabataan ay hindi alam ang mga pangalan ng mga makata na sumulat ng mga liriko sa mga romansa, o naliligaw kung saan matatagpuan ang Flanders, na inaawit tungkol sa aria mula kay Don Carlos. O hindi niya napagtanto na ang aria ay tinutugunan sa isang kasosyo at, mahalagang, ito ay isang duet.

Ang pinakamahalagang bagay ay upang bumuo ng masining na imahinasyon sa mang-aawit, upang makita at maunawaan niya kung ano ang nasa kaibuturan at sa pagitan ng mga linya.

- Bahagyang isang nakakapukaw na tanong: ano ang mas gusto mo - ang makikinang na vocal ng mang-aawit na sinamahan ng limitadong kasiningan at hindi matukoy na hitsura, o, sa kabaligtaran, maliwanag na kasiningan na may napaka-moderate na vocal?

Sa personal, mas gusto ko ngayon na manatili sa bahay sa ganoong sitwasyon! Ngunit, seryoso, sa opera, ang makikinang na kasiningan na sinamahan ng katamtamang mga tinig ay hindi nararapat; Kung hindi man, walang paraan, ang isang payat na pigura, tamang mga tampok ng mukha at mga kasanayan sa pag-arte ay hindi magliligtas sa iyo kung ganap mong makaligtaan ang mga tala - kung ano ang gagawin, isang sintetikong genre.

Iyon ang dahilan kung bakit pinahahalagahan namin ang pinakabihirang mga halimbawa ng pagkakaisa ng lahat: isang kahanga-hangang boses, musikal, napakalaking pag-uugali sa pag-arte na sinamahan ng maliwanag, napakalakas na kagandahan - tulad ni Vladimir Andreevich Atlantov, na naghari sa entablado ng Bolshoi Theater. Maswerte akong nakausap ko siya taon ng mag-aaral. Atlantov marahil ay hindi isang halimbawa ng isang perpekto, pino paaralan ng boses, ngunit marami siyang ibinigay sa akin sa mga tuntunin ng pag-unawa sa proseso pag-awit ng opera, sa kung ano dapat ang isang tunay na Artista.

Kinapanayam ni Tatyana Elagina