Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang nilalaman ng artikulo

ITALIAN THEATER. Ang sining ng teatro ng Italya ay nagsimula noong katutubong ritwal at mga laro, karnabal, relihiyosong awit at sayaw na nauugnay sa natural na siklo at gawain sa kanayunan. Ang May Games ay mayaman sa mga kanta at dramatikong aksyon. , nagaganap sa paligid ng naglalagablab na apoy, na sumisimbolo sa araw. Mula sa kalagitnaan ng ika-13 siglo. Lumilitaw si Lauda sa Umbria (lauda) , isang natatanging uri ng pampublikong panoorin, -mga relihiyosong awit ng papuri, na unti-unting nagkaroon ng diyalogong anyo. Ang mga paksa ng mga pagtatanghal na ito ay nakararami sa mga eksena sa ebanghelyo - ang Pagpapahayag, ang kapanganakan ni Kristo, ang mga gawa ni Kristo... Sa mga manunulat ng laudas, ang Tuscan monghe na si Jacopone da Todi (1230–1306) ay namumukod-tangi. Ang kanyang pinakatanyag na gawa Panaghoy ni Madonna. Ang mga Laudas ay nagsilbing batayan para sa paglitaw ng mga sagradong pagtatanghal (sacre rappresentazioni), na nabuo noong ika-14–15 na siglo. (orihinal din sa gitnang Italya), isang genre na malapit sa misteryo, karaniwan sa hilagang mga bansa sa Europa. Ang nilalaman ng mga sagradong pagtatanghal ay batay sa mga balangkas ng Luma at Bagong Tipan, kung saan idinagdag ang mga engkanto at makatotohanang motif. Ang mga pagtatanghal ay naganap sa isang podium na naka-install sa plaza ng lungsod. Ang entablado ay itinayo ayon sa tinanggap na canon - sa ibaba ay "impiyerno" (ang bukas na bibig ng dragon), sa itaas ay "paraiso", at sa pagitan nila ay iba pang mga lugar ng pagkilos - "Bundok", "Disyerto" , "Royal Palace", atbp. Ang isa sa mga pinakatanyag na may-akda ng genre na ito ay si Feo Belkari - Ang konsepto ni Abraham at Isaac (1449), San Juan sa disyerto(1470), atbp. Ang pinuno ng Florence, si Lorenzo Medici, ay gumawa din ng mga sagradong pagtatanghal.

Noong 1480, isang batang makata ng korte at dalubhasa sa sinaunang panahon, si Angelo Poliziano (1454–1494), na kinomisyon ni Cardinal Francesco Gonzaga, ay nagsulat ng isang pastoral na drama batay sa isang sinaunang alamat ng Greek. Ang Kuwento ni Orpheus. Ito ang unang halimbawa ng pagbaling sa mga larawan ng sinaunang mundo. Sa paglalaro ni Poliziano, na puno ng maliwanag, masayang pakiramdam, nagsimula ang interes sa mga dulang mitolohiya at isang pangkalahatang pagkahumaling sa sinaunang panahon.

Ang dramang pampanitikan ng Italyano, kung saan nagsimula ang kasaysayan ng drama sa Kanlurang Europa ng Renaissance, ay batay sa estetika nito sa karanasan ng sinaunang drama. Tinukoy ng mga komedya nina Plautus at Terence para sa mga Italian humanist playwright ang mga tema ng kanilang mga gawa, ang cast ng mga character at compositional structure. Pinakamahalaga Nagkaroon ng mga produksyon ng Latin na komedya ng mga mag-aaral at mag-aaral, partikular sa Roma sa ilalim ng direksyon ni Pomponio Leto noong 1470s. Gamit ang mga tradisyonal na plot, ipinakilala nila ang mga bagong karakter, modernong kulay at mga pagtatasa sa kanilang mga gawa. Ginawa nilang tunay na buhay ang nilalaman ng kanilang mga dula, at ang mga kontemporaryong tao bilang kanilang mga bayani. Ang unang komedyante sa modernong panahon ay ang dakilang makata ng huling Italian Renaissance, si Ludovico Ariosto. Ang kanyang mga dula ay puno ng makatotohanang mga pagpipinta at matalas na satirical sketch. Siya ang naging tagapagtatag ng pambansang komedya ng Italyano. Sa kanya nagmumula ang pagbuo ng komedya sa dalawang direksyon - puro nakakaaliw ( Kalandria Cardinal Bibiena, 1513) at satirical, na kinakatawan ni Pietro Aretino ( Moral ng hukuman, 1534, Pilosopo, 1546), Giordano Bruno ( Kandelero, 1582) at Niccolò Machiavelli, na lumikha ng pinakamahusay na komedya ng panahon - Mandrake(1514). Gayunpaman, sa pangkalahatan, ang mga dramatikong gawa ng mga manunulat ng komedya ng Italyano ay hindi perpekto. Hindi nagkataon na ang buong kilusan ay tumanggap ng pangalang "Scientific Comedy" (commedia erudita).

Kasabay ng pampanitikan na komedya lumilitaw ang trahedya. Ang trahedya sa Italya ay hindi nagdala ng anumang malalaking tagumpay. Maraming mga dula ng ganitong genre ang binubuo; naglalaman ang mga ito ng mga kakila-kilabot na kwento, mga hilig sa kriminal at hindi kapani-paniwalang kalupitan. Tinawag silang "horror tragedies." Ang pinakamatagumpay na gawain ng genre - Sofonisba G. Trissino, nakasulat sa blangkong taludtod (1515). Ang karanasan ni Trissino ay higit na binuo nang higit pa sa Italya. Ang trahedya ng P. Aretino ay mayroon ding ilang mga pakinabang Horace (1546).

Ang pangatlo - ang pinakamatagumpay at buhay na buhay - genre ng Italian literary drama noong ika-16 na siglo. naging isang pastoral, na mabilis na naging laganap sa mga korte ng Europa (). Ang genre ay nakakuha ng isang aristokratikong karakter. Ang kanyang lugar ng kapanganakan ay Ferrara. Sikat na tula G.Sannazzaro Arcadia(1504), na niluwalhati ang buhay sa kanayunan at kalikasan bilang isang "lugar ng pagpapahinga," ang nagmarka ng simula ng kilusan. Ang pinaka mga tanyag na gawa genre ng pastoral Aminta Torquato Tasso (1573), isang akda na puno ng tunay na tula at pagiging simple ng Renaissance, pati na rin Tapat na Pastol D.-B. Guarini (1585), na nakikilala sa pamamagitan ng pagiging kumplikado ng parehong intriga at patula na wika, samakatuwid ito ay inuri bilang mannerism.

Ang paghihiwalay ng dramang pampanitikan mula sa madla ay hindi nakakatulong sa pag-unlad ng teatro. Ang sining ng entablado ay ipinanganak sa parisukat - sa mga pagtatanghal ng medieval buffoons (giullari), mga tagapagmana ng mimes Sinaunang Roma, sa nakakatawang nakakatawang pagtatanghal. Sa wakas ay nabuo ang farce (farsa) noong ika-15 siglo. at nakukuha ang lahat ng mga palatandaan tanyag na imahinasyon- pagiging epektibo, buffoonery, pang-araw-araw na konkreto, satirical na malayang pag-iisip. Ang mga totoong pangyayari sa buhay, na naging tema ng isang komedya, ay naging isang anekdota. Sa isang maliwanag, nakakatakot na paraan, ang komedya ay kinutya ang mga bisyo ng mga tao at lipunan. Malaki ang impluwensya ng Farce sa pag-unlad ng teatro sa Europa, at sa Italya ay nag-ambag ito sa paglikha ng isang espesyal na uri ng sining sa entablado - improvised na komedya.

Hanggang sa kalagitnaan ng ika-16 na siglo. Walang propesyonal na teatro sa Italya. Sa Venice, na nanguna sa paglikha ng lahat ng uri ng mga salamin sa mata, na sa pagliko ng ika-15–16 na siglo. Mayroong ilang mga amateur theatrical na komunidad. Sila ay dinaluhan ng mga artisan at mga tao mula sa mga edukadong klase. Unti-unti, nagsimulang lumabas ang mga grupo ng mga semi-propesyonal mula sa kapaligirang ito. Ang pinakamahalagang yugto sa pagsilang ng propesyonal na teatro ay nauugnay sa aktor at manunulat ng dulang si Angelo Beolco, na binansagang Ruzzante (1500–1542), na ang mga aktibidad ay naghanda sa paglitaw ng commedia dell'arte. Ang kanyang mga dula Anconitanka, Moschetta, Mga diyalogo ay kasama sa repertoire ng Italian theater hanggang ngayon.

Sa pamamagitan ng 1570, ang mga pangunahing artistikong bahagi ng bagong teatro ay natukoy: mga maskara, diyalekto, improvisasyon, buffooner. Ang pangalan nito, commedia dell'arte, ay itinatag din, na nangangahulugang "propesyonal na teatro." Ang pangalang "comedy of masks" ay nagmula sa ibang pagkakataon. Ang mga karakter ng teatro na ito, ang tinatawag na. permanenteng uri (tipi fissi) o maskara. Ang pinakasikat na mga maskara ay ang Pantalone, ang Venetian na mangangalakal, ang Doktor, ang abogado ng Bolognese, na gumaganap sa mga tungkulin ng mga lingkod ng zanni na sina Brighella, Harlequin at Pulcinella, pati na rin ang Kapitan, Tartaglia, ang katulong na si Servette at dalawang pares ng Lovers. Ang bawat maskara ay may sariling tradisyonal na kasuotan at nagsasalita ng sarili nitong diyalekto, tanging ang mga Lovers ay hindi nagsusuot ng maskara at nagsasalita ng tamang Italyano. Ginampanan ng mga aktor ang kanilang mga dula ayon sa script, na improvised ang teksto habang umuusad ang dula. Ang mga pagtatanghal ay palaging naglalaman ng maraming lazzi at buffoonery. Kadalasan ang aktor ng commedia dell'arte ay gumaganap lamang ng kanyang maskara sa buong buhay niya. Ang pinakatanyag na tropa ay Gelosi (1568), Confidenti (1574) at Fedeli (1601). Kabilang sa mga performer mayroong maraming magagaling na aktor - Isabella Andreini, Francesco Andreini, Domenico Biancolelli, Niccolò Barbieri, Tristano Martinelli, Flaminio Scala, Tiberio Fiorilli, atbp. Ang sining ng mask theater ay napakapopular hindi lamang sa Italya, kundi pati na rin sa ibang bansa, ito ay hinangaan gaya ng nasa itaas na saray ng lipunan at ng mga karaniwang tao. Malaki ang impluwensya ng Comedy of Masks sa pagbuo ng mga pambansang sinehan sa Europa. Ang pagbaba ng commedia dell'arte ay nagsimula sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo, at sa pagtatapos ng ika-18 siglo. ito ay hindi na umiral.

Ang pagbuo ng trahedya, komedya, at pastoral ay nangangailangan ng isang espesyal na gusali para sa kanilang pagpapatupad. Isang bagong uri ng saradong gusali ng teatro na may box stage, auditorium at mga tier ay nilikha sa Italya batay sa pag-aaral ng sinaunang arkitektura. Kasabay nito, sa teatro ng Italyano noong ika-17 siglo. Ang mga paghahanap sa larangan ng disenyo ng entablado ay matagumpay na naisakatuparan (sa partikular, ang mga magagandang tanawin ay nilikha), ang mga makinarya sa teatro ay binuo at pinahusay. Parehong noong ika-12 at ika-13 siglo. ang mga sinehan, ang tinatawag, ay itinayo sa buong bansa. Italyano (lahat ng "italiana), na pagkatapos ay kumalat sa buong Europa ().

Sa kabila ng pagkaatrasado sa ekonomiya at pulitika, ang Italya ay nakikilala sa pamamagitan ng kayamanan at pagkakaiba-iba ng buhay sa teatro nito. Pagsapit ng ika-18 siglo Ang Italya ay may pinakamahusay na musikal na teatro sa mundo, kung saan ang dalawang uri ay nakikilala - seryosong opera at comic opera (opera buffa). Nagkaroon ng papet na teatro, at ang mga pagtatanghal ng commedia dell'arte ay ginanap sa lahat ng dako. Gayunpaman, ang reporma ng drama theater ay namumuo sa mahabang panahon. Sa Panahon ng Enlightenment, ang improvised comedy ay hindi na nakakatugon sa mga kinakailangan ng panahon. Isang bago, seryoso, pampanitikan na teatro ang kailangan. Ang Komedya ng Maskara ay hindi maaaring umiral sa dati nitong anyo, ngunit ang mga nagawa nito ay kailangang pangalagaan at maingat na ilipat sa bagong teatro. Ito ay ginawa ni Carlo Goldoni. Maingat niyang isinagawa ang reporma. Sinimulan niyang ipakilala ang ganap na nakasulat at mga tekstong pampanitikan ng mga indibidwal na tungkulin at diyalogo sa kanyang mga dula, at tinanggap ng publiko ng Venetian ang kanyang pagbabago nang may sigasig. Una niyang ginamit ang pamamaraang ito sa komedya Momolo, ang buhay ng party(1738). Gumawa si Goldoni ng teatro ng mga karakter, na iniwan ang mga maskara, script at improvisasyon sa pangkalahatan. Ang mga karakter ng kanyang teatro ay nawala ang kanilang karaniwang nilalaman at naging buhay na mga tao - mga tao sa kanilang panahon at kanilang bansa, Italya noong ika-18 siglo. Isinagawa ni Goldoni ang kanyang reporma sa isang matinding pakikibaka sa kanyang mga kalaban. Ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. pumasok sa kasaysayan ng Italya bilang panahon ng mga digmaang pandulaan. Si Abbot Chiari, isang pangkaraniwan at samakatuwid ay hindi nakakapinsalang manunulat ng dula, ay sumalungat sa kanya, ngunit ang kanyang pangunahing kalaban, na katumbas sa kanya sa mga tuntunin ng talento, ay si Carlo Gozzi. Ipinagtanggol ni Gozzi ang teatro ng mga maskara, na nagtatakda ng gawain na muling buhayin ang tradisyon ng improvised na komedya. At sa ilang yugto ay tila nagtagumpay siya. At bagama't nag-iwan ng puwang si Goldoni para sa improvisasyon sa kanyang mga komedya, at si Gozzi mismo sa kalaunan ay isinulat ang halos lahat ng kanyang mga dramatikong gawa, ang kanilang pagtatalo ay malupit at walang kompromiso. Dahil ang pangunahing ugat ang paghaharap sa pagitan ng dalawang dakilang Venetian - sa hindi pagkakatugma ng kanilang mga posisyon sa lipunan, sa magkaibang pananaw sa mundo at sa tao.

Si Goldoni sa kanyang mga gawa ay isang exponent ng mga ideya ng ikatlong estate, isang tagapagtanggol ng mga mithiin at moral nito. Ang lahat ng dramaturhiya ni Goldoni ay napasuko ng diwa ng makatwirang egoismo at pagiging praktikal - mga pagpapahalagang moral bourgeoisie. Si Gozzi ang unang nagsalita laban sa propaganda ng mga ganitong pananaw mula sa entablado. Sumulat siya ng sampung tula na kuwento para sa teatro, ang tinatawag na. fiaba (fiaba/fairy tale). Tagumpay theatrical fairy tale Napakaganda ni Gozzi. At ang publikong Venetian ay hindi inaasahang mabilis na nawalan ng interes sa kanilang kamakailang paboritong Goldoni. Dahil sa pagod sa pakikibaka, inamin ni Goldoni ang pagkatalo at iniwan ang Venice. Ngunit hindi ito nagbago ng anuman sa kapalaran ng yugto ng Italyano - reporma pambansang teatro sa oras na iyon ay natapos na ito. At ang teatro ng Italyano ay sumunod sa landas na ito.

Mula sa katapusan ng ika-18 siglo. Sa Italya, nagsimula ang panahon ng Risorgimento - ang pakikibaka para sa pambansang kalayaan, para sa pagkakaisa sa pulitika ng bansa at mga pagbabagong burges - na tumagal ng halos isang siglo. Sa teatro, ang trahedya ang nagiging pinakamahalagang genre. Ang pinakadakilang may-akda ng mga trahedya ay si Vittorio Alfieri. Ang kapanganakan ng trahedya ng Italian repertoire ay nauugnay sa kanyang pangalan. Lumikha siya ng isang trahedya sibil na halos nag-iisa. Isang madamdaming makabayan na nangarap na palayain ang kanyang tinubuang bayan, sinalungat ni Alfieri ang paniniil. Ang lahat ng kanyang mga trahedya ay puno ng kabayanihan ng pakikibaka para sa kalayaan.

Ang panahon ng Risorgimento ay nagsilang ng isang bagong kilusang masining - romantikismo. Pormal, ang hitsura nito ay kasabay ng pagpapanumbalik ng pangingibabaw ng Austrian. Ang pinuno at ideologo ng romantisismo ay ang manunulat na si Alessandro Manzoni. Ang originality ng theatrical romanticism sa Italy ay nakasalalay sa political at national-patriotic orientation nito. Ang klasisismo ay itinuring na isang pagpapahayag ng oryentasyong Austrian, isang direksyon na nangangahulugang hindi lamang konserbatismo, kundi pati na rin isang dayuhang pamatok, at ang romantikismo ay nagkakaisa sa oposisyon. Halos lahat ng mga tagalikha ng teatro ng Italyano sa buhay ay sumunod sa mga mithiin na kanilang ipinahayag: sila ay tunay na martir ng ideya - nakipaglaban sila sa mga barikada, nakaupo sa mga bilangguan, nagdusa ng kahirapan, nabuhay nang mahabang panahon sa pagkatapon. Kabilang sa mga ito ay sina G. Modena, S. Pellico, T. Salvini, E. Rossi, A. Ristori, P. Ferrari at iba pa.

Ang bayani ng romantikismo ay isang malakas na personalidad, isang manlalaban para sa katarungan at kalayaan, at hindi gaanong personal na kalayaan bilang pangkalahatang kalayaan - ang kalayaan ng Inang-bayan. Ang gawain ng panahon ay upang magkaisa ang lahat ng mga Italyano sa paglaban para sa isang karaniwang layunin. Samakatuwid, ang mga problema sa lipunan ay kumukupas sa background at hindi napapansin. Ang mga romantikong Italyano ay hindi gaanong interesado sa mga tanong ng aktwal na anyo. Sa isang banda, tinanggihan nila ang mahigpit na mga alituntunin ng klasisismo, na nagpapahayag ng isang pangako sa mga libreng anyo; sa kabilang banda, sa kanilang trabaho ang mga romantiko ay nakadepende pa rin sa klasiko na aesthetics. Ang pangunahing pinagmumulan ng inspirasyon para sa mga romantikong manunulat ng dula ay kasaysayan at mitolohiya; ang mga plot ay binibigyang-kahulugan mula sa punto de bista ngayon, kaya ang mga pagtatanghal ay kadalasang nagkaroon ng matinding pampulitikang mga paksa. Ang pinakamagandang trahedya ay Caius Gracchus V. Monti (1800), Arminia I. Pindemonte (1804), Ajax U. Foscolo (1811), Bilang ng Carmagnolla(1820) at Adelgiz(1822) A. Manzoni, Giovanni da Procida(1830) at Arnold Breshiansky(1843) D.B. Nicollini, Pia de Tolomei(1836) K. Marenko. Ang mga dula ay nilikha sa maraming aspeto ayon sa mga klasikong modelo, ngunit puno ng mga parunggit na pampulitika at mga kalunos-lunos na labanan. Ang pinakamalaking tagumpay ay nagmula sa trahedya ni Silvio Pellico Francesca da Rimini (1815).

Sa ikalawang kalahati ng siglo, ang kabayanihan na trahedya ay nagbigay daan sa melodrama. Kasama ng komedya, ang melodrama ay nagtamasa ng malaking tagumpay sa mga manonood. Ang unang manunulat ng dula ay si Paolo Giacometti (1816–1882), ang may-akda ng humigit-kumulang 80 gawa para sa teatro. Ang kanyang pinakamahusay na mga paglalaro: Elizabeth, Reyna ng Inglatera (1853), Judith(1858) at isa sa mga pinaka-repertoire melodramas noong ika-19 na siglo. Civil death(1861). Ang dramaturhiya ni Giacometti ay ganap nang napalaya mula sa klasisismo, ang kanyang mga dula ay malayang pinagsama ang mga tampok ng komedya at trahedya, sila ay may realistikong binalangkas na mga karakter, mayroon silang mga tungkulin, kaya ang mga sinehan ay kusang-loob na kinuha ang mga ito para sa produksyon. Sa mga komedyante, si Paolo Ferrari (1822–1889), isang prolific playwright at patuloy ng mga tradisyon ni Carlo Goldoni, ay namumukod din. Ang kanyang mga dula ay hindi umalis sa entablado hanggang sa katapusan ng siglo. Ang kanyang pinakamahusay na komedya Goldoni at labing-anim sa kanyang mga bagong komedya(1853) ay patuloy na isinagawa sa Italya.

Noong 1870s, isang bagong artistikong kilusan, verismo, ang lumitaw sa isang matagumpay at nagkakaisang Italya. Ang mga theorists ng verismo, Luigi Capuana at Giovanni Verga, ay nagtalo na ang artista ay dapat maglarawan lamang ng mga katotohanan, ipakita ang buhay nang walang pagpapaganda, dapat siyang maging walang kinikilingan at pigilin ang kanyang mga pagtatasa at komento. Karamihan sa mga manunulat ng dula ay mahigpit na sumunod sa mga tuntuning ito, at marahil ito ang nag-alis sa kanilang mga nilikha ng tunay na buhay. Pinakamahusay na mga gawa nabibilang sa panulat ni D. Verga (1840–1922), mas madalas siyang lumabag sa mga reseta ng teorya kaysa sa iba. Dalawa sa kanyang mga dula karangalan ng bansa(1884) at Siya-lobo(1896) ay kasama pa rin sa repertoire ng mga teatro ng Italyano ngayon. Ang mga dula ay mahusay na ginawa. Ang genre ay trahedya mula sa buhay bayan. Ang mga ito ay nakikilala sa pamamagitan ng isang malakas na dramatikong nerbiyos, mahigpit at pagpigil ng mga nagpapahayag na paraan. Noong 1889 nagsulat si P. Mascagni ng isang opera karangalan ng bansa.

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. lumilitaw ang isang playwright na ang katanyagan ay tumatawid sa mga hangganan ng Italya. Si Gabriele D'Annunzio ay nagsulat ng isang dosenang dula, na tinawag niyang trahedya. Lahat ng mga ito ay isinalin sa mga wikang Europeo. Sa pagpasok ng siglo, si D'Annunzio ay isang napaka-tanyag na manunulat ng dula. Ang kanyang drama ay karaniwang nauuri bilang simbolismo at neo-romantisismo, bagama't mayroon din itong mga tampok ng neoclassicism. Pinagsasama nito ang mga veristic na motif sa aestheticism.

Sa pangkalahatan, gayunpaman, ang mga nagawa ng dramaturhiya ay higit pa sa katamtaman; Italyano ika-19 na siglo nanatili sa kasaysayan ng teatro bilang isang siglo ng pag-arte. Ang mataas na trahedya ay hindi nagbunga ng mga dakilang gawa sa drama. Ngunit ang trahedya na tema ay tumunog pa rin sa teatro, narinig at natanggap pandaigdigang pagkilala. Nangyari ito sa opera (Giuseppe Verdi) at sa sining ng mga dakilang trahedya ng Italyano. Ang kanilang hitsura ay nauna sa reporma sa teatro.

Ang uri ng aktor na malapit sa klasisismo ay nanatili sa teatro ng Italyano sa loob ng mahabang panahon: sining ng pagganap nanatiling bihag ng declamation, retorika, canonical poses at kilos. Ang isang reporma sa sining ng pagganap, na katumbas ng kahalagahan sa reporma ni Carlo Goldoni, ay isinagawa noong kalagitnaan ng siglo ng makikinang na aktor at direktor ng teatro na si Gustavo Modena (1803–1861). Sa maraming paraan ay nauna siya sa kanyang panahon. Dinala ni Modena sa entablado ang isang lalaki na may lahat ng kanyang mga tampok, natural na pananalita, "walang barnis, walang buskins." Lumikha siya ng isang bagong istilo ng pag-arte, na ang mga pangunahing tampok ay ang pagiging simple at katotohanan. Sa kanyang teatro, ang digmaan ay idineklara sa premiership, may posibilidad na lumayo sa mga mahigpit na tungkulin, at sa unang pagkakataon ay lumitaw ang tanong ng isang kumikilos na grupo. Ang impluwensya ni Gustavo Modena sa kanyang mga kontemporaryo at kasamahan ay napakalaki.

Si Adelaide Ristori (1822–1906) ay hindi isang estudyante ng Modena, ngunit itinuring ang kanyang sarili na malapit sa kanyang paaralan. Ang unang mahusay na trahedya na artista na ang sining ay kinilala sa labas ng Italya, siya ay isang tunay na pangunahing tauhang babae sa kanyang panahon, na nagpapahayag ng kanyang makabayang rebolusyonaryong kalunos-lunos. Sa kasaysayan ng teatro siya ay nanatiling tagapalabas ng ilang mga trahedya na tungkulin: Francesca ( Francesca da Rimini Pellico), Mirra ( Myrrh Alfieri), Lady Macbeth ( Macbeth Shakespeare), Medea ( Medea Legure), Mary Stuart ( Mary Stuart Schiller). Naakit si Ristori sa mga karakter na malakas, mahalaga, kabayanihan, at puno ng mga dakilang hilig. Tinawag ng aktres ang kanyang istilo na makatotohanan, na nagmungkahi ng terminong "makulay na realismo," na nangangahulugang "Italian fervor," "nagniningas na pagpapahayag ng mga hilig."

Ang kabaligtaran ni Ristori ay si Clementina Cazzola (1832–1868), isang romantikong artista na lumikha ng mga larawan ng banayad na liriko at sikolohikal na lalim, kaya niya ang mga kumplikadong karakter. Siya ay tutol kay Ristori, na palaging naglalabas ng pangunahing katangian ng karakter. Sa teatro ng Italyano, ang Cazzola ay itinuturing na hinalinhan ng E. Duse. Kasama sa kanyang pinakamahusay na mga tungkulin si Pia ( Pia de Tolomei Marenko), Margarita Gauthier ( Babaeng may camellias Dumas), Adrienne Lecouvreur ( Adriene Lecouvreur Scribe), gayundin ang papel ni Desdemona ( Othello Shakespeare), na nilalaro niya kasama ng kanyang asawang si T. Salvini, ang dakilang trahedya.

Tommaso Salvini, isang mag-aaral ni G. Modena at L. Domeniconi, isa sa mga pinakakilalang kinatawan ng klasisismo sa entablado. Hindi interesado ang aktor isang karaniwang tao, ngunit isang bayani na ang buhay ay ibinibigay sa isang mataas na layunin. Pinahahalagahan niya ang kagandahan kaysa sa makamundong katotohanan. Itinaas niya ng mataas ang imahe ng isang lalaki. Ang kanyang sining ay organikong pinagsama ang dakila at karaniwan, ang kabayanihan at ang pang-araw-araw. Mahusay niyang alam kung paano kontrolin ang atensyon ng publiko. Siya ay isang aktor ng malakas na ugali, na balanse ng isang malakas na kalooban. Larawan ng Othello ( Othello Shakespeare) ay ang pinakamataas na nilikha ni Salvini, "isang monumento, isang alaala, isang batas para sa kawalang-hanggan" (Stanislavsky). Naglaro siya ng Othello sa buong buhay niya. Kasama rin sa pinakamahusay na mga gawa ng aktor ang mga nangungunang tungkulin sa mga dula. Hamlet, Haring Lear, Macbeth Shakespeare, pati na rin ang papel ni Corrado sa dula Civil death Giacometti.

Ang gawa ng isa pang makikinang na trahedya, si Ernesto Rossi (1827–1896), ay kumakatawan sa ibang yugto sa pag-unlad ng Italian stage art. Siya ang pinakamamahal at pinaka-consistent na estudyante ni G. Modena. Sa bawat karakter, sinubukan ni Rossi na hindi makita ang isang perpektong bayani, ngunit isang tao lamang. Isang napaka banayad na sikolohikal na aktor, mahusay niyang maipakita ang panloob na mundo at ihatid ang pinakamaliit na nuances ng karakter ng karakter. Ang mga trahedya ni Shakespeare ay ang batayan ng repertoire ni Rossi; inilaan niya ang 40 taon ng kanyang buhay sa kanila at nilalaro ang mga ito hanggang sa kanyang huling araw. Ito ang mga pangunahing tungkulin sa mga dula Hamlet, Romeo at Juliet, Macbeth, Haring Lear, Coriolanus, Richard III, Julius Caesar, Ang Merchant ng Venice. Naglaro din siya sa mga dula ng Dumas, Giacometti, Hugo, Goldoni, Alfieri, Corneille, at naglaro sa maliliit na trahedya ng Pushkin, at Ivan the Terrible sa drama ni A.K. Tolstoy. Isang realist artist, master of transformation, hindi niya tinanggap ang verism, bagama't siya mismo ang naghanda para sa hitsura nito sa lahat ng kanyang sining.

Ang Verismo, bilang isang masining na kababalaghan, ay lubos na ipinahayag sa entablado ni Ermette Zacconi (1857–1948). Pangunahing modernong dula ang repertoire ni Zacconi. Sa mahusay na tagumpay, naglaro siya sa mga gawa ni Ibsen, A.K. Tolstoy, I.S. Turgenev, Giacometti... Ang isang pangunahing pigura ay ang kanyang senior na kontemporaryong Ermette Novelli (1851–1919), isang aktor ng malawak na hanay, isang napakatalino na komedyante. Kasama sa kanyang malikhaing istilo ang lahat mula sa comedy dell'arte hanggang sa mataas na trahedya at naturalismo.

Ang pinakamahalagang trahedya na artista ng pagliko ng siglo ay ang maalamat na Eleonora Duse. Ang pinaka banayad na sikolohikal na artista, na ang sining ay tila higit pa sa sining ng pagbabago.

ika-19 na siglo – ang kasagsagan ng dialectal na kultura. Ito ay pinaka-binuo sa Sicily, Naples, Piedmont, Venice, at Milan. Ang dialectal theater ay ang brainchild ng commedia dell'arte, kung saan marami siyang pinagtibay: ang improvisational na katangian ng paglalaro ayon sa isang pre-compiled script, isang pag-ibig sa slapstick, mga maskara. Ang mga pagtatanghal ay isinagawa sa lokal na diyalekto. Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. dialectal dramaturgy ay nagsisimula pa lamang upang makuha ito batayan ng panitikan. Ang dialectal theater noong panahong iyon ay, una sa lahat, isang acting theater. Ang Sicilian Giovanni Grasso (1873–1930), isang "primitive tragedian", isang aktor ng elemental na ugali, isang napakatalino na tagapalabas ng mga madugong melodramas, ay kilala hindi lamang sa Italya, kundi pati na rin sa ibang bansa. Ang taga-hilagang si Edoardo Ferravilla (1846–1916), isang makikinang na aktor sa komiks, may-akda at tagapalabas ng kanyang mga teksto, ay nagtamasa ng napakalaking tagumpay. Si Antonio Petito (1822–1876) ay ang pinaka-maalamat na pigura ng Neapolitan na teatro, isang napakatalino na improviser na nagtrabaho sa commedia dell'arte technique, at isang hindi maunahang performer ng Pulcinella mask. Ang kanyang estudyante at tagasunod na si Eduardo Scarpetta (1853–1925), isang napakatalino na aktor, “hari ng mga komedyante”, tagalikha ng kanyang maskara na si Felice Scioshamocchi, sikat na manunulat ng dula. Ang kanyang pinakamahusay na komedya ay Ang mahihirap at ang maharlika (1888).

ika-20 siglo.

Maagang ika-20 siglo pumasok sa kasaysayan ng sining ng pagtatanghal bilang panahon ng rebolusyon sa teatro. Sa Italya, kinuha ng mga futurist ang papel ng mga innovator ng eksena. Ang kanilang layunin ay lumikha ng sining ng hinaharap. Itinanggi ng mga futurist ang akademikong teatro na umiiral mga genre ng teatro, sinubukan nilang talikuran ang aktor o bawasan ang kanyang papel sa isang papet, at talikuran din ang salita, pinapalitan ito ng mga plastik na komposisyon at scenography. Itinuring nila ang tradisyonal na teatro na static, na naniniwala na sa edad ng sibilisasyon ng makina ang pangunahing bagay ay paggalaw. Ang pinakakilalang mga pigura ng futurism ay sina F. T. Marinetti (1876–1944) at A. J. Bragaglia (1890–1961). Ang kanilang mga theatrical manifesto: Manipesto ng iba't ibang teatro(1913) at Manifesto ng Futurist Synthetic Theater(1915) ay hindi pa rin nawawala ang kanilang kahalagahan. Ang dramaturgy ng Futurists ay higit sa lahat ay ang mga gawa ng Marinetti, na tinatawag na syntheses (maiikling eksena, madalas na gumanap nang walang salita). Ang scenography ay pinaka-interesante: ang pinakamahusay na mga artista ng panahong iyon ay nagtrabaho sa futuristic na teatro: G. Balla, E. Prampolini (1894–1956), F. Depero (1892–1960). Ang futurist na teatro ay hindi isang tagumpay sa mga madla: ang mga pagtatanghal ay madalas na nagdulot ng pagkagalit at kadalasang may kinalaman sa mga iskandalo. Ang papel ng mga futurista ay naging malinaw sa ibang pagkakataon - sa ikalawang kalahati ng siglo: noon na ang kanilang mga ideya ay tumanggap ng karagdagang pag-unlad. Kasama ang tinatawag na "Grotesque playwrights" at "Twilight" playwrights, inihanda ng Futurists ang hitsura ng pinakamalaking figure sa teatro ng ika-20 siglo. L. Pirandello. Malaki rin ang kahalagahan ng mga aktibidad ng mga dayuhang direktor noong 1920–1930: ito ay mga produksyon ni M. Reinhardt, V.I. Nemirovich-Danchenko, pati na rin ang mga emigrante ng Russia na permanenteng nanirahan sa Italya - mga aktor at direktor na si Pyotr Sharov (1886–1969) at Tatyana Pavlova (1896–1975), na nagpakilala sa mga Italyano sa Ruso paaralang nagtuturo ng pag-aarte at ang mga turo ni Stanislavsky.

Si Luigi Pirandello ay nagsimulang magsulat para sa teatro noong 1910. Sa kanyang mga unang dula, na nakatuon sa buhay sa Sicily at nakasulat sa diyalektong Sicilian, malinaw na nadarama ang impluwensya ng verismo. Ang mga pangunahing tema ng kanyang trabaho ay ilusyon at katotohanan, mukha at maskara. Siya ay nagpapatuloy mula sa katotohanan na ang lahat ng bagay sa mundo ay kamag-anak, at walang layunin na katotohanan.

Kabilang sa iba pang makabuluhang aktor ng panahon sina Ruggero Ruggeri (1871–1953), Memo Benassi (1891–1957), at ang magkapatid na Gramatica: Irma (1870–1962) at Emma (1875–1965). Sa mga manunulat ng dula, si Sem Benelli (1877–1949), may-akda ng isang repertoire play, ay naging tanyag Mga biro sa hapunan(1909), at Ugo Betti (1892–1953), na ang pinakamahusay na laro Korapsyon sa Palasyo ng Katarungan(1949).

Sa pagitan ng dalawang digmaang pandaigdig, ang teatro ng diyalekto ay sumakop sa isang makabuluhang lugar sa kulturang Italyano (bagaman ang patakaran ng pasistang estado ay naglalayong sugpuin ang mga diyalekto). Lalo na matagumpay Neapolitan na teatro. Noong 1932, nagsimulang gumana ang Humorous Theater ng De Filippo Brothers. Gayunpaman, ang pinakamalaking pigura ng panahong iyon ay si Raffaele Viviani (1888–1950), isang lalaking may "pagdurusa na mukha at kumikinang na mga mata ng isang padyak," ang lumikha ng kanyang sariling teatro, aktor at manunulat ng dula. Ang mga dula ni Viviani ay nagsasabi tungkol sa buhay ng mga ordinaryong Neapolitans; naglalaman ang mga ito ng maraming musika at kanta. Kasama sa kanyang pinakamahusay na mga komedya Toledo street sa gabi(1918), Neapolitan na nayon (1919), Mga mangingisda (1924), Ang Huling Street Bum (1932).

Ang panahon ng Paglaban at ang mga unang taon pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig ay pumasok sa kasaysayan ng Italya bilang ang pangalawang Risorgimento - napaka mapagpasyahan at hindi maibabalik ang mga pagbabagong naganap sa lahat ng larangan ng buhay at sining. Matapos ang maraming taon ng panlipunang pagwawalang-kilos, ang lahat ay nagsimulang kumilos at humingi ng pagbabago. At kung sa mga taon ng pasistang diktadurya ang teatro ay literal na na-suffocate ng kasinungalingan, retorika at karangyaan (ito ang linya ng opisyal na sining), ngayon ay nagsalita na ito sa wika ng tao at nakipag-usap sa isang buhay na tao. Ang sining ng post-war Italy ay namangha sa mundo sa katapatan nito. Ang buhay ay dumating sa screen at entablado tulad ng dati, kasama ang lahat ng kahirapan, pakikibaka, tagumpay at pagkatalo at simpleng damdamin ng tao. Pagkatapos ng digmaan, ang teatro ay umunlad alinsunod sa neorealism, isa sa pinaka-demokratiko at makatao na paggalaw ng sining noong ikadalawampu siglo. Ang dialectal theater ay nakakakuha ng bagong hininga. Nakatanggap ng pambansang pagkilala ang Neapolitan na si Eduardo De Filippo, at mabilis na nasakop ng kanyang drama ang mga yugto ng mundo. Tinawag niyang “dramatizations of real life” ang kanyang mga dula. Ang kanyang malungkot na mga komedya ay tungkol sa buhay, tungkol sa mga relasyon sa pamilya, tungkol sa moralidad at layunin ng tao, tungkol sa mga problema ng digmaan at kapayapaan.

Ang propesyon ng direktor, na lumitaw sa teatro ng Europa sa pagliko ng siglo, ay itinatag sa Italya lamang sa ikalawang kalahati ng siglo. Ang unang direktor sa European na kahulugan ng salita ay si Luchino Visconti (1906–1976), isang realist artist na may matalas na pakiramdam ng kagandahan, isang kumbinsido na anti-pasista at humanist, na nagtrabaho sa parehong teatro at sinehan. Sa Visconti Theater, ang pagtatanghal ay nauunawaan bilang isang buo, napapailalim sa isang solong konsepto, ang digmaan ay ipinahayag sa premiership, at ang mga aktor ay natutong magtrabaho sa isang grupo. Ang pinakamahalagang gawa ni Visconti teatro ng drama: Krimen at parusa Dostoevsky (1946), Ang Glass Menagerie (1946), Pagnanais ng Streetcar T. Williams (1949), Rosalind, o Kung Gusto Mo (1948), Troilus at Cressida Shakespeare, Orestes Alfieri (1949), Tagapangasiwa Goldoni (1952), Tatlong magkakapatid na babae (1952), Kuya Ivan (1956), Ang Cherry Orchard(1965) Chekhov.

Una mga taon pagkatapos ng digmaan Sa Europa, nagsimula ang isang kilusan para sa naa-access at naiintindihan na mga katutubong sinehan. Sa Italya, sumanib ito sa pakikibaka para sa mga nakatigil na sinehan, na tinatawag na Stabile (stabile/permanent). Ang unang Stabile ay ang Piccolo Teatro sa Milan, na itinatag noong 1947 nina P. Grassi at G. Strehler. Teatro ng sining sa paglilingkod sa lipunan - ito ang gawain na itinakda mismo ng Piccolo Teatro. Ilang linya ng European theatrical culture ang nagtagpo sa gawa ni Strehler: pambansang tradisyon commedia dell'arte, ang sining ng sikolohikal na realismo at epikong teatro.

Noong 1960s at 1970s, nakaranas ng boom ang teatro sa Europa. Isang bagong henerasyon ng mga direktor at aktor ang dumating sa teatro ng Italyano. Ang mga kabataan ay higit na nakakaramdam ng pagkahapo tradisyonal na wika mga eksena, nagsimulang galugarin ang bagong espasyo, gumana nang naiiba sa liwanag at tunog, at maghanap ng mga bagong anyo ng relasyon sa manonood. Sa mga taong iyon, aktibong nagtatrabaho sina Giancarlo Nanni, Aldo Trionfo, Meme Perlini, Gabriele Lavia, Carlo Cecchi, Carlo Quartucci, Giuliano Vasilico, Leo De Berardinis. Gayunpaman, ang pinaka makabuluhang mga numero ng henerasyon ng mga ikaanimnapung taon: Roberto De Simone, Luca Ronconi, Carmelo Bene, Dario Fo. Lahat sila ay maraming ginawa upang pagyamanin ang theatrical language, ang kanilang mga natuklasan ay malawakang ginagamit sa theatrical practice.

Si Dario Fo ang pinaka isang kilalang kinatawan teatro sa politika. Si Fo ay interesado sa tao bilang isang uri ng lipunan, na may maliwanag, matulis, pinalaking mga tampok, na inilagay sa isang talamak, nakakatawa, kabalintunaan na sitwasyon. Malawakang ginagamit niya ang mga pamamaraan ng katutubong teatro tulad ng improvisasyon at slapstick.

Si Carmelo Bene (b. 1937) ay ang kinikilalang pinuno ng Italian avant-garde ng ikalawang kalahati ng ika-20 siglo. Mahusay na artista ang tawag kay Bene. Siya mismo ang nagsusulat, nagdidirekta at gumaganap ng mga pangunahing tungkulin sa kanyang mga gawa. Umiiral ang kanyang akda sa hindi maihihiwalay na pagkakaisa ng may-akda, aktor at direktor. Si Bene ang may-akda ng maraming pagtatanghal, pangunahin batay sa mga gawa ng panitikan at teatro sa daigdig: Pinocchio Callodi (1961), Faust at Margarita (1966), Salome Wilde (1972), Turkish Our Lady Bene (1973), Romeo at Juliet (1976), Richard Sh (1978), Othello(1979), Manfred Byron (1979), Macbeth (1983), Hamlet(itakda nang paulit-ulit), atbp. Ang lahat ng ito ay orihinal na mga gawa ni Bene, batay sa mga sikat na gawa at malabong nakapagpapaalaala sa kanila. Tinanggihan ni Bene ang tradisyonal na dramatikong anyo: sa kanyang mga pagtatanghal ay walang mga kaganapan na binuo sa prinsipyo ng sanhi at bunga, walang balangkas at diyalogo sa karaniwang kahulugan, ang salita ay minsan ay pinapalitan ng tunog, at ang imahe ay literal na nahuhulog sa mga piraso, nagiging bagay na walang buhay o tuluyang mawala. Requiem for a Man - ito ay kung paano matukoy ang pangunahing nilalaman ng kanyang sining.

Kabilang sa mga nakababata na kasalukuyang matagumpay na nagtatrabaho sa teatro ng Italyano, maaaring pangalanan ng isa ang direktor na si Federico Tiezzi (1951), ang direktor at aktor na si Giorgio Barberio Corsetti (1951), ang direktor na si Mario Martone (1962), na sa loob ng maraming taon ay pinamunuan ang Roman theater na " Stabile " , na nagtanghal ng ilang napakakagiliw-giliw na pagtatanghal, kabilang ang napakalaking matagumpay na paglalaro Sampung Utos R. Viviani (2001).

Sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo. Ang teatro ng Italyano, na naging teatro ng direktor, ay hindi tumigil sa pagiging isang teatro ng mga mahuhusay na aktor. Ang pinakamahuhusay na aktor ng bansa ay palaging nagtatrabaho sa mga produksyon ng pinakamalalaking direktor. Nalalapat ito kina Eduardo de Filippo, Giorgio Strehler, at Luchino Visconti, gayundin sa mga direktor ng sixties na pumunta sa teatro pagkatapos ng protesta. Ang pangunahing bahagi ng tropa ni Visconti ay ang mag-asawang Rina Morelli at Paolo Stoppa, mga banayad na sikolohikal na aktor na naglaro sa lahat ng kanyang mga pagtatanghal sa dramatikong teatro. Si Vittorio Gassman ay nagkaroon din ng napakalaking tagumpay sa mga pagtatanghal ni Visconti (lalo na sa mga pagtatanghal Orestes Alfieri at Troilus at Cressida Shakespeare). Pagkatapos umalis sa Visconti, maraming naglaro si Gassman sa klasikal na repertoire; ang kanyang pinakakilalang mga gawa ay sa mga dula Othello At Macbeth Shakespeare.

Ayon sa matagal nang tradisyon ng teatro ng Italyano, ang tropa ay karaniwang pinagsama-sama sa isang malaking aktor (o artista), at ang mga pagtatanghal ay karaniwang itinanghal batay sa pagtatanghal ng premiere. Sa naturang grupo ng teatro, ang unang aktor, ang bituing aktor (tinatawag sa Italy na divo o mattatore) ay madalas na napapaligiran ng mga mahinang performer.

Sa loob ng ilang dekada (hanggang ngayon), ang mga sikat na aktor na sina Giorgio Albertazzi at Anna Proklemer ay gumanap sa mga yugto ng mga teatro ng Italyano, na ginagampanan ang pangunahing mga tungkulin sa mga dula mula sa klasikal na repertoire ng mundo. Maraming sikat at minamahal na aktor ng publikong Italyano ang nagtrabaho nang husto sa teatro iba't ibang henerasyon, kasama sina Anna Magnani, Salvo Rondone, Giancarlo Tedeschi, Alberto Lionello, Luigi Proietti, Valeria Moriconi, Franco Parenti, na ang pangalan ay pinangalanan ngayon sa isa sa mga sinehan sa Milan. Nagtrabaho din si Parenti sa Piccolo Teatro kasama si Giorgio Strehler. Ang mga kahanga-hangang aktor ay palaging naglalaro sa Strehler Theater. Ito si Tino Buazelli, ang sikat na performer ng role ni Galileo sa dula Buhay ni Galileo B. Brecht. Tino Carraro, na gumanap ng mga nangungunang papel sa mga dula ni Shakespeare sa loob ng maraming taon ( Haring Lear, Bagyo), Brecht, Strindberg at iba pa. Ang isang namumukod-tanging tagapalabas ng mga babaeng papel sa teatro ng direktor ay si Valentina Cortese, kabilang sa mga tuktok ng kung saan ang trabaho ay ang papel ni Ranevskaya sa Cherry Orchard(produksyon 1974). Sa mga nakababata, namumukod-tangi si Pamella Villoresi, isang kahanga-hangang gumaganap ng mga babaeng karakter sa mga komedya ni Carlo Goldoni, sa mga dula ng Lessing, Marivaux at iba pa. huling period Sa malikhaing gawain ng direktor, ang kanyang muse ay ang aktres na si Andrea Jonasson, na gumanap ng mga dramatikong tungkulin sa mga produksyon nina Brecht, Lessing, Pirandello at iba pa. Ang isang espesyal na lugar sa mga aktor ng Piccolo Teatro ay inookupahan ng dalawang mahusay na performer ng Harlequin mask - Marcello Moretti at Ferruccio Soleri sa maalamat na pagganap Harlequin base sa komedya ni Goldoni Lingkod ng dalawang panginoon.

Pinagsasama-sama rin ni Luca Ronconi ang isang grupo ng kanyang mga aktor sa paligid niya. Ito ay, una sa lahat, dalawang artista ng mas lumang henerasyon, sina Franca Nuti at Marisa Fabbri, na gumanap ng mga pangunahing tungkulin sa mga paggawa ng direktor bilang Bacchae Euripides (1978), Mga multo Ibsen, Mga huling araw ng sangkatauhan Kraus at iba pa, si Mariangela Melato, na naglaro pinakamahusay na mga gawa direktor tulad ng Galit na galit si Roland At Oresteia. Marami siyang nagtrabaho kasama sina Ronconi at Massimo de Francovich, kung saan ang mga pangunahing tagumpay ay ang papel ni Lear sa dula. Haring Lear, pati na rin ang batang si Massimo Popolizio, isang aktor na may malawak na hanay, na kayang hawakan ang mga ritmo ng parehong drama at komedya (ang kanyang tungkulin bilang dalawang kapatid sa komedya ni Goldoni ay nagdulot sa kanya ng napakalaking tagumpay Venetian twins).

Ito ay lalong kinakailangan upang i-highlight ang mga aktor ng paaralan ng Neapolitan. Kabilang sa mga pinakasikat ay ang mas matandang henerasyon ng mga aktor na sina Salvatore de Muto, Toto (Antonio de Curtis), Peppino de Filippo at Pupella Maggio, na maraming nagtrabaho sa teatro ng Eduardo de Filippo. Kasama sa mga mas batang aktor sina Mariano Rigillo, Giuseppe Barra, Leopoldo Mastellone at iba pa.

Ikalawang kalahati ng ika-20 siglo. pumasok sa kasaysayan ng teatro ng Italyano bilang panahon ng renaissance sa sining ng scenography. Ang pinakamahusay na mga artista ay palaging nagtatrabaho sa pinakamahusay na mga direktor ng bansa. Ang pinaka-kapansin-pansin na mga pigura ay sina Luciano Damiani at Ezio Frigerio; ang kanilang mga pangalan ay nasa poster ng lahat pinakamahusay na pagtatanghal Strehlera. At ito rin – Enrico Jobe, Pier Luigi Pizzi, Gae Aulenti, Margherita Palli.

Maria Skornyakova

Ang Italya, na nagbigay sa mundo ng pinakadakilang kompositor gaya ng Paganini, Vivaldi, Rossini, Verdi, Puccini, ay isang bansa ng klasikal na musika. Naging inspirasyon din ang Italy sa maraming dayuhan: halimbawa, nilikha ni Richard Wagner ang kanyang Parsifal habang nasa Ravello, na nagdala ng katanyagan sa buong mundo sa lungsod, na ngayon ay nagho-host ng sikat na music festival. Bukas ang mga musical season, depende sa teatro, mula Nobyembre hanggang Disyembre at mahalagang okasyon Italyano at internasyonal na buhay musikal. Ang TIO.BY at ang Italian National Tourism Agency ay naghanda ng seleksyon kung alin sa maraming mga sinehan sa Italy ang pipiliin. Nag-attach kami ng link sa programa para sa bawat teatro.

Teatro La Scala sa Milan

Isa sa pinaka mga sikat na sinehan, siyempre, ay ang teatro ng La Scala ng Milan. Taun-taon ang pagbubukas ng season nito ay nagiging isang high-profile na kaganapan na may partisipasyon ng mga sikat na tao mula sa mundo ng pulitika, kultura at palabas na negosyo.

Ang teatro ay nilikha sa pamamagitan ng kalooban ng Austrian Queen Maria Theresa pagkatapos ng sunog na sumira sa Royal Theatre ng Reggio Ducale ng lungsod noong 1776. Ang mga panahon ng La Scala ay isa sa mga pinakamahalagang kaganapan sa buhay kultural ng Milan. Ang programa ay kahalili ng opera at ballet, pati na rin ang mga pangalan ng Italyano at dayuhang kompositor.

Available ang season program dito.

Teatro La Fenice sa Venice

Hindi kalayuan sa likod ng La Scala ay ang Venetian opera house na La Fenice, na itinayo sa Campo San Fantin sa quarter ng San Marco. Isinalin mula sa Italyano, ang teatro ay tinatawag na "Phoenix" - tiyak na dahil ito ay dalawang beses na muling isinilang pagkatapos ng sunog, tulad ng kamangha-manghang phoenix bird, mula sa abo. Pinakabagong pagpapanumbalik natapos noong 2003.

Teatro Real sa Turin

Ang Royal Theatre ng Teatro Reggio sa Turin ay itinayo sa pamamagitan ng kalooban ni Victor Amadeus ng Savoy. Facade ng gusali siglo XVIII, kasama ang iba pang mga tirahan ng Savoy dynasty, ay kinikilala bilang isang UNESCO monument.

Ang opera at ballet season ay nagsisimula sa Oktubre at nagtatapos sa Hunyo, at bawat taon ay makikita mo ang lahat ng uri ng musical event sa playbill: mga konsiyerto ng koro at symphonic music, chamber music evening, mga produksyon sa Piccolo Reggio Theater para sa mga bagong manonood at para sa panonood ng pamilya, pati na rin ang MITO - Musical September festival.

Nag-aalok din ang Roma sa mga mahilig sa opera at ballet ng maraming pagtatagpo sa kagandahan. Ang pinakamahalagang sentro ng klasikal na musika ay ang Roman Opera, na kilala rin bilang Teatro Costanzi, na ipinangalan sa lumikha nito, si Domenico Costanzi. Ang isang madalas na panauhin ng teatro na ito, pati na rin direktor ng sining season 1909-1910 ay si Pietro Mascagni. Ang mga mahilig sa ballet ay magiging interesado na malaman na noong Abril 9, 1917, ang Italian premiere ng ballet ni Igor Stravinsky na "The Firebird" ay naganap dito, na ginanap ng mga miyembro ng Russian Ballet troupe ng Sergei Diaghilev.

Kasama sa playbill ng teatro ang maraming palabas sa opera, ngunit binibigyang pansin din ang ballet.
Kung ang mga panahon ng taglamig ng Roman Opera ay nagaganap sa lumang gusali sa Piazza Beniamino Gigli, kung gayon mula noong 1937 ang lugar para sa mga panahon ng tag-init nito ay nasa ilalim ng bukas na hangin naging nakamamanghang archaeological complex ng Baths of Caracalla . Ang mga pagtatanghal ng opera na itinanghal sa yugtong ito ay isang malaking tagumpay sa publiko, lalo na sa mga turista, na natutuwa sa kumbinasyon ng kahanga-hangang lugar na ito sa mga pagtatanghal ng opera.

Teatro San Carlo sa Naples

Ang pinakamahalagang teatro sa rehiyon ng Campania ay, siyempre, ang Teatro San Carlo sa Naples. Ito ay itinayo noong 1737 sa pamamagitan ng kalooban ni Haring Charles ng dinastiyang Bourbon, na nagnanais na lumikha ng bagong teatro na kumakatawan sa maharlikang kapangyarihan. Pinalitan ni San Carlo ang maliit na teatro ng San Bartolomeo, at ang proyekto ay ipinagkatiwala sa arkitekto, Koronel ng Royal Army na si Giovanni Antonio Medrano at dating direktor Teatro San Bartolomeo Angelo Carazale. Sampung taon pagkatapos maitayo ang teatro, noong gabi ng Pebrero 13, 1816, ang gusali ay nawasak ng apoy, na nag-iwan lamang ng mga panlabas na pader at isang maliit na extension na buo. Ang nakikita natin ngayon ay reconstruction na sinusundan ng redevelopment.

Ang kahanga-hangang teatro na ito ay palaging tinatanggap ang mga mahilig sa opera na may napakayamang programa, na kadalasang kumakatawan sa isang paglalakbay sa Neapolitan tradisyon ng opera at ang pagbabalik ng mahusay na mga klasiko ng symphonic repertoire, kabilang ang mga nabasa sa pamamagitan ng prisma ng isang bagong pang-unawa at sa pakikilahok ng mga kilalang tao sa mundo. Bawat season, magaganap ang maliwanag na mga debut at magagandang pagbabalik sa entablado ng pinakamatandang opera house sa Europe.

Siyempre, imposibleng ilarawan ang lahat ng ningning ng theatrical Italy. Ngunit gusto naming magrekomenda sa iyo ng ilan pang mga sinehan na may mga programang nararapat pansin.

Philharmonic Theater sa Verona; season program sa link.

Teatro Comunale sa Bologna; mga programa para sa opera, musika at ballet season.

Teatro Carlo Felice sa Genoa; mga programa ng musical, opera at ballet season.

Royal Theatre ng Parma; season program dito

Teatro Comunale sa Treviso; season program dito

Giuseppe Verdi Opera House sa Trieste; season program dito

Concert hall Auditorium sa Park of Music sa Roma; programa sa panahon

Ano ang dahilan kung bakit nagbu-book ang mga classical music connoisseurs ng mga flight papuntang Europe para dumalo sa mga palabas sa opera? Sa mga lungsod sa Europa ang antas ng opera ay nasa mataas na lebel, kamangha-mangha ang arkitektura ng mga sinehan. Para sa lahat na mahilig sa ganitong uri ng sining, nag-aalok kami ng pangkalahatang-ideya ng pinakamahalagang opera house sa Europa.

La Scala, Milan
Binuksan ng La Scala Opera House ang mga pinto nito sa mga bisita noong 1778. Ngayon, sa pamamagitan ng pag-book ng mga air ticket sa Milan at pagpunta sa pinakasikat na opera house, maaari kang makinig sa mga obra maestra ng mundo ng Bellini, Verdi, Puccini, Donizetti, Rossini. Sa pamamagitan ng paraan, ang kapasidad ng auditorium ay 2,030 na manonood, at ang mga presyo ng tiket ay nag-iiba mula 35 hanggang 300 euro. Ang La Scala ay kakaiba dahil ang season ay magbubukas sa Disyembre 7 (ito ang araw ni St. Ambrose, ang patron saint ng Milan) at tumatagal hanggang Nobyembre. Ang La Scala ay may mahigpit na dress code; ang pagbisita sa teatro ay pinapayagan lamang sa isang itim na damit o tuxedo.

"San Carlo", Naples
Ang "San Carlo" ay ang pinakamalaking opera house hindi lamang sa Italya, kundi pati na rin sa Europa. Sa laki, ito ay nalampasan lamang ng mga sinehan sa New York at Chicago. Ang teatro ay nagsimulang gumana noong 1737. Noong 1817, pagkatapos ng sunog, ito ay itinayong muli. Ang hindi kapani-paniwalang marangyang teatro ay nakakaupo ng 3,283 na manonood, na may mga tiket na nagsisimula sa 25 euro. Kung magpasya kang mag-book ng mga flight papunta at bisitahin ang kahanga-hangang lungsod na ito, siguraduhing makinig sa "Othello" ni Giuseppe Verdi sa "San Carlo" - makakakuha ka ng malaking kasiyahan.

Covent Garden, London
Kung magbu-book ka ng flight papunta, makikita mo hindi lang ang Tower Bridge at ang Royal Guard, kundi pati na rin ang Royal Theatre. Binuksan noong 1732 sa ilalim ng pamumuno ni Handel, ang teatro ay nakaligtas ng higit sa 3 sunog, at sa bawat oras na ito ay naibalik, na pinapanatili ang katangi-tanging arkitektura nito. Ang kakaiba ng teatro ay nakasalalay sa katotohanan na maraming mga produksyon ang ipinapakita sa Ingles. Ang mga presyo ng tiket ay mula sa £10 hanggang £200. Sa Covent Garden inirerekumenda namin ang pakikinig sa opera Norma ni Vincenzo Bellini.

Grand Opera, Paris
Upang pahalagahan ang kadakilaan ng teatro, sapat na upang ilista ang mga magagaling na kompositor na gumanap ng kanilang mga gawa doon: Deelib, Rossini, Meyerbeer. Sa pinakabinibisitang teatro sa mundo, ang mga presyo ng tiket ay umabot sa 350 euro, at ang kapasidad ng bulwagan ay 1900 na manonood. Isang façade na may 7 arko, mga eskultura ng Drama, Musika, Tula at Sayaw at isang interior na may mga hagdanang marmol, mga fresco ni Pilz, mga painting nina Chagall at Baudry. Sulit na mag-book ng mga air ticket para lamang bisitahin ang Grand Opera kahit isang beses.

Royal Opera, Versailles
Ang Royal Opera ng Versailles ay matatagpuan sa isang malaking marangyang palasyo at ito ang pinakamalaking teatro ng palasyo sa mundo. Ang kakaibang arkitektura nito ay nakasalalay sa katotohanan na ito ay ganap na gawa sa kahoy, at lahat ng mga ibabaw ng marmol ay isang imitasyon lamang. Ang teatro ay nagho-host ng mga premiere ng makikinang na opera, kabilang ang Iphigenia ni Gluck sa Tauris. Ngayon ang teatro na ito ay isang mandatoryong bahagi ng programang pangkultura para sa mga nag-book ng mga flight papuntang Paris. Ang pinakamababang presyo ng tiket ay 20 euro.

Vienna State Opera House, Vienna
Ang Opera House sa Vienna ay tunay na maharlika sa istilo at sukat. Sa pagbubukas ng teatro ay ginampanan nila ang Don Giovanni ni Mozart. Lahat ng bagay sa opera house ay puno ng espiritu ng dakila Austrian kompositor: ang harapan ng teatro, na ginawa sa istilong neo-Renaissance, ay pininturahan ng mga fresco batay sa opera na "The Magic Flute". At ang pinakasikat na artistikong direktor ay ang konduktor na si Gustav Mahler. Ang Viennese Ball ay ginaganap sa teatro tuwing Pebrero. Kapag na-book mo na ang iyong flight papuntang Vienna, siguraduhing bisitahin ang opera house!

Teatro Carlo Felice, Genoa
Ang Teatro Carlo Felice sa Genoa ay isang simbolo ng lungsod, kung saan walang pera o pagsisikap ang nakaligtas. Halimbawa, ang disenyo ng entablado ay nilikha ni Luigi Canonica, na nagtayo ng La Scala. Ang teatro ay hindi maiiwasang nauugnay sa pangalan ni Giuseppe Verdi, na nag-premiere sa kanyang mga opera sa lungsod sa maraming magkakasunod na season. At hanggang ngayon ay makikita mo ang mga gawa ng makikinang na kompositor sa poster ng teatro. Kung nag-book ka ng mga flight papuntang Genoa, inirerekomenda namin ang pakikinig sa opera na "Mary Stuart" ni Gaetano Donizetti. Sa pamamagitan ng paraan, ang mga presyo ng tiket ay medyo abot-kayang at nagsisimula sa 7 euro.

Gran Teatro Liceu, Barcelona
, imposibleng mahalin ang opera at dumaan sa Gran Teatro Liceu! Ang teatro ay sikat para sa parehong klasikal na repertoire at ang modernong diskarte ng mga gawa nito. Ang teatro ay nakaligtas sa isang pagsabog, isang malaking sunog, at naibalik nang eksakto ayon sa orihinal na mga guhit. Ang mga upuan sa auditorium ay gawa sa cast iron na may red velvet upholstery, at ang mga chandelier ay gawa sa tanso sa hugis ng dragon na may mga crystal shade.

Estates Theatre, Prague
Ang Prague Theatre ay ang tanging isa sa Europa na nakaligtas halos hindi nagbabago. Sa Estates Theater unang ipinakita ni Mozart ang kanyang mga opera na Don Giovanni at La Clemenza di Titus sa mundo. At hanggang ngayon, ang mga gawa ng Austrian classic ay bumubuo ng batayan ng repertoire ng teatro. Kabilang sa mga birtuoso na gumanap sa yugtong ito ay sina Anton Rubinstein, Gustav Mahler, Niccolo Paganini. Bilang karagdagan sa opera, ballet at mga dramatikong pagtatanghal ay ibinibigay dito. At kinunan ng direktor ng Czech na si Milos Forman ang kanyang pelikulang "Amadeus" dito, na nagdala ng maraming Oscars.

Bavarian State Opera, Munich
Ang State Opera sa Bavaria ay itinuturing na isa sa mga pinakalumang sinehan sa mundo; ito ay binuksan noong 1653! Ang teatro ay may upuan ng 2,100 na manonood, at ang mga presyo ng tiket ay nagsisimula sa 11 euro at nagtatapos sa 380 euro. Ang mga premiere ni Wagner ay ipinakita dito - sina Tristan at Isolde, Das Rheingold, at Die Walküre. Nagbibigay ng 350 na pagtatanghal taun-taon (kabilang ang ballet). Para sa mga nag-book ng flight papuntang Munich, ang Bavarian Opera ay dapat makita.