Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Inaanyayahan ka naming isawsaw ang iyong sarili sa kulturang Italyano! Paano? Kilalanin ang pinakamagagandang opera house sa bansa.

Sa pakikipag-ugnayan sa

Ipinagmamalaki ng Italy ang higit sa 60 operating opera houses. Bilang karagdagan sa sikat sa buong mundo na Milan's La Scala, Venice's Fenice at Neapolitan San Carlo, na kinikilalang mga obra maestra ng arkitektura, sa Italya mayroong dose-dosenang mga teatro na may mahabang kasaysayan, na gumagawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa pambansa at European opera.

National Academy of Saint Cecilia sa Roma

Ang National Academy of Saint Cecilia sa Roma ay isa sa mga pinakalumang institusyong pangmusika sa mundo, na itinatag noong 1585 ni Pope Sixtus V, na ang konsiyerto at symphony troupe ay kinikilala sa buong mundo.

Noong ika-19 na siglo, bilang karagdagan sa mga musikero, makata, mananayaw, musicologist, philologist, mga gumagawa ng biyolin, mga reigning person at ambassador bilang mga patron ng sining.

Kasama sa Academy bilang honorary member ang mga pangunahing tauhan ng European musical scene: Cherubini, Morlacchi, Mercadante, Donizetti, Mayer, Rossini, Pacini, Paer, Paganini, Spohr, Auben, Adam, Bayo, Liszt, Mahler, Kramer, Thalberg, Czerny , Moshales, Mendelssohn, Berlioz, Thomas, Halévy, Gounod, Meyerbeer; mga mananayaw na sina Maria Taglioni, Fanny Cerrito, aktres na si Adelaide Ristori, mga librettist na sina Jacopo Ferretti at Carlo Pepoli. Kabilang sa mga naghaharing tao: Reyna Victoria ng Inglatera kasama ang kanyang asawang si Albert, Haring William IV ng Prussia kasama ang kanyang asawang si Elizabeth Louise, Neapolitanong mga hari na si Ferdinand II kasama ang kanyang asawang si Maria Theresa Isabella ng Austria.

Nag-evolve ang Academy sa kasalukuyang estado, kapag ito ay binubuo ng 70 buo at 30 honorary na miyembro - ang pinakamahusay na Italyano at dayuhang musikero, Symphony Orchestra at isang sikat na koro sa buong mundo.

Mula noong 2005, ang konduktor ng orkestra ay si Antonio Pappano. Ang Academy ay nakabase sa Parco della Musica, na nilikha ng isa sa mga pinakadakilang arkitekto ng ika-20 siglo, si Renzo Piano.

Arena sa Verona

Ang Arena sa Verona ay isang perpektong napreserbang Roman amphitheater, ang ikatlong pinakamalaking sa Italya, ang simbolo ng Verona.

Ito ay itinayo noong 1st-3rd century AD. at ginamit, tulad ng Colosseum, upang mag-host ng iba't ibang mga pagtatanghal, kabilang ang mga laban sa sirko at gladiator.

Ang kasaysayan ng Arena bilang isang opera house ay nagsimula noong 1913, nang itanghal dito ang Aida noong Oktubre 10. Ang pagpili ng opera ay kabilang sa Veronese tenor na si Giovanni Zenatello bilang parangal sa sentenaryo ng kapanganakan ng kompositor na si Giuseppe Verdi.

Simula noon, tuwing tag-araw, tinatanggap ng Arena ang 6,000 na manonood sa loob ng 50 araw, na nag-aalok ng 5-6 na opera, kung saan ang pinakamahusay na mga mang-aawit ng opera sa buong mundo.

Ang mga pinalad na manood ng opera sa Arena ay napansin ang kadakilaan ng tanawin, na mabilis na nagbabago sa panahon ng aksyon. Kamangha-manghang laki hukay ng orkestra, na tumanggap ng hanggang 150 musikero, at ang bilang ng mga artistang kasangkot: bilang karagdagan sa orkestra, mayroong isang koro ng 200 katao, 100 lalaki at babae na mananayaw at 200 mga extra!

Teatro Sferisterio sa Macerata

Ang Sferisterio ay isang natatanging istraktura sa mga tuntunin ng arkitektura at acoustics. Ang pagtatayo ng teatro ay nagsimula noong 1820 sa inisyatiba ng mga naninirahan sa Macerata, at ang pagbubukas ay naganap noong 1829. Sa loob ng higit sa isang siglo, nagho-host ang Sferisterio ng iba't ibang uri ng pagtatanghal sa loob ng mga pader nito; Nagho-host ito ng mga pampublikong pista opisyal, parada ng kabayo, mga kaganapang pampulitika at palakasan.

Ang unang opera ay ginanap doon noong 1921. Si Aida ni Verdi iyon. Pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang teatro sa ilalim ng direksyon ni Carlo Perucci ay pinalakas ang posisyon nito at ang mga panahon ng opera nito ay nakakuha ng katanyagan sa buong mundo. Ang pinakamahusay na mga performer ay gumanap sa entablado nito, kasama sina Mario del Monaco, Luciano Pavarotti, Katia Ricciarelli, Renato Bruzon, Montserrat Caballe, Placido d'Amigo.

Mula noong 2012, ang tradisyonal na pagdiriwang sa ilalim ng direksyon ni Francesco Michelli ay nakatanggap ng pangalang "Opera Festival ng Macerata".

Teatro alla Scala sa Milan

Ang La Scala ay walang alinlangan na isa sa pinakasikat na mga sinehan sa mundo, pati na rin ang simbolo ng lungsod ng Milan.

Utang ng teatro ang pangalan nito sa simbahan ng Santa Maria alla Scala, na ipinangalan naman sa pilantropo na nagbayad para sa pagtatayo nito, si Regina della Scala. Noong ika-18 siglo, ang simbahan ay giniba upang bigyang-daan ang pagtatayo ng isang teatro, na binuksan noong Agosto 3, 1778 kasama ang opera ni Antonio Salieri na "Europe Recognized."

Mula noong 1812, ang La Scala ay naging isang muog ng Italian melodrama, salamat sa paggawa ng mga gawa ni Rossini. Ang repertoire ay umunlad hanggang sa ito ay nabuo modernong anyo. Ang teatro ay pangunahing nauugnay sa pangalan ng kompositor na si Giuseppe Verdi. Ang kanyang makabayang opera na Nabucco, na ginanap sa entablado ng La Scala noong 1842, sa panahon ng pakikibaka para sa pag-iisa ng Italya, ay isang kahanga-hangang tagumpay, na nagpapatibay sa posisyon ng pambansang opera sa entablado ng Italyano.

Ang kasaysayan ng teatro noong ika-20 siglo ay nauugnay sa mga pangalan ng mga sikat na performer. Kailangan ding banggitin ang mga artistikong direktor ng teatro, tulad nina Arturo Toscanini, Claudio Abbado, Riccardo Muti at Daniel Barenboim. Nakipagtulungan sa teatro ang mga naturang performers na sina Maria Callas, Renata Tebaldi, Leila Genser, Giulietta Simionato, Mirella Freni, Shirley Verrett, Mario del Monaco, Giuseppe Di Stefano, Carlo Bergonzi, Luciano Pavarotti, Placido d'Amingo, Nikolai Ghiaurov, Piero Cappuccili; mga direktor Luchino Visconti, Franco Zeffirelli, Pier Luigi Pizzi, Luca Ronconi, mahuhusay na koreograpo at mananayaw na sina Leonid Massine, George Balanchine, Rudolf Nureyev, Carla Fracci, Luciana Savignano.

Teatro Carlo Felice V Genoa

Ang pagtatayo ng Teatro Carlo Felice ay nagsimula noong 1825 ayon sa disenyo ng arkitekto ng Genoese na si Carlo Barabino. Ang pagbubukas ng teatro ay naganap noong Abril 7, 1828 sa presensya ng mga pinuno ng Kaharian ng Sardinia, sina Carlo Felice at Regina Maria Cristina, kasama ang Savoy Opera. Vincenzo Bellini"Bianca at Fernando."

Noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig, karamihan sa teatro ay nawasak, at tumagal ng ilang dekada upang maibalik ito. Noong 1991, isang bagong pagtuklas ang naganap. Ang mga restorer ay napanatili ang mga lumang elemento hangga't maaari, at ang interior ay ganap na na-update.

Nagho-host ang teatro ng mga panahon ng opera at ballet, mga konsiyerto ng symphony at mga pagtatanghal ng may-akda.

Teatro Comunale sa Bologna

Ang Teatro Comunale ay itinatag noong 1756 ayon sa disenyo ng arkitekto na si Antonio Galli da Bibbien, na naglagay ng bagong teatro ng lungsod sa gusali ng Palazzo Bentivoglio.

Ang pagbubukas ng teatro ay naganap noong 1763 sa pagtatanghal ng opera na "The Triumph of Clelia" batay sa libretto ni Pietro Metastasio. Ang musika para sa opera ay isinulat ni Gluck.

Sa teatro na ito naganap ang Italian premiere ng opera ni Wagner na "Lohengrin" noong 1871, "Tannhäuser" (1872), " Lumilipad na Dutchman"(1877), "Tristan at Isolde" (1888), "Parsifal" (1914). Para sa pakikipagkaibigan nito kay Wagner, ang Bologna ay tinawag na "lungsod ni Wagner," at ang kompositor mismo ang naging honorary citizen nito.

Noong ika-19 na siglo, 20 opera ni Gioachino Rossini at 7 sa 10 opera ni Vincenzo Bellini ang itinanghal dito. Mga masining na direktor ng teatro sa magkaibang panahon nariyan sina Mariani, Toscanini, Furtwängler, von Karajan, Gavazzeni, Celibidache, Solti, Delman, at sa nakalipas na Muti, Abbado, Shelley, Thielemann, Sinopoli, Gatti at Jurowski.

Karamihan sa mga mahuhusay na mang-aawit noong ika-19 na siglo ay nakipagtulungan sa Teatro Comunale, kabilang ang Stignani, Scipa, Gigli, Di Stefano, Christophe, Tebaldi, Del Monaco, pati na rin ang Pavarotti, Freni, Bruzon, Horn, Ludwig, Anderson.

Musical City Theater of Florence at ang Florence Musical May festival

Ang pagtatayo ng teatro ng lungsod ng Florence ay hindi isang madaling gawain at tumagal ng higit sa isang siglo mula 1861 hanggang 1968. Sinakop ng unang gusali ang bukas na amphitheater na "Politeama di Barbano", na binuksan noong 1862 sa pagkakaroon ng humigit-kumulang 7,000 na manonood.

Humigit-kumulang isang taon pagkatapos ng pagbubukas, isang sunog ang sumiklab sa isang bola, na sinira ang entablado, nasira ang gusali at nagdulot ng mga kaswalti. Ang muling pagtatayo ng teatro ay nagsimula ayon sa disenyo ng engineer na si Giulielmo Galanti. Sa pagtatapos ng trabaho, ang teatro ay nagsimulang muli ng masinsinang gawain. Noong 1896 lamang, 70 pagtatanghal ang ibinigay, kabilang ang mga opera tulad ng "Honor Rusticana", "Zanetto", "Pagliacci", "La Traviata", "Il Trovatore", "The Pearl Fishers".

Noong Unang Digmaang Pandaigdig, ang gusali ng teatro ay ginamit bilang isang unipormeng bodega. Ang gawaing pagpapanumbalik at muling pagtatayo ay nagpatuloy pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, kung saan ang teatro ay nasira ng pambobomba. Sinira ng apoy ang entablado, ngunit nanatiling buo ang natitirang bahagi ng gusali.

Ang teatro ay ang matalo na puso ng prestihiyosong taunang opera festival na "Musical May in Florence", na itinatag noong 1933 ng patron ng sining na si Luigi Ridolfi Wei at musikero na si Vittorio Gui. Sa panahon ng pagdiriwang, ginaganap ang mga opera, konsiyerto, balete at dula.

Ang mga sumusunod ay nakipagtulungan sa teatro: mga sikat na pangalan mundo ng musika bilang Vittorio Gui, Bruno Walter, Wilhelm Furtwängler, Dimitri Mitropoulos, Zubin Mehta, von Karajan, Riccardo Muti, Maria Calla, Pietro Mascagni, Richard Strauss, Paul Hindemith, Bela Bartok, Igor Stravinsky, Luigi Dallapiccola, Karlheinz No. , Luciano Berio at iba pa. Sa mga direktor, napansin namin sina Max Reinhart, Gustav Grundgens, Luchino Visconti, Franco Zeffirelli, Luca Rononi, Bob Wilson, Giorgio De Chirico at Oscar Kokoschka.

Ang Italya, na nagbigay sa mundo ng pinakadakilang kompositor gaya ng Paganini, Vivaldi, Rossini, Verdi, Puccini, ay isang bansa Klasikong musika. Naging inspirasyon din ang Italy sa maraming dayuhan: halimbawa, nilikha ni Richard Wagner ang kanyang Parsifal habang nasa Ravello, na nagdala ng katanyagan sa buong mundo sa lungsod, na ngayon ay nagho-host ng sikat na music festival. Mga panahon ng musika bukas, depende sa teatro, mula Nobyembre hanggang Disyembre at ito ay isang mahalagang kaganapan sa Italyano at internasyonal buhay musikal. Ang TIO.BY at ang Italian National Tourism Agency ay naghanda ng seleksyon kung alin sa maraming mga sinehan sa Italy ang pipiliin. Nag-attach kami ng link sa programa para sa bawat teatro.

Teatro La Scala sa Milan

Ang isa sa mga pinakatanyag na sinehan ay walang alinlangan na La Scala sa Milan. Bawat taon ang pagbubukas ng season nito ay nagiging isang high-profile na kaganapan na may partisipasyon ng mga sikat na tao mula sa mundo ng pulitika, kultura at show business.

Ang teatro ay nilikha sa pamamagitan ng kalooban ng Austrian Queen Maria Theresa pagkatapos ng sunog na sumira sa lungsod noong 1776 Royal Theater Reggio Ducale. Ang mga panahon ng La Scala ay isa sa mga pinakamahalagang kaganapan kultural na buhay Milana. Ang programa ay kahalili ng opera at ballet, pati na rin ang mga pangalan ng Italyano at dayuhang kompositor.

Available ang season program dito.

Teatro La Fenice sa Venice

Hindi malayo sa likod ng La Scala ay ang Venetian opera house na La Fenice, na itinayo sa Campo San Fantin sa quarter ng San Marco. Isinalin mula sa Italyano, ang teatro ay tinatawag na "Phoenix" - tiyak na dahil ito ay muling nabuhay nang dalawang beses pagkatapos ng sunog, tulad ng ibong engkanto Phoenix, mula sa abo. Pinakabagong pagpapanumbalik natapos noong 2003.

Nagho-host ito ng isang mahalagang opera salon at Pandaigdigang pagdiriwang kontemporaryong musika, pati na rin ang taunang Konsiyerto ng Bagong Taon. Ang bawat panahon ay mayaman at kawili-wili, at pinagsasama ng programa nito ang mga gawa ng klasikal at modernong repertoire. Bago bumisita, pakibasa ang season program.

Teatro Real sa Turin

Ang Royal Theatre ng Teatro Reggio sa Turin ay itinayo sa pamamagitan ng kalooban ni Victor Amadeus ng Savoy. Facade ng gusali siglo XVIII, kasama ang iba pang mga tirahan ng dinastiyang Savoy, ay kinikilala bilang isang monumento ng UNESCO.

Ang opera at ballet season ay nagsisimula sa Oktubre at nagtatapos sa Hunyo, at bawat taon sa bill ay mahahanap mo ang lahat ng uri ng musical event: mga konsyerto ng choral at symphonic music, chamber music evening, mga produksyon sa Piccolo Reggio theater na inilaan para sa mga bagong audience at para sa panonood ng pamilya, pati na rin ang isang festival na "MITO - Musical September."

Nag-aalok din ang Roma sa mga mahilig sa opera at ballet ng maraming pagtatagpo sa kagandahan. Ang pinakamahalagang sentro ng klasikal na musika ay ang Roman Opera, na kilala rin bilang Teatro Costanzi, na ipinangalan sa lumikha nito, si Domenico Costanzi. Ang isang madalas na panauhin ng teatro na ito, pati na rin ang artistikong direktor ng 1909-1910 season, ay si Pietro Mascagni. Ang mga mahilig sa ballet ay magiging interesado na malaman na noong Abril 9, 1917, ang Italian premiere ng ballet ni Igor Stravinsky na "The Firebird" ay naganap dito, na ginanap ng mga miyembro ng Russian Ballet troupe ng Sergei Diaghilev.

Kasama sa playbill ng teatro ang maraming palabas sa opera, ngunit binibigyang pansin din ang ballet.
Habang ang mga panahon ng taglamig ng Roman Opera ay ginaganap sa lumang gusali sa Piazza Beniamino Gigli, mula noong 1937 ang lugar para sa mga open-air summer season nito ay ang nakamamanghang archaeological complex ng Baths of Caracalla . Ang mga pagtatanghal ng opera na itinanghal sa yugtong ito ay isang malaking tagumpay sa publiko, lalo na sa mga turista, na natutuwa sa kumbinasyon ng kahanga-hangang lugar na ito sa mga pagtatanghal ng opera.

Teatro San Carlo sa Naples

Ang pinakamahalagang teatro sa rehiyon ng Campania ay, siyempre, ang Teatro San Carlo sa Naples Ito ay itinayo noong 1737 sa pamamagitan ng kalooban ni Haring Charles ng dinastiyang Bourbon, na nagnanais na lumikha ng isang bagong teatro na kumakatawan sa maharlikang kapangyarihan. San Carlo ang pumalit maliit na teatro San Bartolomeo, at ang proyekto ay ipinagkatiwala sa arkitekto, Koronel ng Royal Army na si Giovanni Antonio Medrano at ang dating direktor ng San Bartolomeo Theater na si Angelo Carazale. Sampung taon pagkatapos maitayo ang teatro, noong gabi ng Pebrero 13, 1816, ang gusali ay nawasak ng apoy, na nag-iwan lamang ng mga panlabas na pader at isang maliit na extension na buo. Ang nakikita natin ngayon ay reconstruction na sinusundan ng redevelopment.

Ang kahanga-hangang teatro na ito ay palaging tinatanggap ang mga mahilig sa opera na may napakayamang programa, na kadalasang kumakatawan sa isang paglalakbay sa Neapolitan operatic na tradisyon at ang pagbabalik ng mahusay na mga klasiko ng symphonic repertoire, kabilang ang mga binabasa sa pamamagitan ng prisma ng isang bagong pang-unawa at sa pakikilahok ng mundo mga kilalang tao. Bawat season, magaganap ang maliwanag na mga debut at magagandang pagbabalik sa entablado ng pinakamatandang opera house sa Europe.

Siyempre, imposibleng ilarawan ang lahat ng ningning ng theatrical Italy. Ngunit gusto naming magrekomenda sa iyo ng ilan pang mga sinehan na may mga programang nararapat pansin.

Philharmonic Theater sa Verona; season program sa link.

Teatro Comunale sa Bologna; mga programa para sa opera, musika at ballet season.

Teatro Carlo Felice sa Genoa; mga programa ng musical, opera at ballet season.

Royal Theatre ng Parma; season program dito

Teatro Comunale sa Treviso; season program dito

Giuseppe Verdi Opera House sa Trieste; season program dito

Concert hall Auditorium sa Park of Music sa Roma; programa sa panahon

Ang nilalaman ng artikulo

ITALIAN THEATER. Ang sining ng teatro ng Italya ay nagmula sa mga katutubong ritwal at laro, mga karnabal, mga kanta ng kulto at mga sayaw na nauugnay sa natural na siklo at gawain sa kanayunan. Mayaman sa mga kanta at dramatikong aksyon may mga laro sa Mayo , nagaganap sa paligid ng naglalagablab na apoy, na sumisimbolo sa araw. Mula sa kalagitnaan ng ika-13 siglo. Lumilitaw si Lauda sa Umbria (lauda) , isang natatanging uri ng pampublikong panoorin, -mga relihiyosong awit ng papuri, na unti-unting nakakuha ng diyalogong anyo. Ang mga paksa ng mga pagtatanghal na ito ay nakararami sa mga eksena sa ebanghelyo - ang Pagpapahayag, ang kapanganakan ni Kristo, ang mga gawa ni Kristo... Sa mga manunulat ng laudas, ang Tuscan monghe na si Jacopone da Todi (1230–1306) ay namumukod-tangi. Ang kanyang pinakatanyag na gawa Panaghoy ni Madonna. Ang mga Laudas ay nagsilbing batayan para sa paglitaw ng mga sagradong pagtatanghal (sacre rappresentazioni), na nabuo noong ika-14–15 na siglo. (orihinal din sa gitnang Italya), isang genre na malapit sa misteryo, karaniwan sa hilagang mga bansa sa Europa. Ang nilalaman ng mga sagradong pagtatanghal ay batay sa mga plot ng Luma at Bagong Tipan, kung saan idinagdag ang mga engkanto at makatotohanang motif. Ang mga pagtatanghal ay naganap sa isang podium na naka-install sa plaza ng lungsod. Ang entablado ay itinayo ayon sa tinanggap na canon - sa ibaba ay "impiyerno" (ang bukas na bibig ng dragon), sa itaas ay "paraiso", at sa pagitan nila ay iba pang mga lugar ng pagkilos - "Bundok", "Disyerto" , "Royal Palace", atbp. Isa sa pinaka mga sikat na may-akda ng genre na ito ay si Feo Belkari - Ang konsepto ni Abraham at Isaac (1449), San Juan sa disyerto(1470), atbp. Ang pinuno ng Florence, si Lorenzo Medici, ay gumawa din ng mga sagradong pagtatanghal.

Noong 1480, ang batang makata ng korte at eksperto sa sinaunang panahon na si Angelo Poliziano (1454–1494), na inatasan ni Cardinal Francesco Gonzaga, ay nagsulat ng isang pastoral na drama batay sa balangkas. sinaunang mitolohiyang Griyego Ang Kuwento ni Orpheus. Ito ang unang halimbawa ng pagbaling sa mga larawan ng sinaunang mundo. Sa paglalaro ni Poliziano, na puno ng maliwanag, masayang pakiramdam, nagsimula ang interes sa mga dulang mitolohiya at isang pangkalahatang pagkahumaling sa sinaunang panahon.

Ang dramang pampanitikan ng Italyano, kung saan nagsimula ang kasaysayan ng drama sa Kanlurang Europa ng Renaissance, ay batay sa estetika nito sa karanasan ng sinaunang drama. Tinukoy ng mga komedya nina Plautus at Terence para sa mga Italian humanist playwright ang mga tema ng kanilang mga gawa, ang cast ng mga karakter at istrukturang komposisyon. Pinakamahalaga Nagkaroon ng mga produksyon ng Latin na komedya ng mga mag-aaral at mag-aaral, partikular sa Roma sa ilalim ng direksyon ni Pomponio Leto noong 1470s. Gamit ang mga tradisyunal na plot, nagpakilala sila ng mga bagong karakter, modernong kulay at mga pagtatasa sa kanilang mga gawa. Ginawa nilang tunay na buhay ang nilalaman ng kanilang mga dula, at ang mga kontemporaryong tao bilang kanilang mga bayani. Ang unang komedyante sa modernong panahon ay ang dakilang makata ng huling Italian Renaissance, si Ludovico Ariosto. Ang kanyang mga dula ay puno ng makatotohanang mga pagpipinta at matatalas na satirical sketch. Siya ang naging tagapagtatag ng pambansang komedya ng Italyano. Sa kanya nagmula ang pagbuo ng komedya sa dalawang direksyon - puro nakakaaliw ( Kalandria Cardinal Bibiena, 1513) at satirical, na kinakatawan ni Pietro Aretino ( Moral ng hukuman, 1534, Pilosopo, 1546), Giordano Bruno ( Kandelero, 1582) at Niccolò Machiavelli, na lumikha ng pinakamahusay na komedya ng panahon - Mandrake(1514). Gayunpaman, sa pangkalahatan, ang mga dramatikong gawa ng mga manunulat ng komedya na Italyano ay hindi perpekto. Hindi nagkataon na ang buong kilusan ay tumanggap ng pangalang "Scientific Comedy" (commedia erudita).

Kasabay ng pampanitikang komedya, lumilitaw din ang trahedya. Ang trahedya sa Italya ay hindi nagdala ng anumang malalaking tagumpay. Maraming mga pag-play ng genre na ito ay binubuo ng mga kakila-kilabot na kwento, mga hilig sa kriminal at hindi kapani-paniwalang kalupitan. Tinawag silang "horror tragedies." Ang pinakamatagumpay na gawain ng genre - Sofonisba G. Trissino, nakasulat sa blangkong taludtod (1515). Ang karanasan ni Trissino ay higit na binuo nang higit pa sa Italya. Ang trahedya ni P. Aretino ay mayroon ding ilang mga pakinabang Horace (1546).

Ang pangatlo - ang pinakamatagumpay at buhay na buhay - genre ng Italian literary drama noong ika-16 na siglo. naging isang pastoral, na mabilis na naging laganap sa mga korte ng Europa (). Ang genre ay nakakuha ng isang aristokratikong karakter. Ang kanyang lugar ng kapanganakan ay Ferrara. Ang sikat na tula ni G. Sannazzaro Arcadia(1504), na niluwalhati ang buhay sa kanayunan at kalikasan bilang isang "lugar para sa pagpapahinga," minarkahan ang simula ng kilusan. Ang pinakasikat na mga gawa ng pastoral na genre ay Aminta Torquato Tasso (1573), isang akda na puno ng tunay na tula at pagiging simple ng Renaissance, pati na rin Tapat na Pastol D.-B. Guarini (1585), na nakikilala sa pamamagitan ng pagiging kumplikado at intriga, at wikang patula, samakatuwid ito ay nauuri bilang mannerism.

Ang paghihiwalay ng dramang pampanitikan mula sa madla ay hindi nakakatulong sa pag-unlad ng teatro. Ang sining ng entablado ay ipinanganak sa parisukat - sa mga pagtatanghal ng mga medieval buffoon (giullari), mga tagapagmana ng mga mimes ng Sinaunang Roma, sa mga masasayang pagtatanghal na nakakatawa. Sa wakas ay nabuo ang farce (farsa) noong ika-15 siglo. at nakuha ang lahat ng mga palatandaan ng popular na representasyon - pagiging epektibo, buffoonery, pang-araw-araw na konkreto, satirical freethinking na mga kaganapan sa totoong buhay, naging tema ng isang komedya, naging isang anekdota. Sa isang maliwanag, nakakatakot na paraan, ang komedya ay kinutya ang mga bisyo ng mga tao at lipunan. Farce rendered malaking impluwensya sa pag-unlad ng teatro sa Europa, at sa Italya ay nag-ambag siya sa paglikha ng isang espesyal na uri ng sining sa entablado - improvised comedy.

Hanggang sa kalagitnaan ng ika-16 na siglo. Walang propesyonal na teatro sa Italya. Sa Venice, na nanguna sa paglikha ng lahat ng uri ng mga salamin sa mata, na sa pagliko ng ika-15–16 na siglo. Mayroong ilang mga amateur theatrical na komunidad. Sila ay dinaluhan ng mga artisan at mga tao mula sa mga edukadong klase. Unti-unti, nagsimulang lumabas ang mga grupo ng mga semi-propesyonal mula sa kapaligirang ito. Ang pinakamahalagang yugto sa pagsilang ng propesyonal na teatro ay nauugnay sa aktor at manunulat ng dulang si Angelo Beolco, na pinangalanang Ruzzante (1500–1542), na ang mga aktibidad ay naghanda sa paglitaw ng commedia dell'arte. Ang kanyang mga dula Anconitanka, Moschetta, Mga diyalogo ay kasama sa repertoire ng Italian theater hanggang ngayon.

Sa pamamagitan ng 1570, ang mga pangunahing artistikong bahagi ng bagong teatro ay natukoy: mga maskara, diyalekto, improvisasyon, buffooner. Ang pangalan nito, commedia dell'arte, ay itinatag din, na nangangahulugang "propesyonal na teatro." Ang pangalang "comedy of masks" ay nagmula sa ibang pagkakataon. Ang mga karakter ng teatro na ito, ang tinatawag na. permanenteng uri (tipi fissi) o maskara. Ang pinakasikat na mga maskara ay ang Pantalone, ang Venetian na mangangalakal, ang Doktor, ang abogado ng Bolognese, na gumaganap sa mga tungkulin ng mga lingkod ng zanni na sina Brighella, Harlequin at Pulcinella, pati na rin ang Kapitan, Tartaglia, ang katulong na si Servette at dalawang pares ng Lovers. Ang bawat maskara ay may sariling tradisyonal na kasuotan at nagsasalita ng sarili nitong diyalekto, tanging ang mga Lovers ay hindi nagsusuot ng maskara at nagsasalita ng tamang Italyano. Ginampanan ng mga aktor ang kanilang mga dula ayon sa script, na improvised ang teksto habang umuusad ang dula. Ang mga pagtatanghal ay palaging naglalaman ng maraming lazzi at buffooner. Kadalasan ang aktor ng commedia dell'arte ay gumaganap lamang ng kanyang maskara sa buong buhay niya. Ang pinakasikat na tropa ay Gelosi (1568), Confidenti (1574) at Fedeli (1601). Kabilang sa mga performer mayroong maraming magagaling na aktor - Isabella Andreini, Francesco Andreini, Domenico Biancolelli, Niccolò Barbieri, Tristano Martinelli, Flaminio Scala, Tiberio Fiorilli, atbp. Ang sining ng mask theater ay napakapopular hindi lamang sa Italya, kundi pati na rin sa ibang bansa, ito ay hinangaan bilang V itaas na sapin lipunan at mga karaniwang tao. Malaki ang impluwensya ng Comedy of Masks sa pagbuo ng mga pambansang sinehan sa Europa. Ang pagbaba ng commedia dell'arte ay nagsimula sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo, at sa pagtatapos ng ika-18 siglo. ito ay hindi na umiral.

Ang pagbuo ng trahedya, komedya, at pastoral ay nangangailangan ng isang espesyal na gusali para sa kanilang pagpapatupad. Bagong uri saradong gusali ng teatro na may entablado ng kahon, auditorium at ang mga tier ay nilikha sa Italya batay sa pag-aaral ng sinaunang arkitektura. Kasabay nito, sa teatro ng Italyano noong ika-17 siglo. Ang mga paghahanap sa larangan ng disenyo ng entablado ay matagumpay na naisakatuparan (sa partikular, ang mga magagandang tanawin ay nilikha), ang mga makinarya sa teatro ay binuo at pinahusay. Parehong noong ika-12 at ika-13 siglo. ang mga sinehan, ang tinatawag, ay itinayo sa buong bansa. Italyano (lahat ng "italiana), na pagkatapos ay kumalat sa buong Europa ().

Sa kabila ng pagkaatrasado nito sa ekonomiya at pulitika, mayaman at magkakaiba ang Italya buhay teatro. Pagsapit ng ika-18 siglo Ang Italya ay may pinakamahusay na musikal na teatro sa mundo, kung saan ang dalawang uri ay nakikilala - seryosong opera at comic opera (opera buffa). Nagkaroon ng papet na teatro, at ang mga pagtatanghal ng commedia dell'arte ay ginanap sa lahat ng dako. Gayunpaman, ang reporma ng drama theater ay matagal nang namumuo. Sa Panahon ng Enlightenment, ang improvised comedy ay hindi na nakakatugon sa mga kinakailangan ng panahon. Isang bago, seryoso, pampanitikan na teatro ang kailangan. Ang komedya ng mga maskara ay hindi maaaring umiral sa dati nitong anyo, ngunit ang mga nagawa nito ay kailangang pangalagaan at maingat na ilipat sa bagong teatro. Ito ay ginawa ni Carlo Goldoni. Maingat niyang isinagawa ang reporma. Sinimulan niyang ipakilala ang ganap na nakasulat at mga tekstong pampanitikan ng mga indibidwal na tungkulin at diyalogo sa kanyang mga dula, at tinanggap ng publiko ng Venetian ang kanyang pagbabago nang may sigasig. Una niyang ginamit ang pamamaraang ito sa komedya Momolo, ang buhay ng party(1738). Gumawa si Goldoni ng isang teatro ng mga karakter, na iniwan ang mga maskara, script at improvisasyon sa pangkalahatan. Ang mga karakter ng kanyang teatro ay nawala ang kanilang karaniwang nilalaman at naging buhay na mga tao - mga tao sa kanilang panahon at kanilang bansa, Italya noong ika-18 siglo. Isinagawa ni Goldoni ang kanyang reporma sa isang matinding pakikibaka sa kanyang mga kalaban. Ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. pumasok sa kasaysayan ng Italya bilang panahon ng mga digmaang teatro. Si Abbot Chiari, isang pangkaraniwan at samakatuwid ay hindi nakakapinsalang manunulat ng dula, ay sumalungat sa kanya, ngunit ang kanyang pangunahing kalaban, na katumbas sa kanya sa mga tuntunin ng talento, ay si Carlo Gozzi. Ipinagtanggol ni Gozzi ang teatro ng mga maskara, na nagtatakda ng gawain na muling buhayin ang tradisyon ng improvised na komedya. At sa ilang yugto ay tila nagtagumpay siya. At bagama't nag-iwan si Goldoni ng puwang para sa improvisasyon sa kanyang mga komedya, at si Gozzi mismo sa kalaunan ay isinulat ang halos lahat ng kanyang mga dramatikong gawa, ang kanilang pagtatalo ay malupit at walang kompromiso. Dahil ang pangunahing ugat ng paghaharap sa pagitan ng dalawang mahusay na Venetian ay ang kanilang hindi pagkakatugma pampublikong posisyon, sa magkaibang pananaw sa mundo at sa tao.

Si Goldoni sa kanyang mga gawa ay isang exponent ng mga ideya ng ikatlong estate, isang tagapagtanggol ng mga mithiin at moral nito. Ang lahat ng dramaturhiya ni Goldoni ay nasakop ng diwa ng makatwirang egoismo at pagiging praktikal - ang mga pagpapahalagang moral ng burgesya. Si Gozzi ang unang nagsalita laban sa propaganda ng mga ganitong pananaw mula sa entablado. Sumulat siya ng sampung tula na kuwento para sa teatro, ang tinatawag na. fiaba (fiaba/fairy tale). Ang tagumpay ng mga theatrical tales ni Gozzi ay napakaganda. At ang publikong Venetian ay hindi inaasahang mabilis na nawalan ng interes sa kanilang kamakailang paboritong Goldoni. Dahil sa pagod sa pakikibaka, inamin ni Goldoni ang pagkatalo at iniwan ang Venice. Ngunit hindi ito nagbago ng anuman sa kapalaran ng yugto ng Italyano - reporma pambansang teatro sa oras na iyon ay natapos na ito. At ang teatro ng Italyano ay sumunod sa landas na ito.

Mula sa katapusan ng ika-18 siglo. Sa Italya, nagsimula ang panahon ng Risorgimento - ang pakikibaka para sa pambansang kalayaan, para sa pagkakaisa sa pulitika ng bansa at mga pagbabagong burges - na tumagal ng halos isang siglo. Sa teatro, ang trahedya ang nagiging pinakamahalagang genre. Ang pinakadakilang may-akda ng mga trahedya ay si Vittorio Alfieri. Ang kapanganakan ng trahedya ng Italian repertoire ay nauugnay sa kanyang pangalan. Lumikha siya ng isang trahedya sibil na halos nag-iisa. Isang madamdaming makabayan na nangarap na palayain ang kanyang tinubuang-bayan, sinalungat ni Alfieri ang paniniil. Ang lahat ng kanyang mga trahedya ay puno ng kabayanihan ng pakikibaka para sa kalayaan.

Ang panahon ng Risorgimento ay nagsilang ng isang bagong kilusang masining - romantikismo. Pormal, ang hitsura nito ay kasabay ng pagpapanumbalik ng pangingibabaw ng Austrian. Ang pinuno at ideologo ng romantisismo ay ang manunulat na si Alessandro Manzoni. Ang originality ng theatrical romanticism sa Italy ay nakasalalay sa political at national-patriotic orientation nito. Ang klasisismo ay itinuring na isang pagpapahayag ng oryentasyong Austrian, isang direksyon na nangangahulugang hindi lamang konserbatismo, kundi pati na rin isang dayuhang pamatok, at ang romantikismo ay pinag-isa ang oposisyon. Halos lahat ng mga tagalikha ng teatro ng Italyano sa buhay ay sumunod sa mga mithiin na kanilang ipinahayag: sila ay tunay na martir ng ideya - nakipaglaban sila sa mga barikada, nakaupo sa mga bilangguan, nagdusa ng kahirapan, nabuhay nang mahabang panahon sa pagkatapon. Kabilang sa mga ito ay sina G. Modena, S. Pellico, T. Salvini, E. Rossi, A. Ristori, P. Ferrari at iba pa.

Ang bayani ng romantikismo ay isang malakas na personalidad, isang manlalaban para sa katarungan at kalayaan, at hindi gaanong personal na kalayaan bilang pangkalahatang kalayaan - ang kalayaan ng Inang-bayan. Ang gawain ng panahon ay upang magkaisa ang lahat ng mga Italyano sa paglaban para sa isang karaniwang layunin. kaya lang mga suliraning panlipunan kumupas sa background at pumasa nang hindi napapansin. Ang mga romantikong Italyano ay hindi gaanong interesado sa mga tanong ng aktwal na anyo. Sa isang banda, tinanggihan nila ang mahigpit na mga alituntunin ng klasisismo, na nagpahayag ng isang pangako sa mga malayang anyo sa kabilang banda, sa kanilang trabaho ang mga romantiko ay nakadepende pa rin sa klasiko na aesthetics. Ang pangunahing pinagmumulan ng inspirasyon para sa mga romantikong manunulat ng dula ay kasaysayan at mitolohiya; ang mga balangkas ay binibigyang-kahulugan mula sa punto de bista ng ngayon, kaya ang mga pagtatanghal ay kadalasang nagkaroon ng matinding pampulitikang mga paksa. Ang pinakamagandang trahedya ay Caius Gracchus V. Monti (1800), Arminia I. Pindemonte (1804), Ajax U. Foscolo (1811), Bilang ng Carmagnolla(1820) at Adelgiz(1822) A. Manzoni, Giovanni da Procida(1830) at Arnold Breshiansky(1843) D.B. Pia de Tolomei(1836) K. Marenko. Ang mga dula ay nilikha sa maraming aspeto ayon sa mga klasikong modelo, ngunit puno ng mga parunggit na pampulitika at mga kalunos-lunos na labanan. Ang pinakamalaking tagumpay ay nagmula sa trahedya ni Silvio Pellico Francesca da Rimini (1815).

Sa ikalawang kalahati ng siglo, ang kabayanihan na trahedya ay nagbigay daan sa melodrama. Kasama ng komedya, ginamit ang melodrama malaking tagumpay mula sa manonood. Ang unang manunulat ng dula ay si Paolo Giacometti (1816–1882), ang may-akda ng humigit-kumulang 80 gawa para sa teatro. Ang kanyang pinakamahusay na mga paglalaro: Elizabeth, Reyna ng Inglatera (1853), Judith(1858) at isa sa mga pinaka-repertoire melodramas noong ika-19 na siglo. Civil death(1861). Ang dramaturgy ni Giacometti ay ganap nang napalaya mula sa klasisismo, ang kanyang mga dula ay malayang pinagsama ang mga tampok ng komedya at trahedya, sila ay may realistikong nakabalangkas na mga karakter, mayroon silang mga tungkulin, kaya ang mga sinehan ay kusang-loob na kinuha ang mga ito para sa produksyon. Sa mga komedyante, si Paolo Ferrari (1822–1889), isang prolific playwright at patuloy ng mga tradisyon ni Carlo Goldoni, ay namumukod din. Ang kanyang mga dula ay hindi umalis sa entablado hanggang sa katapusan ng siglo. Ang kanyang pinakamahusay na komedya Goldoni at labing-anim sa kanyang mga bagong komedya(1853) ay patuloy na isinagawa sa Italya.

Noong 1870s, isang bagong kilusang masining, verismo, ang lumitaw sa isang matagumpay at nagkakaisang Italya. Ang mga theorists ng verismo, Luigi Capuana at Giovanni Verga, ay nagtalo na ang artista ay dapat maglarawan lamang ng mga katotohanan, ipakita ang buhay nang walang pagpapaganda, dapat siyang maging walang kinikilingan at pigilin ang kanyang mga pagtatasa at komento. Karamihan sa mga manunulat ng dula ay mahigpit na sumunod sa mga tuntuning ito, at marahil ito ang nag-alis sa kanilang mga nilikha ng tunay na buhay. Pinakamahusay na mga gawa nabibilang sa panulat ni D. Verga (1840–1922), mas madalas siyang lumabag sa mga reseta ng teorya kaysa sa iba. Dalawa sa kanyang mga dula karangalan ng bansa(1884) at Siya-lobo(1896) ay kasama pa rin sa repertoire ng mga teatro ng Italyano ngayon. Ang mga dula ay mahusay na ginawa. Ang genre ay isang trahedya mula sa katutubong buhay. Ang mga ito ay nakikilala sa pamamagitan ng isang malakas na dramatikong nerbiyos, mahigpit at pagpigil ng mga nagpapahayag na paraan. Noong 1889 nagsulat si P. Mascagni ng isang opera karangalan ng bansa.

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. lumilitaw ang isang playwright na ang katanyagan ay tumatawid sa mga hangganan ng Italya. Si Gabriele D'Annunzio ay nagsulat ng isang dosenang dula na tinawag niyang mga trahedya mga wikang Europeo. Sa pagpasok ng siglo, si D'Annunzio ay isang napaka-tanyag na manunulat ng dula na karaniwang inuuri bilang simbolismo at neo-romantisismo, bagama't mayroon din itong mga tampok ng neoclassicism na pinagsama sa aestheticism.

Sa pangkalahatan, gayunpaman, ang mga nagawa ng dramaturhiya ay higit pa sa katamtaman; Italyano ika-19 na siglo nanatili sa kasaysayan ng teatro bilang edad ng pag-arte. Ang mataas na trahedya ay hindi nagbunga ng mga dakilang gawa sa drama. Ngunit ang trahedya na tema ay tumunog pa rin sa teatro, narinig at natanggap pagkilala sa mundo. Nangyari ito sa opera (Giuseppe Verdi) at sa sining ng mga dakilang trahedya ng Italyano. Ang kanilang hitsura ay nauna sa reporma sa teatro.

Ang uri ng aktor na malapit sa klasisismo ay nanatili sa teatro ng Italyano sa loob ng mahabang panahon: ang pagtatanghal ng sining ay nanatiling bihag ng declamation, retorika, canonical poses at kilos. Ang isang reporma sa sining ng pagtatanghal, na katumbas ng kahalagahan sa reporma ni Carlo Goldoni, ay isinagawa noong kalagitnaan ng siglo ng makikinang na aktor at direktor ng teatro na si Gustavo Modena (1803–1861). Sa maraming paraan nauna siya sa kanyang panahon. Dinala ni Modena sa entablado ang isang lalaki na may lahat ng kanyang mga katangian, natural na pananalita, "walang barnis, walang buskin." Lumikha siya ng isang bagong istilo ng pag-arte, na ang mga pangunahing tampok ay ang pagiging simple at katotohanan. Sa kanyang teatro, ang digmaan ay idineklara sa premiership, may posibilidad na lumayo sa mga mahigpit na tungkulin, at sa unang pagkakataon ay lumitaw ang tanong ng isang kumikilos na grupo. Ang impluwensya ni Gustavo Modena sa kanyang mga kontemporaryo at kasamahan ay napakalaki.

Si Adelaide Ristori (1822–1906) ay hindi isang estudyante ng Modena, ngunit itinuring ang kanyang sarili na malapit sa kanyang paaralan. Ang unang mahusay na trahedya na artista na ang sining ay kinilala sa labas ng Italya, siya ay isang tunay na pangunahing tauhang babae sa kanyang panahon, na nagpapahayag ng kanyang makabayang rebolusyonaryong kalunos-lunos. Sa kasaysayan ng teatro siya ay nanatiling tagapalabas ng ilang mga trahedya na tungkulin: Francesca ( Francesca da Rimini Pellico), Mirra ( Myrrh Alfieri), Lady Macbeth ( Macbeth Shakespeare), Medea ( Medea Legure), Mary Stuart ( Mary Stuart Schiller). Naakit si Ristori sa mga karakter na malakas, mahalaga, kabayanihan, at puno ng mga dakilang hilig. Tinawag ng aktres ang kanyang istilo na makatotohanan, na nagmungkahi ng terminong "makulay na realismo," na nangangahulugang "Italian fervor," "nagniningas na pagpapahayag ng mga hilig."

Ang kabaligtaran ni Ristori ay si Clementina Cazzola (1832–1868), isang romantikong artista na lumikha ng mga larawan ng banayad na liriko at sikolohikal na lalim, kaya niya ang mga kumplikadong karakter. Siya ay tutol kay Ristori, na palaging naglalabas ng pangunahing katangian ng karakter. Sa teatro ng Italyano, ang Cazzola ay itinuturing na hinalinhan ng E. Duse. Kasama sa kanyang pinakamahusay na mga tungkulin si Pia ( Pia de Tolomei Marenko), Margarita Gauthier ( Babaeng may camellias Dumas), Adriene Lecouvreur ( Adriene Lecouvreur Scribe), gayundin ang papel ni Desdemona ( Othello Shakespeare), na nilalaro niya kasama ng kanyang asawang si T. Salvini, ang dakilang trahedya.

Tommaso Salvini, isang mag-aaral ni G. Modena at L. Domeniconi, isa sa mga pinakakilalang kinatawan ng klasisismo sa entablado. Hindi interesado ang aktor isang karaniwang tao, ngunit isang bayani na ang buhay ay ibinibigay sa isang mataas na layunin. Pinahahalagahan niya ang kagandahan kaysa sa makamundong katotohanan. Itinaas niya ang imahe ng isang lalaki. Ang kanyang sining ay organikong pinagsama ang dakila at karaniwan, ang kabayanihan at ang pang-araw-araw. Mahusay niyang alam kung paano kontrolin ang atensyon ng publiko. Siya ay isang aktor ng malakas na ugali, na balanse ng isang malakas na kalooban. Larawan ng Othello ( Othello Shakespeare) ay ang pinakamataas na nilikha ni Salvini, "isang monumento, isang alaala, isang batas para sa kawalang-hanggan" (Stanislavsky). Naglaro siya ng Othello sa buong buhay niya. Kasama rin sa pinakamahusay na mga gawa ng aktor ang mga nangungunang tungkulin sa mga dula. Hamlet, Haring Lear, Macbeth Shakespeare, pati na rin ang papel ni Corrado sa dula Civil death Giacometti.

Ang gawa ng isa pang makikinang na trahedya, si Ernesto Rossi (1827–1896), ay kumakatawan sa ibang yugto sa pag-unlad ng Italian stage art. Siya ang pinakamamahal at pinaka-pare-parehong estudyante ni G. Modena. Sa bawat karakter, sinubukan ni Rossi na hindi makita ang isang perpektong bayani, ngunit isang tao lamang. Isang napaka banayad na sikolohikal na aktor, mahusay niyang maipakita ang panloob na mundo at ihatid ang pinakamaliit na nuances ng karakter ng karakter. Ang mga trahedya ni Shakespeare ang batayan ng repertoire ni Rossi; inilaan niya ang 40 taon ng kanyang buhay sa kanila at nilalaro ang mga ito hanggang sa kanyang huling araw. Ito ang mga pangunahing tungkulin sa mga dula Hamlet, Romeo at Juliet, Macbeth, Haring Lear, Coriolanus, Richard III, Julius Caesar, Ang Merchant ng Venice. Naglaro din siya sa mga dula ng Dumas, Giacometti, Hugo, Goldoni, Alfieri, Corneille, at naglaro sa mga maliliit na trahedya ng Pushkin, at Ivan the Terrible sa drama ng A.K. Isang realist artist, master of transformation, hindi niya tinanggap ang verism, bagama't siya mismo ang naghanda para sa hitsura nito sa lahat ng kanyang sining.

Ang Verismo, bilang isang masining na kababalaghan, ay lubos na ipinahayag sa entablado ni Ermette Zacconi (1857–1948). Pangunahing modernong dula ang repertoire ni Zacconi. Sa mahusay na tagumpay, naglaro siya sa mga gawa ni Ibsen, A.K. Kasama sa kanyang malikhaing istilo ang lahat mula sa comedy dell'arte hanggang sa mataas na trahedya at naturalismo.

Ang pinakamahalagang trahedya na artista ng pagliko ng siglo ay ang maalamat na Eleonora Duse. Ang pinaka banayad na sikolohikal na artista, na ang sining ay tila isang bagay na higit pa sa sining ng pagbabago.

ika-19 na siglo – ang kasagsagan ng dialectal na kultura. Ito ay pinaka-binuo sa Sicily, Naples, Piedmont, Venice, at Milan. Ang dialectal theater ay ang brainchild ng commedia dell'arte, kung saan marami siyang pinagtibay: ang improvisational na katangian ng paglalaro ayon sa isang pre-compiled script, isang pag-ibig sa slapstick, mga maskara. Ang mga pagtatanghal ay isinagawa sa lokal na diyalekto. Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. ang dialectal dramaturgy ay nagsisimula pa lamang na magkaroon ng panitikan na batayan nito. Ang dialectal theater noong panahong iyon ay, una sa lahat, isang acting theater. Ang Sicilian Giovanni Grasso (1873–1930), isang "primitive tragedian", isang aktor ng elemental na ugali, isang napakatalino na tagapalabas ng mga madugong melodramas, ay kilala hindi lamang sa Italya, kundi pati na rin sa ibang bansa. Ang taga-hilagang si Edoardo Ferravilla (1846–1916), isang makikinang na aktor sa komiks, may-akda at tagapalabas ng kanyang mga teksto, ay nagtamasa ng napakalaking tagumpay. Si Antonio Petito (1822–1876) ay ang pinaka-maalamat na pigura ng Neapolitan na teatro, isang napakatalino na improviser na nagtrabaho sa commedia dell'arte technique, at isang hindi maunahang performer ng Pulcinella mask. Ang kanyang estudyante at tagasunod na si Eduardo Scarpetta (1853–1925), isang napakatalino na aktor, “hari ng mga komedyante”, tagalikha ng kanyang maskara na si Felice Scioshamocchi, sikat na manunulat ng dula. Ang kanyang pinakamahusay na komedya ay Ang mahihirap at ang maharlika (1888).

ika-20 siglo.

Maagang ika-20 siglo pumasok sa kasaysayan ng sining ng pagtatanghal bilang panahon ng rebolusyon sa teatro. Sa Italya, kinuha ng mga futurist ang papel ng mga innovator ng eksena. Ang kanilang layunin ay lumikha ng sining ng hinaharap. Tinanggihan ng mga futurista ang akademikong teatro at umiiral na mga genre ng teatro, sinubukang iwanan ang aktor o bawasan ang kanyang tungkulin bilang isang papet, at iwanan din ang salita, pinapalitan ito ng mga plastik na komposisyon at scenography. Itinuring nila ang tradisyonal na teatro na static, na naniniwala na sa edad ng sibilisasyon ng makina ang pangunahing bagay ay paggalaw. Ang pinakakilalang mga pigura ng futurism ay sina F. T. Marinetti (1876–1944) at A. J. Bragaglia (1890–1961). Ang kanilang mga theatrical manifesto: Manipesto ng iba't ibang teatro(1913) at Manifesto ng Futurist Synthetic Theater(1915) ay hindi pa rin nawawala ang kanilang kahalagahan. Ang dramaturhiya ng mga Futurista ay pangunahing mga gawa ni Marinetti, na tinatawag na syntheses ( maikling skits, gumanap nang mas madalas nang walang mga salita). Ang pinakamalaking interes ay nakatakdang disenyo: sa futuristic na teatro Ang pinakamahuhusay na artista noong panahong iyon ay nagtrabaho: G. Balla, E. Prampolini (1894–1956), F. Depero (1892–1960). Ang futurist na teatro ay hindi isang tagumpay sa mga madla: ang mga pagtatanghal ay madalas na nagdulot ng pagkagalit at kadalasang may kinalaman sa mga iskandalo. Ang papel ng mga futurista ay naging malinaw sa ibang pagkakataon - sa ikalawang kalahati ng siglo: noon na ang kanilang mga ideya ay tumanggap ng karagdagang pag-unlad. Kasama ang tinatawag na "Grotesque playwrights" at "Twilight" playwrights, inihanda ng Futurists ang hitsura ng pinakamalaking figure sa teatro ng ika-20 siglo. L. Pirandello. Malaki rin ang kahalagahan ng mga aktibidad ng mga dayuhang direktor noong 1920–1930: ito ay mga produksyon ni M. Reinhardt, V.I. Nemirovich-Danchenko, pati na rin ang mga emigrante ng Russia na permanenteng nanirahan sa Italya - mga aktor at direktor na si Pyotr Sharov (1886–1969) at Tatyana Pavlova (1896–1975), na nagpakilala sa mga Italyano sa paaralang teatro ng Russia at sa mga turo ni Stanislavsky.

Si Luigi Pirandello ay nagsimulang magsulat para sa teatro noong 1910. Sa kanyang mga unang dula, na nakatuon sa buhay sa Sicily at nakasulat sa diyalektong Sicilian, malinaw na nadarama ang impluwensya ng verismo. Ang mga pangunahing tema ng kanyang trabaho ay ilusyon at katotohanan, mukha at maskara. Siya ay nagpapatuloy mula sa katotohanan na ang lahat ng bagay sa mundo ay kamag-anak, at walang layunin na katotohanan.

Kabilang sa iba pang makabuluhang aktor ng panahon sina Ruggero Ruggeri (1871–1953), Memo Benassi (1891–1957), at ang magkapatid na Gramatica: Irma (1870–1962) at Emma (1875–1965). Sa mga manunulat ng dula, naging tanyag si Sem Benelli (1877–1949), may-akda ng isang repertoire play. Hapunan ng mga biro(1909), at Ugo Betti (1892–1953), na ang pinakamahusay na laro Korapsyon sa Palasyo ng Katarungan(1949).

Sa pagitan ng dalawang digmaang pandaigdig, ang teatro ng diyalekto ay sumakop sa isang makabuluhang lugar sa kulturang Italyano (bagaman ang patakaran ng pasistang estado ay naglalayong sugpuin ang mga diyalekto). Ang Neapolitan theater ay nagtamasa ng partikular na tagumpay. Noong 1932, nagsimulang gumana ang Humorous Theater ng De Filippo Brothers. Gayunpaman, ang pinakamalaking pigura ng panahong iyon ay si Raffaele Viviani (1888–1950), isang lalaking may "pagdurusa na mukha at kumikinang na mga mata ng isang padyak," ang lumikha ng kanyang sariling teatro, aktor at manunulat ng dula. Ang mga dula ni Viviani ay nagsasabi tungkol sa buhay ng mga ordinaryong Neapolitans; Kasama sa kanyang pinakamahusay na mga komedya Toledo street sa gabi(1918), Neapolitan na nayon (1919), Mga mangingisda (1924), Ang Huling Street Bum (1932).

Ang panahon ng Paglaban at ang mga unang taon pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig ay pumasok sa kasaysayan ng Italya bilang ang pangalawang Risorgimento - napaka mapagpasyahan at hindi maibabalik ang mga pagbabagong naganap sa lahat ng larangan ng buhay at sining. Matapos ang maraming taon ng panlipunang pagwawalang-kilos, ang lahat ay nagsimulang kumilos at humingi ng pagbabago. At kung sa mga taon ng pasistang diktadurya ang teatro ay literal na na-suffocate ng kasinungalingan, retorika at karangyaan (ito ang linya ng opisyal na sining), ngayon ay nagsalita na ito sa wika ng tao at nakipag-usap sa isang buhay na tao. Ang sining ng post-war Italy ay namangha sa mundo sa katapatan nito. Ang buhay ay dumating sa screen at entablado tulad ng dati, kasama ang lahat ng kahirapan, pakikibaka, tagumpay at pagkatalo at simpleng damdamin ng tao. Pagkatapos ng digmaan, ang teatro ay umunlad alinsunod sa neorealism, isa sa pinaka-demokratiko at makatao na paggalaw ng sining noong ikadalawampu siglo. Ang dialectal theater ay nakakakuha ng bagong hininga. Nakatanggap ng pambansang pagkilala ang Neapolitan na si Eduardo De Filippo, at mabilis na nasakop ng kanyang drama ang mga yugto ng mundo. Tinawag niya ang kanyang mga dula na "dramatizations of real life." Sa kanyang malulungkot na mga komedya pinag-uusapan natin tungkol sa buhay, tungkol sa mga relasyon sa pamilya, tungkol sa moralidad at layunin ng tao, tungkol sa mga problema ng digmaan at kapayapaan.

Ang propesyon ng direktor, na lumitaw sa teatro ng Europa sa pagliko ng siglo, ay itinatag sa Italya lamang sa ikalawang kalahati ng siglo. Ang unang direktor sa European na kahulugan ng salita ay si Luchino Visconti (1906–1976), isang realist artist na may matalas na pakiramdam ng kagandahan, isang kumbinsido na anti-pasista at humanist, na nagtrabaho sa parehong teatro at sinehan. Sa Visconti Theater, ang pagtatanghal ay nauunawaan bilang isang buo, napapailalim sa isang solong konsepto, ang digmaan ay ipinahayag sa premiership, at ang mga aktor ay natutong magtrabaho sa isang grupo. Karamihan makabuluhang gawain Visconti sa Drama Theatre: Krimen at parusa Dostoevsky (1946), Ang Glass Menagerie (1946), Pagnanais ng Streetcar T. Williams (1949), Rosalind, o Kung Gusto Mo (1948), Troilus at Cressida Shakespeare, Orestes Alfieri (1949), Tagapangasiwa Goldoni (1952), Tatlong magkakapatid na babae (1952), Kuya Ivan (1956), Ang Cherry Orchard(1965) Chekhov.

Sa mga unang taon pagkatapos ng digmaan, nagsimula ang isang kilusan para sa naa-access at nauunawaan na folk theater sa Europa. Sa Italya, sumanib ito sa pakikibaka para sa mga nakatigil na sinehan, na tinatawag na Stabile (stabile/permanent). Ang unang Stabile ay ang Piccolo Teatro sa Milan, na itinatag noong 1947 nina P. Grassi at G. Strehler. Teatro ng sining sa paglilingkod sa lipunan - ito ang gawain na itinakda mismo ng Piccolo Teatro. Sa trabaho ni Strehler ng ilang linya ng European kultura ng teatro: pambansang tradisyon commedia dell'arte, ang sining ng sikolohikal na realismo at epikong teatro.

Noong 1960s at 1970s, ang teatro sa Europa ay nakaranas ng isang boom Isang bagong henerasyon ng mga direktor at aktor ang dumating sa teatro ng Italyano. Ang mga kabataan, na lubos na nakakaalam sa pagkapagod ng tradisyonal na wika ng entablado, ay nagsimulang makabisado ang bagong espasyo, upang gumana nang naiiba sa liwanag at tunog, at upang maghanap ng mga bagong anyo ng relasyon sa madla. Sa mga taong iyon, aktibong nagtatrabaho sina Giancarlo Nanni, Aldo Trionfo, Meme Perlini, Gabriele Lavia, Carlo Cecchi, Carlo Quartucci, Giuliano Vasilico, Leo De Berardinis. Gayunpaman, ang pinaka makabuluhang mga numero ng henerasyon ng mga ikaanimnapung taon: Roberto De Simone, Luca Ronconi, Carmelo Bene, Dario Fo. Lahat sila ay maraming ginawa para pagyamanin ang kanilang sarili wikang pandulaan, ang kanilang mga natuklasan ay malawakang ginagamit sa pagsasanay sa teatro.

Si Dario Fo ang pinakakilalang kinatawan ng teatro sa politika. Si Fo ay interesado sa tao bilang isang uri ng lipunan, na may maliwanag, matulis, pinalaking mga tampok, na inilagay sa isang talamak, nakakatawa, kabalintunaan na sitwasyon. Malawakang ginagamit niya ang mga pamamaraan ng katutubong teatro tulad ng improvisasyon at slapstick.

Si Carmelo Bene (b. 1937) ay ang kinikilalang pinuno ng Italian avant-garde ng ikalawang kalahati ng ika-20 siglo. Mahusay na artista ang tawag kay Bene. Siya mismo ang nagsusulat, nagdidirekta at gumaganap ng mga pangunahing tungkulin sa kanyang mga gawa. Umiiral ang kanyang gawa sa hindi maihihiwalay na pagkakaisa ng may-akda, aktor at direktor. Si Bene ang may-akda ng maraming pagtatanghal, pangunahin batay sa mga gawa ng panitikan at teatro sa daigdig: Pinocchio Callodi (1961), Faust at Margarita (1966), Salome Wilde (1972), Turkish Our Lady Bene (1973), Romeo at Juliet (1976), Richard Sh (1978), Othello(1979), Manfred Byron (1979), Macbeth (1983), Hamlet(itakda nang paulit-ulit), atbp. Lahat ito ay orihinal na komposisyon ni Bene, batay sa mga tanyag na gawa at masyadong malabo na nagpapaalala sa kanila. Tinanggihan ni Bene ang tradisyonal na dramatikong anyo: sa kanyang mga pagtatanghal ay walang mga kaganapan na binuo sa prinsipyo ng sanhi at bunga, walang balangkas at diyalogo sa karaniwang kahulugan, ang salita ay minsan ay pinapalitan ng tunog, at ang imahe ay literal na nahuhulog sa mga piraso, nagiging bagay na walang buhay o tuluyang mawala. Requiem for a Man - ito ay kung paano matukoy ang pangunahing nilalaman ng kanyang sining.

Kabilang sa mga nakababata na kasalukuyang matagumpay na nagtatrabaho sa teatro ng Italyano, maaaring pangalanan ng isa ang direktor na si Federico Tiezzi (1951), ang direktor at aktor na si Giorgio Barberio Corsetti (1951), ang direktor na si Mario Martone (1962), na sa loob ng maraming taon ay pinamunuan ang Roman theater na " Stabile " , na nagtanghal ng ilang napakakagiliw-giliw na pagtatanghal, kabilang ang napakalaking matagumpay na paglalaro Sampung Utos R. Viviani (2001).

Sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo. Ang teatro ng Italyano, na naging teatro ng direktor, ay hindi tumigil sa pagiging isang teatro ng mga mahuhusay na aktor. Ang pinakamahuhusay na aktor ng bansa ay palaging nagtatrabaho sa mga produksyon ng pinakamalalaking direktor. Nalalapat ito kina Eduardo de Filippo, Giorgio Strehler, at Luchino Visconti, gayundin sa mga direktor ng sixties na pumunta sa teatro pagkatapos ng protesta. Ang pangunahing bahagi ng tropa ni Visconti ay ang mag-asawang Rina Morelli at Paolo Stoppa, mga banayad na sikolohikal na aktor na naglaro sa lahat ng kanyang mga pagtatanghal sa dramatikong teatro. Si Vittorio Gassman ay nagkaroon din ng napakalaking tagumpay sa mga pagtatanghal ni Visconti (lalo na sa mga pagtatanghal Orestes Alfieri at Troilus at Cressida Shakespeare). Pagkatapos umalis sa Visconti, maraming naglaro si Gassman sa klasikal na repertoire; ang kanyang pinakakilalang mga gawa ay sa mga dula Othello At Macbeth Shakespeare.

Ayon sa matagal nang tradisyon ng teatro ng Italyano, ang tropa ay karaniwang pinagsama-sama sa isang malaking aktor (o artista), at ang mga pagtatanghal ay karaniwang itinanghal batay sa pagtatanghal ng premiere. Sa naturang grupo ng teatro, ang unang aktor, ang bituing aktor (tinatawag sa Italy na divo o mattatore) ay madalas na napapaligiran ng mga mahinang performer.

Sa loob ng ilang dekada (hanggang ngayon), ang mga sikat na aktor na sina Giorgio Albertazzi at Anna Proklemer ay gumanap sa mga yugto ng mga teatro ng Italyano, na ginagampanan ang pangunahing mga tungkulin sa mga dula mula sa klasikal na repertoire ng mundo. Maraming sikat at minamahal na aktor ng publikong Italyano ang nagtrabaho nang husto sa teatro iba't ibang henerasyon, kasama sina Anna Magnani, Salvo Rondone, Giancarlo Tedeschi, Alberto Lionello, Luigi Proietti, Valeria Moriconi, Franco Parenti, na ang pangalan ay pinangalanan ngayon sa isa sa mga sinehan sa Milan. Nagtrabaho din si Parenti sa Piccolo Teatro kasama si Giorgio Strehler. Ang mga kahanga-hangang aktor ay palaging naglalaro sa Strehler Theater. Ito si Tino Buazelli, ang sikat na performer ng role ni Galileo sa dula Buhay ni Galileo B. Brecht. Tino Carraro, na gumanap ng mga nangungunang papel sa mga dula ni Shakespeare sa loob ng maraming taon ( Haring Lear, Bagyo), Brecht, Strindberg at iba pa Ang isang pambihirang tagapalabas ng mga babaeng tungkulin sa teatro ng direktor ay si Valentina Cortese, kabilang sa mga tuktok ng kung saan ang gawain ay ang papel ni Ranevskaya sa. Cherry Orchard(produksyon 1974). Sa mga nakababata, namumukod-tangi si Pamella Villoresi, isang kahanga-hangang gumaganap ng mga babaeng karakter sa mga komedya ni Carlo Goldoni, sa mga dula ng Lessing, Marivaux at iba pa. huling period Sa malikhaing gawain ng direktor, ang kanyang muse ay ang aktres na si Andrea Jonasson, na gumanap ng mga dramatikong tungkulin sa mga produksyon nina Brecht, Lessing, Pirandello at iba pa. Espesyal na lugar Kabilang sa mga aktor ng Piccolo Teatro ay dalawang mahusay na performer ng Harlequin mask - sina Marcello Moretti at Ferruccio Soleri sa maalamat na pagganap Harlequin base sa komedya ni Goldoni Lingkod ng dalawang panginoon.

Pinagsasama-sama rin ni Luca Ronconi ang isang grupo ng kanyang mga aktor sa paligid niya. Ito ay, una sa lahat, dalawang artista ng mas matandang henerasyon, sina Franca Nuti at Marisa Fabbri, na gumanap ng mga pangunahing tungkulin sa mga paggawa ng direktor bilang Bacchae Euripides (1978), Mga multo Ibsen, Mga huling Araw sangkatauhan Kraus at iba pa, si Mariangela Melato, na naglaro pinakamahusay na mga gawa direktor tulad ng Galit na galit si Roland At Oresteia. Marami siyang nagtrabaho kasama sina Ronconi at Massimo de Francovich, kasama ang mga pangunahing tagumpay ay ang papel ni Lear sa dula. Haring Lear, pati na rin ang batang si Massimo Popolizio, isang aktor na may malawak na hanay, na kayang hawakan ang mga ritmo ng parehong drama at komedya (ang kanyang tungkulin bilang dalawang kapatid sa komedya ni Goldoni ay nagdulot sa kanya ng napakalaking tagumpay Venetian twins).

Ito ay lalong kinakailangan upang i-highlight ang mga aktor ng paaralan ng Neapolitan. Kabilang sa mga pinakasikat ay ang mas matandang henerasyon ng mga aktor na sina Salvatore de Muto, Toto (Antonio de Curtis), Peppino de Filippo at Pupella Maggio, na maraming nagtrabaho sa teatro ng Eduardo de Filippo. Kasama sa mga mas batang aktor sina Mariano Rigillo, Giuseppe Barra, Leopoldo Mastellone at iba pa.

Ikalawang kalahati ng ika-20 siglo. pumasok sa kasaysayan ng teatro ng Italyano bilang panahon ng renaissance sa sining ng scenography. Ang pinakamahusay na mga artista ay palaging nagtatrabaho sa pinakamahusay na mga direktor ng bansa. Ang pinaka-kapansin-pansin na mga figure ay sina Luciano Damiani at Ezio Frigerio; ang kanilang mga pangalan ay makikita sa mga poster ng lahat ng pinakamahusay na pagtatanghal ni Strehler. At ito rin – Enrico Jobe, Pier Luigi Pizzi, Gae Aulenti, Margherita Palli.

Maria Skornyakova

teatro ng La Scala - Teatro alla Scala(MILAN)

Perlas ng mundo kultura ng musika. Mahirap isipin ang isang teatro na may mas makinang na kasaysayan kaysa sa sikat na La Scala. Sa loob ng higit sa 300 taon ng pag-iral, ang mga pader na ito ay nakakita ng maraming, ngunit pinamamahalaang upang mapanatili, marahil, ang pinakamahalagang bagay para sa teatro - ang natatanging kagandahan at misteryo nito. Ang panahon ng konsiyerto sa La Scala ay tumatagal mula Disyembre hanggang Hunyo (ang mga konsiyerto ng symphony ay gaganapin sa entablado nito sa taglagas). Ang pagbubukas ng panahon ay lalong solemne. Laging ika-7 ng Disyembre - ang araw ni St. Ambrose, ang patron saint ng Milan. Sa kasamaang palad, kung minsan ay nabebenta ang mga tiket anim na buwan nang maaga, kaya mag-book nang maaga. Tinatayang halaga ng tiket - opera/ballet: stalls 260/150; ampiteatro 80-260/125; balkonahe 40-105/30-80 euro

Amphitheatre – Arena di Verona(VERONA)

Ang sinaunang Roman amphitheater ay sikat sa opera at concert performances na ginanap doon. Itinayo noong ika-1 siglo BC. Ang laki ng gusaling gawa sa kulay rosas na batong Verona ay pangalawa lamang sa Roman Colosseum. Noong sinaunang panahon, ang mga labanan ng gladiator ay ginanap dito, at mga knightly tournament sa Middle Ages. Noong ika-16 at ika-17 siglo. Ang mga stand ng manonood ay ganap na itinayo, at ang kasalukuyang Arena ay isang engrandeng auditorium na may 25 libong upuan, sa entablado kung saan ibinibigay ang kaakit-akit na mga palabas sa open-air opera. May pambihirang acoustics ng gusali. Sa mga araw na ito, karaniwang may apat na magkakaibang yugto ng produksyon na gaganapin bawat taon sa pagitan ng Hunyo at Agosto. Sa kalagitnaan ng Hulyo, ang mga pagtatanghal ay ibinibigay halos araw-araw. Sa mga buwan ng taglamig, ang opera at ballet ay nagbibigay ng mga pagtatanghal sa Academic Philharmonic.

Tinatayang halaga ng mga tiket para sa mga premiere sa Philharmonic: opera/ballet stalls - 90/60 euros; amphitheater opera/ballet - 70/50; Benoir box opera/ballet - 60/35; balcony opera/ballet -55/40. Ang halaga ng mga tiket para sa paulit-ulit na pagtatanghal ay humigit-kumulang minus 10 euro. Mga presyo ng tiket para sa Arena: ground floor 220 euros, amphitheater 95, balcony 40. Hindi pinapayagan ang mga batang wala pang 4 taong gulang.

San Carlo – Teatro di San Carlo(NAPLES)

Ang Opera House sa Naples ay itinayo sa utos ni Charles III upang palitan ang sira-sirang Teatro San Bartolomeo. Binuksan noong 1737, sa oras na iyon ang bulwagan ng teatro ay kayang tumanggap ng hanggang 3,300 manonood, na ginagawang pinakamalawak ang teatro sa mundo.

Tinatayang halaga ng mga tiket para sa mga premiere: opera/ballet stalls - 170/130 euros; amphitheater opera/ballet - 110/100; Benoir box opera/ballet - 90/50; balcony opera/ballet -60/40. Ang halaga ng mga tiket para sa paulit-ulit na pagtatanghal ay humigit-kumulang minus 10 euro. .

Teatro ng La Fenice(VENICE)

Ang puso ng buhay musikal ni Venice. Isang hindi pangkaraniwang teatro na may water pier at isang eleganteng promenade. Ang teatro, na itinayo noong 1792, ay nakaligtas sa dalawang sunog at sa bawat pagkakataon, na nagbibigay-katwiran sa pangalan nito, tulad ng isang ibong Phoenix, ito ay muling isinilang mula sa abo. Pagkatapos ng isang huling nakakatakot na yakap ng apoy na halos ganap na sumira sa teatro, ang bago, naibalik na La Fenice ay nagbukas ng mga pinto nito sa publiko noong Disyembre 14, 2003.

Tinatayang halaga ng mga tiket para sa mga premiere: opera/ballet stalls - 190/140 euros; amphitheater opera/ballet - 160/100; Benoir box opera/ballet - 110/90; balcony opera/ballet -70/50. Ang halaga ng mga tiket para sa paulit-ulit na pagtatanghal ay humigit-kumulang minus 10 euro.

Opera House - Teatro dell'Opera di Roma(ROME)

Isa sa pinakamalaking opera house sa Europa, na kayang tumanggap ng hanggang dalawang libo at dalawang daang mahilig sa musika. Narito ang opera at pagtatanghal ng ballet sa mga produksyon ng mga sikat na direktor sa mundo. Sa Rome Opera naganap ang world premiere ng "Tosca" ni Puccini at ilang mga opera ni Mascagni, kabilang ang "Honor Rusticana", "Iris", "Masques". Si Amelita Galli-Curci, ang may-ari ng pinakasikat na coloratura soprano ng simula ng huling siglo, ay kumanta sa entablado nito, ang mga tenor na sina Beniamino Gigli, Enrico Caruso, Tito Skipa.

Sa tag-araw, ang mga palabas sa opera ay ginaganap sa labas sa Baths of Caracalla. Sila ay dating kilala bilang ang ikawalong kababalaghan sa mundo. Noong tag-araw ng 1990, sa mga guho ng Baths of Caracalla, isang maalamat na konsiyerto ng tatlong tenor ang naganap - sina Placido Domingo, Jose Carreras at Luciano Pavarotti.

Tinatayang halaga ng mga tiket para sa mga premiere: opera/ballet stalls - 160/90 euros; amphitheater opera/ballet - 130/80; Benoir box opera/ballet - 60/35; opera/ballet sa balkonahe - 35/30. Ang halaga ng mga tiket para sa paulit-ulit na pagtatanghal ay humigit-kumulang minus 20 euro.

teatro ng Italyano

Matapos malikha ang commedia dell'arte sa Italya, sa loob ng 200 taon ay hindi nagpakilala ang mga Italyano kultura ng daigdig makabuluhang kontribusyon. Ang Italya sa panahong ito ay lubhang humina ng panloob na pakikibaka sa pulitika.

Ang mga sinaunang monumento ng Italyano ay kilala sa Europa, kasama ang mga antigo ng Roma, mayroong mga gawa ng sining na nilikha noong Renaissance. Ngunit wala nang pagtaas sa kultura sa Italya na mas madalas na ipinakita ng mga Italyano ang mga nagawa ng kanilang mga ninuno.

Sa panahong ito, ang Venice ang pinakakaakit-akit na lungsod sa Italya. Habang ang estado ay nahahati sa ilang mga dayuhang kapangyarihan, ang Venice ay nanatiling isang malayang lungsod sa ilalim ng pamamahala ng republika. Siyempre, ang dating kita mula sa kalakalan sa ibang bansa ay wala na doon, ngunit hindi hinayaan ng mga Venetian na makalimutan ng Italya o Europa ang kanilang pag-iral.

Ang lungsod na ito ay naging sentro ng libangan; ang Venetian carnival ay tumagal ng anim na buwan. Para sa layuning ito, maraming mga sinehan at maraming mga workshop para sa paggawa ng mga maskara ang pinatatakbo sa lungsod. Ang mga taong pumunta sa lungsod na ito ay gustong makita ang Italya noong unang panahon.

Ang Komedya ng Maskara ay naging walang iba kundi isang panoorin sa museo, dahil pinanatili ng mga aktor ang kanilang mga kasanayan, ngunit naglaro nang wala ang dating pampublikong sigasig. Ang mga larawan ng komedya ng mga maskara ay hindi tugma totoong buhay at hindi nagdala ng mga modernong ideya.

Sa pinaka maagang XVIII siglo sa publiko at buhay pampulitika Ang mga pagbabago ay nangyayari sa Italya. Naganap ang ilang repormang burges, at pagkatapos ng pagpapalawak ng kalakalan, unti-unting umusbong ang ekonomiya at kultura. Ang ideolohiya ng paliwanag ay nagsimulang makakuha ng medyo malakas na posisyon at tumagos sa lahat ng mga lugar ng espirituwal na buhay.

Ang teatro ng Italyano ay kailangang lumikha ng isang pampanitikang komedya ng mga asal. Sa tulong nito, maipagtanggol ng mga tagapagturo ang kanilang pananaw sa buhay, na pinapanatili ang maliwanag na kayamanan ng mga kulay na pamilyar sa publikong Italyano. mga palabas sa teatro. Ngunit hindi ganoon kadali.

Mula sa sinabi kanina, alam na ang mga aktor ng Comedy of Masks ay mga improviser at hindi marunong mag-memorize ng pre-written literary text. Bilang karagdagan, ang bawat aktor ay naglaro ng parehong maskara sa buong buhay niya at hindi alam kung paano lumikha ng iba pang mga imahe. Sa komedya ng mga maskara, ang mga tauhan ay nagsasalita sa kani-kanilang diyalekto, habang ang komedya ng mga asal ay may wikang pampanitikan. Ito, tulad ng paniniwala ng lahat, ay isang paraan ng kultural na pagkakaisa ng bansa at estado.

Goldoni

Ang unang reporma ng teatro ng Italya ay isinagawa ni Carlo Goldoni (1707-1793) ( kanin. 54). Ipinanganak siya sa isang matalinong pamilya, kung saan ang lahat ay matagal nang interesado sa teatro. Na sa edad na 11 ay binubuo niya ang kanyang unang dula, at sa edad na 12 una siyang lumitaw sa entablado. Tulad ng sinabi mismo ni Goldoni, sa edad na 15 nagsimula siyang magkaroon ng mga pag-iisip na kailangan ang mga reporma sa teatro. Nagsimula siyang mag-isip tungkol dito pagkatapos niyang basahin ang komedya ni Machiavelli na Mandrake.

kanin. 54. Carlo Goldoni

Si Carlo mismo ay hindi maaaring magsagawa ng gayong mga reporma, dahil ang kanyang mga magulang ay unang nais na siya ay maging isang doktor, at pagkatapos ay ipinadala siya sa unibersidad, kung saan siya nag-aral upang maging isang abogado. Sa edad na 24, nagtapos si Goldoni sa kanyang pag-aaral, at pagkaraan ng tatlong taon, habang nagtatrabaho bilang isang abogado, nagsimula siyang patuloy na magsulat ng mga dula para sa tropa ni Giuseppe Imera, na nagtrabaho sa San Samuele Theatre, na matatagpuan sa Venice. Nagpatuloy ito mula 1734 hanggang 1743. Ang sumunod na limang taon ay baog sa mga terminong pampanitikan, ibig sabihin, halos wala si Carlo. Sa panahong ito, sinubukan niyang itatag ang kanyang sarili bilang isang abogado, iyon ay, nakakuha siya ng isang malaking kasanayan sa Pisa.

Kasabay nito, isang mensahero ang dumating sa kanya mula sa negosyanteng si Giloramo Medebak na may alok na trabaho. At hindi napigilan ni Goldoni ang tukso. Pumasok siya sa isang kasunduan sa Medebak, ayon sa kung saan kailangan niyang magsulat ng 8 dula sa isang taon para sa Venetian Theater ng Sant'Angelo sa loob ng limang taon.

Nakaya ni Goldoni ang gawaing ito. Bukod dito, nang ang teatro ay may mahirap na panahon, sumulat siya ng 16 na komedya upang mapabuti ang mahirap na sitwasyon nito! Pagkatapos nito, humingi siya ng dagdag sahod kay Medebak. Ngunit tinanggihan ng kuripot na negosyante ang playwright. Dahil dito, si Goldoni, pagkatapos ng pag-expire ng kanyang kontrata, ay pumunta sa San Luca Theater, kung saan siya nagtrabaho mula 1753 hanggang 1762.

Nagpasya si Goldoni na isagawa ang reporma sa teatro nang mabilis at tiyak. Sa oras na ito ay mayroon na siyang dramatikong karanasan. Gayunpaman, maingat at maingat niyang isinagawa ang mga pagbabago.

Upang magsimula, lumikha siya ng isang dula kung saan isang papel lamang ang isinulat nang buo. Ito ay ang komedya na "The Socialite, o Momolo, the Soul of Society." Ang produksyon ay naganap noong 1738. Pagkatapos nito, noong 1743, nagtanghal si Goldoni ng isang dula kung saan naisulat na ang lahat ng mga tungkulin. Ngunit ito ay simula lamang ng reporma. Dahil walang aktor na marunong gumanap ng mga pre-written roles, kinailangan ng playwright na magsanay muli o magturo muli sa isang buong henerasyon ng mga bagong aktor. Para kay Goldoni ito ay hindi isang malaking bagay, dahil siya ay isang mahusay na guro sa teatro at isang walang kapaguran na tao. Nakumpleto niya ang gawain na siya mismo ang nagtakda, kahit na tumagal ito ng ilang taon.

Sinundan ng Italian playwright ang reform scheme na kanyang naimbento. Noong 1750, nilikha ang dulang "Comic Theater", ang balangkas kung saan ay ang mga pananaw ng may-akda sa dramaturhiya at sining ng pagganap. Nagsalita si Goldoni sa kanyang sanaysay tungkol sa pangangailangan na patuloy na kumilos, ngunit maingat, sa mga pagbabagong kanyang binalak. Kapag naiimpluwensyahan ang mga aktor at manonood, ang kanilang mga panlasa at pagnanasa ay dapat isaalang-alang.

Sa totoong buhay, ang playwright ay kumilos nang eksakto sa parehong paraan. Ang kanyang mga unang dula ay may mga lumang maskara, ang mga karakter ay nagsasalita sa diyalekto. Pagkatapos ang mga maskara ay unti-unting nagsimulang mawala o halos ganap na nagbabago; kung ang improvisasyon ay nanatili sa isang lugar, ito ay pinalitan ng isang nakasulat na teksto; unti-unting isinalin ang komedya mula sa diyalekto sa wikang pampanitikan. Kasabay ng mga inobasyong ito, nagsimula ring magbago ang acting technique.

Ang sistema ni Goldoni ay hindi nanawagan para sa ganap na pagtanggi sa mga tradisyon ng komedya ng mga maskara. Ang sistemang ito ay iminungkahi na bumuo ng mga lumang tradisyon, upang bumuo ng mga ito nang napakabilis, ngunit hindi sa lahat ng mga lugar. Nabuhay muli ang playwright at nagsimulang gamitin ang lahat ng bagay na makatotohanan sa komedya ng mga maskara. Mula sa genre na ito natutunan niya ang husay ng intriga at poignancy. Ngunit sa parehong oras, ang lahat ng kamangha-manghang at buffooner ay hindi interesado sa kanya.

Goldoni sa kanyang mga komedya na nilayon upang ilarawan at punahin ang mga umiiral na kaugalian, ibig sabihin, nais niyang maging isang uri ng paaralan ng moralidad ang kanyang mga gawa. Kaugnay nito, tinawag niyang “comedies of the environment” o “collective comedies” ang kanyang mga nilikha, sa halip na tawagin ang mga ito na comedies of manners. Ang nasabing partikular na terminolohiya ay sumasalamin nang husto sa sarili nitong paraan sa mga sinehan ng Goldoni.

Hindi gusto ng manunulat ng dula ang mga dula kung saan ang aksyon ay inilipat mula sa isang lugar patungo sa lugar. Fan siya ni Moliere. Gayunpaman, naniniwala si Goldoni na ang pagkakaisa ng produksyon ay hindi dapat maging makitid. Minsan ay nagtayo siya ng isang napaka-komplikadong, multi-faceted set sa entablado.

Narito ang isang paglalarawan ng set para sa komedya na "Coffee Room", na itinanghal noong 1750, na makukuha sa literatura: "Ang entablado ay isang malawak na kalye sa Venice; sa likuran ay may tatlong tindahan: ang gitna ay isang coffee shop, sa kanan ay isang hairdresser, sa kaliwa ay isang tindahan ng pagsusugal; sa itaas ng mga bangko ay mga silid na kabilang sa mas mababang bangko, na may mga bintanang nakaharap sa kalye; sa kanan, mas malapit sa madla (sa kabila ng kalye), ang bahay ng mananayaw; sa kaliwa ay ang hotel."

Sa ganitong kapaligiran, nagaganap ang mayaman at nakakabighaning aksyon ng dula. Ang mga tao ay dumarating at umalis, nag-aaway, gumawa ng kapayapaan, atbp. Sa ganitong mga komedya, gaya ng paniniwala ni Goldoni, dapat walang pangunahing tauhan, walang dapat bigyan ng kagustuhan. Iba ang gawain ng playwright: dapat niyang ipakita ang totoong sitwasyon ng panahong iyon.

Ang mandudula ay sabik na nagpapakita ng mga eksena ng buhay sa kalunsuran sa kanyang mga gawa at inilalarawan ang pang-araw-araw na buhay ng mga tao ng iba't ibang klase. Pagkatapos ng kanyang unang paglalaro, mahigpit niyang sinunod ang mga prinsipyo ng kolektibong komedya sa mga gawa tulad ng "Coffee Shop", "New Apartment", "Kyojin Skirmishes", "Fan" at marami pang iba. Naka-on espesyal na sitwasyon nagkaroon ng dulang "Kyojin Skirmishes", dahil wala pang nagpakita ng buhay ng ganitong mababang saray ng lipunan. Ito ay isang napaka nakakatawang komedya mula sa buhay ng mga mangingisda.

Si Goldoni ay mayroon ding mga gawa kung saan ipinagkanulo niya ang kanyang mga prinsipyo. At pagkatapos ay lumitaw ang isang bayani sa komedya na napakatalino na nalampasan niya ang lahat sa paligid niya. Halimbawa, sa isa sa kanyang mga naunang komedya, "The Servant of Two Masters," na isinulat noong 1749, ang playwright ay lumikha ng isang simpleng mahusay na imahe ni Truffaldino, na may maraming mga posibilidad sa komiks. Ang karakter na ito ang naging una sa landas ng pagtaas ng pagiging kumplikado ng mga larawan ng commedia dell'arte. Sa imahe ni Truffaldino, pinagsama ni Goldoni ang dalawang Zanis - isang matalinong weasel at isang simpleng isip na bungler. Ang karakter ng bayaning ito ay naging puno ng kontradiksyon.

Ang kumbinasyong ito ng mga magkasalungat ay naging batayan para sa isang mas lantad na paglalarawan ng panloob na kaibahan, puno ng mga sorpresa at sa parehong oras ay pare-parehong mga karakter sa mga mature na komedya ni Goldoni. Ang pinakamahusay sa mga karakter na ito ay si Mirandolina sa komedya na "The Landlady of the Inn" (1753). Ito ay isang simpleng batang babae, na nangunguna sa isang matapang, may talento, walang walang kalkulasyon na laro kasama ang Count of Albafiorita, na ang titulo ay binili, ang Marquis ng Forlipopoli at ang ginoo ng Ripafratta. Nang manalo sa larong ito, pinakasalan ni Mirandolina ang tagapaglingkod na si Fabrizio, isang lalaki ng kanyang bilog. Ang papel na ito ay isa sa pinakasikat at bantog sa repertoire ng komedya sa mundo.

Itinuturing ng mga kritiko sa teatro si Goldoni ang pinaka-mapagmasid at walang kinikilingan na kritiko ng moral. Siya, tulad ng walang iba, ay alam kung paano mapansin ang lahat ng nakakatawa, hindi karapat-dapat at hangal sa isang tao na kabilang sa anumang stratum ng lipunan. Ngunit gayon pa man, ang pangunahing layunin ng kanyang panunuya ay ang maharlika, at ang pangungutya na ito ay hindi nangangahulugang mabuti.

Ang mga aktibidad ng hindi lamang Goldoni, kundi pati na rin ng iba pang mga Italyano na tagapagturo, ang kanilang propaganda ng pagkakapantay-pantay ng klase, ang paglaban sa lumang paraan ng pamumuhay, at ang pangangaral ng katwiran ay nakatagpo ng masiglang tugon sa labas ng Italya. Muling tumaas ang kahalagahan ng kulturang Italyano.

Noong 1766, sumulat si Voltaire: “Dalawampung taon na ang nakararaan pumunta sila sa Italya upang makita ang mga sinaunang estatwa at makinig sa bagong musika. Ngayon ay maaari kang pumunta doon upang makita ang mga taong nag-iisip at napopoot sa pagtatangi at panatismo.”

Kakaiba pala ang klase ng comedy of manners na nilikha ni Carlo Goldoni kalagitnaan ng ika-18 siglo siglo. Ipinapaliwanag nito ang pan-European na pagkilala na natanggap ng mga gawa ni Goldoni sa kanyang buhay. Ngunit sa kanyang bayan ay gumawa siya ng ilang medyo seryosong mga kaaway. Nakipagkumpitensya sila sa kanya, nagsulat sila ng mga parodies at polyeto tungkol sa kanya. Goldoni, siyempre, ay hindi walang malasakit sa gayong mga pag-atake. Ngunit dahil siya ang kauna-unahang komedyante sa Italya, hindi niya maisapuso ang mga pakana na ito.

Gayunpaman, noong 1761, ang kanyang tila hindi natitinag na posisyon ay bahagyang nayanig. Ang paggawa ng theatrical fairy tale (fiaba) ni Carlo Gozzi na “The Love for Three Oranges” ay isang malaking tagumpay. Nakita ni Goldoni dito ang isang pagkakanulo sa kanyang sarili sa bahagi ng publikong Venetian. Pumayag siya sa alok na pumalit sa playwright ng Theater Italian comedy sa Paris at noong 1762 ay umalis ng Venice magpakailanman.

Ngunit sa lalong madaling panahon ang manunulat ng dula ay kailangang humiwalay sa teatro na ito. Ang dahilan nito ay hinihiling sa kanya ng pamunuan ng teatro na magsulat ng mga script ng commedia dell'arte. Sa madaling salita, kailangan niyang suportahan ang genre na kanyang kinakalaban sa kanyang tinubuang-bayan. Hindi matanggap ni Goldoni ang kalagayang ito at nagsimulang maghanap ng ibang trabaho.

Sa loob ng ilang oras nagturo siya ng Italyano. Ang kanyang mga estudyante, bukod sa iba pa, ay ang mga prinsesa, mga anak na babae ni Louis XV, na nagpapahintulot sa kanya na makatanggap ng isang maharlikang pensiyon. Pagtuturo sa iba sa iyo katutubong wika, Perpektong natutunan ni Goldoni ang Pranses.

Noong 1771, sa pagdiriwang ng kasal ng Dauphin, ang hinaharap na hari na si Louis XVI, ang komedya ni Goldoni na "The Grumpy Benefactor," na isinulat sa Pranses, ay itinanghal sa teatro ng Comedie Française. Siya ay tinanggap nang kamangha-mangha, ngunit ito ang huling tagumpay sa teatro ni Goldoni.

Noong 1787, isinulat at inilathala niya ang kanyang tatlong tomo na Memoirs. Ang gawaing ito ay nananatiling isang napakahalagang mapagkukunan ng impormasyon tungkol sa mga teatro ng Italyano at Pranses noong ika-18 siglo ngayon.

Sa mga panahon Rebolusyong Pranses Inalis ang royal pension ni Goldoni. Ang Convention pagkatapos ay nagpasya na ibalik ang kanyang pensiyon ayon sa isang ulat ng French playwright na si Marie Joseph Chénier. Ngunit hindi nalaman ni Goldoni ang tungkol dito, dahil namatay siya noong nakaraang araw.

Carlo Gozzi (1720-1806) ( kanin. 55) nagsimula ang kanyang tunggalian kay Goldoni sa mga parodies na sabay niyang isinulat pangkat pampanitikan tinatawag na "Academy of Granellesques". Ang clownish na pangalan na ito ay isinalin bilang "akademya ng mga idle talkers."

kanin. 55. Carlo Gozzi

Si Gozzi ay tiyak na laban sa theatrical reform ni Goldoni, dahil nakita niya dito (at hindi nang walang dahilan) ang isang pag-atake sa mga umiiral na pananaw sa sining at sa mga pundasyon modernong mundo. Si Gozzi, nang buong kaluluwa, ay para sa luma, pyudal na paraan ng pamumuhay, para sa bawat layer ng lipunan na kumuha ng nararapat na lugar nito. Kaugnay nito, ang mga katutubong komedya ni Goldoni ay tila ganap na hindi katanggap-tanggap sa kanya, lalo na dahil sa mga ito ay inilarawan niya ang mga mas mababang uri ng lipunan.

Si Gozzi ay hindi lamang isang kalaban ng Enlightenment cult of reason. Ang mga emosyon sa kanyang mga pananaw at kilos ay may mas malaking papel kaysa sa isang malamig at matino na pag-iisip.

Si Gozzi ay ipinanganak sa isang matandang patrician, dating napakayaman, ngunit pagkatapos ay mahirap na pamilya. Natural, nabuhay siya sa nakaraan. Kinasusuklaman niya ang France at ang Pranses dahil sila ang pinuno ng Enlightenment. Kasabay nito, kinasusuklaman niya ang mga kababayan na ayaw mamuhay sa dating paraan.

Siya mismo ay hindi kailanman sumunod sa anumang paraan - ni sa kanyang mga iniisip, o sa kanyang paraan ng pamumuhay, o sa pananamit. Mahal niya ang kanyang bayang kinalakhan - Venice - dahil, tulad ng tila sa kanya, ang mga espiritu ng nakaraan ay nanirahan dito. Ang mga salitang ito ay hindi isang walang laman na parirala para sa kanya, dahil matatag siyang naniniwala sa pagkakaroon ng kabilang mundo at, na sa kanyang katandaan, iniuugnay ang lahat ng kanyang mga problema sa katotohanan na ang mga espiritu ay naghihiganti sa kanya - ang taong natuto. at sinabi sa iba ang kanilang mga sikreto.

Ang mga miyembro ng Academy of Granellesques ay nag-publish ng mga parody sheet kung saan ipinakita nila ang sopistikadong pagpapatawa. Ngunit ang ganitong uri ng aktibidad sa lalong madaling panahon ay tumigil upang masiyahan si Gozzi. Noong unang bahagi ng 1761, nabigyan siya ng pagkakataon na labanan ang kanyang karibal bilang isang manunulat ng dula. At hindi pinalampas ni Gozzi ang pagkakataong ito.

Ang kanyang obra na "The Love for Three Oranges" ay matagumpay na ginanap ng tropa ni Antonio Sacchi. Ang parody ay inilipat sa entablado, at si Goldoni ay pinalayas sa entablado ng Venetian, na, tila, ay nasakop niya magpakailanman. Ngunit ang kahalagahan ng pagtatanghal na ito ay higit na malaki kaysa sa balangkas ng isang simpleng polemikong pampanitikan.

Sa kanyang kaibuturan, si Gozzi ay isang retrograde. Kaya naman masigasig niyang ipinagtanggol ang nakaraan. Ngunit mayroon siyang napakalaking talento at isang taos-pusong pagmamahal sa teatro. Naisulat ang aking unang fyaba ( dula-dulaan na engkanto), inilatag niya ang pundasyon para sa isang bago at medyo mabungang direksyon sa sining.

Noong 1772, inilathala ng playwright ang isang koleksyon ng kanyang mga gawa na may napakalawak na paunang salita. Dito ay isinulat niya: "Maliban kung ang mga sinehan ay magsara sa Italya, ang improvised na komedya ay hindi kailanman mawawala at ang mga maskara nito ay hindi kailanman masisira. Nakikita ko sa improvised na komedya ang pagmamalaki ng Italya at tinitingnan ito bilang libangan, ibang-iba sa nakasulat at sinadya na mga dula.

Sa ilang mga paraan, si Gozzi ay, siyempre, tama. Pagkatapos ng lahat, ang mga tradisyon ng commedia dell'arte ay talagang naging mabunga at matiyaga. Ang mga dula ni Gozzi ay hindi mga halimbawa ng tradisyonal na commedia dell'arte. Hindi siya nag-ambag sa pagwawalang-kilos, ngunit sa pag-unlad ng genre na ito. Masigasig na nais ng playwright na linisin ang komedya ng mga maskara mula sa mga inobasyon na iminungkahi ni Goldoni, at muling gawin ang teatro na "isang lugar ng inosenteng libangan." Ngunit walang nagtagumpay sa kanya. Sa halip, gumawa si Gozzi ng bago theatrical genre, na may kaugnayan sa komedya ng mga maskara, ngunit ibang-iba mula dito, dahil ang komedya ay hindi improvised, ngunit nakasulat. Mula ngayon, iba't ibang mga character ang nakatago sa ilalim ng mga maskara, kung minsan ay walang mga maskara sa lahat sa harapan. Nais ni Gozzi na linisin ang teatro ng mga bagong aesthetic na uso, ngunit nag-ugat na ang mga ito nang labis na maaari lamang niyang subukang ibalik ang mga ito sa kanyang kalamangan.

Ang mandudula ay labis na kinasusuklaman ang mga tagapagturo kaya hindi niya nais na gumugol ng oras sa kanila at maunawaan ang kanilang mga ideya. Tila sa kanya na ipinagtatanggol niya ang pinakamahusay na mga mithiin ng sangkatauhan mula sa mga nagpapaliwanag: karangalan, katapatan, pasasalamat, hindi pag-iimbot, pagkakaibigan, pag-ibig, hindi pag-iimbot. Ngunit, sa pangkalahatan, wala silang hindi pagkakasundo. Sa marami sa mga gawa ni Gozzi ay may mga tawag para sa katapatan sa mga tradisyon ng popular na moralidad, ibig sabihin, sa ganitong diwa, ginawa rin ni Carlo ang kanyang mga kaaway - ang mga enlighteners. Ang isang halimbawa nito ay ang fairy tale na "The Deer King," na isinulat noong 1762. Si Anddiana, na pinili ni Haring Deramo bilang kanyang asawa, ay hindi tumigil sa pagmamahal sa kanya kahit na ang kanyang kaluluwa ay muling nagkatawang-tao sa katawan ng isang pulubi. Ang gawaing ito ay isinulat bilang parangal sa mataas na espirituwalidad at tapat, walang pag-iimbot na pag-ibig.

Ang ilang mga dula, anuman ang kalooban ng may-akda, ay binasa nang ganap na naiiba kaysa sa gusto niya. Halimbawa, sa fairy tale na "The Green Bird," maraming inatake si Gozzi sa mga tagapagturo, ngunit ang kanyang mga pag-atake ay hindi umabot sa kanilang layunin, dahil wala sa mga tagapagturo ang nagkasala sa pangangaral ng pagkamakasarili at kawalan ng utang na loob, na inakusahan niya sa kanila. Ngunit siya ay naging isang kahanga-hangang engkanto tungkol sa mga walang utang na loob, mga layaw na bata na, pagkatapos ng maraming paghihirap sa buhay, natutunan ang empatiya, pasasalamat at katapatan.

Nais ni Gozzi na punahin mula sa entablado ang moral ng tao at ang huwad, na tila sa kanya, ang mga turo noong panahong iyon. At kung wala siyang magagawa sa mga turo, nagtagumpay lang siya sa pagpuna sa moral. Sa kanyang mga fairy tale, marami siyang matulis at malisyosong pananalita tungkol sa burgesya. Halimbawa, tinawag niya ang gumagawa ng sausage na si Truffaldino mula sa fairy tale na "The Green Bird" bilang hustler, creep, at crazy talker.

Gumamit ng maraming epekto sa pagtatanghal ang manunulat ng dula sa pagtatanghal ng kanyang mga dula. Kasunod nito, sinimulan niyang iugnay ang tagumpay ng kanyang mga dula sa mahigpit na moralidad, matinding hilig at seryosong pagganap. At ito ay medyo patas. Minsan ay sumulat siya ng buong talinghaga, kung minsan ay nabihag siya ng lohika ng mga imahe, kung minsan ay gumagamit siya ng mahika, kung minsan ay mas gusto niya ang mga tunay na motibasyon. Isang bagay na hindi niya binago ay ang kanyang hindi mauubos na imahinasyon. Nagpakita ito sa iba't ibang paraan, ngunit palaging naroroon sa lahat ng kanyang mga engkanto.

Sa mga tuntunin ng pantasiya, ang dramaturgy ni Gozzi ay naging isang mahusay na pandagdag sa mahalaga, matalino, ngunit napakatuyo na dramaturhiya ng kanyang mga karibal. Ang pantasyang ito ang umunlad sa entablado ng Teatro San Samuele sa Venice, kung saan ginanap ang mga unang dula ni Gozzi.

Ang mga fiab ni Gozzi ay nagtamasa ng malaking tagumpay sa kanilang sariling bayan, ngunit hindi sila itinanghal sa labas ng Italya. Ang pagkakaroon ng nakasulat na sampung fairy tale sa loob ng 5 taon, tinalikuran ng playwright ang genre na ito. Sumulat siya ng ilang taon pa pagkatapos noon, ngunit wala na siyang katulad na inspirasyon. Noong 1782, naghiwalay ang tropa ni Sacchi, at tuluyang umalis si Gozzi sa teatro. Namatay si Gozzi sa edad na 86, iniwan at kinalimutan ng lahat.

Ang mga dula ni Goldoni ay muling nasakop ang yugto ng Venetian. Ang mga gawa ni Gozzi ay binuhay muli ni Schiller at ng marami sa mga romantiko na itinuturing siyang kanilang hinalinhan. Ang kanyang trabaho ay naglalaman ng lahat ng mga kinakailangan para sa mga romantikong uso, na sa oras na iyon ay nagsimulang kumalat sa buong Europa.

Mula sa aklat na Popular History of Theater may-akda Galperina Galina Anatolevna

Italian theater Matapos ang commedia dell'arte ay nilikha sa Italya, sa loob ng 200 taon ang mga Italyano ay hindi gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa kultura ng mundo. Ang Italya sa panahong ito ay lubhang humina ng panloob na pakikibaka sa pulitika

Mula sa aklat na Daily Life of an Eastern Harem may-akda Kaziev Shapi Magomedovich

Teatro ng Italyano Bagama't pagkatapos ng Unang Digmaang Pandaigdig ang Italya ay kabilang sa mga nagwagi, gayunpaman ang mga kaganapang ito ay nagpalala sa mga panloob na kontradiksyon na umiiral sa bansa. Krisis sa ekonomiya, inflation, kawalan ng trabaho, pagbaba Agrikultura naging dahilan ng pag-unlad

Mula sa aklat na Cinema of Italy. Neorealism may-akda Bogemsky Georgy Dmitrievich

Teatro Nang ang sining ng teatro ay tumagos sa Turkey kasama ang mga uso sa Europa, ginamit ng mga kababaihan ng harem ang lahat ng kanilang mga kakayahan upang kumbinsihin ang Sultan ng pangangailangan na buksan ang kanyang sariling teatro sa seraglio Tila, ang Sultan mismo ay hindi laban sa bagong libangan, dahil

Mula sa aklat na Everyday Life in California During the Gold Rush ni Crete Lilian

Giuseppe De Santis. Para sa tanawin ng Italyano Ang kahulugan ng tanawin, ang paggamit nito bilang pangunahing paraan ng pagpapahayag, kung saan ang mga karakter ay kailangang mabuhay, na parang may mga bakas ng impluwensya nito, tulad ng nangyari sa ating mga dakilang pintor noong lalo nilang gusto.

Mula sa aklat na Music in the Language of Sounds. Ang landas sa isang bagong pag-unawa sa musika may-akda Harnoncourt Nikolaus

Mula sa aklat na Chechens may-akda Nunuev S.-Kh. M.

Estilo ng Italyano at istilong Pranses Noong ika-17 at ika-18 siglo, ang musika ay hindi pa pandaigdigan, naiintindihan ng lahat na sining na ito, salamat sa mga riles, eroplano, radyo at telebisyon - ninais at nagawang maging ngayon. Ganap na nabuo sa iba't ibang rehiyon

Mula sa aklat na Alexander III at ang kanyang panahon may-akda Tolmachev Evgeniy Petrovich

Mula sa aklat na Daily Life of Moscow Sovereigns in the 17th Century may-akda Chernaya Lyudmila Alekseevna

Mula sa aklat na Geniuses of the Renaissance [Koleksyon ng mga artikulo] may-akda Mga talambuhay at memoir Koponan ng mga may-akda --

Teatro Ang unang teatro sa korte, na umiral noong 1672–1676, ay tinukoy ni Tsar Alexei Mikhailovich mismo at ng kanyang mga kapanahon bilang isang uri ng bagong-fangled na "katuwaan" at "kalamigan" sa imahe at pagkakahawig ng mga teatro ng mga monarch sa Europa. Ang teatro sa palasyo ng hari ay hindi agad lumitaw. mga Ruso

Mula sa aklat na Folk Traditions of China may-akda Martyanova Lyudmila Mikhailovna

Teatro Mas magiging hangal na magsimula sa ilang petsa ng pundasyon, pinagmulan, pagtuklas ng ganitong uri ng sining, o sa halip, isa sa mga aspeto ng pag-iral ng tao. Ang teatro ay isinilang kasama ng mundong ito, kahit man lang sa mundong alam natin ngayon, at samakatuwid ito ay posible

Mula sa aklat na Russian Italy may-akda Nechaev Sergey Yurievich

Teatro Kinakailangang banggitin na sa una ang trahedya ay nagsilbing isang paraan ng paglilinis ng kaluluwa, isang pagkakataon upang makamit ang catharsis na nagpapalaya sa isang tao mula sa mga hilig at takot. Ngunit sa isang trahedya mayroong kinakailangang hindi lamang mga tao na may kanilang maliit at makasariling damdamin, kundi pati na rin

Mula sa aklat na The Demon of Theatrics may-akda Evreinov Nikolay Nikolaevich

Mula sa aklat na Mga Paborito. Batang Russia may-akda Gershenzon Mikhail Osipovich