Ang nilalaman ng artikulo

OPERA COMIC, sa orihinal na kahulugan ng termino: isang hanay ng mga pambansang uri ng genre ng opera na lumitaw noong 1730s at umiral hanggang sa simula ng ika-19 na siglo. Kasunod nito, ang termino ay nawala ang hindi malabo; ngayon ito ay madalas na ginagamit na may kaugnayan sa iba't ibang uri ng musikal at entertainment na mga pagtatanghal na may komedya na nilalaman (farce, slapstick, vaudeville, operetta, musikal, atbp.).

Ang pinagmulan at mga tampok ng genre.

Ang comic opera ay binuo sa mga bansang may binuo na kultura ng opera bilang isang kahalili sa court opera seria (Italyano: opera seria - seryosong opera), na ang mga prinsipyo ay binuo noong ika-17 siglo. Mga kompositor ng Italyano ng paaralang Neapolitan (sa partikular, A. Scarlatti). Pagsapit ng ika-18 siglo Ang opera ng korte ng Italya ay pumasok sa isang panahon ng krisis sa pag-unlad nito, na naging "mga konsiyerto ng kasuotan" - napakatalino, puno ng virtuoso vocal effects, ngunit isang static na panoorin. Sa kabaligtaran, ang comic opera ay may higit na kakayahang umangkop, katangian ng bago, mga batang anyo ng sining, at samakatuwid ay may mas malaking dinamika at potensyal na pag-unlad. Ang bagong theatrical genre ay naging laganap sa buong Europa, at bawat bansa ay bumuo ng sarili nitong bersyon ng comic opera.

Gayunpaman, sa kabila ng lahat ng pambansang katangian, ang mga pangkalahatang landas ng pag-unlad ng comic opera ay magkatulad. Ang pagbuo nito ay natukoy ng mga demokratikong prinsipyo ng Enlightenment. Salamat sa kanila, ang mga bagong uso sa musika at operatic na drama ay lumitaw sa comic opera: pagiging malapit sa pang-araw-araw na buhay, katutubong melody (kapwa sa vocal at dance episodes), parody, at kakaiba, "mask" na mga katangian ng mga karakter. Sa mga pagtatayo ng balangkas ng comic opera, ang mga solemne na sinaunang at makasaysayang maalamat na mga linya ay hindi patuloy na binuo, na nanatili tanda ng genre opera serial. Ang mga demokratikong tendensya ay makikita rin sa mga pormal na tampok ng comic opera: pasalitang diyalogo, recitatives, dinamikong aksyon.

Mga pambansang uri ng comic opera.

Ang Italya ay itinuturing na lugar ng kapanganakan ng comic opera, kung saan ang genre na ito ay tinawag na opera buffa (Italian: opera buffa - comic opera). Ang pinagmulan nito ay ang mga comedic opera ng Roman school noong ika-17 siglo. at commedia dell'arte. Sa una ang mga ito ay mga nakakatawang interlude, na ipinasok para sa emosyonal na pagpapalabas sa pagitan ng mga gawa ng opera seria. Ang unang opera buffa ay Maid-mistress G.B. Pergolesi, isinulat ng kompositor bilang interlude sa kanyang sariling opera seria Proud Captive(1733). Nang maglaon, ang mga opera buffa ay nagsimulang gumanap nang nakapag-iisa. Sila ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang maliit na sukat, maliit na bilang ng mga karakter, buffoon-type na arias, patter sa vocal parts, pagpapalakas at pagbuo ng mga ensembles (kumpara sa opera seria, kung saan ang mga solong bahagi ang batayan, at ang mga ensemble at choir ay halos hindi ginagamit. ). Sa musical dramaturgy, ang mga katutubong genre ng kanta at sayaw ang nagsilbing batayan. Nang maglaon, ang liriko at sentimental na mga tampok ay tumagos sa opera buffa, inilipat ito mula sa magaspang na commedia dell'arte patungo sa mga kakaibang isyu at mga prinsipyo ng plot ng C. Gozzi. Ang pag-unlad ng opera buffa ay nauugnay sa mga pangalan ng mga kompositor na sina N. Piccini, G. Paisiello, D. Cimarosa.

Naging iba't ibang Espanyol ang comic opera tonadilla(Spanish tonadilla – kanta, pinaikling mula sa tonada – kanta). Tulad ng opera buffa, ang tonadilla ay ipinanganak mula sa isang numero ng kanta at sayaw na nagbukas ng isang pagtatanghal sa teatro o ginawa sa pagitan ng mga kilos. Nang maglaon ay nabuo ito sa isang hiwalay na genre. Unang tonadilla - Inkeeper at driver(composer L. Mison, 1757). Ang iba pang mga kinatawan ng genre ay M. Pla, A. Guerrero, A. Esteve y Grimau, B. de Lacerna, J. Valledor. Sa karamihan ng mga kaso, ang mga kompositor mismo ay nagsulat ng mga libretto para sa tonadilla.

Sa France nabuo ang genre sa ilalim ng pangalan komedya sa opera(Pranses – comic opera). Ito ay lumitaw bilang isang satirical na parody ng "grand opera". Hindi tulad ng linya ng pag-unlad ng Italyano, sa France ang genre ay unang hinubog ng mga playwright, na humantong sa isang kumbinasyon ng mga musikal na numero na may pasalitang mga diyalogo. Kaya, ang may-akda ng unang French opera comique ay itinuturing na J. J. Rousseau ( Mangkukulam sa nayon, 1752). Dramaturhiya sa musika Ang opéra comique ay nabuo sa mga gawa ng mga kompositor na sina E. Douni at F. Philidor. Sa panahon ng pre-revolutionary, ang opéra comique ay nakakuha ng romantikong oryentasyon, mayaman sa seryosong damdamin at nilalamang pangkasalukuyan (mga kompositor na P. Monsigny, A. Grétry).

Sa Inglatera, ang pambansang uri ng comic opera ay tinatawag na ballad opera at pangunahing binuo sa genre ng social satire. Klasikong sample - Opera ng Pulubi(1728) ng kompositor na si J. Pepusha at playwright na si J. Gay, na naging isang nakakatawang parody ng mga moral ng aristokrasya ng Ingles. Sa iba pang mga kompositor ng Ingles na nagtrabaho sa genre ng ballad opera, ang pinakasikat ay si Charles Coffey, na ang trabaho ay nagkaroon ng malubhang impluwensya sa pag-unlad ng genre sa Germany. .

Ang German at Austrian varieties ng comic opera ay may isang karaniwang pangalan Singspiel(Aleman: Singspiel, mula sa singen - kumanta at Spiel - tumugtog). Gayunpaman, ang German at Austrian singspiels ay may sariling katangian. Kung sa Alemanya ang genre ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng English ballad opera, pagkatapos ay sa Austria - sa ilalim ng impluwensya komedya ng Italyano del arte at French opera comique. Ito ay dahil sa kakaibang kultura ng kabisera ng Austria, Vienna, na naging noong ika-18 siglo. isang internasyonal na sentro kung saan nabuo ang sining ng musika iba't ibang bansa. Ang Austrian singspiel, hindi katulad ng German, kasama ang mga verse at ballad number, ay may kasamang malalaking operatic form: arias, ensembles, well-developed finales. Ang bahagi ng orkestra ay tumatanggap din ng higit na pag-unlad sa Austrian Singspiel. Ang pinakasikat na kompositor ng Singspiel ay sina I. Standfuss, I. A. Giller, W. Müller, K. Dietersdorf at iba pa.

Mga pagbabago sa genre.

Sa pagtatapos ng ika-18 siglo. ang pagbuo ng mga pambansang genre ng comic opera sa kanilang "dalisay" na anyo ay nagsimulang humina. Gayunpaman, sa kanilang batayan, nabuo ang mga bagong prinsipyo ng ilang uri ng musical at entertainment art form. At narito ang nangungunang papel muli ay kabilang sa paaralan ng musika ng Viennese.

Sa isang banda, ang comic opera sa pangkalahatan at singspiel sa partikular ay nag-ambag sa repormasyon ng klasikal na opera, kung saan gumaganap ng malaking papel si W.A. Mozart. Kasunod ng landas ng panloob na pag-renew at synthesis ng nakaraang mga musikal na anyo, si Mozart ay lumikha ng kanyang sariling konsepto ng opera, na nagpayaman sa medyo simpleng pamamaraan ng singspiel at opera buffa, na nagpapakilala sa kanila ng sikolohikal na panghihikayat, makatotohanang mga motibo, at dinadagdagan din sila ng mga musikal na anyo ng seryosong opera. Kaya, Ang Kasal ni Figaro(1786) organikong pinagsama ang anyo ng opera buffa na may makatotohanang nilalaman; Don Juan(1787) pinagsasama ang komedya sa isang tunay na trahedya na tunog; mahiwagang plauta(1791) ay kinabibilangan ng iba't ibang genre ng musika sa klasikal na singspiel: extravaganza, chorale, fugue, atbp.

Kaayon ng Mozart at sa parehong mga prinsipyo sa Austria, isang makabagong reworking ng opera ang isinagawa ni J. Haydn ( Tunay na Permanence, 1776; Mundo ng buwan, 1977; Kaluluwa ng Pilosopo, 1791). Ang mga dayandang ng Singspiel ay malinaw na naririnig sa nag-iisang opera ni L. van Beethoven Fidelio (1805).

Ang mga tradisyon nina Mozart at Haydn ay naintindihan at ipinagpatuloy sa gawain ng kompositor ng Italyano na si G.A Mga tala ng pangako para sa kasal, 1810, bago Barbero ng Seville, 1816, at Cinderella, 1817).

Ang isa pang sangay ng pag-unlad ng comic opera ay nauugnay sa paglitaw at pagbuo ng paaralan ng Viennese classical operetta. Kung noong ika-18 siglo. Ang operetta ay madalas na tinatawag na isang uri ng comic opera (Italian operetta, French opérette, lit. - maliit na opera), pagkatapos ay noong ika-19 na siglo. ito ay lumitaw bilang isang hiwalay na malayang genre. Ang mga prinsipyo nito ay nabuo sa France, ng kompositor na si J. Offenbach, at natanggap ang kanilang pagbuo sa kanyang Bouffe-Parisienne theater.

Ang Viennese classical operetta ay pangunahing nauugnay sa pangalan ni I. Strauss (anak), na dumating sa genre na ito nang huli, sa ikalimang dekada ng kanyang buhay, nang siya ay isa nang sikat sa mundo na may-akda ng maraming klasikal na waltzes. Ang mga operetta ni Strauss ay nailalarawan sa pamamagitan ng melodic richness at iba't ibang anyo ng musika, katangi-tanging orkestra, malawak na symphonic motif ng mga episode ng sayaw, at isang malakas na pag-asa sa Austro-Hungarian folk music. Sa lahat ng ito, walang alinlangan, ang mga tradisyon ng comic opera ay mababasa. Gayunpaman, sa pagbuo ng operetta bilang isang genre, ang pangunahing diin ay inilagay sa musikal at pagganap (parehong orkestra at vocal-choreographic) na mga kasanayan. Ang textual line ng dramaturgy, na matagumpay na nabuo sa English ballad opera at French opéra comique, ay nauwi sa wala at naging primitive dramatic crafts - librettos. Kaugnay nito, sa 16 na operetta na isinulat ni Strauss, tatlo lamang ang nakaligtas sa repertoire ng kasunod na mga sinehan: Bat, Gabi sa Venice At Gipsy Baron. Sa mga libretto na eskematiko na iniuugnay ang tradisyunal na pag-uuri ng operetta bilang isang light entertainment genre.

Ang pagnanais na ibalik ang lalim at lakas ng tunog sa synthetic musical entertainment theater ay nagdulot ng karagdagang pagbuo at pag-unlad ng musical genre, kung saan ang textual, plastic at musical dramaturgy ay umiiral sa hindi maihihiwalay na pagkakaisa, nang walang umiiral na presyon ng sinuman sa kanila.

Comic opera sa Russia.

Pag-unlad musikal na teatro sa Russia hanggang sa huling ikatlong bahagi ng ika-18 siglo. ay batay sa sining ng Kanlurang Europa. Sa partikular, ito ay pinadali ng espesyal na pagkahilig ni Catherine II para sa mga "banyagang" artist. Kung sa teatro ng drama ng Russia sa oras na ito ang mga pangalan ng mga domestic playwright na sina A. Sumarokov, M. Kheraskov, Y. Knyazhnin, D. Fonvizin at iba pa ay kilala na, kung gayon ang mga pagtatanghal ng mga ballet at opera troupe ay batay lamang sa mga gawa. ng mga dayuhang may-akda. Kasama ng mga amateur at propesyonal na grupo ng Russia, ang French opera comique at ang Italian opera buffa ay inanyayahan ng cabinet secretary ni Catherine II, Ivan Elagin, na responsable para sa theatrical "staff," upang maglibot sa court theater. Ito ay higit sa lahat dahil sa mga di-theatrical na interes ng mga maimpluwensyang courtier ni Catherine II (Prince Potemkin, Count Bezborodko, atbp.): Ang pagkakaroon ng mga pakikipag-ugnayan sa mga dayuhang artista sa oras na iyon ay itinuturing na mabuting asal.

Laban sa background na ito, ang pagbuo ng paaralan ng opera ng Russia at ang sekular na paaralan ng komposisyon ay nagsimula sa pagbuo ng pambansang comic opera. Ang landas na ito ay lubos na lohikal: ito ay comic opera, dahil sa kanyang pangunahing demokratikong kalikasan, na nagbibigay ng pinakamataas na pagkakataon para sa pagpapakita ng pambansang kamalayan sa sarili.

Ang paglikha ng comic opera sa Russia ay nauugnay sa mga pangalan ng mga kompositor na si V. Pashkevich ( Kasalanan mula sa karwahe, 1779; Kuripot, 1782), E. Fomina ( Coachmen sa isang stand, o Maglaro kapag nagkataon, 1787; mga Amerikano, 1788), M. Matinsky ( St. Petersburg Gostiny Dvor, 1782). Ang musika ay batay sa himig ng mga awiting Ruso; Ang interpretasyon sa entablado ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang libreng paghalili ng recitative at melodic na pag-awit, isang buhay na buhay na makatotohanang pag-unlad ng mga katutubong karakter at buhay, at mga elemento ng panlipunang pangungutya. Ang comic opera ang pinakasikat Miller - mangkukulam, manlilinlang at matchmaker sa isang libretto ng playwright na si A. Ablesimov (composer - M. Sokolovsky, 1779; mula 1792 ito ay ginanap sa musika ni E. Fomin). Nang maglaon, ang Russian comic opera (tulad ng mga European varieties nito) ay dinagdagan ng liriko at romantikong motif (mga kompositor na K. Kavos - Ivan Susanin,Nikitich,Firebird at iba pa.; A.Verstovsky – Pan Tvardovsky,libingan ni Askold at iba pa.).

Nagsimula ang pagbuo ng Russian comic opera noong ika-19 na siglo. dalawang direksyon ng pambansang musikal at entertainment theater. Ang una ay ang klasikal na opera ng Russia, ang mabilis na pag-unlad nito ay sanhi ng mga talento ng M. Glinka, A. Dargomyzhsky, M. Mussorgsky, A. Borodin, N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky at iba pa sangay sining ng musika ilang mga pinababang tampok lamang ng orihinal na genre ang natitira: pag-asa sa mga katutubong melodies at indibidwal na mga yugto ng komedya. Sa pangkalahatan, ang opera ng Russia ay organikong pumasok sa pangkalahatang tradisyon ng mundo ng mga klasiko ng opera.

Ang pangalawang direksyon ay mas malinaw na napanatili ang mga tiyak na tampok ng komedya. Ito ay isang Russian vaudeville, kung saan ang diyalogo at nakakaaliw na aksyon, na binuo sa nakakatuwang intriga, ay pinagsama sa musika, mga couplet at sayaw. Sa isang tiyak na kahulugan, ang Russian vaudeville ay maaaring ituring na isang uri ng "light genre" ng European operetta, ngunit mayroon itong sariling mga natatanging tampok. Ang dramatikong batayan ng vaudeville ay hindi ang libretto, ngunit isang mahusay na ginawang dula. Halimbawa, ang isa sa mga unang Ruso na may-akda ng vaudeville ay si A. Griboedov ( Ang iyong sariling pamilya, o isang kasal na nobya, sa pakikipagtulungan kay A. Shakhovsky at N. Khmelnitsky, 1817; Sino ang kapatid, sino ang kapatid, o Panlilinlang pagkatapos ng panloloko, co-authored kasama si P. Vyazemsky, 1923). Nagtrabaho si A. Pisarev sa genre ng vaudeville, kalaunan - F. Koni, D. Lensky (kanyang vaudeville Lev Gurych Sinichkin ay itinanghal hanggang sa araw na ito), V. Sollogub, P. Karatygin at iba pa. Kaya, ang batayan ng Russian vaudeville ay hindi musikal, ngunit pampanitikan na drama, at ang musika ay binibigyan ng isang pantulong na papel sa mga naipasok na mga numero ng taludtod. Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Ginawa ni A. Chekhov ang kanyang kontribusyon sa pagpapaunlad ng vaudeville ( Oso,Alok,Anibersaryo,Kasal atbp.), pag-alis nito sa static na balangkas ng genre at pagpapayaman sa mga karakter ng mga karakter.

Ang mga pagtatangka na bumuo ng genre ng comic opera batay sa isang kumbinasyon ng mga tradisyon ng operetta na may detalyadong sikolohikal na pag-unlad ng mga character ay ginawa sa Russia sa simula ng ika-20 siglo, kabilang ang Moscow Art Theater. Kaya, si V. Nemirovich-Danchenko noong 1919 ay lumikha ng isang Music Studio (Comic Opera) at, kasama ang mga aktor nito, ay itinanghal ang Moscow Art Theater. anak ni Ango Lecoq at Pericola Offenbach, nalutas bilang isang "melodrama-bouffe". Noong unang bahagi ng 20s, si Nemirovich-Danchenko ay nagtanghal ng mga comic opera dito Lysistrata Aristophanes, 1923; Carmencita at ang sundalo, 1924.

Noong panahon ng Sobyet, na nagpahayag ng sosyalistang realismo bilang pangunahing prinsipyo ng sining, ang walang kabuluhang kahulugan ng genre ng "operetta" ay lalong natatakpan ng neutral na "musical comedy." Sa katunayan, sa loob nito pangkalahatang termino mayroong maraming mga varieties - mula sa klasikong operetta hanggang sa hindi bababa sa klasikong vaudeville; mula sa jazz approach hanggang sa mga musikal hanggang sa Brechtian zong opera; maging ang “pathetic comedy”, atbp.

Ang interes ng mga dramatikong artista ng Russia sa teatro ng musika ay palaging napakahusay: naaakit sila ng pagkakataong subukan ang kanilang sarili sa isang bagong genre, upang ipakita ang kanilang mga kakayahan sa boses at plastik. Kasabay nito, walang alinlangan, ang synthetic musical genre ay lalong kaakit-akit: ang tradisyonal na Russian acting school ay patuloy na nililinang ang sikolohiya, na hindi masyadong kailangan para sa operetta o vaudeville. Ang pagkawasak ng "Iron Curtain" at pagsali sa pandaigdigang daloy ng kultura ay nagbigay sa Russia ng mga bagong pagkakataon upang bumuo ng sintetikong genre ng musikal, na sa oras na iyon ay nasakop ang buong mundo. At ngayon, ilang tao ang naaalala na ang kasaysayan ng pinakasikat na genre ng musika sa mundo ay nagsimula noong unang kalahati ng ika-18 siglo. mula sa isang comic opera.

Tatiana Shabalina

Italyano opera, lit. - trabaho, negosyo, sanaysay

Isang uri ng musikal at dramatikong gawain. Ang opera ay batay sa isang synthesis ng mga salita, aksyon sa entablado at musika. Hindi tulad ng iba't ibang uri ng dramatikong teatro, kung saan gumaganap ang musika ng mga auxiliary, inilapat na mga function, sa opera ito ang nagiging pangunahing carrier at nagtutulak na puwersa ng pagkilos. Ang isang opera ay nangangailangan ng isang holistic, patuloy na pagbuo ng musikal at dramatikong konsepto (tingnan). Kung ito ay wala, at ang musika ay sinasamahan at naglalarawan lamang ng tekstong pandiwa at ang mga kaganapang nagaganap sa entablado, kung gayon ang operatikong anyo ay nawasak, at ang pagiging tiyak ng opera bilang isang espesyal na uri ng musikal at dramatikong sining.

Ang paglitaw ng opera sa Italya sa pagliko ng ika-16-17 siglo. ay inihanda, sa isang banda, ng ilang mga anyo ng tradisyon ng Renaissance, kung saan ang musika ay binigyan ng kahalagahan. lugar (nakamamanghang interlude, pastoral drama, trahedya sa mga koro), at sa kabilang banda, malawakang pag-unlad sa parehong panahon solong pagkanta kasama ang instr. saliw. Sa O. natagpuan ng mga paghahanap at eksperimento noong ika-16 na siglo ang pinakakumpletong pagpapahayag. sa larangan ng expressive wok. monody, na may kakayahang ihatid ang iba't ibang mga nuances ng pagsasalita ng tao. Sumulat si B.V. Asafiev: "Ang dakilang kilusang Renaissance, na lumikha ng sining ng" bagong tao ", ay nagpahayag ng karapatang malayang ipahayag ang kaluluwa, ang mga emosyon sa labas ng pamatok ng asetisismo, ay nagbunga ng bagong pag-awit, kung saan ang tinig, chanted na tunog ay naging isang pagpapahayag ng emosyonal na kayamanan ng puso ng tao sa walang limitasyong mga pagpapakita nitong malalim na rebolusyon sa kasaysayan ng musika, na nagbago sa kalidad ng intonasyon, iyon ay, ang paghahayag ng panloob na nilalaman, kaluluwa, at emosyonal na kalagayan sa boses ng tao at. pagsasalita, maaari lamang bigyang-buhay ang sining ng opera" (Asafiev B.V., Izbr. works, vol. V, M., 1957, p. 63).

Ang pinakamahalaga, mahalagang elemento ng isang operatikong gawain ay ang pag-awit, na naghahatid ng maraming karanasan ng tao sa pinakamagagandang kulay. Sa pamamagitan ng mga diver. gumawa ng wok. intonasyon sa O. ay nagpapakita ng indibidwal na pag-iisip. ang makeup ng bawat karakter, ang mga katangian ng kanyang karakter at ugali ay naipaparating. Mula sa banggaan ng iba't ibang intonasyon. complexes, ang relasyon sa pagitan ng kung saan ay tumutugma sa balanse ng mga puwersa sa mga drama. aksyon, ang "intonation dramaturgy" ni O. ay ipinanganak bilang isang musical-drama. ang kabuuan.

Pag-unlad ng symphony noong ika-18-19 na siglo. pinalawak at pinayaman ang mga posibilidad ng interpretasyon ng drama sa pamamagitan ng musika. mga aksyon sa O., na inilalantad ang nilalaman nito, na hindi palaging ganap na inihahayag sa inaawit na teksto at ang mga aksyon ng mga tauhan. Ang orkestra ay gumaganap ng iba't ibang komentaryo at pangkalahatang papel sa orkestra. Ang mga pag-andar nito ay hindi limitado sa suporta sa wok. mga partido at nagpapahayag na diin sa mga indibidwal, higit sa lahat. mga sandali ng pagkilos. Maaari itong ihatid ang "undercurrent" ng aksyon, na bumubuo ng isang uri ng drama. isang counterpoint sa kung ano ang nangyayari sa entablado at kung ano ang kinakanta ng mga mang-aawit. Ang ganitong kumbinasyon ng iba't ibang mga plano ay isa sa pinakamalakas na pagpapahayag. techniques sa O. Kadalasan tinatapos ng orkestra ang kuwento, kinukumpleto ang sitwasyon, dinadala ito sa pinakamataas na punto ng drama. Boltahe. Ang orkestra ay gumaganap din ng isang mahalagang papel sa paglikha ng background ng aksyon, na binabalangkas ang sitwasyon kung saan ito nagaganap. Orkestra-naglalarawan. ang mga episode kung minsan ay nagiging kumpletong symphony. mga kuwadro na gawa. Puro orc. Ang ilang partikular na kaganapan na bahagi ng mismong aksyon ay maaaring isama sa pamamagitan ng paraan (halimbawa, sa mga symphonic intermission sa pagitan ng mga eksena). Sa wakas, ang orc. ang pag-unlad ay nagsisilbing isa sa mga nilalang. mga kadahilanan para sa paglikha ng isang magkakaugnay, kumpletong operatic form. Ang lahat ng nasa itaas ay kasama sa konsepto ng operatic symphonism, na gumagamit ng marami sa mga pampakay na pamamaraan. pag-unlad at pagbuo na nabuo sa "dalisay" na mga instrumento. musika. Ngunit ang mga diskarteng ito ay tumatanggap ng isang mas nababaluktot at libreng aplikasyon sa teatro, napapailalim sa mga kondisyon at kinakailangan ng teatro. mga aksyon.

Kasabay nito, nangyayari ang kabaligtaran na epekto ng oxygen sa instrumento. musika. Kaya, nagkaroon ng walang alinlangan na impluwensya si O. sa pagbuo ng klasikal. symphony orkestra. Row orc. mga epekto na lumitaw kaugnay ng ilang mga gawain ng dula sa teatro. order, pagkatapos ay naging pag-aari ng instrumento. pagkamalikhain. Pag-unlad ng operatic melody noong ika-17-18 siglo. naghanda ng ilang uri ng mga klasiko. instr. thematicism. Ang mga kinatawan ng programmatic romanticism ay madalas na gumagamit ng mga pamamaraan ng operatic expressiveness. symphonism, na naghangad na magpinta gamit ang instrumental na paraan. musika, mga partikular na larawan at larawan ng realidad, hanggang sa pagpaparami ng mga kilos at intonasyon ng pananalita ng tao.

Sa musika, ginagamit ang iba't ibang genre ng pang-araw-araw na musika - kanta, sayaw, martsa (sa kanilang maraming uri). Ang mga genre na ito ay nagsisilbi hindi lamang upang ibalangkas ang background kung saan ang aksyon ay naglalahad, ang paglikha ng pambansa. at lokal na kulay, ngunit din upang makilala ang mga character. Ang isang pamamaraan na tinatawag na "generalization through genre" (isang termino ni A. A. Alshwang) ay malawakang ginagamit sa masining na pagpapahayag. Ang awit o sayaw ay nagiging isang paraan ng pagiging totoo. typification ng imahe, pagkakakilanlan ng pangkalahatan sa partikular at indibidwal.

Diff ratio mga elemento kung saan binubuo ang sining bilang sining. buo, nag-iiba depende sa pangkalahatang aesthetics. mga usong umiiral sa isang partikular na panahon, sa isang direksyon o iba pa, gayundin mula sa mga partikular na malikhaing artist. mga problemang nalutas ng kompositor sa gawaing ito. Mayroong pangunahing mga vocal orchestra, kung saan ang orkestra ay itinalaga ng pangalawang, subordinate na tungkulin. Kasabay nito, ang orkestra ay maaaring maging ch. carrier ng mga drama. aksyon at dominahin ang wok. sa mga batch. May mga kilalang O., na binuo sa kahalili ng kumpleto o medyo kumpletong woks. mga anyo (aria, arioso, cavatina, iba't ibang uri ng ensembles, choirs), at O. primary. uri ng recitative, kung saan ang aksyon ay patuloy na umuunlad, nang walang paghahati sa mga departamento. mga yugto (mga numero), mga pagtatanghal na may nangingibabaw na solong elemento, at mga pagtatanghal na may mga nabuong ensemble o koro. Lahat ng R. ika-19 na siglo inilagay ang konsepto ng "musical drama" (tingnan ang Musical drama). Musika ang dula ay ikinukumpara sa kumbensiyonal na O. “numbered” na istraktura. Ang kahulugan na ito ay nangangahulugang produksyon, kung saan ang musika ay ganap na napapailalim sa drama. pagkilos at sinusunod ang lahat ng liko nito. Gayunpaman, ang kahulugan na ito ay hindi isinasaalang-alang ang tiyak. ang mga batas ng operatic dramaturgy, na hindi ganap na tumutugma sa mga batas ng drama. t-ra, at hindi nakikilala ang O. sa ilang iba pang uri ng teatro. mga pagtatanghal na may musika, kung saan hindi ito gumaganap ng nangungunang papel.

Ang katagang "O." kondisyonal at lumitaw nang huli kaysa sa genre ng musical-drama na itinalaga nito. gumagana. Ang pangalang ito ay unang ginamit sa ibinigay na kahulugan nito noong 1639, at ito ay ginamit sa pangkalahatan noong ika-18 siglo. ika-19 na siglo Ang mga may-akda ng mga unang opera, na lumitaw sa Florence sa pagliko ng ika-16 at ika-17 siglo, ay tinawag silang "mga drama sa musika" (Drama per musica, lit. - "drama sa pamamagitan ng musika" o "drama para sa musika"). Ang kanilang paglikha ay sanhi ng pagnanais na buhayin ang sinaunang Griyego. trahedya. Ang ideyang ito ay ipinanganak sa isang lupon ng mga humanist na siyentipiko, manunulat at musikero na nakapangkat sa paligid ng Florentine nobleman na si G. Bardi (tingnan ang Florentine Camerata). Ang mga unang halimbawa ng O. ay itinuturing na "Daphne" (1597-98, hindi napanatili) at "Eurydice" (1600) ni J. Peri sa susunod na pahina. O. Rinuccini (ang musika para sa "Eurydice" ay isinulat din ni G. Caccini). Ch. Ang layunin na iniharap ng mga may-akda ng musika ay ang kalinawan ng pagbigkas. Wok. ang mga bahagi ay idinisenyo sa isang melodic-recitative na paraan at naglalaman lamang ng ilang, hindi magandang nabuo na mga elemento ng coloratura. Noong 1607 nagkaroon ng ayuno sa Mantua. O. "Orpheus" ni C. Monteverdi, isa sa pinakadakilang musikero-playwright sa kasaysayan ng musika. Dinala niya ang tunay na drama, ang katotohanan ng mga hilig sa O., pinayaman ito at ipinahayag. mga pasilidad.

Nagmula sa isang aristokratikong kapaligiran. ang salon, O. ay demokrasya sa paglipas ng panahon, nagiging accessible sa mas malawak na mga seksyon ng populasyon. Sa Venice, na naging gitna. ika-17 siglo Ch. sentro para sa pag-unlad ng genre ng opera, ang unang pampublikong teatro ay binuksan noong 1637. teatro ng opera ("San Cassiano"). Ang pagbabago sa panlipunang base ng O. ay nakaapekto sa mismong nilalaman at katangian ng pagpapahayag nito. pondo. Kasama ang mitolohiya lumilitaw ang mga makasaysayang plot. tema, mayroong isang labis na pananabik para sa matalim, matinding drama. mga salungatan, isang kumbinasyon ng trahedya at komiks, ang kahanga-hangang may nakakatawa at batayan. Wok. ang mga bahagi ay nagpapatugtog, nakakakuha ng mga tampok na bel canto, at lumabas nang nakapag-iisa. solong yugto ng uri ng aria. Ang mga huling opera ni Monteverdi ay isinulat para sa Venice, kabilang ang The Coronation of Poppea (1642), na muling binuhay sa modernong repertoire. mga opera house. Kasama sa pinakamalaking kinatawan ng Venetian opera school (tingnan ang Venice School) sina F. Cavalli, M. A. Cesti, G. Legrenzi, A. Stradella.

Pagkahilig sa pagtaas ng melodic. simula at pagkikristal ng natapos na wok. mga form, na binalangkas ng mga kompositor ng Venetian school, ay higit na binuo ng mga masters ng Neapolitan opera school, na binuo sa simula. Ika-18 siglo Una pangunahing kinatawan Ang paaralang ito ay F. Provenzale, ang pinuno nito ay si A. Scarlatti, kabilang sa mga kilalang master ay sina L. Leo, L. Vinci, N. Porpora at iba pa. Ang mga libretto sa istilo ng paaralang Neapolitan ay isinulat din ng mga kompositor ng iba pang mga nasyonalidad, kabilang ang I. Hase, G. F. Handel, M. S. Berezovsky, D. S. Bortnyansky. Sa paaralang Neapolitan, ang anyo ng aria (lalo na ang da capo) ay nabuo sa wakas, isang malinaw na hangganan ang naitatag sa pagitan ng aria at ng recitative, at ang dramaturgical na istilo ay tinukoy. function divers. elemento ng O. sa kabuuan. Ang pagpapapanatag ng operatic form ay pinadali ng gawain ng mga librettist na A. Zeno at P. Metastasio. Nakabuo sila ng isang maayos at kumpletong uri ng opera seria ("seryosong opera") batay sa mitolohiko. o historical-heroic. balangkas. Pero sa paglipas ng panahon, drams. ang nilalaman ng O. na ito ay lalong kumupas sa background, at ito ay naging libangan. "concert in costumes", ganap na nagpapasakop sa kapritso ng mga birtuoso na mang-aawit. Nasa kalagitnaan na. ika-17 siglo Italyano O. lumaganap sa isang bilang ng Europa. mga bansa Ang pagkakakilala dito ay nagsilbing insentibo para sa paglitaw ng kanilang sariling pambansang sa ilan sa mga bansang ito. teatro ng opera Sa England, si G. Purcell, gamit ang mga nakamit ng Venetian opera school, ay lumikha ng isang malalim na orihinal na produksyon. sa katutubong wika na "Dido at Aeneas" (1680). Si J. B. Lully ang nagtatag ng Pranses. liriko na trahedya - parang heroic-tragic. O., sa maraming paraan malapit sa classic. mga trahedya nina P. Corneille at J. Racine. Kung ang "Dido at Aeneas" ni Purcell ay nanatiling isang isolated phenomenon na walang continuation sa English. lupa, tapos liriko ang genre. Ang trahedya ay malawakang binuo sa France. Ang rurok nito sa kalagitnaan. Ika-18 siglo ay nauugnay sa gawain ni J. F. Rameau. Kasabay nito, ital. opera seria, na nangibabaw noong ika-18 siglo. sa Europa, madalas na naging isang preno sa pag-unlad ng pambansang TUNGKOL SA.

Noong 30s Ika-18 siglo Sa Italya, lumitaw ang isang bagong genre - opera buffa, na binuo mula sa komiks. interludes, na kadalasang ginagawa sa pagitan ng mga gawa ng isang opera seria. Ang unang halimbawa ng genre na ito ay karaniwang itinuturing na mga interludes ng G. V. Pergolesi "The Servant-Mistress" (1733, na ginanap sa pagitan ng mga gawa ng kanyang opera-serye na "The Proud Captive"), na sa lalong madaling panahon ay nakakuha ng kahulugan sa kanilang sariling karapatan. magandang tanawin gumagana. Ang karagdagang pag-unlad ng genre ay nauugnay sa pagkamalikhain ng comp. N. Logroshino, B. Galuppi, N. Piccinni, D. Cimarosa. Ang advanced realism ay napakita sa opera buffa. uso sa panahong iyon. Stilted conditional heroic. ang mga tauhan ng opera seria ay ikinukumpara sa mga larawan ng mga ordinaryong tao mula sa totoong buhay, mabilis at masigla ang pag-unlad ng aksyon, ang melodic na tono na nauugnay sa mga tao. pinagmulan, pinagsama matalas na katangian sa melodiousness ng isang malambot na pakiramdam. bodega

Kasama ng Italyano opera buffa noong ika-18 siglo. iba pang mga nasyonalidad lumitaw. mga uri ng komiks A. Ang pagtatanghal ng “The Maid-Madam” sa Paris noong 1752 ay nag-ambag sa pagpapalakas ng posisyon ng mga Pranses. opera comic, nag-ugat sa alamat. mga patas na pagtatanghal, na sinasabayan ng pag-awit ng mga simpleng tula na kanta. Demokratiko Italian demanda Ang "Buffons" ay suportado ng mga pinunong Pranses. Enlightenment ni D. Diderot, J. J. Rousseau, F. M. Grimm at iba pa. Ang mga opera ng F. A. Philidor, P. A. Monsigny, at A. E. M. Grétry ay nakikilala sa pamamagitan ng realismo. nilalaman, nabuong sukat, melodic. kayamanan. Sa England, lumitaw ang isang ballad opera, ang prototype nito ay "The Beggars' Opera" ni J. Pepusch sa lyrics. J. Gaia (1728), na isang socially pointed satire sa maharlika. opera serial. Naimpluwensyahan ng "The Beggar's Opera" ang pagbuo sa gitna. Ika-18 siglo Aleman Singspiel, na kalaunan ay lumalapit sa Pranses. komedyante sa opera, pinapanatili ang pambansa karakter sa matalinghagang istraktura at musika. wika. Ang pinakamalaking kinatawan ng hilagang Aleman. Singspiel ay sina I. A. Hiller, K. G. Nefe, I. Reichardt, Austrian - I. Umlauf at K. Dittersdorf. Ang genre ng Singspiel ay malalim na inisip ni W. A. ​​​​Mozart sa The Abduction from the Seraglio (1782) at The Magic Flute (1791). Sa simula. ika-19 na siglo Sa genre na ito, lumalabas ang romanticism. uso. Ang mga tampok ng Singspiel ay pinananatili ng produksyon ng "software". Aleman musika romanticism "Free Shooter" ni K. M. Weber (1820). Batay kay Nar. umunlad ang pambansang kaugalian, awit at sayaw. Mga genre ng Espanyol musika t-ra - sarsuwela at nang lumaon (ika-2 kalahati ng ika-18 siglo) tonadilla.

Sa huling ikatlong bahagi ng ika-18 siglo. Bumangon ang Ruso. komiks O., na gumuhit ng mga plot mula sa kanyang amang bayan. buhay. Batang Ruso O. pinagtibay ang ilang elemento ng Italyano. opera buffa, Pranses komedyante sa opera, Aleman Singspiel, ngunit sa pamamagitan ng likas na katangian ng mga imahe at intonasyon. ito ay malalim na orihinal sa istruktura ng musika. Ang mga karakter nito ay karamihan ay mga tao mula sa mga tao ay batay doon. hindi bababa sa (minsan ganap) sa melodic nar. mga kanta. O. sinakop ang pinakamahalagang lugar sa gawain ng mga mahuhusay na Ruso. masters E. I. Fomin ("Coachmen on a stand", 1787, atbp.), V. A. Pashkevich ("Kasawian mula sa karwahe", 1779; "St. Petersburg Gostiny Dvor, o Habang nabubuhay ka, kaya ka makikilala", 2- I ed. 1792, atbp.). Sa pagliko ng ika-18-19 na siglo. pambansa uri ng katutubong-araw-araw na komiks Ang O. ay nagmula sa Poland, Czech Republic at ilang iba pang bansa.

Diff. Ang mga genre ng opera ay malinaw na naiba sa 1st gender. Ika-18 siglo, sa panahon ng kasaysayan ang mga pag-unlad ay naging mas malapit nang magkasama, ang mga hangganan sa pagitan nila ay madalas na naging kondisyon at kamag-anak. Ang nilalaman ay komiks. Ang imahe ay lumalim, ang mga elemento ng mga pandama ay ipinakilala dito. kalunos-lunos, drama, at kung minsan ay kabayanihan (“Richard the Lionheart” ni Gretry, 1784). Sa kabilang banda, "seryoso" kabayanihan. O. nakakuha ng higit na pagiging simple at pagiging natural, pinalaya ang sarili mula sa magarbong retorika na likas dito. Ang kalakaran patungo sa pag-update ng mga tradisyon. uri ng opera seria ang makikita sa gitna. Ika-18 siglo sa Italya comp. N. Yommelli, T. Traetta at iba pa. ang reporma ay isinagawa ni K.V Gluck, art. ang mga prinsipyo nito ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng mga ideyang Aleman. at Pranses Enlightenment. Sinimulan ang kanyang reporma sa Vienna noong 60s. Ika-18 siglo (“Orpheus and Eurydice”, 1762; “Alceste”, 1767), natapos niya ito makalipas ang isang dekada sa mga kondisyon bago ang rebolusyonaryo. Paris (ang culmination ng kanyang operatic innovation ay Iphigenia sa Tauris, 1779). Nagsusumikap para sa makatotohanang pagpapahayag ng mga dakilang hilig, para sa drama. pagbibigay-katwiran sa lahat ng elemento ng isang pagtatanghal ng opera, tinalikuran ni Gluck ang anumang mga iniresetang pamamaraan. Ginamit niya ang express. ibig sabihin bilang italian Oh, gayon din ang Pranses. liriko trahedya, na nagpapasakop sa kanila sa isang dramaturgic. plano.

Ang rurok ng pag-unlad ni O. ay noong ika-18 siglo. ay gawa ni Mozart, na nag-synthesize ng mga nagawa ng iba't ibang nasyonalidad. mga paaralan at itinaas ang genre na ito sa hindi pa nagagawang taas. Ang pinakadakilang realist artist, si Mozart ay nagbigay-buhay sa matatalim at matinding drama na may mahusay na kapangyarihan. mga salungatan, lumikha ng maliwanag, masiglang nakakumbinsi na mga karakter ng tao, na inilalantad ang mga ito sa mga kumplikadong relasyon, interweaving at pakikibaka ng mga magkasalungat na interes. Para sa bawat balangkas, nakakita siya ng isang espesyal na anyo ng musikal na drama. embodiments at kaukulang magpapahayag. mga pasilidad. Sa "The Marriage of Figaro" (1786) ito ay ipinahayag sa mga anyong Italyano. Ang opera buffa ay malalim at makabagong realismo. nilalaman, sa "Don Juan" (1787) ang komedya ay pinagsama sa mataas na trahedya (dramma giocosa - "masayang drama", ayon sa sariling kahulugan ng kompositor), sa "The Magic Flute" ang kahanga-hangang moral ay ipinahayag sa isang fairy-tale form. mithiin ng kabutihan, pagkakaibigan, tiyaga ng damdamin.

Mahusay na Pranses ang rebolusyon ay nagbigay ng mga bagong insentibo sa pag-unlad ng O. V con. Ika-18 siglo Sa France, ang genre ng "rescue opera" ay lumitaw, kung saan ang paparating na panganib ay napagtagumpayan salamat sa katapangan, katapangan at kawalang-takot ng mga bayani. Tinuligsa nitong O. ang paniniil at karahasan, at pinuri ang kagitingan ng mga mandirigma para sa kalayaan at katarungan. Ang kalapitan ng mga plot sa modernong panahon, ang dynamism at bilis ng pagkilos ay nagdala ng "opera ng kaligtasan" na mas malapit sa opera comic. Sa parehong oras, ito ay nakikilala sa pamamagitan ng matingkad na drama ng musika at ang pagtaas ng papel ng orkestra. Ang mga karaniwang halimbawa ng genre na ito ay ang "Lodoiska" (1791), "Elise" (1794) at ang pinakasikat na O. "Two Days" ("Water Carrier", 1800) ni L. Cherubini, gayundin ang "The Cave" ni J. F. Lesueur (1793). Ito ay malapit sa "opera ng kaligtasan" sa mga tuntunin ng balangkas at dramaturhiya. istraktura ng "Fidelio" ni L. Beethoven (1805, 3rd edition 1814). Ngunit itinaas ni Beethoven ang nilalaman ng kanyang O. sa isang mataas na ideological generalization, pinalalim ang mga imahe, at sinamahan ang operatic form. Ang "Fidelio" ay kabilang sa kanyang pinakadakilang symphony. mga nilikha, na sumasakop sa isang espesyal na lugar sa mundo ng opera art.

Noong ika-19 na siglo mayroong isang malinaw na pagkakaiba-iba ng iba't ibang pambansa mga paaralan ng opera. Ang pagbuo at paglago ng mga paaralang ito ay nauugnay sa pangkalahatang proseso ng pagbuo ng mga bansa, kasama ang pakikibaka ng mga tao para sa pulitika. at espirituwal na kalayaan. Ang isang bagong direksyon sa sining ay nabuo - ang romantikismo, na nilinang, taliwas sa cosmopolitan. uso ng Enlightenment, tumaas na interes sa pambansa mga anyo ng buhay at lahat ng bagay kung saan ipinakita ang “espiritu ng mga tao”. Ang sining ay binigyan ng isang mahalagang lugar sa aesthetics ng romanticism, isa sa mga pundasyon kung saan ay ang ideya ng art synthesis. Para sa mga romantiko Ang O. ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga kuwento mula sa alamat. mga engkanto, alamat at tradisyon o mula sa kasaysayan. nakaraan ng bansa, makulay na itinatanghal na mga larawan ng pang-araw-araw na buhay at kalikasan, ang pagsasanib ng tunay at kamangha-manghang. Ang mga romantikong kompositor ay nagsusumikap na isama ang malakas, matingkad na damdamin at malinaw na magkakaibang mga estado ng pag-iisip;

Napanatili ng Italya ang isa sa mga nangungunang lugar sa pag-unlad ng O. paaralan, kahit na wala na siyang eksepsiyon. kahulugan, tulad noong ika-18 siglo, at nagdulot ng matalim na pagpuna mula sa mga kinatawan ng iba pang nasyonalidad. mga paaralan Tradisyonal Mga genre ng Italyano O. ay na-update at binago sa ilalim ng impluwensya ng mga pangangailangan ng buhay. Wok. ang simula ay patuloy na nangingibabaw sa natitirang mga elemento ng O., ngunit ang melody ay naging mas nababaluktot, kapansin-pansing makabuluhan, isang matalim na linya sa pagitan ng recitative at melodic. nabura ang pag-awit, mas binigyang pansin ang orkestra bilang isang paraan ng musika. katangian ng mga larawan at sitwasyon.

Ang mga tampok ng bagong ay malinaw na maliwanag sa G. Rossini, na ang trabaho ay lumago mula sa Italyano. kultura ng opera noong ika-18 siglo. Ang kanyang "The Barber of Seville" (1816), na siyang pinakatuktok ng pag-unlad ng opera buffa, ay malaki ang pagkakaiba sa tradisyon. mga halimbawa ng genre na ito. Ang komedya ng mga sitwasyon, na hindi malaya sa mga elemento ng mababaw na buffoonery, ay naging realismo sa Rossini. isang komedya ng karakter na pinagsasama ang kasiglahan, saya at talino sa matulis na pangungutya. Ang mga melodies ng musikang ito, madalas na malapit sa mga katutubong, ay may matalas na katangian at napakatumpak na tumutugma sa mga imahe ng mga character. Sa "Cinderella" (1817) komiks. O. nagiging liriko at romantiko. pangkulay, at sa "The Thieving Magpie" (1817) ay nilapitan niya ang isang pang-araw-araw na drama. Sa kanyang mature na opera seria, na puno ng kalunos-lunos na patriotismo at palayain ang mga tao. pakikibaka ("Moses", 1818; "Mohammed", 1820), pinalakas ni Rossini ang papel ng koro, lumikha ng malalaking tao. mga eksenang puno ng drama at kadakilaan. Tao-ay magpapalaya natanggap ang mga ideya lalo na matingkad na pagpapahayag sa O. "William Tell" (1829), kung saan lumampas si Rossini sa balangkas ng Italyano. tradisyon ng opera, na inaasahan ang ilang mga tampok ng Pranses. mahusay na romantiko TUNGKOL SA.

Noong 30-40s. ika-19 na siglo ang gawain ni V. Bellini at G. Donizetti ay nabuo, ang unang O. ng batang si G. Verdi ay lumitaw, na nagsisilbing maliwanag na mga halimbawa ng Italyano. romantikismo. Ang mga kompositor ay sumasalamin sa pagiging makabayan sa kanilang O. pagtaas na nauugnay sa paggalaw ng ital. Risorgimento, tensyon ng mga inaasahan, uhaw para sa isang libreng malaking pakiramdam. Sa Bellini, ang mga mood na ito ay kinulayan ng mga tono ng malambot, parang panaginip na liriko. Isa sa kanyang pinakamahusay na mga gawa ay O. sa kasaysayan. ang balangkas ng "Norma" (1831), kung saan binibigyang-diin ang personal na drama. "Somnambulist" (1831) - liriko na drama. O. mula sa buhay ng mga ordinaryong tao; O. "Puritans" (1835) pinagsamang liriko. dulang may temang katutubong-relihiyon. pakikibaka. Historical-romantic ang drama na may matinding hilig ay katangian ng akda ni Donizetti (Lucia di Lammermoor, 1835; Lucrezia Borgia, 1833). Sumulat din siya ng mga komiks. O. (ang pinakamaganda sa kanila ay "Don Pasquale", 1843), na nag-uugnay sa mga tradisyon. buffoonery na may simple at hindi mapagpanggap. liriko. Gayunpaman, ang komiks ang genre ay hindi nakakaakit ng mga romantikong kompositor. direksyon, at si Donizetti ang tanging pangunahing Italyano pagkatapos ng Rossini. isang master na naglaan ng kanyang oras sa genre na ito ay nangangahulugan. pansin sa iyong pagkamalikhain.

Ang pinakamataas na punto ng pag-unlad sa Italya. O. noong ika-19 na siglo. at isa sa mga pinakadakilang yugto sa sining ng opera sa mundo ay kinakatawan ng gawa ni Verdi. Ang kanyang unang O. "Nebuchadnezzar" ("Nabucco", 1841), "Lombards in the First Crusade" (1842), "Ernani" (1844), ay bumihag sa mga manonood ng makabayan. kalunos-lunos at mataas na kabayanihan. damdamin, gayunpaman, ay hindi wala ng isang tiyak na kuyog ng mga romantiko. katahimikan. Noong 50s siya ang lumikha ng produkto. malaking drama. lakas. Sa O. "Rigoletto" (1851) at "Troubadour" (1853), na napanatili ang romantikong. mga tampok na naglalaman ng malalim na pagiging totoo. nilalaman. Sa La Traviata (1853), ginawa ni Verdi ang susunod na hakbang patungo sa realismo sa pamamagitan ng pagkuha ng balangkas mula sa pang-araw-araw na buhay. Sa op. 60-70s - "Don Carlos" (1867), "Aida" (1870) - gumagamit siya ng mga monumental na operatic form, pinayaman ang paraan ng wok. at orc. pagpapahayag. Isang kumpletong pagsasanib ng musika at drama. aksyon na nakamit niya. sa O. "Othello" (1886), pinagsasama ang kapangyarihan ng mga hilig ni Shakespeare sa isang hindi pangkaraniwang kakayahang umangkop at sensitibong paghahatid ng lahat ng sikolohikal. mga nuances. Sa pagtatapos ng kanyang malikhaing gawain. Ang landas ni Verdi ay bumaling sa genre ng komedya ("Falstaff", 1892), ngunit lumayo siya sa mga tradisyon ng opera buffa, na lumikha ng isang produksyon. na may patuloy na pagbuo ng through-action at isang mataas na katangian ng wok tongue. mga partido batay sa pagbigkas. prinsipyo.

Sa Alemanya bago ang simula. ika-19 na siglo O ay hindi umiral. malaking hugis. Dept. pagtatangka upang lumikha ng isang malaking pipi. O. sa kasaysayan. tema noong ika-18 siglo. ay hindi matagumpay. Pambansa Aleman O., na nabuo sa mainstream ng romantikismo, na binuo mula sa Singspiel. Sa ilalim ng impluwensya ng romantiko ang mga ideya ay pinayaman ng matalinghagang globo at magpapahayag. paraan ng genre na ito, lumawak ang sukat nito. Isa sa mga unang Aleman romantiko Ang O. ay "Ondine" ni E. T. A. Hoffmann (1813, post. 1816), ngunit ang pamumulaklak ng pambansa. Nagsimula ang tradisyon ng opera sa paglitaw ng "Free Shooter" ni K. M. Weber (1820). Ang napakalaking kasikatan ng O. na ito ay batay sa kumbinasyon ng realismo. mga pintura ng pang-araw-araw na buhay at tula. mga tanawin na may mga sakramento. demonyo pantasya. Ang "Free Shooter" ay nagsilbing mapagkukunan ng mga bagong makasagisag na elemento at kulay. mga diskarte hindi lamang para sa operatic creativity, marami. mga kompositor, ngunit para rin sa mga romantiko. symphony ng programa. Sa istilong hindi gaanong integral, ang malaking "knightly" na "Euryanthe" (1823) ni O. Weber ay naglalaman, gayunpaman, ng mahahalagang natuklasan na nakaimpluwensya sa karagdagang pag-unlad ng opera art sa Germany. Mula sa "Euryanthe" mayroong isang direktang thread sa pagkakaisa. produksyon ng opera Ang "Genoveva" ni R. Schumann (1849), gayundin ang "Tannhäuser" ni Wagner (1845) at "Lohengrin" (1848). Sa Oberon (1826), bumaling si Weber sa genre ng fairy-tale singspiel, na nagpapataas ng exoticism sa musika. silangan pangkulay Mga kinatawan ng romantikong mga direksyon sa loob nito. O. naroon din sina L. Spohr at G. Marschner. Sa ibang paraan, ang mga tradisyon ng Singspiel ay binuo ni A. Lortsing, O. Nikolai, F. Flotov, na ang gawain ay may mga tampok ng mababaw na libangan.

Noong 40s ika-19 na siglo umaabot bilang pinakadakilang master Aleman sining ng opera R. Wagner. Ang una niya ay mature, independent. ayon sa istilo ni O., "The Flying Dutchman" (1841), "Tannhäuser", "Lohengrin" ay sa maraming paraan ay nauugnay pa rin sa romantiko. mga tradisyon ng simula ng siglo. Kasabay nito, tinutukoy na nila ang direksyon ng musikal at dramatikong sining. Ang mga reporma ni Wagner, na ganap niyang ipinatupad noong 50-60s. Ang mga prinsipyo nito, na itinakda ni Wagner sa teoretikal at pamamahayag. mga gawa, na nagmula sa pagkilala sa nangungunang kahalagahan ng mga drama. nagsimula sa O.: "drama ang layunin, musika ang paraan para sa pagpapatupad nito." Nagsusumikap para sa pagpapatuloy ng musika. pag-unlad, tinalikuran ni Wagner ang tradisyon. mga anyo ng O. "numbered" na istraktura (aria, ensemble, atbp.). Ibinatay niya ang kanyang operatic dramaturgy sa isang kumplikadong sistema ng mga leitmotif na binuo ni Chap. arr. sa orkestra, bilang isang resulta kung saan ang papel ng mga symphony sa kanyang orkestra ay tumaas nang malaki. nagsimula. Clutch at lahat ng uri ng polyphonics. kumbinasyon ng iba't-ibang Ang leitmotifs ay bumuo ng walang tigil na umaagos na musika. tela - "walang katapusang himig". Ang mga prinsipyong ito ay nakatanggap ng kumpletong pagpapahayag sa "Tristan at Isolde" (1859, post. 1865) - ang pinakadakilang paglikha ng romantikong opera art, na sumasalamin sa pananaw sa mundo ng romantikismo na may pinakadakilang pagkakumpleto. Ang isang binuo na sistema ng mga leitmotif ay nagpapakilala rin sa O. "The Mastersingers of Nuremberg" (1867), ngunit ito ay makatotohanan. natukoy na ang balangkas. ang papel sa O. na ito ng mga elemento ng kanta at masigla, dinamikong pagsasalaysay. mga eksena Gitna. Ang isang lugar sa trabaho ni Wagner ay inookupahan ng isang maringal na operatic tetralogy, na nilikha sa loob ng halos isang-kapat ng isang siglo - "The Ring of the Nibelung" ("Das Rheingold", "Walkyrie", "Siegfried" at "Twilight of the Gods", ganap na post 1876). Ang pagtuligsa sa kapangyarihan ng ginto bilang pinagmumulan ng kasamaan ay nagbibigay sa The Ring of the Nibelung ng anti-kapitalistang pakiramdam. direksyon, ngunit ang pangkalahatang konsepto ng tetralogy ay magkasalungat at walang pagkakapare-pareho. O.-misteryo "Parsi-fal" (1882) kasama ang lahat ng kasiningan nito. Ang mga halaga ay nagpapahiwatig ng isang krisis ng romantikismo. pananaw sa mundo sa mga gawa ni Wagner. Music-drama Ang mga prinsipyo at pagkamalikhain ni Wagner ay lubos na kontrobersyal. Bagaman nakakita sila ng masigasig na mga tagasunod at apologist sa maraming musikero, tiyak na tinanggihan sila ng iba. Ang isang bilang ng mga kritiko, lubos na pinahahalagahan puro muses. ang mga nagawa ni Wagner, ay naniniwala na siya, sa likas na katangian, ay isang symphonist, at hindi isang manlalaro ng teatro. kompositor, at pumunta sa O. sa maling landas. Sa kabila ng matinding hindi pagkakasundo sa kanyang pagtatasa, malaki ang kahalagahan ni Wagner: naimpluwensyahan niya ang pagbuo ng con music. 19 - simula ika-20 siglo Ang mga problemang iniharap ni Wagner ay nakahanap ng iba't ibang solusyon sa mga kompositor na kabilang sa iba't ibang grupo. pambansa paaralan at sining. mga direksyon, ngunit walang isang nag-iisip na musikero ang maaaring makatulong ngunit tukuyin ang kanyang saloobin sa mga pananaw at pagkamalikhain. pagsasanay sa Aleman repormador sa opera.

Nag-ambag ang Romantisismo sa pagpapanibago ng matalinhaga at pampakay. ang globo ng opera art, ang paglitaw ng mga bagong genre sa France. Franz. romantiko O. nagkaroon ng hugis sa pakikibaka sa akademiko. sining ng Napoleonic Empire at sa panahon ng Restoration. Isang tipikal na kinatawan nitong panlabas na kamangha-manghang, ngunit malamig na akademiko sa musika. T-re ay si G. Spontini. Ang kanyang O. “Vestal Virgin” (1805), “Fernand Cortes, or the Conquest of Mexico” (1809) ay puno ng mga dayandang ng digmaan. mga prusisyon at paglalakad. kabayanihan ang tradisyon na nagmumula sa Gluck ay ganap na muling isinilang sa kanila at nawawala ang progresibong kahulugan nito. Ang genre ng komiks ay mas mahalaga. A. Sa panlabas, ang "Joseph" ni E. Megul (1807) ay katabi ng genre na ito. Ang O. na ito, na isinulat sa isang kuwento sa Bibliya, ay nag-uugnay sa klasiko. higpit at pagiging simple na may ilang mga tampok ng romantikismo. Romantiko Ang pangkulay ay tipikal para sa mga kuwadro na gawa batay sa mga fairy-tale na eksena ni N. Izouard (Cinderella, 1810) at A. Boieldieu (Little Red Riding Hood, 1818). Ang pagtaas ng Pranses operatic romanticism ang nakataya. 20's at 30's Sa larangan ng komedya. O. naaninag siya sa “The White Lady” ni Boieldieu (1825) kasama ang patriarchal-idyllic character nito. kulay at misteryo. pantasya. Noong 1828 nagkaroon ng ayuno sa Paris. "The Mute of Portici" ni F. Ober, na isa sa mga unang halimbawa ng grand opera. Ang sikat na ch. arr. parang master comedian. operatic genre, nilikha ni Aubert ang O. drama. plano na may maraming sitwasyon ng matinding salungatan at malawakang naka-deploy na dynamic. adv. mga eksena Ang ganitong uri ng O. ay higit na binuo sa William Tell ni Rossini (1829). Ang pinakakilalang kinatawan ng historical-romantic. Pranses O. naging J. Meyerbeer. Mastery ng malalaking pagtatanghal sa entablado. masa, mahusay na pamamahagi ng mga kaibahan at maliwanag na pandekorasyon na paraan ng muse. Ang mga liham ay nagpapahintulot sa kanya, sa kabila ng kilalang eclecticism ng kanyang estilo, na lumikha ng mga produksyon na nakakuha ng aksyon na may matinding drama at puro nakamamanghang teatro. pagiging epektibo. Ang unang Parisian opera ni Meyerbeer, si Robert the Devil (1830), ay naglalaman ng mga elemento ng isang madilim na karakter ng demonyo. kathang-isip sa diwa ng pipi. maagang romantikismo ika-19 na siglo Ang pinakamaliwanag na halimbawa ng Pranses. romantiko O. - "Huguenots" (1835) sa kasaysayan. plot mula sa panahon ng socio-religious. pakikibaka sa France noong ika-16 na siglo. Ang mga huling opera ni Meyerbeer (The Prophet, 1849; The African Woman, 1864) ay nagpapakita ng mga palatandaan ng paghina ng genre na ito. Malapit sa interpretasyon ng kasaysayan ni Meyerbeer. mga tema ni F. Halevi, ang pinakamaganda rito ay “The Jew” (“The Cardinal’s Daughter”, 1835). Isang espesyal na lugar sa France. musika t-re grey ika-19 na siglo sumasakop sa operatikong gawain ni G. Berlioz. Sa "Benvenuto Cellini" (1837) ni O., na puno ng diwa ng Renaissance, umasa siya sa mga tradisyon at anyo ng komiks. genre ng opera. Sa operatic duology na "The Trojans" (1859), ipinagpatuloy ni Berlioz ang heroic character ni Gluck. tradisyon, pangkulay ito romantiko. mga tono.

Noong 50-60s. ika-19 na siglo lumalabas ang lyric opera. Kumpara sa malaking romantic. O. ang sukat nito ay mas katamtaman, ang aksyon ay puro sa relasyon ng ilan. mga tauhang pinagkaitan ng aura ng kabayanihan at romantikismo. pagiging eksklusibo. Mga kinatawan ng liriko O. madalas bumaling sa mga eksena mula sa mga gawa. panitikan at dula sa daigdig (W. Shakespeare, J. V. Goethe), ngunit binigyang-kahulugan ang mga ito sa pang-araw-araw na termino. Ang mga kompositor ay may hindi gaanong malakas na pagkamalikhain. pagka-indibidwal, kung minsan ay humantong ito sa pagiging banal at isang matinding kontradiksyon ng matamis-sentimental na katangian ng musika sa istruktura ng mga drama. mga larawan (halimbawa, “Hamlet” ni A. Thoma, 1868). Kasabay nito, ang pinakamahusay na mga halimbawa ng genre na ito ay nagpapakita ng pansin sa panloob. ang mundo ng tao, banayad na sikolohiya, nagpapatotoo sa pagpapalakas ng realismo. elemento sa opera art. Ang gawaing nagtatag ng lyrical genre. O. sa Pranses musika Ang isa na lubos na naglatag ng mga katangiang katangian nito ay ang "Faust" ni C. Gounod (1859). Sa iba pang mga gawa ng kompositor na ito, ang "Romeo and Juliet" (1865) ay namumukod-tangi. Sa isang bilang ng liriko O. ang personal na drama ng mga tauhan ay ipinakita sa isang kakaibang background. buhay at kalikasan silangan. mga bansa ("Lakmé" ni L. Delibes, 1883; "The Pearl Seekers", 1863, at "Djamile", 1871, J. Bizet). Noong 1875 lumitaw ang "Carmen" ni Bizet - isang realista. isang drama mula sa buhay ng mga ordinaryong tao, kung saan ang katotohanan ng mga hilig ng tao ay ipahahayag sa isang kamangha-manghang paraan. ang lakas at bilis ng pagkilos ay pinagsama sa isang hindi pangkaraniwang maliwanag at mayamang pangkulay ng katutubong-genre. Sa produksyong ito Nalampasan ni Bizet ang mga limitasyon ng liriko. O. at tumaas sa taas ng operatic realism. Sa mga pinakakilalang masters ng liriko. O. ay kabilang din kay J. Massenet, na nagpahayag ng matalik na karanasan ng kanyang mga karakter na may banayad na pananaw at biyaya (Manon, 1884; Werther, 1886).

Sa mga kabataang pambansa mga paaralan na umabot sa kapanahunan at kalayaan noong ika-19 na siglo, ang pinakamalaking kahalagahan ay ang Ruso. Kinatawan ng Ruso operatic romanticism, na nakikilala sa pamamagitan ng binibigkas nitong nasyonalismo. ang karakter ay si A.N. Kabilang sa kanyang O. pinakamataas na halaga nagkaroon ng "Askold's Grave" (1835). Sa pagdating ng klasiko mga obra maestra ng M.I. Ang paaralan ng opera ay pumasok sa kanyang kapanahunan. Ang pagkakaroon ng pinagkadalubhasaan ang pinakamahalagang tagumpay ng Kanlurang Europa. musika mula kay Gluck at Mozart hanggang sa kanilang Italyano, Aleman. at Pranses mga kontemporaryo, nag-isa si Glinka. mga paraan. Ang originality ng kanyang mga operatic works. nag-ugat sa malalim na koneksyon sa mga tao. lupa, na may mga advanced na agos ng Russia. Lipunan buhay at kultura ng panahon ng Pushkin. Sa "Ivan Susanin" (1836) lumikha siya ng isang pambansa rus. uri ng historikal Oh, ang bayani ay isang tao ng bayan. Ang drama ng mga imahe at aksyon ay pinagsama sa O. na may monumental na kadakilaan ng estilo ng oratorio. Ang epiko ay kasing orihinal. Ang dramaturgy ni O. na "Ruslan at Lyudmila" (1842) kasama ang gallery nito ng magkakaibang mga imahe na ipinakita laban sa backdrop ng mga maringal na pagpipinta ni Dr. Rus' at kaakit-akit na kaakit-akit, magically hindi kapani-paniwala. mga eksena Rus. mga kompositor ng 2nd half. Ang ika-19 na siglo, na umaasa sa mga tradisyon ng Glinka, ay pinalawak ang mga tema at makasagisag na istraktura ng operatic na pagkamalikhain, nagtakda ng mga bagong gawain para sa kanilang sarili at nakahanap ng angkop na paraan upang malutas ang mga ito. Lumikha si A. S. Dargomyzhsky ng isang bunk sa bahay. drama "Sirena" (1855), sa isang hiwa at hindi kapani-paniwala. ang mga episode ay nagsisilbing katawanin ang realidad ng buhay. nilalaman. Sa O. "The Stone Guest" (batay sa hindi nabagong teksto ng "maliit na trahedya" ni A. S. Pushkin, 1866-69, na kinumpleto ni T. A. Cui, na ginamit ni N. A. Rimsky-Korsakov, 1872), naglagay siya ng isang repormistang gawain - upang lumikha produksyon, libre mula sa operatic convention, kung saan ang isang kumpletong pagsasanib ng musika at drama ay makakamit. mga aksyon. Hindi tulad ni Wagner, na inilipat ang sentro ng grabidad sa pag-unlad ng orkestra, si Dargomyzhsky ay pangunahing nagsumikap para sa matapat na sagisag sa tinig na himig ng mga intonasyon ng buhay na pagsasalita ng tao.

Ang kahalagahan ng mundo Russian. Ang opera school ay inaprubahan ni A. P. Borodin, M. P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov, P. I. Tchaikovsky. Sa kabila ng lahat ng pagkakaiba, pagkamalikhain. ang kanilang mga indibidwalidad ay pinagsama ng isang pagkakatulad ng mga tradisyon at mga batayan. ideolohikal at aesthetic mga prinsipyo. Karaniwan sa kanila ay mga advanced democrats. pokus, pagiging totoo ng mga imahe, binibigkas na nasyonalismo. ang likas na katangian ng musika, ang pagnanais na magtatag ng mataas na mga prinsipyong makatao. mithiin. Ang kayamanan at versatility ng nilalaman ng buhay na nakapaloob sa gawain ng mga kompositor na ito ay tumutugma sa iba't ibang uri ng mga operatikong gawa. at paraan ng musika. dramaturhiya. Mussorgsky na may napakalaking kapangyarihan na makikita sa "Boris Godunov" (1872) at "Khovanshchina" (1872-80, nakumpleto ni Rimsky-Korsakov, 1883) ang pinaka-talamak na socio-historical. mga tunggalian, pakikibaka ng mamamayan laban sa pang-aapi at kawalan ng batas. Kasabay nito, ang maliwanag na balangkas ng Nar. ang masa ay pinagsama sa malalim na pagtagos sa espirituwal na mundo ng pagkatao ng tao. Si Borodin ang may-akda ng makasaysayang at makabayang mga gawa. O. "Prince Igor" (1869-87, kinumpleto nina Rimsky-Korsakov at A.K. Glazunov, 1890) kasama ang matambok at integral na larawan ng mga karakter, monumental na epiko. mga painting ni Dr. Rus', Crimea ay laban sa Silangan. mga eksena sa kampo ng Polovtsian. Rimsky-Korsakov, na tumugon sa preem. sa globo ng mga tao buhay at mga ritwal, sa iba't-ibang mga anyo ng mga tao patula pagkamalikhain, nilikha ang opera-fairy tale na "The Snow Maiden" (1881), ang opera-epic na "Sadko" (1896), ang opera-legend na "The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia" (1904), ang satirically sharpened fairy tale O. "The Golden Cockerel" ( 1907) atbp. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng malawakang paggamit ng mga melodies ng katutubong awit na sinamahan ng kayamanan ng orc. kulay, isang kasaganaan ng symphonic-descriptive episodes, na puno ng banayad na pakiramdam ng kalikasan, at kung minsan ay matinding drama ("The Battle of Kerzhenets" mula sa "The Tale of the Invisible City of Kitezh..."). Si Tchaikovsky ay interesado sa ch. arr. mga problemang may kaugnayan sa buhay isip ng isang tao, personal na relasyon at kapaligiran. Sa foreground sa kanyang O. ay sikolohikal. tunggalian. Kasabay nito, binigyang-pansin niya ang paglalarawan ng pang-araw-araw na buhay, ang tiyak na sitwasyon sa buhay kung saan nagaganap ang aksyon. sample ng Ruso liriko O. ay "Eugene Onegin" (1878) - prod. malalim na pambansang kapwa sa kalikasan ng mga imahe at sa musika. wikang nauugnay sa kulturang Ruso. mga bundok mga awiting romansa. Sa "The Queen of Spades" (1890) liriko. ang drama ay umaakyat sa trahedya. Ang musika nitong O. ay tinatagusan ng tuloy-tuloy na matinding agos ng simponya. pag-unlad, pagbibigay-alam sa musika. dramaturgy concentration at purposefulness. Talamak na sikolohikal ang tunggalian ang pinagtutuunan ng pansin ni Tchaikovsky kahit na siya ay bumaling sa kasaysayan. mga kuwento ("The Maid of Orleans", 1879; "Mazeppa", 1883). Rus. lumikha din ang mga kompositor ng maraming komiks. O. sa mga kuwento mula sa alamat. buhay, kung saan ang simula ng komedya ay pinagsama sa liriko at mga elemento ng fairy-tale fiction ("Sorochinskaya Fair" ni Mussorgsky, 1874-80, natapos ni Cui, 1916; "Cherevichki" ni Tchaikovsky, 1880; "May Night", 1878, at "The Night Before Christmas" ", 1895, Rimsky-Korsakov).

Sa kahulugan ng paglalagay ng mga bagong gawain at dep. mahalagang dramaturg. Ang interes mula sa mga natuklasan ay ang mga opera ni A. N. Serov - "Judith" (1862) sa isang kuwento sa Bibliya, na binibigyang kahulugan sa isang plano ng oratorio, "Rogneda" (1865) sa isang kuwento mula sa kuwento ni Dr. Rus' at "Enemy Power" (1871, natapos ni B.S. Serova at H.P. Solovyov), batay sa moderno. domestic drama. Gayunpaman, ang eclecticism ng estilo ay binabawasan ang kanilang kasiningan. halaga. Ang kabuluhan ng mga opera ni C. A. Cui na "William Ratcliffe" (1868), "Angelo" (1875) at iba pa ay naging isang espesyal na lugar sa Russian. Ang mga klasiko ng Opera ay inookupahan ng "Oresteia" ni S. I. Taneyev (1894), kung saan ang balangkas ay antigo. Ang trahedya ay nagsisilbi sa kompositor upang magtanghal ng malaki at pangkalahatang makabuluhang moral. mga problema. S. V. Rachmaninov sa "Aleko" (1892) ay nagbigay ng isang tiyak na pagkilala sa mga hilig ng verist. Sa "The Miserly Knight" (1904) ipinagpatuloy niya ang mga tradisyon ng pagbigkas. O., na nagmula sa "Stone Guest" (ang ganitong uri ng O. ay kinakatawan sa pagliko ng ika-19-20 na siglo ng mga gawa tulad ng "Mozart at Salieri" ni Rimsky-Korsakov, 1897; "A Feast during the Plague" ni Cui, 1900), ngunit pinalakas ang papel ng symphony. nagsimula. Ang pagnanais na symphonize ang operatic form ay maliwanag din sa kanyang O. "Francesca da Rimini" (1904).

Lahat ng R. ika-19 na siglo Papalapit na ang Polish at Czech. mga paaralan ng opera. Ang lumikha ng Polish national O. ay si S. Monyushko. Ang pinakasikat sa kanyang O. "Pebbles" (1847) at "The Enchanted Castle" (1865) sa kanilang maliwanag na pambansang karakter. ang kulay ng musika, ang pagiging totoo ng mga imahe. Ipinahayag ni Moniuszko ang pagiging makabayan sa kanyang gawaing opera. ang mood ng advanced na lipunan ng Poland, pagmamahal at pakikiramay para sa mga karaniwang tao. Ngunit wala siyang mga kahalili Polish na musika ika-19 na siglo Ang kasagsagan ng Czech opera theater ay nauugnay sa mga aktibidad ni B. Smetana, na lumikha ng historical-heroic, legendary ("The Brandenburgers in the Czech Republic", 1863; "Dalibor", 1867; "Libuše", 1872) at comedy -araw-araw ("The Bartered Bride" , 1866) O. Sinasalamin nila ang kalunos-lunos ng pambansang pagpapalaya. ang mga pakikibaka ay ibinibigay nang makatotohanan. mga kuwadro na gawa buhay. Ang mga nagawa ni Smetana ay binuo ni A. Dvorak. Ang kanyang fairy-tale na O. "The Devil and Kacha" (1899) at "The Mermaid" (1900) ay puspos ng mga tula ng kalikasan at tao. kathang-isip. Pambansa O., batay sa mga kuwento mula sa alamat. buhay at nailalarawan sa pagiging malapit ng mga muse. wika sa mga intonasyon ng alamat, lumitaw sa mga mamamayan ng Yugoslavia. O. Nagkamit ng katanyagan ang mga Croatian computer. V. Lisinski ("Porin", 1851), I. Zayc ("Nikola Shubich Zrinski", 1876). F. Erkel ay ang lumikha ng isang mahusay na makasaysayang-romantikong aklat. Hungarian O. "Bank ban" (1852, post. 1861).

Sa pagliko ng ika-19-20 siglo. Ang mga bagong uso sa opera ay umuusbong, na nauugnay sa mga pangkalahatang uso sa sining. kultura ng panahong ito. Ang isa sa mga ito ay ang verism, na naging pinakakalat sa Italya. Tulad ng mga kinatawan ng kilusang ito sa panitikan, ang mga kompositor ng verist ay naghahanap ng materyal para sa mga maaanghang na drama. probisyon sa ordinaryong pang-araw-araw na katotohanan, ang mga bayani ng kanilang mga gawa. pinili nila ang mga ordinaryong tao na hindi namumukod-tangi para sa anumang mga espesyal na katangian, ngunit may kakayahang makaramdam ng malalim at malakas. Mga karaniwang sample Ang Verist operatic dramaturgy ay "Honor Rusticana" ni P. Mascagni (1889) at "Pagliacci" ni R. Leoncavallo (1892). Ang mga tampok ng verism ay katangian din ng operatic work ni G. Puccini. Sa parehong oras, siya, overcoming ang kilalang naturalistic. ang mga limitasyon ng verist aesthetics, sa pinakamahusay na mga yugto ng kanyang mga gawa. nakamit ang tunay na makatotohanan. lalim at kapangyarihan ng pagpapahayag ng mga karanasan ng tao. Sa kanyang O. "La Boheme" (1895), ang drama ng mga ordinaryong tao ay ginawang patula, ang mga bayani ay pinagkalooban ng espirituwal na kadakilaan at subtlety ng pakiramdam. Sa "Tosca" (1899) ang drama, ang mga kaibahan ay pinatalas at liriko. ang drama ay tumatagal sa isang trahedya overtones. Sa kurso ng pag-unlad, ang makasagisag na istraktura at estilista ng akda ni Puccini ay lumawak at pinayaman ng mga bagong elemento. Bumaling sa mga kwento mula sa buhay na hindi taga-Europa. peoples ("Madama Butterfly", 1903; "Girl from the West", 1910), pinag-aralan niya at ginamit ang kanilang alamat sa kanyang musika. Sa kanyang huling O. "Turandot" (1924, natapos ni F. Alfano) ay hindi kapani-paniwalang kakaiba. Ang balangkas ay binibigyang kahulugan sa diwa ng sikolohikal. drama, pinagsasama ang isang kalunos-lunos na simula sa isang kakatuwa na komedya. Sa musika Ang wika ni Puccini ay sumasalamin sa ilan sa mga nagawa ng impresyonismo sa larangan ng pagkakaisa at orc. pangkulay Gayunpaman, ang wok. ang simula ay nagpapanatili ng nangingibabaw na papel nito. tagapagmana ng Italyano. operatikong tradisyon noong ika-19 na siglo, napansin siya. master ng bel canto. Ang isa sa pinakamalakas na aspeto ng kanyang trabaho ay ang nagpapahayag, puno ng damdamin na melodies ng malawak na paghinga. Kasabay nito, tumataas ang papel ng recitative-declamation sa kanyang O. at ariosous forms, wok. nagiging mas flexible at libre ang intonasyon.

Sinundan ni E. Wolf-Ferrari ang isang espesyal na landas sa kanyang operatic work, nagsusumikap na pagsamahin ang mga tradisyon ng Italyano. opera buffa na may ilang partikular na elemento ng verist operatic dramaturgy. Kabilang sa kanyang O. ay ang "Cinderella" (1900), "Four Tyrants" (1906), "The Necklace of the Madonna" (1911), atbp.

Mga uso na katulad ng Italy. umiral din ang verism sa opera art sa ibang bansa. Sa France, iniugnay sila sa isang reaksyon laban sa impluwensyang Wagnerian, na partikular na binibigkas sa O. "Fervaal" ni V. d'Andy (1895) Ang direktang pinagmulan ng mga uso na ito ay ang malikhaing karanasan ni Bizet ("Carmen"). , pati na rin ang gawaing pampanitikan E. Zola A. Bruno, na nagpahayag ng mga hinihingi ng katotohanan ng buhay sa musika, ang pagiging malapit sa mga interes ng modernong tao, ay lumikha ng isang serye ng O. batay sa mga nobela at kuwento ni Zola (bahaging batay sa kanyang libr. .), kabilang ang: "The Siege of the Mill" (1893, ang balangkas ay sumasalamin sa mga kaganapan ng Franco-Prussian War noong 1870), "Messidor" (1897), "Hurricane" (1901). sinasalitang wika, isinulat niya ang O. sa tuluyan. mga text. Gayunpaman, ito ay makatotohanan. ang mga prinsipyo ay hindi sapat na pare-pareho, at ang drama ng buhay ay madalas na pinagsama sa malabong simbolismo. Ang isang mas kumpletong gawain ay ang O. "Louise" ni G. Charpentier (1900), na nakakuha ng katanyagan salamat sa pagpapahayag nito. mga larawan ng mga ordinaryong tao at maliwanag, mga magagandang painting buhay Parisian.

Sa Germany, ang mga tendensya ng verist ay makikita sa O. "The Valley" ni E. d'Albert (1903), ngunit ang kalakaran na ito ay hindi naging laganap.

Bahagyang nakipag-ugnayan sa verism ni L. Janacek sa O. "Jenufa" ("Her Stepdaughter", 1903). Kasabay nito, sa paghahanap ng totoo at ipahayag. musika deklamasyon batay sa mga intonasyon ng buhay na pagsasalita ng tao, naging mas malapit ang kompositor kay Mussorgsky. Nakakonekta sa buhay at kultura ng kanyang mga tao, lumikha si Janacek ng isang produkto. mahusay na makatotohanan. ang mga puwersa, mga imahe at ang buong kapaligiran kung saan ang mga aksyon ay malalim na pambansa. karakter. Ang kanyang trabaho ay minarkahan ng isang bagong yugto sa pag-unlad ng Czech Republic. O. pagkatapos ng Smetana at Dvorak. Hindi niya pinansin ang mga nagawa ng impresyonismo at iba pang sining. simula ng agos ika-20 siglo, ngunit nanatiling tapat sa mga tradisyon ng kanyang pambansa. kultura. Sa O. "The Travels of Pan Brouchka" (1917) heroic. Ang mga larawan ng Czech Republic sa panahon ng mga digmaang Hussite, na nakapagpapaalaala sa ilang pahina ng gawa ni Smetana, ay inihambing sa isang kakaibang phantasmagoria na may kulay na ironically. banayad na pakiramdam ng mga Czech. kalikasan at pang-araw-araw na buhay ay puspos ng O. "The Adventures of a Trickster Fox" (1923). Ang katangian ni Janáček ay ang kanyang apela sa mga paksang Ruso. klasiko panitikan at drama: "Katya Kabanova" (batay sa "The Thunderstorm" ni A. N. Ostrovsky, 1921), "Mula sa Bahay ng mga Patay" (batay sa nobelang "Mga Tala mula sa Bahay ng mga Patay" ni F. M. Dostoevsky, 1928) . Kung sa una nitong O. ang binibigyang-diin ay liriko. drama, pagkatapos ay sa pangalawa hinahangad ng kompositor na ihatid ang isang kumplikadong larawan ng relasyon sa pagitan ng iba't ibang. mga karakter ng tao, na ginamit sa mataas na pagpapahayag na paraan ng musika. mga ekspresyon.

Para sa impresyonismo, dept. mga elemento na ginamit sa operatikong gawain ng maraming mga naunang kompositor. Ika-20 siglo, sa pangkalahatan, walang hilig sa drama. mga genre. Halos isang natatanging halimbawa ng isang operatikong gawa na patuloy na sumasalamin sa mga estetika ng impresyonismo ay ang "Pelleas et Mélisande" ni C. Debussy (1902). Ang pagkilos ni O. ay nababalot sa isang kapaligiran ng hindi malinaw na mga pag-iisip, pananabik at mga inaasahan, lahat ng mga kaibahan ay naka-mute at humina. Naglalayong ilipat sa wok. bahagi ng intonasyon ng pagsasalita ng mga karakter, sinunod ni Debussy ang mga prinsipyo ng Mussorgsky. Ngunit ang mismong mga imahe ng kanyang O. at lahat ng mga misteryo ng takipsilim. ang mundo kung saan nagaganap ang aksyon ay may simbolikong selyo. misteryo. Ang pambihirang subtlety ng makulay at nagpapahayag na mga nuances, ang sensitibong tugon ng musika sa pinakamaliit na pagbabago sa mood ng mga character ay pinagsama sa isang tiyak na one-dimensionality ng pangkalahatang kulay.

Ang uri ng impressionistic na pagpipinta na nilikha ni Debussy ay hindi binuo sa kanyang sariling mga gawa. pagkamalikhain, o sa Pranses. sining ng opera noong ika-20 siglo. Ang "Ariana at Bluebeard" ni P. Duke (1907), habang medyo katulad ng hitsura sa O. "Pelleas at Melisande," ay mas makatwiran. ang kalikasan ng musika at ang pamamayani ng mga makukulay na paglalarawan. mga elemento kaysa sa psychologically expressive. Ibang landas ang pinili ni M. Ravel sa kanyang one-act comic. O. "Spanish Hour" (1907), kung saan ang matalas na katangian ng musika. ang deklamasyon, na nagmula sa "Kasal" ni Mussorgsky, ay pinagsama sa makulay na paggamit ng mga elemento ng Espanyol. adv. musika. Ang likas na regalo ng kompositor para sa characterization. ang paglalarawan ng mga imahe ay makikita rin sa O. ballet na "The Child and Magic" (1925).

Sa kanya. O. con. 19 - simula ika-20 siglo Kapansin-pansing naramdaman ang impluwensya ni Wagner. Gayunpaman, ang musikal at dramatikong mga gawa ni Wagner. ang mga prinsipyo at istilo ay pinagtibay ng karamihan sa kanyang mga tagasunod. Sa isang hindi kapani-paniwalang romantikong paraan. Sa mga opera ni E. Humperdinck (ang pinakamaganda sa kanila ay "Hans and Gretel", 1893), ang luntiang pagkakatugma at orkestra ni Wagner ay pinagsama sa simpleng malamyos na himig ng pagsasalaysay. bodega Ipinakilala ni X. Pfitzner ang mga elemento ng simbolismong relihiyoso at pilosopikal sa interpretasyon ng fairy-tale at maalamat na mga plot ("Rose from the Garden of Love", 1900). Klerikal na Katoliko ang mga tendensya ay makikita sa kanyang O. “Palestrina” (1915).

Bilang isa sa mga tagasunod ni Wagner, sinimulan ni R. Strauss ang kanyang operatikong gawain ("Guntram", 1893; "Walang Apoy", 1901), ngunit kalaunan ay nagdusa ito. ebolusyon. Sa "Salome" (1905) at "Electra" (1908), lumitaw ang mga tendensyang ekspresyonista, bagama't sa halip ay mababaw na napagtanto ng kompositor. Ang aksyon sa mga O. na ito ay nabubuo na may patuloy na pagtaas ng mga emosyon. pag-igting, intensity ng mga hilig kung minsan ay hangganan sa isang pathological estado. pagkahumaling. Ang kapaligiran ng nilalagnat na kaguluhan ay sinusuportahan ng isang napakalaking at mayamang kulay na orkestra, na nakakamit ng napakalaking lakas ng tunog. Isinulat noong 1910, ang liriko-komedya ni O. na "Der Rosenkavalier" ay minarkahan ang pagbabago sa kanyang akda mula sa ekspresyonista tungo sa neoclassical (tingnan ang Neoclassicism) tendensya. Ang mga elemento ng istilo ni Mozart ay pinagsama sa O. na ito na may sensual na kagandahan at kagandahan ng Viennese waltz ay nagiging mas magaan at mas transparent, nang hindi, gayunpaman, ganap na nagpapalaya sa sarili mula sa buong tinig na karangyaan ni Wagner; Sa mga sumunod na opera, si Strauss ay bumaling sa mga stylization sa diwa ng mga Baroque muses. t-ra ("Ariadne on Naxos", 1912), sa mga anyo ng klasikong Viennese. operettas (Arabella, 1932) o opera buffa noong ika-18 siglo. (“The Silent Woman”, 1934), sa sinaunang pastoral sa Renaissance refraction (“Daphne”, 1937). Sa kabila ng kilalang eclecticism ng estilo, ang mga opera ni Strauss ay nakakuha ng katanyagan sa mga tagapakinig dahil sa accessibility ng musika at ang pagpapahayag ng melodies. wika, ang mala-tula na sagisag ng mga simpleng tunggalian sa buhay.

Mula sa dulo ika-19 na siglo pagnanais na lumikha ng isang pambansa Ang tradisyon ng opera at ang muling pagkabuhay ng mga nakalimutan at nawawalang mga tradisyon sa lugar na ito ay ipinakita sa Great Britain, Belgium, Spain, Denmark, at Norway. Kabilang sa mga produksyon na nakatanggap ng internasyonal pagkilala - "Rural Romeo and Julia" ni F. Dilius (1901, England), "Life is Short" ni M. de Falla (1905, Spain).

ika-20 siglo nag-ambag na paraan. mga pagbabago sa mismong pag-unawa sa genre ng opera. Nasa ika-1 dekada na ng ika-20 siglo. ang opinyon ay ipinahayag na ang O. ay nasa isang estado ng krisis at walang mga prospect para sa karagdagang pag-unlad. Sumulat si V. G. Karatygin noong 1911: "Ang Opera ay ang sining ng nakaraan, bahagi ng kasalukuyan." Bilang epigraph sa kanyang artikulong "Drama at Musika," kinuha niya ang pahayag ng V.F Komissarzhevskaya: "Kami ay lumilipat mula sa opera patungo sa drama na may musika" (koleksiyong "Alkonost", 1911, p. 142). Ilang moderno zarub. ipinapanukala ng mga may-akda na talikuran ang katagang "O." at palitan ito ng mas malawak na konsepto ng "musical theater", dahil maramihan. prod. Ang ika-20 siglo, na tinukoy bilang O., ay hindi nakakatugon sa itinatag na pamantayan ng genre. Ang proseso ng interaksyon at interpenetration ng iba't-ibang. ang mga genre, na isa sa mga palatandaan ng pag-unlad ng musika ng ika-20 siglo, ay humahantong sa paglitaw ng produksyon. halo-halong uri, kung saan mahirap makahanap ng hindi malabo na kahulugan. O. ay malapit sa oratorio at cantata; ito ay gumagamit ng mga elemento ng pantomime at entablado. mga review, kahit isang sirko. Kasama ng mga teknik pinakabagong teatro. Ang teknolohiya sa cinematography ay gumagamit ng paraan ng cinematography at radio technology (ang mga kakayahan ng visual at auditory perception ay pinalawak sa tulong ng film projection at radio equipment), atbp. Kasabay nito. kasama nito ang isang ugali na makilala ang pagitan ng mga tungkulin ng musika at drama. mga aksyon at ang pagbuo ng mga operatic form batay sa mga structural diagram at mga prinsipyo ng "dalisay" na instrumento. musika.

Sa Kanlurang Europa O. ika-20 siglo naimpluwensyahan ng iba't ibang sining kilusan, kung saan ang pinakamahalaga ay expressionism at neoclassicism. Ang dalawang magkasalungat na ito, bagama't kung minsan ay magkakaugnay, ang mga paggalaw ay pantay na sumasalungat sa Wagnerismo at realismo. operatic aesthetics, na nangangailangan ng makatotohanang pagmuni-muni ng mga salungatan sa buhay at mga partikular na larawan. Ang mga prinsipyo ng expressionist operatic dramaturgy ay ipinahayag sa monodrama ni A. Schoenberg na "Naghihintay" (1909). Halos wala ng mga panlabas na elemento. mga aksyon, ito ay isang produkto. batay sa patuloy na pagbuo ng isang malabo, balisang premonisyon, na nagtatapos sa isang pagsabog ng kawalan ng pag-asa at sindak. Ang mahiwagang simbolismo na sinamahan ng katawa-tawa ay nagpapakilala sa mga muse. Ang drama ni Schoenberg na "The Lucky Hand" (1913). Ang isang mas binuo dramaturg. ang ideya ay nasa puso ng kanyang neo-finish. O. “Moses and Aaron” (1932), ngunit ang mga imahe nito ay napakamalas at mga simbolo lamang ng relihiyosong moral. mga representasyon. Hindi tulad ni Schoenberg, ang kanyang estudyante na si A. Berg ay bumaling sa mga plot mula sa totoong buhay sa kanyang operatic work at hinahangad na magtanghal ng matinding damdamin mga suliraning panlipunan. Mahusay na kapangyarihan ng mga drama. ang mga ekspresyon ay nakikilala sa pamamagitan ng O. “Wozzeck” (1921), na puno ng malalim na pakikiramay sa mga walang kapangyarihan, sa mga mahihirap na itinapon sa dagat ng buhay, at pagkondena sa kasiyahang pinakakain ng “mga nasa kapangyarihan.” Kasabay nito, ang "Wozzeck" ay kulang sa ganap na pagiging totoo. Ang mga karakter ni O. ay kumikilos nang walang malay, dahil sa hindi maipaliwanag na likas na mga salpok at pagkahumaling. Hindi natapos Ang opera ni Berg na "Lulu" (1928-35), sa kabila ng kasaganaan ng mga kapansin-pansing kahanga-hangang sandali at pagpapahayag ng musika, ay walang kabuluhan sa ideolohiya at naglalaman ng mga elemento ng naturalismo at masakit na erotismo.

Ang operatic aesthetics ng neoclassicism ay nakabatay sa pagkilala sa "autonomy" ng musika at ang kalayaan nito mula sa aksyon na nilalaro sa entablado. Si F. Busoni ay lumikha ng isang uri ng neoclassical na "game opera" ("Spieloper"), na nakikilala sa pamamagitan ng sinasadyang pagiging kumbensiyonal at implausibility ng aksyon. Sinikap niyang tiyakin na ang mga karakter ni O. ay "sinasadyang kumilos nang iba kaysa sa buhay." Sa kanyang O. "Turandot" (1917) at "Harlequin, o Windows" (1916), hinangad niyang muling likhain ang Italic type sa isang modernisadong anyo. commedia dell'arte. Ang musika ng parehong O., na binuo sa kahalili ng mga maikling closed episode, pinagsasama ang stylization sa mga elemento ng kakatwa. Mahigpit, kumpleto sa istruktura na mga anyo ng mga tool. musika ay ang batayan ng kanyang O. "Doctor Faust" (nakumpleto ni F. Jarnach, 1925), kung saan ang kompositor ay nagbigay ng malalim na mga problema sa pilosopikal.

I. F. Stravinsky ay malapit kay Busoni sa kanyang mga pananaw sa kalikasan ng sining ng opera. Ang parehong kompositor ay may parehong poot sa tinatawag nilang "verism," ibig sabihin sa salitang ito ay anumang pagnanais para sa tulad-buhay na verisimilitude ng mga imahe at sitwasyon sa operatic music. Nagtalo si Stravinsky na ang musika ay hindi kayang ihatid ang kahulugan ng mga salita; Kung ang pag-awit ay nagsasagawa ng gayong gawain, kung gayon ito ay "umalis sa mga hangganan ng musika." Ang kanyang unang O. "The Nightingale" (1909-14), na magkasalungat sa istilo, ay pinagsasama ang mga elemento ng impresyonistikong kulay exoticism sa isang mas mahigpit na nakabubuo na istilo ng pagsulat. Isang kakaibang uri ng Ruso. Ang opera buffa ay "The Moor" (1922), vok. ang mga bahagi ay batay sa isang kabalintunaan at nakakagulat na interpretasyon ng mga intonasyon araw-araw na pag-iibigan ika-19 na siglo Ang likas na pagnanais ng neoclassicism para sa pagiging pandaigdigan, para sa sagisag ng "unibersal", "transpersonal" na mga ideya at ideya sa mga anyo na wala sa mga pambansa. at temporal na katiyakan, na pinakamalinaw na ipinakita sa oratorio ni Stravinsky na "Oedipus Rex" (batay sa trahedya ni Sophocles, 1927). Ang impresyon ng aloofness ay pinahusay ng libr., na nakasulat sa isang hindi maintindihan na modernong wika. tagapakinig lat. wika. Gamit ang mga anyo ng sinaunang baroque music kasama ang mga elemento ng oratorio genre, ang kompositor ay sadyang nagsusumikap para sa isang pagtatanghal sa entablado. kawalang-kilos, statuesqueness. Ang kanyang melodrama na "Persephone" (1934) ay may katulad na kalikasan, kung saan ang mga operatic form ay pinagsama sa pagbigkas at sayaw. pantomime. Sa O. "The Rake's Progress" (1951), upang isama ang satirical-moralizing plot, si Stravinsky ay bumaling sa mga comic form. opera noong ika-18 siglo, ngunit nagpapakilala ng ilang mga romantikong tampok. pantasya at alegorya.

Ang neoclassical na interpretasyon ng genre ng opera ay katangian din ni P. Hindemith. Ang pagkakaroon ng ibinigay na ito sa O. 20s. isang kilalang pagpupugay sa mga sunod sa moda dekadenteng uso, sa kanyang mature na panahon ng pagkamalikhain ay bumaling siya sa mga malalaking plano ng isang intelektwalisadong plano. Sa monumental na O. sa isang paksa mula sa panahon ng mga digmaang magsasaka sa Germany, "The Artist Mathis" (1935), laban sa backdrop ng mga pagpipinta ng mga tao. Ang kilusan ay nagpapakita ng trahedya ng isang artista na nananatiling nag-iisa at hindi nakikilala. O. "Harmony of the World" (1957), na ang bayani ay ang astronomer na si Kepler, ay nakikilala sa pagiging kumplikado at multi-komposisyon ng komposisyon. Overload ng abstract rationalism. Ginagawa itong simboliko ng produktong ito. mahirap para sa tagapakinig na malasahan at dramaturgically hindi epektibo.

Sa italyano O. ika-20 siglo Ang isa sa mga pagpapakita ng neoclassicism ay ang apela ng mga kompositor sa mga anyo at tipikal na larawan ng opera art noong ika-17 at ika-18 siglo. Ang hilig na ito ay natagpuang ekspresyon, sa partikular, sa akda ni J. F. Malipiero. Kabilang sa kanyang mga gawa para sa musika t-ra - mga cycle ng opera miniature na "Orpheids" ("Death of Masks", "Seven Songs", "Orpheus, or the Eighth Song", 1919-22), "Three Comedies of Goldoni" ("Coffee House", " Signor Todero the Grouch" , "Kyojin skirmish", 1926), pati na rin ang magagandang makasaysayang at trahedya na mga kaganapan. O. "Julius Caesar" (1935), "Antony at Cleopatra" (1938).

Ang mga neoclassical na tendensya ay bahagyang nagpakita ng kanilang sarili sa Pranses. operatic style ng 20-30s, ngunit dito hindi sila nakatanggap ng consistency, nagtatapos. mga ekspresyon. Para kay A. Honegger, ito ay ipinahayag sa kanyang pagkahumaling sa sinaunang at biblikal na mga tema bilang pinagmumulan ng "walang hanggan" na pangkalahatang moral na mga halaga. Sa pagsisikap na gawing pangkalahatan ang mga imahe at bigyan sila ng isang "transtemporal" na karakter, inilapit niya si O. sa oratorio at kung minsan ay ipinakilala ang mga ito sa kanyang mga gawa. mga elemento ng liturhiya. Kasabay nito, musika wika niya op. na nakikilala sa pamamagitan ng masigla at matingkad na pagpapahayag, ang kompositor ay hindi umiwas sa pinakasimpleng mga pagliko ng kanta. Pagkakaisa prod. Honegger (maliban sa O. "Eaglet", na isinulat kasama ni J. Ibert at hindi napakahalaga, 1935), na maaaring tawaging O. sa sarili nitong karapatan. kahulugan ng salita, ay "Antigone" (1927). Ang mga akdang gaya ng “King David” (1921, 3rd edition 1924) at “Judith” (1925) ay mas tumpak na inuri bilang mga drama. oratorio, mas naging matatag sila sa huli. repertoire kaysa sa entablado ng opera. Ang kompositor mismo ang nagbigay ng kahulugang ito sa isa sa kanyang pinakamahalagang mga gawa. "Joan of Arc at the stake" (1935), na ipinaglihi sa kanya bilang isang mass folk performance na ginanap sa open air Sa heterogenous na komposisyon, medyo eclectic na operatic work ni D. Milhaud, ang mga sinaunang at biblikal na mga tema ay naipakita din ("Eumenides. ", 1922 ; "Medea", 1938; "David", 1953). . O., ngunit gumagamit ng modernong paraan ng pagpapahayag ng musika. Ang una sa mga O. ay nakikilala sa pamamagitan ng sabay-sabay nitong pagpapakita ng iba't ibang mga plano ng aksyon. film projection. Ang kanyang O. "The Poor Sailor" (1926) ay isang pagpupugay sa mga hilig ng verist Ang pinakadakilang tagumpay ay sa cycle ng opera miniatures ni Milhaud ("minute operas"), batay sa isang parodic refraction ng mythological plots: "The Rape of Europa" , "The Abandoned Ariadne" at "The Liberation of Theseus" (1927).

Kasabay ng panawagan sa mga Kamahalan. mga larawan ng sinaunang panahon, ang semi-legendary na biblikal na mundo o ang Middle Ages sa operatic work noong 20s. May tendensiya sa acute topicality ng content at immediacy. tugon sa mga makabagong phenomena. katotohanan. Minsan ito ay limitado sa pagtugis ng murang sensasyonalismo at humantong sa paglikha ng produksyon. magaan, semi-farcical na karakter. Sa O. "Jumping Over the Shadow" (1924) at "Johnny Plays" (1927) ni E. Kshenek, isang ironically colored picture of modern. burges ang moral ay ipinakita sa anyo ng sira-sira na libangan. teatro. aksyon na may eclectic na musika na pinagsasama ang urban. ritmo at elemento ng jazz na may banal na liriko. malambing. Mababaw din ang satirical expression. elemento sa O. "From Today to Tomorrow" ni Schoenberg (1928) at "News of the Day" ni Hindemith (1929), na sumasakop sa episodic. lugar sa mga gawa ng mga kompositor na ito. Ang panlipunang kritikal ay mas tiyak na nakapaloob. tema sa teatro ng musika prod. K. Weil, isinulat sa pakikipagtulungan sa B. Brecht, "The Threepenny Opera" (1928) at "The Rise and Fall of the City of Mahogany" (1930), kung saan sila ay pinupuna at satirical. paglalantad sa batayan ng kapitalismo. gusali. Ang mga produktong ito kumakatawan sa isang bagong uri ng musika ng kanta, lubos na may kaugnayan sa nilalaman, na tinutugunan sa malawak na demokrasya. madla. Iba-iba ang batayan ng kanilang simple, malinaw at maliwanag na musika. modernong genre musikang pangmasa araw-araw na buhay

Matapang na lumalabag sa karaniwang mga operatic canon ng P. Dessau sa kanyang O. sa mga teksto ni Brecht - "The Condemnation of Lucullus" (1949), "Puntila" (1960), na nakikilala sa pamamagitan ng talas at kalupitan ng mga muse. ibig sabihin, isang kasaganaan ng mga hindi inaasahang theatrical effect, at ang paggamit ng mga sira-sira na elemento.

Ang iyong sariling musika Ang t-r, batay sa mga prinsipyo ng demokrasya at accessibility, ay nilikha ni K. Orff. Ang mga pinagmulan ng kanyang musika ay iba-iba: ang kompositor ay bumaling sa sinaunang Griyego. trahedya, hanggang sa Middle Ages. misteryo, sa mga tao theatrical games at farcical performances, connected drama. aksyon na may epiko pagkukuwento, malayang pinagsasama ang pag-awit sa usapan at ritmikong pagbigkas. Wala sa scenic prod. Si Orpha ay hindi O. sa karaniwang kahulugan. Ngunit bawat isa sa kanila ay may kahulugan. musikal at dramatiko konsepto, at musika ay hindi limitado sa mga purong inilapat na function. Ang relasyon sa pagitan ng musika at mga pagtatanghal sa entablado. nag-iiba-iba ang mga pagkilos depende sa partikular na creative. mga gawain. Kabilang sa kanyang mga gawa namumukod-tangi ang mga pagtatanghal sa entablado. cantata "Carmina Burana" (1936), fabulously allegorical. musika mga dulang pinagsasama ang mga elemento ng sining at dula. mga pagtatanghal, "Moon" (1938) at "Clever Girl" (1942), musika. drama na "Bernauerin" (1945), isang uri ng musika. pagpapanumbalik ng antigo mga trahedya - "Antigone" (1949) at "Oedipus the King" (1959).

Kasabay nito, ang ilang pangunahing kompositor ng Ser. Ang ika-20 siglo, habang ina-update ang mga anyo at paraan ng pagpapahayag ng opera, ay hindi umalis sa tradisyon. ang mga pangunahing kaalaman ng genre. Kaya, napanatili ni B. Britten ang mga karapatan sa malambing na wok. melodies tulad ng ch. paraan ng paghahatid ng mental na kalagayan ng mga karakter. Sa karamihan ng kanyang mga opera, ang matinding end-to-end na pag-unlad ay pinagsama sa mga ariosous na yugto, ensemble, at pinahabang koro. mga eksena. Kabilang sa mga pinaka paraan. prod. Britten - expressionistically colored domestic drama "Peter Grimes" (1945), chamber O. "The Rape of Lucretia" (1946), "Albert Herring" (1947) at "The Turn of the Screw" (1954), fabulously romantic. O. "A Midsummer Night's Dream" (1960). Sa operatikong gawain ni G. Menotti, ang mga tradisyon ng verist ay nakatanggap ng isang modernisadong repraksyon kasabay ng ilang mga katangian ng ekspresyonismo ("Medium", 1946; "Consul", 1950, atbp.). Binigyang-diin ni F. Poulenc ang kanyang katapatan sa mga klasiko. tradisyon, pinangalanan sa dedikasyon kay O. "Dialogues of the Carmelites" (1956) ang mga pangalan ni C. Monteverdi, M. P. Mussorgsky at C. Debussy. Flexible na paggamit ng mga tool sa wok. Ang pagpapahayag ay bumubuo sa pinakamalakas na bahagi ng monodrama na "The Human Voice" (1958). Ang komiks ay nakikilala rin sa maliwanag na himig nito. Ang opera ni Poulenc na "Breasts of Tiresia" (1944), sa kabila ng surrealismo nito. kahangalan at eccentricity ng entablado. mga aksyon. Tagasuporta ng O. preem. wok ang uri ay H. V. Henze ("The Deer King", 1955; "Prince of Homburg", 1960; "Bassarids", 1966, atbp.).

Kasama ang iba't ibang anyo at estilista. mga uso ng ika-20 siglo. nailalarawan ng iba't ibang uri ng nasyonalidad. mga paaralan Ang ilan sa kanila ay umabot sa internasyonal na antas sa unang pagkakataon. pagkilala at igiit ang kanilang kalayaan. lugar sa pag-unlad ng world opera. B. Bartok ("Duke Bluebeard's Castle", 1911) at Z. Kodaly ("Hari Janos", 1926; "Székely Spinning Mill", 1924, 2nd edition 1932) ay nagpakilala ng mga bagong larawan at paraan ng musikal na drama. pagpapahayag sa Hungarian O., pagpapanatili ng pakikipag-ugnayan sa pambansa tradisyon at batay sa intonasyon. build weng. adv. musika. Ang unang mature na halimbawa ng Bulgarian. pambansa O. ay "Tsar Kaloyan" ni P. Vladigerov (1936). Para sa sining ng opera ng mga mamamayan ng Yugoslavia, ang gawain ni J. Gotovac ay lalong mahalaga (ang pinakasikat ay ang kanyang O. "Ero from the Other World", 1935).

Isang malalim na orihinal na uri ng Amerikano. pambansa Ang O. ay nilikha ni J. Gershwin batay sa mga African-American. musika alamat at tradisyon ng Negro. "teatro ng minstrel" Isang kapana-panabik na kwento mula sa buhay ng isang itim na lalaki. ang mahihirap kasabay ng express. at naa-access na musika gamit ang mga elemento ng blues, spirituals at jazz dance. ritmo nagdala sa kanya O. "Porgy at Bess" (1935) sa buong mundo katanyagan. Pambansa O. bubuo sa isang bilang ng Lat.-Amer. mga bansa Isa sa mga nagtatag ng Argent. Ang guro ng opera na si F. Boero ay lumikha ng mga akdang mayaman sa mga elemento ng alamat. sa mga eksena mula sa buhay ng mga gaucho at magsasaka ("Rakela", 1923; "Mga Magnanakaw", 1929).

Sa huli 60s Sa Kanluran, lumitaw ang isang espesyal na genre ng "rock opera", gamit ang mga modernong paraan. pop at pang-araw-araw na musika. Ang isang tanyag na halimbawa ng genre na ito ay ang Christ Superstar ni E. L. Webber (1970).

Mga pangyayari noong ika-20 siglo. - ang pagsisimula ng pasismo sa ilang bansa, World War II ng 1939-45, at ang matinding pag-igting ng pakikibaka ng mga ideolohiya - naging sanhi ng maraming artista na kailangang mas malinaw na tukuyin ang kanilang posisyon. Ang mga bagong tema ay lumitaw sa sining, na hindi maaaring balewalain ni O. Sa O. "Digmaan" ni R. Rossellini (1956), "Antigone 43" ni L. Pipkov (1963) ay inilalantad ang digmaan na nagdudulot ng matinding pagdurusa at kamatayan sa karaniwan. sa mga tao. Karaniwang tinatawag na "O." prod. L. Nono "Intolerance 1960" (sa bagong edisyon na "Intolerance 1970") ay nagpapahayag ng galit na protesta ng komunistang kompositor laban sa mga kolonyal na digmaan, pag-atake sa mga karapatan ng manggagawa, pag-uusig sa mga mandirigma para sa kapayapaan at hustisya sa kapitalistang lipunan. mga bansa. Ang mga tuwiran at halatang pagkakaugnay sa modernidad ay ibinubunga din ng mga akdang gaya ng "The Prisoner" ("Prisoner") ni L. Dallapiccola (1948), "Simplicius Simplicissimus" ni K. A. Hartman (1948), "Soldiers" ni B. A. Zimmerman (1960) , kahit na ang mga ito ay batay sa mga klasikong plot. litro. K. Penderecki sa O. "Devils from Loudin" (1969), na nagpapakita ng Middle Ages. panatisismo at panatisismo, di-tuwirang naglalantad ng pasistang obskurantismo. Ang mga op. iba ang istilo. oryentasyon, at isang moderno o malapit sa modernong tema ay hindi palaging binibigyang kahulugan sa kanila mula sa isang malinaw na natanto na posisyong ideolohikal, ngunit sinasalamin nila ang pangkalahatang ugali patungo sa isang mas malapit na koneksyon sa buhay, isang aktibong interbensyon sa mga proseso nito, na sinusunod sa gawain ng progresibong zarub . mga artista. Kasabay nito, sa opera art zap. mga bansang nagpapakita ng mapanirang anti-sining. modernong uso "avant-garde", na humahantong sa kumpletong pagbagsak ng O. bilang isang musical-dramatic. genre. Ito ang "anti-opera" na "State Theater" ni M. Kagel (1971).

Sa USSR, ang pag-unlad ng pananamit ay inextricably na nauugnay sa buhay ng bansa at ang pagbuo ng Unyong Sobyet. musika at teatro. kultura. K ser. 20s Kabilang dito ang una, sa maraming paraan, hindi pa rin perpekto, ang mga pagtatangka na lumikha ng isang O. batay sa isang balangkas mula sa modernidad o alamat. rebolusyonaryo mga galaw ng nakaraan. Dept. Ang mga kagiliw-giliw na natuklasan ay kinabibilangan ng mga gawa tulad ng "Ice and Steel" ni V.V.V Deshevov, "North Wind" ni L.K. O. magdusa mula sa schematism, walang buhay ng mga imahe, eclecticism ng muses. wika. Ang malaking kaganapan ay pag-aayuno. noong 1926 O. "The Love for Three Oranges" ni S. S. Prokofiev (op. 1919), na naging malapit sa mga kuwago. sining kultura na may nagpapatibay sa buhay na katatawanan, dinamismo, at makulay na teatro. Sinabi ni Dr. Ang mga panig ng talento ni Prokofiev bilang isang playwright ay ipinakita sa O. "The Player" (2nd edition 1927) at "Fire Angel" (1927), na nakikilala sa pamamagitan ng matinding drama, mastery ng matalas at mahusay na layunin na sikolohikal. katangian, sensitibong pagtagos sa intonasyon. istruktura ng pagsasalita ng tao. Ngunit ang mga produktong ito Ang kompositor, na noon ay nakatira sa ibang bansa, ay pumasa sa atensyon ng mga kuwago. pampubliko. Ang makabagong kahalagahan ng operatic dramaturgy ni Prokofiev ay lubos na pinahahalagahan nang maglaon, nang si Sov. Si O. ay tumaas sa isang mas mataas na antas, na nagtagumpay sa kilalang primitivism at immaturity ng mga unang eksperimento.

Ang pinainit na mga talakayan ay sinamahan ng hitsura ni O. "The Nose" (1929) at "Lady Macbeth of Mtsensk" ("Katerina Izmailova", 1932, bagong edisyon 1962) ni D. D. Shostakovich, na iniharap sa mga Sobyet. teatro ng musika Ang paghahabol ay isang bilang ng malalaki at seryosong mga makabagong gawain. Ang dalawang O. na ito ay hindi pantay sa kahalagahan. Kung "Ang Ilong" na may pambihirang kayamanan ng imbensyon, bilis ng pagkilos at kaleidoscopic. Ang mga kumikislap na nakakatakot na itinuro na mga imahe ng maskara ay isang matapang, kung minsan ay mapangahas na eksperimento ng isang batang kompositor, pagkatapos ay "Katerina Izmailova" - prod. master, pinagsasama ang lalim ng konsepto sa pagkakaisa at pag-iisip ng musikal at dramatiko. pagkakatawang-tao. Ang malupit, walang awa na katotohanan ng paglalarawan ng kakila-kilabot na panig ng matandang mangangalakal. araw-araw na buhay, disfiguring at distorting kalikasan ng tao, inilalagay ang O. sa isang par sa mga dakilang likha ng Russian. pagiging totoo. Si Shostakovich dito sa maraming paraan ay lumalapit kay Mussorgsky at, sa pagbuo ng kanyang mga tradisyon, binibigyan sila ng bago, moderno. tunog.

Mga unang tagumpay sa pagpapatupad ng mga kuwago. ang mga tema sa operatic genre ay nabibilang sa ser. 30s Malambing. ang pagiging bago ng musika, batay sa intonasyon. bumuo ng mga kuwago kanta ng masa, nakaakit ng pansin ng O. "Quiet Don" ni I. I. Dzerzhinsky (1935). Ito ay isang produkto. nagsilbing prototype para sa nabuo sa 2nd half. 30s "song opera", kung saan ang kanta ang pangunahing elemento ng muses. Dramaturhiya. Ang kanta ay matagumpay na ginamit bilang isang sasakyan para sa drama. mga katangian ng mga imahe sa O. "Into the Storm" ni T. N. Khrennikov (1939, bagong edisyon 1952). Pero consistent. Ang pagpapatupad ng mga prinsipyo ng direksyon na ito ay humantong sa pagpapasimple, pagtanggi sa pagkakaiba-iba at kayamanan ng mga paraan ng opera at drama. pagpapahayag na naipon sa paglipas ng mga siglo. Kabilang sa O. 30s. sa mga kuwago paksa bilang produksyon malaking drama lakas at mataas na sining. Namumukod-tangi ang Semyon Kotko (1940) ni Prokofiev. Nagawa ng kompositor na lumikha ng kaluwagan at totoong makatotohanang mga larawan ng mga ordinaryong tao mula sa mga tao, upang ipakita ang paglaki at pagbabago ng kanilang kamalayan sa panahon ng rebolusyon. pakikibaka.

Sov. Ang operatikong gawain ng panahong ito ay magkakaiba sa nilalaman at genre. Moderno ang paksa ay tinutukoy ng ch. direksyon ng pag-unlad nito. Kasabay nito, ang mga kompositor ay bumaling sa mga plot at imahe mula sa buhay ng iba't ibang mga tao at mga makasaysayang panahon. mga panahon. Kabilang sa pinakamahusay na mga kuwago. O. 30s - "Cola Brugnon" ("Master mula sa Clamcy") ni D. B. Kabalevsky (1938, 2nd ed. 1968), na kilala sa mataas na symphony nito. kasanayan at banayad na pananaw sa katangian ng mga Pranses. adv. musika. Sumulat si Prokofiev ng isang komiks pagkatapos ng Semyon Kotko. O. “Betrothal in a Monastery” (“Dueña”, 1940) sa isang plot na malapit sa opera buffa noong ika-18 siglo. Hindi tulad ng kanyang maagang O. "The Love for Three Oranges," walang tradisyonal na teatro. mga maskara, at mga buhay na taong pinagkalooban ng tunay, matapat na damdamin, katatawanan na kinang at katatawanan ay pinagsama sa magaan na liriko.

Sa panahon ng Great Patriotic War. Lalo na pinatindi ng digmaan noong 1941-45 ang kahalagahan ng pagiging makabayan. Mga paksa. Isama ang kabayanihan gawa ng mga kuwago mga tao sa paglaban sa pasismo ay ch. ang gawain ng lahat ng uri ng demanda. Ang mga kaganapan sa mga taon ng digmaan ay makikita rin sa operatikong gawain ng mga kuwago. mga kompositor. Gayunpaman, ang mga gawa na lumitaw sa panahon ng digmaan at sa ilalim ng agarang impluwensya nito ay naging halos artistikong may depekto at pinakitunguhan ang paksa nang mababaw. Higit pang paraan. O. para sa militar. Ang paksa ay nilikha ng ilang sandali, nang ang kilalang "temporal na distansya" ay nabuo. Kabilang sa mga ito, ang "The Family of Taras" ni Kabalevsky (1947, 2nd edition 1950) at "The Tale of a Real Man" ni Prokofiev (1948) ay namumukod-tangi.

Sa ilalim ng impluwensya ng makabayan Ang pagtaas ng mga taon ng digmaan ay nagbigay ng ideya ng O. "Digmaan at Kapayapaan" ni Prokofiev (1943, 2nd edition 1946, huling edisyon 1952). Ito ay kumplikado at multi-component sa dramaturgy nito. mga konsepto ng produksyon pinagsasama ang kabayanihan adv. epiko na may matalik na liriko. drama. Ang komposisyon ni O. ay batay sa paghahalili ng mga monumental na mga eksena sa karamihan, na ipininta sa malalaking stroke, na may banayad at detalyadong mga eksena na may likas na silid. Ipinakita ni Prokofiev ang kanyang sarili sa Digmaan at Kapayapaan sa parehong oras. parehong bilang isang malalim na playwright-psychologist, at bilang isang pintor ng isang makapangyarihang epiko. bodega Makasaysayan nakatanggap ng mataas na artistikong merito ang paksa. pagkakatawang-tao sa O. "Decembrists" ni Yu A. Shaporin (post. 1953): sa kabila ng kilalang kawalan ng dramaturhiya. pagiging epektibo, nagawa ng kompositor na ihatid ang kabayanihan. ang kalunos-lunos ng tagumpay ng mga mandirigma laban sa autokrasya.

Panahon ng pagtatapos 40s - maaga 50s sa pag-unlad ng mga kuwago. O. ay masalimuot at magkasalungat. Kasama ng paraan. Ang mga tagumpay sa mga taong ito ay lalo na naapektuhan ng dogmatikong presyon. mga saloobin, na humantong sa isang pagmamaliit sa mga pinakadakilang tagumpay ng operatic creativity, paghihigpit ng pagkamalikhain. mga paghahanap, minsan sa suporta ng mga sining na mababa ang halaga. tungkol sa mga pinasimpleng gawa. Sa isang talakayan sa mga isyu ng teatro ng opera na naganap noong 1951, ang mga naturang "isang araw na opera", "mga opera ng maliliit na pag-iisip at maliliit na damdamin" ay mahigpit na pinuna, at ang pangangailangan na "mahusay ang karunungan ng operatic dramaturgy sa kabuuan, lahat ng bahagi nito” ay binigyang-diin. Sa 2nd half. 50s isang bagong upswing ang dumating sa buhay ng mga kuwago. Ang teatro ng opera, ang dating hindi makatarungang hinatulan na O. ng mga masters gaya nina Prokofiev at Shostakovich ay naibalik, at ang gawain ng mga kompositor sa paglikha ng mga bagong operatikong gawa ay tumindi. Ang isang mahalagang positibong papel sa pag-unlad ng mga prosesong ito ay ginampanan ng resolusyon ng CPSU Central Committee noong Mayo 28, 1958 "Sa pagwawasto ng mga pagkakamali sa pagsusuri ng mga opera na "The Great Friendship", "Bogdan Khmelnitsky" at "With All the Puso””.

60-70s nailalarawan sa pamamagitan ng isang masinsinang paghahanap para sa mga bagong landas sa operatic creativity. Lumalawak ang hanay ng mga gawain, lumilitaw ang mga bagong tema, ang ilan sa mga tema na natugunan na ng mga kompositor noon ay nakakahanap ng ibang embodiment, at ang iba't ibang uri ay nagsisimula nang mailapat nang mas matapang. magpapahayag. paraan at anyo ng operatic dramaturgy. Isa sa pinakamahalaga ay nananatiling paksa ng Okt. rebolusyon at pakikibaka para sa pagtatatag ng Unyong Sobyet. mga awtoridad. Sa "Optimistic Tragedy" ni A. N. Kholminov (1965), ang ilang aspeto ng "song opera" at musika ay tumatanggap ng pinayamang pag-unlad. ang mga anyo ay pinalaki, mahalagang dramatiko. ang koro ay nakakakuha ng kahalagahan. mga eksena. Ang koro ay malawak na binuo. elemento sa O. "Virineya" ni S. M. Slonimsky (1967), ang pinakakapansin-pansing aspeto ng hiwa ay ang orihinal na interpretasyon ng materyal na awiting bayan. Ang mga anyo ng kanta ay naging batayan ng O. "Oktubre" ni V. I. Muradeli (1964), kung saan, sa partikular, isang pagtatangka ang ginawa upang makilala ang imahe ni V. I. Lenin sa pamamagitan ng kanta. Gayunpaman, ang schematism ng mga imahe, ang hindi pagkakapare-pareho ng musika. wika sa plano ng isang monumental na bayaning bayan. O. bawasan ang halaga ng gawaing ito. Ang ilang mga tao ay nagsagawa ng mga kagiliw-giliw na mga eksperimento sa paglikha ng mga monumental na pagtatanghal sa diwa ng katutubong sining. mga aksyong masa batay sa theatricalization ng mga produksyon. genre ng oratorio (“Pathetic Oratorio” ni G.V. Sviridov, “July Sunday” ni V.I. Rubin).

Sa interpretasyon ng militar. mga tema, nagkaroon ng tendensya, sa isang banda, patungo sa isang pangkalahatang plano ng oratorio, sa kabilang banda - patungo sa isang sikolohikal. pagpapalalim, paglalahad ng mga kaganapan ng pambansa mga kahulugan na nababago sa pamamagitan ng pang-unawa ng indibidwal. pagkatao. Sa O. “The Unknown Soldier” ni K. V. Molchanov (1967) walang mga tiyak na buhay na tauhan ang mga tagapagdala lamang ng mga ideya ng mga tao. gawa. Sinabi ni Dr. Ang diskarte sa paksa ay tipikal para sa Dzerzhinsky na "The Fate of Man" (1961), kung saan direkta. Ang balangkas ay isang talambuhay ng tao. Ito ay isang produkto. ay hindi, gayunpaman, kabilang sa creative group. good luck mga kuwago Oh, ang tema ay hindi ganap na ginalugad, ang musika ay naghihirap mula sa mababaw na melodrama.

Isang kawili-wiling modernong karanasan. liriko O., nakatuon mga problema ng mga personal na relasyon, trabaho at buhay sa mga kondisyon ng mga kuwago. sa katotohanan, ay "Not Only Love" ni R. K. Shchedrin (1961). Ang kompositor ay banayad na gumagamit ng iba't ibang mga uri ng chastushka na himig at mga awiting bayan. instr. himig upang makilala ang buhay at mga karakter ng isang kolektibong nayon ng sakahan. O. Ang "Dead Souls" ng parehong kompositor (ayon kay N.V. Gogol, 1977) ay nakikilala sa pamamagitan ng matalas na katangian ng musika nito, tumpak na pagpaparami ng mga intonasyon ng pagsasalita kasama ng mga katutubong kanta. bodega

Isang bago, orihinal na solusyon sa makasaysayang Ang mga paksa ay ibinigay sa O. "Peter I" ni A. P. Petrov (1975). Ang aktibidad ng mahusay na transpormer ay ipinahayag sa isang bilang ng mga malawak na fresco painting. Sa musika ni O. mayroong koneksyon sa Russian. opera classics, sa parehong oras ang kompositor ay gumagamit ng moderno ibig sabihin ay makamit ang makulay na teatro. epekto.

Sa genre ng komiks. O. namumukod-tanging “The Taming of the Shrew” ni V. Shebalin (1957). Sa pagpapatuloy ng linya ng Prokofiev, pinagsama ng may-akda ang komedya na nagsisimula sa liriko at, parang, muling binuhay ang mga anyo at pangkalahatang diwa ng lumang klasiko. O. sa bago, moderno. hitsura. Malambing. Ang ningning ng musika ay nagpapakilala sa komiks. O. "The Motherless Son-in-Law" ni Khrennikov (1967; sa 1st ed. "Frol Skobeev", 1950) sa Russian. makasaysayan at araw-araw na balangkas.

Isa sa mga bagong uso sa operatic work noong 60-70s. ay ang pagtaas ng interes sa genre ng chamber opera para sa isang maliit na bilang ng mga karakter o mono-opera, kung saan ang lahat ng mga kaganapan ay ipinapakita sa pamamagitan ng prisma ng indibidwal na kamalayan ng isang karakter. Kasama sa ganitong uri ang "Notes of a Madman" (1967) at "White Nights" (1970) ni Yu M. Butsko, "The Overcoat" at "The Stroller" ni Kholminov (1971), "The Diary of Anne Frank" ni. G. S. Fried (1969) at iba pa.

Sov. O. ay nakikilala sa pamamagitan ng kayamanan at pagkakaiba-iba ng mga nasyonalidad. mga paaralan, na may mga karaniwang pangunahing ideolohikal at aesthetic na mga prinsipyo. mga prinsipyo bawat isa ay may kanya-kanyang natatanging katangian. Matapos ang panalo Oct. ang rebolusyon ay pumasok sa isang bagong yugto ng pag-unlad nito sa Ukrainian. A. Mahalaga sa pag-unlad ng bansa. May post ang guro ng Opera sa Ukraine. natitirang produksyon Ukrainian opera classic na "Taras Bulba" ni N.V. Lysenko (1890), unang inilathala noong 1924 (na-edit ni L.V. Revutsky at B.N. Lyatoshinsky). Noong 20-30s. lumilitaw ang isang bilang ng mga bagong O. Ukrainian. mga kompositor sa Sov. at historikal (mula sa kasaysayan ng mga rebolusyonaryong kilusan ng bayan) mga paksa. Isa sa pinakamagagandang kuwago. O. ng panahong iyon tungkol sa mga pangyayari sa Civil. digmaan ay O. "Shchors" Lyatoshinsky (1938). Yu. S. Meitus ay nagtatakda ng iba't ibang layunin sa kanyang operatikong gawain. Ang kanyang O. "The Young Guard" (1947, 2nd edition 1950), "Dawn over the Dvina" ("Northern Dawns", 1955), "Stolen Happiness" (1960), "The Ulyanov Brothers" (1967) ay naging sikat. Koro ng kanta. Ang mga yugto ay bumubuo sa matibay na punto ng kabayanihan-kasaysayan. O. "Bogdan Khmelnitsky" ni K. F. Dankevich (1951, 2nd ed. 1953). O. "Milan" (1957), "Arsenal" (1960) ni G. I. Mayboroda ay puspos ng himig ng kanta. Patungo sa pag-renew ng genre ng opera at iba't ibang dramaturhiya. Si V. S. Gubarenko, na gumawa ng kanyang debut noong 1967 O. "Death of the Squadron," ay nagsusumikap para sa mga solusyon.

Maraming mga tao ng USSR ang may pambansa ang mga paaralan ng opera ay bumangon o umabot sa ganap na pag-unlad pagkatapos lamang ng Okt. rebolusyon, na nagdala sa kanila ng pulitika at espirituwal na pagpapalaya. Noong 20s kinumpirma ng kargamento. paaralan ng opera, klasikal Ang mga halimbawa ng hiwa ay "Abesalom at Eteri" (natapos noong 1918) at "Daisi" (1923) ni Z. P. Paliashvili. Noong 1926 natapos ang post. O. "Tamar Tsbieri" ("Insidious Tamara", 3rd ed. sa ilalim ng pamagat na "Darejan Tsbieri", 1936) M. A. Balanchivadze. Ang unang malaking Armenian O. - "Almast" ni A. A. Spendiarov (post. 1930, Moscow, 1933, Yerevan). U. Hajibeyov, na nagsimula noong 1900s. ang pakikibaka para sa paglikha ng Azerbaijani musika t-ra(mugham O. "Leili at Majnun", 1908; musikal na komedya "Arshin Mal Alan", 1913, atbp.), ay sumulat ng isang malaking kabayanihan na epiko noong 1936. O. "Kor-ogly", na, kasama ang "Nergiz" ni A. M. M. Magomayev (1935), ay naging batayan ng pambansa. opera repertoire sa Azerbaijan. ibig sabihin. papel sa pagbuo ng Azerbaijan. Ginampanan din ni O. ang “Shahsenem” ni R. M. Gliere (1925, 2nd ed. 1934). Batang pambansa Ang sining sa mga republika ng Transcaucasian ay batay sa mga mapagkukunan ng alamat at mga tema ng katutubong. epiko at kabayanihan mga pahina ng iyong pambansa ng nakaraan. Pambansa ang linyang ito. epiko O. ay ipinagpatuloy sa ibang, mas moderno. pangkakanyahan batay sa mga gawa tulad ng "David Bek" ni A. T. Tigranyan (post. 1950, 2nd edition 1952), "Sayat-Nova" ni A. G. Harutyunyan (1967) - sa Armenia, "Hand of the Great masters" ni Sh. M. Mshvelidze at "Mindia" ni O. V. Taktakishvili (parehong 1961) - sa Georgia. Isa sa pinakasikat na Azerbaijani. Ang O. ay naging "Seville" ni F. Amirov (1952, bagong edisyon 1964), kung saan ang personal na drama ay kaakibat ng mga pambansang kaganapan. mga kahulugan. Ang tema ng pagbuo ng Unyong Sobyet. nakatuon ang mga awtoridad sa Georgia. O. "The Abduction of the Moon" ni Taktakishvili (1976).

Noong 30s ang mga pundasyon ng pambansa ay inilatag. teatro ng opera sa mga republika Wed. Asya at Kazakhstan, kabilang sa ilang mga tao sa rehiyon ng Volga at Siberia. Mga nilalang tulong sa paglikha ng iyong sariling pambansang O. binigyan ang mga taong ito ng Russian. mga kompositor. Unang Uzbek O. "Farhad at Shirin" (1936) ay nilikha ni V. A. Uspensky batay sa parehong pangalan. Teatro. mga dulang kasama ang nar. mga kanta at bahagi ng mga mugam. Ang landas mula sa drama na may musika hanggang sa masining na pagpapahayag ay karaniwan para sa isang bilang ng mga tao na walang maunlad na propesyon sa nakaraan. musika kultura. Nar. musika ang drama na "Leili at Majnun" ay nagsilbing batayan para sa O. ng parehong pangalan, na isinulat noong 1940 ni Gliere nang magkasama. mula sa Uzbek kompositor-melodist na si T. Jalilov. Mahigpit niyang ikinonekta ang kanyang mga aktibidad sa Uzbek. musika kultura A.F. Kozlovsky, na lumikha ng pambansa ang materyal ay may malaking kuwento. O. "Ulugbek" (1942, 2nd edition 1958). S. A. Balasanyan ang may-akda ng unang Taj. O. "The Vose Uprising" (1939, 2nd edition 1959) at "The Blacksmith Kova" (kasama si Sh. N. Bobokalonov, 1941). Unang Kyrgyzstan O. "Aichurek" (1939) ay nilikha ni V. A. Vlasov at V. G. Fere nang magkasama. kasama si A. Maldybaev; kalaunan ay isinulat din nila ang "Manas" (1944), "Toktogul" (1958). Musika ang mga drama at opera ni E. G. Brusilovsky "Kyz-Zhybek" (1934), "Zhalbyr" (1935, 2nd edition 1946), "Er-Targyn" (1936) ay minarkahan ang simula ng Kazakh. musikal na teatro Paglikha ng Turkmenistan. musika Ang teatro ay nagsimula sa paggawa ng opera ni A. G. Shaposhnikov na "Zohre at Tahir" (1941, bagong edisyon kasama si V. Mukhatov, 1953). Kasunod nito, ang parehong may-akda ay sumulat ng isa pang serye ng O. sa Turkmenistan. pambansa materyal, kabilang ang pinagsamang kasama si D. Ovezov "Shasenem at Gharib" (1944, 2nd ed. 1955). Ang unang Buryat ay lumitaw noong 1940. O. - "Enkhe - bulat-baatar" ni M. P. Frolov. Sa pag-unlad ng musika. t-ra sa mga mamamayan ng rehiyon ng Volga at Malayong Silangan L. K. Knipper, G. I. Litinsky, N. I. Peiko, S. N. Ryauzov, N. K. Chemberdzhi at iba pa ay nag-ambag din.

Sa parehong oras, na mula sa dulo. 30s Ang mga republikang ito ay gumagawa ng sarili nilang mahuhusay na kompositor mula sa mga kinatawan ng mga katutubong nasyonalidad. Si N. G. Zhiganov, ang may-akda ng unang Tatar, ay gumagana nang mabunga sa larangan ng pagkamalikhain sa opera. O. "Kachkyn" (1939) at "Altynchach" (1941). Ang isa sa kanyang pinakamahusay na O. - "Jalil" (1957) ay nakatanggap ng pagkilala sa labas ng Tat. SSR. K ibig sabihin. mga tagumpay ng pambansa musika kultura ay kabilang sa "Birzhan at Sara" ni M. T. Tulebaev (1946, Kazakh SSR), "Hamza" ni S. B. Babaev at "The Tricks of Maysary" ni S. A. Yudakov (parehong 1961, Uzbek SSR), "Pulat and Gulru" (1955) at "Rudaki" (1976) ni Sh. S. Sayfiddinov (Tajik SSR), "Brothers" ni D. D. Ayusheev (1962, Buryat Autonomous Soviet Socialist Republic), "Highlanders" ni Sh. ASSR), atbp.

Belarusian sa operatic work. Nanguna si Sov sa mga kompositor. paksa. Mga Rebolusyon at Sibil. nakatuon sa digmaan O. "Mikhas Podgorny" ni E.K. Tikotsky (1939), "Sa kagubatan ng Polesie" ni A.V. Belarusian wrestling. partisan sa panahon ng Great Patriotic War. ang digmaan ay makikita sa O. "Alesya" ni Tikotsky (1944, sa bagong edisyon na "Girl from Polesie", 1953). Sa mga produksyong ito. Ang Belarusian ay malawakang ginagamit. alamat. O. Ang "Bulaklak ng Kaligayahan" ni A. E. Turenkov (1939) ay batay din sa materyal ng kanta.

Sa panahon ng pakikibaka para sa Sov. Ang kapangyarihan sa mga republika ng Baltic ay ginamit sa post. ang mga unang Latvian. O. - "Banyuta" ni A. J. Kalnin (1919) at ang operatic duology na "Fire and Sword" ni Janis Medin (1st part 1916, 2nd part 1919). Kasama ang O. "On Fire" ni Kalnina (1937), ang mga gawang ito. naging batayan ng pambansa opera repertoire sa Latvia. Matapos ang pagpasok ng Latv. republika sa USSR sa operatikong gawain ng Latvian. ang mga kompositor ay sumasalamin sa mga bagong tema, istilo at musika ay na-update. wika O. Kabilang sa makabago mga kuwago Latvian. O. ay sikat sa "To the New Shore" (1955), "The Green Mill" (1958) ni M. O. Zarina, at "The Golden Horse" ni A. Zilinskis (1965). Sa Lithuania, ang mga pundasyon ng pambansa ang mga tradisyon ng opera ay inilatag sa simula. ika-20 siglo gawa ni M. Petrauskas - “Birutė” (1906) at “Eglė - Reyna ng mga Ahas” (1918). Unang kuwago Lit. O. - "Village malapit sa estate" ("Paginerai") ni S. Shimkus (1941). Noong 50s O. lumitaw sa makasaysayang. ("Pilenai" ni V. Yu. Klovy, 1956) at moderno. ("Marite" ni A.I. Raciunas, 1954) na mga tema. Isang bagong yugto sa pag-unlad ng litas. Ang O. ay kinakatawan ng "Lost Birds" ni V. A. Laurusas, "At the Crossroads" ni V. S. Paltanavičius (parehong 1967). Nagkaroon ng pag-aayuno sa Estonia noong 1906. O. "Sabina" ni A. G. Lemba (1906, 2nd ed. "Daughter of Lembitu", 1908) at the national. plot na may musika batay sa est. adv. melodies. Sa huli 20s lumitaw ang iba pang mga paggawa ng opera. ng parehong kompositor (kabilang ang "Dalaga ng Burol", 1928), pati na rin ang "Vickerians" ni E. Aava (1928), "Kaupo" ni A. Vedro (1932), atbp. Isang matatag at malawak na base para sa pag-unlad ng pambansa. Ang O. ay nilikha pagkatapos sumali ang Estonia sa USSR. Isa sa mga unang Est. mga kuwago O. ay "Pyhajärv" ni G. G. Ernesaks (1946). Moderno Naaninag ang tema sa O. “The Fires of Vengeance” (1945) at “The Singer of Freedom” (1950, 2nd ed. 1952) ni E. A. Kapp. Mga bagong paghahanap na may markang "The Iron House" ni E. M. Tamberg (1965), "Swan Flight" ni V. R. Tormis.

Nang maglaon, nagsimulang umunlad ang kultura ng opera sa Moldova. Ang unang O. sa amag. wika at pambansa lalabas lang ang mga plot sa 2nd half. 50s Ang "Domnika" ni A. G. Styrchi (1950, 2nd ed. 1964) ay sikat.

Dahil sa malawakang pag-unlad ng mass media noong ika-20 siglo. lumitaw ang mga espesyal na uri ng opera sa radyo at opera sa telebisyon, nilikha na isinasaalang-alang ang tiyak. kundisyon ng perceptual kapag nakikinig sa radyo o mula sa screen ng TV. Sa ibang bansa mga bansa, ilang O. ang partikular na isinulat para sa radyo, kabilang ang "Columbus" ni V. Egk (1933), "The Old Maid and the Thief" ni Menotti (1939), "The Country Doctor" ni Henze (1951, bago ed. 1965), "Don Quixote" ni Iber (1947). Ang ilan sa mga O. na ito ay ginanap din sa entablado (halimbawa, "Columbus"). Ang mga opera sa telebisyon ay isinulat ni Stravinsky ("The Flood", 1962), B. Martin ("Marriage" at "How People Live", parehong 1952), Kshenek ("Calculated and Played", 1962), Menotti ("Amal and the Mga Panauhin sa Gabi", 1951; "Labyrinth", 1963) at iba pang mga pangunahing kompositor. Sa USSR, ang mga opera sa radyo at telebisyon ay mga espesyal na uri ng produksyon. ay hindi malawakang ginagamit. Ang mga opera na espesyal na isinulat para sa telebisyon nina V. A. Vlasov at V. G. Fere ("The Witch", 1961) at V. G. Agafonnikov ("Anna Snegina", 1970) ay nasa likas na katangian ng mga indibidwal na eksperimento. Sov. ang radyo at telebisyon ay sumusunod sa landas ng paglikha ng mga montage at pampanitikan na musika. mga komposisyon o mga adaptasyon sa pelikula ng mga sikat na opera. klasiko at moderno mga may-akda.

Panitikan: Serov A.N., Ang kapalaran ng opera sa Russia, "Russian Stage", 1864, No. 2 at 7, pareho, sa kanyang aklat: Selected Articles, vol 1, M.-L., 1950; ang kanyang, Opera sa Russia at Russian opera, "Musical Light", 1870, No. 9, pareho, sa kanyang aklat: Critical Articles, vol 4, St. Petersburg, 1895; Cheshikhin V., History of Russian Opera, St. Petersburg, 1902, 1905; Engel Yu.. Sa opera, M., 1911; Igor Glebov (Asafiev B.V.), Symphonic Etudes, P., 1922, L., 1970; kanyang, Mga Sulat sa Russian opera at ballet, "Lingguhan ng Petrograd State Academic Theatres", 1922, No. 3-7, 9-10, 12-13; kanyang, Opera, sa aklat: Mga sanaysay sa pagkamalikhain ng musikal ng Sobyet, vol. Bogdanov-Berezovsky V. M., Soviet Opera, L.-M., 1940; Druskin M., Mga tanong ng musikal na dramaturhiya ng opera, Leningrad, 1952; Yarustovsky B., Dramaturgy of Russian opera classics, M., 1953; sa pamamagitan niya, Mga sanaysay sa dramaturhiya ng 20th century opera, libro. 1, M., 1971; Sobyet na opera. Koleksyon ng mga kritikal na artikulo, M., 1953; Tigranov G., Armenian musical theater. Mga sanaysay at materyales, vol 1-3, E., 1956-75; sa pamamagitan niya, Opera at Ballet ng Armenia, M., 1966; Arkhimovich L., Ukrainian classical opera, K., 1957; Gozenpud A., Musical theater sa Russia. Mula sa mga pinagmulan hanggang Glinka, L., 1959; sa pamamagitan niya, Russian Soviet Opera Theatre, L., 1963; sa pamamagitan niya, Russian Opera Theater noong ika-19 na siglo, vol. ang kanyang, Russian Opera Theater sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo at F. I. Shalyapin, L., 1974; kanyang, Russian Opera House sa pagitan ng dalawang rebolusyon, 1905-1917, L., 1975; Ferman V. E., Opera House, M., 1961; Bernandt G., Dictionary of operas unang itinanghal o inilathala sa pre-revolutionary Russia at USSR (1736-1959), M., 1962; Khokhlovkina A., Western European Opera. Ang katapusan ng ika-18 - unang kalahati ng ika-19 na siglo. Sanaysay, M., 1962; Smolsky B. S., Belarusian Musical Theatre, Minsk, 1963; Livanova T.N., Pagpuna sa Opera sa Russia, vol 1-2, blg. 1-4 (isyu 1 kasama ng V.V. Protopopov), M., 1966-73; Konen V., Theater and Symphony, M., 1968, 1975; Mga tanong ng operatic dramaturgy, (collection), editor-compiler. Yu. Tyulin, M., 1975; Danko L., Comic opera noong ika-20 siglo, L.-M., 1976.

Ang bawat isa sa mga sining ay may ilang mga genre, kung saan binibihisan ng mga tagalikha ang kanilang mga masining na ideya. Ang ilan sa mga ito ay pinakaangkop para sa pagpapatupad ng engrande, tulad ng sinasabi nila ngayon, mga proyekto, para sa malalaking kaliskis at monumental na mga anyo, ang iba - para sa pagpapahayag ng matalik na damdamin. Ang maling pagpili ng genre o anyo kung saan nais niyang isama ang kanyang ideya ay maaaring magresulta sa pagkabigo para sa lumikha. Siyempre, ito ay kahanga-hanga kapag ang isang maliit na form ay naglalaman ng mahusay na nilalaman. Sa ganitong mga kaso, kaugalian na sabihin: ang kaiklian ay kapatid ng talento, o - tulad ng sinabi ni Shakespeare sa Hamlet - "ang kaiklian ay ang kaluluwa ng pag-iisip," ngunit masama kung, sa kabilang banda, walang sapat na nilalaman. para sa napiling malaking anyo...

Alexander Maikapar

Mga genre ng musika: Opera

Ang bawat isa sa mga sining ay may mga partikular na genre kung saan ipinapahayag ng mga tagalikha ang kanilang mga masining na ideya. Ang ilan sa mga ito ay pinakaangkop para sa pagpapatupad ng engrande, tulad ng sinasabi nila ngayon, mga proyekto, para sa malalaking kaliskis at monumental na mga anyo, ang iba - para sa pagpapahayag ng matalik na damdamin. Ang maling pagpili ng genre o anyo kung saan nais niyang isama ang kanyang ideya ay maaaring magresulta sa pagkabigo para sa lumikha. Siyempre, ito ay kahanga-hanga kapag ang isang maliit na form ay naglalaman ng mahusay na nilalaman. Sa ganitong mga kaso, kaugalian na sabihin: ang kaiklian ay kapatid ng talento, o - tulad ng sinabi ni Shakespeare sa Hamlet - "ang kaiklian ay ang kaluluwa ng pag-iisip," ngunit masama kung, sa kabilang banda, walang sapat na nilalaman. para sa napiling malaking anyo.

Ang mga parallel ay maaaring iguhit sa pagitan ng mga indibidwal na genre ng iba't ibang uri ng sining. Kaya, ang opera sa isang tiyak na kahulugan ay katulad ng isang nobela o dramatikong gawain(mas madalas - mga trahedya; at maaari kang magbigay ng mga halimbawa ng mga opera batay sa mga teksto ng mga sikat na trahedya - "Othello" nina Shakespeare at Verdi). Ang isa pang parallel ay ang musical genre ng prelude at lyric poem, at sa visual arts - drawing. Ang mga paghahambing ay madaling ipagpatuloy.

Mahalaga para sa amin na bigyang-pansin dito ang katotohanan na ang gayong mga parallel ay naglalaman ng mga pagkakatulad sa mga anyo at kahit na mga teknikal na pamamaraan, ang pagkakakilanlan ng pagtatrabaho sa mga volume at masa: para sa isang kompositor - mga tunog, para sa isang artist - mga kulay. Sa iminungkahing serye ng mga sanaysay sa mga genre ng musika, susubukan naming iwasan ang mga kumplikadong konsepto at termino ng musika, ngunit hindi pa rin nagpapakita ng ilang partikular na mga tampok na musikal hindi tayo makadaan.

Maraming mga klasikal at romantikong opera mula noong panahon ni Lully ang nagpasok ng mga eksena sa ballet. Ang isa sa mga yugtong ito ay ipinakita sa kanyang pagpipinta ni E. Degas. Ang mga ephemeral na mananayaw sa entablado ay kabaligtaran nang husto sa mga musikero ng orkestra at manonood sa mga kuwadra, na kung saan ay ang mga kaibigan ng artist - ang kolektor na si Albert Hesht at ang amateur artist na si Viscount Lepic, na inilalarawan ng artist na halos katumpakan ng photographic. Ang impresyonismo at realismo ay malapit na konektado. Para sa lahat ng kanilang pagkakaiba, maaari silang pagsamahin sa isang larawan.

Ang Egyptian na tema ng opera ni Verdi na Aida ay graphic na inilalarawan sa pahina ng pamagat ng unang edisyon ng opera, na ginawa ni G. Ricordi at C." sa Milan. Ang mga publikasyon ng kumpanya ay ipinamahagi sa buong Europa. Mula sa mga memoir ni Propesor S. Maykapar tungkol sa kanyang kabataan sa musika sa Taganrog (unang bahagi ng 80s ng ika-19 na siglo): G. Molla, isang Italyano na guro, “bilang karagdagan sa mga aralin, talagang gustong-gusto niya akong puntahan o anyayahan sa kanyang lugar. na mag-aral sa akin lamang na ang mga bagong Verdi opera ay lumalabas. Inutusan niya ang clavierauszugi (piano arrangement) ng mga opera na ito nang direkta mula sa Milan mula sa Ricordi publishing house mismo. Kaya't dumaan kami sa mga opera na "Aida", "Othello", "Falstaff" nang lubusan sa kanya.

Ang unang produksyon ng Carmen ay hindi matagumpay. Ang may-akda ay inakusahan ng imoralidad. Si Tchaikovsky ay isa sa mga unang nagpahalaga sa musika ng "Carmen". "Ang opera ni Bizet," isinulat niya, "ay isang obra maestra, isa sa ilang mga bagay na nakalaan upang ipakita sa pinakamalaking lawak ang mga adhikain sa musika ng isang buong panahon. Sa loob ng sampung taon, ang Carmen ang magiging pinakasikat na opera sa mundo.” Ang mga salita ni Tchaikovsky ay naging makahulang.

Ang mga gawa ng sikat na Italyano na kompositor na si Giacomo Puccini ay inilathala ng nabanggit na G. Ricordi. Ang "Tosca" (1900) ay isa sa mga pinaka repertoire na opera sa mga sinehan sa buong mundo. Ang paglikha ng mga medley, paraphrase o pantasya sa mga tema ng mga paboritong opera ay isang tradisyon noong ika-18 siglo.

"Wolf Ravine". Si Kaspar, habang hinihintay si Max, ay pumasok sa isang kasunduan sa demonyong mangangaso na si Samiel, kung kanino niya ipinagbili ang kanyang buhay. Ngunit pagkatapos ay inaalok niya si Max sa halip. Mahiwagang sagot ng multo: "Siya o ikaw." Sa oras na ito, si Max ay bumaba mula sa itaas patungo sa bangin, siya ay hawak ng anino ng kanyang ina, ngunit ipinatawag ni Samiel ang multo ni Agatha, at si Max, pagkatapos ng ilang pag-aalinlangan, ay bumaba. Si Max ay naghahanda ng pitong magic bullet mula sa materyal na ibinigay ng Kaspar. Napapaligiran sila ng mga mala-impiyernong pangitain. Sa huling, nakamamatay na bala, lumitaw ang multo ni Samiel, at ang parehong mga mangangaso ay nahulog na halos patay mula sa sindak sa lupa.

A. Borodin ay walang oras upang tapusin ang trabaho sa opera.

Ang obra maestra ng operatic art na ito ay inihanda para sa pagganap at paglalathala ng mga kaibigan ng kompositor - N. Rimsky-Korsakov at A. Glazunov. Ang huli ay naitala ang opera's overture mula sa memorya.

Ang opera ay inilathala ng Russian philanthropist na si M.P. Belyaev, tagapagtatag ng music publishing house Edition M.P. BELAЇFF, Leipzig.”

Mula sa mga memoir ni N. Rimsky-Korsakov: M. P. Belyaev "ay isang pilantropo, ngunit hindi isang pilantropo-panginoon, na nagtatapon ng pera sa sining sa kanyang sariling kapritso at mahalagang walang ginagawa para dito. Siyempre, kung hindi siya mayaman, hindi niya magagawa ang kanyang ginawa para sa sining, ngunit sa bagay na ito ay agad siyang tumayo sa marangal, matibay na lupa. Siya ay naging isang negosyante ng mga konsyerto at isang publisher ng musikang Ruso nang walang anumang inaasahan ng anumang benepisyo para sa kanyang sarili, ngunit sa kabaligtaran, nag-donate ng malaking halaga para dito, bukod pa rito, itinago ang kanyang pangalan sa huling posibleng pagkakataon.

Maikling Depinisyon

Ang mundo ng opera...

Gaano karaming mga kompositor, ilang henerasyon ng mga tagapakinig, sa kung gaano karaming mga bansa ang nabihag ng mundong ito sa mga kagandahan nito! Gaano karaming mga pinakadakilang obra maestra ang nilalaman ng mundong ito! Anong sari-saring mga balangkas, anyo, paraan ng entablado na sagisag ng mga larawan ng isang tao na ibinibigay ng mundong ito sa sangkatauhan!

Ang Opera ay ang pinakamahirap na genre ng musika. Bilang isang patakaran, ito ay tumatagal ng isang buong theatrical na gabi (bagaman may mga tinatawag na one-act opera, na kadalasang itinatanghal dalawa sa isang theatrical performance). Sa ilang mga kaso, ang buong konsepto ng opera ng kompositor ay naisasakatuparan sa ilang gabi, na ang bawat isa ay lumalampas sa tradisyonal na balangkas ng isang pagganap ng opera. Ang ibig naming sabihin ay ang tetralogy (iyon ay, isang pagtatanghal ng apat na opera) ni Richard Wagner "The Ring of the Nibelung" kasama ang apat na independiyenteng pagtatanghal ng opera nito: ang prologue - "Das Rheingold", ang unang araw - "Die Walküre", ang pangalawa araw - "Siegfried", ang ikatlong araw - "Kamatayan ng mga diyos". Hindi kataka-taka na ang naturang paglikha sa sukat nito ay niraranggo sa mga nilikha ng espiritu ng tao tulad ng pagpipinta ni Michelangelo sa kisame ng Sistine Chapel o "Human Comedy" ni Balzac (98 na nobela at maikling kwento - "Mga Pag-aaral sa Moral").

Dahil malayo na ang narating natin, pag-usapan natin si Wagner. Sa aklat ng American musicologist na si Henry Simon "One Hundred Great Operas", na nagkaroon kami ng pagkakataon na isalin at i-publish para sa mga mahilig sa opera sa ating bansa, ang tetralogy na ito ay sinabi nang matalas at aphoristically: "The Ring of the Nibelung" - pinakadakilang gawain sining na nilikha ng isang tao, o - kung hindi man - ang pinaka-napakalaki, o - kahit na - ang bunga ng matinding gigantomania. Ito ay kung paano ang tetralogy na ito ay patuloy na nailalarawan, at ang mga epithet na ito ay hindi nangangahulugang kapwa eksklusibo. Tumagal ng dalawampu't walong taon upang malikha ang paglikha na ito - teksto, musika at paghahanda ng premiere. Totoo, sa panahong ito si Wagner ay nagpahinga mula sa pagtatrabaho sa The Ring, na bahagyang tumutugma sa paglikha ng Siegfried. Upang makagambala ng kaunti at huminga, sa panahong ito ay binubuo din niya ang dalawa sa kanyang mga obra maestra - "Tristan" at "Die Meistersinger".

Bago pa man mailarawan ang makasaysayang landas ng opera - isang detalyadong kuwento tungkol sa opera ay kukuha ng isang malaking volume ng libro, o kahit na higit pa sa isa - subukan nating magbigay ng maikling kahulugan kung ano ang, o sa halip, kung ano ang naging opera bilang isang musikal. genre.

salitang Italyano opera nagmula sa Latin at nangangahulugang sa isang malawak na kahulugan ay "gawa", iyon ay, "paglikha", sa pampanitikan at musikal na kahulugan ay nangangahulugang "komposisyon". Matagal bago ang opera, isang genre ng musika, ang salitang ito ay ginamit upang italaga ang isang akdang pampanitikan, pangunahin ang pilosopikal at teolohiko, nang ito ay nai-publish nang buo - Opera omnia. Ang ganitong mga gawa ay ang pinaka-kumplikadong genre ng pampanitikan (halimbawa, ang Summa Theologica ni Thomas Aquinas). Sa musika, ang pinaka-kumplikadong gawain ay tiyak na opera - isang yugto ng trabaho na pinagsasama ang musika (vocal at instrumental), tula, drama, scenography (visual arts). Kaya, ang opera ay may karapatang taglay ang pangalan nito.

Magsimula

Kung itinakda natin na balangkasin, kahit man lang sa mga tuldok-tuldok na linya, ang mga yugto ng pag-unlad ng opera bilang isang genre ng musika, ang ating sanaysay ay magiging isang listahan lamang ng mga pangalan ng mga kompositor, ang mga pangalan ng kanilang mga likhang opera at ang mga teatro kung saan ang mga obra maestra na ito. unang nakita ang liwanag ng entablado. Bukod dito, mula sa mga pangalan, bilang madaling hulaan, ang pinakadakila ay pinangalanan: Monteverdi, Pergolesi, Lully, Gluck, Mozart, Rossini, Beethoven, Meyerbeer, Wagner, Verdi, Puccini, Richard Strauss... Ito ay mga kompositor lamang sa Kanluran. . At ang mga Ruso! Gayunpaman, pag-uusapan natin sila mamaya.

Ngunit kailangan pa ring sabihin ang tungkol sa unang opera at ang unang kompositor ng opera na naging ganoon... nang hindi sinasadya. Upang gawin ito, kailangan nating ihatid ang ating sarili sa kaisipan sa tinubuang-bayan ng genre ng musika na ito - sa Italya, mas tiyak, sa Florence sa pagtatapos ng ika-16 na siglo. Dito ipinanganak ang Opera at sa panahong ito.

Sa oras na iyon, ang Italya ay pinangungunahan ng isang pambihirang hilig para sa mga akademya, iyon ay, libre (mula sa mga awtoridad ng lungsod at simbahan) na mga lipunan na pinag-isa ang mga pilosopo, siyentipiko, makata, musikero, marangal at napaliwanagan na mga baguhan. Ang layunin ng naturang mga lipunan ay hikayatin at paunlarin ang mga agham at sining. Ang mga akademya ay nasiyahan sa pinansiyal na suporta ng kanilang mga miyembro (karamihan sa kanila ay kabilang sa mga aristokratikong lupon) at nasa ilalim ng pagtangkilik ng mga korte ng prinsipe at ducal. Sa siglo XVI–XVII. Mayroong higit sa isang libong akademya sa Italya. Isa na rito ang tinaguriang Florentine Camerata. Lumitaw ito noong 1580 sa inisyatiba ni Giovanni Bardi, Count of Vernio. Kabilang sa mga miyembro nito ay sina Vincenzo Galilei (ama ng sikat na astronomer), Giulio Caccini, Jacopo Peri, Pietro Strozzi, Girolamo Mei, Ottavio Rinuccini, Jacopo Corea, Cristofano Malvezzi. Sila ay partikular na interesado sa kultura ng unang panahon at ang mga problema ng estilo ng sinaunang musika. Sa batayan na ito ipinanganak ang opera, na hindi pa tinatawag na opera (ang terminong "opera" sa ating pagkakaunawa ay unang lumitaw noong 1639), ngunit tinukoy bilang drama bawat musika(lit.: “drama through music”, o, mas tiyak sa kahulugan, “drama (set) to music”). Sa madaling salita, ang mga kompositor ng Florentine Camerata ay nadala sa ideya ng ​reconstructing sinaunang Greek music at drama at hindi nag-isip tungkol sa tinatawag nating opera ngayon. Ngunit mula sa mga pagtatangka na lumikha ng tulad ng isang (pseudo) sinaunang drama, ang opera ay ipinanganak noong 1597 o 1600.

Iba't ibang mga petsa - dahil ang lahat ay nakasalalay sa kung ano ang itinuturing na unang opera: ang taon na nilikha ang una, ngunit nawala, o isang taon umabot sa mula sa opera. Nabatid na ang nawala ay si “Daphne”, at ang nakarating sa atin ay si “Eurydice”. Ito ay kahanga-hangang itinanghal sa Palazzo Pitti noong Oktubre 6, 1600, sa okasyon ng kasal ni Marie de Medici at ng Pranses na hari na si Henry IV. Ipinagdiwang ng komunidad ng musikal sa mundo ang ikaapat na raang anibersaryo ng opera noong 2000. Magagandang mga numero! Malamang na makatwiran ang desisyong ito. Bilang karagdagan, ang parehong mga opera na ito - "Daphne" at "Euridice" - ay kabilang sa parehong kompositor na si Jacopo Peri (isinulat niya ang pangalawa sa pakikipagtulungan kay Giulio Caccini).

Tulad ng kaso ng paglilista ng mga pangalan ng mga kompositor ng opera, naghihintay sa atin ang walang hangganang materyal kung gusto nating ilarawan ang iba't ibang uri at direksyon ng operatic creativity, upang makilala ang lahat ng inobasyon na dala ng bawat isa sa mga dakilang tagalikha ng opera. Kakailanganin nating banggitin ang hindi bababa sa mga pangunahing uri ng opera - ang tinatawag na "seryosong" opera ( serye ng opera) at comic opera ( opera buffa). Ito ang mga unang genre ng opera na lumitaw noong ika-17–18 na siglo; sa mga ito pagkatapos (noong ika-19 na siglo) ang "opera-drama" ( grand opera) at comic opera ng Romantic na panahon (na pagkatapos ay maayos na nabago sa operetta).

Kung gaano kalinaw at malinaw ang ebolusyon ng mga genre ng opera na ito para sa mga musikero ay napatunayan ng nakakatawang pahayag ng isang matalinong musikero: "Kung ang "The Barber of Seville" [Rossini] ay ipinapakita sa teatro sa tatlo mga aksyon, mangyaring malaman na ginawa ito para sa layunin ng theater buffet.” Upang pahalagahan ang biro na ito, kailangan mong malaman na ang The Barber of Seville ay isang comic opera, ang tagapagmana ng mga tradisyon. opera buffa. A opera buffa noong una (sa Italya noong ika-18 siglo) ito ay nilikha bilang isang masayang pagtatanghal para sa mga tagapakinig upang makapagpahinga sa mga intermisyon serye ng opera alin sa oras na iyon ito ay palaging binubuo ng tatlong mga gawa. Kaya madaling maunawaan na mayroong dalawang intermission sa isang three-act show.

Ang kasaysayan ng musika ay napanatili para sa atin ang mga kalagayan ng kapanganakan ng una opera buffa. Ang may-akda nito ay ang napakabata na si Giovanni Battista Pergolesi. Noong 1733, nilikha ng kompositor ang kanyang susunod na "seryosong opera" - "The Proud Captive". Tulad ng iba pang limang opera serye, na kanyang kinatha sa loob ng apat na taon ng kanyang karera bilang isang kompositor ng opera, hindi ito naging matagumpay, sa katunayan, ito ay isang kabiguan.

Bilang dalawa intermezzo Si Pergolesi, tulad ng sinasabi nila, ay walang ingat na sumulat ng isang nakakatawang kuwento, na nangangailangan lamang ng isang soprano at isang bass, at isang mime actor (ang naturang cast ay naging tradisyonal para sa mga naturang interludes). Sa gayon ay isinilang ang anyo ng musika na naging kilala bilang opera buffa, na naging mahaba at marangal na kasaysayan, at ang klasikong halimbawa nito - "The Maid-Mistress" - ay may marangal at pantay na mahabang yugto ng buhay.

Namatay si Pergolesi noong 1736 sa edad na dalawampu't anim. Hindi niya nalaman na makalipas ang sampung taon, nang itanghal ng isang kumpanyang Italyano ang kanyang munting gawain sa Paris, ito ang naging sanhi ng digmaan sa opera na naging kilala bilang "Buffon War." Malawakang iginagalang, si Rameau at Lully ay gumawa noon ng mga maringal at kalunus-lunos na mga gawa na umakit ng mga kritikal na pagsusuri mula sa mga intelektuwal tulad nina Rousseau at Diderot. Binigyan sila ng "Servant-Mistress" ng sandata para salakayin ang pormal na musical entertainment na pinapaboran ng hari. Siyanga pala, mas pinili ng reyna ang mga musical rebels. Ang resulta ng digmaang ito ay hindi bababa sa animnapung polyeto sa paksang ito, na naging isang tagumpay opera buffa Si Rousseau mismo, na tinawag na "The Village Sorcerer" (ito ay naging modelo para sa "Bastien et Bastienne" ni Mozart), at halos dalawang daang pagtatanghal ng obra maestra ni Pergolesius.

Mga Pangunahing Prinsipyo ni Gluck

Kung titingnan mo ang opera mula sa punto ng view ng repertoire na maaaring ituring na tradisyonal para sa mga klasikal na opera house ng mundo, kung gayon ang mga unang linya nito ay hindi maglalaman ng mga gawa ng mga klasiko ng ika-18 siglo, tulad ng Handel, Alessandro Scarlatti at ang kanilang maraming, aktibong nagtatrabaho kapanahon at tagasunod, ngunit isang kompositor na resolutely itinuro ang kanyang tingin patungo sa dramatikong katotohanan ng aksyon sa entablado. Ang kompositor na ito ay si Gluck.

Dapat pansinin na, siyempre, kapag nagpapakilala sa mga pambansang paaralan ng opera, dapat ding sabihin ang tungkol sa Alemanya noong kalagitnaan ng ika-18 siglo, ngunit narito, anuman ang gawaing gagawin mo na karapat-dapat na banggitin, tiyak na ito ay alinman sa isang Italyano na kompositor na nagtrabaho sa Alemanya, o isang Aleman na nag-aral sa Italya at nagsulat sa tradisyon ng Italyano at sa wikang Italyano. Bukod dito, ang mga unang gawa ni Gluck mismo ay ganoon lang: nag-aral siya sa Italya at ang kanyang mga unang opera ay isinulat para sa mga Italian opera house. Gayunpaman, sa isang tiyak na punto, biglang binago ni Gluck ang kanyang mga pananaw at pumasok sa opera na may mataas na banner, na kung saan ay nakasulat: "Bumalik sa 1600!" Sa madaling salita, muli, pagkatapos ng maraming taon ng paglinang ng lahat ng uri ng mga kombensiyon, ang opera ay dapat na maging " drama bawat musika».

Ang mga pangunahing prinsipyo ni Gluck ay maaaring ibuod (batay sa paunang salita ng may-akda sa Alceste) tulad ng sumusunod:

a) ang musika ay dapat na nasa ilalim ng tula at dula, hindi ito dapat magpahina sa kanila ng hindi kinakailangang mga palamuti; dapat itong gampanan na may kaugnayan sa isang akdang patula ang parehong papel na ginagampanan ng ningning ng mga kulay at mahusay na pamamahagi ng liwanag at lilim na may kaugnayan sa isang mahusay at tumpak na pagguhit, na nagsisilbing pasiglahin ang mga pigura nang hindi binabago ang kanilang mga contour;

b) lahat ng mga pagmamalabis kung saan dapat alisin ang sentido komun at protesta ng hustisya; hindi dapat matakpan ng aktor ang kanyang madamdaming monologo, naghihintay na tumunog ang walang katotohanan na ritornello, o masira ang isang salita upang maipakita ang kanyang magandang boses sa ilang maginhawang patinig;

c) ang overture ay dapat na nagbibigay-liwanag sa aksyon para sa madla at magsilbi bilang isang panimulang pangkalahatang-ideya ng nilalaman;

d) ang orkestrasyon ay dapat magbago alinsunod sa interes at hilig ng mga salitang binibigkas ng aktor;

e) ang mga hindi naaangkop na caesuras sa pagitan ng mga recitatives at arias ay dapat na iwasan, na nakapipinsala sa panahon at nag-aalis ng pagkilos ng lakas at ningning.

Kaya, lumilitaw si Gluck bilang isang mahusay na repormador ng opera. Siya ay isang Aleman, at sa kanya nagmula ang linya ng pag-unlad ng opera na, sa pamamagitan ni Mozart, ay humahantong sa Weber, pagkatapos ay kay Wagner.

Double Talent

Marahil ang pinakamahusay na paglalarawan ng Wagner ay nananatiling mga salita ni Franz Liszt tungkol sa kanya (na ipinakita namin sa pagsasalin ng kahanga-hangang kompositor ng Russia at kritiko ng musika na si Alexander Serov): "Bilang isang napakabihirang pagbubukod sa larangan ng mga musikal na figure, pinagsama ni Wagner sa kanyang sarili. isang dobleng talento: isang makata sa mga tunog at isang makata sa mga salita, may-akda musika sa opera at may-akda libretto, kung ano ang nagbibigay ng pambihirang pagkakaisa kanyang dramatiko at musikal na mga imbensyon.<...>Ang lahat ng sining, ayon sa teorya ni Wagner, ay dapat pagsamahin sa teatro at, na may ganitong balanseng masining na kasunduan, nagsusumikap para sa isang layunin - isang karaniwang kaakit-akit na impresyon. Imposibleng talakayin ang musika ni Wagner kung gusto ng isa na hanapin ang ordinaryong operatic texture sa loob nito, ang ordinaryong pamamahagi ng mga arias, duet, romansa, at ensemble. Dito, ang lahat ay magkakaugnay, pinag-isa ng organismo ng drama. Ang estilo ng pag-awit sa karamihan ng mga eksena ay malayo sa nakagawiang pagbigkas tulad ng sa mga sinusukat na parirala ng Italian arias. Ang pag-awit sa Wagner ay nagiging natural na pananalita sa mala-tula na kaharian, pananalita na hindi nakakasagabal sa dramatikong aksyon (tulad ng sa iba pang mga opera), ngunit, sa kabaligtaran, ito ay walang katumbas na pagpapahusay. Ngunit habang ang mga karakter ay nagpapahayag ng kanilang mga damdamin sa isang maringal na simpleng deklarasyon, ang mayamang orkestra ni Wagner ay nagsisilbing echo ng kaluluwa ng parehong mga karakter na ito, nagpupuno, kumukumpleto sa kung ano ang ating naririnig natin At Nakikita namin sa entablado."

paaralang Ruso

Noong ika-19 na siglo, ang paaralan ng opera ng Russia ay umabot sa kapanahunan at kalayaan. Sa oras na ito, ang kahanga-hangang lupa ay inihanda para sa paglago nito. Ang unang mga opera ng Russia, na lumitaw sa pagtatapos ng ika-18 siglo, ay pangunahing mga dramatikong dula na may mga yugto ng musikal sa panahon ng aksyon. Marami ang hiniram ng mga kompositor ng Russia noong panahong iyon mula sa mga Italyano at Pranses. Ngunit sila naman, nang bumisita sa Russia, napagtanto at na-assimilated ang karamihan sa buhay musikal ng Russia sa kanilang trabaho.

Ang nagtatag ng mga klasikong opera ng Russia ay si M.I. Glinka. Ang kanyang dalawang opera - ang makasaysayang-trahedya na "Buhay para sa Tsar" (Ivan Susanin, 1836) at ang fairy-tale-epic na "Ruslan at Lyudmila" (1842) - ay naglatag ng pundasyon para sa dalawang pinakamahalagang uso sa teatro ng musikal ng Russia: makasaysayang opera at mahiwagang-epikong opera.

Kasunod ni Glinka, pumasok si Alexander Dargomyzhsky sa larangan ng opera. Ang kanyang landas bilang isang kompositor ng opera ay nagsimula sa opera na "Esmeralda" pagkatapos ni V. Hugo (na itinanghal noong 1847). Ngunit ang kanyang pangunahing artistikong tagumpay ay ang mga opera na "Rusalka" (1855) at "The Stone Guest" (1866–1869). Ang "Rusalka" ay ang unang Russian araw-araw na liriko at sikolohikal na opera. Si Dargomyzhsky, tulad ni Wagner, ay nadama ang pangangailangang repormahin ang opera upang maalis ang mga kombensiyon at makamit ang isang kumpletong pagsasanib ng musika at dramatikong aksyon. Ngunit, hindi tulad ng mahusay na Aleman, itinuon niya ang kanyang mga pagsisikap sa paghahanap para sa pinakatotoong sagisag sa tinig na himig ng mga intonasyon ng buhay na pagsasalita ng tao.

Isang bagong yugto sa kasaysayan ng Russian opera - ang 60s ng ika-19 na siglo. Ito ang oras kung kailan ang mga gawa ng mga kompositor mula sa Balakirev circle, na kilala bilang "Mighty Handful," at Tchaikovsky ay lumabas sa entablado ng Russia. Ang mga miyembro ng Balakirev circle ay sina A.P. Borodin, M.P. Mussorgsky, N.A. Rimsky-Korsakov. Ang mga operatikong likha ng mga kompositor na ito ay bumubuo sa ginintuang pondo ng Russian at world opera art.

Ang ikadalawampu siglo - kapwa sa Russia at sa Kanluran - ay nagpakilala ng makabuluhang pagkakaiba-iba sa mga genre ng opera, ngunit dapat nating aminin na ang ika-apat na siglo ng pag-iral ng opera ay hindi maaaring ipagmalaki ang mga gawa na kasing dakila at kasaganaan tulad noong mga nakaraang siglo. Tingnan natin kung ano ang mangyayari sa ikalimang siglo...

Paano nagsimula ang opera...

Anuman ang artistikong kilusan na kinabibilangan ng isang partikular na opera, ito ay palaging nagbubukas ng isang overture. Bilang isang patakaran, ang huli ay naglalaman ng susi mga ideya sa musika Ang opera, ang pangunahing motibo nito, ay nagpapakilala sa mga tauhan nito sa pamamagitan lamang ng orkestra na paraan. Ang overture ay ang "calling card" ng opera. Tinatapos namin ang aming pag-uusap tungkol sa opera sa isang talakayan kung paano nagsisimula ang opera. At ibinibigay namin ang sahig sa pinakamatalinong kompositor - Gioachino Rossini.

Nang tanungin siya ng isang batang kompositor kung mas mabuting magsulat ng isang overture bago magsulat ng isang opera o matapos ito, naglista si Rossini ng anim na paraan kung saan siya sumulat ng mga overture:

1. Isinulat ko ang overture kay Othello sa isang maliit na silid kung saan ikinulong ako ng isa sa pinakamalupit na direktor ng teatro, si Barbaria, ng isang plato ng pasta; sabi niya lalabas na lang daw ako pagkatapos maisulat ang huling note ng overture.

2. Isinulat ko ang overture sa "The Thieving Magpie" sa mismong araw ng premiere ng opera sa likod ng mga eksena ng La Scala theater sa Milan. Inilagay ako ng direktor sa ilalim ng bantay ng apat na entablado, na inutusang isa-isang ihagis ang mga sheet ng manuskrito sa mga tagakopya na nasa ibaba sa hukay ng orkestra. Habang muling isinulat ang manuskrito, bawat pahina, ipinadala ito sa konduktor, na nag-eensayo ng musika. Kung ako ay nabigo sa pagbuo ng musika sa takdang oras, ang aking mga bantay ay ihagis ako, sa halip na ang mga sheet, sa mga eskriba.

3. Mas madali akong lumabas sa sitwasyon sa kaso ng overture sa The Barber of Seville, na hindi ko isinulat; Sa halip, ginamit ko ang overture sa aking opera na Elizabeth, na isang napakaseryosong opera, habang ang The Barber of Seville ay isang comic opera.

4. Binuo ko ang overture sa "Count Ory" noong ako ay nangingisda kasama ang isang musikero, isang Kastila, na patuloy na nakikipagdaldalan tungkol sa sitwasyong pampulitika sa kanyang bansa.

5. Binubuo ko ang Overture kay William Tell sa isang apartment sa Boulevard Montmartre, kung saan gabi at araw maraming tao ang naninigarilyo, nag-iinuman, nag-uusap, kumakanta at umalingawngaw sa aking mga tainga habang nagtatrabaho ako sa musika.

6. Hindi pa ako nakagawa ng anumang overture sa aking opera na “Moses”; at ito ang pinakasimple sa lahat ng pamamaraan.

Ang nakakatawang pahayag na ito mula sa sikat na kompositor ng opera ay natural na humantong sa amin sa higit pa detalyadong kwento tungkol sa overture - isang musical genre na nagbigay ng magagandang halimbawa. Ang kwento tungkol dito ay nasa susunod na sanaysay sa serye.

Batay sa mga materyales mula sa magazine na "Art" No. 02/2009

Sa poster: Boris Godunov - Ferruccio Furlanetto. Larawan ni Damir Yusupov

Opera(Italian opera - negosyo, paggawa, trabaho; mula sa Latin opera - trabaho, produkto, trabaho) - isang genre ng musikal at dramatikong sining kung saan ang nilalaman ay kinakatawan sa pamamagitan ng musikal na dramaturhiya, pangunahin sa pamamagitan ng vocal music. Ang pampanitikan na batayan ng opera ay ang libretto.

Kasaysayan ng genre

Lumitaw ang Opera sa Italya, sa mga misteryo, iyon ay, mga espirituwal na pagtatanghal kung saan ang paminsan-minsang pagpapakilala ng musika ay nasa mababang antas. Espirituwal na komedya: “Pagbabalik-loob ng St. Paul" (1480), Beverini, ay kumakatawan sa isang mas seryosong gawain kung saan sinamahan ng musika ang aksyon mula simula hanggang katapusan. Sa kalagitnaan ng ika-16 na siglo, ang mga pastoral o laro ng pastol, kung saan ang musika ay limitado sa mga koro, sa likas na katangian ng isang motet o madrigal, ay napakapopular. Sa Amfiparnasso ni Orazio Vecchi, ang pag-awit ng koro sa labas ng entablado, sa anyo ng limang boses na madrigal, ay nagsilbi upang samahan ang mga pagtatanghal ng mga aktor sa entablado. Ang Commedia armonica na ito ay ibinigay sa unang pagkakataon sa Korte ng Modena noong 1597.

Sa pagtatapos ng ika-16 na siglo, ang mga pagtatangka na ipakilala ang monophonic na pag-awit (monody) sa naturang mga gawa ay nagdala ng opera sa landas kung saan mabilis na sumulong ang pag-unlad nito. Tinawag ng mga may-akda ng mga pagtatangka na ito ang kanilang mga musikal at dramatikong gawa na drama sa musica o drama per musica; ang pangalang "opera" ay nagsimulang ilapat sa kanila noong unang kalahati ng ika-17 siglo. Nang maglaon, ang ilang mga kompositor ng opera, halimbawa Richard Wagner, ay muling bumalik sa pangalang "musical drama".

Ang unang opera house para sa mga pampublikong pagtatanghal ay binuksan noong 1637 sa Venice; ang dating opera ay inihahatid lamang para sa libangan sa korte. Ang unang pangunahing opera ay maaaring ituring na "Daphne" ni Jacopo Peri, na isinagawa noong 1597. Hindi nagtagal ay kumalat ang opera sa Italya, at pagkatapos ay sa iba pang bahagi ng Europa. Sa Venice, mula nang magbukas ng mga pampublikong panoorin, 7 mga sinehan ang lumabas sa loob ng 65 taon; 357 opera ang isinulat para sa kanila ng iba't ibang kompositor (hanggang 40). Ang mga pioneer ng opera ay: sa Germany - Heinrich Schütz (Daphne, 1627), sa France - Camber (La pastorale, 1647), sa England - Purcell; sa Espanya ang unang mga opera ay lumitaw sa simula ng ika-18 siglo; sa Russia, si Araya ang unang nagsulat ng isang opera (“Mullet and Procris”) batay sa isang independiyenteng tekstong Ruso (1755). Ang unang opera ng Russia na isinulat sa mga kaugaliang Ruso ay "Tanyusha, o Maligayang Pagpupulong," musika ni F. G. Volkov (1756).

Mga uri ng opera

Sa kasaysayan, ang ilang mga anyo ng operatic music ay nabuo. Bagama't may ilang pangkalahatang pattern ng operatic dramaturgy, lahat ng bahagi nito, depende sa mga uri ng opera, ay naiiba ang interpretasyon.

grand opera (opera seria - Italian, trag "edie lyrique, mamaya grand-op" era - French),

semi-comic (semiseria),

comic opera (opera-buffa - Italyano, op"era-comique - French, Spieloper - German),

romantikong opera na may romantikong balangkas.

Sa comic opera, German at French, pinapayagan ang dialogue sa pagitan ng mga musical number. Mayroon ding mga seryosong opera kung saan ipinapasok ang diyalogo, halimbawa. "Fidelio" ni Beethoven, "Medea" ni Cherubini, "The Magic Shooter" ni Weber.

Opera para sa pagganap ng mga bata(halimbawa, ang mga opera ni Benjamin Britten - "The Little Chimney Sweeper", "Noah's Ark", ang mga opera ni Lev Konov - "King Matt the First", "Asgard", "The Ugly Duckling", "Kokinwakashu").

Mga Elemento ng Opera

Ang Opera ay isang sintetikong genre na nagkakaisa sa iisang theatrical action iba't ibang uri sining: drama, musika, visual arts (scenery, costumes), choreography (ballet).

Kasama sa opera ensemble ang: soloista, koro, orkestra, banda ng militar, organ. Mga boses ng opera: (babae: soprano, mezzo-soprano, contralto; lalaki: countertenor, tenor, baritone, bass).

Ang isang operatikong gawain ay nahahati sa mga kilos, larawan, eksena, at mga numero. May prologue bago ang mga gawa, at isang epilogue sa dulo ng opera.

Mga bahagi ng isang operatic work - recitatives, arioso, kanta, arias, duets, trios, quartets, ensembles, atbp. Mula sa symphonic forms - overture, introduction, intermissions, pantomime, melodrama, processions, ballet music.

Ang mga tauhan ng mga tauhan ay lubos na nalalantad sa mga solong numero (aria, arioso, arietta, cavatina, monologo, balad, kanta). Ang recitative ay may iba't ibang mga function sa opera - musikal, intonasyon at maindayog na pagpaparami ng pagsasalita ng tao. Kadalasan ay nagkokonekta siya (plotwise at musically) mga indibidwal na nakumpletong numero; ay kadalasang isang mabisang salik sa musikal na dramaturhiya. Sa ilang mga genre ng opera, pangunahin sa komedya, ginagamit ang kolokyal na pananalita sa halip na recitative, kadalasan sa mga diyalogo.

Ang diyalogo sa entablado, ang eksena ng isang dramatikong pagganap sa isang opera ay tumutugma sa isang musical ensemble (duet, trio, quartet, quintet, atbp.), Ang mga detalye kung saan posible na lumikha ng mga sitwasyon ng salungatan, upang ipakita hindi lamang ang pag-unlad ng aksyon, kundi pati na rin ang salungatan ng mga karakter at ideya. Samakatuwid, ang mga ensemble ay madalas na lumilitaw sa climactic o huling sandali ng operatic action.

Ang koro sa opera ay binibigyang kahulugan sa iba't ibang paraan. Maaari itong maging background, walang kaugnayan sa pangunahing storyline; minsan isang uri ng komentarista sa mga nangyayari; ginagawang posible ng mga artistikong kakayahan nito na magpakita ng mga monumental na larawan ng katutubong buhay, upang ipakita ang ugnayan sa pagitan ng bayani at ng masa (halimbawa, ang papel ng koro sa mga katutubong musikal na drama ng M. P. Mussorgsky "Boris Godunov" at "Khovanshchina") .

Sa musikal na dramaturhiya ng opera, isang malaking papel ang itinalaga sa orkestra na nagsisilbing symphonic na paraan ng pagpapahayag upang mas ganap na ihayag ang mga imahe. Kasama rin sa opera ang mga independiyenteng yugto ng orkestra - overture, intermission (pagpapakilala sa mga indibidwal na kilos). Ang isa pang bahagi ng isang pagtatanghal ng opera ay ballet, mga choreographic na eksena kung saan ang mga plastik na larawan ay pinagsama sa mga musikal.

| |

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga mag-aaral, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Nai-post sa http://www.allbest.ru/

Ministri ng Edukasyon ng Russian Federation

Magnitogorsk State University

Faculty ng Preschool Education

Pagsusulit

sa disiplina na "Musical Art"

Opera bilang isang genre ng musikal na sining

Ginawa:

Manannikova Yu.A.

Magnitogorsk 2002

1. ANG PAG-USBONG NG GENRE

Ang Opera bilang isang genre ng musika ay lumitaw salamat sa pagsasama ng dalawang mahusay at sinaunang sining- teatro at musika.

“...Ang Opera ay isang sining na isinilang ng mutual na pagmamahalan sa pagitan ng musika at teatro,” ang isinulat ng isa sa mga namumukod-tanging direktor ng opera sa ating panahon, si B.A. Pokrovsky - Ito ay katulad din ng teatro na ipinahayag ng musika.

Kahit na ang musika ay ginagamit sa teatro mula noong sinaunang panahon, ang opera bilang isang malayang genre ay lumitaw lamang sa pagliko ng ika-16-17 siglo. Ang mismong pangalan ng genre - opera - ay bumangon noong 1605 at mabilis na pinalitan ang mga dating pangalan ng genre na ito: "drama sa pamamagitan ng musika", "trahedya sa pamamagitan ng musika", "melodrama", "tragicomedy" at iba pa.

Sa makasaysayang sandali na ito mga espesyal na kondisyon, na nagbigay buhay sa opera. Una sa lahat, ito ang nagbibigay-buhay na kapaligiran ng Renaissance.

Ang Florence, kung saan unang umunlad ang kultura at sining ng Renaissance sa Apennines, kung saan nagsimula sina Dante, Michelangelo at Benvenuto Cellini ang kanilang paglalakbay, ang naging lugar ng kapanganakan ng opera.

Ang paglitaw ng isang bagong genre ay direktang nauugnay sa literal na muling pagkabuhay ng sinaunang Griyegong drama. Ito ay hindi nagkataon na ang mga unang operatikong gawa ay tinatawag na musikal na mga drama.

Nang sa pagtatapos ng ika-16 na siglo isang bilog ng mahuhusay na makata, aktor, siyentipiko at musikero ang nabuo sa paligid ng naliwanagang pilantropo na si Count Bardi, wala sa kanila ang nag-isip tungkol sa anumang pagtuklas sa sining, lalo na sa musika. Ang pangunahing layunin na itinakda ng mga mahilig sa Florentine para sa kanilang sarili ay buhayin muli ang mga drama ng Aeschylus, Euripides at Sophocles. Gayunpaman, ang pagtatanghal ng mga gawa ng sinaunang Greek playwright ay nangangailangan ng musikal na saliw, at walang mga halimbawa ng gayong musika ang nakaligtas. Noon napagpasyahan na gumawa ng sarili nating musika, na naaayon (tulad ng naisip ng may-akda) sa diwa ng sinaunang dramang Griyego. Kaya, sinusubukang muling likhain ang sinaunang sining, natuklasan nila ang isang bagong genre ng musika, na nakalaan upang maglaro ng isang mapagpasyang papel sa kasaysayan ng sining - opera.

Ang unang hakbang na ginawa ng mga Florentine ay ang magtakda ng maliliit na dramatikong sipi sa musika. Bilang isang resulta, ito ay ipinanganak monody(anumang monophonic melody batay sa monophonic na lugar ng kulturang musikal), isa sa mga tagalikha nito ay si Vincenzo Galilei, isang banayad na connoisseur ng sinaunang kulturang Griyego, kompositor, lutenist at mathematician, ama ng napakatalino na astronomer na si Galileo Galilei.

Ang mga unang pagtatangka ng mga Florentine ay nailalarawan sa pamamagitan ng muling pagkabuhay ng interes sa mga personal na karanasan ng mga bayani. Samakatuwid, sa halip na polyphony, ang isang homophonic-harmonic na estilo ay nagsimulang mangibabaw sa kanilang mga gawa, kung saan ang pangunahing carrier ng musikal na imahe ay isang himig, na umuunlad sa isang boses at sinamahan ng isang harmonic (chord) na saliw.

Napaka katangian na kabilang sa mga unang halimbawa ng opera na nilikha ng iba't ibang mga kompositor, tatlo ang isinulat sa parehong balangkas: ito ay batay sa mitolohiyang Griyego nina Orpheus at Eurydice. Ang unang dalawang opera (parehong tinatawag na Euridice) ay pag-aari ng mga kompositor na sina Peri at Caccini. Gayunpaman, ang parehong mga musikal na drama ay naging napakahinhin na mga eksperimento kumpara sa opera ni Claudio Monteverdi na Orpheus, na lumitaw noong 1607 sa Mantua. Isang kontemporaryo nina Rubens at Caravaggio, Shakespeare at Tasso, lumikha si Monteverdi ng isang obra kung saan nagsimula ang kasaysayan ng sining ng opera.

Ginawa ni Monteverdi ang karamihan sa binalangkas lamang ng mga Florentine na kumpleto, malikhaing nakakumbinsi at mabubuhay. Ito ang kaso, halimbawa, sa mga recitative, unang ipinakilala ni Peri. Ang espesyal na uri ng musikal na pagpapahayag ng mga bayani ay dapat, ayon sa lumikha nito, ay mas malapit hangga't maaari sa kolokyal na pananalita. Gayunpaman, sa Monteverdi lamang ang mga recitative ay nakakuha ng sikolohikal na lakas, matingkad na imahe, at tunay na nagsimulang maging katulad ng buhay na pagsasalita ng tao.

Lumikha si Monteverdi ng isang uri ng aria - panaghoy -(plaintive song), isang napakatalino na halimbawa kung saan ang reklamo ng inabandunang Ariadne mula sa opera ng parehong pangalan. Ang "Reklamo ni Ariadne" ay ang tanging fragment na nakaligtas hanggang sa araw na ito mula sa buong gawaing ito.

"Nahawakan ako ni Ariadne dahil siya ay isang babae, si Orpheus dahil siya ay isang simpleng tao... Napukaw ni Ariadne ang tunay na pagdurusa sa akin, kasama si Orpheus ay humingi ako ng awa..." Sa mga salitang ito, ipinahayag ni Monteverdi hindi lamang ang kanyang malikhaing kredo , ngunit naihatid din ang kakanyahan ng mga natuklasan na kanyang ginawa sa sining ng musika. Tulad ng tamang itinuro ng may-akda ng Orpheus, sinubukan ng mga kompositor na nauna sa kanya na gumawa ng "malambot", "katamtamang" musika; Sinubukan niyang lumikha, una sa lahat, "nasasabik" na musika. Samakatuwid, itinuring niya ang kanyang pangunahing gawain na ang pinakamataas na pagpapalawak ng makasagisag na globo at nagpapahayag na mga posibilidad ng musika.

Ang bagong genre - opera - ay hindi pa naitatag ang sarili nito. Ngunit mula ngayon, ang pag-unlad ng musika, vocal at instrumental, ay hindi maiiwasang maiugnay sa mga nagawa ng opera house.

2. OPERA GENRES: OPERA SERIA AT OPERA BUFFA

Ang pagkakaroon ng nagmula sa Italian aristokratikong kapaligiran, ang opera sa lalong madaling panahon ay kumalat sa lahat ng mga pangunahing bansa sa Europa. Ito ay naging isang mahalagang bahagi ng mga kasiyahan sa korte at isang paboritong libangan sa mga korte ng hari ng Pransya, ang emperador ng Austrian, ang mga halal na Aleman, ang iba pang mga monarko at ang kanilang mga maharlika.

Ang maliwanag na libangan, ang espesyal na kasiyahan ng pagtatanghal ng opera, na kahanga-hanga dahil sa kumbinasyon sa opera ng halos lahat ng mga sining na umiral noong panahong iyon, ay akmang-akma sa masalimuot na seremonya at buhay ng korte at ng mga piling tao ng lipunan.

At kahit na noong ika-18 siglo ang opera ay naging lalong demokratikong sining at sa malalaking lungsod, bilang karagdagan sa mga courtier, binuksan ang mga pampublikong opera. mga opera house Para sa pangkalahatang publiko, ang panlasa ng aristokrasya ang nagpasiya sa nilalaman ng mga operatikong gawa sa loob ng higit sa isang siglo.

Ang maligaya na buhay ng korte at aristokrasya ay nagpilit sa mga kompositor na magtrabaho nang napakatindi: bawat pagdiriwang, at kung minsan ay isa pang pagtanggap ng mga kilalang panauhin, ay tiyak na sinamahan ng premiere ng opera. “Sa Italya,” sabi ng istoryador ng musika na si Charles Burney, “isang opera na narinig na minsan ay tinitingnan na parang kalendaryo noong nakaraang taon.” Sa ilalim ng gayong mga kondisyon, ang mga opera ay "inihurnong" nang paisa-isa at kadalasan ay naging magkapareho sa isa't isa, hindi bababa sa mga tuntunin ng balangkas.

Kaya, sumulat ang Italyano na kompositor na si Alessandro Scarlatti ng mga 200 opera. Gayunpaman, ang merito ng musikero na ito, siyempre, ay hindi sa bilang ng mga gawa na nilikha, ngunit lalo na sa katotohanan na sa kanyang trabaho na ang nangungunang genre at anyo ng operatic art noong ika-17 - unang bahagi ng ika-18 siglo sa wakas ay nag-kristal - seryosong opera(opera serial).

Kahulugan ng pangalan opera serial Madali itong magiging malinaw kung maiisip natin ang ordinaryong Italyano na opera sa panahong ito. Ito ay isang magarbo, extraordinarily lavishly na itinanghal na pagganap na may iba't ibang mga kahanga-hangang epekto. Ipinakita sa entablado ang mga "tunay" na eksena sa labanan, mga likas na sakuna o pambihirang pagbabago ng mga bayaning gawa-gawa. At ang mga bayani mismo - mga diyos, emperador, heneral - ay kumilos sa paraang ang buong pagtatanghal ay nag-iwan sa madla ng isang pakiramdam ng mahalaga, solemne, napakaseryosong mga kaganapan. Ang mga tauhan ng Opera ay nagsagawa ng mga pambihirang tagumpay, nadurog ang mga kaaway sa mga mortal na labanan, at namangha sa kanilang pambihirang katapangan, dignidad at kadakilaan. Kasabay nito, ang alegorikal na paghahambing ng pangunahing karakter ng opera, na napakahusay na ipinakita sa entablado, na may mataas na ranggo na maharlika, kung saan ang pagkakasunud-sunod ng opera ay isinulat, ay napakalinaw na ang bawat pagtatanghal ay naging isang panegyric sa maharlika. customer.

Kadalasan ang parehong mga plot ay ginagamit sa iba't ibang mga opera. Halimbawa, dose-dosenang mga opera ang nilikha sa mga tema mula sa dalawang gawa lamang - Ariosto's Furious Roland at Tasso's Jerusalem Liberated.

Ang mga tanyag na mapagkukunang pampanitikan ay ang mga gawa nina Homer at Virgil.

Noong kasagsagan ng opera seria, nabuo ang isang espesyal na istilo ng pagtatanghal ng boses - bel canto, batay sa kagandahan ng tunog at virtuoso na kontrol sa boses. Gayunpaman, ang kawalan ng buhay ng mga plot ng mga opera na ito at ang pagiging artipisyal ng pag-uugali ng mga karakter ay nagdulot ng maraming reklamo sa mga mahilig sa musika.

Ang static na istraktura ng pagtatanghal, na walang dramatikong aksyon, ang naging dahilan ng pagiging bulnerable ng genre ng opera na ito. Kaya naman, pinakinggan ng mga manonood ang arias kung saan ipinakita ng mga mang-aawit ang kagandahan ng kanilang mga boses at kasanayang birtuoso nang may labis na kasiyahan at interes. Sa kanyang kahilingan, ang mga aria na nagustuhan niya ay inulit ng ilang beses bilang isang encore, ngunit ang mga recitative, na itinuturing bilang isang "load," ay hindi kawili-wili sa mga tagapakinig na sa panahon ng pagganap ng mga recitatives ay nagsimula silang magsalita nang malakas. Naimbento din ang iba pang mga paraan upang "pumatay ng oras". Ang isa sa mga "naliwanagan" na mahilig sa musika noong ika-18 siglo ay nagpayo: "Ang chess ay napaka-angkop para sa pagpuno sa kahungkagan ng mahabang recitatives."

Ang opera ay nakararanas ng unang krisis sa kasaysayan nito. Ngunit tiyak sa sandaling ito na lumitaw ang isang bagong genre ng opera, na nakatakdang maging mas mahal (kung hindi higit pa!) kaysa sa opera seria. Isa itong comic opera (opera buffa).

Ito ay katangian na ito ay lumitaw nang eksakto sa Naples, ang lugar ng kapanganakan ng opera seria, bukod dito, ito ay talagang lumitaw sa mga bituka ng pinakaseryosong opera. Ang mga pinagmulan nito ay mga komiks na interlude na nilalaro sa mga intermisyon sa pagitan ng mga gawa ng dula. Kadalasan ang mga comic interlude na ito ay parodies ng mga kaganapan sa opera.

Pormal, ang kapanganakan ng opera buffa ay naganap noong 1733, nang ang opera ni Giovanni Battista Pergolesi na "The Maid and Mistress" ay unang ginanap sa Naples.

Ang Opera buffa ay minana ang lahat ng pangunahing paraan ng pagpapahayag mula sa opera seria. Ito ay naiiba sa "seryosong" opera dahil sa halip na maalamat, hindi likas na mga bayani, ang mga karakter na ang mga prototype ay umiral sa totoong buhay ay dumating sa yugto ng opera - mga sakim na mangangalakal, malandi na dalaga, matatapang, maparaan na mga militar, atbp. Kaya naman natanggap ang opera buffa na may paghanga ng pinakamalawak na demokratikong publiko sa lahat ng sulok ng Europa. Bukod dito, ang bagong genre ay hindi nagkaroon ng paralisadong epekto sa domestic art tulad ng opera seria. Sa kabaligtaran, binigyan niya ng buhay ang mga natatanging uri ng pambansang comic opera batay sa mga katutubong tradisyon. Sa France ito ay isang comic opera, sa England ito ay isang ballad opera, sa Germany at Austria ito ay isang singspiel (literal: "play with singing").

Ang bawat isa sa mga pambansang paaralan ay gumawa ng mga kahanga-hangang kinatawan ng genre ng comedy opera: Pergolesi at Piccini sa Italy, Grétry at Rousseau sa France, Haydn at Dittersdorf sa Austria.

Dito dapat natin lalo na alalahanin si Wolfgang Amadeus Mozart. Ang kanyang unang singspiel na "Bastien at Bastien", at higit pa na "The Abduction from the Seraglio" ay nagpakita na ang napakatalino na kompositor, na madaling pinagkadalubhasaan ang mga diskarte ng opera buffa, ay lumikha ng mga halimbawa ng tunay na pambansang Austrian musical dramaturgy. Ang Pagdukot mula sa Seraglio ay itinuturing na unang klasikal na Austrian opera.

Ang isang napaka-espesyal na lugar sa kasaysayan ng sining ng opera ay inookupahan ng mga mature na opera ni Mozart na "The Marriage of Figaro" at "Don Giovanni", na isinulat sa mga tekstong Italyano. Ang ningning at pagpapahayag ng musika, na hindi mas mababa sa pinakamataas na halimbawa ng musikang Italyano, ay pinagsama sa lalim ng mga ideya at drama na hindi pa alam ng opera theater.

Sa The Marriage of Figaro, nagtagumpay si Mozart musikal na paraan lumikha ng mga indibidwal at napakasiglang mga karakter, ihatid ang pagkakaiba-iba at pagiging kumplikado ng kanilang mga kalagayan sa pag-iisip. At lahat ng ito, tila, nang hindi lalampas sa genre ng komedya. Ang kompositor ay nagpunta pa sa opera na Don Giovanni. Gamit ang isang sinaunang alamat ng Espanyol para sa libretto, lumikha si Mozart ng isang akda kung saan ang mga elemento ng komedya ay hindi maiiwasang magkakaugnay sa mga tampok ng seryosong opera.

Ang napakatalino na tagumpay ng comic opera, na nagsagawa ng matagumpay na martsa nito sa mga kabisera ng Europa, at, higit sa lahat, ipinakita ng mga likha ni Mozart na ang opera ay maaari at dapat na isang sining na organikong konektado sa katotohanan, na ito ay may kakayahang maglarawan ng tunay na mga karakter at sitwasyon. , muling nililikha ang mga ito hindi lamang sa komiks, kundi pati na rin sa isang seryosong aspeto.

Natural, ang mga nangungunang artista mula sa iba't ibang bansa, pangunahin ang mga kompositor at manunulat ng dula, ay pinangarap na i-update ang heroic opera. Pinangarap nilang lumikha ng mga gawa na, una, ay magpapakita ng pagnanais ng panahon para sa mataas na moral na mga layunin at, pangalawa, ay igiit ang isang organikong pagsasanib ng musika at dramatikong aksyon sa entablado. Ang mahirap na gawain na ito ay matagumpay na nalutas sa heroic genre ng kababayan ni Mozart na si Christoph Gluck. Ang kanyang reporma ay naging isang tunay na rebolusyon sa world opera, ang huling kahulugan nito ay naging malinaw pagkatapos ng produksyon ng kanyang mga opera na Alceste, Iphigenia sa Aulis at Iphigenia sa Tauris sa Paris.

"Kapag nagsimulang lumikha ng musika para kay Alceste," isinulat ng kompositor, na nagpapaliwanag sa kakanyahan ng kanyang reporma, "itinakda ko ang aking sarili sa layunin na dalhin ang musika sa tunay na layunin nito, na bigyan ang tula ng mas bagong kapangyarihang nagpapahayag, upang makagawa ng ilang sandali. mas nakakalito ang mga plano, nang hindi naaabala ang pagkilos at hindi pinapabasa ito ng hindi kinakailangang mga dekorasyon.”

Hindi tulad ni Mozart, na hindi nagtakda ng isang espesyal na layunin upang repormahin ang opera, sinasadya ni Gluck ang kanyang reporma sa opera. Bukod dito, itinuon niya ang lahat ng kanyang atensyon sa pagbubunyag ng panloob na mundo ng mga bayani. Ang kompositor ay hindi gumawa ng anumang kompromiso sa aristokratikong sining. Nangyari ito sa panahon na umabot sa pinakamataas na punto ang tunggalian sa pagitan ng seryoso at komiks at malinaw na panalo ang opera buffa.

Ang pagkakaroon ng kritikal na muling pag-iisip at pagbubuod ng pinakamahusay na nilalaman ng mga genre ng seryosong opera, mga liriko na trahedya Lully at Rameau, si Gluck ang lumikha ng genre ng musical tragedy.

Napakalaki ng makasaysayang kahalagahan ng reporma sa opera ni Gluck. Ngunit ang kanyang mga opera ay naging isang anachronism din nang magsimula ang magulong ika-19 na siglo - isa sa mga pinakamabungang panahon sa world opera.

3. WESTERN EUROPEAN OPERA NOONG 19TH CENTURY

Mga digmaan, rebolusyon, pagbabago sa mga relasyon sa lipunan - lahat ng mga pangunahing problemang ito ng ika-19 na siglo ay makikita sa mga tema ng opera.

Sinusubukan ng mga kompositor na nagtatrabaho sa genre ng opera na tumagos nang mas malalim sa panloob na mundo ng kanilang mga bayani, upang muling likhain sa yugto ng opera ang gayong mga ugnayan sa pagitan ng mga karakter na ganap na tumutugma sa masalimuot, multifaceted na banggaan sa buhay.

Ang nasabing matalinghaga at pampakay na saklaw ay hindi maiiwasang humantong sa higit pang mga reporma sa sining ng opera. Ang mga genre ng Opera na binuo noong ika-18 siglo ay sinubukan para sa modernidad. Ang Opera seria ay halos nawala noong ika-19 na siglo. Tulad ng para sa comic opera, patuloy itong nagtamasa ng patuloy na tagumpay.

Ang sigla ng genre na ito ay maliwanag na kinumpirma ni Gioachino Rossini. Ang kanyang "The Barber of Seville" ay naging isang tunay na obra maestra ng comedic art noong ika-19 na siglo.

Ang maliwanag na himig, ang pagiging natural at kasiglahan ng mga karakter na inilalarawan ng kompositor, ang pagiging simple at pagkakaisa ng balangkas - lahat ng ito ay tiniyak ang opera ng isang tunay na tagumpay, na ginawa ang may-akda nito na "ang diktador ng musika ng Europa" sa mahabang panahon. Bilang may-akda ng opera buffa, binibigyang-diin ni Rossini sa kanyang sariling paraan sa " Barbero ng Seville" Siya ay hindi gaanong interesado sa panloob na kahalagahan ng nilalaman kaysa, halimbawa, Mozart. At napakalayo ni Rossini kay Gluck, na naniniwala na ang pangunahing layunin ng musika sa opera ay upang ipakita ang dramatikong ideya ng trabaho.

Sa bawat aria, bawat parirala sa "The Barber of Seville," ang kompositor ay tila nagpapaalala sa atin na ang musika ay umiiral para sa kagalakan, ang kasiyahan sa kagandahan, at ang pinakamahalagang bagay dito ay ang kaakit-akit na himig nito.

Gayunpaman, nadama ng “sinta ng Europa, si Orpheus,” gaya ng tawag ni Pushkin kay Rossini, na ang mga pangyayaring nagaganap sa mundo, at higit sa lahat, ang pakikibaka para sa kalayaan na isinagawa ng kanyang tinubuang-bayan, ang Italya (inapi ng Espanya, Pransya at Austria), ay nangangailangan sa kanya na i-convert sa isang seryosong paksa. Ito ay kung paano ipinanganak ang ideya ng opera na "William Tell" - isa sa mga unang gawa ng operatic genre sa isang heroic-patriotic na tema (sa balangkas, ang mga magsasaka ng Switzerland ay nagrebelde laban sa kanilang mga mapang-api - ang mga Austrian).

Ang maliwanag, makatotohanang katangian ng mga pangunahing tauhan, kahanga-hangang mga eksena sa karamihan ng tao na naglalarawan sa mga tao sa tulong ng koro at mga grupo, at higit sa lahat, ang hindi pangkaraniwang nagpapahayag na musika ay nakakuha ng "William Tell" ng katanyagan ng isa sa mga pinakamahusay na gawa ng operatic drama ng ang ika-19 na siglo.

Ang katanyagan ng "Welhelm Tell" ay ipinaliwanag, bukod sa iba pang mga pakinabang, sa pamamagitan ng katotohanan na ang opera ay isinulat sa isang makasaysayang balangkas. At ang mga makasaysayang opera ay naging laganap sa panahong ito sa yugto ng opera sa Europa. Kaya, anim na taon pagkatapos ng premiere ng William Tell, ang paggawa ng opera ni Giacomo Meyerbeer na The Huguenots, na nagsasabi tungkol sa pakikibaka sa pagitan ng mga Katoliko at Huguenot sa pagtatapos ng ika-16 na siglo, ay naging isang pandamdam.

Isa pang lugar na nasakop ng opera sining noong ika-19 na siglo mga siglo, may mga hindi kapani-paniwala at maalamat na mga kuwento. Lalo silang naging laganap sa mga gawa ng mga kompositor ng Aleman. Kasunod ng opera-fairy tale ni Mozart na "The Magic Flute", nilikha ni Carl Maria Weber ang mga opera na "Freeshot", "Euryanthe" at "Oberon". Ang una sa mga ito ay ang pinaka makabuluhang gawain, sa katunayan ang unang German folk opera. Gayunpaman, ang pinakakumpleto at malakihang sagisag ng maalamat na tema, ang katutubong epiko, ay natagpuan sa gawa ng isa sa mga pinakadakilang kompositor ng opera - si Richard Wagner.

Ang Wagner ay isang buong panahon sa sining ng musika. Ang Opera ay naging para sa kanya ang tanging genre kung saan nakipag-usap ang kompositor sa mundo. Si Wagner ay tapat din sa mapagkukunang pampanitikan na nagbigay sa kanya ng mga plot para sa kanyang mga opera, na naging sinaunang epiko ng Aleman. Ang mga alamat tungkol sa Lumilipad na Dutchman ay napahamak sa walang hanggang paglalakbay, tungkol sa rebeldeng mang-aawit na si Tangeyser, na hinamon ang pagkukunwari sa sining at dahil dito ay tinalikuran ang angkan ng mga makata at musikero sa korte, tungkol sa maalamat na kabalyero na si Lohengrin, na sumugod sa tulong ng isang inosenteng batang babae na hinatulan sa execution - ang mga maalamat, maliwanag, matapang na karakter na ito ay naging mga bayani ng mga unang opera ni Wagner na "The Wandering Sailor", "Tannhäuser" at "Lohengrin".

Pinangarap ni Richard Wagner na isama sa genre ng opera hindi ang mga indibidwal na plot, ngunit isang buong epiko na nakatuon sa mga pangunahing problema ng sangkatauhan. Sinubukan ng kompositor na ipakita ito sa napakagandang konsepto ng "The Ring of the Nibelung" - isang cycle na binubuo ng apat na opera. Ang tetralogy na ito ay batay din sa mga alamat mula sa Old Germanic epic.

Ang gayong hindi pangkaraniwang at engrande na ideya (ang kompositor ay gumugol ng halos dalawampung taon ng kanyang buhay sa pagpapatupad nito) ay natural na kailangang malutas sa pamamagitan ng espesyal, bagong paraan. At si Wagner, na sinusubukang sundin ang mga batas ng natural na pagsasalita ng tao, ay tumanggi sa mga kinakailangang elemento ng isang operatikong gawain tulad ng aria, duet, recitative, chorus, ensemble. Lumilikha siya ng isang solong musikal na aksyon-salaysay, hindi nagambala ng mga hangganan ng mga numero, na pinamumunuan ng mga mang-aawit at isang orkestra.

Ang reporma ni Wagner bilang isang kompositor ng opera ay nakaapekto rin sa kanya sa ibang paraan: ang kanyang mga opera ay itinayo sa isang sistema ng mga leitmotif - maliwanag na melodies-mga imahe na tumutugma sa ilang mga karakter o sa kanilang mga relasyon. At bawat isa sa kanyang mga musikal na drama - at ito ay kung paano, tulad ng Monteverdi at Gluck, tinawag niya ang kanyang mga opera - ay walang iba kundi ang pagbuo at pakikipag-ugnayan ng isang bilang ng mga leitmotif.

Ang isa pang direksyon, na tinatawag na "lyrical theater," ay hindi gaanong mahalaga. Ang lugar ng kapanganakan ng "lyric theater" ay France. Ang mga kompositor na bumuo ng kilusang ito - Gounod, Thomas, Delibes, Massenet, Bizet - ay gumamit din ng mga kakaibang paksa at pang-araw-araw na paksa; ngunit hindi ito ang pangunahing bagay para sa kanila. Ang bawat isa sa mga kompositor na ito, sa kanilang sariling paraan, ay nagsisikap na ilarawan ang kanilang mga bayani sa paraang sila ay natural, mahalaga, at pinagkalooban ng mga katangiang katangian ng kanilang mga kapanahon.

Ang isang napakatalino na halimbawa ng operatic trend na ito ay ang Carmen ni Georges Bizet, batay sa isang maikling kuwento ni Prosper Mérimée.

Ang kompositor ay nakahanap ng isang natatanging paraan para sa pagkilala sa mga character, na kung saan ay pinaka-malinaw na nakikita sa halimbawa ng imahe ng Carmen. Inihayag ni Bizet ang panloob na mundo ng kanyang pangunahing tauhang babae hindi sa isang aria, tulad ng nakagawian, ngunit sa kanta at sayaw.

Ang kapalaran ng opera na ito, na sumakop sa buong mundo, ay napaka-dramatiko sa una. Nauwi sa kabiguan ang premiere nito. Isa sa mga pangunahing dahilan ng gayong saloobin sa opera ni Bizet ay ang pagdadala niya ng mga ordinaryong tao sa entablado bilang mga bayani (si Carmen ay isang manggagawa sa pabrika ng tabako, si Jose ay isang sundalo). Hindi matanggap ng maharlikang Parisian public noong 1875 ang gayong mga karakter (noon ay nag-premiere si Carmen). Siya ay tinanggihan ng pagiging totoo ng opera, na pinaniniwalaang hindi tugma sa "mga batas ng genre." Sinabi ng awtoritatibong Dictionary of Opera noon ni Pujin na kailangang gawing muli ang Carmen, "na nagpapahina sa pagiging totoo na hindi naaangkop para sa opera." Siyempre, ito ay ang punto ng view ng mga tao na hindi maunawaan na makatotohanang sining, napuno ng katotohanan sa buhay, natural na mga bayani, dumating sa yugto ng opera medyo natural, at hindi sa kapritso ng sinumang kompositor.

Ito ang makatotohanang landas na sinundan ni Giuseppe Verdi, isa sa mga pinakadakilang kompositor na nagtrabaho sa genre ng opera.

Sinimulan ni Verdi ang kanyang mahabang paglalakbay sa gawaing opera sa mga heroic at makabayang opera. Ang "Lombards", "Ernani" at "Attila", na nilikha noong 40s, ay nakita sa Italya bilang isang panawagan para sa pambansang pagkakaisa. Ang mga premiere ng kanyang mga opera ay naging napakalaking pampublikong demonstrasyon.

Ang mga opera ni Verdi, na isinulat niya noong unang bahagi ng 50s, ay may ganap na kakaibang resonance. Ang "Rigoletto", "Il Trovatore" at "La Traviata" ay tatlong operatic canvases ni Verdi, kung saan ang kanyang natatanging melodic na regalo ay masayang pinagsama sa regalo ng isang napakatalino na kompositor-playwright.

Batay sa mismong dula ni Victor Hugo na The King Amuses, inilalarawan ng opera na Rigoletto ang mga pangyayari noong ika-16 na siglo. Ang setting ng opera ay ang korte ng Duke ng Mantua, kung saan ang dignidad at karangalan ng tao ay walang halaga kumpara sa kanyang kapritso, ang pagnanais para sa walang katapusang kasiyahan (Gilda, ang anak na babae ng court jester na si Rigoletto, ay naging biktima niya). Ito ay tila isa pang opera mula sa buhay hukuman, kung saan mayroong daan-daan. Ngunit si Verdi ay lumikha ng isang pinaka-makatotohanang sikolohikal na drama, kung saan ang lalim ng musika ay ganap na tumutugma sa lalim at katotohanan ng damdamin ng mga karakter nito.

Ang La Traviata ay nagdulot ng tunay na pagkabigla sa mga kontemporaryo. Ang publiko ng Venetian, kung saan nilayon ang premiere ng opera, ay booed ito. Sa itaas ay napag-usapan namin ang tungkol sa kabiguan ng "Carmen" ni Bizet, ngunit ang premiere ng "La Traviata" ay naganap halos isang-kapat ng isang siglo mas maaga (1853), at ang dahilan ay pareho: ang pagiging totoo ng kung ano ang itinatanghal.

Labis na ikinalungkot ni Verdi ang pagkabigo ng kanyang opera. "Ito ay isang mapagpasyang fiasco," isinulat niya pagkatapos ng premiere "Huwag na nating isipin ang La Traviata."

Isang taong may napakalaking sigla, isang kompositor na may bihirang malikhaing potensyal, si Verdi ay hindi, tulad ni Bizet, nasira ng katotohanan na hindi tinanggap ng publiko ang kanyang gawa. Gagawa siya ng marami pang opera, na sa kalaunan ay bubuo ng isang treasury ng operatic art. Kabilang sa mga ito ang mga obra maestra tulad ng "Don Carlos", "Aida", "Falstaff". Ang isa sa mga pinakamataas na tagumpay ng mature na Verdi ay ang opera na Othello.

Ang mga magagandang tagumpay ng mga nangungunang bansa sa sining ng opera - Italy, Germany, Austria, France - inspirasyon ng mga kompositor ng iba pang mga European na bansa - ang Czech Republic, Poland, Hungary - upang lumikha ng kanilang sariling pambansang opera art. Ito ay kung paano ipinanganak ang "Pebble" ng Polish na kompositor na si Stanislav Moniuszko, ang mga opera ng Czechs na sina Berdzhich Smetana at Antonin Dvorak, at ang Hungarian na si Ferenc Erkel.

Ngunit wastong sinakop ng Russia ang nangungunang lugar sa mga batang pambansang paaralan ng opera noong ika-19 na siglo.

4. RUSSIAN OPERA

Sa entablado ng St. Petersburg Bolshoi Theater noong Nobyembre 27, 1836, naganap ang premiere ng "Ivan Susanin" ni Mikhail Ivanovich Glinka, ang unang klasikal na opera ng Russia.

Upang mas malinaw na maunawaan ang lugar ng gawaing ito sa kasaysayan ng musika, susubukan naming maikling balangkasin ang sitwasyon na nabuo sa sandaling iyon sa Western European at Russian musical theater.

Wagner, Bizet, Verdi ay hindi pa nasasabi ang kanilang salita. Sa mga bihirang eksepsiyon (halimbawa, ang tagumpay ng Meyerbeer sa Paris), saanman sa European opera ang mga trendsetter - kapwa sa pagkamalikhain at sa paraan ng pagganap - ay mga Italyano. Ang pangunahing opera na "diktador" ay si Rossini. Mayroong isang masinsinang "pag-export" ng Italian opera. Ang mga kompositor mula sa Venice, Naples, Rome ay naglalakbay sa lahat ng sulok ng kontinente, nagtatrabaho nang mahabang panahon sa iba't ibang bansa. Dala kasama ng kanilang sining ang napakahalagang karanasang naipon ng Italian opera, kasabay nito ay pinigilan nila ang pag-unlad ng pambansang opera.

Ito ang kaso sa Russia. Ang mga Italyano na kompositor na sina Cimarosa, Paisiello, Galuppi, Francesco Araya ay nanatili dito, na siyang unang nagtangkang lumikha ng isang opera batay sa Russian melodic material na may orihinal na tekstong Ruso ni Sumarokov. Nang maglaon, isang kapansin-pansing marka sa St buhay musikal tinalikuran ang mga aktibidad ng isang katutubong Venice, Caterino Cavos, na nagsulat ng isang opera sa ilalim ng parehong pangalan bilang Glinka - "Isang Buhay para sa Tsar" ("Ivan Susanin").

Ang korte at aristokrasya ng Russia, kung saan ang imbitasyon ng mga musikero na Italyano ay dumating sa Russia, ay suportado sila sa lahat ng posibleng paraan. Samakatuwid, maraming henerasyon ng mga kompositor ng Russia, kritiko, at iba pang mga kultural na figure ang kailangang ipaglaban ang kanilang sariling pambansang sining.

Ang mga pagtatangka na lumikha ng isang Russian opera ay itinayo noong ika-18 siglo. Mga mahuhusay na musikero Fomin, Matinsky at Pashkevich (ang huling dalawa ay kapwa may-akda ng opera na "St. Petersburg Gostiny Dvor"), at kalaunan ay ang kahanga-hangang kompositor na si Verstovsky (ngayon ang kanyang "Askold's Grave" ay malawak na kilala) - sinubukan ng bawat isa na lutasin ang problemang ito sa kanilang sariling paraan. Gayunpaman, kinailangan ng isang makapangyarihang talento, tulad ng kay Glinka, para maisakatuparan ang ideyang ito.

Ang namumukod-tanging melodic na regalo ni Glinka, ang pagiging malapit ng kanyang himig sa awiting Ruso, ang pagiging simple sa paglalarawan ng mga pangunahing tauhan, at higit sa lahat, ang kanyang pag-apila sa isang bayani-makabayan na balangkas ay nagpapahintulot sa kompositor na lumikha ng isang gawa ng dakilang artistikong katotohanan at kapangyarihan.

Ang henyo ni Glinka ay nahayag nang iba sa opera-fairy tale na "Ruslan at Lyudmila". Dito mahusay na pinagsasama ng kompositor ang kabayanihan (ang imahe ni Ruslan), ang hindi kapani-paniwala (ang kaharian ng Chernomor) at ang komiks (ang imahe ng Farlaf). Kaya, salamat kay Glinka, sa unang pagkakataon ang mga imaheng ipinanganak ni Pushkin ay umakyat sa entablado ng opera.

Sa kabila ng masigasig na pagtatasa ng gawain ni Glinka ng nangungunang bahagi ng lipunang Ruso, ang kanyang pagbabago at natitirang kontribusyon sa kasaysayan ng musikang Ruso ay hindi tunay na pinahahalagahan sa kanyang tinubuang-bayan. Ang Tsar at ang kanyang entourage ay ginusto ang kanyang musika kaysa sa Italyano na musika. Ang pagbisita sa mga opera ni Glinka ay naging parusa sa mga nagkasalang opisyal, isang uri ng guardhouse. opera musical vocal libretto

Nahirapan si Glinka sa ganitong saloobin sa kanyang trabaho mula sa korte, press, at theater management. Ngunit lubos niyang nalalaman na ang pambansang opera ng Russia ay dapat sumunod sa sarili nitong landas, kumain sa sarili nitong mga pinagmumulan ng katutubong musika.

Ito ay nakumpirma ng buong karagdagang kurso ng pag-unlad ng sining ng opera ng Russia.

Si Alexander Dargomyzhsky ang unang kumuha ng baton ni Glinka. Kasunod ng may-akda ni Ivan Susanin, patuloy niyang pinaunlad ang larangan ng musika ng opera. Siya ay may ilang mga opera sa kanyang kredito, at ang pinakamasayang kapalaran ay nangyari sa kapalaran ng "The Mermaid". Ang gawa ni Pushkin ay naging mahusay na materyal para sa isang opera. Ang kwento ng babaeng magsasaka na si Natasha, na nalinlang ng prinsipe, ay naglalaman ng napaka-dramatikong mga kaganapan - ang pagpapakamatay ng pangunahing tauhang babae, ang kabaliwan ng kanyang miller na ama. Ang lahat ng mga pinaka-kumplikadong sikolohikal na karanasan ng mga karakter ay nalutas ng kompositor sa tulong ng mga arias at ensemble na hindi nakasulat sa istilong Italyano, ngunit sa diwa ng awiting Ruso at pagmamahalan.

Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, ang operatikong gawain ni A. Serov, ang may-akda ng mga opera na "Judith", "Rogneda" at "Enemy Power", ay nagkaroon ng malaking tagumpay, kung saan ang huli (batay sa teksto ng play ni A. N. Ostrovsky) ay naaayon sa pag-unlad ng pambansang sining ng Russia.

Si Glinka ay naging isang tunay na pinuno ng ideolohikal sa pakikibaka para sa pambansang sining ng Russia para sa mga kompositor na sina M. Balakirev, M. Mussorgsky, A. Borodin, N. Rimsky-Korsakov at Ts, na nagkakaisa sa isang bilog "Isang makapangyarihang grupo." Sa gawain ng lahat ng miyembro ng bilog, maliban sa pinuno nito na si M. Balakirev, sinakop ng opera ang pinakamahalagang lugar.

Ang oras kung kailan nabuo ang "Mighty Handful" ay kasabay ng napakahalagang mga kaganapan sa kasaysayan ng Russia. Noong 1861, inalis ang serfdom. Sa susunod na dalawang dekada, ang mga intelihente ng Russia ay dinala ng mga ideya ng populismo, na nanawagan para sa pagbagsak ng autokrasya ng mga puwersa ng rebolusyong magsasaka. Ang mga manunulat, artista, at kompositor ay nagsisimula nang maging interesado lalo na sa mga paksang may kaugnayan sa kasaysayan ng estado ng Russia, at lalo na ang relasyon sa pagitan ng tsar at ng mga tao. Ang lahat ng ito ay tumutukoy sa tema ng karamihan sa mga operatikong gawa na isinulat ng mga Kuchkist.

Tinawag ni M. P. Mussorgsky ang kanyang opera na "Boris Godunov" na "folk musical drama". Sa katunayan, kahit na ang balangkas ng opera ay nakasentro sa trahedya ng tao Tsar Boris, ang mga tao ay naging tunay na bayani ng opera.

Mussorgsky ay mahalagang isang self-taught kompositor. Ito ay lubos na kumplikado sa proseso ng pagbubuo ng musika, ngunit sa parehong oras ay hindi nililimitahan ito sa anumang mga panuntunan sa musika. Ang lahat sa prosesong ito ay nasasakop sa pangunahing motto ng kanyang trabaho, na ipinahayag mismo ng kompositor sa isang maikling parirala: "Gusto ko ang katotohanan!"

Hinanap din ni Mussorgsky ang katotohanan sa sining, labis na pagiging totoo sa lahat ng nangyayari sa entablado sa kanyang isa pang opera, Khovanshchina, na wala siyang oras upang makumpleto. Nakumpleto ito ng kasamahan ni Mussorgsky sa The Mighty Handful, Rimsky-Korsakov, isa sa pinakamalaking kompositor ng opera ng Russia.

Binubuo ng Opera ang batayan ng malikhaing pamana ni Rimsky-Korsakov. Tulad ng Mussorgsky, binuksan niya ang mga abot-tanaw ng opera ng Russia, ngunit sa ganap na magkakaibang mga lugar. Gamit ang operatic na paraan, nais ng kompositor na ihatid ang kagandahan ng kahanga-hangang Ruso, ang pagka-orihinal ng mga sinaunang ritwal ng Russia. Ito ay malinaw na makikita mula sa mga subtitle na nilinaw ang genre ng opera, na ibinigay ng kompositor sa kanyang mga gawa. Tinawag niya ang "The Snow Maiden" na "spring fairy tale", "The Night Before Christmas" - isang "true carol", "Sadko" - isang "opera-epic"; Kasama rin sa mga fairy tale opera ang "The Tale of Tsar Saltan", "Kashchei the Immortal", "The Tale of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia", "The Golden Cockerel". Ang mga epiko at fairy-tale opera ni Rimsky-Korsakov ay may isang kamangha-manghang tampok: pinagsasama nila ang mga elemento ng mga fairy tale at fantasy na may matingkad na realismo.

Nakamit ni Rimsky-Korsakov ang realismong ito, na malinaw na naramdaman sa bawat gawain, sa pamamagitan ng direkta at napaka-epektibong paraan: malawak niyang binuo ang mga folk melodies sa kanyang operatic work, mahusay na hinabi sa tela ng trabaho ang tunay na sinaunang mga ritwal ng Slavic, "ang mga tradisyon ng malalim na sinaunang panahon. .”

Tulad ng iba pang "kuchkists", si Rimsky-Korsakov ay bumaling din sa genre ng makasaysayang opera, na lumilikha ng dalawang natitirang mga gawa na naglalarawan sa panahon ni Ivan the Terrible - "The Pskov Woman" at "The Tsar's Bride". Ang kompositor ay mahusay na naglalarawan sa mahirap na kapaligiran ng buhay ng Russia sa malayong oras na iyon, mga larawan ng malupit na paghihiganti ng Tsar laban sa mga freemen ng Pskov, ang kontrobersyal na personalidad ni Ivan the Terrible mismo ("The Pskov Woman") at ang kapaligiran ng pangkalahatang despotismo at pang-aapi sa indibidwal ("The Tsar's Bride", "The Golden Cockerel");

Sa payo ni V.V. Si Stasov, ang ideolohikal na inspirasyon ng "Mighty Handful", isa sa mga pinaka matalinong miyembro ng bilog na ito, si Borodin, ay lumikha ng isang opera mula sa buhay ng prinsipe Rus'. Ang gawaing ito ay "Prinsipe Igor".

Ang "Prince Igor" ay naging isang modelo ng epikong opera ng Russia. Tulad ng sa isang lumang epiko ng Russia, ang opera ay dahan-dahan at unti-unting nagbubukas ng aksyon, na nagsasabi sa kuwento ng pag-iisa ng mga lupain ng Russia at nakakalat na mga pamunuan upang magkasamang itaboy ang kaaway - ang mga Polovtsian. Ang gawain ni Borodin ay hindi ganoong kalunos-lunos na kalikasan tulad ng Mussorgsky na "Boris Godunov" o Rimsky-Korsakov na "Pskov Woman," ngunit sa gitna ng balangkas ng opera ay naroroon din ang kumplikadong imahe ng pinuno ng estado - si Prinsipe Igor, na nakakaranas ng kanyang pagkatalo , nagpasyang tumakas mula sa pagkabihag at sa wakas ay mangolekta ng pulutong upang durugin ang kaaway sa pangalan ng kanilang tinubuang-bayan.

Ang isa pang direksyon sa Russian musical art ay kinakatawan ng operatic work ni Tchaikovsky. Sinimulan ng kompositor ang kanyang paglalakbay sa operatic art na may mga gawa sa mga paksang pangkasaysayan.

Kasunod ng Rimsky-Korsakov, lumingon si Tchaikovsky sa panahon ni Ivan the Terrible sa Oprichnik. Ang mga makasaysayang kaganapan sa France, na inilarawan sa trahedya ni Schiller, ay nagsilbing batayan para sa libretto ng The Maid of Orleans. Mula sa Poltava ni Pushkin, na naglalarawan sa mga panahon ni Peter I, kinuha ni Tchaikovsky ang balangkas para sa kanyang opera na Mazepa.

Kasabay nito, ang kompositor ay lumilikha ng lyrical-comedy operas (“Panday Vakula”) at mga romantikong opera (“The Enchantress”).

Ngunit ang mga taluktok ng pagkamalikhain ng opera - hindi lamang para sa Tchaikovsky mismo, ngunit para sa buong opera ng Russia noong ika-19 na siglo - ay ang kanyang mga liriko na opera na "Eugene Onegin" at "The Queen of Spades".

Si Tchaikovsky, na nagpasya na isama ang obra maestra ni Pushkin sa genre ng opera, ay nahaharap sa isang malubhang problema: kung alin sa magkakaibang mga kaganapan ng "nobela sa taludtod" ang maaaring maging libretto ng opera. Huminto ang kompositor sa palabas espirituwal na drama mga bayani ng "Eugene Onegin", na pinamamahalaang niyang ihatid nang may bihirang panghihikayat at kahanga-hangang pagiging simple.

Tulad ng Pranses na kompositor na si Bizet, hinahangad ni Tchaikovsky sa Onegin na ipakita sa mundo ng mga ordinaryong tao, ang kanilang mga relasyon. Ang bihirang melodic na regalo ng kompositor, ang banayad na paggamit ng Russian romance intonation na katangian ng pang-araw-araw na buhay na inilarawan sa trabaho ni Pushkin - lahat ng ito ay nagpapahintulot kay Tchaikovsky na lumikha ng isang gawa na lubos na naa-access at sa parehong oras ay naglalarawan ng mga kumplikadong sikolohikal na estado ng mga character.

Sa The Queen of Spades, si Tchaikovsky ay lumilitaw hindi lamang bilang isang makikinang na manunulat ng dula na may matalas na kahulugan ng mga batas ng entablado, ngunit din bilang isang mahusay na symphonist, na bumubuo ng aksyon ayon sa mga batas ng pag-unlad ng symphonic. Napaka multifaceted ng opera. Ngunit ang sikolohikal na pagiging kumplikado nito ay ganap na balanse sa pamamagitan ng mapang-akit na mga aria, na pinalamanan ng maliliwanag na melodies, iba't ibang mga ensemble at koro.

Halos kasabay ng opera na ito, sumulat si Tchaikovsky ng isang opera-fairy tale, "Iolanta," kamangha-mangha sa kagandahan nito. Gayunpaman, ang Reyna ng Spades, kasama si Eugene Onegin, ay nananatiling hindi maunahang mga obra maestra ng opera ng Russia noong ika-19 na siglo.

5. KONTEMPORARYONG OPERA

Ang unang dekada ng bagong ika-20 siglo ay nagpakita kung ano ang isang matalim na pagbabago ng mga panahon na naganap sa sining ng opera, kung gaano kaiba ang opera ng huling siglo at ang siglo ng hinaharap.

Noong 1902, ipinakita ng Pranses na kompositor na si Claude Debussy ang opera na "Pelleas et Mélisande" (batay sa drama ni Maeterlinck) sa madla. Ang gawaing ito ay hindi pangkaraniwang banayad at eleganteng. At sa parehong oras, isinulat ni Giacomo Puccini ang kanyang huling opera na "Madama Butterfly" (naganap ang premiere nito makalipas ang dalawang taon) sa diwa ng pinakamahusay na mga Italyano na opera noong ika-19 na siglo.

Ito ay kung paano nagtatapos ang isang yugto sa opera at nagsisimula ang isa pa. Sinusubukan ng mga kompositor na kumakatawan sa mga paaralan ng opera na itinatag sa halos lahat ng pangunahing bansa sa Europa na pagsamahin sa kanilang gawain ang mga ideya at wika ng modernong panahon sa mga naunang binuo na pambansang tradisyon.

Kasunod nina C. Debussy at M. Ravel, ang may-akda ng napakatalino na mga gawa gaya ng opera buffa na "The Spanish Hour" at ang kamangha-manghang opera na "The Child and the Magic," ay lumalabas sa France bagong alon sa sining ng musika. Noong 20s, isang pangkat ng mga kompositor ang lumitaw dito, na bumaba sa kasaysayan ng musika bilang " Anim" Kabilang dito sina L. Durey, D. Milhaud, A. Honegger, J. Auric, F. Poulenc at J. Taillefer. Ang lahat ng mga musikero na ito ay pinag-isa ng pangunahing malikhaing prinsipyo: upang lumikha ng mga gawa na wala ng mga maling pathos, malapit sa pang-araw-araw na buhay, hindi pinalamutian ito, ngunit sinasalamin ito kung ano ito, kasama ang lahat ng prosa at pang-araw-araw na buhay. Ang malikhaing prinsipyong ito ay malinaw na ipinahayag ng isa sa mga nangungunang kompositor ng Six, A. Honegger. "Ang musika," sabi niya, "ay dapat baguhin ang karakter nito, maging totoo, simple, musika ng malawak na lakad."

Ang magkatulad na pag-iisip na malikhaing kompositor ng "Anim" ay sumunod sa iba't ibang landas. Bukod dito, tatlo sa kanila - Honegger, Milhaud at Poulenc - nagtrabaho nang mabunga sa genre ng opera.

Isang di-pangkaraniwang gawain, naiiba sa mga engrandeng misteryosong opera, ang mono-opera ni Poulenc na “The Human Voice.” Ang trabaho, na tumatagal ng halos kalahating oras, ay isang pag-uusap sa telepono sa pagitan ng isang babae na inabandona ng kanyang kasintahan. Kaya, mayroon lamang isang karakter sa opera. Maaari bang isipin ng mga may-akda ng opera noong nakaraang mga siglo ang anumang bagay na tulad nito!

Noong 30s, ipinanganak ang pambansang opera ng Amerika, isang halimbawa nito ay ang "Porgy and Bess" ni D. Gershwin. Ang pangunahing tampok ng opera na ito, pati na rin ang buong istilo ni Gershwin sa kabuuan, ay ang malawakang paggamit ng mga elemento ng itim na alamat at nagpapahayag na paraan ng jazz.

Ang mga domestic composer ay nagsulat ng maraming magagandang pahina sa kasaysayan ng world opera.

Halimbawa, ang opera ni Shostakovich na "Lady Macbeth ng Mtsensk" ("Katerina Izmailova"), na isinulat batay sa kuwento ng parehong pangalan ni N. Leskov, ay nagdulot ng mainit na debate. Ang opera ay walang "matamis" na mga melodies ng Italyano, walang malago, kamangha-manghang mga ensemble at iba pang mga kulay na pamilyar sa opera ng mga nakaraang siglo. Ngunit kung isasaalang-alang natin ang kasaysayan ng world opera bilang isang pakikibaka para sa pagiging totoo, para sa isang makatotohanang paglalarawan ng katotohanan sa entablado, kung gayon ang "Katerina Izmailova" ay walang alinlangan na isa sa mga tugatog ng operatic art.

Ang pagkamalikhain sa domestic operatic ay lubhang magkakaibang. Ang mga makabuluhang gawa ay nilikha ni Y. Shaporin ("Decembrists"), D. Kabalevsky ("Cola Brugnon", "The Family of Taras"), T. Khrennikov ("Into the Storm", "Mother"). Ang isang malaking kontribusyon sa sining ng opera sa mundo ay ang gawain ni S. Prokofiev.

Ginawa ni Prokofiev ang kanyang debut bilang isang kompositor ng opera noong 1916 kasama ang opera na The Gambler (batay sa Dostoevsky). Nasa unang bahagi na ng gawaing ito ang kanyang sulat-kamay ay malinaw na naramdaman, tulad ng sa opera na "The Love for Three Oranges" na lumitaw nang ilang sandali, na isang mahusay na tagumpay.

Gayunpaman, ang pambihirang talento ni Prokofiev bilang isang playwright ng opera ay ganap na nahayag sa mga opera na "Semyon Kotko", na isinulat batay sa kuwentong "Ako ang anak ng mga manggagawa" ni V. Kataev, at lalo na sa "Digmaan at Kapayapaan", ang balangkas na kung saan ay ang epiko ng parehong pangalan ni L. Tolstoy.

Kasunod nito, magsusulat si Prokofiev ng dalawa pang operatikong gawa - "The Tale of a Real Man" (batay sa kwento ni B. Polevoy) at ang kaakit-akit na comic opera na "Betrothal in a Monastery" sa diwa ng opera buffa noong ika-18 siglo.

Karamihan sa mga gawa ni Prokofiev ay may mahirap na kapalaran. Ang kapansin-pansing pagka-orihinal ng musikal na wika sa maraming pagkakataon ay naging mahirap na agad na pahalagahan ang mga ito. Nahuli ang pagkilala. Ito ang kaso sa kanyang piano at ilang mga orkestra na gawa. Isang katulad na kapalaran ang naghihintay sa opera War and Peace. Ito ay tunay na pinahahalagahan pagkatapos lamang ng pagkamatay ng may-akda. Ngunit sa mas maraming taon na ang lumipas mula nang likhain ang gawaing ito, mas malalim na naihayag ang sukat at kadakilaan ng namumukod-tanging paglikha ng sining ng opera sa mundo.

Sa nakalipas na mga dekada, ang mga rock opera batay sa modernong instrumental na musika ay naging pinakasikat. Kabilang sa mga ito ang "Juno at Avos" ni N. Rybnikov, "Jesus Christ Superstar".

Sa huling dalawa o tatlong taon, ang mga natatanging rock opera tulad ng "Cathedral" ay nilikha Notre Dame ng Paris"Luc Rlamon at Richard Cochinte sa walang kamatayang gawain ni Victor Hugo. Ang opera na ito ay nakatanggap na ng maraming parangal sa larangan ng musikal na sining at naisalin na sa Ingles. Ngayong tag-araw, ang opera ay pinalabas sa Moscow sa Russian. Pinagsama ng opera ang kamangha-manghang magagandang karakter ng musika, mga pagtatanghal ng ballet, at pag-awit ng koro.

Sa aking palagay, ginawa ng opera na ito na tingnan ko ang sining ng opera sa isang bagong paraan.

6. ISTRUKTURA NG ISANG OPERA NA GAWAIN

Ito ang ideya na siyang panimulang punto sa paglikha ng anumang gawa ng sining. Ngunit sa kaso ng opera, ang pagsilang ng isang konsepto ay may espesyal na kahalagahan. Una, paunang tinutukoy nito ang genre ng opera; pangalawa, nagmumungkahi ito kung ano ang magsisilbing balangkas ng panitikan para sa isang opera sa hinaharap.

Ang pangunahing pinagmumulan kung saan nagsisimula ang kompositor ay karaniwang isang akdang pampanitikan.

Kasabay nito, may mga opera, halimbawa ang Il Trovatore ni Verdi, na walang tiyak na mga mapagkukunang pampanitikan.

Ngunit sa parehong mga kaso, ang trabaho sa opera ay nagsisimula sa pagbuo libretto.

Upang lumikha ng isang opera libretto upang ito ay tunay na mabisa, nakakatugon sa mga batas sa entablado, at higit sa lahat, ay nagbibigay-daan sa kompositor na bumuo ng isang pagtatanghal habang siya ay panloob na naririnig ito, at upang "sculpt" ang bawat karakter ng opera, ay hindi isang madaling gawain.

Mula nang ipanganak ang opera, ang mga makata ay naging may-akda ng libretto sa halos dalawang siglo. Hindi ito nangangahulugan na ang teksto ng opera libretto ay ipinakita sa taludtod. May iba pang mahalaga dito: ang libretto ay dapat na patula at ang hinaharap na musika ay dapat na tunog na sa teksto - ang pampanitikan na batayan ng arias, recitatives, ensembles.

Noong ika-19 na siglo, ang mga kompositor na sumulat ng mga opera sa hinaharap ay madalas na sumulat ng libretto mismo. Ang pinaka-kapansin-pansin na halimbawa ay si Richard Wagner. Para sa kanya, hindi mapaghihiwalay ang artist-reformer na lumikha ng kanyang mga magarang canvases - mga musical drama, salita at tunog. Ang pantasya ni Wagner ay nagsilang ng mga imahe sa entablado, na sa proseso ng pagkamalikhain ay "tinutubuan" ng laman ng panitikan at musikal.

At kahit na sa mga kasong iyon nang ang kompositor mismo ay naging librettist, nawala ang libretto sa mga terminong pampanitikan, ngunit ang may-akda ay hindi lumihis sa anumang paraan mula sa kanyang sariling pangkalahatang plano, ang kanyang ideya ng ​​trabaho bilang isang buo.

Kaya, ang pagkakaroon ng libretto sa kanyang pagtatapon, maiisip ng kompositor ang hinaharap na opera sa kabuuan. Pagkatapos ay darating ang susunod na yugto: nagpapasya ang may-akda kung aling mga operatic form ang dapat niyang gamitin upang ipatupad ang ilang mga pagliko sa plot ng opera.

Ang mga emosyonal na karanasan ng mga karakter, kanilang mga damdamin, mga kaisipan - lahat ng ito ay inilalagay sa anyo arias. Sa sandaling ang isang aria ay nagsimulang tumunog sa opera, ang aksyon ay tila nag-freeze, at ang aria mismo ay nagiging isang uri ng "snapshot" ng estado ng bayani, ang kanyang pag-amin.

Ang isang katulad na layunin - ang paghahatid ng panloob na estado ng isang karakter ng opera - ay maaaring matupad sa opera balad, pagmamahalan o arioso. Gayunpaman, ang arioso ay sumasakop sa isang intermediate na lugar sa pagitan ng aria at ang iba pang pinakamahalagang operatic form - recitative.

Bumaling tayo sa "Musical Dictionary" ni Rousseau. "Recitative," ang argumento ng mahusay na palaisip ng Pranses, "ay dapat magsilbi lamang upang ikonekta ang posisyon ng drama, hatiin at bigyang-diin ang kahulugan ng aria, at maiwasan ang pagkapagod sa pandinig..."

Noong ika-19 na siglo, sa pamamagitan ng mga pagsisikap ng iba't ibang mga kompositor na nagsusumikap para sa pagkakaisa at integridad ng pagganap ng opera, ang recitative ay halos nawala, na nagbibigay daan sa malalaking melodic episodes, na katulad ng layunin sa recitative, ngunit sa musical embodiment na lumalapit sa arias.

Tulad ng sinabi namin sa itaas, simula sa Wagner, ang mga kompositor ay tumanggi na hatiin ang opera sa mga arias at recitatives, na lumilikha ng isang solong, integral na musikal na pananalita.

Bilang karagdagan sa arias at recitatives, isang mahalagang constructive role sa opera ang ginampanan ni mga ensemble. Lumilitaw ang mga ito sa panahon ng aksyon, kadalasan sa mga lugar na iyon kapag ang mga karakter ng opera ay nagsimulang aktibong makipag-ugnayan. Sila ay gumaganap ng isang partikular na mahalagang papel sa mga fragment kung saan nagaganap ang salungatan, mga pangunahing sitwasyon.

Kadalasan ginagamit ng kompositor bilang mahalaga paraan ng pagpapahayag At koro-- sa mga huling eksena o, kung kinakailangan ng balangkas, ipakita ang mga katutubong eksena.

Kaya, ang arias, recitatives, ensembles, choral, at sa ilang mga kaso, ang mga episode ng ballet ay ang pinakamahalagang elemento ng isang pagtatanghal ng opera. Ngunit ito ay karaniwang nagsisimula sa mga overture.

Ang overture ay nagpapakilos sa madla, kasama sila sa orbit ng mga musikal na imahe at mga karakter na gaganap sa entablado. Kadalasan ang overture ay binuo sa mga tema na pagkatapos ay tumatakbo sa pamamagitan ng opera.

At ngayon, sa wakas, isang malaking halaga ng trabaho ang nasa likod natin - nilikha ng kompositor ang opera, o sa halip, ginawa ang marka nito, o clavier. Ngunit mayroong isang malaking distansya sa pagitan ng pag-aayos ng musika sa mga tala at pagganap nito. Upang ang isang opera - kahit na ito ay isang natitirang piraso ng musika - upang maging isang kawili-wiling pagganap, maliwanag, kapana-panabik, ang gawain ng isang malaking koponan ay kailangan.

Ang produksyon ng opera ay pinamumunuan ng isang konduktor, tinulungan ng isang direktor. Bagaman nangyari na ang mga dakilang direktor ng teatro ng drama ay nagtanghal ng isang opera, at tinulungan sila ng mga konduktor. Ang lahat na may kinalaman sa interpretasyong musikal - ang pagbabasa ng orkestra ng marka, ang pakikipagtulungan sa mga mang-aawit - ay ang lugar ng aktibidad ng konduktor. Responsibilidad ng direktor na ipatupad ang disenyo ng entablado ng dula - ang pagbuo ng mise-en-scène, upang gampanan ang bawat papel bilang isang aktor.

Karamihan sa tagumpay ng isang produksyon ay nakasalalay sa artist na nag-sketch ng mga set at costume. Idagdag dito ang gawain ng isang choirmaster, isang choreographer at, siyempre, mga mang-aawit, at mauunawaan mo kung ano ang isang kumplikadong gawain, pagsasama-sama ng malikhaing gawain ng maraming dose-dosenang mga tao, ang pagtatanghal ng isang opera sa entablado, kung gaano karaming pagsisikap, malikhaing imahinasyon. , tiyaga at talento ay dapat ilagay para sa pagsilang na ito ay maganap. pinakamalaking holiday musika, isang pagdiriwang ng teatro, isang pagdiriwang ng sining na tinatawag na opera.

BIBLIOGRAPIYA

1. Zilberkvit M.A. Ang mundo ng musika: Sanaysay. - M., 1988.

2. Kasaysayan ng kulturang musikal. T.1. - M., 1968.

3. Kremlev Yu.A. Tungkol sa lugar ng musika sa mga sining. - M., 1966.

4. Encyclopedia para sa mga bata. Tomo 7. Art. Bahagi 3. Musika. Teatro. Sinehan./Ch. ed. V.A. Volodin. - M.: Avanta+, 2000.

Nai-post sa Allbest.ru

...

Mga katulad na dokumento

Mga katangian ng panlipunang kahalagahan ng genre ng opera. Pag-aaral sa kasaysayan ng opera sa Germany: ang mga kinakailangan para sa paglitaw ng isang pambansang romantikong opera, ang papel ng Austrian at German Singspiel sa pagbuo nito. Pagsusuri sa musika ng opera ni Weber na "Valley of the Wolves".

course work, idinagdag 04/28/2010


P.I. Tchaikovsky bilang isang kompositor ng opera na "Mazeppa", isang maikling sketch ng kanyang buhay, creative development. Ang kasaysayan ng pagsulat ng gawaing ito. V. Burenin bilang may-akda ng libretto para sa opera. Mga pangunahing tauhan, mga hanay ng mga bahagi ng koro, mga paghihirap sa pagsasagawa.

malikhaing gawa, idinagdag noong 11/25/2013


Ang lugar ng mga chamber opera sa gawain ng N.A. Rimsky-Korsakov. "Mozart at Salieri": isang mapagkukunang pampanitikan bilang isang opera libretto. Musical dramaturgy at ang wika ng opera. "Ang Babaeng Pskov" at "Boyaryna Vera Sheloga": isang dula ni L.A. Meya at libretto ni N.A. Rimsky-Korsakov.

thesis, idinagdag noong 09/26/2013


Ang kultura ng Purcell's London: musika at teatro sa England. Makasaysayang aspeto ng paggawa ng opera na "Dido at Aeneas". Tradisyon at pagbabago sa loob nito. Interpretasyon ng "The Aeneid" ni Nahum Tate. Ang pagiging natatangi ng dramaturgy at ang pagiging tiyak ng musikal na wika ng opera na "Dido at Aeneas".

course work, idinagdag 02/12/2008


Ang kahalagahan ng A. Pushkin sa pagbuo ng Russian musical art. Paglalarawan ng mga pangunahing tauhan at mahahalagang kaganapan sa trahedya ni A. Pushkin na "Mozart at Salieri". Mga tampok ng opera na "Mozart at Salieri" ni N. Rimsky-Korsakov, kanyang maingat na saloobin sa text.

course work, idinagdag 09/24/2013


Si Gaetano Donizetti ay isang Italyano na kompositor mula sa kasagsagan ng Bel canto. Kasaysayan ng paglikha at buod opera na "Don Pasquale". Pagsusuri sa musika ng cavatina ni Norina, mga tampok ng kanyang vocal at teknikal na pagganap at musikal na nagpapahayag na paraan.

abstract, idinagdag noong 07/13/2015


Pagsusuri ng opera ni R. Shchedrin " Patay na kaluluwa", Ang interpretasyon ni Shchedrin sa mga imahe ni Gogol. R. Shchedrin bilang isang kompositor ng opera. Mga katangian ng mga tampok ng musikal na sagisag ng imahe ng Manilov at Nozdryov. Pagsasaalang-alang ng vocal na bahagi ni Chichikov, ang intonasyon nito.

ulat, idinagdag noong 05/22/2012


Talambuhay ni N.A. Rimsky-Korsakov - kompositor, guro, konduktor, pampublikong pigura, kritiko ng musika, miyembro ng "Mighty Handful". Si Rimsky-Korsakov ang nagtatag ng genre ng fairy tale opera. Mga paghahabol ng tsarist censorship sa opera na "The Golden Cockerel".

pagtatanghal, idinagdag noong 03/15/2015


Isang maikling talambuhay na tala mula sa buhay ni Tchaikovsky. Paglikha ng opera na "Eugene Onegin" noong 1878. Ang Opera bilang "isang katamtamang gawaing isinulat dahil sa panloob na pagnanasa." Ang unang pagganap ng opera noong Abril 1883, Onegin sa imperyal na yugto.

pagtatanghal, idinagdag noong 01/29/2012


Pag-aaral sa kasaysayan ng paglitaw ng genre ng pag-iibigan sa kulturang musikal ng Russia. Ang kaugnayan sa pagitan ng mga pangkalahatang katangian ng isang artistikong genre at ang mga katangian ng musikal na genre. Ang paghahambing na pagsusuri ng genre ng romansa sa mga gawa ng N.A. Rimsky-Korsakov at P.I. Tchaikovsky.