Künstler: Leonardo da Vinci


Leinwand, Tempera.
Größe: 42 × 33 cm

Kurze Schöpfungsgeschichte

Beschreibung und Analyse

Die Eremitage beherbergt zwei Werke von Leonardo, die die Mutter Gottes darstellen – „Madonna Litta“ und „Madonna Benois“. Einige Kunstkritiker und Kunsthistoriker neigen zu der Annahme, dass diese beiden berühmten Gemälde eng miteinander verbunden sind. Zu diesem Thema gibt es mehrere Meinungen. Einer Theorie zufolge, die vom leitenden Forscher der Eremitage Michail Anikin verfasst wurde, veranschaulicht die „Benoit-Madonna“ die göttliche Natur Jesu Christi, während die „Madonna Lita“ als Widerspiegelung des menschlichen Wesens Christi angesehen werden sollte. Diese Kombination zweier Meisterwerke veranschaulicht die Aussage der christlichen Kirche, dass in Christus die göttlichen und menschlichen Prinzipien vereint sind. Als Bestätigung dieser Version kann man das Fehlen von Heiligenscheinen um die Köpfe von Maria und dem Kind in der „Madonna Litta“ betrachten, die das göttliche Prinzip symbolisieren, während sie in „Madonna Litta“ vorhanden sind. Madonna Benedikt" Diese Interpretation der Beziehung zwischen den beiden Gemälden könnte auch ein bedingungsloser Beweis für Leonardos Urheberschaft sein, da Kunstkritiker keinen Zweifel daran haben, dass die „Madonna von Benois“ sein Pinsel war.

Besonders hervorzuheben ist die Landschaft, der Leonardo in seinen Werken stets eine besondere Rolle zumisst. Und beim Vergleich zweier Gemälde kann dies auch als Bestätigung ihrer Paarung gewertet werden. Genießt der Betrachter in „Madonna Benois“ die kristallklare Reinheit und Klarheit des Himmels, so stellte der Künstler in „Madonna Litta“ eine Berglandschaft dar, die die Schönheit der irdischen Welt symbolisiert.

Vorgeschlagene Theorie über die Beziehung zwischen den beiden berühmte Gemälde Leonardo hat keine einhellige Anerkennung gefunden, ist aber auf jeden Fall interessant, weil es einen völlig neuen Blick auf längst bekannte große Kunstwerke ermöglicht.

Beschreibung des Gemäldes „Madonna mit Kind“ von Leonardo da Vinci

Künstler: Leonardo da Vinci
Titel des Gemäldes: „Madonna Litta“
Das Gemälde wurde gemalt: 1490-1491.
Leinwand, Tempera.
Größe: 42 × 33 cm

Dieses Gemälde von Leonardo da Vinci ist eines der Werke, deren Aussehen geprägt ist neue Bühne in der Kunst der Renaissance - Stilbehauptung Hochrenaissance. Die auf der Leinwand abgebildete schöne Frau, die ein Baby füttert, ist die Personifikation Mutterliebe als den größten menschlichen Wert. Das Gemälde ist nach seinem früheren Besitzer, Herzog Antoine Litta, benannt.

Kurze Schöpfungsgeschichte

Es gibt immer noch Kontroversen um eines der schönsten Bilder der Mutter Gottes mit Kind, Hauptthema Das ist die Urheberschaft von Leonardo. Einige Kunsthistoriker neigen dazu, es als Ergebnis der Arbeit der Schüler des Maestros zu betrachten (mit Ausnahme des Antlitzes der Muttergottes, von dem nur wenige zu leugnen wagen, dass es zum Pinsel Leonardos gehört). Auch das Entstehungsdatum des Gemäldes ist nicht sicher bekannt. Nach der offiziellen Version wird es üblicherweise der Mailänder Periode im Leben Da Vincis zugeschrieben. Allerdings gibt es auch Meinungen über spätere Datierungen, die bis in die Zeit von Leonardos Aufenthalt in Rom zurückreichen.

Beschreibung und Analyse

Das Gemälde „Madonna mit Kind“ ist eines der renommiertesten Meisterwerke der Hermitage-Sammlung und löst beim Betrachter ständige Freude und Ehrfurcht aus. Die Bildkomposition ist ausgewogen und lakonisch. Die Figuren der Maria und des Christuskindes sind in feinstem Hell-Dunkel modelliert. In den Öffnungen symmetrisch angeordneter Fenster öffnet sich dem Blick des Betrachters eine Berglandschaft, als würde sie an die Harmonie des gesamten Universums erinnern. Die sogenannte Madonna Litta wird vom Meister als nachdenkliche und ernste Frau dargestellt. Sie hat die Lieblingsschönheit des Künstlers – eine hohe, saubere Stirn, eine leicht verlängerte Nase, einen Mund mit kaum erhabenen Lippenwinkeln (das berühmte „Leonardsche Lächeln“) und leicht rötliches Haar. Dieses Bild ist die Verkörperung einer ideal schönen Frau. Allerdings ist er nicht leidenschaftslos. Alle Gefühle der abgebildeten Frau werden jedoch von der Künstlerin tief verborgen, um die klare Harmonie ihres Erscheinungsbildes nicht zu stören. Sie erscheinen nur leicht im Ausdruck verborgener Traurigkeit und in einem gleitenden, geheimnisvollen Halblächeln. Auch das abgebildete Baby wirkt über sein Alter hinaus traurig und ernst. Das goldhaarige Baby schaut den Betrachter geistesabwesend an und hält mit der rechten Hand die Brust seiner Mutter. In seiner linken Hand trägt er einen Stieglitz-Vogel – ein Symbol der christlichen Seele. Die Figur der Madonna ist so dargestellt, dass ihre Konturen deutlich vor dem Hintergrund der Wand erkennbar sind. Die Beleuchtung der weiblichen Silhouette erfolgt entgegen der üblichen Logik nicht durch symmetrisch dahinter angeordnete Fenster, sondern irgendwo vorne und links und modelliert sanft Gesichter und Körper.

Die Hauptbedeutung der Arbeit, wie in frühere Jobs Meister, Menschlichkeit bleibt, Respekt vor echten, tiefen Gefühlen. Eine Mutter stillt ihr Kind und betrachtet es mit nachdenklichem, zärtlichem Blick. Das von gesunder Lebensenergie überströmende Baby dreht sich in ihren Armen und bewegt seine Beine. Mit seinem dunklen Teint und der goldenen Haarfarbe sieht er aus wie seine Mutter. Die Frau bewundert das Baby, ist in ihre Gedanken versunken und konzentriert die ganze Kraft ihrer Gefühle auf ihn. Eine außergewöhnliche Ausdruckskraft erreichte der Künstler in der Darstellung der Madonna mit Kind.

Wenn man jedoch analysiert, wie Leonardo diese Ausdruckskraft erreicht, erkennt man, dass der Maestro eher verallgemeinerte und lakonische Darstellungsmethoden verwendet. Das Gesicht der Madonna ist im Profil gedreht. Der Betrachter sieht nur ein Auge, während dessen Pupille nicht gezeichnet ist. Auch die Lippen können nicht als eindeutig lächelnd bezeichnet werden; lediglich ein Schatten im Mundwinkel deutet auf ein Lächeln hin. Gleichzeitig erzeugen allein die Neigung des Kopfes, die Schatten, die über das Gesicht gleiten, und der leicht ahnende Blick jenes einzigartige Gefühl der Spiritualität, das Leonardo liebte und darzustellen wusste. Zum Abschluss der Phase der langfristigen Suche in der Kunst der Renaissance schafft der Künstler, basierend auf der genauen Verkörperung des Sichtbaren, ein Bild voller Poesie, in dem alles Zufällige und Kleine verworfen wird und die Merkmale übrig bleiben, die ein schaffen erhabene und aufregende Vorstellung von einer Person. So vereint der Meister die unterschiedlichen Bemühungen seiner Vorgänger und Zeitgenossen und erhebt die italienische Kunst deutlich vor ihnen neues Level.

„Madonna Litta“ von Leonardo da Vinci ist die Perle der Hermitage-Sammlung, ein Symbol der italienischen Schönheit der Hochrenaissance, das jeder seit seiner Kindheit kennt. Seit seiner Entstehung ist das Werk von Geheimnissen umgeben, von denen viele von Wissenschaftlern gelöst wurden. Aber Hauptgeheimnis Dieses kleine, aber inhaltlich immense Bild offenbart sich jedem Betrachter auf seine eigene Weise.

Im Archiv Staatliche Eremitage Erhalten ist ein Brief des Mailänder Herzogs Antonio Litta aus dem Jahr 1864, in dem er Kaiser Alexander II. seine Absicht mitteilt, vier Gemälde aus seiner Privatsammlung für einhunderttausend Francs zu verkaufen. Darunter ist „Madonna mit Kind“ von Leonardo Da Vinci. Der Direktor der Kaiserlichen Eremitage, Stepan Alexandrowitsch Gedeonow, ging nach Italien und brachte Nördliche Hauptstadt das Meisterwerk, das als Madonna Litta bekannt wurde.

Der Kauf von Leonardos Gemälde löste in Europa große Resonanz aus. Kunstschaffende gratulierten Gedeonow zu seinem erfolgreichen Erwerb und beklagten sich darüber, dass das unschätzbare Gemälde in das ferne Russland verschwand. Weniger glückliche Käufer äußerten sogar Zweifel an der Echtheit des Gemäldes.

Tatsächlich ließ die Debatte darüber, ob Leonardo da Vinci der Autor der „Madonna Litta“ ist, erst Mitte des letzten Jahrhunderts nach. Unmittelbar nach dem Erscheinen des Gemäldes in St. Petersburg wurde beschlossen, es sofort zu restaurieren und von Holz auf Leinwand zu übertragen. Die Arbeiten wurden einem Hermitage-Zimmermann anvertraut, der sie mit so viel Geschick ausführte, dass er mit einer kaiserlichen Silbermedaille ausgezeichnet wurde. Allerdings hat das Werk viel von seiner ursprünglichen Fassung verloren, was die Arbeit von Kunsthistorikern und Experten erheblich erschwert hat.

Heute sind die Zweifel ausgeräumt. „Madonna Litta“ ist ein Meisterwerk von Leonardo da Vinci und seiner Schule. Die Idee, die Komposition, die Darstellung des Antlitzes der Jungfrau Maria, die Modellierung der Figuren mit feinstem Hell-Dunkel stammen aus der Feder des Meisters.

„Maria Lactans“ oder „Madonna stillt das Kind“ ist eine weit verbreitete Handlung in Italienische Malerei XIV-XV Jahrhunderte, es beschäftigte den Meister ungewöhnlich. Eine Frau mit einem Baby ist das Thema seiner zahlreichen Zeichnungen und Skizzen. Leonardo zeigt zarte und traurige Frauen mit süßen Babys und erforscht die Gefühle und Facetten der menschlichen Seele.

Wählen biblische Geschichte, er stellt es sich als eine Szene aus vor Alltag. In einem gewöhnlichen Raum drückt eine junge Frau zärtlich ein Baby an ihre Brust, über ihren Köpfen sind keine Heiligenscheine zu sehen, und es sind keine Heiligen oder Engel in der Nähe. Der Betrachter kann die Göttlichkeit der Charaktere nicht so sehr anhand der Symbole erraten, die der Meister verwendet (die Madonna erscheint in der traditionellen Kleidung der Muttergottes: ein rotes Kleid und ein blauer Umhang, und das Baby mit seinen linken Handgriffen). ein Stieglitz, ein Symbol für die zukünftigen Prüfungen des Erlösers), sondern vielmehr durch die Atmosphäre der Spiritualität, die von dem Werk ausgeht.

Leonardo nutzt subtile künstlerische Techniken, um ein lakonisches und perfektes Werk zu schaffen.

Zwei symmetrische Fenster gleichen die Komposition aus, und die Landschaft verleiht dem Gemälde Tiefe und Geheimnis (übrigens waren es diese Berggipfel, die dazu beitrugen, das ungefähre Entstehungsdatum des Gemäldes zu bestimmen: Kunstkritiker bemerkten die Ähnlichkeit der Landschaften, die sich aus den Fenstern öffneten im Gemälde „Madonna Litta“ und in berühmtes Fresko « Letztes Abendmahl", der die Entstehung des Gemäldes in die 80er Jahre des 15. Jahrhunderts datiert, in die Mailänder Schaffenszeit Leonardos).

Durch den Kontrast der skulpturalen Unbeweglichkeit der Madonna und der Ausdruckskraft der Pose des Babys schafft der Meister eine ganzheitliche Gruppe, in der sich jedes Element gegenseitig ergänzt. Leonardos Art ist in der Wechselbeziehung von Blicken und Gesten erkennbar, und in der harmonischen Art und Weise, wie die rote Farbe des Kleides der Madonna die Farbe und Schattierung widerspiegelt, die das Gesicht und den Körper des Babys modelliert, und in der Ausgewogenheit der Blautöne des Umhangs und der Landschaft , und in der Subtilität, mit der der transparente Schleier die Linien der Frisuren wiederholt und natürlich im Gesichtsausdruck der jungen Frau.

Die Louvre-Sammlung enthält eine Zeichnung eines Frauenkopfes, die zweifellos aus dem Leben stammt und von Leonardo während der Arbeit an der „Madonna Litta“ geschaffen wurde. Aber auf dem Bild stellte der Meister ein idealisiertes Porträt einer schönen Frau dar. Sie hat eine erkennbare „leonardische“ Schönheit: kupferfarbenes Haar, ein längliches Gesicht, eine hohe Stirn, eine längliche Nase und das berühmte, geheimnisvolle und schwer fassbare Lächeln, das die Tiefe menschlicher Gefühle so genau wiedergibt.

Interessant ist auch der Blick des Babys, der sich dem Betrachter zuwendet. Der Meister stellt nicht nur eine subtile, fast mystische Verbindung zwischen ihnen her reale Welt und die imaginäre Welt, sondern lädt den Betrachter auch zur Mitgestaltung ein. Die schwer fassbare Harmonie des Augenblicks und das schwer fassbare Gefühl der Zärtlichkeit und mütterlichen Liebe werden von jedem gesehen und gefühlt, der mit Leonardos Schöpfung in Berührung kommt. Er fühlt auf seine eigene Weise, abhängig von seiner Vorstellungskraft, seinem Temperament und sogar seiner Stimmung.

Dieses Gemälde ist eines der Werke, dessen Erscheinen eine neue Etappe in der Kunst der Renaissance markierte – die Etablierung des Stils der Hochrenaissance. Die auf der Leinwand abgebildete schöne Frau, die ein Baby stillt, ist die Verkörperung der mütterlichen Liebe als höchstem menschlichen Wert. Das Gemälde ist nach seinem früheren Besitzer, Herzog Antoine Litta, benannt.

Kurze Schöpfungsgeschichte

Es gibt immer noch Kontroversen um eines der schönsten Bilder der Jungfrau mit dem Kind, dessen Hauptthema die Urheberschaft von Leonardo ist. Einige Kunsthistoriker neigen dazu, es als Ergebnis der Arbeit der Schüler des Maestros zu betrachten (mit Ausnahme des Antlitzes der Muttergottes, von dem nur wenige zu leugnen wagen, dass es zum Pinsel Leonardos gehört). Auch das Entstehungsdatum des Gemäldes ist nicht sicher bekannt. Nach der offiziellen Version wird es üblicherweise der Mailänder Periode im Leben Da Vincis zugeschrieben. Es gibt jedoch auch Meinungen über spätere Datierungen, die bis in die Zeit von Leonardos Aufenthalt in Rom zurückreichen.

Beschreibung und Analyse

Das Gemälde „Madonna mit Kind“ ist eines der renommiertesten Meisterwerke der Hermitage-Sammlung und löst beim Betrachter ständige Freude und Ehrfurcht aus. Die Bildkomposition ist ausgewogen und lakonisch. Die Figuren der Maria und des Christuskindes sind in feinstem Hell-Dunkel modelliert. In den Öffnungen symmetrisch angeordneter Fenster öffnet sich dem Blick des Betrachters eine Berglandschaft, als würde sie an die Harmonie des gesamten Universums erinnern. Die sogenannte Madonna Litta wird vom Meister als nachdenkliche und ernste Frau dargestellt. Sie hat die Lieblingsschönheit des Künstlers – eine hohe, saubere Stirn, eine leicht verlängerte Nase, einen Mund mit kaum erhabenen Lippenwinkeln (das berühmte „Leonardsche Lächeln“) und leicht rötliches Haar. Dieses Bild ist die Verkörperung einer ideal schönen Frau. Allerdings ist er nicht leidenschaftslos. Alle Gefühle der abgebildeten Frau werden jedoch von der Künstlerin tief verborgen, um die klare Harmonie ihres Erscheinungsbildes nicht zu stören. Sie erscheinen nur leicht im Ausdruck verborgener Traurigkeit und in einem gleitenden, geheimnisvollen Halblächeln. Auch das abgebildete Baby wirkt über sein Alter hinaus traurig und ernst. Das goldhaarige Baby schaut den Betrachter geistesabwesend an und hält mit der rechten Hand die Brust seiner Mutter. In seiner linken Hand trägt er einen Stieglitz-Vogel – ein Symbol der christlichen Seele. Die Figur der Madonna ist so dargestellt, dass ihre Konturen deutlich vor dem Hintergrund der Wand erkennbar sind. Die Beleuchtung der weiblichen Silhouette erfolgt entgegen der üblichen Logik nicht durch symmetrisch dahinter angeordnete Fenster, sondern irgendwo vorne und links und modelliert sanft Gesichter und Körper. Die Hauptbedeutung des Werkes bleibt, wie auch in den früheren Werken des Meisters, die Menschlichkeit und der Respekt vor echten, tiefen Gefühlen. Eine Mutter stillt ihr Kind und betrachtet es mit nachdenklichem, zärtlichem Blick. Das von gesunder Lebensenergie überströmende Baby dreht sich in ihren Armen und bewegt seine Beine. Mit seinem dunklen Teint und der goldenen Haarfarbe sieht er aus wie seine Mutter. Die Frau bewundert das Baby, ist in ihre Gedanken versunken und konzentriert die ganze Kraft ihrer Gefühle auf ihn. Eine außergewöhnliche Ausdruckskraft erreichte der Künstler in der Darstellung der Madonna mit Kind.

Wenn man jedoch analysiert, wie Leonardo diese Ausdruckskraft erreicht, erkennt man, dass der Maestro eher verallgemeinerte und lakonische Darstellungsmethoden verwendet. Das Gesicht der Madonna ist im Profil gedreht. Der Betrachter sieht nur ein Auge, während dessen Pupille nicht gezeichnet ist. Auch die Lippen können nicht als eindeutig lächelnd bezeichnet werden; lediglich ein Schatten im Mundwinkel deutet auf ein Lächeln hin. Gleichzeitig erzeugen allein die Neigung des Kopfes, die Schatten, die über das Gesicht gleiten, und der leicht ahnende Blick jenes einzigartige Gefühl der Spiritualität, das Leonardo liebte und darzustellen wusste. Zum Abschluss der Phase der langfristigen Suche in der Kunst der Renaissance schafft der Künstler, basierend auf der genauen Verkörperung des Sichtbaren, ein Bild voller Poesie, in dem alles Zufällige und Kleine verworfen wird und die Merkmale übrig bleiben, die ein schaffen erhabene und aufregende Vorstellung von einer Person. Damit bündelt der Meister die unterschiedlichen Bemühungen seiner Vorgänger und Zeitgenossen und hebt die italienische Kunst deutlich vor ihnen auf ein neues Niveau. Die Eremitage beherbergt zwei Werke von Leonardo, die die Mutter Gottes darstellen – „Madonna Litta“ und „Madonna Benois“. Einige Kunstkritiker und Kunsthistoriker neigen zu der Annahme, dass diese beiden berühmten Gemälde eng miteinander verbunden sind. Zu diesem Thema gibt es mehrere Meinungen. Einer Theorie zufolge, die vom leitenden Forscher der Eremitage Michail Anikin verfasst wurde, veranschaulicht die „Benoit-Madonna“ die göttliche Natur Jesu Christi, während die „Madonna Lita“ als Widerspiegelung des menschlichen Wesens Christi angesehen werden sollte. Diese Kombination zweier Meisterwerke ist ein Beispiel für die Aussage der christlichen Kirche, dass in Christus die göttlichen und menschlichen Prinzipien vereint sind. Als Bestätigung dieser Version kann man das Fehlen von Heiligenscheinen um die Köpfe von Maria und dem Kind in der „Madonna Litta“ betrachten, die das göttliche Prinzip symbolisieren, während sie in der „Madonna von Benois“ vorhanden sind. Diese Interpretation der Beziehung zwischen den beiden Gemälden könnte auch ein bedingungsloser Beweis für Leonardos Urheberschaft sein, da Kunstkritiker keinen Zweifel daran haben, dass die „Madonna von Benois“ sein Pinsel war.

Besonders hervorzuheben ist die Landschaft, der Leonardo in seinen Werken stets eine besondere Rolle zumisst. Und beim Vergleich zweier Gemälde kann dies auch als Bestätigung ihrer Paarung gewertet werden. Genießt der Betrachter in „Madonna Benois“ die kristallklare Reinheit und Klarheit des Himmels, so stellte der Künstler in „Madonna Litta“ eine Berglandschaft dar, die die Schönheit der irdischen Welt symbolisiert.

Die vorgeschlagene Theorie über die Beziehung zwischen zwei berühmten Gemälden von Leonardo hat keine einhellige Anerkennung gefunden, ist aber auf jeden Fall interessant, weil sie einen völlig neuen Blick auf große, längst bekannte Kunstwerke ermöglicht.

Als Blütezeit wird die Epoche der Hochrenaissance bezeichnet, die weniger als ein halbes Jahrhundert dauerte Italienische Kultur. In der Liste seiner Titanen und unbestrittenen Genies steht der Name Leonardo da Vinci an erster Stelle. „Madonna Litta“, 1491 vom Künstler vollendet, ist eine der besten Kreationen Mailänder Periode, die Verkörperung der Erhabenheit, Harmonie und Schönheit des Goldenen Zeitalters. Da Vinci verbrachte etwa zwei Jahrzehnte am Hofe des verdorbenen Despoten und talentierten Bürgermeisters Lodovico Sforza. Seine künstlerischen und musikalischen Talente waren weitaus weniger gefragt als seine Talente als Ingenieur, Erfinder, Militärberater, Feuerwerksmacher und Urlaubsorganisator. Was ihn in dieser Zeit die meiste Zeit, geistige und körperliche Kraft kostete, war eine Bronzeskulptur. Reiterstandbild Francesco Sforza, Vater von Lodovico. Sie und nicht das berühmte Fresko „Das letzte Abendmahl“ und die prächtigen Gemälde sorgten für die größte Resonanz in der Mailänder Gesellschaft.

Die Entscheidung von Leonardos Vater, einem erfolgreichen Notar, seinen dreijährigen unehelichen Sohn in seine Familie aufzunehmen und ihn von seiner einfachen Mutter wegzunehmen, hatte keinen Einfluss auf die ehrfürchtige Haltung des zukünftigen Künstlers ihr gegenüber. Warme Erinnerungen an diejenige, die ihm das Leben schenkte, und ihre grenzenlose Liebe machten das Thema Mutterschaft zu einem Querschnittsthema in Leonardos Werk. In seinen Madonnendarstellungen verbindet er auf harmonische Weise die Grundprinzipien christlicher und weltlicher Malerei. Ein Beispiel hierfür ist die „Madonna Litta“.

Eine schöne junge Mutter stillt ihr Baby, dessen hypertrophierte Figur traditionell für Gemälde mit religiösen Themen ist. Leonardo identifiziert die Ernährung eines Kindes mit dem Prozess, bei dem der Sohn Gottes die menschliche Seele versteht. Ein Stieglitz mit rotem Gefieder, den das Christuskind mit der linken Hand umklammert, symbolisiert das von ihm vergossene Blut, das Leid, das ihn erwartet, und die christliche Seele. Es gibt eine weitere interessante Version zum Bild des Stieglitzes. Auf Italienisch klingt der Name dieses Vogels wie Cardellino. Es hat Gemeinsamkeit mit dem Wort Cardinale, was übersetzt Kardinal bedeutet. Die rote Krone des Stieglitzes symbolisiert möglicherweise den Zucchetto oder Pileolus – die rote Mütze, die den Kardinälen als alltäglicher Kopfschmuck dient. In diesem Fall vermittelt die rote Farbe die Entschlossenheit, im Namen des Glaubens sein Blut und sein Leben zu opfern. Auch die Verwendung bestimmter Farben hat eine bestimmte Bedeutung. Goldtöne am Revers des Gewandes verkörpern die Reinheit, Blau oder Azurblau stehen für Reinheit und Widerspiegelung Gottes, Lila ist die Attributfarbe der Heiligen Jungfrau. Florentiner Maler nutzten dies sehr oft Farbschema in ihren Leinwänden.

Trotz der Fülle religiöser Symbole wird die Heiligkeit der Bilder und der Handlung nicht betont. Das Bild wird als Hymne an die enorme mütterliche Liebe und Zärtlichkeit wahrgenommen. Das Profilbild des Gesichts der Madonna ist im Geiste eines weltlichen Porträts einer gewöhnlichen irdischen Frau gehalten (obwohl die Dreiviertelversion als etwas häufiger galt). Nach den Kanonen der Kirchenmalerei wäre eine solche Kopfdrehung unmöglich gewesen, da sie für Helden wie Judas gewählt wurde. Dies betonte ihre Unpersönlichkeit und dämonische Natur. Eine assoziative Anspielung auf das Auftreten des ersten Mentors – Andrea Verrocchio – war der leicht gesenkte Kopf Madonnas, der von ihrer Bescheidenheit und Haltung zeugte. Das kaum erkennbare Lächeln auf ihrem leicht traurigen Gesicht, das für viele Figuren auf Leonardos Gemälden charakteristisch ist, ist auch eine Verbeugung vor dem Lehrer, der Bildhauer war Bronzestatue David, auf dessen Gesicht das gleiche halbe Lächeln zu sehen ist.

Die Askese des dunklen Hintergrunds und die Symmetrie der Komposition, die durch zwei Bogenfenster entsteht, verstärken dieses Gefühl nur. Außenwelt dargestellt durch eine in blauen Dunst gehüllte Berglandschaft. Fern und kalt unterstreicht es nur die Zärtlichkeit und Wärme des Mutterbildes. Das Baby steht an der Schwelle einer für es wichtigen Phase – der Entwöhnung von der Mutterbrust. Die Entscheidung ist bereits gefallen, die Sonderschnitte am Shirt sind vernäht. Für ein Kind ist diese Situation schwierig. Als die Mutter seine Sorgen sieht, reißt sie einen der Schnitte auf (erkennbar an gerissenen Fäden), damit das Baby seinen Hunger stillen kann.

Dieses Gemälde verwendet die von Leonardo entwickelte Sfumato-Technik („Streuung“), bei der transparente Farben auf eine hauchdünne Schicht aus hellem Grund aufgetragen werden. Dadurch wird die Form durch Hell-Dunkel aufgeweicht und modelliert, es entsteht ein Relief und sogar eine Dreidimensionalität des Bildes, wie es beim Gesicht und den Figuren einer schönen jungen Frau und des Christkindes der Fall ist. Der bewusst verdichtete Ton des dunklen Hintergrunds lässt sie noch voluminöser wirken und rückt sie noch stärker in den Vordergrund. Es war möglich, das im Laufe der Zeit verfallene Gemälde zum Zeitpunkt seiner Überführung in die Eremitage-Sammlung zu bewahren, indem man es von einer Holzoberfläche auf Leinwand übertrug. Die Anordnung der Figuren ist ähnlich das älteste Bild Unsere Liebe Frau in einem Fresko, das in den römischen Katakomben gefunden wurde.

Ebenso ungewöhnlich ist das Schicksal des Gemäldes. Der Grund für sein Erscheinen war der Orden einer der berühmtesten Adelsfamilien – Litta. Dort blieb sie für eine lange Zeit. Durch den Willen des Schicksals einer der Nachkommen berühmte Familie- Giulio Renato - landete in Russland. Der Ritter des Malteserordens erhielt den Rang eines Generals schon in sehr jungen Jahren, im Alter von 26 Jahren. Aus Giulio Renato wurde Julius Pompejewitsch. Unter Paul I. nahm er die russische Staatsbürgerschaft an, erhielt den Grafentitel und wurde zum Chef des Garde-Kavallerie-Regiments ernannt. Seine Frau war eine der ersten Schönheiten von St. Petersburg, Ekaterina Skavronskaya. Nach ihrem Tod kam es Historikern zufolge zu einer Affäre zwischen ihm und seiner Stieftochter Julia Samoilowa. Es ist nicht verwunderlich, dass sie nach seinem Tod den größten Teil des riesigen Vermögens von Juli Pompejewitsch, einschließlich der Madonna Litta, erbte. Viele Jahre lang verkörperte Karl Bryullov fesselndes Bild in vielen seiner Gemälde. In ihren späteren Jahren, als sie nach Italien zog, verlor die schöne Dame den größten Teil ihres Vermögens.

„Madonna Litta“ wurde 1865 vom Herzog von Litta, einem der Nachkommen von Julius Pompeevich, für 100.000 Francs an die Eremitage verkauft.

Raffael, vielleicht der beliebteste und am meisten geschätzte Künstler der italienischen Renaissance, war ein Mann mit vielfältigen Talenten. Er hat sich verändert Bramante Als Architekt des Petersdoms überwachte er die Ausgrabungen römischer Altertümer, schuf monumentale Fresken, brillante religiöse Kompositionen und Porträts. Am bekanntesten ist er jedoch als Madonnenmaler, und seine unübertroffene Beliebtheit bei nachfolgenden Generationen ist vor allem auf die Harmonie und Schönheit der von ihm geschaffenen Marienbilder zurückzuführen. Er stellte die Madonna als himmlisches Wesen dar, das zugleich aus Fleisch und Blut bestand. In Raffaels Gemälden wird die Madonna in den unterschiedlichsten Formen dargestellt: auf einem Thron, im Himmel schwebend, vor dem Hintergrund einer Naturlandschaft oder in einem Innenraum, zusammen mit dem Christuskind oder umgeben von Heiligen.

Raphael. Madonna mit Kind und Heiligen, ca. 1502

Holz, Öl. 34 x 29 cm

Dieses Gemälde steht im Geiste der friedlichen Kunst nahe Perugino, auch als Madonna von der Ropp bekannt. Raffael präsentierte hier die Gottesmutter mit dem segnenden Christkind, umgeben von den Heiligen Hieronymus und Franziskus.

Raphael. Madonna mit Kind und Heiligen. OK. 1502

Raphael. Madonna Solly, ca. 1502

Holz, Öl. 52 x 38 cm. Berliner Kunstgalerie

Vor seiner Ankunft in Florenz hatte Raffael bereits kleine Gebetsbilder der Madonna mit Kind geschaffen, was mit der damaligen Popularität verschiedener Versionen von Peruginos Gemälden verbunden war. Eine interessante Serie dieser Art ist in mehreren Beispielen aus den Jahren 1502–1504 zu sehen, die zum Thema „Madonna mit Buch“ gemalt sind. Dabei handelt es sich um die Gemälde „Madonna Solly“ (heute in Berlin, zuvor im Besitz des Engländers Edward Solly), „Madonna Norton Simon“ (in Kalifornien) und „Madonna Conestabile“ (in St. Petersburg).

Raphael. Madonna Solly, ca. 1502

Auf dem Gemälde „Madonna Solly“ liest die Jungfrau Maria, und das Christkind wendet seinen Kopf ihrem Buch zu. In seinen Händen hält er einen Fink – ein Prototyp seiner zukünftigen Passion, und die Jungfrau Maria liest Prophezeiungen über ihn vor.

Raphael. Madonna Diotallevi. OK. 1504

Holz, Öl. 69 x 50 cm. Bode-Museum, Berlin

Diese Madonna befand sich einst in der Diotallevi-Sammlung von Rimini. Früher glaubte man, dass es von Perugino geschrieben worden sei, doch dann wurde die Autorschaft von Raffael fast allgemein anerkannt. Nur der Kunstkritiker Adolfo Venturi glaubt, dass die „Diotallevi-Madonna“ von einem dritten, unbekannten Meister geschaffen wurde.

Die Jungfrau Maria ist hier nicht in voller Länge dargestellt. Christus sitzt auf ihrem Schoß und Johannes der Täufer steht neben ihr.

Raphael. Madonna Diotallevi. OK. 1503

In dieser Madonna von Raffael sind noch deutliche Anklänge an die gotische Malerei zu erkennen. Besonders auffällig sind sie an Marys zu kleinem Kopf. Jesus sitzt auf ihrem Schoß und segnet das Baby Johannes den Täufer. Die Landschaft erinnert ein wenig an die Kunst nordischer Meister

Obwohl die Komposition der Diotallevi-Madonna und die Art ihrer Figuren dem Stil von Perugino ähneln, sind ihre strenge Einfachheit und ihre leuchtenden Farben erkennbar charakteristische Merkmale Kunst von Raffael.

Der Hintergrund der „Madonna von Diotallevi“ ist typisch für die umbrische Schule: Es handelt sich um entfernte, kaum sichtbare Hügel, gemalt in sanfter, klarer Luft.

Raphael. Madonna und Kind. OK. 1503

Die Madonna hält das Christkind mit großer Zärtlichkeit. Beide lesen gemeinsam das Stundenbuch, das in der neunten Stunde nach Sonnenaufgang durch ein Gebet geöffnet wird – der Stunde der Verkündigung, als die Jungfrau erfuhr, dass sie den Messias gebären würde. Die neunte Stunde war aber auch die Stunde des Todes Jesu am Kreuz. Madonna und ihr Sohn machen eine Lesepause, schauen sich nachdenklich an und denken über zukünftige Ereignisse nach.

Raphael. Madonna und Kind. OK. 1503

Dieses Gemälde von Raphael ist auch als „Madonna von Norton Simon“ bekannt – aufgrund seiner Lage im Norton Simon Museum (Pasadena, ein Vorort von Los Angeles, USA).

Raphael. Thronende Madonna mit Kind und Heiligen. Altar der Familie Colonna. 1504-1505

Tempera und Gold auf Holz. 172 x 172 cm. Metropolitan Museum of Art, New York

Bei dieser Tafel und der Lünette handelt es sich um ein relativ frühes Werk Raffaels, das auch als Altar der Familie Colonna bekannt ist. Es wurde für das Kloster des Heiligen Antonius von Padua in Perugia geschrieben. Raffael begann mit diesem Gemälde, als er knapp 20 Jahre alt war, kurz bevor er nach Florenz ging (1504), und vollendete es im folgenden Jahr, nachdem er nach Perugia zurückgekehrt war.

Raphael. Thronende Madonna mit Kind und Heiligen. Altar der Familie Colonna. 1504-1505

Der Einfluss von Raffaels Lehrer Perugino ist in der konservativen Komposition erkennbar. Dennoch gelang es Raffael, dieser eng beieinander liegenden Gruppe die Breite und Würde zu verleihen, die er aus dem Werk von Fra Bartolomeo in Florenz schöpfte. Besonders schön ist die Art und Weise, wie die Figuren die geschwungene Form der Lünette ausfüllen. An den Seiten der Muttergottes und Christi stehen das Kleinkind Johannes der Täufer, die Heiligen Petrus, Katharina, Cäcilia (?) und Paulus.

Raphael. Madonna Granduca. 1504

Holz, Öl. 84 x 57 cm. Galerie Palatina (Palazzo Pitti), Florenz

„Madonna Granduca“ wurde von Raffael zu Beginn der Florentiner Schaffensperiode gemalt. Die Figuren der Muttergottes und des Kindes scheinen aus einem dunklen Hintergrund hervorzutreten (ein Element, das offenbar Leonardo da Vinci entlehnt ist). Sie verbindet ein Gefühl zärtlicher Liebe, das sich vor allem in der Geste des Kindes zeigt: Mit Blick auf den Betrachter klammert es sich an seine Mutter.

Raphael. Madonna Granduca. 1504

„Madonna Granduca“ – eine der schönsten Kreationen Raffaels frühe Periode. Raffaels Interpretation des Bildes der Heiligen Jungfrau Maria wurde akzeptiert nachfolgende Generationen als derselbe „Standard“ wie das von Michelangelo entwickelte Konzept von Gott dem Vater. Gemälde wie die Madonna von Granduca gelten als wahrhaft „klassisch“ in dem Sinne, dass sie unzähligen Generationen als Maßstab für Exzellenz gedient haben, genau wie zuvor die Werke von Phidias und Praxiteles.

Wenn wir Raffaels Madonna von Granduca mit unzähligen Gemälden seiner Vorgänger zum gleichen Thema vergleichen, werden wir das Gefühl haben, dass sie alle nur eine Suche nach der perfekten Einfachheit waren, die Raffael schließlich erreichte. Es scheint, dass das Bild der Madonna und Christi nicht anders sein kann, dass es so seit Anbeginn der Zeit existiert.

Raphael. Madonna Conestabile (Madonna mit einem Buch). 1504

Tempera auf Leinwand, von Holz übertragen. Durchmesser 17,9 cm. Eremitage St. Petersburg

„Madonna Conestabile“ ist ein Gemälde aus der Serie „Unsere Liebe Frau mit dem Buch“. Außerdem sind „Madonna Solly“, „Madonna Norton Simon“ und weitere Werke von Raffael enthalten.

Die Familie Graf Conestabile aus Perugia verkaufte 1871 die Miniatur „Conestabile Madonna“ an den russischen Zaren Alexander II., der sie seiner Frau, der Zarin Maria Alexandrowna, schenkte. So gelangte das Gemälde in die St. Petersburger Eremitage.

Raphael. Madonna Conestabile (Madonna mit einem Buch). 1504

Schon vor der Arbeit an Madonna Conestabile stand Raffael vor dem Problem, runde Kompositionen zu schaffen. In diesem Rundgemälde sorgte er für eine passende Platzierung der Figuren, indem er die vertikale Figur der Madonna und kombinierte horizontale Linien Landschaft.

Bei der Übertragung der „Conestabile Madonna“ von Holz auf Leinwand Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert wurde entdeckt, dass die Gottesmutter zunächst statt eines Buches eine Granatapfelfrucht in den Händen hielt, die das Blut Christi verkörperte, das während des Martyriums am Kreuz vergossen wurde.

Sowjetische Führer, die in großem Umfang die Kunstschätze vorrevolutionärer Museen gegen Devisen verkauften, versteigerten auch Raffaels „Conestabile Madonna“ in Europa. Glücklicherweise gab es zu diesem Zeitpunkt keinen Käufer dafür und das Gemälde blieb in der Eremitage.

Raphael. Madonna Conestabile (mit Rahmen). 1504

Auch der luxuriöse Rahmen der Conestabile-Madonna wurde offenbar nach Raffaels Skizze angefertigt.

Raphael. Madonna und Kind (Kleine Madonna von Cowper). 1504-1505

Öl, Holz. 58 x 43 cm. Nationalgalerie Künste Washington

Die Kleine Cowper-Madonna wird so genannt, weil es sich um die kleinere der beiden Raffael-Madonna handelte, die sich im Besitz des englischen Sammlers Lord Cowper befand. Dieses Gemälde wurde von Raffael im Alter von 22 Jahren gemalt. Es spiegelt nicht nur wider starker Einfluss sein umbrischer Lehrer Perugino, aber auch seine florentinischen Rivalen Leonardo da Vinci und Michelangelo.

Raphael. Madonna und Kind (Kleine Madonna von Cowper). 1504-1505

Cowpers Kleine Madonna ist eine analytischere Variante der homogenen und innerlich starken Gruppe der Granduca-Madonna. Leonardos Einfluss auf Raffael ist hier in der weiten, weichen Landschaft spürbar. Cowpers Landschaft der Kleinen Madonna umfasst eine kleine Kirche mit einer zylindrischen Kuppel – vielleicht eine Anspielung auf Bramantes Architektur. Möglicherweise handelt es sich hierbei um das Franziskanerkloster San Bernardino in der Nähe von Raffaels Heimatstadt Urbino.

Raphael. Madonna Terranuova. OK. 1505

Holz, Öl. Durchmesser 86 cm. Staatliche Museen, Berlin

Die perfekte Kreisform war im 15. und frühen 16. Jahrhundert als Symbol kosmischer Harmonie beliebt. Raffael verwendete es in seinem Gemälde „Madonna Terranuova“. Jesus Christus wird hier mit dem Baby Johannes dem Täufer und einem weiteren heiligen Kind dargestellt rechte Seite. Dreieck aus der Jungfrau Maria und zwei stehende Jungs, charakteristisch für die Hochrenaissance.

Raphael. Madonna Terranuova. OK. 1505

Auf der Schriftrolle, die Jesus und Johannes der Täufer in der Hand halten, steht der lateinische Text: „Siehe, das Lamm Gottes.“ Dies sind die Worte, die Johannes während der Taufe Christi sprach.

Raphael. Madonna der Grünen (Madonna von Belvedere). 1506

Holz, Öl. 113 x 88 cm. Kunsthistorisches Museum Wien

Die Madonna der Grünen, auch Wiesenmadonna und Belvedere-Madonna genannt, stellt eine apokryphe Begegnung zwischen dem Jesuskind und Johannes dem Täufer dar. Raphael stellt hier den Knaben Christus dar, der das Kreuz von Johannes entgegennimmt.

Raphael. Madonna der Grünen, 1506

Die wirbelnden Figuren zweier Kinder spiegeln deutlich Michelangelos figurative Methoden wider. Pyramidengruppenstruktur Charaktere„Madonnen in Grün“ erinnern an Leonardo da Vinci. Aber in dem von Leonardo entlehnten volumetrischen Konzept verleiht Raffael seine charakteristische idyllische Gelassenheit.

Raphael. Madonna mit dem Stieglitz. 1507

Holz, Öl. 107 x 77 cm. Uffizien, Florenz

„Madonna vom Stieglitz“ wurde von Raffael für seinen Freund, den wohlhabenden Kaufmann Lorenzo Nasi, geschrieben. Dieses Gemälde wurde nach dem teilweisen Einsturz des Nazi-Hauses beim Einsturz des Monte San Giorgio (1548) schwer beschädigt. Anschließend wurde die Madonna des Stieglitzes von Ridolfo del Ghirlandaio restauriert.

Das Christuskind streichelt liebevoll den Stieglitz, den ihm der Knabe Johannes der Täufer hinhält. Auf den ersten Blick sieht man das einfaches Spiel Kinder, wir dürfen jedoch nicht vergessen, dass der Stieglitz in der Symbolik der Renaissance die Personifikation der Passion war (denn dieser Vogel ernährt sich von Dornen). Der Stieglitz ist hier ein Symbol für die zukünftige Passion Christi, und das Gesicht des Jesuskindes, das das Küken von Johannes empfängt, ist sehr ernst.

Raphael. Madonna mit dem Stieglitz. 1507

Die Komposition dieses Gemäldes von Raffael wiederholt sich fast „“, jedoch mit dem wesentlichen Unterschied, dass die Kinder in „Madonna und der Distelfink“ enger mit der zentralen Figur der Jungfrau verbunden sind. Die Farbe dieses Gemäldes ist lebendiger als die der Madonna der Grünen. Die Landschaft mit ihren für das mediterrane Italien ungewöhnlichen Spitzdächern und hohen Türmen spiegelt den Einfluss der flämischen Kunst wider. Das Bild des Kindes, das seine nackten Zehen auf den Fuß der Jungfrau Maria legt, ist eindeutig von der kurz zuvor von Michelangelo geschaffenen Statue der „Madonna von Brügge“ inspiriert.

Laut Vasari bilden Christus und Johannes der Täufer im Gemälde „Madonna und der Stieglitz“ „eine Gruppe voller kindlicher Einfachheit und gleichzeitig.“ tiefes Gefühl, ganz zu schweigen von der Tatsache, dass sie farblich so gut ausgeführt und so sorgfältig bemalt sind, dass es scheint, als wären sie aus lebendem Fleisch und nicht mit Hilfe von Farben und Mustern.

Raphael. Madonna mit Kind und Johannes dem Täufer (Schöner Gärtner). 1507

Holz, Öl. 122 x 80 cm. Louvre-Museum, Paris

Die Komposition von „The Beautiful Gardener“ ist Spiegelbild„Madonnen in Grün“ Raffael hat dieses Gemälde nicht fertiggestellt, es soll jedoch von Ridolfo del Ghirlandaio fertiggestellt worden sein. Später wurde „Der schöne Gärtner“ vom König von Frankreich, Franz I., erworben. Dieses Gemälde ist vor allem für die harmonische und proportionale Ausgewogenheit der Posen der Figuren bekannt. Das Gesicht der Jungfrau Maria aus „Der schöne Gärtner“ diente vielen Generationen von Künstlern als Vorbild für Schönheit.

Raphael. Madonna mit Kind und Johannes dem Täufer (Schöner Gärtner). 1507

„Der schöne Gärtner“ ist der Höhepunkt aller Florentiner Madonnen Raffaels.

Raphael. Bridgewater-Madonna. OK. 1507

Öl auf Leinwand, von der Tafel übertragen. 81 x 57 cm. Schottische Nationalgalerie, Edinburgh

Technische Untersuchungen der bemalten Oberfläche der Bridgewater-Madonna während der Restaurierung zeigten, dass es sich bei dem Gemälde ursprünglich um eine natürliche Landschaft handelte. Durch die Entfernung und Ersetzung durch ein dunkles Inneres konnte Raphael die Aufmerksamkeit des Betrachters auf zwei Dinge lenken zentrale Figuren, mit einer dramatischen Betonung des Hell-Dunkel-Kontrasts.

Raphael. Bridgewater-Madonna. OK. 1507

Der Körper des Jesuskindes in der Madonna von Bridgewater ist sorgfältig modelliert, um einen soliden, dreidimensionalen Effekt zu erzielen, der ihm eine skulpturale Qualität verleiht. Die skulpturale Festigkeit und die doppelte „Drehung“ des Babys sind wahrscheinlich vom Einfluss der Arbeit von Michelangelo Tondo Taddei inspiriert.

Raphael. Madonna Canigiani (Heilige Familie von Canigiani). 1507

Holz, Öl. 131 x 107 cm. Alte Pinakothek, München

Der Name des Gemäldes stammt von der Florentiner Familie Canigiani, der dieses Werk Raffaels ursprünglich gehörte. Madonna und die gerechte Elisabeth (Mutter Johannes des Täufers) sitzen mit ihren Kindern im Gras. Über ihnen steht Josef der Verlobte.

Raphael. Madonna Canigiani ( Heilige Familie Kanijani). Fassung nach Restaurierung durch Hubert von Sonnenburg

Die Pyramide, in die die Figuren der Canigiani-Madonna perfekt passen, ist Leonardo da Vinci entlehnt, doch die gegenseitigen Gefühle der Szenenteilnehmer, ausgedrückt in ihren Ansichten und der allgemeinen heiteren Stimmung, verleihen der Komposition einen ruhigen beschreibenden Charakter. Daher unterscheidet sich der Gesamtton des Gemäldes deutlich von der angespannten und aufgeregten Kunst Leonardos.

Im Jahr 1982 nahm der deutsche Restaurator Hubert von Sonnenburg die Restaurierung der Canigiani-Madonna in Angriff und entfernte die störende blaue Farbschicht, die im Jahr 1982 aufgetragen wurde XVIII Jahrhundert im Himmelsbereich. Nun ist Raffaels ursprüngliches Konzept wieder zu erkennen, mit Putten (Engeln) links und rechts oben.

Raphael. Madonna unter dem Baldachin. 1507-1508

Öl auf Leinwand. 276 x 224 cm. Galleria Palatina (Palazzo Pitti), Florenz

Die Vielseitigkeit und unerschöpfliche Vielfalt von Raffaels Kunst ermöglichen es ihm, sich in seinen Gemälden zu bewegen einfache Formen bis hin zu monumentaleren und komplexeren, von ruhiger Stimmung bis hin zu kraftvoller Emotionalität.

Ein Beispiel für sein komplexes und emotionales Werk ist die Madonna mit dem Baldachin. Seine monumentale Komposition ist teilweise der venezianischen Tradition entlehnt, teilweise von Fra Bartolomeo. Die Apsis der Kirche ähnelt stark den großen Kompositionen des großen Venezianers Giovanni Bellini, und der Einfluss von Fra Bartolomeo zeigt sich vor allem in der Monumentalität und den Posen der Figuren.

Raphael. Madonna unter dem Baldachin. 1507-1508

Die halbkreisförmige Anordnung der Heiligen um die Madonna und die Erregung der fliegenden Engel, die den Vorhang des Baldachins halten, vermitteln ein Gefühl freier Luftzirkulation. Alle Figuren der Baldachinmadonna sind unterschiedlich positioniert und drücken unterschiedlichste Gefühle aus. In Zukunft wird es noch deutlicher in den großen beschreibenden Kompositionen deutlich, die Raffael für den Vatikan erstellen wird.

Die Jungfrau Maria sitzt auf einem Thron unter einem Baldachin. Zu ihrer Linken stehen die Heiligen Petrus und Bernhard sowie der Heilige Augustinus, und wahrscheinlich der Heilige Jakobus der Ältere (Zebedäus) stehen auf der rechten Seite.

Raphael. Heilige Familie mit Lamm. 1507

Holz, Öl. 29 x 21 cm. Prado-Museum, Madrid

Das kleine Gemälde „Heilige Familie mit Lamm“ ist zur persönlichen Verehrung gedacht und gehört dazu Florentiner Zeit das Werk Raffaels, bevor er nach Rom ging. In Florenz versuchte der junge Künstler, den Stil von Meistern wie Leonardo und dem frühen Michelangelo zu beherrschen. Aber die kleine Subtilität und Ruhe von „Die Heilige Familie mit dem Lamm“ erinnert an die Zeit, als Raffael in Umbrien seine erste Ausbildung bei Perugino erhielt. Hier liegt seine Vertrautheit Niederländische Malerei, besonders deutlich in der Landschaft.

Raphael. Heilige Familie mit Lamm. 1507

Es gibt mehrere Versionen dieses Gemäldes. Sie alle zeigen die Madonna, die Christus trägt, der rittlings auf einem Lamm sitzt – wobei die Figur des alten Josef die anderen dominiert. Diese Version aus dem Prado-Museum (Madrid) wurde später mit den Worten RAPHAEL URBINAS MDVII am Ausschnitt der Jungfrau versehen. Der Kunstkritiker Pedretti weist darauf hin, dass die in Vaduz befindliche Version der Heiligen Familie mit dem Lamm im Jahr 1504 unterzeichnet wurde und daher offenbar als Original betrachtet werden sollte.

Raphael. Große Cowper-Madonna (Madonna mit Kind). 1508

Holz, Öl. 81 x 57 cm. National Gallery of Art, Washington

Die Dominanz der lyrischen und anmutigen Prinzipien über den religiösen Inhalt ermöglicht es uns, dieses Gemälde (auch als Niccolini-Cowper-Madonna bekannt) der Florentiner Schaffensperiode Raffaels (1505–1508) zuzuordnen. Tatsächlich ist es signiert und auf das Jahr 1508 datiert – das Ende von Raffaels Aufenthalt in Florenz. In der Stickerei des Marienkleides sind die Jahreszahl 1508 und das Künstlermonogramm „RV“ angebracht. Der Name „Niccolini-Cowper Madonna“ leitet sich von den Namen der beiden früheren Besitzer des Gemäldes ab.

Die voluminösen, wohlgeformten Figuren weisen auf den frühen Einfluss von Michelangelo auf Raffael hin, während die sanfte Modellierung und die Verwendung von Hell-Dunkel auf den Einfluss von Leonardo da Vinci hinweisen. Der Einfluss von Fra Bartolomeo ist in dieser Madonna noch deutlicher.

Raphael. Madonna und Kind (Große Cowper-Madonna). 1508

Die Komposition von Cowpers Big Madonna ist äußerst einfach. Die ganze Szene beruht auf der Bewegung des Kindes, das seine Hand nach der Jungfrau Maria ausstreckt und den Betrachter mit seinen Augen ansieht, und auf der Geste, mit der die Madonna ihre Hand an ihre Brust hält. Hier kommt erstmals ein Gefühl ängstlicher Mutterschaft zum Ausdruck, das Raffael in „Madonna Tempi“ (Alte Pinakothek, München) noch eindringlicher zum Ausdruck bringt.

Raphael. Madonna Tempi. 1508

Holz, Öl. 75 x 51 cm. Alte Pinakothek, München

Das Gefühl mütterlicher Angst, verstärkt durch eine bange Vorahnung der Zukunft, kommt bei Raffael in „The Tempi Madonna“ eindringlich zum Ausdruck. Sie blickt nur auf ihn, doch Christus selbst blickt den Betrachter an und lockt uns dadurch zu dieser intimen Szene.

Raphael. Madonna Tempi. 1508

Als solche sind die beiden Figuren der „Madonna Tempi“ gedacht einzelne Gruppe, die den gesamten visuellen Effekt der Szene bestimmt. Der vom Wind verwehte Mantel der Madonna erzeugt den Effekt einer Bewegung. Zwei widersprüchliche Ziele: Das Bedürfnis des Künstlers nach formaler Schönheit einerseits und die emotionale Wahrhaftigkeit der Figuren andererseits werden in „Madonna Tempi“ durch die Darstellung der Zärtlichkeit der Mutter für ihr Kind erreicht.

Der Name des Gemäldes leitet sich vom florentinischen Familiennamen Tempi ab, zu dem diese Madonna ursprünglich gehörte.

Raphael. Madonna von Esterhazy (Madonna mit Kind und Kind Johannes der Täufer). OK. 1508

Holz, Tempera, Öl. 29 x 22 cm

Raffael platzierte seine erhabenen und wunderschönen Madonnen inmitten idealisierter grüner Landschaften. Dies wird deutlich durch die überraschend raffinierte kleine Tafel „Madonna von Esterházy“ (heute in Budapest aufbewahrt). Es entstand zu Beginn des Aufenthalts des Künstlers in Rom. Die Unvollständigkeit dieser Arbeit offenbart einige Details des Entstehungsprozesses. Die idyllische Atmosphäre der Landschaft mit römischen Architekturmotiven ergänzt die Harmonie von Figuren und Farben.

Raphael. Madonna von Esterhazy (Madonna mit Kind und Kind Johannes der Täufer). OK. 1508

Dieses Gemälde von Raffael wurde der Frau von Kaiser Karl von Papst Clemens XI. geschenkt. Später, vielleicht als Geschenk der Kaiserin Maria Theresia, gelangte sie in den Besitz des Fürsten Kaunitz und von diesem im 18. Jahrhundert in die Sammlung des Fürsten Esterhazy – daher der Name „Esterhazy-Madonna“. Zahlreiche Reproduktionen zeugen von der Beliebtheit dieses Gemäldes. Raffaels vorbereitende Skizze dafür wird in der Uffizien-Sammlung aufbewahrt.

Raphael. Madonna von Ansidei (Madonna mit Kind, Altarbild von Ansidei), ca. 1505

Holz, Öl. 209,6 x 148,6 cm. National Gallery, London

Der helle Landschaftshintergrund und der hohe Baldachin der Madonna Ansidei erinnern entfernt an die Kunst von Piero della Francesca, die Figurentypen sind jedoch psychologisch komplexer und strukturell voluminöser. Das Gemälde ruft ein Gefühl von Monumentalität und harmonischen Proportionen hervor, das in Raffaels späterer Kunst konstant ist.

Auch der Ansidei-Altar hatte eine Predella mit drei Tafeln. Sie zeigten die Predigt von Johannes dem Täufer, die Hochzeitsszene der Jungfrau Maria und eine Illustration der Legende über den Heiligen Nikolaus, den Wundertäter, der das Leben von Seeleuten rettete.

Raphael. Heilige Familie mit bartlosem Joseph. 1506

Tempera auf Leinwand, von Holz übertragen. 74 x 57 cm. Eremitage, St. Petersburg

Eine der Versionen der Heiligen Familie, gemalt von Raffael. Seine Besonderheit besteht darin, dass der heilige Josef, der normalerweise mit Bart dargestellt wird, hier bartlos dargestellt wird. Es besteht die Vermutung, dass es sich hierbei um eines der beiden von Vasari erwähnten Gemälde handelt, die Raffael in Urbino für Guidobaldo da Montefeltro anfertigte.

Raphael. Heilige Familie mit bartlosem Joseph. 1506

Die Art und Weise, wie Joseph in diesem Gemälde dargestellt wird – sehr typisch für Porträts von Privatpersonen und ungewöhnlich für die Ikonographie von Heiligen – hat zu Hypothesen geführt, dass in diesem Fall der Prototyp für Raffael einer seiner Zeitgenossen war. Wahrscheinlicher ist jedoch, dass sich der Künstler von Leonardo da Vincis Darstellungen alter Menschen inspirieren ließ.

Raphael. Madonna-Säule. OK. 1508

Öl auf Leinwand. 77 x 56 cm. Staatliche Museen, Berlin

Raffaels Gemälde „Madonna mit der Säule“ ist nach dem römischen Fürstengeschlecht benannt, aus dem mehrere Päpste hervorgingen. Diese Madonna wurde 1508, im ersten Jahr von Raffaels Aufenthalt in Rom, gemalt und ist erstaunlich ausgeführt helle Farben. Dies deutet darauf hin, dass das Gemälde möglicherweise nicht vollständig fertiggestellt ist.

Raphael. Madonna-Säule. OK. 1508

Das Jesuskind lenkt die Lesung der Jungfrau Maria ab. Er schaut den Betrachter an, greift nach Madonnas Dekolleté und möchte eindeutig, dass sie ihn füttert. Die von den großen Florentiner Meistern übernommene Verdrehung der Figuren („Torsion“) distanziert dieses Gemälde Raffaels stark von der autarken, statischen Welt seines ersten Lehrers Perugino.

Raphael. Madonna von Loreto (Madonna mit Schleier). 1509-1510

Holz, Öl. 120 x 90 cm. Condé Museum, Chantilly, Frankreich

Dieses Madonnenbild schenkte Papst Julius II. der römischen Kirche Santa Maria del Popolo. Das Gemälde, mit einer starken späteren Deckschicht aus „Korrekturen“, war bis 1979 mit dem Namen der Künstlerin Penny verbunden, wurde dann aber als unbestrittenes Werk Raffaels anerkannt.

Raphael. Madonna von Loreto. 1509-1510

Die Madonna von Loreto ist eines der am häufigsten kopierten Werke Raffaels. Die Zahl der bekannten Exemplare liegt bei etwa 120. Der Name „Madonna von Loreto“ geht auf ein – heute verschollenes – Exemplar in der römischen Basilika Santa Casa di Loreto zurück. Diese Kopie galt lange Zeit als Originalgemälde Raffaels.

Raphael. Sixtinische Madonna. 1513-1514.

Öl auf Leinwand. 270 x 201 cm. Galerie Alte Meister, Dresden

Auf dem Gemälde der Jungfrau Maria mit dem Kind, dem Heiligen Sixtus und der Heiligen Barbara, das üblicherweise als „Sixtinische Madonna“ bezeichnet wird, befinden sich die Figuren in einem imaginären Raum, den sie selbst schaffen. Die Figuren stehen auf einem Wolkenbett, eingerahmt von schweren, in beide Richtungen offenen Vorhängen. Die Madonna scheint aus dem Himmel durch die Bildebene in die reale Welt, dem Betrachter entgegen, aufzutauchen. Die Geste des Heiligen Sixtus und der Blick der Heiligen Barbara sind auf die Gläubigen gerichtet, die sich laut Raffael hinter der Balustrade am unteren Bildrand befinden. Die päpstliche Tiara, die oben auf dieser Balustrade liegt, fungiert als Brücke zwischen dem realen und dem Bildraum.

Raphael. Sixtinische Madonna, 1513-1514

Die „Sixtinische Madonna“ sollte vermutlich das Grab schmücken Papst Julius II. Der heilige Sixtus war der Schutzpatron der Familie dieses Papstes (della Rovere), und die heilige Barbara und die beiden geflügelten „Genies“ am unteren Bildrand symbolisierten die Beerdigungszeremonie. Dieses Gemälde von Raffael wurde im Kloster St. Sixtus in Piacenza aufbewahrt und dann von seinen Mönchen dem sächsischen König August III. gespendet. Nach der Kapitulation Deutschlands im Zweiten Weltkrieg wurde die Sixtinische Madonna nach Moskau transportiert, kehrte aber später nach Dresden zurück.

Die beiden geflügelten Putten aus Raffaels Sixtinischer Madonna sind wohl die berühmtesten gemalten Engel. Sie sind bereits ein halbes Jahrtausend alt. Ihr anhaltender Erfolg, der bis heute nicht nachgelassen hat, erklärt sich offenbar daraus, dass Raffael in diesen Figuren echtes christlich-religiöses Gefühl mit heidnischen und weltlichen Motiven, kindlichen Unfug mit hoher Kunst verband.

Die Engel aus der „Sixtinischen Madonna“ wurden in verschiedenen Variationen vielfach auf anderen Gemälden, in Büchern, Zeitungen und Zeitschriften reproduziert.