Beispiele der Musikzyklen des Komponisten. Zyklische Formen

Abschnitt 5. Zyklische Formen

Die musikalische Form heißt zyklisch, wenn es aus mehreren Teilen besteht, die in der Form unabhängig, im Charakter (hauptsächlich im Tempo) gegensätzlich, aber durch die Einheit des ideologischen und künstlerischen Konzepts verbunden sind.

Der Begriff „Zyklus“ ist griechischen Ursprungs und bedeutet Kreis. Unter der zyklischen Form wird verstanden, dass sie den einen oder anderen Kreis unterschiedlicher musikalischer Bilder, Genres und Tempi abdeckt. Die Eigenständigkeit der Einheiten drückt sich darin aus, dass sie mitunter getrennte Aufführungen („Trauermarsch“) zulassen h-Moll-Sonaten Chopin, Sonaten-Memoiren aus dem Zyklus „Vergessene Motive“ von Medtner). Zyklen können aus unterschiedlich vielen Teilen bestehen: zweisätziges Präludium und Fuge, dreisätziges Konzert und Sonate, vier Sätze in einer Sonate und Symphonie, sieben oder acht Sätze in einer Suite. Am häufigsten kommen zyklische Formen vor verschiedene Genres Musik: Gesang und Instrumental, Solo und Orchester.

Zyklische Formen basieren auf dramatische Funktionen. Die darauf basierende Verbindung von Teilen ist das Leitprinzip zyklischer Formen. ^ Grundsätze zum Kombinieren von Teilen in einem Zyklus werden unterteilt in zwei Arten:

Suite-Prinzip(auch alte Sonaten von Bach und Händel basieren auf diesem Prinzip) ist eine Kombination mehrerer kontrastierender Werke. Die Suite basiert auf Einheit in Pluralität.
^ Sonatenprinzip - Dies ist die Aufteilung eines einzelnen Werkes in eine Reihe von Einzelwerken, die dem Ganzen untergeordnet sind. Basierend auf der Pluralität der Einheit.

Suite.

Suite ist ein zyklisches Werk, das aus mehreren verschiedenen Stücken besteht, die durch ein einziges Konzept miteinander verbunden sind, aber keine einzige Linie der sequentiellen Entwicklung haben. Man kann sich die Suite als eine Darstellung unterschiedlicher Bilder im Vergleich vorstellen, als unterschiedliche Aussagen zu einem Thema.

Die Suite als Genre und Form entstand im 16. Jahrhundert (andere Genres des 16.-18. Jahrhunderts wurden ebenfalls in Suiteform geschrieben: Partita, Sonate, Konzert).

Mit dem Aufkommen und der Entwicklung der Form und Gattung der Sonate hörte die Suite vorübergehend auf zu existieren und wurde später, im 19. Jahrhundert, in einer neuen Form wiederbelebt. Die Suite brachte viele Kompositionstechniken hervor, die ihre Gültigkeit erlangten weitere Entwicklung später.

^ Antike Suite.

Die antike Suite ist am deutlichsten in den Werken von Komponisten der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts vertreten: Bach und Händel. Eine antike Suite ist eine Reihe von Tanzstücken, die nach dem Prinzip des Kontrasts (Tempo, Takt, Rhythmus, Bewegungscharakter) in einer bestimmten Reihenfolge in einem Zyklus angeordnet sind. Das verbindende Prinzip ist eine gemeinsame Tonalität, ein gemeinsames Genre (alle Stücke sind Tänze) und oft eine gemeinsame Intonationsbasis.

Die antike Suite umfasste 4 Personen obligatorisch(hauptsächlich ) tanzen.

1. Allemande(Deutscher Tanz) – Viertakt, mäßig langsam, polyphon. Dabei handelt es sich um einen Rundtanzumzug, der im Freien aufgeführt wird, wenn der Adel die Stadt betritt und das Schloss betritt.

2. Kuranta(Italienischer Tanz) – dreitaktig, mäßig schnell, polyphon. Dies ist ein Paar-Solo-Tanz, der im Hofleben üblich ist.

3. Sarabande (spanischer Tanz) – dreitaktige, langsame, oft Akkordstruktur. Seinen Ursprüngen entsprechend behielt dieser Trauertanzzug später, nachdem er seine obligatorische Zugehörigkeit zum Bestattungsritus verloren hatte, seinen streng traurigen, majestätischen Charakter. Genrefunktionen Sarabanden wurden von Komponisten häufig verwendet verschiedene Epochen(Beethoven-Egmont-Ouvertüre, Schostakowitsch 7. Symphonie, Finale, mittlere Episode).

4. Zhiga(Irischer Tanz) ist ein sehr schneller kollektiver Comic-Tanz mit einem spezifischen Triolensatz (3/8, 12/8) und hat oft eine Fugendarstellung.

Einige der obligatorischen Tänze wurden zweimal mit Variationsentwicklung, einem Double, wiederholt. Die Variation wurde hauptsächlich auf den Ziergesang einer der Stimmen reduziert.

Neben den obligatorischen Tänzen gehörte die Suite fast immer dazu zusätzlich(normalerweise zwischen Sarabande und Gigue): Menuett, Gavotte, Bure, manchmal wurden auch Nicht-Tanzstücke einbezogen: Arie, Scherzo, was den Kontrast verstärkte. Oftmals begann die Suite mit einer Einleitung – einem Präludium oder einer Ouvertüre. Im Allgemeinen enthielt die antike Suite Stücke verschiedener Art und spiegelte sich recht wider weiter Kreis Lebensphänomene, aber nicht in Interaktion und Entwicklung, sondern in ihrem Vergleich.

^ Tanzform In einer Suite gibt es in der Regel einen alten zweistimmigen Tanz (für Pflichttänze) und einen dreistimmigen Tanz für Zusatztänze. In der antiken Suite bildeten sich einige kompositorische Strukturen heraus, die sich später zu eigenständigen musikalischen Formen entwickelten, so die Struktur zusätzliche Tänze nahm die zukünftige komplexe dreiteilige Form vorweg (Bachs englische Suite in g-Moll: Gavotte I – Gavotte II – Gavotte I, jeweils in einfacher dreiteiliger Form). Die Doubles in den Suiten trugen zur Entwicklung der Variationsform bei. Die Art der Anordnung der kontrastierenden Tänze in der Suite nahm die Anordnung von Teilen des Sonatenzyklus vorweg

^ Neue Suite.

Im 19. Jahrhundert erschien eine neue Suite, die sich inhaltlich und kompositorisch deutlich von der alten unterschied. Der programmatische Charakter der Musik des 19. Jahrhunderts und der Wunsch nach mehr Konkretheit musikalischer Bilder prägten auch die neue Suite. Der Begründer der neuen Programmreihe war Schumann („Schmetterlinge“, „Karneval“, „Kinderszenen“). Anschließend entwickelt sich die Programmsuite in den Werken späterer Komponisten (Mussorgsky „Bilder einer Ausstellung“, „Scheherazade“ von Rimsky-Korsakov, „ Kinderecke„ Debussy).

Später im 19. und 20. Jahrhundert. Das Suite-Genre wird noch umfassender weiterentwickelt und enthält entlehnte Funktionen alte Suite– Tanzbarkeit, aus Schumanns Suite – programmatisch, genreübergreifend, aus dem Sonaten-Symphonie-Zyklus – Elemente der dramatischen Entwicklung und der Umfang der Stimmen. Die Suite umfasst neue Tänze: Walzer, Polonaise, nationale Tänze – Bolero, Tarantella usw. Tanznummern werden mit Nicht-Tanznummern (Scherzo, Andante, Marsch, Nocturne) durchsetzt.

Komponisten des 19. Jahrhunderts verwendeten die Suite-Genre auf vielfältige Weise. Suiten bestehend aus Nummern einer Hauptkomposition: Ballett, Musik für Dramen sowie Suiten zu Lieder- oder Tanzthemen.

↑ Sonatenzyklus.

Ein Sonaten-Symphonie-Zyklus ist ein zyklisches Werk einer der folgenden Gattungen: Sonate, Symphonie, Konzert, Trio, Quartett usw., bei dem es üblich ist, mindestens einen Teil (in typischen Fällen den ersten) in Sonate vorzustellen bilden.

Aus der Definition folgt, dass es manchmal Fälle gibt, in denen mehrsätzige Werke, die in keinem der Sätze eine Sonatenhauptsatzform aufweisen, als Sonatenzyklen gelten (Mozart 11. Sonate, Beethoven 12. Sonate). Die Gesamtbedeutung des Zyklus und die Einheit des Ganzen ermöglichten die Einordnung als Sonatenzyklus.

Die Offenbarung tiefer, ernster Inhalte basierend auf der signifikanten Entwicklung heller musikalischer Bilder, im kontrastierenden Wechsel von Teilen eines Musikwerks mit der Einheit des Gesamtkonzepts und der Integrität der musikalischen Form – das sind die charakteristischen Merkmale reifer Sonate- symphonische Zyklen. Diese Eigenschaften kommen zusammen allgemeines Konzept Symphonismus, was die höchste Art des musikalischen Denkens bedeutet, die besonders charakteristisch für symphonische Zyklen ist. Der Name einer Sonate ist nur Werken für ein oder zwei Instrumente vorbehalten; komplexere Ensembles des Sonatentyps werden nach der Anzahl der Instrumente (Trio, Quartett, Quintett) benannt. Ein Werk vom Typ Sonaten für Orchester wird als Sinfonie bezeichnet.

Der Sonatenzyklus zeichnet sich durch die inhaltliche Bedeutung der einzelnen Teile und ihre besondere innere organische Verbindung aus. Der klassische Sonaten-Symphonie-Zyklus besteht meist aus drei (Sonate, Konzert) oder vier (Sinfonie) Sätzen.

Ich Stunde– hat normalerweise einen wirkungsvolleren, dramatischeren, kontrastreicheren und oft widersprüchlichen Charakter und wird in einer entwickelten Sonatenform und meist in einem schnellen Satz (Sonate Allegro) präsentiert.

II Stunden. – normalerweise Andante oder Adagio. In der Regel ist dies der Bereich der Liedtexte. Es vermittelt die Gefühle und Gedanken eines Menschen, offenbart seine innere Welt (oft vor dem Hintergrund von Naturbildern). Form des langsamen Satzes: komplexer Dreistimmiger mit Episode, Thema mit Variationen, Sonatenform ohne Durchführung (seltener mit Durchführung), selten andere Formen.

Teil III– normalerweise ein Menuett oder Scherzo. Führt ein genretypisches oder alltägliches Element ein – Szenen Volksleben. Es zeichnet sich durch seine lebhafte Bewegung und seinen fröhlichen Charakter aus. Die Form ist meist komplex dreiteilig mit Trio oder Sonate.

IV Stunden. – Das Finale findet meist im Zeitraffer statt, mit Gesangs- und Tanzeinlagen. Die Form des Finales ist Sonate, Rondo, Rondosonate, selten ein Thema mit Variationen.

Das klassische Stimmenverhältnis ist zu einer Art Norm für den Sonaten-Symphonie-Zyklus geworden, weil deckt verschiedene Aspekte der Realität ab, den wichtigsten „Standpunkt“ des Künstlers auf die Welt: Drama, Lyrik, Genre-Charakteristik, Alltag und Epos. Mit Epos im Finale meinen wir nicht die ruhige Form der Erzählung, sondern die Nationalität als Inhalt des Finales. Dieses klassische Stimmenverhältnis ist eher typisch für Haydn und Mozart; Beethoven vertauscht häufig die zweite und dritte Stimme.

Es gibt auch andere Anzahlen von Teilen in einem Zyklus. ^ Zweiteiliger Zyklus – Gliere-Konzert für Gesang und Orchester, eine Stunde lang in Sonatenform, aber in moderatem Tempo, lyrischer Natur, das den ersten und den langsamen lyrischen Teil des Zyklus zu verbinden scheint; 2 Teile – im Walzer-Genre, in Form eines Rondo geschrieben, das die Merkmale des dritten Teils und des Finales eines vierteiligen Zyklus vereint. Fünfteiliger Zyklus- Skrjabins 2. Sinfonie, wobei der erste Satz die Rolle einer erweiterten Einleitung spielt.

Im Sonaten-Symphonie-Zyklus haben sich eine Reihe von Mustern herausgebildet, die zur Einheit des Ganzen beitragen. Die extremen Teile sind normalerweise in derselben Tonart geschrieben (in Moll-Werken ist das Finale in derselben Dur-Tonart). Der Ton des Zyklus wird durch den Ton des ersten Teils bestimmt. Die Mittelstimmen sind in anderen Tonarten geschrieben, meist jedoch in solchen, die der Haupttonart nahekommen. Im Allgemeinen sind die langsamen Teile durch Tonarten gekennzeichnet S gleichnamige Kugeln bzw paralleles Hauptfach. Der 3. Teil der Klassiker ist meist in der Haupttonart gehalten. Später wurde die Wahl der Tonarten für die Mittelstimmen freier.

Für die Einheit des Sonatenzyklus sind Intonationsverbindungen zwischen den Stimmen von großer Bedeutung. Zwischen dem Seitenteil des ersten Satzes und dem langsamen Teil des Zyklus sowie zwischen dem ersten Satz und dem Finale gibt es häufig Intonationsverbindungen. Neben Intonationsverbindungen in verschiedene Teile Der Zyklus kann durch dasselbe Motiv oder Thema (Beethovens „Schicksalsmotiv“ aus der 5. Symphonie) ausgeführt werden und eine besondere dramatische Funktion erfüllen.

Der Sonaten-Symphonie-Zyklus weist in verschiedenen Genres Besonderheiten auf. Also Instrumentalkonzert meist dreisätzig (Scherzo fehlt). Eine Besonderheit ist das Prinzip der Konkurrenz zwischen Solo- und Orchesterpart. Damit verbunden ist die Tradition der Klassiker, die Ausstellung zu wiederholen Doppelgefährdung im ersten Teil des Konzerts (zuerst im Orchester, dann mit dem Solisten). Die Unterschiede in diesen Ausstellungen sind oft struktureller Natur, es gibt jedoch Ausstellungen, die sich thematisch unterscheiden (Beethovens 1. und 2. Konzert), in diesen Fällen sind die Themen beider Ausstellungen in die Entwicklung einbezogen. Im Allgemeinen hat der erste Teil des Konzerts einen virtuosen Charakter, der sich am deutlichsten in der traditionellen Kadenz (vor der Reprise oder Coda) manifestiert.

^ Andere Arten zyklischer Formen.

Oftmals werden mehrere Romanzen oder Lieder miteinander kombiniert Stimmzyklus, verbunden durch ein einziges Konzept (Schubert „Winterreise“, Schumann „Die Liebe eines Dichters“, Mussorgsky „Ohne die Sonne“, Sviridov „Mein Vater ist ein Bauer“). Der Grad und die Art der Einheit in solchen Zyklen können unterschiedlich sein (die Verbindung des Textes macht eine tonale Einheit unnötig). Die allgemeine Logik des Gesangszyklus weist einige charakteristische Instrumentalzyklen auf: Die Entwicklung basiert auf kontrastierenden Vergleichen und ist auf einen Höhepunkt ausgerichtet, die letzte Romanze (Lied) weist Anzeichen eines abschließenden Schlussteils auf.

Einige Gesangszyklen haben eine Handlungsentwicklung. In ihnen entfaltet sich die Handlung, neue Charaktere tauchen auf, was betont wird Musikalische Mittel: kontrastierende Änderungen in Tempo, Genre, Tonalität, Textur usw.

Manchmal wird der Begriff „Zyklus“ auf eine Reihe unabhängiger Werke angewendet, die durch ein Merkmal, beispielsweise ein Genre oder ein Werk, verbunden sind und den günstigsten künstlerischen Eindruck erzeugen, wenn diese Werke hintereinander aufgeführt werden (Skrjabins Präludien op. 11). ).

^ Kontrastierende zusammengesetzte Formen.

Das Konzept der „kontrastverbundenen Formen“ wurde in den 60er Jahren vom einheimischen Musikwissenschaftler V. Protopopov eingeführt. 20. Jahrhundert.

Kontrast-Komposit ist eine Form, die aus mehreren gegensätzlichen Teilen besteht, die Teilen einer zyklischen Form in vielerlei Hinsicht ähneln, aber weniger unabhängig sind, ohne Unterbrechung verlaufen und im Grad ihrer Verschmelzung zu einem Ganzen eine Form bilden, die einem Einteiler (nicht) nahe kommt -zyklisch).

Den zyklischen kontrastierenden Formen ist gemeinsam, dass sie eine Abfolge mehrerer kontrastierender Teile enthalten. Bei einteiligen Teilen - das Fehlen von Brüchen zwischen den Teilen und die Unfähigkeit, diese Teile als solche zu betrachten unabhängige Stücke, was eine separate Ausführung ermöglicht.

Auch kontrastierende zusammengesetzte Formen weisen spezifische Merkmale auf. Sie können aus 2, 3, 4 oder mehr Teilen bestehen, eine Reprise haben oder nicht, in verschiedenen historischen Epochen und in verschiedenen Genres vorkommen. Der Ursprung der kontrastierenden und zusammengesetzten Formen geht auf die Entstehung der Oper (Rezitativ-Arie) und der Instrumentalmusik – Toccaten und Fugen – zurück. In der 2. Hälfte des 18. und 19. Jahrhunderts. Mit der Entwicklung des Sonatenprinzips treten kontrastierende Formen in den Hintergrund, behalten aber dennoch ihre Bedeutung für Vokalmusik(Viele Arien, Ensembles und Opernfinals sind in dieser Form geschrieben). Diese Form wurde häufig in Genres wie Fantasy, Rhapsodie, Gedicht und insbesondere in Liszts Transkriptionen verwendet. Kontrastkompositformen fanden in den Werken von Glinka („Capriccio“, viele Nummern in Opern) und Tschaikowsky („Italienisch“, „Spanisch Capriccio“) eine große Entwicklung. Ein markantes Beispiel für eine kontrastkomponierte Form ist Schostakowitschs 12. Symphonie.

Protopopov unterteilt kontrastverbundene Formen in ihrer ganzen Vielfalt in mehrere Typen:

zweisätzig (Fantasia in f-moll von Chopin),
Suiten (Capriccio von Glinka, Tschaikowski, Rimski-Korsakow),
Sonate-Sinfonie (Beethoven-Quartett cis-Moll, Schostakowitsch 11. und 12. Symphonie).

Modul 5. Musikalische Formen der Romantik.

Abschnitt 1. Freie und gemischte Formen.

Zusätzlich zu den oben besprochenen Standardformen gibt es Sonderformen namens frei und gemischt.

Frei nennt man solche Formen, die nicht den oben besprochenen typischen Strukturen entsprechen, sondern Konstruktionen einer besonderen Ordnung darstellen ( musikalische Entwicklung in einzelnen Strukturen durchgeführt).

Freie Formen haben ihren Ursprung in der Antike Orgelmusik und erreichten ihren Höhepunkt in Bachs Werk (hauptsächlich im Fantasy-Genre). Im Gegensatz zu den klaren Strukturformen der homophonen Musik dominieren hier Improvisation, Präludium, freie sequentielle Modulation und Kontinuität der Durchführung. Von den Wiener Klassikern freie Formen sind selten. Ihre wahre Blüte erreichten diese Formen in den Werken von Komponisten der 2. Hälfte des 19. Jahrhunderts (Chopin, Liszt, Tschaikowsky). Einer der Gründe für die Verbreitung freier Formen war der Wunsch romantischer Komponisten, die musikalische Form flexibler zu gestalten, damit sie dem individuellen (oft programmatischen) Inhalt jedes einzelnen Werks besser entsprechen kann.

Es ist notwendig zu unterscheiden zwei hauptsächlich Art der freien Formen:

Systemformen, d.h. in ihrer Entwicklung verlassen sie sich auf ein bestimmtes System, zum Beispiel Repressalien;
nicht-systemische Formen mit freiem Abschnittswechsel.

^ Systemfreie Formen werden Formen genannt, bei denen die Anordnung der Teile eine bekannte Reihenfolge aufweist, die sich von anderen Strukturen unterscheidet: ABCABC, ABCDCBA, ABCADEAFGA. Strukturen ABCBA Und ABCDCBA haben einen Doppel- oder Dreifachrahmen und heißen konzentrisch. Eine andere Option für den Namen dieser Form wurde von M. Roiterstein vorgeschlagen - hin- und hergehend.

^ Nichtsystemische Freiformen äußerst vielfältig, individuell aufgebaut und nicht klassifizierbar. Sie werden hauptsächlich in großen Instrumentalwerken verwendet und enthalten große Menge Themen und Abschnitte: ^ ABCDA, ABCDB, ABCDAE.

Mischformen.

Man nennt einteilige Formen, die die Merkmale mehrerer bisher etablierter Standardstrukturen vereinen Mischformen.

Symphonische Dichtungen, einsätzige Sonaten, Fantasien, Balladen und seltener einzelne Teile zyklischer Werke werden oft in Mischformen geschrieben. Der Wunsch der Komponisten nach einer stärkeren Spezifizierung des figurativen Inhalts und einer vollständigeren und direkteren Reflexion von Lebensvorgängen und -phänomenen durch neue, plastischere Formen führte dazu Programmmusik. Der Kampf um den programmatischen Inhalt der Musik und die Formen, die ihrem vollsten Ausdruck dienen, trägt zur Annäherung bei Durchdringung verschiedene Künste (Literaturprogramm in Instrumentalmusik, Poesie und Musik in der Romantik) sowie verschiedene Genres innerhalb einer Kunst. Werke, die die Merkmale von Lyrik, Epos, Drama, Fantasie (Ballade) vereinen, verbreiten sich, was zur Folge hat Durchdringung verschiedene Formen , zum Beispiel Variationen lyrisch-epischer Natur und eine Sonate, die große Möglichkeiten zur dramatischen Entwicklung bietet.

In den Werken russischer klassischer Komponisten entstehen neue Kombinationen von Formen, Genres und Entwicklungstechniken, die für Volksmusik mit komplexen Genres und Formen professioneller Entwicklung charakteristisch sind Musikalische Kunst. Diese Kombinationen definieren einen landesweit einzigartigen Typus von Mischformen in der russischen Musik.

Unter den Mischformen sind die folgenden am häufigsten: Sorten:

^ Kombination aus Sonate und Variation.

Diese Art von Mischformen wurde von russischen Klassikern weit verbreitet. Durch die Erstellung umfangreicher Aufsätze in Volksstil, dafür verwendeten russische Komponisten Sonatenform, um es im Einklang mit neuen ideologischen und künstlerischen Zielen für die Entwicklung der nationalen Musik umzuwandeln Variation Entwicklungsmethoden.

Normalerweise bauen russische Komponisten Doppelvarianten(zu zwei Themen) basierend auf der Erstellung großer, kontrastierender Abschnitte des Formulars, die auf abwechselnden Themenvariationen aufbauen. Wenn die Gegenüberstellung solcher kontrastierender Abschnitte zweimal gegeben ist (mit einem tonalen Kontrast am Anfang des Werks und einer tonalen Konvergenz am Ende) und es außerdem einen Abschnitt gibt, in dem beide Themen frei entwickelt werden (auch durch polyphone Mittel), dann die Konturen werden deutlich Sonatenform.

Einsätzige Formen, die Variation und Sonate kombinieren, finden sich nicht nur in symphonischen, sondern auch in Klavierwerken russischer Komponisten, die auf Variationen von Volksthemen basieren (Balakirews Fantasie „Islamey“).

Auch westeuropäische Komponisten des 19. Jahrhunderts, die große Werke auf der Grundlage von Variationen volkstümlicher Themen schufen, kombinierten die Prinzipien von Sonate und Variation (Liszt, Spanische Rhapsodie). In der westeuropäischen Musik gibt es jedoch eine andere Art der Kombination von Sonatismus und Variation, bei der der Sonatismus auf der Grundlage freier Variation (Transformation) entsteht. ein Thema. Variationsfreiheit gewährleistet höheren Grad Kontrast der Abschnitte. Dieses Prinzip der Konstruktion großer Werke, die auf der Transformation eines Themas basieren, wird genannt Monothematismus(weit verbreitet in den Werken von Liszt, symphonischen Gedichten „Präludien“, „Tasso“).

^ Kombination aus Sonaten- und zyklischen Formen .

In einigen Sonatenformen der Romantiker gibt es Seitenteile, die in einem anderen Tempo als die Hauptstimme laufen und eine erweiterte eigenständige und geschlossene Form darstellen (Tschaikowsky 6. Symphonie, 1. Satz), die sich dem eigenständigen Teil des Zyklus nähert. Andererseits setzt sich in den zyklischen Formen des 19. Jahrhunderts der Prozess der Stärkung der Einheit des Kreislaufs fort. Dies äußert sich in der Stärkung der Verbindungen zwischen verschiedenen Teilen des Zyklus (thematische Verbindungen, Attaca). Dies alles schafft die Voraussetzungen, alle Teile des Zyklus zu einem großen einteiligen Werk zusammenzufassen, den Zyklus zu einem Teil zu verdichten.

Der Wunsch nach Vollständigkeit und Konkretheit in der Verkörperung verschiedener kontrastierender Bilder, nach größerer Einheit großer ideologischer und künstlerischer Konzepte sowie nach Kontinuität in der Entwicklung führt zur Entstehung von Werken kombinieren an sich Merkmale des Sonatenzyklus und einteilig Sonatenform.

Kombination aus Sonate, d.h. Repriseform mit zyklischer, d.h. Nicht-Reprise impliziert eine bedeutende Transformation der Sonaten-Reprise, ohne die Reprise und Coda die Funktionen des Scherzos und Finales der zyklischen Form nicht erfüllen könnten. Die Rolle des langsamen Teils des Zyklus wird entweder durch eine langsame Episode in der Durchführung oder durch einen Seitenteil in der Exposition (Liszt-Sonate H moll) übernommen.

Eine Mischform kann auch völlig individuelle, einzigartige Merkmale aufweisen und die Merkmale verschiedener Standardstrukturen kombinieren (Medtner Sonata-Memoir, das die Merkmale einer Sonate, eines Sonatenzyklus und eines Rondo vereint).

^ Modul 6. Besondere Formen der Vokalmusik

Die Sonatenform mit Episode wird in verschiedenen Genres verwendet: Einzelstücke, Finale zyklischer Formen, langsame Sätze.

Eine Episode kann die eine oder andere ausgefüllte Form haben.

In einigen Fällen erscheint ein Link von der Episode zur Reprise.

Darüber hinaus gibt es kombinierte Mittelsätze in Sonatenform, die eine Durchführung mit einer Episode verwenden oder umgekehrt.

Dramaturgie der Sonatensatzform. Das Wesen der Sonatendramaturgie (Sonate) liegt nicht in der Struktur der Sonatenform, sondern im Entwicklungsprozess selbst. Dieser Prozess drückt sich in besonderen Beziehungen und Funktionen des thematischen Materials aus. Im Gegensatz zu der für die komplexe dreiteilige Form oder das Rondo typischen Gegenüberstellung oder übergreifenden Durchführung zeichnet sich die Sonatenform durch eine dynamische Kombination aus, die in der intensiven Vorbereitung nachfolgender Themen oder Abschnitte zum Ausdruck kommt.

Noch wichtiger für die Sonatendramaturgie ist die Rolle und das Zusammenspiel der Funktionen des Materials in der Ausstellung, von denen es drei gibt:

1. das Hauptmaterial, das im Werk die Hauptrolle spielt und die Aufmerksamkeit des Zuhörers lenkt (Hauptthemen);

2. vorbereitendes Material, das eine Vorwegnahme des Folgenden hervorruft (Einleitungen, Konnektive, Prädikate);

3. Abschlussmaterial positiver Natur (Abschlussthemen, Codes).

Im Verhältnis von Haupt- und Nebenpartei besteht immer ein Ungleichgewicht zugunsten von P.P. Dies wird durch die Größe des letzteren und insbesondere seine tonale Konsolidierung durch affirmatives Material und Kadenz erleichtert.

Die Sonatenform wird im Sonaten-Symphonie-Zyklus (erster Satz, Finale, langsamer Satz), einzelnen Werken eigenständigen Charakters, Ouvertüren und seltener in Vokalmusik und Opernszenen verwendet. 41. Verbindungen zwischen Teilen eines instrumentalen zyklischen Werks.

Zyklische Formen in der Musik sind musikalische Formen eines Werkes, die das Vorhandensein einzelner Teile voraussetzen, die in ihrer Struktur unabhängig, aber durch eine konzeptionelle Einheit verbunden sind. In der Geschichte akademische Musik Bekannt sind die „Präludium-Fugen“-Zyklen, Suite-Zyklen und Sonaten-Symphonie-Zyklen. Ein Zyklus kann auch als eine Reihe miteinander verbundener Werke bezeichnet werden (von denen jedes eine zyklische Form haben kann oder nicht) oder Konzertprogramme. In der nicht-akademischen Musik (Jazz, Rock) tendieren Konzeptalben und einzelne große Werke möglicherweise zu zyklischen Formen.

Der zweiteilige Zyklus „Präludium-Fuge“ ist seit der Barockzeit bekannt. Dabei geht es um die Funktionalisierung des Präludiums als improvisatorische Einleitung in die Fuge.

Präludium-Fugen-Zyklen können nach einem formalen oder thematischen Prinzip zu größeren Zyklen zusammengefasst werden. Am meisten berühmtes Beispiel- „Das Wohltemperierte Klavier“ von J. S. Bach, aufgebaut auf dem Prinzip eines gewissen Wechsels von Mode-Ton-Korrespondenzen. Ein Beispiel aus der Musik des 20. Jahrhunderts sind „24 Präludien und Fugen“ von D. D. Schostakowitsch.

Die seit dem 16. Jahrhundert bekannte Suite zeichnet sich aus durch:

die Verbindung einzelner Teile des Werkes mit traditionellen angewandten Genres (Lied, Tanz), die Einfachheit der Struktur der Teile;

kontrastierender Teilevergleich;

eine Tendenz zur Einheit oder großen Ähnlichkeit in der Tonalität der Teile.

Die Höhepunkte des Genres in der Barockmusik sind die Suiten von J. S. Bach und G. F. Händel, in der Klassik – W. A. Mozart und J. Haydn. Im 19. Jahrhundert wandten sich bedeutende Komponisten der Suite-Genre hauptsächlich zum Zweck der Stilisierung zu (E. Grieg, M. Ravel usw.).

Im 20. Jahrhundert wurde das Genre der Suite deutlich überdacht, neue Techniken wurden darauf angewendet (z. B. die zwölfdodekaphonischen Orchestersuiten von A. Schönberg und A. Berg), neues Material wurde abgedeckt (z. B. bei P. Hindemith). Suite „1922“ (modische Tänze der entsprechenden Zeit: Shimmy, Boston, Ragtime).

Einige Werke nicht-akademischer Musik (hauptsächlich Progressive Rock) tendieren ebenfalls zur Suite-Form. Beispiele hierfür sind „Lizard“ aus dem gleichnamigen Album der Rockband King Crimson und „Atom Heart Mother“ aus dem gleichnamigen Album von Pink Floyd. Kompositionen, die eher zu freien und gemischten Formen tendieren (in der traditionellen musiktheoretischen Terminologie), werden jedoch auch oft als „Rock-Suiten“ bezeichnet.

Der Sonaten-Symphonie-Zyklus umfasst die abstraktesten Genres der akademischen Musik wie Symphonie, Sonate, Quartett und Konzert. Es zeichnet sich aus durch:

Abstraktion von der angewandten Natur der Musik (auch wenn angewandtes Material als Material für irgendeinen Teil verwendet wird);

die Möglichkeit figurativer und semantischer Kontraste zwischen einzelnen Teilen (bis hin zu ihrem direkten Gegensatz);

komplexe Klangentwicklung;

etablierte Funktionen und Formen einzelner Stimmen (charakteristisch für bestimmte Genres der Sonaten-Sinfoniemusik).

Die klassische Sonate entstand im 18. Jahrhundert und erreichte ihren Höhepunkt in der Entwicklung Wiener Klassiker und bleibt, mit einigen Vorbehalten, ein lebendiges Genre. Die Symphonie als Genre entstand in Mitte des 18. Jahrhunderts Jahrhundert, erreichte auch in der Wiener Klassik seinen Höhepunkt und ist bis heute eine lebendige Gattung akademischer Musik. ( Symphonische Form sollte nicht mit der Symphonie verwechselt werden, die auch für Werke charakteristisch sein kann, die nicht mit dieser Form verwandt sind). Das Quartett nahm die Form eines Sonatenzyklus im Werk von J. Haydn an und entwickelte sich im Werk der Wiener Klassiker weiter. In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wurden leitmotivische und monothematische Prinzipien für viele Werke dieser Gattung charakteristisch. Ein Konzert als eine Art sonatensinfonisches zyklisches Werk, das durch die klangliche Gegenüberstellung der Gesamtkomposition des Ensembles und gekennzeichnet ist getrennte Gruppen oder Solisten, nahm in seiner heute bekannten Form Ende des 18. Jahrhunderts Gestalt an.

Ein Musikwerk kann aus Teilen bestehen, die nach einem anderen Prinzip als den aufgeführten Gattungen zusammengefügt sind, und dennoch in gewisser Weise einen zyklischen Charakter haben. Dies sind viele Genres angewandter geistlicher Musik (Messe, geistliches Konzert, Nachtwache), Kantaten, Gesangs- und Gesangs-Chor-Zyklen (Handlung und Lyrik).

Es können auch ganze Werke zu einem Zyklus zusammengefasst werden (von denen jedes wiederum einen zyklischen Charakter haben kann oder nicht). Dazu gehören die oben genannten Präludien- und Fugenzyklen, R. Wagners Tetralogie „Der Ring des Nibelungen“, Konzeptalben in nicht-akademischer Musik sowie einzelne Hauptwerke der Jazz- und Rockmusik. 42. Musikalische Sprache.

Musikalische Sprache ist, wie andere auch Sprachsysteme, eine solche Organisation, deren Darstellung als hierarchisches System eine größere Erklärungskraft hat als eine einfache taxonomische Beschreibung. Infolgedessen wird akzeptiert, dass die von uns beobachteten Musiktexte „musikalische Sprache“ darstellen, die eine Erkenntnis, ein Produkt eines idealen (nicht direkt beobachtbaren) Systems – einer musikalischen „Sprache“ ist. ... Erstens bedarf der Begriff „musikalische Sprache“ (und dementsprechend „musikalische Sprache“) einer Klärung. Das erste bezieht sich auf ein System, das nicht nur in literarischen Texten umgesetzt wird, die bestimmte Konstruktionsmuster reduzieren. Apropos. Beispielsweise meinen wir mit „der Sprache der Werke Beethovens“ ein System, das nicht nur diese Werke, sondern auch alle Arten von Texten hervorbringt, die die für Beethovens Werke charakteristischen Muster bewahren. . . . Mit diesem Verständnis erweist sich die musikalische Sprache als ergebnisoffen, das heißt, sie besteht aus unendlich vielen Texten. .

Als nächstes erweist sich der Stilbegriff als wichtig für uns. Dieses Konzept kann als eine Reihe von Texten definiert werden, von denen postuliert wird, dass sie die Implementierung eines Systems darstellen. Andererseits. In Bezug auf verschiedene Stile wird akzeptiert, dass sie unterschiedliche Systeme implementieren. .

Die Struktur des Musiksystems wird in Form einer Ebenenhierarchie dargestellt. So ist es offenbar möglich, die Ebene einzelner Klänge, die Ebene von Klangkombinationen, die harmonische Ebene (Akkordebene), die Ebene (oder eine Reihe von Ebenen) der formalen Unterteilung zu unterscheiden. Innerhalb einer Ebene gibt es Einheiten gleicher Ordnung – Klänge, Klangkombinationen, Akkorde, verschiedene Formabschnitte. Das Modell jeder Ebene sollte offenbar Texte generieren, die aus der Sicht dieser Ebene korrekt sind.“ 43. Musikalisch-lexikalische Strukturen

Neben dem rein terminologischen Vokabular umfasst das Wörterbuch eine umfangreiche Ebene des allgemeinen literarischen Vokabulars, das in der Musikliteratur zur Bewertung und Beschreibung von Musikwerken sowie zur Beschreibung ihrer Wirkung auf die innere Welt eines Menschen und auf die ästhetische Wahrnehmung des Hörers verwendet wird . Bei der Erstellung des Wörterbuchs wurden englische und amerikanische Sprachen verwendet erklärende Wörterbücherüber Musik, ein Musiklexikon sowie Originaltexte aus Büchern zu Musikthemen. Künstlerische Klangbilder, die bei der Wahrnehmung von Musik im mentalen Raum entstehen, sind aus dem menschlichen Leben nicht mehr wegzudenken. Diese Monographie untersucht die inhaltliche Struktur „musikalischer“ Fragmente des Weltbildes, dargestellt anhand der modernen englischen Sprache. Es werden die kognitiven Strukturen analysiert, die der Wahrnehmung musikalischen Vokabulars sowohl durch Profis als auch durch Laien zugrunde liegen. Metaphorische Modelle werden als kognitive Grundlage für die Bildung musikalischer Begriffe und häufig verwendeter musikalischer Vokabeln in der englischen Sprache vorgestellt. Berücksichtigt wird die Funktionsweise der Sprache der Musik in Texten mit unterschiedlichen Verhältnissen von Wort- und Bildanteilen. Dieses Buch ist ein weiterer Schritt zur Erforschung der Beziehung zwischen den beiden Welten – der sprachlichen und der musikalischen. Das Buch richtet sich an alle, die sich für Fragen der mentalen Strukturierung der sprachlichen Wahrnehmung der umgebenden Realität interessieren. 44. Einfache musikalische Mittel und ihre Semantik

Das Werk besteht aus einzelnen musikalischen Phrasen – kleinen integralen musikalischen Fragmenten. Musikalische Phrasen werden zu Perioden zusammengefasst. Ähnlich klingende Zeitabschnitte werden zu Teilen zusammengefasst. Fragmente (Phrasen, Perioden, Teile) eines Musikwerks werden mit lateinischen Buchstaben bezeichnet: A, B, C usw. Unterschiedliche Kombinationen von Fragmenten bilden unterschiedliche musikalische Formen. Eine in der klassischen Musik gebräuchliche Form ist daher die ABA (Liedform), was bedeutet, dass der ursprüngliche A-Teil verschwindet, wenn er durch einen B-Teil ersetzt wird, und am Ende des Stücks wiederholt wird.

Es gibt auch eine komplexere Strukturierung: Motiv ( kleinstes Element musikalische Form; 1-2 Takte), Phrase (vollständiger musikalischer Gedanke; 2-4 Takte), Satz (der kleinste Teil der Melodie, ergänzt durch eine Kadenz; 4-8 Takte), Punkt (Element der musikalischen Form; 8-16 Takte; 2 Sätze)

Unterschiedliche Arten der Entwicklung und des Vergleichs von Melodieelementen führten zur Bildung unterschiedlicher Typen Musikalische Formen:

Einteilige Form (A)

Sie wird auch Balladenform oder Air genannt. Die primitivste Form. Die Melodie kann mit geringfügigen Änderungen wiederholt werden (Form AA1A2...). Beispiele: Liedchen.

Zweiteiliges Formular (AB)

Es besteht aus zwei gegensätzlichen Fragmenten – einem Argument und einem Gegenargument (zum Beispiel das Stück „Der Drehorgelspieler singt“ aus P. I. Tschaikowskys „Kinderalbum“). Wenn die Fragmente jedoch nicht kontrastieren, das zweite Fragment also auf dem Material des ersten aufgebaut ist, wird die zweiteilige Form zu einer Variation der einteiligen. Dennoch werden solche Werke (zum Beispiel das Stück „Erinnerung“ aus R. Schumanns „Album für die Jugend“) manchmal als zweiteilig eingestuft.

Dreiteiliges Formular (ABA)

Es wird auch Lied oder Ternär genannt. Es gibt zwei Arten von dreiteiligen Formen – einfach und komplex; Vereinfacht gesagt ist jeder Abschnitt ein Punkt, der mittlere kann auch ein kurzer Übergang sein; im Komplex - jeder Abschnitt ist in der Regel eine zweiteilige oder einfache dreiteilige Form.

Konzentrische Form

Eine konzentrische Form besteht aus drei oder mehr Teilen, die nach dem zentralen in umgekehrter Reihenfolge wiederholt werden, zum Beispiel: A B C B A 45. Semantik musikalischer Kompositionsformen

Das musikalisch-kompositionelle System verfügt über einen derart detaillierten Konzeptkomplex, der es ermöglicht, musikalische Werke bis ins kleinste Detail zu „sehen“. Keine andere Musikwissenschaft verfügt über eine solche Schärfe und Genauigkeit der „Vision“ – Musikgeschichte, Aufführungstheorie, Musikethnographie, Musikästhetik usw. Gleichzeitig neigen musikalisch-kompositionelle Konzepte dazu, mit Semantik zu „überwachsen“, die sich in der langjährigen Erfahrung von Musikern in der Kommunikation mit dem konzeptionellen System entwickelt, das Musik erklärt. Auch die Musikkompositionen selbst sind semantisch – ihre Typen, Varietäten, Einzelfälle. Musikalische Formen spiegeln die Natur des musikalischen Denkens und des vielschichtigen Denkens wider und spiegeln die Ideen der Epoche, der nationalen Kunstschule, des Stils des Komponisten usw. wider. Daher müssen sowohl der Betrachtungsgegenstand – die Formen, Kompositionen musikalischer Werke – als auch die Analysemethoden mit der Ausdrucks- und Bedeutungssphäre der Musik in Verbindung gebracht werden.

Die theoretische Musikwissenschaft beschäftigt sich mit zwei Arten von Sprachen – der künstlerischen Sprache der Musik und der wissenschaftlichen Sprache theoretischer Konzepte über Musik. Es gibt einen kategorischen Unterschied zwischen diesen Sprachen, aber auch eine Ähnlichkeit – das Vorhandensein etablierter semantischer Bedeutungen. In einer musikalischen Sprache ist die Semantik assoziativ-expressiver Natur, mit einer Mischung aus assoziativ-konzeptionellem, in einer wissenschaftlichen Sprache – im Gegenteil, sie ist assoziativ-konzeptuell mit einer Mischung aus assoziativ-expressivem; In der Musik ist die Einheit der Sprache die Intonation, in der Musiktheorie der Wortbegriff. Im Hinblick auf die Methodik der Musikanalyse ist es wichtig, dass ständig Verbindungen zwischen musikalischen Intonationen und musikwissenschaftlichen Konzepten (Wörtern) hergestellt werden, die der Sprache der Musik eine erhöhte Bedeutung und Konzeptualität sowie Bildlichkeit und Ausdruckskraft verleihen – die Sprache der Musikwissenschaft . Nehmen wir als Beispiel die „Sonatendurchführung“. Einerseits ist der Interpret aus musikalischer und künstlerischer Sicht verpflichtet, diesen Abschnitt der Sonatenform so instabil und fantasievoll zu spielen, dass ein konzeptionelles Zeichen in der Luft „in der Luft“ des Konzertsaals liegen sollte: „ Das ist eine Entwicklung.“ Andererseits sollte aus theoretischer Sicht das Zeichen, der Begriff „Sonatendurchführung“ die Vorstellung einer Art musikalischer Instabilität, Fantasie hervorrufen und von einigen imaginären Intonationsklängen der Sonatendurchführung umgeben sein. Das Funktionieren des „Mechanismus“ einer solchen Verbindung zwischen den Elementen musikalisch-künstlerischer und musiktheoretischer Sprachen ist eine Garantie dafür, dass die Operationen der musikalischen Analyse (mit der entsprechenden Fähigkeit und Kunst) dazu dienen können, das Ausdrucksvolle und Semantische aufzudecken Logik eines musikalischen Werkes.

Die „musikalische Formenlehre“ entstand historisch gesehen Ende des 18. Jahrhunderts in Deutschland. und hatte zum Ziel, die Normen der kompositorischen Struktur für Werke verschiedener Genres festzulegen – Motette, Opernarie, Sonate usw. Das grundlegende Hauptwerk zur musikalischen Form, „The Doctrine of Musical Composition“ von A.B. Marx (1837-1847) betrachtete „Formen“ in systemischer Einheit mit Genres und allen Aspekten der Musikkomposition – Intervallik, Harmonie, Polyphonie, Instrumentierung usw. Der Titel enthielt nicht das Wort „Form“, sondern „Komposition“. Das Wort „Form“ hatte eine lange philosophische Tradition und entsprach unter anderem der Kategorie der Schönheit – ausgehend von Plotin, seiner „Metaphysik der Schönheit“ (III. Jahrhundert), die im 18.-19. Jahrhundert wiederbelebt wurde. Shaftesbury und Winckelmann. Und Glinka sagte: „Form bedeutet die Beziehung zwischen Teilen und dem Ganzen, Form bedeutet Schönheit.“

Darüber hinaus ist der Begriff „musikalische Form“ nicht identisch mit dem Begriff „Form“ in Philosophie und Ästhetik. „Musikalische Form“ ist eine Monokategorie, die nicht in einer Zwei- oder Dreiklangform mit anderen Kategorien verknüpft ist. Es steht nicht im Gegensatz zum „Inhalt“, sondern hat Inhalt, also das ausdrucksstarke, semantische, intonatorische Wesen eines Musikwerks. In der philosophischen Tradition ist „Form“ nicht unabhängig und wird nur im Zusammenhang mit komplementären Kategorien verstanden: Materie und „Eidos“ (also „Form“ – bei Platon), Materie, Form, Inhalt (bei Hegel), Form und Inhalt (bei Schiller, in der marxistisch-leninistischen Philosophie und Ästhetik). Aufgrund der Nichtidentität von philosophischer und musikalischer „Form“ sowie, so der Autor, der Obsoleszenz der philosophischen Dyade „Inhalt-Form“, empfiehlt es sich in der Musikwissenschaft, einen neueren, semiotischen Gegensatz zu verwenden: „der Ebene des Inhalts – Ebene des Ausdrucks“.

I. Musikalische Form als Phänomen;

II. musikalische Form als historisch typisierte Komposition;

III. musikalische Form als Einzelkomposition eines Werkes.

Der Inhalt der musikalischen Form als Phänomen (I) entspricht dem sinnvollen Begriff von Musik und Kunst im Allgemeinen. In der Kunst als Ganzes verschmelzen Schichten, die man als „besonders“ und „nicht besonders“ bezeichnen kann. Die „nicht-spezielle“ Ebene spiegelt die reale Welt wider, einschließlich ihrer negativen Seiten. „Besonders“ ist perfekte Welt Schönheit, die in sich die ethische Idee der Freundlichkeit gegenüber dem Menschen, die ästhetische Idee der Harmonie des Universums und psychologisch das Gefühl der Freude trägt. Musikalische Form wird in erster Linie mit dem „besonderen“ Inhalt der Kunst in Verbindung gebracht. Und das gesamte System musikalischer Kompositionstheorien lehrt das Erreichen von Wohlklang und nicht Kakophonie, die Kohärenz von Stimmen und nicht deren Trennung, rhythmische Organisation und nicht Desorganisation, letztendlich - Formbildung, Formkonstruktion und nicht Formlosigkeit. Und sie ist bestrebt, universelle Kompositionsregeln zu entwickeln, die sich nicht abhängig von der spezifischen Konzeption eines bestimmten Werks ändern. Dementsprechend ist die Wissenschaft von der musikalischen Form die Wissenschaft vom musikalisch Schönen, von der idealen, „besonderen“ Schicht des Musikinhalts.

Der Inhalt und die Semantik der musikalischen Form als historisch typisierte Komposition (II) werden auf der Grundlage des gleichen sprachlichen Mechanismus wie die Semantik gebildet Musik Genre. Formgattungen sind die gregorianische Messe, Rondo, Virele, Ballata, Le und andere, die Genres sind die klassischen zwei- und dreistimmigen „Liedformen“, „Adagio-Formen“ und andere. Die Semantik musikalischer Formen wird maßgeblich von den ästhetischen und künstlerischen Vorstellungen der Epoche beeinflusst, die die Entstehung oder Blüte einer bestimmten Form beeinflussten. Beispielsweise enthalten Mischformen des 19 stürmisches, klimatisches Ende. Die Etablierung der Semantik typischer, historisch ausgewählter Musikformen ist ein methodisches Merkmal dieses Lehrbuchs.

Musikalische Form als individuelle Komposition eines Werkes (III) erscheint in Form von zwei Hauptfällen: 1) Konkretisierung einer historisch typisierten Form, 2) einer individuellen, untypisierten Form. In beiden Fällen wird die inhaltliche Bedeutung der Form durch die eindeutig originelle Idee der Komposition bestimmt. So weist Chopins Nocturne in c-Moll, das in einer typischen komplexen dreiteiligen Form geschrieben ist, ein seltenes Merkmal auf – eine transformierte Reprise, die das romantische Handlungsgedicht-Denken des 19. Jahrhunderts widerspiegelt. Und die untypisierte Form beispielsweise von Gubaidulinas Drittem Quartett entspringt der einzigartigen Idee des Zusammenspiels von Klangausdrucksarten beim Pizzicato-Spiel und mit einem Bogen.

Von den drei bedeutungsvollen Ebenen der musikalischen Form ist die erste, die Metaebene, universell und in allen Musikwerken vorhanden. Die zweite Kategorie, die der Gattungskategorie im semiotischen Sinne nahe kommt, semantisch am klarsten ist, ist historisch lokal. Die dritte Ebene ist unverzichtbar, ihre Abstufungen reichen jedoch von einer minimalen Abweichung vom Standard der Standardform bis hin zu einer einzigartigen, einzigartigen Musikkomposition. 46. Textur als Element der musikalischen Sprache.

Textur (lat. factura – Gerät, Struktur) ist eine typische Art, eine polyphone Musikkomposition in einem der (polyphonen) Musiklager zu arrangieren. In der russischen Musikwissenschaft wird der (metaphorische) Begriff „musikalisches Gewebe“ häufig als Synonym für Textur verwendet. Beispielsweise beschreibt der Ausdruck „Chortextur“ die typische Zusammensetzung des musikalischen Gefüges in den monorhythmischen Arrangements von Kirchenliedern („Chören“) von I.S. Bach und andere Barockkomponisten, „arpeggiierte Textur“ – in den Klaviersonaten von D. Scarlatti, Pointillismus – eine Textur, die aus „isolierten“ Tönen besteht, die auf einzelne Stimmen oder Instrumente verteilt sind, in der Musik von A. Webern usw.

Der Begriff der Textur steht in engem Zusammenhang mit dem Begriff der musikalischen Struktur, der in typischen Ausdrücken ausgedrückt wird, zum Beispiel „alte homophone Textur“, „polyphone Textur“, „heterophone Textur“ usw. 47. Melodie als Element der Musiksprache.

Um Musik zu verstehen, sind drei Dinge notwendig, zwei davon sind offensichtlich, das dritte nicht.

Das erste ist so notwendige Sache- Dies ist die Fähigkeit, die Elemente einer Musiksprache nach Gehör zu unterscheiden – Dynamik, Klangfarbe, Rhythmus, Melodie, Harmonie, Polyphonie, Struktur. Haben Sie keine Angst vor diesen besonderen Worten – es ist nicht so kompliziert.

Dynamische Elemente sind am offensichtlichsten. Musik kann leise oder laut klingen, der Ton kann allmählich ansteigen oder abklingen.

Klangfarbenelemente sind beispielsweise die Art und Weise, wie sich die Klänge verschiedener Musikinstrumente voneinander unterscheiden. Mit minimaler musikalischer Erfahrung können wir den Klang einer Geige genau vom Klang eines Klaviers unterscheiden. Lassen Sie uns in erster Näherung zustimmen, dass die Klangfarbe es uns ermöglicht, verschiedene Klangquellen zu erkennen – die Stimme einer Flöte und die Stimme einer Harfe, die Stimme von Mama und die Stimme von Papa.

Rhythmische Elemente sind im einfachsten Sinne Beziehungen zwischen der Dauer von Klängen. Musik existiert in der Zeit und manche Klänge halten länger als andere. Tatsächlich ist alles viel komplizierter, aber beschränken wir uns zunächst auf diese Definition.

Melodische Elemente sind das Verhältnis von Klängen in der Höhe. In diesem Fall sollten die Töne nicht gleichzeitig, sondern nacheinander abgespielt werden. In Wirklichkeit ist wiederum alles komplizierter, aber im Moment reicht diese Definition aus. Wenn Ihnen nicht ganz klar ist, was „Tonhöhe“ ist, finden Sie hier eine leicht verständliche Definition: Damit ein Ton entstehen kann, muss ein klingender Körper vorhanden sein – eine Glocke, eine Saite, eine Luftsäule in einem Pfeife (Flöte, Orgelpfeife usw.). ). Der Klangkörper vibriert mit der einen oder anderen Geschwindigkeit (zum Beispiel 100 oder 500 Schwingungen pro Sekunde). Je mehr Schwingungen pro Sekunde auftreten, desto höher ist der resultierende Ton, heißt es. Sogar die sogenannten „nicht-musikalischen“ Menschen (obwohl solche Menschen in der Natur praktisch nicht existieren, aber sie sagen es) unterscheiden zwischen „dicken“ und „dünnen“ Klängen, „dunkel“ und „hell“ – das ist das Grundlegende Unterschied zwischen Tönen in der Tonhöhe.

Harmonische Elemente sind auch das Verhältnis von Tönen in der Höhe, allerdings sollten die Töne nun nicht nacheinander, sondern gleichzeitig gespielt werden. In diesem Fall gibt es in der Regel mehr als zwei solcher gleichzeitig wiedergegebenen Töne. Und wieder ist in Wirklichkeit alles komplizierter, aber das reicht vorerst aus, um das Wort „Harmonie“ zumindest irgendwie zu verstehen.

Unter polyphonen Elementen versteht man auch die gleichzeitige Wiedergabe, jedoch nicht einzelner Klänge, sondern zweier oder mehrerer unterschiedlicher Melodien.

Durch Strukturelemente erinnert Musik besonders an Sprache und Literatur. In einem Musikstück kann man einzelne musikalische „Wörter“, „Phrasen“, „Absätze“, „Kapitel“ hören. Dies bedeutet jedoch nicht, dass musikalische „Wörter“ auf die gleiche Weise in eine normale Sprache übersetzt werden, wie wir beispielsweise vom Spanischen ins Russische übersetzen. Und dennoch ist der musikalische Fluss nicht kontinuierlich, sondern in kleine und große Teile unterteilt, und diese Teilung ist für das Ohr wahrnehmbar.

Wenn ich jetzt plötzlich anfange, über Dynamik, Klangfarbe, Rhythmus, Melodie, Harmonie, Polyphonie und Struktur zu sprechen, wissen wir schon ungefähr, wovon wir reden.

Denken wir daran, dass das Verstehen von Musik, wie oben erwähnt, drei Dinge erfordert, von denen wir bisher nur über das erste gesprochen haben – die Fähigkeit, Elemente der musikalischen Sprache nach Gehör zu unterscheiden.

Die moderne Musikwissenschaft nutzt die Grundprinzipien der semiotischen Herangehensweise an Musik und ihre Sprache. Die Sprache der Musik kann als eine Reihe musikalischer Mittel (Elemente) betrachtet werden, die sich im Laufe der historischen Entwicklung entwickelt haben, eine komplexe Struktur aufweisen und als gemeinsames Erbe der Kultur betrachtet werden, deren Elemente alle miteinander verbunden sind.

Die Welt um uns herum ist voller Geräusche unterschiedlicher Art: Es handelt sich um Geräusche, die der Mensch selbst ausspricht und mit Hilfe von Musikinstrumenten seine Gedanken und Erfahrungen ausdrückt, sowie um Geräusche, die direkt in der Natur vorkommen. Jedes Objekt kann Geräusche (sowohl belebte als auch unbelebte) unterschiedlicher Qualität erzeugen. Geräusche sind von überall zu hören, sie sind überall zu hören: zu Hause, bei der Arbeit, am Meeresufer, im Wald usw. Manchmal normale Geräusche Werden sie vom Komponisten in ein musikalisches Werk übertragen, so erhalten sie den Status von Musicals, was zu der Vorstellung führt, dass Schreie und Affektklänge als musikalisch bezeichnet werden können, wenn sie in den Fluss der musikalischen Botschaft eingebunden werden und ihnen eine musikalische Bedeutung zukommt .

Zu den Elementen der Sprache der Musik als besonderes Zeichensystem zählen traditionell durch Tonhöhe, Lautstärke, Dauer und Klangfarbe charakterisierte Klänge, die Melodie und Harmonie (einzelne Konsonanzen, Akkorde) ausmachen. Musikalische Klänge bilden im Zusammenspiel miteinander metrorhythmische Muster und werden zu einem Werk geformt, das ein bestimmtes musikalisches Bild enthält.

Ein charakteristisches Merkmal der Sprache der Musik ist das Vorhandensein verschiedener Zeichenebenen, die miteinander interagieren. Es gibt folgende Ebenen musikalischer Ausdrucksmittel (Musiksprache), die ein Ebenensystem bilden: Tonhöhe (Modus, Harmonie, Klangfarben, Register, Tonalität, Melodie); rhythmisch (rhythmische Muster); die kompositorische Seite (der musikalische Prozess als Ganzes): alle Mittel, die die Komposition schaffen; Darstellende Interpretation (Agogie, Artikulation, Strichführung und Intonation). Die Sprache der Musik ist ein heterogenes System, das sowohl hochorganisierte Elemente (modale harmonische Seite) als auch weniger organisierte Elemente (Dynamik) enthält.

Die Sprache der Musik ist also ein komplexes hierarchisches, mehrstufiges System, das sich durch eine Tendenz zur Entwicklung, Konsistenz und die Fähigkeit auszeichnet, die Teile, aus denen es besteht, zu aktualisieren. 48. Harmonie als Element der musikalischen Sprache.

Harmonie (altgriechisch ἁρμονία – Verbindung, Ordnung; Struktur, Harmonie; Kohärenz, Proportionalität, Harmonie) ist ein Begriffskomplex der Musiktheorie. Als harmonisch bezeichnet man (auch in der Alltagssprache) einen für das Ohr angenehmen und vom Geist erfassten Zusammenhang von Klängen (ein musikalisch-ästhetischer Begriff). Aus wissenschaftlicher Sicht führt diese Idee zum kompositorisch-technischen Konzept der Harmonie als Vereinigung von Klängen zu Konsonanzen und deren natürlicher Abfolge. Harmonie als wissenschaftliche und pädagogisch-praktische Disziplin untersucht die Tonhöhenorganisation von Musik.

Der Begriff der Harmonie wird verwendet, um ein logisch organisiertes Tonsystem zu charakterisieren: Art der Tonart (Modalharmonie, Tonharmonie), Musikstil (z. B. „Barockharmonie“), eine individuell spezifische Verkörperung der Tonhöhe („Prokofjews Harmonie“), charakteristische Akkorde (Harmonie als Synonym für die Wörter „ Akkord“, „Konsonanz“).

Der Begriff der Harmonie sollte jedoch nicht mit den Begriffen „Begleitung“, Homophonie (z. B. im Ausdruck „Melodie und Harmonie“ statt „Melodie und Begleitung“ oder statt „Melodie und Akkorde“; „Polyphonie“) verwechselt werden und Harmonie“ statt „Polyphonie und Homophonie“).

Zyklus „Präludium-Fuge“

Der zweiteilige Zyklus „Präludium-Fuge“ ist seit der Barockzeit bekannt. Dabei geht es um die Funktionalisierung des Präludiums als improvisatorische Einleitung einer Fuge.

Präludium-Fugen-Zyklen können nach einem formalen oder thematischen Prinzip zu größeren Zyklen zusammengefasst werden. Das bekannteste Beispiel ist „Das Wohltemperierte Klavier“ von J. S. Bach, das auf dem Prinzip eines gewissen Wechsels von Mode-Ton-Korrespondenzen basiert. Ein Beispiel aus der Musik des 20. Jahrhunderts sind „24 Präludien und Fugen“ von D. D. Schostakowitsch.

Suite-Zyklus

Im 20. Jahrhundert wurde das Genre der Suite deutlich überdacht, neue Techniken wurden darauf angewendet (wie die zwölfdodekaphonischen Orchestersuiten von A. Schönberg und A. Berg), neues Material wurde abgedeckt (zum Beispiel die Suite von P. Hindemith „ 1922“ verwendet modisches Tanzen entsprechende Zeit: Shimmy, Boston, Ragtime).

Sonaten-Sinfoniezyklus

Der Sonaten-Symphonie-Zyklus umfasst die abstraktesten Genres der akademischen Musik wie Symphonie, Sonate, Quartett, Konzert. Es zeichnet sich aus durch:

Abstraktion von der angewandten Natur der Musik (auch wenn angewandtes Material als Material für irgendeinen Teil verwendet wird);
die Möglichkeit figurativer und semantischer Kontraste zwischen einzelnen Teilen (bis hin zu ihrem direkten Gegensatz);
komplexe Klangentwicklung;
etablierte Funktionen und Formen einzelner Stimmen (charakteristisch für bestimmte Genres der Sonaten-Sinfoniemusik).

Die klassische Sonate entstand im 18. Jahrhundert, erreichte den Höhepunkt ihrer Entwicklung in der Wiener Klassik und bleibt, mit einigen Vorbehalten, eine lebendige Gattung. Die Gattung Symphonie entstand in der Mitte des 18. Jahrhunderts, erreichte auch in der Wiener Klassik ihren Höhepunkt und ist bis heute eine lebendige Gattung der akademischen Musik. (Die symphonische Form sollte nicht mit der Symphonie verwechselt werden, die auch für Werke charakteristisch sein kann, die nicht mit dieser Form verwandt sind.) Das Quartett nahm die Form eines Sonatenzyklus im Werk von J. Haydn an und entwickelte sich im Werk der Wiener Klassiker weiter. In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wurden leitmotivische und monothematische Prinzipien für viele Werke dieser Gattung charakteristisch. Konzert als eine Art sonatensinfonisches zyklisches Werk, das sich durch kontrastierende Klänge auszeichnet vollständige Komposition Ensemble und einzelne Gruppen oder Solisten, in der heute bekannten Form Ende des 18. Jahrhunderts entstanden.)))))))

Freie und gemischte Formen

Große Zyklen

Quellen

G. V. Zhdanova. „Sinfonie“ // Musikalisches Enzyklopädisches Wörterbuch. M.: " Sowjetische Enzyklopädie", 1990, S. 499.
Yu. I. Neklyudov. „Suite“ // Musical Enzyklopädisches Wörterbuch. M.: „Sowjetische Enzyklopädie“, 1990, S. 529-530.
V. P. Fraenov. „Zyklische Formen“ // Musikalisches Enzyklopädisches Wörterbuch. M.: „Sowjetische Enzyklopädie“, 1990, S. 615.
V. P. Chinaev. „Sonate“ // Musikalisches Enzyklopädisches Wörterbuch. M.: „Sowjetische Enzyklopädie“, 1990, S. 513-514.

siehe auch

Quartett (Genre)

Wikimedia-Stiftung. 2010.

Sehen Sie in anderen Wörterbüchern nach, was „zyklische Formen (Musik)“ sind:

In der Musik setzen musikalische Formen eines Werkes das Vorhandensein einzelner Teile voraus, die in ihrer Struktur unabhängig, aber durch eine konzeptionelle Einheit verbunden sind. In der Geschichte der akademischen Musik sind die „Fugen-Präludium“-Zyklen, Suite-Zyklen und symphonischen Sonaten bekannt... ... Wikipedia

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I Musik (von griechisch musike, wörtlich Kunst der Musen) ist eine Kunstform, die die Realität widerspiegelt und durch sinnvolle und speziell organisierte Klangfolgen, die hauptsächlich aus Tönen bestehen, auf den Menschen einwirkt... ... Große sowjetische Enzyklopädie

Variationsform oder Variationen, ein Thema mit Variationen, ein Variationszyklus, eine musikalische Form bestehend aus einem Thema und seinen mehreren (mindestens zwei) modifizierten Reproduktionen (Variationen). Dies ist eine der ältesten Musikformen (bekannt seit dem 13. Jahrhundert).... ... Wikipedia

Dieser Begriff hat andere Bedeutungen, siehe Punkt. Eine Periode in der Musik ist die kleinste vollständige kompositorische Struktur, die einen mehr oder weniger vollständigen musikalischen Gedanken zum Ausdruck bringt. Und besteht meistens aus 2 Sätzen. Inhalt 1 Rolle in ... ... Wikipedia

Eine Periode in der Musik ist die kleinste vollständige kompositorische Struktur, die einen mehr oder weniger vollständigen musikalischen Gedanken zum Ausdruck bringt. Kann auch als Formular dienen unabhängige Arbeit. Im Deutschen gibt es ein ähnliches musikalischer Begriff... ... Wikipedia

Musikalische Werke im Zusammenhang mit Texten religiöser Natur, die zur Aufführung im Gottesdienst oder im Alltag bestimmt sind. Unter spiritueller Musik in im engeren Sinne implizieren christliche Kirchenmusik; spirituell im weitesten Sinne... ... Wikipedia

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7. Klasse
Thema: Zyklische Formen

Zyklische Formen in der Musik sind Werke, die das Vorhandensein einzelner Teile voraussetzen, die in ihrer Struktur unabhängig, aber durch eine konzeptionelle Einheit verbunden sind.

In der Geschichte der akademischen Musik sind die „Präludium-Fugen“-Zyklen, Suite-Zyklen und Sonaten-Symphonie-Zyklen bekannt.

Ein Zyklus kann auch als eine Reihe miteinander verbundener Werke (von denen jedes eine zyklische Form haben kann oder nicht) oder als Konzertprogramm bezeichnet werden.

In der nicht-akademischen Musik (Jazz, Rock) tendieren Konzeptalben und einzelne große Werke möglicherweise zu zyklischen Formen.

^ Zyklus „Präludium-Fuge“

Der zweiteilige Zyklus „Präludium-Fuge“ ist seit der Barockzeit bekannt

Das Präludium fungiert als improvisatorische Einleitung in die Fuge.

Suite (von der französischen Suite – „Reihe“, „Sequenz“) ist eine zyklische Musikform, die aus mehreren unabhängigen kontrastierenden Teilen besteht, die durch ein gemeinsames Konzept vereint sind.

Die seit dem 16. Jahrhundert bekannte Suite zeichnet sich aus durch:

die Verbindung einzelner Teile des Werkes mit traditionellen angewandten Genres (Lied, Tanz), die Einfachheit der Struktur der Teile;

kontrastierender Teilevergleich;

eine Tendenz zur Einheit oder großen Ähnlichkeit in der Tonalität der Teile.

Sonaten-Sinfoniezyklus

Der Sonaten-Symphonie-Zyklus umfasst die abstraktesten Genres der akademischen Musik wie Symphonie, Sonate, Quartett und Konzert.

Es zeichnet sich aus durch:

Abstraktion von der angewandten Natur der Musik (auch wenn angewandtes Material als Material für irgendeinen Teil verwendet wird);

die Möglichkeit figurativer und semantischer Kontraste zwischen einzelnen Teilen (bis hin zu ihrem direkten Gegensatz);

komplexe Klangentwicklung;

etablierte Funktionen und Formen einzelner Stimmen (charakteristisch für bestimmte Genres der Sonaten-Sinfoniemusik).

Die klassische Sonate entstand im 18. Jahrhundert und erreichte ihren Höhepunkt in den Wiener Klassikern (Haydn, Mozart, Beethoven).

Die Gattung Symphonie entstand in der Mitte des 18. Jahrhunderts und erreichte auch in der Wiener Klassik ihren Höhepunkt ihrer Entwicklung.

Symphonie (aus dem Griechischen συμφονία – „Konsonanz“) – ein Genre symphonischer Musik Instrumentalmusik mehrteilige kanonisierte Form grundlegender weltanschaulicher Inhalte.

Freie und gemischte Formen

Große Zyklen

Es können auch ganze Werke zu einem Zyklus zusammengefasst werden (von denen jedes wiederum einen zyklischen Charakter haben kann oder nicht).

Dazu gehören die oben genannten Präludien- und Fugenzyklen, R. Wagners Tetralogie „Der Ring des Nibelungen“, Konzeptalben in nicht-akademischer Musik sowie einzelne Hauptwerke der Jazz- und Rockmusik.

Die Sonatenform ist eine musikalische Form, die aus drei Hauptabschnitten besteht:

Ausstellung – Kontrast zwischen Haupt- und Nebenthemen

Entwicklung - Entwicklung dieser Themen

Reprise – Wiederholung dieser Themen mit einigen Änderungen

Hören wir zu:

J.S.Bach, Präludium und Fuge Nr. 6, d-Moll, 1. Band von KhTK

L. van Beethoven, Sonate Nr. 1, f-Moll

Klassische Komponisten sind auf der ganzen Welt bekannt. Jeder Name musikalisches Genie- eine einzigartige Individualität in der Kulturgeschichte.

Was ist klassische Musik?

Klassische Musik sind bezaubernde Melodien, die von talentierten Autoren geschaffen wurden, die zu Recht als klassische Komponisten bezeichnet werden. Ihre Werke sind einzigartig und werden bei Interpreten und Zuhörern immer gefragt sein. Klassik wird einerseits meist als strenge, zutiefst bedeutsame Musik bezeichnet, die nicht mit den folgenden Genres zusammenhängt: Rock, Jazz, Folk, Pop, Chanson usw. Andererseits gibt es in der historischen Entwicklung der Musik eine Periode des späten 13. - frühen 20. Jahrhunderts, genannt Klassizismus.

Klassische Themen zeichnen sich durch erhabene Intonation, Raffinesse, Farbvielfalt und Harmonie aus. Sie wirken sich positiv auf das emotionale Weltbild von Erwachsenen und Kindern aus.

Entwicklungsstadien der klassischen Musik. Ihre kurze Beschreibung und Hauptvertreter

In der Entwicklungsgeschichte der klassischen Musik lassen sich folgende Phasen unterscheiden:

Renaissance oder Renaissance - Anfang des 14. Jahrhunderts - letztes Quartal 16. Jahrhundert. In Spanien und England dauerte die Renaissance bis zum Beginn des 17. Jahrhunderts.
Barock – ersetzte die Renaissance und dauerte bis zum Beginn des 18. Jahrhunderts. Das Zentrum des Stils war Spanien.
Klassizismus – eine Zeit der Entwicklung Europäische Kultur vom Anfang des 18. bis Anfang des 19. Jahrhunderts.
Die Romantik ist eine Gegenrichtung zum Klassizismus. Dauerte bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts.
Klassiker des 20. Jahrhunderts – Moderne.

Kurzbeschreibung und Hauptvertreter der Kulturperioden

1. Renaissance – eine lange Periode der Entwicklung aller Kulturbereiche. - Thomas Tallis, Giovanni da Palestina, T. L. de Victoria komponierten und hinterließen unsterbliche Schöpfungen für die Nachwelt.

2. Barock – in dieser Zeit tauchen neue Musikformen auf: Polyphonie, Oper. In dieser Zeit schufen Bach, Händel und Vivaldi ihre berühmten Werke. Bachs Fugen sind nach den Anforderungen des Klassizismus aufgebaut: obligatorische Einhaltung der Kanons.

3. Klassizismus. Wiener klassische Komponisten, die im Zeitalter des Klassizismus ihre unsterblichen Schöpfungen schufen: Haydn, Mozart, Beethoven. Die Sonatenform erscheint und die Zusammensetzung des Orchesters nimmt zu. und Haydn unterscheiden sich von den schwerfälligen Werken Bachs durch den einfachen Aufbau und die Eleganz der Melodien. Es war immer noch ein Klassiker, ein Streben nach Perfektion. Beethovens Werke sind die Schnittstelle zwischen Romantik und Romantik klassische Stile. In der Musik von L. van Beethoven gibt es mehr Sinnlichkeit und Leidenschaft als rationalen Kanon. Es entstanden so wichtige Genres wie Symphonie, Sonate, Suite und Oper. Beethoven begründete die Romantik.

4. Romantik. Musikalische Werke zeichnen sich durch Farbe und Dramatik aus. Es entstehen verschiedene Liedgenres, zum Beispiel Balladen. Klavierwerke von Liszt und Chopin erhielten Anerkennung. Die Traditionen der Romantik wurden von Tschaikowsky, Wagner und Schubert übernommen.

5. Klassiker des 20. Jahrhunderts – geprägt vom Wunsch der Autoren nach Innovation in der Melodie; es entstanden die Begriffe Aleatorik, Atonalismus. Werke von Strawinsky, Rachmaninow und Glass werden in das klassische Format eingeordnet.

Russische klassische Komponisten

Tschaikowsky P.I. - Russischer Komponist, Musikkritiker, Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, Lehrer, Dirigent. Seine Kompositionen werden am häufigsten aufgeführt. Sie sind aufrichtig, leicht wahrzunehmen, spiegeln die poetische Originalität der russischen Seele wider, szenische Gemälde Russische Natur. Der Komponist schuf 6 Ballette, 10 Opern, mehr als hundert Romanzen und 6 Sinfonien. Das weltberühmte Ballett „Schwanensee“, die Oper „Eugen Onegin“, „Kinderalbum“.

Rachmaninow S.V. - Die Werke des herausragenden Komponisten sind emotional und heiter, teilweise auch inhaltlich dramatisch. Ihre Genres sind vielfältig: von kleinen Theaterstücken bis hin zu Konzerten und Opern. Die allgemein anerkannten Werke des Autors: Opern“ Geiziger Ritter", "Aleko" von Puschkins Gedicht„Zigeuner“, „Francesca da Rimini“ nach einer Handlung aus „ Göttliche Komödie» Dante, Gedicht „Die Glocken“; Suite „Symphonische Tänze“; Klavierkonzerte; Vokalise für Singstimme mit Klavierbegleitung.

Borodin A.P. war Komponist, Lehrer, Chemiker und Arzt. Die bedeutendste Schöpfung ist die Oper „Prinz Igor“ von historisches Werk„Die Geschichte von Igors Feldzug“, an dem der Autor fast 18 Jahre lang schrieb. Zu seinen Lebzeiten hatte Borodin keine Zeit, sie fertigzustellen; nach seinem Tod wurde die Oper von A. Glasunow und N. Rimsky-Korsakow fertiggestellt. Der große Komponist ist der Begründer der klassischen Quartette und Sinfonien in Russland. Die „Bogatyr“-Symphonie gilt als Krönung der Welt- und russischen Nationalheldensymphonie. Als herausragend wurden die instrumentalen Kammerquartette Erstes und Zweites Quartett gewürdigt. Einer der ersten, der Heldenfiguren aus der alten russischen Literatur in Liebesromane einführte.

Tolle Musiker

Mussorgsky M.P., über den man sagen kann, ist ein großer realistischer Komponist, ein mutiger Erneuerer, der akute soziale Probleme anspricht, ein großartiger Pianist und ein ausgezeichneter Sänger. Das Bedeutendste Musikalische Werke sind die Opern „Boris Godunov“, basierend auf dem dramatischen Werk von A.S. Puschkin und „Khovanshchina“ – Volksmusikdrama, Hauptdarsteller schauspielerischer Charakter Diese Opern sind ein rebellisches Volk aus verschiedenen sozialen Schichten; Kreativzyklus „Bilder einer Ausstellung“, inspiriert von den Werken Hartmanns.

Glinka M.I. - berühmter russischer Komponist, Begründer der klassischen Bewegung in der russischen Musikkultur. Er schloss das Verfahren zur Gründung einer Schule russischer Komponisten ab, die auf dem Wert der Volks- und Berufsmusik basierte. Die Werke des Meisters sind von Liebe zum Vaterland durchdrungen und spiegeln die ideologische Ausrichtung der Menschen dort wider historische Ära. Das weltberühmte Volksdrama „Ivan Susanin“ und das Opernmärchen „Ruslan und Lyudmila“ sind zu neuen Trends in der russischen Oper geworden. Die symphonischen Werke „Kamarinskaya“ und „Spanische Ouvertüre“ von Glinka sind die Grundlagen der russischen Symphonie.

Rimsky-Korsakov N.A. ist ein talentierter russischer Komponist, Marineoffizier, Lehrer und Publizist. In seinem Werk lassen sich zwei Strömungen ausmachen: historisch („ Die Braut des Zaren„, „Pskowiter“) und Märchen („Sadko“, „Schneewittchen“, Suite „Scheherazade“). Besonderheit Die Werke des Komponisten: Originalität basierend auf klassischen Werten, Homophonie im harmonischen Aufbau frühe Arbeiten. Seine Kompositionen tragen die Handschrift des Autors: originelle Orchesterlösungen mit ungewöhnlich konstruierten Vokalpartituren, die die wichtigsten sind.

Russische klassische Komponisten versuchten, in ihren Werken das für die Nation charakteristische kognitive Denken und die Folklore widerzuspiegeln.

Europäische Kultur

In der Hauptstadt lebten die berühmten klassischen Komponisten Mozart, Haydn und Beethoven Musikkultur damals - Wien. Die Genies eint meisterhafte Darbietung, hervorragende kompositorische Lösungen und der Einsatz unterschiedlicher Musikstile: von Volksweisen bis hin zu polyphonen Weiterentwicklungen musikalischer Themen. Große Klassiker zeichnen sich durch umfassende kreative geistige Aktivität, Kompetenz und Klarheit in der Konstruktion musikalischer Formen aus. In ihren Werken sind Intellekt und Emotionen, tragische und komische Komponenten, Leichtigkeit und Besonnenheit organisch miteinander verbunden.

Beethoven und Haydn tendierten zu Instrumentalkompositionen, Mozart gelang dies meisterhaft sowohl in der Oper als auch in der Oper Orchesterwerke. Beethoven war ein unübertroffener Schöpfer heroischer Werke, Haydn schätzte und verwendete erfolgreich Humor und volkstümliche Genretypen in seinem Werk, Mozart war ein universeller Komponist.

Mozart – Schöpfer der Sonate Instrumentalform. Beethoven verbesserte es und brachte es zu unübertroffenen Höhen. Die Zeit wurde zu einer Zeit der Blütezeit des Quartetts. Haydn, gefolgt von Beethoven und Mozart, trug maßgeblich zur Entwicklung dieser Gattung bei.

Italienische Meister

Giuseppe Verdi – ein herausragender Musiker des 19. Jahrhunderts, entwickelte das Traditionelle weiter Italienische Oper. Er verfügte über tadellose Fähigkeiten. Den Höhepunkt seiner kompositorischen Tätigkeit bildeten die Opernwerke „Il Trovatore“, „La Traviata“, „Othello“ und „Aida“.

Niccolo Paganini – geboren in Nizza, eine der musikalisch begabtesten Persönlichkeiten des 18. und 19. Jahrhunderts. Er war ein Meister der Geige. Er komponierte Capricen, Sonaten und Quartette für Violine, Gitarre, Bratsche und Cello. Er schrieb Konzerte für Violine und Orchester.

Gioachino Rossini – arbeitete im 19. Jahrhundert. Autor geistlicher und Kammermusik, komponierte 39 Opern. Herausragende Werke - " Barbier von Sevilla„, „Othello“, „Aschenputtel“, „Die diebische Elster“, „Semiramis“.

Antonio Vivaldi ist einer der größten Vertreter der Violinkunst des 18. Jahrhunderts. Berühmtheit erlangte er durch sein berühmtestes Werk – die 4 Violinkonzerte „Die Jahreszeiten“. Lebte ein erstaunlich fruchtbares Leben kreatives Leben, komponierte 90 Opern.

Berühmte klassische italienische Komponisten haben ein ewiges musikalisches Erbe hinterlassen. Ihre Kantaten, Sonaten, Serenaden, Symphonien und Opern werden mehr als einer Generation Freude bereiten.

Besonderheiten der kindlichen Musikwahrnehmung

Laut Kinderpsychologen wirkt sich das Hören guter Musik positiv auf die psycho-emotionale Entwicklung eines Kindes aus. Gute Musik Führt einen in die Kunst ein und prägt den ästhetischen Geschmack, sagen Lehrer.

Viele berühmte Werke wurden von klassischen Komponisten für Kinder unter Berücksichtigung ihrer Psychologie, Wahrnehmung und Besonderheiten des Alters, also zum Zuhören, geschaffen, während andere verschiedene Stücke für kleine Interpreten komponierten, die leicht mit dem Gehör wahrnehmbar und für sie technisch zugänglich waren.

„Kinderalbum“ von P. I. Tschaikowsky. für kleine Pianisten. Dieses Album ist eine Widmung an meinen Neffen, der Musik liebte und ein sehr begabtes Kind war. Die Sammlung enthält mehr als 20 Stücke, einige davon auf folkloristischen Stoffen: neapolitanische Motive, russischer Tanz, Tiroler und französische Melodien. Sammlung „Kinderlieder“ von P. I. Tschaikowsky. Entwickelt für die auditive Wahrnehmung durch Kinder. Lieder mit optimistischer Stimmung über Frühling, Vögel, blühender Garten(„Mein kleiner Garten“), über Mitgefühl für Christus und Gott („Das Christuskind hatte einen Garten“).

Klassiker für Kinder

Viele klassische Komponisten haben für Kinder gearbeitet, deren Werkliste sehr vielfältig ist.

Prokofjew S.S. „Peter und der Wolf“ – symphonische Geschichte für Kinder. Dank dieses Märchens lernen Kinder es kennen Musikinstrumente Symphonieorchester. Der Text des Märchens wurde von Prokofjew selbst verfasst.

Schumann R. „Kinderszenen“ sind kurze Musikgeschichten mit einfacher Handlung, geschrieben für erwachsene Interpreten, Erinnerungen an die Kindheit.

Debussys Klavierzyklus „Children’s Corner“.

Ravel M. „Mutter Gans“ nach den Märchen von C. Perrault.

Bartok B. „Erste Schritte am Klavier.“

Fahrräder für Kinder Gavrilova S. „Für die Kleinen“; „Helden der Märchen“; „Leute über Tiere.“

Schostakowitsch D. „Album mit Klavierstücken für Kinder.“

Bakh I.S. „Das Notenbuch von Anna Magdalena Bach.“ Während er seinen Kindern Musik beibrachte, schuf er spezielle Stücke und Übungen für sie, um technische Fähigkeiten zu entwickeln.

Haydn J. ist der Begründer der klassischen Symphonie. Er schuf eine besondere Symphonie mit dem Titel „Kinder“. Die verwendeten Instrumente: eine Nachtigall aus Ton, eine Rassel, ein Kuckuck – verleihen ihm einen ungewöhnlichen Klang, kindlich und verspielt.

Saint-Saëns K. erfand eine Fantasie für Orchester und 2 Klaviere mit dem Titel „Karneval der Tiere“, in der er das Gackern von Hühnern, das Brüllen eines Löwen, die Selbstgefälligkeit eines Elefanten und seine Bewegungsweise meisterhaft vermittelte den berührend anmutigen Schwan mit musikalischen Mitteln.

Beim Komponieren von Kompositionen für Kinder und Jugendliche achteten große klassische Komponisten auf die interessante Handlung des Werkes, die Zugänglichkeit des vorgeschlagenen Materials und berücksichtigten das Alter des Interpreten oder Zuhörers.