Die Architektur (lat. architectura, von Griechische Wurzelnαρχι und τεκτονική - Baumeister, Bauwesen, Architektur, Baukunst), die Kunst, Gebäude und andere Bauwerke zu entwerfen und zu errichten, die eine materiell organisierte Umgebung schaffen, die für Menschen für ihr Leben und ihre Aktivitäten im Einklang mit dem Zweck, den modernen technischen Möglichkeiten und der Ästhetik notwendig ist Ansichten der Gesellschaft. Zwischen Architektur, Malerei und Skulptur besteht ein wesentlicher Unterschied: Die Architektur verwendet fast ausschließlich geometrische Formen und greift in der Ornamentik nur auf organische Formen zurück; Malerei und Skulptur stellen überwiegend tierische und pflanzliche Formen dar und wenden sich nur in Accessoires architektonischen, also geometrischen Formen zu.

In ihrer Unterordnung unter bekannte mathematische Gesetze im Bereich der Proportionen kommt die Architektur der Musik am nächsten, die auch im Bereich der Klangverhältnisse mathematischen Gesetzen gehorcht; In diesem Sinne wird Architektur sehr treffend als „Stein“ oder „gefrorene“ Musik bezeichnet. Jedes Kunstwerk enthält zwei Hauptelemente – eine abstrakte Idee und ihre materielle Darstellung, also Wesen und Form. Die Kombination dieser Elemente zu einem zusammenhängenden Ganzen stellt den Zweck der Kunst dar; und wenn dieses Ziel erreicht wird, dann kann man das Werk durchaus als elegant bezeichnen. Folglich muss jedes elegante architektonische Werk durch seine äußere Präsentation die innere Bedeutung und den Zweck des Gebäudes vollständig offenbaren. Aufgrund dieses Gesetzes ist es beispielsweise unmöglich, einer Kirche das äußere Erscheinungsbild eines Theaters zu verleihen oder einem einstöckigen Gebäude im Inneren eine zweistöckige Fassade zu geben.

Als Kunstform dringt Architektur in den Bereich der spirituellen Kultur ein, gestaltet die menschliche Umwelt ästhetisch und bringt gesellschaftliche Ideen in künstlerischen Bildern zum Ausdruck. Historische Entwicklung Die Gesellschaft bestimmt die Funktionen und Arten von Bauwerken (Gebäude mit organisiertem Innenraum, Bauten, die Freiräume bilden, Ensembles von Gebäuden und anderen Immobilien), technische Bausysteme, künstlerische Struktur architektonische Strukturen. In der Architektur, in der dekorativen und angewandten Kunst sowie im Design – jenen Formen der bildenden Kunst, bei denen es unmöglich ist, das Motiv des Bildes zu identifizieren – Genreklassifizierung wird durch typologische Unterteilungen nach den Funktionen des Werkes ersetzt (in der Architektur werden die Typen Palast, Tempel, Wohngebäude etc. unterschieden, die wiederum in viele Untertypen unterteilt werden). Die architektonische Gestaltung des Siedlungsraums, die Schaffung von Städten, vorstädtischen Hüttensiedlungen, die Planung kleinräumiger Architektur, die Regulierung von Siedlungssystemen sind zu einem Sondergebiet geworden – der Stadtplanung.

In der Architektur sind funktionale, technische und ästhetische Prinzipien (Nützlichkeit, Stärke, Schönheit) miteinander verbunden. Der Zweck und die Funktionen eines architektonischen Bauwerks bestimmen seinen Plan und seine volumetrisch-räumliche Struktur, die Bauausrüstung – die Möglichkeit, die wirtschaftliche Machbarkeit und die konkreten Mittel zu seiner Herstellung, die Baukeramik – Materialien und keramische Produkte, die im Bauwesen verwendet werden. Je nach Verwendungszweck werden keramische Materialien und Produkte in folgende Typen unterteilt: Wandprodukte, Dachprodukte, Bodenelemente; Produkte für Fassadenverkleidungen, Produkte für Innenwandverkleidungen, Zuschlagstoffe für Leichtbeton, Wärmedämmprodukte, Sanitärprodukte, Bodenfliesen, Straßensteine.
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Zu den Wandprodukten zählen Ziegel, Hohlsteine ​​und daraus hergestellte Platten. Dachprodukte – Ziegel. Bodenelemente; Produkte für die Fassadenverkleidung sind Verblendziegel, kleinformatige und andere Fliesen, Satzplatten, architektonische und künstlerische Details. Produkte für die Innenwandverkleidung – glasierte Fliesen und Formteile dafür (Gesimse, Ecken, Figurenfenster, Bänder). Füllstoffe für Leichtbeton – Blähton, Agloporit. Wärmedämmprodukte - Zellularkeramik, Perlitkeramik usw. Das figurative und ästhetische Prinzip der Architektur ist mit ihrer sozialen Funktion verbunden und manifestiert sich in der Gestaltung der volumetrisch-räumlichen und strukturellen Struktur des Bauwerks. Ausdrucksmittel der Architektur – Komposition, Tektonik, Maßstab, Proportionen, Rhythmus, Plastizität von Volumen, Textur und Farbe von Materialien, Gesamtkunstwerk usw. In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts führten soziale, wissenschaftliche und technische Veränderungen zur Entstehung von neue Funktionen, strukturelle Systeme, künstlerische Mittel der Architektur, industrielle Bauweisen.

(lateinisch sculptura, von sculpo – ausschneiden, schnitzen), Skulptur, Plastik, eine Art bildender Kunst, deren Werke eine dreidimensionale, dreidimensionale Gestalt haben und aus festen oder plastischen Materialien bestehen. Skulptur, Skulptur, plastische Kunst – im weitesten Sinne des Wortes die Kunst, aus Ton, Wachs, Stein, Metall, Holz, Knochen und anderen Materialien ein Bild einer Person, von Tieren und anderen natürlichen Objekten in ihrer taktilen, körperlichen Form zu schaffen Formen. Die Skulptur stellt hauptsächlich Menschen dar, seltener Tiere, ihre Hauptgenres sind Porträts, historische, alltägliche, symbolische, allegorische Bilder, animalische und mythologische Genres. Künstlerische und ausdrucksstarke Mittel der Bildhauerei – Konstruktion einer dreidimensionalen Form, plastische Modellierung (Bildhauerei), Entwicklung von Silhouette, Textur und teilweise auch Farben.

Man unterscheidet zwischen einer runden Skulptur (Statue, Gruppe, Figur, Büste), die von verschiedenen Seiten betrachtet wird, und einem Relief (eine Art Skulptur, bei der das Bild im Verhältnis zur Hintergrundebene konvex oder vertieft ist; die Haupttypen sind Flachrelief und Hochrelief). Monumentale Skulpturen (Denkmäler, Denkmäler) sind mit dem architektonischen Umfeld verbunden, zeichnen sich durch die Bedeutung ihrer Ideen, einen hohen Grad an Verallgemeinerung und große Größen aus; monumentale und dekorative Skulptur umfasst alle Arten der Dekoration architektonischer Strukturen (Atlantes, Karyatiden, Friese, Park-, Brunnen- und Giebelskulpturen); Die Staffelei-Skulptur hat lebensnahe oder kleinere Abmessungen und einen spezifischen, tiefgründigen Inhalt.

In Bezug auf das Material und die Art der Ausführung des Bildes lässt sich die Skulptur im weitesten Sinne des Wortes in mehrere Zweige unterteilen: Modellieren oder Modellieren – die Kunst, mit einer weichen Substanz wie Wachs und Ton zu arbeiten; Gießerei oder Toreutik – die Kunst, eine Skulptur aus geschmolzenem Metall herzustellen; Glyptik oder Skulptur im engeren Sinne ist die Kunst, ein Bild aus Stein, Metall, Holz und festen Materialien im Allgemeinen zu schnitzen; Zu den Gattungen der Bildhauerei zählen darüber hinaus das Gravieren, das Schnitzen auf Hart- und Edelsteinen sowie die Herstellung von Stempeln für Münzen und Medaillen (Medaillenkunst). Die Materialien der Skulptur sind Metall, Stein, Ton, Holz, Gips usw. Die Methoden ihrer Verarbeitung sind Modellieren, Schnitzen, Gießen, Schmieden, Ziselieren usw.

Malerei- Darstellung von Bildern der realen Welt auf einer Ebene, transformiert durch die kreative Vorstellungskraft des Künstlers; den elementaren und populärsten ästhetischen Sinn – den Sinn für Farbe – in einer besonderen Sphäre zu isolieren und zu einem der Mittel zu machen künstlerische Entwicklung Frieden.

In der antiken Malerei war die Beziehung zwischen den dargestellten Phänomenen weniger räumlich als vielmehr semantisch. Auf der Insel Cham (Australien, Golf von Carpentaria) sind in einer alten Höhle auf einer weißen Wand Kängurus mit schwarzer und roter Farbe gemalt, verfolgt von zweiunddreißig Jägern, von denen der dritte doppelt so groß ist wie die andere, da es den Anführer repräsentiert.

Aus Gründen der semantischen Betonung stellten altägyptische Künstler die Figur eines Heerführers auch um ein Vielfaches größer dar als die Figuren seiner Krieger. Dies waren die ersten kompositorischen Akzente der Malerei, die keine Perspektive kannten. In der Antike waren Grafik und Malerei nicht nur eng miteinander verbunden, sondern auch mit der Literatur. Alte chinesische und altägyptische Malerei und Grafik sind erzählerisch miteinander verbunden. Das Bild ist eine Kette von Ereignissen, eine Geschichte, die sich in mehreren Figuren entfaltet. Schon dabei frühen Zeitpunkt Entwicklung, Malerei drückt auf der Ebene unterschiedliche Standpunkte zum Thema aus. Künstler des alten Ägypten malten beide Augen auf ein im Profil dargestelltes Gesicht, und Maler Südmelanesiens stellen Ebenen dar, die dem direkten Blick entzogen sind: Über dem Kopf einer Person ist eine Scheibe gezeichnet, die den Hinterkopf anzeigt, oder ein Doppelgesicht, das ein „ kreisförmiger Blick.“ Der antike Künstler erkannte die Schönheit der Landschaft nicht.

Der antike Künstler kennt die Anatomie nicht nur von Tieren, sondern auch von Menschen gut. Gymnastik, Musik und bildende Kunst sind Teil der Ausbildung eines Kriegers, der die Schönheit und Stärke des menschlichen Körpers spürt, der tiefe soziohistorische Wurzeln hat. Olympische Spiele und skulpturale Heldenbilder erfüllen ähnliche soziale und ästhetische Funktionen: Sie erziehen die Krieger, die die Sklavendemokratie braucht – die Verteidiger von Hellas und die Sklavenarbeiter für ihre wirtschaftliche Entwicklung.

Die mittelalterliche Malerei vermittelte ein konventionell flaches Bild der Welt. Die Komposition betonte nicht die Entfernung des Objekts vom Auge des Betrachters, sondern seine Bedeutung und Bedeutung. Dieselben Merkmale sind auch der russischen Ikonenmalerei eigen. Im Mittelalter kannte man den anatomischen Unterschied zwischen einem Erwachsenen und einem Kind noch nicht: Auf den Gemälden ist das Christkind ein verkleinerter Erwachsener. Die mittelalterliche Kunst blickt in die innere Welt des Menschen und dringt in die Tiefen seines Geistes ein. Der Schönheitskult des nackten Körpers wird durch eine Mode ersetzt, die den Körper drapiert und bis zum Boden fällt. Charakteristisch ist ein Klostergewand, das die Umrisse der Figur einer Person verbirgt und ihr Aussehen formlos und geschlechtslos macht.

Die Renaissance belebt den Kult des nackten Körpers wieder und betont nicht nur seine Schönheit und Kraft, sondern auch seine sinnliche Anziehungskraft. Die Lebensfreude, die spirituelle und sinnliche Freude des Lebens strahlen in Gemälden aus, die die Schönheit des weiblichen Körpers, seine giorgionische Keuschheit, Rubens‘ Pracht, Tizians irdische und himmlische Schönheit und die el-griechische Spiritualität verherrlichen.

Die Malerei spielt im System der Kunstformen der Renaissance eine führende Rolle. Künstler bekräftigen die universelle menschliche Bedeutung der Malerei, die wie die Literatur keiner Übersetzung in eine andere Sprache bedarf: „... wenn der Dichter dem Geist durch das Ohr dient, dann der Maler – durch das Auge, mehr.“ Es lohnt sich zu fühlen... Ein Gemälde, so viel nützlicher und schöner, es wird Ihnen mehr gefallen... Wählen Sie einen Dichter, der ihrem Geliebten die Schönheit einer Frau beschreibt, und wählen Sie einen Maler, der sie und Sie darstellt wird sehen, wohin die Natur den verliebten Richter neigen wird.“

Genies tauchen immer in den notwendigsten Bereichen der sozialen Praxis auf. Und es ist kein Zufall, dass die Renaissance so große Künstler wie Michelangelo, Leonardo da Vinci, Rubens und Tizian hervorbrachte.

Das antiasketische, antischolastische Pathos der Zeit, der Drang zum Reichtum des Lebens, zu seinen spirituellen und sinnlichen Freuden kommt gerade in der Malerei („Frühling“ von Botticelli) voll zum Ausdruck. Künstler vermitteln die altersbedingte Anatomie einer Person (das Kind in den Armen von Leonardo da Vincis Madonna Litta ist kein Zwerg, sondern wirklich ein Baby), offenbaren die dynamische Anatomie einer Person in unterschiedlichen Geschwindigkeiten und Schärfen, Winkeln und Richtungen Bewegung (die Fresken der Decke der Sixtinischen Kapelle von Michelangelo).

Während der Renaissance entwickelten sich detaillierte Prinzipien der perspektivisch-räumlichen Komposition. Die Anordnung der Figuren im Bild offenbarte ihre Lebensbeziehungen. Die Renaissance entdeckte die Gesetze der Perspektive oder, noch weiter gefasst, die freie Nutzung des Raumes. Die Idee der Perspektive wurde von Brunelleschi und Alberti entwickelt, die lehrten, wie man den Raum in einem Gemälde nach den Prinzipien eines Pyramidenstumpfes organisiert, der aus Strahlen besteht, die von Objekten auf unser Auge treffen. Die Beherrschung des Raumes zeigt sich nicht nur in der Konstruktion der Perspektive (z. B. im „Letzten Abendmahl“ von Leonardo da Vinci), sondern auch in der Schaffung eines „entmaterialisierten“ Raumes.

Im 19. Jahrhundert Der zuvor skizzierte Prozess der Abgrenzung zwischen Malerei und Grafik wird abgeschlossen. Die Besonderheit von Grafiken sind lineare Beziehungen, die Wiedergabe der Form von Objekten, die Übertragung ihrer Beleuchtung und die Beziehung zwischen Licht und Schatten. Die Malerei fängt die Beziehungen der Farben der Welt ein; in Farbe drückt sie das Wesen von Objekten aus, ihren ästhetischen Wert, verifiziert ihren sozialen Zweck, ihre Übereinstimmung mit der Umwelt. Mit den Impressionisten wurde der Prozess der Abgrenzung zwischen Malerei und Grafik abgeschlossen. Sie vermitteln nichts außer der Farbe, alles Lineare ist für sie zweitrangig; Nicht die Zeichnung, sondern die Farbbeziehungen der dargestellten Objekte werden zum Hauptträger der ästhetischen Bedeutung. Die Malerei gewinnt Unabhängigkeit von der Zeichnung, die bisher ihr Hauptziel war, und nähert sich der Musik, entfernt sich von der Literatur.

Im 20. Jahrhundert Das Wesen der Malerei verändert sich dramatisch. Es ist geprägt von Fotografie, Kino, Fernsehen, der Breite und Vielfalt der Eindrücke eines modernen Menschen, der die Realität aus großer Höhe, mit hoher Geschwindigkeit, aus unerwarteten Blickwinkeln und aus variablen, sich bewegenden Blickwinkeln wahrnimmt. Die intellektuelle und psychologische Welt des Menschen vertieft sich. Das Aufkommen der Fotografie und ihre Beherrschung der Farben stellten die Malerei vor neue Herausforderungen. Die Fotografie kann jetzt einfach ein Objekt als Andenken festhalten. In der Malerei des 20. Jahrhunderts. die Rolle des subjektiven Prinzips nimmt zu, die Bedeutung der persönlichen Vision nimmt zu, individuelle Wahrnehmung Leben (erinnern Sie sich an „March Snow“ von Grabar).

Die semantischen Elemente der Malerei sind ein bearbeiteter flacher Untergrund, regelmäßige Bildränder und ein Rahmen (in Rock Kunst diese Elemente fehlten). In der Neuzeit erschienen Gemälde, die keinen Weltraum darstellten und nicht gerahmt waren. Sein Gegenstück war eine Skulptur ohne Sockel – schwebend oder auf dem Boden stehend. Teile der Bildebene, der Ort des Bildes des Objekts darauf, haben eine symbolische Bedeutung. In Munchs Porträt ist das in sich versunkene Motiv leicht seitlich in einem leeren Raum positioniert. Dadurch entsteht ein künstlerischer und semantischer Effekt von Traurigkeit und Entfremdung, der durch die Pose der porträtierten Person verstärkt wird.

Die Architektur. Wenn jemand lernte, Werkzeuge herzustellen, war sein Zuhause kein Loch oder Nest mehr, sondern ein zweckmäßiges Gebäude, das nach und nach ein ästhetisches Aussehen erhielt. Aus der Konstruktion wurde Architektur.

Architektur ist die Gestaltung der Realität nach den Gesetzen der Schönheit bei der Schaffung von Gebäuden und Bauwerken, die den menschlichen Bedürfnissen nach Wohnen und öffentlichen Räumen dienen sollen. Architektur schafft eine geschlossene, utilitaristisch-künstlerisch beherrschte Welt, abgegrenzt von der Natur, im Gegensatz zur elementaren Umwelt und ermöglicht es den Menschen, den humanisierten Raum entsprechend ihren materiellen und spirituellen Bedürfnissen zu nutzen. Architekturbild drückt den Zweck des Gebäudes und das künstlerische Weltbild und die Persönlichkeit, das Selbstbild eines Menschen und das Wesen seiner Zeit aus.

Architektur – Kunst und Gebäude haben einen bestimmten Stil. Dank der Architektur entsteht ein integraler Bestandteil der „zweiten Natur“ – der materiellen Umgebung, die durch die Arbeit des Menschen geschaffen wird und in der sein Leben und seine Aktivitäten stattfinden.

Architektur ist tendenziell ensembleartig. Seine Strukturen fügen sich gekonnt in die natürliche (natürliche) oder städtische (Stadt) Landschaft ein. Das Gebäude der Moskauer Staatsuniversität fügt sich beispielsweise gut in die Landschaft der Sperlingsberge ein und bietet von dort aus einen Blick auf die Hauptstadt und die zurückweichende Ferne der zentralrussischen Ebene. Das ehemalige CMEA-Gebäude (heute Rathausgebäude), das einem offenen Buch ähnelt, fügt sich erfolgreich in die Stadtlandschaft Moskaus ein.

Die Formen der Architektur werden bestimmt: 1) natürlich (je nach geografischer Lage und Klimabedingungen, über die Beschaffenheit der Landschaft, Intensität des Sonnenlichts, Erdbebensicherheit); 2) sozial (je nach Art des sozialen Systems, ästhetischen Idealen, utilitaristischen und künstlerischen Bedürfnissen der Gesellschaft; Architektur ist enger als andere Künste mit der Entwicklung der Produktivkräfte, mit der Entwicklung der Technologie verbunden).

Architektur ist Kunst, Ingenieurwesen und Bauwesen, was eine enorme Konzentration kollektiver Anstrengungen und materieller Ressourcen erfordert ( Isaakskathedrale wurde zum Beispiel von einer halben Million Menschen in vierzig Jahren gebaut. Architektonische Werke sind für die Ewigkeit geschaffen. Der Schöpfer des „Steinbuches“ und sein „Leser“ sind die Menschen. Ein architektonisches Werk ist eine riesige steinerne Symphonie, eine mächtige Schöpfung des Volkes, wie die Ilias, ein erstaunliches Ergebnis der Kombination aller Kräfte einer ganzen Ära.

Schon in der Antike interagierte die Architektur mit monumentalen Skulpturen, Gemälden, Mosaiken und Ikonen. In dieser Synthese dominiert die Architektur. Manchmal geht Literatur in Form eines Zitats aus einem literarischen Text ein Unterordnungsverhältnis mit Architektur und Skulptur ein. Es gibt auch einen bekannten Fall der untergeordneten Wechselwirkung von Musik mit Architektur: Eine der burmesischen Pagoden ist mit Glocken behangen, die eine silberne Wolke des leichtesten und sanftesten Klangs um das Bauwerk erzeugen. Orgelmusik wurde gotischen Kathedralen untergeordnet.

Grundlage der architektonischen Komposition ist die volumetrisch-räumliche Struktur, das organische Verhältnis der Elemente eines Gebäudes oder Gebäudeensembles. Der Maßstab der Struktur ist semiotisch bedeutsam und bestimmt maßgeblich den Charakter des künstlerischen Bildes, seine Monumentalität oder Intimität. Architektur gibt die Realität nicht bildlich wieder, sondern ist expressiver Natur. Rhythmus, das Verhältnis von Volumen und Linien sind die Mittel seiner Ausdruckskraft. Eine der modernen künstlerischen Strukturen ist Arrhythmie im Rhythmus, Dissonanz in Harmonie (zum Beispiel ein Gebäudeensemble in der Stadt Brasilien).

Die Architektur entstand in der Antike, auf dem höchsten Niveau der Barbarei, als im Bauwesen nicht nur die Gesetze der Notwendigkeit, sondern auch der Schönheit zu wirken begannen.

Im alten Ägypten wurden riesige Gräber gebaut (die Höhe der Cheops-Pyramide in Gizeh beträgt etwa 150 m), Tempel mit vielen mächtigen Säulen (im Amun-Tempel in Karnak beträgt die Höhe der Säulen 20,4 m und der Durchmesser 3,4 m). M). Diese Architektur zeichnet sich durch geometrische Klarheit der Formen, fehlende Unterteilungen, Missverhältnis zwischen der Größe des Bauwerks und der Person sowie eine Monumentalität aus, die den Einzelnen überwältigt. Grandiose Bauwerke wurden nicht zur Befriedigung der materiellen Bedürfnisse des Volkes, sondern im Namen spiritueller und religiöser Ziele geschaffen und dienten der sozialen Organisation der Ägypter unter der despotischen Herrschaft des Pharaos.

IN Das antike Hellas Architektur erhält ein demokratisches Erscheinungsbild. Religiöse Gebäude (zum Beispiel der Parthenon-Tempel) bekräftigen die Schönheit, Freiheit und Würde des griechischen Bürgers. Es entstehen neue Arten öffentlicher Gebäude – Theater, Stadien, Schulen. Architekten folgen dem von Aristoteles formulierten humanistischen Schönheitsprinzip: Schönheit ist nicht zu groß und nicht zu klein. Der Mensch fungiert hier als Maßstab für die Schönheit und Größe des Gebäudes, das im Gegensatz zu den Bauten des alten Ägypten das Individuum nicht unterdrückt, sondern erhöht, was den sozialen Zielen der athenischen Demokratie entsprach. Architekten antikes Griechenland ein Ordnungssystem schaffen, das eine große Rolle bei der Entwicklung der Architektur spielte. IN Antikes Rom Gewölbte und gewölbte Betonkonstruktionen sind weit verbreitet. Es entstanden neue Gebäudetypen: Foren, Triumphbögen, die die Vorstellungen von Staatlichkeit und militärischer Macht widerspiegelten.

Im Mittelalter wurde die Architektur zur führenden und wichtigsten in Massenform Kunst, deren Bilder auch für Analphabeten zugänglich waren. In den Himmel ragende gotische Kathedralen drückten den religiösen Drang zu Gott und den leidenschaftlichen irdischen Traum der Menschen vom Glück aus.

Die Architektur der Renaissance entwickelt sich weiter neue Basis Prinzipien und Formen antiker Klassiker.

Der Klassizismus kanonisierte die Kompositionstechniken der Antike.

Vom Ende des 16. Jahrhunderts bis Mitte des 18. Jahrhunderts c., im Zeitalter der Nationalstaatsbildung, begleitet von Kriegen, entwickelte sich der Barock (viele Stuckdekorationen, Komplexität der Einteilungen und Raumverhältnisse, Prunk, Erhebung, Formenkontrast). Barocke Bauten dienten der Verherrlichung und Bekräftigung des Absolutismus (wie das Schloss von Versailles) und des Katholizismus (wie die römische Kirche Santa Maria della Vittoria).

Zu Beginn des 18. Jahrhunderts. In Frankreich entstand der Rokoko-Stil und verbreitete sich in ganz Europa (zum Beispiel im Schloss Sans Souci in Potsdam) als Ausdruck des Geschmacks der Aristokratie (Dekoration, skurrile Formverzierung, bewusste Asymmetrie und Komplexität gewundener Linien usw.). Innenraum - reiche Gemälde und große Spiegel, die den Eindruck von Leichtigkeit und Immaterialität von Wänden erwecken).

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Das Rokoko weicht dem Empire – einem monumentalen, majestätischen Stil, der auf den Traditionen des Klassizismus und dem Stil der römischen Kaiserzeit basiert. Es drückt militärische Macht und die Größe der Macht aus (z. B. Triumphbogen in Paris, die die Bögen der Antike übertrifft, oder die Vendome-Säule, die die Trajanssäule in Rom wiederholt).

Die Errungenschaften der russischen Architektur werden in Kremls, Festungen, Palästen, religiösen und zivilen Gebäuden dargestellt. Die russische Architektur ist reich an originellen nationalen Schöpfungen (der Glockenturm von Iwan dem Großen, die Basilius-Kathedrale, Holzgebäude mit ihren klaren Designlösungen und reichen Zierformen, wie die Kirchen in Kischi). „Russischer Barock“ behauptete die Einheit des russischen Staates, den Aufstieg des nationalen Lebens (Werke von Rastrelli: Winterpalast und Ensembles von Zarskoje Selo).

Im 18.-19. Jahrhundert. die Prinzipien des russischen Klassizismus werden entwickelt: Klarheit und Ausdruckskraft des architektonischen Bildes, einfache konstruktive und künstlerische Mittel. Im 19. Jahrhundert Eklektizismus wird bekräftigt.

Im 20. Jahrhundert Es entstehen neue Gebäudetypen: Industrie, Verkehr, Verwaltung mehrstöckige Häuser und Wohngebiete. Ihre Konstruktion erfolgt industriell unter Verwendung neuer Materialien und werkseitig hergestellter Standardelemente. Dies verändert ästhetische Kriterien und eröffnet neue Ausdrucksmöglichkeiten in der Architektur (im Städtebau beispielsweise stellt sich das Problem). künstlerischer Ausdruck Massenentwicklung).

Dekoration, die ich gesündigt habe Sowjetische Architektur 30er - 50er Jahre, verlangsamte seine Entwicklung. Der Verzicht auf Dekoration reduzierte die Baukosten, erhöhte Umfang und Tempo und lenkte den kreativen Gedanken der Architekten auf die Suche nach einfachen, ausdrucksstarken architektonischen Lösungen. In dieser Hinsicht ist das Haus der Kinoveteranen, ein Gebäudekomplex am Nowy Arbat in Moskau, bezeichnend.

Skulptur- räumlich-visuelle Kunst, die die Welt in plastischen Bildern beherrscht, die in Materialien eingeprägt sind, die das lebendige Erscheinungsbild von Phänomenen vermitteln können.

Skulpturale Werke werden aus Marmor, Granit und anderen Steinen geschnitzt, aus Holz geschnitzt und aus Ton geformt. Weiche Materialien gelten als vorübergehend; bei der Verarbeitung wird normalerweise davon ausgegangen, dass ein weiterer Guss in haltbarere Materialien erforderlich ist – Gusseisen, Bronze. In unserer Zeit hat sich die Zahl der für die Bildhauerei geeigneten Materialien erweitert: Es sind Werke aus Stahl, Beton und Kunststoff entstanden.

Der Mensch ist das Hauptthema, aber nicht das einzige Thema der Skulptur. Tierkünstler erschaffen Tierfiguren. Eine kreisförmige Skulptur kann nur die Details der Umgebung einer Person nachbilden. Solche Arten von Skulpturen wie Flachreliefs und Hochreliefs stehen der Malerei und Grafik nahe und können Landschaften darstellen.

Bildhauerei vermittelt immer Bewegung. Selbst völlige Ruhe wird in der Skulptur als innere Bewegung wahrgenommen, als dauerhafter Zustand, der sich nicht nur im Raum, sondern auch in der Zeit erstreckt. Dem Bildhauer steht nur ein einziger Aktionsmoment zur Verfügung, der jedoch den Stempel von allem Vorhergehenden und Nachfolgenden trägt. Dies verleiht der Skulptur dynamische Ausdruckskraft. Skulpturales Bild tote Person vermittelt die verborgene Bewegung, die im Körper verbreitet ist, seinen ewigen Frieden und die letzten Anstrengungen des Kampfes, die für immer eingefroren sind. Dies ist das Bild des toten Christus, der auf dem Schoß der Muttergottes liegt, in der Skulptur „Pieta“ von Michelangelo. Die Bewegung schläft im Körper Gottes, des Sohnes, fällt vom Schoß der Mutter und wehrt sich gleichzeitig gewissermaßen gegen diesen leblosen Fall.

Die Wahrnehmung von Skulptur entfaltet sich immer sequentiell in der Zeit, in der sie eingesetzt wird skulpturale Komposition und hilft, Bewegung zu vermitteln. Rundumsicht, Positionswechsel und Blickwinkel werden sichtbar dreidimensionales Bild verschiedene Seiten davon.

Monumentalität ist eine der Möglichkeiten der Skulptur, die ihr eine Synthese mit der Architektur verleiht.

Der Natur der Skulptur liegt eine breite Verallgemeinerung inne. Puschkin stellte fest, dass eine bemalte Skulptur weniger Eindruck macht als eine einfarbige Skulptur;

Die Darstellungs- und Ausdrucksmittel der Skulptur sind Licht und Schatten. Die lichtreflektierenden und schattenwerfenden Flächen und Flächen der skulpturalen Figur erzeugen ein räumliches Formenspiel, das auf den Betrachter ästhetisch wirkt.

Bronzeskulpturen ermöglichen eine scharfe Trennung von Licht und Schatten, während Marmor, der für Lichtstrahlen durchlässig ist, die Vermittlung des subtilen Licht- und Schattenspiels ermöglicht. Dieses Merkmal des Marmors wurde von antiken Künstlern genutzt; So vermittelt der zartrosa, leicht durchscheinende Marmor der Statue der Venus von Milo auf erstaunliche Weise die Zartheit und Elastizität des Körpers einer Frau.

Skulptur ist eine davon älteste Art Kunst aus der Altsteinzeit. Während der Entwicklung der antiken Gesellschaft wurde auf der Grundlage magischer Realitäten (synkretistischer und ritueller Natur, vorkünstlerische Bilder), die aus praktischen Bedürfnissen entstanden, ein Zeichensystem geboren, das dann zur künstlerischen und figurativen Reflexion der Welt beitrug. Beispielsweise wird ein Stein, der ein Tier verkörperte und als Ziel für das Zufügen von Wunden diente (eine „Probe“ für eine Jagd), durch ein natürliches Stofftier und dann durch ein skulpturales Abbild davon ersetzt.

Im alten Ägypten war Skulptur mit dem Totenkult verbunden: Der Glaube, dass die Seele lebt, solange das Bild einer Person existiert, erzwang die Schaffung langlebiger Skulpturen aus den stärksten Materialien (libanesische Zeder, Granit, roter Porphyr, Basalt). ). Altägyptische Skulptur inhärente Monumentalität, eine gewisse Einfachheit der Formen, eine Tendenz zu statischen Figuren.

Im antiken Griechenland erreichte die Bildhauerei ihren Höhepunkt. Es ist kein Zufall, dass Hegel die klassische (antike) Kunstepoche mit der Bildhauerei in Verbindung brachte. In der antiken Skulptur herrscht immer ein Gefühl innerer Freiheit. Der Held fühlt sich wohl und behält seine innere Würde; selbst das Leiden verzerrt oder entstellt sein Gesicht nicht und stört nicht die Harmonie des Bildes (zum Beispiel „Laokoon“).

Im Mittelalter entwickelten sich monumentale Formen der Skulptur, die eine Synthese mit der Architektur bildeten. Gotische Skulpturen kombinierten naturalistische Details mit dekorativen und dynamischen Figuren, die ein intensives spirituelles Leben vermittelten. Es tauchen auch illusorische, phantasmagorische, allegorische Bilder auf (z. B. Chimären der Kathedrale Notre Dame).

Bildhauer schufen während der Renaissance eine Galerie mit farbenfrohen, individuellen Bildern von willensstarken, proaktiven und aktiven Menschen.

Die barocke Bildhauerei (17. Jahrhundert) war feierlich, pathetisch, zeremoniell, voller bizarrer Licht- und Schattenspiele, dem Sieden wirbelnder Massen.

Die Skulptur des Klassizismus hingegen ist rationalistisch, ruhig, majestätisch und edel schlicht. Im 18. Jahrhundert Die Skulptur konzentriert sich auf die sozialpsychologischen Porträtmerkmale einer Person.

Im 19. Jahrhundert Der Realismus erblüht in der Skulptur: Bilder erhalten ästhetische Vielseitigkeit, historische Spezifität, alltäglichen und psychologischen Charakter.

Im 20. Jahrhundert Bildhauer geben eine verallgemeinerte, manchmal symbolische Interpretation skulpturaler Bilder. Die Skulptur vertieft den psychologischen Inhalt des Bildes und erweitert die Möglichkeiten, das spirituelle Leben der Zeit plastisch auszudrücken.

Architektur und Skulptur des antiken Griechenlands

Städte der Antike befanden sich normalerweise in der Nähe eines hohen Felsens, auf dem eine Zitadelle errichtet wurde, damit man sich verstecken konnte, falls der Feind in die Stadt eindrang. Eine solche Zitadelle wurde Akropolis genannt. Ebenso bildete sich auf einem Felsen, der fast 150 Meter über Athen aufragte und lange Zeit als natürliche Verteidigungsanlage gedient hatte, nach und nach eine Oberstadt in Form einer Festung (Akropolis) mit verschiedenen Verteidigungs-, öffentlichen und religiösen Bauwerken.
Mit dem Bau der Athener Akropolis wurde im 2. Jahrtausend v. Chr. begonnen. Während der Griechisch-Persischen Kriege (480–479 v. Chr.) wurde es vollständig zerstört; später begann unter der Leitung des Bildhauers und Architekten Phidias mit der Restaurierung und dem Wiederaufbau.
Die Akropolis sei einer dieser Orte, „von denen alle behaupten, sie seien großartig und einzigartig.“ Aber fragen Sie nicht, warum. Niemand kann dir antworten ...“ Es kann gemessen werden, sogar alle seine Steine ​​können gezählt werden. Es ist keine große Sache, es von Anfang bis Ende durchzuarbeiten – es dauert nur ein paar Minuten. Die Mauern der Akropolis sind steil und steil. Auf diesem felsigen Hügel stehen noch immer vier großartige Kreationen. Eine breite Zickzackstraße verläuft vom Fuß des Hügels bis zum einzigen Eingang. Dies sind die Propyläen – ein monumentales Tor mit Säulen im dorischen Stil und einer breiten Treppe. Sie wurden 437-432 v. Chr. vom Architekten Mnesicles erbaut. Doch bevor sie diese majestätischen Marmortore betraten, wandten sich alle unwillkürlich nach rechts. Dort, auf dem hohen Sockel der Bastion, die einst den Eingang zur Akropolis bewachte, steht der mit ionischen Säulen geschmückte Tempel der Siegesgöttin Nike Apteros. Dies ist das Werk des Architekten Kallikrates (zweite Hälfte des 5. Jahrhunderts v. Chr.). Der Tempel – hell, luftig, ungewöhnlich schön – hob sich durch sein Weiß vom blauen Hintergrund des Himmels ab. Dieses fragile Gebäude, das wie ein elegantes Marmorspielzeug aussieht, scheint selbst zu lächeln und zaubert den Passanten ein liebevolles Lächeln.
Die ruhelosen, leidenschaftlichen und aktiven Götter Griechenlands ähnelten den Griechen selbst. Sie waren zwar größer, konnten durch die Luft fliegen, jede beliebige Form annehmen und sich in Tiere und Pflanzen verwandeln. Aber im Übrigen verhielten sie sich wie gewöhnliche Menschen: Sie heirateten, betrogen einander, stritten sich, schlossen Frieden, bestraft Kinder ...

Demeter-Tempel, Erbauer unbekannt, 6. Jahrhundert. Chr. Olympia

Tempel des Nike Apteros, Architekt Kallikrates, 449-421 v. Chr. Athen

Propyläen, Architekt Mnesical, 437-432 v. Chr. Athen

Die Siegesgöttin Nike wurde als schöne Frau mit großen Flügeln dargestellt: Der Sieg ist wankelmütig und fliegt von einem Gegner zum anderen. Die Athener stellten sie als flügellos dar, damit sie die Stadt, die sie erst kürzlich erobert hatte, nicht verlassen würde. großer Siegüber die Perser. Ohne Flügel konnte die Göttin nicht mehr fliegen und musste für immer in Athen bleiben.
Der Nika-Tempel steht auf einem Felsvorsprung. Es ist leicht den Propyläen zugewandt und fungiert als Leuchtturm für Prozessionen, die den Felsen umrunden.
Unmittelbar hinter den Propyläen stand stolz die Kriegerin Athene, deren Speer den Reisenden schon von weitem begrüßte und den Seeleuten als Leuchtfeuer diente. Die Inschrift auf dem Steinsockel lautete: „Die Athener widmeten sich dem Sieg über die Perser.“ Das bedeutete, dass die Statue aus Bronzewaffen gegossen wurde, die die Perser als Ergebnis ihrer Siege erbeutet hatten.
Auf der Akropolis befand sich auch das Tempelensemble Erechtheion, das (nach dem Plan seiner Schöpfer) mehrere auf unterschiedlichen Ebenen liegende Heiligtümer miteinander verbinden sollte – der Felsen ist hier sehr uneben. Der nördliche Portikus des Erechtheion führte zum Heiligtum der Athene, wo eine hölzerne Statue der Göttin aufbewahrt wurde, die angeblich vom Himmel fiel. Die Tür des Heiligtums öffnete sich in einen kleinen Innenhof, in dem der einzige heilige Olivenbaum auf der gesamten Akropolis wuchs, der aufging, als Athene an dieser Stelle den Felsen mit ihrem Schwert berührte. Durch den östlichen Portikus gelangte man in das Heiligtum des Poseidon, wo er, nachdem er mit seinem Dreizack auf den Felsen geschlagen hatte, drei Furchen mit gurgelndem Wasser hinterließ. Hier befand sich auch das Heiligtum des Erechtheus, der ebenso wie Poseidon verehrt wurde.
Der zentrale Teil des Tempels ist ein rechteckiger Raum (24,1 x 13,1 Meter). Der Tempel enthielt auch das Grab und Heiligtum des ersten legendären Königs von Attika, Kekrops. Auf der Südseite des Erechtheions befindet sich der berühmte Karyatidenportikus: Am Rand der Wand stützen sechs aus Marmor geschnitzte Mädchen die Decke. Einige Gelehrte vermuten, dass der Portikus als Tribüne für angesehene Bürger diente oder dass sich hier Priester zu religiösen Zeremonien versammelten. Der genaue Zweck des Portikus ist jedoch noch unklar, denn „Portikus“ bedeutet Vorhalle, und in diesem Fall hatte der Portikus keine Türen und von hier aus ist es unmöglich, in den Tempel zu gelangen. Die Figuren des Portikus der Karyatiden sind im Wesentlichen Stützen, die eine Säule oder Säule ersetzen; sie vermitteln auch perfekt die Leichtigkeit und Flexibilität der Mädchenfiguren. Die Türken, die einst Athen eroberten und aufgrund ihres muslimischen Glaubens keine Menschenbilder erlaubten, zerstörten diese Statuen jedoch nicht. Sie beschränkten sich darauf, den Mädchen nur die Gesichter abzuschneiden.

Erechtheion, Erbauer unbekannt, 421-407 v. Chr. Athen

Parthenon, Architekten Iktinus, Kallikrates, 447-432 v. Chr. Athen

Im Jahr 1803 brach Lord Elgin, der englische Botschafter in Konstantinopel und Sammler, mit Erlaubnis des türkischen Sultans eine der Karyatiden im Tempel aus und brachte sie nach England, wo er sie dem British Museum schenkte. Da er den Firman des türkischen Sultans zu weit auslegte, nahm er auch viele der Skulpturen des Phidias mit und verkaufte sie für 35.000 Pfund Sterling. Firman erklärte, dass „niemand ihn daran hindern sollte, ein paar Steine ​​mit Inschriften oder Figuren von der Akropolis mitzunehmen.“ Elgin füllte 201 Kisten mit solchen „Steinen“. Nach eigenen Angaben nahm er nur bereits gefallene oder vom Einsturz bedrohte Skulpturen mit, angeblich um sie vor der endgültigen Zerstörung zu bewahren. Aber Byron nannte ihn auch einen Dieb. Später (während der Restaurierung des Portikus der Karyatiden in den Jahren 1845–1847) schickte das British Museum einen Gipsabdruck der von Lord Elgin mitgenommenen Statue nach Athen. Der Abguss wurde später durch eine haltbarere Kopie aus Kunststein aus England ersetzt.
Ende des letzten Jahrhunderts verlangte die griechische Regierung von England die Rückgabe seiner Schätze, erhielt jedoch die Antwort, dass das Londoner Klima für sie günstiger sei.
Zu Beginn unseres Jahrtausends, als Griechenland im Zuge der Teilung des Römischen Reiches an Byzanz verlegt wurde, wurde das Erechtheion in einen christlichen Tempel umgewandelt. Später machten die Kreuzfahrer, die Athen eroberten, den Tempel zu einem herzoglichen Palast, und während der türkischen Eroberung Athens im Jahr 1458 wurde im Erechtheion ein Harem des Kommandanten der Festung eingerichtet. Während des Befreiungskrieges von 1821–1827 belagerten Griechen und Türken abwechselnd die Akropolis und bombardierten ihre Bauwerke, darunter das Erechtheion.
Im Jahr 1830 (nach der Proklamation der griechischen Unabhängigkeit) konnten am Standort des Erechtheions lediglich Fundamente sowie auf dem Boden liegende architektonische Dekorationen gefunden werden. Gelder für die Restaurierung dieses Tempelensembles (sowie für die Restaurierung vieler anderer Bauwerke der Akropolis) wurden von Heinrich Schliemann bereitgestellt. Sein engster Mitarbeiter V. Derpfeld vermaß und verglich die antiken Fragmente sorgfältig und plante bereits Ende der 70er Jahre des letzten Jahrhunderts die Restaurierung des Erechtheions. Doch dieser Wiederaufbau stieß auf heftige Kritik und der Tempel wurde abgerissen. Das Gebäude wurde 1906 unter der Leitung des berühmten griechischen Wissenschaftlers P. Kavadias wieder aufgebaut und schließlich 1922 restauriert.

„Venus von Milo“ Agessander(?), 120 v. Chr. Louvre, Paris

„Laokoon“ Agessander, Polydorus, Athenodorus, ca. 40 v. Chr. Griechenland, Olympia

„Herkules von Farnese“, ca. 200 v. Chr h., Nat. Museum, Neapel

„Verwundete Amazone“ Polykleitos, 440 v. Chr. National Museum Rom

Der Parthenon – der Tempel der Göttin Athene – ist das größte Bauwerk auf der Akropolis und die schönste Schöpfung griechischer Architektur. Er steht nicht in der Mitte des Platzes, sondern etwas seitlich, so dass man sofort die Vorder- und Seitenfassaden betrachten und die Schönheit des Tempels als Ganzes verstehen kann. Die alten Griechen glaubten, dass der Tempel mit der Hauptkultstatue in der Mitte das Haus der Gottheit darstellte. Der Parthenon ist der Tempel der Jungfrau Athene (Parthenos), und deshalb befand sich in seiner Mitte eine Chrysoelephantin-Statue (aus Elfenbein und Goldplatten auf einem Holzsockel) der Göttin.
Der Parthenon wurde 447-432 v. Chr. errichtet. Architekten Ictinus und Callicrates aus pentelischem Marmor. Es befand sich auf einer vierstöckigen Terrasse, die Grundfläche betrug 69,5 x 30,9 Meter. Der Parthenon ist auf vier Seiten von schlanken Kolonnaden umgeben; zwischen ihren weißen Marmorstämmen sind Lücken aus blauem Himmel sichtbar. Völlig lichtdurchflutet wirkt es luftig und leicht. Auf weißen Säulen Nr helle Zeichnungen, wie man sie in ägyptischen Tempeln findet. Lediglich Längsrillen (Flöten) überziehen sie von oben nach unten und lassen den Bügel dadurch höher und noch schlanker wirken. Ihre Schlankheit und Leichtigkeit verdanken die Säulen der Tatsache, dass sie sich nach oben hin leicht verjüngen. Im mittleren Teil des Stammes, der für das Auge überhaupt nicht sichtbar ist, verdicken sie sich und wirken dadurch elastischer, sodass sie dem Gewicht von Steinblöcken besser standhalten können. Iktinus und Kallikrates, nachdem sie beide durchdacht hatten das kleinste Detail, schuf ein Gebäude, das durch seine erstaunliche Proportionalität, extreme Einfachheit und Reinheit aller Linien besticht. Der Parthenon befand sich auf der oberen Plattform der Akropolis in einer Höhe von etwa 150 Metern über dem Meeresspiegel und war nicht nur von überall in der Stadt aus sichtbar, sondern auch von zahlreichen Schiffen aus, die nach Athen fuhren. Der Tempel war eine dorische Umfassungsmauer, die von einer Kolonnade aus 46 Säulen umgeben war.

„Aphrodite und Pan“, 100 v. Chr., Delphi, Griechenland

„Diana die Jägerin“ Leochard, ca. 340 v. Chr., Louvre, Paris, Frankreich

„Ruhender Hermes“ Lysippos, IV. Jahrhundert. Chr BC, Nationalmuseum, Neapel

„Herkules im Kampf mit dem Löwen“ Lysippos, ca. 330 v. Chr Eremitage, St. Petersburg

„Atlas Farnese“ um 200 v. Chr., Nat. Museum, Neapel

Die berühmtesten Meister waren an der skulpturalen Gestaltung des Parthenon beteiligt. Der künstlerische Leiter des Baus und der Dekoration des Parthenon war Phidias, einer der größten Bildhauer aller Zeiten. Er besitzt allgemeine Zusammensetzung und das Design aller skulpturalen Dekorationen, von denen er einige selbst ausführte. Die organisatorische Leitung des Baus oblag Perikles, dem größten Staatsmann Athens.
Die gesamte skulpturale Gestaltung des Parthenon sollte die Göttin Athene und ihre Stadt – Athen – verherrlichen. Das Thema des Ostgiebels ist die Geburt der geliebten Tochter des Zeus. Auf dem Westgiebel stellte der Meister eine Szene eines Streits zwischen Athene und Poseidon um die Vorherrschaft über Attika dar. Dem Mythos zufolge gewann Athene den Streit und schenkte den Bewohnern dieses Landes einen Olivenbaum.
Auf den Giebeln des Parthenon versammelten sich die Götter Griechenlands: der Donnerer Zeus, der mächtige Herrscher der Meere Poseidon, die weise Kriegerin Athene, die geflügelte Nike. Die skulpturale Dekoration des Parthenon wurde durch einen Fries vervollständigt, der eine feierliche Prozession während des Festes der Großen Panathenäen darstellte. Dieser Fries gilt als einer der Höhepunkte der klassischen Kunst. Bei aller kompositorischen Geschlossenheit verblüffte es durch seine Vielfältigkeit. Von den mehr als 500 Figuren von jungen Männern, älteren Menschen, Mädchen, zu Fuß und zu Pferd wiederholte keine die andere die Bewegungen von Menschen und Tieren;
Die Figuren des skulpturalen griechischen Reliefs sind nicht flach, sie haben das Volumen und die Form des menschlichen Körpers. Sie unterscheiden sich von Statuen lediglich dadurch, dass sie nicht allseitig bearbeitet sind, sondern mit dem durch die flache Oberfläche des Steins gebildeten Hintergrund zu verschmelzen scheinen. Helle Farben belebten den Parthenon-Marmor. Der rote Hintergrund betonte das Weiß der Figuren, die schmalen vertikalen Vorsprünge, die eine Platte des Frieses von der anderen trennten, hoben sich deutlich in Blau ab und die Vergoldung glänzte hell. Hinter den Säulen war auf einem Marmorband, das alle vier Fassaden des Gebäudes umgab, ein festlicher Umzug dargestellt. Hier gibt es fast keine Götter, und Menschen, die für immer in Stein gemeißelt waren, zogen entlang der beiden Längsseiten des Gebäudes und versammelten sich an der Ostfassade, wo eine feierliche Zeremonie stattfand, um dem Priester ein von athenischen Mädchen gewebtes Gewand zu überreichen Göttin. Jede Figur zeichnet sich durch ihre einzigartige Schönheit aus und zusammen spiegeln sie das wahre Leben und die wahren Bräuche genau wider alte Stadt.

Tatsächlich fand alle fünf Jahre an einem der heißen Tage des Hochsommers in Athen eine landesweite Feier zu Ehren der Geburt der Göttin Athene statt. Es wurde die Große Panathenaia genannt. Daran nahmen nicht nur Bürger des athenischen Staates, sondern auch viele Gäste teil. Die Feier bestand aus einer feierlichen Prozession (Pumpe), der Überführung einer Hekatombe (100 Stück Vieh) und einem gemeinsamen Essen, Sport-, Reit- und Musikwettbewerben. Der Gewinner erhielt eine besondere, mit Öl gefüllte, sogenannte panathenäische Amphore und einen Kranz aus den Blättern des heiligen Olivenbaums, der auf der Akropolis wächst.

Der feierlichste Moment des Feiertags war die Nationalprozession zur Akropolis. Reiter auf Pferden waren in Bewegung, Staatsmänner, Krieger in Rüstungen und junge Sportler gingen spazieren. Priester und Adlige marschierten in langen weißen Gewändern, Herolde priesen lautstark die Göttin, Musiker erfüllten die noch kühle Morgenluft mit freudigen Klängen. Entlang der Zickzack-Panathena-Straße, die von Tausenden von Menschen mit Füßen getreten wurde, erklommen Opfertiere den hohen Hügel der Akropolis. Die Jungen und Mädchen trugen ein Modell des heiligen Panathenäischen Schiffs mit sich, an dessen Mast ein Peplos (Schleier) befestigt war. Eine leichte Brise ließ den leuchtenden Stoff des gelbvioletten Gewandes flattern, das die edlen Mädchen der Stadt als Geschenk an die Göttin Athene trugen. Ein ganzes Jahr lang haben sie es gewebt und bestickt. Andere Mädchen hielten heilige Opfergefäße hoch über ihren Köpfen. Allmählich näherte sich die Prozession dem Parthenon. Der Eingang zum Tempel erfolgte nicht aus den Propyläen, sondern aus anderen, als ob jeder zuerst umhergehen, die Schönheit aller Teile des schönen Gebäudes untersuchen und schätzen würde. Im Gegensatz zu christlichen Kirchen waren die antiken griechischen Kirchen nicht für den Gottesdienst im Inneren gedacht; die Menschen blieben während religiöser Aktivitäten außerhalb des Tempels. In den Tiefen des Tempels, der an drei Seiten von zweistufigen Kolonnaden umgeben war, stand er stolz berühmte Statue die Jungfrau Athene, geschaffen vom berühmten Phidias. Ihre Kleidung, ihr Helm und ihr Schild waren aus reinem, funkelndem Gold, und ihr Gesicht und ihre Hände leuchteten im Weiß von Elfenbein.

Über den Parthenon wurden viele Buchbände geschrieben, darunter Monographien über jede seiner Skulpturen und über jeden Schritt des allmählichen Verfalls seit der Zeit, als er nach dem Erlass von Theodosius I. ein christlicher Tempel wurde. Im 15. Jahrhundert verwandelten die Türken es in eine Moschee und im 17. Jahrhundert in ein Schießpulverlager. Der türkisch-venezianische Krieg von 1687 verwandelte es in eine endgültige Ruine, als eine Artilleriegranate es traf und in einem Moment das vollbrachte, was alles verschlingende Zeit in 2000 Jahren nicht geschafft hätte.

Kunstarten sind historisch etablierte Formen Kreative Aktivitäten, die Fähigkeit besitzen, den Inhalt des Lebens künstlerisch zu verwirklichen und sich in den Methoden seiner materiellen Verkörperung zu unterscheiden.

Die Architektur- eine monumentale Kunstform, deren Zweck darin besteht, Strukturen und Gebäude zu schaffen, die für das Leben und die Aktivitäten der Menschheit notwendig sind und den nützlichen und spirituellen Bedürfnissen der Menschen gerecht werden.

Die Formen architektonischer Bauwerke hängen von den geografischen und klimatischen Bedingungen, der Beschaffenheit der Landschaft, der Intensität des Sonnenlichts, der Erdbebensicherheit usw. ab.

Architektur ist enger mit der Entwicklung der Produktivkräfte und der Entwicklung der Technologie verbunden als andere Künste. Architektur kann mit monumentaler Malerei, Skulptur, dekorativen und anderen Kunstformen kombiniert werden. Grundlage der architektonischen Komposition ist die volumetrisch-räumliche Struktur, das organische Verhältnis der Elemente eines Gebäudes oder Gebäudeensembles. Der Maßstab der Struktur bestimmt maßgeblich den Charakter des künstlerischen Bildes, seine Monumentalität oder Intimität.

Architektur gibt die Realität nicht direkt wieder, sie ist nicht bildhafter, sondern ausdrucksstarker Natur.

Skulptur- räumliche visuelle Kunst, die Welt in plastischen Bildern beherrschen.

Die Hauptmaterialien für Skulpturen sind Stein, Bronze, Marmor und Holz. Im gegenwärtigen Stadium der gesellschaftlichen Entwicklung und des technologischen Fortschritts hat sich die Anzahl der zur Herstellung von Skulpturen verwendeten Materialien erweitert: Stahl, Kunststoff, Beton und andere.

Es gibt zwei Haupttypen von Skulpturen: dreidimensionale (kreisförmige) und Reliefskulpturen:

Hochrelief - Hochrelief,

Flachrelief - Flachrelief,

Gegenrelief – Einsteckrelief.

Per Definition kann Skulptur monumental, dekorativ oder Staffelei sein.

Monumental – dient zur Dekoration von Straßen und Plätzen in der Stadt, zur Markierung historisch wichtiger Orte, Ereignisse usw. Zu den monumentalen Skulpturen gehören:

Monumente,

Monumente,

Denkmäler.

Staffelei – für die Inspektion aus nächster Nähe konzipiert und zur Dekoration von Innenräumen bestimmt.

Dekorativ – zur Dekoration des Alltags (kleine Plastikgegenstände).

Die Kultur der primitiven Gesellschaft

Paläolithikum

Während des Spätpaläolithikums bildeten sich in der primitiven Gesellschaft viele wichtige Bestandteile der materiellen Kultur heraus. Die vom Menschen genutzten Werkzeuge werden immer komplexer und umfassender in der Form, die oft ästhetisch anmutet. Zu diesem Zweck organisieren die Menschen Jagden auf Großtiere, bauen Häuser aus Holz, Steinen und Knochen, tragen Kleidung und verarbeiten Häute.

Die spirituelle Kultur wird nicht weniger komplex. Erstens besitzt der primitive Mensch das Wesentliche bereits vollständig menschliche Qualitäten: Denken, Wille, Sprache. Die ersten Religionsformen bilden sich in der Gesellschaft: Magie, Totemismus, Fetischismus, Animismus.

Magie ist der Ursprung jeder Religion und ist ein Glaube daran übernatürliche Fähigkeiten menschlicher Einfluss auf Menschen und Naturphänomene. Totemismus verbunden mit dem Glauben an die Verwandtschaft des Stammes mit Totems, die normalerweise vorhanden sind bestimmte Typen Tiere oder Pflanzen. Fetischismus - Glaube an die übernatürlichen Eigenschaften bestimmter Objekte – Fetische (Amulette, Amulette, Talismane), die eine Person vor Schaden schützen können. Animismus verbunden mit Vorstellungen über die Existenz von Seelen und Geistern, die das Leben der Menschen beeinflussen.

Im Spätpaläolithikum entwickelte sich die Kunst erfolgreich, insbesondere die bildende Kunst, die durch fast alle Arten repräsentiert wurde: Farbzeichnung, Relief- und Rundskulptur, Gravur. Als Materialien werden verschiedene Steinarten, Ton, Holz, Horn und Knochen verwendet. Als Farbe - Ruß, mehrfarbiger Ocker, Megrel.

Die meisten Geschichten sind Tieren gewidmet, die von Menschen gejagt wurden: Mammut, Hirsch, Stier, Bär, Löwe, Pferd. Die Person wird selten dargestellt. In diesem Fall wird der Frau eindeutig der Vorzug gegeben. Ein prächtiges Denkmal in dieser Hinsicht kann die in Österreich gefundene Frauenskulptur „Venus von Willendorf“ sein. Diese Skulptur weist bemerkenswerte Merkmale auf: einen Kopf ohne Gesicht, die Gliedmaßen sind nur umrissen, während die Geschlechtsmerkmale stark betont sind.

Im Endstadium des Paläolithikums bleiben Tiere das Hauptthema, sie werden jedoch in Bewegung, in Dynamik und in verschiedenen Posen dargestellt. Nun wird das gesamte Bild mit mehreren Farben in unterschiedlichen Tönen und Intensitäten bemalt. Echte Meisterwerke Solche Gemälde finden sich in den berühmten Höhlen von Altamira (Spanien) und Font-de-Rome (Frankreich), wo einige Tiere in Lebensgröße dargestellt sind.

Mesolithikum

Zusammen mit dem Mesolithikum beginnt das moderne geologische Zeitalter – das Holozän, das nach dem Abschmelzen der Gletscher begann. In diesem Stadium verwenden Naturvölker häufig Pfeil und Bogen mit Feuersteineinsätzen und beginnen, ein Boot zu benutzen. Die Produktion von Utensilien aus Holz und Korbgeflecht nimmt zu, insbesondere werden Körbe und Taschen aller Art aus Bast und Schilfrohr hergestellt. Ein Mann zähmt einen Hund.

Die Kultur entwickelt sich weiter, religiöse Vorstellungen, Kulte und Rituale werden deutlich komplexer. Insbesondere der Jenseitsglaube und der Ahnenkult nehmen zu. Das Bestattungsritual beinhaltet die Bestattung von Dingen und den Bau komplexer Grabstätten für das Leben nach dem Tod.

Auch in den Künsten gibt es spürbare Veränderungen. Neben Tieren werden auch Menschen häufig dargestellt; sie beginnen sogar zu dominieren. In seiner Darstellung zeigt sich ein gewisser Schematismus. Gleichzeitig vermitteln Künstler gekonnt den Ausdruck von Bewegungen, den inneren Zustand und die Bedeutung von Ereignissen. Einen bedeutenden Platz nehmen mehrfigurige Szenen der Jagd, des Kreidesammelns, des militärischen Kampfes und der Schlachten ein. Davon zeugen insbesondere die Malereien auf den Felsen von Valtorta (Spanien).

Neolithikum

Diese Ära ist durch tiefgreifende und qualitative Veränderungen in der gesamten Kultur und in allen ihren Bereichen gekennzeichnet. Einer davon ist dieser Kultur hört auf, einheitlich und homogen zu sein: es zerfällt in viele ethnische Kulturen, von denen jedes einzigartige Eigenschaften erhält und zum Original wird. Daher unterscheidet sich das Neolithikum Ägyptens vom Neolithikum Mesopotamiens oder Indiens.

Weitere wichtige Veränderungen wurden durch die agrarische oder neolithische Revolution in der Wirtschaft verursacht, d. h. der Übergang von einer aneignenden Wirtschaft (Sammeln, Jagen, Fischen) zu produzierenden und transformativen Technologien (Landwirtschaft, Viehzucht), was die Entstehung neuer Gebiete bedeutete materielle Kultur. Darüber hinaus entstanden neue Handwerke – Spinnen, Weben, Töpfern und damit auch die Verwendung von Töpferwaren. Bei der Bearbeitung von Steinwerkzeugen kommen Bohren und Schleifen zum Einsatz. Das Baugewerbe erlebt einen deutlichen Boom.

Der Übergang vom Matriarchat zum Patriarchat hatte auch gravierende Folgen für die Kultur. Dieses Ereignis wird manchmal als historische Niederlage für Frauen bezeichnet. Es brachte eine tiefgreifende Umstrukturierung der gesamten Lebensweise, die Entstehung neuer Traditionen, Normen, Stereotypen, Werte und Wertorientierungen mit sich.

Als Folge dieser und anderer Veränderungen und Transformationen finden tiefgreifende Veränderungen in der gesamten spirituellen Kultur statt. Zusammen mit einer weiteren Komplikation der Religion Mythologie erscheint. Die ersten Mythen waren rituelle Zeremonien mit Tänzen, in denen Szenen aus dem Leben entfernter totemistischer Vorfahren eines bestimmten Stammes oder Clans nachgespielt wurden, die als halb Menschen, halb Tiere dargestellt wurden. Beschreibungen und Erklärungen dieser Rituale wurden von Generation zu Generation weitergegeben.

Später besteht der Inhalt der Mythen nicht nur aus den Taten totemistischer Vorfahren, sondern auch aus den Taten echter Helden, die etwas Außergewöhnliches taten, sowie dem Aufkommen des Glaubens an Dämonen und Geister, zu denen Beispiele von Fuhrmännern, Wassermännern, Kobolden und kleinen Meerjungfrauen gehörten , Elfen, Najaden usw. beginnen erschaffen zu werden religiös Mythen erzählen von den Abenteuern und Taten dieser Gottheiten.

In der Jungsteinzeit verfügten die Menschen neben religiösen Vorstellungen bereits über ein recht umfassendes Wissen über die Welt. Sie kannten sich gut in der Gegend aus, in der sie lebten, und verfügten über gute Kenntnisse der umliegenden Flora und Fauna, was zu ihrem Erfolg bei der Jagd und Nahrungssuche beitrug. Sie hatten sich sicher angesammelt astronomisches Wissen, Dies half ihnen, durch den Himmel zu navigieren und die Sterne und Sternbilder darin hervorzuheben. Astronomische Kenntnisse ermöglichten es ihnen, die ersten Kalender zu erstellen und die Zeit im Auge zu behalten. Das hatten sie auch Medizinisches Wissen und Fähigkeiten: Sie kannten die heilenden Eigenschaften von Pflanzen, wussten, wie man Wunden behandelt, Luxationen und Brüche begradigt. Sie benutzten Bildschrift und konnten zählen.

Auch in der Kunst kam es in der Jungsteinzeit zu tiefgreifenden Veränderungen. Neben Tieren sind auch Himmel, Erde, Feuer und Sonne abgebildet. In der Kunst kommt es zur Verallgemeinerung bis hin zum Schematismus, der sich auch in der Darstellung einer Person manifestiert. Kunststoffe aus Stein, Knochen, Horn und Ton erleben eine regelrechte Blüte. Neben der bildenden Kunst gab es noch andere Arten und Genres: Musik, Lieder, Tänze, Pantomime. Waren sie zunächst eng mit Ritualen verbunden, erlangten sie im Laufe der Zeit zunehmend einen eigenständigen Charakter.

Neben Mythen nahm die verbale Kunst auch andere Formen an: Märchen, Geschichten, Sprichwörter und Sprüche. Die angewandte Kunst war weit verbreitet, insbesondere die Herstellung verschiedener Arten von Dekorationen für Dinge und Kleidung.

Kultur des alten Ägypten

Ägypten entwickelte sich, wie jedes andere große Land und zu Beginn seiner Entstehung eine Weltmacht, in mehreren Phasen. Ein so mächtiger und entwickelter Staat hat zur Welt beigetragen kulturelles Erbe, die sich nicht nur auf die Architektur, sondern auch auf das Schreiben, die Literatur und sogar auf Mathematik, Astronomie und Medizin beziehen. Die alten Ägypter hinterließen viele Spuren für Archäologen, dank derer es heute möglich ist, ein ungefähres Bild des Lebens in dieser Zeit zu zeichnen.

Leben der Menschen

Das Alltagsleben spricht sehr beredt über die Kultur eines Volkes in einer bestimmten Zeit. Es ist bekannt, dass die Ägypter großen Wert auf ihr eigenes Aussehen legten. Bis zum Alter von 12 Jahren wurden Kindern die Haare rasiert. In diesem Alter wurden Jungen beschnitten. Männer entfernten jegliche Vegetation auf ihren Körpern und überwachten sorgfältig ihre eigene Sauberkeit. Auch im Alltag trugen Frauen Make-up auf und färbten ihre Augenlider mit Malachitpuder. Sowohl bei Männern als auch bei Frauen waren die Augen schwarz umrandet.
Aufgrund der schwierigen geografische Position Um angemessene Lebensbedingungen zu schaffen, mussten die Ägypter hart arbeiten. Ihre tägliche Ernährung bestand hauptsächlich aus Obst und Gemüse sowie Brot und Bier.

Architektur und Kunst

Altägyptische Baudenkmäler bergen noch immer viele Geheimnisse, die bis heute unlösbar sind. Weltberühmte Tempel, Skulpturen und Pyramiden machen die Ägypter zu einem der größten Baumeister und Architekten der gesamten Menschheitsgeschichte. Die monumentalen Gräber der Pharaonen oder Pyramiden sind eines der sieben Weltwunder und das einzige, das noch erhalten ist.
Neben den Pyramiden Besondere Aufmerksamkeit verdienen altägyptische Tempel. Die von ägyptischen Architekten geschaffenen Wohnstätten der Götter sind schlecht erhalten, aber heute haben Archäologen die Möglichkeit, die Ruinen der Tempel von Amon Ra, Hatschepsup und Ramses III. zu untersuchen. Die Tempel sind komplexe Komplexe aus riesigen Räumen und weitläufigen Innenhöfen. Die Größe der Tempel ist beeindruckend. Vor dem Hintergrund riesiger Gebäude erscheinen Palmen wie kleine Schilfrohre, und die für die Tempelanlage vorgesehene Fläche ist mit der Größe großer Siedlungen vergleichbar. Auf eine Säule passen beispielsweise 100 Personen. In den Tempeln befanden sich unzählige Statuen, Figuren von Sphinxen, Göttern, regierenden Pharaonen und anderen Dingen. Sie bestanden sowohl aus Stein als auch aus Bronze.
Ein weiterer Beweis für das Können ägyptischer Architekten sind die Paläste der Pharaonen. Sie waren Pyramiden und Tempeln in ihrer Größe nicht unterlegen. Heute sind noch die Ruinen von Echnatons Palast übrig.

Schreiben und Sprache

Die Sprache und Schrift des alten Ägypten entwickelte sich während der gesamten Existenz des Volkes und des Staates. Die Schrift durchlief eine lange Entwicklungsphase, und dank der Tatsache, dass die Ägypter auf Stein schrieben, kann der Weg der Sprachbildung nachvollzogen werden.
Es wird angenommen, dass die Schrift im 4. Jahrtausend v. Chr. in Ägypten entstand. e. Es entstand auf der Grundlage eines Zeichnungsbriefes. Näher am 2. Jahrhundert v. Chr. e. Die Zeichnungen wurden vereinfacht und als Hieroglyphen bekannt. Zu diesem Zeitpunkt gab es nicht mehr als 700 weit verbreitete Hieroglyphen. Sie wurden nicht nur auf Steinen abgebildet. Weitere Schreibmaterialien waren Papyrus, Tonscherben und Holztafeln.
Nach und nach wurden 21 einfache Zeichen identifiziert. Sie übermittelten Konsonantenlaute und stellten das dem modernen Menschen vertraute Alphabet dar. Basierend auf diesen Zeichen begann sich die Schrift der Nachbarstaaten zu entwickeln. Die ägyptische Schrift selbst änderte sich jedoch nicht. Schriftgelehrte bevorzugten die traditionelle Schreibweise.

Literatur

Die entwickelte Schrift trug zur Erhaltung und Bereicherung der ägyptischen Literatur bei, der ältesten der Welt. Dank der Hieroglyphenschrift konnten Werke einen vielfältigen Kontext haben. Die mündliche Volkskunst ist in Form mehrerer Lieder zu uns gelangt, beispielsweise dem Lied eines Viehtreibers, Gleichnissen oder Sprüchen.
Im 4. Jahrtausend begannen einige literarische Gattungen Gestalt anzunehmen, beispielsweise Adelsbiografien, Lehrtexte oder poetische Werke. Später, mit der Entwicklung der Literatur, entstanden Werke, die in die Schatzkammer der Weltliteratur aufgenommen wurden, zum Beispiel „Das Märchen von Sinuhet“.
In der ägyptischen Literatur wird dem didaktischen Genre große Aufmerksamkeit geschenkt. Diese Werke ähneln Prophezeiungen. Eines der ältesten Werke der didaktischen Gattung ist „Die Lehren des Ptahhotep“. Auch die Texte der Weisen, die das Volk vor der Nichtbeachtung der von den Göttern vorgeschriebenen Regeln warnten, sind diesem Genre zuzuordnen.

Die Kunst der arabischen Länder ist in ihren Ursprüngen komplex. In Südarabien gehen sie auf die Kulturen der sabäischen, minäischen und himyaritischen Staaten (1. Jahrtausend v. Chr. – 6. Jahrhundert n. Chr.) zurück, die mit dem Mittelmeerraum und dem Osten verbunden sind. Afrika. Alte Traditionen lassen sich in der Architektur der turmförmigen Häuser von Hadhramaut und der mehrstöckigen Gebäude im Jemen nachweisen, deren Fassaden mit farbigen Reliefmustern verziert sind. In Syrien, Mesopotamien, Ägypten und im Maghreb wurden die Stile der mittelalterlichen arabischen Kunst ebenfalls auf lokaler Basis geformt und erfuhren einen gewissen Einfluss iranischer, byzantinischer und anderer Kulturen.

Die Architektur. Das wichtigste religiöse Gebäude des Islam war die Moschee, in der sich die Anhänger des Propheten zum Gebet versammelten. Moscheen bestehend aus einem umzäunten Innenhof und einer Kolonnade (die den Grundstein für den Moscheetyp „Hof“ oder „Säule“ legten) in der 1. Hälfte des 7. Jahrhunderts. entstanden in Basra (635), Kufa (638) und Fustat (40er Jahre des 7. Jahrhunderts). Der Säulentyp blieb lange Zeit der Haupttyp in der monumentalen religiösen Architektur arabischer Länder (Moscheen: Ibn Tulun in Kairo, 9. Jahrhundert; Mutawakkila in Samarra, 9. Jahrhundert; Hassan in Rabat und Koutoubia in Marrakesch, beide 12. Jahrhundert; Große Moschee in Algerien, 11. Jahrhundert usw.) und beeinflusste die muslimische Architektur des Iran, des Kaukasus, Mi. Asien, Indien. Auch in der Architektur entwickelten sich Kuppelbauten, ein frühes Beispiel dafür ist die achteckige Qubbat Al-Sakhra-Moschee in Jerusalem (687–691). Später werden verschiedene religiöse und Gedenkgebäude mit Kuppeln vervollständigt, die meist Mausoleen über den Gräbern berühmter Persönlichkeiten krönen.

Aus dem 13. Jahrhundert bis Anfang des 16. Jahrhunderts. Die Architektur Ägyptens und Syriens war eng miteinander verbunden. Es wurden große Festungsbauten durchgeführt: Zitadellen in Kairo, Aleppo (Aleppo) usw. In der monumentalen Architektur dieser Zeit wich das räumliche Prinzip, das die vorherige Etappe (die Hofmoschee) dominierte, grandiosen architektonischen Volumina: darüber ragen hoch aufragende Türme auf die glatte Oberfläche mächtiger Mauern und großer Portale mit tiefen Nischen, die Kuppeln tragen. Es entstehen majestätische Vier-Aiwan-Gebäude (siehe. Iwan) Typ (früher im Iran bekannt): Maristan (Krankenhaus) von Qalaun (13. Jahrhundert) und die Hassan-Moschee (14. Jahrhundert) in Kairo, Moscheen und Madrassas (theologische Schulen) in Damaskus und anderen Städten Syriens. Zahlreiche Kuppelmausoleen werden gebaut, die manchmal ein malerisches Ensemble bilden (Mamluk-Friedhof in Kairo, 15.-16. Jahrhundert). Zur Dekoration von Wänden außen und innen werden neben Schnitzereien häufig Intarsien mit mehrfarbigen Steinen verwendet. Im Irak im 15.-16. Jahrhundert. Bei der Dekoration werden farbige Glasuren und Vergoldungen verwendet (Moscheen: Musa al-Kadim in Bagdad, Hussein in Karbala, Imam Ali in Nadschaf).

Im 10.-15. Jahrhundert erlebte es großen Wohlstand. Arabische Architektur des Maghreb und Spaniens. In großen Städten (Rabat, Marrakesch, Fes usw.) wurden Kasbahs gebaut – Zitadellen, die durch mächtige Mauern mit Toren und Türmen befestigt waren, und Medinas – Handels- und Handwerksviertel. Die großen Säulenmoscheen des Maghreb mit mehrstufigen, quadratischen Minaretten zeichnen sich durch eine Fülle sich kreuzender Kirchenschiffe, eine Fülle geschnitzter Ornamente (Moscheen in Tlemcen, Taza usw.) aus und sind prächtig mit geschnitztem Holz, Marmor und Mosaiken verziert mehrfarbige Steine, wie zahlreiche Medresen aus dem 13.-14. Jahrhundert in Marokko. In Spanien sind neben der Moschee in Cordoba weitere herausragende Denkmäler arabischer Architektur erhalten geblieben: das Minarett La Giralda, das 1184-96 in Sevilla vom Architekten Jeber errichtet wurde, das Tor nach Toledo, der Palast Alhambra in Granada - ein Meisterwerk arabischer Architektur und dekorativer Kunst des 13.-15. Jahrhunderts. Die arabische Architektur beeinflusste die romanische und gotische Architektur Spaniens (Mudejar-Stil), Siziliens und anderer Mittelmeerländer.

Dekorative, angewandte und bildende Kunst. In der arabischen Kunst wurde das für das künstlerische Denken des Mittelalters charakteristische Prinzip der Dekorativität lebendig verkörpert und führte zu den reichsten Ornamenten, die in jeder Region der arabischen Welt besonders sind, aber durch allgemeine Entwicklungsmuster verbunden sind. Arabeske, die auf antike Motive zurückgeht, ist ein von den Arabern geschaffener neuer Mustertyp, bei dem mathematische Strenge der Konstruktion mit freier künstlerischer Vorstellungskraft kombiniert wird. Es entwickelte sich auch die epigraphische Verzierung – kalligraphisch ausgeführte Inschriften, die in das dekorative Muster einbezogen wurden.

Ornamente und Kalligraphie, die in der Architekturdekoration weit verbreitet waren (Steinschnitzerei, Holzschnitzerei, Klopfen), sind auch charakteristisch für die angewandte Kunst, die ihren Höhepunkt erreichte und vor allem die dekorative Besonderheit des arabischen künstlerischen Schaffens voll zum Ausdruck brachte. Keramik wurde mit farbenfrohen Mustern verziert: glasiertes Haushaltsgeschirr in Mesopotamien (Zentren - Raqqa, Samarra); Mit goldenem Glanz in verschiedenen Farbtönen bemalte Gefäße, hergestellt im fatimidischen Ägypten; Spanisch-maurische Glanzkeramik des 14. und 15. Jahrhunderts, die großen Einfluss auf die europäische angewandte Kunst hatte. Auch arabisch gemusterte Seidenstoffe – syrische, ägyptische, maurische – waren weltberühmt; Die Araber stellten auch Florteppiche her. Bronzeartefakte (Schalen, Krüge, Räuchergefäße und andere Utensilien) sind mit feinsten Prägungen, Gravuren und Intarsien aus Silber und Gold verziert; Produkte aus dem 12. bis 14. Jahrhundert zeichnen sich durch besondere Handwerkskunst aus. Mossul im Irak und einige Handwerkszentren in Syrien. Berühmt waren syrisches Glas, das mit feinster Emailmalerei beschichtet war, und ägyptische Produkte aus Bergkristall, Elfenbein und teurem Holz, verziert mit exquisiten Schnitzmustern.

Kunst in islamischen Ländern entwickelte sich in komplexen Wechselwirkungen mit der Religion. Auch Moscheen heiliges Buch Der Koran wurde mit geometrischen, floralen und epigraphischen Mustern verziert. Im Gegensatz zum Christentum und Buddhismus weigerte sich der Islam jedoch, bildende Kunst in großem Umfang für Propagandazwecke zu nutzen religiöse Vorstellungen. Darüber hinaus im sogenannten Zuverlässige Hadithe, die im 9. Jahrhundert legitimiert wurden, enthalten ein Verbot der Darstellung von Lebewesen und insbesondere Menschen. Theologen des 11.-13. Jahrhunderts. (Ghazali und andere) erklärten diese Bilder zur schwersten Sünde. Allerdings stellten Künstler im gesamten Mittelalter Menschen und Tiere sowie reale und mythologische Szenen dar. Während die Theologie in den ersten Jahrhunderten des Islam noch keinen eigenen ästhetischen Kanon entwickelt hatte, zeugte die Fülle realistisch interpretierter Gemälde und Skulpturen in den Palästen der Umayyaden von der Stärke vorislamischer Kunsttraditionen. Anschließend wird die Gegenständlichkeit in der arabischen Kunst durch das Vorhandensein im Wesentlichen antiklerikaler ästhetischer Ansichten erklärt. Beispielsweise wird im „Brief der Brüder der Reinheit“ (10. Jahrhundert) die Kunst von Künstlern „als Nachahmung der Bilder vorhandener Objekte, sowohl künstlicher als auch natürlicher, sowohl von Menschen als auch von Tieren“, definiert.

Moschee in Damaskus. 8. Jahrhundert Innere. Syrische Arabische Republik.

Mausoleen auf dem Mamluk-Friedhof in der Nähe von Kairo. 15 - Anfang 16. Jahrhundert Vereinigte Arabische Republik.

Die bildende Kunst erlebte im 10.-12. Jahrhundert in Ägypten eine Hochblüte: Bilder von Menschen und Genreszenen schmückten die Wände von Gebäuden in der Stadt Fustat, Keramikgeschirr und Vasen (Meister Saad und andere) und wurden in die Kunst eingewebt Muster aus Knochen- und Holzschnitzereien (Tafel 11 c. aus dem Fatimidenpalast in Kairo usw.) sowie Leinen- und Seidenstoffen; Bronzegefäße wurden in Form von Tier- und Vogelfiguren hergestellt. Ähnliche Phänomene traten in der Kunst Syriens und Mesopotamiens im 10.-14. Jahrhundert auf: Hof- und andere Szenen sind in den exquisiten geprägten und eingelegten Ornamenten von Bronzegegenständen sowie in den Mustern von Gemälden auf Glas und Keramik enthalten.

Das visuelle Element war in der Kunst der Länder des arabischen Westens weniger ausgeprägt. Aber auch hier entstanden dekorative Skulpturen in Form von Tieren, Muster mit Motiven von Lebewesen sowie Miniaturen (Manuskript „Geschichte von Bayad und Riad“, 13. Jahrhundert, Vatikanische Bibliothek). Die arabische Kunst als Ganzes war ein leuchtendes, originelles Phänomen in der Geschichte der weltweiten Kunstkultur des Mittelalters. Sein Einfluss erstreckte sich über die gesamte muslimische Welt und ging weit über deren Grenzen hinaus.

5. Wahrnehmung von Kunstwerken. Analyse von Kunstwerken. Die Bedeutung der Kunst im menschlichen Leben. Größte Kunstmuseen.

6. Ein kurzer Überblick über die Methoden des Zeichenunterrichts in der Antike und im Mittelalter. Der Beitrag von Künstlern der Renaissance zur Lehre der bildenden Künste.

7. Zeichnen lernen Bildungsinstitutionen Russland im 18.-19. Jahrhundert.

8. Verbesserung der Methoden des Zeichenunterrichts an sowjetischen Schulen. Fortgeschrittene pädagogische Erfahrung von Künstler-Lehrern und ihre Rolle in der künstlerischen Ausbildung von Kindern.

11. Künstlerische Ausbildung Schulkinder. Ziel, Ziele, Anforderungen für den Unterricht in Bildender Kunst Grundschule.

12. Vergleichende Analyse von Programmen in den bildenden Künsten (Autoren V.S. Kuzin, B.M. Nemensky, B.P. Yusov usw.), Struktur und Hauptabschnitte des Programms. Arten, Inhalte von Programmen, Themen.

14. Grundsätze der Unterrichtsplanung. Kalender thematische, illustrierte Planung für Bildende Kunst in den Klassen 1-4

15. Merkmale der Planung des Kunstunterrichts in der 1. Klasse.

16. Planung des Kunstunterrichts in der 2. Klasse.

17. Planung einer Unterrichtsstunde in bildender Kunst in der 3. Klasse

1. Erklären Sie die Bedeutung des Wortes.

2. Kreuzworträtsel „Erraten Sie das Schlüsselwort.“

1. Pantomimespiel „Lebende Skulpturen“.

2. Spiel „Bester Reiseleiter“.

22. Arten und Inhalte außerschulischer Arbeit in der bildenden Kunst. Organisation von Wahlfächern in Bildender Kunst. Planung von Kursen in einem Kunstclub.

1. Arten und Inhalte außerschulischer Arbeit in der bildenden Kunst.

2. Organisation der Arbeit der Wahlfächer in Bildender Kunst.

3. Planung von Kursen in einem Kunstclub.

23. Diagnose individueller psychologischer Merkmale von Studierenden. Methodik zur Durchführung von Isotests und Kontrollaufgaben.

24. Entwicklung der kreativen Fähigkeiten der Schüler der Klassen 1-4. Differenzierung und Individualisierung des Unterrichts in der bildenden Kunst.

25. Ausrüstung für den Kunstunterricht. Künstlerische Techniken und Materialien für den Kunstunterricht in der Grundschule

26. Psychologische und altersbedingte Merkmale von Kinderzeichnungen. Analyse- und Bewertungskriterien für Kinder-, Bildungs- und kreative Werke»

27. Pädagogische Zeichnung im Kunstunterricht der Klassen 1–4. „Lehreralbum“. Pädagogische Zeichentechnologien. Methoden des pädagogischen Zeichnens.

28. Vorführungen des Lehrers während des Kunstunterrichts. Anzeigetechnik.

30. Begriffe und Konzepte in der bildenden Kunst. Methoden, um Schülern der Klassen 1-4 das System der Begriffe und Konzepte der bildenden Künste im Unterricht und in außerschulischen Aktivitäten zu vermitteln.

4. Architektur als Kunstform

Architektur ist eine der ältesten Kunstformen und drückt in religiösen und öffentlichen Gebäuden die Weltanschauung der Menschen in einer bestimmten historischen Epoche, einen bestimmten künstlerischen Stil aus Ihre Komplexe bilden eine materielle, künstlerisch organisierte Umgebung für das menschliche Leben. Auch die Kunst, diese räumliche Umgebung zu gestalten und eine neue Realität zu schaffen, die funktionale Bedeutung hat, bringt Vorteile für den Menschen und bietet ästhetischen Genuss. Der Begriff umfasst die Gestaltung der Außenseite eines Bauwerks; Organisation des Innenraums; Auswahl von Materialien für den Außen- und Innenbereich, Entwurf natürlicher und künstlicher Beleuchtungssysteme sowie technischer Unterstützungssysteme; Strom- und Wasserversorgung; dekorative Gestaltung Jedes der Gebäude hat einen bestimmten Zweck: zum Leben oder Arbeiten, zur Erholung oder zum Lernen, zum Handel oder zum Transport. Sie alle sind langlebig, komfortabel und für den Menschen notwendig – das sind ihre zwingenden Eigenschaften.

Arten von Architektur

Es gibt drei Haupttypen von Architektur:

Die Architektur dreidimensionaler Strukturen umfasst religiöse und befestigte Gebäude, Wohngebäude, öffentliche Gebäude (Schulen, Theater, Stadien, Geschäfte usw.), Industriegebäude (Werke, Fabriken usw.);

Landschaftsarchitektur im Zusammenhang mit der Gestaltung von Garten- und Parkflächen (Plätze, Boulevards und Parks mit „kleiner“ Architektur – Pavillons, Brunnen, Brücken, Treppen)

Stadtplanung, die den Bau neuer Städte und Gemeinden sowie den Wiederaufbau alter Stadtgebiete umfasst.

Architekturstile

Architektur ist eng mit dem Leben der Gesellschaft verbunden, ihre Ansichten und Ideologie basieren auf der Idee eines perfekten, körperlich und geistig entwickelten Menschen. Antike Architekten bauten alle ihre Gebäude nach den Proportionen des menschlichen Körpers und verkörperten Harmonie, Widerstand gegen die Elemente der Natur, majestätische Klarheit und Menschlichkeit. „Der Stil der Epoche“ (romanischer Stil, Gotik usw.) entsteht hauptsächlich in diesen historische Perioden, in denen die Wahrnehmung von Kunstwerken vergleichsweise starr ist und sich noch leicht an Stiländerungen anpasst.

Die großen Stile – Romanik, Gotik, Renaissance, Barock, Klassizismus, Empire / Variante des Spätklassizismus – werden meist als gleichwertig und gleichwertig anerkannt. Die Entwicklung der Stile ist asymmetrisch, was sich äußerlich darin äußert, dass sich jeder Stil allmählich verändert einfach bis komplex; Vom Komplexen zum Einfachen kehrt es jedoch nur durch einen Sprung zurück. Daher erfolgen Stiländerungen auf unterschiedliche Weise: langsam – von einfach zu komplex und abrupt – von komplex zu einfach. Der romanische Stil wurde mehr als hundert Jahre lang – ab der Mitte des 12. Jahrhunderts – durch den gotischen Stil ersetzt. bis zur Mitte des 13. Jahrhunderts. Einfache Formen der romanischen Architektur verwandeln sich allmählich in einen komplizierten gotischen Stil. Mit dem Aufkommen der Renaissance beginnt erneut eine Zeit der ideologischen Suche, die Entstehung eines ganzheitlichen Weltanschauungssystems. Und gleichzeitig beginnt der Prozess der allmählichen Verkomplizierung und Auflösung des Einfachen erneut: Die Renaissance wird komplexer, und dahinter kommt der Barock. Der immer komplexer werdende Barock geht in einigen Kunstgattungen (Architektur, Malerei, angewandte Kunst) in Rokoko über. Andererseits gibt es eine Rückkehr zum Einfachen, und infolge des Sprungs tritt der Klassizismus an die Stelle des Barock, dessen Entwicklung in einigen Ländern den Empire-Stil abgelöst hat.

Die Gründe für den Wechsel von Stilpaaren sind folgende: Die Realität wählt keinen Stil unter den bestehenden aus, sondern schafft einen neuen Stil und transformiert den alten. Der erstellte Stil ist der primäre Stil und der transformierte Stil ist der sekundäre Stil.

Architektur des Heimatlandes

Architektur der Region Grodno

Borisoglebskaya (Kolozhskaya) Kirche, ein Denkmal der alten russischen Architektur der zweiten Hälfte des 12. Jahrhunderts.

Schloss Mir, in die UNESCO-Liste aufgenommen, Schloss Lida (XIV.–XV. Jahrhundert)

Architektur der Region Minsk

Erzkathedrale der Heiligen Jungfrau Maria (zweite Hälfte des 17. – Anfang des 18. Jahrhunderts)

Kirche der Heiligen Simeon und Helena (Rote Kirche) – ein Denkmal neugotischer Architektur mit Jugendstilelementen (1908 – 1910)

Palast- und Parkkomplex Neswisch (17.–18. Jahrhundert)

Bernhardinerkirche im Dorf Budslav, Bezirk Myadel, ein Denkmal barocker Architektur (18. Jahrhundert)

Architektur der Region Witebsk

Sophienkathedrale, ein Baudenkmal aus dem 11. – 18. Jahrhundert.

Spaso-Evfrosinevskaya-Kirche, ein Denkmal der alten russischen Architektur (1152 – 1161). An den Wänden und Säulen sind einzigartige Fresken erhalten geblieben.

Literatur:

1. Gerchuk Yu.L. Grundlagen der künstlerischen Bildung. –M., 1998

2. Danilov V.N. Methoden der Vermittlung von Bildender Kunst und künstlerischem Arbeiten. Mn., 2004

3. Kasterin N.P. pädagogisches Zeichnen. –M.: Bildung, 1996

4. Lazuka B. Slouniks Terminologie zur Architektur, offenbarte dekaratinisch-praktische Kunst. – Mn., 2001

5. Nemensky B.M. Pädagogik der Kunst. –M.: Bildung, 2007

Architektur, Design, dekorative und angewandte Kunst sind utilitaristische künstlerische Formen der Kreativität. Das heißt, sie lösen utilitaristische Probleme – Bewegung, Lebensorganisation, Stadt, Zuhause, verschiedene Arten des menschlichen und sozialen Lebens. Im Gegensatz zur künstlerischen Kreativität (Bildende Kunst, Literatur, Theater, Kino, Poesie, Bildhauerei), die nur spirituelle, kulturelle und ästhetische Werte schafft, die keine utilitaristische Bedeutung haben.

Design unterscheidet sich von dekorativ angewandte Künste technologische Massenproduktion im Gegensatz zur handwerklichen Produktion im Dezember. angewandte Künste. Architektur und Design sind verwandte Konzepte und unterscheiden sich nur im räumlichen Maßstab. Stadt, Mikrobezirk, Komplex, Gebäude in Architektur und Umwelt, Straßen, Inneneinrichtung, Industriedesign, Kunst. Design in „Design“, aber zum Beispiel ist Innen- und Landschaftsbau Gegenstand sowohl von Architektur als auch von Design.

Design und Architektur sind utilitaristische und künstlerische Tätigkeiten zur Schaffung einer thematisch-räumlichen Umwelt. Architektur ist ein älteres Konzept, Design ist moderner, aber die Unterschiede zwischen ihnen sind minimal und oft nicht erkennbar.

Der Designer schafft eine Landschaft, einen Platz, ein Element der städtischen Umgebung – einen Kiosk, einen Brunnen, eine Bushaltestelle, eine Uhrenlampe, eine Lobby, einen Raum, Möbel, ein Büro, einen Innenraum.

Die Innenräume werden vom Architekten gestaltet, und die Fülle des Designers wird oft von dem einen oder anderen übernommen; dies zeigt praktisch die Nähe und oft Ununterscheidbarkeit des Architektenberufs. und Designer.

Architektur und Design hängen zusammen Ausdruckskünste, die die Realität nicht direkt widerspiegeln, sondern erschaffen. Im Gegensatz zu Bildende Kunst(Malerei, Grafik, Literatur, Theater, Bildhauerei) auf künstlerische Weise die materielle und spirituelle Realität widerspiegeln.

Vorlesung 1. Designmethodik

1. Die Beziehung zwischen dem sozialen und ideologischen Zustand der Gesellschaft und Design.

Zeitgenössische Praxis des „neuen Eklektizismus“

2. Kreative Methode – professionelle Methode – „individuelle Art“.

Zusammenspiel von Methoden in verschiedenen Phasen der Kreativität.

Zusammenspiel von Methode und Phasen der beruflichen Tätigkeit

Diverse Beispiele

3. Subjektiv und objektiv im kreativen Prozess.

1. Jede Aktivität, und in größerem Maße kreativ, wie zum Beispiel Design, ist miteinander verbunden und spiegelt durch ihre Mittel die soziale Organisation der Gesellschaft wider. kulturelle Entwicklung, ästhetische Ideale……. Ägypten spiegelt die vollständige Vergöttlichung der objektiven Welt und Architektur, des Mittelalters, des Mittelalters, des Klassizismus und des Konstruktivismus wider. Im 20. Jahrhundert erlebten wir den Zusammenbruch des Historismus, die Geburt des Modernismus und des Konstruktivismus in der Architektur- und Designkunst. Ablehnung traditionelle Formen Durch die Komposition von Details wurde das Prinzip der freien Planung als Revolution und als Ausdruck einer sozialen Revolution wahrgenommen, aber im Westen gab es keine Revolution, sondern eine verwandte Bewegung wurde geboren, die moderne Bewegung genannt, es gab eine echte Verbindung zwischen ihnen (die Holland Style Group und der Führer des Konstruktivismus in Russland). Diese Revolution wurde jedoch durch neue Technologien und Materialien (Stahlbeton), Balkenbinder und neue künstlerische Bewegungen – Kubismus, Futurismus, Expressionismus, aber auch durch soziale Umbrüche (Revolutionen, Erster Weltkrieg), neue philosophische Bewegungen (Sozialismus, Kommunismus, Nationalismus) vorbereitet Sozialismus-Faschismus)…………., Krise der bürgerlichen Moral. Sie sprachen viel über Wahrhaftigkeit im Gegensatz zu bürgerlicher Dekoration und Dekorativismus. Veränderungen im thematischen und räumlichen Umfeld wurden sowohl durch die Entwicklung des philosophischen und wissenschaftlichen Denkens und neuer künstlerischer abstrakter Strömungen als auch durch die Entwicklung der Technik vorbereitet, aber auch durch gesellschaftliche Umbrüche, die ein gewisses ideologisches Pathos verliehen und ein lebensbildendes Prinzip formten und entwickelten - was besagte, dass es möglich ist, die Realität auf der Grundlage künstlerischer und räumlicher Ideen und Konzepte bereits geformter Ideen zu verändern moderne Bewegung und Konstruktivismus

Jugendstil als modische Bewegung des neuen Bürgertums und der Kaufleute (Morozovs Herrenhaus).

Gegenüber dem Haus der Kommune steht die Idee des Sozialen. Städte, die Sozialisierung des Alltags als Manifestation der Ideen des Sozialismus in der objektiven Welt. Die utopische Idee, dass man durch die Veränderung der Umgebung den Menschen selbst verändern kann.

Natürlich spiegelt die objektive Welt von Umwelt und Architektur durch ihre Mittel das Wirtschaftssystem und den Entwicklungsstand der Gesellschaft sowie das in der Gesellschaft vorherrschende Ideologie- und Wertesystem wider, aber diese Abhängigkeit ist nicht direkt, sondern komplex, oft die Ideen der Kunst für die Kunst Sake werden an die objektiven Realitäten angepasst und neu überdacht.

Architektur und Bautechnik, Innendekoration und Landschaftsgestaltung nahmen in der Kultur der Renaissance einen herausragenden Platz ein. Bauweisen, Grundriss und Dekoration von Häusern ändern sich.
In einfachen Häusern erhöht sich die Anzahl der Räume durch innere Trennwände. In Städten und auf Familiengütern wurden ganze Paläste im Renaissancestil errichtet. Die Entwicklung des absolutistischen Regimes war untrennbar mit dem Bau der Burgen und Residenzen des Königs und gleichzeitig der Befestigungsanlagen verbunden. Die Verbreitung der Ideen der Renaissance in der Architektur führte zur Entwicklung von Projekten für „ideale“ Gebäude und ganze Siedlungen. Es erscheinen importierte, übersetzte und lokale Abhandlungen über Architektur und Bauwesen. Aus dem Ausland, hauptsächlich aus den Niederlanden, entlassen herausragende Meister verschiedene Spezialitäten: Adrian de Vries, Hans van Steenwinkel der Ältere (ca. 1550-1601) und seine Söhne – Lawrence, Hans, Mortens, sowie Hans van Oberberk und andere. Die Skandinavier liehen sich Muster aus architektonischer Stil aus Deutschland, den Niederlanden, Italien, Frankreich. Die dänische Renaissance-Architektur orientierte sich mit ihrer roten Backsteinfärbung, den massiven rechteckigen Gebäuden und der unaufdringlichen Dekoration meist an der norddeutschen Architektur.
Während der 60-jährigen Herrschaft Christians IV., vor allem bis 1617, erreichte die Bautätigkeit in Dänemark ihren Höhepunkt. Sie entwickelte sich gleichzeitig in verschiedene Richtungen. Ganze Städte wurden mit einem neuen Grundriss und regelmäßigen Gebäuden – geometrisch oder radial geformt – gebaut. Insgesamt entstanden auf Initiative des Königs 14 neue Städte – in Skåne, Seeland, Südjütland und Norwegen.
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Es wurden mächtige Festungen errichtet: Frederiksborg in Hillered (1602-1625), Kronborg in Helsingör usw., die eine Burg, Büroräume, Lagerhäuser und Kasernen umfassten und von Wällen, Gräben und Bastionen umgeben waren. Der König selbst war mit Architektur bestens vertraut und überwachte den Bau von Bauwerken. Geplante Bebauung im 17. Jahrhundert. veränderte das Erscheinungsbild Kopenhagens völlig und vergrößerte seine Größe erheblich. Unter Christian IV. (1619–1625) wurden ein Palast, ein Militärhafen und eine Renaissance-Börse erbaut bzw. gegründet. Die Architekten L. und X. van Steenwinkel erhielten den Auftrag, es als „Tempel der neuen Wirtschaftspolitik“ zu errichten. Durch die Baubegeisterung entwickelte sich Kopenhagen im 17. Jahrhundert zu einer Stadt. in eine der schönsten Hauptstädte Europas. Hier koexistieren verschiedene Stilrichtungen: Gotik, Manierismus, aufkommender Barock.
In Schweden war dieser Zeitraum auch von der Sanierung alter Gebäude und dem Bau neuer Gebäude geprägt. Die Schlösser von Gripsholm, Vadstena und Uppsala, Paläste, Rathäuser und Privathäuser in den Städten sind im Renaissancestil erbaut. Der Kirchenbau hingegen ist rückläufig.
Den Gebäuden dieser Zeit entsprach eine reiche Innenausstattung, die in Schweden luxuriöser, in Dänemark zurückhaltender war: Truhenbänke, Sekretäre, Schränke. Holzmöbel und -tafeln waren mit komplexen Gemälden oder Schnitzereien biblischer und weltlicher Themen bedeckt und mit Gegenständen aus teuren Steinen und Metallen, Steingut und Holz verziert. An den Wänden hingen originale weltliche Wandteppiche, zahlreiche Porträts und Gemälde. Skulpturen, oft ganze Gruppen, erscheinen in Hallen, Höfen und Gärten, meist in antiker mythologischer Atmosphäre. Eine besondere Mode hat sich für bemalte und gemusterte Ofenkacheln sowie Öfen aus Eisen und Gusseisen mit Gussschnitzereien entwickelt.
Zu den technischen und baulichen Innovationen dieser Zeit gehörte auch die Wasserversorgung: In Burgen und Palästen tauchten Rohre mit Wasserhähnen und komplexe Brunnen auf. Sowohl einzelne Handwerker als auch ganze Werkstätten beschäftigten sich mit der Ausschmückung von Palästen und Burgen. Die Kombination aus westeuropäischem Einfluss, insbesondere aus den Niederlanden und Deutschland, und lokalen Traditionen bildete Beispiele für einen einzigartigen Stil.
In dieser Zeit war die Kunst vor allem angewandter Natur. Als wichtiger Bestandteil der Inneneinrichtung diente es dem Ausdruck und der Festigung des Prestiges. Daher zum Beispiel die außergewöhnliche Verbreitung prächtiger Epitaphien, zeremonieller Porträts (skulpturaler und malerischer Art), allegorische Bilder.
Die beeindruckendste und prestigeträchtigste Kunstform war die Bildhauerei, die später mit der Etablierung des Barock ihre Blüte erlebte. Die meisten Bildhauer waren Ausländer und führten hauptsächlich Aufträge des Königs aus. Der „Königliche Baumeister“ Hans Steenwinkel überwachte die Schaffung einer Reihe von Skulpturen
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Positionen für Springbrunnen. Hendrik de Keyser fertigte im Auftrag von Christian IV. Skulpturen in Amsterdam an. Der berühmte Neptunbrunnen in Frederiksborg wurde vom Niederländer Adrian de Vries (1546-1626) geschaffen.
Flachreliefs, hauptsächlich Grabsteine, aber auch dekorative, verbreiteten sich.
Das Interesse an der Darstellung einer Person, insbesondere an Familienporträts, wurde zu einem Merkmal der Malerei dieser Zeit. Oftmals wurden Porträts noch nach alten Vorbildern angefertigt: statisch, bedingt, ohne psychologische Merkmale. Seit dem 17. Jahrhundert sind zeremonielle Bilder von Herrschern und ihren Familienangehörigen in Mode gekommen – feierlich, mit Symbolen der Macht. wurden meist im Stil des Klassizismus gestaltet. Die Zeit ist auch durch eine Fülle von Porträts städtischer Patrizier und Wissenschaftler gekennzeichnet; Sie alle tragen schwarze Gewänder und die Zeichen ihres Berufs. Das vielleicht früheste Porträt eines bürgerlichen Wissenschaftlers ist das Bild des Humanisten Wedel (1578). Ausdrucksstark ist das Porträt der Familie Rodman aus Flensburg (1591), auf dem er, seine beiden Frauen und 14 Kinder um ein Kruzifix stehen. Rodman selbst, eine seiner Frauen und vier Kinder, die bereits verstorben sind, sind mit einem Kreuz über ihren Köpfen gekennzeichnet. Einige andere Familienporträts und Epitaphien von Bürgern wurden auf die gleiche Weise angefertigt. Die Vereinigung von Toten und Lebenden spiegelt zweifellos die damaligen Vorstellungen von der Einheit von Leben und Tod, von der untrennbaren Verbindung der beiden Welten wider. Die Autoren dieser Porträts sind unbekannt; im Allgemeinen handelt es sich bei den meisten Porträts um Bürger und Bürger Provinzadel Im Gegenteil, die königliche Familie und der Adel griffen auf die Dienste zurück berühmte Meister. Etwa 200 Porträts königlicher und adliger Personen wurden vom Niederländer Jacob van Doordt gemalt, viele davon vom Niederländer Joost Verheyden.
Allmählich entsteht in Dänemark ein neuer Künstlertyp – ein gebildeter und kultivierter Mensch, recht wohlhabend und eng mit humanistischen Wissenschaftlern verbunden, oft ein erblicher Künstler und Sammler. Dies gilt insbesondere für den produktiven Porträtmaler, den Niederländer Karel van Mander, dessen Selbstporträt mit seiner Frau und seiner Schwiegermutter für die damalige Zeit ein seltenes Bild eines intellektuellen Künstlers darstellt. Ungefähr zur gleichen Zeit war die Künstlerfamilie Isaacs tätig, die einen bedeutenden Beitrag zur Kultur der dänischen Renaissance leistete; Ihr Gründer ist ein Nachkomme eines aus Amsterdam ausgewanderten Kunsthändlers und einer seiner Enkel ist der Humanist und Historiker Johann Pontanus. Unter den Künstlern gab es spezielle Spezialisten für Historienmalerei, Kirchenmalerei usw., die Mehrheit verfügte jedoch über eine breite Spezialisierung.
Eine wichtige Art dekorativer Kunst waren zu dieser Zeit sowohl importierte als auch lokale Wandteppiche, für die prominente Skizzen angefertigt wurden
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Künstler und die Produktion erfolgte in ausländischen oder dänischen Palastwerkstätten.
Im damaligen Dekor nahm, wie bereits erwähnt, die traditionelle und in Skandinavien entwickelte Holzschnitzerei einen herausragenden Platz ein. In Kirchen wurden Altäre mit Schnitzereien verziert, die Szenen aus der Bibel sowie Szenen klassischer Autoren zeigten, die für die dänische Renaissance charakteristisch waren. Schnitzereien mit gotischen und Renaissance-Ornamenten mit weltlichen Themen schmückten Möbel in Häusern. In Norwegen und Finnland wurden große Erfolge mit volkstümlichen Holzschnitzereien erzielt, die Provinzgebäude und Haushaltsgegenstände schmückten.

Die Vielfalt der Kunstgattungen ermöglicht es uns, die Welt in ihrer ganzen Komplexität und Fülle ästhetisch zu beherrschen. Es gibt keine großen oder kleinen Künste, aber jede Art hat im Vergleich zu anderen Künsten ihre eigenen Stärken und Schwächen.

Die Architektur. Wenn jemand lernte, Werkzeuge herzustellen, war sein Zuhause kein Loch oder Nest mehr, sondern ein zweckmäßiges Gebäude, das nach und nach ein ästhetisches Aussehen erhielt. Aus der Konstruktion wurde Architektur.

Architektur ist die Gestaltung der Realität nach den Gesetzen der Schönheit bei der Schaffung von Gebäuden und Bauwerken, die den menschlichen Bedürfnissen nach Wohnen und öffentlichen Räumen dienen sollen. Architektur schafft eine geschlossene, utilitaristisch-künstlerisch beherrschte Welt, abgegrenzt von der Natur, im Gegensatz zur elementaren Umwelt und ermöglicht es den Menschen, den humanisierten Raum entsprechend ihren materiellen und spirituellen Bedürfnissen zu nutzen. Das architektonische Bild drückt den Zweck des Gebäudes und das künstlerische Weltbild und die Persönlichkeit, das Selbstbild eines Menschen und das Wesen seiner Zeit aus.

Architektur – Kunst und Gebäude haben einen bestimmten Stil. Das schrieb Lomonossow, der die Merkmale der Architektur definierte Architekturkunst„Er wird Gebäude errichten, die bequem zum Wohnen, schön zum Sehen und solide für eine lange Lebensdauer sind.“ Dank der Architektur entsteht ein integraler Bestandteil der „zweiten Natur“ – der materiellen Umgebung, die durch die Arbeit des Menschen geschaffen wird und in der sein Leben und seine Aktivitäten stattfinden.

Die Formen der Architektur werden bestimmt: 1) natürlich (abhängig von den geografischen und klimatischen Bedingungen, der Beschaffenheit der Landschaft, der Intensität des Sonnenlichts, der Erdbebensicherheit); 2) sozial (je nach Art des sozialen Systems, ästhetischen Idealen, utilitaristischen und künstlerischen Bedürfnissen der Gesellschaft; Architektur ist enger als andere Künste mit der Entwicklung der Produktivkräfte, mit der Entwicklung der Technologie verbunden).

Angewandte Künste. Eine der ältesten und sich noch entwickelnden Formen künstlerischen Schaffens ist die angewandte Kunst. Es wird in Alltagsgegenständen umgesetzt, die nach den Gesetzen der Schönheit geschaffen wurden. Angewandte Kunst sind Dinge, die uns umgeben und uns dienen, unseren Alltag und Komfort schaffen, Dinge, die nicht nur so nützlich, sondern auch so schön sind, einen Stil und ein künstlerisches Bild haben, das ihren Zweck ausdrückt und allgemeine Informationen über die Art des Lebens enthält die Ära, über die Weltanschauung der Menschen. Die ästhetische Wirkung angewandter Kunst ist täglich, stündlich, jede Minute. Werke der angewandten Kunst können den Höhepunkt der Kunst erreichen.

Angewandte Kunst ist von Natur aus national, sie entsteht aus den Bräuchen, Gewohnheiten und Überzeugungen der Menschen und steht in direkter Nähe zu deren Produktionstätigkeit und Leben. Der Höhepunkt der angewandten Kunst ist die Schmuckherstellung, die ihre eigenständige Bedeutung behält und sich bis heute weiterentwickelt.

dekorative Künste. Dekorative Kunst ist die ästhetische Entwicklung der einen Menschen umgebenden Umgebung, Dekoration Vom Menschen geschaffene „zweite Natur“: Gebäude, Bauwerke, Räumlichkeiten, Plätze, Straßen, Wege. Diese Kunst dringt in den Alltag ein und schafft Schönheit und Komfort in und um Wohn- und öffentliche Räume. Zu den dekorativen Kunstwerken können ein Türgriff und ein Zaun, Buntglasfenster und eine Lampe gehören, die eine Synthese mit der Architektur eingehen.

Die dekorative Kunst umfasst die Errungenschaften anderer Künste, insbesondere der Malerei und Bildhauerei. Die Malerei existierte zunächst in Form von Fels- und Wandmalereien und entwickelte sich erst später als Staffeleimalerei. Monumentale Malerei An der Wand befindet sich ein Fresko (der Name kommt von seiner Technik: „al fresco“ – Malen mit Farben auf nassem Putz) – ein Genre der dekorativen Kunst.