Beethovens Einfluss auf die Musik der Zukunft. Das Problem „Beethoven und die Romantiker“
„Musik muss Feuer aus der menschlichen Brust schlagen“ – das sind die Worte des deutschen Komponisten Ludwig van Beethoven, dessen Werke zu den höchsten Errungenschaften der Musikkultur zählen.
Beethovens Weltanschauung entstand unter dem Einfluss der Ideen der Aufklärung und der freiheitsliebenden Maßstäbe der Französischen Revolution. Musikalisch führte sein Werk einerseits die Traditionen des Wiener Klassizismus fort, andererseits erfasste er die Merkmale des neuen Rums antike Kunst. Der Klassizismus in Beethovens Werken zeichnet sich durch Erhabenheit des Inhalts, schöne Beherrschung der musikalischen Formen und einen Appell an die Genres Symphonie und Sonate aus. Von der Romantik, dem kühnen Experimentieren auf dem Gebiet dieser Genres, der Begeisterung für Gesangs- und Klavierminiaturen.
Ludwig van Beethoven wurde in Deutschland in die Familie eines Hofmusikers hineingeboren. Er begann bereits in früher Kindheit unter der Leitung seines Vaters Musik zu studieren. Doch Beethovens eigentlicher Mentor war der Komponist, Dirigent und Organist K.G. Nefe. Ab seinem elften Lebensjahr fungierte Beethoven als Hilfsorganist in der Kirche, später als Hoforganist und als Korrepetitor an der Bonner Oper.
Im Jahr 1792 Beethoven zog nach Wien. Er nahm Musikunterricht bei den größten Musikern seiner Zeit. Daher das brillante Wissen des Komponisten über musikalische Formen, Harmonie und Polyphonie. Beethoven begann bald, Konzerte zu geben; wurde populär. Auf der Straße wurde er erkannt und zu festlichen Empfängen in die Häuser hochrangiger Persönlichkeiten eingeladen. Er hat viel erfunden: Er schrieb Sonaten, Konzerte für Klavier und Orchester, Sinfonien.
Lange Zeit war sich niemand bewusst, dass Beethoven von einer schweren Krankheit heimgesucht wurde – er begann, sein Gehör zu verlieren. Überzeugt von der Unheilbarkeit der Krankheit entschloss sich der Komponist 1802 zu sterben. verfasste ein Testament, in dem er die Gründe für seine eigene Entscheidung darlegte. Doch Beethoven konnte die Verzweiflung überwinden und fand die Kraft, weiter Musik zu schreiben. Der Ausweg aus der Krise war die Dritte („Heroische“) Symphonie.
1803-1808 der Komponist arbeitete auch an der Entstehung von Sonaten; insbesondere die Neunte für Violine und Klavier ist dem Pariser Geiger Rudolf Kreutzer gewidmet und erhielt daher den Titel „Kreutzer“; Dreiundzwanzigste („Appassionata“) für Klavier, Fünfte und Sechste Symphonie.
Die sechste Symphonie („Pastorale“) trägt den Untertitel „Erinnerungen an das Landleben“. Diese Arbeit zeigt verschiedene Zustände menschliche Seele, für eine Weile von inneren Erfahrungen und Kämpfen zurückgezogen. Die Symphonie vermittelt die Gefühle, die beim Kontakt mit der Natur und dem Landleben entstehen. Seine Struktur ist ungewöhnlich – fünf statt vier Teile. Die Symphonie enthält figurative und lautmalerische Elemente (Vögel singen, Donnergrollen usw.). Beethovens Entdeckungen wurden später von vielen romantischen Komponisten genutzt.
Die Spitze symphonische Kreativität Beethovens Neunte Symphonie. Es wurde bereits 1812 konzipiert, der Komponist arbeitete jedoch von 1822 bis 1823 daran. Die Symphonie ist großartig; Besonders ungewöhnlich ist das Finale, das so etwas wie eine große Kantate für Chor, Solisten und Orchester darstellt, geschrieben nach dem Text der Ode „An die Freude“ von J.F. Schiller.
Im ersten Teil ist die Musik grausam und dramatisch: Aus dem Chaos der Klänge entsteht ein präzises und völlig groß angelegtes Thema. Der zweite Teil, ein Scherzo, ähnelt im Charakter dem ersten. Der dritte Teil, aufgeführt in in einem langsamen Tempo, ist der ruhige Blick einer erleuchteten Seele. Zweimal unterbrechen Fanfarenklänge den gemächlichen Fluss der Musik. Sie erinnern an Gewitter und Schlachten, können aber das allgemeine philosophische Bild nicht ändern. Diese Musik ist der Höhepunkt von Beethovens Texten. Der vierte Teil ist das Finale. Die Themen der vorangegangenen Teile schweben vor dem Zuhörer, als würde die Vergangenheit vergehen. Und hier entsteht das Thema Freude. Die innere Struktur des Themas ist erstaunlich: Zittern und strenge Zurückhaltung, große innere Stärke, entfaltet in einer grandiosen Hymne an das Gute, die Wahrheit und die Schönheit.
Die Uraufführung der Symphonie fand 1825 statt. im Wiener Opernhaus. Um den Plan des Autors umzusetzen, reichte es nicht aus, Amateure einzuladen: vierundzwanzig Violinen, zehn Bratschen, zwölf Celli und Kontrabässe. Für ein klassisches Wiener Orchester war eine solche Komposition ungewöhnlich massiv. Darüber hinaus umfasste jede Chorstimme (Bass, Tenor, Alt und Sopran) vierundzwanzig Sänger, was ebenfalls über die üblichen Normen hinausging.
Zu Beethovens Lebzeiten blieb die Neunte Symphonie für viele unverständlich; Sie wurde nur von denen bewundert, die den Komponisten gut kannten, von seinen Schülern und von musikbegeisterten Zuhörern, doch im Laufe der Zeit begannen berühmte Orchester auf der ganzen Welt, die Symphonie in ihr Repertoire aufzunehmen.
Die Werke der späten Schaffensperiode des Komponisten zeichnen sich durch Zurückhaltung der Gefühle und philosophische Tiefe aus, was sie von den leidenschaftlichen und dramatischen Frühwerken unterscheidet. Im Laufe seines Lebens schrieb Beethoven 9 Sinfonien, 32 Sonaten, 16 Streichquartette, die Oper Fidelio, die Feierliche Messe, 5 Klavierkonzerte und eines für Violine und Orchester, Ouvertüren und einzelne Stücke für verschiedene Instrumente.
Überraschenderweise schrieb der Komponist viele seiner Werke (einschließlich der Neunten Symphonie) bereits völlig taub. Aber auch er neueste Werke- Klaviersonaten und -quartette – unübertroffene Meisterwerke der Kammermusik.
Ryabchinskaya Inga Borisovna
Berufsbezeichnung: Klavierlehrer, Begleiter
Bildungseinrichtung: MBU DO Children's Music School, benannt nach D.D. Schostakowitsch
Standort: Stadt Wolgodonsk, Gebiet Rostow
Name des Materials: methodische Entwicklung
Thema: „Historische Epochen. Musikstile“ (Klassizismus, Romantik)
Datum der Veröffentlichung: 16.09.2015
Textteil der Publikation
Städtische Haushaltseinrichtung für zusätzliche Bildung. Kindermusikschule, benannt nach D. D. Schostakowitsch, Wolgodonsk
Methodische Weiterentwicklung zum Thema:
„Historische Epochen.
Musikstile »
Klassizismus, Romantik
) Die Entwicklung wurde von Inga Borisovna Ryabchinskaya, Lehrerin der ersten Kategorie, Begleiterin der höchsten Kategorie, durchgeführt
Stil und Ära sind zwei miteinander verbundene Konzepte. Jeder Stil ist untrennbar mit der historischen und kulturellen Atmosphäre verbunden, in der er entstanden ist. Die wichtigsten Stilrichtungen traten in historischer Reihenfolge auf, existierten und verschwanden. In jedem von ihnen wurden allgemeine künstlerische und figurative Prinzipien, Ausdrucksmittel und kreative Methoden deutlich zum Ausdruck gebracht.
KLASSIZISMUS
Die Wörter „klassisch“, „Klassizismus“, „klassisch“ stammen von der lateinischen Wurzel – classicus, also vorbildlich. Wenn wir einen Künstler, Schriftsteller, Dichter oder Komponisten einen Klassiker nennen, meinen wir, dass er die höchste Meisterschaft und Perfektion in der Kunst erreicht hat. Seine Arbeit ist hochprofessionell und für uns
Probe.
Es gibt zwei historische Phasen in der Entstehung und Entwicklung des Klassizismus.
Erste Stufe
stammt aus dem 17. Jahrhundert. Entstanden aus der Kunst der Renaissance Klassizismus XVII V. entwickelte sich gleichzeitig mit dem Barock, teils im Kampf, teils in Wechselwirkung mit ihm, und erlebte in dieser Zeit in Frankreich seine größte Entwicklung. Für die Klassiker dieser Zeit waren Werke der antiken Kunst unübertroffene Beispiele künstlerischer Kreativität, deren Ideal Ordnung, Rationalität und Harmonie war. In ihren Werken suchten sie nach Schönheit und Wahrheit, Klarheit, Harmonie und Vollständigkeit der Konstruktion.
Zweite Stufe
- Der Spätklassizismus, von der Mitte des 18. bis Anfang des 19. Jahrhunderts, wird vor allem mit in Verbindung gebracht
Wiener klassische Schule
. Er ging in die Geschichte der europäischen Kultur ein als
Zeitalter der Aufklärung
oder das Zeitalter der Vernunft. Der Mensch legte großen Wert auf Wissen und glaubte an die Fähigkeit, die Welt erklären zu können. Die Hauptfigur ist eine Person, die zu Heldentaten bereit ist und ihre Interessen – allgemein, spirituell – unterordnet
Klassizismus
Klassizismus
klar
Harmonie
klar
Harmonie
strikt
Formen
strikt
Formen
ausgewogen
Gefühle
ausgewogen
Gefühle
Impulse sind die Stimme der Vernunft. Was ihn anders macht, ist moralische Stärke, Mut, Wahrhaftigkeit, Pflichterfüllung. Die rationale Ästhetik des Klassizismus spiegelte sich in allen Kunstgattungen wider.
Architektur
Diese Zeit ist geprägt von Ordnung, Funktionalität, Proportionalität der Teile, einer Tendenz zu Ausgewogenheit und Symmetrie, Klarheit der Pläne und Konstruktionen sowie einer strengen Organisation. Aus dieser Sicht ist das Symbol des Klassizismus die geometrische Anlage des königlichen Parks von Versailles, in dem Bäume, Sträucher, Skulpturen und Brunnen nach den Gesetzen der Symmetrie angeordnet waren. Der von I. Starov errichtete Taurische Palast wurde zum Maßstab strenger russischer Klassiker.
In der Malerei
Die logische Entwicklung der Handlung, eine klare, ausgewogene Komposition, eine klare Volumenübertragung, die untergeordnete Rolle der Farbe mit Hilfe von Hell-Dunkel und die Verwendung von Lokalfarben erlangten die Hauptbedeutung (N. Poussin, C. Lorrain, J . David).
In der poetischen Kunst
Es gab eine Einteilung in „hohe“ (Tragödie, Ode, Epos) und „niedrige“ (Komödie, Fabel, Satire) Genres. Herausragende Vertreter der französischen Literatur P. Corneille, F. Racine, J. B. Moliere trugen dazu bei großen Einfluss zur Entstehung des Klassizismus in anderen Ländern. Ein wichtiger Punkt dieser Zeit war die Gründung verschiedener Akademien: Wissenschaften, Malerei, Bildhauerei, Architektur, Inschriften, Musik und Tanz.
Musikstil des Klassizismus
Der Klassizismus in der Musik unterschied sich vom Klassizismus in den verwandten Künsten und entstand zwischen 1730 und 1820. In verschiedenen nationalen Kulturen verbreiteten sich Musikstile zu unterschiedlichen Zeiten; Unbestreitbar ist, dass in der Mitte des 18. Jahrhunderts der Klassizismus fast überall siegte.
Der Inhalt musikalischer Kompositionen ist mit der Welt der menschlichen Gefühle verbunden, die keiner strengen Kontrolle des Geistes unterliegen. Allerdings schufen die Komponisten dieser Zeit ein sehr harmonisches und logisches Regelsystem für den Aufbau eines Werkes. Im Zeitalter des Klassizismus entstanden Genres wie Oper, Symphonie und Sonate und erreichten ihre Vollendung. Die eigentliche Revolution war die Opernreform von Christophe Gluck. Sein kreatives Programm basierte auf drei großen Prinzipien – Einfachheit, Wahrheit, Natürlichkeit. Im Musikdrama suchte er nach Sinn, nicht nach Süße. Gluck entfernt aus der Oper alles Überflüssige: Dekorationen, großartige Effekte, verleiht der Poesie mehr Ausdruckskraft und die Musik ist der Offenlegung der inneren Welt der Helden völlig untergeordnet. Die Oper „Orpheus und Eurydike“ war das erste Werk, in dem Gluck neue Ideen umsetzte und markierte den Beginn der Opernreform. Strenge, Verhältnismäßigkeit der Form, edle Einfachheit ohne Anmaßung, Gefühl Das künstlerische Maß in Glucks Werken ähnelt der Harmonie der Formen
antike Skulptur
. Arien, Rezitative und Chöre bilden eine große Opernkomposition. Die Blütezeit des musikalischen Klassizismus begann in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts in Wien. Österreich war damals ein mächtiges Reich. Die Multinationalität des Landes beeinflusste auch seine künstlerische Kultur.
Der höchste Ausdruck des Klassizismus war das Werk von Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven, die in Wien wirkten und eine Richtung in der Musikkultur prägten – die Wiener klassische Schule.
Die Begründer des Wiener Klassizismus in
Musik
W. Mozart
J. Haydn L.
Klassizismus
J. Haydn L.
Klassizismus
Beethoven
Sonate – (von italienisch sonar – ton) ist eine der Formen der Kammerinstrumentalmusik, die aus mehreren Teilen besteht. Sonatina – (italienisch sonatina – Verkleinerungsform von Sonate) – eine kleine Sonate, prägnanter im Umfang, viel einfacher im Inhalt und einfacher technisch.
Zu den Instrumenten, für die Sonaten ursprünglich komponiert wurden, gehören Violine, Flöte und Klavier – die allgemeine Bezeichnung für alle Tasteninstrumente – Cembalo, Clavichord, Klavier. Die Gattung der Klaviersonate erlebte ihre größte Blüte im Zeitalter des Klassizismus. Zu dieser Zeit war das Musizieren zu Hause beliebt.
Der in Sonatensatzform dargelegte erste Teil der Sonate zeichnet sich durch größte Spannung und Schärfe aus. Der erste Teil (Sonate Allegro) besteht aus drei Abschnitten: Der erste Abschnitt der Sonata Allegro umfasst den Haupt- und Nebenteil, den Verbindungs- und den Schlussteil: Reprise, Durchführung, Exposition
Der zweite Abschnitt der Sonate Allegro – Durchführung Der dritte Abschnitt der Sonate Allegro – Reprise:
Exposition
heim
Party
Hauptsächlich
Exposition
Schlüssel
Seite
Schlüssel
Schlüssel
Dominanten
Entwicklung
Dominanten
Entwicklung
Opposition
Entwicklung
Opposition
Entwicklung
Parteien
Entwicklung
Parteien
Entwicklung
Änderung
"weben"
Möglicher Abschnitt des Sonaten-Allegro-Codes:
Zweiter Teil
Sonatenform - langsam. Musik vermittelt einen gemächlichen Gedankenfluss, verherrlicht die Schönheit der Gefühle und malt eine exquisite Landschaft.
Dritter Teil
Sonaten (Finale). Die Finalsätze von Sonaten werden meist in schnellem Tempo vorgetragen und haben tänzerischen Charakter, beispielsweise ein Menuett. Oft sind die Finalsätze klassischer Sonaten in dieser Form geschrieben
Rondo
-
(vom italienischen Rondo – Kreis). Wiederholungsteil -
A
Refrain
(Hauptthema),
B, C, D
.
- kontrastierend
Der zweite Abschnitt der Sonate Allegro – Durchführung Der dritte Abschnitt der Sonate Allegro – Reprise:
Exposition
heim
Party
Hauptsächlich
Exposition
heim
Party
Episoden
Reprise
Reprise
Bindungscharge, letzte Charge
Bindungscharge, letzte Charge
Code
Code
Die Tonalität ist festgelegt
Die Tonalität ist festgelegt
Kontraste werden entfernt
Hauptthemen erklingen
Joseph Haydn
behält seine Bedeutung in unserer Zeit... Haydn wird als Begründer der klassischen Instrumentalmusik, als Begründer des modernen Sinfonieorchesters und als Vater der Symphonie bezeichnet. Er legte die Gesetze der klassischen Symphonie fest: Er gab ihr ein harmonisches, vollständiges Aussehen, bestimmte die Reihenfolge ihrer Anordnung, die bis heute in ihren Grundzügen erhalten ist. Tatsächlich am Hofe von Esterhazy, Haydn
„Haydn, dessen Name im Tempel der Harmonie so hell funkelt…“
Von der ersten offiziellen Vereinbarung zwischen Fürst Esterhazy und
Vizekapellmeister Joseph Haydn:
„Auf Befehl Seiner Lordschaft, des Großherzogs, verpflichtet sich der Vizekapellmeister (Haydn), jede Musik zu komponieren, die Seine Lordschaft wünscht, neue Kompositionen niemandem zu zeigen und noch mehr, niemandem zu gestatten, sie zu kopieren, sondern sie ausschließlich für seine Herrschaft aufzubewahren und mit seinem Wissen und seiner gnädigen Erlaubnis nichts für irgendjemanden zu komponieren. Joseph Haydn ist verpflichtet, täglich (sei es in Wien oder auf einem der fürstlichen Anwesen) vor und nach dem Abendessen im Saal zu erscheinen und sich zu melden, falls seine Herrschaft geruht, die Aufführung oder Komposition von Musik anzuordnen. Warten Sie und machen Sie die anderen Musiker darauf aufmerksam, nachdem Sie den Befehl erhalten haben. In diesem Vertrauen gewährt Seine Durchlaucht ihm, dem Vizekapellmeister, eine jährliche Vergütung von 400 Rheingulden, die er vierteljährlich in der Hauptkasse erhält. Darüber hinaus hatte er, Joseph Haydn, Anspruch auf einen Koscht vom Tisch des Offiziers oder einen halben Gulden pro Tag Tischgeld auf Kosten des Meisters. (Das Gehalt wurde anschließend mehrfach erhöht).
Im Jahr 1790 starb Prinz Esterhazy, Miklos der Prächtige. Der neue Prinz Anton hatte keine Lust auf Musik. Nein, Anton verließ die Regimentsmusikanten, löste aber das Orchester auf. Haydn blieb arbeitslos, allerdings mit einer hohen Rente, die ihm Miklos zuwies. Und es war immer noch viel kreative Energie da. So wurde Haydn wieder zum freien Künstler. Und er wird auf Einladung nach England reisen. Haydn wird bald 60 Jahre alt, er kennt keine Sprachen! Aber er reist nach England. Und wieder – Triumph! „Meine Sprache wird auf der ganzen Welt perfekt verstanden“, sagte der Komponist über sich.
In England hatte Haydn nicht nur überwältigende Erfolge. Von dort brachte er 12 weitere Sinfonien und Oratorien mit. Haydn erlebte seinen eigenen Ruhm – und das ist sehr selten. Der Begründer des Wiener Klassizismus hat eine Vielzahl von Werken hinterlassen, und das ist lebensbejahende, ausgewogene Musik. Das Oratorium „Die Schöpfung“ ist eines der berühmtesten Werke Haydns.
Das ist monumentale Musikmalerei, sozusagen eine Betrachtung des Universums ... Haydn hat mehr als 100 Sinfonien genannt, „Kinderfreude der Seele“. Eine große Anzahl von Sonaten, Konzerten, Quartetten, Opern... Joseph Haydn ist der Autor der deutschen Nationalhymne.
Wolfgang Amadeus Mozart
Seine Leistungen auf dem Gebiet der Sonaten- und Symphoniemusik brachten Mozart viel Neues, Interessantes und Originelles bei. Die gesamte Kunstgeschichte kennt keine markantere Persönlichkeit als ihn. Mozart hatte ein phänomenales Gedächtnis und Gehör, verfügte über brillante Fähigkeiten als Improvisator, spielte wunderbar Geige und Orgel, und niemand konnte seine Vormachtstellung als Cembalist in Frage stellen. Er war der beliebteste, anerkannteste und beliebteste Musiker Wiens. Seine Opern sind von großem künstlerischem Wert. Seit zwei Jahrhunderten gibt es „Die Hochzeit des Figaro“ (eine Buffa-Oper, aber realistisch und mit lyrischen Elementen) und „Don Giovanni“ (eine Oper, die als „fröhliches Drama“ definiert wird – sie ist sowohl eine Komödie als auch eine Tragödie mit sehr starken Eindrücken und komplexe Bilder) haben mit bezaubernd eleganter Melodie, Einfachheit und luxuriöser Harmonie Erfolg gehabt. Und „Die Zauberflöte“ (eine Oper – ein Singspiel, aber zugleich ein philosophisches Märchen über den Kampf zwischen Gut und Böse) ging als Mozarts „Schwanengesang“ in die Musikgeschichte ein, als ein Werk, das am umfassendsten ist und offenbart anschaulich seine Weltanschauung, seine geschätzten Gedanken. Mozarts Kunst ist vollendet im Können und absolut natürlich. Er gab uns Weisheit, Freude, Licht und Güte. Johann Chrysostomus Wolfgang Theophile Mozart wurde am 27. Januar 1756 in Salzburg geboren. Amadeus ist das lateinische Analogon des griechischen Namens Theophilus – „Gottes Liebling“. Mozart wird normalerweise mit zwei Namen genannt. Wolfgang Amadeus ist ein Wunderkind. Mozarts Vater – Leopold Mozart – war er selbst berühmter Musiker, und seine frühe Musik wird fast genauso oft aufgeführt wie seine reife Musik. Darüber hinaus engagierte der Vater auf Reisen die besten Lehrer Europas für seinen Sohn (in England war es der jüngste Sohn von J. S. Bach – „London Bach“, in Italien – der berühmte Padre Martini, bei dem er übrigens lernte). , und einer der Gründer professioneller Kompositionsschulen in Russland Maxim Berezovsky). Im selben Italien beging der sehr junge Mozart eine „schreckliche Sünde“, die in allen Biografien enthalten ist: Nachdem er sie einmal in der Sixtinischen Kapelle gehört hatte, erinnerte er sich vollständig an das Bewachte und schrieb es auf
Das vatikanische Werk „Miserere“ von Allegri. „Und hier bestand Wolfgang die berühmte „Prüfung“ für die Feinheit des Gehörs und die Genauigkeit des Gedächtnisses. Aus dem Gedächtnis schrieb er das berühmte „Miserere“ von Gregorio Allegri auf, das er gehört hatte. Dieses Werk galt weithin als Krönung seines Genres und als Höhepunkt der päpstlichen Karfreitagsmusik. Es überrascht nicht, dass die Kapelle große Sorgfalt darauf achtete, dieses Werk vor ungebetenen Kopisten zu schützen. Was Wolfgang geschafft hat, sorgte natürlich für großes Aufsehen. Dem Vater gelang es, seine Mutter und seine Schwester in Salzburg zu beruhigen, die befürchteten, dass Wolfgang mit der Aufnahme von „Miserere“ gesündigt habe und in Schwierigkeiten geraten könnte.“ Mozart hatte nicht nur keinen Universitätsabschluss, er ging auch nicht einmal zur Schule. Sein Vater brachte ihm auch Allgemeinbildung (Mathematik, Sprachen) bei. Aber sie wuchsen schon früh auf, und zwar in allen Gesellschaftsschichten. Für Teenager-Subkultur war keine Zeit. Die Kinder waren natürlich sehr müde. Schließlich wurden sie erwachsen, was dazu führte, dass sie aufhörten, Wunderkinder zu sein, und dass die Öffentlichkeit das Interesse an ihnen verlor. Tatsächlich musste Mozart das Publikum bereits als erwachsener Musiker erneut „erobern“. mehr als 600 Werke. Sie müssen verstehen, dass es sich um große Werke handelt: Opern, Konzerte, Sinfonien.
Mozart ist ein universeller Komponist. Er schrieb sowohl Instrumental- als auch Vokalmusik, also in allen zu seiner Zeit existierenden Genres und Formen. In Zukunft wird ein solcher Universalismus ein seltenes Phänomen sein. Aber Mozart ist nicht nur deshalb universell: „Seine Musik enthält eine riesige Welt: Sie enthält Himmel und Erde, Natur und Mensch, Komödie und Tragödie, Leidenschaft in all ihren Formen und tief.“ inneren Frieden“ (K. Barth). Es genügt, sich an einige seiner Werke zu erinnern: Opern, Sinfonien, Konzerte, Sonaten. Mozarts Klavierwerke waren eng mit seiner Lehr- und Aufführungspraxis verbunden. Er war der größte Pianist seiner Zeit. Im 18. Jahrhundert Natürlich gab es Musiker, die Mozart an Virtuosität nicht nachstanden (in dieser Hinsicht war sein Hauptkonkurrent Muzio Clementi), aber in der tiefen Bedeutung seines Auftritts konnte sich niemand mit ihm messen. Mozarts Leben fiel in eine Zeit, als Cembalo, Clavichord und Pianoforte (wie das Klavier früher genannt wurde) im Musikleben weit verbreitet waren. Und wenn es in Bezug auf Mozarts Frühwerk üblich ist, vom Klavierstil zu sprechen, dann hat der Komponist seit den späten 1770er Jahren zweifellos für das Klavier geschrieben. Seine Innovation zeigte sich am deutlichsten in seinen Klavierwerken mit einem erbärmlichen Plan. Mozart ist einer der größten Melodisten. Seine Musik verbindet die Merkmale österreichischer und deutscher Volkslieder mit der Melodik italienischer Lieder. Obwohl sich seine Werke durch Poesie und subtile Anmut auszeichnen, enthalten sie oft Melodien mit großem dramatischem Pathos und kontrastierenden Elementen. Es gab bereits zwei Arten öffentlicher Opernhäuser: ernste und komische – alltägliche (Seria und Buffa). Aber auch in Deutschland und Österreich blühte das Singspiel auf.
Unter der Vielzahl der Werke, die das Genie Mozart geschaffen hat, sind Opern seine Lieblingsschöpfungen. Sein Werk offenbart eine reiche Galerie von Lebensbildern aus Opern – Seria, Buffa und Singspiel, erhaben und komisch, sanft und verschmitzt, klug und rustikal – sie alle sind natürlich und psychologisch authentisch dargestellt.
Die Musik von Wolfgang Amadeus Mozart verbindet auf harmonische Weise den Kult der Vernunft, das Ideal der edlen Einfachheit, und den Kult des Herzens, das Ideal einer freien Persönlichkeit. Mozarts Stil galt seit jeher als Verkörperung von Anmut, Leichtigkeit, Lebendigkeit und wahrhaft aristokratischer Raffinesse.
P. I. Tschaikowsky schrieb: „Mozart ist der höchste und höchste Punkt, den die Schönheit in der Sphäre der Musik erreicht hat ... was wir das Ideal nennen.“
Ludwig van Beethoven
Klassizismus zugunsten von mehr Emotionalität und Offenheit. Dieses Phänomen hat alle Bereiche der Literatur und Kunst erfasst und hat sogar einen interessanten Namen: Gegenaufklärung. Die größten Vertreter des Sturm und Drang waren Johann Wolfgang Goethe und Friedrich Schiller, und diese Periode selbst nahm die Entstehung der Romantik vorweg. „Das wäre auch dann noch möglich, wenn wir es getan hätten
Ich habe einen anderen Beruf, aber bei meinem Handwerk kann es nichts Schrecklicheres geben“ (aus Beethovens Briefen). Regelmäßige ärztliche Eingriffe brachten keine Heilung und die Taubheit schritt fort. Am Ende seines Lebens hörte er nichts mehr. Aber das innere Hören blieb – es war jedoch nicht mehr möglich, „persönlich“ zu hören, was im Inneren gehört wurde. Und die Kommunikation mit Menschen war äußerst schwierig; mit Freunden übte ich das Schreiben in „Konversations“-Notizbüchern. Der alles hörende Taube – so wurde er manchmal genannt. Und er hörte das Wichtigste: nicht nur Musik, sondern auch Ideen und Gefühle. Er hörte und verstand die Menschen. „Diese Liebe, dieses Leiden, diese Willensbeharrlichkeit, dieser Wechsel von Verzweiflung und Stolz, innere Dramen – all das finden wir in den großen Werken Beethovens“ ... (Romain Rolland). Beethovens Zuneigung ist bekannt: die junge Gräfin Julia Guicciardi. Aber er blieb einsam. Wer seine „unsterbliche Geliebte“ war und an wen der Brief nach dem Tod des Komponisten gefunden wurde, ist nicht sicher bekannt. Doch einige Forscher halten Teresa Brunswik, eine Schülerin von L. Beethoven, für die „unsterbliche Geliebte“. Sie hatte musikalisches Talent – sie spielte wunderbar Klavier, sang und dirigierte sogar. Mit Teresa verband Ludwig van Beethoven eine lange Freundschaft.
Im Jahr 1814 erlangte Beethoven weltweite Berühmtheit. Der Wiener Kongress beginnt – nach dem Sieg über Napoleon und dem Einmarsch russischer, österreichischer und preußischer Truppen in Paris – und der berühmte friedliche Wiener Kongress beginnt mit Beethovens Oper Fidelio. Beethoven wird zu einer europäischen Berühmtheit. Er wird zu einer Feier zu Ehren des Namenstages der russischen Kaiserin in den Kaiserpalast eingeladen, der er ein Geschenk macht: eine von ihm geschriebene Polonaise. Ludwig van Beethoven hat viel komponiert.
Die Klaviersonate war für Beethoven die direkteste Form des Ausdrucks der ihn erregenden Gedanken und Gefühle, seiner wichtigsten künstlerischen Bestrebungen. Seine Anziehungskraft auf dieses Genre war besonders stark. Wenn seine Sinfonien als Ergebnis und Verallgemeinerung einer langen Suche entstanden, so spiegelte die Klaviersonate direkt die ganze Vielfalt kreativer Suche wider. Beethoven improvisierte als herausragender Klaviervirtuose sogar am häufigsten in Sonatenform. In Beethovens feurigen, originellen, ungezügelten Improvisationen entstanden Bilder seiner zukünftigen großen Werke. Jede Beethoven-Sonate ist ein Gesamtkunstwerk; Zusammen bilden sie einen wahren Schatz des klassischen Denkens in der Musik.
Beethoven interpretierte die Klaviersonate als eine umfassende Gattung, die die Vielfalt der Musikstile unserer Zeit widerspiegeln kann. IN In dieser Hinsicht kann er mit Philipp Emanuel Bach (Sohn von J.S. Bach) verglichen werden. Dieser in unserer Zeit fast vergessene Komponist war der erste, der der Klaviersonate des 18. Jahrhunderts seine Bedeutung verlieh Er verdeutlichte die Bedeutung einer der führenden Formen der Musikkunst und erfüllte seine Werke für Klavier mit tiefen Gedanken. Beethoven folgte als erster dem Weg F. E. Bachs, übertraf jedoch seinen Vorgänger an Breite, Vielfalt und Bedeutung der in den Klaviersonaten zum Ausdruck gebrachten Ideen, ihrer künstlerischen Perfektion und Bedeutung. Eine große Bandbreite an Bildern und Stimmungen – von sanfter Pastoral bis zu pathetischer Feierlichkeit, von lyrischem Überschwang bis zu revolutionärer Apotheose, aus der Höhe
philosophischer Gedanke
bis hin zu volkstümlichen Genremomenten, von der Tragödie bis zum Humor - charakterisieren Beethovens 32 Klaviersonaten, die er in einem Vierteljahrhundert geschaffen hat. Der Weg von der ersten (1792) bis zur letzten (1822) Beethoven-Sonate markiert eine ganze Ära in der Geschichte der Weltklaviermusik. Beethoven begann mit einem bescheidenen klassizistischen Klavierstil (der immer noch weitgehend mit der Kunst des Cembalospiels in Verbindung gebracht wird) und endete mit Musik für das moderne Klavier mit seiner enormen Klangvielfalt und zahlreichen neuen Ausdrucksmöglichkeiten. Der Komponist nannte seine letzten Sonaten „ein Werk für ein Hammerinstrument“ (Hammerklavier) und betonte deren Moderne in diesem Bereich der Kreativität.
Adel. Das ist großartige Musik, wie jede Sonate oder Symphonie von Beethoven.
die epochale Neunte Symphonie, an deren Idee Beethoven schon lange hegte.
Auch Beethoven lebte das Leben eines „freien Künstlers“ (ab Mozart wurde dies jedoch zur Norm) mit all seinen Strapazen und Unsicherheiten. Mehrmals versuchte Beethoven, Wien zu verlassen, dann bot ihm der österreichische Adel ein Gehalt an, wenn er nur nicht gehen würde. Und Beethoven blieb in Wien. Hier erlebte er seinen größten Triumph.
Aus dem Abgrund der Trauer heraus beschloss Beethoven, die Freude zu verherrlichen. (Rolland). Beethoven war bereits sehr krank. Dabei beginnt nicht nur die Taubheit, der Komponist entwickelt auch eine schwere Lebererkrankung.
„Der außergewöhnliche Erfolg des Schülers und sein erstaunliches musikalisches Gedächtnis.“ Chernys Gedächtnis war wirklich erstaunlich: Er wusste alles auswendig Klavierwerke Lehrer. Czerny begann früh pädagogische Tätigkeit
und wurde bald einer der besten Lehrer Wiens. Zu seinen Schülern gehörte Theodor Leschetizky, der als einer der Begründer der russischen Klavierschule bezeichnet werden kann. Leshetitsky, der nach Russland nach St. Petersburg gezogen war, war wiederum der Lehrer von A. N. Esipova, V. I. Safonov und S. M. Maikapara.
Franz Liszt studierte anderthalb Jahre bei K. Czerny. Sein Erfolg war so groß, dass sein Lehrer ihm erlaubte, öffentlich zu sprechen. Beethoven war beim Konzert anwesend. Er erkannte das Talent des Jungen und küsste ihn. Liszt bewahrte sein ganzes Leben lang die Erinnerung an diesen Kuss. Es war Liszt, nicht Czerny, der Beethovens Spielstil erbte. Wie Beethoven interpretiert Liszt das Klavier als Orchester. Während seiner Europatournee förderte er Beethovens Werk und spielte nicht nur seine Klavierwerke, sondern auch Sinfonien, die er für das Klavier adaptierte. Zu dieser Zeit war Beethovens Musik, insbesondere die symphonische Musik, einem breiten Publikum noch unbekannt. Den Bemühungen von F. Liszt ist es zu verdanken, dass 1839 in Bonn das Denkmal für den Komponisten Ludwig van Beethoven errichtet wurde. Es ist unmöglich, Beethovens Musik nicht zu erkennen. Prägnanz und Erleichterung der Melodien, Dynamik, klarer Muskelrhythmus – das ist ein leicht erkennbarer heroisch-dramatischer Stil. Auch in den langsamen Sätzen (in denen Beethoven nachdenkt) erklingt Beethovens Hauptthema: Durch Leiden zur Freude, „Durch Dornen zu den Sternen“.
In den Orchestern kam es zu grundlegenden Veränderungen; Cembalo und Orgel waren nicht mehr die wichtigsten Musikinstrumente – Klarinette, Flöte, Trompete und andere hingegen nahmen ihren Platz im Orchester ein und schufen ein neues, besonderer Klang. Die Neuzusammensetzung des Orchesters führte zur Entstehung der Sinfonie, der wichtigsten Musikgattung. Einer der ersten Komponisten, der das symphonische Format verwendete, war der Sohn von I.S. Bach – Carl Philipp Emmanuel Bach.
Zusammen mit der neuen Zusammensetzung des Orchesters erscheint dort Streichquartett bestehend aus zwei Violinen, Bratsche und Cello. Kompositionen werden speziell für ein Streichquartett mit einem eigenen Standard von vier Tempi erstellt. Es entstand eine mehrsätzige sonatensinfonische Form (4-teiliger Zyklus), die bis heute die Grundlage vieler Instrumentalkompositionen ist. In derselben Epoche entstand ein Klavier, dessen Entwurf im 18. Jahrhundert entstand. erfährt erhebliche Änderungen, die Tastatur-Hammer-Mechanik wird verbessert, ein gusseiserner Rahmen, Pedale und eine „Doppelprobe“-Mechanik werden eingeführt, die Anordnung der Saiten ändert sich und der Tonumfang wird erweitert. All diese evolutionären Innovationen ermöglichten es Pianisten, virtuose Werke einfacher aufzuführen.
verschiedene Möglichkeiten
, mit vielfältigen Ausdrucksmitteln und angereicherter Dynamik.
Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven – drei große Namen, drei „Titanen“, die als sie in die Geschichte eingingen Wiener Klassiker . Komponisten Wiener Schule
Inzwischen waren die Jahrhunderte des Klassizismus bereits im Rückzug; In der beispiellosen Polystilistik von „Don Juan“ und im rebellischen Geist von „Egmont“ konnte man ein Jahrhundert der Romantik mit seiner tragischen Ironie, seinem ungeordneten künstlerischen Bewusstsein und der Freiheit der lyrischen Intimität erkennen.
Prinzipien des Klassizismus
1. Die Grundlage von allem ist die Vernunft. Nur was vernünftig ist, ist schön. 2. Die Hauptaufgabe besteht darin, die absolute Monarchie zu stärken, der Monarch ist die Verkörperung der Vernunft. 3. Das Hauptthema ist der Konflikt zwischen persönlichen und bürgerlichen Interessen, Gefühlen und Pflichten. 4. Die höchste Würde eines Menschen ist die Erfüllung seiner Pflichten, der Dienst an der Staatsidee. 5. Erbe der Antike als Vorbild. 6. Nachahmung „geschmückter“ Natur. 7. Die Hauptkategorie ist Schönheit.
Literatur
Keldysh Yu. V. - Klassizismus. Musik-Enzyklopädie, Moskau: Sowjetische Enzyklopädie, aus „Sowjetischer Komponist“, 1973 – 1982. Klassizismus – Großes Enzyklopädisches Wörterbuch, 2000 Yu. Kremlev – Beethovens Klaviersonaten, Sowjetischer Komponistenverlag, Moskau 1970
Komponisten der Klassik
Friedrich Kalkbrenner Joseph Haydn Johann Nepomuk Hummel Jan Vanhal Giovanni Battista Peschetti Dominico Cimarosa Ivan Laskowski Leopold Mozart Christian Gottlob Nefe Wolfgang Amadeus Mozart Giovanni Battista Grazioli Andre Gretry Johann E. Hummel Daniel Steibelt Ignaz Pleyel Ludwig van Beethoven Niccolò Paganini Anton Diabelli Alexander Lvovich Gurilev Jan Ladislav Dussek Jacques Aubert Christoph Willibald Gluck Giovanni Paisiello Alexander Ivanovich Dubuk Lev Stepanovich Gurilev Karl Czerny Daniel Gottlob Türk Wilhelm Friedemann Bach Antonio Salieri Johann Christian Bach Mauro Giuliani Johann Christoph Frederick Bach John Field Carl Philip Emmanuel Bach Alexander Taneyev Frédéric Duvernoy Gaetano Donizetti Johann Wilhelm Hessler Eustigney Fomin Johann Benda Tobias Haslinger Luigi Cherubini Vincenzo Bellini Albert Behrens Johann Philipp Kirnberger Muzio Clementi Henri Jerome Bertini Henri Kramer
Luigi Boccherini Johann Baptiste Kramer Dmitry Bortnyansky Rodolphe Kreutzer Peter Bulakhov Friedrich Kuhlau Carl Maria von Weber Johann Heinrich Leo Henri Lemoine Genishta Joseph Iosifovich Mikhail Cleophas Oginsky Giovanni Battista Pergolesi
ROMANTIK
Die Romantik ist eine ideologische und künstlerische Bewegung, die Ende des 18. Jahrhunderts in der europäischen und amerikanischen Kultur entstand. - erste Hälfte des 19. Jahrhunderts. - war eine Reaktion auf die Ästhetik des Klassizismus, eine eigentümliche Reaktion auf das Zeitalter der Aufklärung mit seinem Vernunftkult. Die Entstehung der Romantik hatte verschiedene Gründe. Die wichtigsten davon
-
Enttäuschung über die Ergebnisse der Französischen Revolution
,
entsprach nicht den in ihn gesetzten Erwartungen.
Definition künstlerischer Strömungen: Barock ist eine Predigt, Romantik ist ein Bekenntnis. So sind sie vom harmonischen und geordneten Klassizismus zu den Seiten hin „ausgebreitet“. In der Barockkunst wendet sich ein Mensch an einen Menschen (predigt), indem er etwas von globaler Bedeutung anspricht; in der Romantik wendet sich ein Mensch an die Welt und erklärt ihr, dass die kleinsten Erfahrungen seiner Seele nicht weniger wichtig sind als alles andere. Und hier besteht nicht nur das Recht auf ein individuelles Gefühl, sondern auch das Recht zu handeln. Die Romantik, die das Zeitalter der Aufklärung ablöst, fällt mit der industriellen Revolution zusammen, die durch das Aufkommen von Dampfmaschinen, Lokomotiven, Dampfschiffen, Fotografien und Fabrikrandgebieten gekennzeichnet ist. Wenn die Aufklärung durch den Kult der Vernunft und der Zivilisation auf der Grundlage ihrer Prinzipien gekennzeichnet ist, dann bekräftigt die Romantik den Kult der Natur, der Gefühle und des Natürlichen im Menschen. In der Epoche der Romantik entstanden die Phänomene Tourismus, Bergsteigen und Picknicken, die darauf abzielten, die Einheit von Mensch und Natur wiederherzustellen. Das Bild eines „edlen Wilden“, bewaffnet mit „Volksweisheit“ und nicht von der Zivilisation verdorben, ist gefragt. Die Romantik stellt dem pädagogischen Fortschrittsgedanken ein Interesse an Folklore, Mythen, Märchen, am einfachen Menschen, einer Rückkehr zu den Wurzeln und der Natur gegenüber. In Weiterentwicklung
Deutsche Romantik zeichnete sich durch ein Interesse an märchenhaften und mythologischen Motiven aus, das besonders deutlich in den Werken der Brüder Wilhelm und Jacob Grimm sowie Hoffmann zum Ausdruck kam. G. Heine begann sein Werk im Rahmen der Romantik und unterzog es später einer kritischen Überarbeitung. Die philosophische Romantik fordert ein Umdenken in der Religion und das Streben nach Atheismus. „Wahre Religion ist das Gefühl und der Geschmack der Unendlichkeit.“. Es entsteht eine neue Vorstellung über das Wesen und die Bedeutung der Poesie, die als eigenständiger Lebensbereich, als Ausdruck der höchsten, idealen Bestrebungen des Menschen anerkannt wird. Die Romantik der russischen Literatur zeigt das Leiden und die Einsamkeit der Hauptfigur. In Russland können auch V. A. Zhukovsky, K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky, N. M. Yazykov als romantische Dichter angesehen werden. Auch die frühe Poesie von A. S. Puschkin entwickelte sich im Rahmen der Romantik. Die Poesie von M. Yu. Lermontov kann als Höhepunkt der russischen Romantik angesehen werden. Die philosophischen Texte von F. I. Tyutchev sind sowohl die Vollendung als auch die Überwindung der Romantik in Russland. Die Romantik begann als literarische Bewegung, hatte jedoch erheblichen Einfluss auf Musik und Malerei. IN
Schöne Künste
Die Romantik manifestierte sich am deutlichsten in der Malerei und Grafik, weniger jedoch in der Architektur. Die Entwicklung der Romantik in der Malerei verlief in scharfer Polemik mit Anhängern des Klassizismus. Die Romantiker warfen ihren Vorgängern „kalte Rationalität“ und mangelnde „Bewegung des Lebens“ vor.
Die Musik dieser Zeit entwickelte sich aus den Formen, Genres und musikalischen Ideen, die in früheren Perioden wie der Klassik etabliert wurden. Romantische Komponisten versuchten, mit Hilfe musikalischer Mittel die Tiefe und den Reichtum der inneren Welt eines Menschen auszudrücken. Die Musik wird markanter und individueller. Liedgenres werden entwickelt, darunter auch Balladen. Ideen und die Struktur von Werken, die in früheren Perioden etabliert waren oder gerade erst entstanden, wurden in der Romantik entwickelt. Infolgedessen werden Werke mit Bezug zur Romantik vom Hörer als leidenschaftlicher und emotional ausdrucksvoller wahrgenommen. Es ist allgemein anerkannt, dass die unmittelbaren Vorläufer der Romantik Ludwig van Beethoven waren – in Österreich – Deutsche Musik und Luigi Cherubini – auf Französisch; Viele Romantiker (zum Beispiel Schubert, Wagner, Berlioz) betrachteten K.V. Gluck als ihren entfernteren Vorgänger. Die Zeit des Übergangs vom Klassizismus zur Romantik gilt als vorromantische Zeit – eine relativ kurze Zeit in der Musik- und Kunstgeschichte.
Wenn in Literatur und Malerei
Es ist kein Zufall, dass die Musik als ideale Kunstform erklärt wurde, die aufgrund ihrer Spezifität die Bewegungen der Seele am besten zum Ausdruck bringt. Es war die Musik der Romantik, die im Kunstsystem einen führenden Platz einnahm.
musikalische Sprache, die sich kaum vom Hintergrund realer Menschen abhebt. Romantische Komponisten lernten, die Fantasiewelt als etwas ganz Konkretes zu vermitteln (mit Hilfe ungewöhnlicher Orchester- und Harmoniefarben). Ein bemerkenswertes Beispiel ist die „Wolf's Gulch Scene“ in Webers The Magic Shooter. Das Interesse an Volkskunst ist für die musikalische Romantik sehr charakteristisch. Wie die romantischen Dichter, die durch Folklore bereicherten und aktualisierten literarische Sprache , Musiker wandten sich weitgehend der nationalen Folklore zu – Volksliedern, Balladen, Epen (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, J. Brahms, B. Smetana, E. Grieg). Alles, was die Ohren hörten, wurde sofort in Kreativität umgesetzt. Folklore – Lieder, Tänze, Legenden – wird verarbeitet, Themen, Handlungen, Intonationen werden von dort übernommen. Unter Romantikern erlangt das Lied (in Russland - Romantik) einen besonderen Stellenwert. Neue Tänze erscheinen – Mazurkas, Polonaisen, Walzer. Bilder verkörpern
.
nationale Literatur
, Geschichte, einheimische Natur, sie verließen sich auf die Intonationen und Rhythmen der nationalen Folklore und ließen alte diatonische Modi wieder aufleben. Unter dem Einfluss der Folklore hat sich der Inhalt der europäischen Musik dramatisch verändert
Neue Themen und Bilder erforderten von den Romantikern die Entwicklung neuer Mittel der musikalischen Sprache und Prinzipien der Formbildung, wodurch die Klangfarbe und die harmonische Palette der Musik erweitert wurden (natürliche Tonarten, farbenfrohe Vergleiche von Dur und Moll). Und in den Ausdrucksmitteln weicht das Allgemeine zunehmend dem individuell Einzigartigen.
In der Orchestrierung wich das Prinzip der Ensemblegruppen dem Solospiel fast aller Orchesterstimmen.
nationaler Ausdruck. Die Romantiker rebellierten gegen die Ergebnisse der bürgerlichen Revolution, aber sie rebellierten auf unterschiedliche Weise, da jeder sein eigenes Ideal hatte. Aber trotz all ihrer vielen Gesichter und Vielfalt weist die Romantik stabile Merkmale auf: Enttäuschung über die Welt um uns herum, das Gefühl, Teil des Universums zu sein, Unzufriedenheit mit sich selbst, die Suche nach Harmonie, Konflikt mit der Gesellschaft. Sie alle entsprangen der Ablehnung der Aufklärung und des rationalistischen Kanons des Klassizismus, der die kreative Initiative einschränkte. Interesse an einer starken Persönlichkeit, die sich der gesamten Welt um sie herum widersetzt und sich nur auf sich selbst verlässt, und Aufmerksamkeit für die innere Welt eines Menschen. Die Idee eines Gesamtkunstwerks fand ihren Ausdruck in der Ideologie und Praxis der Romantik.
Eine individualisierte, persönliche Sicht auf die Welt führte zur Entstehung neuer Musikgenres. In Verbindung mit dem Entwicklungstrend des Hausmusizierens, des Kammermusikspiels, nicht für ein Massenpublikum konzipiert und einer perfekten Aufführungstechnik, führte dies zur Entstehung des Genres der Klavierminiaturen – Impromptu, musikalische Momente, Nocturnes, Präludien und vieles mehr Tanzgenres, die es bisher in der professionellen Musik nicht gab.
Romantische Themen, Motive und Ausdruckstechniken hielten Einzug in die Kunst verschiedene Stile, Richtungen, kreative Assoziationen. Gegen die Romantik entstanden in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts Gegenkräfte (Brahms, Brückner, Mahler). Mit ihrem Erscheinen geht eine Tendenz zur Rückbesinnung auf die reale Welt, zur Objektivität und zur Ablehnung des Subjektiven einher. Dennoch erwies sich die romantische Haltung bzw. Weltanschauung als eine der fruchtbarsten künstlerischen Stilrichtungen. Die Romantik als allgemeine, vor allem junge Menschen charakteristische Haltung, als Wunsch nach idealer und gestalterischer Freiheit lebt in der Weltkunst noch immer weiter. LITERATUR
Rapatskaya L. A. Romantik in der künstlerischen Kultur
Kein einziger Bereich der Musikkunst des 19. Jahrhunderts entging dem Einfluss Beethovens. Von der Vokallyrik Schuberts bis zu den Musikdramen Wagners, vom Scherzo, den fantastischen Ouvertüren Mendelssohns bis zu den tragisch-philosophischen Sinfonien Mahlers, von der theatralischen Programmmusik Berlioz bis zu den psychologischen Tiefen Tschaikowskys – nahezu jedes große künstlerische Phänomen von Das 19. Jahrhundert entwickelte einen Aspekt von Beethovens vielfältigem Schaffen. Seine hohen ethischen Grundsätze, sein Shakespeare-Maßstab und seine grenzenlose künstlerische Innovation dienten als Leitstern für Komponisten verschiedenster Schulen und Strömungen. „Ein Riese, dessen Schritte wir immer hinter uns hören“, sagte Brahms über ihn.
Herausragende Vertreter der romantischen Musikschule widmeten Beethoven Hunderte von Seiten und proklamierten ihn als ihren Gleichgesinnten. Berlioz und Schumann betonten in separaten kritischen Artikeln und Wagner in ganzen Bänden die große Bedeutung Beethovens als erstem romantischen Komponisten.
Aufgrund der Trägheit des musikwissenschaftlichen Denkens hat sich die Sicht auf Beethoven als einen Komponisten, der eng mit der romantischen Schule verbunden ist, bis heute erhalten. Inzwischen ermöglicht uns die umfassende historische Perspektive, die das 20. Jahrhundert eröffnet hat, das Problem zu erkennen. „Beethoven und die Romantiker“ in einem etwas anderen Licht. Wenn wir heute den Beitrag bewerten, den Komponisten der romantischen Schule zur Weltkunst geleistet haben, kommen wir zu der Überzeugung, dass Beethoven mit den Romantikern, die ihn vergötterten, weder identifiziert noch bedingungslos mit ihnen in Verbindung gebracht werden kann. Es ist nicht typisch für ihn Haupt- und Allgemeines, was es ermöglicht, das Werk so unterschiedlicher Künstler wie beispielsweise Schubert und Berlioz, Mendelssohn und Liszt, Weber und Schumann im Konzept einer einzigen Schule zu vereinen. Es ist kein Zufall, dass Beethoven in den kritischen Jahren, in denen sein reifer Stil erschöpft war und intensiv nach neuen Wegen in der Kunst suchte, ihm die aufkommende romantische Schule (Schubert, Weber, Marschner und andere) keine Perspektiven eröffnete. Und diese neuen, in ihrer Bedeutung grandiosen Sphären, die er schließlich in seinem Werk der letzten Periode fand, decken sich in entscheidender Weise nicht mit den Grundlagen der musikalischen Romantik.
Es besteht die Notwendigkeit, die Grenze zwischen Beethoven und den Romantikern zu klären und wichtige Divergenzpunkte zwischen diesen beiden Phänomenen festzustellen, die zeitlich nahe beieinander liegen, sich auf ihren individuellen Seiten sicherlich berühren und dennoch in ihrem ästhetischen Wesen unterschiedlich sind.
Formulieren wir zunächst jene Momente der Gemeinsamkeit zwischen Beethoven und den Romantikern, die diesen Anlass gaben, in diesem brillanten Künstler ihre Gleichgesinnte zu sehen.
Vor dem Hintergrund der musikalischen Atmosphäre des postrevolutionären, also bürgerlichen Europas des frühen und mittleren 19 dominieren in diesen Jahren auf der Konzertbühne und im Opernhaus.
Beethoven ist der erste Komponist, der das Joch eines Hofmusikanten abgeworfen hat, der erste, dessen Werke weder äußerlich noch wesentlich mit der feudalfürstlichen Kultur oder den Anforderungen kirchlicher Kunst verbunden sind. Er und nach ihm andere Komponisten des 19. Jahrhunderts sind ein „freier Künstler“, der die demütigende Abhängigkeit vom Hof oder der Kirche nicht kennt, die allen großen Musikern früherer Epochen widerfuhr – Monteverdi und Bach, Händel und Gluck, Haydn und Mozart... Und doch brachte die gewonnene Freiheit von den einschränkenden Anforderungen des höfischen Umfelds neue Phänomene mit sich, die für die Künstler selbst nicht weniger schmerzhaft waren. Das Musikleben im Westen befand sich zu einem entscheidenden Teil in den Händen eines unaufgeklärten Publikums, das die hohen Ansprüche der Kunst nicht zu schätzen wusste und in ihr nur leichte Unterhaltung suchte. Der Widerspruch zwischen dem Streben fortgeschrittener Komponisten und dem spießbürgerlichen Niveau des trägen bürgerlichen Publikums behinderte die künstlerische Innovation im letzten Jahrhundert erheblich. Dies war die typische Tragödie des Künstlers der nachrevolutionären Zeit, die zu dem in der westlichen Literatur so weit verbreiteten Bild führte. unerkanntes Genie auf dem Dachboden." Sie erkannte das feurige, belastende Pathos in Wagners journalistischen Werken, die das zeitgenössische Musiktheater als „unfruchtbare Blüte einer verrotteten Gesellschaftsordnung“ brandmarkten. Es erinnerte an die bissige Ironie von Schumanns Artikeln: Über die Werke des europaweit donnernden Komponisten und Pianisten Kalkbrenner schrieb Schumann beispielsweise, dass er zunächst virtuose Passagen für den Solisten komponiere und dann nur noch darüber nachdenke, wie er die Lücken schließen könne zwischen ihnen. Berlioz‘ Träume von einem idealen musikalischen Zustand entstanden direkt aus der akuten Unzufriedenheit mit der Situation, die sich in der Musikwelt seiner Zeit etabliert hatte. Die gesamte Struktur der von ihm geschaffenen musikalischen Utopie drückt einen Protest gegen den Geist des kommerziellen Unternehmertums und die staatliche Schirmherrschaft rückläufiger Tendenzen aus, die für Frankreich in der Mitte des letzten Jahrhunderts so charakteristisch waren. Und Liszt, der ständig mit den begrenzten und rückständigen Anforderungen des Konzertpublikums konfrontiert war, erreichte einen solchen Grad der Verärgerung, dass ihm die Position eines mittelalterlichen Musikers ideal erschien, der seiner Meinung nach die Möglichkeit hatte, nur durch Konzentration zu schaffen nach seinen eigenen hohen Kriterien.
Im Kampf gegen Vulgarität, Routine und Frivolität war Beethoven der wichtigste Verbündete der Komponisten der romantischen Schule. Es war sein Werk, neu, kühn, spirituell, das zum Banner wurde, das die gesamte fortgeschrittene Komponistenjugend des 19. Jahrhunderts auf der Suche nach ernsthafter, wahrhaftiger Kunst inspirierte, die neue Perspektiven eröffnete.
Und in ihrer Opposition zu den überholten Traditionen des musikalischen Klassizismus wurden Beethoven und die Romantiker Mitte des 19. Jahrhunderts als eine Einheit wahrgenommen. Beethovens Bruch mit der musikalischen Ästhetik des Zeitalters der Aufklärung war für sie der Anstoß für ihre eigenen Suchen, die die Psychologie der Neuzeit charakterisieren. Die beispiellose emotionale Kraft seiner Musik, ihre neue lyrische Qualität, die Freiheit der Form im Vergleich zum Klassizismus des 18. Jahrhunderts und schließlich breiteste Palette künstlerische Ideen und Ausdrucksmittel- All dies erregte die Bewunderung der Romantiker und erfuhr eine vielfältige Weiterentwicklung in ihrer Musik. Nur die Vielseitigkeit von Beethovens Kunst und sein Blick auf die Zukunft können ein so paradoxes Phänomen auf den ersten Blick erklären, dass sich verschiedene, teilweise völlig unterschiedliche Komponisten als Beethovens Erben und Nachfolger wahrnahmen und eine solche Meinung berechtigterweise begründet hatten. Und tatsächlich hat Schubert nicht von Beethoven jenes entwickelte instrumentale Denken übernommen, das zu einer grundlegend neuen Interpretation des Klavierplans in Alltagsliedern führte? Berlioz konzentrierte sich bei der Schaffung seiner grandiosen symphonischen Kompositionen, in denen er auf Programmierung und Gesangsklänge zurückgriff, ausschließlich auf Beethoven. Mendelssohns Programmouvertüren basieren auf Beethovens Ouvertüren. Wagners vokalsinfonisches Schaffen geht direkt auf den Opern- und Oratorienstil Beethovens zurück. Liszts symphonische Dichtung – ein typisches Produkt der Romantik in der Musik – hat als Ursprung die ausgeprägten Züge des Kolorismus, die in den Werken des späten Beethoven auftraten, eine Tendenz zur Variation und eine freie Interpretation des Sonatenzyklus. Zugleich greift Brahms auf die klassizistische Struktur der Sinfonien Beethovens zurück. Tschaikowsky lässt ihr inneres Drama wieder aufleben, organisch verbunden mit der Logik der Sonatenbildung. Beispiele für solche Verbindungen zwischen Beethoven und Komponisten des 19. Jahrhunderts sind nahezu unerschöpflich.
Und im weiteren Sinne gibt es Verwandtschaftsmerkmale zwischen Beethoven und seinen Anhängern. Mit anderen Worten: Beethovens Werk nahm einige wichtige allgemeine Tendenzen in der gesamten Kunst des 19. Jahrhunderts vorweg.
Dies ist zunächst einmal ein psychologischer Anfang, der sowohl bei Beethoven als auch bei fast allen Künstlern nachfolgender Generationen spürbar ist.
Es waren nicht so sehr die Romantiker, sondern die Künstler des 19. Außenwelt. Insbesondere in der Entdeckung und Anerkennung dieser figurativen Sphäre liegt zunächst einmal der grundlegende Unterschied zwischen dem psychologischen Roman des 19. Jahrhunderts und den Literaturgattungen früherer Epochen.
Der Wunsch, die Wirklichkeit durch das Prisma der geistigen Welt der Individualität abzubilden, ist auch charakteristisch für die Musik der gesamten Nach-Beethoven-Ära. Durch die Brechung der Besonderheiten der instrumentalen Ausdruckskraft entstanden einige charakteristische neue Gestaltungstechniken, die sowohl in Beethovens späten Sonaten und Quartetten als auch in Instrumental- und Instrumentalmusik immer wieder auftauchen Opernwerke Romantiker.
Für die Kunst des „psychologischen Zeitalters“ gelten die klassizistischen Prinzipien des Formenbaus, die die objektiven Aspekte der Welt zum Ausdruck bringen, nämlich deutlich gegensätzliche thematische Formationen, vollständige Strukturen, symmetrisch zerlegte und ausgewogene Abschnitte der Form und die suitezyklische Gestaltung des Ganzen, haben ihre Relevanz verloren. Beethoven fand wie die Romantiker neue Techniken, die den Aufgaben der psychologischen Kunst gerecht wurden. Dabei handelt es sich um eine Tendenz zur Kontinuität der Entwicklung, zu Elementen eines Einstimmigen in der Tonleiter eines Sonatenzyklus, zur freien Variation in der Entwicklung des thematischen Materials, oft basierend auf flexiblen Motivübergängen, hin zu einem zweidimensionalen – vokal-instrumentalen – Struktur der musikalischen Sprache, als ob sie die Idee des Textes und den Subtext der Äußerung verkörpern würde * .
* Weitere Informationen hierzu finden Sie im Kapitel „Romantik in der Musik“, Abschnitt 4.
Es sind diese Merkmale, die die Werke des späten Beethoven und der Romantiker zusammenbringen, die im Übrigen grundsätzlich im Gegensatz zueinander stehen. Fantasie „Der Wanderer“ von Schubert und „Symphonische Etüden“ von Schumann, „Harold in Italien“ von Berlioz und „Schottische Symphonie“ von Mendelssohn, „Präludien“ von Liszt und „Ring des Nibelungen“ von Wagner – wie weit sind diese Werke in ihrer Bild-, Stimmungs- und Klangvielfalt aus Beethovens Sonaten und Quartetten der letzten Zeit! Und doch zeichnet sich bei beiden eine gemeinsame Tendenz zur Kontinuität der Entwicklung aus.
Was den späten Beethoven den Komponisten der romantischen Schule näher bringt, ist die außergewöhnliche Erweiterung des Spektrums der von ihrer Kunst abgedeckten Phänomene. Dieses Merkmal zeigt sich nicht nur in der Vielfalt der thematischen Themen selbst, sondern auch im extremen Kontrast beim Vergleich von Bildern innerhalb eines Werkes. Wenn also die Komponisten des 18. Jahrhunderts sozusagen auf einer Ebene liegende Gegensätze hatten, dann werden im späten Beethoven und in einer Reihe von Werken der romantischen Schule Bilder verschiedener Welten verglichen. Ganz im Sinne der großen Kontraste Beethovens prallen die Romantiker auf Irdisches und Jenseitiges, Realität und Traum, vergeistigten Glauben und erotische Leidenschaft. Erinnern wir uns an Liszts Sonate in h-Moll, Chopins Fantasie in f-Moll, Wagners „Tannhäuser“ und viele andere Werke der musikalisch-romantischen Schule.
Schließlich zeichnen sich Beethoven und die Romantiker durch den Wunsch nach detailliertem Ausdruck aus – ein Wunsch, der auch für die Literatur des 19. Jahrhunderts sehr charakteristisch ist, nicht nur für die romantische, sondern auch für die eindeutig realistische Ebene. Eine ähnliche Tendenz wird durch die musikalische Spezifität in Form einer vielelementigen, dichten und oft vielschichtigen (polymelodischen) Textur und äußerst differenzierten Orchestrierung gebrochen. Typisch ist auch die gewaltige Klangfülle der Musik Beethovens und der Romantiker. Darin unterscheidet sich ihre Kunst nicht nur vom kammermusikalischen, transparenten Klang klassizistischer Werke des 18. Jahrhunderts. Sie steht ebenso im Gegensatz zu einigen Schulen unseres Jahrhunderts, die als Reaktion auf die Ästhetik der Romantik entstanden sind, die „dicke“ Klangfülle des Orchesters oder Klaviers des 19. Jahrhunderts ablehnen und andere Prinzipien der Organisation des musikalischen Gefüges pflegen ( zum Beispiel Impressionismus oder Neoklassizismus).
Wir können auch auf einige spezifischere Gemeinsamkeiten in den Gestaltungsprinzipien Beethovens und der romantischen Komponisten hinweisen. Und doch tauchen im Lichte unserer heutigen künstlerischen Wahrnehmung Momente der Differenz zwischen Beethoven und den Romantikern auf, die von so grundlegender Bedeutung sind, dass vor diesem Hintergrund die Gemeinsamkeiten zwischen ihnen in den Hintergrund zu treten scheinen.
Heute ist uns klar, dass die Einschätzung Beethovens durch westliche Romantiker einseitig, in gewissem Sinne sogar tendenziös war. Sie „hörten“ nur die Aspekte von Beethovens Musik, die „im Einklang“ mit ihren eigenen künstlerischen Ideen standen.
Bezeichnend ist, dass sie Beethovens späte Quartette nicht erkannten. Diese Werke, die weit über die künstlerischen Ideen der Romantik hinausgingen, schienen ihnen ein Missverständnis zu sein, die Frucht der Fantasie eines alten Mannes, der den Verstand verloren hatte. Sie schätzten auch seine Werke der Frühzeit nicht. Als Berlioz mit einem Federstrich die gesamte Bedeutung von Haydns Werk als vermeintlich höfischer angewandter Kunst ausradierte, brachte er in extremer Form eine für viele Musiker seiner Generation charakteristische Tendenz zum Ausdruck. Die Romantiker überließen den Klassizismus des 18. Jahrhunderts leicht der unwiederbringlich vergangenen Vergangenheit und damit auch das Werk des frühen Beethoven, das sie nur als eine Stufe vor dem eigentlichen Werk des großen Komponisten zu betrachten neigten.
Aber auch die Herangehensweise der Romantiker an Beethovens Werk der „reifen“ Zeit weist Einseitigkeit auf. So stellten sie beispielsweise das Programm „Pastorale Symphonie“ auf ein hohes Podest, das aus heutiger Sicht keineswegs über Beethovens sonstige Werke der symphonischen Gattung hinausragt. In der Fünften Symphonie, die sie durch ihre emotionale Wut und ihr feuerspeiendes Temperament fesselte, schätzten sie die einzigartige formale Struktur nicht, die den wichtigsten Aspekt des künstlerischen Gesamtkonzepts darstellt.
Diese Beispiele spiegeln keine besonderen Unterschiede zwischen Beethoven und den Romantikern wider, sondern eine tiefe allgemeine Diskrepanz zwischen ihren ästhetischen Prinzipien.
Der grundlegendste Unterschied zwischen ihnen liegt in ihrer Einstellung.
Wie auch immer die Romantiker ihr Werk selbst interpretierten, sie alle drückten darin in der einen oder anderen Form einen Widerspruch zur Realität aus. Das Bild einer einsamen Persönlichkeit, verloren in einer fremden und feindseligen Welt, eine Flucht aus der düsteren Realität in die Welt eines unerreichbar schönen Traums, ein heftiger Protest am Rande nervöser Erregung, mentale Schwankungen zwischen Hochgefühl und Melancholie, Mystik und … höllisches Prinzip - genau diese Sphäre der Bilder, die Beethovens Werk fremd war, war V Musikalische Kunst zuerst von den Romantikern entdeckt und von ihnen mit hoher künstlerischer Perfektion weiterentwickelt. Beethovens heroischer Optimismus, seine geistige Ausgeglichenheit, der erhabene Gedankenflug, der nie in eine Philosophie des Jenseitigen mündet – all das wurde von Komponisten, die sich als Beethovens Erben betrachteten, nicht akzeptiert. Sogar Schubert, der sich in viel größerem Maße als die Romantiker der nächsten Generation Einfachheit, Bodenständigkeit und Verbundenheit mit der Kunst des Volkslebens bewahrte – selbst seine besten, klassischen Werke werden hauptsächlich mit der Stimmung der Einsamkeit und Traurigkeit in Verbindung gebracht. Er war der Erste, der in „Margarita am Spinnrad“, „Der Wanderer“, dem Zyklus „Winterreise“, „Die unvollendete Symphonie“ und vielen anderen Werken das für die Romantiker typisch gewordene Bild der geistigen Einsamkeit schuf. Berlioz, der sich als Nachfolger der heroischen Traditionen Beethovens sieht, fing in seinen Symphonien dennoch Bilder tiefer Unzufriedenheit mit der realen Welt ein, der Sehnsucht nach dem Unerfüllbaren, Byrons „weltlichem Kummer“. Bezeichnend in diesem Sinne ist der Vergleich von Beethovens „Pastoralisinfonie“ mit Berlioz‘ „Szene auf den Feldern“ (aus „Fantastique“). Beethovens Werk ist von einer Stimmung heller Harmonie umgeben, durchdrungen von einem Gefühl der Verschmelzung von Mensch und Natur – bei Berlioz liegt ein Schatten düsterer individualistischer Reflexion. Und selbst als harmonischster und ausgeglichenster aller Komponisten der Nach-Beethoven-Ära kommt Mendelssohn nicht an den Optimismus und die spirituelle Stärke Beethovens heran. Die Welt, in der Mendelssohn lebt völlige Harmonie, ist eine enge „gemütliche“ Bürgerwelt, die weder emotionale Stürme noch helle Gedankeneinsichten kennt.
Vergleichen wir abschließend Beethovens Helden mit typischen Helden in der Musik des 19. Jahrhunderts. Anstelle von Egmont und Leonora – heldenhafte, wirkungsvolle Persönlichkeiten mit einem hohen moralischen Prinzip – treffen wir auf ruhelose, unzufriedene Charaktere, die zwischen Gut und Böse schwanken. So werden Max aus Webers „Der Zauberschütze“, Schumanns „Manfred“, Wagners „Tannhäuser“ und viele andere wahrgenommen. Wenn Schumanns Florestan etwas moralisch Ganzes darstellt, dann drückt dieses Bild – brodelnd, hektisch, protestierend – erstens die Idee der extremen Unversöhnlichkeit mit der Außenwelt aus, die Quintessenz der Zwietracht selbst. Zweitens verkörpert er insgesamt über Eusebius, der von der Realität in die Welt eines nicht existierenden schönen Traums entführt wird, die typische gespaltene Persönlichkeit eines romantischen Künstlers. Zwei brillante Trauermärsche – Beethovens aus der „Eroica-Symphonie“ und Wagners aus „Götterdämmerung“ – spiegeln wie ein Wassertropfen die Essenz der Unterschiede im Weltbild Beethovens und der romantischen Komponisten. Für Beethoven war der Trauerzug eine Episode im Kampf, der mit dem Sieg des Volkes und dem Triumph der Wahrheit endete; Bei Wagner symbolisiert der Tod des Helden den Tod der Götter und die Niederlage der heroischen Idee.
Dieser tiefgreifende Unterschied in der Weltanschauung wurde in einer spezifischen musikalischen Form gebrochen und bildete eine klare Grenze zwischen dem künstlerischen Stil Beethovens und der Romantik.
Es manifestiert sich vor allem im figurativen Bereich.
Die Erweiterung der Grenzen der musikalischen Ausdruckskraft durch die Romantiker hing in hohem Maße mit der von ihnen entdeckten Sphäre der märchenhaften und phantastischen Bilder zusammen. Für sie ist dies kein untergeordneter, kein zufälliger Bereich, sondern das spezifischste und originellste- genau das, was das 19. Jahrhundert aus einer breiten historischen Perspektive vor allem von allen vorangegangenen unterscheidet musikalische Epochen. Wahrscheinlich verkörperte das Land der schönen Fiktion den Wunsch des Künstlers, der langweiligen Alltagsrealität in die Welt eines unerreichbaren Traums zu entfliehen. Es ist auch unbestreitbar, dass sich in der Musikkunst das nationale Selbstbewusstsein, das in der Ära der Romantik (als Folge der nationalen Befreiungskriege zu Beginn des Jahrhunderts) eine prächtige Blüte erlebte, in einem gesteigerten Interesse an nationaler Folklore manifestierte , durchdrungen von magischen und märchenhaften Motiven.
Eines ist sicher: Ein neues Wort in der Opernkunst des 19. Jahrhunderts wurde erst gesagt, als Hoffmann, Weber, Marschner, Schumann und nach ihnen – und auf besonders hohem Niveau – Wagner grundsätzlich mit dem Historischen, Mythologischen und Komischen brachen Handlungsstränge, die untrennbar mit dem Klassizismus des Musiktheaters verbunden sind, und bereicherten die Welt der Oper mit märchenhaften, phantastischen und sagenumwobenen Motiven. Auch die neue Sprache der romantischen Symphonie hat ihren Ursprung in Werken, die untrennbar mit dem zauberhaften Märchenprogramm verbunden sind – in den „Oberonischen“ Ouvertüren von Weber und Mendelssohn. Die Ausdruckskraft des romantischen Pianismus hat seinen Ursprung größtenteils im figurativen Bereich von Schumanns „Fantastischen Stücken“ oder „Kreisleriana“, in der Atmosphäre der Balladen von Mickiewicz – Chopin usw. usw. Die enorme Bereicherung der farbenfrohen – harmonischen und klangfarbenen – Palette , das ist eine der wichtigsten Errungenschaften der Weltkunst des 19. Jahrhunderts, die allgemeine Stärkung des sinnlichen Reizes von Klängen, die die Musik des Klassizismus so direkt von der Musik der Post-Beethoven-Ära trennt – all das ist in erster Linie damit verbunden mit dem märchenhaften und phantastischen Bilderkreis, der erstmals in den Werken des 19. Jahrhunderts konsequent entwickelt wurde. Hier entsteht zu einem großen Teil die allgemeine Atmosphäre der Poesie, die Feier der sinnlichen Schönheit der Welt, außerhalb derer romantische Musik undenkbar ist.
Für Beethoven war die phantastische Sphäre der Bilder zutiefst fremd. Natürlich steht seine Kunst an poetischer Kraft der Romantik in nichts nach. Die hohe Spiritualität von Beethovens Denken und seine Fähigkeit, verschiedene Aspekte des Lebens zu poetisieren, sind jedoch in keiner Weise mit magischen, märchenhaften, legendären, jenseitigen mystischen Bildern verbunden. Sie sind nur vereinzelt angedeutet und nehmen stets einen episodischen und keineswegs zentralen Platz im Gesamtkonzept der Werke ein – etwa im Presto der Siebten Symphonie oder im Finale der Vierten. Letzteres erschien (wie wir oben schrieben) für Tschaikowsky ein fantastisches Bild aus der Welt der magischen Geister. Diese Interpretation wurde zweifellos von der Erfahrung eines halben Jahrhunderts der Musikentwicklung nach Beethoven inspiriert; Tschaikowsky schien die Musikpsychologie des späten 19. Jahrhunderts auf die Vergangenheit zu projizieren. Aber auch heute noch, wenn man eine solche „Lesart“ von Beethovens Text akzeptiert, kommt man nicht umhin, zu sehen, wie koloristisch Beethovens Finale ist weniger hell und vollständig als die fantastischen Stücke der Romantiker, die ihm im Großen und Ganzen an Talent und Inspirationskraft deutlich unterlegen waren.
Es ist dieses Kriterium des Kolorismus, das die unterschiedlichen Wege der innovativen Suche der Romantiker und Beethovens besonders deutlich hervorhebt. Selbst in Werken des Spätstils, die auf den ersten Blick völlig vom klassizistischen Stil entfernt sind, ist Beethovens harmonische und instrumentale Klangfarbensprache stets viel einfacher, klarer als die der Romantiker und bringt mehr das logische und organisierende Prinzip der musikalischen Ausdruckskraft zum Ausdruck . Wenn er von den Gesetzen der klassischen Funktionsharmonik abweicht, führt diese Abweichung eher zu antiken, vorklassischen Tonarten und polyphonen Strukturen als zu den komplizierten Funktionsbeziehungen der Harmonik der Romantiker und ihrer freien Polymelodie. Er strebt nie nach der autarken Farbigkeit, Dichte, dem Luxus harmonischer Klänge, die den wichtigsten Aspekt der romantischen Musiksprache ausmachen. Beethovens koloristischer Ansatz entwickelte sich insbesondere in den späten Klaviersonaten zu einem sehr hohen Niveau. Und doch erlangt es nie eine dominante Bedeutung, verdrängt nie das gesamte Klangkonzept. Und die eigentliche Struktur eines Musikwerks verliert nie an Klarheit und Erleichterung. Um die gegensätzlichen ästhetischen Ansprüche Beethovens und der Romantiker zu verdeutlichen, vergleichen wir noch einmal Beethoven und Wagner, den Komponisten, der die typischen Tendenzen romantischer Ausdrucksmittel zur Vollendung brachte. Wagner, der sich als Erbe und Nachfolger Beethovens betrachtete, kam seinem Ideal in vielerlei Hinsicht tatsächlich nahe. Seine äußerst detaillierte musikalische Rede, reich an äußeren Klangfarben und Farbtönen, würzig in seinem sinnlichen Charme, erzeugt jedoch jenen Effekt der „Monotonie des Luxus“ (Rimsky-Korsakov), in dem sich der Sinn für Form und innere Dynamik der Musik befindet verloren. Für Beethoven war ein solches Phänomen grundsätzlich unmöglich.
Die enorme Distanz zwischen dem musikalischen Denken Beethovens und den Romantikern zeigt sich ebenso deutlich in deren Haltung zur Gattung der Miniaturen.
Im Rahmen der Kammerminiaturen erreichten die Romantiker künstlerische Höhenflüge, die für diese Kunstgattung bisher beispiellos waren. Der neue Stil der Lyrik des 19. Jahrhunderts, der den unmittelbaren Gefühlsausbruch, die intime Stimmung des Augenblicks und die Verträumtheit zum Ausdruck brachte, wurde idealerweise in einem Lied und einem einsätzigen Klavierstück verkörpert. Hier manifestierte sich die Innovation der Romantiker besonders überzeugend, frei und kühn. Romanzen von Schubert und Schumann, „Musikalische Augenblicke“ und „Impromptu“ von Schubert, „Lieder ohne Worte“ von Mendelssohn, Nocturnen und Mazurken von Chopin, einsätzige Klavierstücke von Liszt, Miniaturenzyklen von Schumann und Chopin – allesamt charakterisieren auf brillante Weise das neue, romantische Denken in der Musik und spiegeln hervorragend die Persönlichkeit ihrer Schöpfer wider. Kreativität im Einklang mit den Traditionen der Sonatensinfonie und des Klassizismus war für romantische Komponisten viel schwieriger; sie erreichten selten die künstlerische Überzeugungskraft und Vollständigkeit des Stils, die ihre einsätzigen Stücke charakterisieren. Darüber hinaus dringen die für Miniaturen typischen Prinzipien der Formbildung konsequent in die symphonischen Zyklen der Romantiker ein und verändern deren traditionelles Erscheinungsbild radikal. So übernahm beispielsweise Schuberts „Unvollendete Symphonie“ die Gesetze des Liebesromans; Es ist kein Zufall, dass es „unvollendet“, also zweiteilig blieb. Berlioz‘ „Fantastic“ wird als gigantisch erweiterter Zyklus lyrischer Miniaturen wahrgenommen. Heine, der Berlioz als „eine Lerche von der Größe eines Adlers“ bezeichnete, erfasste sensibel den in seiner Musik inhärenten Widerspruch zwischen den äußeren Formen der monumentalen Sonate und der Denkweise des Komponisten, die zur Miniatur tendierte. Wenn Schumann sich einer zyklischen Symphonie zuwendet, verliert er weitgehend die Individualität eines romantischen Künstlers, die sich in seinen Klavierstücken und Romanzen so deutlich manifestiert. Die symphonische Dichtung, die nicht nur das schöpferische Auftreten Liszts selbst, sondern auch die allgemeine künstlerische Struktur der Mitte des 19. Jahrhunderts widerspiegelt, mit dem deutlich zum Ausdruck gebrachten Wunsch, die für Beethoven charakteristische verallgemeinerte symphonische Denkstruktur zu bewahren, basiert in erster Linie auf einteilig Entwürfe der Romantiker, von ihren charakteristischen farbenfrohen, frei variierenden Formenbildungstechniken usw. usw.
Im Werk Beethovens gibt es eine diametral entgegengesetzte Tendenz. Natürlich sind die Vielfalt, Vielfalt und der Reichtum von Beethovens Suche so groß, dass es nicht schwer ist, in seinem Erbe Werke in Miniaturform zu finden. Und doch kann man nicht umhin zu sehen, dass Werke dieser Art bei Beethoven eine untergeordnete Stellung einnehmen, in der Regel unterlegen künstlerischer Wert großformatige Sonatengenres. Weder die Bagatellen noch die „Deutschen Tänze“ noch die Lieder können einen Eindruck von der künstlerischen Individualität des Komponisten vermitteln, der sich auf dem Gebiet der monumentalen Form als Genie erwies. Beethovens Zyklus „An eine ferne Geliebte“ gilt zu Recht als Prototyp zukünftiger romantischer Zyklen. Aber wie minderwertig ist diese Musik an Inspirationskraft, thematischer Helligkeit, melodischem Reichtum nicht nur den Schubert- und Schumann-Zyklen, sondern auch den Sonatenwerken Beethovens selbst! Was für eine erstaunliche Melodik einige seiner Instrumentalthemen haben, insbesondere in Werken des Spätstils. Erinnern wir uns zum Beispiel an das Andante aus dem langsamen Satz der Neunten Symphonie, das Adagio aus dem Zehnten Quartett, das Largo aus der Siebten Sonate, das Adagio aus der Neunundzwanzigsten Sonate und unzählige andere. In Beethovens Gesangsminiaturen ist eine solche Fülle melodischer Inspiration fast nie zu finden. Charakteristisch ist, dass im Rahmen des Instrumentalzyklus, as Element der Struktur des Sonatenzyklus und seiner Dramaturgie Beethoven schuf oft fertige Miniaturen, die sich durch unmittelbare Schönheit und Ausdruckskraft auszeichnen. Es gibt unzählige Beispiele für Miniaturkompositionen dieser Art, die als Episode in einem Zyklus zwischen den Scherzos und Menuetten von Beethovens Sonaten, Sinfonien und Quartetten dienen.
Und noch mehr tendiert Beethoven in der Spätphase seines Schaffens (und genau das versucht man der romantischen Kunst näher zu bringen) zu grandiosen, monumentalen Leinwänden. Zwar schuf er in dieser Zeit die „Bagatelle“ op. 126, die in Form einer einsätzigen Miniatur mit ihrer Poesie und Originalität alle anderen Werke Beethovens überragen. Man kommt aber nicht umhin zu erkennen, dass diese Miniaturen für Beethoven ein einzigartiges Phänomen sind, das in seinem weiteren Werk keine Fortsetzung findet. Im Gegenteil, alle Werke des letzten Jahrzehnts in Beethovens Leben – von den Klaviersonaten (Nr. 28, 29, 30, 31, 32) bis zur „Feierlichen Messe“, von der Neunten Symphonie bis zu den letzten Quartetten – mit Maximum Seine künstlerische Kraft bestätigt seine charakteristische monumentale und majestätische Denkweise, seine Vorliebe für grandiose, „kosmische“ Maßstäbe, die eine erhaben abstrakte figurative Sphäre zum Ausdruck bringen.
Ein Vergleich der Rolle der Miniaturen im Werk Beethovens und der Romantiker macht besonders deutlich, wie fremd (oder gescheitert) diesen die Sphäre des abstrakten philosophischen Denkens war, die für Beethoven im Allgemeinen und für die Werke der Spätzeit im Besonderen sehr charakteristisch ist Zeitraum.
Erinnern wir uns daran, wie konsequent Beethovens Interesse an der Polyphonie während seiner gesamten Karriere ausgeprägt war. kreativer Weg. In der späteren Schaffensperiode wird für ihn die Polyphonie zur wichtigsten Denkform, zu einem charakteristischen Stilmerkmal. In voller Übereinstimmung mit der philosophischen Ausrichtung des Denkens wird Beethovens gesteigertes Interesse an der letzten Periode des Quartetts wahrgenommen – einer Gattung, die gerade in seinem eigenen Werk als Vertreter eines zutiefst intellektuellen Prinzips hervortrat.
Inspiriert und berauscht von lyrischem Gefühl werden die Episoden des späten Beethoven, in denen nachfolgende Generationen nicht ohne Grund den Prototyp romantischer Lyrik sahen, in der Regel durch sachliche, meist abstrakte polyphone Teile ausgeglichen. Lassen Sie uns zumindest die Beziehung zwischen dem Adagio und dem polyphonen Finale in der Neunundzwanzigsten Sonate, der Schlussfuge und dem gesamten vorhergehenden Material in der Einunddreißigsten Sonate andeuten. Freie Kantilenenmelodien langsamer Sätze, die oft tatsächlich die lyrische Melodie romantischer Themen widerspiegeln, erscheinen im späten Beethoven umgeben von abstraktem, rein abstraktem Material. Asketisch harsch, oft linear in der Struktur, ohne sängerische und melodische Motive, verlagern diese Themen, oft in polyphoner Brechung, den künstlerischen Schwerpunkt des Werkes von den langsamen melodischen Teilen. Und das allein stört das romantische Bild aller Musik. Selbst die letzten Variationen der letzten Klaviersonate, die für „Arietta“ geschrieben wurde und auf den ersten Blick einer romantischen Miniatur ähnelt, führen weit weg von der intimen lyrischen Sphäre, in Kontakt mit der Ewigkeit, mit der majestätischen Welt des Kosmos .
In der Musik der Romantiker erweist sich der Bereich des abstrakt-philosophischen als dem emotional-lyrischen Prinzip untergeordnet. Dementsprechend sind die Ausdrucksmöglichkeiten der Polyphonie der harmonischen Brillanz deutlich unterlegen. Kontrapunktische Episoden sind in den Werken der Romantiker generell selten und wenn sie auftreten, sehen sie völlig anders aus als die traditionelle Polyphonie mit ihrer charakteristischen spirituellen Struktur. So sind in „Der Hexensabbat“ aus Berlioz‘ „Symphony Fantastique“ und in Liszts h-Moll-Sonate die Fugentechniken Träger eines mephistophelischen, bedrohlich sarkastischen Bildes und keineswegs von dem erhabenen kontemplativen Gedanken, der die Polyphonie von charakterisiert der späte Beethoven und, nebenbei bemerkt, Bach oder Palestrina.
Es ist kein Zufall, dass keiner der Romantiker die künstlerische Linie fortsetzte, die Beethoven in seinem Quartettwerk entwickelt hatte. Berlioz, Liszt und Wagner waren von diesem Kammergenre selbst mit seiner äußeren Zurückhaltung, dem völligen Fehlen von „rednerischer Haltung“ und Vielfalt und der Einheitlichkeit der Klangfarbe „kontraindiziert“. Aber auch jene Komponisten, die im Rahmen des Quartettklangs schöne Musik schufen, folgten nicht dem Weg Beethovens. In den Quartetten von Schubert, Schumann und Mendelssohn dominiert die emotionale und sinnlich-farbenfrohe Wahrnehmung der Welt das konzentrierte Denken. In ihrem gesamten Erscheinungsbild stehen sie näher am Symphonie- und Klaviersonatensatz als am Quartettsatz Beethovens, der sich durch „nackte“ Gedankenlogik und reine Spiritualität zu Lasten des Dramas und der unmittelbaren Zugänglichkeit der Thematik auszeichnet.
Es gibt noch ein weiteres wichtiges Stilmerkmal, das Beethovens Denkweise klar von der romantischen unterscheidet, nämlich das „Lokalkolorit“, das erstmals von den Romantikern entdeckt wurde und eine der markantesten Errungenschaften der Musik des 19. Jahrhunderts darstellt.
Dieses Stilmerkmal war dem musikalischen Schaffen der Epoche des Klassizismus unbekannt. Natürlich sind Elemente der Folklore schon immer weitreichend in das professionelle Komponieren in Europa eingedrungen. Vor der Ära der Romantik lösten sie sich jedoch in der Regel in universellen Ausdrucksformen auf und gehorchten den Gesetzen der gesamteuropäischen Musiksprache. Auch in den Fällen, in denen in der Oper bestimmte Bühnenbilder mit außereuropäischer Kultur und charakteristischem Lokalkolorit in Verbindung gebracht wurden (z. B. „Janitscharen“-Bilder in den komischen Opern des 18. Jahrhunderts oder der sogenannte „Indianer“ bei Rameau), die Musiksprache selbst ging nicht über den Rahmen eines einheitlichen europäischen Stils hinaus. Und erst ab dem zweiten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts begann die antike bäuerliche Folklore konsequent in die Werke romantischer Komponisten einzudringen, und zwar in einer Form, die ihre charakteristischen nationalen und ursprünglichen Merkmale gezielt hervorhob und schattierte.
So ist die leuchtende künstlerische Originalität von Webers „Magic Shooter“ ebenso wie der märchenhaft-fantastische Bilderkreis mit den charakteristischen Intonationen deutscher und tschechischer Folklore verbunden. Der grundlegende Unterschied zwischen Rossinis italienischen Opern, die der klassizistischen Tradition angehören, und seinem „Wilhelm Tell“ besteht darin, dass das musikalische Gefüge dieser wahrhaft romantischen Oper vom Flair der Tiroler Folklore durchdrungen ist. In Schuberts Romanzen wurde das deutsche Alltagslied zum ersten Mal von den Schichten ausländischer italienischer Opern-„Lackierung“ „gereinigt“ und glänzte mit frischen melodischen Wendungen, die den multinationalen Alltagsliedern Wiens entlehnt waren; Sogar Haydns symphonische Melodien vermieden dieses einzigartige Lokalkolorit. Was wäre Chopin ohne polnische Volksmusik, Liszt ohne die ungarischen „Verbunkos“, Smetana und Dvorak ohne tschechische Folklore, Grieg ohne Norwegisch? Wir lassen jetzt sogar die russische Musikschule beiseite, eine der bedeutendsten in der Musik des 19. Jahrhunderts, untrennbar mit ihrer nationalen Besonderheit verbunden. Kolorierung der Werke auf einzigartige Weise Nationalfarbe, Folkloreverbindungen behaupteten eines der charakteristischsten Merkmale des romantischen Stils in der Musik.
Beethoven steht in dieser Hinsicht auf der anderen Seite der Grenze. Wie bei seinen Vorgängern wirkt das Volksprinzip in seiner Musik fast immer zutiefst vermittelt und transformiert. Manchmal, in bestimmten, buchstäblich vereinzelten Fällen, weist Beethoven selbst darauf hin, dass seine Musik „im deutschen Geist“ (alla tedesca) sei. Es ist jedoch schwer zu übersehen, dass diesen Werken (oder vielmehr einzelnen Teilen der Werke) jede deutlich wahrnehmbare lokale Note fehlt. Folklorethemen sind so in das allgemeine Musikgefüge verwoben, dass ihre nationalen Besonderheiten der Sprache der professionellen Musik untergeordnet werden. Sogar in den sogenannten „Russischen Quartetten“, wo echt Volksthemen, Beethoven entwickelt das Material so, dass die nationale Besonderheit der Folklore nach und nach verdeckt wird und mit den üblichen „Redewendungen“ des europäischen Sonaten-Instrumentalstils verschmilzt.
Wenn die modale Originalität der Thematik die gesamte Struktur der Musik dieser Quartettstimmen beeinflusst hat, so sind diese Einflüsse jedenfalls tief verarbeitet und nicht direkt für das Ohr wahrnehmbar, wie es bei Komponisten der romantischen oder nationaldemokratischen Schule der Fall ist das 19. Jahrhundert. Dabei geht es keineswegs darum, dass Beethoven die Originalität russischer Themen nicht spüren konnte. Im Gegenteil, seine Transkriptionen englischer, irischer und schottischer Lieder zeugen von der erstaunlichen Sensibilität des Komponisten für das volkstümliche modale Denken. Aber im Rahmen seines künstlerischen Stils, der untrennbar mit dem instrumentalen Sonatendenken verbunden ist, interessiert das Lokalkolorit Beethoven nicht und berührt sein künstlerisches Bewusstsein nicht. Und hier offenbart sich ein weiterer grundsätzlich wichtiger Aspekt, der sein Werk von der Musik des „romantischen Zeitalters“ unterscheidet.
Schließlich manifestiert sich die Divergenz zwischen Beethoven und den Romantikern auch in Bezug auf das künstlerische Prinzip, das der Überlieferung nach, ausgehend von den Ansichten der Mitte des 19. Jahrhunderts, meist als wichtigster Punkt der Gemeinsamkeit zwischen ihnen angesehen wird. Wir sprechen über Programmierung, die den Grundstein der romantischen Ästhetik in der Musik bildet.
Romantische Komponisten nannten Beethoven beharrlich den Schöpfer der Programmmusik und sahen in ihm ihren Vorgänger. Tatsächlich verfügt Beethoven über zwei bekannte Werke, deren Inhalt der Komponist selbst mit Hilfe von Worten verdeutlichte. Es waren diese Werke – die Sechste und die Neunte Symphonie – die von den Romantikern als Personifizierung ihrer eigenen künstlerischen Methode, als Banner der neuen Programmmusik des „romantischen Zeitalters“ wahrgenommen wurden. Wenn man dieses Problem jedoch mit unvoreingenommenem Blick betrachtet, ist es nicht schwer zu erkennen, dass sich Beethovens Programm grundlegend von dem der romantischen Schule unterscheidet. Und erstens, weil das für Beethoven private und untypische Phänomen zu einem konsequenten, wesentlich wichtigen Prinzip in der Musik des romantischen Stils wurde.
Die Romantiker des 19. Jahrhunderts brauchten dringend die Programmierung als Faktor, der fruchtbar zur Entwicklung ihres neuen Stils beitragen würde. Tatsächlich bilden Ouvertüren, Sinfonien, symphonische Dichtungen und Klavierzyklen – allesamt programmatischer Natur – den allgemein anerkannten Beitrag der Romantiker auf dem Gebiet der Instrumentalmusik. Neu und charakteristisch romantisch ist hier allerdings weniger der Appell an außermusikalische Assoziationen, Beispiele dafür durchdringen die gesamte Geschichte Europas musikalische Kreativität , Wie viele literarisch die Natur dieser Assoziationen. Alle romantischen Komponisten fühlten sich davon angezogen moderne Literatur , denn spezifische Bilder und die allgemeine Gefühlsstruktur der neuesten Lyrik, des märchenhaft-fantastischen Epos und des psychologischen Romans halfen ihnen, sich vom Druck überholter klassizistischer Traditionen zu befreien und nach eigenen neuen Ausdrucksformen zu „tasten“. Erinnern wir uns zumindest daran, welche grundsätzlich wichtige Rolle die Bilder von De Quincey-Moussets Roman „Das Tagebuch eines Opiumrauchers“, die Szenen der „Walpurgisnacht“ aus Goethes „Faust“, Hugos Erzählung „Der letzte Tag eines verurteilten Mannes“ spielen “ und andere spielten für Berlioz‘ Symphony Fantastique. Schumanns Musik wurde direkt von den Werken Jean Pauls und Hoffmanns inspiriert, Schuberts Romanzen von der Lyrik Goethes, Schillers, Müllers, Heines usw. Der Einfluss des von den Romantikern wiederentdeckten Shakespeare auf die neue Musik des 19. Jahrhunderts kann kaum zu überschätzen. Es ist in der gesamten Post-Beethoven-Ära spürbar, beginnend mit Webers Oberon, Dream in Sommernacht„Mendelssohn“, „Romeo und Julia“ von Berlioz und endet mit der berühmten Tschaikowsky-Ouvertüre zur gleichen Handlung. Lamartine, Hugo und Liszt; die nordischen Sagen der romantischen Dichter und Wagners „Ring des Nibelungen“; Byron und „Harold in Italien“ von Berlioz, „Manfred“ von Schumann; Schreiber und Meyerbeer; Apel und Weber usw. usw. – jeder große Künstler der Nach-Beethoven-Generation fand seine neue Bildstruktur unter dem direkten Einfluss der neuesten oder offenen Moderne der Literatur. „Erneuerung der Musik durch Verbindung mit der Poesie“ – so formulierte Liszt diesen wichtigsten Trend der Romantik in der Musik.
Beethoven hingegen ist der Programmierung grundsätzlich fremd. Mit Ausnahme der Sechsten und Neunten Symphonie stellen alle anderen Instrumentalwerke Beethovens (mehr als 150) den klassischen Höhepunkt der Musik des sogenannten „absoluten“ Stils dar, ebenso wie die Quartette und Sinfonien der reifen Haydn und Mozart. Ihre Intonationsstruktur und Prinzipien der Sonatenbildung verallgemeinern die eineinhalb Jahrhunderte umfassende Erfahrung der bisherigen Musikentwicklung. Daher ist die Wirkung seiner Thematik und Sonatenentwicklung unmittelbar, öffentlich zugänglich und erfordert keine außermusikalischen Assoziationen, um das Bild vollständig zu offenbaren. Wenn Beethoven sich der Programmierung zuwendet, stellt sich heraus, dass diese völlig anders ist als die der Komponisten der romantischen Schule.
Somit ist die Neunte Symphonie, die den poetischen Text von Schillers Ode „An die Freude“ verwendet, keineswegs eine Programmsymphonie im eigentlichen Sinne. Dies ist ein formal einzigartiges Werk, das zwei unabhängige Genres vereint. Der erste ist ein groß angelegter symphonischer Zyklus (ohne Finale), der in allen thematischen und formalen Details an Beethovens typischen „absoluten“ Stil angrenzt. Die zweite ist eine Chorkantate nach Schillers Text und bildet einen gigantischen Höhepunkt des Gesamtwerks. Sie erscheint nur Danach, da die instrumentale Sonatenentwicklung erschöpft ist. Dies war nicht der Weg der romantischen Komponisten, für die Beethovens Neunte als Vorbild diente. Ihre Vokalmusik mit Worten ist in der Regel über den gesamten Grundriss des Werkes verteilt und spielt die Rolle eines konkretisierenden Programms. So entsteht beispielsweise Berlioz‘ „Romeo und Julia“, eine Art Hybrid aus Orchestermusik und Theater. Sowohl in Mendelssohns „Laudatorischer“ und „Reformatorischer“ Symphonie als auch später in Mahlers Zweiter, Dritter und Vierter wird der Vokalmusik mit Worten die Gattungsunabhängigkeit entzogen, die Beethovens Ode an Schillers Text kennzeichnet.
Die „Pastorale Symphonie“ steht in ihren äußeren Programmformen den sonatensinfonischen Werken der Romantiker näher. Und obwohl Beethoven selbst in der Partitur darauf hinweist, dass diese „Erinnerungen an das Landleben“ „eher Ausdruck von Stimmungen als Klangmalerei“ seien, sind die konkreten Handlungszusammenhänge hier sehr deutlich. Es stimmt, sie sind weniger malerisch als vielmehr opernhaft und szenisch. Doch gerade in der tiefen Verbundenheit mit dem Musiktheater offenbart sich die ganze einzigartige Besonderheit des Programms der Sechsten Symphonie.
Anders als die Romantiker lässt sich Beethoven hier nicht von einem völlig neuen künstlerischen Gedankensystem für die Musik leiten, das sich jedoch in der modernen Literatur manifestieren konnte. Auf solche setzt er in der „Pastoralen Symphonie“. figuratives System, das (wie wir oben gezeigt haben) seit langem im Bewusstsein von Musikern und Musikliebhabern verankert ist.
So basieren die musikalischen Ausdrucksformen der „Pastoralen Symphonie“ bei aller Originalität weitgehend auf altbewährten Intonationskomplexen; Neue, rein beethovensche Themenformationen, die vor ihrem Hintergrund entstehen, trüben sie nicht. Man hat den gewissen Eindruck, dass Beethoven in der Sechsten Symphonie bewusst durch das Prisma seines Neuen bricht symphonischer Stil Bilder und Ausdrucksformen des Musiktheaters der Aufklärung.
Mit diesem einzigartigen Werk erschöpfte Beethoven sein Interesse an der Instrumentalprogrammierung selbst völlig. In den nächsten zwanzig (!) Jahren – und etwa zehn davon fallen mit der Zeit des Spätstils zusammen – schuf er kein einziges Werk mit konkreten Titeln und eindeutiger Bedeutung außermusikalische Assoziationen in der Art der „Pastoralen Symphonie“*.
* In den Jahren 1809-1810, also in der Zeit zwischen der „Appassionata“ und der ersten der späteren Sonaten, die von der Suche nach einem neuen Weg auf dem Gebiet der Klaviermusik geprägt war, schrieb Beethoven die 26. Sonate, ausgestattet mit Programmtitel („Les Adieux“, „L“absence“, „La Retour“) Diese Titel haben nur sehr geringe Auswirkungen auf die Struktur der Musik als Ganzes, auf ihre thematische Natur und Entwicklung und zwingen uns, uns an die Art des Programms zu erinnern das in der deutschen Instrumentalmusik vor der Herausbildung des klassizistischen Sonaten-Symphonie-Stils zu finden war, insbesondere in den frühen Quartetten und Haydns Sinfonien.
Dies scheinen die wesentlichen und grundlegenden Unterschiede zwischen Beethoven und den Komponisten der romantischen Schule zu sein. Aber als zusätzliche Perspektive auf das hier aufgeworfene Problem wollen wir die Aufmerksamkeit auf die Tatsache lenken, dass Komponisten des späten 19. Jahrhunderts und unserer Zeit Aspekte von Beethovens Kunst „hörten“, für die die Romantiker des letzten Jahrhunderts „taub“ waren.
Die Hinwendung des späten Beethoven zu antiken Tonarten (Op. 132, „Feierliche Messe“) deutet daher darauf hin, über das klassische Dur-Moll-Tonsystem hinauszugehen, das für die Musik unserer Zeit im Allgemeinen so typisch ist. Die für die polyphonen Werke des späten Beethoven charakteristische Tendenz, ein Bild nicht durch die Intonationsvollständigkeit und direkte Schönheit des Thematismus selbst zu schaffen, sondern durch die komplexe mehrstufige Entwicklung des Ganzen, die ebenfalls auf „abstrakten“ Themen basiert manifestierte sich in vielen Komponistenschulen unseres Jahrhunderts, beginnend mit Reger. Die Tendenz zu linearer Textur und polyphoner Entwicklung spiegelt sich in modernen neoklassizistischen Ausdrucksformen wider. Beethovens Quartettstil, der von westlichen romantischen Komponisten nicht weitergeführt wurde, wurde in unseren Tagen in den Werken von Bartók, Hindemith und Schostakowitsch auf einzigartige Weise wiederbelebt. Und schließlich, nach einem Zeitraum von einem halben Jahrhundert zwischen Beethovens Neunter und den Symphonien von Brahms und Tschaikowski, „erwachte die monumentale philosophische Symphonie, die für Komponisten des mittleren und dritten Viertels des letzten Jahrhunderts ein unerreichbares Ideal war“, „zu neuem Leben“. In den Werken herausragender Meister des 20. Jahrhunderts, in den symphonischen Werken von Mahler und Schostakowitsch, Strawinsky und Prokofjew, Rachmaninow und Honegger, leben ein majestätischer Geist, ein verallgemeinertes Denken und groß angelegte Konzepte, die für Beethovens Kunst charakteristisch sind.
In einhundert oder einhundertfünfzig Jahren wird der zukünftige Kritiker in der Lage sein, die gesamte Facettenvielfalt von Beethovens Werk umfassender zu erfassen und seine Beziehung zu verschiedenen künstlerischen Strömungen späterer Epochen zu bewerten. Doch auch heute noch ist uns klar: Beethovens Einfluss auf die Musik beschränkt sich nicht nur auf Verbindungen zur romantischen Schule. So wie Shakespeare, von den Romantikern entdeckt, weit über die Grenzen des „romantischen Zeitalters“ hinausging und bis heute große kreative Entdeckungen in Literatur und Theater inspirierte und befruchtete, so wurde Beethoven, seinerzeit von den romantischen Komponisten in den Schutzschild erhoben, Er überrascht immer wieder jede neue Generation mit seiner Übereinstimmung mit fortschrittlichen Ideen und Bestrebungen der Moderne.
Wiener Klassiker hielten Einzug Weltgeschichte Musik als große Reformatoren Ihr Werk ist nicht nur an sich einzigartig, es ist auch wertvoll, weil es die Weiterentwicklung des Musiktheaters, seiner Genres, Stile und Richtungen bestimmte. Ihre Kompositionen legten den Grundstein für das, was heute als klassische Musik gilt.
Allgemeine Merkmale der Epoche
Diese Autoren eint die Tatsache, dass sie an der Wende zweier großer kultureller und historischer Epochen schufen: Klassizismus und Romantik. Die Wiener Klassiker lebten in einer Zeit des Übergangs, in der nicht nur in der Musik, sondern auch in der Belletristik, Malerei und Architektur rege nach neuen Formen gesucht wurde. All dies bestimmte weitgehend die Richtung ihrer Aktivitäten und die Themen ihrer Schriften. Das 18. und die erste Hälfte des 19. Jahrhunderts waren von schweren politischen Umwälzungen und Kriegen geprägt, die die Landkarte Europas buchstäblich auf den Kopf stellten und einen starken Einfluss auf das Bewusstsein der modernen Intelligenz und gebildeten Kreise der Gesellschaft hatten. Die Wiener Klassiker bildeten da keine Ausnahme. Es ist beispielsweise eine bekannte Tatsache, dass die Napoleonischen Kriege das Werk Beethovens stark beeinflusst haben, der in seiner berühmten 9. Symphonie („Choral“) die Idee der universellen Einheit und des Friedens vermittelte. Dies war eine Art Reaktion auf alle Katastrophen, die den europäischen Kontinent zu der Zeit, über die wir nachdenken, erschütterten.
Kulturelles Leben
Die Wiener Klassiker lebten in einer Zeit, in der der Barock in den Hintergrund trat und eine neue Richtung eine führende Rolle zu spielen begann. Es strebte nach Harmonie der Formen, Einheitlichkeit der Komposition und wurde daher aufgegeben kurvenreich vorherige Ära. Der Klassizismus begann das kulturelle Erscheinungsbild vieler europäischer Staaten zu bestimmen. Gleichzeitig bestand jedoch schon damals die Tendenz, die starren Formen dieser Bewegung zu überwinden und kraftvolle Werke mit Elementen des Dramas und sogar der Tragödie zu schaffen. Dies waren die ersten Anzeichen der Entstehung der Romantik, die die kulturelle Entwicklung des gesamten 19. Jahrhunderts bestimmte.
Opernreform
Wiener Klassiker spielten eine entscheidende Rolle bei der Entwicklung aller Musikrichtungen des Berichtszeitraums. Jeder von ihnen spezialisierte sich sozusagen auf einen Stil oder eine Musikform, aber alle ihre Errungenschaften gingen in den goldenen Fundus der Weltmusik ein. Gluck (Komponist) war der größte und einer der berühmtesten Autoren seiner Zeit. Seine Rolle in der Entwicklung des Theaters kann man kaum überschätzen: Schließlich war er es, der der Gattung Oper die vollendete Form gab, wie wir sie heute kennen. Das Verdienst von Christopher Gluck besteht darin, dass er sich als erster vom Verständnis der Oper als Werk zur Demonstration stimmlicher Fähigkeiten entfernte, sondern das musikalische Prinzip der Dramaturgie unterordnete.
Bedeutung
Gluck ist der Komponist, der die Oper zu einer echten Aufführung gemacht hat. Sowohl in seinen Werken als auch in den Werken seiner Anhänger begann der Gesang weitgehend vom Wort abzuhängen. Handlung und Komposition und vor allem das Drama begannen, die Entwicklung der musikalischen Linie zu bestimmen. Damit ist die Oper keine ausschließlich unterhaltsame Gattung mehr, sondern eine ernstzunehmende Form des Musikschaffens mit komplexer Dramaturgie, aus psychologischer Sicht interessanten Charakteren und einer faszinierenden Komposition.
Werke des Komponisten
Die Wiener klassische Schule bildete die Grundlage des gesamten Weltmusiktheaters. Ein großer Teil des Verdienstes dafür gebührt Gluck. Seine Oper „Orpheus und Eurydike“ wurde zum Durchbruch in diesem Genre. Darin konzentrierte sich der Autor nicht auf die Virtuosität der Aufführung, sondern auf die Dramatik der Charaktere, dank derer das Werk einen solchen Klang erhielt und noch heute aufgeführt wird. Auch eine andere Oper, Alceste, war ein neues Wort in der Weltmusik. Der österreichische Komponist konzentrierte sich erneut auf die Entwicklung der Handlung, wodurch das Werk einen starken psychologischen Unterton erhielt. Das Werk wird bis heute auf den besten Bühnen der Welt aufgeführt, was darauf hindeutet, dass die von Gluck durchgeführte Reform der Operngattung von grundlegender Bedeutung für die Entwicklung des gesamten Musiktheaters war und die Weiterentwicklung der Oper in diese Richtung bestimmte.
Die nächste Entwicklungsstufe
Auch der österreichische Komponist Haydn gehört zu der berühmten Galaxie von Autoren, die maßgeblich zur Reform der Musikgattungen beigetragen haben. Er ist vor allem als Schöpfer von Sinfonien und Quartetten bekannt. Dank ihnen erlangte der Maestro nicht nur in den mitteleuropäischen Ländern, sondern auch über deren Grenzen hinaus große Popularität. Am bekanntesten sind seine Werke, die unter dem Namen „Twelve London Symphonies“ in das Weltrepertoire aufgenommen wurden. Sie zeichnen sich durch einen Sinn für Optimismus und Fröhlichkeit aus, der jedoch fast allen Werken dieses Komponisten eigen ist.
Merkmale der Kreativität
Ein charakteristisches Merkmal der Werke Joseph Haydns war ihre Verbindung zur Folklore. In den Werken des Komponisten sind oft Gesangs- und Tanzmotive zu hören, die seine Werke so erkennbar machten. Dies spiegelte die Haltung des Autors wider, der Mozart weitgehend nachahmte und ihn betrachtete bester Komponist in der Welt. Von ihm entlehnte er fröhliche, leichte Melodien, die seine Werke ungewöhnlich ausdrucksstark und klanglich hell machten.
Weitere Werke des Autors
Haydns Opern erfreuen sich nicht so großer Beliebtheit wie seine Quartette und Sinfonien. Dennoch nimmt dieses Musikgenre einen herausragenden Platz im Werk von ein Österreichischer Komponist Daher sollten einige seiner Werke dieser Art erwähnt werden, zumal sie eine bemerkenswerte Etappe in seinem Werk darstellen kreative Biografie. Eine seiner Opern heißt „Der Apotheker“ und wurde für die Eröffnung des neuen Theaters geschrieben. Auch für die neuen Theaterbauten schuf Haydn mehrere weitere Werke dieser Art. Er schrieb hauptsächlich im Stil der italienischen Opera buffa und kombinierte manchmal komische und dramatische Elemente.
Die berühmtesten Werke
Haydns Quartette werden zu Recht als die Perle der klassischen Weltmusik bezeichnet. Sie vereinen die Grundprinzipien des Komponisten: Eleganz der Form, Virtuosität der Ausführung, optimistischer Klang, thematische Vielfalt und originelle Art der Aufführung. Einer der berühmten Zyklen heißt „Russisch“, weil er Zarewitsch Pawel Petrowitsch, dem späteren russischen Kaiser Paul I., gewidmet ist. Eine weitere Gruppe von Quartetten ist für den preußischen König bestimmt. Diese Kompositionen wurden in einer neuen Art geschrieben, da sie sich durch eine außergewöhnliche Klangflexibilität und eine Fülle kontrastierender musikalischer Schattierungen auszeichneten. Mit dieser Musikrichtung erlangte der Name des Komponisten weltweite Bedeutung. Dabei ist zu beachten, dass der Autor in seinen Kompositionen häufig auf sogenannte „Überraschungen“ zurückgriff und unerwartete musikalische Passagen an Stellen einbaute, an denen das Publikum es am wenigsten erwartete. Haydns „Kindersymphonie“ ist eines dieser ungewöhnlichen Werke.
Allgemeine Merkmale von Mozarts Werk
Dabei handelt es sich um einen der bekanntesten Musikautoren, der sich bei Klassik-Fans bis heute außerordentlicher Beliebtheit erfreut und auf der ganzen Welt geliebt wird. Der Erfolg seiner Werke erklärt sich aus der Tatsache, dass sie sich durch logische Harmonie und Vollständigkeit auszeichnen. In dieser Hinsicht führen viele Forscher sein Werk der Epoche des Klassizismus zu. Andere glauben jedoch, dass der Wiener Komponist zum Vorboten der Romantik wurde: Schließlich gab es in seinen Werken bereits eine klare Tendenz zur Darstellung starker, außergewöhnlicher Bilder sowie eine tiefe psychologische Charakterstudie (wir sprechen hier von der Oper). Fall). Wie dem auch sei, die Werke des Maestros zeichnen sich durch Tiefe und gleichzeitig außergewöhnliche Leichtigkeit der Wahrnehmung, Dramatik und Optimismus aus. Sie sind einfach und für jedermann zugänglich, aber gleichzeitig sehr ernst und philosophisch in ihrem Inhalt und Klang. Genau das ist das Phänomen seines Erfolgs.
Opern des Komponisten
Die Wiener Klassik spielte eine entscheidende Rolle bei der Entwicklung der Operngattung. Großes Verdienst dafür gebührt Mozart. Aufführungen zu seiner Musik erfreuen sich nach wie vor größter Beliebtheit und werden nicht nur von echten Musikliebhabern, sondern auch vom breiten Publikum geliebt. Vielleicht ist dies der einzige Komponist, dessen Musik jedem auf die eine oder andere Weise bekannt ist, auch wenn er nur eine vage Vorstellung von seinem Werk hat.
Die berühmteste Oper ist vielleicht „Die Hochzeit des Figaro“. Dies ist wahrscheinlich das fröhlichste und zugleich ungewöhnlich witzigste Werk des Autors. Humor ist in fast allen Teilen zu hören, was ihn so beliebt gemacht hat. Die berühmte Arie der Hauptfigur wurde schon am nächsten Tag ein echter Hit. Mozarts Musik – hell, verspielt, verspielt, aber gleichzeitig ungewöhnlich weise in ihrer Einfachheit – gewann sofort universelle Liebe und Anerkennung.
Eine weitere berühmte Oper des Autors ist „Don Giovanni“. In puncto Popularität steht es dem oben genannten vielleicht in nichts nach: Aufführungen dieser Aufführung sind in unserer Zeit zu sehen. Bezeichnend ist, dass der Komponist die recht komplexe Geschichte dieses Mannes in einer sehr einfachen und zugleich ernsten Form präsentierte und damit einmal mehr sein tiefes Verständnis für das Leben unter Beweis stellte. Dabei konnte das Genie sowohl die dramatische als auch die optimistische Komponente zeigen, die in allen seinen Werken untrennbar miteinander verbunden sind.
Heutzutage ist die Oper „Die Zauberflöte“ nicht weniger berühmt. Mozarts Musik erreichte ihren Höhepunkt in ihrer Ausdruckskraft. In diesem Werk ist es leicht, luftig, heiter und zugleich ungewöhnlich ernst, sodass man sich nur fragen kann, wie es dem Autor gelungen ist, ein ganzes philosophisches System in solch einfachen, harmonischen Klängen zu vermitteln. Auch andere Opern des Komponisten sind bekannt, beispielsweise kann man heute La Clemenza di Titus regelmäßig sowohl in Theater- als auch in Konzertaufführungen hören. Damit nahm das Operngenre einen der Hauptplätze im Werk des brillanten Komponisten ein.
Ausgewählte Werke
Der Komponist arbeitete in verschiedenen Richtungen und schuf eine Vielzahl musikalischer Werke. Mozart, dessen „Nachtserenade“ beispielsweise längst über den Rahmen konzertanter Aufführungen hinausgegangen und weithin bekannt geworden ist, schrieb in einer sehr einfachen und einfachen Form zugängliche Sprache. Vielleicht wird er deshalb oft als das Genie der Harmonie bezeichnet. Selbst in tragischen Werken gab es ein Motiv der Hoffnung. Im „Requiem“ drückte er seine Gedanken über ein besseres zukünftiges Leben aus, so dass das Werk trotz des tragischen Tons der Musik ein Gefühl erleuchteter Ruhe hinterlässt.
Auch Mozarts Konzert zeichnet sich durch harmonische Harmonie und logische Vollständigkeit aus. Alle Teile sind einem einzigen Thema untergeordnet und durch ein gemeinsames Motiv verbunden, das den Ton für das gesamte Werk vorgibt. Deshalb hört man seine Musik in einem Atemzug. In dieser Art von Genre werden die Grundprinzipien der Arbeit des Komponisten verkörpert: eine harmonische Kombination von Klängen und Stimmen, ein heller und zugleich virtuoser Klang des Orchesters. Keiner konnte sein musikalisches Schaffen so harmonisch strukturieren wie Mozart. Die „Nachtserenade“ des Komponisten ist eine Art Maßstab für die harmonische Kombination von Teilen mit unterschiedlichen Klängen. Fröhliche und laute Passagen weichen sehr rhythmisch kaum hörbaren virtuosen Passagen.
Besonders hervorzuheben sind die Massen des Autors. Sie nehmen in seinem Werk einen herausragenden Platz ein und sind, wie andere Werke auch, von Gefühl durchdrungen helle Hoffnung und erleuchtete Freude. Erwähnenswert ist auch das berühmte „Türkische Rondo“, das über den Rahmen konzertanter Aufführungen hinausgeht und oft sogar in Fernsehwerbung zu hören ist. Aber das größte Gefühl für Harmonie findet sich vielleicht in Mozarts Konzert, in dem das Prinzip der logischen Vollständigkeit seinen höchsten Grad erreicht.
Kurz über Beethovens Werk
Dieser Komponist gehört ganz und gar zur Ära der Dominanz der Romantik. Steht Johann Amadeus Mozart sozusagen an der Schwelle zum Klassizismus und einer neuen Richtung, so hat sich Ludwig Van Beethoven in seinen Werken ganz der Darstellung starker Leidenschaften, starker Gefühle und außergewöhnlicher Persönlichkeiten verschrieben. Er wurde vielleicht der prominenteste Vertreter der Romantik. Es ist bezeichnend, dass, wenn man sich dem Dramatischen zuwendet, Tragische Themen, er schrieb nur eine Oper. Das Hauptgenre blieben für ihn Sinfonien und Sonaten. Ihm wird die Reform dieser Werke zugeschrieben, so wie Gluck seinerzeit die Opernaufführung reformierte.
Ein bemerkenswertes Merkmal des Schaffens des Komponisten war, dass das Hauptthema seiner Werke die Darstellung des kraftvollen, titanischen Willens eines Individuums war, das mit enormer Willensanstrengung Schwierigkeiten und alle Hindernisse überwindet. Auch L. V. Beethoven widmete in seinen Kompositionen dem Thema Kampf und Konfrontation sowie dem Motiv der universellen Einheit viel Raum.
Einige biografische Fakten
Er stammte aus einer Musikerfamilie. Sein Vater wollte, dass der Junge ein berühmter Komponist wird, also arbeitete er mit ziemlich harten Methoden mit ihm zusammen. Vielleicht wuchs das Kind deshalb von Natur aus düster und streng auf, was sich später auf seine Kreativität auswirkte. Beethoven arbeitete und lebte in Wien, wo er bei Haydn studierte, doch dieses Studium enttäuschte sowohl Schüler als auch Lehrer sehr schnell. Letzterer machte darauf aufmerksam, dass bei dem jungen Autor eher düstere Motive vorherrschten, was damals nicht akzeptiert wurde.
Beethovens Biografie erzählt auch kurz von der Zeit seiner Leidenschaft für den Befreiungskampf. Zunächst nahm er die Napoleonischen Kriege mit Begeisterung auf, doch später, als Bonaparte sich selbst zum Kaiser ausrief, gab er die Idee auf, ihm zu Ehren eine Symphonie zu schreiben. Im Jahr 1796 begann Ludwig sein Gehör zu verlieren. Dies hielt ihn jedoch nicht auf kreative Tätigkeit. Da er bereits völlig taub war, schrieb er seine berühmte 9. Symphonie, die weltweit zu einem wahren Meisterwerk wurde musikalisches Repertoire. (Es ist unmöglich, darüber kurz zu sprechen) enthält auch Informationen über die Freundschaft des Maestros mit herausragenden Menschen seiner Zeit. Trotz seines zurückhaltenden und harten Charakters war der Komponist mit Weber, Goethe und anderen Persönlichkeiten des Klassizismus befreundet.
Die berühmtesten Werke
Oben wurde bereits gesagt, dass ein charakteristisches Merkmal von L. V. Beethovens Werk der Wunsch war, starke, emotionale Charaktere, den Kampf der Leidenschaften und die Überwindung von Schwierigkeiten darzustellen. Unter den Werken dieses Genres sticht „Appassionata“ hervor, das hinsichtlich der Intensität der Gefühle und Emotionen vielleicht eines der kraftvollsten ist. Als der Komponist nach der Entstehungsidee gefragt wurde, verwies er auf Shakespeares Stück „Der Sturm“, das seiner Meinung nach als Inspirationsquelle diente. Der Autor zog eine Parallele zwischen den Motiven der titanischen Impulse im Werk des Dramatikers und seiner musikalischen Interpretation dieses Themas.
Eines der beliebtesten Werke des Autors ist „ Mondscheinsonate„, das im Gegenteil von Harmonie und Ruhe durchdrungen ist, als stünde es im Kontrast zur dramatischen Melodie seiner Sinfonien. Es ist bezeichnend, dass der Name dieses Werks von Zeitgenossen des Komponisten vergeben wurde, vielleicht weil die Musik an das Schimmern des Meeres in einer ruhigen Nacht erinnerte. Dies sind die Assoziationen, die bei den meisten Zuhörern beim Hören dieser Sonate aufkamen. Nicht weniger und vielleicht sogar noch beliebter ist die berühmte Komposition „Fur Elise“, die der Komponist der Frau des russischen Kaisers Alexander I., Elizaveta Alekseevna (Louise), widmete. Dieses Werk besticht durch seine erstaunliche Kombination aus leichten Motiven und ernsten dramatischen Passagen in der Mitte. Einen besonderen Platz im Werk des Maestros nimmt seine einzige Oper „Fidelio“ (übersetzt als „Treu“) ein Italienische Sprache). Dieses Werk ist, wie viele andere auch, vom Pathos der Freiheitsliebe und dem Ruf nach Freiheit durchdrungen. „Fidelio“ verlässt die Bühne der Moderatoren immer noch nicht, obwohl die Oper, wie fast immer, nicht sofort Anerkennung fand.
Neunte Symphonie
Dieses Werk ist vielleicht das berühmteste unter den anderen Werken des Komponisten. Es wurde drei Jahre vor seinem Tod, im Jahr 1824, geschrieben. Die Neunte Symphonie beschließt das langjährige Streben des Komponisten, das Perfekte zu schaffen symphonisches Werk. Es unterscheidet sich von allen vorherigen dadurch, dass es erstens einen Chorpart einführte (zur berühmten „Ode an die Freude“ von F. Schiller) und zweitens darin der Komponist die Struktur der symphonischen Gattung reformierte. Das Hauptthema wird in jedem Teil des Werkes nach und nach enthüllt. Der Beginn der Symphonie ist eher düster und schwer, aber auch dann erklingt ein entferntes Motiv der Versöhnung und Aufklärung, das mit der Entwicklung der musikalischen Komposition zunimmt. Schließlich erklingt ganz zum Schluss ein ziemlich kraftvoller Chorgesang, der alle Menschen auf der Welt zur Vereinigung aufruft. Damit betonte der Komponist die Grundidee seines Werkes weiter. Er wollte, dass seine Gedanken so klar wie möglich zum Ausdruck gebracht werden, deshalb beschränkte er sich nicht nur auf die Musik, sondern führte auch die Darbietung von Sängern ein. Die Symphonie war ein voller Erfolg: Bei der Uraufführung spendete das Publikum dem Komponisten stehende Ovationen. Es ist bezeichnend, dass L.V. Beethoven es komponierte, als er bereits völlig gehörlos war.
Die Bedeutung der Wiener Schule
Gluck, Haydn, Mozart und Beethoven wurden zu den Begründern der klassischen Musik und hatten großen Einfluss auf die gesamte weitere Musikgeschichte nicht nur Europas, sondern der Welt. Die Bedeutung dieser Komponisten und ihr Beitrag zur Reform des Musiktheaters können kaum hoch genug eingeschätzt werden. Sie arbeiteten in verschiedenen Genres und schufen das Rückgrat und die Form der Werke, auf deren Grundlage ihre Anhänger neue Werke komponierten. Viele ihrer Kreationen gehen längst über den Rahmen konzertanter Aufführungen hinaus und finden vielfach Gehör in Film und Fernsehen. „Türkisches Rondo“, „Mondscheinsonate“ und viele andere Werke dieser Autoren sind nicht nur Musikliebhabern bekannt, sondern auch denen, die mit klassischer Musik nicht so vertraut sind. Viele Forscher bezeichnen die Wiener Entwicklungsphase der Klassiker zu Recht als die prägende Phase der Musikgeschichte, da in dieser Zeit die Grundprinzipien für die Entstehung und das Schreiben von Opern, Sinfonien, Sonaten und Quartetten festgelegt wurden.
L. V. Beethoven ist ein deutscher Komponist, ein Vertreter der Wiener Klassik (geboren in Bonn, verbrachte aber den größten Teil seines Lebens in Wien – seit 1792).
Beethovens musikalisches Denken ist eine komplexe Synthese:
Ø kreative Leistungen der Wiener Klassiker (Gluck, Haydn, Mozart);
Ø die Kunst der Französischen Revolution;
Ø Neuaufkommen in den 20er Jahren. 19. Jahrhundert künstlerische Bewegung - Romantik.
Beethovens Werke sind von der Ideologie, Ästhetik und Kunst der Aufklärung geprägt. Dies erklärt weitgehend das logische Denken des Komponisten, die Klarheit der Formen, die Nachdenklichkeit des gesamten künstlerischen Konzepts und einzelne Details der Werke.
Bemerkenswert ist auch, dass Beethoven sich in den Genres am besten zeigte Sonaten und Sinfonien(für Klassiker typische Genres) . Beethoven war der erste, der das sogenannte verwendete „Konfliktsymphonie“ basierend auf der Gegenüberstellung und Kollision kontrastreicher musikalischer Bilder. Je dramatischer der Konflikt, desto komplexer ist der Entwicklungsprozess, der für Beethoven zur zentralen Triebfeder wird.
Die Ideen und die Kunst der Großen Französischen Revolution haben in vielen Schöpfungen Beethovens ihre Spuren hinterlassen. Von Cherubinis Opern führt ein direkter Weg zu Beethovens Fidelio.
Die Werke des Komponisten verkörpern ansprechende Intonationen und präzise Rhythmen, einen breiten melodischen Atem und eine kraftvolle Instrumentierung der Hymnen von Liedern, Märschen und Opern dieser Zeit. Sie veränderten Beethovens Stil. Deshalb unterschied sich die Musiksprache des Komponisten, obwohl sie mit der Kunst der Wiener Klassik verbunden war, gleichzeitig stark von dieser. In den Werken Beethovens trifft man im Gegensatz zu Haydn und Mozart selten auf exquisite Ornamentik, sanfte Rhythmusmuster, Kammermusik, transparente Textur, Ausgewogenheit und Symmetrie der musikalischen Thematik.
Als Komponist einer neuen Ära findet Beethoven verschiedene Intonationen, um seine Gedanken auszudrücken – dynamisch, unruhig, harsch. Der Klang seiner Musik wird viel reicher, dichter und dramatisch kontrastreicher. Seine musikalischen Themen erlangen eine bisher beispiellose Lakonizität und strenge Einfachheit.
Hörer, die mit dem Klassizismus des 18. Jahrhunderts erzogen wurden, waren fassungslos und sorgten oft für Missverständnisse emotionale Stärke Beethovens Musik manifestiert sich entweder in gewalttätiger Dramatik, in grandiosem epischem Umfang oder in gefühlvollen Texten. Aber genau diese Qualitäten von Beethovens Kunst begeisterten romantische Musiker. Und obwohl Beethovens Verbindung zur Romantik unbestreitbar ist, stimmt seine Kunst in ihren Grundzügen nicht damit überein. Es passt nicht ganz in den Rahmen des Klassizismus. Denn Beethoven ist wie kaum ein anderer einzigartig, individuell und facettenreich.
Themen von Beethovens Werk:
Ø Fokus auf Beethoven – das Leben des Helden, das in einem ständigen Kampf um eine universelle, wunderbare Zukunft stattfindet. Die heroische Idee zieht sich wie ein roter Faden durch Beethovens gesamtes Werk. Beethovens Held ist untrennbar mit dem Volk verbunden. Er sieht den Sinn seines Lebens darin, der Menschheit zu dienen und für sie Freiheit zu gewinnen. Aber der Weg zum Ziel führt über Dornen, Kampf und Leid. Oft stirbt ein Held, aber sein Tod wird von einem Sieg gekrönt, der der befreiten Menschheit Glück bringt. Beethovens Anziehungskraft auf Heldenbilder und die Idee des Kampfes ist einerseits auf seine Persönlichkeit, sein schwieriges Schicksal, den Kampf damit und die ständige Überwindung von Schwierigkeiten zurückzuführen; andererseits der Einfluss der Ideen der Großen Französischen Revolution auf die Weltanschauung des Komponisten.
Ø Die reichste Reflexion fand sich in den Werken von Beethoven und Naturthema(6. Sinfonie „Pastorale“, Sonate Nr. 15 „Pastorale“, Sonate Nr. 21 „Aurora“, 4. Sinfonie, viele langsame Sätze von Sonaten, Sinfonien, Quartetten). Passive Kontemplation ist Beethoven fremd: Die Ruhe der Natur hilft, spannende Themen tief zu begreifen, Gedanken und innere Kraft für den Lebenskampf zu sammeln.
Ø Beethoven dringt tief ein Sphäre menschlicher Gefühle. Aber indem er die Welt des inneren, emotionalen Lebens eines Menschen enthüllt, zeichnet Beethoven denselben Helden, der in der Lage ist, die Spontaneität der Gefühle den Forderungen der Vernunft unterzuordnen.
Hauptmerkmale der Musiksprache:
Ø Melodica . Die grundlegende Grundlage seiner Melodie sind Trompetensignale und Fanfaren, einladende rednerische Ausrufe und marschierende Wendungen. Oft wird Bewegung entlang der Klänge eines Dreiklangs verwendet (G.P. „Eroische Symphonie“; Thema des Finales der 5. Symphonie, G.P. I Teil 9 der Symphonie). Beethovens Zäsuren sind Satzzeichen in der Sprache. Beethovens Fermaten sind Pausen nach pathetischen Fragen. Musikalische Themen Beethovens Werke bestehen oft aus gegensätzlichen Elementen. Die kontrastierende Themenstruktur findet sich auch bei Beethovens Vorgängern (insbesondere bei Mozart), bei Beethoven wird sie jedoch bereits zum Muster. Der Kontrast innerhalb des Themas entwickelt sich zu einem Konflikt G.P. und P.P. in Sonatenform dynamisiert alle Abschnitte des Sonatenallegros.
Ø Metrorhythmus. Beethovens Rhythmen entspringen derselben Quelle. Rhythmus trägt die Ladung Männlichkeit, Willenskraft und Aktivität in sich.
§ Marschierende Rhythmenäußerst häufig
§ Tanzrhythmen(in Bildern der Volksfreude – das Finale der 7. Symphonie, das Finale der Aurora-Sonate, wenn nach viel Leid und Kampf ein Moment des Triumphs und der Freude kommt.
Ø Harmonie. Mit der Einfachheit der Akkordvertikale (Akkorde der Hauptfunktionen, lakonische Verwendung von Nicht-Akkord-Klängen) ergibt sich eine kontrastierende und dramatische Interpretation der harmonischen Abfolge (Verbindung zum Prinzip des Konfliktdramas). Scharfe, kräftige Modulationen in entfernte Tonarten (im Gegensatz zu Mozarts plastischen Modulationen). In seinen späteren Werken nimmt Beethoven die Merkmale romantischer Harmonie vorweg: polyphones Gefüge, eine Fülle von Nicht-Akkord-Klängen, exquisite harmonische Sequenzen.
Ø Musikalische Formen Beethovens Werke sind grandiose Konstruktionen. „Das ist der Shakespeare der Massen“, schrieb V. Stasov über Beethoven. „Mozart war nur für Einzelpersonen verantwortlich... Beethoven dachte an die Geschichte und die gesamte Menschheit.“ Beethoven ist der Schöpfer der Form kostenlose Variationen(Finale der Klaviersonate Nr. 30, Variationen über ein Thema von Diabelli, 3. und 4. Satz der 9. Sinfonie). Ihm wird die Einführung der Variationsform in die Großform zugeschrieben.
Ø Musikgenres. Beethoven entwickelte die meisten existierenden Musikgenres. Die Grundlage seiner Arbeit ist Instrumentalmusik.
Liste der Werke Beethovens:
Orchestermusik:
Sinfonien – 9;
Ouvertüren: „Coriolanus“, „Egmont“, „Leonora“ – 4 Optionen für die Oper „Fidelio“;
Konzerte: 5 Klavier, 1 Violine, 1 Trio – für Violine, Cello und Klavier.
Klaviermusik:
32 Sonaten;
22 Variationszyklen (davon 32 Variationen in c-moll);
Bagatellen (einschließlich „Fur Elise“).
Kammerensemblemusik:
Sonaten für Violine und Klavier (darunter „Kreutzerova“ Nr. 9); Celli und Klavier;
16 Streichquartette.
Oper „Fidelio“;
Lieder, inkl. Zyklus „An einen fernen Geliebten“, Adaptionen Volkslieder: schottisch, irisch usw.;
2 Messen: C-Dur und feierliche Messe;
Oratorium „Christus am Ölberg“.
