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ZU Wiener Komponisten klassische Schule

Wenn man heute von Klassizismus in der Musik spricht, meint man in den meisten Fällen die Werke von Komponisten des 18. Jahrhunderts. - J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart und L. van Beethoven, die wir nennen Wiener Klassiker oder Vertreter Wiener Klassische Schule. Diese neue Richtung in der Musik wurde zu einer der fruchtbarsten in der Geschichte der Musikkultur.

Die nationale österreichische Musikkultur jener Zeit erwies sich als wunderbares Umfeld für die Schaffung einer solchen Ebene der Musikkunst, die auf neue Ideen und Stimmungen reagierte. Den Wiener klassischen Komponisten gelang es nicht nur, das Beste, was die europäische Musik erreicht hatte, zusammenzufassen, sondern auch die ästhetischen Ideale der Aufklärung in Musik zu verkörpern und eigene kreative Entdeckungen zu machen. Die höchste Errungenschaft der Musikkultur dieser Zeit war die Herausbildung klassischer Musikgattungen und der Prinzipien des Symphonismus in den Werken von J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart und L. van Beethoven.

Klassische Symphonie von Haydn

In die Geschichte der Weltmusikkultur Joseph Haydn(1732-1809) galt als Schöpfer der klassischen Symphonie. Ihm gebührt auch Anerkennung für die Schaffung instrumentaler Musik und die Bildung einer stabilen Zusammensetzung des Sinfonieorchesters.

Haydns kreatives Erbe ist wirklich atemberaubend! Er ist Autor von 104 Sinfonien, 83 Streichquartetten, 52 Klaviersonaten, 24 Opern... Darüber hinaus schuf er 14 Messen und mehrere Oratorien. In allem, was der berühmte österreichische Komponist geschrieben hat, spürt man unübertroffenes Talent und brillantes Können. Es ist kein Zufall, dass sein nicht minder berühmter Landsmann und Freund Mozart voller Bewunderung sagte:

„Niemand kann alles so gut wie Haydn: scherzen und schockieren, zum Lachen bringen und zutiefst berühren.“

Haydns Werk erlangte bereits zu Lebzeiten des Komponisten europäische Berühmtheit und wurde von seinen Zeitgenossen geschätzt. Haydns Musik ist „Musik der Freude und Muße“, sie ist voller Optimismus und wirkungsvoller Energie, leicht und natürlich, lyrisch und raffiniert. Die Fantasie des Komponisten Haydn schien keine Grenzen zu kennen. Seine Musik ist reich an Kontrasten, Pausen und unerwarteten Überraschungen. So erklingen in der 94. Symphonie (1791) in der Mitte des zweiten Satzes, wenn die Musik ruhig und leise klingt, plötzlich kräftige Paukenschläge, nur damit dem Zuschauer „keine Langeweile aufkommt“...

Haydns Sinfonien sind der wahre Höhepunkt seines Schaffens. Die musikalische Form der Symphonie nahm nicht sofort Gestalt an. Die Anzahl der Stimmen variierte zunächst, und nur Haydn gelang es, seinen klassischen Typus in vier Stimmen zu schaffen, die sich jeweils im Charakter unterschieden klingende Musik, Tempo und Methoden der Erarbeitung des Themas. Gleichzeitig ergänzten sich die vier gegensätzlichen Teile der Symphonie gegenseitig.

Der erste Teil der Symphonie (griechisch symphonia – Konsonanz) wurde normalerweise in einem schnellen, schnellen Tempo aufgeführt. Es ist aktiv und dramatisch und vermittelt normalerweise den Hauptkonflikt zweier Bilder. In verallgemeinerter Form vermittelte es die Atmosphäre des Lebens der Hauptfigur. Der zweite – langsam, lyrisch, inspiriert von der Betrachtung wunderschöner Naturbilder – drang in die innere Welt des Helden ein. Es kann Gedanken, süße Träume und Träume von Erinnerungen in der Seele hervorrufen. Im dritten Teil, der von den Muße- und Entspannungsstunden des Helden und seiner Kommunikation mit Menschen erzählt, gab es lebhafte, bewegende Musik, deren Rhythmen zunächst auf das Menuett zurückgingen – einen ruhigen Salontanz des 18. Jahrhunderts, und später – zum Scherzo - einer fröhlichen Tanzmusik - Sprache humorvoller Natur. Der kurze vierte Teil fasste die Gedanken des Helden zusammen und beleuchtete das Wichtigste in seinem Verständnis des Sinns des menschlichen Lebens. In der Form ähnelte es einem Rondo mit einem Wechsel eines konstanten Themas – einem Refrain (Refrain) und ständig aktualisierten Episoden.

Der allgemeine Charakter der Musik von Haydns Sinfonien wurde vom deutschen Schriftsteller E. T. A. Hoffmann (1776-1822) bildlich und poetisch ausgedrückt:

„In Haydns Werken dominiert der Ausdruck einer kindlichen, fröhlichen Seele; seine Symphonien führen uns in weite grüne Haine, in eine fröhlich bunte Menschenmenge, Jungen und Mädchen sausen in Chortänzen vor uns her; Lachende Kinder verstecken sich hinter Bäumen, hinter Rosenbüschen und werfen spielerisch Blumen. Ein Leben voller Liebe, voller Glückseligkeit und ewiger Jugend, wie vor dem Sündenfall; kein Leid, kein Kummer – nur eine süße, elegische Sehnsucht nach dem geliebten Bild, das in der Ferne schwebt, im rosafarbenen Flackern des Abends, weder naht noch verschwindet, und während er da ist, kommt die Nacht nicht, denn er selbst ist da Abenddämmerung brennt über dem Berg und über dem Hain.“

In der symphonischen Musik verwendete Haydn häufig die Technik der Lautmalerei: Vogelgesang, das Rauschen eines Baches und lieferte sichtbare Skizzen des Sonnenaufgangs und „Porträts“ von Tieren. Die Musik des Komponisten umfasste slowakische, tschechische, kroatische, ukrainische, tirolerische, ungarische und zigeunerische Melodien und Rhythmen. In Haydns Musik gibt es nichts Überflüssiges oder Zufälliges; sie besticht durch ihre Anmut, Leichtigkeit und Eleganz.

IN letzten Jahren Zu seinen Lebzeiten schuf Haydn seine bedeutendsten musikalischen Werke. In den zwölf „London Symphonies“, geschrieben in den 1790er Jahren. Unter dem Eindruck von Reisen nach London fand die Lebensphilosophie und Weltanschauung des Komponisten Ausdruck. Unter dem Einfluss von Händels Musik schuf er zwei majestätische Oratorien: „ Erschaffung der Welt“(1798) und „Jahreszeiten“(1801), was den ohnehin schon lauten Ruhm des Komponisten steigerte.

Die letzten Jahre seines Lebens verbrachte Haydn einsam in einem kleinen Haus am Stadtrand von Wien. Er hat fast nichts geschrieben. Häufiger schwelgte er in Erinnerungen an sein Leben voller kühner Unternehmungen und experimenteller Suchen.

Die musikalische Welt Mozarts

Weg Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791) begann hell und brillant in der Musik. Von Anfang an frühe Jahre Zu seinen Lebzeiten wurde sein Name zur Legende. Im Alter von vier Jahren brauchte er eine halbe Stunde, um ein Menuett zu lernen und es sofort zu spielen. Im Alter von sechs Jahren unternahmen er und Pater Leopold Mozart, ein talentierter Musiker im Chor des Erzbischofs von Salzburg, Konzertreisen durch ganz Europa. Mit elf komponierte er seine erste Oper und mit vierzehn dirigierte er die Uraufführung seiner eigenen Oper am Mailänder Theater. Im selben Jahr erhielt er den Ehrentitel eines Musikakademikers von Bologna.

Das zukünftige Leben des talentierten Komponisten war jedoch nicht einfach. Die Position eines Hofmusikers unterschied sich nicht wesentlich von der eines hilfsbereiten Dieners, der jedem Wunsch seines Herrn nachkam. Das war nicht der Charakter Mozarts, eines unabhängigen und entscheidungsfreudigen Mannes, der im Leben Ehre und Würde am meisten schätzte. Obwohl er viele Prüfungen im Leben durchgemacht hatte, änderte er nie seine Ansichten und Überzeugungen.

Mozart ging als brillanter Komponist symphonischer Musik, Schöpfer des klassischen Konzertgenres, Autor des „Requiems“ und von zwanzig Opern in die Geschichte der Musikkultur ein, darunter zwanzig Opern, darunter „Die Hochzeit des Figaro“ und „Don“. Besonders berühmt waren „Giovanni“ und „Die Zauberflöte“. Um die Bedeutung seines kreativen Erbes hervorzuheben, möchte ich gemeinsam mit A. S. Puschkin wiederholen:

„Du, Mozart, bist Gott und du selbst

Du weißt es nicht ...“

In der Opernkunst ging Mozart seinen eigenen Weg, der sich von seinen berühmten Vorgängern und Zeitgenossen unterschied. Selten verwendet mythologische Geschichten Er wandte sich hauptsächlich literarischen Quellen zu: mittelalterlichen Legenden und Theaterstücken berühmter Dramatiker. Mozart war der erste, der Dramatik und Dramatik kombinierte komischer Anfang. In seinem Opernwerke es gab keine klare Trennung der Charaktere in positiv und negativ; Die Helden befanden sich immer wieder in unterschiedlichen Lebenssituationen, in denen sich das Wesen ihrer Charaktere offenbarte.

Mozart legte großen Wert auf die Musik und betonte nicht die Rolle des klingenden Wortes. Sein schöpferisches Prinzip war eigene Worte dass „die Poesie die gehorsame Tochter der Musik sein sollte.“ In Mozarts Opern nahm die Rolle des Orchesters zu, mit dessen Hilfe der Autor seine Haltung zum Ausdruck bringen konnte handelnde Personen. Er zeigte oft Sympathie für negative Charaktere und war nicht abgeneigt, über positive Charaktere herzlich zu lachen.

„Die Hochzeit des Figaro“(1786) basiert auf dem Stück des französischen Dramatikers Beaumarchais (1732-1799) „Der verrückte Tag oder die Hochzeit des Figaro“. Mozart ging ein großes Risiko ein, als er ein von der Zensur verbotenes Stück zur Aufführung wählte. Das Ergebnis war eine heitere Oper im Stil der italienischen Comic-Opera Buffa. Die energiegeladene, leichte Musik, die in diesem Werk erklang, ließ das Publikum ernsthaft über das Leben nachdenken. Einer der ersten Biographen des Komponisten notierte sehr treffend:

„Mozart verschmolz das Komische und das Lyrische, das Niedrige und das Erhabene, das Lustige und das Berührende und schuf eine Schöpfung, die in ihrer Neuheit beispiellos ist – „Die Hochzeit des Figaro.“

Der Barbier Figaro, ein Mann ohne Familie und Stamm, besiegt mit seiner List und Intelligenz den berühmten Grafen Al-Maviva, der nicht abgeneigt ist, die Braut eines Bürgerlichen zu umwerben. Aber Figaro beherrscht die Moral der High Society gut und lässt sich daher nicht von raffinierten Gesten und verbalen Netzen täuschen. Er kämpft bis zum Schluss um sein Glück.

In der Oper „Don Juan“(1787) sind das Tragische und das Komische, das Phantastische und das Reale nicht weniger fest miteinander verflochten. Mozart selbst gab ihm den Untertitel „Fröhliches Drama“. Hervorzuheben ist, dass das Thema des Don Juanismus in der Musik nicht neu war, Mozart jedoch besondere Ansätze zu seiner Offenlegung fand. Lag der Fokus der Komponisten früher auf Don Juans gewagten Abenteuern und Liebesaffären, präsentierte sich dem Publikum nun ein charmanter Mann, erfüllt von ritterlichem Mut, Adel und Mut. Mit großer Anteilnahme reagierte Mozart auch auf die Offenlegung der emotionalen Erfahrungen der von Don Juan beleidigten Frauen, die Opfer seiner Liebesbeziehungen wurden. Die ernsten und majestätischen Arien des Kommandanten wurden durch fröhliche und schelmische Melodien des gerissenen Leporello, Don Giovannis Diener, ersetzt.

„Opernmusik ist voller Bewegung, Brillanz, ungewöhnlich dynamisch und zart. In diesem Werk herrscht die Melodie – flexibel, ausdrucksstark, bestechend durch ihre Frische und Schönheit. Die Partitur ist voll von wundervollen, meisterhaft gestalteten Ensembles und großartigen Arien, die den Sängern die größte Gelegenheit bieten, den ganzen Reichtum der Stimmen zu offenbaren und hohe Gesangstechnik zu demonstrieren“ (B. Kremnev).

Opernmärchen "Die Zauberflöte"(1791) – Mozarts Lieblingswerk, sein „Schwanengesang“ – wurde zu einer Art Epilog zum Leben des großen Komponisten (es wurde zwei Monate vor seinem Tod in Wien aufgeführt). In einer leichten und faszinierenden Form verkörperte Mozart darin das Thema des unvermeidlichen Sieges des hellen und vernünftigen Anfangs des Lebens über die Mächte der Zerstörung und des Bösen. Der Zauberer Sarastro und seine treuen Assistenten erschaffen nach vielen grausamen Prüfungen immer noch die Welt der Weisheit, der Natur und der Vernunft. Schwarze Rache, Zorn und Betrug der Königin der Nacht erweisen sich als machtlos gegenüber den alles erobernden Zaubersprüchen der Liebe.

Die Oper war ein überwältigender Erfolg. Es erklangen die Melodien von Märchenspielen, Zauberopern, Volksfestbuden und Puppentheatern.

In der symphonischen Musik erreichte Mozart keine geringeren Höhen. Besonders beliebt sind Mozarts letzte drei Sinfonien: Es-Dur (1788), g-Moll (1789) und C-Dur bzw. „Jupiter“ (1789). Sie enthielten das lyrische Bekenntnis des Komponisten, sein philosophisches Verständnis seines eingeschlagenen Lebensweges.

Mozart wird zugeschrieben, die Gattung des klassischen Konzerts für verschiedene Musikinstrumente geschaffen zu haben. Darunter sind 27 Konzerte für Klavier und Orchester, 7 für Violine und Orchester, 19 Sonaten für Klavier, Werke im Fantasy-Genre, die auf freier Improvisation basierten. Schon in jungen Jahren, als er fast täglich spielte, entwickelte er einen virtuosen Spielstil. Jedes Mal bot er den Zuhörern neue Kompositionen an und verblüffte sie mit seiner kreativen Fantasie und unerschöpflichen Inspirationskraft. Eines der besten Werke Mozarts in diesem Genre ist „Konzert für Klavier und Orchester d-Moll“ (1786).

Mozarts Schaffen ist auch durch herausragende Werke der Kirchenmusik vertreten: Messen, Kantaten, Oratorien. Der Höhepunkt seiner geistlichen Musik war "Requiem"(1791) ist ein grandioses Werk für Chor, Solisten und Symphonieorchester. Die Musik des Requiems ist zutiefst tragisch, voller zurückhaltender und edler Trauer. Das Leitmotiv der Arbeit ist das Schicksal eines leidenden Menschen, der im Angesicht eines harten Schicksals erscheint Gottes Urteil. Mit atemberaubender dramatischer Kraft offenbart er im zweiten Refrain „Dies irae“ („Tag des Zorns“) Bilder von Tod und Zerstörung, kontrastiert mit traurigen Gebeten und rührenden Wehklagen. Der lyrische Höhepunkt des „Requiems“ war „Lacrimosa“ („Lacrimosa“ – „Dieser tränenreiche Tag“), eine Musik voller zitternder Aufregung und erleuchteter Traurigkeit. Die außergewöhnliche Schönheit dieser Melodie machte sie zu allen Zeiten weithin bekannt und beliebt.

Der todkranke Mozart hatte keine Zeit, dieses Werk fertigzustellen. Basierend auf den Skizzen des Komponisten wurde es von einem seiner Schüler fertiggestellt.

„Musik, die die Herzen der Menschen entfacht.“ Ludwig van Beethoven

Im Frühjahr 1787 klopfte ein Teenager im Kostüm eines Hofmusikanten an die Tür eines kleinen, ärmlichen Hauses am Stadtrand von Wien, in dem der berühmte Mozart lebte. Er bat den großen Maestro bescheiden, sich seine Improvisationen zu einem bestimmten Thema anzuhören. Mozart war in die Arbeit an der Oper Don Giovanni vertieft und präsentierte dem Gast zwei Zeilen polyphoner Exposition. Der Junge war nicht ratlos, meisterte die Aufgabe perfekt und beeindruckte den berühmten Komponisten mit seinen außergewöhnlichen Fähigkeiten. Zu seinen hier anwesenden Freunden sagte Mozart: „Gebt acht auf diesen jungen Mann, die Zeit wird kommen, die ganze Welt wird von ihm reden.“ Diese Worte erwiesen sich als prophetisch. Musik des großen deutschen Komponisten Ludwig van Beethoven(1770-1827) weiß heute wirklich die ganze Welt.

Beethovens Weg in der Musik ist ein Weg vom Klassizismus zu einem neuen Stil, der Romantik, ein Weg des mutigen Experimentierens und der kreativen Suche. Beethovens musikalisches Erbe ist enorm und überraschend vielfältig: 9 Sinfonien, 32 Sonaten für Klavier, 10 für Violine, zahlreiche Ouvertüren, darunter das Drama „Egmont“ von J. W. Goethe, 16 Streichquartette, 5 Konzerte für Klavier und Orchester, „Feierliche Messe“. “, Kantaten, Oper „Fidelio“, Romanzen, Bearbeitungen von Volksliedern (es gibt etwa 160 davon, darunter auch russische) usw.

Beethoven erreichte in der symphonischen Musik unerreichbare Höhen und erweiterte die Grenzen der Sonaten-Sinfonieform. Es wurde zu einer Hymne an die Widerstandsfähigkeit des menschlichen Geistes, an die Bestätigung des Sieges des Lichts und der Vernunft. Dritte „Heroische“ Symphonie(1802-1804). Das grandiose Schöpfung Sie übertrifft in Umfang, Themen- und Episodenanzahl die bis dahin bekannten Sinfonien und spiegelt die turbulente Ära der Französischen Revolution wider. Ursprünglich wollte Beethoven dieses Werk seinem Idol Napoleon Bonaparte widmen. Doch als sich der „General der Revolution“ selbst zum Kaiser ausrief, wurde deutlich, dass er von einem Durst nach Macht und Ruhm getrieben wurde. Beethoven hat die Widmung durchgestrichen Titelblatt, ein Wort schreibend – „Heroisch“.

Die Symphonie besteht aus vier Sätzen. Im ersten Teil erklingt schnelle Musik, die den Geist des heroischen Kampfes und den Wunsch nach dem Sieg vermittelt. Im zweiten, langsamen Teil erklingt ein Trauermarsch voller erhabener Trauer. Zum ersten Mal wird das Menuett des dritten Satzes durch ein schnelles Scherzo ersetzt, das nach Leben, Licht und Freude ruft. Der letzte, vierte Satz ist voller dramatischer und lyrischer Variationen. Die öffentliche Rezeption von Beethovens „Heroischer“ Symphonie war mehr als verhalten: Das Werk wirkte zu lang und schwer verständlich.

Sechste „Pastorale“-Symphonie(1808) wurde unter dem Einfluss von Volksliedern und lustigen Tanzmelodien geschrieben. Der Untertitel lautete „Erinnerungen an das Landleben“. Die Solocelli stellten das Bild des rauschenden Baches dar, in dem die Stimmen der Vögel zu hören waren: Nachtigallen, Wachteln, Kuckucke und das Stampfen derjenigen, die zu einem fröhlichen Dorflied tanzten. Doch ein plötzlicher Donnerschlag stört die Feierlichkeiten. Bilder eines Sturms und eines Gewitters regen die Fantasie der Zuhörer an.

„Gewitter, Sturm ... Hören Sie auf die WindböenRegen, zum dumpfen Grollen der Bässe, zum durchdringenden Pfeifen kleiner Flöten ... Der Hurrikan naht und wächst ... Dann setzen die Posaunen ein, der Donner der Pauken verdoppelt sich, es ist kein Regen mehr, kein Wind , aber eine schreckliche Flut“ (G.L. Berlioz). Bilder von schlechtem Wetter wurden durch die helle und fröhliche Melodie eines Hirtenhorns und einer Hirtenpfeife ersetzt.

Der Höhepunkt von Beethovens symphonischem Schaffen ist „Neunte Symphonie“(1822-1824). Bilder von alltäglichen Stürmen, traurigen Verlusten, friedlichen Bildern der Natur und des Landlebens wurden zu einer Art Prolog des ungewöhnlichen Endes, geschrieben nach dem Text einer Ode des deutschen Dichters J. F. Schiller (1759-1805):

Deine Macht bindet heilig

Alles, was auf der Welt getrennt lebt:

Jeder sieht in jedem einen Bruder

Wo dein Flug weht...

Umarmung, Millionen!

Kommt in einem Kuss zusammen, Licht!

Zum ersten Mal in der symphonischen Musik verschmolzen der Klang des Orchesters und der Klang des Chores und verkündeten eine Hymne an das Gute, die Wahrheit und die Schönheit und riefen zur Brüderlichkeit aller Menschen auf der Erde auf.

Auch Beethovens Sonaten haben Eingang in die Schatzkammer der Weltmusikkultur gefunden. Die besten davon sind die Violine „Kreutzerova“ (Nr. 9), das Klavier „Lunnaya“ (Nr. 14), „Aurora“ (Nr. 21) und „Appassionata“ (Nr. 23).

„Mondschein“-Sonate(der Name wurde nach dem Tod des Komponisten vergeben) ist Julia Guicciardi gewidmet, deren unerwiderte Liebe tiefe Spuren in Beethovens Seele hinterließ. Lyrische, verträumte Musik, die eine Stimmung tiefer Traurigkeit und dann Freude an der Schönheit der Welt vermittelt, wird im Finale von einem stürmischen, dramatischen Gefühlsausbruch abgelöst.

Nicht weniger berühmt „Appassionata“„(italienisch appassionato – leidenschaftlich), einem engen Freund des Komponisten gewidmet. Vom Umfang her kommt sie einer Symphonie am nächsten, umfasst aber nicht vier, sondern drei Teile, die ein Ganzes bilden. Die Musik dieser Sonate ist durchdrungen vom Geist des leidenschaftlichen, selbstlosen Kampfes, der Kraft der Urkräfte der Natur, dem Willen des Menschen, der die Naturelemente zähmt und beruhigt.

Sonate „Aurora“, mit dem Untertitel „Sonate eines Sonnenaufgangs“, atmet Freude und Sonnenenergie. Der erste Teil vermittelt den Eindruck eines arbeitsreichen und lauten Tages, der von einer ruhigen Nacht abgelöst wird. Der zweite zeichnet ein Bild vom Anbruch eines neuen Morgens.

In seinen letzten Lebensjahren komponierte Beethoven relativ wenig und langsam. Die völlige Taubheit, die ihn mitten auf seinem kreativen Weg befiel, erlaubte ihm nicht, aus einem Zustand tiefer Depression herauszukommen. Und doch war das, was zu dieser Zeit geschrieben wurde, auch vom wundersamen Aufstieg seines Talents geprägt.

Fragen und Aufgaben

1*. Welche Bedeutung hat Haydns Werk in der Geschichte der Weltmusikkultur? Was ist die klassische Art von Sinfonien, die er geschaffen hat? Stimmt es, dass Haydns Musik „Musik der Freude und Muße“ ist?

Welchen Beitrag leistete Mozart zur Entwicklung der Weltmusikkultur? Was sind seine wichtigsten Errungenschaften bei der Schaffung der Opernkunst?
Beethoven sagte: „Um etwas wirklich Schönes zu schaffen, bin ich bereit, jede Regel zu brechen.“ Welche Regeln des Musikschaffens lehnte Beethoven ab und was handelte er als wahrer Erneuerer?

Kreativwerkstatt

Bereiten Sie eine Radio- oder Fernsehsendung (Konzertsendung oder Musikabend) zum Thema „Komponisten der Wiener Klassik“ vor. Welche Musikstücke werden Sie auswählen? Besprechen Sie Ihre Entscheidungen.
Der Forscher der Geschichte der Musikkultur D.K. Kirnarskaya weist auf die „extreme Theatralik“ der klassischen Musik hin. Ihrer Meinung nach „kann der Zuhörer nur seine Fantasie anregen und es herausfinden“ Musikalische Kleidung„Charaktere der klassischen Tragödie oder Komödie.“ Stimmt das? Hören Sie sich eine Oper von Mozart an und argumentieren Sie basierend auf Ihren eigenen Eindrücken Ihre Meinung.
B. Kremnev, Autor des Buches „Wolfgang Amadeus Mozart“, schrieb: „Wie Shakespeare, der Wahrheit des Lebens folgend, vermischt er entschieden das Komische mit dem Tragischen.“ Nicht umsonst definiert der Komponist die Gattung der Oper, die er jetzt schreibt, Don Giovanni, nicht als Opera buffa oder Opera seria, sondern als „bgatta ^ssovo“ – „lustiges Drama“. Wie berechtigt ist der Vergleich der tragikomischen Opern Mozarts mit dem Werk Shakespeares?
Warum denken Sie, der Schriftsteller des 20. Jahrhunderts? R. Rolland stellte in seinem Buch „Das Leben Beethovens“ fest, dass Beethovens Werk „sich als näher an unserer Zeit erwies“? Warum wird Beethovens Werk üblicherweise im Rahmen des Klassizismus und des neuen Kunststils – der Romantik – betrachtet?
Der Komponist R. Wagner hielt es für eine sinnlose Übung, sich dieser zuzuwenden symphonisches Genre nach Beethovens Neunter Symphonie, die er „universelles Drama“ nannte, „das menschliche Evangelium der Kunst der Zukunft“. Hören Sie sich diese Musik an und versuchen Sie zu erklären, welche Gründe Wagner für eine solche Einschätzung hatte. Präsentieren Sie Ihre Eindrücke in Form eines Aufsatzes oder einer Rezension.

Themen von Projekten, Abstracts oder Nachrichten

„Musik des Barock und Klassizismus“; " Musikalische Leistungen und Entdeckungen im Werk Wiener klassischer Komponisten“; „Das Werk Haydns, Mozarts und Beethovens – eine musikalische Biographie der Aufklärung“; " Musikalisches Porträt der Held der symphonischen Werke von I. Haydn“; „Warum nannten Zeitgenossen J. Haydns Sinfonien „Musik der Freude und Muße“ und „Inseln der Freude“?“; „Die Meisterschaft und Innovation von Mozarts Opernkunst“; „Das Leben Mozarts und die „kleine Tragödie“ von A. S. Puschkin „Mozart und Salieri“; „Entwicklung der Gattung Symphonie im Werk Beethovens“; „Ideale der napoleonischen Ära und ihre Widerspiegelung in den Werken von L. van Beethoven“; „Goethe und Beethoven: ein Dialog über Musik“; „Merkmale der künstlerischen Interpretation von Beethovens „Kreutzer“-Sonate in der gleichnamigen Erzählung von L. N. Tolstoi“; „Beethoven: seine Vorgänger und Nachfolger in der Musik.“

Bücher zum Weiterlesen

Alshvang A. A. Beethoven. M., 1977.

Butterworth N. Haydn. Tscheljabinsk, 1999.

Bach. Mozart. Beethoven. Schumann. Wagner. M., 1999. (ZhZL. Biografische Bibliothek von F. Pavlenkov).

Weiss D. Erhaben und irdisch. Ein Roman über das Leben Mozarts und seiner Zeit. M., 1970.

Große Musiker Westeuropas: ein Lesebuch für Oberstufenschüler / Komp. V. B. Grigorowitsch. M., 1982.

Woodfort P. Mozart. Tscheljabinsk, 1999.

Kirnarskaya D.K. Klassizismus: ein Buch zum Lesen. J. Haydn, W. Mozart, L. Beethoven. M., 2002.

Korsakow V. Beethoven. M., 1997.

Levin B. Musikalische Literatur Ausland. M., 1971. Ausgabe. III.

Popova T.V. Ausländisch Musik XVIII und Anfang des 19. Jahrhunderts. M., 1976.

Rosenshield K. Geschichte der ausländischen Musik. M., 1973. Ausgabe. 1.

Rolland R. Beethovens Leben. M., 1990.

Tschitscherin G. V. Mozart. M., 1987.

Bei der Vorbereitung des Materials wurde der Text des Lehrbuchs „Welt künstlerische Kultur. Vom 18. Jahrhundert bis zur Gegenwart“ (Autor G. I. Danilova).

Yasakova Ekaterina, Schülerin der 10. Klasse des MOAU „Gymnasium Nr. 2 in Orsk“

Die Relevanz des Forschungsthemas „Romantische Züge im Werk Ludwig van Beethovens“ ist auf die unzureichende kunsthistorische Bearbeitung dieses Themas zurückzuführen. Traditionell wird Beethovens Werk mit der Wiener Klassik in Verbindung gebracht, doch auch Werke aus der Reife- und Spätphase des Schaffens des Komponisten tragen diese Merkmale romantischer Stil, was in der Musikliteratur nicht ausreichend behandelt wird. Die wissenschaftliche Neuheit der Studie zeichnet sich durch einen neuen Blick auf Beethovens Spätwerk und seine Rolle bei der Entstehung der Romantik in der Musik aus.

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Vorschau:

I. Einleitung

Relevanz

Ein Vertreter der Wiener klassischen Schule, Ludwig Van Beethoven, entwickelte in Anlehnung an J. Haydn und W. A. ​​​​Mozart Formen der klassischen Musik, die es ermöglichten, in ihrer Entwicklung verschiedene Phänomene der Realität widerzuspiegeln. Doch bei sorgfältiger Betrachtung der Werke dieser drei brillanten Zeitgenossen kann man feststellen, dass der Optimismus, die Fröhlichkeit und der strahlende Anfang, die den meisten Werken von Haydn und Mozart innewohnen, für Beethovens Werk nicht charakteristisch sind.

Eines der typisch beethovenschen Themen, das der Komponist besonders tief entwickelt hat, ist der Kampf zwischen Mensch und Schicksal. Armut und Krankheit verdunkelten Beethovens Leben, aber der Geist des Titanen wurde nicht gebrochen – das ist sein ständig wiederholtes Motto. Resignieren Sie nicht, erliegen Sie nicht der Versuchung des Trostes, sondern kämpfen Sie und siegen Sie. Von der Dunkelheit zum Licht, vom Bösen zum Guten, von der Sklaverei zur Freiheit – diesen Weg beschritt Beethovens Held, ein Weltbürger.

Der Sieg über das Schicksal ist in Beethovens Werken um einen hohen Preis erkämpft – oberflächlicher Optimismus ist Beethoven fremd, seine Lebensbejahung wird erduldet und gewonnen.

Daher die besondere emotionale Struktur seiner Werke, die Tiefe der Gefühle und der akute psychologische Konflikt. Das ideologische Hauptmotiv von Beethovens Werk ist das Thema des heroischen Freiheitskampfes. Die Bilderwelt von Beethovens Werken, die helle Musiksprache und die Innovation lassen den Schluss zu, dass Beethoven zwei Stilrichtungen in der Kunst angehört – dem Klassizismus in seinem Frühwerk und der Romantik in seinem reifen Werk.

Dennoch wird Beethovens Werk traditionell mit der Wiener Klassik in Verbindung gebracht, und die romantischen Züge seiner späteren Werke werden in der Musikliteratur nicht ausreichend behandelt.

Die Untersuchung dieses Problems wird dazu beitragen, Beethovens Weltanschauung und die Ideen seiner Werke besser zu verstehen, was eine unabdingbare Voraussetzung dafür ist, die Musik des Komponisten zu verstehen und eine Liebe zu ihr zu entwickeln.

Forschungsziele:

Entdecken Sie die Essenz romantischer Züge in den Werken Ludwig van Beethovens.

Popularisierung der klassischen Musik.

Aufgaben:

Entdecken Sie das Werk Ludwig van Beethovens.

Führen Sie eine stilistische Analyse der Sonate Nr. 14 durch

Und das Finale der Symphonie Nr. 9.

Identifizieren Sie Anzeichen für die romantische Weltanschauung des Komponisten.

Studienobjekt:

Musik von L. Beethoven.

Forschungsgegenstand:

Romantische Züge in der Musik von L. Beethoven.

Methoden:

Vergleichend und vergleichend (klassische und romantische Merkmale):

A) Werke von Haydn, Mozart – L. Beethoven

B) Werke von F. Schubert, F. Chopin, F. Liszt, R. Wagner,

I. Brahms - L. Beethoven.

2. Studieren Sie den Stoff.

3. Intonations- und Stilanalyse von Werken.

II. Hauptteil.

Einführung.

Mehr als 200 Jahre sind seit der Geburt Ludwig van Beethovens vergangen, aber seine Musik lebt weiter und begeistert Millionen von Menschen, als wäre sie von unserem Zeitgenossen geschrieben worden.
Wer zumindest ein wenig mit dem Leben Beethovens vertraut ist, kann nicht umhin, sich in diesen Mann, diese Heldenpersönlichkeit, zu verlieben und seine Lebensleistung zu bewundern.

Die hohen Ideale, die er in seinem Werk verkündete, trug er sein ganzes Leben lang bei. Beethovens Leben ist ein Beispiel für Mut und hartnäckigen Kampf gegen Hindernisse und Unglücke, die für einen anderen unüberwindbar wären. Sein ganzes Leben lang trug er die Ideale seiner Jugend – die Ideale der Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit.Er schuf eine heroisch-dramatische Symphonie.In der Musik formte sich sein Weltbild unter dem Einfluss freiheitsliebender Ideen Tolles Französisch schmale Revolution, deren Echos viele Werke des Komponisten durchdringen.

Beethovens Stil zeichnet sich durch den Umfang und die Intensität der motivischen Arbeit, den Umfang der Sonatendurchführung sowie lebendige thematische, dynamische, Tempo- und Registerkontraste aus. Die Poesie des Frühlings und der Jugend, die Freude des Lebens, seine ewige Bewegung – so erscheint der Komplex poetischer Bilder in Beethovens Spätwerken.Beethoven entwickelt seinen eigenen Stil und erweist sich als kluger und außergewöhnlich innovativer Komponist, der danach strebt, etwas Neues zu erfinden und zu schaffen und nicht zu wiederholen, was bereits vor ihm geschrieben wurde. Stil ist die Einheit und Harmonie aller Elemente eines Werkes; er charakterisiert weniger das Werk selbst als vielmehr die Persönlichkeit des Autors. Beethoven hatte das alles in Hülle und Fülle.

Unnachgiebig verteidigte er seine künstlerischen und politischen Überzeugungen, ohne jemandem den Rücken zu kehren und erhobenen Hauptes Lebensweg der große Komponist Ludwig van Beethoven.

Beethovens Werk eröffnet ein neues, 19. Jahrhundert. Beethoven ruhte sich nie auf seinen Lorbeeren aus und strebte nach neuen Entdeckungen. Er war seiner Zeit weit voraus. Seine Musik ist und bleibt für viele Generationen eine Inspirationsquelle.

Beethovens musikalisches Erbe ist überraschend vielfältig. Er schuf 9 Sinfonien, 32 Sonaten für Klavier, Violine und Cello, eine symphonische Ouvertüre zu Goethes Drama „Egmont“, 16 Streichquartette, 5 Konzerte mit Orchester, „Feierliche Messe“, Kantaten, die Oper „Fidelio“, Romanzen, Bearbeitungen von Volkslieder (es gibt etwa 160 davon, darunter auch russische).

Studie.

In der Musikliteratur sowie in verschiedenen Nachschlagewerken und Wörterbüchern wird Beethoven als Wiener Klassiker dargestellt und nirgendwo erwähnt, dass Beethovens Spätwerk Züge eines romantischen Stils trägt. Geben wir ein Beispiel:

1. Elektronische Enzyklopädie „Kyrill und Methodius“

Beethoven Ludwig van (getauft 17. Dezember 1770, Bonn – 26. März 1827, Wien), deutscher Komponist,Vertreter der Wiener KlassikSchulen. Er schuf eine heroisch-dramatische Symphonie (3. „Heroische“, 1804, 5., 1808, 9., 1823, Sinfonien; Oper „Fidelio“, endgültige Fassung 1814; Ouvertüren „Coriolanus“, 1807, „Egmont“, 1810; u. a Anzahl Instrumentalensembles, Sonaten, Konzerte). Die völlige Taubheit, die Beethoven mitten auf seinem Schaffensweg befiel, brach seinen Willen nicht. Spätere Werke zeichnen sich durch ihren philosophischen Charakter aus. 9 Sinfonien, 5 Klavierkonzerte; 16 Streichquartette und andere Ensembles; Instrumentalsonaten, davon 32 für Klavier (darunter „Pathetique“, 1798, „Moonlight“, 1801, „Appassionata“, 1805), 10 für Violine und Klavier; „Feierliche Messe“ (1823).

2. Musikalisches Enzyklopädisches Wörterbuch.Moskau. „Musik“ 1990

BEETHOVEN Ludwig van (1770-1827) - Deutsch. Komponist, Pianist, Dirigent. Original Musik Seine Ausbildung erhielt er von seinem Vater, einem Sänger des Bonner Pridv. Kapelle und seine Kollegen. Seit 1780 Schüler von K. G. Nefe, der B. im Geiste der deutschen Sprache erzog. Aufklärung.

Die Entstehung von Bs Weltanschauung wurde stark von den Ereignissen der Großen Franzosen beeinflusst. Revolution; sein Werk ist eng mit der Moderne verbunden. ihm Kunst, Literatur, Philosophie, die Künste, das Erbe der Vergangenheit (Homer, Plutarch, W. Shakespeare, J. J. Rousseau, I. W. Goethe, I. Kant, F. Schiller). Basic Das ideologische Motiv von Bs Schaffen ist das heroische Thema. Kampf um die Freiheit, besonders eindringlich verkörpert in der 3., 5., 7. und 9. Symphonie, in der Oper „Fidelio“, in der „Egmont“-Ouvertüre, in f. Sonate Nr. 23 (sog. Arra8$yupa1a) usw.

Vertreter des Wiener Klassikers. Schule, B. entwickelte in Anlehnung an I. Haydn und W. A. ​​​​Mozart klassische Formen. Musik, die es ermöglicht, verschiedene Phänomene der Realität in ihrer Entwicklung zu reflektieren. Sonaten-Symphonie Der Zyklus wurde erweitert, mit neuer Dramatik und Inhalten gefüllt. In der Interpretation von Ch. und Nebenparteien und ihr Verhältnis, B. stellte das Kontrastprinzip als Ausdruck der Einheit der Gegensätze vor.

3. I. Prochorowa. Musikalische Literatur fremder Länder.Moskau. "Musik". 1988

LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770 – 1827). Seit der Geburt des großen deutschen Komponisten Ludwig van Beethoven sind mehr als zweihundert Jahre vergangen. Die gewaltige Blüte von Beethovens Genie fiel mit dem Beginn des 19. Jahrhunderts zusammen.

Im Schaffen Beethovens erreichte die klassische Musik ihren Höhepunkt. Und das nicht nur, weil Beethoven das Beste aus dem Erreichten aufnehmen konnte. Als Zeitgenosse der Ereignisse der Französischen Revolution im späten 18. Jahrhundert, die Freiheit, Gleichheit und Brüderlichkeit der Menschen verkündete, konnte Beethoven in seiner Musik zeigen, dass der Schöpfer dieser Veränderungen das Volk ist. Zum ersten Mal wurden in der Musik die heroischen Sehnsüchte des Volkes mit solcher Kraft zum Ausdruck gebracht.

Wie wir sehen, werden die romantischen Züge von Beethovens Werk nirgendwo erwähnt. Die figurative Struktur, die Lyrik und die neuen Werkformen erlauben es uns jedoch, von Beethoven als Romantiker zu sprechen. Um die romantischen Züge in Beethovens Werken zu identifizieren, führen wir eine vergleichende Analyse der Sonaten von Haydn, Mozart und Beethoven durch. Dazu müssen Sie herausfinden, was eine klassische Sonate ist.. Wie unterscheidet sich die Mondscheinsonate von den Sonaten Haydns und Mozarts? Aber lassen Sie uns zunächst eine Definition des Klassizismus geben.

KLASSIZISMUS, eine der wichtigsten Kunstrichtungen der Vergangenheit, ein künstlerischer Stil, der darauf basiertnormative Ästhetik, die die strikte Einhaltung einer Reihe von Regeln, Kanons und Einheiten erfordert.Die Regeln des Klassizismus sind von größter Bedeutung als Mittel zur Verwirklichung des Hauptziels – die Öffentlichkeit aufzuklären und zu belehren und sie in erhabene Beispiele zu verwandeln.Ein Kunstwerk sollte aus klassizistischer Sicht auf der Grundlage strenger Regeln errichtet werden und so die Harmonie und Logik des Universums selbst offenbaren.

Schauen wir uns nun die Struktur einer klassischen Sonate an. Die Entwicklung der klassischen Sonate hat einen langen Weg zurückgelegt. In den Werken Haydns und Mozarts wurde die Struktur des Sonaten-Symphonie-Zyklus endgültig perfektioniert. Es wurde eine stabile Stimmenzahl ermittelt (drei in einer Sonate, vier in einer Sinfonie).

Die Struktur einer klassischen Sonate.

Erster Teil des Zyklus– normalerweise Allegro - Ausdruck der Widersprüchlichkeit von Lebensphänomenen. Es steht geschriebenin Sonatenform.Grundlage der Sonatenform ist der Vergleich bzw. Gegensatz zweier musikalischer Sphären, ausgedrückt durch Haupt- und Nebenstimme.Der Leitwert wird der Hauptpartei zugeordnet.Der erste Teil besteht aus drei Abschnitten: Exposition – Durchführung – Reprise.

Zweitens, langsamer TeilSonaten-Symphonie-Zyklus ( normalerweise Andante, Adagio, Largo) – steht im Gegensatz zum ersten Teil. Es offenbart die Welt des Innenlebens eines Menschen oder die Welt der Natur, Genreszenen.

Menuett – dritter Satzvierteiliger Zyklus (Sinfonien, Quartette) - ist mit der alltäglichen Manifestation des Lebens verbunden, mit dem Ausdruck kollektiver Gefühle (Tanz, der große Gruppen von Menschen mit einer gemeinsamen Stimmung vereint).Die Form ist immer komplex dreiteilig.

Das Finale ist nicht nur der letzte, sondern auch der letzte Teil des Zyklus. Es weist Gemeinsamkeiten mit anderen Teilen auf. Aber es gibt Besonderheiten, die nur dem Finale innewohnen – viele Episoden, an denen das gesamte Orchester teilnimmt, sind in der Regel in Form eines Rondo (mehrfache Wiederholung) geschrieben Hauptidee– der Refrain erweckt den Eindruck der Vollständigkeit der Aussage). Manchmal wird die Sonatenform für Finale verwendet.

Schauen wir uns den Aufbau der Sonaten von Haydn, Mozart und Beethoven an:

Haydn. Sonate in e-Moll.

Presto. . Es hat zwei gegensätzliche Themen.Das Hauptthema ist aufgeregt, unruhig. Die Beilage ist ruhiger und leichter.

Andante . Der zweite Teil ist leicht und ruhig, als würde man über etwas Gutes nachdenken.

Allegro assai. Dritter Teil. Der Charakter ist anmutig und tanzend. Die Konstruktion ähnelt der Rondoform.

Mozart. Sonate in c-Moll.

Die Sonate besteht aus drei Sätzen.

Molto Allegro. Der erste Satz ist in Form eines Sonatenallegros geschrieben. Es hat zwei gegensätzliche Themen.Das Hauptthema ist hart und streng, der Nebenteil melodisch und zart.

Adagio. Der zweite Teil ist von einem hellen Gefühl liedhafter Natur durchdrungen.

Allegro assai. Der dritte Satz ist in Rondoform geschrieben. Der Charakter ist ängstlich und angespannt.

Das Hauptprinzip der Struktur der klassischen Sonate war die Präsenz zweier unterschiedlicher Themen (Bilder) im ersten Teil, die im Verlauf ihrer Entwicklung dramatische Beziehungen eingehen.Dies haben wir in den betrachteten Sonaten von Haydn und Mozart gesehen. Der erste Teil dieser Sonaten ist in der Form geschrieben Sonate Allegro: Es gibt zwei Themen – die Haupt- und Nebenparias – sowie drei Abschnitte – Exposition, Durchführung und Reprise.

Der erste Satz der „Mondscheinsonate“ fällt nicht unter diese Strukturmerkmale, die ein Instrumentalstück zu einer Sonate machen. DarinEs gibt keine zwei unterschiedlichen Themen, die miteinander in Konflikt stehen.

„Mondscheinsonate“- ein Werk, in dem Beethovens Leben, Kreativität und pianistisches Genie zu einem Werk von erstaunlicher Perfektion verschmolzen.

Der erste Teil ist in Zeitlupe, in einer freien Form der Fantasie. So erklärte Beethoven das Werk – Quasi una Fantasia –wie Fantasie, ohne den starren Begrenzungsrahmen, der von strengen klassischen Formen diktiert wird.

Zärtlichkeit, Traurigkeit, Nachdenken. Geständnis eines leidenden Menschen. In der Musik, die vor den Augen des Zuhörers entsteht und sich zu entwickeln scheint, sind drei Linien sofort erkennbar: ein absteigender tiefer Bass, eine gemessene Schaukelbewegung der Mittelstimme und eine flehende Melodie, die nach einer kurzen Einleitung erscheint. Sie klingt leidenschaftlich, beharrlich, versucht, die leichten Register zu erreichen, stürzt aber am Ende in den Abgrund, und dann beendet der Bass traurig den Satz. Es gibt keinen Ausweg. Überall herrscht der Frieden hoffnungsloser Verzweiflung.

Aber es scheint nur so.

Allegretto – zweiter Satz der Sonate,nannte Beethoven ein neutrales Wort Allegretto, erklärt in keiner Weise die Natur der Musik: italienischer Begriff Allegretto bedeutet, dass das Bewegungstempo mäßig hoch ist.

Was ist dieses lyrische Stück, das Franz Liszt „eine Blume zwischen zwei Abgründen“ nannte? Diese Frage beschäftigt Musiker immer noch. Manche Leute denken Allegretto ein musikalisches Porträt von Julia, andere verzichten im Allgemeinen auf bildliche Erklärungen des mysteriösen Teils.

Sozusagen, Allegretto Mit seiner betonten Einfachheit stellt es den Interpreten vor größte Schwierigkeiten. Hier gibt es keine Gefühlssicherheit. Intonationen können von völlig unprätentiöser Anmut bis hin zu spürbarem Humor interpretiert werden. Musik ruft Bilder der Natur hervor. Vielleicht ist dies eine Erinnerung an das Rheinufer oder die Wiener Vororte, Volksfeste.

Presto agitato – Finale der Sonate , zu dessen Beginn Beethoven sofort sehr klar, wenn auch prägnant Tempo und Charakter angibt – „sehr schnell, aufgeregt“ – klingt wie ein Sturm, der alles aus dem Weg räumt. Sofort hört man vier Schallwellen, die mit enormem Druck heranrollen. Jede Welle endet mit zwei heftigen Schlägen – die Elemente toben. Aber hier kommt das zweite Thema. Ihre Oberstimme ist breit und melodisch: Sie beschwert sich, protestiert. Der Zustand höchster Erregung bleibt dank der Begleitung erhalten – im gleichen Satz wie beim stürmischen Beginn des Finales. Es ist jedoch dieses zweite Thema, das weiterentwickelt wird allgemeine Stimmungändert sich nicht: Angst, Unruhe, Anspannung bleiben während des gesamten Teils bestehen. Die Stimmung ändert sich nur in einigen Nuancen. Manchmal scheint es, als ob völlige Erschöpfung einsetzt, aber die Person erhebt sich wieder, um das Leiden zu überwinden. Wie die Apotheose der gesamten Sonate wächst auch die Coda – der Schlussteil des Finales.

Wir sehen also, dass es in der klassischen Sonate von Haydn und Mozart einen streng konsistenten dreiteiligen Zyklus mit einer typischen Stimmenfolge gibt. Beethoven veränderte die etablierte Tradition:

Abschluss:

Der erste Teil der „Mondschein“-Sonate wurde nicht nach den Kanons der klassischen Sonate geschrieben, sondern in freier Form. Anstelle der allgemein akzeptierten Sonate Allegro – Quasi una Fantasia – wie eine Fantasie. Im ersten TeilEs gibt keine zwei unterschiedlichen Themen (Bilder), die in ihrer Entwicklung dramatische Beziehungen eingehen.

Daher, Die Mondscheinsonate ist eine romantische Variation der klassischen Form.Dies drückte sich in der Neuordnung von Teilen des Zyklus aus (der erste Teil ist Adagio, nicht in der Form). Sonate Allegro), und in der figurativen Struktur der Sonate.

Geburt der „Mondscheinsonate“.

Beethoven widmete die Sonate Giulietta Guicciardi.

Die majestätische Ruhe und helle Traurigkeit des ersten Teils der Sonate erinnert möglicherweise an Nachtträume, Dunkelheit und Einsamkeit, die Gedanken an den dunklen Himmel hervorrufen. helle Sterne und das geheimnisvolle Licht des Mondes. Die vierzehnte Sonate verdankt ihren Namen dem langsamen ersten Satz: Nach dem Tod des Komponisten erfolgte ein Vergleich dieser Musik mit mondhelle Nacht kam dem romantischen Dichter Ludwig Relstab in den Sinn.

Wer war Giulietta Guicciardi?

Ende 1800 lebte Beethoven bei der Familie Brunswick. Zur gleichen Zeit kam Giulietta Guicciardi, eine Verwandte der Braunschweiger, aus Italien zu dieser Familie. Sie war sechzehn Jahre alt. Sie liebte Musik, spielte gut Klavier und begann, Unterricht bei Beethoven zu nehmen, wobei sie seine Anweisungen problemlos akzeptierte. Was Beethoven an ihrer Figur reizte, war ihre Fröhlichkeit, Geselligkeit und Gutmütigkeit. War sie so, wie Beethoven sie sich vorgestellt hatte?

In langen, schmerzhaften Nächten, in denen der Lärm in seinen Ohren ihn nicht schlafen ließ, träumte er: Schließlich muss es einen Menschen geben, der ihm hilft, ihm unendlich nahe kommt und seine Einsamkeit erhellt! Trotz des Unglücks, das ihm widerfuhr, sah Beethoven das Beste im Menschen und vergab Schwächen: Musik stärkte seine Freundlichkeit.

Wahrscheinlich bemerkte er einige Zeit lang keine Frivolität bei Julia, da er sie für der Liebe würdig hielt und die Schönheit ihres Gesichts mit der Schönheit ihrer Seele verwechselte. Das Bild der Julia verkörperte das Frauenideal, das er seit Bonner Zeiten entwickelt hatte: die geduldige Liebe einer Mutter. Begeistert und geneigt, die Verdienste der Menschen zu übertreiben, verliebte sich Beethoven in Giulietta Guicciardi.

Die Wunschträume hielten nicht lange. Beethoven verstand wahrscheinlich die Sinnlosigkeit der Hoffnung auf Glück.

Beethoven musste zuvor Hoffnungen und Träume aufgeben. Doch dieses Mal wurde die Tragödie besonders tief. Beethoven war dreißig Jahre alt. Nur Kreativität konnte das Selbstvertrauen des Komponisten wiederherstellen.Nach dem Verrat Julias, die ihm den mittelmäßigen Komponisten Graf Gallenberg vorzog, ging Beethoven auf das Anwesen seiner Freundin Maria Erdedi. Er suchte die Einsamkeit. Drei Tage lang wanderte er durch den Wald, ohne nach Hause zurückzukehren. Er wurde in einem abgelegenen Dickicht gefunden, erschöpft vom Hunger.

Niemand hörte eine einzige Beschwerde. Beethoven brauchte keine Worte. Die Musik sagte alles.

Der Legende nach schrieb Beethoven die „Mondscheinsonate“ im Sommer 1801 in Korompa, im Pavillon des Parks des Brunswick-Anwesens, und daher wurde die Sonate zu Beethovens Lebzeiten manchmal „Pavillonsonate“ genannt.

Das Geheimnis der Popularität der „Mondscheinsonate“ liegt unserer Meinung nach darin, dass die Musik so schön und lyrisch ist, dass sie die Seele des Zuhörers berührt, ihn mitfühlen, mitfühlen und sich an sein Innerstes erinnern lässt.

Beethovens Innovation auf dem Gebiet der Symphonie

Symphonie (von der griechischen Symphonie – Konsonanz), ein Musikstück für ein Sinfonieorchester, geschrieben in Sonatenform zyklische Form die höchste Form der Instrumentalmusik. Besteht normalerweise aus 4 Teilen. Am Ende entwickelte sich der klassische Typus der Symphonie. 18 - Anfang 19. Jahrhundert (J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, L. Beethoven). Unter den romantischen Komponisten erlangten lyrische Sinfonien (F. Schubert, F. Mendelssohn) und Programmsymphonien (G. Berlioz, F. Liszt) große Bedeutung.

Struktur. Aufgrund der Ähnlichkeit im Aufbau mitSonate, Sonate und Symphonie werden unter der allgemeinen Bezeichnung „Sonaten-Symphonie-Zyklus“ zusammengefasst. Eine klassische Sinfonie (wie sie in den Werken der Wiener Klassiker Haydn, Mozart und Beethoven vertreten ist) besteht in der Regel aus vier Sätzen. Der 1. Satz ist in schnellem Tempo in Sonatenform geschrieben; Der 2. Satz im langsamen Satz ist in Form von Variationen, Rondo, Rondosonate, komplexem Dreisatz, seltener in Sonatenform geschrieben; 3. - Scherzo oder Menuett - in dreistimmiger Form Da Capo mit Trio (d. h. nach dem A-Trio-A-Schema); 4. Satz, in schnellem Tempo – in Sonatenform, in Form eines Rondo oder einer Rondosonate.

Nicht nur in der Mondscheinsonate, sondern auch in der Neunten Symphonie wirkte Beethoven als Neuerer. In einem hellen und inspirierten Finale synthetisierte er eine Symphonie und ein Oratorium (Synthese ist eine Kombination verschiedener Künste oder Genres). Obwohl die Neunte Symphonie weit von Beethovens letzter Schöpfung entfernt ist, war sie das Werk, das die langjährige ideologische und künstlerische Suche des Komponisten vollendete. Darin fanden Beethovens Vorstellungen von Demokratie und heroischem Kampf ihren höchsten Ausdruck; neue Prinzipien des symphonischen Denkens wurden in unvergleichlicher Perfektion verkörpert. Das ideologische Konzept der Symphonie führte zu einer grundlegenden Veränderung der Gattung der Symphonie und ihrer Dramaturgie . Beethoven führt das Wort, den Klang menschlicher Stimmen, in den Bereich der reinen Instrumentalmusik ein. Diese Erfindung Beethovens wurde von Komponisten des 19. und 20. Jahrhunderts mehr als einmal genutzt.

Neunte Symphonie. Finale.

Die Anerkennung von Beethovens Genie im letzten Jahrzehnt seines Lebens war europaweit. In England war sein Porträt an jeder Ecke zu sehen, die Musikakademie ernannte ihn zum Ehrenmitglied, viele Komponisten träumten von einer Begegnung mit ihm, Schubert, Weber und Rossini verneigten sich vor ihm. genau Damals entstand die Neunte Symphonie – die Krönung von Beethovens Gesamtwerk. Die Tiefe und Bedeutung des Konzepts erforderte für diese Symphonie eine ungewöhnliche Komposition; zusätzlich zum Orchester setzte der Komponist Solosänger und einen Chor ein. Und auch in seinen letzten Tagen blieb Beethoven den Grundsätzen seiner Jugend treu. Am Ende der Symphonie erklingen Worte aus dem Gedicht „An die Freude“ des Dichters Schiller:

Freude, Flamme des jungen Lebens!

Neue strahlende Tage sind eine Garantie.

Umarmung, Millionen
Verschmelzen Sie mit der Freude eines Einzelnen
Dort, über dem Sternenland, -
Gott, verwandelt in Liebe!

Die majestätische, kraftvolle Musik des Finales der Symphonie, die an eine Hymne erinnert, ruft die Völker der ganzen Welt zu Einheit, Glück und Freude auf.

Die 1824 entstandene Neunte Symphonie gilt noch heute als Meisterwerk der Weltkunst. Sie verkörperte die unsterblichen Ideale, nach denen die Menschheit seit Jahrhunderten unter Leiden strebt – zur Freude, zur Einheit der Menschen auf der ganzen Welt. Nicht umsonst wird die Neunte Symphonie jedes Mal zur Eröffnung einer UN-Sitzung aufgeführt.

Dieser Gipfel ist der letzte Flug eines brillanten Gedankens. Die Krankheit und die Not wurden immer stärker. Aber Beethoven arbeitete weiter.

Eines der gewagtesten Experimente Beethovens zur Aktualisierung der Form ist das große Chorfinale der Neunten Symphonie nach dem Text von F. Schillers Ode „An die Freude“.

Hier zum ersten Mal in der Musikgeschichte Beethovenführte eine Synthese der symphonischen und oratorischen Genres durch. Das Genre der Symphonie selbst hat sich grundlegend verändert. Beethoven führt das Wort in die Instrumentalmusik ein.

Die Entwicklung des Hauptbildes der Symphonie reicht vom bedrohlichen und unaufhaltsamen tragischen Thema des ersten Satzes bis zum Thema der strahlenden Freude im Finale.

Auch die Organisation des symphonischen Zyklus selbst hat sich verändert.Beethoven ordnet das übliche Kontrastprinzip der Idee einer kontinuierlichen figurativen Entwicklung unter, daher der ungewöhnliche Stimmenwechsel: zunächst zwei schnelle Sätze, in denen sich die Dramatik der Symphonie konzentriert, und der langsame dritte Satz bereitet das Finale vor – das Ergebnis komplexester Prozesse.

Beethovens Idee zu dieser Symphonie entstand vor langer Zeit, im Jahr 1793. Dann wurde dieser Plan aufgrund der begrenzten Lebens- und Schaffenserfahrung Beethovens nicht verwirklicht. Es mussten dreißig Jahre vergehen (das ganze Leben) und es war notwendig, ein wirklich großer und sogar größter Meister zu werden, damit die Worte des Dichters -

„Umarmung, Millionen,

Komm in einem Kuss zusammen, Licht!“ - ertönte in der Musik.

Die Uraufführung der Neunten Symphonie am 7. Mai 1824 in Wien wurde zum größten Triumph des Komponisten. Am Eingang zum Saal kam es zu einer Schlägerei um die Eintrittskarten – so groß war die Zahl der Menschen, die zum Konzert gehen wollten. Am Ende der Aufführung nahm einer der Sänger Beethoven bei der Hand und führte ihn auf die Bühne, sodass er den überfüllten Saal sehen konnte, alle applaudierten und warfen ihre Hüte.

Die Neunte Symphonie ist eine der herausragendsten Schöpfungen in der Geschichte der Weltmusikkultur. In der Größe der Idee, der Breite des Konzepts und der kraftvollen Dynamik der musikalischen Bilder übertrifft die Neunte Symphonie alles, was Beethoven selbst geschaffen hat.

An dem Tag, an dem Ihre Harmonien

Überwunden komplexe Welt Arbeit,

Das Licht überwältigte das Licht, eine Wolke zog durch die Wolke,

Donner zog auf Donner, ein Stern trat in den Stern ein.

Und, wütend überwältigt von der Inspiration,

In den Orchestern der Gewitter und dem Rausch des Donners,

Du bist die wolkigen Stufen hinaufgestiegen

Und berührte die Musik der Welten.

(Nikolai Zabolotsky)

Gemeinsamkeiten in den Werken Beethovens und romantischer Komponisten.

Romantik - ideologisch und künstlerische Leitung in der europäischen und amerikanischen spirituellen Kultur des späten 18. – ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Bestätigung des inneren Wertes des spirituellen und kreativen Lebens des Einzelnen, Darstellung starker Leidenschaften, vergeistigter und heilender Natur. . Wenn die Aufklärung durch den Kult der Vernunft und der Zivilisation auf der Grundlage ihrer Prinzipien gekennzeichnet ist, dann bekräftigt die Romantik den KultNatur, Gefühle und das Natürliche im Menschen.

In der Musik entstand die Richtung der Romantik in den 1820er Jahren; ihre Entwicklung dauerte das gesamte 19. Jahrhundert. Romantische Komponisten versuchten es zu nutzen musikalische Mittel drücken Sie die Tiefe und den Reichtum der inneren Welt eines Menschen aus. Die Musik wird markanter und individueller. Liedgenres werden entwickelt, darunter auch Balladen.

Romantische Musik unterscheidet sich von der Musik der Wiener Klassik. Es spiegelt die Realität durch die persönlichen Erfahrungen einer Person wider. Das Hauptmerkmal der Romantik ist das Interesse am Leben menschliche Seele, die eine Vielzahl von Gefühlen und Stimmungen vermitteln. Romantiker schenkten besondere Aufmerksamkeit Seelenfrieden Person, was eine Zunahme der Rolle der Texte zur Folge hatte.

Darstellung starker Erlebnisse, Heldentaten des Protests oder des nationalen Befreiungskampfes, Interesse am Volksleben, Volksmärchen und Liedern, nationale Kultur, historische Vergangenheit, Liebe zur Natur – Besonderheiten Kreativität herausragender Vertreter nationaler romantischer Schulen. Viele romantische Komponisten suchten nach einem Gesamtkunstwerk, insbesondere Musik und Literatur. Daher nimmt das Genre des Liederzyklus Gestalt an und blüht auf („The Beautiful Miller’s Wife“ und „The Beautiful Miller’s Wife“ Winterreise„Schubert“, „Liebe und Leben einer Frau“ und „Die Liebe eines Dichters“ von Schumann usw.).

Der Wunsch fortgeschrittener Romantiker nach konkretem figurativem Ausdruck führt zur Etablierung der Programmatik als eines der hervorstechendsten Merkmale der musikalischen Romantik. Diese charakteristischen Merkmale der Romantik manifestierten sich auch in Beethovens Werk: Verherrlichung der Schönheit der Natur („Pastorale Symphonie“), zärtliche Gefühle und Erlebnisse („Für Elise“), Ideen des Unabhängigkeitskampfes („Egmont-Ouvertüre“), Interesse In Volksmusik(Arrangements von Volksliedern), Erneuerung der Sonatenform, Synthese symphonischer und oratorischer Genres (die Neunte Symphonie diente als Vorbild für Künstler der Romantik, die sich leidenschaftlich für die Idee einer synthetischen Kunst interessierten, die die menschliche Natur und spirituell verändern kann der die Massen der Menschen vereint), lyrischer Liederzyklus („To a Distant Beloved“).

Basierend auf unserer Analyse der Werke Beethovens und romantischer Komponisten haben wir eine Tabelle zusammengestellt Gemeinsamkeiten in ihrer Kreativität.

Gemeinsamkeiten in den Werken Beethovens und romantischer Komponisten:

Abschluss :

Nachdem wir das Werk Beethovens und das Werk romantischer Komponisten verglichen haben, haben wir gesehen, dass Beethovens Musik sowohl in ihrer figurativen Struktur (erhöhte Rolle der Texte, Aufmerksamkeit für die geistige Welt des Menschen) als auch in der Form (in Schuberts „Unvollendeter“ Symphonie gibt es zwei davon). Teile statt vier, d. h. Abweichung von der klassischen Form) und nach Genre ( Programm Sinfonien und Ouvertüren, Liederzyklen wie bei Schubert) und im Charakter (Spannung, Erhabenheit) steht es der Musik romantischer Komponisten nahe.

III. Abschluss.

Als wir Beethovens Werk studierten, kamen wir zu dem Schluss, dass er zwei Stile vereinte – Klassizismus und Romantik. In den Sinfonien – „Eroica“, der berühmten „Fünften Symphonie“ und anderen (mit Ausnahme der „Neunten Symphonie“) ist die Struktur streng klassisch, ebenso wie in vielen Sonaten. Gleichzeitig sind Sonaten wie „Appassionata“ und „Pathetique“ sehr inspiriert, erhaben und ein romantischer Anfang ist in ihnen bereits spürbar. Heldentum und Lyrik – das ist die figurative Welt von Beethovens Werken.

Als durchweg starke Persönlichkeit gelang es Beethoven, sich aus den Fesseln der strengen Regeln und Kanons des Klassizismus zu befreien. Unkonventionelle Form in den letzten Sonaten, Quartetten, Schaffung einer grundlegend neuen Gattung der Symphonie, Appell an die innere Welt des Menschen, Überwindung der Kanons der klassischen Form, Interesse an Volkskunst, Aufmerksamkeit für die innere Welt eines Menschen, lyrischer Anfang, figurativer Aufbau der Werke – all das sind Zeichen der romantischen Weltanschauung des Komponisten. Seine wunderschönen Melodien „Fur Elise“, Adagio aus der „Pathétique“-Sonate, Adagio aus der „Moonlight“-Sonate wurden in die Audiosammlung aufgenommen.Romantische Klingeltöne 20. Jahrhundert " Dies bestätigt einmal mehr, dass die Zuhörer Beethovens Musik als romantisch empfinden. Und dies ist auch eine Bestätigung dafür, dass Beethovens Musik immer modern war und für jede Generation sein wird. Unserer Meinung nach ist Beethoven und nicht Schubert der erste romantische Komponist.

Beethoven ist einer der herausragendsten Komponisten der Weltmusikkultur. Seine Musik ist ewig, weil sie die Zuhörer begeistert, ihnen hilft, stark zu sein und angesichts von Schwierigkeiten nicht aufzugeben. Wenn man Beethovens Musik hört, kann man nicht gleichgültig bleiben, denn sie ist sehr schön und inspirierend. MUSIK machte Beethoven unsterblich. Ich bewundere die Stärke und den Mut dieses großartigen Mannes. Ich bewundere Beethovens Musik und liebe sie sehr!

Er schrieb wie nachts
Ich fing Blitze und Wolken mit meinen Händen ein,
Und die Gefängnisse der Welt in Asche verwandelt
In einem einzigen Moment mit gewaltiger Anstrengung.

K. Kumov

Referenzen

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Königsberg A., Ludwig van Beethoven. Moskau. Musik, 1970.

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Wlassow V.G. Stile in der Kunst: Dictionary of St. Petersburg, 1995

Materialien von der Websitehttp://www.maykapar.ru/

Musikalische Werke

I.Haydn. Sonate in e-Moll. Sinfonie Nr. 101

V.A. Mozart. Sonate in c-Moll. Sinfonie Nr. 40

L. Beethoven. Sinfonien Nr. 6, Nr. 5, Nr. 9. „Egmont“-Ouvertüre. Sonaten „Appassionata“, „Pathétique“, „Lunar“. Das Stück „Für Eliza“.

F. Schubert. Liederzyklus „Die schöne Müllerin“. Das Stück „Musikalischer Moment“.

F. Schubert. „Unvollendete Symphonie“

F. Chopin. „Revolutionäre Etüde“, Präludium Nr. 4, Walzer.

F.Liste. „Träume der Liebe“ „Ungarische Rhapsodie Nr. 2“.

R. Wagner. „Ritt der Walküren.“

I. Brahms. „Ungarischer Tanz Nr. 5“.

„Musik soll Feuer aus der menschlichen Brust schlagen“ – das sind die Worte des deutschen Komponisten Ludwig van Beethoven, dessen Werke zu den höchsten Errungenschaften der Musikkultur zählen.

Beethovens Weltanschauung entstand unter dem Einfluss der Ideen der Aufklärung und freiheitsliebender Ideale Französische Revolution. Musikalisch führte sein Werk einerseits die Traditionen des Wiener Klassizismus fort und griff andererseits Merkmale der neuen romantischen Kunst auf. Der Klassizismus in Beethovens Werken zeichnet sich durch Erhabenheit des Inhalts, hervorragende Beherrschung musikalischer Formen und eine Anziehungskraft auf die Genres Symphonie und Sonate aus. Von der Romantik über kühne Experimente auf dem Gebiet dieser Genres bis hin zum Interesse an Gesangs- und Klavierminiaturen.

Ludwig van Beethoven wurde in Bonn (Deutschland) in die Familie eines Hofmusikers geboren. Unter der Anleitung seines Vaters begann er bereits in früher Kindheit, Musik zu studieren. Der eigentliche Mentor Beethovens war jedoch der Komponist, Dirigent und Organist K.G. Nefe. Er brachte dem jungen Musiker die Grundlagen der Komposition bei und brachte ihm das Klavier- und Orgelspiel bei. Ab seinem elften Lebensjahr fungierte Beethoven als Hilfsorganist in der Kirche, dann als Hoforganist und Korrepetitor an der Bonner Oper. Im Alter von achtzehn Jahren trat er an der Philosophischen Fakultät der Universität Bonn ein, schloss sein Studium jedoch nicht ab und absolvierte anschließend viel Autodidaktik.

Im Jahr 1792 Beethoven zog nach Wien. Er nahm Musikunterricht bei J. Haydn, I.G. Albrechtsberger, A. Salieri (die größten Musiker dieser Zeit). Albrechtsberger machte Beethoven mit den Werken Händels und Bachs bekannt. Daher das brillante Wissen des Komponisten über musikalische Formen, Harmonie und Polyphonie.

Beethoven begann bald, Konzerte zu geben; wurde populär. Er wurde auf der Straße erkannt und zu feierlichen Empfängen in die Häuser hochrangiger Persönlichkeiten eingeladen. Er komponierte viel: Er schrieb Sonaten, Konzerte für Klavier und Orchester, Sinfonien.

Lange Zeit war sich niemand bewusst, dass Beethoven von einer schweren Krankheit heimgesucht wurde – er begann, sein Gehör zu verlieren. Überzeugt von der Unheilbarkeit der Krankheit entschloss sich der Komponist 1802 zu sterben. verfasste ein Testament, in dem er die Gründe für seine Entscheidung erläuterte. Beethoven gelang es jedoch, die Verzweiflung zu überwinden und fand die Kraft, weiter Musik zu schreiben. Der Ausweg aus der Krise war die Dritte („Heroische“) Symphonie.

1803-1808 der Komponist arbeitete auch an der Entstehung von Sonaten; insbesondere die Neunte für Violine und Klavier (1803; dem Pariser Geiger Rudolf Kreutzer gewidmet und erhielt daher den Namen „Kreutzer“), die Dreiundzwanzigste („Appassionata“) für Klavier, die Fünfte und Sechste Symphonie (beide 1808). ).

Die sechste Symphonie („Pastorale“) trägt den Untertitel „Erinnerungen an das Landleben“. Dieses Werk stellt verschiedene Zustände der menschlichen Seele dar, die vorübergehend von inneren Erfahrungen und Kämpfen entfernt sind. Die Symphonie vermittelt die Gefühle, die beim Kontakt mit der Natur und dem Landleben entstehen. Sein Aufbau ist ungewöhnlich – fünf statt vier Teile. Die Symphonie enthält figurative und lautmalerische Elemente (Vögel singen, Donnergrollen usw.). Beethovens Erkenntnisse wurden später von vielen romantischen Komponisten genutzt.

Der Höhepunkt von Beethovens symphonischem Schaffen war die Neunte Symphonie. Es wurde bereits 1812 konzipiert, der Komponist arbeitete jedoch von 1822 bis 1823 daran. Die Symphonie ist großartig; Besonders ungewöhnlich ist das Finale, das so etwas wie eine große Kantate für Chor, Solisten und Orchester darstellt, geschrieben nach dem Text der Ode „An die Freude“ von J.F. Schiller.

Im ersten Teil ist die Musik harsch und dramatisch: Aus dem Chaos der Klänge entsteht ein klares und sehr groß angelegtes Thema. Der zweite Teil, ein Scherzo, ähnelt im Charakter dem ersten. Der in langsamem Tempo vorgetragene dritte Teil ist der ruhige Blick einer erleuchteten Seele. Zweimal brechen Fanfarenklänge in den gemächlichen Fluss der Musik ein. Sie erinnern an Gewitter und Schlachten, können aber das allgemeine philosophische Bild nicht ändern. Diese Musik ist der Höhepunkt von Beethovens Texten. Der vierte Teil ist das Finale. Die Themen der vorangegangenen Teile schweben vor dem Zuhörer wie eine verblassende Vergangenheit. Und hier kommt das Thema Freude. Die innere Struktur des Themas ist verblüffend: Zittern und strenge Zurückhaltung, enorme innere Stärke, entfaltet in einer grandiosen Hymne an das Gute, Wahre und Schöne.

Die Uraufführung der Symphonie fand 1825 statt. im Wiener Opernhaus. Um den Plan des Autors umzusetzen, reichte das Theaterorchester nicht aus; es mussten Laien eingeladen werden: vierundzwanzig Violinen, zehn Bratschen, zwölf Celli und Kontrabässe. Für ein klassisches Wiener Orchester war eine solche Komposition ungewöhnlich kraftvoll. Darüber hinaus umfasste jede Chorstimme (Bass, Tenor, Alt und Sopran) vierundzwanzig Sänger, was ebenfalls über die üblichen Normen hinausging.

Zu Beethovens Lebzeiten blieb die Neunte Symphonie für viele unverständlich; Es wurde nur von denen bewundert, die den Komponisten genau kannten, von seinen Schülern und von musikaufgeklärten Zuhörern. Im Laufe der Zeit begannen die besten Orchester der Welt, die Symphonie in ihr Repertoire aufzunehmen, und sie fand ein neues Leben.

Die Werke der späten Schaffensperiode des Komponisten zeichnen sich durch Zurückhaltung der Gefühle und philosophische Tiefe aus, was sie von den leidenschaftlichen und dramatischen Frühwerken unterscheidet. Im Laufe seines Lebens schrieb Beethoven neun Symphonien, 32 Sonaten, 16 Streichquartette, die Oper Fidelio, die feierliche Messe, fünf Klavierkonzerte und eines für Violine und Orchester, Ouvertüren und einzelne Stücke für verschiedene Instrumente.

Überraschenderweise schrieb der Komponist viele seiner Werke (einschließlich der Neunten Symphonie) bereits völlig taub. Seine neuesten Werke – Klaviersonaten und Quartette – sind jedoch unübertroffene Meisterwerke der Kammermusik.

Abschluss

So entstand im 17. Jahrhundert in Frankreich der künstlerische Stil des Klassizismus, der auf Vorstellungen über die Regelmäßigkeit und Rationalität der Weltordnung basierte. Die Meister dieses Stils strebten nach klaren und strengen Formen, harmonischen Mustern und der Verkörperung von Hochgefühl moralische Ideale. Sie betrachteten Werke antiker Kunst als höchste und unübertroffene Beispiele künstlerischer Kreativität und entwickelten daher antike Themen und Bilder.

Der Höhepunkt in der Entwicklung des musikalischen Klassizismus war das Werk von Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven, die hauptsächlich in Wien wirkten und eine Richtung in der Musikkultur der zweiten Hälfte des 18. – frühen 19. Jahrhunderts – der Wiener – prägten klassische Schule. Beachten Sie, dass sich der Klassizismus in der Musik in vielerlei Hinsicht vom Klassizismus in der Literatur, im Theater oder in der Malerei unterscheidet. In der Musik kann man sich nicht auf alte Traditionen verlassen, da diese nahezu unbekannt sind. Darüber hinaus wird der Inhalt musikalischer Kompositionen oft mit der Welt der menschlichen Gefühle in Verbindung gebracht, die keiner strengen Kontrolle des Geistes unterliegen. Die Komponisten der Wiener Klassik schufen jedoch ein sehr harmonisches und logisches Regelsystem für den Aufbau eines Werkes. Dank eines solchen Systems wurden die komplexesten Gefühle in eine klare und perfekte Form gekleidet. Leid und Freude wurden für den Komponisten eher zum Thema der Reflexion als der Erfahrung. Und wenn in anderen Kunstgattungen die Gesetze des Klassizismus bereits zu Beginn des 19. Jahrhunderts gelten. vielen überholt erschien, behält das von der Wiener Schule entwickelte System der Gattungen, Formen und Harmonieregeln in der Musik bis heute seine Bedeutung.

Wir stellen noch einmal fest, dass die Kunst der Wiener Klassiker für uns von großem Wert und künstlerischer Bedeutung ist.

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Beethoven hatte das Glück, in einer Zeit geboren zu werden, die perfekt zu seiner Natur passte. Dies ist eine Ära voller großer gesellschaftlicher Ereignisse, von denen das wichtigste der revolutionäre Putsch in Frankreich ist. Die Große Französische Revolution und ihre Ideale hatten einen starken Einfluss auf den Komponisten – sowohl auf seine Weltanschauung als auch auf sein Werk. Es war die Revolution, die Beethoven das Grundmaterial zum Verständnis der „Dialektik des Lebens“ lieferte.

Die Idee des heroischen Kampfes wurde zur wichtigsten Idee in Beethovens Werk, wenn auch bei weitem nicht die einzige. Effizienz, der aktive Wunsch nach einer besseren Zukunft, ein Held im Einklang mit der Masse – das bringt der Komponist in den Vordergrund. Die Idee der Staatsbürgerschaft und das Bild der Hauptfigur – eines Kämpfers für republikanische Ideale – machen Beethovens Werk der Kunst des revolutionären Klassizismus ähnlich (mit den heroischen Gemälden Davids, Cherubinis Opern, revolutionären Marschliedern). „Unsere Zeit braucht Menschen mit einem starken Geist“, sagte der Komponist. Bezeichnenderweise widmete er seine einzige Oper nicht der geistreichen Susana, sondern der mutigen Leonora.

Doch nicht nur gesellschaftliche Ereignisse, sondern auch das Privatleben des Komponisten trugen dazu bei, dass heroische Themen in seinem Werk in den Vordergrund rückten. Die Natur hat Beethoven mit dem neugierigen, aktiven Geist eines Philosophen ausgestattet. Seine Interessen waren schon immer ungewöhnlich breit gefächert, sie erstreckten sich auf Politik, Literatur, Religion, Philosophie, Naturwissenschaften. Wirklich immens Kreativität Er war mit einer schrecklichen Krankheit konfrontiert – Taubheit, die den Weg zur Musik scheinbar für immer versperren könnte. Beethoven fand die Kraft, sich dem Schicksal zu widersetzen, und die Ideen des Widerstands und der Überwindung wurden zum Hauptsinn seines Lebens. Sie waren es, die den Heldencharakter „geschmiedet“ haben. Und in jeder Zeile von Beethovens Musik erkennen wir seinen Schöpfer – sein mutiges Temperament, seinen unbeugsamen Willen, seine Unnachgiebigkeit gegenüber dem Bösen. Gustav Mahler formulierte diesen Gedanken wie folgt: „Die angeblich von Beethoven zum ersten Thema der Fünften Symphonie gesprochenen Worte – „So klopft das Schicksal an die Tür“ ... sind für mich noch lange nicht deren enormer Inhalt erschöpft. Vielmehr könnte er über sie sagen: „Ich bin es.“

Periodisierung von Beethovens Schaffensbiographie

• I – 1782–1792 – Bonner Zeit. Der Beginn einer kreativen Reise.
• II – 1792–1802 – Frühe Wiener Periode.
• III – 1802–1812 – Zentrale Periode. Zeit für kreatives Aufblühen.
• IV – 1812–1815 – Übergangsjahre.
• V – 1816–1827 – Spätzeit.

Beethovens Kindheit und frühes Leben

Beethovens Kindheit und Jugend (bis zum Herbst 1792) sind mit Bonn verbunden, wo er geboren wurde Dezember 1770 Jahr. Sein Vater und sein Großvater waren Musiker. Nahe der französischen Grenze gelegen, war Bonn im 18. Jahrhundert eines der Zentren der deutschen Aufklärung. Im Jahr 1789 wurde hier eine Universität eröffnet, unter deren Lehrunterlagen später auch Beethovens Notenbuch gefunden wurde.

Beethovens berufliche Ausbildung wurde in früher Kindheit häufig wechselnden, „zufälligen“ Lehrern anvertraut – Bekannten seines Vaters, die ihm Unterricht im Orgel-, Cembalo-, Flöten- und Violinspiel gaben. Nachdem sein Vater das seltene musikalische Talent seines Sohnes entdeckt hatte, wollte er ihn zu einem Wunderkind, einem „zweiten Mozart“ machen – einer Quelle großen und konstanten Einkommens. Zu diesem Zweck begannen sowohl er selbst als auch die von ihm eingeladenen Chorfreunde, den kleinen Beethoven technisch auszubilden. Er musste sogar nachts am Klavier üben; allerdings die ersten öffentlichen Auftritte junger Musiker(1778 wurden in Köln Konzerte veranstaltet) entsprach nicht den kommerziellen Plänen seines Vaters.

Ludwig van Beethoven wurde kein Wunderkind, doch er entdeckte schon früh sein Talent als Komponist. Hatte großen Einfluss auf ihn Christian Gottlieb Nefe, der ihm ab seinem 11. Lebensjahr Komposition und Orgelspiel beibrachte, ist ein Mann mit ausgeprägten ästhetischen und politischen Überzeugungen. Als einer der gebildetsten Musiker seiner Zeit führte Nefe Beethoven in die Werke von Bach und Händel ein, klärte ihn über Fragen der Geschichte und Philosophie auf und erzog ihn vor allem im Geiste eines tiefen Respekts für seine deutsche Heimatkultur. Darüber hinaus wurde Nefe der erste Verleger des 12-jährigen Komponisten und veröffentlichte eines seiner frühen Werke – Klaviervariationen über ein Thema aus Dresslers Marsch(1782). Diese Variationen waren Beethovens erstes erhaltenes Werk. Im folgenden Jahr wurden drei Klaviersonaten fertiggestellt.

Zu diesem Zeitpunkt begann Beethoven bereits im Theaterorchester zu arbeiten und bekleidete die Stelle des Hilfsorganisten in der Hofkapelle. Wenig später verdiente er auch Geld mit dem Erteilen von Musikunterricht in Adelsfamilien (aufgrund der Armut der Familie). er musste sehr früh in den Dienst eintreten). Deshalb erhielt er keine systematische Ausbildung: Er besuchte die Schule nur bis zu seinem 11. Lebensjahr, schrieb sein ganzes Leben lang mit Fehlern und lernte nie die Geheimnisse der Multiplikation. Dennoch gelang es Beethoven dank seiner eigenen Beharrlichkeit, ein gebildeter Mensch zu werden: Er beherrschte selbstständig Latein, Französisch und Italienisch und las ständig viel.

Beethoven träumte davon, bei Mozart zu studieren, besuchte 1787 Wien und traf sein Idol. Nachdem Mozart der Improvisation des jungen Mannes zugehört hatte, sagte er: „Achten Sie auf ihn; Er wird eines Tages dafür sorgen, dass die Welt über sich selbst spricht.“ Beethoven scheiterte daran, ein Schüler Mozarts zu werden tödliche Krankheit zu seiner Mutter musste er dringend nach Bonn zurückkehren. Dort fand er moralischen Rückhalt bei den Aufgeklärten die Familie Breuning.

Die Ideen der Französischen Revolution wurden von Beethovens Bonner Freunden begeistert aufgenommen und starker Einfluss um seine demokratischen Überzeugungen zu formen.

Beethovens Talent als Komponist entwickelte sich nicht so schnell wie Mozarts phänomenales Talent. Beethoven komponierte eher langsam. Seit 10 Jahren des ersten - Bonn Zeitraum (1782-1792) Es wurden 50 Werke geschrieben, darunter 2 Kantaten, mehrere Klaviersonaten(heute Sonatinen genannt), 3 Klavierquartette, 2 Trios. Ein großer Teil des Bonner Schaffens besteht auch aus Variationen und Liedern, die für das Laienmusizieren gedacht sind. Darunter ist das bekannte Lied „Groundhog“.

Frühe Wiener Zeit (1792–1802)

Trotz der Frische und Helligkeit seiner jugendlichen Kompositionen erkannte Beethoven, dass er ernsthaft studieren musste. Im November 1792 verließ er schließlich Bonn und zog nach Wien – dem größten Musikzentrum Europa. Hier studierte er Kontrapunkt und Komposition I. Haydn, I. Schenk, I. Albrechtsberger Und A. Salieri . Zur gleichen Zeit begann Beethoven als Pianist aufzutreten und erlangte bald Ruhm als unübertroffener Improvisator und brillanter Virtuose.

Der junge Virtuose wurde von vielen angesehenen Musikliebhabern besucht – K. Likhnovsky, F. Lobkowitz, der russische Botschafter A. Razumovsky und andere; Beethovens Sonaten, Trios, Quartette und später sogar Sinfonien wurden erstmals in ihren Salons gehört. Ihre Namen finden sich in den Widmungen vieler Werke des Komponisten. Allerdings war Beethovens Art, mit seinen Gönnern umzugehen, zu dieser Zeit nahezu unbekannt. Stolz und unabhängig vergab er niemandem, der versucht hatte, ihn zu demütigen Menschenwürde. Die legendären Worte des Komponisten an den ihn beleidigenden Gönner sind bekannt: „Es gab und wird Tausende von Fürsten geben, aber es gibt nur einen Beethoven.“ Obwohl er nicht gern unterrichtete, war Beethoven dennoch der Lehrer von K. Czerny und F. Ries im Klavier (beide erlangten später europäische Berühmtheit) und des Erzherzogs Rudolf von Österreich in der Komposition.

Im ersten Wiener Jahrzehnt schrieb Beethoven hauptsächlich Klavier- und Kammermusik: 3 Klavierkonzerte und 2 Dutzend Klaviersonaten, 9(von 10) Violinsonaten(einschließlich Nr. 9 – „Kreutzerova“), 2 Cellosonaten, 6 Streichquartette, eine Reihe von Ensembles für verschiedene Instrumente, das Ballett „Creations of Prometheus“.

Mit Beginn des 19. Jahrhunderts begann auch Beethovens symphonisches Schaffen: 1800 vollendete er seine Erste Symphonie, und im Jahr 1802 - Zweite. Zur gleichen Zeit entstand sein einziges Oratorium „Christus am Ölberg“. Die ersten Anzeichen einer unheilbaren Krankheit, der fortschreitenden Taubheit, die 1797 auftrat, und die Erkenntnis der Hoffnungslosigkeit aller Versuche, die Krankheit zu behandeln, führten Beethoven 1802 in eine psychische Krise, die sich in dem berühmten Dokument niederschlug: „Heiligenstädter Testament“ . Der Ausweg aus der Krise war Kreativität: „... Mir fehlte ein wenig, um Selbstmord zu begehen“, schrieb der Komponist. - „Es war nur die Kunst, die mich zurückgehalten hat.“

Zentrale Schaffensperiode (1802-1812)

1802-12 – die Zeit der brillanten Blüte von Beethovens Genie. Seine tief verwurzelten Vorstellungen von der Überwindung des Leidens durch die Kraft des Geistes und vom Sieg des Lichts über die Dunkelheit nach einem erbitterten Kampf erwiesen sich als im Einklang mit den Ideen der Französischen Revolution. Diese Ideen wurden in der 3. („Eroischen“) und Fünften Symphonie, in der Oper „Fidelio“, in der Musik zu J. V. Goethes Tragödie „Egmont“ und in der Sonate Nr. 23 („Appassionata“) verkörpert.

Insgesamt schuf der Komponist in diesen Jahren:

sechs Symphonien (Nr. 3 bis Nr. 8), Quartette Nr. 7-11 und weitere Kammerensembles, Oper Fidelio, 4 und 5 Klavierkonzerte, Violinkonzert, sowie Tripelkonzert für Violine, Cello und Klavier mit Orchester.

Übergangsjahre (1812–1815)

Die Jahre 1812–15 waren Wendepunkte im politischen und spirituellen Leben Europas. Es folgte die Zeit der Napoleonischen Kriege und der Aufstieg der Befreiungsbewegung Wiener Kongress (1814-15), danach in der Innen- und Außenpolitik Europäische Länder Reaktionär-monarchistische Tendenzen verstärkten sich. Der Stil des heroischen Klassizismus wich der Romantik, die zur führenden Strömung in der Literatur wurde und sich auch in der Musik durchsetzte (F. Schubert). Beethoven würdigte den siegreichen Jubel mit der spektakulären symphonischen Fantasie „Die Schlacht bei Vittoria“ und der Kantate „Happy Moment“, deren Uraufführungen zeitgleich mit dem Wiener Kongress stattfanden und Beethoven einen beispiellosen Erfolg bescherten. Andere Werke von 1813–17 spiegelten jedoch eine beharrliche und manchmal schmerzhafte Suche nach neuen Wegen wider. Zu dieser Zeit entstanden Sonaten für Cello (Nr. 4, 5) und Klavier (Nr. 27, 28), mehrere Dutzend Bearbeitungen von Liedern verschiedener Nationen für Gesang und Ensemble sowie der erste Gesangszyklus in der Geschichte des Genres „An einen fernen Geliebten“(1815). Der Stil dieser Werke ist experimentell, mit vielen genialen Entdeckungen, aber nicht immer so integral wie in der Zeit des „revolutionären Klassizismus“.

Spätzeit (1816–1827)

Das letzte Jahrzehnt von Beethovens Leben war sowohl von der allgemeinen bedrückenden politischen und spirituellen Atmosphäre in Metternichs Österreich als auch von persönlichen Widrigkeiten und Umbrüchen geprägt. Die Taubheit des Komponisten wurde vollständig; ab 1818 war er gezwungen, „Gesprächshefte“ zu verwenden, in denen seine Gesprächspartner an ihn gerichtete Fragen notierten. Die Hoffnung auf persönliches Glück verloren (der Name der „unsterblichen Geliebten“, an die Beethovens Abschiedsbrief vom 6.-7. Juli 1812 gerichtet war, bleibt unbekannt; einige Forscher halten sie für J. Brunswick-Dame, andere für A. Brentano) , übernahm Beethoven die Erziehung seines Neffen Karl, des Sohnes seines 1815 verstorbenen jüngeren Bruders. Dies führte zu einem langjährigen (1815-20) Rechtsstreit mit der Mutter des Jungen um das alleinige Sorgerecht. Der fähige, aber leichtfertige Neffe bereitete Beethoven viel Kummer.

ZU späte Periode Dazu gehören die letzten 5 Quartette (Nr. 12-16), „33 Variationen über den Diabelli-Walzer“, Klavier-Bagatellen op. 126, zwei Sonaten für Cello op. 102, Fuge für Streichquartett, Alle diese Werke qualitativ anders als alles bisherige. Dadurch können wir über Stil sprechen spät Beethoven, der eine deutliche Ähnlichkeit mit dem Stil der romantischen Komponisten aufweist. Die für Beethoven zentrale Idee des Kampfes zwischen Licht und Dunkelheit wird in seinem Spätwerk betont. philosophischer Klang. Der Sieg über das Leid wird nicht mehr durch heroische Taten erreicht, sondern durch die Bewegung des Geistes und des Denkens.

1823 war Beethoven fertig „Feierliche Messe„, das er selbst als sein größtes Werk betrachtete. Die „Feierliche Messe“ wurde am 7. April 1824 in St. Petersburg uraufgeführt. Einen Monat später fand Beethovens letztes Benefizkonzert in Wien statt, bei dem neben Teilen aus der Messe auch sein Abschlusskonzert aufgeführt wurde. Neunte Symphonie mit einem Schlusschor über den Text von „Ode an die Freude“ von F. Schiller. Die Neunte Symphonie mit ihrem letzten Aufruf – „Embrace, millions“! - wurde zum ideologischen Zeugnis des Komponisten für die Menschheit und hatte starken Einfluss auf die Symphonie des 19. und 20. Jahrhunderts.

Über Traditionen

Beethoven wird üblicherweise als Komponist bezeichnet, der einerseits die klassizistische Ära in der Musik beendet und andererseits den Weg zur Romantik ebnet. Im Großen und Ganzen stimmt das, aber seine Musik entspricht nicht ganz den Anforderungen beider Stilrichtungen. Der Komponist ist so universell, dass keine Stilmerkmale seine Gesamtheit abdecken. kreatives Auftreten. Manchmal schuf er im selben Jahr Werke, die so gegensätzlich waren, dass es äußerst schwierig war, Gemeinsamkeiten zwischen ihnen zu erkennen (zum Beispiel die 5. und 6. Symphonie, die 1808 im selben Konzert uraufgeführt wurden). Wenn wir Werke vergleichen, die in verschiedenen Epochen entstanden sind, zum Beispiel in früh und reif oder reif und spät, dann werden sie manchmal als Schöpfungen verschiedener künstlerischer Epochen wahrgenommen.

Gleichzeitig ist Beethovens Musik bei aller Neuheit untrennbar mit ihrem Vorgänger verbunden. Deutsche Kultur. Es ist unbestreitbar von den philosophischen Texten J. S. Bachs, den feierlichen Heldenbildern von Händels Oratorien, Glucks Opern und den Werken von Haydn und Mozart beeinflusst. Auch die Musikkunst anderer Länder, vor allem Frankreichs, und ihre massenrevolutionären Genres, die weit vom galant-sensiblen Stil des 18. Jahrhunderts entfernt waren, trugen zur Entstehung von Beethovens Stil bei. Die typischen ornamentalen Verzierungen, Verzierungen und weichen Abschlüsse gehören der Vergangenheit an. Viele der Fanfaren-März-Themen in Beethovens Werken stehen den Liedern und Hymnen der Französischen Revolution nahe. Sie veranschaulichen anschaulich die strenge, edle Einfachheit der Musik des Komponisten, der gerne wiederholte: „Es ist immer einfacher.“

Die Musik der Zeit des Klassizismus wird üblicherweise als Entwicklung bezeichnet Europäische Musik im Zeitraum von etwa der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts bis zum ersten Viertel des 19. Jahrhunderts.

Das Konzept des Klassizismus in der Musik ist eng mit der Arbeit von Komponisten und Musikern wie Haydn, Mozart und Beethoven verbunden, die auch als Wiener Klassiker bezeichnet werden und die ihn prägten Weiterentwicklung Musik.

Der Begriff „Musik des Klassizismus“ selbst ist nicht identisch mit dem Begriff „klassische Musik“, der eine allgemeinere Bedeutung hat und Musik der Vergangenheit bezeichnet, die den Test der Zeit bestanden hat. Musikalische Werke der Epoche des Klassizismus spiegeln und verherrlichen die Handlungen und Handlungen eines Menschen, die Gefühle und Emotionen, die er erlebt, die größtenteils heroischer Natur sind (insbesondere in Beethovens Musik).

Wolfgang Amadeus Mozart

V.A. Mozart wurde 1756 in Salzburg geboren und studierte von früher Kindheit an Musik bei seinem Vater, der Kapellmeister der Kaiserkapelle in Salzburg war. Als der Junge sechs Jahre alt war, nahm sein Vater ihn und seine jüngere Schwester mit nach Wien, um in der Hauptstadt hochbegabte Kinder zu zeigen; Es folgten Konzerte in fast allen Ecken Europas.

Im Jahr 1779 trat Mozart als Hoforganist in Salzburg an. Nachdem er 1781 seine Heimatstadt verlassen hatte, talentierter Komponist zog schließlich nach Wien, wo er bis zu seinem Lebensende lebte. Die Jahre, die er in Wien verbrachte, wurden zu den fruchtbarsten auf seinem Schaffensweg: In der Zeit von 1782 bis 1786 komponierte der Komponist die meisten seiner Konzerte und Klavierwerke sowie dramatische Kompositionen. Als Innovator zeigte er sich bereits in seiner ersten Oper „Die Entführung aus dem Serail“, in der der Text erstmals auf Deutsch und nicht auf Italienisch (Italienisch ist die traditionelle Sprache in Opernlibretti) erklang. Es folgten „Die Hochzeit des Figaro“, erstmals aufgeführt im Burgtheater, dann „Don Giovanni“ und „Das tun alle Frauen“, die großen Erfolg hatten.

Mozarts Opern sind eine Erneuerung und Synthese bisheriger Formen und Gattungen. In der Oper räumt Mozart der Musik den Vorrang ein – dem Stimmprinzip, der Symphonie und dem Stimmenensemble.

Mozarts Genie manifestierte sich auch in anderen Musikgenres. Er verbesserte die Struktur der Symphonie, des Quintetts, des Quartetts und der Sonate und ist der Schöpfer der klassischen Form des Konzerts für Soloinstrument und Orchester. Seine alltägliche (unterhaltsame) Orchester- und Ensemblemusik ist elegant und originell – Divertissements, Serenaden, Kassationen, Nocturnes sowie Märsche und Tänze. Der Name Mozart ist zur Verkörperung kreativen Genies, höchster musikalischer Begabung, der Einheit von Schönheit und Schönheit geworden Wahrheit des Lebens.

Luwig van Beethoven

Ludwig van Beethoven ist ein berühmter deutscher Komponist, der zu Recht als einer von ihnen gilt größter Schöpfer aller Zeiten und Völker. Sein Werk gehört sowohl zur Epoche des Klassizismus als auch zur Epoche der Romantik. Tatsächlich lässt es sich durch solche Definitionen kaum einschränken: Beethovens Werke sind in erster Linie Ausdruck seines Genies.

Der zukünftige brillante Komponist wurde im Dezember 1770 in Bonn geboren. Das genaue Geburtsdatum Beethovens ist nicht bekannt; nur das Datum seiner Taufe ist bekannt – der 17. Dezember. Die Fähigkeiten des Jungen machten sich bereits im Alter von vier Jahren bemerkbar. Sein Vater sah darin sofort eine neue Einnahmequelle. Ein Lehrer löste den anderen ab, aber unter ihnen waren selten wirklich gute Musiker.

Das erste Konzert fand in Köln statt, wo Ludwig im Alter von 8 Jahren aus Werbegründen für sechs Jahre alt erklärt wurde. Doch die Leistung brachte nicht die erwarteten Einnahmen. Im Alter von 12 Jahren spielte er frei Cembalo, Orgel und Violine und konnte problemlos Noten von einem Blatt lesen. Dies ist das Jahr in meinem Leben junger Beethoven Es ereignet sich ein höchst bedeutsames Ereignis, das seine gesamte weitere Karriere und sein Leben maßgeblich beeinflusste: Christian Gottloba Nefe - neuer Direktor Hofkapelle in Bonn, wurde ein wahrer Lehrer und Mentor Ludwigs. Nefe konnte bei seinem Schüler das Interesse an den Werken von J. S. Bach, Mozart, Händel und Haydn wecken, und anhand der Beispiele und Lektionen der Tastenmusik von F. E. Bach versteht Beethoven erfolgreich die Feinheiten des modernen Klavierstils.

Im Laufe der Jahre harter Arbeit gelang es Beethoven, eine prominente Persönlichkeit in der Stadt zu werden. Musikgesellschaft. Jung talentierter Musiker träumt von der Anerkennung großer Musiker, von einem Studium bei Mozart. Der 17-jährige Ludwig überwindet allerlei Hindernisse und kommt nach Wien, um Mozart kennenzulernen. Es gelingt ihm, doch der damalige Maestro war völlig in die Entstehung der Oper „Don Giovanni“ vertieft und hörte dem Auftritt des jungen Musikers eher geistesabwesend zu, um am Ende nur bescheidenes Lob auszusprechen. Beethoven fragte den Maestro: „Geben Sie mir ein Thema zum Improvisieren.“ Damals war die Fähigkeit, über ein vorgegebenes Thema zu improvisieren, unter Pianisten weit verbreitet. Mozart spielte ihm zwei polyphone Expositionszeilen vor. Ludwig war nicht ratlos, meisterte die Aufgabe hervorragend und beeindruckte den berühmten Komponisten mit seinen Fähigkeiten.

Beethovens Werk ist durchdrungen von revolutionärem Heldentum, Pathos, erhabene Bilder und Ideen, voller echter Dramatik und größter emotionaler Stärke und Energie. „Durch Kampf – zum Sieg“ – ein solcher Grundgedanke mit überzeugender, alles erobernder Kraft ist durchdrungen von seiner Dritten („Heroischen“) und Fünften Symphonie. Die tragisch-optimistische Neunte Symphonie kann zu Recht als Beethovens künstlerisches Testament gelten. Der Kampf um die Freiheit, die Einheit der Menschen, der Glaube an den Sieg der Wahrheit über das Böse werden im lebensbejahenden, einladenden Finale – der Ode „An die Freude“ – ungewöhnlich ausdrucksstark und anschaulich eingefangen. Als wahrer Erneuerer, ein unbeugsamer Kämpfer verkörperte er mutig neue ideologische Konzepte in einer bemerkenswert einfachen, klaren Musik, die dem Selbstverständnis zugänglich ist. breites Spektrum Zuhörer. Epochen und Generationen ändern sich, und Beethovens einzigartige unsterbliche Musik erregt und erfreut weiterhin die Herzen der Menschen.