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Der Artikel untersucht das Problem der kulturgeschichtlichen Manifestation der Musikromantik Europa XIX Jahrhundert. Der Autor weist darauf hin, dass Musik beschäftigt ist spezieller Ort in der Ästhetik der Romantik, die in der Lage ist, die innere Welt und die Gefühle der Menschen zu vermitteln. Als einer der bedeutendsten Vertreter gilt das Werk des polnischen romantischen Komponisten Fryderyk Chopin, der den Nationalgeist des polnischen Volkes widerspiegeln wollte. Die Themen Freiheit, Liebe zum Vaterland und zu den Menschen standen für Chopin im Mittelpunkt. Forscher sehen in seiner Musik einen großen psychologischen Reichtum Spirituelle Welt Person. Das romantische Prinzip kam auch im Werk von Robert Schumann deutlich zum Ausdruck, einem deutschen Komponisten und Musikkritiker, der zu Recht als Vertreter der Ästhetik der Romantik gilt. Für die Texte seiner Werke wählte Schumann die Werke der besten romantischen Dichter seiner Zeit. Themen wie Einsamkeit, tragische Liebe Trauer und Ironie werden zum Ausdruck des romantischen Gefühlssystems. Auch ein Vertreter der Romantik war Französischer Komponist und Dirigent Hector Berlioz. Berlioz führte mutig Innovationen auf diesem Gebiet ein musikalische Form, Harmonie, tendenziell zur Theatralik symphonische Musik, zum grandiosen Ausmaß der Werke. Berlioz ging als Schöpfer der programmatischen symphonischen Romantik in die Musikgeschichte ein. Genau bei symphonisches Genre Berlioz enthüllt erstmals die komplexe und widersprüchliche Welt des romantischen Helden. Franz Liszt ist ein ungarischer Komponist, Pianist und Dirigent, dessen Werk die Ideen der Romantik widerspiegelt. Er trug zur Entstehung zahlreicher Musicals bei nationale Schulen. Sein kreatives Erbe ist enorm. So entstanden das Oratorium „Faust-Symphonie“, 13 symphonische Dichtungen, 19 Rhapsodien, Walzer, Etüden und etwa 70 weitere Musikwerke. Sein Spiel verband Virtuosität mit Poesie und Dramatik. So richtete sich die Liebe zur Natur, zum Menschen, die Bewunderung für ihn und dann ihre Vergöttlichung kreative Inspiration Künstler. Die Romantiker strebten danach, das Geistige zu begreifen; sie stellten Gefühl, feurige Vorstellungskraft und das freie Spiel der Fantasie der Vernunft gegenüber. Freiheit ist der Gott dieser Zeit, dank derer ein Mensch laut Romantikern über sich selbst und seine Umgebung hinauswachsen kann.

Inspiration

Symphonie

Franz Liszt

Hector Berlioz

Robert Schumann

Frederick Chopin

Romantik

1.Grinenko G.V. Reader zur Geschichte der Weltkultur: Lehrbuch. - M.: Hochschulbildung, 2005. 940 S.

2.Kulturologie. Geschichte der Weltkultur. Leser: Lehrbuch. Handbuch für Universitätsstudenten. – M.: UNITY – DANA, 2008.607p.

3. Rubinshtein A.G. Literarisches Erbe: In 3 Bänden. – M.: Musik, 1986.222p.

4. Sadokhin A.P. Welt Kunstkultur: Lehrbuch für Universitätsstudenten. – M.: UNITY – DANA, 2006.495p.

5. Shevchuk M. A. Romantik in Kultur und russischer Musik des Ersten Weltkriegs Hälfte des 19. Jahrhunderts Jahrhundert. – St. Petersburg: Info-da, 2003, 356 S.

Der Artikel untersucht das Problem der Manifestation der musikalischen Romantik in der Kulturgeschichte Europas im 19. Jahrhundert. Der Autor weist darauf hin, dass Musik einen besonderen Platz in der Ästhetik der Romantik einnimmt, die in der Lage ist, die innere Welt und die Gefühle der Menschen zu vermitteln. Als einer der herausragendsten Vertreter gilt das Werk des polnischen romantischen Komponisten Fryderyk Chopin, der den Nationalgeist des polnischen Volkes widerspiegeln wollte. Die Themen Freiheit, Liebe zum Vaterland und zu den Menschen standen für Chopin im Mittelpunkt. Forscher sehen in seiner Musik den enormen psychologischen Reichtum der menschlichen Geisteswelt. Das romantische Prinzip kam auch im Werk von Robert Schumann deutlich zum Ausdruck, einem deutschen Komponisten und Musikkritiker, der zu Recht als Vertreter der Ästhetik der Romantik gilt. Für die Texte seiner Werke wählte Schumann die Werke der besten romantischen Dichter seiner Zeit. Themen wie Einsamkeit, tragische Liebe, Trauer und Ironie werden zum Ausdruck des romantischen Gefühlssystems. Auch der französische Komponist und Dirigent Hector Berlioz war ein Vertreter der Romantik. Berlioz führte mutig Innovationen im Bereich der musikalischen Form und Harmonie ein und tendierte zur Theatralisierung symphonischer Musik und zum grandiosen Umfang seiner Kompositionen. Berlioz ging als Schöpfer der programmatischen symphonischen Romantik in die Musikgeschichte ein. Im symphonischen Genre offenbart Berlioz erstmals die komplexe und widersprüchliche Welt des romantischen Helden. Franz Liszt ist ein ungarischer Komponist, Pianist und Dirigent, dessen Werk die Ideen der Romantik widerspiegelt. Er trug zur Gründung vieler nationaler Musikschulen bei. Sein kreatives Erbe ist enorm. So entstanden das Oratorium „Faust-Symphonie“, 13 symphonische Dichtungen, 19 Rhapsodien, Walzer, Etüden und etwa 70 weitere Musikwerke. Sein Spiel verband Virtuosität mit Poesie und Dramatik. So leiteten die Liebe zur Natur und zum Menschen, die Bewunderung für ihn und dann ihre Vergöttlichung die kreative Inspiration des Künstlers. Die Romantiker strebten danach, das Geistige zu begreifen; sie stellten Gefühl, feurige Vorstellungskraft und das freie Spiel der Fantasie der Vernunft gegenüber. Freiheit ist der Gott dieser Zeit, dank derer ein Mensch laut Romantikern über sich selbst und seine Umgebung hinauswachsen kann.

Stichworte: Romantik, Musik, Fryderyk Chopin, Robert Schumann, Hector Berlioz, Franz Liszt, Sonate, Symphonie, Inspiration.

Unter „Romantik“ (übersetzt aus dem Französischen „romantisme“) versteht man üblicherweise das ideologische und künstlerische Leitung in der europäischen spirituellen Kultur des späten 18. – ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, die den Klassizismus ablöste. Eine Aufwertung gesellschaftlicher Werte und Enttäuschung über die Ideale der Vergangenheit sind charakteristisch für das Weltbild der Romantik, das sich dem Schicksal des Menschen in einer sich verändernden Welt zuwendete. Die Hauptmerkmale der Romantik: betonte Aufmerksamkeit für die menschliche Persönlichkeit, Individualität, innere Welt Person; die Darstellung eines außergewöhnlichen Charakters unter außergewöhnlichen Umständen, einer starken, rebellischen Persönlichkeit, freigeistig, unvereinbar mit der Welt, meist ein Einzelgänger, der von den meisten anderen Menschen nicht verstanden wird; Kult der Gefühle, der Natur und des natürlichen Zustands des Menschen; Leugnung des Rationalismus, des Kults der Vernunft und der Ordnung; die Existenz von „zwei Welten“: der Welt des Ideals, der Träume und der Welt der Realität, zwischen denen eine irreparable Diskrepanz besteht, die romantische Künstler in eine Stimmung der Verzweiflung und Hoffnungslosigkeit, „Welttrauer“ führt; appellieren an Volksgeschichten, Folklore; Interesse an der historischen Vergangenheit, Suche nach historischem Bewusstsein.

Die Romantik als kulturelles Phänomen zeichnete sich durch eine außergewöhnliche Vielseitigkeit aus, die sich in Form einer besonderen Strömung in Malerei, Literatur, Musik und Theater manifestierte. Wenn in der Literatur und Malerei die romantische Bewegung ihre Entwicklung im Wesentlichen abschließt Mitte des 19. Jahrhunderts Jahrhundert, dann existierte die Romantik in der Musik länger. In der Ästhetik der Romantik nahm die Musik einen besonderen Platz ein. Die Romantiker lehnten den Kult der Vernunft ab und versuchten, Gefühle zu beeinflussen, und dies gelingt am besten durch Musik. Ohne irgendeine andere Form zu imitieren, ist Musik besser als jede andere Kunstform in der Lage, Verlangen, Stimmung, Gefühlsverwirrung, emotionale Erfahrungen und die spirituelle Welt eines Menschen auszudrücken. Die rasante konflikthafte Entwicklung der Gesellschaft, die wachsende Dramatik sowie die subtile Lyrik persönlicher Gefühle fanden ihren Ausdruck in verschiedenen menschlichen Musikgenres. Das Hauptproblem der musikalisch-romantischen Kunst ist das Problem der Persönlichkeit, ihr Konflikt mit der Außenwelt. In der Musikkultur der Romantik tritt das Lied als eine Gattung in den Vordergrund, die besser als andere geeignet war, die innersten Gedanken des Künstlers auszudrücken. Dementsprechend unterliegt das gesamte System Änderungen Musikgenres: Das Lied wird von nun an der Oper, der Symphonie und der Sonate untergeordnet, die weiterhin existieren, jedoch mit Intonationsinhalten. Der intime und vertrauliche Ton der Aussage verändert diese Genres und sie werden kleiner. Die Intonationsseite der romantischen Musik wurde im Allgemeinen von poetischen Silben beeinflusst. Daher verdanken viele im 19. Jahrhundert entstandene Musikgattungen ihren Ursprung der Poesie und ihren poetischen Formen, zum Beispiel Sonette, Lieder ohne Worte, Nocturnes, Balladen. Große Namen der europäischen Musikkultur des 19. Jahrhunderts: Robert Schumann und Richard Wagner, Hector Berlioz, Franz Liszt, Fryderyk Chopin, Franz Schubert.

Das Werk des polnischen romantischen Komponisten Fryderyk Chopin ist mit den Traditionen des polnischen Volkes verbunden, mit dem Wunsch, den Nationalgeist des polnischen Volkes widerzuspiegeln. Die Themen Freiheit, Liebe zum Vaterland und zu den Menschen standen für Chopin im Mittelpunkt. Das Bild des Vaterlandes dominiert in den Werken des Komponisten, was im Klang seiner Mazurkas und Polonaisen zu hören ist. Der Komponist verwendet Rhythmus- und Bewegungsmuster Volkstänze ziemlich komplexe Gefühle zu vermitteln und anders zu schaffen Musikalische Bilder. Chopin schuf neue Genres Klaviermusik: Nocturnes, Fantasien, Präludien, Impromptu sowie romantische musikalische Miniaturen. Sie vermitteln die Feinheit und Tiefe der Gefühle, die melodische Schönheit, die lebendige Bildsprache der Musik, die Virtuosität und die Seelenfülle, die Chopins schauspielerischen Fähigkeiten innewohnen. Der polnische Komponist schrieb 2 Konzerte, 3 Sonaten, 4 Balladen, Scherzos, eine Reihe von Impromptuwerken, Nocturnes, Etüden und Lieder. F. Chopin schuf im Gegensatz zu anderen Komponisten ausschließlich Werke für Klavier. Forscher sehen in seiner Musik den enormen psychologischen Reichtum der menschlichen Geisteswelt. „Tragödie, Romantik, Lyrik, heroisch, dramatisch, fantastisch, aufrichtig, herzlich, verträumt, brillant, majestätisch, Einfachheit – im Allgemeinen finden sich in seinen Schriften alle möglichen Ausdrucksformen ...“ Das romantische Prinzip kam auch im Werk von Robert Schumann deutlich zum Ausdruck, einem deutschen Komponisten und Musikkritiker, der zu Recht als Vertreter der Ästhetik der Romantik gilt. Robert Schumann ist der Schöpfer von Klavierzyklen (Schmetterlinge, Karneval, Fantastische Stücke, Kreisleriana), lyrisch-dramatischen Gesangszyklen, der Oper Genovena, dem Oratorium Paradise und Peri sowie vielen anderen Werken. Der auf Heines Gedichten basierende Zyklus „Die Liebe des Dichters“ ist eine Verschmelzung von Musik und Poesie; er spiegelt die poetischen Bilder wider, die der große Dichter geschaffen hat romantische Ironie Schumanns Werke zeichnen sich durch romantischen Durchbruch und Leidenschaft aus. Für die Texte seiner Werke wählte Schumann die Werke der besten romantischen Dichter seiner Zeit. Themen wie Einsamkeit, tragische Liebe, Trauer und Ironie werden zum Ausdruck des romantischen Gefühlssystems. Die Ideen der Romantik in der Musik lassen sich auch in den Werken berühmter Persönlichkeiten nachweisen Österreichischer Komponist Franz Schubert, Schöpfer romantischer Lieder, Balladen, Klavierminiaturen und Sinfonien, zeichnet sich durch die Tiefe der Verkörperung von Gefühlen aus. Die Musik des Komponisten zeichnet sich durch einen Reichtum an Melodien, lebendige Bilder und fast sichtbare musikalische Bilder aus. Sein Erbe zeichnet sich durch eine große Vielfalt unterschiedlicher musikalischer Formen aus. Schuberts Lieder sind Meisterwerke musikalischer Miniatur mit lyrischem und psychologischem Inhalt („Ave Maria“, „Serenade“, „Der Waldkönig“). Schubert schuf etwa 600 Lieder nach Gedichten von I.V. Goethe, F. Schiller, G. Heine, W. Scott und Shakespeare, die sich durch die Subtilität auszeichnen, den schwer fassbaren Gefühlswandel eines einsamen, leidenden Menschen zu vermitteln. „Songness“ ist auch in seinen symphonischen Werken zu hören, insbesondere in der „Unvollendeten Symphonie“, deren Besonderheit in der Neuheit der Struktur (sie besteht aus zwei statt vier Teilen), der Aufrichtigkeit, dem Vertrauen und dem Kontrast der musikalischen Bilder besteht.

Ein Vertreter der Romantik war auch der französische Komponist und Dirigent Hector Berlioz, der sie besitzt Musikalische Werke„Fantastische Symphonie“, „Requiem“, „Trauer- und Triumphsymphonie“, Opernduologie „Die Trojaner“. Berlioz führte mutig Innovationen im Bereich der musikalischen Form und Harmonie ein und tendierte zur Theatralisierung symphonischer Musik und zum grandiosen Umfang seiner Kompositionen. So übte er auf den Straßen von Paris mit dem Volk revolutionäre Lieder ein, insbesondere „La Marseillaise“, die er für Chor und Orchester arrangierte. Berlioz ging als Schöpfer der programmatischen symphonischen Romantik in die Musikgeschichte ein. Im symphonischen Genre offenbart Berlioz erstmals die komplexe und widersprüchliche Welt des romantischen Helden. Franz Liszt ist ein ungarischer Komponist, Pianist und Dirigent, dessen Werk die Ideen der Romantik widerspiegelt. Er trug zur Gründung vieler nationaler Musikschulen bei. Sein kreatives Erbe ist enorm. So entstanden das Oratorium „Faust-Symphonie“, 13 symphonische Dichtungen, 19 Rhapsodien, Walzer, Etüden und etwa 70 weitere Musikwerke. Sein Spiel verband Virtuosität mit Poesie und Dramatik. Liszt verlieh dem Klavier einen Orchesterklang und verwandelte es von einem Salon- und Kammerinstrument in ein Instrument für ein Massenpublikum. Einer der Zeitgenossen des Komponisten beschreibt Liszts Auftritt bei einem der Konzerte wie folgt: „Die Art seines Spiels war hektisch, sehr schnell, doch durch die Flut düsterer Inspiration blitzten von Zeit zu Zeit geniale Blitze auf ... sie.“ könnte mit goldenen Sternen verglichen werden, die ständig aus dem monströsen Feuer der Leidenschaft hervorbrechen. Die romantische Richtung ist in den Werken des deutschen Komponisten, Dirigenten und Reformators der Opernkunst Richard Wagner vertreten. Er ist der Autor Opernlibretti, Drama, Musical - theoretische Arbeiten, Forschungen zur Kunstgeschichte, Artikel zu Politik und Philosophie. Seine Opern wie „Rienzi“, „Tannhäuser“, „ Fliegender Holländer“, „Tristan und Isolde“ und andere Musikwerke. Spengler O. schreibt über Wagner: „Die Farben der sternenklaren Mitternacht, sich ausdehnende Wolken, Herbst, furchtbar trübe Morgendämmerung, unerwartete Ausblicke in sonnenbeschienene Fernen, Weltangst, die Nähe des Schicksals, Schüchternheit, Windböen der Verzweiflung, plötzliche Hoffnungen, Eindrücke, die keines.“ was die früheren Musiker für nicht erreichbar hielten – das alles malt er mit vollkommener Klarheit in mehreren Tönen eines Motivs.“

Die Besonderheit der Musiker der Vergangenheit bestand darin, dass sie im Wesen der spirituellen Grundlagen der Musik ihre Zukunft sahen. R. Wagner, der die Kunst der Zukunft als synthetisch, als Mysterium darstellte, betrachtete die Natur der Musik als einen Weg vom Unbewussten zum Bewusstsein. Er sah diesen Prozess als Lebensweg ein Künstler – ein Schöpfer, der die Welt widerspiegelt. Dieser Trend setzte sich in der Romantik fort, die prägte spirituelles Bild « zentrale Person Welt", die ideale Persönlichkeit eines Schöpfers, eines Genies.

Die Liebe zur Natur, zum Menschen, die Bewunderung für ihn und dann ihre Vergöttlichung leiteten die kreative Inspiration des Künstlers. Die Romantiker strebten danach, das Geistige zu begreifen; sie stellten Gefühl, feurige Vorstellungskraft und das freie Spiel der Fantasie der Vernunft gegenüber. Freiheit ist der Gott dieser Zeit, dank derer ein Mensch laut Romantikern über sich selbst und seine Umgebung hinauswachsen kann. Beachten Sie, dass Komponisten der Romantik der Stolz sowohl der europäischen als auch der Weltkultur sind.

Bibliografischer Link

Magafurova L.S. MUSIKALISCHER ROMANTISMUS IN DER GESCHICHTE DER EUROPÄISCHEN KULTUR IM 19. JAHRHUNDERT // International Student Scientific Bulletin. – 2017. – Nr. 5.;
URL: http://eduherald.ru/ru/article/view?id=17355 (Zugriffsdatum: 24. November 2019). Wir machen Sie auf Zeitschriften des Verlags „Academy of Natural Sciences“ aufmerksam.

Aufsatz Von akademische Disziplin„Kulturologie“

zum Thema: „Romantik in der Musik“.

Planen

1. Einleitung.

2. Charakteristische Merkmale der Epoche der Romantik in der Musik.

3. Geographie der romantischen Musik.

5. Schlussfolgerung.

6. Referenzliste.

1. Einleitung.

Romantik ist eine neue künstlerische während des XIX Jahrhundert. Es löste den Klassizismus ab und seine Zeichen tauchten bereits Ende des 18. Jahrhunderts auf. Der Geburtsort der Romantik ist Deutschland, aber sie verbreitete sich schnell und drang in andere europäische Länder sowie nach Russland und Amerika vor. Der Begriff „Romantik“ selbst taucht erstmals in der Literatur auf, dank der Arbeit des deutschen Schriftstellers Novalis (1772 – 1801). Es wurde von E.T. in die Musik eingeführt. A. Hoffmann (1776 - 1882). Die Romantik entwickelte sich im Kampf und zugleich in enger Wechselwirkung mit ihren Vorgängern – dem Klassizismus und dem Sentimentalismus. Es war in den Tiefen dieser literarischen Strömungen, in denen es seinen Ursprung hatte. Klassische Schriftsteller waren davon überzeugt, dass nur diejenigen, die es klar verstehen, die in der Lage sind, ihre Leidenschaften – persönliche Interessen und Bestrebungen – zu zügeln, ihre bürgerliche Pflicht erfüllen können. Sie glaubten jedoch, dass dies nur das Los einiger weniger „edler“ Menschen sei, hauptsächlich Adliger. Sie mussten bereit sein, ihrem Vaterland selbstlos und aufopferungsvoll zu dienen. Bürgerpflicht besteht ihrer Meinung nach in erster Linie aus edler Ehre und Tugend.

Die Romantiker versuchten, alles um sie herum, alle Lebensphänomene zu romantisieren. Sie übernahmen einige Prinzipien aus der vorherigen Epoche des Klassizismus, aber das eigentliche Wesen der Romantik ist ein Protest gegen die Prinzipien der Aufklärung, eine Enttäuschung über sie. Vertreter der Romantik konnten den Kult der Vernunft, des Rationalismus, der Logik und der Praktikabilität nicht akzeptieren. Für sie waren die Seele und Individualität eines Menschen, seine Gefühle wichtig.

Die Originalität der Romantik liegt auch darin, dass sie keine klare Einteilung der Kunst in Gattungen und Gattungen anstrebte. Sie waren von der Idee eines Gesamtkunstwerkes beeindruckt und setzten es erfolgreich um. Die Romantik gehört zu einer der interessantesten und fruchtbarsten Kulturepochen.

2. Charakteristische Merkmale der Epoche der Romantik in der Musik.

Die Romantik beherrschte die Musikkultur mehr als hundert Jahre lang (1800 – 1910). In dieser Kunst erwies er sich als langlebig, während er in der Literatur und Malerei nur fünfzig Jahre durchhalten konnte. Von einem Unfall kann man das nicht sprechen. Im Verständnis der Romantiker ist Musik die spirituellste Kunst und besitzt die größte Freiheit. Einer von Haupteigenschaften Musik der Romantik sollte als ihre Synthese mit anderen Kunstformen bezeichnet werden. Darüber hinaus waren die Romantiker keine Anhänger einer strengen und klaren Genreeinteilung.

Auch die ästhetischen Kategorien waren gemischt. Die Tragödie konnte problemlos mit der Komödie koexistieren; das Hässliche mit dem Schönen; das Alltägliche mit dem Erhabenen. Solche Kontraste wirkten weder wenig überzeugend noch unnatürlich. Chef künstlerisches Mittel- romantische Ironie - ermöglichte es, das Unvereinbare zu verbinden. Dank ihr entstand ein besonderes Weltbild, das der Romantik innewohnt.

Trotz der Tendenz, Genres zu vermischen, hatten viele von ihnen natürlich das Recht auf eigenständige Existenz und konnten sich in dieser Zeit erheblich weiterentwickeln; Es entstanden auch spezifische Genres. Erstens ist dies ein romantisches Genre Musikalisches Gedicht und Balladen ( der hellste Vertreter- F. Schubert); Lieder; Klavierminiaturen.

Besonders hervorzuheben ist die Klavierminiatur. Es sollte ein Bild vermitteln, das den Autor beeindruckte, oder seine Stimmung. Eine Klavierminiatur könnte eine Genreangabe haben: Walzer, Lied, Lied ohne Worte, Mazurka, Nocturne. Komponisten wandten sich oft an Programmmusik, fassten ihre Werke zu Zyklen zusammen.

Charakteristisch für die Epoche der Romantik ist der berühmte Klavierzyklus von R. Schumann „Karneval“, der den freien Charakter der Ästhetik der Romantik widerspiegelt. „Karneval“ enthält einundzwanzig Nummern. Dies sind Skizzen, die sich gegenseitig ersetzen, sich in Stimmung, Bildern und Porträts unterscheiden, aber viele von ihnen sind durch eine einzige Handlung verbunden. Der Komponist malt einen imaginären Feiertag, zu dem maskierte Gäste eingeladen sind. Darunter sind die üblichen Karnevalsfiguren – der schüchterne Pierrot, der schelmische Harlekin, Columbine und Pantalone, die sich gegenseitig anmurren (alles wird hervorragend vermittelt). Musikalische Mittel).

„Carnival“ steckt voller einem sehr originellen Konzept. Der Komponist selbst nannte seinen Zyklus „Miniaturszenen auf 4 Noten“, da die gesamte Melodie darauf aufbaut. Der Komponist nahm vier Noten in verschiedenen Reihenfolgen und Kombinationen auf und bildete so den Anschein eines jedem Stück zugrunde liegenden Themas.

Aus kompositorischer Sicht zeugt Carnival von höchstem kompositorischen Können. Alle Lieder des Zyklus zeichnen sich durch perfekte Verarbeitung, Brillanz und Virtuosität aus. Im Allgemeinen ist der gesamte Zyklus ein Beispiel für harmonische Kombination und Integrität.

Wenn wir ausführlicher über Programmmusik sprechen, können wir hier ein Merkmal wie die Verbindung mit anderen Genres hervorheben: Literatur, Malerei. Die Form des Aufsatzes wird von der Handlung abhängig. In diesem Zusammenhang entstehen symphonische Dichtungen, einsätzige Konzerte und Sonaten; Symphonien mit mehreren Sätzen. So entwickelte sich im Zeitalter der Romantik auch die Kammermusik. Vokalmusik, und Kammerinstrumental.

Auch die Oper wurde in dieser Zeit zu etwas Besonderem. Sie beginnt, sich dem Symphonismus zuzuwenden; zwischen Text und Musik besteht ein enger und berechtigter Zusammenhang; Das Bühnengeschehen hatte bei ihnen den gleichen Stellenwert.

Romantiker hatten Lieblingsthemen. Die Handlungsstränge basierten meist auf dem Thema Einsamkeit und Liebe, denn im Zentrum der Ästhetik der Romantik stand ein stolzer und einsamer Mensch, in dessen Seele starke Leidenschaften tobten. Romantischer Held war schon immer ein Gegner der Gesellschaft, der ganzen Welt. Daher ist es ganz logisch, dass sich die Autoren in der Zeit der Romantik Themen zuwandten, die dem Bild eines solchen Helden nahe kamen: dem Thema Tod, dem Thema Straße und Wanderungen, dem Thema Natur. IN romantische Werke Viel Raum wurde den Elementen der Fantasie gewidmet, die in die langweilige materielle Welt eindringen.

Komponisten der Romantik hatten ihre eigene Musiksprache. Sie legten großen Wert auf die Melodie und betonten die Bedeutung des Wortes. künstlerischer Ausdruck(Die letzte Bemerkung gilt auch für die Begleitung).

Die Harmonie wurde spürbar verändert und bereichert. Durch Harmonie wurden Leidenschaften, Trägheit, Stimmungskontraste, Spannung und der fantastische Beginn der Werke vermittelt. Daher sind Melodie, Textur und Harmonie gleich wichtig.

Die Musik der Romantik kann also in ihren Grundzügen als Gesamtkunstwerk und Genre bezeichnet werden; besondere Ausdruckskraft und enge Beziehung zwischen Melodie, Begleitung und Harmonie; Kontrast; fantastisch; gesteigerte Emotionalität und Ausdruck.

3. Geographie der romantischen Musik.

Die Romantik erstreckte sich über ein ziemlich weites Gebiet: von Europa und Russland bis nach Amerika, und überall wurde ihre Entwicklung gezielt durchgeführt. In Europa wies die Musikkunst dieser Zeit in einigen Ländern sowohl kulturelle Gemeinsamkeiten als auch Unterschiede auf. Beispielsweise entwickelte sich die Musik Österreichs und Deutschlands in etwa in die gleiche Richtung. Die musikalische Romantik dieser Länder wurde von der Wiener Musikschule beeinflusst, die ihre Literatur kraftvoll zur Geltung brachte. brachte sie näher und Gemeinsame Sprache. Die deutsch-österreichische Romantik zeichnete sich nicht nur durch avancierte Werke verschiedener Genres, sondern auch durch aktive Aufklärung aus. Das bestimmende Merkmal der deutschen und österreichischen Romantik ist die Liedhaftigkeit.

Die Romantik in Polen ist eine Kombination aus Gesang und Instrumentalität – charakteristisch Polnische Volksmusik. So finden sich in den Intonationen von F. Chopin Anklänge an episches Genre Polnische Volksmusik – Polnische Duma. Dieses Genre ist Reifezeit Seine Entwicklung ist durch einen langsamen epischen Refrain gekennzeichnet, der oft einen traurigen Farbton hat. Und darauffolgende dramatisch intensive Episoden, die sich mit der Rückkehr der Melodie des ersten Refrains abwechseln. Es besteht kein Zweifel, dass es die westslawischen Dumas waren, die als Vorbild für Chopins Balladen und ähnliche Werke dienten. Darin liegt die Grundlage der polnischen Romantik Volkskunst.

Die italienische Romantik ist eine beispiellose Blüte der Opernkunst; Bel Canto-Start. Damit wurde die italienische Oper weltweit zum Vorreiter in dieser Richtung. Auch in Frankreich erlangt die Oper eine der führenden Bedeutungen. Großes Verdienst dafür gebührt G. Berlioz (1803 - 1869), dem Schöpfer solcher Werke interessantes Phänomen, Wie komische Oper, was direkt die nationalen Besonderheiten dieses Landes widerspiegelte.

In Russland entwickelte sich die Romantik unter dem Einfluss der Ideen der Dekabristen, der Großen Französischen Revolution und des Napoleonischen Krieges von 1812, das heißt, sie wurde mit globalen gesellschaftlichen Ereignissen in Verbindung gebracht. Die Prinzipien der Staatsbürgerschaft und des Dienstes am Vaterland wurden auf die Musikkunst übertragen, in der die Idee von Nationalbewusstsein. So vereinte die musikalische Romantik aller Länder gemeinsame Merkmale: den Wunsch nach hoher Spiritualität, Träume von Schönheit und eine Widerspiegelung der sinnlichen Sphäre des Menschen.

4. Große Komponisten und Musiker der Romantik.

Die Romantik bescherte der Musikkultur viele großartige Komponisten: F. Liszt (1811 – 1886, Ungarn), R. Schumann (1810 – 1856, Deutschland), F. Schubert (1797 – 1828, Österreich), K. Weber (1786 – 1826, Deutschland). ), R. Wagner (1813 - 1883, Deutschland), J. Bizet (1838 - 1875, Frankreich), N. Paganini (1782 - 1840, Italien), E. Grieg (1843 - 1907, Norwegen), G. Verdi ( 1813 - 1901, Italien), F. Chopin (1810 - 1849), L. van Beethoven ( letzte Stufe Kreativität, Deutschland) usw. Lassen Sie uns kurz die Kreativität einiger von ihnen charakterisieren.

Franz Liszt, wie W.A. Mozart war ein junger Virtuose und brachte Europa schon früh dazu, über sich selbst zu sprechen, indem er als Pianist vor der Öffentlichkeit auftrat. Seine Begabung als Komponist zeigte sich ebenso früh. Anschließend kombinierte F. Liszt Tournee- und Kompositionsaktivitäten. Er fertigte auch Transkriptionen symphonischer Musik für Klavier an und kann zu Recht als großer Pädagoge bezeichnet werden.

Die Originalwerke von F. Liszt zeichnen sich durch Virtuosität und Tiefe, Ausdruck und Raserei aus. Dies sind seine berühmten zyklischen Werke: „Jahre der Wanderungen“, „Etüden der transzendentalen Darbietung“, „Große Etüden nach Paganinis Capricen“, „Ungarische Rhapsodien“. F. Liszt leistete einen großen Beitrag zur Popularisierung und Entwicklung der ungarischen Musikkultur.

Franz Schubert gilt als erster Komponist der Romantik, der zu den großen Komponisten zählt. Seine Musik ist rein, fröhlich, poetisch und gleichzeitig traurig, kalt und verzweifelt. Wie für Romantiker typisch ist die Musik von F. Schubert kontrastreich, besticht aber durch ihre Freiheit und Leichtigkeit, die Schönheit der Melodien.

F. Schubert hat eine Vielzahl von Liedern geschrieben, die wahre Meisterwerke sind. Dies gilt insbesondere für Werke, die zu Gedichten von V.I. geschrieben wurden. Goethe („Der Waldkönig“, „Gretchen am Spinnrad“) und viele andere.

Der Komponist arbeitete auch in anderen Genres: Opern, Kammergesangs- und Instrumentalwerke. Und doch ist der Name F. Schubert vor allem mit seinen Liedern und verschiedenen Zyklen verbunden: „Die schöne Müllersfrau“, „Winterreise“, „Schwanengesang“.

Der französische Komponist Georges Bizet ging als Autor der unübertroffenen Oper „Carmen“ in die Geschichte der Weltkultur ein. Bereits im Alter von zehn Jahren wurde er Student am Pariser Konservatorium. Zu Beginn seiner kreativen Karriere versuchte sich der junge Komponist verschiedene Genres, aber seine wahre Leidenschaft war die Oper. Neben „Carmen“ schrieb er Opern wie „Die Perlenfischer“, „Die Schöne von Perth“ und „Jamile“. Hervorzuheben ist auch die Musik, die er für A. Daudets gleichnamiges Drama „Der Arlesianer“ schrieb. J. Bizet gilt zu Recht als herausragender Komponist Frankreichs.

Edvard Grieg ist der Beste berühmter Komponist Norwegen, eines der Symbole dieses Landes. Seine Musik ist ein unverwechselbares und originelles Phänomen, das die einzigartige Individualität des kreativen Denkens dieses Komponisten demonstriert. Werke von E. Grieg, darunter „ Klavierkonzert„, Romanzen, „Lyrische Stücke“, „Zweite Violinsonate“ und natürlich „Peer Gynt“ – die Musik zu G. Ibsens Stück – wurden nicht nur Eigentum der norwegischen, sondern auch der Weltmusik.

Eine der Verkörperungen der Romantik ist der italienische Geiger und Komponist Niccolo Paganini. Am meisten genaue Definitionen Seine Kunst ist Helligkeit, Brillanz, Wut, Rebellion. Er schrieb virtuose und leidenschaftliche Werke, die noch heute im Repertoire berühmter Geiger präsent sind. Die Rede ist vom Ersten und Zweiten Violinkonzert, „24 Capricci“, „Karneval von Venedig“ und „Perpetual Motion“. Darüber hinaus war N. Paganini ein ausgezeichneter Improvisator und fertigte Arrangements und Variationen von Opernfragmenten für Solovioline an. Er war eine Inspiration für viele Persönlichkeiten der Romantik.

Wenn man über die Musik des herausragenden polnischen Komponisten Fryderyk Chopin (1810 - 1849) spricht, muss man zunächst sagen, dass es sich hierbei um die „Seele des polnischen Volkes“ handelt, die in Chopins Kunst vielfältigen Ausdruck fand. Seine Musik enthält Seiten epischer Größe und heroischen Aufstiegs. In den tragischen Episoden von Chopins Musik kann man die Trauer eines mutigen Herzens hören. Chopins Kunst ist eine zutiefst volkstümliche Kunst eines patriotischen Künstlers, eines humanistischen Künstlers, inspiriert von den fortschrittlichen Idealen der Zeit, in der er leben und schaffen musste.

Chopins Karriere als Komponist begann mit der Komposition polnischer Alltagstänze (Mazurka, Polonaise, Walzer). Er wandte sich auch Nocturnes zu. Revolutionär für Klaviermusik entpuppten sich als seine „Ballade in g-Moll“, „Scherzo in h-Moll“ und „Etüde in c-Moll“. Die Etüden und Präludien von F. Chopin (zusammen mit den Etüden von F. Liszt) stellen den Höhepunkt der Klaviertechnik der Romantik dar.

Die Romantik hat auf russischem Boden sehr gut Fuß gefasst. Die neue Weltanschauung fand eine Resonanz in den Köpfen und Seelen der Intelligenz. Sein Konzept des Widerstands gegen das Böse, das die ganze Welt verschlungen hat, erwies sich als sehr nah an der russischen Kunst und Literatur.

Eine der Erscheinungsformen der Romantik war die russische romantische Prosa. Es entstand in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts und entwickelte sich zu einem einzigartigen Phänomen. Präsentiert nicht nur die Namen großer russischer Schriftsteller, sondern auch zweitrangiger Autoren. Einige Werke dieser Autoren zeigen deutlich einen Hang zur Fantasie, eine ungewöhnliche und surreale Atmosphäre, eine magische Wendung der Handlung und seltsame Charaktere. In diesen Werken ist Hoffmanns Spur spürbar, jedoch gebrochen durch die russische Realität. Wie in Deutschland war die russische Musik dieser Zeit eng mit der Literatur verbunden. Dies lässt sich am Beispiel der Arbeit von V.F. sehen. Odoevsky (1804 - 1869), der in beiden Bereichen Erfolg hatte.

Im Allgemeinen brachte die Romantik eine Galaxie herausragender Komponisten hervor. Das sind P. I. Tschaikowsky (1840 - 1893), A. A. Alyabyev (1787 - 1851), A. P. Borodin (1833 - 1887), M. I. Glinka (1804 - 1857), A. S. Dargomyzhsky (1813 - 1869), M.P. Mussorgsky (1839 - 1881), M. A. Balakirev (1837 - 1910), N. A. Rimsky-Korsakov (1844 - 1908), A. N. Skrjabin (1872 - 1915), Ts.A. 

Cui (1835 - 1915), S.V.  Rachmaninow (1873 - 1943). Natürlich waren die meisten der aufgeführten Komponisten nur Romantiker. Sie leisteten einen großen Beitrag zur Entwicklung des Realismus in der russischen Kultur, bestimmte Perioden ihres Schaffens fielen jedoch auf die Bühne der Romantik.. Der Vertreter der russischen Idee in der Musik war M.I. Glinka. Sein Auftritt in der russischen Musikkultur zwang sie, einen anderen Weg einzuschlagen. In seinem Werk gelang es ihm, Europäisches und Russisches zu vereinen nationale Traditionen

Romantik Kreativität M.I. Glinkas sind wunderschöne Liebesromane voller Harmonie, Lyrik und Leidenschaft, perfekt in Form und Inhalt. Neben den Aktivitäten der Komponisten spielten in dieser Zeit auch eine große Rolle kreative Assoziationen. Im Allgemeinen war dies eine Zeit großer und bedeutender Veränderungen für Russland, auch im Musikleben. Es gibt eine Entwicklung von Wissenschaft und Literatur, die mit sich bringt

Russische Kunst

. Ihre besten Vertreter beginnen, die große gesellschaftliche Kraft der Kunst zu erkennen. Die Trends der Zeit erfassen also auch die Musik, der Einfluss der Literatur auf sie nimmt zu und damit auch ihre Wechselwirkung. Der Umfang seiner Beziehungen zu anderen Kunstformen erweitert sich, es entstehen verschiedene Musikgemeinschaften: Dargomyzhskys Kreis, Rubinsteins Kreis, Belyaevs Kreis und schließlich Balakirevs Musikgemeinschaft, die „Mächtige Handvoll“ genannt wird. Der Ausdruck „The Mighty Handful“ wurde vom Kritiker V.V. geprägt. Stasov (1824 - 1906). Dieser Oxymoron-Ausdruck wurde später populär und sowohl in respektvollen als auch in ironischen Kontexten wiederholt, wobei er sich auf die Musiker um M.A. bezog. Balakirewa. Sie glaubten zu Recht, dass dies nur erreicht werden könne, wenn der Komponist sich den Ursprüngen des Volksliedes zuwandte. Wer nur mit Salonkompositionen aufgewachsen ist, auch mit den besten, wird nichts Wertvolles schaffen können. Bisher glaubten die Mitglieder des Balakirev-Kreises, dass professionelle Musik mit wenigen Ausnahmen (gemeint ist M. I. Glinka, 1804 - 1857) weit von der Volkskunst entfernt sei. Im Verständnis der „Kuchkisten“ ist der Komponist verpflichtet, sich vom Geist der Volksmusik zu durchdringen. Somit ist die russische Romantik russische Nationalkunst.

5. Schlussfolgerung.

Ein neuer, romantischer Blick auf die Welt in Europäische Kunst an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. In der Romantik grenzt die Alltagswelt an die fantastische Welt, in der der dramatische Held läuft und hofft, dem Alltag zu entfliehen. Die Romantiker glaubten, dass Kunst eins sei; Poesie und Musik liegen sich besonders nahe. Musik ist in der Lage, die Gedanken des Dichters „nachzuerzählen“, das Bild eines literarischen Helden zu zeichnen, und Poesie überrascht oft mit ihrer Musikalität. Der Trend der neuen Kunst spiegelte sich auch im Werk der großen romantischen Komponisten wider.

Die musikalische Romantik hatte ihre eigenen Helden, ihre eigenen Themen, ihre eigenen Ästhetische Prinzipien Und künstlerische Sprache. Sein Ziel war freie Form, nicht durch Genre- oder Typgrenzen eingeschränkt. Die Musikromantik existierte schon sehr lange und brachte reiche Früchte.

Doch der Moment seiner Krise ist gekommen. Dies geschah zu einer Zeit, als das herannahende 20. Jahrhundert mit seinen besonderen Tendenzen begann, die Ideale der Romantik zu zerstören. Und obwohl sie schließlich von der Moderne abgelöst wurde, versank die Romantik nicht in der Ewigkeit, und ihre Traditionen lebten in der Kunst des neuen Jahrhunderts und sogar in unserer modernen Zeit weiter.

6. Referenzliste.

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4. Solovtsov A.A. Frédéric Chopin. Leben und Kunst. - Staatlicher Musikverlag/A.A. Solowzow. - Moskau, 1960. - 504 S.

Die romantische Weltanschauung ist durch einen scharfen Konflikt zwischen Realität und Träumen gekennzeichnet. Die Realität ist niedrig und geistlos, sie ist vom Geist des Spießertums, des Spießertums durchdrungen und nur der Verleugnung wert. Ein Traum ist etwas Schönes, Perfektes, aber unerreichbar und für die Vernunft unverständlich.

Die Romantik stellte der Prosa des Lebens das schöne Reich des Geistes, das „Leben des Herzens“, gegenüber. Die Romantiker glaubten, dass Gefühle eine tiefere Schicht der Seele darstellen als die Vernunft. „Der Künstler appelliert an das Gefühl, nicht an die Vernunft“, so Wagner. Und Schumann sagte: „Der Geist verirrt sich, die Gefühle nie.“ Es ist kein Zufall, dass die Musik als ideale Kunstform erklärt wurde, die aufgrund ihrer Spezifität die Bewegungen der Seele am besten zum Ausdruck bringt. Es war die Musik der Romantik, die im Kunstsystem einen führenden Platz einnahm.
Wenn in Literatur und Malerei die romantische Richtung im Grunde ihre Entwicklung zur Mitte hin vollendet 19. Jahrhundert, dann ist das Leben der musikalischen Romantik in Europa viel länger. Die musikalische Romantik als Bewegung entwickelte sich in Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhundert und entwickelte sich in enger Verbindung mit verschiedenen Strömungen in Literatur, Malerei und Theater. Erste Stufe die musikalische Romantik wird durch die Werke von F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, G. Rossini repräsentiert; die darauffolgende Phase (1830-50er Jahre) - das Werk von F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, G. Verdi.

Die Spätphase der Romantik erstreckt sich auf Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert.

Das Hauptproblem der romantischen Musik ist das Problem der Persönlichkeit, und zwar in einem neuen Licht – in ihrem Konflikt mit der Außenwelt. Der romantische Held ist immer einsam. Das Thema Einsamkeit ist vielleicht das beliebteste in der gesamten romantischen Kunst. Sehr oft ist damit der Gedanke verbunden kreative Persönlichkeit: Ein Mensch ist einsam, wenn er ein außergewöhnlicher, begabter Mensch ist. Künstler, Dichter, Musiker sind Lieblingshelden in den Werken der Romantiker („Die Liebe eines Dichters“ von Schumann, „Symphony Fantastique“ von Berlioz mit dem Untertitel „Eine Episode aus dem Leben eines Künstlers“, Liszts symphonische Dichtung „ Tasso“).
Inhärent romantische Musik Das tiefe Interesse an der menschlichen Persönlichkeit drückte sich darin aus, dass in ihr ein persönlicher Ton vorherrschte. Die Offenbarung persönlicher Dramen erhielt bei den Romantikern oft einen Hauch von Autobiographie, was der Musik eine besondere Aufrichtigkeit verlieh. Beispielsweise sind viele Klavierwerke Schumanns mit der Geschichte seiner Liebe zu Clara Wieck verbunden. Autobiografischer Charakter Wagner betonte seine Opern auf jede erdenkliche Weise.

Die Aufmerksamkeit für Gefühle führt zu einem Genrewechsel – Texte, in denen Liebesbilder vorherrschen, nehmen eine dominierende Stellung ein.

Das Thema Natur ist sehr oft mit dem Thema „lyrisches Bekenntnis“ verflochten. Da es sich um den Geisteszustand einer Person handelt, ist es normalerweise von einem Gefühl der Disharmonie geprägt. Die Entwicklung des Genres und der lyrisch-epischen Symphonie ist eng mit Naturbildern verbunden (eines der ersten Werke ist Schuberts „große“ Sinfonie in C-Dur).
Das Thema Fantasie wurde zu einer echten Entdeckung romantischer Komponisten. Zum ersten Mal lernte die Musik, mit rein musikalischen Mitteln sagenhafte und fantastische Bilder zu verkörpern. In den Opern des 17. und 18. Jahrhunderts sprachen „überirdische“ Charaktere (wie die Königin der Nacht aus Mozarts „Zauberflöte“) in einer „allgemein anerkannten“ Musiksprache und hoben sich kaum vom Hintergrund realer Menschen ab. Romantische Komponisten lernten zu vermitteln Fantasiewelt als etwas völlig Spezifisches (unter Verwendung ungewöhnlicher Orchester- und Harmoniefarben).
Das Interesse an Volkskunst ist für die musikalische Romantik sehr charakteristisch. Wie die romantischen Dichter, die durch Folklore bereicherten und aktualisierten literarische Sprache, Musiker wandten sich weitgehend der nationalen Folklore zu – Volksliedern, Balladen, Epen. Unter dem Einfluss der Folklore veränderte sich der Inhalt der europäischen Musik dramatisch.
Der wichtigste Punkt in der Ästhetik der Musikromantik war die Idee eines Gesamtkunstwerks, das in … seinen lebendigsten Ausdruck fand Opernkreativität Wagner und im Programm Musik von Berlioz, Schumann, Liszt.

Hector Berlioz. „Fantastische Symphonie“ – 1. Träume, Leidenschaften...

Der Inhalt der Symphonie ist mit Berlioz‘ Geliebter, der englischen Schauspielerin Harriet Smithson, verbunden. Im Jahr 1847 widmete der Autor während einer Russlandreise die Symphony Fantastique Kaiser Nikolaus I.

Robert Schumann – „Im Glanz...“, „Ich begegne dem Blick.“

Aus dem Gesangszyklus „The Poet's Love“
Robert Schumann Heinrich Heine „Im Schein warmer Maitage“
Robert Schumann - Heinrich „Ich begegne dem Blick deiner Augen“

Robert Schumann. „Fantastische Stücke“.

Schumann Fantasiestücke, op. 12 Teil 1: Nein. 1 Des Abend und Nr. 2 Aufschwung

Blatt. Sinfonische Dichtung „Orpheus“

Frederic Chopin – Präludium Nr. 4 in e-Moll

Frederic Chopin – Nocturne Nr. 20 in cis-Moll

Schubert öffnete den Weg für viele Neue Musikgenres- spontan, Musikalische Momente, Liederzyklen, lyrisch-dramatische Sinfonie. Doch egal, welches Genre Schubert schrieb – traditionell oder von ihm geschaffen – überall agiert er als Komponist neue Ära, die Ära der Romantik.

Im Zeitalter der Romantik nahm die Musik einen herausragenden Platz im Kunstsystem ein. Dies liegt an seiner Spezifität, die eine möglichst umfassende Reflexion ermöglicht Seelengefühle unter Einsatz des gesamten Arsenals an Ausdrucksmitteln.

Romantik in der Musik erscheint im 19. Jahrhundert in den Werken von F. Schubert, E. Hoffmann, N. Paganini, K.M. Weber, G. Rossini. Wenig später spiegelte sich dieser Stil in den Werken von F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, G. Verdi und anderen Komponisten wider.

Die Romantik entstand im frühen 19. Jahrhundert in Europa. Es wurde eine Art Opposition zum Klassizismus. Die Romantik ließ den Zuhörer eindringen magische Welt Legenden, Lieder und Geschichten. Leitprinzip diese Richtung- Widerstand (Träume und Alltag, perfekte Welt und Alltag) geschaffen kreative Fantasie Komponist. Dieser Stil war bis in die vierziger Jahre des 19. Jahrhunderts bei Kreativen beliebt.

Romantik in der Musik spiegelt die Probleme des modernen Menschen wider, seinen Konflikt mit Außenwelt und seine Einsamkeit. Diese Themen werden zum Mittelpunkt der Arbeit der Komponisten. Da man begabt ist und sich von anderen unterscheidet, hat man ständig das Gefühl, von anderen missverstanden zu werden. Sein Talent wird zum Grund für seine Einsamkeit. Deshalb sind die Lieblingshelden romantischer Komponisten Dichter, Musiker und Künstler (R. Schumann „Die Liebe eines Dichters“; Berlioz – der Untertitel „Eine Episode aus dem Leben eines Künstlers“ für die „Fantastische Symphonie“ usw. ).

Romantik vermittelt in der Musik die Welt der inneren Erfahrungen eines Menschen und hat oft einen Hauch von Autobiografie, Aufrichtigkeit und Lyrik. Themen wie Liebe und Leidenschaft werden häufig verwendet. So widmete der berühmte Komponist R. Schumann seiner geliebten Clara Wieck viele Klavierstücke.

Auch in den Werken der Romantiker ist das Thema Natur weit verbreitet. Komponisten kontrastieren es oft mit dem Geisteszustand einer Person und färben es mit Schattierungen von Disharmonie.

Das Thema Fantasy wurde für die Romantiker zu einer echten Entdeckung. Sie arbeiten aktiv daran, Märchen- und Fantasy-Charaktere zu erschaffen und ihre Bilder durch eine Vielzahl von Elementen zu vermitteln musikalische Sprache(Mozart " Zauberflöte" - Königin der Nacht).

Oft wendet sich die Romantik in der Musik auch der Volkskunst zu. Komponisten verwenden eine Vielzahl von Folklore-Elemente(Rhythmen, Intonationen, alte Modi) aus Liedern und Balladen. Dadurch können Sie den Inhalt von Musikstücken deutlich bereichern.

Die Verwendung neuer Bilder und Themen erforderte die Suche nach geeigneten Formen. So treten in romantischen Werken Sprachintonationen, natürliche Modi, Kontraste unterschiedlicher Tonalitäten und Solostimmen auf.

Die Romantik verkörperte in der Musik die Idee eines Gesamtkunstwerks. Ein Beispiel hierfür sind die programmatischen Werke von Schumann, Berlioz, Liszt und anderen Komponisten (die Sinfonie „Harold in Italien“, das Gedicht „Präludien“, der Zyklus „Wanderjahre“ etc.).

Die russische Romantik spiegelte sich lebhaft in den Werken von M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Borodin, C. Cui, M. Balakirev, P. Tschaikowsky und anderen wider.

A. Dargomyzhsky vermittelt in seinen Werken vielfältige psychologische Bilder („Meerjungfrau“, Romanzen). In der Oper „Ivan Susanin“ malt M. Glinka Bilder vom Leben des einfachen russischen Volkes. Die Werke der Komponisten der berühmten „Mighty Handful“ gelten zu Recht als Höhepunkt. Sie verwenden Ausdrucksmittel und charakteristische Intonationen, die dem Russischen eigen sind Volkslied, Alltagsmusik, Umgangssprache.

Anschließend wandten sich auch A. Skrjabin (Präludium „Träume“, Gedicht „Zur Flamme“) und S. Rachmaninow (Studienbilder, Oper „Aleko“, Kantate „Frühling“) diesem Stil zu.

Ideologische und künstlerische Bewegung in der europäischen und amerikanischen Kultur des späten 18. – 1. Hälfte des 19. Jahrhunderts. Entstanden als Reaktion auf den Rationalismus und Mechanismus der Ästhetik des Klassizismus und der Philosophie der Aufklärung, etabliert im Zeitalter des revolutionären Zusammenbruchs der feudalen Gesellschaft, der früheren, scheinbar unerschütterlichen Weltordnung, der Romantik (beide als besondere Art der Weltanschauung). und als künstlerische Bewegung) ist zu einem der komplexesten und widersprüchlichsten Phänomene der Kulturgeschichte geworden.

Enttäuschung über die Ideale der Aufklärung, über die Ergebnisse der Großen Französische Revolution, die Leugnung des Utilitarismus der modernen Realität, die Prinzipien des bürgerlichen Praktischismus, dem die menschliche Individualität zum Opfer fiel, eine pessimistische Sicht auf die Aussichten der gesellschaftlichen Entwicklung, die Mentalität des „Welttrauers“ verbanden sich in der Romantik mit dem Wunsch nach Harmonie der Weltordnung, der spirituellen Integrität des Einzelnen, mit der Neigung zum „Unendlichen“, mit der Suche nach neuen, absoluten und bedingungslosen Idealen. Die akute Diskrepanz zwischen Idealen und bedrückender Realität löste in den Köpfen vieler Romantiker ein schmerzlich fatalistisches oder empörtes Gefühl von Doppelwelten aus, eine bittere Verhöhnung der Diskrepanz zwischen Traum und Realität, die in Literatur und Kunst zum Prinzip der „romantischen Ironie“ erhoben wurde.

Eine Art Selbstverteidigung gegen die zunehmende Nivellierung der Persönlichkeit wurde zum tiefsten Interesse an der menschlichen Persönlichkeit, das der Romantik innewohnt und von den Romantikern als Einheit individueller äußerer Merkmale und einzigartiger innerer Inhalte verstanden wird. Indem sie in die Tiefen des menschlichen Geisteslebens vordrangen, übertrugen Literatur und Kunst der Romantik gleichzeitig diesen scharfen Sinn für das Eigentümliche, Ursprüngliche, Einzigartige für die Schicksale von Nationen und Völkern auf die historische Realität selbst. Die enormen gesellschaftlichen Veränderungen, die sich vor den Augen der Romantiker abspielten, machten den fortschreitenden Verlauf der Geschichte deutlich sichtbar. In ihren besten Werken schafft die Romantik symbolische und zugleich lebendige Bilder der modernen Geschichte. Aber Bilder der Vergangenheit, die aus der Mythologie, der antiken und mittelalterlichen Geschichte stammten, wurden von vielen Romantikern als Spiegel realer Konflikte verkörpert. Die Romantik war die erste künstlerische Bewegung, in der sich das Bewusstsein der schöpferischen Persönlichkeit als Gegenstand künstlerischen Handelns deutlich manifestierte. Die Romantiker verkündeten offen den Triumph des individuellen Geschmacks und der völligen Freiheit der Kreativität. Indem sie dem kreativen Akt selbst entscheidende Bedeutung beimaßen, die Hindernisse zerstörten, die die Freiheit des Künstlers behinderten, setzten sie kühn das Hohe und das Niedrige, das Tragische und das Komische, das Gewöhnliche und das Ungewöhnliche gleich.

Die Romantik erfasste alle Bereiche der spirituellen Kultur: Literatur, Musik, Theater, Philosophie, Ästhetik, Philologie und andere Geisteswissenschaften, bildende Kunst. Aber gleichzeitig war es nicht mehr der universelle Stil, der der Klassizismus war. Im Gegensatz zu letzteren hatte die Romantik fast keine staatlichen Ausdrucksformen (daher hatte sie keinen wesentlichen Einfluss auf die Architektur und beeinflusste hauptsächlich die Landschaftsarchitektur, die Architektur kleiner Formen und die Richtung der sogenannten Pseudogotik). Da die Romantik weniger ein Stil als vielmehr eine sozialkünstlerische Bewegung war, ebnete sie den Weg für die Weiterentwicklung der Kunst im 19. Jahrhundert, die nicht in Form umfassender Stile, sondern in Form einzelner Bewegungen und Strömungen erfolgte. Auch die Sprache der künstlerischen Formen wurde zum ersten Mal in der Romantik nicht völlig neu gedacht: Die stilistischen Grundlagen des Klassizismus blieben gewissermaßen erhalten, wurden in bestimmten Ländern (zum Beispiel in Frankreich) deutlich verändert und neu gedacht. Gleichzeitig erhielt der individuelle Stil des Künstlers im Rahmen einer einheitlichen Stilrichtung größere Entfaltungsfreiheit.

Romantik war nie ein klar definiertes Programm oder ein klar definierter Stil; Das weiter Kreis ideologische und ästhetische Strömungen, bei denen die historische Situation, das Land und die Interessen des Künstlers bestimmte Akzente setzten.

Musikalische Romantik, die sich in den 20er Jahren deutlich manifestierte. Das 19. Jahrhundert war ein historisch neues Phänomen, zeigte jedoch Verbindungen zu den Klassikern. Die Musik beherrschte neue Mittel, die es ermöglichten, sowohl die Stärke als auch die Subtilität des menschlichen Gefühlslebens, die Lyrik, auszudrücken. Diese Bestrebungen verbanden in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts viele Musiker. literarische Bewegung „Sturm und Drang“.

Die musikalische Romantik wurde historisch durch die ihr vorangehende literarische Romantik vorbereitet. In Deutschland – bei den „Jena“- und „Heidelberg“-Romantikern, in England – bei den Dichtern der „Lake“-Schule. Darüber hinaus wurde die musikalische Romantik maßgeblich von Schriftstellern wie Heine, Byron, Lamartine, Hugo und Mickiewicz beeinflusst.

Zu den wichtigsten Schaffensbereichen der Musikromantik zählen:

Texte sind von größter Bedeutung. In der Hierarchie der Künste wurde der Musik der ehrenvollste Platz eingeräumt, da in der Musik das Gefühl herrscht und daher das Werk des romantischen Künstlers in ihr sein höchstes Ziel findet.

Folglich ist Musik Lyrik, sie ermöglicht es dem Menschen, mit der „Seele der Welt“ zu verschmelzen, Musik ist der Antipode der prosaischen Realität, sie ist die Stimme des Herzens. Fantasie - fungiert als Freiheit der Vorstellungskraft, freies Spiel von Gedanken und Gefühlen, Freiheit des Wissens, Streben nach Welt des Fremden

, wunderbar, unbekannt. volkstümlich und national unverwechselbar – der Wunsch, Authentizität, Vorrang und Integrität in der umgebenden Realität wiederherzustellen; Interesse an Geschichte, Folklore, Naturkult (Urnatur). Die Natur ist ein Zufluchtsort vor den Problemen der Zivilisation; sie tröstet einen ruhelosen Menschen. Gekennzeichnet durch einen großen Beitrag zur Folkloresammlung sowie einen allgemeinen Wunsch nach einer getreuen Weitergabe volkstümlicher Nationalität künstlerischer Stil(„Lokalfarbe“) ist gemeinsames Merkmal Musikalische Romantik

verschiedene Länder

und Schulen.

„Die Ästhetik einer Kunst ist die Ästhetik einer anderen“, sagte R. Schumann. Die Kombination verschiedener Materialien steigert die beeindruckende Kraft des künstlerischen Ganzen. In einer tiefen und organischen Verschmelzung mit Malerei, Poesie und Theater eröffneten sich der Kunst neue Möglichkeiten. Im Bereich der Instrumentalmusik hat das Prinzip der Programmierung große Bedeutung erlangt, d.h. Einbeziehung literarischer und anderer Assoziationen in das Konzept und den Prozess der Musikwahrnehmung des Komponisten.

Besonders stark vertreten ist die Romantik in der Musik Deutschlands und Österreichs (F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, L. Spohr), dann der Leipziger Schule (F. Mendelssohn-Bartholdy und R. Schumann). In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. – R. Wagner, I. Brahms, A. Bruckner, H. Wolf. In Frankreich - G. Berlioz; in Italien - G. Rossini, G. Verdi. F. Chopin, F. Liszt, J. Meyerbeer, N. Paganini sind von europaweiter Bedeutung.

Die Rolle von Miniaturen und großen einteiligen Formen; neue Interpretation von Zyklen. Bereicherung der Ausdrucksmittel im Bereich Melodie, Harmonie, Rhythmus, Textur, Instrumentierung; Erneuerung und Weiterentwicklung klassischer Formmuster, Entwicklung neuer Kompositionsprinzipien.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts offenbart die Spätromantik eine Hypertrophie des subjektiven Prinzips. Romantische Tendenzen zeigten sich auch in den Werken von Komponisten des 20. Jahrhunderts. (D. Schostakowitsch, S. Prokofjew, P. Hindemith, B. Britten, B. Bartok usw.).