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« Bathseba" - Gemälde des großen russischen Künstlers Karl Pawlowitsch (1799-1852). Das Gemälde wurde 1832 gemalt. Öl auf Leinwand. Abmessungen: 173 x 125,5 cm. Befindet sich in der Staatlichen Tretjakow-Galerie, Moskau.

In dieser Arbeit wandte sich Bryullov einer der biblischen Geschichten zu. Dem biblischen Gleichnis zufolge sah König David, als er über das Dach seines Palastes ging, Batseba, die Frau seines Untertanen Uria, des Hethiters, unten baden. Uria selbst diente zu dieser Zeit in der Armee. Um das Hindernis zu beseitigen und Bathseba zur Frau zu nehmen, befahl David dem Militärkommandanten, ihren Mann an einem Ort unterzubringen, an dem er in Todesgefahr war. Der König nahm Batseba zur Frau, bezahlte diese Sünde jedoch mit dem Leben seines Erstgeborenen, der wenige Tage nach der Geburt starb. Bathseba wurde die Mutter des legendären Königs Salomo.

Karl Bryullov versuchte in seinem Gemälde die fesselnde Schönheit eines orientalischen Mädchens zu vermitteln, das den Geist des Königs selbst trübte und ihn zu einem schrecklichen Verbrechen zwang. Bathseba nimmt im Bad Wasserbehandlungen vor, was der Geschichte zufolge der Anfang dieser Geschichte ist. Auffallend ist die außergewöhnliche Weiße ihrer Haut. Um die Zartheit und Weiße der Haut der zukünftigen Königin noch mehr hervorzuheben, platzierte Bryullov eine schwarze Zofe neben ihr. Die Magd blickt voller Bewunderung auf ihre Herrin, die mit ihrer Schönheit die gesamte Umgebung zu erhellen scheint.

Das Gemälde ist unvollendet. Oberteil Die Leinwand wird einigermaßen detailliert und genau beschrieben, aber im unteren Teil können wir sehen, dass Bryullov das Werk aus irgendeinem Grund verlassen hat. Das Wasser im Marmorbad ist nur angedeutet; die Textur des Wassers ist nicht vollständig herausgearbeitet. Doch trotz der Unvollendetheit des Bildes gilt „Bathseba“ als eines der meistbesuchten beste Werke in der Malerei eines herausragenden russischen Meisters.

Gemälde „Bathseba“ von Bryullov

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Karl Bryullovs Gemälde „Bathseba“ wurde 1832 gemalt. Es ist bekannt, dass der Künstler mehr als vier Jahre an diesem Gemälde gearbeitet hat. Es wurde eine Art Ergebnis von Bryullovs kreativer Suche in der Mythologie und Genremalerei. In „Bathseba“ wurde die Idee des Künstlers wahr, einen nackten Frauenkörper in den Strahlen der untergehenden Sonne einzufangen. Er bewundert offen jede Falte des schlanken Körpers seiner Heldin, das matte Weiß ihrer Haut. Der vom Künstler verwendete Farbkontrast bei der Darstellung der dunkelhäutigen Magd verstärkt den Eindruck.

Der biblischen Geschichte zufolge besaß Bathseba eine seltene Schönheit, die König David in Erstaunen versetzte. Als der König Bathseba beim Baden nackt vom Dach des Palastes sah, wurde er leidenschaftlich und befahl, Bathseba in den Palast zu bringen. Aufgrund ihrer Beziehung wurde Bathseba schwanger und der König heiratete sie, nachdem er dafür gesorgt hatte, dass Bathsebas Ehemann, der in Davids Armee diente, zur Teilnahme an der „stärksten Schlacht“ geschickt wurde, wo er besiegt wurde und starb. Und so geschah es ... Bathseba nahm den Ehrenplatz der beliebtesten Frau des Königs ein, versuchte jedoch, im Schatten zu bleiben, obwohl ihr Einfluss auf den König offenbar immer groß war.

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Karl Bryullov wurde in eine russifizierte deutsche Familie hineingeboren. Sein Vater war Bildhauer, Schnitzer und Miniaturmaler. Ab seinem 10. Lebensjahr studierte Karl 12 Jahre lang an der Akademie der Künste. Nach seinem Abschluss an einem von Andrei Iwanowitsch Iwanow geleiteten historischen Genrekurs im Jahr 1821 erhielt er eine Goldmedaille für das Gemälde „Die Erscheinung der drei Engel vor Abraham an der Eiche von Mamre“ und erhielt das Recht, auf Staatskosten ins Ausland zu reisen.

In den Jahren 1823-1835 arbeitete Bryullov in Italien.

Sein bedeutendstes Werk in dieser Zeit war das Gemälde „Der letzte Tag von Pompeji“, das Bryullov über drei Jahre schrieb und 1833 vollendete. Die Eindrücke beim Besuch der Ausgrabungsstätte der antiken römischen Stadt bildeten die Grundlage für das Werk, das in Künstlerkreisen in Russland und im Ausland für Aufsehen sorgte.

Bryullov kehrt als lebender Klassiker in seine Heimat zurück. Später beschäftigte er sich mit monumentalen Designprojekten, bei denen er sich als Dekorateur und Dramatiker zeigte. Er schuf Skizzen der Gemälde des Pulkowo-Observatoriums, Studien und Skizzen von Engeln und Heiligen für die Isaakskathedrale.

Bryullov hinterließ in seinem Nachlass auch viele berühmte Porträts von Künstlern (viele davon werden in der Tretjakow-Galerie aufbewahrt).

Aus gesundheitlichen Gründen verbringt Karl Bryullov die letzten drei Jahre seines Lebens auf der Insel Madeira und in Italien, dem Land, das ihm zu Ruhm verholfen hat. Das letzte Meisterwerk des Künstlers war ein 1851 geschaffenes Porträt seines alten Freundes, des Archäologen Michelangelo Lanci.

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Sicherlich Gemälde Karl Pawlowitsch Brjullow jedem aus der Schule bekannt. „Der letzte Tag von Pompeji“, „Italienischer Nachmittag“ und andere Gemälde sind von echten Emotionen, Gefühlen und Ausdrucksformen durchdrungen. Im Gegensatz zu vielen anderen Künstlern wählte Bryullov seine Modelle nicht aus zerbrechlichen, verwöhnten Modellen aus. Seine Heldinnen waren Mädchen aus dem echten Leben mit all ihren Vor- und Nachteilen. Nicht alle Zeitgenossen stimmten der Innovation des Autors sofort zu, aber im Laufe der Zeit erlangte Bryullov weltweite Anerkennung und er selbst wurde „Karl der Große“ genannt.

Karl Brüllow wurde 1799 geboren. Als Kind war er ein sehr kranker Junge und kam mehrere Jahre lang nicht aus dem Bett. Diese Tatsache hielt seinen Vater Pavel Brullo jedoch nicht davon ab, seinem Sohn das Malen beizubringen. Jeden Tag wurden dem Kind Aufgaben gestellt: Tiere, Menschen oder Naturmotive zu zeichnen. Und obwohl Karl die Aufgabe nicht bewältigte, bekam er kein Frühstück.

Im Alter von 10 Jahren wurde Karl Brullo an der St. Petersburger Kunstakademie eingeschrieben, wo er 12 Jahre lang studierte. Der Junge meisterte jede ihm gestellte Aufgabe hervorragend und erhielt dafür 1822 ein Rentnerstipendium für vier Jahre, zu dem auch ein Studium in Italien gehörte. Vor seiner Abreise erhielt Karl vom Kaiser die Erlaubnis, seinem Nachnamen den Buchstaben „v“ hinzuzufügen, damit jeder verstand, woher der Künstler kam.

Italien faszinierte den jungen Künstler. 1827 malte der Künstler das Gemälde „Italienischer Nachmittag“, für das eine hübsche, rundliche Italienerin Modell war. In Russland wurde dieses Bild sehr kühl aufgenommen, da es nicht den damaligen Modetrends entsprach. Kritiker nannten das Modell „unverhältnismäßig“, und Bryullov verließ die Imperial Society for the Encouragement of the Arts mit einem Skandal.

Im Jahr 1827 traf Karl Bryullov in Italien die Gräfin Julia Pawlowna Samoilowa. Der Künstler war fasziniert von der unglaublichen mediterranen Schönheit, Intelligenz und Anmut dieser Frau. Die Gräfin wurde oft zum Vorbild für Bryullovs Gemälde. Auf dem Gemälde „Porträt der Gräfin Yu. P. Samoilova beim Verlassen des Balls mit ihrer Schülerin Amalia Pacini“ unterstrichen die unglaublichen Farben und die Pracht der Outfits nur die Schönheit seiner Muse.

Im Jahr 1830 ging Karl Bryullov zusammen mit Gräfin Samoilova zu den Ruinen von Pompeji und Herculaneum. Zwei Jahre zuvor ereignete sich ein weiterer Ausbruch des Vesuvs, daher war es damals in Mode, sich für Architektur zu interessieren.

Auf Wunsch des Philanthropen Anatoly Demidov begann Bryullov mit der Arbeit an dem Gemälde, das ihn weltberühmt machte. Bevor er mit der Bemalung der Leinwand begann, lernte der Künstler viel historische Dokumenteüber Pompeji und fertigte viele Skizzen von der Szene an.

Karl Bryullov hat die Menschen auf dem Gemälde so emotional wie möglich dargestellt. Er hat sich dort als Künstler porträtiert, der mit Zeichenutensilien rennt. Auch Yulia Samoilova ist auf der Leinwand zu finden. Sie wird dort in drei Bildern präsentiert: einer Frau mit einem Krug auf dem Kopf, einer Mutter, die versucht, ihre Töchter zu beschützen und auf dem Bürgersteig stirbt.

In Rom erhielt „Der letzte Tag von Pompeji“ die schmeichelhafteste Kritik, woraufhin das Gemälde an den Louvre in Paris geschickt wurde. 1834 gelangte das Gemälde nach St. Petersburg, wo es großes Aufsehen erregte. Kaiser Nikolaus I. selbst wollte das Gemälde sehen und verlieh daraufhin Karl Bryullov den Preis.

Nicht weniger ikonisches Gemälde des Malers war „Bathseba“. Vor Brjullow Russische Künstler wandte sich praktisch nicht der Nacktheit zu. Bryullov, inspiriert vom Erfolg von „ Letzter Tag Pompeji“ beschloss, ein Bild in einem neuen Genre zu malen. Als Grundlage diente ihm die biblische Geschichte von Bathseba, die König David baden sah.

Der Meister arbeitete mehrere Jahre an dem Gemälde. Kritiker nannten es „üppige und brillante Farben“. Der Künstler erkannte, dass er dem Publikum seine Pläne nicht vermitteln konnte, und warf sogar einmal seinen Stiefel auf das Gemälde. Bryullov beendete das Gemälde nicht; die Pinsel der Schönheit blieben unbemalt. In dieser Form kaufte der Mäzen „Bathseba“ und schickte es an die Tretjakow-Galerie.

Das Gemälde wirft bei Kunstkritikern viele Fragen auf. Forscher streiten noch immer darüber, wer darauf wirklich abgebildet ist.

Karl Brüllow. Selbstporträt.
1848. Öl auf Karton. 64,1 x 54.

Bryullovs Porträterbe aus der letzten St. Petersburger und italienischen Periode ist nicht weniger wertvoll als Pompeius, der dem Künstler Weltruhm einbrachte. Der Höhepunkt von Bryullovs intimem Porträt war ein Selbstporträt, das 1848 während seiner Krankheit gemalt wurde.

Das Porträt entstand an jenem ersten Frühlingstag, als die Ärzte Bryullov nach einer kräftezehrenden, langen Krankheit erlaubten, aus dem Bett aufzustehen. Der Künstler verbrachte sieben Monate allein mit sich selbst; fast alle Besuche wurden von Ärzten verboten. Die Krankheit zwang ihn zur Einsamkeit. Einsamkeit führte zu konzentriertem Denken. Das Selbstporträt ist ein Beweis dafür, wie der Künstler in einem strengen, voreingenommenen Gespräch mit sich selbst fast ein halbes Jahrhundert Leben zusammenfasst. Das Ergebnis kreativer Suche. Zusammenfassung der Gedanken. Unter der äußeren Stille verbirgt sich die intensive Gedankenarbeit. Das Porträt wurde mit großer Geschicklichkeit gemalt und zeugt davon, welch kraftvolle schöpferische Energie der Künstler trotz seiner Krankheit besaß und wie sehr er alle Elemente der Malerei beherrschte. Im Selbstporträt ist ein Gefühl körperlicher Ermüdung zu spüren, Spuren von Krankheit: müde Augenlider, eine schlaff herabhängende Hand, als wäre sie bis auf die Knochen geschmolzen, zeugen von körperlicher Krankheit. Der Kopf ruht müde auf dem roten Kissen; Diese Farbe bildet eine koloristische Dominante; es ist Bryullovs konstante und Lieblingsfarbe, die in fast allen seinen Werken präsent ist und sein kreatives Temperament zum Ausdruck bringt. Basierend auf der Zeichnung wurde das Porträt in zwei Stunden in Farbe fertiggestellt.

„So entstand eines der wichtigsten Werke Bryullovs“, schreibt G. Leontyeva in seinem Buch. Dies ist nicht nur ein von ihm selbst gemaltes Porträt des Künstlers. In einem voreingenommenen, strengen Gespräch mit sich selbst scheint der Meister sein kreatives Streben zusammenzufassen. Zusammenfassung der Gedanken. Fazit eigenes Leben. Darüber hinaus. Es scheint, dass er, wenn er sich selbst im Spiegel betrachtet – wie wir heute ein Porträt betrachten – seine Generation durch seine eigenen Gesichtszüge sieht. Dies ist das Bekenntnis des Sohnes des Jahrhunderts. Hochspannung innere Kräfte und grenzenlose Müdigkeit, erhabener Adel und Bitterkeit der Enttäuschung, Standhaftigkeit und Demut – all diese bewegende Vielfalt an Gefühlen wird von Bryullovs Pinsel eingefangen und ewig gemacht. Wenn Sie dieses Gesicht betrachten, erinnern Sie sich an die bittersten Worte, die der Künstler über sich selbst sagte: „Mein Leben kann mit einer Kerze verglichen werden, die an beiden Enden abgebrannt und in der Mitte mit einer glühenden Zange festgehalten wurde ...“

1832. Öl auf Leinwand. Nicht fertig. 173 x 125,5.
Tretjakow-Galerie, Moskau, Russland.

Um 1832 schuf der Künstler ein Werk, das sozusagen das Ergebnis seiner kreativen Suche nach Genremalerei und Mythologie war. Ihm kam die Idee für das Gemälde „Bathseba“, an dem er mehr als vier Jahre lang arbeitete.

Bryullov war von der Idee erfüllt, einen nackten Körper darzustellen, der von den Strahlen der untergehenden Sonne beleuchtet wird. Das subtile Spiel von Licht und Schatten, die Luftigkeit der die Figur umgebenden Umgebung haben ihr nicht das skulpturale Volumen und die Klarheit der Silhouette genommen. In „Bathseba“ vermittelt der Künstler sinnliche Erotik, indem er wie ein Mann offen jede Falte eines schlanken Körpers und jede Strähne seines dicken, wallenden Haars bewundert. Um den Eindruck zu verstärken, wandte sich der Meister der spektakulären Technik des Farbkontrasts zu. Das matte Weiß von Bathsebas Haut wird durch die dunkle Haut der äthiopischen Magd, die sich an ihre Herrin klammert, hervorgehoben.

Das Gemälde basiert auf einer Handlung aus Altes Testament. Der Bibel zufolge war Bathseba eine Frau von seltener Schönheit. König David ging auf dem Dach seines Palastes und sah Batseba unten. Nachdem sie ihre Kleidung ausgezogen hatte, bereitete sich die nackte Frau darauf vor, in das Wasser des Marmorbades einzutauchen. König David war von der Schönheit Bathsebas beeindruckt und von Leidenschaft überwältigt.

Bathsebas Ehemann, Uria, der Hetiter, war zu dieser Zeit nicht zu Hause und diente in Davids Armee. Bathseba versuchte nicht, den König zu verführen, wie der biblische Text beweist. Doch David ließ sich von Bathsebas Schönheit verführen und befahl, sie in den Palast zu bringen. Aufgrund ihrer Beziehung wurde sie schwanger. Später schrieb David einen Brief an den Befehlshaber von Urias Heer, in dem er befahl, Uria dorthin zu stellen, wo „der stärkste Kampf sein wird, und sich von ihm zurückzuziehen, damit er besiegt wird und stirbt“ (2. Sam. 11:15). ). Genau das geschah, und David heiratete daraufhin Bathseba. Ihr erstes Kind lebte nur wenige Tage. David bereute später seine Taten.

Trotz ihrer hohen Stellung als beliebteste Ehefrau Davids nahm Bathseba einen Platz im Schatten ein und benahm sich würdevoll. Ihr Einfluss auf David scheint groß gewesen zu sein. Sie veranlasste ihn, seinen ältesten Sohn Salomo zum König auszurufen. Sie trug dann wesentlich dazu bei, die Absichten Adonias (des vierten Sohnes Davids) aufzudecken, den Thron seines Vaters zu besteigen. Im Verhältnis zu David wurde sie eine treue und liebevolle Ehefrau und eine gute Mutter für ihre Kinder (Salomo und Nathan).

Porträt von Giovanina und Amacilia Pacini,
Schüler Gr. Jawohl. Samoilova.
1832. Tretjakow-Galerie, Moskau, Russland.

Brjullow malte viele hervorragende Porträts; mit ihnen kam er dem realistischen Geschmack des Zweiten am nächsten Hälfte des 19. Jahrhunderts Jahrhundert. Große zeremonielle, imposante, „geschichtenbasierte“ Porträts weltlicher Schönheiten sind ein einzigartiges Phänomen dieser Art und wurden in der russischen Kunst nie wiederholt. Wir mögen sie anders als damals: Wir nehmen sie nicht allzu ernst, ihr Luxus hat etwas Naives, aber das macht sie attraktiv.

Die Reiterin, die eine junge Dame auf einem schönen Pferd und ein kleines Mädchen darstellt, das ihr entgegenkommt, ist eines von Bryullovs verführerischen Werken. Auf Wunsch von Julia Pawlowna Samoilowa malte Karl Pawlowitsch Brjullow ein Porträt ihrer Schülerinnen: der ältesten Jovanina und der jüngsten Amatsilia.

Das Genre des Reiterporträts oder der Reiterskulptur war bei der Darstellung gekrönter Personen in Mode. Bryullov verstieß gegen diesen offiziellen Kanon und gab der jungen Schülerin Samoilova, die auf einem schwarzen Pferd sitzt, eine königliche Pose. In ihren Gesichtszügen liegt eine engelhafte Distanziertheit; es scheint, als würde sie zusammen mit dem flatternden Band an ihrem Hut und dem flauschigen blau-weißen Amazonenkostüm in den Himmel fliegen. Gleichzeitig fügt der Meister die Figur des Mädchens in ein Bild ein, das eine zusammenhängende Handlung voller farbenfroher Kontraste aufweist. Die Künstlerin entfaltet vor dem Publikum die Szene eines Morgenspaziergangs, bei dem Giovanina, nachdem sie über einen taufrischen Weg im Schatten hundertjähriger Bäume galoppiert ist, das Pferd am Marmoreingang des Hauses ihrer Adoptivmutter anhält. Als Amacilia Pacini das Geräusch von Hufen hört, rennt sie aus der Tür. Sie sieht aus wie eine Puppe in einem rosa Kleid, Spitzenpantalons und grünen Satinschuhen. Sie bewundert ihre ältere Freundin – das Objekt ihrer Kindheitsverehrung. Die Aufregung der Reiterin übertrug sich sofort auf sie und steigerte sich um ein Vielfaches; das schwarze Pferd schielt, schnarcht und versucht sich aufzubäumen; Die Hunde spüren die Stimmung der Besitzer und machen sich Sorgen. der Wind beugt die Baumwipfel; Wolken ziehen über den Himmel: Alles ist aufgeregt, aufgeregt, alarmiert, aber das ist freudige Aufregung, freudige Aufregung glückliche Menschen. Vor uns liegt eine romantische Geschichte über die schelmischen und entzückenden Freuden der Jugend. (Ein süßes und lustiges Detail: Das Halsband des Hundes, der auf die Veranda rannte, war mit dem Namen des „Kunden“ – „Samoylo“ – gekennzeichnet.)

Begeisterte Italiener verglichen Bryullov mit Rubens und Van Dyck und schrieben, dass sie noch nie zuvor ein so kunstvoll konzipiertes und ausgeführtes Reiterporträt gesehen hätten. Diese Übertreibung ist auf den ungewöhnlichen Charakter von Bryullovs Schöpfung zurückzuführen. Das Reiterporträt hatte immer einen zeremoniellen Charakter. Es verbarg unweigerlich eine verborgene Bedeutung: Ein Reiter, der ein heißes Pferd sattelt und unterwirft, ist ein Mann der Macht. Hier ist kein Kommandant, der eine Armee in die Schlacht führt, kein Eroberer, der eine eroberte Hauptstadt betritt, kein Monarch, der zum König gekrönt wird – das Mädchen kehrte von einem Spaziergang nach Hause zurück. In diesem Werk verbindet Bryullov schließlich ein zeremonielles Porträt und eine Alltagsszene. Er selbst nannte das Werk „Jovanin auf einem Pferd“, aber für alle ist es „Reiterin“. „Jovanin on a Horse“ erzählt ein wenig über „Jovanin“ selbst – Jovanina; kleine Amazilia - Bewunderung, Impuls, der Charme der Kindheit.

Bryullov malte das Bild mit einem Gefühl der Vollständigkeit und Lebensfreude, bewunderte die Schönheit und Bildhaftigkeit der Welt, mit dem Gefühl, das in ihm lebte und das er in diesen Mädchen, Giovanina und Amatsilia, fand.

1827. Öl auf Leinwand. 62 x 52,5.

Nach seinem Abschluss an der Akademie der Künste wurde Karl Bryullov von der Gesellschaft zur Förderung der Künste nach Italien geschickt, wo er viel arbeitete, das Leben studierte und auf Leinwand verkörperte einfache Leute dieses wunderschöne Land.

Bryullov verwandelte eine Szene aus dem Landleben, die er in einer der italienischen Städte entdeckte, in ein elegantes Ballettaufführung. Die junge Bäuerin erhob sich wie eine anmutige Tänzerin auf die Zehenspitzen und breitete ihre flexiblen Arme aus, wobei sie kaum den Weinstock mit einer Traube schwarzer Weintrauben berührte. Die Musikalität ihrer Pose wird durch das leichte Chitonkleid betont, das zu ihren schlanken Beinen passt. Ein Korallenfaden hebt einen schlanken Hals und ein rötliches Gesicht hervor, das von lockigen braunen Haaren umrahmt wird. Ein anderes Mädchen, das frei auf den Stufen des Hauses liegt, läutet die Schellen eines Tamburins und blickt den Betrachter kokett an. IN lustige Gesellschaft Ein jüngerer Bruder in einem kurzen Hemd greift dazwischen – eine Art bacchantischer Amor, der eine Flasche trägt, die er mit frischem Wein füllen kann. Jede Figur und jedes Objekt war für den Künstler, der als Choreograf fungierte, wichtig, sei es ein Korb mit reifen Beeren, ein grüner Kürbis, ein Wasserstrahl aus einem Brunnen oder ein niedlicher struppiger Esel, der an einen Karren gespannt war. Das wahrer Frieden ein Theater, in dem alle Lebewesen Schauspieler sind!

Die kreativen Werkstätten von Rembrandt, Velazquez, Van Dyck und Tizian öffneten dem Künstler aus Russland ihre Türen. Nachdem er die Errungenschaften der Weltkunst in sich aufgenommen hatte, spritzte er auf seine Leinwände Offenbarungen, die ihnen im Maßstab gleichkamen. Laut dem Dichter Alexej Konstantinowitsch Tolstoi galt Brjullow als „der beste Maler Roms“. Der Künstler malte Porträts des italienischen Adels und seiner Landsleute. Seine Malerei wird transparenter, die Farbgebung der Bilder ist intensiver, die Farben sind frischer.


Der junge Maler erlaubt sich lyrische Exkurse – Gemälde zu Genrethemen, die nach Einschätzung eines modernen Kritikers zweifellos aus einem glücklichen Zufall entstanden sind, der im Alltag dieses Landes beobachtet und unter dem Einfluss direkter Eindrücke entstanden ist. Dies sind die berühmten „italienischen Genres“, und das erste davon – Italian Morning – brachte ihm großen Ruhm.

Die Idee der Verschmelzung von Mensch und Natur war für sie sehr charakteristisch romantische Richtung: Periodenkonjugationen menschliches Leben mit dem Lauf des Tages oder mit den Jahreszeiten, zog viele von Bryullovs Zeitgenossen an.

Das Gemälde „Italienischer Morgen“ ist eine der ersten Genrekompositionen, die Karl Bryullov direkt vor Ort angefertigt hat. Seine Heldin, die sich unter den Strahlen eines Brunnens wäscht, durchdrungen von den Sonnenstrahlen, luftig und leicht, wird als Personifikation des Morgens selbst wahrgenommen, des Morgens eines neuen Tages, des Morgens des menschlichen Lebens.

In einem Brief an die Gesellschaft zur Förderung von Künstlern berichtete er über seine innovativen Entdeckungen, die der Suche nach Natur vorausgingen Leichtluftumgebung Maler der realistischen und impressionistischen Strömungen in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts: „Ich beleuchtete das Modell in der Sonne, wobei ich von einer Beleuchtung von hinten ausging, so dass Gesicht und Brust im Schatten liegen und von der von der Sonne beleuchteten Fontäne reflektiert werden.“ , was alle Schatten im Vergleich zur einfachen Beleuchtung vom Fenster aus deutlich angenehmer macht. „Italian Morning“ wurde 1826 auf einer Ausstellung in der St. Petersburger Kunstakademie präsentiert und erhielt eine hervorragende Rezension in der Zeitschrift „Domestic Notes“.

Das Gemälde faszinierte alle – das italienische und dann das russische Publikum, Mitglieder der Gesellschaft zur Förderung von Künstlern und schließlich Alexander I., dem die Gesellschaft das Gemälde schenkte. Später, im Jahr 1826, befahl Nikolaus I. K.P. Bryullovs Gemälde, das dem vorherigen „angepasst“ werden würde.

Nach dem Gemälde „Morgen“ bemüht sich Bryullov, einen figurativen Vergleich der Existenz von Natur und Mensch weiterzuentwickeln. Das Gemälde Italienischer Nachmittag war das Ergebnis langjähriger Suche des Künstlers. Die Arbeit entstand mit einem Gefühl endloser Aufmerksamkeit und Vertrauen in die Realität.

Ohne Rücksicht auf den Akademismus suchte und fand der Künstler neue Beleuchtungsmöglichkeiten. Bryullov schrieb „Italienischer Nachmittag“ in einem echten Garten, als die Leuchte ihren Höhepunkt erreichte. „Für eine möglichst genaue Anordnung von Schatten und Licht arbeite ich dieses Bild unter einem echten Weinberg im Garten“, schrieb Bryullov über diese Arbeit. Er „bedeckte“ Gesicht, Schultern und Arme des für ihn posierenden Models mit dem Schatten des Weinbergs. Der atemberaubende Hell-Dunkel-Effekt auf dieser Leinwand wird durch die Reflexionen des roten Schals noch verstärkt.

Der Künstler suchte nach Schönheit im Einfachen, Alltäglichen. Seine Heldin war eine junge Frau, die vor Begeisterung strahlte, vor Gesundheit blühte und im Garten eine Weintraube pflückte. Sie faszinierte die Künstlerin mit dem strahlenden Glanz ihrer weit auseinanderstehenden Augen und vor allem mit ihrer überbordenden Lebensfreude. Nikolai Wassiljewitsch Gogol schrieb über sie: „Eine leidenschaftliche, strahlende Frau, voller Luxus der Leidenschaft, mit der ganzen Kraft der Schönheit.“

Die reife Schönheit der Heldin passt zu den Weintrauben, die sie bewundert und die mit den Säften der Sonne und der Erde gefüllt sind. Der Höhepunkt des Tages, der Höhepunkt des Lebens der Natur, die Zeit der Reifung der Früchte ist der Höhepunkt des menschlichen Lebens.

In dem Gemälde „Italienischer Nachmittag“ (wie in „Italienischer Morgen“) ist die Handlung nicht der Mythologie, nicht der Bibel, sondern einfach dem Leben entnommen. Bryullov beschloss, die alten ästhetischen Gesetze zu brechen und schaffte es, das Elegante im Alltäglichen zu finden. Doch der Mut und die Neuheit der Idee riefen einhelligen Widerstand hervor. Jeder äußerte seinen Tadel neuer Job Bryullova: älterer Bruder Fedor, viele Kollegen und die Öffentlichkeit. Das Bild schockiert die angesehenen Mitglieder der Gesellschaft zur Förderung von Künstlern ziemlich und sie entziehen Bryullov sein Stipendium. Doch glücklicherweise waren die Fähigkeiten des Künstlers zu diesem Zeitpunkt so stark geworden, dass er beschloss, seinen eigenen Weg zu gehen.

Beide Werke, „Italian Morning“ und „Italian Afternoon“, waren dabei Winterpalast- in den persönlichen Gemächern der Kaiserin Alexandra Fjodorowna, was Künstler und die Öffentlichkeit nicht daran hinderte, sie zu sehen. Im „Tagebuch“ des Künstlers A.N. Mokritsky vom 14. Oktober 1835 erzählt, wie er und A.G. Die Venetsianovs besuchten das Boudoir der Kaiserin, um diese malerischen Meisterwerke kennenzulernen.

1830-1833. Öl auf Leinwand.
Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg, Russland.

Im Jahr 1821 wurde in St. Petersburg durch die Bemühungen von Enthusiasten die Gesellschaft zur Förderung von Künstlern gegründet, deren Hauptziel darin bestand, Künstler mit allen Mitteln zu unterstützen und die weite Verbreitung aller bildenden Künste zu fördern. Karl und Alexander Bryullov wurde die Ehre zuteil, die ersten Rentner der Gesellschaft in Italien zu werden. Am 16. August 1822 begann die Reise der Brüder nach Rom mit der Postkutsche St. Petersburg-Riga.

Die kreativen Werkstätten von Rembrandt, Velazquez, Van Dyck und Tizian öffneten dem Künstler aus Russland ihre Türen. Nachdem er die Errungenschaften der Weltkunst in sich aufgenommen hatte, spritzte er auf seine Leinwände Offenbarungen, die ihnen im Maßstab gleichkamen. Laut dem Dichter Alexej Konstantinowitsch Tolstoi galt Brjullow als „der beste Maler Roms“. Der Künstler malte Porträts des italienischen Adels und seiner Landsleute. Seine Malerei wird transparenter, die Farbgebung der Bilder ist intensiver, die Farben sind frischer. Der junge Maler malt seine Gemälde „Italienischer Morgen“ und „Italienischer Nachmittag“, in denen die Handlung nicht der Mythologie, nicht der Bibel, sondern einfach dem Leben entnommen ist. Dies schockiert die angesehenen Mitglieder der Gesellschaft zur Förderung von Künstlern ziemlich und entzieht Bryullov sein Stipendium. Bryullov war gezwungen, Geld mit der Anfertigung von Aquarellporträts zu verdienen.

Im Sommer desselben Jahres besuchte Bryullov zusammen mit Anatoly Nikolaevich Demidov, dem Besitzer von Bergbauanlagen im Ural, zum ersten Mal die Ausgrabungen von Pompeji. Er hörte von Pompeius durch seinen Bruder Alexander. Während er diese Stadt erkundete, kam dem Künstler die Idee, zu schreiben großes Bild und stellen Sie darauf den Tod von Pompeji dar, den er Demidov berichtete. Nachdem er ihm zugehört hatte, bot er an, das von ihm geplante Gemälde zu kaufen und schloss einen Vertrag mit Bryullov ab, der den Künstler verpflichtete, den Auftrag bis Ende 1830 abzuschließen.

Bryullov erinnerte sich an seine ersten Eindrücke vom Besuch in Pompeji: „... Ein ausgegrabener Teil dieser unglücklichen Stadt wurde uns enthüllt. Wir gingen hinauf, Wachen und Führer saßen am Eingang; Einer von ihnen bot uns seine Dienste an und sagte, dass dieser Ort ein kleines Forum sei oder ein Ort, an dem sich Menschen zu Verhandlungen und anderen öffentlichen Angelegenheiten versammelten ... Der Anblick dieser Ruinen versetzte mich unwillkürlich in eine Zeit, als diese Mauern still waren bewohnt, als dieses Forum, wo wir allein standen und wo die Stille nur von einer Eidechse unterbrochen wurde, voller Menschen war... Es ist unmöglich, durch diese Ruinen zu gehen, ohne in sich ein völlig neues Gefühl zu verspüren, das einen alles außer vergessen lässt der schreckliche Vorfall mit dieser Stadt.“

1840. Öl auf Leinwand. 87 x 70.
Nationalgalerie von Armenien, Eriwan, Armenien.

Der Maler Bryullov fand darin seine wahre Berufung Porträtmalerei Er erreichte in seinen Porträts und Gemälden die höchste bildnerische Klasse.

Die Helden von Bryullovs Porträts sind fast immer attraktiv. Dies erklärt sich aus der Tatsache, dass es sich dabei meist um außergewöhnliche Menschen handelt, helle Persönlichkeiten, und die Tatsache, dass Bryullov es vermied, Porträts von denen zu malen, die sein spirituelles Mitgefühl nicht weckten.

Der von dem Modell faszinierte Autor spricht über seine Figuren in einem schwungvollen Tonfall, manchmal so, als würde er rezitieren, wobei er die Sprache der Prosa zugunsten der Poesie aufgibt. Mit seiner Zuneigung zum Model möchte er den Betrachter fesseln.

Kennern der Malerei von Karl Bryullov ist das Porträt von M.A. besser bekannt. Beck mit seiner Tochter, gemalt im selben Jahr 1940, ist ein großes Gemälde, das heute in der Staatlichen Tretjakow-Galerie aufbewahrt wird.

In diesem Porträt werden die luxuriösen Möbel des Wohnzimmers, bemalt mit Bryullovs üblicher farbenfroher Helligkeit und Überzeugungskraft in der Wiedergabe von kostbarem Samt, Bronze und Marmor, gleichermaßen zum Gegenstand der Aufmerksamkeit und des Interesses des Betrachters. Die Heldin des Porträts erscheint in ihrer idealen, trägen Schönheit und einer Art träger Statik in der berührenden Rolle einer Mutter. Das Kalkül auf die sentimentale Reaktion des Betrachters, darauf, in ihm ein Gefühl der Zärtlichkeit zu wecken, ist hier offensichtlich.

Der Maler schuf Dutzende hervorragender Porträts seiner Zeitgenossen, die durch ihr Können beeindruckten und vielen Sammlungen auf der ganzen Welt Ehre machten.

Bryullov fühlte sich überhaupt nicht von offizieller Feierlichkeit und Bedeutung angezogen. Dies ist offenbar der Grund dafür, dass Bryullov nicht nur kein Hofporträtmaler wurde, sondern diese Rolle mit allen möglichen und manchmal riskanten Mitteln vermied.

Viele Zeitgenossen erinnerten sich an den Mut, mit dem er es vermied, den Kaiser selbst zu malen. Bryullov nutzte Nikolais Verspätung in seiner Werkstatt aus: „Er nahm seinen Hut, verließ den Hof und befahl ihm, dem Herrscher zu sagen, ob er ankam: „Karl Pawlowitsch erwartete Ihre Majestät, aber da er wusste, dass Sie nie zu spät kommen, kam er zu dem Schluss.“ Etwas hatte Sie aufgehalten und Sie haben die Sitzung auf einen anderen Zeitpunkt verschoben.“ Zwanzig Minuten nach der vereinbarten Zeit kam der Souverän in Begleitung von Grigorowitsch in Brjullows Werkstatt, war erstaunt, dass er Brüllow nicht zu Hause antraf, und nachdem er eine Erklärung gehört hatte Die Angelegenheit von Goretsky, sagte zu Grigorovich: „Was für ein ungeduldiger Mann!“ Natürlich wurde nie mehr über das Porträt gesprochen.“ Die Arbeit am Porträt der Alexandra Fjodorowna beim Ausritt hätte er beinahe demonstrativ aufgegeben, nachdem die Kaiserin mehrere Sitzungen abgesagt hatte.

1839. Öl auf Leinwand. Nicht fertig. 102,3 x 86,2.
Tretjakow-Galerie, Moskau, Russland.

Das Porträt gehört zu den Genres der Kunst, in denen das Erscheinungsbild der menschlichen Individualität nachgebildet wird. Neben der äußerlichen Ähnlichkeit fängt das Porträt ein spirituelle Welt die abgebildete Person. Diese Art von Kunst bleibt der Bereich, in dem Bryullovs Talent souverän und brillant herrscht. Neben bravourösen Sozialporträts, die durch ihre starke Farb- und Kompositionswirkung beeindrucken („Gräfin Yu. P. Samoilova verlässt den Ball mit ihrer Adoptivtochter A. Paccini“, um 1842), malte er Porträts anderer Art.

In den Bildern von Kunstmenschen herrscht eine ruhige Stimmung, eher zurückhaltend in der Farbe, die aus dem Inneren der Form zu flackern scheint und die spirituelle Bedeutung der Modelle betont. Hier wendet sich der Künstler der Analyse der menschlichen Stimmung zu und fängt widersprüchliche Muster ein, die die Seele quälen. Er sieht in Gesichtern und Posen eine Kombination aus entflammbarer Fantasie und Müdigkeit, Gedankenbewegung und rationaler Kühle.

Zu diesen Porträts gehört das Porträt von I. A. Krylov. Krylov ist einfühlsam und scharfsinnig und scheint in Ihre und seine Seele zu blicken weltliche Weisheit hebt alle Tiefen und geheimen Fäden Ihrer inneren Welt hervor.

Ivan Andreevich Krylov ist ein russischer Dichter, Fabulist, Übersetzer und Schriftsteller. In seiner Jugend war Krylow vor allem als satirischer Schriftsteller bekannt, Herausgeber der satirischen Zeitschrift „Mail of Spirits“ und der Parodie-Tragikomödie „Trump“, die Paul I. lächerlich machte. Krylow war von 1809 bis 1843 Autor von mehr als 200 Fabeln. Sie wurden in neun Teilen veröffentlicht und in für die damalige Zeit sehr großen Auflagen nachgedruckt. 1842 wurden seine Werke veröffentlicht Deutsche Übersetzung. Die Handlung vieler Fabeln geht auf die Werke von Aesop und La Fontaine zurück, obwohl es viele Originalhandlungen gibt. Viele Ausdrücke aus Krylows Fabeln sind zu populären Ausdrücken geworden.

Mütterlicherseits und väterlicherseits war Samoilova durch Verwandtschaftsbande mit den Familien Palen, Skavronsky, Fürst Potemkin und den Italienern Litta und Visconti verwandt. Julias Mutter Maria war die Stieftochter des Berühmten Staatsmann Giulio (Julia Pompeevich) Litta, mit dem sie eine zärtliche Beziehung hatte, und in der Welt war die Rede von der umstrittenen Vaterschaft von Julia (wozu der italienische Typ ihres Aussehens Anlass gab). Litta (gest. 1839) teilte sein gesamtes riesiges Vermögen und seine Kunstsammlungen zwischen Julia, der De-jure-Enkelin seiner Frau Catherine, und zwei Nebenkindern auf. Samoilova trug den Spitznamen „die letzte der Skavronskys“, da sie das kolossale Vermögen ihres Großvaters erbte.

Maria Skavronskaya, Samoilovas Mutter, besaß ein riesiges Vermögen, das der Familie Skavronsky, Verwandten von Katharina I., gehörte und die letzte Trägerin dieses Nachnamens war. Nachdem sie den Grafen Palen geheiratet und eine Tochter zur Welt gebracht hatte, verließ sie sie nach einiger Zeit, als das Kind fünfeinhalb Jahre alt war, und ging nach Paris, um Musik und Gesang zu studieren, ließ sich von Palen scheiden und heiratete General A.P. Ozharovsky.

Im Alter von fünfundzwanzig Jahren wurde Julia mit Graf Nikolai Alexandrowitsch Samoilow, dem Adjutanten des Kaisers (gest. 23. Juli 1842), verheiratet. Das Paar verlor bald das Interesse aneinander, vor allem aufgrund der Vorliebe des Grafen für Zeche und Glücksspiele. Im Jahr 1827 heiratete das Paar gegenseitiges Einvernehmen trennte sich, und Samoilow gab die Mitgift zurück, brachte Julia zu ihrem Vater, dem Grafen Palen, und pflegte sehr freundschaftliche Beziehungen zu ihr.

Die Gräfin ließ sich auf dem Anwesen Grafskaya Slavyanka in der Nähe von St. Petersburg mit einem luxuriösen Haus nieder, das nach dem Entwurf von Karl Brjullows Bruder Alexander Pawlowitsch Brüllow erbaut wurde. Später baute er ihr einen Palast auf der Insel Elagin. Die Gräfin verhielt sich äußerst unabhängig. In ihrem Haus versammelte sich ein aufgeklärter Kreis, was Nikolaus I. nicht gefiel; sie musste zuerst nach St. Petersburg und dann nach Italien ziehen, wo sie mit Rossini und Donizetti befreundet war und Künstler und Musiker förderte, an denen sie aktiv teilnahm kulturelles Leben Länder.

Die Leistungen von Karl Bryullov auf dem Gebiet der Porträtmalerei wurden als bedingungslos und unbestreitbar anerkannt, auch von so scharfen Kritikern wie Vladimir Stasov und Alexander Benois. Zu den besten Beispielen für Bryullovs zeremonielles Porträt gehören Bilder der Gräfin Julia Pawlowna Samoilowa, das Ideal seines gesamten Lebens. Das Aquarellporträt von Julia Pawlowna ist in seiner Reinheit rührend schön.

Karl Bryullov verehrte diese Frau vom ersten Tag ihres Treffens in Italien bis zu seinem letzten Atemzug, vor der Frau, die der allrussische Autokrat Nikolaus I., ihr entfernter Verwandter, wegen ihrer Meinungsfreiheit und Unabhängigkeit im Verhalten nicht mochte.

Sie traf Karl Bryullov in Rom im berühmten Salon von Zinaida Volkonskaya. Der Beginn ihrer Beziehung reicht bis ins Jahr 1827 zurück. Im Sommer reisten sie gemeinsam durch Italien und wanderten durch die Ruinen von Pompeji, wo die Idee des berühmten Leinwandmeisters geboren wurde.

Bryullovs Ruhm als Meister der Porträtmalerei wurde durch sein Porträt von Yu.P. gefestigt. Samoilova mit Giovannina Pacini und der kleine Araber. Bryullov steckte die ganze Kraft seiner Inspiration in das Porträt von Samoilova. Das Gruppenporträt ist als eine Art Lebensszene angelegt. Als Samoilova von einem Spaziergang zurückkehrt, umarmt sie zärtlich ihre Freundinnen – Giovanina Paccini und das schwarze kleine Mädchen. Die Gefühle der Charaktere werden wahrheitsgetreu wiedergegeben. Bryullov vermittelte gekonnt den Moment der Bewegung und verletzte dabei nicht die Monumentalität der Leinwand. Die Komposition umfasst auch Details der Einrichtung: ein Sofa, einen Vorhang, einen Teppich auf dem Boden, den Rand eines geschnitzten Rahmens eines an der Wand hängenden Bildes. Die elegante Dekoration blockiert nicht die geräumigen, lichtdurchfluteten Räume. Dies geschieht dank der weit geöffneten Türen des Balkons mit Blick auf den Park.

„Er zeigte ein lebensgroßes Porträt einer wandelnden edlen Dame“, schrieb einer der italienischen Kritiker über Bryullov, „... ihr bläuliches Satinkleid wirft viel Licht um sie herum... die Figuren mit allen Accessoires sind bemalt.“ frei und mit sattem Pinsel.“

Ende 1835 kehrte Bryullov auf Befehl von Nikolaus I. nach Russland zurück und übernahm die Stelle eines Professors an der Akademie der Künste St. Petersburg, Beginn des Unterrichts. Im Jahr 1839 heiratete Karl erfolglos. Das gemeinsame Leben des Paares dauerte nur 2 Monate.

In einer für Bryullov schwierigen Zeit, dem Zusammenbruch des persönlichen Glücks und der Verfolgung durch Gerichtskreise, kam Samoilova (1839) aus Italien, um ihre Freundin zu unterstützen. Sie ignorierte die Meinung der Welt, umgab den Künstler mit zärtlichem Mitgefühl und nahm ihn mit auf ihr Anwesen in der Nähe von Pawlowsk – Grafskaya Slavyanka. Dies war eine direkte Anfechtung des Gerichts, das seinen Sitz in Pawlowsk hatte und beobachtete, wie die Gästeschlangen nach Samoilowa reisten. Bryullov begann ein Porträt zu malen, das wiederum jedem sein Ideal im Leben und in der Kunst zeigen sollte. Das Porträt der Gräfin Julia Pawlowna Samoilowa, die mit ihrer Adoptivtochter Amazilia Pacini den Ball verlässt, ist der Höhepunkt von Bryullovs Schaffen als Porträtmalerin.

Der Inhalt dieses Porträts ist eine triumphale Manifestation der Schönheit und spirituellen Stärke einer unabhängigen, hellen, freien Persönlichkeit. Die fantastische Erhabenheit der Architektur trägt dazu bei, diese neue Facette des Plans des Autors zu offenbaren: Es scheint, dass dort, in den Tiefen der riesigen Leinwand, Masken nicht nur Spaß an einer gewöhnlichen Maskerade haben, sondern eine Maskerade des Lebens im Gange ist Dort versucht jeder so zu tun, als wäre er nicht der, der er wirklich ist.

Der zweite Titel des Porträts – „Maskerade“ – entspricht dem Subtext, dem zweiten Hauptplan des Künstlerplans. In dieser Welt sind Samoilovs Lügen vollständig Menschenwürde Sie wirft verächtlich ihre Maske ab und demonstriert stolz, dass sie sich nicht an der Heuchelei der Welt beteiligt. Das schöne Gesicht der Gräfin ist offen – nicht nur von der Maske befreit, sondern offen für jede aufrichtige Bewegung, leidenschaftliche Seele, darauf eingeprägt.

Der rote, wogende Vorhang mit reinigender Flamme trennt und schneidet Julia von der Maskerade ab, die hinter dem albernen Karussell brodelt, vom Sultan, der über dem monotonen Figurengewirr aufragt, von Merkur, der sich zu ihm beugt, einem zuvorkommenden Botschafter, der mit seiner Rute auf ihn zeigt Die Schönheit geht weg.

Auch die Künstlerin lebt längere Zeit bei der Gräfin und in deren Villa in der Lombardei. Darüber hinaus besaß die Gräfin ein Anwesen in Grousse (Frankreich), einen Palazzo in Mailand und einen Palast am Comer See. Fragmente der Korrespondenz zwischen Liebenden sind erhalten und zeugen von tiefen Gefühlen.

Zusammen mit der Reiterin und dem Porträt von Yu.P. Samoilova mit Giovannina Pacini und der kleine Araber, entstanden während der Arbeit am berühmten „Pompeji“, bildet dieses Porträt eine Art Triptychon, das der berühmten Schönheit gewidmet ist.

In dem Gemälde „Der letzte Tag von Pompeji“ malte Bryullov es neben dem Künstler im Hintergrund, in Form einer Mutter, die ihre zu Boden gefallenen Töchter umarmt, und an anderen Stellen.

Gräfin Samoilova hatte zwei Adoptivtöchter – die jüngere Amatsilia (geboren 1828) und die älteste Giovanni Pacini, Kinder des verarmten Mailänder Sängers und Komponisten Giovanni Pacini, Autor der Oper „Der letzte Tag von Pompeji“. machte Eindruck auf Brjullow. Sie erwähnen, dass Gräfin Samoilova, die sich auf nichts beschränkte, eine der Geliebten des Komponisten war – ebenso wie Polina Borghese, Napoleons Schwester. Es ist nicht bekannt, wann Samoilova Amazilia in ihre Erziehung aufnahm, aber dem Gemälde „Reiterin“ aus dem Jahr 1832 nach zu urteilen, lebte sie mit ihr zusammen, als sie bereits vier Jahre alt war. Der Sachverhalt mit diesen beiden Mädchen ist nicht vollständig geklärt; Dokumente deuten darauf hin, dass der Komponist tatsächlich nur eine Tochter hatte. Es gibt eine Version, wonach das zweite Mädchen, Giovannina, mit bürgerlichem Namen Carmine Bertolotti heißt und die uneheliche Tochter von Clementina Perry, der Schwester von Samoilovas zweitem Ehemann, ist.

Im Jahr 1845 beschloss Samoilova, sich von Bryullov zu trennen und brach mit ihm. 1846 heiratet sie den italienischen Tenor Peri und verliert ihre Staatsbürgerschaft Russisches Reich, verkauft Grafskaya Slavyanka und andere Immobilien. Ihr zweiter Ehemann Opernsänger Perry, der sich durch seine außergewöhnliche Schönheit auszeichnete, starb ein Jahr nach der Hochzeit an Schwindsucht.

Und ein Jahr nach seinem Tod starb auch Julia Pawlownas erster Ehemann, der berühmte „Alkibiades“, in Russland, weshalb sie lange Zeit um zwei Ehemänner gleichzeitig trauerte. Augenzeugen, die sie in dieser Zeit ihres Lebens sahen, sagten, dass die Witwentrauer sehr gut zu ihr passte und ihre Schönheit betonte, sie sie jedoch auf sehr originelle Weise nutzte. Samoilova setzte die Kinder wie auf einem Karren auf die lange Schleppe des Trauerkleides und rollte die Kinder wie ein gesundes Pferd vor Freude lachend über die verspiegelten Parkettböden ihrer Paläste.

Der dritte Ehemann, der Diplomat Graf de Mornay, mit dem sie 1863 heirateten, verließ seine Frau bereits im mittleren Alter ein Jahr nach der Hochzeit und begründete den Abschied mit der völligen Verschiedenheit der Charaktere.

Am Ende ihres Lebens hatte Samoilova fast ihr gesamtes Vermögen verloren. Stieftöchter Die Verheirateten holten das versprochene Geld und Vermögen über das Gericht von der Gräfin ein. Sie starb in Paris und wurde zusammen mit ihrem zweiten Ehemann auf dem Friedhof Père-la-Chaise beigesetzt.