Wedomosti, 06.10.2015 Marina Shimadina.

Uraufführung des Theaterstücks von Kirill Serebrennikov nach dem Gedicht von Nekrasov (

Kino, 21.09.2015

Wer lebt gut in Russland? Gogol-Zentrum

. Presse über die Aufführung

NG, 21. September 2015 Kirill Serebrennikow.

„In welchem ​​Jahr – berechnen, / In welchem ​​Land – raten, / Auf einem Säulenpfad / Sieben Männer kamen zusammen: / Sieben vorübergehend verpflichtet, / Aus der verschärften Provinz, / Kreis Terpigoreva, / Leerer Volost, / Aus angrenzenden Dörfern: / Zaplatova, Diryaeva, / Razutova, Znobishina, / Gorelova, Neyolova - / Schlechte Ernte, / Sie kamen zusammen und stritten: / An wen Das Leben macht Spaß,/ Fühlen Sie sich in Russland wohl? / Roman sagte: zum Gutsbesitzer, / Demyan sagte: zum Beamten, / Lukas sagte: zum Priester. / Zum dickbäuchigen Kaufmann! – / Sagten die Gubin-Brüder, / Ivan und Mitrodor. / Der alte Mann Pakhom strengte sich an / und sagte mit Blick auf den Boden: / Zum edlen Bojaren, / Zum Minister des Souveräns. / Und Prov sagte: zum König ...“ – mit genau diesen Worten aus dem Prolog des Epos Nekrasovs Gedicht Die Aufführung beginnt. Nein, das ist falsch. Die Aufführung beginnt mit einer Untersuchung der Bühne, auf der unbequeme, schwere Schulstühle mit Metallbeinen und geneigter Rückenlehne stehen. Von einem Ende der Bühne verläuft von rechts nach links ein Rohr einer unbekannten „Gasleitung“. ” oder Heizungsleitung, die selbst in Moskau so oft an die Oberfläche kommt. Oberhalb der Wand, die später die gesamte Tiefe der Bühne freigibt, aber vorerst ein weiteres Hindernis hinter dem Rohr markiert, glitzert in Ringen gedrehter Stacheldraht. An einer Stelle war jedoch ein Teppich direkt auf dem Rohr ausgelegt. Aber im Allgemeinen denken Sie, dass der Raum für Gespräche darüber, wer in Russland gut lebt, gut geordnet ist. Hierher kommen Männer aus verschiedenen Dörfern, alle erkennbare Typen. Der malerische alte Mann Pakhom (Timofey Rebenkov) kann sich nicht entscheiden, seine Gedanken schweifen vom Bojaren zum Minister und zurück ... Als nach der Frage „Über wen“ eine Pause entsteht, geht ein leichtes Lachen durch die Gegend Hall: Wenn man sich diese Männer ansieht, wird klar, dass sie jetzt in ihren Antworten verwirrt sein werden, da sie in dieser Hinsicht nichts über sich selbst zu sagen haben.

Kirill Serebrennikovs neue Aufführung hat eine im heutigen Theater sehr seltene Qualität – sie ist ohne viel Aufhebens. Es spiegelte in keiner Weise die vielfältigen Erfahrungen von Kirill Serebrennikov in den letzten schwierigen Monaten wider – hinsichtlich des abwesenden Regisseurs und verschiedener anderer Schwierigkeiten. Man könnte davon ausgehen, dass er als Reaktion darauf, um die Lebensdauer des Theaters zu verlängern, etwas Destilliertes, „Stilles“ oder umgekehrt etwas so Skandalöses tun würde (Nekrasov nennt Gründe dafür!), dass er lautstark die Tür zuschlagen würde. Das Stück hat weder das eine noch das andere.

„Who Lives Well in Rus“ ist ein großes Dreiakterstück, das gegen 11.00 Uhr endet, aber es sieht einfach aus ... Nun, soweit man von Leichtigkeit sprechen kann, wenn wir – fast ausnahmslos – über Dinge sprechen, die sind freudlos, schrecklich, tragisch. Man könnte sagen, Serebrennikov kehrt als reine, echte Tragödie auf die Bühne zurück, ohne jegliche Ironie, Selbstironie oder Vorbehalte. Im dritten Teil – „Ein Fest für die ganze Welt“ – wird die Last der Tragödie von Evgenia Dobrovolskaya auf sich genommen und getragen, der der Regisseur die Rolle der Bäuerin Matryona Korchagina gibt. Allein die Geschichte dieser halb Frau, halb Junge in geschlechtslosen Skihosen ist gruselig – bis zur tödlichen Stille im Saal, bis zum Gefrierpunkt, aber die herausragende (daran besteht in dieser Szene kein Zweifel) Dramatik und selbst die tragische Schauspielerin bleibt mit dem Publikum nicht allein. Ihre Geschichte steht gleichzeitig im Dialog mit dem melancholischen, langwierigen Lied von Marina Poezzhaeva. Generell wurde in dieser Szene vieles erfunden, vieles – aber nichts Überflüssiges. Als Matryona gerade mit der Geschichte beginnt, wird die Kamera eingestellt und wir sehen ihr Gesicht in Großaufnahme auf dem Bildschirm, und die anfängliche, fast törichte Freude darüber, dass die Bäuerin „ein Interview gibt“, lässt uns ihren Schrecken nicht sofort erkennen Geschichte. Hinter ihr stehen ein Tisch und Brote, die sie unter den Männern aufteilt – eine völlig religiöse und mystische Szene ihrer Gemeinschaft mit unmenschlichem Leid, ihrem und seinem.

In „Who in Rus'...“ arbeitet Serebrennikov erneut mit dem Komponisten Ilya Demutsky zusammen, der die Musik für „(M) the Student“ und kürzlich für das Ballett „Hero of Our Time“ geschrieben hat, hier ist Demutsky erneut der Autor Ballettmusik für den zweiten Akt von „Drunken Night“, an der der Regisseur und Choreograf Anton Adasinsky mit Serebrennikov zusammengearbeitet hat, in der sich ein betrunkener Reigen sofort in einen schrecklichen Cancan verwandelt und der Reigen ein ebenso extremes und schreckliches Ballett ist. Mehr zur musikalischen Seite der Aufführung: Serebrennikov probiert verschiedene Tonarten aus, und ich muss sagen, der jambische Trimeter des Gedichts klingt gut, und wenn er von russischem Rock „getestet“ wird, wo Gitarrensaiten auf Bruch getestet werden und wann Es klingt wie Rap und die Jazzharmonien von Nekrasov. Der Vers passt auch zum Anzug.

Es gibt viele verschiedene Dinge in dem Stück, skurril, kaleidoskopisch, wie Nekrasov mit der skurrilen Intonation und Vielfalt der Gespräche vorerst die Hoffnungslosigkeit des lokalen „Roadmovies“, das grundsätzliche Elend des Bauern usw. verhüllt und verbirgt im Sinne jedes anderen Lebens „in Russland“. Denn niemand in der Stadt oder irgendwo da oben kann sich glücklich schätzen, wenn dieses Glück auf solch tragischen „Knochen“ aufbaut. „To who in Rus'...“ ist eine sehr schöne Aufführung, bei der die Männer zum Refrain des Frauenchors „Es gibt keinen Tod...“ in von theatralischem Licht beleuchtete Wasserbäche eintauchen Ich erinnere mich unweigerlich an Bill Violas „Wasser“-Serie. Und das Erscheinen „betrunkener“ Menschen vor Beginn des zweiten Teils sowie vor Beginn des dritten Teils – das Erscheinen zweier „Männer“ in der Halle mit einem Eimer Wodka und der Bitte an das Publikum, über ihr Glück zu sprechen , dem Plan des Regisseurs folgend, abwechslungsreich die Handlung, entspannt aber nicht.

Nowaja Gaseta, 18. September 2015

Elena Dyakova

Matrenin Dvor von Perm nach Taurida

Im Gogol-Zentrum – „Wer lebt gut in Russland?“

Der Auftritt von Kirill Serebrennikov wurde pünktlich veröffentlicht. Das ist wichtig: Weder ein weiterer Führungswechsel noch mündliche und gedruckte Gerüchte über die wirtschaftlichen Schwierigkeiten des Theaters hinderten das Gogol Center daran, die Saison mit einer Premiere zu eröffnen.
Dreiteilig. Drei Stunden. Genreübergreifend und Patchwork – wie Nekrasovs Gedicht selbst. Übrigens: Niemand vor dem Gogol Center hat jemals versucht, es auf einer dramatischen Bühne zu inszenieren.

Der Bühnenbildner ist Serebrennikov selbst. Eine leere Wand mit dornigen Locken an der Oberseite ersetzt den Hintergrund. Auf der anderen Seite der Bühne erstrahlt eine Gaspipeline im warmen Schein des nationalen Wohlstands.

Im Schatten des Schornsteins steht ein einfacher Haushalt in der Smart-Provinz des Kreises Terpigoreva: eine Nähmaschine, ein Bügelbrett mit weißem Bürohemd, ein alter Fernseher, ein Küchentisch, karierte Shuttle-Taschen, Teppiche – ein elterlicher Segen, a Mangel der 1970er Jahre.

In den Stacheldrahtrollen im Hintergrund blinkt in weißem Neon eine dürftige Werbeaufschrift wie in einem Straßencafé: „Wer lebt gut in Russland?“ Was ist hinter der Mauer? Unbekannt. Aber es handelt sich bei der Mauer (das ist irgendwie sofort klar) nicht um eine Gefängnismauer. Und unseres, Liebes. Wir sind diejenigen, die hinter ihr sitzen und die Verteidigung innehaben. Es steht nicht an der Grenze eines Staates, sondern in unseren Köpfen.

Aber in einer Welt, die durch eine Mauer begrenzt ist, gibt es freien Willen. Und sieben Männer, die sich unter den Kiefern ausbreiteten, sich versammelten und dienten starke Getränke, kann dort hemmungslos auf der Suche nach Sinn umherwandern.

Die „Männer“, die jungen Schauspieler des „Siebten Studios“, sind natürlich nicht die Bauern der 1860er Jahre. Ihre Bande bewegt sich harmonisch über die Bühne, wie eine Artel von Lastkähnen. Gleichzeitig hat jeder seinen eigenen Typ und Charakter: ein Wachmann, ein Shuttle, ein „Einzelunternehmer“, überzogen mit dem ersten Anflug von Wohlstand, ein Wiesel, ein Trottel... Und auch – der Protzige, immer unsicher, ob er respektiert wird.

Und doch – ein bebrillter Mann in einem T-Shirt mit der Aufschrift „THIS SOCIETY’S DAYS ARE NUMERED“ und einer Pionierkrawatte.

...Aber ihre Frauen sind alle gleich: langbeinige Schönheiten in abgestandenen Flanellgewändern mit Blumenmuster.

Die Welt ist durchaus erkennbar. Die Welt liegt den Zähnen am Herzen. Und irgendwie fühlt er sich auf seiner Art wohl auf der Bühne.

« Nekrasovs gesamtes Gedicht, das nach der Abschaffung der Leibeigenschaft geschrieben wurde, stellt Fragen nach Freiheit und Sklaverei. Es geht um die Unmöglichkeit, Freiheit zu erlangen, und um die Bequemlichkeit gewohnheitsmäßiger Sklaverei„- schreibt Kirill Serebrennikov im Vorgriff auf die Premiere. Darum geht es im ersten Teil des Stücks – „Dispute“. Nekrasovs Episode „Das Findelkind“, in der die befreiten Bauern des betagten Fürsten Utjatin begeistert, gallig, hinterlistig und mit einer närrischen Wendung weiterhin Leibeigene spielen, um den alten Herrn zu trösten (die St. Petersburger Erbengarde versprach, ihm das zu geben). Überschwemmungswiesen zum „Kloster“, wenn der Priester glücklich stirbt, ohne von der Reform von 1861 zu wissen) – wächst auf der Bühne des Gogol-Zentrums zu einem wahren Bestiarium heran.

Wieder einmal ein Bestiarium, das mir bis ins Mark am Herzen liegt.

Der falsche Bürgermeister Klim (Nikita Kukushkin), bereit, diese Farce zu regieren (ein ernsthafter Mann würde so etwas nicht unternehmen), der verkaterte Rebell Agap (Evgeny Kharitonov), „Frieden“, der aus Gift, Lachen, Klatsch entsteht – aber gewohnheitsmäßig „treue Sklaven“ spielt In den Bestrebungen der Zukunft profitiert die „junge Elite“ der Utyatin-Fürsten, die das Kriechen der Höfe positiv beobachtet (tatsächlich sind sie rechtlich gesehen seit langem freie Menschen). Nekrasovs Zeilen sind bissig, wie Stäbe – und surrealistisch genau in diesen Unsinn eingepasst, eine stattliche blonde Schönheit im Schneewittchen-Kostüm (Rita Kron), die mit tiefer Bruststimme im Rampenlicht singt: „Ich schaue in die blauen Seen ...“ “.

Verbrannter Rus‘, untreuer Rus‘, Rus‘, immer bereit, sich zu Boden zu beugen – und im Bogen ein Messer hinter dem Stiefel hervorzuholen. Rus‘, in dem Nekrasov selbst manchmal eine Figur aus demselben Bestiarium zu sein scheint (wer wird unsere Menge ohne einen Fürsprecher des Volkes zur Axt rufen?!).

Teil zwei – „Betrunkene Nacht“. Hier gibt es keine Worte: Nur ein Chor von Mädchen in Schwarz, mit halb Trauer-, halb Kupala-Kränzen auf dem Kopf, singt Vokalisen zu Fragmenten von Nekrasovs Zeilen: hungrig, lieb, hungrig ... Die Musik von Ilya Demutsky und der Die Choreographie von Anton Adasinsky beherrscht diesen Akt und verwandelt Nekrasovs Werk in eine schreckliche Plastikskizze, in ein russisches Fegefeuer, aus einem völlig lebendigen Fest der rechtschaffenen und sündigen Bauern. Das Artel der Schauspieler des „Siebten Studios“, einer Bande freier Wahrheitssucher aus Zaplatov-Dyryavin-Razutov-Znobishin, verwandelt sich in einen einzigen, starken und erschöpften, halbnackten Körper, dem nicht einmal ein sterbliches Hemd gegeben wird: nur Häfen!

Entweder ist dies eine Hungersnot – aber nicht die von Nekrasov, sondern die Wolga-Hungersnot von 1921, eine der schrecklichsten. Oder ein Camp-Badehaus. Entweder loggte er. Entweder ein Hinrichtungsgraben, eine Grube, Chevengur, Infanterie mit drei Linien unter Maschinengewehrfeuer. Ist es ein Fresko? Jüngstes Gericht

„in der Dorfkirche. Hier fällen sie bei höllischem Frost Kiefern. Hier tragen sie die Toten auf gebeugtem Rücken weg. Hier werden sie stillschweigend gequält, das ganze Volk leidet unter der freudigen Sünde der halb betrunkenen Unterwürfigkeit und dem wahnsinnigen Jubel der Rebellion.

...Im dritten Akt kommt die Erleuchtung. Er trägt eine wattierte Jacke, Gummistiefel und einen Schal. Matryona Timofeevna, die Mutter des unschuldig ermordeten Babys Demushka und fünf lebender Söhne, einer Klin-Bäuerin mit dem Spitznamen „Gouverneur“, wird von Evgenia Dobrovolskaya, einer der besten Schauspielerinnen des Moskauer Kunsttheaters, gespielt. Er spielt und macht Nekrasovs poetischen Monolog so natürlich wie das Atmen. Mit ihrer Geschichte vermenschlichen sie das Artel der Wanderer: Sie wischen sich eine Träne weg und schniefen, hören zu, nehmen Matrjona schwere Tonteller mit Kohlsuppe aus der Hand, schenken der Gastgeberin ein Glas ein, schneiden einen Laib Brot. Und hier ist jede Geste erkennbar: Welcher Russe hat nicht an einem solchen Tisch gesessen? Und es ist kein Zufall, dass das Schwarz-Weiß-Video von Matryonas Geschichte über ihre Jugend wie ein Film aussieht. harscher Stil

» 1960er Jahre.

Es geht nicht darum, dass „es gut ist, in Russland zu leben“ … Es geht vielmehr darum, dass ein Dorf ohne einen rechtschaffenen Menschen nicht bestehen kann. Und wenn unserer – von Perm bis Taurida – vor dem Himmel auf Erden steht, dann ist das der Grund für Matrenins Hof.

Die Männer packen T-Shirts mit Bildern aus und ziehen sie in sieben Lagen an. Einer von denen, die an jedem Resort-, Markt- und Bahnhofsstand in ganz Russland hängen. Hier sind höfliche Menschen und ein Igel im Nebel und Bier mit Wodka und Angeln mit einem Badehaus und eine Kirche mit einem Kreuz und eine Axt mit einem Kolovrat und Wyssozki mit der Überschrift „Alles ist falsch, Leute.“ und Präsident Putin mit dem Slogan „Das ist für Sie.“ NATO? ... „Russisch bedeutet nüchtern“, „Rufen Sie Russland an die Axt“, „Ich erinnere mich nicht an Beleidigungen – ich schreibe sie auf“. .

Alles, was wir vom Markt bringen, statt Belinsky und Gogol. Und jetzt statt meines Herrn dumm.

All das – unvereinbar bunt, aber irgendwie in fast jedem Kopf dicht gehäuft – ist das Protoplasma, das langsam im Gehirn der gesamten Bevölkerung des Kreises Terpigoreva schwankt.

Und niemand scheint zu wissen, welches Enzym in dieser Mischung für die Synthese am wichtigsten sein wird.

... Und wer wird versuchen, die Russophobie in der Flickendecke dieser Aufführung (mit all ihrem Brokat, den Matten, den Soldatentüchern und dem Stacheldraht) einzufangen ... er hat, raten Sie mal, nicht in Russland gelebt.

Ich habe im Zug nicht mit meinen Mitreisenden gesprochen. War nicht auf der Pioneer-Linie. Er erzählte keine Witze über Breschnew. Ich habe keine Marinenudeln gegessen – Spaghetti Bolognese, aufgeführt von Midshipman Zhevakin. Ich bin nicht auf den kleinen Großhandelsmarkt gegangen, um Poshechon-Käse und Schreibwaren zu kaufen. Ich habe den Klumpen nicht geschluckt, als ich sah, wie meine Eltern im Fernsehen Schwarzweißfilme aus den 1960er Jahren sahen.

Und es ist absolut sicher, dass es nicht an Nekrasovs Schule stattgefunden hat.

TheaterALL, 19. September 2015

Anton Chitrow

Verlieben Sie sich in Nekrasov

„Wer lebt gut in Russland“ im Gogol Center

Das neue Stück von Kirill Serebrennikov, das das Territory-Festival leiten wird, ist mit Abstand der größte Sieg des Regisseurs als künstlerischer Leiter des Gogol Center.

Kirill Serebrennikov begann vor mehr als einem Jahr mit der Arbeit an Nekrasovs Gedicht: Im Sommer 2014 reiste er in Begleitung seiner ehemaligen Schüler des „Siebten Ateliers“ und Künstlern des ältesten Wolkow-Theaters Russlands durch die Region Jaroslawl geplant, dass die Produktion eine Koproduktion zweier Theater sein würde; „Gogol-Center“ musste die Premiere alleine veröffentlichen, aber die Moskauer bedankten sich bei ihren Kollegen aus Jaroslawl. Die Schauspieler interviewten Bauern, Bibliothekare und örtliche Polizisten, gingen in Museen und bereiteten Auszüge aus dem Gedicht vor. Jeden Abend zeigte eine Gruppe eine kleine Skizze. Einer von ihnen stieg sogar in die Aufführung ein, doch tatsächlich verfolgte Serebrennikov ein anderes Ziel: Er wollte mit den Schauspielern verschiedene Herangehensweisen an Nekrasov ausprobieren und Sackgassentechniken von vornherein verwerfen.

Vielleicht war sich der Regisseur schon damals sicher, dass „Who Lives Well in Rus“ ein Text ist, für den es nicht ausreicht, nur eine Tonart auszuwählen. Serebrennikov, einer der künstlerischen Leiter des internationalen Festivals „Territory“, künstlerischer Leiter, der sich mit den unterschiedlichsten Richtungen des modernen Theaters auskennt, demonstriert seinen Mann in Oper, Schauspiel und Ballett neuer Job beispiellose Genrevielfalt. So etwas hatte es in seiner Karriere noch nie gegeben – außer vielleicht „Ein Sommernachtstraum“: Diese Shakespeare-Aufführung bestand aus vier Kurzgeschichten mit unterschiedlichen Atmosphären. Und doch ist die neueste Premiere viel größer. Hier finden Sie stilvolle europäische Regie mit Videokameras, krude politische Satire, Oper, physisches Theater und Schamlosigkeit Schauspielimprovisation, und sogar die gute alte „russische Schule“ mit Erfahrungen.

Regisseur und Choreograf der Aufführung ist kein geringerer als Anton Adasinsky, der Schöpfer des Avantgarde-Theaters „Tree“. Besonders auffällig ist sein Beitrag im zweiten, handlungslosen Akt, der auf dem Kapitel „Drunken Night“ basiert: nasse, halbnackte Männer führen einen wilden, brutalen Tanz auf, begleitet von einem Chor und einem Live-Orchester. Es ist kaum zu glauben, dass nach der Pause dieselben Künstler mit einem Eimer Wodka durch die Halle laufen und jedem, der sie davon überzeugen kann, dass er glücklich ist, Getränke anbieten.

Nekrasov gibt weder Ort noch Zeit an: Das Gedicht beginnt, wie wir aus der Schule wissen, mit den Zeilen „In welchem ​​Jahr – berechnen, in welchem ​​Land – raten.“ Serebrennikov hat noch weniger Einzelheiten. Wenn „Idioten“, „(M)jünger“ – seine Auftritte aus der Zeit des Gogol-Zentrums – eindeutig auf das „Hier und Jetzt“ verwiesen, dann verbinden sich im neuen Werk die Zeichen der Moderne mit der Realität Zaristisches Russland. Nekrasov hat alle sieben Vertreter des Volkes, das in Russland einen glücklichen Menschen sucht – Männer, Bauern; Der Regisseur erkennt, dass Bauern längst nicht mehr die Mehrheit sind, und macht sie zu Menschen verschiedener sozialer Gruppen – hier gibt es „Knarrer“ und Proletarier aus dem sogenannten Uralwagonsawod. Es ist klar, dass sie sich nicht gut verstehen – aber Nekrasov beschrieb auch Scharmützel und Kämpfe zwischen seinen Helden.

Auf der Suche nach glücklichen Landsleuten erfährt eine bunte Truppe von verschiedenen merkwürdigen, absurden und schrecklichen Fällen, von denen Serebrennikov vier inszenierte: „Die Sünde des Judas“ des älteren Gleb, der seine Dorfbewohner verkaufte; die Rache Jakows, eines treuen, vorbildlichen Sklaven, an seinem grausamen Herrn, ausgedrückt durch Selbstmord vor den Augen des Täters; Bäuerin Matrjona Timofejewna Kortschagina. Matryona wird von Evgenia Dobrovolskaya gespielt, die mindestens fünfzehn Minuten lang die Bühne beherrscht und für diese Rolle höchstwahrscheinlich die Goldene Maske erhalten wird.

IN letzten Jahren Serebrennikov ist sein eigener Produktionsdesigner; und als Künstler liefert er eine einfache, klare Lösung: Auf der Bühne gibt es eine Ölpipeline und einen Zaun mit Stacheldraht, zwei Gründe, warum manche Menschen in Russland gut leben und andere nicht so sehr. Als Regisseur trennt er jedoch nicht „das Volk“ und „die Obrigkeit“, die Ausgebeuteten und die Ausbeuter: Der Schauspieler, der den Herrn spielt, wird in der nächsten Handlung zum Leibeigenen, der Mann hingegen schon der Meister. Nekrasov schrieb das Gedicht kurz nach der Abschaffung der Leibeigenschaft, und das Schlimmste, was er beschreibt, ist freiwillige, nicht erzwungene Sklaverei. In einem der schrecklichsten Kapitel versprechen die Erben eines reichen Gutsbesitzers den Bauern Land, damit sie sich als Leibeigene ausgeben und den kranken Altmeister nicht verärgern – und freie Menschen nehmen das Angebot freudig an: In der entsprechenden Episode des Stücks Junge Künstler des Gogol-Zentrums verkleiden sich als sowjetische Rentner und sorgen so für verständnisvolles Gelächter im Publikum.

Es gibt Wendepunkte im Leben eines literarischen Werkes, und vielleicht wird die Premiere im Gogol-Zentrum eine für das Gedicht von Nikolai Nekrasov sein, das das Interesse der Leser verloren hat, weil die Bolschewiki und die Sowjetregierung die Kontrolle darüber übernommen haben. Der Punkt liegt nicht nur darin, dass Nekrasov (wie sich herausstellt) über die Wahl zwischen Freiheit und Wurst, über häusliche Gewalt und Frauenrechte schrieb, sondern auch in seinem Stil selbst.

Nekrasovs poetische Sprache erwies sich als überraschend flexibel: Auf Wunsch des Regisseurs klangen die Gedichte wie Alltagssprache, wie ein Oratorium und sogar wie Hip-Hop. Dobrovolskaya, die die alte Bäuerin spielt, hat offenbar viele Interviews von verschiedenen ethnografischen Expeditionen gesehen – der poetische Rhythmus hindert die Schauspielerin jedenfalls nicht im Geringsten daran, charakteristische „Dorf“-Intonationen zu reproduzieren. Der jedem bekannte Prolog – der, in dem „sieben Männer auf einer Hauptstraße zusammenkamen“ – löst Serebrennikov wie eine Talkshow und bricht ihn in Bemerkungen des Moderators und der Gäste der Sendung auf: Nekrasov lässt eine solche Operation problemlos zu auf sich selbst. Der Klassiker bietet den Komponisten Ilya Demutsky und Denis Khorov nicht weniger Möglichkeiten als dem Regisseur und den Künstlern: Musikalisch ist diese Premiere noch vielfältiger als Serebrennikovs „Dead Souls“ auf derselben Bühne mit den Hits von Alexander Manotskov. Für jeden Geschmack ist eine Aufführung dabei – vom klassischen Chorgesang bis hin zu

Snob., 21. September 2015

Vadim Rutkovsky

Zirkus, Kabarett, Tragödie: Kirill Serebrennikov führte Regie bei Nekrasov„Gogol Center“ eröffnete die Saison mit der Premiere des Stücks „Wer lebt gut in Russland“ nach einer bekannten Geschichte aus der Mittelschule

Schulalter

Zweiter Gedanke: Es ist seltsam, dass Bürokraten russische Klassiker zumindest verbal fördern, aber es ist höchste Zeit, nur Tolstois „Philipka“ im öffentlichen Gebrauch zu lassen (und sogar „Auferstehung“ – für das Scheunenschloss), denn die Klassiker unterschieden sich weder politisch noch politisch Korrektheit oder Ehrfurcht vor dem Rang. Und der Beginn des Theaterstücks/Gedichts, in dem sieben Männer zusammenkommen und darüber streiten, „wer in Russland glücklich und frei lebt“, ist als politische Talkshow konzipiert. Mit der tschekistischen Ausbildung geben die Geschichtenerzähler-Ermittler (Ilya Romashko und Dmitry Vysotsky) den Teilnehmern Nummernschilder mit ihrem Namen und fragen beharrlich: „An wen?“ Sie vergessen immer den armen Prov (Philip Avdeev), den jüngsten und mutigsten, der sagte: „Zum Zaren!“, der eine Brille und ein T-Shirt trägt. „Die Tage dieser Gesellschaft sind gezählt“ (und wenn sie sich erinnern, sie bluten sich sofort die Nase). Lukes Antwort (Semyon Steinberg): „Pop off!“ - angesichts der unaufhaltsamen Verschmelzung von Staat und Kirche schweigen sie. Das ist sehr witzig – und perfekt durchdacht: Serebrennikov schafft ein dramatisches Wunder, indem er Nekrasovs dichten, massiven, wie eine Gitarren-Klangwand in den Liedern von „Civil Defense“ wirkenden Text in eine Komposition verwandelt, als wäre er speziell für das Theater geschrieben – er verbreitet das Text in Rollen einteilen, ohne ein Wort zu ändern, ausschließlich Platzierung von Akzenten und Intonationen. In der Aufführung wird viel gesungen (beide Zeilen des Gedichts und geliehene Lieder – insbesondere russische Volkslieder und patriotische Popsongs aus der Zeit der UdSSR), aber der gesamte Klang fließt wie Musik. Und jeder Held, seien es Menschen – die Männer Roman (Ivan Fominov) und Ivan (Evgeniy Sangadzhiev), Pakhom (Andrey Rebenkov), Demyan (Nikita Kukushkin) und Mitrodor (Mikhail Troinik) oder sogar Märchenwesen – Bird (Evgenia Dobrovolskaya). ) und Chick (Georgy Kudrenko) ist eine detaillierte und witzige Figur. Aber wenn Sie möchten Hauptrolle in dieser Ensembleaufführung wird es dann Evgenia Dobrovolskaya gehören – ihr wird der bedeutungsbildende Monolog des dritten Aktes, Matryonas Geschichte, zuteil.

Vom Stil her ist dies vielleicht Serebrennikovs hemmungsloseste und unberechenbarste Darbietung; kontrastierend zum rhythmisch homogenen Gedicht; steile Rutschen oder, wenn wir Nekrasovs Bilder verwenden, eine selbst zusammengestellte Tischdecke.

Der erste Akt, „Dispute“, ist eine schneidige, aber relativ traditionelle Inszenierung mit Elementen des Kabaretts, einem Genre, das der Regisseur im Moskauer Kunsttheater „Zoykas Apartment“ erprobt hat. Die Parade der sowjetischen Lieder beginnt mit der Ankunft der Bauern im Land des Meisters Utjatin; „Jetzt ist die Ordnung neu, aber er albert auf die alte Art herum“: Es gibt Kinder, die befürchten, dass der tyrannische Priester sie ihres Erbes berauben wird, „gehen Sie voran und platzen Sie dem Herrn gegenüber heraus, dass den Grundbesitzern befohlen wurde, sich zu wenden.“ unterstützt die Bauern.“, kein Schutz, kein Tod.“ Die in Unterwäsche gekleideten „Männer“ versinken in einer schmerzhaften körperlichen Trance (Choreograph der Aufführung ist der legendäre Anton Adasinsky, Schöpfer des „Baum“-Theaters).

Der dritte Akt, „Ein Fest für die ganze Welt“, ist ein Schlag ins Gesicht des guten Geschmacks: Er beginnt mit einem derben Zirkus, riecht nach Wodka und ist großzügig mit verzweifeltem Clownerie. Und aus diesem bunten Wurf entsteht eine erhabene tragische Episode – eine lange, schreckliche, herzzerreißende und herzzerreißende Geschichte von Matryona (das herausragende Werk von Evgenia Dobrovolskaya), die mit anhaltenden und bitteren russischen Liedern (dem Wunderbaren) in Dialog tritt die junge Schauspielerin Maria Poezzhaeva zeigt eine bemerkenswerte stimmliche Begabung)

Und im Finale – kontrastreich, scharf, man könnte sagen „umhauen“, wenn das Publikum im Theater nicht schon sitzen würde (übrigens ist die Inszenierung so spannend, dass man vergisst, wie hart die Stühle im Saal sind). Gogol Center) - sie erklingen nacheinander zwei Lieder von Yegor Letov. Das bravouröse „Mutterland“ (über das der Autor selbst sagte: „Dies ist eines der tragischsten Lieder, die ich geschrieben habe. In dem Lied geht es darum, wie sich die Heimat aus den Knien erhebt, die tatsächlich nicht existiert, die nicht existiert.“ Er erhebt sich nur von den Knien, bleibt aber immer tiefer, enger und hoffnungsloser in einem beispiellosen Arsch stecken, und gleichzeitig ist es sehr kraftvoll, darüber zu singen, wie das Heimatland aufsteigt.“ Und das Geräusch eines Pistolenschusses: „Die Kugel wird den Übeltäter finden.“ Die Helden, die frontal in einer Reihe auf der Bühne aufgereiht sind, ziehen Dutzende T-Shirts an – diesen kitschigen Müll, der die Souvenirzelte des neuen Russlands übersät, mit stürmischen Vorsprüngen des Volksbewusstseins – vom „höflichsten Präsidenten“ bis „Ein Bauch vom Bier ist besser als ein Buckel von der Arbeit.“ Ist das Satire? Bitterkeit? Spott? Schönheit des Hässlichen? Nur Schönheit? Wer lebt – verdammte rhetorische Frage; Selbst wenn Sie hundert Eisenschuhe einpacken, werden Sie die Antwort nicht finden. Und wenn man versucht, das Genre einer polyphonen Aufführung in einem Wort zu definieren, dann ist dies keine Suche nach einer Antwort, sondern ein Porträt eines Landes. Mit inoffiziellem, aber verwurzeltem, angeborenem Patriotismus wie der Blutgruppe.

Gewebt aus dem Kampf stilistischer Gegensätze, aus Schrecken und Freude, Schmerz und Rausch, Vano Muradeli und Yegor Letov. Theater., 23. September

2015

Olga Fuks

Nekrasovs Gedicht „Wer lebt gut in Russland“ ist ein Schulprogramm, das in der Oberschule gelehrt wird, wenn Teenager sich nach der Leibeigenschaft überhaupt nicht für Russland interessieren. Ich kann mich nicht erinnern, dass einer der von der Schuldidaktik vergifteten Erwachsenen freiwillig zu diesem Text zurückgekehrt wäre.

Das Gedicht scheint überhaupt keine Bühnengeschichte zu haben. Als das Gogol Center diese Produktion ankündigte, hatte man jedoch das Gefühl, dass die Idee an der Oberfläche stecke. Aber niemand außer Serebrennikov hat es genommen.

Russland – Dunkelheit, endlose und grenzenlose Gefangenschaft, unaufhaltsames Schicksal, Schatten der Vergangenheit, Absurdität und Schmerz, alte Lieder über das Wesentliche und neue Lieder über das Ewige – hier ist es, das Querschnittsthema von Kirill Serebrennikovs Werk. „Forest“, „Bourgeois“, „Dead Souls“, „Lord Golovlevs“, „St. George’s Day“, „Kizhe“ bewiesen auf unterschiedliche Weise, wie unerschöpflich es ist. Die meisten Proben fanden nicht im Proberaum statt, sondern auf einer Reise durch die Region Jaroslawl – zu den Orten, an denen sich Nekrasovs Karabikha-Anwesen befand, zu den modernen Dörfern Razutov, Neelov und Neurozhaika, zu den Nachkommen von Nekrasovs Figuren. Serebrennikov und seine Schauspieler waren auf der Suche nach Authentizität auf der Bühne, wie die frühen „Künstler“, Dodins „Brüder und Schwestern“, Alvis Hermanis‘ Shukshin „Exzentriker“ – kurzum diejenigen, für die Theater ein Lernprozess ist.

Die erste Schicht dieser vielschichtigen Darbietung ist die relevanteste, pfeffrigste. Ein Frontalzusammenstoß mit heute. Da er auch als Bühnenbildner für seinen Auftritt fungierte, führte der Regisseur Ihre Majestät die Pfeife (mit Öl oder Gas?) – das Rückgrat des modernen Russlands – über die Bühne. Die Behausungen von Nekrasovs Männern sind darauf ausgerichtet – tatsächlich nicht einmal Behausungen, sondern Orte rund um Fernseher. In der ersten Szene finden sich die Männer wieder Talkshow-Teilnehmer, dessen Moderator (Ilya Romashko) eine provokante Frage stellt: Wer lebt glücklich und frei in Russland? Die Bauern murmeln widerstrebend ihren Namen und ihre Version der Antwort ins Mikrofon: an den Bojaren, an den edlen Würdenträger, an den dickbäuchigen Kaufmann ...

Bei der Antwort „popU“ stolpert der Moderator und wiederholt die aufrührerische Antwort lieber nicht laut – aber wie sollen sie wegen Beleidigung der Gefühle von Gläubigen vor Gericht gestellt werden? Und er hat es offensichtlich nicht eilig, den gebrechlichen Mann mit der Brille um eine Antwort zu bitten – er hat das Gefühl, dass dieser Kerl umsonst angerufen wurde. Er fühlt sich richtig: Der bebrillte Mann holt schweigend ein zerknittertes Plakat mit seiner Antwort hervor: „An den König.“ Er wird von seinen Unglückskameraden mehr als einmal geschlagen: Weil er auf das Heilige zielt – sie verstehen alles über lokale Betrüger und Diebe, wollen den Faden aber nicht weiter ziehen. Es stimmt, der Intellektuelle kann nirgendwo hingehen – er hat keine anderen Menschen, und mit blutiger Nase trottet er mit allen anderen weiter, verzaubert von dem großen Ziel – in Rus mindestens einen glücklichen Menschen zu finden.

Von der „TV-Wahrheit“ verbrannt, kehren die Bauern nach Hause zurück, wo ihre Frauen auf sie warten und bereit sind, beim ersten Anruf ihrer Ehemänner ihre schäbigen Morgenmäntel auszuziehen. Doch bis ins Innerste berührt schauen die Ehemänner die Frauen nicht mehr an, sondern blicken feurig in die Ferne – sie tauschen ihre abgenutzten Klamotten gegen neue Tarnung und hissen sogar die DVR-Flagge: Die Krieger der „russischen Welt“ laufen erneut davon aus dem Alltag, wieder nach dem illusorischen Ziel greifend – andere glücklich zu machen, ob man ein glückliches findet. Und mit weiteren guten Vorsätzen den Weg zur Hölle ebnen. Dies ist jedoch vielleicht der umstrittenste Punkt – schließlich ist es nicht einfach, die epischen Bauern von Nekrasov mit den heutigen Separatisten gleichzusetzen.

Der Aktualität Tribut zollend, bricht die Aufführung im zweiten Akt in den russischen Raum ein – in das verzauberte, seit Jahrhunderten eingefrorene Reich des Seins und Trinkens (Kapitel „Drunken Night“).

Die hässliche Pfeife, umgeben von Stacheldraht und überwuchert mit Alltagsmüll, verschwindet, alles verschwindet – nur Leere, Höhe, Engelsstimmen für den Choral von Ilya Demutsky (das ist ihr zweites Werk mit Serebrennikov nach „Hero of Our Time“) und Plastik schwebend im luftleeren Raum, befreit von der Schwerkraft der Körper (Choreograf Anton Adasinsky). „Es gibt keinen Tod“, ermahnen die Engel die betrunkenen Männer. Natürlich nicht – es ist nicht bekannt, ob es Leben gab.

Die Performance fliegt wie ein Drachen, mal fällt er zu Boden, mal steigt er in die Höhe. Die Geschichte der schrecklichen Rache des vorbildlichen Lakaien Jakow dem Getreuen, der sich vor seinem bisher verehrten Gentleman-Täter erhängte, wird in Nahaufnahme erzählt: Serebrennikovs Spiele mit Videoprojektionen koexistieren perfekt mit psychologischem Theater und geben mehr noch gab ihm neue Impulse für die Entwicklung. Die Episode um Fürst Utjatin, dessen zahlreicher Nachwuchs – der goldene Jüngling – die Bauern dazu überredete, weiterhin Leibeigene zu spielen (damit der alte Tyrann in Frieden sterben würde), wird als unheimliche Farce inszeniert.

Nekrasovs Bitterkeit lässt sich perfekt auf den heutigen Tag übertragen: Die Männer einigen sich darauf, die Komödie zu beenden und zu einem sehr vernünftigen Preis Sklaverei zu spielen. Der Protagonist hier ist Nikita Kukushkins Klimka – ein Kerl und Lügner, der sich schnell von einem schneidigen Lumpen in einen stählernen Funktionär verwandelt, der bereit ist, über jedes Leben hinwegzutreten. Und doch wird zum Mittelpunkt des Stücks die Episode mit Nekrasovs Matrjona, einer Frau mit vielen Kindern, die viel gelitten hat und den Verlust ihres Erstgeborenen überlebt hat. Evgenia Dobrovolskaya, Anninka aus Sererenikovs „Die Golovlev-Herren“ und Julitta aus seinem „Wald“, spielt so, dass alle Komponenten ihrer Rollen in eine nukleare Reaktion geraten: dörfliche Intonationen mit einer poetischen Linie, das kraftvollste Theater der Erfahrung Mit einer herkömmlichen Form ging der Schmerz durch einen hindurch – mit der Freude am Spiel. Das anzuschauen ist Glück.

Eine solche Aufführung konnte nur sehr inszeniert werden

freier Mann

. Frei von vielem. Aber er kann sich nicht von der elenden und reichen, mächtigen und machtlosen Mutter Rus befreien, von dem fast hypnotischen Gefühl der Kräfte, die in ihr brodeln. Und er will nicht.

RG, 24. September 2015

Die Idee, eine gemeinsame Aufführung mit dem nach ihm benannten Jaroslawl-Theater zu komponieren. Fedora Volkova entstand nicht zufällig aus Kirill Serebrennikov. Das Land Jaroslawl ist der Geburtsort von Nekrasov. Und sein endloser Gedichtschrei, sein Gedichtlachen, sein wörtliches Gedicht „Wer lebt gut in Russland?“ schienen den Kern der aktuellen russischen Probleme zu treffen. Begleitet von Enthusiasten und „Stalkern“ wanderten sie durch verlassene Dörfer und atemberaubende Natur, vorbei an atemberaubenden Museen und einem verfallenen, längst vergangenen Leben.

Wir begannen natürlich mit Karabikha, der Heimat Nekrasovs, und drangen dann tiefer in die Provinz vor. „Kleinstädte – Rybinsk, Poshekhonye, ​​​​Myshkin, einst reiche Dörfer – Prechistoye, Porechye, Kukoboi – überleben irgendwie immer noch kaum, aber um sie herum gibt es mit Wald, Unkraut und Bärenklau bewachsener Raum, wo es fast nichts anderes gibt“ – sagte Serebrennikow.

Viele hätten gedacht, dass die Aufführung zu wörtlichen, dokumentarischen und gefährlichen Gesprächen mit denen führen würde, die jetzt dort leben und nach einer Antwort auf die Frage nach Nekrasovs Männern suchen. Aus diesem Grund schied das Jaroslawl-Theater als Partner aus, und das Gogol-Zentrum produzierte das Stück schließlich selbst und brachte die Uraufführung auf dem Höhepunkt der besorgniserregendsten Diskussionen über seine Zukunft heraus. Es stellte sich jedoch heraus, dass Serebrennikov und seine wunderbaren Schauspieler keinen anderen Text brauchten. Nekrasovs Gedicht reichte mehr als für drei Stunden voller Bühnenphantasien und Abenteuer der ausgefallensten Art, und von der Expedition nach Karabikha brachten die Schauspieler auch Material aus Afanasyevs „Verbotenen Geschichten“ mit, ursprünglich planten sie, diese mit dem Gedicht zu kombinieren. Aber diese Märchen wurden zur Grundlage für eine weitere Aufführung, die Teil einer Dilogie über die „russische Welt“ werden wird.

Sich wieder mit dem Text zu verbinden, der seit der Schulzeit wie ein langweiliger Teil des obligatorischen „Programms“ schien, dem Theater wieder die Möglichkeit zu geben – trotz aller sowjetischen und postsowjetischen Zensur, was auch immer sie sein mag –, sich zu äußern Ein fantastisches, „pochvennichesky“ Nekrasov-Paradies nachzuspielen – das ist keine leichte Aufgabe. Es stellte sich heraus, dass es Serebrennikov war, der immer und nur an Russland dachte, der es bereits durch Prilepins „Schläger“ und die höllische Mechanik von „Dead Souls“, durch Ostrovskys „Wald“-Figuren und Gorkis „Spießbürger“ gehört hatte teuflische Bürokratie der Auslöschung des Menschen in Tynianovs „Kizha“ – nur er schaffte es, diesen ausgefallenen „Ruck“ aufzunehmen und auf der Bühne neue poetische Welten zu eröffnen. Vom Theater gepflügt, begann dieser erstaunliche Text mit den wütenden, beängstigenden, hoffnungslosen und lebensspendenden Stimmen des wirklichen, unkomponierten Lebens zu klingen. Er folgte nicht dem Buchstaben, sondern dem Geist von Nekrasovs Gedicht, das in seiner poetischen und bedeutungsvollen Struktur sehr unterschiedlich ist, und teilte die Aufführung in drei völlig unterschiedliche Teile – auch Genres – ein.

Im ersten Teil – „Dispute“ – treffen sieben junge Schauspieler des Gogol-Zentrums auf Nekrasovs Männer und probieren sie aus dem 21. Jahrhundert an. Der Erzähler – eine Art Moskauer kluger Kerl, ein Bewohner des Gartenrings – entdeckt voller Erstaunen, indem er wiederholt, was die Jungs auf ihrer Jaroslawl-Expedition begleitete, ihre unbekannte... und vertraute Welt.

Mehrere Geschichten halten diese Erzählung auf Trab, und die stärksten davon sind „über den vorbildlichen Sklaven, den treuen Jakow“, der seine Sklaverei mehr als alles andere auf der Welt liebte, bis er von Hass entflammt war und sich aus Rache erhängte; und – die Hauptsache – das Letzte, über diejenigen, die um des kranken Herrn willen die Leibeigenschaft weiter ausübten, als ob sie 1864 nicht geendet hätte. Es ist genau dieser Zustand der „russischen Welt“ an der Grenze zwischen Sklaverei und Freiheit, Leben und Tod, Demütigung und Rebellion, Sünde und Heiligkeit – in Anlehnung an Nekrasov – den das Gogol-Zentrum erforscht.

Zwei Komponisten – Ilya Demutsky (Autor des Balletts „Held unserer Zeit“) und Denis Khorov – rufen Anton Adasinsky mit seiner ausdrucksstarken, leidenschaftlichen Choreografie zu Hilfe, kleiden die Schauspielerinnen in unglaubliche „russische“ Couture-Sommerkleider und bewaffnen sie mit Saxophonen und E-Gitarren, Folk-Jazz-Kompositionen und Folk-Chöre, die Energie heidnischer russischer Melodien und Rock’n’Roll – Serebrennikov verwandelte Nekrasovs Gedicht in eine echte Bombe.

Wenn im zweiten – choreografischen – Akt „Drunken Night“ die riesige, zur Backsteinmauer offene Bühne des Gogol Centers mit den Körpern von Männern „gesät“ wird und Hexenmädchenstimmen ihre fast erotischen Sterblichkeitslieder über diese Toten heulen ( Im betrunkenen Feld scheint es, als sei er im modernen Theater aufgetreten, dort herrscht derselbe tragische Geist, den es schon lange nicht mehr gegeben hat.

Im dritten Teil tauchte aus dem Choranfang eine Seele – die einer Frau – auf, um die Volkstragödie in ein Schicksalslied zu verwandeln. Indem sie Wodka für die „Männer“ einschenkt, bringt Evgenia Dobrovolskaya – Matryona Timofeevna – die Intonation der großen tragischen Schauspielerinnen der Vergangenheit ins russische Theater zurück.

Im ersten Moment scheint es sogar, dass das nicht sein kann, dass ihr herzzerreißendes Geständnis nur eine Tragödie spielt – völlig postmodern. Aber nach ein paar Minuten fehlt ihr die Kraft, dem Schmerz, dem sie sich völlig hingibt, und der über ihr aufsteigenden Geisteskraft zu widerstehen. Natürlich wird dieses lange Geständnis durch ein Chor-, Rock'n'Roll-Finale ersetzt, er wird seine schwierige Beziehung zu Nekrasovs „Rus“ aufbauen, er wird – ohne Verlegenheit, Rückhand und ernst – seine Worte über „die Mächtigen und die Machtlosen“ singen „Und es wird wie eine Armee erscheinen, die sich erhebt, ähnlich dem treuen Jakob, der sich in seiner unbekannten Stärke und Schwäche selbst tötet.

The New Times, 28. September 2015

Ksenia Larina

Die Legende vom russischen Land Die lang erwartete Premiere des Gogol-Zentrums „Wer lebt gut in Russland“ erwies sich als lustig und gruselig, wie es sich für ein russisches Märchen gehört„gab“ als Hüter des Glücks des Volkes. „Hier ist der Vordereingang“, „Nur ein Streifen ist nicht komprimiert“, „Sie teilen! „Russisch, Frauenanteil“ – wir saßen alle traurig an der Tafel und verdrehten vor Langeweile die Augen zur Decke. „Wer lebt gut in Russland?“ wurde in Fragmenten präsentiert, die sich auf bürgerliches Pathos und ein hysterisches Ende konzentrierten: „Du bist elend, du bist reich, du bist unterdrückt, du bist allmächtig, Mutter Russland!“ Sie schenkten der Bedeutung nicht viel Aufmerksamkeit. Alles wurde uns in einfacher Parteisprache erklärt. Es lohnte sich, bis zur Premiere des Gogol-Zentrums zu leben, um die wahre Bedeutung und die schrecklichen Abgründe dieser apokalyptischen Geschichte über das russische Volk zu entdecken.

Was wird mit dem Mutterland passieren?

Kirill Serebrennikov hat seine Bühnenversion lange vorbereitet: Die bevorstehende Expedition zu den Orten von Nekrasov wurde vor mehr als einem Jahr angekündigt. Das Projekt wurde gemeinsam mit dem Jaroslawl-Theater vorbereitet. F. Volkova – die Premiere sollte letzten Mai im Chereshnevy Les stattfinden, und Nekrasov schloss sich mit Afanasyevs Märchen zusammen.

Infolgedessen wurde „Wer in Russland ...“ in diesem Herbst ohne Beteiligung der Einwohner von Jaroslawl der Öffentlichkeit zugänglich gemacht, Afanasjews Märchen wurden in einer separaten Parallelpremiere, „Russische Märchen“, ausgegliedert und Nekrassow fraternisierte sich mit Jegor Letow (Mehrere Texte aus „Civil Defense“ wurden Teil der dramaturgischen Gliederung).

Und natürlich kann man nicht umhin, die vorgeschlagenen Umstände zu erwähnen, in denen sich das Team des Gogol-Zentrums nun seit mehreren Monaten befindet: Überholmanöver mit einem Wechsel der Direktoren (die Rücktritte von Alexei Malobrodsky und Anastasia Golub), endlose Finanzprüfungen und öffentliche Misstrauen gegenüber dem Budget Unterschlagung, Vorwürfe der Schikanierung der Klassiker, der Heimat und des Volkes – all das trägt wenig zum kreativen Wachstum bei. Die Veröffentlichung einer so großformatigen mehrstöckigen Bühnenleinwand unter solchen Bedingungen ist fast eine professionelle Leistung und Kirill Serebrennikovs Antwort auf alle Vorwürfe und Verdächtigungen.

„Who in Rus'...“ ist eine höchst patriotische Aufführung. In ihm gibt es keine Arroganz, keine Reinheit, keine heuchlerische Unterwürfigkeit, keine falsche Aufrichtigkeit. Auf die Frage „Was wird mit der Heimat und mit uns geschehen“ antwortet der Autor nicht verächtlich, er selbst ist Teil dieser Welt, einer von sieben Männern, die ihren verzweifelten Tanz im Staub der Straße tanzen. Und es bedarf keiner Worte mehr, wenn ich nur die Kraft hätte zu lachen und zu weinen.

Leben auf der Pfeife

„Who in Rus'...“ ist ein Genre-Schmelztiegel, in den alles geworfen wird, was in die Finger kommt: Drama, Ballett, Oper, Zirkus, Populärdruck, Defilee, Clubparty, Rockkonzert. Die Aufführung ähnelt einer Nistpuppe, bei der alle Schwestern unterschiedliche Eltern haben. Der Rhythmus ist hektisch und zerrissen, das Orchester schnauft mit den Blechbläsern und stolpert über die Trommeln, die Bilder wechseln wie bei einer Kirmesaufführung: Bevor man Zeit hat, eines anzusehen, wird es bereits durch das nächste ersetzt, und es scheint so es gibt Hunderte mehr davon (Künstler - Kirill Serebrennikov, Komponisten - Ilya Demutsky, Denis Khorov).

„Rus', wohin gehst du, gib mir die Antwort?“ - Es ist unmöglich, den Zusammenhang mit „Dead Souls“ zu übersehen, das Serebrennikov im selben Theater inszeniert hat. Das ist derselbe verrückte Weg ins Nirgendwo, nur dass hier anstelle der Reifen, die in Gogols Stück verwendet wurden, ein riesiges Gasrohr über die gesamte Bühne gespannt ist. Darauf gibt es, wie auf dem Walfisch, Städte und Dörfer, Häuser und Wohnungen, in denen Männer in Alkohol-T-Shirts und Frauen in Flanellgewändern küssend oder streitend vor dem flimmernden Fernsehkasten sitzen. Und niemand bemerkt, dass sich hinter dem Rohr eine bis zum Himmel reichende Mauer befindet und sich Stacheldraht an der Mauer entlang windet.

Auf der begehrten selbst zusammengestellten Tischdecke wird zunächst gefüttert und getrunken, dann Tarnung und Maschinengewehre verteilt – und wohlgenährte, vor Vergnügen strahlende und leicht schwankende Betrunkene stellen sich in einer malerischen Gruppe unter der aus den Fernsehnachrichten bekannten Flagge auf. „Die Tage dieser Gesellschaft sind gezählt“ – lesen wir auf dem T-Shirt von Prov aus Neurozhaika – einem kümmerlichen Hipster mit Brille, der entweder von seinem eigenen Volk oder von anderen geschlagen wird.

Serebrennikow wird oft mit Juri Ljubimow der 1970er Jahre verglichen: Sie ähneln sich im Stil der direkten Aussagen, der direkten Metaphern und der energischen Aufladung der Gegenwart, der Straße. Ja, natürlich sind sie intonatorisch sehr nah beieinander: In Serebrennikows Wohnungen brodelt derselbe Spott, der in Ljubimows Auftritten immer dann aufsteigt, wenn er sich direkt an „sie“ wendet – die faulen Haufen des Regimes. Es gibt jedoch einen wesentlichen Unterschied: Der Adressat hat sich geändert. Und heute ist es viel wichtiger, mit einer Person über eine Person zu sprechen, als mit den Behörden über Macht. Und Kirill Serebrennikov hat diesen wichtigsten Wandel in der damaligen Atmosphäre gleich zu Beginn seines großstädtischen Berufslebens miterlebt – angefangen mit „Plasticine“ von Wassili Sigarew und „Terrorismus“ der Presnjakow-Brüder.

Alles läuft nach Plan

„An wen in Russland...“ ist keine Diagnose, es ist ein Weg – schmerzhaft, süß, bitter, Kater. Der bestimmte Weg, zu dem wir verurteilt sind, in den wir eingebunden, eingeschrieben und eingerieben sind. Ein Weg, auf dem das Verhängnis an Freude grenzt. Wenn es wahr ist, dass jeder talentierte Regisseur sein ganzes Leben lang ein Stück inszeniert, dann ist Serebrennikows „Rus“ eine Fortsetzung von „Die Golovlevs“ und „Kizhe“ mit ihrem mystischen Horror sowie den bereits erwähnten „Toten Seelen“ und „Die Golden Cockerel“ mit ihrem beliebten Druckproblem. Mit einem Wort, es handelt sich um einen hart erkämpften Dialog mit dem Publikum, dem der Regisseur voll und ganz vertraut. Die drei Akte des Stücks sind absolut autark und autonom – sowohl was die Handlungsgliederung als auch die Genreentscheidung angeht.

Die groteske Handlung aus dem Kapitel „Der Letzte“ – darüber, wie längst befreite Bauern Leibeigene vor dem wahnsinnigen Herrn Fürsten Utjatin darstellen – kehrt in unser Jahrhundert zurück und enthüllt bekannte sowjetische Motive. Die Nostalgie des Kollektivs Utyatin für die alten Tage schwingt mit sowjetischen Liedern, Pionierkrawatten, Mohairschals, Rehkitzmützen und Fleecepullovern mit. Vor dem Hintergrund betrunkener, unrasierter Armut erhebt sich über der Bühne das leuchtende Symbol einer Großmacht mit einer vollbusigen Schönheit mit braunem Zopf und Zykins durchdringendem „Ich schaue in die blauen Seen“ (eine der Entdeckungen des Stücks ist die Schauspielerin). , Sängerin und Musikerin Rita Kron).

Das dramatische Ballett des zweiten Akts (choreografiert von Anton Adasinsky) – „Drunken Night“ – verweist uns auf die Bilder des stillen poetischen Kinos von Alexander Dovzhenko in seiner „Erde“: auf nackte Körper, schwitzend und schwarz vor Schmutz, auf gedehnte Adern Von einem stummen Schrei über blutige, wahnsinnige Tänze bis zu den Füßen, bis hin zu dem Regen, der zu spät fiel und nicht in der Lage war, irgendjemanden oder irgendetwas auf diesem verbrannten Feld wiederzubeleben. Der zweite Akt ist der Schrei einer Frau, das Entweichen der Zunge aus einer Glocke, das Stampfen nackter Füße auf der toten, hungrigen Erde.

Im Mittelpunkt des letzten Aktes wird jedoch die Performance innerhalb der Performance stehen: Matryonas Monolog über das Los ihrer „glücklichen“ Frau, der von Evgenia Dobrovolskaya meisterhaft dargelegt wird – Horror mit Humor, Pathos mit Details, Trauer mit Demut, Demütigung mit Stolz . So erscheint ein anderes Russland vor uns – ohne braune Zöpfe, Kokoshniks und Kichkas, ohne nachklingende gefühlvolle Lieder, ohne rosige Wangen, weißzahniges Lächeln, ohne rote Stiefel und schneeweiße Daunen an den Ärmeln. Tatsächlich existiert dieses glamouröse, zeremonielle Russland nicht und hat nie existiert. Da ist nur der Abgrund, der sich langsam und bedrohlich aus seinen Knien erhebt. „Wer lebt gut in Russland?“ – das sind die gleichen 86 Prozent aus der Sicht der vierzehn verbleibenden.

Wedomosti, 6. September 2015

Maya Kucherskaya

Die Letzten

„Wer lebt gut in Russland“ von Kirill Serebrennikov – die Geschichte vom Zusammenbruch der „russischen Welt“

Die Figuren im Stück haben wenig Ähnlichkeit mit russischen Bauern, sind aber trotzdem nicht gegen die Sklaverei und lieben Wodka.

Es war einmal, als Nikolai Alekseevich Nekrasov ein Gedicht „An wen in Russland ...“ schrieb – nun, er hätte es fast geschrieben, aber nicht zu Ende geschrieben –, in dem er das russische Volk erfand. Verzweifelt, stur („Der Mensch ist ein Bulle“), übermütig, ein Liebhaber von Wodka und schrecklichen Geschichten über reuige Sünder – aber vor allem vielseitig. Das Gedicht hat Dutzende unterschiedlicher Schicksale in sich aufgenommen. Der Dichter bezog die Rhythmen, das Vokabular und die Bilder aus der Folklore, aber er hat sich viel ausgedacht und es selbst gesungen.

Kirill Serebrennikov versuchte, auf Fiktion und Stilisierung zu verzichten – und zeigte ein Volk nicht wie Nekrasov, sondern von heute. Derjenige, dessen Geist er und die Truppe bei der Vorbereitung auf die Aufführung letzten Sommer in der Region Jaroslawl suchten, indem sie durch Städte und heruntergekommene Dörfer reisten, in aktuelle Häuser gingen, mit Menschen, lokalen Historikern und Priestern sprachen – diese Reise kann gefilmt werden gesehen während der Pause im Foyer „Gogol Center“. Und er zeigte, in wen Nekrasovs alter Mann Pakhom-i-Prov, Roman-Demyan-Luka, die Gubin-Brüder, im 21. Jahrhundert verwandelt wurde.

In einen Wanderarbeiter in Jogginghosen, in einen Bereitschaftspolizisten in Tarnung, in einen dummen Revolutionär mit ständig gebrochener Nase, in einen harten Arbeiter mit Einkaufstüten, in einen Trunkenbold, der kaum ein Wort ausspucken kann.

Und alles scheint gleich auszusehen. Universalfett statt Nekrasovs Vielfalt. Lumpen, Halbkriminelle, aggressiv und verloren, von niemandem gebraucht. Weder der dickbäuchige Kaufmann, noch der Gutsbesitzer, noch der Zar. Obwohl manchmal sogar versucht wird, sie alle ins Fernsehen zu schleppen – die Streitszene, die das Stück eröffnet, wird witzig als Talkshow mit dem Moderator (Ilya Romashko) präsentiert, der versucht, von den Teilnehmern herauszufinden, wer ein lustiges, freies Leben führt in Russland. Aber echte Jungs sind lakonisch.
Der „knabenhafte“ Stil wird auch durch die Gestaltung der Aufführung unterstützt, die vor der ungemütlichen Kulisse des Stadtrandes stattfindet: Ein Metallrohr zieht sich traurig durch ein unbebautes Grundstück, auf einer Ziegelmauer stehen einige Pflanzendornen, das unbebaute Grundstück endet in der Schwärze. Hier erstreckt sich die ewig kalte Nacht, in deren Mitte ein Eimer Wodka steht. Der zweite Teil, „Drunk Night“, eine Pantomime, greift das Wodka-Motiv auf und macht es zum Hauptmotiv: Es handelt sich um ein tot betrunkenes, inszeniertes „Eichhörnchen“ mit Krämpfen halbnackter Männerkörper in der Dämmerung, die entweder zu einem Gruselfilm verschmelzen mehrbeinige Raupe oder in kämpfende Lastkähne. Im Finale liegen leblose Leichen über dem gleichen dunkelschwarzen Ödland (Anton Adasinsky wurde eingeladen, die Aufführung zu choreografieren). Der Auftritt der „Bäuerin“ Matryona Timofeevna (dargestellt von Evgenia Dobrovolskaya) im dritten Teil, natürlich gekleidet als Kollektivbauerin – wattierte Jacke, Schal, Stiefel – verdrängt diese dicke männliche Dunkelheit. Dobrovolskaya lebt ihr völlig unerträgliches „Frauenlos“, den Tod eines Kindes, die Schläge ihres Mannes, die Schreie ihrer Schwiegermutter mit einem Lächeln, unglaublich menschlich und charmant und ertränkt ihre Trauer nicht im Wein – in der Arbeit und Liebe „für die Kinder“. Ihr Auftritt verleiht dem Pamphlet, das sich auf der Bühne entfaltet, eine unerwartet lebendige, warme Note. Doch schon bald versinkt alles wieder im Rap, im hoffnungslosen „Mutterland“ von Jegor Letow, wieder in der nahenden Dunkelheit und leeren Mottos auf T-Shirts, die wie immer die Helden verändern und verändern letzte Szene

Diese Vinaigrette ersetzte das, was Nekrasov vor 150 Jahren inspirierte, was ihn mit Hoffnung erfüllte – eine ganzheitliche Volkskultur, tiefgründig, vielfarbig, kraftvoll.

Statt des nach dem Kalender berechneten Lebens mit Taufen, Hochzeiten, Beerdigungen, Verboten, Freuden, Märchen, salzigen Witzen haben wir jetzt das: T-Shirts mit vulgären Bildern, ein kariertes Shuttle-Paket, einen Computermonitor mit dem Bildschirmschoner „Es ist herrlich, für die Menschen im Heiligen Russland zu leben.“ Anstelle von Liedern, die das ganze Dorf sang, gab es eine Schönheit mit Zopf, die verbale Inkohärenz über den Blues und Russland verriet, die Verkörperung der Lüge (nicht umsonst sorgte ihr Auftritt für bitteres Gelächter im Saal). Anstelle von Grischa Dobrosklonow, dem „Volksverteidiger“, den Nekrassow in dem Gedicht als einziger glücklich machte, gibt es einen erbärmlichen Mann mit Brille, einen Jungen mit weißen Bändern, hilflos, machtlos.

Eines hat sich seit Nekrasovs Zeiten nicht geändert: freiwillige Sklaverei und Wodka. Die Helden des Stücks „Der Letzte“ spielten im ersten Teil des Stücks mit dem verrückten alten Gutsbesitzer, der die Abschaffung der Leibeigenschaft nicht anerkennen wollte und so tat, als würde die Sklaverei weiterbestehen. Eine scheinbar unschuldige Idee führte zum Tod des Bauern Agap – er versuchte zu rebellieren, stimmte aber betrunken dennoch zu, sich aus Gründen des herrschaftlichen Spaßes unter die Ruten zu legen. Und obwohl sie ihn nicht einmal mit einem Finger berührten, starb er sofort nach einer Scheinauspeitschung. Ich frage mich, warum?

Dies ist nicht die einzige Frage, die wir beantworten sollen. Jede Szene strotzt nur so vor Aktualität und schonungslosen Fragen zum heutigen Tag.

Das von Kirill Serebrennikow inszenierte Gedicht „Wer lebt gut in Russland“ ist ein künstlerisches, aber journalistisches Statement über unseren weltweiten Zusammenbruch.

Teatral, 21. September 2015

Marina Shimadina

Wer kann im Gogol Center gut leben?

Uraufführung des Theaterstücks von Kirill Serebrennikov nach Nekrasovs Gedicht

Das Treffen der Figuren auf dem Bürgersteig des Stücks wird zu einer Talkshow, in der die eingeschüchterten Proletarier aus Gorelov, Neelov, Neurozhaika dem Moderator auch eigene Möglichkeiten zur Beantwortung der Titelfrage des Gedichts bieten. Manche ducken sich und sind schüchtern, manche prahlen und behaupten sich hartnäckig, während der Held von Philip Avdeev – ein echter Hipster in Turnschuhen und Brille – wie auf einen einzelnen Streikposten auf einen Stuhl mit einem selbstgemachten Poster springt.

Die Antworten der Männer sind immer noch dieselben, die von Nekrasov. Und sie stehen überhaupt nicht im Widerspruch zum betont modernen und lakonischen Design von Kirill Serebrennikov. Die aktuellen Symbole Russlands: ein Zaun mit Stacheldraht und eine riesige Gas- (oder Öl-) Leitung über die gesamte Bühne, in deren Nähe sich die Helden des Gedichts zusammendrängen und ihr einfaches Zuhause einrichten. Alles hier ist schmerzlich vertraut: bunte, staubige Teppiche, Nähmaschinen, alte Fernseher, Flanellroben von Frauen, die versuchen, ihre wahrheitssuchenden Ehemänner zu Hause zu behalten ... Aber wo ist es? Sobald ein Russe loslegt, ist er nicht mehr aufzuhalten. Und nun verwandelt sich eine bunte Truppe, die eine selbst zusammengestellte Tischdecke erhalten hat, in eine bewaffnete Milizabteilung.

Serebrennikov besteht jedoch nicht auf genau dieser Entwicklung der Ereignisse. Der Regisseur wählt für jede Szene unterschiedliche Tonarten. Die Episode über den „vorbildlichen Sklaven – Jakow der Gläubige“, der den Schikanen nicht standhalten konnte und sich vor den Augen des Herrn erhängte, wurde als Duell zweier Nahaufnahmen aufgelöst. Die Kamera filmt und zeigt die Gesichter des Dieners und des Herrn, und in der ausdrucksstarken Stille von Jewgeni Charitonow kann man die ganze Trauer des Volkes und die jahrhundertealte Chronik der Demütigung lesen.

Eines der Hauptthemen der Produktion ist die freiwillige Sklaverei. Im Kapitel „Der Letzte“ geben sich die Bauern erneut als Leibeigene aus, um den alten Herrn zu amüsieren, der die neue Ordnung nicht akzeptiert – für diese Täuschung versprachen die Erben den Bauern eine gute Summe. Bei der Maskenaufführung müssen die Helden Mohairpullover und Jogginghosen mit verlängerten Knien anziehen, und der junge Hipster bekommt eine Schuluniform mit Pionierkrawatte. Man muss seine komplexe Beziehung zu diesem Erbe der Vergangenheit sehen: widerlich, widerlich, aber seine Hand streckt sich immer noch aus und erstarrt im Pioniergruß.

Hier erkennt das Publikum natürlich seine Zeitgenossen, die glücklich, freiwillig oder gezwungen, sich auf die Lippen beißend, zur sowjetischen Ideologie und Rhetorik zurückkehren.

Aber bei aller offensichtlichen Journalistik ist Serebrennikovs neuer Auftritt eine ästhetische Show, eine freie Montage von Szenen aus mehreren Genres, in der es Raum für skurrile Reprisen und für eine Modenschau bezaubernder Kostüme a la russe und für eingefügte Musiknummern gibt Rita Kron, die eine brillante Leistung erbringt Sowjetische Trefferüber Mutter Russland. Und es gibt auch einen ganzen Tanzakt zur Musik von Ilya Demutsky (derselbe, der für komponiert hat). Bolschoi-Ballett„Held unserer Zeit“) unter der Regie von Anton Adasinsky. Es heißt „Drunken Night“, wie eines der Kapitel des Gedichts. Aber in den Krämpfen derer, die fallen, aufzustehen versuchen und von unsichtbaren Körperschlägen wieder zu Boden geworfen werden, spürt man weniger die Folgen der Trunkenheit als vielmehr verzweifelte Versuche, wieder auf die Beine zu kommen, die sich auf die Zeilen von Jegor Letow reimen: „Ich sehe, wie mein Vaterland von den Knien aufsteht.“ Niemand kann aufstehen...

Im dritten Akt regiert Evgenia Dobrovolskaya auf der Bühne, zu Recht vom Moskauer Kunsttheater Tschechow eingeladen. Vielleicht könnte niemand außer dieser gefühlvollen Schauspielerin einen langen und herzzerreißenden Monolog über das harte Los der Frauen mit solch einer Stärke und Virtuosität lesen. Vor ihrem Auftritt traten die Kameras mit Monitoren und der begleitende Gesang von Maria Poezzhaeva in den Hintergrund, und das Publikum war taub, wie gebannt. Und dieser gnadenlose Monolog brachte die Geschichte schließlich auf das Niveau einer echten nationalen Tragödie.

Die letzte feierliche Hymne des Gedichts „Ihr seid beide elend, / Ihr seid auch reich, / Ihr seid auch mächtig, / Ihr seid auch machtlos, / Mutter Rus!“ Der Regisseur zeigt den Abspann auf dem Bildschirm an. Anscheinend war er heute nicht in der Lage, die hohen Worte über ein freies Herz, ein ruhiges Gewissen und eine unzählige Armee auf der Bühne zu rechtfertigen. Habe es auf Nekrasovs Gewissen gelassen. Stattdessen zwang er die Schauspieler, eine Menge T-Shirts mit patriotischen Symbolen und dummen Witzen über höfliche Menschen zu tragen. Heutzutage ist die „Volkswahrheit“ zu Musterslogans, einer Reihe vorgefertigter Etiketten und stereotypen Vorstellungen von der Welt geworden.

Serebrennikov und seine Schauspieler schufen eine nüchterne und bittere Inszenierung über Russland, voller gesunder Wut, bewusstem Stoizismus und schauspielerischem Elan. Und auf die Frage „Wer lebt hier gut?“ wir können mit Zuversicht antworten – dem Publikum des Gogol Centers. Während in Moskau so strahlende und bedeutungsvolle Premieren stattfinden, gibt es hier etwas zum Atmen.

Die Aufführung fand im Rahmen des Chereshnevy-Les-Festivals statt, bei dem ich zum ersten Mal in der Geschichte des Gogol-Zentrums als weißer Mann zur Aufführung kam, und eigener Nachname(! - ich kann es immer noch nicht glauben) bekam einen Platz in der 7. Reihe, ich wechselte jedoch sofort in die 1. Reihe, zum Glück gab es noch freie Plätze, wenn auch in geringer Anzahl. Das Extreme geschah für mich auf andere Weise: Ich war die ganze Woche zuvor krank gewesen, bewegte irgendwie immer noch meine Beine und versuchte, das bedeutendste der im Voraus geplanten Ereignisse nicht zu verpassen, und zwar bis zum geschätzten Datum des Gogol-Besuchs Im Zentrum habe ich mich soweit zurückgelassen, dass ich, ohne Übertreibungen, kaum noch atmen konnte, und völlig unabhängig von dem, was auf der Bühne passierte, begann ich im dritten Akt zu bluten – das ist natürlich nicht angenehm, aber egal, was auch immer Man könnte sagen, es beeinflusst die allgemeine Stimmung – das Ganze, das nach „Wer lebt gut in Russland“ folgte, lag einen Tag lang halb tot da und kam überhaupt nicht weiter. Trotzdem wollte ich Serebrennikovs Auftritt sehen, und es hat sich gelohnt, ihn anzusehen, und ich bin froh, dass ich gekommen bin, und noch froher, dass es zugegebenermaßen keine Exzesse gab, die ich erwartet hatte, denn im gegenwärtigen Zustand gibt es keine Kräfte zur Lösung organisatorischer Probleme hätte ich definitiv nicht.

Die auf Nekrasovs Gedicht basierende Inszenierung wurde von Serebrennikov lange Zeit vorbereitet. Den Schauspielern gelang es, „durch ganz Russland“ zu reisen und einen Dokumentarfilm zu drehen, der auf den Ergebnissen ihres „Eintauchens in die Atmosphäre des russischen Lebens“ basiert (er wurde hier und da gezeigt, ich habe ihn nicht gesehen, würde ihn aber gerne sehen). Ich denke, dass diese Idee wenig mit dem „Eintauchen“ im Geiste von Lev Dodin zu tun hatte, und wenn nicht am Ende die Öffentlichkeit, dann hat sie den direkten Teilnehmern des Prozesses wirklich etwas gebracht. Dennoch wird „Rus“ im Stück mehr als vorhersehbar dargestellt und unterscheidet sich kaum von dem „Rus“, das auf der Bühne des Gogol-Zentrums in Drehbüchern von Fassbinder, Trier, Visconti, an lokale Realitäten angepassten Stücken von Wedekind und Mayenburg zu sehen war sowie Dramatisierungen von Goncharov und – vor allem definitiv – Gogol. Anscheinend wurde „Dead Souls“ zu einem bestimmten Zeitpunkt für Serebrennikov zu dem Werk, das lange Zeit nicht nur den Stil mit einer Reihe sehr spezifischer Standardtechniken bestimmte, sondern auch die Weltanschauung und das ideologische „Format“ der Beziehung des Regisseurs zur Lehrbuchliteratur Material. Aus den „Klassikern“ liest Serebrennikov – und das erfordert keine ernsthafte intellektuelle Arbeit, dafür sind die Klassiker da – zeitlose, archetypische, grundlegende Handlungsstränge, Bilder, Motive – und sammelt sie dann in der Komposition des Autors im konventionell mystischen Sinne, wo Die Helden und Ereignisse der Texte aus Schulbüchern werden nicht mehr einfach zu ewigen Phänomenen des russischen Lebens, sondern zu Reflexionen nicht alltäglicher, ahistorischer Entitäten und Prozesse, losgelöst von der irdischen menschlichen Existenz, platziert in einem sowohl spielerischen als auch mystischen Raum . Folgendes geschah in „Ordinary History“:

Das Gleiche gilt für „Wer lebt gut in Russland“ – in der dreiteiligen, dreiaktigen Komposition des Stücks kann man einen Bezug sowohl zur „Göttlichen Komödie“ (von der sich Gogol übrigens leiten ließ) erkennen in seinem ursprünglichen Plan für „Dead Souls“) und für „Walking on torment“; Auf ihren Reisen werden Nekrasovs „Männer“ neben sprechenden Vögeln auch von Engeln der Barmherzigkeit, Dämonen der Wut usw. begleitet, die aus der Poesie materialisiert sind und in einem Kontext, der weit von der märchenhaften Folklore-Atmosphäre entfernt ist, die ihnen gegeben wurde in der Originalquelle. Wo das „Spiel“ hier endet und inwieweit Serebrennikow es mit seiner „Mystik“ ernst meint, ist zwar eine offene Frage, allerdings nicht die interessanteste.

Die Struktur von Nekrasovs Gedicht „Wer lebt gut in Russland“ bleibt ein dringendes Textproblem, zumindest vor zwanzig Jahren, als ich studierte. Zu Lebzeiten des Autors wurden einzelne Kapitel veröffentlicht, in welcher Reihenfolge sollten sie jetzt gelesen werden – seit den 1920er Jahren gibt es heftige philologische Diskussionen, die kanonische Version existiert meines Wissens noch nicht und die Tatsache, dass das Gedicht endet in den meisten Veröffentlichungen mit einem Gesang, der „der unterdrückten und allmächtigen Mutter“ gewidmet ist (in der Schule wird dies auch den Schülern beigebracht) – gelinde gesagt umstritten, da die interne Chronologie die Verteilung des Materials gemäß annimmt der bäuerliche Arbeitskalender, von Frühling bis Herbst, bzw. aus den Kapiteln, die Nekrasov fertigstellen konnte, sollte das letzte „Bäuerin“ folgen. Da Serebrennikov Nekrasovs Handlung jedoch in einen bedingt mystischen Kontext stellt, der außerhalb der historischen Kalenderzeit existiert, komponiert er die Episoden des Gedichts willkürlich, wobei er manchmal einzelne Mikrohandlungen aus einem Teil herauszieht und sie auf einen anderen überträgt, aber gleichzeitig Zeit, ohne das Bestehende zu stören, durch Trägheit geformt, die Struktur des Textes wahrzunehmen und die Bewegung vom Prolog bis zum Lied „Rus“ zu beobachten.

Der Prolog wird im Geiste studentischer Skizzen gespielt – vielleicht bewusst primitiv, mit den Techniken eines Fernsehberichts, Interviews, Videoclips: Ich würde sagen, dass der Anfang nicht inspirierend, zu gewöhnlich, vorhersehbar, zweitrangig und ausdruckslos wirkend ist. als hätten sie schon längst ihren Abschluss gemacht. Die professionellen Darsteller beschlossen, aus Versehen herumzualbern. Als nächstes probieren die Charaktere dieselbe Standardgarderobe an, die sie bereits in früheren Aufführungen der Gogol Center-Garderobe (und wenn nur der Gogol Center-Garderobe) gesehen und wieder gesehen haben – Jogginghosen, Jacken, Khaki-Overalls, geblümte Roben und nehmen Second-Hand-Kleidung heraus . Handgefertigte Metallschränke auf der linken Seite des Proszeniums. Und auf der rechten Seite sind Musiker, und ich muss sagen, die musikalische Komponente von „Who Lives Well in Rus“ ist viel interessanter als andere. Der erste und dritte Teil enthalten außerdem Musik von Denis Khorov; musikalische Komposition Andrei Polyakovs Werk verwendet Adaptionen sowjetischer Retro-Hits, bezaubernd gesungen von Rita Kron, für die auch ein passendes visuelles Bild des offiziellen sowjetischen Popstars erfunden wurde.

Im Allgemeinen lässt sich aus der Umgebung leicht schließen, dass es sich um eine Zeit der „Leibeigenschaft“ in der Moderne handelt historische Bühne In dem Stück werden die Sowjetjahre verstanden (Alltagszeichen: Teppich, Kristall, Pionierkrawatten...), und die Postreform-Jahre von 1860 bis 1870, als Nekrasovs Gedicht entstand, werden als Post-Perestroika von 1990 bis 2000 interpretiert (at Damals waren viele, und nicht nur Männer, sondern auch Universitätsassistenten und Kindergärtnerinnen, gezwungen, karierte Taschen zu erwerben, und machten sich nicht auf die Suche nach Glück, sondern nur, um Lumpen für den Weiterverkauf zu kaufen. Aber das Rohr mit den darüber verlaufenden Laufstegen (entweder ein Abwasserkanal oder ein Öl- und Gaskanal – es verstopft die Bühne im ersten Akt) und eine Mauer (entweder eine Fabrik, ein Gefängnis oder eine Grenze) mit Stacheldraht Oben bleiben unerschütterlich – die Mauer verschwindet von Zeit zu Zeit, taucht aber wieder auf, und direkt über dem Stacheldraht sagt die LED „Wer lebt gut in Russland?“. Sowohl die Glasteppiche als auch das Rohr mit der Wand sind natürlich Zeichen, nicht einmal Metaphern, keine Symbole, und es ist unmöglich, diese Zeichen „wörtlich“ zu lesen. Es ist unwahrscheinlich, dass Serebrennikov und seine ehemaligen Schüler nicht wissen oder nicht herausfinden können, dass Nekrasovs Wort „Eimer“ nicht im objektiven Sinne, sondern als Maßeinheit für Flüssigkeit verwendet wird – im Stück eine Emaille Der Eimer dient als eines der Attribute des Theaterstücks und betont paradoxerweise die außerhäusliche Bedeutung des Geschehens. Oder in den Worten „Es gibt keinen Tod, es gibt kein Brot“ kann man nicht lesen, was hier über die Tatsache gesagt wird, dass es keine Möglichkeit zum Leben gibt und der Tod nicht kommt, und nicht über die Tatsache, dass außerhalb der Kategorie von Dabei spielt die Kategorie des Todes keine Rolle. Sie wissen, sie lesen. Aber sie geben ihre eigene Bedeutung wieder, auch wenn diese im Widerspruch zur Originalquelle steht.

Nach dem Prolog, der mit der „Skizzen“-Methode gelöst wurde, dringen die märchenhaften Vögel Trällerer und Küken in eine so theatralische, aber alltägliche, banale Umgebung ein, was die verwendeten Elemente betrifft. In der Rolle des kleinen Vogels mit der Gitarre spielt Georgy Kudrenko, eine relativ neue Kreation für das Gogol Center; vor „To Whom…“ habe ich ihn nur in „Kharms.Myr“ gesehen (und sogar früher, aber ich kann ihn verwirren). - in „100% FURIOSO“ auf der „Plattform“, wo er mit einem gespielten fettigen Lächeln herumlief und Aufkleber „Willst du mitspielen?“ aufgeklebt hat, aber vielleicht war er es nicht). In der Rolle der Penochka, die den wahrheitsliebenden Männern eine selbst zusammengestellte Tischdecke überreicht, die im Stück ebenfalls nicht gespielt wird, spielt Evgenia Dobrovolskaya. Dobrovolskayas Auftritt im Gogol-Zentrum ist natürlich – es war einmal, vor langer Zeit (die Zeit vergeht wie im Flug!), Sie beteiligte sich an der Rekrutierung von Studenten für Serebrennikovs Kurs an der Moskauer Kunsttheaterschule, hatte aber keine Zeit, mit dem Unterrichten zu beginnen, sie ging gebären. Nun ist ihre „Rückkehr“ zu ihren früheren vermeintlichen „Haustieren“ als Ammenvogel ebenso erfreulich wie logisch. Aber Serebrennikov nimmt Penochka nicht durch Märchen-Folklore-Symbolik wahr – sie ist eine arme alte Wanderin, eine Landstreicherin, ähnlich der Timofeevna, die sie im dritten Teil gespielt hat, Evgenia Dobrovolskaya, und vielleicht ist sie dieselbe. Aber im dritten Teil wird es eine „Verunreinigung“ symbolischer Mädchen-„Vögel“ in üppigen pseudorussischen Outfits wie aus den Sammlungen von Slava Zaitsev geben, die beim endgültigen Erscheinen von Dobrovolskaya ihre echte, unglückliche, trinkende Timofevna hervorbringen wird der sozialen und alltäglichen Ebene in die allgemein geheimnisvolle Ebene, die der Aufführung als Ganzes gegeben ist. Obwohl der 3. Akt ebenso wie der 1. mit einem regelrechten Studentensketch, mit „zweiteiligen“ Pferden und mit Interaktivität beginnt: Dem Publikum im Saal wird angeboten, Wodka einzuschenken, als Gegenleistung für eine aufrichtige, überzeugende Aussage, dass a Der Mensch glaubt, fühlt sich glücklich – Zu meiner Überraschung zeigt dieses „Fest für die ganze Welt“ „glückliche“ Menschen in ausreichender Zahl, genug, um für genügend Alkohol zu sorgen.

Der zweite Teil des Stücks – „Drunken Night“ – in reine Form erfunden und als erweiterte Einlagennummer, eine musikalische und plastische Darbietung, aufgeführt. Die Musik für die weibliche Gesangsgruppe wurde von Ilya Demutsky (Komponist des von Serebrennikov am Bolschoi-Theater inszenierten Balletts „Held unserer Zeit“ geschrieben), für die Plastizität war Anton Adasinsky verantwortlich. Musikplan viel vorteilhafter und ausdrucksvoller als choreografisch. Eigentlich kann ich dieses fehlerhafte „physische Theater“ (der Begriff selbst ist fehlerhaft, aber mir fällt hier nichts anderes ein) nicht einmal Choreografie oder Tanz nennen. Es scheint, dass sich Adasinskiy hier keine anderen Ziele gesetzt hat, als auf Zeit zu warten. Wichsende junge „Männer“ in Unterhosen zum Gesang eines Frauenchors unter Mitwirkung einer Person männliche Stimme(der Teil von Andrei Rebenkov, der im 1. Teil überzeugend für den Gutsbesitzer sprach – den „letzten Mann“), lebende Pyramiden, an Seilen schwingend, das letzte „Solo“ von Philip Avdeev – unter den „sieben vorübergehend Verpflichteten“ in der Im ersten Teil hat er das intelligenteste Aussehen, mit Spitzbart, mit Brille, und da bekommt er sofort einen Schlag ins Gesicht, für den Rest des ersten Akts läuft er blutüberströmt herum, mit Stöpseln in der Nase (naja, fast so wie ich). Als ich am 3. im Saal saß, musste ich mich dazu durchringen...), und so hüpfte und lag ich auf der Bühne, während der Chor sang: „Das Licht ist widerlich, es gibt keine Wahrheit, das Leben ist widerlich.“ , der Schmerz ist stark ...“, seine Partner im Plastikensemble begeben sich in die Dunkelheit und in die Tiefen des 1. Teils, frei von der Szenografie und dem unerwartet weiten Raum, Avdeev bleibt unter den von oben herabströmenden künstlichen Regentropfen – Nun, bei Gott, das ist nicht ernst, ich würde sogar sagen, würdelos. Wahrscheinlich hat ein solches musikalisch-plastisches Zwischenspiel in der rhythmischen Struktur der dreiteiligen Komposition des Stücks zwar etwas Gewicht, fügt der Inszenierung aber nichts Sinnvolles hinzu. Es sei denn, es erlaubt Ihnen, vor dem 3. Akt eine Pause einzulegen.

Wer in Russland gut leben sollte, war für Nekrasov keine Frage mehr, nicht einmal eine rhetorische: Es ist klar, dass niemand, jeder, ein schlechtes Leben hat. Mitte des 19. Jahrhunderts wurden die Fragen anders formuliert – zuerst „Wer ist schuld?“, dann „Was ist zu tun?“ Die erste Antwort war, dass die Leibeigenschaft daran schuld sei. Dann wurde die Leibeigenschaft abgeschafft, niemand konnte in Russland mehr Spaß und Freiheit leben, dann stellte sich die Frage „Was tun?“ Sie schlugen die Antwort vor: Es ist notwendig, dass die Produktionsmittel denen gehören, die arbeiten, also „Land den Bauern“ usw. Später, im 20. Jahrhundert, versuchten sie, eine gerechte, sozialistische Gesellschaft nach den Rezepten des 19. Jahrhunderts aufzubauen – aber auch das half nichts, es kam wie zuvor, nur schlimmer, hässlicher und blutrünstiger. Bereits in Kirill Semenovichs und meiner Erinnerung (die Zielgruppe des Gogol-Zentrums hatte in der überwiegenden Mehrheit noch nicht das bewusste Alter erreicht) klangen dieselben Fragen aus dem 19. Jahrhundert wieder auf, mit neuen Antworten: Die Sowjetregierung sei schuld, heißt es , und kommunistische Ideologie, und Eigentum muss privatisiert und in private Hände verteilt werden. Wir haben es mit Privateigentum statt mit Sozialismus versucht – wieder hat nichts funktioniert. Kurz gesagt, die Handlung ist eher für Saltykov-Shchedrin und nicht für Nekrasov bestimmt. So beschäftigte sich Serebrennikov (der sich übrigens mit der Prosa von Saltykov-Shchedrin beschäftigte und nicht nur meiner Meinung nach „The Golovlev Gentlemen“ zu einem der Höhepunkte seiner Regiekarriere zählt), durch die Fragen und Antworten von Nekrasov und durch die Geschichte neu geordnet, kommt zu Verallgemeinerungen, die nicht gesellschaftspolitischer, sondern anthropologischer Ordnung sind: bar=Sklave.

Bar-Slave ist ein unoriginelles Palindrom und der Witz ist nicht besonders witzig, aber diese drei Briefe, die in den Händen der Künstler auf Zettel geschrieben wurden, werden von rechts nach links und von links nach rechts unterschiedlich gelesen, drücken aber sicherlich im Wesentlichen identische Konzepte aus existieren nicht ohne den anderen – die Problematik des Stücks „Wer lebt gut in Russland“ wird ausführlich charakterisiert und bestimmt nicht nur die ideologische Botschaft, sondern auch die strukturellen und kompositorischen Merkmale des Stücks, insbesondere die Auswahl der Fragmente für Inszenierung. Beispielsweise wurde ein so einprägsames Schulkapitel wie „Pop“ nicht in die Komposition aufgenommen. Und ich glaube nicht, dass dies mit der Angst zusammenhängt, „die Gefühle der Gläubigen zu verletzen“ – natürlich ist es für einen selbst teurer, sich noch einmal auf die Orthodoxen einzulassen. Übrigens, als am Ende des dritten Teils ein Typ aus dem Saal sprang und anfing, eine schwarze Fahne mit einem Totenkopf vor den Künstlern zu schwenken, die T-Shirts mit einigen Silben über anderen T-Shirts trugen mit anderen, aber auch überwiegend mit „patriotischem“ Inhalt (wie „Russen geben nicht auf“), dann habe ich, obwohl die Jungs auf der Bühne nicht auf ihn reagierten, zunächst entschieden, dass er ein orthodoxer Christ war, aber ich Mir wurde schnell klar, dass ein orthodoxer Christ nicht winkend im Saal geblieben wäre, ein orthodoxer Christ wäre auf die Bühne geklettert, hätte angefangen zu schreien und zu kämpfen, wie es unter Orthodoxen üblich ist, und dieser winkte und ging – wie sich herausstellte, drehte er sich um Er gab sich als Anarchist aus; auf seiner Flagge stand „Freiheit oder Tod“. Dennoch würde das Kapitel „Pop“ dem Gericht wirklich nicht passen, abgesehen davon, dass die darin beschriebenen Realitäten noch etwas veraltet sind – Hauptsache, egal, was im Stück besprochen wird, auch über den letzten Grundbesitzer, Für Serebrennikov ist es egal, dass die Kameraden im Rampenlicht keine „Bars“ sind, sondern „Sklaven“, das heißt das berüchtigte „russische Volk“, das angeblich von Nekrasov so geliebt wird.

Im ersten Teil der Inszenierung gibt es eine ungewöhnlich berührende Episode – vom Ende des Gedichts (wenn man sich die übliche Reihenfolge der Kapitelveröffentlichung ansieht) und näher am Beginn der Aufführung angesiedelt ist, das Fragment „Über das Vorbildliche“. Sklave - Jakow der Gläubige“, der selbst im Vergleich zu vielen anderen Nekrassow-Mikron eine schreckliche Geschichte erzählt. Die Handlung ist die Geschichte des Gutsbesitzers Polivanov und seines Leibeigenen Jakow: eines handlungsunfähigen, entwaffneten Gutsbesitzers, der eifersüchtig auf das Mädchen Arisha ist Sein Verlobter, der Neffe seines treuen, geliebten Sklaven Grischa, verkaufte seinen „Rivalen“ als Rekruten. Der Diener Jakow war beleidigt und kam dann, um um Vergebung zu bitten, aber nach einer Weile nahm er den Herrn, fuhr in eine Schlucht und erhängte sich dort, wobei sein beinloser Besitzer in der Schlucht liegen blieb. Der Herr wurde von einem Jäger gefunden, der Grundbesitzer überlebte und kehrte klagend nach Hause zurück: „Ich bin ein Sünder, ein Sünder, exekutiere mich!“ Bemerkenswert ist hier, dass Serebrennikov neben Polivanov und seinem Yakov die Liebe zwischen Grischa und Arisha in den Mittelpunkt stellt – in dem Gedicht, das durch ein paar Zeilen angedeutet und einmal erwähnt wird, werden der junge Mann und das Mädchen zu vollwertigen Charakteren. Frei vom Joch der Sklaverei, von der inhärenten Angst vor den Ältesten und gleichzeitig völlig von jeglicher Kleidung (ich habe mir die Besetzung angesehen, in der Grisha von Georgy Kudrenko gespielt wird, aber Alexander Gorchilin wurde in einer Reihe mit ihm angekündigt - es stellt sich heraus, dass (in einer anderen Besetzung läuft Gorchilin ohne Höschen herum? Wenigstens noch einmal gehen), werfen sich die jungen Leute in Umarmungen, aber nur dann, damit der Bräutigam sofort in einer Holzkiste landet. In Nekrasov wird, wenn ich mich nicht irre, nichts über das weitere Schicksal des Rekruten Grischa gesagt, vielleicht hat er als Soldat überlebt, aber der Dienst zu Nekrasovs Zeiten war lang, und Serebrennikov, der ahistorisch denkt, schlägt zweifellos den letzten Nagel ein in die Liebesgeschichte: Der junge Mann, der sich ohne Rücksicht auf soziale Barrieren die Freiheit der Gefühle gönnte, geht zugrunde. Wichtig ist aber auch, dass die Skizze „über einen vorbildlichen Sklaven“ kompositorisch in den Abschnitt „Glücklich“ eingeordnet ist und Jakow, der sich durch Selbstmord am Herrn „gerächt“ hat, den Leibeigenen, die geleckt haben, gleichgestellt ist teure ausländische Gerichte aus den Gerichten hinter den Bars.

In der Folge „The Last One“ fällt eine ähnliche erneute Betonung besonders auf; die „Bars“ sind natürlich nicht gerechtfertigt, aber die Verantwortung für das Geschehen, insbesondere für den Tod von Agap, liegt in größerem Maße bei der „Sklaven“ mit ihrer Bereitschaft, heuchlerisch zu sein, sich jetzt zu demütigen, um in der Zukunft illusorische Vorteile zu erzielen (übrigens, wenn ich nichts übersehen habe, sagt Serebrennikov nicht, dass die Bauern für ihre Komödie das nicht erhalten haben von den Erben des Grundbesitzers versprochene Wasserwiesen, d , mit Vergebung. Die Sklaverei, die nicht durch ein Dekret von oben markiert, durch Reformen beseitigt, durch Bildung und Aufklärung rückgängig gemacht werden kann – ich war sehr froh, dass Serebrennikow zu der Zeit, als die Bauern Belinsky und Gogol vom Markt trugen, nicht versuchte, eine Drehorgel in Betrieb zu nehmen , als ihm klar wurde, dass er es schon seit hundert Jahren trug, aber wenig Sinn hatte. „Er sang die Verkörperung des Glücks der Menschen“ – nicht über Serebrennikov und nicht über seine Leistung. Dieser überraschend nüchterne Blick in „Who Lives Well in Rus“ hat mich überzeugt. Iss das Gefängnis, Yasha!

Sklaverei als Glück – nicht nur als vertrauter, normaler, einzig möglicher, sondern als wünschenswerter, lieber Zustand für einen Sklaven: So sah ich das Hauptthema von Serebrennikovs Gedanken im Zusammenhang mit seiner Bühnenadaption von Nekrasovs Gedicht. Es ist kein Zufall, dass er „Die Bäuerin“ zum Höhepunkt des dritten Teils und der gesamten Aufführung macht – die Geschichte einer Frau, die alles verloren hat, was ihr lieb war, und man muss sich ihre traurige Geschichte nur anhören, nicht an alles wegen der Grausamkeit der Grundbesitzer nach der Abschaffung der Leibeigenschaft. In der Rolle von Timofeevna - Evgenia Dobrovolskaya. Und man kann nicht umhin zu sagen, dass ihre schauspielerische Leistung im dritten Akt mindestens eine Größenordnung höher ist als die der anderen. Es sollte auch angemerkt werden, dass diese Rolle für Dobrovolskaya selbst nicht die perfekteste ist und nichts Beispielloses in ihrer eigenen schauspielerischen Natur offenbart, sondern sie lediglich noch einmal bestätigt höchste Handwerkskunst- In mancher Hinsicht das Gegenteil, und in mancher Hinsicht ein sehr ähnliches weibliches Schicksal, spielte sie kürzlich anlässlich ihres Jubiläums im Moskauer Kunsttheater das Stück „Dorf der Narren“ auf einer anderen Qualität und einem modernen literarischen Substrat (Nekrasovs Poesie kann behandelt werden). anders, aber Klyucharevas Prosa – mach einfach das Licht aus):

Ich würde jedoch auf das von Evgenia Dobrovolskaya geschaffene Bild von Timofeevna achten, nicht nur als eigenständigen, persönlichen schauspielerischen Erfolg, der sich vor dem allgemeinen Hintergrund abhebt, sondern auch darauf, wie beiläufig und routinemäßig Serebrennikovs Inszenierung eine im Allgemeinen undenkbare Tragödie darstellt jeglichen zivilisierten Maßstäben, ein monströses Leben für die Heldin. Timofeevna dirigiert ihre Geschichte, indem sie den „Männern“ Brei aus der Pfanne serviert, begleitet vom Gesang von Maria Poezzhaeva, in dem sich der unterdrückte Schmerz indirekt widerspiegelt – schließlich findet Timofeevnas Auftritt in Serebrennikovs Komposition im Rahmen von „Ein Fest für“ statt Die ganze Welt“, und es ist „Die Bäuerin“, das zur Apotheose dieses Festes der Verdammten wird – nicht als Vorbote des bevorstehenden Triumphs des Guten, sondern ganz im Gegenteil, als Erinnerung an eine Totenwache für diese wenigen und unterdrückten, erdrosselten Sprossen der Wahrheit, Lichtstrahlen im dunklen Reich, die bis vor Kurzem jemanden täuschen konnten, lassen illusorische Hoffnungen entstehen. So wie es in Serebrennikows Komposition, die auf Nekrassows Gedicht basiert, kein Kapitel „Pop“ gibt, so gibt es darin auch keinen Platz für Grischa Dobrosklonow. „Die Sache des Volkes, vor allem sein Glück, Licht und Freiheit“ – dieser Text wird im Rezitativ gemurmelt. „Rus‘ rührt sich nicht, Rus‘ ist, als wäre es getötet worden, aber ein verborgener Funke entzündete sich in ihm, sie standen ungestört auf, kamen ungebeten heraus, das Leben der Berge wurde Korn für Korn zerstört“ und wird nicht laut ausgesprochen überhaupt wird es mit dem Abspann auf dem Bildschirm gestartet, und der Refrain „Die Kugel wird den Täter finden“ ertönt laut – nicht aus Nekrasovs Gedicht, sondern aus einem Lied der Gruppe „Civil Defense“. Wie man Letzteres versteht – ich gebe zu, ich bin mir nicht ganz sicher, aber es ist offensichtlich, dass nach anderthalb Jahrhunderten Geschichte, Historiosophie, gesellschaftspolitisches Denken und danach die an sozialen Themen orientierte Kunst zurückgekehrt sind auf Fragen, nicht einmal auf die von Nekrasov (wer ist gut, in Russland zu leben), nicht einmal auf die von Chernyshev (was zu tun ist), sondern auf die von Herzen (wer ist schuld). Die Regressionsaussage ist eindeutig, die Frage „Wer ist schuld“ ist wie alle anderen auch rhetorisch, und das neue „Was tun?“ werde ich sicher nicht mehr erleben. (Bei Moguchiys BDT heißt es, sie hätten versucht, es anhand von Chernyshevskys Material anzusprechen – natürlich habe ich es selbst nicht gesehen; laut Rezensionen war es nicht möglich). Und es war für die Männer nicht nötig, so weit zu gehen und so verzweifelt zu streiten – ein unvoreingenommener Blick auf sich selbst hätte genügt.

Das Stück enthält viele redundante und sekundäre Details, die die figurative und symbolische Abfolge überladen und zu Verwirrung in der Entwicklung der Hauptidee führen. Dabei handelt es sich beispielsweise um ironische Einfügungen von Wörterbuchkommentaren zu archaischem Vokabular (eine Technik, die der Regisseur des verstorbenen Juri Ljubimow verwendet hat). Und optionale, dekorative „Vignetten“ (wie das gestickte „to“ auf der Trikolore). Und ein müder „Trick“ mit Aufschriften auf T-Shirts (im Finale mit Umziehen nichts, aber im 1. Teil steht auf Avdeevs Charakter etwas auf seinem T-Shirt wie „Diese Gesellschaft hat keine Zukunft“ – das tue ich nicht Ich erinnere mich genau, aber ich erinnere mich noch gut. Wie der Chor in Serebrennikows „Goldener Hahn“ hatten die T-Shirts die gleiche Aufschrift: „Wir gehören dir, Seele und Körper, wenn sie uns schlagen, dann lass es uns tun“). Und sinnlose, nun ja, im Extremfall unverständliche Plastikfiguren, insbesondere in Adasinskys Choreografie zum 2. Teil – die Übungen einiger Aktionsteilnehmer mit einem Plastikrohr blieben mir ein Rätsel – und ob dieses Objekt als „“ wahrgenommen werden kann „Schnitt“ aus dem Rohr, das im 1. Teil über die Bühne lief, oder ist es eine Art isoliertes Symbol oder nur ein Objekt für Pantomimeübungen?

Gleichzeitig ist klar, dass „Who Lives Well in Rus“ ein schamloses, nicht vulgäres Standardprodukt ist, absolut Standard für das Gogol-Zentrum und trotz der Tatsache, dass es uneinheitlich ist, ein recht gutes Werk; Es gibt einzelne Momente, die einen emotional fesseln können (ich habe davon mindestens zwei für mich identifiziert – im 1. Teil mit Grisha-Kudrenko und im 3-1 mit Timofeevna-Dobrovolskaya), es gibt auch einige formale Entdeckungen, die nicht auf der Skala liegen einer Entdeckung, aber mehr oder weniger originell, nicht ganz zweitrangig. Aber meiner Meinung nach gibt es in der Aufführung keine kreative Suche; es gibt kein Experiment, kein Risiko, keine Herausforderung – was nicht nur die Angst vor den Chimären der orthodox-faschistischen Zensur betrifft (wahrscheinlich auch weitgehend berechtigt und vor allem entschuldbar). (in der gegenwärtigen instabilen Situation für diese „städtische Kulturinstitution“), aber auch Ängste und Widerwillen, den etablierten persönlichen Status, das Image, den Ruf zu opfern, wenn wir über Serebrennikov persönlich sprechen. Und obwohl ich trotz meiner schlechten körperlichen Verfassung so oder so mit Interesse und, wie der verrückte Professor in solchen Fällen sagt, „Wer lebt gut in Russland“ geschaut habe (natürlich auch unter anderen zahlreichen anwesenden kleinen Kunstliebhabern). bei der Premiere im „Gogol Center“) würde ich mir dieses Ereignis – natürlich ein Ereignis – auf keinen Fall entgehen lassen.

Und doch gibt es für mich keine Kunst, keine Kreativität, in der Provokation durch Manipulation ersetzt wird. Und „Who Lives Well in Rus“ von Serebrennikov ist eine ausschließlich manipulative, monologische Geschichte und, was mir besonders unangenehm ist, didaktisch. Bei jeder Entscheidung weiß Serebrennikov genau, welche Reaktion er als Antwort erhalten möchte – manchmal manipuliert er die Öffentlichkeit ganz subtil und geschickt, manchmal grob, ungeschickt, in manchen Fällen ist die Rechnung zu zweihundert Prozent gerechtfertigt, in manchen weniger, aber das ist es Ist der Ansatz des Dialogs zunächst einmal grundsätzlich nicht suggeriert, kaut der Regisseur einfach (und das nicht zum ersten Mal, was beleidigend und unangenehm ist) Kaugummi, der längst seinen Geschmack verloren hat, und präsentiert ihn dann auf einem Teller darunter unter dem Deckmantel einer Delikatesse – sagen wir mal, Kaugummi kann von hoher Qualität sein, aber esse ihn als Delikatesse. Tut mir leid, ich bin noch nicht bereit. Ich möchte, dass Gedanken von der Bühne des Gogol-Zentrums (und wo sonst - die Auswahl ist klein, der Ring schrumpft) nicht von der Schulter eines anderen und nicht in Fabrikverpackungen übertragen werden, sondern live, momentan, wenn auch ein wenig ausgedrückt ungeschickt. Leider in Neuproduktion Serebrennikov Ich habe nichts Neues für mich entdeckt, nichts Scharfes, nichts Wichtiges, nichts, was ich ohne Serebrennikov und bevor ich im Gogol Center ankam, nicht gewusst hätte.

Ich sage das mit Bedauern und teilweise auch mit Verärgerung, denn trotz der dramatischen (und teilweise komischen) Natur meiner eigenen Beziehung zum Gogol Center würde ich das Projekt mit solchem ​​Pomp, Pathos und der fesselnden Begeisterung des Zentrums nicht wollen Gründer, um einfach mal anzufangen ... dann ist es vor weniger als drei Jahren vor seiner Zeit am Sterben gestorben – oder einfacher gesagt, es wurde künstlich und böswillig zerstört. Darüber hinaus musste ich mich vor kurzem unerwartet aus der Position eines Apologeten des Gogol-Zentrums und Serebrennikovs in eine Diskussion einmischen, was nicht ohne Nutzen war – vor allem in Bezug auf meine Einstellung zum Projekt, seinen Produktionen und gegenüber Serebrennikov, dem Regisseur in seiner aktuellen Phase Karriere - ich habe es endlich für mich geklärt und klar formuliert:

Vielleicht kommt es beim nächsten Werk des Gogol-Zentrums anders: „Russische Märchen“, gemeinsam mit Serebrennikov von seinen Schülern erarbeitet, erscheint unmittelbar nach „Who Lives Well in Rus“ und setzt die Dilogie informell fort. Außerdem bekam ich im Voraus eine Eintrittskarte für „Russische Märchen“ (ich habe selbst darum gebeten), jetzt muss ich, egal wie die Umstände meines Gesundheitszustands und meines Zustands sind, immer noch zu „Märchen“ gehen. In dieser Situation wünsche ich dem Gogol Center mehr als jedem anderen zumindest für die nahe Zukunft einen stabilen Betrieb, denn ich habe das Ticket bereits in den Händen und das Geld dafür wurde bezahlt.

Die Idee, eine gemeinsame Aufführung mit dem nach ihm benannten Jaroslawl-Theater zu komponieren. Fedora Volkova entstand nicht zufällig aus Kirill Serebrennikov. Das Land Jaroslawl ist der Geburtsort von Nekrasov. Und sein endloser Gedichtschrei, sein Gedichtlachen, sein wörtliches Gedicht „Wer lebt gut in Russland?“ schienen den Kern der aktuellen russischen Probleme zu treffen. Begleitet von Enthusiasten und „Stalkern“ wanderten sie durch verlassene Dörfer und atemberaubende Natur, vorbei an atemberaubenden Museen und einem verfallenen, längst vergangenen Leben.

Wir begannen natürlich mit Karabikha, der Heimat Nekrasovs, und drangen dann tiefer in die Provinz vor. „Kleinstädte – Rybinsk, Poshekhonye, ​​​​Myshkin, einst reiche Dörfer – Prechistoye, Porechye, Kukoboi – überleben irgendwie immer noch kaum, aber um sie herum gibt es mit Wald, Unkraut und Bärenklau bewachsener Raum, wo es fast nichts anderes gibt“ – sagte Serebrennikow.

Viele hätten gedacht, dass die Aufführung zu wörtlichen, dokumentarischen und gefährlichen Gesprächen mit denen führen würde, die jetzt dort leben und nach einer Antwort auf die Frage nach Nekrasovs Männern suchen. Aus diesem Grund schied das Jaroslawl-Theater als Partner aus, und das Gogol-Zentrum produzierte das Stück schließlich selbst und brachte die Uraufführung auf dem Höhepunkt der besorgniserregendsten Diskussionen über seine Zukunft heraus. Es stellte sich jedoch heraus, dass Serebrennikov und seine wunderbaren Schauspieler keinen anderen Text brauchten. Nekrasovs Gedicht reichte mehr als für drei Stunden voller Bühnenphantasien und Abenteuer der ausgefallensten Art, und von der Expedition nach Karabikha brachten die Schauspieler auch Material aus Afanasyevs „Verbotenen Geschichten“ mit, ursprünglich planten sie, diese mit dem Gedicht zu kombinieren. Aber diese Märchen wurden zur Grundlage für eine weitere Aufführung, die Teil einer Dilogie über die „russische Welt“ werden wird.

Sich wieder mit dem Text zu verbinden, der seit der Schulzeit wie ein langweiliger Teil des obligatorischen „Programms“ schien, dem Theater wieder die Möglichkeit zu geben – trotz aller sowjetischen und postsowjetischen Zensur, was auch immer sie sein mag –, sich zu äußern Ein fantastisches, „pochvennichesky“ Nekrasov-Paradies nachzuspielen – das ist keine leichte Aufgabe. Es stellte sich heraus, dass es Serebrennikov war, der immer und nur an Russland dachte, der es bereits durch Prilepins „Schläger“ und die höllische Mechanik von „Dead Souls“, durch Ostrovskys „Wald“-Figuren und Gorkis „Spießbürger“ gehört hatte teuflische Bürokratie der Auslöschung des Menschen in Tynianovs „Kizha“ – nur er schaffte es, diesen ausgefallenen „Ruck“ aufzunehmen und auf der Bühne neue poetische Welten zu eröffnen. Vom Theater gepflügt, begann dieser erstaunliche Text mit den wütenden, beängstigenden, hoffnungslosen und lebensspendenden Stimmen des wirklichen, unkomponierten Lebens zu klingen. Er folgte nicht dem Buchstaben, sondern dem Geist von Nekrasovs Gedicht, das in seiner poetischen und bedeutungsvollen Struktur sehr unterschiedlich ist, und teilte die Aufführung in drei völlig unterschiedliche Teile – auch Genres – ein.

Im ersten Teil – „Dispute“ – treffen sieben junge Schauspieler des Gogol-Zentrums auf Nekrasovs Männer und probieren sie aus dem 21. Jahrhundert an. Der Erzähler – eine Art Moskauer kluger Kerl, ein Bewohner des Gartenrings – entdeckt voller Erstaunen, indem er wiederholt, was die Jungs auf ihrer Jaroslawl-Expedition begleitete, ihre unbekannte... und vertraute Welt. Hier ist ein bebrillter Dissident aus allen russischen Sumpfgebieten, hier ist ein Straßenräuber, hier ist ein Märtyrer der Sklaverei, hier ist ein Krieger. Wir erkennen sie an ihren wattierten Jacken und T-Shirts, an ihren Jeans und Lumpen, an ihrer Tarnung als Gefangene und Wärter, immer bereit, in den „blutigen Kampf“ zu ziehen. Sie reden flüsternd über den Zaren, nur mit den Lippen über den Priester, über den Minister des Souveräns – mit Angst... Hier gibt es nichts zu aktualisieren – Nekrasovs Welt reproduziert sich endlos in der Heiligen Rus und wiederholt dieselben Worte der Zar und über den Priester und endloses Anspannen eines neuen Jochs, eines neuen Riemens von Lastkähnen.

Mehrere Geschichten halten diese Erzählung auf Trab, und die stärksten davon sind „über den vorbildlichen Sklaven, den treuen Jakow“, der seine Sklaverei mehr als alles andere auf der Welt liebte, bis er von Hass entflammt war und sich aus Rache erhängte; und – die Hauptsache – das Letzte, über diejenigen, die um des kranken Herrn willen die Leibeigenschaft weiter ausübten, als ob sie 1864 nicht geendet hätte. Es ist genau dieser Zustand der „russischen Welt“ an der Grenze zwischen Sklaverei und Freiheit, Leben und Tod, Demütigung und Rebellion, Sünde und Heiligkeit – in Anlehnung an Nekrasov – den das Gogol-Zentrum erforscht.

Zwei Komponisten – Ilya Demutsky (Autor des Balletts „Held unserer Zeit“) und Denis Khorov – rufen Anton Adasinsky mit seiner ausdrucksstarken, leidenschaftlichen Choreografie zu Hilfe, kleiden die Schauspielerinnen in unglaubliche „russische“ Couture-Sommerkleider und bewaffnen sie mit Saxophonen und E-Gitarren, Folk-Jazz-Kompositionen und Volkschöre Mit der Energie heidnischer russischer Melodien und Rock'n'Roll verwandelte Serebrennikov Nekrasovs Gedicht in eine echte Bombe. Wenn im zweiten – choreografischen – Akt „Drunken Night“ die riesige, zur Backsteinmauer offene Bühne des Gogol Centers mit den Körpern von Männern „gesät“ wird und Hexenmädchenstimmen ihre fast erotischen Sterblichkeitslieder über diese Toten heulen ( Im betrunkenen Feld scheint es, als sei er im modernen Theater aufgetreten, dort herrscht derselbe tragische Geist, den es schon lange nicht mehr gegeben hat.

Im dritten Teil tauchte aus dem Choranfang eine Seele – die einer Frau – auf, um die Volkstragödie in ein Schicksalslied zu verwandeln. Indem sie Wodka für die „Männer“ einschenkt, bringt Evgenia Dobrovolskaya – Matryona Timofeevna – die Intonation der großen tragischen Schauspielerinnen der Vergangenheit ins russische Theater zurück. Im ersten Moment scheint es sogar, dass das nicht sein kann, dass ihr herzzerreißendes Geständnis nur eine Tragödie spielt – völlig postmodern. Aber nach ein paar Minuten fehlt ihr die Kraft, dem Schmerz, dem sie sich völlig hingibt, und der über ihr aufsteigenden Geisteskraft zu widerstehen. Natürlich wird dieses lange Geständnis durch ein Chor-, Rock'n'Roll-Finale ersetzt, er wird seine schwierige Beziehung zu Nekrasovs „Rus“ aufbauen, er wird – ohne Verlegenheit, Rückhand und ernst – seine Worte über „die Mächtigen und die Machtlosen“ singen „Und es wird wie eine Armee erscheinen, die sich erhebt, ähnlich dem treuen Jakob, der sich in seiner unbekannten Stärke und Schwäche selbst tötet.

Anatomie des Patriotismus

Die Bühne ist durch eine riesige Betonmauer mit Stacheldraht auf der Oberseite blockiert. Eine absolute Tatsache. Und egal was passiert Sichtseite Egal, ob es sich um einen Kampf, einen Feiertag oder eine alkoholische Bacchanie handelt, niemand wird jemals daran denken, sich dieser Mauer zu nähern. Obwohl dahinter offenbar diejenigen leben, „die glücklich und frei in Russland leben“.

Das Stück handelt natürlich von denen, die nicht so glücklich sind. Hier sind sie, „sieben Zeitarbeiter aus benachbarten Dörfern“, die sich versammeln und vorsichtig im Kreis auf Schulstühlen sitzen; Ein seriöser Moderator mit Mikrofon erteilt allen das Wort. Hier ist der verlorene kleine Mann, der offensichtlich auf halbem Weg zu Petushki (Fominov) entführt wurde; und der gepflegte Intellektuelle mit den Manieren von Leonid Parfenov (Steinberg); und ein untersetzter Adidas-Fan, der niemals seine Handtasche hergibt (Kukushkin); und ein gebeugter Hipster mit Brille und Robe direkt vom Friseursalon (Avdeev) – seine Nase wird als erster bluten, wenn er als Antwort auf eine sakramentale Frage hastig ein zerknittertes Blatt mit großen verbotenen Buchstaben auseinanderfaltet: AN DEN ZAR . Doch selbst eine solch auffällige Heterogenität wird sie nicht davon abhalten, alle nach dem Anprobieren von „armenischen Bauernjacken“ innerhalb einer halben Stunde in einer einzigen patriotischen Ekstase zu verschmelzen.

In drei energiegeladenen Acts, begleitet von einer Jazzband (Bass, Gitarre, Schlagzeug, Keyboards, Trompete), passt Kirill Serebrennikov etwa ein Drittel von Nekrasovs immensem Werk. Außerhalb der Inszenierung hinterließ der Regisseur reiche Landschaften und alle möglichen Details des bäuerlichen Lebens und Spiele vergessener Dialekte, kurz gesagt, alles, was das Gedicht zum Ruhm eines großen historischen Dokuments macht. Darüber hinaus kommen die Charaktere des Stücks auf ihrer Reise beispielsweise an einer ziemlich bedeutenden Figur namens Pop vorbei. Das ist verständlich: Nekrasovs Geistlicher, der unter der sorgfältigen Vormundschaft der Zensur stand, wird zu unfehlbar dargestellt. So verloren sieben Reisende, die nacheinander mit jedem der Verdächtigen eines guten Lebens sprechen wollten (Grundbesitzer, Beamter, Priester, Kaufmann, Bojar, Minister, Zar), einen wichtigen Befragten, während Nekrasov keine Zeit hatte, das Treffen mit den meisten zu beenden wichtige Leute (über das, was vor dem Tod beängstigend ist, sagen sie, ich habe es bereut). Man musste sich also nicht auf Wendungen in der Handlung verlassen.

Unter Umgehung literarischer Untertöne und ästhetischer Anachronismen taucht Serebrennikov in die Essenz von Nekrasovs Erzählung ein und findet dort – überraschend – ein Gruppenporträt von uns. Die Leibeigenschaft wurde schon vor langer Zeit abgeschafft, und die Menschen tummeln sich noch immer, weil sie nicht in der Lage sind, die scheinbar lang ersehnte Freiheit zu erlangen. Wenn sich zum Beispiel Nekrasovs Bauern über den senilen Herrn lustig machen und so tun, als ob die alte Ordnung zurückgekehrt wäre, als ob die alte Ordnung zurückgekehrt wäre, ziehen Serebrennikovs Helden lachend Astrachan-Pelzmäntel und Biberhüte an, die seit Breschnews Stagnation verstaubt sind.

Die Fokussierung mit historischen Reimen erfolgt jedoch nur im ersten und dritten Akt – „Dispute“ und „Feast for the Whole World“, gelöst als chaotisches Stand-up mit Liedern und Verkleidungen. Angesichts der Verantwortung des Regisseurs und Choreografen Anton Adasinsky (Schöpfer des Kult-Plastiktheaters Derevo) ist der zentrale Akt „Drunken Night“ eine körperliche Raserei, die nicht nur ohne Worte und (praktisch) Kleidung, sondern auch ohne historische Zeichen auskommt. begleitet von stolpernder Musik im Stil von „Hummingbird“ oder „Polite Refusal“ (Komponist: Ilya Demutsky). Zusammengedrängt verwandeln sich verschwitzte kleine Männer und Bauern auf subtile Weise von Bruegels Bauern in Repins Lastkähne, frönen dann einem ungezügelten Cancan, und dann fallen sie einer nach dem anderen zu Boden, als wären sie niedergeschlagen worden. Diese plötzliche Energiebombe veranschaulicht einerseits fast wörtlich die faszinierenden Beweise von Nekrasov („Die Menschen gehen und fallen, / Als ob wegen der Walzen / Die Feinde schießen mit Kartätschen auf die Männer!“), und andererseits Andererseits dient es als kontrastierender Schauer körperlicher Ausdruckskraft zwischen zwei im Allgemeinen Pop-Acts. Und wenn in „Argument“ und „Feast“ aus Schauspielerskizzen zusammengestellt wird, gibt das objektive Leben den Ton an Sowjetzeit mit Emaillebechern, Eimern, Belomor und Schaffellmänteln, dann über die Nackten“ betrunkene Nacht„Ich denke, selbst der westlichste Ukrainer wird in der Lage sein, die Präsenz dessen zu bestätigen, was gemeinhin als russischer Geist bezeichnet wird – über spezifische geografische und zeitliche Grenzen hinaus.

Der schmerzhafte Paradoxismus der russischen Seele, die so bereit ist, „schamlos, unkontrolliert zu sündigen“, um am nächsten Morgen „am Spielfeldrand vorbeizugehen“. Gottes Tempel„ist ein zentrales Thema in Serebrennikows Werk, und Nekrassow nahm in seiner Erfolgsgeschichte neben Saltykow-Schtschedrin, Gorki, Ostrowski und Gogol einen Platz ein.“ In der neuen Aufführung treffen Helden aus alten Meisterwerken des Moskauer Kunsttheaters wie eine Zusammenfassung der gesammelten Erfahrungen auf Vertreter der neuesten Premieren des künstlerischen Leiters des Gogol-Zentrums. Die phänomenale Bio-Schauspielerin Evgenia Dobrovolskaya, die am Moskauer Kunsttheater die lebhaftesten Rollen in den todbringenden „Petty Bourgeois“ und „The Golovlev Gentlemen“ spielte. Tschechow brachte hier zum ersten Mal den Regisseur für die Solo-Verkörperung der schrecklichsten Episode des Gedichts („Bauernfrau“) in den besten Traditionen des psychologischen Realismus in den Vordergrund. An den Stellen, an denen die Aufführung besonders stark an eine gewagte Volksaufführung im Geiste von Nikolai Kolyada erinnert, teilten sich die Funktionen des Toastmeisters der einschmeichelnde Herr Semyon Steinberg, der Chichikov in Dead Souls spielt, und der gutaussehende Besitzer eines hellen orientalischen Aussehens , Evgeny Sangadzhiev. Insgesamt sind etwa zwanzig Personen beschäftigt, und die Hintergründe sind ohne Enthüllungen nicht vollständig. Schauen Sie sich nur die Gesangsdarbietung der Miniatur-Maria Poezzhaeva in einer schwarzen Kokoshnik an – ihr melodiöses und murmelndes Ritual erinnert uns beharrlich bis zur Gänsehaut an den heidnischen Kosmos, der in alten russischen Liedern verborgen ist und von dem wir wahrscheinlich nie etwas erfahren werden.

Aus solchen Fragmenten, die kaum zu einem Ganzen zusammenpassen, aber in ihrer paranormalen Schönheit wertvoll sind, entsteht die Essenz der Aufführung. Unterstützende Inszenierungen wie Standbilder mit hektischem Winken der Trikolore und heroisches Posieren in Souvenir-T-Shirts mit Porträts von Putin und der Aufschrift „Ich bin Russe“ sollen dem Regisseur eine gewisse Harmonie verleihen bunt, wie eine Flickendecke. Dank ihnen fügt sich das Puzzle zu einer überzeugenden und bekannten Geschichte darüber zusammen, wozu die Bevölkerung gekommen ist, verrückt geworden durch die Freiheit, die ihnen widerfahren ist, auf der Suche nach ihrem eigenen Selbst.