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Schöne Künste Klassizismus und Rokoko

Nicolas Poussin – klassizistischer Künstler

Die Französische Akademie erklärte das Werk des Künstlers zum Höhepunkt des Klassizismus in der Malerei. Nicolas Poussin(1594-1665). Zu seinen Lebzeiten wurde er als „der geschickteste und erfahrenste von allen“ bezeichnet moderne Meister Pinsel“, und nach seinem Tod wurde er zum „Fackel der französischen Malerei“ erklärt.

Als brillanter Vertreter der Ideen des Klassizismus entwickelte Poussin eine kreative Methode, die auf seiner eigenen Vorstellung von den Gesetzen der Schönheit basierte. Sein Ideal sah er in der Verhältnismäßigkeit der Teile des Ganzen, in der äußeren Ordnung, Harmonie und Klarheit der Formen. Seine Gemälde zeichnen sich durch eine ausgewogene Komposition, ein starres, mathematisch verifiziertes System der Raumorganisation, präzise Zeichnung und ein erstaunliches Rhythmusgefühl aus, das auf der alten Lehre der Musikmodi basiert.

Laut Poussin sind Vernunft und Denken die Hauptkriterien künstlerischer Wahrheit und Schönheit. Er forderte, dies zu schaffen, „wie Natur und Vernunft es lehren“. Bei der Auswahl der Themen bevorzugte Poussin Heldentaten und Taten, die eher auf hohen bürgerlichen Motiven als auf niederen menschlichen Leidenschaften beruhten.

Das Hauptthema der Kunst ist nach Ansicht des Künstlers das, was mit der Idee des Erhabenen und Schönen verbunden ist, das als Vorbild und Mittel zur Kultivierung der besten moralischen Eigenschaften eines Menschen dienen kann. Poussin widmete sein Werk der Verherrlichung des heldenhaften Menschen, der in der Lage war, die Natur mit der Kraft eines mächtigen Geistes zu erkennen und zu verändern. Seine Lieblingshelden sind starke, willensstarke Menschen mit Hochgefühl moralische Qualitäten. Sie befinden sich oft in dramatischen Situationen, die besondere Gelassenheit, Geistesgröße und Charakterstärke erfordern. Der Maler vermittelte ihre erhabenen Gefühle durch Posen, Mimik und Gestik.

Von den historischen Themen wählte Poussin nur solche aus, in denen es Handlung, Bewegung und Ausdruck gab. Er begann die Arbeit an dem Gemälde mit einem sorgfältigen Studium der literarischen Quelle (der Heiligen Schrift, Ovids „Metamorphosen“ oder T. Tassos „Das befreite Jerusalem“). Wenn er die gesetzten Ziele erreichte, dachte der Künstler nicht über das komplexe Innenleben der Charaktere nach, sondern über den Höhepunkt der Handlung. Mentaler Kampf, Zweifel und Enttäuschungen wurden in den Hintergrund gedrängt. Poussins übliche Handlungsformel lautete: „Die Würfel sind gefallen, die Entscheidung ist gefallen, die Wahl ist getroffen“ (Yu. K. Zolotov).

Die Ideen des Klassizismus sollten sich seiner Meinung nach in der Komposition des Gemäldes widerspiegeln.

Er stellte der Improvisation eine sorgfältig durchdachte Anordnung einzelner Figuren und Hauptgruppen gegenüber.

Der visuelle Raum sollte gut sichtbar sein, die Pläne sollten klar aufeinander folgen. Für die Aktion selbst sollte nur ein kleiner Bereich im Hintergrund reserviert werden. In den meisten Gemälden Poussins erweist sich der Schnittpunkt der Bilddiagonalen als das wichtigste semantische Zentrum.

Das Kompositionssystem von Poussins Gemälden basiert auf zwei Prinzipien: dem Gleichgewicht der Formen (Bildung von Gruppen um das Zentrum) und ihrer freien Beziehung (Entfernung vom Zentrum). Durch das Zusammenwirken dieser beiden Prinzipien konnte ein außergewöhnlicher Eindruck von Ordnung, Freiheit und Beweglichkeit der Komposition erzielt werden. Tolles Preis-Leistungs-Verhältnis

In Poussins künstlerischem System nimmt die Farbe einen festen Platz ein. Die Verbindung der wichtigsten Farbklänge wurde durch ein Reflexsystem erreicht: Intensive Farben im Zentrum der Komposition werden normalerweise von gedämpften neutralen Farben begleitet. Nicolas Poussin ist Autor zahlreicher Gemälde zu mythologischen, historischen,

religiöse Themen sowie Landschaften. In ihnen findet man fast immer ausgefeilte Inszenierungen voller Gedanken und Dramatik. Er wandte sich der fernen Vergangenheit zu und erzählte nicht nach, sondern stellte bekannte Handlungsstränge kreativ nach und interpretierte sie neu. Gemälde von N. Poussin „Arkadische Hirten“- einer der Höhepunkte der Kreativität des Künstlers, wo die Ideen des Klassizismus ihre volle Wirkung entfalteten lebendige Verkörperung. Darin spürt man den Wunsch des Autors nach skulpturaler Klarheit der Formen, plastischer Vollständigkeit und Genauigkeit der Zeichnung, Klarheit und Ausgewogenheit.

geometrische Komposition unter Verwendung des Prinzips des Goldenen Schnitts. Die Strenge der Proportionen, der sanfte, klare lineare Rhythmus vermittelten perfekt die Strenge und Erhabenheit der Ideen und Charaktere.über die Zerbrechlichkeit der irdischen Existenz und die Unvermeidlichkeit des Todes. Vier Hirten, Bewohner des glücklichen Arkadiens (einer Region im Süden Griechenlands, die ein Symbol für ewigen Wohlstand, ein ruhiges Leben ohne Kriege, Krankheit und Leid ist), finden zufällig zwischen den Büschen ein Grab mit der Inschrift: „Ich war drin Arkadien. Aber jetzt gehöre ich nicht zu den Lebenden, so wie auch du, der du jetzt diese Inschrift liest, nicht sein wirst.“ Die Bedeutung dieser Worte bringt sie zum Nachdenken ... Einer der Hirten senkte demütig den Kopf und legte seine Hand auf den Grabstein. Der zweite, auf dem Knie, fährt mit dem Finger über die Buchstaben und versucht, die halb gelöschte Inschrift zu lesen.

Der Dritte wirft, ohne die Hand von den traurigen Worten zu nehmen, einen fragenden Blick auf seinen Begleiter. Auch die rechts stehende Frau blickt gelassen auf die Inschrift. Sie legte eine Hand auf seine Schulter, als wollte sie ihm helfen, mit dem Gedanken an sein unausweichliches Ende klarzukommen. So wird die Figur einer Frau als Mittelpunkt des spirituellen Friedens wahrgenommen, jenes philosophischen Gleichgewichts, zu dem die Autorin den Betrachter führt.

Poussin strebt eindeutig danach, verallgemeinerte Bilder zu schaffen, die den Kanonen antiker Schönheit nahe kommen: Sie sind wirklich körperlich perfekt, jung und voller Kraft. Die Figuren, die in vielerlei Hinsicht an antike Statuen erinnern, sind im Raum ausbalanciert. In ihren Schriften verwendete die Künstlerin ausdrucksstarkes Hell-Dunkel.

Tief philosophische Idee Das Herzstück des Bildes kommt in glasklarer und klassisch strenger Form zum Ausdruck. Wie bei einem römischen Relief spielt sich die Haupthandlung in einem relativ flachen Vordergrundbereich ab. Der Bildaufbau ist äußerst einfach und logisch: Alles basiert auf einem sorgfältig durchdachten Rhythmus ausgewogener Bewegungen und ist den einfachsten geometrischen Formen untergeordnet, die dank der Genauigkeit mathematischer Berechnungen erreicht werden. Die Figuren sind nahezu symmetrisch in der Nähe des Grabsteins gruppiert, verbunden durch die Bewegung ihrer Hände und das Gefühl einer anhaltenden Pause. Dem Autor gelingt es, ein Bild einer idealen und harmonischen Welt zu schaffen, die nach den höchsten Gesetzen der Vernunft organisiert ist.

Das Farbsystem von Poussins Gemälden basierte normalerweise auf der Überzeugung des Autors, dass Farbe das wichtigste Mittel zur Schaffung von Volumen und Raumtiefe ist. Die Unterteilung in Ebenen wurde meist durch den Zusammenklang kräftiger Farben betont. Der Vordergrund wurde normalerweise von Gelb und dominiert braune Farben, am zweiten - warm, grün, am dritten - kalt, hauptsächlich blau. In diesem Bild unterliegt alles den Gesetzen der klassischen Schönheit: Der Farbkontrast des kalten Himmels mit dem warmen Vordergrund und die Schönheit des nackten menschlichen Körpers, vermittelt in gleichmäßig diffusem Licht, wurde vor dem Hintergrund besonders eindrucksvoll und erhaben wahrgenommen des üppigen Grüns der ruhigen Landschaft.

Insgesamt war das Bild von einem Gefühl verborgener Traurigkeit, Frieden und Idylle durchdrungen Seelenfrieden. Stoische Versöhnung mit dem Schicksal, eine weise, würdevolle Akzeptanz des Todes machten Poussins Klassizismus dem antiken Weltbild ähnlich. Der Gedanke an den Tod löste keine Verzweiflung aus, sondern wurde als unvermeidliche Manifestation der Gesetze der Existenz wahrgenommen.

Meister der „galanten Gattung“: Rokoko-Malerei

Die Hauptthemen der Rokoko-Malerei sind das exquisite Leben der Hofaristokratie, „galante Feste“, idyllische Bilder des „Hirtenlebens“ vor dem Hintergrund unberührter Natur, die Welt komplexer Liebesaffären und genialer Allegorien. Das menschliche Leben ist augenblicklich und vergänglich, und deshalb müssen wir den „glücklichen Moment“ nutzen und uns beeilen, zu leben und zu fühlen. „Der Geist charmanter und luftiger Kleinigkeiten“ (M. Kuzmin) wird zum Leitmotiv der Arbeit vieler Künstler des „königlichen Stils“.

Für die meisten Maler des Rokoko stellen Venus, Diana, Nymphen und Amoretten alle anderen Gottheiten in den Schatten. Alle Arten von „Baden“, „Morgentoiletten“ und sofortigen Freuden sind mittlerweile fast das Hauptthema des Bildes. Exotische Farbnamen liegen im Trend: „die Farbe des Schenkels einer verängstigten Nymphe“ (Fleisch), „die Farbe einer in Milch schwimmenden Rose“ (blassrosa), „die Farbe der verlorenen Zeit“ (blau). Klar durchdachte, harmonische Kompositionen des Klassizismus weichen eleganten und anspruchsvollen Designs.

Antoine Watteau(1684-1721) wurde von seinen Zeitgenossen „der Dichter der unbeschwerten Muße“, „der Sänger der Anmut und Schönheit“ genannt. In seinen Werken hielt er Picknicks in immergrünen Parks, Musik- und Theaterkonzerte im Schoß der Natur, leidenschaftliche Geständnisse und Liebesstreitigkeiten, idyllische Dates, Bälle und Maskeraden fest. Gleichzeitig strahlen seine Bilder eine schmerzliche Traurigkeit aus, ein Gefühl für die Vergänglichkeit der Schönheit und die Flüchtigkeit des Geschehens.

Eines der berühmtesten Gemälde des Künstlers - „Pilgerfahrt zur Insel Kythera“, dank derer er in die Royal Academy of Painting and Sculpture aufgenommen wurde und den Titel „Meister der galanten Festlichkeiten“ erhielt. Hübsche Damen und galante Herren versammelten sich am blumenübersäten Ufer der Meeresbucht. Sie segelten zur Insel Kythera – der Insel der Göttin der Liebe und Schönheit Venus (identifiziert mit). griechische Göttin Liebe Aphrodite), wo sie der Legende nach aus dem Schaum des Meeres auftauchte. Das Fest der Liebe beginnt an einer Statue der Venus und Amoretten, von denen einer herabreicht, um der schönsten aller Göttinnen eine Lorbeergirlande zu schmücken. Am Fuß der Statue liegen gestapelte Waffen, Rüstungen, eine Leier und Bücher – Symbole des Krieges, der Künste und der Wissenschaften. Nun, die Liebe kann wirklich alles besiegen!

Die Handlung verläuft wie ein Film und erzählt nacheinander vom Weg jedes verliebten Paares. In den Beziehungen zwischen den Charakteren herrscht die Sprache der Andeutungen: plötzlich

Blicke, eine einladende Geste eines Fächers in den Händen des Mädchens, eine mitten im Satz abgebrochene Rede ... Die Harmonie von Mensch und Natur ist in allem spürbar. Doch es ist schon Abend, der goldene Sonnenuntergang färbt den Himmel. Der Feiertag der Liebe neigt sich dem Ende zu und erfüllt den unbeschwerten Spaß verliebter Paare mit Traurigkeit. Schon bald kehren sie zu ihrem Schiff zurück, das sie von der unwirklichen Welt in die Welt der alltäglichen Realität entführen wird. Ein wundervolles Segelschiff – das Schiff der Liebe – ist bereit zum Segeln. Warme, weiche Farben, gedämpfte Farben, leichte Pinselstriche, die die Leinwand kaum berühren – all das schafft eine besondere Atmosphäre von Charme und Liebe.

Und wieder liebe ich die Erde, weil

Warum sind die Strahlen des Sonnenuntergangs so feierlich,

Was mit einem leichten Pinsel Antoine Watteau

Hat mein Herz einmal berührt.

G. Iwanow

Watteaus Gemälde gehören zu den wahren Meisterwerken „Gilles“ (Pierrot), geschaffen als Zeichen für die Auftritte reisender Komiker. Gilles ist die Haupt- und Lieblingsfigur der französischen Maskenkomödie, ähnlich wie Pierrot, der Held der italienischen Commedia dell'arte. Das tollpatschige, naive Geschöpf scheint speziell für den ständigen Spott und die Tricks des klugen und listigen Harlekins geschaffen zu sein. Gilles ist in einem traditionellen weißen Anzug mit Umhang und rundem Hut dargestellt. Er steht regungslos und verloren vor dem Betrachter, während andere Komiker sich zur Ruhe setzen. Er scheint auf der Suche nach einem Gesprächspartner zu sein, der ihm zuhören und ihn verstehen kann. Die absurde Pose des Komikers mit schlaff herabhängenden Armen und starrem Blick hat etwas Berührendes und Verletzliches. In der müden und traurigen Erscheinung des Clowns verbirgt sich der Gedanke an die Einsamkeit eines Mannes, der gezwungen ist, ein gelangweiltes Publikum zu amüsieren und zu unterhalten. Die emotionale Offenheit des Helden macht ihn zu einem der tiefgreifendsten und bedeutungsvollsten Bilder in der Geschichte der Weltmalerei.

Künstlerisch ist das Gemälde brillant ausgeführt. Die extreme Einfachheit des Motivs und der Komposition wird hier mit präziser und sorgfältig durchdachter Gestaltung kombiniert Farbschema. Das gespenstisch weiße Gewand ist mit sorgfältigen und zugleich kräftigen Pinselbewegungen gemalt. Schimmernde blasse Silber-, Asche-Flieder- und Grau-Ocker-Töne fließen und schimmern und brechen in Hunderte von zitternden Glanzlichtern. All dies schafft eine erstaunliche Atmosphäre für die Wahrnehmung von Tiefe philosophische Bedeutung Gemälde. Wie kann man der Aussage eines seiner Zeitgenossen widersprechen: „Watteau malt nicht mit Farben, sondern mit Honig, geschmolzenem Bernstein.“

Francois Boucher(1703-1770) betrachtete sich als einen treuen Schüler Watteaus. Manche nannten ihn „den Künstler der Grazien“, „Anakreon der Malerei“, „königlichen Maler“. Dieser sah in ihm einen „heuchlerischen Künstler“, „der alles außer der Wahrheit hat“. Wieder andere bemerkten skeptisch: „Seine Hand sammelt Rosen, wo andere nur Dornen finden.“

Der Künstler malte eine Reihe zeremonieller Porträts des Günstlings von König Ludwig XV., der Marquise de Pompadour. Es ist bekannt, dass sie Boucher förderte und ihm mehr als einmal Gemälde mit religiösen Motiven für Landsitze und Pariser Villen bestellte. Auf dem Bild Die Heldin wird umgeben von verstreuten Blumen und luxuriösen Gegenständen präsentiert, die an ihren künstlerischen Geschmack und ihre Hobbys erinnern. Sie lehnt sich majestätisch vor dem Hintergrund üppiger, feierlicher Vorhänge zurück. Das Buch in ihrer Hand ist ein klarer Hinweis auf Aufklärung und Engagement für intellektuelle Aktivitäten.

Die Marquise de Pompadour dankte dem Künstler großzügig und ernannte ihn zunächst zum Direktor der Gobelin-Manufaktur und dann zum Präsidenten der Akademie der Künste, was ihm den Titel „erster Maler des Königs“ verlieh.

Francois Boucher wandte sich mehr als einmal der Darstellung frivoler Szenen zu, deren Hauptfiguren niedliche, schüchterne Schäferinnen oder pralle nackte Schönheiten in Form mythologischer Venusen und Dianas waren. Seine Bilder sind voll von zweideutigen Andeutungen, pikanten Details (der hochgezogene Saum eines Satinrockes einer Hirtin, das kokett erhobene Bein einer badenden Diana, ein Finger auf ihre Lippen gedrückt, ein beredter, einladender Blick, Lämmer, die sich zu ihren Füßen zusammendrängen Liebende, küssende Tauben usw.). Nun, der Künstler kannte die Mode und den Geschmack seiner Zeit sehr gut!

In der Geschichte der Weltmalerei bleibt Francois Boucher immer noch ein großartiger Meister der Farbe und des exquisiten Designs. Genial gestaltete Kompositionen, ungewöhnliche Winkel der Charaktere, satte Farbakzente, helle Reflexe transparenter Farben, aufgetragen in kleinen, leichten Strichen, sanfte, fließende Rhythmen – all das macht F. Boucher zu einem unübertroffenen Maler. Seine Gemälde verwandeln sich in dekorative Tafeln, schmücken die üppigen Innenräume von Fluren und Wohnzimmern und rufen in die Welt des Glücks, der Liebe und der schönen Träume.

Nicolas Poussin – klassizistischer Künstler Nicolas Poussin Die Französische Akademie erklärte das Werk des Künstlers zum Höhepunkt des Klassizismus in der Malerei.

(1594-1665). Zu seinen Lebzeiten wurde er als „der geschickteste und erfahrenste moderne Meister des Pinsels“ bezeichnet, und nach seinem Tod wurde er zum „Licht der französischen Malerei“ erklärt.

Laut Poussin sind Vernunft und Denken die Hauptkriterien künstlerischer Wahrheit und Schönheit. Er forderte, dies zu schaffen, „wie es Natur und Vernunft lehren“. Bei der Auswahl der Themen bevorzugte Poussin Heldentaten und Taten, die eher auf hohen bürgerlichen Motiven als auf niederen menschlichen Leidenschaften beruhten.

Das Hauptthema der Kunst ist nach Ansicht des Künstlers das, was mit der Idee des Erhabenen und Schönen verbunden ist, das als Vorbild und Mittel zur Kultivierung der besten moralischen Eigenschaften eines Menschen dienen kann. Poussin widmete sein Werk der Verherrlichung des heldenhaften Menschen, der in der Lage war, die Natur mit der Kraft eines mächtigen Geistes zu erkennen und zu verändern. Seine Lieblingshelden sind starke, willensstarke Menschen mit hohen moralischen Qualitäten. Sie befinden sich oft in dramatischen Situationen, die besondere Gelassenheit, Geistesgröße und Charakterstärke erfordern. Der Maler vermittelte ihre erhabenen Gefühle durch Posen, Mimik und Gestik.

Von den historischen Themen wählte Poussin nur solche aus, in denen es Handlung, Bewegung und Ausdruck gab. Er begann die Arbeit an dem Gemälde mit einem sorgfältigen Studium der literarischen Quelle (Heilige Schrift, Ovids „Metamorphosen“ oder T. Tassos „Das befreite Jerusalem“). Wenn er die gesetzten Ziele erreichte, dachte der Künstler nicht über das komplexe Innenleben der Charaktere nach, sondern über den Höhepunkt der Handlung. Mentaler Kampf, Zweifel und Enttäuschungen wurden in den Hintergrund gedrängt. Poussins übliche Handlungsformel lautete: „Die Würfel sind gefallen, die Entscheidung ist gefallen, die Wahl ist getroffen“ (Yu. K. Zolotov).

Die Ideen des Klassizismus sollten sich seiner Meinung nach in der Komposition des Gemäldes widerspiegeln. Er stellte der Improvisation eine sorgfältig durchdachte Anordnung einzelner Figuren und Hauptgruppen gegenüber.

Der visuelle Raum sollte gut sichtbar sein, die Pläne sollten klar aufeinander folgen. Für die Aktion selbst sollte nur ein kleiner Bereich im Hintergrund reserviert werden. In den meisten Gemälden Poussins erweist sich der Schnittpunkt der Bilddiagonalen als das wichtigste semantische Zentrum.

Das Kompositionssystem von Poussins Gemälden basiert auf zwei Prinzipien: dem Gleichgewicht der Formen (Bildung von Gruppen um das Zentrum) und ihrer freien Beziehung (Entfernung vom Zentrum). Durch das Zusammenwirken dieser beiden Prinzipien konnte ein außergewöhnlicher Eindruck von Ordnung, Freiheit und Beweglichkeit der Komposition erzielt werden.

Farbe ist in Poussins künstlerischem System von großer Bedeutung. Die Verbindung der wichtigsten Farbklänge wurde durch ein Reflexsystem erreicht: Eine intensive Farbe im Zentrum der Komposition wird normalerweise von gedämpften neutralen Farben begleitet.

Nicolas Poussin ist Autor zahlreicher Gemälde zu mythologischen, historischen, religiösen Themen und Landschaften. In ihnen findet man fast immer ausgefeilte Inszenierungen voller Gedanken und Dramatik. Er wandte sich der fernen Vergangenheit zu und erzählte nicht nach, sondern stellte bekannte Handlungsstränge kreativ nach und interpretierte sie neu.

religiöse Themen sowie Landschaften. In ihnen findet man fast immer ausgefeilte Inszenierungen voller Gedanken und Dramatik. Er wandte sich der fernen Vergangenheit zu und erzählte nicht nach, sondern stellte bekannte Handlungsstränge kreativ nach und interpretierte sie neu.- einer der Höhepunkte der Kreativität des Künstlers, in dem die Ideen des Klassizismus ihre volle und lebendige Verkörperung fanden. Darin spürt man den Wunsch des Autors nach skulpturaler Klarheit der Formen, plastischer Vollständigkeit und Genauigkeit der Zeichnung, Klarheit und Ausgewogenheit der geometrischen Komposition nach dem Prinzip des Goldenen Schnitts. Die Strenge der Proportionen und der sanfte, klare lineare Rhythmus vermittelten perfekt die Strenge und Erhabenheit der Ideen und Charaktere.

Das Bild basiert auf einem tiefen philosophischen Gedanken über die Zerbrechlichkeit der irdischen Existenz und die Unvermeidlichkeit des Todes. Vier Hirten, Bewohner des glücklichen Arkadiens (einer Region im Süden Griechenlands, die ein Symbol für ewigen Wohlstand, ein ruhiges Leben ohne Kriege, Krankheit und Leid ist), finden zufällig zwischen den Büschen ein Grab mit der Inschrift: „Ich war drin Arkadien. Aber jetzt gehöre ich nicht zu den Lebenden, so wie du, der du jetzt diese Inschrift liest, auch nicht zu den Lebenden gehören wirst.“ Die Bedeutung dieser Worte bringt sie zum Nachdenken ... Einer der Hirten senkte demütig den Kopf und legte seine Hand auf den Grabstein. Der zweite, auf dem Knie, fährt mit dem Finger über die Buchstaben und versucht, die halb gelöschte Inschrift zu lesen.

Der Dritte wirft, ohne die Hand von den traurigen Worten zu nehmen, einen fragenden Blick auf seinen Begleiter. Auch die rechts stehende Frau blickt gelassen auf die Inschrift. Sie legte ihre Hand auf seine Schulter, als wollte sie ihm helfen, sich mit der Vorstellung eines unausweichlichen Endes auseinanderzusetzen. So wird die Figur einer Frau als Mittelpunkt des spirituellen Friedens wahrgenommen, jenes philosophischen Gleichgewichts, zu dem die Autorin den Betrachter führt.

Poussin strebt eindeutig danach, verallgemeinerte Bilder zu schaffen, die den Kanonen antiker Schönheit nahe kommen: Sie sind wirklich körperlich perfekt, jung und voller Kraft. Die Figuren, die in vielerlei Hinsicht an antike Statuen erinnern, sind im Raum ausbalanciert. In ihren Schriften verwendete die Künstlerin ausdrucksstarkes Hell-Dunkel.

Die tiefe philosophische Idee, die dem Bild zugrunde liegt, kommt in einer kristallklaren und klassisch strengen Form zum Ausdruck. Wie bei einem römischen Relief findet die Haupthandlung in einem relativ flachen Vordergrundbereich statt. Der Bildaufbau ist äußerst einfach und logisch: Alles basiert auf einem sorgfältig durchdachten Rhythmus ausgewogener Bewegungen und ist den einfachsten geometrischen Formen untergeordnet, die dank der Genauigkeit mathematischer Berechnungen erreicht werden. Die Figuren sind nahezu symmetrisch in der Nähe des Grabsteins gruppiert, verbunden durch die Bewegung ihrer Hände und das Gefühl einer längeren Pause. Dem Autor gelingt es, ein Bild einer idealen und harmonischen Welt zu schaffen, die nach den höchsten Gesetzen der Vernunft organisiert ist.

Das Farbsystem von Poussins Gemälden basierte normalerweise auf der Überzeugung des Autors, dass Farbe das wichtigste Mittel zur Schaffung von Volumen und Raumtiefe ist. Die Unterteilung in Ebenen wurde meist durch den Zusammenklang kräftiger Farben betont. Im Vordergrund dominierten meist gelbe und braune Farben, im zweiten warmes Grün, im dritten kaltes, insbesondere Blau. In diesem Bild unterliegt alles den Gesetzen der klassischen Schönheit: Das Farbkontrast des kalten Himmels mit dem warmen Vordergrund und die Schönheit des nackten menschlichen Körpers, vermittelt in gleichmäßig diffusem Licht, wurde vor dem Hintergrund besonders eindrucksvoll und erhaben wahrgenommen des üppigen Grüns einer ruhigen Landschaft.

Insgesamt war das Bild von einem Gefühl verborgener Traurigkeit, Frieden und idyllischer Seelenruhe durchdrungen. Stoische Versöhnung mit dem Schicksal, weise, würdevolle Akzeptanz des Todes brachten Poussins Klassizismus mit der antiken Weltanschauung in Einklang. Der Gedanke an den Tod löste keine Verzweiflung aus, sondern wurde als unvermeidliche Manifestation der Gesetze der Existenz wahrgenommen.

Meister der „galanten Gattung“: Rokoko-Malerei

Die Hauptthemen der Rokoko-Malerei sind das exquisite Leben der Hofaristokratie, „galante Feste“, idyllische Bilder des „Hirtenlebens“ vor dem Hintergrund unberührter Natur, die Welt komplexer Liebesbeziehungen und genialer Allegorien. Das menschliche Leben ist augenblicklich und vergänglich, und deshalb müssen wir den „glücklichen Moment“ nutzen und uns beeilen, zu leben und zu fühlen. „Der Geist charmanter und luftiger Kleinigkeiten“ (M. Kuzmin) wird zum Leitmotiv der Arbeit vieler Künstler des „königlichen Stils“.

Für die meisten Maler des Rokoko stellen Venus, Diana, Nymphen und Amoretten alle anderen Gottheiten in den Schatten. Alle Arten von „Baden“, „Morgentoiletten“ und sofortigen Freuden sind mittlerweile fast das Hauptthema des Bildes. Exotische Farbnamen liegen im Trend: „die Farbe des Schenkels einer verängstigten Nymphe“ (Fleisch), „die Farbe einer in Milch schwimmenden Rose“ (blassrosa), „die Farbe der verlorenen Zeit“ (blau). Klar durchdachte, harmonische Kompositionen des Klassizismus weichen eleganten und anspruchsvollen Designs.

Antoine Watteau(1684-1721) wurde von seinen Zeitgenossen „der Dichter der unbeschwerten Muße“, „der Sänger der Anmut und Schönheit“ genannt. In seinen Werken hielt er Picknicks in immergrünen Parks, Musik- und Theaterkonzerte im Schoß der Natur, leidenschaftliche Geständnisse und Liebesstreitigkeiten, idyllische Dates, Bälle und Maskeraden fest. Gleichzeitig strahlen seine Bilder eine schmerzliche Traurigkeit aus, ein Gefühl für die Vergänglichkeit der Schönheit und die Flüchtigkeit des Geschehens.

Eines der berühmtesten Gemälde des Künstlers – „Pilgerfahrt zur Insel Kythera“, dank derer er in die Royal Academy of Painting and Sculpture aufgenommen wurde und den Titel „Meister der galanten Festlichkeiten“ erhielt. Hübsche Damen und galante Herren versammelten sich am blumenübersäten Ufer der Meeresbucht. Sie segelten zur Insel Kythera – der Insel der Göttin der Liebe und Schönheit Venus (identifiziert mit der griechischen Liebesgöttin Afrodita), wo sie der Legende nach aus dem Schaum des Meeres auftauchte. Die Feier der Liebe beginnt an einer Statue, die Venus und Amoretten darstellt, von denen einer nach unten greift, um der schönsten aller Göttinnen eine Lorbeergirlande zu schmücken. Am Fuß der Statue liegen gestapelte Waffen, Rüstungen, eine Leier und Bücher – Symbole des Krieges, der Künste und der Wissenschaften. Nun ja, Liebe kann wirklich alles besiegen!

Die Handlung verläuft wie ein Film und erzählt nacheinander vom Weg jedes verliebten Paares. In den Beziehungen zwischen den Charakteren herrscht die Sprache der Andeutungen: plötzlich

Blicke, eine einladende Geste eines Fächers in den Händen des Mädchens, eine mitten im Satz abgebrochene Rede ... Die Harmonie von Mensch und Natur ist in allem spürbar. Doch es ist schon Abend, der goldene Sonnenuntergang färbt den Himmel. Der Feiertag der Liebe neigt sich dem Ende zu und erfüllt den unbeschwerten Spaß verliebter Paare mit Traurigkeit. Schon bald kehren sie zu ihrem Schiff zurück, das sie von der unwirklichen Welt in die Welt der alltäglichen Realität entführen wird. Ein wundervolles Segelschiff – das Schiff der Liebe – ist bereit zum Segeln. Warme, weiche Farben, gedämpfte Farben, leichte Pinselstriche, die die Leinwand kaum berühren – all das schafft eine besondere Atmosphäre von Charme und Liebe.

Und wieder liebe ich die Erde, weil

Warum sind die Strahlen des Sonnenuntergangs so feierlich,

Was mit einem leichten Pinsel Antoine Watteau

Hat mein Herz einmal berührt.

G. Iwanow

Watteaus Gemälde gehören zu den wahren Meisterwerken „Gilles“ (Pierrot), geschaffen als Zeichen für die Auftritte reisender Komiker. Gilles ist die Haupt- und Lieblingsfigur der französischen Maskenkomödie, ähnlich wie Pierrot, der Held der italienischen Commedia dell'arte. Das tollpatschige, naive Geschöpf scheint speziell für den ständigen Spott und die Tricks des klugen und listigen Harlekins geschaffen zu sein. Gilles ist in einem traditionellen weißen Anzug mit Umhang und rundem Hut dargestellt. Er steht regungslos und verloren vor dem Betrachter, während andere Komiker sich zur Ruhe setzen. Er scheint auf der Suche nach einem Gesprächspartner zu sein, der ihm zuhören und ihn verstehen kann. Die absurde Pose des Komikers mit schlaff herabhängenden Armen und starrem Blick hat etwas Berührendes und Verletzliches. In der müden und traurigen Erscheinung des Clowns verbarg sich der Gedanke an die Einsamkeit eines Mannes, der gezwungen war, ein gelangweiltes Publikum zu amüsieren und zu unterhalten. Die emotionale Offenheit des Helden macht ihn zu einem der tiefgreifendsten und bedeutungsvollsten Bilder in der Geschichte der Weltmalerei.

Künstlerisch ist das Gemälde brillant ausgeführt. Die extreme Einfachheit des Motivs und der Komposition wird hier mit einer präzisen Gestaltung und einer sorgfältig durchdachten Farbgebung kombiniert. Mit sorgfältigen und zugleich kräftigen Pinselbewegungen wird das gespenstisch weiße Gewand gemalt. Schimmernde blasse Silber-, Asche-Flieder- und Grau-Ocker-Töne fließen und schimmern und brechen in Hunderte von zitternden Glanzlichtern. All dies schafft eine erstaunliche Atmosphäre, um die tiefe philosophische Bedeutung des Bildes wahrzunehmen. Wie kann man der Aussage eines seiner Zeitgenossen nicht zustimmen: „Watteau malt nicht mit Farben, sondern mit Honig, geschmolzenem Bernstein.“

Francois Boucher(1703-1770) betrachtete sich als einen treuen Schüler Watteaus. Manche nannten ihn „den Künstler der Grazien“, „Anakreon der Malerei“, „königlichen Maler“. Dieser sah in ihm einen „heuchlerischen Künstler“, „der alles außer der Wahrheit hat“. Wieder andere bemerkten skeptisch: „Seine Hand sammelt Rosen, wo andere nur Dornen finden.“

Der Pinsel des Künstlers enthält eine Reihe zeremonieller Porträts des Günstlings von König Ludwig XV., der Marquise de Pompadour. Es ist bekannt, dass sie Boucher förderte und ihm mehr als einmal Gemälde mit religiösen Motiven für Landsitze und Pariser Villen bestellte. Auf dem Bild Auf dem Bild Die Heldin wird umgeben von verstreuten Blumen und luxuriösen Gegenständen präsentiert, die an ihren künstlerischen Geschmack und ihre Hobbys erinnern. Sie lehnt sich majestätisch vor dem Hintergrund üppiger, feierlicher Vorhänge zurück. Das Buch in ihrer Hand ist ein klarer Hinweis auf Aufklärung und Engagement für intellektuelle Aktivitäten. Die Marquise de Pompadour dankte dem Künstler großzügig und ernannte ihn zunächst zum Direktor der Gobelin-Manufaktur und dann zum Präsidenten der Akademie der Künste, was ihm den Titel „erster Maler des Königs“ verlieh.

Francois Boucher wandte sich mehr als einmal der Darstellung frivoler Szenen zu, deren Hauptfiguren niedliche, schüchterne Schäferinnen oder pralle nackte Schönheiten in Form mythologischer Venusen und Dianas waren. Seine Bilder sind voll von mehrdeutigen Andeutungen, pikanten Details (der hochgezogene Saum des Satinrockes der Hirtin, das kokett erhobene Bein der badenden Diana, ein an ihre Lippen gedrückter Finger, ein beredter, einladender Blick, Schafe, die sich zu ihren Füßen zusammendrängen Liebhaber, küssende Tauben usw.). Nun, der Künstler kannte die Mode und den Geschmack seiner Zeit sehr gut!

In der Geschichte der Weltmalerei bleibt Francois Boucher immer noch ein großartiger Meister der Farbe und der exquisiten Zeichnung. Raffiniert gestaltete Kompositionen, ungewöhnliche Winkel der Figuren, satte Farbakzente, leuchtende Reflexe transparenter Farben, aufgetragen mit kleinen, leichten Strichen, sanfte, fließende Rhythmen – all das macht F. Boucher zu einem unübertroffenen Maler. Seine Gemälde verwandeln sich in dekorative Tafeln, schmücken die üppigen Innenräume von Fluren und Wohnzimmern und rufen in die Welt des Glücks, der Liebe und der schönen Träume.

Fragen und Aufgaben

1. Warum wird das Werk von N. Poussin als Höhepunkt des Klassizismus in der Malerei bezeichnet? Was war der Grund für die Ausrufung des Kultes dieses Meisters? Welchem ​​Thema und warum gab er den Vorzug? Könnten Sie die Gültigkeit der Einschätzung des französischen Künstlers J. L. David beweisen, der von Poussin als einem „unsterblichen“ Meister sprach, der „die erhabensten Lehren der Philosophie auf der Leinwand verewigte“?

2. Poussin bemerkte: „Für mich gibt es keine kleinen Dinge, die man vernachlässigen kann ... Meine Natur führt mich dazu, Dinge zu suchen und zu lieben, die perfekt organisiert sind, und Unordnung zu vermeiden, die für mich genauso abstoßend ist wie die Dunkelheit für das Licht.“ Wie wird dieses Prinzip im Werk des Künstlers verkörpert? In welcher Beziehung steht es zu der von ihm entwickelten Theorie des Klassizismus?

3. Was verbindet größte Meister„galantes Genre“ – A. Watteau und F. Boucher? Was ist ihr Unterschied? Kann man Boucher als wahren Schüler Watteaus bezeichnen?

Kreativwerkstatt

1. Vergleichen Sie die Selbstporträts von Künstlern, die Sie kennen, mit Poussins „Selbstporträt“. Was genau macht dieses Stück anders? Können wir sagen, dass es auf klassische Weise hergestellt wurde?

2. Machen Sie sich mit Poussins Gemälde „Der Tod des Germanicus“ vertraut, das ihn berühmt machte und als programmatisches Werk des Klassizismus gilt. Welche Funktionen künstlerisches System Spiegelt sich dieser Stil darin wider? Wie legitim ist die Aussage, dass „dieses Gemälde allein ausreichen würde, um den Namen Poussins in der Ewigkeit zu bewahren“ (A. Fusli)?

3. Führen Sie eine Studie über die Entwicklung der Landschaft im Werk von Pousse-Saint durch. Was ist das künstlerische Rolle? Warum, glauben Sie, hat die Natur „wie sie ist“ den Künstler nicht zufrieden gestellt und er hat nie Landschaften nach der Natur gemalt? Wie seine Werke den Kontrast zwischen der ewigen Existenz der Natur und der Vergänglichkeit vermitteln menschliches Leben? Warum ist in seinen Landschaften immer die Präsenz eines Menschen zu spüren? Warum sieht man auf vielen Gemälden einsame menschliche Figuren, die in den umgebenden Raum blicken? Warum werden sie oft in den Vordergrund gerückt und ihr Blick in die Tiefe der Landschaft gelenkt?

4. E. Delacroix sah in N. Poussin „einen großen Maler, der mehr von Architektur verstand als von Architekten.“ Wie fair ist dieser Standpunkt? Kann man sagen, dass Architektur am häufigsten zum Hauptthema wird? positiver Held seine Werke? Stimmen Sie zu, dass Poussin den Raum oft nach den Prinzipien der klassischen Theateraufführung organisiert?

5. Ist es möglich, die Gültigkeit der Worte eines der Forscher zu beweisen, dass „Watteau es in der materiellen Kunst auf wundersame Weise geschafft hat, das auszudrücken, was nur der Musik zugänglich schien“? Stimmt das? Hören Sie sich die Musik an Französischer Komponist F. Couperin (1668-1733). Wie harmoniert es mit den Werken des Künstlers, inwieweit drückte es den Geschmack und die Stimmung des Rokoko aus?

6. Der französische Pädagoge Denis Diderot kritisierte Bouchers Werk ironisch: „Was für Farben! Was für eine Vielfalt! Was für eine Fülle an Objekten und Gedanken! Dieser Mann hat alles, außer der Wahrheit ... Was für ein Haufen unterschiedlicher Objekte! Du spürst seine ganze Bedeutungslosigkeit; und gleichzeitig kann man sich nicht vom Bild losreißen. Sie zieht dich an und du kehrst unwillkürlich zu ihr zurück. Das ist so ein angenehmer Rockstil, das ist so unnachahmliche und seltene Extravaganz. Es hat so viel Fantasie, Wirkung, Magie und Leichtigkeit!“ Welche Einschätzungen zu Diderot teilen Sie und womit sind Sie nicht einverstanden? Warum?

Themen von Projekten, Abstracts oder Nachrichten

„Nicolas Poussin und die Antike: heroische Handlungen und Bilder“; „Die künstlerische Rolle und Entwicklung der Landschaft im Werk von Poussin“; „Architektonische Motive in den Werken von Poussin“; „Poussins Vorgänger und Nachfolger“; „Das Werk von Poussin und die Traditionen des Theaters des Klassizismus“; „Meister der „galanten Gattung“ (Rokoko-Malerei)“; "A. Watteau ist ein Maler der Freude und des Leids“; „Die Beherrschung der Farbe in den Werken von A. Watteau“; „Theatralik und Musikalität der Malerei von A. Watteau“; „„Der Künstler der Grazien“ F. Boucher“; „Charakteristische Merkmale der dekorativen und angewandten Kunst des Rokoko.“

Bücher zum Weiterlesen

Deutsch M. Yu. Watteau. M., 2001.

Glikman A. S. Nicolas Poussin. L.; M., 1964.

Daniel S. M. Rokoko. Von Watteau bis Fragonard. St. Petersburg, 2007.

Zolotov Yu. K. Poussin. M., 1988.

Kantor A. M. et al. Art XVIII Jahrhundert. M., 1977. (Kleine Kunstgeschichte).

Kaptereva T., Bykov V. Kunst Frankreich XVII Jahrhundert. M., 1969.

Kozhina E. F. Kunst Frankreichs im 18. Jahrhundert. L., 1971.

Nemilova I. S. Geheimnisse alter Gemälde. M., 1996.

Rotenberg E. I. Westeuropäer Kunst XVII Jahrhundert. M., 1971. (Denkmäler der Weltkunst).

Sokolov M. N. Alltagsbilder in der westeuropäischen Malerei des XV-XVII Jahrhunderts. M., 1994.

Chegodaev A.D. Antoine Watteau. M., 1963.

Yakimovich A.K. Neue Zeiten: Kunst und Kultur des 17.–18. Jahrhunderts. St. Petersburg, 2004.

Bei der Vorbereitung des Materials wurde der Text des Lehrbuchs „Welt künstlerische Kultur. Vom 18. Jahrhundert bis zur Gegenwart“ (Autor G. I. Danilova).

KLASSIZISMUS – (von lateinisch classicus – vorbildlich) – künstlerischer Stil Europäische Kunst des 17.-19. Jahrhunderts, deren wichtigstes Merkmal die Berufung auf die antike Kunst als höchstes Vorbild und das Vertrauen auf Traditionen war Hochrenaissance. Die Kunst des Klassizismus spiegelte die Vorstellungen einer harmonischen Gesellschaftsstruktur wider, verlor sie jedoch in vielerlei Hinsicht im Vergleich zur Kultur der Renaissance. Konflikte zwischen Persönlichkeit und Gesellschaft, Ideal und Realität, Gefühl und Vernunft zeugen von der Komplexität der Kunst des Klassizismus.

Kunstformen Der Klassizismus zeichnet sich durch strenge Organisation, Ausgewogenheit, Klarheit und Harmonie der Bilder aus. Die Architektur des Klassizismus zeichnet sich durch ein von antiken Vorbildern inspiriertes Ordnungssystem, Klarheit und geometrische Korrektheit der Volumen und Grundrisse, Portiken, Säulen, Statuen und Reliefs aus, die auf der Oberfläche der Wände hervorstechen. Ionische Ordnung, dorische Ordnung, korinthische Ordnung

In der Malerei erlangten die logische Entwicklung der Handlung, eine klare ausgewogene Komposition, eine klare Volumenübertragung, mit Hilfe von Hell-Dunkel die untergeordnete Rolle der Farbe und die Verwendung von Lokalfarben (Nicolas Poussin) die Hauptbedeutung. Die Heldentaten von Rinaldo Die Heldentaten von Rinaldo 1628

Hirten in Arkadien Hirten in Arkadien

Der Klassizismus des 18. – frühen 19. Jahrhunderts (in der ausländischen Kunstgeschichte wird er oft als Neoklassizismus bezeichnet), der zu einem gesamteuropäischen Stil wurde, entstand hauptsächlich im Schoß von Französische Kultur, unter dem starken Einfluss der Ideen der Aufklärung. Mutiges Drama aus historischen und Porträtbilder den Werken des Kapitels innewohnend Französischer Klassizismus, Maler Jacques Louis David. Napoleons Überquerung der Alpen

Bertel Thorvaldsen JasonBertel Thorvaldsen Jason, Thorvaldsen Museum Kopenhagen Jean Antoine Houdon. Voltaires „Comédie Française“, Paris

Russischer Klassizismus in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts - Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhunderte verkörperte eine neue Blüte der Kultur, beispiellos in Umfang, nationalem Pathos und ideologischem Inhalt: Architekturensembles und Bauwerke von V. Bazhenov, M. Kazakov, G. Quarenghi, A. Zakharov, K. Rossi, A. Voronikhin, Skulpturen von M. Kozlovsky, F. Shchedrin, I. Martos, Gemälde von A. Losenko, A. Ivanov und anderen.

Ivanov A.A. Erscheinung Christi vor Maria Magdalena nach der Auferstehung

MHC, 11. Klasse

Lektion Nr. 8

Bußgeld

Kunst des Klassizismus

und Rokoko

D.Z.: Kapitel 8, ?? (S.83), Fernsehen. Aufgaben (S. 83-85)

© K.I. Kolmakow

UNTERRICHTSZIELE

• Einführen Studierende mit charakteristischen Merkmalen der bildenden Künste des Klassizismus und Rokoko;
• Fähigkeiten entwickeln das Material selbstständig studieren und für die Präsentation vorbereiten; die Fähigkeit zur Analyse eines Kunstwerks weiterentwickeln;
• Heraufbringen Kultur der Wahrnehmung von Kunstwerken.

KONZEPTE, IDEEN

• N. Poussin;
• Kompositionssystem;
• „Arkadische Hirten“;
• A. Watteau;
• „Pilgerfahrt zur Insel Kythera“;
• „Gilles“;
• F. Boucher;
• Auf dem Bild ;
• „galantes Genre“;
• Rationalismus

Wissen der Studierenden testen

• Warum kann Versailles als herausragendes Werk angesehen werden? Erklären Sie Ihre Antwort.
• Wie städtebauliche Ideen XVIII Klassizismus V. ihre praktische Verkörperung in den architektonischen Ensembles von Paris, zum Beispiel der Place de la Concorde, fanden? Was unterscheidet ihn von den italienischen Barockplätzen Roms im 17. Jahrhundert, zum Beispiel der Piazza del Popolo (siehe S. 74)?
• Welche Verbindung besteht zwischen barocker und klassischer Architektur? Welche Ideen hat der Klassizismus vom Barock geerbt?
• Was sind historischen Hintergrund für die Entstehung des Empire-Stils? Welche neuen Ideen seiner Zeit wollte er in Kunstwerken zum Ausdruck bringen? Auf welche künstlerischen Prinzipien verlässt er sich?

Universelle Lernaktivitäten

•  bestimmen Originalität offenbaren finden und Einschätzungen von Kulturschaffenden
•  bestimmenästhetischer, spiritueller Inhalt und Ausdruck sozialer Ideen in Werken der bildenden Kunst des Klassizismus;
• Originalität offenbaren Schaffensstil der Künstler des Klassizismus und des Rokoko im Vergleich zu Zeitgenossen und Figuren früherer Epochen;
• finden mit verschiedenen Mitteln die notwendigen Informationen über die Malerei des Klassizismus und Rokoko hervorheben, strukturieren und in Form einer Botschaft und Präsentation präsentieren;
• unterscheiden charakteristische Merkmale den Stil des einzelnen Autors, bewerten Sie den kreativen Stil des Künstlers;
• Benehmen vergleichende Analyse Werke von Meistern des „galanten Genres“ (A. Watteau und F. Boucher);
• Heben Sie die wichtigsten Konzepte hervor und charakterisieren Sie sie , Gesetze und Theorien der schönen Künste des Klassizismus (am Beispiel der Arbeit von N. Poussin);
• Kommentieren Sie wissenschaftliche Standpunkte und Einschätzungen von Kulturschaffenden

NEUES MATERIAL LERNEN

Unterrichtsaufgabe. Welche Bedeutung hat der Klassizismus in der bildenden Kunst für die Zivilisation und Kultur der Welt?

Unterfragen

• Nicolas Poussin – klassizistischer Künstler . Verherrlichung einer heldenhaften Person. Charakteristische Merkmale von Gemälden (z. B berühmte Gemälde). Rationalismus als Grundprinzip künstlerischen Schaffens.
• Meister der „galanten Gattung“: Rokoko-Malerei *. Die Hauptthemen der Rokoko-Malerei und ihre künstlerische Verkörperung(Zum Beispiel berühmte Werke A. Watteau und F. Boucher)

Nicolas Poussin -

klassizistischer Künstler

Die Französische Akademie erklärte das Werk des Künstlers zum Höhepunkt des Klassizismus in der Malerei. Nicolas Poussin (1594-1665). Zu seinen Lebzeiten wurde er als „der geschickteste und erfahrenste moderne Meister des Pinsels“ bezeichnet, und nach seinem Tod wurde er zum „Leuchtturm der französischen Malerei“ erklärt.

Poussin hat es geschafft kreativ

Verfahren, was darauf basiert

Setzen Sie Ihre eigenen

Verständnis von Gesetzen

Schönheit.

Meins Ideal er sah rein

Verhältnismäßigkeit der Teile des Ganzen,

in äußerer Ordnung,

Harmonie und Klarheit der Formen.

N. Poussin. Selbstporträt.

Nicolas Poussin -

klassizistischer Künstler

Zum Schaffen berufen

also „wie sie es lehren.“

Natur und Vernunft.

Bei der Themenauswahl

verschenkt

Präferenz

heroisch

Handlungen und Taten,

bezogen auf

hoch liegen

Zivilist

Motive, nicht

tief liegend

menschlich

Leidenschaften.

Das Hauptthema

als Kunst betrachtet

womit verbunden ist

Idee darüber

erhaben und

wunderbar, dass

dienen kann

Modell für

Nachahmung und

bedeutet

das Beste erziehen

moralische Qualitäten in

Person.

N. Poussin. Tancred und Erminia. Ende der 1620er, Anfang der 1630er Jahre Staatliche Eremitage, Sankt Petersburg

Nicolas Poussin -

klassizistischer Künstler

Aus historischen Geschichten

wählte nur diejenigen aus, in denen

Es gab Action, Bewegung und

Ausdruck. Arbeiten an einem Gemälde

begann mit aufmerksam

Literatur studieren

Quelle (Heilige Schrift,

Ovids „Metamorphosen“ bzw

„Befreites Jerusalem“

T. Tasso). Wenn er antwortete

Zu den gesetzten Zielen, Künstler

Ich dachte an keine komplizierte Sache

das Innenleben der Helden,

der Höhepunkt der Aktion. Geistiger Kampf, Zweifel und

Enttäuschungen wurden beiseite geschoben

zweiter Plan. Normale Geschichte

Poussins Formel lautete:

„Die Würfel sind gefallen, die Entscheidung

akzeptiert, die Wahl ist getroffen“ (Yu.K.

Solotow).

Poussin. Landschaft mit Diogenes

Nicolas Poussin -

klassizistischer Künstler

Kompositionssystem Gemälde

Poussin wurde auf zwei gebaut

Prinzipien: Gleichgewicht

Formen (Bildung von Gruppen um

Mitte) und auf ihrer freien Seite

Verhältnis (Verschiebung in

Seite von der Mitte), die

ermöglichte es zu erreichen

außergewöhnlicher Eindruck

Ordnung, Freiheit und

Mobilität der Komposition.

Tolles Preis-Leistungs-Verhältnis

künstlerisches System

Poussin besetzt Färbung .

Beziehung zwischen den wichtigsten

bunte Klänge

wurde dank erreicht System

Reflexe : intensive Farbe

Das Zentrum der Komposition ist normalerweise

begleitet von dim

neutrale Farben.

Poussin. David, der Gewinner

Nicolas Poussin -

klassizistischer Künstler

N. Poussin.

arkadisch

Hirten.

Das Bild basiert auf

tief philosophisch

der Gedanke an die Sterblichkeit

irdische Existenz und

die Unvermeidlichkeit des Todes. Vier Hirten

Bewohner des glücklichen Arkadiens

(Regionen in Südgriechenland,

Das ist ein Symbol

ewiges Wohlergehen,

ruhiges Leben ohne

Kriege, Krankheit und Leid),

zufällig unter gefunden

Buschdickicht

Grab mit der Inschrift: „Und ich

Ich war in Arkadien. Aber jetzt

Ich gehöre nicht zu den Lebenden

Du wirst es jetzt auch nicht tun

diese Inschrift lesen.“

Die Bedeutung dieser Worte lässt einen über die Sterblichen nachdenken, über die Gegenwart nachdenken ...

N. Poussins Gemälde „Die arkadischen Hirten“ ist einer der Höhepunkte der Kreativität des Künstlers, in dem die Ideen des Klassizismus ihre volle und lebendige Verkörperung fanden. Darin spürt man den Wunsch des Autors nach skulpturaler Klarheit der Formen, plastischer Vollständigkeit und Genauigkeit der Zeichnung, Klarheit und Ausgewogenheit der geometrischen Komposition nach dem Prinzip des Goldenen Schnitts.

Nicolas Poussin -

klassizistischer Künstler

Farbsystem von Gemälden

Poussin wurde normalerweise gebaut

Farbe ist das Wichtigste

Mittel zur Volumenerzeugung

und Tiefe des Raumes. Aufteilung in Pläne

wurde durch Konsonanz betont

kräftige Farben. Am ersten

Begriffe herrschten am häufigsten vor

gelbe und braune Farben

der zweite - warm, grün, an

drittens - kalt, vorher

alles blau. Auf diesem Bild

alles unterliegt Gesetzen

klassische Schönheit: Farbe

die Kollision des kalten Himmels mit

warmer Vordergrund,

Schönheit des Nackten

menschlichen Körper, übertragen

bei gleichmäßiger diffuser Beleuchtung,

wurde besonders wahrgenommen

beeindruckend und erhaben vor dem Hintergrund

üppiges grünes Laub

ruhige Landschaft.

Nicolas Poussin. Narzisse und Echo. Um 1630

A. Batto.

Wallfahrt

zur Insel Kythera. 1717

Louvre, Paris

Meister

„galantes Genre“:

Rokoko-Malerei

Venus, Diana, Nymphen und

Amoretten alles in den Schatten stellen

andere Gottheiten. Alle Arten

„Baden“, „Morgen“

Toiletten" und sofort

Freuden sind

jetzt fast

Hauptthema

Bilder.

In der Mode enthalten

exotische Namen

Farben: „hüftige Farbe“

verängstigte Nymphe“

( körperlich ), „die Farbe einer Rose,

in Milch schwimmen“

( blassrosa ), "Farbe

verschwendete Zeit“

( Blau ). Deutlich

nachdenklich, schlank

Klassizistische Kompositionen

weichen Sie der Anmut

und anspruchsvolles Design.

Die Hauptthemen der Rokoko-Malerei sind das exquisite Leben der Hofaristokratie, „galante Feste“ idyllische Bilder des „Hirtenlebens“ vor dem Hintergrund unberührter Natur, einer Welt voller komplexer Liebesaffären und genialer Allegorien „Königlicher Stil“

Meister

„galantes Genre“:

Rokoko-Malerei

Antoine Watteau (1684-1721)

Zeitgenossen riefen

„Dichter der unbeschwerten Muße“

„Sänger der Anmut und Schönheit.“ In seinen Werken hat er

eingefangene Picknicks in

immergrüne Parks,

musikalisch und theatralisch

Konzerte mitten in der Natur,

leidenschaftliche Geständnisse und Streitereien

Liebhaber, idyllisch

Termine, Bälle und Maskeraden.

Gleichzeitig in seinen Gemälden

da ist schmerzende Traurigkeit,

Gefühl der Vergänglichkeit

Schönheit und Vergänglichkeit

was passiert.

Meister

„galantes Genre“:

Rokoko-Malerei

„Pilgerfahrt zur Insel Kythera“ Dank dessen A. Batto wurde in die Royal Academy of Painting and Sculpture aufgenommen und erhielt den Titel „Meister galanter Festivitäten“. Hübsche Damen und galante Herren versammelten sich am blumenübersäten Ufer der Meeresbucht. Sie segelten zur Insel Kythera – der Insel der Göttin der Liebe und Schönheit Venus (identifiziert mit der griechischen Liebesgöttin Aphrodite), wo sie der Legende nach aus dem Schaum des Meeres auftauchte. Das Fest der Liebe beginnt an der Statue mit dem Bild von Venus und Amoretten.

„Watteau malt nicht mit Farben, sondern mit geschmolzenem Honig

Bernstein."

Meister

„galantes Genre“:

Rokoko-Malerei

Zu wahren Meisterwerken

gehört zum Gemälde Watt A

„Gilles“ („Pierrot“) erstellt in

als Zeichen dafür

Auftritte auf Reisen

Komiker Gilles ist der Haupt- und

Lieblingsfigur

Französische Maskenkomödie,

Analogon von Pierrot - dem Helden des Italieners

Komödie del arte . Unbeholfen

scheint ein naives Geschöpf zu sein

speziell erstellt für

ständig abreißen

Spott und Tricks der Schlauen und

schlauer Harlekin. Gilles

in traditionellem Weiß dargestellt

Anzug mit einem Umhang und einem runden

Hut. Er ist regungslos und

steht verloren vor dem Betrachter,

während andere Komiker

Lass dich nieder, um auszuruhen.

A. Bammo. Gilles (Pierrot). Fragment. 1720 Louvre, Paris

Meister

„galantes Genre“:

Rokoko-Malerei

Francois Boucher (1703-1770) glaubte

sich selbst als treuer Schüler Watts. Allein

sie nannten ihn „den Künstler der Gnade“,

„Das Anakreon der Malerei“

„königlicher Maler“ Zweite

sah ihn als „heuchlerischen Künstler“,

der alles außer der Wahrheit hat.

Wieder andere bemerkten skeptisch: „Seines

Die Hand pflückt Rosen, wo andere

sie finden nur Dornen.“

Die Pinsel des Künstlers gehören zu einer Reihe

feierliche Porträts des Favoriten

König Ludwig XV. Marquise de

Pompadour: bevormundet

Boucher, ich habe ihn mehr als einmal bestellt

Gemälde zu religiösen Themen

für Landhäuser und

Pariser Villen. Marquise

dankte dem Künstler großzügig,

nachdem er ihn zunächst zum Direktor ernannt hatte

Gobelin-Manufaktur also

Präsident der Akademie der Künste,

verlieh ihm den Titel „Erster“.

der Maler des Königs.“

F. Boucher. Madame de Pompadour.

Meister

„galantes Genre“:

Rokoko-Malerei

François Boucher wandte sich mehr als einmal an

Darstellung frivoler Szenen,

deren Hauptfiguren waren

niedliche, schüchterne Cowgirls oder

pralle nackte Schönheiten in

in Form der mythologischen Venus und Diana. Sein

Die Bilder sind voller Mehrdeutigkeiten

Hinweise.

In der Geschichte der Weltmalerei Francois

Boucher bleibt immer noch

ein großartiger Meister der Farbgebung und

exquisites Design. Witzig

gelöste Kompositionen, ungewöhnlich

Winkel der Charaktere, satte Farben

Akzente, leuchtende Highlights in transparenten Farben,

in kleinen, leichten Strichen aufgetragen,

sanfte, fließende Rhythmen – all das

macht F. Boucher unübertroffen

Maler. Seine Bilder drehen sich

in dekorativen Paneelen dekorieren

üppige Innenräume von Fluren und Wohnzimmern,

Sie rufen in die Welt des Glücks, der Liebe und

schöne Träume. Der Künstler ist wunderbar

kannte die Mode und den Geschmack seiner Zeit!

F. Boucher. Frühstück.

Sicherheitsfragen

1. Warum wird das Werk von N. Poussin als Höhepunkt des Klassizismus in der Malerei bezeichnet? Was war der Grund für die Ausrufung des Kultes dieses Meisters? Welchem ​​Thema und warum gab er den Vorzug? Könnten Sie die Gültigkeit der Einschätzung des französischen Künstlers J. L. David beweisen, der von Poussin als einem „unsterblichen“ Meister sprach, der „die erhabensten Lehren der Philosophie auf der Leinwand verewigte“?

2. N. Poussin sagte: „Für mich gibt es keine kleinen Dinge, die man vernachlässigen kann ... Meine Natur führt mich dazu, Dinge zu suchen und zu lieben, die perfekt organisiert sind, und Unordnung zu vermeiden, die für mich genauso abstoßend ist wie Dunkelheit für das Licht.“ .“ Wie wird dieses Prinzip im Werk des Künstlers verkörpert? In welcher Beziehung steht es zu der von ihm entwickelten Theorie des Klassizismus?

3. Was vereint die größten Meister des „galanten Genres“ – A. Watteau und F. Boucher? Was ist ihr Unterschied? Kann man Boucher als wahren Schüler Watteaus bezeichnen?

Kreativwerkstatt

1. Vergleichen Sie Selbstporträts von Künstlern, die Sie kennen, mit Selbstporträts

N. Poussin. Was genau macht dieses Stück anders? Können wir sagen, dass es auf klassische Weise hergestellt wurde? Begründen Sie Ihre Antwort.

2. Machen Sie sich mit dem Gemälde „Der Tod des Germanicus“ von N. Poussin vertraut, das ihn berühmt machte und als programmatisches Werk des Klassizismus gilt. Welche Merkmale des künstlerischen Systems dieses Stils spiegeln sich darin wider? Wie legitim ist die Aussage, dass „dieses Gemälde allein ausreichen würde, um den Namen Poussins in der Ewigkeit zu bewahren“ (A. Fusli)?

3. Führen Sie eine Studie über die Entwicklung der Landschaft in den Werken von N. Poussin durch. Was ist seine künstlerische Rolle? Warum, glauben Sie, hat die Natur „wie sie ist“ den Künstler nicht zufrieden gestellt und er hat nie Landschaften nach der Natur gemalt? Wie vermitteln seine Werke den Kontrast zwischen der ewigen Existenz der Natur und der Kürze des menschlichen Lebens? Warum ist in seinen Landschaften immer die Präsenz eines Menschen zu spüren? Warum sieht man auf vielen Gemälden einsame menschliche Figuren, die in den umgebenden Raum blicken? Warum werden sie oft in den Vordergrund gerückt und ihr Blick in die Tiefe der Landschaft gelenkt?

4. E. Delacroix sah in N. Poussin „einen großen Maler, der mehr von Architektur verstand als von Architekten.“ Wie fair ist dieser Standpunkt? Kann man sagen, dass die Architektur am häufigsten zum wichtigsten und positiven Protagonisten seiner Werke wird? Stimmen Sie zu, dass Poussin den Raum oft nach den Prinzipien der klassischen Theateraufführung organisiert? Erklären Sie Ihre Antwort.

5*. Versuchen Sie, die Wahrheit der Worte eines der Forscher zu beweisen,

dass „Watteau es in der materiellen Kunst auf wundersame Weise geschafft hat, das auszudrücken, was nur der Musik zugänglich schien.“ Stimmt das? Hören Sie die Musik des französischen Komponisten F. Couperin (1668-1733). Wie harmoniert es mit den Werken des Künstlers, inwieweit drückte es den Geschmack und die Stimmung des Rokoko aus?

Themen von Vorträgen, Projekten

• „Nicolas Poussin und die Antike: heroische Handlungen und Bilder“;
• „Die künstlerische Rolle und Entwicklung der Landschaft im Werk von N. Poussin;
• „Architektonische Motive in den Werken von N. Poussin“;
• „Vorgänger und Anhänger von N. Poussin“;
• „Das Werk von N. Poussin und die Traditionen des Theaters des Klassizismus“;
• „Meister der „galanten Gattung“ (Rokoko-Malerei)“;
• "A. Watteau ist ein Maler der Freude und des Leids“;
• „Die Beherrschung der Farbe in den Werken von A. Watt“;
• „Theatralik und Musikalität der Malerei von A. Watteau“;
• „Der Künstler der Grazien“ F. Boucher“;
• „Charakteristische Merkmale der dekorativen und angewandten Kunst des Rokoko.“

• Heute habe ich herausgefunden...
• Es war interessant...
• Es war schwierig...
• Ich habe gelernt...
• Ich konnte...
• Ich war überrascht...
• Ich wollte...

Literatur:

• Programme für Bildungseinrichtungen. Danilova G.I. Weltkünstlerische Kultur. – M.: Bustard, 2011
• Danilova, G.I. Art / MHC. 11. Klasse Grundniveau: Lehrbuch / G.I. Danilova. M.: Bustard, 2014.
• Shilova Galina Gennadievna, Lehrerin der Sekundarschule Nr. 1 der städtischen Bildungseinrichtung, Ochansk, Gebiet Perm

MHC, 11. Klasse
Lektion Nr. 6
Kunst
Klassizismus und
Rokoko
D.Z.: Kapitel 6, ?? (S.63), Fernsehen.
Aufgaben (S.63-65), Tab. (Mit.
63) Füllen Sie das Notizbuch aus
© A.I. Kolmakow

UNTERRICHTSZIELE
eine Vorstellung von Kunst vermitteln
Klassizismus, Sentimentalismus und
Rokoko;
Erweitern Sie Ihren Horizont und Ihre analytischen Fähigkeiten
Kunstgattungen;
national erziehen
Selbstbewusstsein und Selbstidentifikation,
Respekt vor musikalischer Kreativität
Rokoko.

KONZEPTE, IDEEN

O. Fragonard;
Klassizismus;
G. Rigo;
Rokoko;
Sentimentalismus;
Hedonismus;
Rocaillea;
Maskarons;
V.L. Borowikowski;
Reich;
J. J. Rousseau

Wissen der Studierenden testen

1. Was sind die charakteristischen Merkmale? Musikkultur Barock? Wie
Unterscheidet sie sich von der Musik der Renaissance? Geben Sie Gründe an
Ihre Antwort mit konkreten Beispielen.
2. Warum wird C. Monteverdi als erster Barockkomponist bezeichnet? IN
Wie kam der reformistische Charakter seiner Arbeit zum Ausdruck? Was
Charakteristisch für den „Excited Style“ seiner Musik? Welche
Dieser Stil spiegelt sich in Opernwerken wider
Komponist? Was verbindet musikalische Kreativität ZU.
Monteverdi mit Werken barocker Architektur und Malerei?
3. Was zeichnet das musikalische Schaffen von J. S. Bach aus? Warum er
Wird es normalerweise im Rahmen der barocken Musikkultur betrachtet?
Hast du jemals zugehört Orgelmusik J. S. Bach? Wo?
Was sind Ihre Eindrücke? Was für tolle Werke
Gibt es Komponisten, denen Sie besonders nahe stehen? Warum?
4. Was sind die charakteristischen Merkmale der russischen Barockmusik? Was
waren Teilkonzerte des XVII. Anfang des 18. Jahrhunderts V.?
Warum ist die Entwicklung der russischen Barockmusik damit verbunden?
Bildung Komponistenschule in Russland? Welche
Spiritualität hinterlässt einen Eindruck auf Sie Chormusik MS.
Berezovsky und D.S. Bortnyansky?

Universelle Lernaktivitäten

bestimmen
bedeutsam identifizieren
wesentliche Merkmale
Zeichen von Stilen
Klassizismus-Stile
Klassizismus
Und
und Rokoko,
Rokoko, korrelieren
sie mit einer bestimmten Geschichte in Verbindung bringen
Epoche;
Epoche;
Forschung
Ursache-Wirkungs-Zusammenhänge erforschen,
Kommunikation,
Muster
Schichtmuster
Veränderungen im künstlerischen
künstlerische Modelle
Modelle der Welt;
Frieden;
auswerten
Bewerten Sie die Ästhetik
ästhetisch, spirituell
spirituell und
und künstlerisch
künstlerisch
Wert
kultureller und historischer Wert
kulturelle und historische Ära;
Epochen;
identifizieren
Wege erkennen
Wege und
und bedeutet
Ausdrucksmittel
Äußerungen der Öffentlichkeit
Ideen
Ideen und
und ästhetisch
ästhetische Ideale
Ideale der Zeit
Ära in
im Gange
Analyseprozess
Analyse
funktioniert
Kunstwerke des Klassizismus,
Klassizismus, Rokoko und
Sentimentalismus;
Sentimentalismus;
finden
assoziativ finden
Assoziative Verbindungen
Kommunikation und
und Unterschiede
Unterschiede zwischen
künstlerisch
künstlerische Bilder des Klassizismus, Barock und
Rokoko,
Rokoko, präsentiert in verschiedenen
verschiedene Arten
Arten von Kunst;
Kunst;
charakterisieren
charakterisieren die Hauptsache
Hauptmerkmale,
Funktionen, Bilder
Bilder und Themen
Themen
Kunst
Kunst des Klassizismus,
Klassizismus, Rokoko
Rokoko und
und Sentimentalismus;
Sentimentalismus;
vorbringen
Hypothesen aufstellen
Hypothesen, geben Sie ein
in den Dialog treten
Dialog, argumentieren
argumentieren
eigen
eigener Punkt
Standpunkt
Ansicht von
entsprechend der formulierten
formuliert
Probleme;
Probleme;
systematisieren
systematisieren und
und verallgemeinern
fassen die Erkenntnisse zusammen
gewonnene Erkenntnisse
Wissen über
um
hauptsächlich
Hauptstile und Kunstrichtungen
Kunst des 17.-18. Jahrhunderts
(Arbeit
(Arbeiten mit einem Tisch)
Tisch)

NEUES MATERIAL LERNEN
1. Ästhetik
Klassizismus.
2.Rokoko und
Sentimentalismus.
Unterrichtsaufgabe. Welche Bedeutung hat es für die Welt?
Zivilisationen und Kulturen haben Ästhetik
Klassizismus, Rokoko-Kunst und
Sentimentalismus?

Unterfragen

1.
1.
2.
2.
Ästhetik
Ästhetik des Klassizismus.
Klassizismus. Appellieren
Appell an die Antike
Antiquität
Erbe
Erbe und
und humanistisch
Humanistische Ideale der Renaissance.
Ausgabe
Eigene Entwicklung
eigene Ästhetik
Ästhetisches Programm.
Programme.
Hauptsächlich
Der Hauptinhalt der Kunst
Kunst des Klassizismus
Klassizismus und
und er
sein
kreativ
kreative Methode.
Verfahren. Eigenschaften
Merkmale des Klassizismus
Klassizismus in
in verschiedenen
verschieden
Typen
Arten von Kunst.
Kunst. Bildung eines Stilsystems
Systeme
Klassizismus
Klassizismus in Frankreich
Frankreich und sein Einfluss auf die Entwicklung
künstlerisch
künstlerische Kultur
Westeuropäische Kulturen
Westeuropäische Länder.
Länder
Konzept
Konzept von
über Stil
Empire-Stil
Empire-Stil
Rokoko
Rokoko und
und Sentimentalität*.
Sentimentalismus*. Herkunft
Ursprung des Begriffs
Begriff
"Rokoko".
"Rokoko". Ursprünge
Ursprünge des Künstlerischen
künstlerischer Stil
Stil und
und er
sein
Merkmal
charakteristische Merkmale. Aufgaben
Rokoko-Probleme
Rokoko (am
(Zum Beispiel
Beispiel
Meisterwerke
Meisterwerke der Kunst und des Handwerks
dekorative und angewandte Kunst).
Sentimentalismus
Sentimentalismus als
als eins
einer von
aus künstlerisch
künstlerische Bewegungen
Strömungen
V
innerhalb
im Rahmen des Klassizismus.
Klassizismus. Ästhetik
Ästhetik des Sentimentalismus
Sentimentalismus und
Und
sein
sein Gründer
Gründer J.
J.J.
J. Rousseau.
Rousseau. Besonderheiten
Besonderheiten des Russischen
Russisch
Sentimentalismus
Sentimentalismus in der Literatur
Literatur und Malerei (V.L.
Borowikowski)
Borowikowski)

Ästhetik
Klassizismus
Levitsky D.G.
Porträt
Denis Diderot.
1773-1774
gg. Museum
Kunst und
Geschichte
Städte
Genf in
Schweiz.
Neue künstlerische
Stil - Klassizismus (lat.
classicus vorbildlich) folgte dem Klassiker
Errungenschaften der Antike und
Humanistische Ideale
Renaissance.
Kunst Antikes Griechenland Und
Das antike Rom wurde für
Der Klassizismus ist das Wichtigste
Quelle der Themen und Handlungen:
appelliert an die Antike
Mythologie und Geschichte,
Links zu maßgeblichen
Wissenschaftler, Philosophen und
Schriftsteller.
Nach Angaben der Antike
„...die Antike der Reihe nach zu studieren
war eine Tradition
lerne, die Natur zu sehen“
Das Prinzip wurde verkündet
(Denis Diderot)
Meisterschaft der Natur.

Ästhetik
Klassizismus
O. Fragonap. Porträt
Denis Diderot. 1765-1769
Louvre, Paris
Ästhetische Prinzipien des Klassizismus:
1. Idealisierung des Altgriechischen
Kultur und Kunst, Fokus auf
moralische Prinzipien und Ideen
Staatsbürgerschaft
2. Priorität der Bildung
Bedeutungen von Kunst, Anerkennung
die führende Rolle der Vernunft im Wissen
Schön.
3. Verhältnismäßigkeit, Schwere,
Klarheit im Klassizismus wird mit kombiniert
Vollständigkeit, Vollständigkeit
künstlerische Bilder,
Universalismus und Normativität.
Der Hauptinhalt der Kunst
Der Klassizismus wurde zum Weltverständnis
als vernünftig gestalteter Mechanismus,
wo eine Person eingesetzt wurde
bedeutende organisatorische Rolle.

10.

Ästhetik
Klassizismus
Claude Lorrain. Der Abgang der Königin
Sawskaja (1648). London
Nationale Kunstgalerie
Kreative Methode
Klassizismus:
Wunsch nach Vernünftigkeit
Klarheit, Harmonie und
strenge Einfachheit;
nähert sich
objektive Reflexion
die umgebende Welt;
Einhaltung
Korrektheit und Ordnung;
Unterordnung des Privaten
die Hauptsache;
hohe Ästhetik
schmecken;
Zurückhaltung und
ruhig;
Rationalismus und
Logik im Handeln.

11.

Ästhetik
Klassizismus
Jede der Kunstformen war
hat seine eigenen Besonderheiten:
1. Die Grundlage der Architektursprache
Klassizismus wird zur Ordnung (Typ
architektonische Komposition mit
bestimmte Elemente und
(vorbehaltlich einer bestimmten architektonischen Stilbehandlung), vieles mehr
C. Percier, P.F.L. Foppep.
Arc de Triomphe auf
Platzieren Sie Karussell in Paris.
1806 (Stil - Empire-Stil)
in Form und Proportionen ähnlich
Architektur der Antike.
2. Es werden Werke der Architektur ausgezeichnet
strenge Organisation
Verhältnismäßigkeit und Ausgewogenheit
Volumen, geometrisch
Korrektheit der Linien, Regelmäßigkeit
Layouts.
3. Malerei zeichnet sich aus durch: klar
Abgrenzung der Pläne, Strenge
Zeichnung, sorgfältig ausgeführt
Cut-off-Volumen-Modellierung.
4. Besondere Rolle bei der Entscheidung
pädagogische Aufgabe gespielt
Literatur und insbesondere Theater,
die zur am weitesten verbreiteten Art geworden ist
Kunst dieser Zeit.

12.

Ästhetik
Klassizismus
während der Herrschaft
G. Rigo. Porträt Ludwigs XIV.
1701 Louvre, Paris
„Der Sonnenkönig“ Louis
XIV (1643-1715) war
etwas Ideales
Modell des Klassizismus, das
in Spanien nachgeahmt
Deutschland, England und andere Länder
Osteuropa, Nordeuropa
und Südamerika.
Kunst zuerst
es gab Klassizismus
untrennbar mit der Idee verbunden
absolute Monarchie und
war die Verkörperung
Integrität, Größe und
Befehl.

13.

Ästhetik
Klassizismus
Kasaner Kathedrale in St. Petersburg (1801-1811) Bogen. EIN. Woronikhin.
Kunst in Form des sogenannten revolutionären Klassizismus,
diente den Idealen des Kampfes gegen die Tyrannei, für das Establishment
Bürgerrechte des Einzelnen im Einklang mit der Französischen Revolution.
In der letzten Phase seiner Entwicklung ist der Klassizismus aktiv
drückte die Ideale des Napoleonischen Reiches aus.
Seine künstlerische Fortsetzung fand er im Empire-Stil (aus dem Französischen).
Stil Empire – „imperialer Stil“) – später (hoher) Stil
Klassizismus in Architektur und angewandter Kunst. Entstanden in
Frankreich während der Herrschaft von Kaiser Napoleon I.

14.

Rokoko und
Sentimentalismus
Ein charakteristisches Merkmal des 18. Jahrhunderts.
in der westeuropäischen Kunst
ist zu einer unbestreitbaren Tatsache geworden
gleichzeitige Existenz mit
Klassizismus des Barock, Rokoko und
Sentimentalismus.
Nur Harmonie erkennen und
Ordnung, Klassizismus „begradigt“
ausgefallene barocke Formen
Kunst, endete tragisch
die geistige Welt wahrnehmen
Person und der Hauptkonflikt
in den Bereich der Beziehungen zwischen übertragen
individuell und
vom Staat. Barock, veraltet
Sich selbst und kommen Sie zum Logischen
Vollendung, gab nach
Klassizismus und Rokoko.
O. Fragonard. Glücklich
Schaukelmöglichkeiten. 1766
Wallace Collection, London

15.

Rokoko und
Sentimentalismus
Rinaldi Rokoko:
Innenräume der Burg Gatschina.
Gatschina
In den 20er Jahren XVIII Jahrhundert in Frankreich
hat sich entwickelt neuer Stil Kunst -
Rokoko (französische Rocaille – Muschel). Bereits
der Name selbst enthüllte
hauptsächlich, charakteristisches Merkmal Das
Stil – Leidenschaft für Raffinesse
Und komplexe Formen, schrullig
Linien, die sich in vielerlei Hinsicht ähnelten
Muschelumriss.
Die Schale verwandelte sich dann in
komplexe Locken mit einigen
seltsame Schlitze, dann rein
Dekoration in Form eines Schildes oder
halb entfaltete Schriftrolle mit
Bild eines Wappens oder Emblems.
In Frankreich Interesse am Stil
Das Rokoko schwächte sich Ende der 1760er Jahre ab
Jahre, aber in den Ländern Zentral
Europa war sein Einfluss
spürbar bis zum Ende des 18. Jahrhunderts
Jahrhunderte.

16.

Rokoko und
Sentimentalismus
Das Hauptziel der Rokoko-Kunst
- sinnlich liefern
Vergnügen (Hedonismus).
Kunst hätte es haben sollen
mögen, berühren und
unterhalten, verwandeln
Leben in verfeinerter Form
Maskerade und „Gärten der Liebe“.
Komplizierte Liebesbeziehungen
flüchtige Hobbys,
gewagt, riskant,
herausfordernde Gesellschaft
Aktionen von Helden, Abenteuer
und Fantasien, galant
Allegorie der schönen Künste,
Unterhaltung und Feiertage
1764 – Öl auf Leinwand; 103 x 130 cm.
bestimmte den Inhalt
Rokoko. Frankreich.
Kunstwerke
Washington, Nat. Galerie.
Rokoko.

17.

Rokoko und
Sentimentalismus
Charakteristische Merkmale des Rokoko-Stils in Kunstwerken:
Anmut und Leichtigkeit, Komplexität, dekorative Raffinesse
und Improvisation, Pastoralismus (Hirtenidylle), Verlangen nach
exotisch;
Ornament in Form stilisierter Muscheln und Locken, Arabesken,
Blumengirlanden, Amorfiguren, zerrissene Kartuschen,
Masken;
eine Kombination aus hellen Pastelltönen und zarten Tönen mit einem großen
die Menge an weißen Teilen und Gold;
der Kult der schönen Nacktheit, der auf eine alte Tradition zurückgeht,
anspruchsvolle Sinnlichkeit, Erotik;
Kult der kleinen Formen, Intimität, Miniaturität (insbesondere in
Skulptur und Architektur), Liebe zu Kleinigkeiten und Schmuckstücken
(„Zu den bezaubernden Kleinigkeiten“), die das Leben des Galanten erfüllten
Person;
Ästhetik der Nuancen und Andeutungen, faszinierende Dualität
Bilder vermittelt durch leichte Gesten, halbe Drehungen,
kaum wahrnehmbare Gesichtsbewegungen, halbes Lächeln, verschwommen
Blick oder feuchter Glanz in den Augen.

18.

Rokoko und
Sentimentalismus
Möbel mit Stil
Rokoko
Der größte blühende Stil
Rokoko in Werken erreicht
Kunst und Handwerk
Französische Kunst (Interieur
Paläste
und Kostüme der Aristokratie). IN
In Russland erschien es zuerst
alles in architektonischer Dekoration in Form von Schriftrollen, Schildern usw
filigrane Rocaille-Muscheln (dekorativ).
Ornamente imitieren
Kombination aus ausgefallenen Muscheln
und seltsame Pflanzen) und
auch Maekarans (Stuck bzw
geschnitzte Masken in der Form
menschliches Gesicht oder Kopf
Tier oben platziert
Fenster, Türen, Bögen usw
Brunnen, Vasen und Möbel).

19.

Rokoko und
Sentimentalismus
Hof Joseph-Desire
Kur). Malerei. Frankreich
Sentimentalismus (französisch Sentiment – ​​Gefühl).
In ideologischer Hinsicht mag er
Klassizismus, basierend auf Ideen
Aufklärung.
Ein wichtiger Platz in der Ästhetik des Sentimentalismus
beschäftigte sich mit dem Bild der Welt der Gefühle und
menschliche Erfahrungen (daher seine
Name).
Gefühle wurden als Manifestationen wahrgenommen
Naturprinzip im Menschen, sein
natürlicher Zustand, möglich
nur in engem Kontakt mit
Natur.
Errungenschaften der Zivilisation mit vielen
Versuchungen, die die Seele verdorben haben
„natürlicher Mensch“, erworben
eindeutig feindseliger Natur.
Eine Art Ideal
Sentimentalismus ist zum Bild des Ländlichen geworden
Bürger, der die Gesetze befolgte
Unberührte Natur und Leben in
absolute Harmonie mit ihr.

20.

Rokoko und
Sentimentalismus
französischer Philosoph, Schriftsteller,
Denker der Aufklärung.
Auch Musikwissenschaftler, Komponist und
Botaniker. Geboren: 28. Juni 1712
B., Genf. Gestorben: 2. Juli 1778 (66
Jahre), Ermenonville, in der Nähe von Paris.
Begründer des Sentimentalismus
gilt als französischer Pädagoge
J.J. Rousseau, der den Kult ausrief
natürliche, natürliche Gefühle und
menschliche Bedürfnisse, Einfachheit und
Herzlichkeit.
Sein Ideal war der sensible,
sentimentaler Träumer,
besessen von den Ideen des Humanismus,
„natürlicher Mensch“ mit „schön“.
Seele", nicht verdorben
bürgerliche Zivilisation.
Die Hauptaufgabe von Rousseaus Kunst
sah es als Unterrichten der Menschen an
Tugenden, rufe sie zu den Besten
Leben.
Das Hauptpathos seiner Werke
stellt ein Lob des Menschen dar
Gefühle, große Leidenschaften, die kamen
im Konflikt mit der Öffentlichkeit
Klassenvorurteile.

21.

Rokoko und
Sentimentalismus
Es ist höchst legitim, darüber nachzudenken
Sentimentalismus als einer von
künstlerische Bewegungen,
Wirken im Inneren
Klassizismus.
Wenn Rokoko betont
äußere Manifestation von Gefühlen und
Emotionen, dann Sentimentalität
betont das Innere
die spirituelle Seite der menschlichen Existenz.
In Russland am hellsten
Verkörperung des Sentimentalismus
gefunden in der Literatur und
Malerei, zum Beispiel in
Werke von V. L. Borovikovsky.
V.L. Borowikowski. Lizynka und
Dashinka. 1794 Staat
Tretjakowaja-Galerie, Moskau

22. Testfragen

1. Was ist das ästhetische Programm der Kunst des Klassizismus? IN
Welche Verbindungen und Unterschiede gibt es zwischen der Kunst?
Klassizismus und Barock?
2. Welche Vorbilder der Antike und Renaissance folgten
die Kunst des Klassizismus? Aus welchen Idealen der Vergangenheit und
warum musste er ablehnen?
3. Warum gilt Rokoko als Stil der Aristokratie? Was sind seine
Merkmale entsprachen dem Geschmack und der Stimmung ihrer Person
Zeit? Warum gab es darin keinen Raum für Ausdruck?
bürgerliche Ideale? Warum denken Sie an den Rokoko-Stil?
erreichte seinen Höhepunkt im Kunsthandwerk
Kunst?
4. Vergleichen Sie die Grundprinzipien von Barock und Rokoko. Ist es möglich
Betrachten Sie das Rokoko als eine Fortsetzung des Barock? Was ist neuer Stil?
Rokoko zum Barock „hinzugefügt“? Was sind die Unterschiede?
Welchen emotionalen Einfluss haben diese Stile auf eine Person?
5*. Welche Vorstellungen von Aufklärung lagen ihr zugrunde?
Sentimentalismus? Was sind seine Schwerpunkte? Rechtlich
Ist es möglich, Sentimentalismus im Rahmen eines großen Stils zu betrachten?
Klassizismus?

23. Kreativwerkstatt

24. Themen von Präsentationen, Projekten

1.
2.
3.
4.
5.
6.
7.
8.
9.
„Die Rolle Frankreichs in der Entwicklung der europäischen Kunst
Kultur."
„Mensch, Natur, Gesellschaft im ästhetischen Programm
Klassizismus."
„Beispiele der Antike und der Renaissance in der Kunst
Klassizismus".
„Die Krise der barocken Ideale und der Kunst des Klassizismus.“
„Rokoko und Sentimentalismus sind verwandte Stile und
Bewegungen des Klassizismus.
„Merkmale der Entwicklung des Klassizismus in der Kunst Frankreichs
(Russland usw.)“.
"UND. J. Rousseau als Begründer des Sentimentalismus.“
„Der Kult des Naturgefühls in der Kunst
Sentimentalismus.
„Das weitere Schicksal des Klassizismus in der Weltgeschichte.“
Kunst."

25. Reflexion

Bewerten Sie Ihre Arbeit im Unterricht,
Ergänzen Sie die Sätze:
Heute habe ich herausgefunden...
Es war interessant...
Es war schwierig...
Ich habe gelernt...
Ich konnte...
Ich war überrascht...
Ich wollte...

26. Literatur:

Programme für allgemeinbildende Einrichtungen.
Danilova G.I. Weltkünstlerische Kultur. - M.:
Trappe, 2011
Danilova, G.I. Art / MHC. 11. Klasse Grundniveau:
Lehrbuch / G.I. Danilova. M.: Bustard, 2014.
Kobyakov Ruslan. Sankt Petersburg