Im Prozess der menschlichen Entwicklung und der Entstehung sozialer Beziehungen entsteht ein Bedürfnis nach Verständnis künstlerisch und ästhetisch Und kulturelle Werte, die Trends in allen Arten von Kunst schaffen.
Der jahrhundertealte Entwicklungsprozess von String- Streichinstrumente In Europa weist es eine recht komplexe interne Struktur auf und sollte im Komplex der musikalischen, künstlerischen Darbietungs- und Kompositionstätigkeiten betrachtet werden.
Die Entwicklung des künstlerischen Geschmacks der Gesellschaft erhöht die Notwendigkeit, einen angemessenen zu schaffen Musikalische Literatur, neue Formen des Musizierens, Verbesserung der Spieltechniken.
Der Wunsch, „Gesang“ zu schaffen Saitenstrich Werkzeuge regten die Suche an verschiedene Formen musikalische Ausdruckskraft, Emotionalität und Wärme, die der menschlichen Stimme innewohnen und die Richtung der Evolution bestimmten Musikkultur.
Die Entstehung der Geige ist immer noch Gegenstand von Forschung, Debatte und Spekulation. Es besteht kein Zweifel, dass in der Geschichte des Wiederaufbaus und der Verbesserung der Geige niemandem die Palme geschenkt werden kann. Die Idee der Geige ist seit Jahrhunderten etabliert, wie der jahrhundertelange Prozess der Entdeckung und Verbesserung vieler verschiedener Arten von Musikinstrumenten beweist. Der Entstehungsprozess von Streichinstrumenten beginnt mit dem Auftauchen und der Verwendung der gitarrenähnlichen Geige und der mandolinenähnlichen Rebeck in der Musikpraxis des 13. Jahrhunderts.
Es besteht kein Zweifel, dass die Geige, bevor sie ihre endgültige Form erhielt, allerlei Experimenten unterzogen wurde. Instrumente wurden konvex wie eine Mandoline hergestellt, hoch, niedrig, flach verschiedene Teile Löcher wurden in Form eines Kreises, eines geraden Streifens oder eines Säbels in den Körper geschnitten. Anstelle einer Locke wurden verschiedene Figuren angefertigt (Löwen- und Menschenkopf usw.).
Die Entstehung der Geige erfolgte parallel dazu verschiedene Länder Europa – Italien, Deutschland, Polen, Frankreich. Die Orchestergeigenfamilie erhielt ihre letzte, klassische Inkarnation Ende des 16. Jahrhunderts in Italien und begann, ihre Vorgänger zu verdrängen
Es ist zu beachten, dass die Entwicklung des Klangs von Saiteninstrumenten in zwei Richtungen erfolgte. Einerseits wurden Instrumente mit einem starken, strengen, tiefen Timbre und unflexiblem Klang gebaut, andererseits wurden Instrumente mit einem sanften, klaren, hohen Timbre gebaut, aber nicht kraftvoll genug.
Prominente Vertreter der ersten Richtung sind die Meister aus Brescia (Italien) Gasparo de Salo (1542 – 1609) und Paolo Magini (1580 – 1632) sowie der polnische Meister Marcin Groblich Sr., der um diese Zeit in Krakau arbeitete. Die Klangfarbe der Geigen der Brescia-Meister ähnelte dem Klang von Gamben; das heißt, mit großer Kraft war es verschleiert, vom Charakter her irgendwie wie ein Alt.
Es ist angenehm, den Gründer der Meisterschule von Cremona (Italien) Andrea Amati (1535 - 1611) – einen der großen Geigenreformer – als Begründer einer anderen Richtung zu betrachten.
Indem er das Design des Instruments änderte, seine Größe im Vergleich zu den Brescia-Geigen verkleinerte, den Konturen einen anderen Charakter verlieh, die Seiten absenkte und die Bögen der Resonanzböden vergrößerte, gelang es dem Cremoneser Meister, dem Klang seiner Geigen eine ähnliche Klangfarbe zu verleihen zur menschlichen Stimme. In seinen reifen Werken entwickelt Andrea Amati schließlich die Vollständigkeit der klassischen Form der Violine.
Die große Beliebtheit dieses besonderen Instrumententyps und seiner Klangfülle erklärt sich aus der Tatsache, dass Musik bis in die letzten Jahrzehnte des 18. Jahrhunderts in Europa hauptsächlich in kleinen Räumen für einen begrenzten Zuhörerkreis aufgeführt wurde und die Amati-Geige große Säle füllte mit seinem Klang.
Mit der Zeit verlässt die musikalische Darbietung den geschlossenen Kreis ihrer Kenner und verbreitet sich. Die Konzerte beginnen in großen Räumen mit ziemlich überfülltem Publikum stattzufinden. Aus Instrumente - Violine, Bratsche, Cello und Kontrabass – hier braucht es einen kräftigen, hellen Klang, der füllen kann Konzertsäle Hier werden Werke für Solisten, verschiedene Ensembles und erste kleine Orchester aufgeführt.
Im Zusammenhang mit neuen Aufgaben sind Meister ständig bestrebt, dem Klang von Streichinstrumenten mehr Intensität und Umfang zu verleihen und gleichzeitig die Weichheit und Schönheit der Klangfarbe zu bewahren.
In den Werken des Genies Italienische Meister Antonio Stradivari (1644 – 1737) und Joseph Guarneri del Gesu (1687 – 1745) vereinen Elastizität, Zartheit mit intensiver Klangdichte in Perfektion.
Mit dem Erscheinen einer Galaxie herausragender Geiger und Komponisten des musikalischen Barockstils im 17. Jahrhundert – der Italiener Arcangelo Corelli (1653 – 1719), Antonio Vivaldi (1678 – 1744), Giuseppe Tartini (1692 – 1749), Pietro Locatelli ( 1653 - 1764), den Deutschen Johann Sebastian Bach (1685 - 1750) und Georg Friedrich Händel (1685 - 1759), besteht Bedarf, die Konstruktion von Instrumenten der Streichinstrumentenfamilie weiter zu verbessern.
Unter Berücksichtigung der praktischen Anforderungen für das Spielen in höheren Lagen ist der Prozess der Etablierung einer konstanten Mensurgröße (der Begriff „Mensur“ bezeichnet die Länge des Teils der Saite, der schwingt und klingt) im Gange, indem die Länge des Halses und erhöht wird Hals des Instruments; Feder, Polster und Ständer erhalten eine klassische, akustisch gerechtfertigte Form und Größe; Zur Herstellung von Saiten werden neue Materialien verwendet.

Die zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts gibt der Musikkunst neue Entwicklungsimpulse. Wirkt meisterhaft romantische Richtung in der Musik die klügsten Vertreter welche sind Violinvirtuosen und Komponisten Giovanni Viotti (1755 – 1824) und Nicolo Paganini (1782 – 1840) in Italien, Ludwig Spohr (1784 – 1859) in Deutschland trugen nicht nur wesentlich zur Verbesserung des Violinrepertoires bei . L. Spohr erfindet den Kinnhalter und G. Viotti hilft dem französischen Meister F. Tourte bei der Herstellung neuer Typ Bogen.
Francois Tourte (1747 - 1835) ersetzte das gerade Bogenrohr durch ein konkaves, stellte fest, dass das beste Material für die Herstellung Farnamboo-Holz war, und verwendete die Anordnung der Haare nicht wie zuvor in einem Knoten, sondern in Form von ein Band, bestimmte die optimale Größe und das optimale Gewicht des Bogens: für die Violine - 730-740 mm; 55-60 g; alta - 60 - 65 g; Celli - 710 mm; 70 - 78 g; Kontrabass - 700 mm; 135 - 150 g.
Die Verwendung eines von F. Tourte entworfenen Bogens spielte eine große Rolle bei der Entwicklung der Technik des Saiteninstrumentenspiels und ermöglichte deren Erweiterung Ausdrucksfähigkeiten Leistung, trug zur weit verbreiteten Verwendung einer Vielzahl von Flug- und Sprungschlägen bei. Das klassisch perfekte Design der Bögen von F. Tourte bildete die Grundlage für die Arbeit nachfolgender Meister bis in unsere Zeit.
Die Spitze Musikalische Klassiker Die Wiener Zeit ist das Werk von Joseph Haydn (1732 – 1890), Wolfgang Mozart (1756 – 1791) und Ludwig van Beethoven (1770 – 1827).
Eine der Anforderungen des Klassizismus war der Wunsch, den Orchesterklang zu verbessern, was zu einer Erhöhung der quantitativen Zusammensetzung des Orchesters sowie zur Entstehung (Mitte des 19. Jahrhunderts) des mit Streichinstrumenten ausgestatteten Orchestertyps führte ein kräftiger, rauher, „klangfarbenloser“ Klang.
Aufgrund der steigenden Nachfrage nach Instrumenten der Geigenfamilie tolle Entwicklung Fertigung und Fabrikproduktion nehmen zu, die technische und künstlerische Seite der Arbeit vieler Meister nimmt ab, die kreative Grundlage eines so heiklen Prozesses wie der Herstellung von Konzertsaiteninstrumenten für den Soloauftritt verschwindet.
Das Aufkommen einer riesigen Menge an Literatur zur Geschichte, Theorie und Praxis des Saiteninstrumentenbaus im letzten Jahrhundert bestätigt den Beginn einer Wiederbelebung der Kunst des Geigeninstrumentenbaus in europäischen Ländern. Es werden zahlreiche Materialien darüber veröffentlicht wissenschaftliche Forschung Auf dem Gebiet der Akustik, der chemischen Analyse werden verschiedene Recherchen und theoretische Annahmen durchgeführt, um verlorenes Wissen zu ermitteln und die Geheimnisse der Instrumentenbaukunst italienischer Meister des 17. und 18. Jahrhunderts zu enthüllen. Solche Studien werden noch durchgeführt.
Im 20. Jahrhundert entstanden in vielen Ländern Vereinigungen von Geigenbauern. Im Rahmen von werden Wettbewerbe für Streichinstrumente abgehalten internationale Festivals Geiger, Cellisten, Streichensembles und andere, und die bedeutendsten unter ihnen sind die Kreativwettbewerbe in Cremona (Italien) – benannt nach Antonio Stradivari, in Moskau (Russland) – benannt nach Tschaikowski und in Posen (Polen) – benannt nach Henryk Wieniawski.
Auf dem Territorium Osteuropa Auch in der Ukraine gibt es Streichinstrumente seit der Antike. Die Vorläufer der Geige bei den slawischen Völkern gelten als im Alltag weit verbreitet. Kiewer Rus Piepton und die sogenannte „polnische Geige“. Ein Beweis dafür ist das Bild eines Musikers mit einem Streichinstrument wie einer Pfeife auf dem Fresko der Sophienkathedrale in Kiew, das laut einer Reihe von Forschern aus dem 11. Jahrhundert stammt.

Die große Beliebtheit von Streichinstrumenten ist vor allem auf die besondere Mentalität der slawischen Völker zurückzuführen, ihr natürliches musikalisches Talent, dessen Grundlage die unübertroffene Solo- und Solokultur ist Chorgesang, charakteristisches Merkmal Das ist Aufrichtigkeit und unvergleichliche Melodie verschiedene Typen Musikensembles, zu denen zwangsläufig Streichinstrumente gehören, führt dazu, dass das Spielen dieser Instrumente zu einem integralen Bestandteil des ukrainischen Lebens, der Rituale und Feiertage wird.
Im 18. und 19. Jahrhundert entwickelte sich die Musikkultur in Westeuropa sie gehen sehr schnell. Neue Arten tauchen auf Musikalische Kunst: Oper, Symphonie und Kammermusik; Die Technologie wird verbessert darstellende Fähigkeiten. Auf Tour ausländische Künstler und ganze Theatergruppen in Osteuropa ermöglichen eine Bereicherung des Musiklebens der slawischen Völker, was die Entstehung zahlreicher Amateur- und dann professioneller Musikgruppen anregt – symphonische und Kammerorchester.
Die Praxis, ausländische Musiker und Meister einzuladen, spielte eine wichtige Rolle bei der Entwicklung der professionellen Musikkunst in Osteuropa.
Also in Russland für eine lange Zeit Herausragende Violinvirtuosen und Komponisten waren Henri Vieuxant (1820 – 1881), Heinrich Wieniawski (1835 – 1880) und der Gründer der russischen Violinschule Leopold Auer (1848 – 1930).
Unter den Meistern der Saiteninstrumente, die in St. Petersburg und Moskau arbeiteten, befinden sich berühmte Einwanderer aus Deutschland: Franz Steininger (1778 - 1852), Ludwig Otto (1821 - 1887); aus Frankreich - Ernest Salzar (1842 - 1897), Edouard Arnoux und Auguste Didelot – Schüler des berühmten J.B. Villaume. In der Ukraine arbeiteten folgende Personen: der Franzose Bastien Marizot, der Pole Ovruchkevich – in Charkow; in Kiew - Pavel Khilinsky, der aus Warschau stammte; Tschechen Frantisek Spidlen (1880 – 1916) und sein Neffe Evgeniy Vitacek (1880 – 1946); wurde später Gründer der sowjetischen Geigenbauerschule, die ein harmonisches System für den Bau von Saiteninstrumenten entwickelte, das auf der harmonischen Stimmung der Resonanzböden basierte.
Die Aktivitäten ausländischer Spezialisten trugen zur Entstehung und Entwicklung nationaler Schulen für Saiteninstrumentenbauer bei.
Unter denen, die Weltruhm und Anerkennung erlangten, sind zu erwähnen: Ivan Andreevich Batov (1767 - 1841), der lange Zeit Leibeigener des Grafen Scheremetjew war; Nikolai Fedorovich Kittel (1806 - 1868), dessen Bögen bis heute als unübertroffen gelten; Anatoly Ivanovich Leman (1859 - 1913) – ein umfassend gebildeter Mensch, ein talentierter Meister, der gründlich war wissenschaftliche Erkenntnisse. Seine theoretischen und praktischen Entwicklungen im Bau von Streichinstrumenten spielten eine besondere Rolle bei der Entwicklung und dem Erwachen des Interesses der Musiker an neuen Instrumenten, die mit den alten italienischen konkurrieren konnten.
Einen besonderen Platz in der Geschichte der Entwicklung und Verbesserung von Saiteninstrumenten nimmt Lev Vladimirovich Dobryansky (1862 - 1941?) ein – in Westeuropa dank seiner eigenen Methode zur Verbesserung der akustischen Fähigkeiten der Geige beliebt.

L. Dobryansky, Meister, Künstler, Juwelier, Dichter, ein Mann mit vielfältigen Talenten, Hüter der Geigensammlung des Zaren Nikolaus II. in St. Petersburg, lebte und arbeitete lange Zeit in Odessa, wo er ein Originalmodell einer Violine entwickelte Geige ohne Ecken. Zu den Schülern von L. Dobryansky gehört der bekannte Kiewer Restaurator von Geigen und Streichinstrumenten Ivan Leontievich Bitus (1917 - 2003) – ein maßgeblicher Experte auf dem Gebiet der Antike und Vintage-Instrumente.
Weiterentwicklung Die Kunst der Herstellung von Saiteninstrumenten in der Ukraine ist mit der Tätigkeit der Kiewer Meister F. Drapia, S. Koval, O. Pechenko sowie G. Veitishin (Lwow), O. Voitseshko (Charkow) und anderen verbunden.
Heutzutage gibt es in der Ukraine einen „Verein Meisterkünstler Saiteninstrumente der Nationalen Allukrainischen Musikgesellschaft“ - freiwillig kreativer Verein professionelle Meister für Streichinstrumente, Meisterrestauratoren sowie Musikwissenschaftler und Wissenschaftler, die in diesem Kunstbereich tätig sind und nach den Grundsätzen der Selbstverwaltung, gegenseitigen Hilfe und Zusammenarbeit handeln. Derzeit vereint der Verein etwa 70 Mitglieder, von denen die meisten Preisträger, Diplomabsolventen und Teilnehmer an internationalen Festivals und Wettbewerben sind.

Was die moderne professionelle Geige betrifft, muss betont werden, dass im Laufe der Jahrhunderte durch die kreative Suche vieler Generationen von Meistern ein Geigenmodell geschaffen wurde, das eine künstlerisch perfekte Form und ein technisch einwandfreies akustisches Design vereint. Dadurch kann der Interpret einen Klang erzielen, der dem Gesang einer menschlichen Stimme mit seiner charakteristischen Dynamik und emotionalen Fülle ähnelt.
Alle Musikinstrumente Die Geigenfamilie – Violine, Bratsche, Cello und Kontrabass – besteht hauptsächlich aus identischen Teilen, die zu einer einzigen Struktur verbunden sind und sich nur in der Größe unterscheiden. In einer Geige gibt es etwa hundert solcher Teile.
Hauptteile einer Violine.
Der Körper oder die Patrone besteht aus Ober- und Unterdecks, die durch Schalen miteinander verbunden sind. Die Decks bestehen aus einem oberen und unteren Oval, zwischen denen Ausschnitte angebracht sind. Die Körpergröße wird durch den langen Rücken vom Rand des oberen Ovals ohne Ferse bis zum Rand des unteren Ovals bestimmt. Die Standardgröße beträgt 355-360 mm.
Das Oberdeck besteht aus einem einzigen Stück Fichte oder einem aus zwei Hälften zusammengeklebten Stück Fichte. Auf dem Oberdeck befinden sich Schalllöcher – F-Löcher mit einer Länge von 76–78 mm. Auf der Innenseite des Resonanzbodens, unter der Basssaite, ist eine Feder (oder Bassbalken) mit einer bestimmten Spannung und Form angebracht – aus Fichte: 27 mm lang, 12 mm hoch und 5–6 mm breit.
Der untere Resonanzboden kann wie der obere massiv sein oder aus zwei Teilen bestehen (Bergahorn, auch Weißahorn genannt).
Die Kessel bestehen aus sechs Platten (Ahorn), die in Form der Decks gebogen sind. Die Höhe nahe der Halsbasis beträgt 28–30 mm und in der Nähe des Knopfes 29–31 mm. Die Dicke der Schalen beträgt 1-1,5 mm. Die Schalen werden durch Verleimung von sechs Fichten- oder Erlenholzstücken, sogenannten Klotz, miteinander verbunden. Vier seitliche Patches in den Ecken sowie ein oberer und ein unterer Patch mit konvexer Form. Im oberen Teil ist eine Nut zum Einsetzen eines Halses angebracht, im unteren Teil befindet sich ein Loch für einen Knopf.
Reifen. An die Ränder der Schalen werden auf der Innenseite schmale Streifen aus Erlenholz mit einer Breite von 2–3 mm und einer Höhe von 5–6 mm geklebt, die als „Reifen“ oder „Konterschalen“ bezeichnet werden, um sie fester mit den Decks zu verbinden.
Uns. Zwei dünne Streifen aus Ebenholz an den Seiten und einer aus Ahorn in der Mitte, die bis zu einer Tiefe von 2 bis 2,5 mm aufgeklebt sind, werden als Schnurrbart bezeichnet, der nicht nur eine Dekoration darstellt, sondern auch die Struktur der Geige stärkt.
Der Hals ist aus einem Stück Ahorn gefertigt und dient dazu, das Instrument beim Spielen zu halten und den Hals darauf zu kleben. Der Hals geht auf der einen Seite fließend in den Kopf über, der aus einem Wirbelkasten und einer Schnecke besteht, und auf der anderen Seite in einen Absatz, der am oberen Teil des Geigenkorpus befestigt ist. Die Länge des Halses von der Oberkante des Decks bis zur Mutter beträgt 130-132 mm. Die Höhe des Absatzes über dem Deck beträgt 4-6 mm. Die Aussparung im Ausschnitt beträgt 4-5 mm.
Der Hals ist eine 270 mm lange und 4-5 mm dicke Ebenholzplatte. Oberteil welches eine konvexe Form hat. Damit die Saiten beim Spielen den Hals nicht berühren, ist er leicht konkav gefertigt. Die Durchbiegung kann 1-1,5 mm betragen. Die Breite des Halses in der Nähe der Mutter beträgt 23–24 mm und am anderen Ende 42–43 mm. Der Neigungswinkel des Halses mit daran verklebtem Hals, der dem Interpreten die richtige Körperspannung und ein leichtes Spiel gewährleistet, wird durch die Höhe des oberen Punktes des Griffbretts über dem Resonanzboden (19-21 mm) bestimmt Die Oberseite der Mutter sollte unterhalb der Projektion der Ebene der Schalenkanten liegen.
Die oberen und unteren Schweller bestehen aus Ebenholz.
Der obere Sattel dient dazu, die Saiten über den Hals und die Wirbel zu führen. Um das Spielen in den unteren Lagen zu erleichtern, muss der Sattel der Konfiguration des Halses folgen, eine Breite von 23–24 mm haben und nicht mehr als 1–1,5 mm darüber hinausragen. Der sinnvolle Abstand zwischen den Saiten am oberen Sattel beträgt 5-6 mm, und die Tiefe der Rillen für sie, die ein konvexes Bett haben, sollte den halben Durchmesser der Saite nicht überschreiten.
Die untere Schwelle dient dazu, die Befestigung der Kopfstütze durch sie hindurch sanft zu biegen. Die Höhe der Schwelle über dem Deck sollte 4–4,5 mm betragen.
Zum Spannen der Saiten gibt es Wirbel, die aus Ebenholz oder Palisander bestehen. Die Wirbel und die Löcher dafür in der Vertiefung des Geigenkopfes müssen die gleiche Verjüngung haben und so positioniert sein, dass die Saite beim Übergang von ihrem Wirbel zum Sattel nicht an benachbarten Wirbeln hängen bleibt oder herunterfällt. Erzielen Sie eine gleichmäßige und gleichmäßige Drehung der Stifte in den Nuten, was unbedingt erforderlich ist Feinabstimmung, können Sie die Kontaktstellen abwechselnd mit trockener Seife und Kreide oder einem speziellen Stechgleitmittel einreiben.
Der Hals- oder Saitenhalter besteht aus Hartholz und wird mit einer Ader- oder Kunststoffschlaufe an einem speziellen Knopf befestigt. Es ist wünschenswert, dass der Abstand der Rillen für die Saiten auf dem Griffbrett ungefähr dem Abstand zwischen den Saiten auf dem Ständer entspricht und die Unterkante der Schlaufe nicht mehr als 3-4 mm vom unteren Sattel entfernt ist, was entsteht sorgt für die nötige Spannung auf den Saiten und wirkt sich positiv auf den Klang des Instruments aus.
Der Knopf dient zur Befestigung der Kopfstütze und wird in das Loch im unteren Teil eingesetzt. Die Verjüngung des Knopfes sollte mit der Verjüngung des Lochs übereinstimmen und die gleiche Länge wie die Dicke des Knopfes haben.
Der Ständer ist eine keilförmige Ahornplatte mit gemaserten Ausschnitten, die dazu dient, die Saiten zu stützen und ihre Schwingungen auf den Geigenkorpus zu übertragen. Die Stärke, Gleichmäßigkeit und Klangfarbe des Instrumentenklangs hängt maßgeblich von der Qualität des Holzes, der Form und der Dicke des Ständers ab.
Der Ständer besteht aus abgelagertem Ahorn mit gerader Maserung, strahlenförmig geschnitten, mit gut entwickelten Kernstrahlen, außerdem müssen die Linien der Jahresschichten streng parallel zu seiner Breite verlaufen.
Die Höhe des Ständers hängt in erster Linie von der Höhe der Saiten am Ende des Halses ab, die bei der E-Saite 2,5–3 mm, bei der A- und D-Saite 3,5–4 mm und bei 4,5–4 mm betragen sollte. 5 mm für die G-Saite.
Somit beträgt die Höhe des Ständers 30-32 mm.
Die Breite des Ständers sollte den Abstand zwischen den oberen Punkten der F-Löcher nicht überschreiten und die Mitte des linken Beins sollte genau über der Feder liegen.
Der Abstand zwischen den Saiten auf dem Ständer wird normalerweise so bemessen, dass zwischen den äußeren Saiten und G 34–36 mm liegen. In diesem Fall muss der Interpret einen geeigneten Abstand zwischen den Saiten innerhalb der folgenden Grenzen wählen: E und A 10-11 mm; A und D 11–11,5 mm; re und salzen 11,5-12mm.
Die Dicke des Ständers hängt von der Qualität des Holzes ab: Je härter das Holz, desto dünner der Ständer. Als optimal gelten folgende Stärken: oben 1,5-2 mm, unten 4-4,5 mm.
Die Ausschnitte (Fenster) des Ständers, ihre Form und Größe sind bei jedem Meister unterschiedlich, und Variationen wirken sich auf die eine oder andere Weise auf die Stimmung aus und verändern den Klangcharakter des Instruments.

Der Ständer wird so auf der Geige platziert, dass die Mittellinie des Resonanzbodens genau unter der Mitte des Ständers verläuft, zwischen den Innenkerben der F-Löcher liegt und eine Neigung von 3-5 Grad zum Griffbrett aufweist.
Der Ständer muss sorgfältig an den Resonanzboden angepasst werden, wozu ein professioneller Geigenbauer hinzugezogen wird.
Der Bogen ist im Geigenbau von größter akustischer Bedeutung. Seine Funktion besteht darin, den Widerstand des Geigenkörpers gegenüber dem Druck der Saite auszugleichen, um die Übertragung der Schwingungen vom oberen Resonanzboden auf den unteren sicherzustellen.
Dushka ist ein zylindrischer Stab aus abgelagertem Fichtenholz mit Jahresschichten von 1–1,5 mm und einem Durchmesser von 5–6 mm. Es befindet sich in der Mitte des Geigenkorpus hinter dem rechten Ständerbein. Der Abstand vom Kopf zum Ständer hängt maßgeblich von der Dicke der Instrumentendecks ab und kann zwischen 1 und 4 mm liegen.
Die eigentliche Montage und Installation der Haube ist eine komplexe und mühsame Arbeit, die große Präzision und Fachkompetenz erfordert.
Tolles Preis-Leistungs-Verhältnis Um das Geigenspiel zu erleichtern, verfügt es über eine Kinnstütze, deren Auswahl für jeden Interpreten individuell anhand seiner physiologischen Eigenschaften getroffen wird. Das Material, aus dem der Kinnhalter gefertigt ist, und die Stelle, an der er am Korpus der Geige befestigt ist, haben großen Einfluss auf den Klang des Instruments.
Der Steg ist auch für die Bequemlichkeit beim Geigenspiel wichtig. Die meisten modernen Geiger verwenden Brücken unterschiedlicher Art, die von zahlreichen Fabriken hergestellt werden.
Bei der Auswahl einer Brücke ist es notwendig, dass ihr Design die folgenden Anforderungen erfüllt:
Erstens sollte der Steg beim Halten des Instruments beim Spielen bequem sein und die Bewegungen des Interpreten nicht behindern. Unter Berücksichtigung der anthropologischen Gegebenheiten des Spielers ist es notwendig, die Höhe des Stegs festzulegen und den Ort seiner Befestigung am Geigenkorpus auszuwählen;
Zweitens sollte der Steg den unteren Resonanzboden nicht so stark zusammendrücken, dass dessen Vibration eingeschränkt wird und sich dadurch negativ auf den Klang des Instruments auswirkt.
Drittens darf durch die Befestigung des Stegs der Korpus des Instruments nicht beschädigt werden.
Ein wesentlicher Bestandteil der professionellen Geigenmusikaufführung ist die Geigenpflege. Die Liebe, der Schutz und die Pflege Ihrer Geige sind ein wesentlicher Bestandteil des Lebens eines wahren Musikers.
Aus dem Geist und der Seele des Meisters geboren, durch sorgfältige, selbstlose Arbeit geschaffen, passt die Geige zum Interpreten, wird zu seinem integralen Bestandteil, zu einem treuen Begleiter, zu einer Stimme, mit der man die geheimsten Gedanken und Gefühle ausdrücken kann.
Als äußerst raffiniertes akustisches Instrument reagiert die Geige empfindlich auf jegliche Veränderungen Umfeld. Zu beachten ist, dass die Klimazone der Ukraine durch erhebliche Temperaturschwankungen gekennzeichnet ist – von Frost im Winter bis Hitze im Sommer.
Unter solchen Bedingungen hängt die Erhaltung des Instruments maßgeblich von der Qualität und Innenausstattung des Koffers ab. Zur komfortablen Aufbewahrung des Instruments wird ein geräumiger Koffer gewählt, der über die hitzebeständigsten Eigenschaften verfügt.
Die Geige sollte sich in einer speziellen Tasche aus dünnem, dichtem Stoff befinden, der ein günstiges Mikroklima schafft.
Hinter der Geige benötigen Sie mehrere (für unterschiedliche Zwecke) Servietten aus weichem Stoff: um Kolophoniumstaub von Resonanzboden, Hals und Saiten zu entfernen; um Schmutz und Schweiß von Hals und Schale zu entfernen; zum Abwischen des Instrumentenkörpers, um die Sauberkeit und den edlen Glanz des Instruments zu erhalten. Sie sollten nicht zulassen, dass Kolophonium am Deck haften bleibt, da es fest am Lack haftet und sich dadurch deutlich schwieriger entfernen lässt.
Es wird empfohlen, das Innere der Geige auf folgende Weise zu reinigen: Geben Sie ein Glas erhitzten Hafer oder gewaschenen und getrockneten Reis in den Korpus, schütteln Sie die Körner kräftig in alle Richtungen und entfernen Sie sie dann durch die F-Löcher. Einige Experten empfehlen, für eine solche Reinigung Krümel aus frischem Schwarzbrotbrei zu verwenden.
Heutzutage erfreuen sich industriell hergestellte Geigenkosmetik – Polituren, Gleitmittel, spezielle Reinigungsflüssigkeiten – großer Beliebtheit. Bei der Verwendung dieser Produkte ist Vorsicht geboten: Sie müssen die Anweisungen sorgfältig lesen und strikt befolgen, um eine Beschädigung des Instruments zu vermeiden.

Die Auswahl und der Einbau ästhetisch ansprechender, harmonischer, schöner und zuverlässiger Beschläge ist ein Indikator für die Einstellung des Besitzers zu seinem Instrument.
Liebe deine Geige und sie wird dich auch lieben!

Der wichtigste Teil eines modernen Sinfonieorchesters. Vielleicht kein anderes Instrument verfügt über eine solche Kombination aus Schönheit, Klangausdruckskraft und technischer Beweglichkeit.

In einem Orchester erfüllt die Geige vielfältige und vielfältige Funktionen. Aufgrund ihrer außergewöhnlichen Melodik werden Geigen sehr oft zum melodischen „Gesang“ eingesetzt, um die musikalische Grundidee zu vermitteln. Die großartigen melodischen Fähigkeiten der Violine wurden von Komponisten schon vor langer Zeit entdeckt und in dieser Rolle fest in den Klassikern des 18. Jahrhunderts verankert.

Geigennamen in anderen Sprachen:

• Violine(Italienisch);
• Violine(Französisch);
• Violine oder geige(Deutsch);
• Violine oder Geige(Englisch).

Zu den berühmtesten Geigenbauern zählen Persönlichkeiten wie Antonio Stradivari, Niccolo Amati Und Giuseppe Guarneri.

Herkunft, Geschichte der Geige

Hat Volksherkunft. Die Vorfahren der Geige waren Araber und Spanier fidel, Deutsch Unternehmen, deren Fusion entstand.

Die Formen der Geige wurden im 16. Jahrhundert festgelegt. In diesem Jahrhundert und Anfang des XVII Jahrhunderte umfassen berühmte Geigenbauer – die Familie Amati. Ihre Instrumente sind wunderschön geformt und aus hervorragenden Materialien gefertigt. Im Allgemeinen war Italien für die Herstellung von Geigen bekannt, unter denen Stradivarius- und Guarneri-Geigen heute einen äußerst hohen Stellenwert genießen.

Die Geige ist seit dem 17. Jahrhundert ein Soloinstrument. Als erste Werke für Violine gelten: „Romanesca per violino solo e basso“ von Marini aus Brescia (1620) und „Capriccio stravagante“ von seinem Zeitgenossen Farina. Gründer Kunstspiel A. Corelli gilt als Violinist; gefolgt von Torelli, Tartini und Pietro Locatelli (1693–1764), einem Schüler von Corelli, der eine bravouröse Technik des Geigenspiels entwickelte.

Ihr modernes Aussehen erhielt die Geige im 16. Jahrhundert und verbreitete sich im 17. Jahrhundert.

Geigenstruktur

Die Geige hat vier in Quinten gestimmte Saiten: g, d,a,e (kleine Oktave G, D, A der ersten Oktave, E der zweiten Oktave).

Violinbereich von g (S der kleinen Oktave) bis a (A der vierten Oktave) und höher.

Violinton Dick im tiefen Register, weich in der Mitte und brillant im oberen Register.

Geigenkörper hat ovale Form mit abgerundeten Kerben an den Seiten, die eine „Taille“ bilden. Die Rundung der Außenkonturen und Taillenlinien sorgt für ein angenehmes Spiel, insbesondere in hohen Lagen.

Ober- und Unterkörperdecks durch Schalen miteinander verbunden. Der Boden besteht aus Ahorn, die Decke aus Tiroler Fichte. Beide haben eine konvexe Form und bilden „Bögen“. Die Geometrie der Gewölbe sowie ihre Dicke bestimmen in gewissem Maße die Stärke und Klangfarbe des Klangs.

Ein weiterer wichtiger Faktor, der die Klangfarbe einer Geige beeinflusst, ist die Höhe der Zargen.

Im oberen Resonanzboden sind zwei Resonatorlöcher angebracht – F-Löcher (in ihrer Form ähneln sie Lateinischer Buchstabe F).

In der Mitte des Deckenresonanzbodens befindet sich ein Ständer, durch den die Saiten geführt werden und der am Saitenhalter (Unterhals) befestigt ist. Saitenhalter Es handelt sich um einen Streifen aus Ebenholz, der sich zur Saitenbefestigung hin verbreitert. Sein gegenüberliegendes Ende ist schmal, mit einer dicken Aderschnur in Form einer Schlaufe, es ist mit einem Knopf am Panzer verbunden. Stand beeinflusst auch die Klangfarbe des Instruments. Es wurde experimentell festgestellt, dass bereits eine kleine Verschiebung des Ständers zu einer deutlichen Veränderung der Klangfarbe führt (bei einer Verschiebung nach unten ist der Klang dumpfer, nach oben schriller).

Im Inneren des Geigenkorpus ist zwischen dem oberen und unteren Resonanzboden ein runder Stift aus resonanter Fichte eingesetzt – Dushka (vom Wort „Seele“). Dieser Teil überträgt Schwingungen von oben nach unten und sorgt so für Resonanz.

Geigenhals- eine lange Platte aus Ebenholz oder Kunststoff. Der untere Teil des Halses ist an einer abgerundeten und polierten Stange, dem sogenannten Hals, befestigt. Auch die Stärke und Klangfarbe des Klangs von Streichinstrumenten wird stark vom Material, aus dem sie gefertigt sind, und der Zusammensetzung des Lacks beeinflusst.

Geigenspieltechnik, Techniken

Die Saiten werden mit vier Fingern der linken Hand an das Griffbrett gedrückt ( Daumen ausgeschlossen). Die Saiten werden mit einem Bogen gezogen, der in der rechten Hand des Spielers gehalten wird.

Durch Drücken des Fingers gegen das Griffbrett wird die Saite verkürzt und dadurch die Tonhöhe der Saite erhöht. Saiten, die nicht mit dem Finger gedrückt werden, werden als offen bezeichnet und mit Null bezeichnet.

Violinstimme im Violinschlüssel geschrieben.

Violinbereich- vom G der kleinen Oktave bis zur vierten Oktave. Höhere Töne sind schwierig.

Vom halben Drücken der Saiten an bestimmten Stellen, Harmonische. Einige harmonische Klänge gehen in der Tonhöhe über den oben angegebenen Violinbereich hinaus.

Das Auflegen der Finger der linken Hand nennt man Fingersatz. Zeigefinger Die Hände heißen erster, der Mittelfinger zweiter, der Ringfinger dritter und der kleine Finger vierter. Position nennt man den Fingersatz von vier benachbarten Fingern im Abstand von einem Ton oder Halbton. Jede Saite kann sieben oder mehr Positionen haben. Je höher die Position, desto schwieriger ist es. Auf jeder Saite, mit Ausnahme der Quinten, gehen sie hauptsächlich nur bis einschließlich der fünften Position; aber auf der fünften oder ersten Saite und manchmal auch auf der zweiten werden höhere Positionen verwendet – von der sechsten bis zur zwölften.

Methoden des Verbeugens haben großen Einfluss auf den Charakter, die Stärke, das Timbre des Klangs und tatsächlich auf die Phrasierung im Allgemeinen.

Auf einer Geige können Sie normalerweise zwei Noten gleichzeitig auf benachbarten Saiten spielen ( Doppelsaiten), in Ausnahmefällen - drei (starker Bogendruck ist erforderlich) und nicht gleichzeitig, sondern sehr schnell - drei ( Dreifachsaiten) und vier. Solche überwiegend harmonischen Kombinationen sind mit leeren Saiten einfacher und ohne sie schwieriger zu spielen und werden normalerweise in Solowerken verwendet.

Die Orchestertechnik ist sehr verbreitet Tremolo- schneller Wechsel zweier Geräusche oder Wiederholung desselben Geräusches, wodurch der Effekt von Zittern, Zittern und Flackern entsteht.

Rezeption Kol Leno(col legno), also der Schlag des Bogenschaftes auf die Saite, verursacht einen klopfenden, tödlichen Ton, der auch mit großer Erfolg von Komponisten in der symphonischen Musik verwendet.

Zusätzlich zum Bogenspiel berühren sie mit einem Finger die Saiten. rechte Hand - Pizzicato(Pizzicato).

Um den Ton abzuschwächen oder zu dämpfen, verwenden Sie stumm- eine Metall-, Gummi-, Gummi-, Knochen- oder Holzplatte mit Aussparungen im unteren Teil für Schnüre, die an der Oberseite des Ständers oder Stutfohlens befestigt wird.

Es ist einfacher, Geige in den Tonarten zu spielen, die den größtmöglichen Einsatz leerer Saiten ermöglichen. Die bequemsten Passagen sind solche, die aus Tonleitern oder deren Teilen sowie Arpeggien in natürlichen Tonarten bestehen.

Es ist schwierig (aber möglich!), im Erwachsenenalter Geiger zu werden, da Fingersensibilität und Muskelgedächtnis für diese Musiker sehr wichtig sind. Die Empfindlichkeit der Finger eines Erwachsenen ist viel geringer als die eines jungen Menschen und die Entwicklung des Muskelgedächtnisses dauert länger. Geigenspielen lernt man am besten ab dem fünften, sechsten oder siebten Lebensjahr, vielleicht sogar schon früher.

Berühmte Geiger

• Arcangelo Corelli
• Antonio Vivaldi
• Giuseppe Tartini
• Jean-Marie Leclerc
• Giovanni Batista Viotti
• Iwan Jewstafijewitsch Chandoschkin
• Niccolo Paganini
• Ludwig Spohr
• Charles-Auguste Beriot
• Henri Vietang
• Alexey Fedorovich Lvov
• Henryk Wieniawski
• Pablo Sarasate
• Ferdinand Laub
• Joseph Joachim
• Leopold Auer
• Eugene Ysaye
• Fritz Kreisler
• Jacques Thibault
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Video: Violine auf Video + Ton

Dank dieser Videos können Sie sich mit dem Tool vertraut machen und ansehen echtes Spiel darauf, lauschen Sie dem Klang, spüren Sie die Besonderheiten der Technik:

Werkzeuge verkaufen: Wo kaufen/bestellen?

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Die Geige ist eines der geheimnisvollsten Instrumente

Auf den ersten Blick eignet sich dieser Titel eher für einen Kriminalroman als für eine Geschichte über ein Musikinstrument. Aber wenn man es genau betrachtet, ist das Wort „Geheimnis“ hier umso passender, denn in jedem Detektivroman wird das Geheimnis irgendwann gelüftet und die Geige bleibt immer noch ein mysteriöses und weitgehend unverständliches Instrument. Das sagte Meister Felix Robertovich Akopov Die Geige hatte mehr Glück als die Gitarre: Für sie wurde ein präzises und lakonisches Design gefunden. Das stimmt. Ein bewährtes Design ist jedoch nur ein Ausgangspunkt. Was kommt als nächstes? Sowohl die Stradivari-Geige, die vor dreihundert Jahren hergestellt wurde, als auch die moderne Massengeige, die nach allen Regeln in einer guten Fabrik hergestellt wird, ähneln sich im Aussehen. Aber was für ein Klangunterschied!

Kein anderes Instrument wurde so viel, so lange und so gründlich studiert wie die Geige. Die Leute haben es gemacht verschiedene Berufe: Physiker, Mathematiker, Kunsthistoriker, Musikexperten, Musiker. Sie haben etwas verstanden und erklärt, aber bisher konnte niemand die Akustik der Geige theoretisch belegen oder zumindest Empfehlungen geben, wie man Instrumente so perfekt bauen kann wie früher. Es gibt immer noch Handwerker, die Geigen bauen, die nicht so schön sind wie die von Amati, Stradivari und Guarneri, aber dennoch sehr gute Instrumente. Allerdings verfügt jeder Meister nur über seine eigene Erfahrung und das Wenige, was er aus der Erfahrung der großen Italiener verstehen konnte. Niemand verfügt über vollständiges Wissen. Alles Mysteriöse wird unweigerlich von Gerüchten umgeben. Auch um die Geige ranken sich viele Legenden. Beginnen wir mit ihnen.

Man sagt, dass den berühmten italienischen Meistern die Möglichkeit genommen wurde, den authentischen Klang ihrer Geigen zu genießen, weil die Geige unmittelbar nach der Herstellung völlig anders sang, als sie Hunderte von Jahren später hätte singen sollen. Die Meister, so sagen sie, rechneten mit der Zukunft; sie wüssten im Voraus, wie wunderbar ihre Instrumente für entfernte Nachkommen klingen würden. Sie sagen jedoch, dass sich die Meister in etwas anderem verrechnet hätten: Die meisten der von ihnen hergestellten Instrumente seien nicht für die Nachwelt erhalten geblieben. Wie durch ein Wunder haben nur wenige von ihnen überlebt, und nur dank dieser wenigen Einheiten kennt unsere Zeit den Klang echter Geigen. Man sagt auch, dass jeder professionelle Geiger davon träumt, das Instrument des berühmtesten italienischen Meisters zu spielen – Antonio Stradivari. Aber natürlich gibt es nicht genug Geigen für alle. Und die wenigen verbliebenen Geigen werden nur an die Besten der Besten vergeben. Man sagt, dass eine gute Geige nur dann gebaut wurde, wenn für jedes ihrer Teile die einzig geeignete Holzart verwendet wurde. So wurde beispielsweise das Oberdeck ausschließlich aus Tiroler Fichte gefertigt. Kein anderes Holz war dafür geeignet – die Geige erwies sich als unwichtig. Und es wurde nicht irgendeine Tiroler Fichte gefällt und genutzt, sondern es wurde zunächst genau geschaut, auf welchem ​​Baum die Vögel am häufigsten landen würden. Dann hörten sie dem Baum mit einem Stethoskop zu, um schließlich sicherzustellen, dass er ausreichend melodisch war. Der Baum wurde nur im Winter gefällt, damit er nie umfiel, sondern vorsichtig auf den Boden gesenkt wurde. Dann wählten sie ein Stück vom Kolben für die Geige aus, und der Rest des Stammes wurde als Brennholz verwendet.

Sie sagen, dass die einzig mögliche Form der Geige auf Zehntelmillimeter genau war und jede Abweichung zum Scheitern führte. Man sagt, dass die Geige besonders sorgfältig bearbeitet werden musste, weil sie nicht die geringste Nachlässigkeit verzeihte und sich auf die heimtückischste Weise rächte – sie weigerte sich einfach zu singen. Man sagt, dass eine antike Geige ihren schönen Klang vor allem dem Lack verdankt, mit dem sie beschichtet ist. Nur das Oberhaupt der Geigenbauerfamilie kannte das Geheimnis des Lacks. Er nahm dieses Geheimnis mit ins Grab und wollte es seinen selbstsüchtigen und fleißigen Söhnen nicht verraten. Deshalb, so heißt es, konnten die Söhne nicht mehr die gleichen perfekten Geigen bauen, die ihre Väter hergestellt hatten.

VIOLIN-MUSIK

Der Geigenbau begann in Cremona zur gleichen Zeit wie in Brescia, und der Gründer der Schule von Cremona, Andrea Amati, war sogar älter als Bertolotti und vor allem Magini. Von einer Fortsetzung der Arbeit der Brescianer kann nur deshalb gesprochen werden, weil die Cremoneser die Idee der Geige am besten verkörperten: Der Klang dieses Instruments sollte zum Vorbild der menschlichen Stimme werden. Das bedeutet, dass die Klangfarbe tief, reich, warm und mit vielen Schattierungen sein musste und dass der Charakter des Klangs flexibel sein musste, sodass er sich je nach Wunsch von einem schnellen, rauen Rezitativ bis hin zu feinstem Gesang ändern konnte. Die Geige musste ebenso wie die Stimme in der Lage sein, alle menschlichen Gefühle auszudrücken. Jetzt wissen wir, dass die Meister ihre Pläne brillant umgesetzt haben. Und nicht umsonst gilt die Geige als das vollkommenste Instrument.

Darüber hinaus verfeinerten die Cremoneser das Design der Geige und verliehen der Form eine erstaunliche Eleganz. Manche Schönheitsliebhaber können Stunden damit verbringen, eine antike Geige zu bewundern, die Schönheit dieses Instruments ist so attraktiv. Dies ist das Hauptverdienst von Meistern wie Amati, Stradivari, Guarneri. Und wenn der Klang ihrer Instrumente in Zukunft in der Realität und nicht in hastigen Zeitungsnotizen übertroffen wird, wird die Menschheit die wahren Schöpfer der Geige trotzdem nicht vergessen. Antonio Stradivari lebte und arbeitete ein Jahrhundert später als Andrea Amati. Und dieses Jahrhundert war für die Geige sehr schwierig. Es galt als Jahrmarkts- und Wirtshausinstrument. Violen waren häufiger und sie herrschten Streichmusik. Und wer weiß, wie lange die Geige ein Außenseiter geblieben wäre, wenn es nicht die wunderbaren Interpreten gegeben hätte, die sie schätzten und wählten.

Hier haben Sie sich natürlich an Paganini erinnert. Ja, er war ein brillanter Musiker, der die Techniken des Geigenspiels und der Geigenmusik im Allgemeinen erheblich bereicherte. Aber Paganini schuf bereits in der Blütezeit der Geige; er begann nicht bei Null. Lange vor ihm gab es Arcangelo Corelli, fast so alt wie Stradivari, und Giuseppe Tartini und Jean-Marie Leclerc. Meister schufen Instrumente und Musiker schufen und spielten Musik speziell für dieses Instrument und zeigten, was eine Geige in geschickten Händen leisten kann. Die Geigenmusik war so gekonnt und ausdrucksstark, dass die Gamben ihr nach und nach Platz machten und verschwanden. Der Sieg der Geige ist selbstverständlich, aber es ist schade, dass die Rivalität zwischen den Instrumenten oft nicht in einer Versöhnung, sondern in der völligen Niederlage einer der Parteien endete. Sie versuchen jetzt auch, Viola wiederzubeleben, und anhand ihrer seltenen Auftritte kann man schließen, dass Viola auch in der speziell für sie geschriebenen Musik gut war.

ANNAHMEN ÜBER DEN EINZIGARTIGEN KLANG DER VIOLINE

Na gut, es geht nicht um den Lack, nicht um das Holz, nicht um die genauen Maße, nicht um besondere Pflege. Was dann? Das wissen wir nicht. Aber wir können etwas vermuten. Erinnern wir uns an das berühmte Sprichwort, dass Genie Talent multipliziert mit Arbeit ist. Andrea Amati, der Großvater von Nicolo Amati, wurde im Alter von sieben Jahren Meisterlehrling und baute bereits mit elf Jahren Geigen, die bis heute erhalten sind. Antonio Stradivari begann im Alter von zwölf Jahren mit dem Unterricht bei Nicolo Amati, baute mit dreizehn seine erste Geige und arbeitete dann sein ganzes Leben lang von morgens bis abends. Er starb im Alter von dreiundneunzig Jahren und kurz vor seinem Tod vollendete er seine letzte Geige. Und insgesamt hat er eineinhalbtausend Instrumente gebaut – das ist selbst für ein so langes Leben viel.

Andere Meister schafften weniger, aber sie widmeten auch ihre ganze Zeit der Arbeit. Je mehr Arbeit, desto mehr Erfahrung und Erfahrung trugen dazu bei, die Stimme des Instruments zu formen. Der Resonator eines Saiteninstruments – in diesem Fall der Korpus einer Geige – verstärkt die von der Saite abgestrahlten Frequenzen variabel. Anscheinend wurde diese Eigenschaft des Resonators von den alten Meistern sehr geschickt genutzt: Sie formten die Resonanzböden so geschickt und stimmten sie so fein, dass der Korpus die für die Klangfarbe notwendigen Frequenzen betonte und die unnötigen dämpfte.

In Symphonieorchestern wird häufig die Violine eingesetzt, um das musikalische Hauptthema zu dirigieren. Diese Rolle kann von einer oder mehreren Geigen übernommen werden. Die Solovioline gehört dem ersten Geiger. Übrigens ist es besser, bereits mit vier Jahren mit dem Erlernen des Geigenspiels zu beginnen.

Derzeit gibt es auf dem Musikmarkt mehrere Hauptgrößen von Geigen. Beispielsweise ist eine Geige der Größe 1/16 für die kleinsten Musiker geeignet. Die beliebtesten Größen sind 1/8, 1/4, 1/2, ¾. Typischerweise werden solche Musikinstrumente für Kinder ausgewählt, die bereits damit beschäftigt sind Musikschule oder vor Kurzem mit dem Training begonnen haben. Für den durchschnittlichen Erwachsenen das beste Werkzeug wird eine 4/4-Geige. Es können auch Geigen der Zwischengrößen 1/1 und 7/8 erstellt werden. Allerdings sind sie am wenigsten beliebt.

Es gibt auch drei Hauptkategorien von Geigen: Handwerkergeigen, Fabrikgeigen und Fabrikgeigen. Handwerker nennen handgefertigte Musikinstrumente. Sie werden in der Regel für einen bestimmten Kunden hergestellt und können von Generation zu Generation weitergegeben werden. Die meisten Handwerksgeigen sind in voller Größe.

Bei den Manufakturgeigen handelt es sich um Instrumente vom Anfang des letzten Jahrhunderts. Zwar findet man unter ihnen kaputte und dann restaurierte Instrumente. Daher ist es besser, eine solche Geige von einem Fachmann zu kaufen.

Als Fabrikgeigen werden meist moderne Musikinstrumente bezeichnet, die in verschiedenen Fabriken hergestellt werden. Es stimmt, Geigen dieses Niveaus sind einfach und Budgetoption. Sie werden auf dem Sekundärmarkt keinen Wert haben.

So wählen Sie die richtige Geige aus

Um eine Geige für sich auszuwählen, müssen Sie sie auf Ihre linke Schulter legen und Ihre linke Hand vor sich ausstrecken. In diesem Fall befindet sich der Kopf der Geige in der Mitte der Handfläche des Musikers. Die Finger sollten den Kopf vollständig umschließen. Moderne Verbraucher können zwischen einer klassischen oder elektrischen Geige wählen.

Manche Musiker bevorzugen ausschließlich klassische Geigen, da die elektrische Version des Instruments nicht das Gleiche leisten kann klarer Klang. Außerdem spielen Sinfonieorchester Auf einer elektrischen Geige ist das einfach unmöglich. In Klangfarbe und Tonalität unterscheidet es sich stark von der klassischen Version. Beim Kauf einer Geige sollten Sie sich nicht für das erste Instrument entscheiden, das Ihnen in den Sinn kommt.

Die ersten Geigen erschienen in Frankreich und Italien Anfang des XVI Jahrhundert. Bald wurden sie in ganz Europa hergestellt, aber Italien war berühmt für die besten Geigen, was der Welt herausragende Geigenbauer wie N. Amati, A. Guarneri und A. Stradivari bescherte. Ihre Geigen, die aus gut getrockneten, lackierten Ahorn- und Fichtenplatten gefertigt waren, sangen schöner als die meisten anderen schöne Stimmen. Die von den Händen dieser brillanten Zauberer geschaffenen Instrumente wurden und werden immer noch von herausragenden Geigern auf der Welt gespielt.

Die Geige hat 4 Saiten, von denen jede ihre eigene, einzigartige Klangfarbe hat. Der obere ist brillant und hell, die beiden mittleren haben einen sanfteren poetischen Ton (der dritte ist intensiver, der zweite ist weich) und der untere – der „Bass“ – hat einen Reichtum an Klangfarbe und Kraft. Die technischen Fähigkeiten der Geige sind großartig – sie ist das mobilste und flexibelste Instrument unter den Streichinstrumenten. Die Spieltechniken wurden vor Ort durch die Kunst einzelner Virtuosen verbessert. N. Paganini hat die Fähigkeiten des Instruments speziell entwickelt. In der Folge traten viele wunderbare Geiger auf, aber niemand konnte ihn übertreffen. Und doch gelang es dem Belgier A. Vietan, dem Polen G. Wieniawski, dem Ungarn J. Joachim, dem Spanier P. Sarasate, jeder auf seine Weise, neue Saiten des Geigenherzens zu berühren. Wunderbare Werke für die Violine wurden von A. Vivaldi, J. S. Bach und W. A. ​​​​Mozart, L. Beethoven und J. Brahms, P. I. Tschaikowsky und A. K. Glasunow geschaffen. Und im 20. Jahrhundert faszinierten E. Izan, F. Kreisler, J. Heifitz, I. Menuhin, I. Stern, M. B. Polyakin das Publikum mit ihrer Virtuosität und ihrem farbenfrohen Spiel sowie ihrem Einblick in die Ausdrucksmöglichkeiten der Violine. Ihre Kunst inspirierte Komponisten zum Schreiben neuer Sonaten, Konzerte und Theaterstücke. Die Geige fungiert nicht nur als Soloinstrument – ​​sie spielt durchaus auch in Kammerensembles, Duetten, Trios, Quartetten und anderen Ensembles.

Geigenlehrer:

Zhurnova Tatyana Valentinovna

Ausbildung: Mittlere Berufsausbildung. Belgorodskoe Musikschule, 1976.

Erfolge: Verdienter Kulturarbeiter Russische Föderation(2006), ausgezeichnet mit dem Abzeichen „Für Leistungen in der Kultur“ (2006); Ehrenurkunde der Stadtverwaltung Belgorod (2015); Ehrenurkunde des regionalen Bildungs- und Methodenzentrums. Höher Qualifikationskategorie. Berufserfahrung: 42 Jahre.

Rschewskaja Rimma Iwanowna

Geigenlehrer.

Bildung: Höher. Musikhochschule Belgorod, 1976 Staatliches Pädagogisches Institut Belgorod, benannt nach. M. S. Olminsky, 1983, Spezialität - Russische Sprache und Literatur, Qualifikation - Lehrer für russische Sprache und Literatur und der Titel eines Lehrers.

Erfolge: Ehrenurkunde des Ministeriums für Kultur und Massenkommunikation RF, (2006); Dank des Gouverneurs der Region Belgorod (2017). Höchste Qualifikationskategorie. Berufserfahrung: 42 Jahre.