Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

MBOU DO "Children's Art School No. 2 na pinangalanan. I.P. Grineva" Kursk"

Pag-unlad ng pamamaraan.

Pagsusuri sa kasaysayan ng pag-unlad at pagbuo ng sining ng gitara sa Russia.

Inihanda ni: Sergeeva M. S.

Panimula

Lahat ng hindi ginagawa ng isang tao sa mga araw na ito ay sinasabayan ng musika - sinasamahan tayo nito sa buong buhay natin. Ang mga pambihirang posibilidad ng impluwensya ng musika sa isang tao, sa kanyang mga damdamin at estado ng pag-iisip ay pinag-uusapan sa lahat ng oras. Ang pagpapakilala sa sining ng musika ay nakakatulong sa edukasyon ng moral at aesthetic na damdamin, ang pagbuo ng mga pananaw, paniniwala at espirituwal na pangangailangan. Ang musika ay isang mahalagang paraan ng paghubog ng mga personal na katangian ng isang tao sa kanyang espirituwal na mundo. Panimula sa kultura pamanang musikal nag-aambag sa asimilasyon ng mahalagang kultural na karanasan ng mga henerasyon. Ang pagtugtog ng mga instrumentong pangmusika ay nagpapaunlad ng mga kakayahan sa pag-iisip sa ilang mga paraan: memorya ng musika, lohikal na spatial na pag-iisip; kakayahang maghambing, mag-collate, magsuri, mag-synthesize at mag-generalize. Ang musikal na sining ay nagpapaunlad ng imahinasyon, pag-iisip, aesthetic na damdamin, at moral na katangian ng pagkatao. Ang pagsasagawa ng pagsasanay ay nakakatulong sa pagbuo ng isang pakiramdam ng kasiningan, tiwala sa sarili, at panloob na kalayaan.

Kabilang sa legion ng mga instrumentong pangmusika ng nakaraan at kasalukuyan, ang gitara ay sumasakop sa isang espesyal na lugar. Matapang itong tinahak ang daan-daang taon na landas ng pag-unlad nito, nakaligtas sa mga tagumpay at kabiguan, at ngayon ay naging isa sa mga pinakasikat na instrumento sa ating planeta. Ang gitara ay isang romantiko sa mga instrumentong pangmusika sa saliw nito, ang mga makata ay nagbabasa ng mga tula, ang boses nito ay tila inextricably at harmoniously konektado sa kanila. Umawit sila gamit ang isang gitara sa buong mundo mga sikat na mang-aawit: Chaliapin, Kozlovsky, Obukhova, Shtokolov, ngunit ang mga kanta ay hindi lahat, maaari kang magsagawa ng kumplikado at seryosong musika, na napakahusay na napatunayan ng mga dayuhang gitarista ng internasyonal na klase - sina Maria Luisa Anido, Ida Presti, Julian Brim at isa sa mga namumukod-tanging musikero sa mundo, ang pinakadakilang master ng gitara na si A. Segovia, pati na rin ang mga Russian performers na A.I. Ivanov-Kramskoy, L. Andronov, L. Seletskaya.

Sa mga kamay ng isang master, ang isang gitara ay may kakayahang maghatid ng anumang paggalaw ng mga damdamin ng tao sa mga tunog nito ay maaari mong marinig ang alinman sa isang banayad na plauta, o ang makinis na boses ng isang cello, o ang tremolo ng isang mandolin. Iba-iba ang papel ng gitara. Ito rin ay isang natatanging solong instrumento - ang gitara ay tumutugtog ng mahusay na mga transkripsyon ng mga gawa nina Bach, Haydn, Mozart, Albeniz, at Granados. Sa paglipas ng limang daang taon, ang sarili nitong malawak na panitikan ay naisulat.

Ang patuloy na ebolusyon ng musika ay nauugnay sa pag-unlad ng pagganap ng teknolohiya, at ang bawat panahon ay tumutugma sa isang tiyak na antas ng pag-unlad nito. Sa kanilang pataas na paggalaw, pinapanatili o sinisira ng mga bagong pamamaraan ang mga prinsipyong umiiral noon. Ang bawat hakbang sa kasaysayan ng pag-unlad ng gitara ay nagpayaman sa pamamaraan na may mga bagong pagtuklas na nagpalawak ng mga kakayahan nito. Ang bawat natitirang master ng panahon ay nag-iwan ng mga bakas ng kanyang talento, at ang oras ay nag-ingat sa pagpili ng mga diskarte na humahantong sa pagiging perpekto.

Ang mga pundasyon ng sining ng pagtugtog ng apat at limang kuwerdas na gitara ay inilatag ng mga musikero ng Espanyol, Italyano at PransesXVI – XVIImga siglo – Fuengliana, Mudarra, Valdebarrano, Amat at Sanz, Fosparini, Corbetta at Ronnalli, de Wiese. Sa wakas, si F. Tárrega, na naunawaan ang masining at teknikal na mga gawain sa kanyang panahon, ay naghagis sa larangan ng kanyang romantikong pagkamalikhain ng butil na nakatakdang magbunga sa modernong panahon.

Gitara sa Russia.

Ang hitsura ng gitara sa Russia ay nagsimula nang humigit-kumulang sa gitnaXVIIsiglo. Ipinakilala ito ng mga naglilibot na artistang Italyano at Pranses. Ang pagkalat ng gitara sa pinakamataas na bilog ng lipunang Ruso ay pinadali hindi lamang ng mga gitarista, kundi pati na rin ng mga mang-aawit na ginamit ito bilang isang portable na kasamang instrumento.

Sa duloXVIII – XIXmga siglo Hindi lamang mga aristokrata ang mahilig tumugtog ng gitara. Ang mga propesyonal na musikero na si I.E. Khandoshkin (1747 - 1804), A.D. Zhilin (1766 - 1849). Dapat pansinin na, kasama ang anim na string na gitara, isang pitong string na gitara ay nagsimulang umiral sa Russia, at sa pagpapakilala ng tuningG- dur, nakakuha ito ng dominanteng posisyon, natatanggap ang pangalang "Russian guitar" at sa pag-apruba nito, nagsimulang umunlad ang sining ng gitara sa Russia sa mga paraan maliban sa Kanluran.

Isa sa mga tagapagtatag ng paaralang Ruso ng paglalaro ng pito string na gitara ay Andrei Osipovich Sihra (1773-1850) - birtuoso na gitarista, mahuhusay na kompositor. Nagawa niya at ng kanyang mga mag-aaral ang paglipat sa gitara mula sa tradisyong European tungo sa pambansang wika ng Russia at katutubong awit.

Sa kanyang kabataan, gumanap siya sa mga konsyerto bilang isang alpa at tumugtog ng anim na kuwerdas na gitara. Noong 1801, lumipat ang musikero sa Moscow, kung saan nagsimula siyang lumikha ng isang repertoire para sa pitong string na gitara at mag-aral kasama ang kanyang mga unang estudyante. Si Sihra ay hindi lamang isang may talento, kundi isang mataas na pinag-aralan na musikero. Siya ay lubos na pinahahalagahan ni M. Glinka, A. Dargomyzhsky, A. Varlamov, A. Dubuk, D. Field at marami pang ibang figure ng kulturang Ruso. Sa kanyang mga mag-aaral, ang pinakasikat ay S. Aksenov, N. Alexandrov, V. Morkov, V. Sarenko, V. Svintsov.

Ang pagkakaroon ng batay sa kanyang pagtuturo sa gitara sa pagsasanay ng pagtugtog ng alpa, si Sihra ay hindi naglagay ng napakalaking pangangailangan sa gitara sa mga tuntunin ng malambing na tono. Sa bagay na ito at sa katumpakan ng pagpaparami ng musika, ang kanyang direksyon ay maaaring tawaging "akademiko". Sumulat si Sihra ng maraming piraso para sa gitara, at noong 1802 nagsimula siyang maglathala ng “Journal pour la quitare a sept cordes” (“Journal for the seven-string guitar”) sa Moscow.

Ang resulta ng limampung taong karanasan sa pagtuturo ni Sihra ay ang "Theoretical and Practical School for the Seven-String Guitar", na nakatuon sa kanyang mag-aaral na si V. I. Morkov.

Ang agarang pagkilala sa Paaralan ay lubhang nakakabigo, dahil hindi ito nagbubunyag positibong aspeto kanyang pedagogical na pamamaraan. Siya ay isang mahusay na guro at practitioner, ngunit isang mahinang metodologo, dahil sa kabila ng ilang mga muling edisyon, ang Paaralan ay hindi nakatanggap ng malawak na pagkilala.

Ang paaralan ay binubuo ng tatlong bahagi. Ang una, "Sa Mga Panuntunan ng Musika sa Pangkalahatan," ay kaunti lamang ang pagkakaiba sa mga manwal ng metodolohikal na karaniwan noong panahong iyon. Ang pangalawa, pinakamahalagang bahagi ay nagsasalita tungkol sa mga kaliskis at chord, na nagpapahiwatig ng tamang pagfinger at isinasaalang-alang ang mga espesyal na kaso. Ang ikatlong bahagi ay naglalaman ng mga dula ng mga mag-aaral ni Sihra na iminungkahi para sa pag-aaral.

Pangunahing kawalan Mga Paaralan - sa kawalan ng pagkakasunod-sunod sa pagkuha ng mga kasanayan sa pagtugtog ng isang instrumento. Ang paaralan ay pangunahing nakatuon sa guro nang walang wastong patnubay, ito ay halos walang silbi para sa isang baguhan. Ang maliit na atensyon ay binabayaran sa Paaralan sa pagpapaunlad ng mga teknikal na kasanayan. Naka-attach artistikong repertoire maaaring maisama sa anumang iba pang koleksyon na walang gaanong tagumpay.

Ang isa pang pangunahing tagataguyod ng gitara ay ang Czech guitarist at kompositor na si Ignatius von Geld, ang may-akda ng mga paaralan para sa pitong-kuwerdas at anim na kuwerdas na mga gitara, na inilathala noong 1812. Ang kahalagahan ng gawa ni Held para sa mga gitaristang Ruso at, lalo na, ang kanyang "School of Playing the Seven-String Guitar" ay napatunayan ng mga sumusunod. Noong 1819, ang isa sa mga pinaka mahuhusay na mag-aaral ng Sihra, S.N. Aksyonov, ay naglathala ng mga bagong pamamaraan na natagpuan niya sa pagtugtog ng gitara, ang isa sa mga pamamaraan na ito ay ang pagkuha ng mga artipisyal na harmonika, na hindi pa ginagamit sa Russia hanggang sa panahong iyon, kinuha niya ang Paaralan bilang batayan ng kanyang pamumuno na si Gelda, at hindi ito mangyayari kung ang istruktura at pamamaraan ni Gelda ay hindi naaayon sa mga pamamaraan na ginamit nina Aksenov at Sihra.

Mula dito ay sumusunod, sumusunod na nagsimula ang mga gitaristang RusoXIXsiglo ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng mga patnubay na pamamaraan ni Held.

Ang isang buong panahon sa sining ng gitara ay nauugnay sa gawain ni Mikhail Timofeevich Vysotsky (1791-1837), isang self-taught na gitarista na kalaunan ay naging isang birtuoso at kompositor.Nakumpleto niya ang pagtatatag ng pitong-kuwerdas na gitara bilang isang instrumentong katutubong Ruso, at bilang isang tahasang hamon sa tradisyon ng Kanlurang Europa.At ni Sor o Giuliani ay hindi nagawang pangunahan ang mga Russian guitarist palayo sa kanilang napiling landas.

Si Vysotsky ay mahilig sa mga klasiko, lalo na si Bach, na ang mga fugues ay sinubukan niyang ayusin para sa gitara, na nag-ambag sa kabigatan at maharlika ng estilo ng kanyang mga gawa sa gitara. Siya ang unang Russian guitarist na gumamit ng counterpoint. Napakalaki ng kanyang malikhaing pamana - mga isang daang dula. Kabilang sa kanyang mga gawa ay mayroon ding isang maliit (24 na pahina) "Praktikal at teoretikal na paaralan ng pagtugtog para sa gitara" (1836), na inilathala sa ilang sandali bago ang kamatayan ng may-akda, na ngayon ay walang halaga.

Ang husay ni Vysotsky ay pinakamalinaw na makikita sa kanyang mga pagkakaiba-iba ng kanta. Ang pinakamahusay na mga sinaunang at kontemporaryong kanta ay makikita sa kanyang interpretasyon sa paraang hindi matagpuan kahit sa mga gawa ng kanyang mga kontemporaryo, mas malakas at mas marunong sa musikang mga kompositor.

Dito hindi natin mabibigo na banggitin si N.P. Makarov (1810-1890), isang sikat na gitarista ng konsiyerto ng Russia na maraming ginawa para sa pag-unlad ng sining ng gitara. Naging interesado si Makarov sa gitara sa edad na 28. Sa kanyang pananatili sa akademya ng militar sa Warsaw, natuto siyang tumugtog ng 6-string (“Spanish”) na gitara, at, nagsasanay ng sampu hanggang labindalawang oras araw-araw, nakamit niya ang makabuluhang teknikal na tagumpay.

Noong 1852, naglakbay si Makarov sa ibang bansa, kung saan nakilala niya ang pinakamalaking gitarista sa Europa: Tsani di Ferranti, M. Carcassi, N. Cost, J. K. Mertz, at tagagawa ng gitara na si I. Scherzer.
Noong 1856, sinubukan niyang ayusin ang isang All-Russian na kumpetisyon ng mga gitarista, mga kompositor na nagsusulat para sa gitara, pati na rin ang mga craftsmen na gumagawa ng mga instrumentong ito, ngunit ang inisyatiba ay hindi nakahanap ng malawak na suporta sa Russia. Nagawa ni Makarov ang kanyang hangarin sa ibang bansa lamang, sa kabisera ng Belgium Brussels, kung saan noong 1856 nakapasa ako Internasyonal na kumpetisyon para sa pinakamahusay na komposisyon para sa gitara at pinakamahusay na tool. Si Makarov mismo ay gumanap sa kumpetisyon na may mahusay na tagumpay bilang isang soloista.

Sumulat siya ng ilang mga libro tungkol sa gitara, lalo na ang brochure na "Ilang panuntunan para sa advanced na pagtugtog ng gitara." Ito, bilang karagdagan sa panimulang artikulo kung saan ipinahayag ng may-akda ang kanyang saloobin sa estado ng sining ng gitara sa Kanluran at sa Russia, ay naglalaman ng siyam na panuntunan tungkol sa pamamaraan ng gitara.

Sa kanila si Makarov ay nanirahan sa mga isyu ng fingering, ibig sabihin kanang kamay(gamit ang maliit na daliri), nagsasagawa ng trill (na may apat na daliri sa dalawang string), atbp. Ang ilang mga pagsasaalang-alang na ipinahayag ni Makarov ay interesado pa rin sa pagtugtog ng mga gitarista.

Noong dekada kwarentaXIXsiglo sa Russia, tulad ng sa Europa, nagsimula ang isang mahabang panahon ng pagtanggi sa sining ng gitara. Hindi lamang ang mga aktibidad ni Makarov, kundi pati na rin ang mga konsyerto ng mas makabuluhang musikero - mga gitarista sa ikalawang kalahatiXIXsiglo ay hindi nakatanggap ng pampublikong resonance. Dahil sa medyo tahimik na tunog, ang kakulangan ng repertoire - pagkatapos ng lahat, wala sa mga pangunahing kompositor ng Russia ang bumubuo ng isang solong piraso para sa gitara, kahit na ang instrumento na ito ay napaboran nina Glinka at Tchaikovsky. Ang gitara ay idineklara na isang instrumento na hindi angkop para sa paggamit sa mga bulwagan ng konsiyerto. Ang pedagogy ng gitara ay hindi rin abot sa par. Ito ay kagiliw-giliw na tandaan na ang isa sa mga pinaka-seryosong pagtatangka upang dalhin ang pag-aaral ng gitara sa tamang antas ay nagaganap sa Kursk. Doon, sa mga klase ng musika ng Russian Musical Society, bubukas ito sa sanction ni A.G. Rubinstein klase ng seven-string na gitara. Ang mga klase ay isinagawa, nang walang bayad, ng guro ng wikang Aleman, amateur guitarist na si Yu.M. Stockmann. Ngunit sa lalong madaling panahon, dahil sa kawalan ng interes sa mga mag-aaral, ang klase ng gitara ay tumigil na umiral. Kung hindi, ang pagtuturo ng pagtugtog ng gitara ay nasa mga kamay ng mga pribadong indibidwal, kadalasang ganap na hindi marunong bumasa at sumulat sa musika. Ito ay makikita sa mga manu-manong pagtuturo sa sarili noong panahong iyon, na ginawa sa maraming dami at puro komersyal ang kalikasan. Gumamit sila ng surrogate para sa musical notation—nagpe-play sa isang digital system. Ang application ay binubuo ng mga hindi marunong bumasa at sumulat na mga transkripsyon ng pinakasikat at sa halip ay bulgar na mga motibo. Malaki ang pagkakaiba ng dalawang paaralan sa kanila - "School - self-instruction manual for six-string guitar" ni I.F. Dekker-Schenk (1825-1899) at “School for the seven-string guitar” ni A.P. Solovyov (1856-1911). Ang paaralan ni Solovyov ay ang pinakamahusay na tulong sa pagtuturo noong panahong iyon.

Ang mga mag-aaral ni Solovyov ay si Valerian Rusanov (1866-1918), isang historiographer ng gitara na nag-publish ng isang serye ng mga makasaysayang sanaysay na pinamagatang "Guitar and Guitarists", at noong 1901 ay nagsimulang mag-publish ng magazine na "Guitarist", na, kahit na may mahabang pagkagambala, ay patuloy na nai-publish hanggang ngayon. Sa kasamaang palad, si Rusanov ay may kinikilingan sa anim na string na gitara, na minamaliit ang mga merito nito, ngunit ang kanyang mga aktibidad ay hindi napapansin. Sa mahirap na oras na iyon, marami siyang ginawa sa pagtataguyod ng pangangailangan para sa mga gitarista na maging marunong sa musika at magkaroon ng seryosong saloobin sa instrumento at sa mga gawang pangmusika na isinagawa dito. Ang bagong pamumulaklak ng sining ng pagtugtog ng gitara ay nauugnay sa Rebolusyong Oktubre. Totoo, sa mga unang taon pagkatapos nito, ang gitara bilang isang solong instrumento ay hindi nakakaakit ng maraming pansin, ang pagsasanay dito sa mga paaralan ng musika ay hindi naganap dahil sa "pagkawalang-hiya" ng instrumento, at ang mga aktibidad ng pinakamalaking gitarista ay hindi organisado. at higit sa lahat sa malalayong lugar. Ang pinakasikat na gitara noong panahong iyon ay ang seven-string guitar. Ngunit gayunpaman, ang mga gitarista na naging interesado sa anim na string na gitara at ang panitikan nito kahit na sa mga pre-rebolusyonaryong taon ay nagsimulang magbigay ng kagustuhan sa partikular na instrumento na ito. Lalo itong pinadali ng mga paglilibot ni Segovia noong 1926, 1927, 1935 at 1936. Ang repertoire na isinagawa ni Segovia, ang kanyang mga diskarte sa paglalaro at istilo ng pagganap ay naging mapagpasyahan sa pagbuo ng sining ng gitara sa USSR. Maraming mga guro at gitarista ng Sobyet noong panahong iyon, na naglatag ng pundasyon para sa paaralang Sobyet ng klasikal na gitara, ay nasa ilalim ng malakas na impluwensya ng master na ito.

At si P.S. Agafoshin (1874-1950), isang kahanga-hangang Russian guitarist, isa sa mga unang guro ng anim na string na gitara. Sa una ay tumugtog ng pitong-kuwerdas na gitara, pinahusay ni Pyotr Agafoshin ang kanyang pagtugtog ng kanyang paboritong instrumento sa kanyang sarili, pagkatapos lamang lumipat sa Moscow ay paminsan-minsan niyang ginagamit ang payo ng mga guro, na kung saan ay si V. Rusanov. Lumahok bilang isang performer sa maraming mga konsiyerto. Sinamahan ng mga natitirang mang-aawit F. Chaliapin, D. Smirnov, T. Ruffo. Pagkilala pagtatanghal ng sining Nakatanggap si Agafoshin ng imbitasyon na lumahok sa opera ng Massenet na "Don Quixote" sa Bolshoi Theater noong 1916.

Ang pagpupulong kay Solovyov ay naghihikayat sa kanya na tingnang mabuti ang anim na string na gitara at subukang pag-aralan ito nang mag-isa. Sa patnubay ng paaralan, mabilis na pinagkadalubhasaan ni Carcassi ang anim na kuwerdas na gitara, at pagkatapos na makilala si Segovia, tuluyan na niyang tinalikuran ang pitong kuwerdas.

Ang pagpupulong noong 1926 kay Segovia ay nagbigay inspirasyon kay Agafoshin. Hindi niya pinalampas ang isang konsiyerto ng Espanyol na artista at nakilala siya nang personal. "Pagkatapos ng pag-alis ni Segovia," isinulat ni Agafoshin, "agad kong inayos ang aking sarili, ginawa ang mga kinakailangang pagsasaayos sa aking mga diskarte sa pagtatanghal at paglalaro Sa susunod na pagbisita niya noong tagsibol ng 1927, ang aking kalagayan ay naging mas balanse, dahil sa oras na ito ay nagawa ko na. isang bagay na pinagkadalubhasaan, ang aking mga karagdagang obserbasyon sa kanyang paglalaro ay higit na produktibo;

Ang isang taon ng masinsinang pagsasanay ay nagbunga ng mga nakikitang resulta. Noong 1927, muling naglaro si Agafoshin ng Segovia. Nangyari ito sa studio ng artist na si P.P. Konchalovsky. Inaalala ang pulong na ito, isinulat ni Konchalovsky na tinawag ni Segovia si Agafoshin na "pinakamahusay na gitarista ng Moscow."

P.S. Si Agafoshin ay nagtrabaho nang higit sa 40 taon bilang isang orkestra artist sa State Maly Theatre. Noong 1930-1950 nagturo siya ng kursong gitara sa Music College na pinangalanan. Rebolusyong Oktubre at ang Moscow State Conservatory. Maraming mga sikat na gitarista ng Sobyet ang kanyang mga mag-aaral (A. Ivanov-Kramskoy, I. Kuznetsov, E. Makeeva, Yu. Mikheev, A. Kabanikhin, A. Lobikov at iba pa).

P.S. Pagmamay-ari ni Agafoshin ang aklat na "Bago Tungkol sa Guitar," na inilathala noong 1928, na isinulat sa ilalim ng sariwang impresyon ng pakikipag-usap sa sining ng pambihirang A. Segovia, at ang sikat na "School of Playing the Six-String Guitar," na batay sa A. Mga seminar ni Segovia.

1. Ang isang mag-aaral sa kurso ng kanyang pag-aaral sa "School" ay dapat dumaan sa mga pangunahing yugto na ang gitara mismo ay dumaan sa kanyang makasaysayang pag-unlad. Ibig sabihin, dapat ay pamilyar siya sa mga teknik at gawa ng mga gitarista ng iba't ibang istilo at panahon.

2. Dapat matuto ang mag-aaral na tumugtog ng gitara sa pagsasanay, iyon ay, ang pagkuha ng kinakailangang kaalaman at mga kasanayan sa paglalaro hindi sa tuyong materyal na pang-edukasyon tulad ng mga pagsasanay at etudes, ngunit sa mahusay na napiling mataas na masining na materyal na naglilinang ng panlasa at nagdadala ng praktikal at teknikal na kasanayan din aesthetic kasiyahan.

3. Ang pangunahing kahulugan ng pagkakaroon ng gitara, ayon sa may-akda, ay nakasalalay sa liriko, katapatan, kadalisayan at kagandahan ng mga tunog na nililikha nito. Anumang pagpilit ng tunog o bravura ay alien sa gitara.

Tinutukoy ng mga prinsipyong ito ng buhay at pedagogical ang pagpili ng may-akda ng materyal na nilayon para sa "Paaralan" at ang kaukulang pagganap na diskarte dito.

Kasama rin sa mga tampok ng "Paaralan" ang pag-unlad at systematization ng harmonic na paraan ng gitara, pagsasagawa ng lahat ng pag-aaral sa mataas na artistikong materyal, pag-uugnay sa teoretikal na bahagi (ang mga batayan ng pagkakaisa) sa praktikal, na nagpapakita ng mga kakayahan ng gitara bilang isang kasamang instrumento.

Sa pagitan ng 1930 at 1950, inilathala ni Agafoshin ang higit sa sampung mga koleksyon ng mga dula ng anim na string na mga klasiko ng gitara at anim na mga album ng kanyang sariling mga transkripsyon at komposisyon. Para sa kanyang kontribusyon sa pag-unlad ng kultura ng pagtugtog ng anim na string na gitara, pagsasanay sa mga propesyonal na gitarista, performer at guro, siya ay iginawad sa Order of the Badge of Honor at dalawang medalya.

Kasabay nito, nagsimulang ituro ang gitara sa mga paaralan ng musika at mga teknikal na paaralan. Ang mga nagawa ng Soviet guitar pedagogy noong panahong iyon ay makikita sa nai-publish na panitikan ng gitara. Ang mga piyesa ng gitara ay nagsimulang likhain ng mga propesyonal na kompositor. Ang kompositor at akademya na si B.V. ay nagpakita ng kanyang sarili nang higit na makabuluhan sa bagay na ito. Asafiev (1884-1949).

Sa mga gitarista ng Sobyet sa mga taon pagkatapos ng digmaan, ang pinakadakilang malikhaing tagumpay ay nakamit ni A. M. Ivanov-Kramskoy (1912–1973), isang namumukod-tanging Russian Soviet guitarist, kompositor, konduktor, guro, isa sa ilang mga Sobyet na gitarista na ginawaran ng titulong Pinarangalan na Artist ng RSFSR (1959). Nag-aral siya sa October Revolution Music College kasama si P. S. Agafoshin, pagkatapos ay sa Moscow Conservatory. Malaki ang papel niya sa pagbuo ng anim na string na gitara sa Russia. Siya ay gumanap bilang isang soloista at sa isang ensemble kasama ang mga mang-aawit (N.A. Obukhova, I.S. Kozlovsky). Mula noong 1932 nagtrabaho siya sa All-Union Radio. Noong 1939 nakatanggap siya ng 2nd prize sa All-Union Competition of Folk Instrument Performers. Noong 1939–45 conductor ng Song and Dance Ensemble ng NKVD ng USSR. Noong 1947–52, konduktor ng Russian katutubong koro at ang All-Union Radio Folk Instruments Orchestra.

Ang mga gawa ng gitara ni Ivanov-Kramsky (kabilang ang dalawang konsyerto para sa gitara at orkestra) ay napakapopular sa mga gitarista.

"School of playing the six-string guitar" (1957) A.M. Ang Ivanov-Kramsky ay binubuo ng dalawang bahagi. Ang unang bahagi ay "Musical theoretical information and practical mastery of the instrument." Mayroon itong apat na seksyon, kabilang ang isang maikling pagpapakilala sa kasaysayan ng gitara at teorya ng musika, pati na rin ang mga pagsasanay na kinakailangan upang makabisado ang instrumento. Ang pagiging kumplikado ng mga teoretikal na konsepto at pagsasanay sa musika ay unti-unting tumataas mula sa bawat seksyon. Ang ikalawang bahagi ay "Repertoire Appendix". Kabilang dito ang mga sikat na gawa ng mga kompositor ng Sobyet, Ruso at dayuhan, mga pagsasaayos ng katutubong musika, mga etude sa isang pagtatanghal na magagamit ng mga mag-aaral.

Ang aktibidad ng pedagogical ng A. M. Ivanov-Kramsky ay naganap sa Academic Music School sa Moscow Conservatory, kung saan mula 1960 hanggang 1973 pinamunuan niya ang klase ng gitara, naghahanda ng maraming mahuhusay na musikero. Gayunpaman, ang pagtuturo ay isinasagawa sa antas ng gawaing bilog sa mga club. Ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na, sa mga tagubilin ng I.V. Stalin, ang pagtuturo ng akurdyon, gitara at saxophone sa mga paaralan ng musika, bilang pro-Western, burges na mga instrumento, ay ipinagbabawal. Pagkatapos lamang ng pagkamatay ng "pinuno ng mga tao", sa ilalim ng pampublikong presyon, ang mga klasikal na klase ng gitara ay binuksan sa kabisera at Leningrad, kahit na walang malawak na publisidad. Nangyari ito noong 1960. Sa Moscow, isang pitong string na klase ng gitara ang binuksan sa State Musical Pedagogical School na pinangalanan. Gnesins (mga guro L. Menro at E. Rusanov) at anim na string - sa paaralan sa conservatory (guro A. Ivanov-Kramskoy).

Si Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy ay isang kilalang musikal at pampublikong pigura na itinalaga ang lahat ng kanyang lakas sa pagtataguyod ng sining ng gitara. Matapos ang maraming taon ng pagkalimot, salamat sa isang natatanging tagapalabas at guro, ang gitara ay muling nakuha ang katayuan ng isang propesyonal na instrumento ng konsiyerto at nagsimulang ituro sa pangalawa at mas mataas na mga institusyong pangmusika ng bansa. Sa memorya ng musikero, ginanap ang mga festival ng musika ng gitara ng Moscow na pinangalanang A.M. Ivanov-Kramsky.

Ang continuator ng mga tradisyon ng seven-string na gitara ay si Sergei Dmitrievich Orekhov (1935-1998), isa sa pinakamahusay na Russian guitarist, isang seven-string player (mahusay sa isang anim na string na gitara, ngunit hindi gumaganap sa publiko dito). Pinagsama niya ang galing ng isang improviser, performer at composer. Marami siyang ginawa upang lumikha ng repertoire ng pambansang gitara ng Russia. May-akda ng maraming mga pagsasaayos para sa gitara ng mga katutubong kanta at romansa ng Russia. Una ay nagsimula siyang mag-aral ng gitara sa kanyang sarili, at pagkatapos ay kumuha ng mga pribadong aralin mula sa gitarista na si V.M. Kuznetsov (1987-1953), na sa isang pagkakataon ay sumulat ng aklat na "Pagsusuri ng pag-tune ng anim at pitong string na gitara" (M., 1935), at kung saan nag-aral ang maraming mga gitarista sa Moscow. Pagkatapos maglingkod sa hukbo, sumali siya sa tagapalabas ng mga gypsy romances at kanta, si Raisa Zhemchuzhnaya. Pagkatapos nito ay gumanap siya kasama ang kanyang asawa, tagapalabas ng mga sinaunang romansa, mga kanta ng gypsy at romansa na si Nadezhda Tishininova. Sa loob ng ilang oras ay nagtrabaho siya kasama si Alexey Perfilyev sa gypsy jazz ensemble ng violinist at mang-aawit na si Nikolai Erdenko, at pagkatapos ay inayos ang kanyang sariling gitara duet kasama si A. Perfilyev (6-string guitar). Sumulat din siya ng maraming mga pagsasaayos para sa anim na string na gitara (sa partikular, ang mga romansa na "Huwag gisingin ang mga alaala", "Ang mga umiiyak na wilow ay natutulog" at "Mga Krisantemo"). Dahil sa lumalagong katanyagan ng anim na string na gitara, pinlano kong ilipat ang buong pangunahing Russian repertoire ng pitong string na gitara dito.

Sa buong buhay niya, si Sergei Orekhov ay nanatiling tapat sa Russian guitar at labis na nag-aalala na nagsimula itong mawala ang posisyon nito sa Russia: "Hindi ko akalain," sabi niya, "na ang anim na string na gitara ay mananakop sa Russia ang gitara ay napakapopular; ito ay isang militar, pampanitikan na gitara ... Kunin ang anumang strata ng lipunan: ang pitong-kuwerdas na gitara ay isang katutubong instrumento kung saan nauugnay ang mga Ruso.

Ang landas ni Orekhov ay ipinagpatuloy ng gitarista ng Moscow na si Anastasia Bardina, na ang repertoire ay perpektong pinagsama ang mga gawa nina Sihra at Vysotsky, sa mga gawa nina Tarrega, Albeniz, at Granados. Ang kakaiba ng kanyang trabaho ay nakasalalay sa katotohanan na siya ay pantay na mahusay sa parehong anim at pitong string na gitara, pati na rin ang GRAN na gitara (ang gitara na ito ay tatalakayin sa ibang pagkakataon). Sa panahon ng pagganap ng mga gawa, binago ni Anastasia Bardina ang pag-tune ng gitara mula anim hanggang pitong string at vice versa. Ang mga istilong ginagampanan niya ay ibang-iba: mula sa klasikal, romantiko hanggang jazz. Sa kasamaang-palad, ngayon si Bardina ang tanging natitirang performer sa seven-string guitar.

Sinusubukang palawakin pa ang puro kakayahan sa pagganap, gumagawa din ang mga musikero at tagagawa ng gitara sa mga bagong solusyon sa disenyo. Ang isa sa mga pagpapaunlad na ito ay ang domestic guitar - GRAN (binuo nina Vladimir Ustinov at Anatoly Olshansky at nangangahulugang - Russian Acoustic New Guitar), pinagsasama ang 6 na nylon string at 6 na metal, na matatagpuan sa iba't ibang antas. (nga pala, itong gitara na ito ay may patent para sa imbensyon). Ang gitarista ay may kakayahang gumawa ng tunog sa parehong nylon at metal na mga string, na lumilikha ng pakiramdam ng pagtugtog ng dalawang gitara. Nakakahiya na ang gitara na ito ay mas kilala sa Kanluran kaysa sa Russia. Tinutugtog sila ng mga gitarista tulad nina Paul McCartney, Carlos Santana at marami pang iba.

Ang kahalili sa mga tradisyon ng klasikal na anim na string na gitara pagkatapos ni Ivanov-Kramsky ay ang kanyang anak na babae na si N.A. Ivanova - Kramskaya. Ang pagkakaroon ng pagpapalaki ng isang pangunahing tagapalabas bilang A.K. Si Frauchi ay isa sa mga pinakamahusay na Russian classical guitarist at performers. Ngayon siya ay isang Pinarangalan na Artist ng Russia, guro ng musika, propesor Russian Academy musika (dating Gnesins Musical and Pedagogical Institute) sa Moscow.

Nag-aral siya sa Central Music School sa Conservatory. Tchaikovsky sa Moscow sa klase ng N.A. Ivanova-Kramskaya at sa Conservatory. Mussorgsky sa Sverdlovsk kasama si G. Mineev. Noong 1979 nanalo siya ng unang premyo sa pambansang kumpetisyon ng musika ng mga performer sa Leningrad, at noong 1986 - unang premyo sa International Guitar Competition sa Havana (Cuba). Ginanap na may solong konsiyerto at nagturo ng mga master class sa Germany, France, Belgium, Great Britain, USA, Austria, Italy, Yugoslavia, Poland, Cuba, Hungary, Czech Republic, Bulgaria, Turkey at Greece.
"Si Alexander Frautschi ay gumawa at gumagawa ng isang napakahalagang kontribusyon sa pag-unlad ng Russian classical na gitara. Marami sa pinakamahusay na Russian guitarist ay mga mag-aaral ni Alexander Kamillovich. Ang Frautschi ay may mahusay na panlasa, malalim, magandang tono, pagmamahal sa bawat parirala. Sa sikat Ang English magazine na "Classical guitar" ay pinangalanan siyang Russian na apo ng Segovia." [Evgeniy Finkelshtein]

Dapat din nating pag-usapan ang tungkol sa mga kompositor ng katapusanXXsiglo:

Sergei Rudnev (ipinanganak noong 1955), gitarista-performer at kompositor, may-akda ng mga orihinal na piraso para sa gitara, na ginanap ng mga sikat na gitarista tulad nina Nikita Koshkin, Vladimir Mikulka, Yuri Nugmanov. Kilala sa kanyang pag-aayos ng gitara ng mga awiting katutubong Ruso.

Nagtapos si Sergei Rudnev sa Tula Music College na may degree sa button accordion at balalaika. Nag-aral siya ng gitara sa kanyang sarili at kumuha ng mga pribadong aralin sa Moscow mula sa V. Slavsky at P. Panin. Sinasamantala ang mga imbitasyon sa iba't ibang mga festival ng gitara at jazz music, nakatuon siya sa pagbuo ng kanyang sariling istilo ng pagtugtog. Noong 1982, naitatag na niya ang kanyang sarili bilang isang propesyonal na gitarista. Naging kalahok sa world festival sa Colmar (France). Pagkatapos ay nagkaroon ng panahon ng paglilibot sa Poland, Hungary, Israel, Australia at Spain. Nagtrabaho siya bilang isang arranger at accompanist para kay Alexander Malinin. Noong 1991, pagkatapos ng isang pagtatanghal sa Hall of Columns (Moscow), nakatanggap siya ng alok na magtanghal sa Amerika at i-publish ang kanyang mga komposisyon para sa gitara doon. Noong 1995 nagturo siya ng klase ng gitara sa Tarragona Conservatory (Spain). Sa kasalukuyan ay naghahanda siya ng isang research paper sa paksang "Russian style of playing the classical guitar." Ang telebisyon sa Russia ay gumawa ng dalawang musikal na pelikula tungkol kay Sergei Rudnev. SA mga programa sa konsiyerto- gawa ng mga dayuhan at Ruso na kompositor. Ang isang disc sa pagganap ng may-akda ng Russian folk music sa klasikal na gitara ay inihahanda para sa pagpapalabas.
Si Sergei Rudnev mismo ay nagpapakilala sa kanyang trabaho sa ganitong paraan: "...Nais kong lumikha ng mga ganap na komposisyon para sa gitara batay sa mga sikat na katutubong kanta, gamit ang mga pamamaraan ng alamat at klasikal na pag-unlad Ang proseso ng pagsira sa tradisyonal na paraan ng pamumuhay sa ating panahon ay hindi na maibabalik, samakatuwid imposible, at marahil ay hindi kinakailangan na ibalik ang tradisyonal na mga kondisyon ng pagkakaroon ng katutubong musikal na alamat. ang masining na imahe upang makita ang isang pulutong sa isang maliit na bagay, isang lawa sa isang patak, ito ang aking mga prinsipyo kapag nagtatrabaho sa mga materyales sa alamat Kasabay nito, ang pinakamahalagang gawain ay ipakita ang mga kakayahan ng gitara, ang buong palette ng pag-record ng gitara, gamit ang parehong mga pamamaraan ng katutubong gumaganap at ang mga tagumpay ng modernong teknolohiya ng gitara..."

Koshkin Nikita Arnoldovich, Russian kompositor at gitarista. Ipinanganak sa Moscow noong Pebrero 28, 1956. Dumating ako sa klasikal na gitara sa pamamagitan ng aking pagkahilig sa musikang rock. SA mga taon ng paaralan Nagsimula akong mag-aral ng gitara nang mag-isa, at kasama ang aking mga kaibigan, nag-organisa ako ng isang ensemble sa paaralan. Pagkatapos ng dalawang taon ng pag-aaral sa isang music school, ipinagpatuloy niya ang pag-aaral ng gitara at komposisyon sa Music College. Rebolusyong Oktubre. Ang kanyang guro sa gitara noong panahong iyon ay si Georgy Ivanovich Yemanov. Matapos makapagtapos ng kolehiyo, nagtrabaho siya ng tatlong taon sa isang paaralan ng musika, kung saan siya mismo ay nagsimulang mag-aral ng musika. Sa Music Institute na pinangalanan. Ang Gnesins ay pumasok lamang sa ikalawang pagtatangka noong 1980 (klase ni Alexander Frauchi).

Pagkatapos ng kolehiyo ay bumalik siya sa paaralan, ngunit bilang isang guro. Kasalukuyang nagtatrabaho sa Moscow State Classical Academy na pinangalanan. Maimonides.

Binubuo niya ang kanyang unang piyesa sa sandaling nagsimula siyang mag-navigate sa mga tala, ayon sa mismong musikero, hindi na niya pinaghiwalay ang kanyang pag-aaral ng komposisyon at gitara, at sa kanyang konsepto ay palaging magkakaugnay. Si Nikita Koshkin ay seryosong naniniwala sa kanyang mga kakayahan bilang isang kompositor pagkatapos ng unang pagganap ng kanyang mga dula, "Passacaglia" at "Toccata," ni Vladimir Mikulka. Pagkatapos nito, pagkatapos basahin ang isang pagsusuri ng kanyang debut, napagtanto niya na sa wakas ay pinahahalagahan at tinanggap ang kanyang musika. Bago iyon, siya lamang ang tumugtog ng kanyang mga piyesa, at ang kanyang relasyon sa medyo konserbatibong domestic guitar public ay sa una ay mahirap: karamihan sa mga gawa ay tinanggap nang may poot, at ang musikero mismo ay itinuturing na isang avant-garde. Gayunpaman, si Koshkin mismo ay hindi isinasaalang-alang ang kanyang sarili at nagsasalita tungkol dito tulad ng sumusunod: "Hindi ako kasangkot sa avant-garde, itinuturing ko ang aking sarili na isang tagapagpatuloy ng mga tradisyon, bumaling sa mga klasiko, at tungkol sa pagbabago na ginamit ko, ito ay isang natural na proseso ng paggamit ng mga teknik na matatagpuan sa gitara sa aking mga dula Ang mga bagong makukulay na posibilidad na nagbukas para sa akin ay mas lubos na nagbigay-diin sa mga matalinghagang katangian ng musika Kaugnay nito, ang suite na "The Prince's Toys" (1974) ay isinulat, na ilang beses kong inayos muli sa nakalipas na anim na taon.”

Ang suite na "Prince's Toys" (The Prince is capricious - A wind-up monkey - Isang manika na nakapikit - Naglalaro sa mga sundalo - The Prince's carriage - Finale: The Great Puppet Dance) ay napakapopular at kasama sa repertoire ng marami mga sikat na performer.

Bilang karagdagan sa gitara, nagsusulat si Nikita Koshkin ng musika para sa iba pang mga instrumento. Mayroon siyang ilang piraso para sa piano, ilang mga romansa para sa boses at piano, pati na rin ang musika para sa gitara na may iba pang mga instrumento: isang malaking sonata para sa plauta at gitara, isang trio para sa plauta, violin at gitara; isang cycle ng mga piraso para sa mezzo-soprano at gitara, gumagana para sa mga duet at trio ng mga gitara, para sa mga duet ng mga gitara at double bass. Ang mga gawa ni Koshkin ay ginanap ni John Williams, ang guitar duo ng Assad brothers, at ang Zagreb at Amsterdam guitar trios.

Si Nikita Koshkin ay may pamagat ng isa sa mga pinaka-publish na kompositor ngayon. Ang kanyang mga gawa ay interesado sa mga mahilig sa musika ng gitara mula sa maraming bansa sa buong mundo. Kaayon ng kanyang trabaho bilang isang kompositor at aktibidad ng konsiyerto, ang musikero ay nakakahanap ng oras upang magturo. Ang kanyang hindi pangkaraniwang istilo ng paglalaro at mga bagong diskarte sa musika ay patuloy na nakakaakit ng atensyon ng maraming tagapakinig.

Victor KOZLOV (b. 1958) Nagsimulang gumawa ng musika sa edad na 12. Ang unang makabuluhang mga gawa ay isinulat sa isang paaralan ng musika: isang string quartet; trio para sa plauta, viola at gitara; mga variation para sa piano, "Round Dance and Dance" para sa solo guitar. Sa hinaharap, binibigyan niya ng kagustuhan ang pagbuo ng mga miniature para sa solo na gitara at trio na gitara. Ang mga nakakatawang dula ni Kozlov ay sikat: "Oriental Dance", "March of the Soldiers", "Little Detective", "Dance of the Hunter", "Kiskino Grief". Ilang mga gawa ang isinulat ng kompositor para sa gitara at orkestra: "Concertino", "Epic and Russian Dance", "Buffonade", "Ballad for Helen the Beautiful", suite para sa solo na gitara na "Black Toreador". Maraming mga gawa para sa mga bata ang sumasakop sa isang espesyal na lugar sa kanyang trabaho. Naglabas siya ng isang koleksyon ng mga musikal na gawa para sa mga batang gitarista, "Little Secrets of Senorita Guitars / Children's Album of a Young Guitarist", na noong 1999 ay kinilala ng Russian Guitar Center (Moscow) bilang pinakamahusay sa Russia. Ang isang bilang ng mga gawa ni Kozlov ay nai-publish sa Russia, England, Germany, Italy, Poland at Finland. Ang kanyang mga gawa ay kasama sa kanilang repertoire ng mga gitarista na sina N. Komolyatov (Moscow), V. Zhadko (Kyiv), T. Volskaya (USA), A. Khorev (St. Petersburg), E. Gridyushko (Belarus), S. Dinnigan ( England) ), ang duet na "Capriccioso" (Germany), ginampanan din sila ng Trio of Guitarists of the Urals (V. Kozlov, Sh. Mukhatdinov, V. Kovba) at ang instrumental duet na "Concertino" (Ekaterinburg) at marami iba pa.

Alexander Vinnitsky (ipinanganak 1950) gitarista, kompositor, guro ng musika. Nagtuturo sa music school na pinangalanan. Gnessins classical guitar, gumaganap sa mga solo na konsyerto, nagsusulat ng musika para sa gitara, nagsasagawa ng mga seminar at master class sa paksang "Classical guitar in jazz". Ang kanyang tagumpay at kontribusyon sa modernong repertoire ay ang kanyang orihinal na programa, na binubuo ng musika sa iba't ibang estilo ng jazz. Seryoso siyang kasali sa pag-aayos ng gitara. Ang isang tampok ng paglalaro ni Alexander Vinitsky ay ang paggamit ng "walking" bass at mga ritmikong istruktura sa buong komposisyon nang sabay-sabay sa mga melodic na linya. Ang hinlalaki ay nagsilbing double bass. Ang natitirang mga daliri ay parang mga musikero ng grupo. Sa kanyang paglalaro ay nakakamit niya ang patuloy na pagpintig at pagsasakatuparan ng mga melodic na linya. Ang musikang kanyang ginawa ay parang may tumutugtog na tatlo. Ang istilong ito ay tinatawag minsan na "fingerstyle". Upang ipatupad ang mga ideyang ito, isang seryosong klasikal na paaralan, kaalaman sa instrumento at isang solidong "bagahe" ng jazz music ay kinakailangan. Nagsimulang magtanghal si Alexander sa mga pagdiriwang ng jazz at klasikal na gitara kasama niya bagong programa(Petrozavodsk, Yekaterinburg, Donetsk, Kyiv, Voronezh, atbp.). Noong 1991, inilabas ng kumpanya ng Melodiya ang kanyang unang solo album, "Green Quiet Light," na kasama ang kanyang mga komposisyon: "Travel in Time," "Green Quiet Light," "Waiting for News," "Metamorphoses," pati na rin ang mga arrangement ng melodies A.K. Jobim, L. Bonfa, gumaganap ni L. Almeida.

Hindi lamang ang mga karaniwang tinatawag na "guitar composers" ang sumulat para sa gitara. Si Edison DENISOV (1929-1996), isa sa pinakamalaking kompositor ng Russia noong ika-20 siglo, musicologist at musical public figure, ay lubos na napahalagahan ang mga merito nito. Sa pagliko ng 50s at 60s, idineklara ni Denisov ang kanyang sarili bilang hindi mapag-aalinlanganang pinuno ng isang kilusan na naghangad na yakapin ang mga tagumpay ng makabagong musika sa Kanluran. Ang malikhaing pamana ni Denisov ay lubhang magkakaibang sa mga tuntunin ng genre.

Bilang karagdagan sa mga vocal at instrumental na gawa, sumulat si Edison Denisov para sa gitara: Sonata para sa plauta at gitara, Sonata para sa solong gitara sa 3 bahagi, "In Deo speravit cor meum" para sa byolin, gitara at organ, Guitar Concerto, Concerto para sa plauta at gitara . Ang ilan sa mga komposisyong ito ay partikular na isinulat para sa German guitarist na si Reinbert Evers, na naging kanilang unang performer.

Hiwalay, dapat itong sabihin tungkol sa kompositor na si Igor REKHIN, bilang isang taong gumawa ng pinakamalaking kontribusyon sa kasaysayan at pagiging moderno ng gitara, parehong pitong string at Espanyol (klasikal). May-akda ng maraming mga gawa para sa gitara, na kilala sa bansa at sa ibang bansa: dalawang konsyerto para sa gitara at orkestra - para sa pitong-kuwerdas at para sa anim na kuwerdas; Sonata para sa seven-string at six-string guitar; piraso para sa gitara, ensembles. Ang may-akda ng "Album of a Young Guitarist" at ang cycle na "24 Preludes and Fugues for Solo Guitar", ang unang gumanap ng gawaing ito ay si Vladimir Tervo, at sa kasalukuyan ay matagumpay itong ginampanan ni Dmitry Illarionov.

Ang pagkakaroon ng plunged sa mundo ng musika ng gitara sa unang pagkakataon, si Igor Vladimirovich ay namangha sa pagka-orihinal at pagkakaiba-iba nito mula sa iba pang mga lugar ng kultura ng musika.

Siya ay naglihi at nagbigay-buhay sa ideya ng paglikha ng isang modernong malalaking anyo na repertoire. Sa malapit na pakikipagtulungan kay Alexander Kamilovich Frauchi, isang guro sa Gnessin Institute sa Moscow at isang mahusay na performer ng konsiyerto, nagtrabaho siya sa paglikha ng Havana Concerto, na inilabas noong 1983. Ang kagandahan ng arkitektura ng Havana, ang mayayamang kulay ng kalikasan, ang mga harmoniya at ritmo ng mga awit at sayaw ng Cuban ay ang matalinghaga at emosyonal na batayan ng konsiyerto, na idinisenyo sa isang klasikong tatlong bahagi na anyo. Nilalaman ng Konsiyerto na ito ang pangarap ni Igor Rekhin na lumikha ng isang komposisyon ng isang klasikal na oryentasyon, na may matingkad na temang pampakay at malinaw na nakabubuo na lohika.

Isang pagpupulong kasama ang "mga manlalarong may pitong string" - Menro, Bardina, Kim ang nagtulak kay Reghin na magsulat ng mga gawa para sa seven-string na gitara. Alam niya iyon modernong repertoire siya ay halos wala, ngunit para sa kanya ang pitong-kuwerdas ay isang buhay na instrumento kung saan ito ay nagkakahalaga ng pagsulat ng musika. Noong 1985, ginampanan ni Bardina ang kanyang Sonata para sa seven-string na gitara. Gayundin, nagtatrabaho si Rekhin sa isang Konsiyerto para sa "pitong-kuwerdas" - ito ang unang konsiyerto para sa instrumentong ito sa kasaysayan ng musika. Ang kanyang mga musikal na imahe ay malapit na magkakaugnay sa mga pambansang tradisyon ng kulturang Ruso.

Kabilang sa kanyang mga komposisyon, bilang karagdagan sa mga konsyerto, isang makabuluhang lugar ang inookupahan ng isang gawa, ang paglikha nito ay nakatulong sa kanya na maisama sa Guinness Book of Records! Ito ay isang natatanging cycle na "Twenty-four Preludes and Fugues" para sa gitara. Nais ni Rekhin na lumikha ng isang cycle ng mga preludes at fugues para sa gitara, kasunod ng halimbawa ng "HTK" ni Bach, na ginawa ito sa kanyang panahon para sa clavier. Ang kompositor ay nagtrabaho sa paglikha ng cycle na ito sa loob ng ilang taon, at... ang gawain ay tapos na! Ang kahirapan ng naturang komposisyon ay kinakailangan na lumikha ng mga gawa sa tinatawag na "non-guitar" key (maginhawa para sa gitara - A, D, E) at hindi lamang para sa kapakanan ng mga teoretikal na posisyon, ngunit sa inaasahan ng paglalaro at paglaki ng mga performer...

Ang bawat isa sa kanyang mga Fugues ay klasikal sa paglalahad: ang lohika ng mga tugon sa tono ay mahigpit na sinusunod. Ngunit ang bawat isa ay nagdadala ng isang hindi inaasahang, hindi pangkaraniwan, ngunit pinaka-kagiliw-giliw na musikal na wika ng kompositor. Halimbawa, ang paggamit ng syncopation sa isang cycle ay ginagawang posible na malinaw na i-highlight ang polyphony ng gitara. Karamihan sa mga fugue ay 3- at 4-voice. Sa paglikha ng gawaing ito, naisip ni Igor Rekhin ang gitara bilang isang unibersal na instrumento na walang pantay na unibersal na musika sa iba't ibang mga susi. Ang mga ideyang ito ay pinagsama sa pagnanais na ipakita ang mga paraan ng pagpapahayag ng pinaka magkakaibang mga lugar ng klasikal at modernong musika.

Aliev Yu.B. Handbook para sa isang guro-musika ng paaralan. – M.: Vlados, 2000

Bronfin E.F. N.I. Si Golubovskaya ay isang performer at guro. – L.: Musika, 1978

Buluchevsky Yu., Fomin V. Sinaunang musika (dictionary-reference book). L., Musika 1974

Weisbord Miron. Isaac Albeniz, M., Sov. kompositor, 1977

Weisbord Miron. Andres Segovia, M., Musika, 1981

Weisbord Miron. Andres Segovia at ang sining ng gitara noong ika-20 siglo: Isang balangkas ng buhay at trabaho. M., Sov. kompositor, 1989

Weisbord Miron. Federico Garcia Lorca - musikero, M., Sov. kompositor 1985

Veshchitsky P., Larichev E., Laricheva G. Classical na anim na string na gitara, M., 2000

Veshchitsky P. Manwal sa pagtuturo sa sarili para sa pagtugtog ng anim na string na gitara. Chords at saliw. M., kompositor ng Sobyet, 1989; M., Kifara, 2002

Mga masasayang aralin sa musika sa paaralan at sa bahay / Inedit ni Z.N. Bugaeva. – M.: AST Publishing House, 2002

Mga isyu ng music pedagogy / Ed.-comp. V.A. Nathanson, L.V. Roshchina. – M.: Musika, 1984

Mga tanong ng teorya at aesthetics ng musika/Ed. M.G. Aranovsky, A.N. Sohora. – L.: Musika, 1977

Vidal Robert J. Mga tala sa gitara na inaalok ni Andres Segovia / Trans. mula sa French, - M., Music, 1990

Voinov Lev, Derun Vitaly. Ang iyong kaibigang gitara, Sverdlovsk, Central Ural book publishing house, 1970

Wolman Boris. Gitara sa Russia, Leningrad, Muzgiz, 1961

Wolman Boris. Gitara at mga gitarista, Leningrad, Musika, 1968

Wolman Boris. Gitara, M., Musika, 1972, 62 p. ; 2nd ed.: M., Muzyka, 1980

Gruber R.I. Pangkalahatang kasaysayan ng musika. [isang bahagi] M., State Music Publishing House

Ghazaryan S. Isang kwento tungkol sa isang gitara, M., Panitikang Pambata, 1987

Gitara. Musical almanac, vol. 1, 1987 (Mga Artikulo ni A. Larichev, E. Kuznetsov, atbp.)

Gitara mula blues hanggang jazz: Koleksyon. Kyiv: "Musical Ukraine", 1995

Darkevich V.P. Kulturang bayan ng Middle Ages. M., Nauka 1988

Dmitrieva L.G., Chernoivanenko N.M. Mga paraan ng edukasyon sa musika sa paaralan. – M.: Academy, 2000

Esipova M.V., Fraenova O.V. Mga musikero ng mundo. Talambuhay na Diksyunaryo. M., Great Russian Encyclopedia, 2001 Art sa sistema ng humanization ng pangkalahatan at propesyonal na edukasyon / ed. Z.I. Gladkikh (punong editor), E.N. Kirnosova, M.L. Kosmovskaya. – Kursk: Publishing house Kursk. State Pedagogical University, 2002

Ivanov-Kramskoy A. M. School of playing the six-string guitar

Ivanova-Kramskaya N.A. Inialay ang kanyang buhay sa gitara (mga alaala ng kanyang ama), M., Association "Teplomekh", 1995

Historikal at talambuhay na aklat ng sangguniang diksyunaryo ng mga klasikal na master ng gitara: Sa 2 volume [Compiled, ed. - Yablokov M.S.], Tyumen, Vector Buk, 2001-2002 [T.1, 2001; T. 2, 2002]

Ang pagsumite ng iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay madali. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga mag-aaral, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Nai-post sa http://www.allbest.ru/

Nai-post sa http://www.allbest.ru/

Ministri ng Kultura ng Ukraine

Kharkovskaya akademya ng estado kultura

para sa pagpasok sa pag-aaral para sa Master's degree

Guitar art parang makasaysayang kababalaghan kultura ng musika

Pihulya Taras Olegovich

Kharkov 2015

Plano

Panimula

1. Mga kinakailangan para sa pagbuo at pag-unlad ng pagtugtog ng klasikal na gitara

1.1 Kasaysayan ng paglitaw, pag-unlad at pagpapabuti ng pagganap ng gitara

1.2 Ang pagbuo ng sining ng gitara sa USSR at Russia

2. Kasaysayan ng paglitaw at ebolusyon ng kilusang pop-jazz sa sining

2.1 Mga uri ng gitara na ginagamit sa sining ng pop at jazz

2.2 Mga pangunahing direksyon ng pagganap ng pop-jazz ng 60-70s

Listahan ng ginamit na panitikan

SApagsasagawa

Sining ng musika noong ika-20 siglo. mabilis at mabilis na umunlad. Ang mga pangunahing katangian ng pag-unlad na ito ay ang asimilasyon ng iba't ibang mga istilo at uso, ang pagkikristal ng isang bagong musikal na wika, mga bagong prinsipyo ng komposisyon, paghubog, at pagbuo ng iba't ibang mga aesthetic na plataporma. Ang prosesong ito ay nagsasangkot hindi lamang ng mga kompositor, performer, at kritiko ng sining, kundi pati na rin ang milyun-milyong tagapakinig kung saan nilikha ang mga gawang musikal.

Ang kaugnayan ng paksa ay dahil sa pagsasaalang-alang ng klasikal at pop-jazz na instrumental na musika mula sa punto ng view ng ebolusyonaryong pag-unlad ng sining ng gitara, iyon ay, ang pagbuo ng mga bagong genre at direksyon.

Ang layunin ng pag-aaral ay isaalang-alang ang klasikal at pop-jazz na instrumental na musika at ang kanilang impluwensya sa pagbuo ng mga bagong istilo, mga kasanayan sa pagganap at kultura ng gitara sa kabuuan.

Layunin ng pananaliksik:

1) Isaalang-alang ang kasaysayan ng paglitaw, pag-unlad at pagbuo ng kultura ng gitara sa Europa, Russia, at USSR.

2) Isaalang-alang ang mga pinagmulan, pinagmulan at pagbuo ng mga bagong istilo sa pop at jazz art.

Ang layunin ng pag-aaral ay ang pagbuo ng klasikal at pop-jazz na instrumental na musika.

Ang metodolohikal na batayan ng trabaho ay ang paraan ng pagtatasa ng intonasyon, na nakatuon sa pagkakaisa ng mga prinsipyo ng musika at pagsasalita, bilang batayan ng mga tradisyon ng artistikong European, African at Russian.

Ang siyentipikong bagong bagay ng akda ay nakasalalay sa katotohanan na ang gawain ay nagsasaliksik sa pagbuo at ebolusyon ng sining ng gitara at ang impluwensya nito sa pagbuo ng kultura ng gitara.

Ang praktikal na halaga ng trabaho ay nakasalalay sa posibilidad ng paggamit ng mga materyales nito sa proseso ng pag-aaral ng makasaysayang at teoretikal na mga disiplina sa musika.

1. Mga kinakailanganpagbuoAtpag-unladmga larosaklasikalgitara

1.1 Kasaysayan ng paglitaw, pag-unlad at pagpapabuti ng pagganap ng gitara

Ang kasaysayan ng pinagmulan, pag-unlad at pagpapabuti ng instrumentong pangmusika na ito ay napakaganda at mahiwaga na sa halip ay kahawig ito ng isang kapana-panabik na kuwento ng tiktik. Ang unang impormasyon tungkol sa gitara ay nagsimula noong sinaunang panahon. Sa mga monumento ng Egypt na nagmula noong libu-libong taon, mayroong mga larawan ng isang instrumentong pangmusika - "nabla", na sa hitsura ay kahawig ng isang gitara. Ang gitara ay laganap din sa Asya, na kinumpirma ng mga imahe sa mga monumento ng arkitektura ng Assyria, Babylon at Phoenicia. Noong ika-13 siglo, dinala ito ng mga Arabo sa Espanya, kung saan nakatanggap ito ng ganap na pagkilala. Sa pagtatapos ng ika-15 siglo, ang mayayamang pamilya sa Espanya ay nagsimulang makipagkumpitensya sa isa't isa sa pagtataguyod ng agham at sining. Ang gitara, kasama ang lute at iba pang mga plucked instrument, ay naging paboritong instrumento sa court. Sa kultural na buhay ng Espanya, simula sa ika-16 na siglo, maraming mga asosasyon, akademya, lupon at pagpupulong - "mga salon", na regular na ginaganap, ay may malaking papel. Mula noong panahong iyon, ang pagkahilig para sa mga plucked instrument ay tumagos sa malawak na masa, at ang mga espesyal na literatura sa musika ay nilikha para sa kanila. Ang mga pangalan ng mga kompositor na kumatawan dito ay bumubuo ng isang mahabang linya: Milan, Corbetto, Fuenllana, Marin i Garcia, Sanz at marami pang iba.

Ang pagkakaroon ng mahabang paraan sa pag-unlad, ang gitara ay nakuha sa isang modernong hitsura. Hanggang sa ika-18 siglo, ito ay mas maliit sa laki, at ang katawan nito ay medyo makitid at pinahaba. Sa una, ang instrumento ay may limang string na nakatutok sa ikaapat, tulad ng isang lute. Nang maglaon ang gitara ay naging anim na string, na may isang tuning na mas maginhawa para sa pagtugtog bukas na mga posisyon para sa mas buong paggamit ng tunog ng mga bukas na string. Kaya, sa kalagitnaan ng ika-19 siglo, kinuha ng gitara ang huling anyo nito. Anim na string ang lumitaw dito sa pag-tune: E, B, G, D, A, E.

Ang gitara ay nakakuha ng mahusay na katanyagan sa Europa at dinala sa mga bansa ng North at South America. Paano natin maipapaliwanag ang ganoong kalat na paggamit ng gitara? Pangunahin dahil mayroon itong mahusay na mga kakayahan: maaari itong i-play nang solo, sinamahan ng boses, byolin, cello, plauta, maaari itong matagpuan sa iba't ibang mga orkestra at ensemble. Ang mga maliliit na sukat at ang kakayahang madaling lumipat sa kalawakan at, pinaka-mahalaga, isang hindi pangkaraniwang malambing, malalim at kasabay na transparent na tunog - bigyang-katwiran ang pag-ibig para sa unibersal na instrumentong pangmusika na ito sa isang malawak na hanay ng mga tagahanga mula sa mga romantikong turista hanggang sa mga propesyonal na musikero.

Sa pagtatapos ng ika-18 siglo, lumitaw ang mga kompositor at birtuoso sa Espanya

F. Sor at D. Aguado, sa parehong oras sa Italya - M. Giuliani. L. Leniani, F. Carulli, M. Carcassi at iba pa. Lumilikha sila ng isang malawak na repertoire ng konsiyerto para sa gitara, mula sa maliliit na piraso hanggang sa mga sonata at konsiyerto na may orkestra, pati na rin ang kahanga-hangang "Mga Paaralan para sa pagtugtog ng anim na string na gitara", isang malawak na pang-edukasyon at nakabubuo na repertoire. Bagama't halos dalawang daang taon na ang lumipas mula nang mailathala ang panitikang pedagogical na ito, isa pa rin itong mahalagang pamana para sa mga guro at mag-aaral.

Ang kompositor na si Sor ay nagbibigay ng mga konsiyerto na may malaking tagumpay sa mga lungsod ng Kanlurang Europa at Russia. Ang kanyang mga ballet na "Cinderella", "Lubochnik bilang isang Pintor", "Hercules at Omphale", pati na rin ang opera na "Telemachus" ay nagkaroon ng maraming pagtatanghal sa mga yugto ng St. Petersburg, Moscow at mga pangunahing lungsod sa Kanlurang Europa. Ang istilong polyphonic, mayamang imahinasyon at lalim ng nilalaman ay nagpapakilala sa gawa ni Sora. Siya ay isang edukadong musikero-komposer, isang birtuoso na gitarista, na namangha sa lalim ng kanyang pagganap at sa kinang ng kanyang pamamaraan. Ang kanyang mga komposisyon ay naging matatag na itinatag sa repertoire ng mga gitarista. Ang Italian Giuliani ay isa sa mga tagapagtatag ng Italian guitar school. Siya ay isang napakatalino na gitarista at mahusay ding tumugtog ng biyolin. Nang unang itanghal ang ikapitong symphony ni Beethoven sa Vienna noong 1813 sa ilalim ng baton ng may-akda, nakibahagi si Giuliani sa pagganap nito bilang isang biyolinista. Pinahahalagahan ni Beethoven si Giuliani bilang isang kompositor at musikero. Ang kanyang mga sonata at concerto na may orkestra ay ginagampanan ng mga modernong gitarista, at ang kanyang panitikan sa pagtuturo ay isang mahalagang pamana para sa parehong mga guro at mag-aaral.

Gusto ko lalo na pag-isipan ang pinakasikat at pinakamadalas na nai-publish sa ating bansa, "The School of Playing the Six-String Guitar" ng sikat na Italian guitarist-guro, kompositor na si M. Carcassi. Sa paunang salita sa “Paaralan,” ang sabi ng may-akda: “...Wala akong balak na magsulat ng isang gawaing siyentipiko. Gusto ko lang gawing mas madali ang pag-aaral ng gitara sa pamamagitan ng pagtatakda ng isang plano na maaaring gawing posible upang maging mas pamilyar sa lahat ng mga tampok ng instrumentong ito." Mula sa mga salitang ito, malinaw na hindi itinakda ni M. Carcassi ang kanyang sarili ang gawain ng paglikha ng isang unibersal na manwal para sa pag-aaral na tumugtog ng gitara, at halos hindi ito posible. Ang "School" ay nagbibigay ng ilang mahahalagang tagubilin sa kaliwa at kanang-kamay na pamamaraan, iba't ibang katangiang pamamaraan sa pagtugtog ng gitara, at pagtugtog sa iba't ibang posisyon at susi. Ang mga halimbawa at piyesa ng musika ay ibinibigay nang sunud-sunod, sa pagkakasunud-sunod ng pagtaas ng kahirapan, isinulat ang mga ito nang may mahusay na kasanayan bilang isang kompositor at guro at may malaking halaga pa rin bilang materyal na pang-edukasyon.

Bagaman, mula sa isang modernong punto ng view, ang "Paaralan" na ito ay may isang bilang ng mga malubhang pagkukulang. Halimbawa, hindi gaanong nabibigyang pansin ang isang mahalagang pamamaraan ng paglalaro ng kanang kamay bilang apoyando (paglalaro nang may suporta); ang wikang musikal, batay sa musika ng tradisyon ng Kanlurang Europa noong ika-18 siglo, ay medyo monotonous; Ang mga isyu ng pag-unlad ng fingering, melodic-harmonic na pag-iisip ay halos hindi naaapektuhan, pinag-uusapan lamang natin ang tamang paglalagay ng mga daliri ng kaliwa at kanang mga kamay, na ginagawang posible upang malutas ang maraming mga teknikal na paghihirap sa pagganap, pagbutihin ang tunog, parirala, atbp.

Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, isang bagong maliwanag na pangalan ng Espanyol na kompositor, birtuoso soloista at guro na si Francisco Tárrega ang lumitaw sa kasaysayan ng gitara. Gumagawa siya ng sariling istilo ng pagsulat. Sa kanyang mga kamay, ang gitara ay nagiging isang maliit na orkestra.

Ang gumaganap na gawain ng kahanga-hangang musikero na ito ay nakaimpluwensya sa gawain ng kanyang mga kaibigan - mga kompositor: Albeniz, Granados, de Falla at iba pa. Sa kanilang mga gawa sa piano ay madalas marinig ang imitasyon ng gitara. Ang mahinang kalusugan ay hindi nagbigay ng pagkakataon kay Tarrega na magbigay ng mga konsyerto, kaya't inilaan niya ang kanyang sarili sa pagtuturo. Masasabi nating si Tarrega ay lumikha ng kanyang sariling paaralan ng pagtugtog ng gitara. Kabilang sa kanyang pinakamahuhusay na estudyante sina Miguel Llobet, Emelio Pujol, Dominico Prat, Daniel Fortea, Illarion Lelupe at iba pang sikat na concert performers. Sa ngayon, ang “Mga Paaralan” ng E. Pujol, D. Fortea, D. Prat, I. Lelupa, I. Arens at P. Rocha, batay sa pamamaraan ng pagtuturo ng Tárrega, ay nailathala. Tingnan natin ang pamamaraang ito gamit ang halimbawa ng “School of Playing the Six-String Guitar” ng sikat na Spanish guitarist, teacher at musicologist na si E. Pujol. Ang isang natatanging tampok ng "Paaralan" ay ang mapagbigay, detalyadong pagtatanghal ng lahat ng mga pangunahing "lihim" ng pagtugtog ng klasikal na gitara. Ang pinakamahalagang isyu ng diskarte sa gitara ay maingat na binuo: ang posisyon ng mga kamay, ang instrumento, mga pamamaraan ng paggawa ng tunog, mga diskarte sa pagtugtog, atbp. Ang pagkakasunud-sunod ng pag-aayos ng materyal ay nag-aambag sa sistematikong teknikal at masining na paghahanda ng gitarista. Ang "Paaralan" ay ganap na binuo sa orihinal materyal na pangmusika: halos lahat ng etudes at pagsasanay ay binubuo ng may-akda (isinasaalang-alang ang pamamaraan ng F. Tarrega) partikular para sa kaukulang mga seksyon.

Ang lalong mahalaga ay ang publikasyong pang-edukasyon na ito ay hindi lamang naglalahad nang detalyado ng mga kahirapan sa pagtugtog ng gitara, ngunit inilalarawan din nang detalyado kung paano malalampasan ang mga ito. Sa partikular, maraming pansin ang binabayaran sa problema ng paggamit ng tamang daliri kapag naglalaro gamit ang kanan at kaliwang kamay, at gayundin ang mga diskarte sa paglalaro sa iba't ibang mga posisyon, iba't ibang mga paggalaw, paglilipat ng kaliwang kamay ay isinasaalang-alang nang detalyado, na kung saan tiyak na nakakatulong sa pag-unlad ng pag-iisip ng daliri. Ang pagiging epektibo ng "School" ng Pujol ay nakumpirma, sa partikular, sa pamamagitan ng pagsasagawa ng paggamit nito sa ilang mga institusyong pang-edukasyon sa ating bansa, Europa at Amerika.

Ang malikhaing aktibidad ng pinakadakilang Espanyol na gitarista noong ika-20 siglo ay napakahalaga para sa pag-unlad ng sining ng gitara sa mundo. Andrese Segovia. Ang pambihirang kahalagahan ng kanyang papel sa kasaysayan ng pag-unlad ng instrumento ay hindi lamang ang kanyang mga talento sa pagganap at pedagogical, kundi pati na rin ang kanyang mga kakayahan bilang isang tagapag-ayos at propagandista. Isinulat ng mananaliksik na si M. Weisbord: “...upang itatag ang gitara bilang instrumento sa konsiyerto, kulang ito sa kung ano, halimbawa, ang piano o biyolin na taglay - isang napakasining na repertoire. Ang makasaysayang merito ng Andres Segovia ay binubuo, una sa lahat, sa paglikha ng naturang repertoire...” At higit pa: "M. Ponce (Mexico), nagsimulang magsulat si M.K. Tedesco (Italy), J. Ibert, A. Roussel (France), C. Pedrel (Argentina), A. Tansman (Poland), at D. Duart (England), R. Smith (Sweden) ... ". Mula sa maliit at malayo sa kumpletong listahan ng mga kompositor, malinaw na salamat kay A. Segovia na ang heograpiya ng mga propesyonal na komposisyon para sa klasikal na gitara ay mabilis na lumawak, at sa paglipas ng panahon, ang instrumento na ito ay nakakuha ng pansin ng maraming mga natitirang artist - E. Villa Lobos, B. Britten. Sa kabilang banda, lumilitaw ang buong konstelasyon ng mga mahuhusay na kompositor na mga propesyonal na performer din - A. Barrios, L. Brouwer, R. Diens, N. Koshkin, atbp.

1. 2 NagiginggitarasiningVUSSRAtRussia

Ngayon siya ay matagumpay na naglibot sa maraming mga bansa sa mundo, kabilang ang pagbisita sa USSR ng apat na beses (1926 at 1935, 1936, gumanap siya ng mga gawa ng mga klasikong gitarista: Sor, Giuliani, mga transkripsyon ng mga gawa ni Tchaikovsky, Schubert, Haydn at orihinal na mga gawa). ng mga kompositor na Espanyol: Turin, Torroba, Tansman, Castelnuovo-Tedesco at iba pang kompositor. Si Segovia ay nagkaroon ng maraming pagpupulong sa mga gitarista ng Sobyet, na ang mga tanong ay kaagad niyang sinagot. Sa mga pag-uusap tungkol sa diskarte sa pagtugtog ng gitara, itinuro ni Segovia ang partikular na kahalagahan ng hindi lamang pagpoposisyon ng kamay, kundi pati na rin ang tamang paggamit ng mga daliri. Ang gitara ay nag-iwan ng maliwanag na marka sa musikal na sining ng Russia. Ang akademya na si J. Shtelin, na nanirahan sa Moscow mula 1735 hanggang 1785, ay sumulat na ang gitara sa Russia ay dahan-dahang kumalat, ngunit sa paglitaw ng iba pang mga touring guitar virtuosos na Tsani de Ferranti, F. Sora, M. Giuliani at iba pa Ang instrumento na ito ay nakakakuha ng katanyagan. at nagiging laganap.

Ang pagkakaroon ng binili sa Russia mula sa pangalawa kalahati ng XVIII siglo, isang orihinal na seven-string variety na nakatutok sa mga tunog ng isang G major triad na nadoble sa isang octave at isang lower string na may pagitan ng ikaapat, ang gitara ay naging mahusay na angkop sa bass-chord na saliw ng mga urban na kanta at romansa.

Ang tunay na pag-unlad ng propesyonal na pagganap sa instrumento na ito ay nagsisimula salamat sa malikhaing gawain ng natitirang guro-gitista na si Andrei Osipovich Sihra (1773-1850). Bilang isang harpist sa pamamagitan ng pagsasanay, inialay niya ang kanyang buong buhay sa pagsulong ng pitong string na gitara - sa kanyang kabataan ay nakikibahagi siya sa mga aktibidad sa konsyerto, at pagkatapos ay sa pedagogy at edukasyon. Noong 1802, ang "Magazine para sa pitong-kuwerdas na gitara ng A. Sihra" ay nagsimulang ilathala sa St. Petersburg na may mga pagsasaayos ng mga katutubong awit ng Russia at mga pagsasaayos ng mga klasikong musikal. Sa kasunod na mga dekada, hanggang 1838, ang musikero ay naglathala ng isang bilang ng mga katulad na magasin, na nag-ambag sa isang makabuluhang pagtaas sa katanyagan ng instrumento, A.O. Sinanay ni Sihra ang isang malaking bilang ng mga mag-aaral, na pinasisigla ang kanilang interes sa pagbuo ng musika para sa gitara, sa partikular na mga pagkakaiba-iba sa mga tema ng mga melodies ng katutubong kanta. Ang pinakasikat sa kanyang mga estudyante ay si S.N. Aksenov, V.I. Morkov, V.S. Sarenko, F.M. Si Zimmerman at ang iba pa ay nag-iwan ng maraming dula at pagsasaayos ng mga awiting Ruso. Ang mga aktibidad ni Mikhail Timofeevich Vysotsky (1791-1837) ay may malaking kahalagahan sa pag-unlad ng propesyonal at akademikong pagganap ng gitara ng Russia. Ang unang taong nagpakilala sa kanya sa gitara ay si S.N. Aksenov, na naging tagapagturo din niya.

Mula noong mga 1813, ang pangalang M.T. Si Vysotsky ay naging popular. Ang kanyang pagtugtog ay nakikilala sa pamamagitan ng isang orihinal na istilong improvisasyon, isang matapang na paglipad ng malikhaing imahinasyon sa iba't ibang melodies ng katutubong awit. M.T. Si Vysotsky ay isang kinatawan ng improvisational aural na istilo ng pagganap - dito siya ay malapit sa tradisyonal na Russian folk music-making. Marami ang masasabi tungkol sa iba pang mga kinatawan ng pagganap ng gitara ng Russia na nag-ambag sa pag-unlad ng pambansang gumaganap na paaralan, ngunit ito ay isang hiwalay na pag-uusap. Ang tunay na paaralang Ruso ay nakikilala sa pamamagitan ng mga sumusunod na tampok: kalinawan ng artikulasyon, magandang tono ng musika, tumuon sa mga melodic na kakayahan ng instrumento at ang paglikha ng isang tiyak na repertoire, natatangi sa maraming paraan, isang progresibong paraan ng paggamit ng mga espesyal na "blangko" ng daliri. , mga sample at cadences na nagpapakita ng mga kakayahan ng instrumento.

Kasama sa sistema ng pagtugtog ng instrumento ang pagtugtog mga function ng musika, mga intonasyon at ang kanilang mga pagbabaligtad, na natutunan nang hiwalay sa bawat susi at may hindi inaasahang paggalaw ng mga boses. Kadalasan, ang mga indibidwal na tulad ng pagfinger, melodic-harmonic na "mga blangko" ay selos na binabantayan at ipinapasa lamang sa pinakamahusay na mga mag-aaral. Ang improvisasyon ay hindi espesyal na pinag-aralan; ito ay bunga ng pangkalahatang teknikal na base, at ang isang mahusay na gitarista ay nagawang pagsamahin ang pamilyar na mga intonasyon ng isang kanta sa isang harmonic sequence. Ang isang hanay ng iba't ibang mga cadences ay madalas na napapalibutan ng isang musikal na parirala at nagbibigay ng isang natatanging kulay sa musikal na tela. Ang ganitong mapanlikhang paraan ng pagtuturo ay tila isang purong pagtuklas ng Ruso at hindi natagpuan saanman sa mga dayuhang gawa noong panahong iyon. Sa kasamaang palad, ang mga tradisyon ng pagganap ng gitara ng Russia noong ika-18-19 na siglo. ay hindi patas na nakalimutan, at salamat lamang sa mga pagsisikap ng mga mahilig, ang estado ng mga gawain sa direksyon na ito ay nagbabago para sa mas mahusay.

Ang sining ng gitara ay nabuo din noong panahon ng Sobyet, bagaman ang saloobin ng mga awtoridad sa pagpapaunlad ng instrumentong pangmusika na ito ay, sa madaling salita, cool. Mahirap palakihin ang papel ng namumukod-tanging guro, performer at kompositor na si A.M. Ivanov-Kramsky. Ang kanyang playing school, tulad ng playing school ng gitarista at gurong P.A. Ang Agafoshina ay isang kailangang-kailangan na tulong sa pagtuturo para sa mga batang gitarista. Ang aktibidad na ito ay mahusay na ipinagpatuloy ng kanilang maraming mga mag-aaral at tagasunod: E. Larichev, N. Komolyatov, A. Frauchi, V. Kozlov, N. Koshkin, A. Vinitsky (classical guitar in jazz), S. Rudnev (classical guitar in Russian estilo) at marami pang iba.

gitara klasikong pop jazz

2. KwentopaglitawAtebolusyonpop-jazzmga direksyonVsining

2.1 Mga uri ng gitara na ginagamit sa sining ng pop at jazz

Sa modernong pop music, apat na uri ng gitara ang pangunahing ginagamit:

1. Flat Top - isang regular na folk guitar na may metal strings.

2. Classical - klasikal na gitara na may mga string na nylon.

3. Arch Top - isang jazz na gitara, na hugis ng pinalaki na biyolin na may mga f-hole sa mga gilid ng soundboard.

4. Electric guitar - isang gitara na may mga electromagnetic pickup at isang monolithic wooden soundboard (block).

120-130 years ago lang, isang uri lang ng gitara ang sikat sa Europe at America. Ang iba't ibang mga bansa ay gumagamit ng iba't ibang mga sistema ng pag-tune, at sa ilang mga lugar ay binago pa nila ang bilang ng mga string (Sa Russia, halimbawa, mayroong pitong mga string, hindi anim). Ngunit ang hugis ng lahat ng mga gitara ay halos magkatulad - medyo simetriko sa itaas at ibabang bahagi ng soundboard, na nakakatugon sa leeg sa ika-12 fret.

Maliit na sukat, may slotted na palad, malawak na leeg, hugis pamaypay na pagkakabit ng mga bukal, atbp. - lahat ng ito ay nailalarawan sa ganitong uri ng gitara. Sa katunayan, ang instrumentong inilarawan sa itaas ay katulad ng anyo at nilalaman sa klasikal na gitara ngayon. At ang hugis ng klasikal na gitara ngayon ay pag-aari ng Spanish master na si Torres, na nabuhay mga 120 taon na ang nakalilipas.

Sa pagtatapos ng huling siglo, ang gitara ay nagsimulang mabilis na makakuha ng katanyagan. Kung bago ito ang mga gitara ay nilalaro lamang sa mga pribadong bahay at salon, pagkatapos ay sa pagtatapos ng huling siglo ang gitara ay nagsimulang lumitaw sa mga yugto. Nagkaroon ng pangangailangan na palakasin ang tunog. Noon ay lumitaw ang isang mas malinaw na dibisyon sa pagitan ng klasiko at ngayon ay madalas na tinatawag na folk guitar o western. Sinimulan ng teknolohiya na gawing posible ang paggawa ng mga metal na string na mas malakas ang tunog.

Bilang karagdagan, ang katawan mismo ay tumaas sa laki, na nagpapahintulot sa tunog na maging mas malalim at mas malakas. Nananatili ang isang seryosong problema - ang malakas na pag-igting ng mga metal string ay aktwal na pumatay sa tuktok na kubyerta, at ang pampalapot ng mga pader ng shell sa huli ay pinatay ang panginginig ng boses, at kasama nito ang tunog. At pagkatapos ay naimbento ang sikat na X-shaped spring fastening. Ang mga bukal ay nakadikit nang crosswise, sa gayon ay pinapataas ang lakas ng tuktok na kubyerta, ngunit pinapayagan itong mag-vibrate.

Kaya, mayroong isang malinaw na dibisyon - ang klasikal na gitara, na halos hindi nagbago mula noon (ang mga string lamang ang nagsimulang gawin mula sa synthetics, at hindi mula sa sinew, tulad ng dati), at ang folk-western na gitara, na may ilang mga anyo, ngunit halos palaging sumasama sa X-shaped spring mounting, metal strings, pinalaki na katawan at iba pa.

Kasabay nito, isa pang uri ng gitara ang nabuo - ang "arch top". Ano ito? Habang nalutas ng mga kumpanyang tulad ni Martin ang problema sa pagpapalakas ng tunog sa pamamagitan ng paglalagay ng mga bukal, ang mga kumpanyang tulad ni Gibson ay nagpunta sa ibang paraan - lumikha sila ng mga gitara na kahawig ng mga violin sa hugis at disenyo. Ang ganitong mga instrumento ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang hubog na tuktok, isang saddle na katulad ng isang double bass, at isang tailpiece. Karaniwan, ang mga instrumentong ito ay may mga violin cutout sa mga gilid ng soundboard sa halip na ang tradisyonal na bilog na butas sa gitna. Itinatampok ng mga gitara na ito ang isang tunog na hindi mainit at malalim, ngunit balanse at suntok. Sa gayong gitara, malinaw na maririnig ang bawat nota, at mabilis na napagtanto ng mga jazzmen kung ano ang isang "maitim na kabayo" na lumitaw sa kanilang larangan ng pangitain. Ito ay sa jazz na ang "arch tops" ay may utang sa kanilang katanyagan, kung saan sila ay tinatawag na jazz guitars. Noong 1930s at 1940s, nagsimula itong magbago, higit sa lahat dahil sa pagdating ng mas magagandang mikropono at pickup. Bilang karagdagan, ang isang bagong sikat na istilo ng musika - ang blues - ay pumasok sa arena at agad na nasakop ang mundo. Tulad ng alam mo, ang blues ay nabuo pangunahin salamat sa mga pagsisikap ng mahihirap na itim na musikero. Nilalaro nila ito sa lahat ng uri ng paraan gamit ang mga daliri, pick, at maging ang mga bote ng beer (ang mga tuktok ng bote ng beer ay ang direktang mga ninuno ng mga modernong slide). Walang pera ang mga taong ito mamahaling instrumento, hindi sila palaging may pagkakataon na bumili ng mga bagong string, anong uri ng jazz guitars ang naroon? At nilalaro nila ang anumang kailangan nila, higit sa lahat ang mas karaniwang mga instrumento - mga Kanluranin. Sa mga taong iyon, bilang karagdagan sa mga mamahaling "archtops," ang kumpanya ng Gibson ay gumawa din ng isang malaking hanay ng mga "consumer goods" na mga folk guitar. Ang sitwasyon sa merkado ay tulad na ang Gibson ay halos ang tanging kumpanya na gumagawa ng mura ngunit mataas na kalidad na folk guitar. Ito ay lohikal na ang karamihan sa mga bluesmen, na kulang sa pera para sa isang bagay na mas advanced, ay kinuha si Gibsons sa kanilang mga kamay. Kaya hanggang ngayon ay hindi pa rin sila naghihiwalay.

Ano ang nangyari sa jazz guitars? Sa pagdating ng mga pickup, lumabas na ang balanse at malinaw na tunog ng ganitong uri ng instrumento ay ganap na angkop sa sistema ng amplification noong panahong iyon. Bagama't ang jazz guitar ay ganap na hindi katulad ng modernong Fender o Ibanez, malamang na hindi nagagawa ni Leo Fender ang kanyang Telecaster at Stratocaster , kung hindi muna ako nag-eksperimento sa mga jazz guitar at pickup. By the way, mamaya electric blues din ang tinugtog at pinapatugtog sa jazz instruments na may mga pickup, buti na lang nabawasan ang kapal ng katawan doon. Ang isang kapansin-pansing halimbawa nito ay si B.B. King at ang kanyang sikat na Lussil guitar, na itinuturing ng marami ngayon na karaniwang electric guitar para sa blues.

Ang unang kilalang mga eksperimento sa pagpapalakas ng tunog ng gitara gamit ang kuryente ay nagsimula noong 1923, nang ang inhinyero at imbentor na si Lloyd Loar ay nag-imbento ng isang electrostatic pickup na nagre-record ng mga vibrations ng resonator box ng mga stringed instruments.

Noong 1931, nagkaroon sina George Beauchamp at Adolph Rickenbacker ng isang electromagnetic pickup kung saan ang isang electrical pulse ay dumaan sa isang magnet, na lumilikha ng isang electromagnetic field na nagpalakas ng signal mula sa isang vibrating string. Sa huling bahagi ng 1930s, maraming mga eksperimento ang nagsimulang magsama ng mga pickup sa mas tradisyunal na hitsura ng Spanish hollow-body na gitara. Well, ang pinaka-radikal na opsyon ay iminungkahi ng gitarista at engineer na si Les Paul - ginawa lang niyang monolitik ang soundboard ng gitara.

Ito ay gawa sa kahoy at tinawag na "The Log". Ang iba pang mga inhinyero ay nagsimulang mag-eksperimento sa isang solid o halos solidong piraso. Mula noong 40s ng ika-20 siglo, ang parehong mga indibidwal na mahilig at malalaking kumpanya ay matagumpay na ginagawa ito.

Ang merkado para sa mga tagagawa ng gitara ay patuloy na aktibong umuunlad, patuloy na nagpapalawak ng hanay ng mga modelo. At kung dati ay mga Amerikano lamang ang kumikilos bilang mga "trendsetter", ngayon ay matatag na sinasakop ng Yamaha, Ibanez at iba pang kumpanya ng Hapon ang mga nangungunang posisyon, kabilang sa mga pinuno sa produksyon, na gumagawa ng kanilang sariling mga modelo at mahusay na mga kopya ng mga sikat na gitara.

Ang gitara - at lalo na ang nakuryente - ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa rock music. Gayunpaman, halos lahat ng pinakamahusay na rock guitarist ay higit pa sa mga stylistics ng rock music, na nagbibigay ng malaking pagpupugay sa jazz, at ang ilang mga musikero ay ganap na nasira sa rock. Hindi ito nakakagulat, dahil ang pinakamahusay na mga tradisyon ng pagganap ng gitara ay puro sa jazz.

Ang isang napakahalagang punto ay ginawa ni Joe Pass, na sa kanyang kilalang jazz school ay nagsusulat: "Ang mga klasikal na gitarista ay nagkaroon ng ilang siglo upang bumuo ng isang organic, pare-parehong diskarte sa pagganap - ang "tama" na pamamaraan. Ang jazz guitar, ang plectrum guitar, ay lumitaw lamang sa ating siglo, at ang electric guitar ay isang bagong kababalaghan na nagsisimula pa lamang nating maunawaan ang mga kakayahan nito bilang isang ganap na instrumentong pangmusika. Sa ganitong mga kondisyon, ang naipon na karanasan at mga tradisyon ng jazz ng kasanayan sa gitara ay nakakakuha ng espesyal na kahalagahan.

Nasa maagang anyo na ng blues, "archaic" o "rural", na kadalasang tinatawag ding English term na "country blues", nabuo ang mga pangunahing elemento ng teknolohiya ng gitara, na tumutukoy sa karagdagang pag-unlad nito. Ang ilang mga diskarte ng mga gitarista ng blues ay naging batayan para sa pagbuo ng mga kasunod na istilo.

Ang pinakamaagang pag-record ng country blues ay nagsimula noong kalagitnaan ng 20s, ngunit may lahat ng dahilan upang ipalagay na, sa esensya, ito ay halos walang pinagkaiba sa orihinal na istilo na nabuo sa mga itim ng southern states (Texas, Louisiana, Alabama, atbp. ) noong 70-80s ng ika-19 na siglo.

Kabilang sa mga namumukod-tanging singer-guitarist ng istilong ito ay si Blind Lemon Jefferson (1897-1930), na nagkaroon ng malaking impluwensya sa maraming musikero sa susunod na panahon, at hindi lamang sa mga blues Isang napakatalino na master ng guitar ragtime at blues ay si Blind Blake (. 1895 -1931), na marami sa mga pag-record ay namamangha pa rin ngayon sa kanilang mahusay na pamamaraan at katalinuhan ng mga improvisasyon. Si Blake ay wastong itinuturing na isa sa mga nagpasimula ng paggamit ng gitara bilang solong instrumento. Si Huddie Leadbetter, na karaniwang kilala bilang Leadbelly (1888-1949), ay minsang tinawag na "Hari ng Twelve-String Guitar." Minsan ay naglaro siya sa mga duet kasama si Jefferson, kahit na mas mababa siya sa kanya bilang isang performer. Ipinakilala ni Leadbelly ang mga katangian ng bass figure sa saliw - ang "wandering bass", na sa kalaunan ay malawakang ginagamit sa jazz.

Namumukod-tangi sa mga country blues na gitarista si Lonnie Johnson (1889-1970), isang birtuoso na musikero na napakalapit sa jazz. Nag-record siya ng mahusay na mga blues na walang vocals, at madalas na naglaro siya gamit ang isang pick, na nagpapakita hindi lamang mahusay na diskarte, kundi pati na rin ang hindi pangkaraniwang improvisational na kasanayan.

Ang isa sa mga tampok ng panahon ng Chicago sa pagbuo ng tradisyonal na jazz, na naging transisyonal sa swing, ay ang pagpapalit ng mga instrumento: sa halip na cornet, tuba at banjo, ang trumpeta, double bass at gitara ang nauna.

Kabilang sa mga dahilan nito ay ang pagdating ng mga mikropono at ang electromechanical na paraan ng sound recording: ang gitara sa wakas ay tumunog nang buo sa mga rekord. Ang isang mahalagang katangian ng Chicago jazz ay ang pagtaas ng papel ng solo improvisation. Dito naganap ang isang makabuluhang pagliko sa kapalaran ng gitara: ito ay naging isang ganap na solong instrumento.

Ito ay dahil sa pangalang Eddie Lang (tunay na pangalan - Salvador Massaro), na nagpakilala ng maraming diskarte sa jazz sa pagtugtog ng gitara na tipikal ng iba pang mga instrumento - lalo na, katangian ng pagbigkas ng mga instrumento ng hangin. Nilikha din ni Eddie Lang ang estilo ng jazz ng paglalaro gamit ang isang pick, na kalaunan ay naging nangingibabaw. Siya ang unang gumamit ng plectrum guitar - isang espesyal na gitara para sa pagtugtog ng jazz, na naiiba sa karaniwang Espanyol sa kawalan ng bilog na rosette. Sa halip, lumabas sa soundboard ang mga f-hole na katulad ng violin f-hole at isang naaalis na panel-shield na nagpoprotekta laban sa mga pick blow. Ang paglalaro ni Eddie Lang sa ensemble ay nakikilala sa pamamagitan ng malakas na paggawa ng tunog. Madalas siyang gumamit ng mga passing sound, chromatic sequence; minsan binago niya ang anggulo ng plectrum na may kaugnayan sa leeg, sa gayon ay nakakamit ang isang tiyak na tunog.

Ang katangian ng istilo ni Lang ay ang mga chord na may naka-mute na string, matitigas na accent, parallel non-chord, whole-tone scales, isang uri ng glissando, artificial harmonics, sequence ng augmented chord at phrasing na katangian ng mga instrumentong pang-ihip. Masasabing sa ilalim ng impluwensya ni Eddie Lang na maraming mga gitarista ang nagsimulang magbayad ng higit na pansin sa mga bass notes sa mga chord at, kung maaari, makamit ang mas mahusay na boses. Ang pag-imbento ng electric guitar ay ang impetus para sa paglitaw ng mga bagong paaralan ng gitara at mga uso. Itinatag sila ng dalawang jazz guitarist: Charlie Christian sa America at Django Reinhardt

(Django Reinhardt) sa Europa

Sa kanyang aklat na "From Rag to Rock," ang tanyag na kritiko ng Aleman na si I. Behrendt ay sumulat: "Para sa modernong musikero ng jazz, ang kasaysayan ng gitara ay nagsisimula kay Charlie Christian. Sa loob ng dalawang taon na ginugol niya sa eksena ng jazz, binago niya ang pagtugtog ng gitara. Siyempre, may mga gitarista na nauna sa kanya, pero, gayunpaman, ang gitara ay tumugtog bago si Christian at ang tumugtog pagkatapos niya ay dalawang magkaibang instrumento.”

Naglaro si Charlie sa isang birtuosidad na tila hindi matamo ng kanyang mga kapanahon. Sa kanyang pagdating, ang gitara ay naging pantay na kalahok sa jazz ensembles. Siya ang unang nagpakilala ng solong gitara bilang pangatlong boses sa isang ensemble na may trumpeta at tenor saxophone, na pinalaya ang instrumento mula sa mga purong ritmikong function sa orkestra. Bago ang iba, napagtanto ni C. Christian na ang pamamaraan ng pagtugtog ng electric guitar ay makabuluhang naiiba sa pagtugtog ng acoustic guitar. Sa pagkakatugma, nag-eksperimento siya sa nadagdagan at nabawasan na mga chord, at nakabuo ng mga bagong rhythmic pattern para sa pinakamahusay na jazz melodies (evergreens). Sa mga sipi ay madalas siyang gumamit ng mga add-on sa ikapitong chord, na humahanga sa mga tagapakinig sa kanyang melodic at rhythmic inventiveness. Siya ang unang bumuo ng kanyang mga improvisasyon, hindi umaasa sa pagkakaisa ng tema, ngunit sa pagpasa ng mga chord, na inilagay niya sa pagitan ng mga pangunahing. Sa melodic sphere, ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng paggamit ng legato sa halip na hard staccato.

C. Ang pagganap ni Christian ay palaging nakikilala sa pamamagitan ng kanyang pambihirang kapangyarihan ng pagpapahayag na sinamahan ng matinding indayog. Sinasabi ng mga teorista ng jazz na sa kanyang pagtugtog ay inaasahan niya ang paglitaw ng bagong istilong jazz na bebop (be-bop) at isa sa mga lumikha nito.

Kasabay ni Christian, nagniningning sa Paris ang parehong natatanging jazz guitarist na si Django Reinhardt. Si Charlie Christian, habang gumaganap pa rin sa mga club sa Oklahoma, ay hinahangaan si Django at madalas na paulit-ulit na nota para sa tala na ang kanyang mga solo ay naitala sa mga rekord, bagaman ang mga musikero na ito ay lubhang naiiba sa bawat isa sa paraan ng pagtugtog. Maraming sikat na musicologist at jazz artist ang nagsalita tungkol sa kontribusyon ni Django sa pagbuo ng jazz style ng pagtugtog ng gitara at sa kanyang husay. Ayon kay D. Ellington, “Si Django ay isang super artist. Ang bawat nota na kanyang tinutugtog ay isang kayamanan, ang bawat kuwerdas ay katibayan ng kanyang hindi matitinag na panlasa.

Naiiba si Django sa iba pang mga gitarista sa kanyang nagpapahayag, mayamang tunog at kakaibang paraan ng pagtugtog, na may mahabang cadences pagkatapos ng ilang bar, biglaang mabilis na mga sipi, matatag at matindi ang impit na ritmo. Sa mga sandali ng kasukdulan ay madalas siyang tumugtog ng octaves.

Ang ganitong uri ng pamamaraan ay hiniram mula sa kanya ni C. Christian, at labindalawang taon mamaya ni W. Montgomery. Sa mabilis na mga piraso, nagawa niyang lumikha ng gayong apoy at presyon, na dati ay nakatagpo lamang sa mga pagtatanghal sa mga instrumento ng hangin. Sa mabagal na mga siya ay hilig sa prelude at rhapsody, malapit sa Negro blues. Si Django ay hindi lamang isang mahusay na virtuoso soloist, ngunit isa ring mahusay na accompanist. Nauna siya sa marami sa kanyang mga kontemporaryo sa paggamit ng minor seventh chords, diminished, augmented at iba pang passing chords. Binigyang-pansin ni Django ang pagkakatugma ng mga harmonic scheme ng mga piyesa, kadalasang binibigyang-diin na kung tama at lohikal ang lahat sa mga pag-unlad ng chord, kung gayon ang himig ay dadaloy nang mag-isa.

Kapag sumasaliw, madalas siyang gumamit ng mga chord na ginagaya ang tunog ng brass section. Ang mga kontribusyon nina Charlie Christian at Django Reinhardt sa kasaysayan ng jazz guitar ay napakahalaga. Ang dalawang natatanging musikero na ito ay nagpakita ng hindi mauubos na mga kakayahan ng kanilang instrumento hindi lamang sa saliw, kundi pati na rin sa mga improvisational na solo, at paunang natukoy ang mga pangunahing direksyon para sa pagbuo ng mga diskarte sa pagtugtog ng electric guitar para sa maraming mga darating na taon.

Ang tumaas na papel ng gitara bilang isang solong instrumento ay humantong sa isang labis na pananabik para sa mga performer na tumugtog sa maliliit na lineup (combos). Dito naramdaman ng gitarista na isang buong miyembro ng grupo, na gumaganap ng mga tungkulin ng isang accompanist at isang soloist. Ang katanyagan ng gitara ay lumalawak araw-araw, parami nang parami ang mga pangalan ng mga mahuhusay na gitarista ng jazz na lumitaw, ngunit ang bilang ng mga malalaking banda ay nanatiling limitado. Bilang karagdagan, maraming mga tagapamahala at tagapag-ayos malalaking orkestra Ang gitara ay hindi palaging kasama sa seksyon ng ritmo. Ito ay sapat na upang pangalanan, halimbawa,

Duke Ellington, na hindi gustong pagsamahin ang tunog ng gitara at piano sa saliw. Gayunpaman, kung minsan ang gawaing "mekanikal" na nagsisilbi upang mapanatili ang ritmo sa isang malaking banda ay nagiging tunay na sining ng jazz. Pinag-uusapan natin ang tungkol sa isa sa mga nangungunang kinatawan ng chord-rhythmic na istilo ng pagtugtog ng gitara, si Freddie Green.

Ang Virtuoso chord technique, isang kahanga-hangang pakiramdam ng pag-indayog, at isang banayad na panlasa ng musika ay nakikilala sa kanyang pagtugtog. Halos hindi siya nag-iisa, ngunit sa parehong oras ay madalas siyang inihambing sa isang tugboat, na hinihila ang buong orkestra kasama niya.

Ito ay si Freddie Green na, sa malaking lawak, ay may utang na loob sa malaking banda ni Count Basie ng hindi pangkaraniwang compactness ng seksyon ng ritmo, ang pagpapalaya at laconicism ng pagtugtog. Malaki ang impluwensya ng master na ito sa mga gitarista na mas gusto ang accompaniment at chord improvisation kaysa sa mahahabang sipi at single-voice improvisation. Ang gawa nina Charlie Christian, Django at Freddie Green ay bumubuo, kumbaga, tatlong sangay ng family tree ng jazz guitar. Gayunpaman, dapat na banggitin ang isa pang direksyon, na medyo magkahiwalay, ngunit sa ating panahon ay lalong kinikilala at laganap.

Ang katotohanan ay hindi lahat ng mga gitarista ay natagpuan ang istilo ni Charles Christian na katanggap-tanggap, kung saan ang mga kamay ay nakuha ng gitara ang tunog ng mga instrumentong pang-ihip ng hangin (hindi nagkataon na marami, na nakikinig sa mga pag-record ni Charlie Christian, ay napagkamalan na ang boses ng kanyang gitara ay isang saxophone). Una sa lahat, imposible ang kanyang istilo para sa mga tumutugtog ng acoustic guitar gamit ang kanilang mga daliri.

Marami sa mga teknikal na pamamaraan na binuo ni C. Christian (mahabang legato, mahabang improvisational na linya na walang harmonic support, sustained notes, bends, bihirang paggamit ng open strings, atbp.) ay hindi epektibo para sa kanila, lalo na kapag tumutugtog ng mga instrument na may mga nylon string. Bilang karagdagan, lumitaw ang mga gitarista na pinagsama ang klasikal, pagtugtog ng gitara, flamenco at mga elemento ng Latin American na musika sa jazz sa kanilang malikhaing istilo. Pangunahing kasama sa mga ito ang dalawang natatanging musikero ng jazz: Laurindo Almeida at Charlie Byrd, na ang trabaho ay nakaimpluwensya sa maraming gitarista klasikong istilo, na nagpapakita sa pagsasanay ng walang limitasyong mga posibilidad ng isang acoustic guitar. Sa magandang dahilan maaari silang ituring na mga tagapagtatag ng istilong "classical guitar in jazz".

Ang black guitarist na si Wes John Leslie Montgomery ay isa sa pinaka... maliliwanag na musikero, na lumabas sa eksena ng jazz pagkatapos ng C. Christian. Siya ay ipinanganak noong 1925 sa Indianapolis; Naging interesado lang siya sa gitara sa edad na 19 sa ilalim ng impluwensya ng mga rekord ni Charlie Christian at ang hilig ng kanyang mga kapatid na sina Buddy at Monk, na tumugtog ng piano at double bass sa orkestra ng sikat na vibraphonist na si Lionel Hampton. Nagawa niyang makamit ang isang hindi pangkaraniwang mainit, "velvety" na tunog (gamit ang kanyang kanang hinlalaki sa halip na isang pick) at binuo ang kanyang octave technique nang labis na nagawa niya ang buong improvisational chorus sa mga octaves nang may kamangha-manghang kadalian at kalinawan, madalas sa medyo mabilis na tempo. Ang kanyang husay ay labis na humanga sa kanyang mga kasosyo kaya't pabiro nilang binansagan si Wes na "Mr. Ang unang rekord na may recording ni W. Montgomery ay inilabas noong 1959 at agad na nagdala ng tagumpay at malawak na pagkilala sa gitarista. Ang mga mahilig sa jazz ay nabigla sa husay ng kanyang pagtugtog, pino at pinipigilang articulation, melodic improvisations, isang pare-parehong pakiramdam ng blues intonations at isang maliwanag na pakiramdam ng swing ritmo. Ang kumbinasyon ng solong electric guitar at tunog ni Wes Montgomery ay napaka-interesante malaking orkestra, kabilang ang isang string group.

Karamihan sa mga kasunod na jazz guitarist - kabilang ang mga sikat na musikero gaya ni Jim Hall, Joe Pass, John McLaughlin, George Benson, Larry Coryell - ay kinikilala ang malaking impluwensya ni Wes Montgomery sa kanilang trabaho. Nasa 40s na, ang mga pamantayan na binuo ng swing ay tumigil upang masiyahan ang maraming musikero. Ang mga itinatag na cliches sa pagkakatugma ng anyo ng kanta, bokabularyo na madalas na pinakuluan sa direktang sipi mula sa mga natitirang master ng jazz, rhythmic monotony at ang paggamit ng swing sa komersyal na musika ay naging isang preno sa karagdagang pag-unlad ng genre. Pagkatapos ng "ginintuang panahon" ng swing, dumating ang oras upang maghanap ng bago, mas advanced na mga form. Parami nang parami ang mga bagong direksyon na umuusbong, na, bilang panuntunan, ay pinagsama ng isang karaniwang pangalan - modernong jazz (Modern Jazz). Kabilang dito ang bebop (“staccato jazz”), hard bop, progressive, cool, third movement, bossa nova at Afro-Cuban jazz, modal jazz, jazz rock, free jazz, fusion at ilang iba pa: Ang ganitong pagkakaiba-iba, impluwensya sa isa’t isa at interpenetration ay iba. ginagawang kumplikado ng mga paggalaw ang pagsusuri sa gawain ng mga indibidwal na musikero, lalo na't marami sa kanila ang sabay-sabay na nilalaro sa iba't ibang paraan. Kaya, halimbawa, sa mga pag-record ng C. Bird, mahahanap mo ang bossa nova, blues, jazz na mga tema, pagsasaayos ng mga classic, country rock, at marami pa. B. Kasama sa paglalaro ni Kessel ang swing, bebop, bossa nova, mga elemento ng modal jazz, atbp. Ito ay katangian na ang mga jazz guitarist mismo ay madalas na tumutugon nang husto sa mga pagtatangka na uriin sila bilang isa o isa pang kilusang jazz, na isinasaalang-alang ito na isang primitive na diskarte sa pagtatasa ng kanilang trabaho. Ang ganitong mga pahayag ay matatagpuan sa Larry Coryell, Joe Pass, John McLaughlin at iba pa.

2 .2 Basicmga direksyonpop-jazzpagganap60-70 - Xtaon

Gayunpaman, ayon sa isa sa mga kritiko ng jazz na si I. Behrendt, sa gilid ng 60s at 70s, apat na pangunahing direksyon ang lumitaw sa modernong pagganap ng gitara: 1) mainstream (pangunahing kasalukuyang); 2) jazz-rock; 3) direksyon ng blues; 4) bato. Ang pinakakilalang kinatawan ng mainstream ay maaaring ituring na Jim Hall, Kenny Burrell at Joe Pass. Si Jim Hall, ang "poet of jazz," na madalas na tawag sa kanya, ay kilala at minamahal ng publiko mula sa huling bahagi ng 50s hanggang sa kasalukuyan.

Si Joe Pass (buong pangalan na Joseph Anthony Jacobi Passalacqua) ay tinatawag na "Virtuoso of Jazz Guitar." Niraranggo siya ng mga kritiko kasama ng mga musikero tulad nina Oscar Peterson, Ella Fitzgerald at Barney Kessel. Ang kanyang mga talaan ng mga duet kasama sina Ella Fitzgerald at Herb Ellis, isang trio kasama sina Oscar Peterson at bassist na si Nils Pederson, at lalo na ang kanyang mga solo disc na "Joe Pass the Virtuoso" ay lubos na matagumpay. Si Joe Pass ay isa sa pinakakawili-wili at maraming nalalaman na jazz guitarist, na nagpatuloy sa tradisyon nina Jacgo Reinhardt, Charlie Christian at Wes Montgomery. Ang kanyang trabaho ay maliit na naiimpluwensyahan ng mga bagong uso sa modernong jazz: mas gusto niya ang bebop. Kasama ng kanyang mga aktibidad sa konsiyerto, maraming at matagumpay na nagturo si Joe Pass, nai-publish na mga gawang pamamaraan, kung saan ang kanyang paaralan na "Joe Pass Guitar Style" 2E ay sumasakop sa isang espesyal na lugar

Gayunpaman, hindi lahat ng jazz guitarist ay tapat sa "mainstream". Kabilang sa mga namumukod-tanging musikero na nahilig sa isang bagong bagay sa pagbuo ng jazz, dapat nating pansinin sina George Benson, Carlos Santana, at Ola di Meola. Ang Mexicanong musikero na si Carlos Santana (ipinanganak noong 1947) ay gumaganap sa istilong "Latin rock", batay sa pagganap ng mga ritmo ng Latin American (samba, rumba, salsa, atbp.) sa istilong rock, na sinamahan ng mga elemento ng flamenco.

Si George Benson ay ipinanganak noong 1943 sa Pittsburgh at noong bata pa siya ay kumanta na siya ng blues at tumugtog ng gitara at banjo. Sa edad na 15, nakatanggap si George ng isang maliit na de-kuryenteng gitara bilang regalo, at sa 17, pagkatapos ng pagtatapos sa paaralan, bumuo siya ng isang maliit na rock and roll band kung saan siya kumanta at tumugtog. Makalipas ang isang taon, dumating sa Pittsburgh ang jazz organist na si Jack McDuff. Ngayon, itinuturing ng ilang eksperto ang kanyang mga unang recording kasama si Jack McDuff bilang pinakamahusay sa buong discography ni Benson. Si Benson ay lubhang naimpluwensyahan ng gawain nina Django Reinhardt at Wes Montgomery, lalo na ang pamamaraan ng huli.

Kabilang sa bagong henerasyon ng mga gitarista na tumutugtog ng jazz-rock at pagbuo ng medyo bagong istilo ng jazz - fusion, namumukod-tangi ang AI di Meola. Ang hilig ng batang musikero para sa jazz guitar ay nagsimula sa pakikinig sa isang recording ng isang trio na may partisipasyon ni Larry Coryell (na, nagkataon, pinalitan ni Ol di Meola sa parehong lineup pagkalipas ng ilang taon). Nasa edad na 17 siya ay lumahok sa mga pag-record kasama Chick Corea. Mahusay na tumugtog ng gitara si Ol di Meola - parehong gamit ang kanyang mga daliri at isang pick. Ang aklat-aralin na isinulat niya, "Mga Katangian ng Pamamaraan para sa Pagtugtog ng Gitara na may Pinili," ay lubos na pinuri ng mga eksperto.

Kasama rin sa mga innovator sa ating panahon ang mahuhusay na gitarista na si Larry Coryell, na dumaan sa mahirap na malikhaing landas - mula sa pagkahilig sa rock and roll hanggang sa mga pinakabagong trend ng modernong jazz music.

Sa katunayan, pagkatapos ng Django, isang European guitarist lamang ang nakamit ang walang kondisyong pagkilala sa buong mundo at naimpluwensyahan ang pag-unlad ng jazz sa kabuuan - ang Englishman na si John McLaughlin. Ang kasagsagan ng kanyang talento ay naganap sa unang kalahati ng 70s ng ikadalawampu siglo - isang panahon kung saan mabilis na pinalawak ng jazz ang mga hangganan ng istilo nito, pagsali sa musikang rock, mga eksperimento sa electronic at avant-garde na musika, iba't ibang alamat. mga tradisyon sa musika. Ito ay hindi nagkataon na hindi lamang mga tagahanga ng jazz ang itinuturing na "isa sa kanilang sarili" si McLaughlin: makikita natin ang kanyang pangalan sa anumang encyclopedia ng rock music. Noong unang bahagi ng 70s, inorganisa ni McLaughlin ang orkestra ng Mahavishnu (Great Vishnu). Bilang karagdagan sa mga keyboard, gitara, drum at bass, ipinakilala niya ang biyolin sa komposisyon nito. Sa orkestra na ito, ang gitarista ay nagtala ng isang bilang ng mga rekord, na masigasig na tinanggap ng publiko. Pansinin ng mga reviewer ang virtuosity ni McLaughlin, innovation sa arrangement, at freshness ng sound dahil sa paggamit ng mga elemento ng Indian music. Ngunit ang pangunahing bagay ay ang hitsura ng mga disc na ito ay nagmamarka ng pag-apruba at pagbuo ng isang bagong direksyon ng jazz: jazz-rock.

Sa kasalukuyan, maraming mga natatanging gitarista ang lumitaw na nagpapatuloy at nagpapahusay sa mga tradisyon ng mga masters ng nakaraan. Ang gawain ng pinakasikat na estudyante ni Jimmy Hall, si Pat Matttany, ay may malaking kahalagahan para sa kultura ng pop-jazz sa mundo. Ang kanyang mga makabagong ideya ay makabuluhang nagpayaman sa melodic-harmonic na wika ng modernong pop music. Gusto ko ring pansinin ang makikinang na pagganap at pagtuturo ng mga aktibidad nina Mike Stern, Frank Gambel, Joe Satriani, Steve Vai, estudyante ni Joe Pass na si Leah Ritenour at marami pang iba.

Kung tungkol sa pag-unlad ng sining ng pagtugtog ng pop-jazz (electric at acoustic) na gitara sa ating bansa, magiging imposible kung wala ang maraming taon ng matagumpay na gawaing pang-edukasyon ni V. Manilov, V. Molotkov, A. Kuznetsov, A. Vinitsky, pati na rin ang kanilang mga tagasunod na sina S. Popov, I. Boyko at iba pa. Malaki rin ang kahalagahan ng konsiyerto at pagganap ng mga musikero gaya ng A. Kuznetsov, I. Smirnov, I. Boyko, D. Chetvergov, T. Kvitelashvili, A. Chumakov, V. Zinchuk at marami pang iba. Ang pagkakaroon ng nawala mula sa blues hanggang sa jazz-rock, ang gitara ay hindi lamang naubos ang mga kakayahan nito, ngunit, sa kabaligtaran, ay nakakuha ng pamumuno sa maraming bagong direksyon ng jazz. Ang mga pag-unlad sa teknolohiya ng pagtugtog ng acoustic at electrified guitars, ang paggamit ng electronics, ang pagsasama ng mga elemento ng flamenco, classical na istilo, atbp. ay nagbibigay ng dahilan upang isaalang-alang ang gitara na isa sa mga nangungunang instrumento ng genre na ito ng musika. Iyon ang dahilan kung bakit napakahalaga para sa mga musikero ng bagong henerasyon na pag-aralan ang karanasan ng kanilang mga nauna - mga jazz guitarist. Sa batayan lamang na ito posible na maghanap para sa isang indibidwal na istilo ng pagganap ng pagtugtog, mga paraan ng pagpapabuti ng sarili at karagdagang pag-unlad ng pop-jazz na gitara

Mga konklusyon

Sa ngayon, ang paksa ng pagbuo ng mga kasanayan sa pagganap sa 6-string na gitara ay nananatiling may kaugnayan, dahil sa ngayon ay maraming mga paaralan at mga sistema ng pagsasanay. Kasama sa mga ito ang iba't ibang direksyon, mula sa klasikal na paaralan ng paglalaro hanggang sa jazz, Latin, at blues na mga paaralan.

Sa pagbuo ng jazz stylistics, ang isang napakahalagang papel ay ginampanan ng isang tiyak na instrumental na pamamaraan, na partikular na katangian para sa paggamit ng jazz ng instrumento at ang mga kakayahan nito sa pagpapahayag - melodic, intonation, rhythmic, harmonic, atbp. Malaki ang kahalagahan ng blues para sa pagbuo ng jazz. Sa turn, "isa sa mga mapagpasyang salik sa pagkikristal ng mga blues mula sa mas maaga at hindi gaanong pormal na mga uri ng Negro folklore ay ang" pagtuklas ng gitara sa kapaligirang ito.

Alam ng kasaysayan ng pag-unlad ng sining ng gitara ang maraming pangalan ng mga gitarista-guro, kompositor at performer na lumikha ng maraming aklat-aralin sa pag-aaral na tumugtog ng gitara, marami sa kanila nang direkta o hindi direktang nauugnay sa problema ng pagbuo ng pag-iisip ng daliri.

Sa katunayan, sa ating panahon, ang konsepto ng isang gitarista ay kinabibilangan ng mastery ng parehong mga pangunahing klasikal na diskarte, bilang batayan, pati na rin ang kakayahan at pag-unawa sa mga estilista, kasamang mga function, ang kakayahang tumugtog at mag-improvise ayon sa mga numero, lahat ng mga subtleties at mga tampok ng blues at jazz thinking.

Sa kasamaang palad, sa kani-kanina lang Ang media ay nagbibigay ng napakakaunting impluwensya hindi lamang sa seryosong klasikal, kundi pati na rin sa mga di-komersyal na uri ng pop-jazz na musika

Listahanginamitpanitikan

1. Bakhmin A.A. Manwal ng pagtuturo sa sarili para sa pagtugtog ng anim na string na gitara / A.A. Bakhmin. M.: ACC-center, 1999.-80 p.

2. Boyko I.A. Improvisasyon sa electric guitar. Bahagi 2 "Mga Pangunahing Kaalaman ng pamamaraan ng chord" - M.; Hobby Center, 2000-96 pp.;

3. Boyko I.A. Improvisasyon sa electric guitar. Bahagi 3 "Progresibong paraan ng improvisasyon" - M.; Sentro ng libangan, 2001-86 p.

4. Boyko I.A. Improvisasyon sa electric guitar. Bahagi 4 "Pentatonic scale at ang mga nagpapahayag na posibilidad" - M.; Hobby Center, 2001 - 98 pp.; may sakit.

5. Brandt V.K. Mga Batayan ng pamamaraan para sa isang pop ensemble guitarist / Manual na pang-edukasyon at pamamaraan para sa mga paaralan ng musika - M. 1984 - 56 p.

6. Dmitrievsky Yu.V. / Gitara mula blues hanggang jazz-rock / Yu.V. Dmitrievsky - M.: Musical Ukraine, 1986. - 96 p.

7. Ivanov-Kramskoy A.M. School of playing the six-string guitar / A.M. Ivanov-Kramskoy. - M.: Sov. Kompositor, 1975. - 120 p.

8. Manilov V.A. Matutong sumabay sa gitara/V.A. Manilov. - K.: Musical Ukraine, 1986. - 105 p.

9. Pass, D. Guitar style ng Joe Pass / Joe Pass, Bill Thrasher / Comp.: "Guitar College" - M.: "Guitar College", 2002 - 64 pp.; may sakit.

10. Popov, S. Batayan / Comp.; "Guitar College" - M.; "Guitar College", 2003 - 127 p.;

11. Puhol M. School of playing the six-string guitar / Transl. at pag-edit ni N. Polikarpov - M.; Sov. Kompositor, 1987 - 184 p.

12. Al Di Meola "Technique of playing with a pick"; Per. / Comp.; "GIDinform"

13. Yalovets A. Dzhango Reichard - "Krugozor", M.; 1971 No. 10 - p. 20-31

Na-post sa Allbest.ru

Mga katulad na dokumento

Mastering at paggamit ng harmony at melody ng jazz music sa modernong pop-jazz performance at pedagogy. Jazz melodic sa istilong Bebop. Mga praktikal na rekomendasyon para sa pag-optimize ng trabaho ng isang pop vocalist sa jazz repertoire.

thesis, idinagdag noong 07/17/2017


Mga tampok ng pagsulat at pagsasagawa ng melismas sa iba't ibang yugto ng panahon, ang mga dahilan ng paglitaw ng melismatics. Ang paggamit ng mga musical technique sa vocal pop-jazz performance. Mga pagsasanay para sa pagbuo ng mahusay na pamamaraan ng boses para sa mga bokalista.

thesis, idinagdag noong 11/18/2013


Mga natatanging tampok ng musikal na kultura ng Renaissance: ang paglitaw ng mga anyo ng kanta (madrigal, villancico, frottol) at instrumental na musika, ang paglitaw ng mga bagong genre (solo song, cantata, oratorio, opera). Konsepto at pangunahing uri ng texture ng musika.

abstract, idinagdag noong 01/18/2012


Ang pagbuo ng musika bilang isang anyo ng sining. Mga makasaysayang yugto ng pagbuo ng musika. Ang kasaysayan ng pagbuo ng musika sa mga pagtatanghal sa teatro. Ang konsepto ng "genre ng musika". Mga dramatikong pag-andar ng musika at ang mga pangunahing uri ng mga katangian ng musikal.

abstract, idinagdag 05/23/2015


Ang mekanismo ng pagbuo ng klasikal na musika. Ang paglago ng klasikal na musika mula sa sistema ng pagsasalita ng mga musikal na pagbigkas (mga ekspresyon), ang kanilang pagbuo sa mga genre ng musikal na sining (chorales, cantatas, opera). Musika bilang isang bagong artistikong komunikasyon.

abstract, idinagdag 03/25/2010


Ang paglitaw ng kulturang rock sa mundo: "bansa", "ritmo at blues", "rock and roll". Ang bukang-liwayway ng katanyagan ng rock and roll at ang pagbaba nito. Ang paglitaw ng istilong rock. Ang kasaysayan ng maalamat na pangkat na "The Beatles". Mga maalamat na kinatawan ng yugto ng bato. Mga hari ng gitara, ang pagbuo ng matigas na bato.

abstract, idinagdag noong 06/08/2010


Mga tradisyon ng katutubong kultura sa musikal na pagpapalaki at edukasyon ng mga bata. Pagtugtog ng mga instrumentong pangmusika bilang isang anyo aktibidad sa musika mga preschooler. Mga rekomendasyon para sa paggamit ng instrumental na kultura para sa pagpapaunlad ng mga kakayahan sa musika ng mga bata.

thesis, idinagdag noong 05/08/2010


Ang lugar ng rock music sa mass musical culture ng ika-20 siglo, ang emosyonal at ideolohikal na epekto nito sa madla ng kabataan. Ang kasalukuyang sitwasyon ng Russian rock gamit ang halimbawa ng gawain ni V. Tsoi: personalidad at pagkamalikhain, ang misteryo ng isang kultural na kababalaghan.

course work, idinagdag noong 12/26/2010


Mga tampok ng modernong sociocultural na sitwasyon na nakakaimpluwensya sa proseso ng pagbuo ng musikal at aesthetic na kultura ng isang mag-aaral, ang teknolohiya ng pag-unlad nito sa mga aralin sa musika. Mga mabisang pamamaraan, nagsusulong ng edukasyon ng musikal na kultura sa mga kabataan.

thesis, idinagdag noong 07/12/2009


Synthesis ng mga kultura at tradisyon ng Africa at European. Ang pag-unlad ng jazz, ang pagbuo ng mga bagong ritmo at harmonic na modelo ng mga musikero at kompositor ng jazz. Jazz sa Bagong Mundo. Mga genre ng jazz music at ang mga pangunahing tampok nito. Mga musikero ng jazz ng Russia.

Kabanata I. Klasikal na gitara: kasaysayan ng paglikha, pagpapabuti at pagpapatakbo.

§ 1. Kasaysayan ng sining ng gitara sa Kanlurang Europa.

§ 2. Kasaysayan ng klasikal na pagganap ng gitara sa Russia.

§ 3. Klasikong gitara sa mga lalawigan ng Russia.

Kabanata II. Akademikong sining ng pagtugtog ng klasikal na gitara: kakanyahan, istraktura, mga pag-andar.

§ 1. Kakanyahan, istraktura at mga tungkulin ng akademikong gumaganap na sining.

§ 2. Propesyonal na pagganap bilang unang bahagi ng akademikong sining.

§ 3. Ang sistema ng propesyonal na edukasyon bilang pangalawang bahagi ng akademikong sining.

§ 4. Ang istraktura ng repertoire para sa klasikal na gitara bilang ikatlong bahagi ng akademikong sining.

Kabanata III. Classical na gitara sa sistema ng domestic professional music education.

§ 1. Modernong sistema ng propesyonal na pagsasanay sa pagtugtog ng klasikal na gitara sa Russia.

§ 2. Modelong pang-edukasyon bilang isang paraan ng pagbuo ng isang propesyonal na tagapalabas ng klasikal na gitara.

§ 3. Impormasyon at mga teknolohiya sa kompyuter sa sistema ng propesyonal na edukasyon sa musika.

Panimula ng disertasyon (bahagi ng abstract) sa paksang "Classical guitar in Russia: sa problema ng academic status"

Konklusyon ng disertasyon sa paksang "Musical Art", Ganeev, Vitaly Rinatovich

Listahan ng mga sanggunian para sa pananaliksik sa disertasyon Kandidato ng Art History Ganeev, Vitaly Rinatovich, 2006

Pakitandaan ang nasa itaas mga tekstong siyentipiko nai-post para sa mga layunin ng impormasyon at nakuha sa pamamagitan ng orihinal na dissertation text recognition (OCR). Kaugnay nito, maaaring maglaman ang mga ito ng mga error na nauugnay sa mga hindi perpektong algorithm ng pagkilala. Walang ganoong mga error sa mga PDF file ng mga disertasyon at abstract na inihahatid namin.

Ignaz Geld

Andrey Osipovich Sihra

Semyon Nikolaevich Aksenov

Vasily Stepanovich Sarenko

Vladimir Ivanovich Morkov

Ang isa sa mga pinakatanyag na pigura sa pagbuo ng pagganap ng gitara ng Russia ay si Mikhail Timofeevich Vysotsky (1791-1837).

Alexander Petrovich Soloviev

Valerian Alekseevich Rusanov