Instrumental na musika noong ika-17 siglo. Mga instrumentong pangmusika Mag-ulat tungkol sa mga instrumentong pangmusika noong ika-17 at ika-18 siglo

Ministri ng Edukasyon at Agham ng Ukraine

SevNTU

Kagawaran: Ukrainian Studies. Kulturolohiya. Pedagogy.

Abstract sa pag-aaral sa kultura

Paksa: « Instrumental na musika Panahon ng Baroque (XVII - ika-1 kalahati ng siglong XVIII). Ang pinagmulan ng mga genre - symphony, konsiyerto. Ang gawa ni Antonio Vivaldi."

Nakumpleto ni: mag-aaral

pangkat IM-12d

Stupko M.G.

Sinuri:

Kostennikov A.M.

Sevastopol 2007

Plano:

Panimula.

Pangunahing bahagi:

1) Mga pagkakaiba sa musikang Baroque:

Mula sa Renaissance.

Mula sa klasisismo.

2) Pangkalahatang katangian mga instrumental na genre ng panahon ng Baroque.

3) Kasaysayan ng instrumental na musika sa Kanlurang Europa.

Ang huling bahagi.

1) Ang impluwensya ng baroque instrumental music sa susunod na musika.

Ang paglipat sa panahon ng klasisismo (1740-1780).

Ang impluwensya ng Baroque techniques at techniques pagkatapos ng 1760.

Jazz.

2) Konklusyon.

IV. Listahan ng mga mapagkukunan.

Panimula:

Ang panahon ng Baroque (Siglo XVII) ay isa sa mga pinaka-kagiliw-giliw na panahon sa kasaysayan ng kultura ng mundo. Ito ay kawili-wili para sa kanyang drama, intensity, dynamics, contrast at, sa parehong oras, armonya, integridad, pagkakaisa.

Ang sining ng musika ay gumaganap ng isang espesyal na papel sa panahong ito, na nagsisimula na parang may isang tiyak na punto ng pagbabago, na may isang hindi kompromiso na pakikibaka laban sa lumang "mahigpit na istilo."

Ang nagpapahayag na mga posibilidad ng musikal na sining ay lumalawak, at sa parehong oras ay may isang ugali patungo sa paghihiwalay ng musika mula sa mga salita - patungo sa masinsinang pag-unlad ng mga instrumental na genre, na higit na nauugnay sa Baroque aesthetics. Lumalabas ang mga malalaking cyclic form (concerto grosso, ensemble at solo sonata sa ilang suite, theatrical overtures, fugues, at organ-type improvisations ay intricately alternated. Ang paghahambing at interweaving ng polyphonic at homophonic na mga prinsipyo ng musikal na pagsulat ay nagiging tipikal.Ang pagbubuo at pagtatanghal ng mga diskarte sa panahon ng Baroque ay naging isang mahalagang bahagi ng klasikal na musikal na kanon. Ang mga gawa noong panahong iyon ay malawakang ginagawa at pinag-aaralan.

Mga pagkakaiba sa Baroque music

mula sa Renaissance

Ang Baroque music ay kinuha mula sa Renaissance ang kasanayan ng paggamit ng polyphony at counterpoint. Gayunpaman, ang mga pamamaraan na ito ay ginamit nang iba. Sa panahon ng Renaissance, ang pagkakasundo ng musika ay batay sa katotohanan na sa malambot at mahinahon na paggalaw ng polyphony, ang mga consonance ay lumitaw na pangalawa at parang nagkataon. Sa Baroque na musika, ang pagkakasunud-sunod ng hitsura ng mga consonance ay naging mahalaga: ito ay ipinakita sa tulong ng mga chord, na inayos ayon sa isang hierarchical scheme ng functional tonality (o functional major-minor modal system). Sa paligid ng 1600, ang kahulugan ng kung ano ang tonality ay higit na hindi tumpak at subjective. Halimbawa, ang ilan ay nakakita ng ilang tonal development sa cadences ng madrigals, habang sa katunayan sa mga unang monodies ang tonality ay hindi pa rin sigurado. Ang mahinang pag-unlad ng teorya ng pantay na ugali ay nagkaroon ng epekto. Ayon kay Sherman, sa unang pagkakataon lamang noong 1533, iminungkahi at ipinakilala ng Italyano na si Giovanni Maria Lanfranco ang isang sistema ng pantay na ugali sa pagsasanay ng pagganap ng organ at keyboard. Ngunit ang sistema ay naging laganap nang maglaon. At noong 1722 lamang lumitaw ang "The Well-Tempered Clavier" ni J. S. Bach. Ang isa pang pagkakaiba sa pagitan ng musical harmony ng Baroque at ng Renaissance ay na sa unang bahagi ng panahon ang paglilipat ng tonic ay naganap nang mas madalas sa mga ikatlo, habang sa panahon ng Baroque ay nangingibabaw ang modulasyon sa ikaapat o ikalima (ang hitsura ng konsepto ng functional tonality ay nagkaroon ng isang epekto). Bilang karagdagan, ang Baroque na musika ay gumamit ng mas mahabang melodic na linya at mas mahigpit na ritmo. Ang pangunahing tema ay lumawak nang mag-isa o sa tulong ng basso continuo accompaniment. Pagkatapos ay lumitaw ito sa ibang boses. mamaya, pangunahing paksa nagsimulang ipahayag sa pamamagitan ng basso continuo, hindi lamang sa tulong ng mga pangunahing tinig. Malabo ang hierarchy ng melody at accompaniment.

Tinukoy ng mga pagkakaiba sa istilo ang paglipat mula sa ricercars, fantasies at canzones ng Renaissance tungo sa fugues, isa sa mga pangunahing anyo ng Baroque music. Tinawag ni Monteverdi itong bago, malayang istilo pangalawang praktika (pangalawang anyo) bilang laban sa prima pratica (ang unang anyo), na naglalarawan sa mga motet at iba pang mga anyo ng simbahan ng mga koro ng naturang Renaissance masters bilang Giovanni Pierluigi da Palestrina. Ginamit mismo ni Monteverdi ang parehong mga estilo; ang kanyang Misa "In illo tempore" ay nakasulat sa lumang istilo, at ang kanyang "Vespers of the Blessed Virgin" sa bagong istilo.

May iba pang mas malalim na pagkakaiba sa mga istilong Baroque at Renaissance. Ang Baroque na musika ay nagsusumikap para sa higit pa mataas na antas emosyonal na kapunuan kaysa sa Renaissance music. Ang mga akda ng Baroque ay madalas na naglalarawan ng isang tiyak na damdamin (katuwaan, kalungkutan, kabanalan, atbp.; tingnandoktrina ng mga epekto). Ang Baroque na musika ay madalas na isinulat para sa mga birtuoso na mang-aawit at musikero, at kadalasan ay mas mahirap itanghal kaysa sa Renaissance na musika, sa kabila ng katotohanan na ang detalyadong pag-record ng mga bahagi para sa mga instrumento ay isa sa pinakamahalagang pagbabago sa panahon ng Baroque. Ito ay naging halos ipinag-uutos na gamitinmusikal na alahas, madalas na ginagampanan ng isang musikero sa anyoimprovisasyon. Ang mga pamamaraang nagpapahayag tulad ngmga tala inégalesnaging unibersal; ginagampanan ng karamihan sa mga musikero, madalas na may malaking kalayaan sa aplikasyon.

Ang isa pang mahalagang pagbabago ay ang pagkahilig sa instrumental na musika ay lumampas sa pagkahilig sa vocal music. Mga piyesang tinig tulad ngmga madrigal At arias, sa katunayan, ay madalas na hindi inaawit, ngunit gumanap nang instrumental. Ito ay pinatunayan ng patotoo ng mga kontemporaryo, gayundin ang bilang ng mga manuskrito ng mga instrumental na piyesa, na ang bilang nito ay lumampas sa bilang ng mga gawa na kumakatawan sa sekular na vocal music. Ang unti-unting paglitaw ng isang purong instrumental na istilo, na naiiba sa vocal polyphony noong ika-16 na siglo, ay isa sa pinakamahalagang hakbang sa paglipat mula sa Renaissance tungo sa Baroque. Hanggang sa katapusan ng ika-16 na siglo, ang instrumental na musika ay halos hindi nakikilala mula sa vocal music at binubuo pangunahin ng mga himig ng sayaw, pagsasaayos ng mga sikat na sikat na kanta at madrigal (pangunahin para sa mga instrumento sa keyboard atlutes) pati na rin ang mga polyphonic na piraso, na maaaring ilarawan bilangmga mote, canzone, mga madrigalwalang tekstong patula.

Bagama't iba't ibang pagkakaiba-iba ng paggamot,toccatas, pantasya At foreplaypara sa mga instrumento ng lute at keyboard ay kilala sa mahabang panahon, ang ensemble music ay hindi pa nanalo sa independiyenteng pag-iral nito. Gayunpaman, ang mabilis na pag-unlad ng mga sekular na komposisyon ng boses sa Italya at iba pang mga bansa sa Europa ay isang bagong impetus para sa paglikha musika sa silid para sa mga kasangkapan.

Halimbawa, sa Englandnaging laganap ang sining ng paglalaroviola- mga instrumentong may kuwerdas na may iba't ibang hanay at sukat. Ang mga manlalaro ng viol ay madalas na sumali sa vocal group, pinupunan ang mga nawawalang boses. Ang kasanayang ito ay naging pangkalahatang tinanggap, at maraming publikasyon ang may label na "Angkop para sa mga boses o viols."

Maraming vocal aria at madrigal ang ginanap bilang instrumental na mga gawa. Halimbawa, si madrigal"Silver Swan"Orlando Gibbonssa dose-dosenang mga koleksyon ito ay itinalaga at ipinakita bilang isang instrumental na piraso.

Mula sa klasisismo

Sa panahon ng classicism, na sumunod sa Baroque, ang papel ng counterpoint ay nabawasan (bagaman ang pag-unlad ng sining ng counterpoint ay hindi tumigil), at ang homophonic na istraktura ay dumating sa unahan mga gawang musikal. Mayroong mas kaunting dekorasyon sa musika. Ang mga gawa ay nagsimulang sumandal patungo sa isang mas malinaw na istraktura, lalo na ang mga nakasulat sa anyong sonata. Ang mga modulasyon (mga pagbabago sa susi) ay naging isang elemento ng istruktura; ang mga gawa ay nagsimulang pakinggan bilang isang paglalakbay na puno ng drama sa pamamagitan ng pagkakasunod-sunod ng mga tonalidad, isang serye ng mga pag-alis at pagdating sa tonic. Ang mga modulasyon ay naroroon din sa Baroque na musika, ngunit hindi nagdadala ng isang pag-istruktura ng function.

Sa mga gawa ng klasikal na panahon, maraming mga damdamin ang madalas na ipinahayag sa loob ng isang bahagi ng akda, habang sa Baroque na musika ang isang bahagi ay nagdadala ng isa, malinaw na naglalarawan ng damdamin. Sa wakas, ang mga klasikal na gawa ay karaniwang umabot sa emosyonal na kasukdulan na nalutas sa pagtatapos ng gawain. Sa mga gawang baroque, pagkatapos maabot ang rurok na ito, nanatili ang bahagyang damdamin ng pinagbabatayan na damdamin hanggang sa huling tala. Ang iba't ibang mga anyo ng Baroque ay nagsilbing panimulang punto para sa pagbuo ng anyo ng sonata, pagbuo ng maraming mga pagkakaiba-iba ng mga pangunahing cadenza.

Pangkalahatang katangian ng mga instrumental na genre ng panahon ng Baroque.

Ang pinagmulan ng mga genre - symphony, concert. Sonata noong ika-17 siglo.

Ang prototype ng symphony ay maaaring ituring na Italian overture, na nabuo sa ilalim ng Scarlatti sa pagtatapos ng ika-17 siglo. Ang anyo na ito ay tinawag na isang symphony at binubuo ng allegro, andante at allegro, na pinagsama sa isang buo. Sa kabilang banda, ang hinalinhan ng symphony ay isang orkestra na sonata, na binubuo ng ilang mga paggalaw sa pinakasimpleng anyo at higit sa lahat sa parehong susi. Sa isang klasikal na symphony, ang una at huling mga paggalaw lamang ang may parehong mga susi, at ang mga gitna ay nakasulat sa mga key na nauugnay sa pangunahing isa, na tumutukoy sa susi ng buong symphony. Nang maglaon, si Haydn ay itinuturing na lumikha ng klasikal na anyo ng symphony at orchestral na kulay; Gumawa ng makabuluhang kontribusyon sina Mozart at Beethoven sa pag-unlad nito.

Ang salitang Concerto, bilang pangalan ng isang musikal na komposisyon, ay lumitaw sa Italya sa pagtatapos ng ika-16 na siglo. Ang konsiyerto sa tatlong bahagi ay lumitaw sa pagtatapos ng ika-17 siglo. Ang Italian Corelli (q.v.) ay itinuturing na tagapagtatag ng form ng konsiyerto na ito.

Ang konsiyerto ay karaniwang binubuo ng 3 bahagi (ang mga panlabas na bahagi ay nasa mabilis na paggalaw). Noong ika-18 siglo, tinawag na concerto grosso ang isang symphony kung saan marami sa mga instrumento ang tumutugtog nang solo sa mga lugar. Ang isang mamaya symphony kung saan ang isang instrumento ay tumanggap ng higit pa malayang kahulugan sa paghahambing sa iba, nagsimula itong tawaging symphonique concertante, concertirende sinfonie. Sa genetically, ang concerto grosso ay nauugnay sa anyo ng fugue, batay sa sunud-sunod na pagpapatupad ng isang tema sa pamamagitan ng mga boses, na nagpapalit-palit ng mga di-thematic na istruktura - mga interlude. Namana ng Concerto grosso ang prinsipyong ito na may pagkakaiba na ang unang istraktura ng concerto ay polyphonic. Sa concerto grosso mayroong 3 uri ng texture:

polyphonic;

homophonic;

kordal (choral).

(halos hindi sila matagpuan sa kanilang purong anyo. Ang nangingibabaw na texture ay sintetiko – homophonic-polyphonic).

Sonata (hindi malito sa sonata form). Hanggang sa katapusan ng ika-17 siglo, ang isang sonata ay isang koleksyon ng mga instrumental na piraso, pati na rin ang isang vocal motet na nakaayos sa mga instrumento. Ang mga sonata ay nahahati sa dalawang uri: chamber sonata (Italian. sonata sa camera ), na binubuo ng mga prelude, arioso, sayaw, atbp., na nakasulat sa iba't ibang mga susi, at isang sonata ng simbahan (Italian. sonata da chiesa ), kung saan nangingibabaw ang istilong kontrapuntal. Ang isang bilang ng mga instrumental na piraso na isinulat para sa marami mga instrumentong orkestra, ay tinawag na hindi isang sonata, ngunit isang malaking konsiyerto (Italian. concerto grosso ). Ginagamit din ang sonata sa mga konsyerto para sa solong instrumento at orkestra, gayundin sa mga symphony.

Ang mga pangunahing instrumental na genre ng panahon ng Baroque.

Concerto grosso ( concerto grosso)

Fugue

Suite

Allemande

Kuranta

Sarabande

Zhiga

Gavotte

Minuet

Sonata

Chamber sonata Sonata at camera

Sonata ng Simbahan Sonata da chiesa

Trio sonata

Klasikong sonata

Overture

French overture (fr. Ouverture)

Italian Overture (Italyano) Sinfonia)

Partita

Canzona

Symphony

Pantasya

Richerkar

Toccata

Prelude

Chaconne

Passacaglia

Chorale Prelude

Mga pangunahing instrumento sa panahon ng Baroque.

Ang organ ay naging pangunahing instrumentong pangmusika ng Baroque sa sagrado at silid na sekular na musika. Malawakang ginagamit din ang harpsichord, plucked at bowed strings, pati na rin ang woodwind instruments: viols, baroque guitar, baroque violin, cello, double bass, iba't ibang flute, clarinet, oboe, bassoon. Sa panahon ng Baroque, ang mga function ng tulad ng isang karaniwang plucked string instrument bilang ang lute ay higit sa lahat ay inilipat sa saliw ng basso continuo, at unti-unti itong pinalitan sa pagkakatawang-tao na ito ng mga instrumentong keyboard. Ang hurdy-gurdy, na nawalan ng kasikatan noong nakaraang panahon ng Renaissance at naging instrumento ng mga pulubi at palaboy, ay muling nabuhay; hanggang sa katapusan ng ika-18 siglo. hurdy-gurdy nanatiling isang naka-istilong laruan para sa mga aristokrata ng Pransya na mahilig sa buhay sa kanayunan.

Kasaysayan ng instrumental na musika sa Kanlurang Europa.

Instrumental na musika ng Italya.

Ginampanan ng Italya noong ika-17 siglo ang papel ng isang uri ng malaking pang-eksperimentong studio, kung saan naganap ang patuloy na paghahanap at unti-unting pagbuo ng mga bagong progresibong genre at anyo ng instrumental na musika. Ang mga makabagong pakikipagsapalaran na ito ay humantong sa paglikha ng mga dakilang kayamanan ng sining.

Ang gayong bukas, demokratikong mga anyo ng paggawa ng musika ay lumitaw bilang mga konsyerto sa simbahan, kung saan hindi lamang sagrado, kundi pati na rin ang sekular na musika ay ginanap. Ang mga konsiyerto na ito ay ginanap para sa mga parokyano sa mga simbahan at katedral tuwing Linggo pagkatapos ipagdiwang ang misa. Ang iba't ibang mga pamamaraan ng iba't ibang mga katutubong melodies ay malawak na nakapasok sa propesyonal na musika.

Kasaysayan ng instrumental na musika noong ika-17 siglo. Sa Italya, ito ang kasaysayan ng paglikha ng mga instrumental na ensemble na may nangungunang papel na ginagampanan ng violin, dahil ngayon lamang ito sa wakas ay pinalitan ang chamber-refined six-string viol ng kanyang quartet-tert tuning, na itinutulak ang lute. Ang ikalimang sukat ay ginagawang instrumento ang biyolin partikular na katugma ng mga nagpapahayag na posibilidad ng pagkakatugma, na lalong tumagos sa instrumental na musika.

Nilikha ng Venice ang unang paaralan ng violin sa Italya, kung saan ang komposisyon ng isang propesyonal na string trio (dalawang violin at isang bass) ay nabuo sa unang pagkakataon at ang genre na naging tipikal para sa ensemble na ito ay natukoy: ang multi-part trio sonata.

Sa kalagitnaan ng siglo, ang sonata ay nabuo bilang isang cycle ng isang bagong uri.

Ito ay nabuo:

1) maghanap ng bagong tema, makasagisag na katiyakan, konkreto;

2) pagpapalawak ng saklaw ng komposisyon, pagpapasya sa sarili ng mga bahagi;

3) ang kaibahan ng dynamics at lyrics sa isang macro- at microscale.

Unti-unti, nagiging cycle ang sonata mula sa isang contrasting-composite form.

Ang genre ng suite ay umuunlad din. Isang uri ng konsiyerto ang unti-unting nagagawa - grosso, ang genre na ito

Mga kinatawan ng Italian instrumental music:

Girolamo Frescobaldi (1583-1643).

Ang nagtatag ng Italian organ school noong ika-17 siglo. Binubuo niya ang mga canzone, toccatas, ricercatas, mga arrangement ng chorale para sa organ, pati na rin ang mga piraso ng harpsichord fugue, canzone at partitas. Siya ay umalis mula sa mahigpit na pagsulat ng mga nakaraang siglo at inilatag ang pundasyon para sa isang bagong libreng istilo. Nakakuha ang mga theme-melodies ng iba't ibang feature ng genre na naglalapit sa kanila sa pang-araw-araw, makamundong buhay. Gumawa si Frescobaldi ng mga tema na masigla sa damdamin at indibidwal. Ang lahat ng ito ay isang bago at sariwang salita sa instrumental na polyphony, sa melodic at harmonic na pag-iisip noong panahong iyon

Arcangelo Corelli.(1653 -1713)

Ang pinakadakilang biyolinista noong ika-17 siglo. Ang malikhaing pamana ay nakapaloob sa anim na opus: - Labindalawang trio sonata (na may kasamang organ) - 1685.

Labindalawang trio sonata (na may saliw ng harpsichord) - 1685.

Labindalawang trio sonata (na may kasamang organ) - 1689.

Labindalawang trio sonata (na may saliw ng harpsichord) - 1694.

Labing-isang sonata at mga pagkakaiba-iba para sa biyolin (na may saliw ng harpsichord) - 1700.

Labindalawang concerto grosso-1712

Katangian: kakulangan ng mga pampakay na kaibahan sa loob ng mga bahagi; paghahambing ng solo at tutti (acting out) upang maisaaktibo ang musikal na tela; malinaw at bukas na mapanlikhang mundo.

Binigyan ni Corelli ang sonata ng klasikal na pagkakumpleto ng anyo. Naging tagapagtatag ng genre concerto grosso.

Antonio Vivaldi (1678-1741). Paglikha.

Italyano na kompositor, biyolinista, konduktor, guro. Nag-aral siya sa kanyang ama na si Gevan Battista Vivaldi, violinist ng Cathedral of San Marco sa Venice, at posibleng kay G. Legrenzi. Noong 1703-25 siya ay isang guro, pagkatapos ay isang konduktor ng orkestra at direktor ng mga konsyerto, pati na rin ang direktor (mula 1713) ng Pietà Women's Conservatory (noong 1735 muli siyang isang bandmaster). Gumawa siya ng musika para sa maraming sekular at relihiyosong konsiyerto sa konserbatoryo. Kasabay nito ay nagsulat siya ng mga opera para sa mga sinehan sa Venice (lumahok sa kanilang produksyon). Bilang isang birtuoso na biyolinista, nagbigay siya ng mga konsiyerto sa Italya at iba pang mga bansa. Ginugol niya ang kanyang mga huling taon sa Vienna.

Sa trabaho ni Vivaldi, naabot ng concerto grosso ang rurok nito. Batay sa mga nagawa ng A. Corelli, itinatag ni Vivaldi ang ika-3 bahagi para sa concerto grosso paikot na anyo, itinampok ang birtuoso na bahagi ng soloista. Nilikha niya ang genre ng solo instrumental na konsiyerto at nag-ambag sa pagbuo ng virtuoso violin technique. Ang estilo ng musikal ni Vivaldi ay nakikilala sa pamamagitan ng melody, generosity, dynamic at expressive sound, transparent orchestral writing, classical harmony na sinamahan ng emosyonal na kayamanan. Ang mga konsyerto ni Vivaldi ay nagsilbing mga halimbawa ng genre ng konsiyerto para sa maraming kompositor, kabilang si J. S. Bach (nag-ayos ng mga 20 Vivaldi violin concerto para sa harpsichord at organ). Ang "Seasons" cycle ay isa sa mga pinakaunang halimbawa ng program orchestral music.

Malaki ang kontribusyon ni Vivaldi sa pagbuo ng instrumentasyon (siya ang unang gumamit ng gaboes, horns, bassoons at iba pang instrumento bilang mga independyente at hindi duplikado). Ang instrumental na konsiyerto ni Vivaldi ay isang yugto sa landas patungo sa pagbuo ng isang klasikal na symphony. Ang Vivaldi Italian Institute ay nilikha sa Siena (pinamumunuan ni F. Malipiero).

Mga gawa:

opera (27)-
kabilang si Roland - ang haka-haka na baliw (Orlando fiato pozzo, 1714, Theater Sant'Angelo, Venice), Nero, na naging Caesar (Nerone fatto Cesare, 1715, ibid.), Coronation of Darius (L "incoronazione di Daria, 1716, ibid. .), Panlilinlang nagtagumpay sa pag-ibig (L "inganno trionfante in amore, 1725, ibid.), Farnace (1727, ibid., kalaunan ay tinawag ding Farnace, pinuno ng Pontus), Cunegonde (1727, ibid.), Olympiad (1734, ibid.), Griselda (1735, Teatro San Samuele, Venice), Aristide (1735, ibid.), Oracle in Messenia (1738, Teatro Sant'Angelo, Venice), Theraspes (1739, ibid. );

oratorio-
Moses, Diyos ni Paraon (Moyses Deus Pharaonis, 1714), Triumphant Judith (Juditha Triuphans devicta Holofernis barbarie, 1716), Adoration of the Magi (L "Adorazione delli tre Re Magi, 1722);

sekular na cantatas (56)-
kabilang ang 37 para sa boses na may basso continuo, 14 para sa boses na may mga kuwerdas, orchestra large cantata Gloria at Hymen (1725);

musika ng kulto (mga 55 gawa) -
kabilang ang Stabat Mater, mga motet, mga salmo, atbp.;

instrumental. gawa-
76 sonata (may basso continuo), kabilang ang 30 para sa violin, 19 para sa 2 violin, 10 para sa cello, 1 para sa violin at cello, 2 para sa lute at violin, 2 para sa oboe; 465 concerto, kabilang ang 49 concerti grossi, 331 para sa isang instrumento na may basso continuo (228 para sa violin, 27 para sa cello, 6 para sa viol d'amore, 13 para sa transverse, 3 para sa longitudinal flute, 12 para sa oboe, 38 para sa bassoon, 1 para sa mandolin) 38 para sa 2 instrumento na may basso continuo (25 para sa violin, 2 para sa cello, 3 para sa violin at cello, 2 para sa mga sungay, 1 para sa mandolins), 32 para sa 3 o higit pang mga instrumento na may basso continuo.

Domenico Scarlatti (1685–1757).

Composer, ang pinakadakilang master ng Italian keyboard music. Karamihan sa mga makikinang na sonata sa keyboard na pinamagatang Essercizi (Mga Pagsasanay ), na isinulat ni Domenico para sa kanyang mahuhusay na estudyante na si Maria Barbara, na nanatiling tapat sa kanyang guro sa buong buhay niya. Pinaniniwalaan na ang isa pang sikat na estudyante ng Domenico ay ang Espanyol na kompositor na si Padre Antonio Soler.

Ang pagka-orihinal ng istilong clavier ni Scarlatti ay nahayag sa 30 sonata na itinayo noong 1738. Ang mga sonata ni Scarlatti ay ang pinaka-maaasahan at sopistikadong pagmuni-muni ng istilong musikal ng Espanyol, nakukuha nila ang diwa at ritmo nang may matinding liwanag. Mga sayaw na Espanyol at kultura ng gitara. Ang mga sonata na ito ay kadalasang mayroong mahigpit na binary form (AABB), ngunit ang panloob na nilalaman nito ay napaka-magkakaibang.

Kabilang sa mga pinaka-kapansin-pansin na tampok ng estilo ng kompositor ay ang makulay ng dissonant harmonies at bold modulations. Ang pagiging kakaiba ng clavier na pagsulat ni Scarlatti ay nauugnay sa kayamanan ng texture: ito ay tumutukoy sa pagtawid ng kaliwa at kanang mga kamay, rehearsals, trills at iba pang uri ng dekorasyon. Sa ngayon, ang mga sonata ni Domenico ay itinuturing na isa sa mga pinaka orihinal na gawa na isinulat para sa mga instrumento sa keyboard.

Instrumental na musika ng Alemanya.

Sa instrumental na musika noong ika-17 siglo. ang organ ay kinuha ang pagmamalaki ng lugar. Sa mga unang henerasyon ng German organ composers, ang pinaka-kagiliw-giliw na mga figure ay sina Scheidt (1587-1654) at Johann Froberger (1616-1667). Ang kanilang kahalagahan ay mahusay para sa kasaysayan ng mga polyphonic form sa daan patungo sa fugue at mga pagsasaayos para sa chorale. Pinaglapit ni Froberger ang musika ng organ at harpsichord (improvisasyon, kalunos-lunos, virtuosity, mobility, banayad na pag-unlad ng mga detalye). Kabilang sa mga nauna kay Bach ay sina Johann Adam, Georg Böhm, Johann Pachelbel, at Dietrich Buxtelhude. Malaki at orihinal na mga artista, kinakatawan nila, kumbaga, ang iba't ibang panig ng pre-Bach organ art: Pachelbel - ang "klasikal" na linya, Buxtelhude - ang "baroque". Ang gawa ni Buxtelhude ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang malawak na komposisyon, kalayaan ng imahinasyon, at isang pagkahilig sa mga pathos, drama, at oratorical na intonasyon.

Johann Sebastian Bach.

Karamihan sa instrumental na musika ay purong sekular na mga gawa (ang exception ay musika para sa organ). Sa instrumental na musika ay may proseso ng interaksyon at kapwa pagpapayaman ng iba't ibang lugar, genre, at uri ng pagtatanghal. Ang gitnang lugar ay inookupahan ng musika para sa clavier at organ.

Si Klavier ay isang malikhaing laboratoryo. Pinalawak ni Bach ang saklaw ng kanyang repertoire, na naglalagay ng matinding pangangailangan sa instrumento. Ang istilong clavier ay nakikilala sa pamamagitan ng energetic at marangal, pinipigilan at balanseng istrukturang emosyonal, kayamanan at iba't ibang texture, at kayamanan ng intonasyon. Ipinakilala ni Bach ang mga bagong diskarte sa paglalaro. Mga gawa: mga piraso para sa mga nagsisimula (maliit na preludes, fuguettes), preludes at fugues (HTK), suite, concertos (Italian), toccatas, fantasies (libreng improvisation, pathetically elevated tone, virtuosic texture), "The Art of Fugue" (gumawa ng isang classical fugue) .

Malaki ang papel ng organ sa gawain ni Bach. Ang estilo ng organ ay nag-iwan ng marka sa buong instrumental na pag-iisip ng kompositor. Ito ay ang organ na kabilang sa genre na nag-uugnay ng instrumental na musika sa mga espirituwal na cantata at mga hilig - mga pagsasaayos ng mga chorales (higit sa 150). Ang mga gawa ng organ ay nakatuon sa mga itinatag na anyo, tradisyonal na mga genre, kung saan nagbigay si Bach ng isang qualitatively bagong interpretasyon: prelude at fugue (nakilala niya ang dalawang compositional spheres, pinahusay ang mga ito, muling pinagsama ang mga ito sa isang bagong synthesis).

Sumulat din si Bach para sa iba pang mga instrumento: cello suite, chamber ensembles, suites para sa orkestra, at concerto, na may malaking papel sa karagdagang pag-unlad ng musika.

Ang napakalaking legacy ni Bach ay may epekto sa moral. Lumayo siya sa mga hangganan ng isang istilo, isang panahon.

Instrumental na musika ng England.

Sa larangan ng English instrumental music, naganap ang pagbuo ng keyboard school (verzhdinists - sa pangalan ng instrumento). Mga Kinatawan: Byrd, Bull, Morney, Gibbons... Karamihan sa Interes mula sa kanilang pagkamalikhain ay nagpapakita sila ng mga pagkakaiba-iba sa tema ng mga sayaw at kanta.

George Frideric Handel.

Ang instrumental na musika ay nagpapahiwatig ng estilo ng kompositor, ito ay nauugnay sa mga vocal na gawa; Sa pangkalahatan, ang mga ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng kinang, kalunos-lunos, density ng tunog, maligaya na solemnity, full sonority, chiaroscuro contrasts, temperament, improvisational spills.

Ang pinaka-katangiang genre para sa malikhaing imahe ay ang concerto grosso at ang konsiyerto sa pangkalahatan (para sa organ, para sa orkestra...). Pinayagan ni Handel ang isang libreng komposisyon ng cycle ng konsiyerto at hindi sumunod sa prinsipyong "mabilis-mabagal". Ang kanyang mga konsiyerto (kabilang ang para sa organ) ay puro sekular na mga gawa, na may kasamang mga bahagi ng sayaw. Ang pangkalahatang tono ay pinangungunahan ng kasiyahan, enerhiya, kaibahan, at improvisasyon.

Gumawa rin si Handel sa iba pang mga genre ng instrumental na musika: sonatas (trio sonatas), fantasies, capriccios, variations, at nagsulat ng nakakaaliw na musika (double concerto, "Water Music").

Gayunpaman, ang nangungunang lugar ng pagkamalikhain ay inookupahan ng mga sintetikong genre: opera, oratorio.

Instrumental na musika ng France.

Ang ika-17 siglo ay ang rurok sa kasaysayan ng instrumental na musika. Sa yaman ng mundo kultura ng musika kasama ang mga gawa ng French harpsichord virtuosos na sina Jacques Chambonnière, Louis Coupren at François Coupren. Ang paboritong genre ay isang suite ng maliliit na dance piece na sumusunod sa isa't isa. Si F. Kupren ang lumikha ng bagong genre sa instrumental na musika rondo (ang sining ng pagtugtog ng harpsichord). Estilo musikang harpsichord Ito ay nakikilala sa pamamagitan ng kanyang melodic richness, kasaganaan ng mga dekorasyon, at flexible graceful ritmo.

Ang huling bahagi.

Ang impluwensya ng baroque instrumental music sa susunod na musika.

Paglipat sa panahon ng klasisismo (1740-1780)

Ang transisyonal na yugto sa pagitan ng huling Baroque at maagang klasisismo, na puno ng magkasalungat na ideya at mga pagtatangkang pag-isahin ang iba't ibang pananaw sa mundo, ay may ilang mga pangalan. Tinatawag itong "gallant style", "Rococo", "Pre-classical period" o "Early classical period". Sa loob ng ilang dekada, matagumpay pa rin ang mga kompositor na nagpatuloy sa paggawa sa istilong Baroque, ngunit hindi na sila kabilang sa kasalukuyan, kundi sa nakaraan. Natagpuan ng musika ang sarili sa isang sangang-daan: ang mga masters ng lumang istilo ay may mahusay na pamamaraan, ngunit ang publiko ay nais na ng bago. Sinasamantala ang pagnanais na ito, nakamit ni Carl Philipp Emmanuel Bach ang katanyagan: siya ay matatas sa lumang istilo, ngunit nagsumikap na i-update ito. Ang kanyang mga sonata sa keyboard ay kapansin-pansin para sa kanilang kalayaan sa istraktura at matapang na trabaho sa istraktura ng trabaho.

Sa sandaling ito ng transisyon, tumaas ang pagkakaiba sa pagitan ng sagrado at sekular na musika. Ang mga sagradong gawa ay nanatiling nakararami sa loob ng Baroque framework, habang ang sekular na musika ay nakahilig sa bagong istilo.

Lalo na sa mga bansang Katoliko sa gitnang Europa, ang istilong Baroque ay naroroon sa sagradong musika hanggang sa katapusan ng ikalabing walong siglo, tulad noong panahon nito. naka-istilong antigo Ang panahon ng Renaissance ay nagpatuloy hanggang sa unang kalahati ng ikalabimpitong siglo. Ang masa at oratorio ng Haydn at Mozart, klasikal sa kanilang orkestrasyon at dekorasyon, ay naglalaman ng maraming Baroque na pamamaraan sa kanilang counterpoint at harmonic na istruktura. Ang pagbaba ng Baroque ay sinamahan ng mahabang panahon ng magkakasamang buhay ng luma at bagong mga pamamaraan. Sa maraming lungsod sa Germany, nakaligtas ang mga kasanayan sa pagganap ng Baroque hanggang sa 1790s, halimbawa sa Leipzig, kung saan nagtrabaho si J. S. Bach sa pagtatapos ng kanyang buhay

Sa Inglatera, tiniyak ng namamalaging katanyagan ni Handel ang tagumpay ng hindi kilalang mga kompositor na sumulat sa ngayon ay kumukupas na istilong Baroque: Charles Avison (Eng. Charles Avison ), William Boyce (eng. William Boyce ) at Thomas Augustine Arne (eng. Thomas Augustine Arne ). Sa kontinental Europa nagsimula na ang istilong ito na ituring na makaluma; ang pagwawagi nito ay kinakailangan lamang para sa pagbuo ng sagradong musika at pagtatapos mula sa mga lumitaw noong panahong iyon sa maraming conservatories.

Impluwensiya ng Baroque techniques at techniques pagkatapos ng 1760

Dahil ang karamihan sa musikang Baroque ay naging batayan ng edukasyong pangmusika, nagpatuloy ang impluwensya ng istilong Baroque pagkatapos ng pagkamatay ng Baroque bilang isang istilo ng pagtatanghal at pagbubuo. Halimbawa, kahit na ang pagsasanay ng pangkalahatang bass ay hindi na ginagamit, nanatili itong bahagi ng musikal na notasyon. Noong ika-19 na siglo, ang mga marka ng Baroque masters ay nai-print sa kumpletong mga edisyon, na humantong sa panibagong interes sa counterpoint ng "mahigpit na pagsulat" (halimbawa, ang Russian kompositor na si S. I. Taneyev ay nasa huli XIX century ay sumulat ng isang teoretikal na akdang "Moving counterpoint of strict writing").

Ang ika-20 siglo ay nagbigay ng pangalan sa panahon ng Baroque. Nagsimula ang isang sistematikong pag-aaral ng musika noong panahong iyon. Ang mga anyo at istilo ng Baroque ay nakaimpluwensya sa mga magkakaibang kompositor gaya nina Arnold Schoenberg, Max Reger, Igor Stravinsky at Bela Bartok. Ang unang bahagi ng ikadalawampu siglo ay nakakita ng muling pagkabuhay ng interes sa mga mature na kompositor ng Baroque tulad nina Henry Purcell at Antonio Vivaldi.

Ilang trabaho mga kontemporaryong kompositor ay nai-publish bilang "nawala ngunit natuklasan muli" na mga gawa ng mga Baroque masters. Halimbawa, isang viol concerto na binubuo ni Henri Casadesus (French. Henri-Gustav Casadesus ), ngunit iniuugnay niya kay Handel. O ilang mga gawa ni Fritz Kreisler (German. Fritz Kreisler ), na iniuugnay niya sa hindi kilalang baroque na kompositor na si Gaetano Pugnani (Italian. Gaetano Pugnani ) at Padre Martini (Italyano. padre Martini ). At sa simula ng XXI mga siglo, may mga kompositor na nagsusulat ng eksklusibo sa istilong Baroque, halimbawa, Giorgio Pacioni (Italian. Giorgio Pacchioni).

Noong ika-20 siglo, maraming mga gawa ang binubuo sa istilong "neo-baroque", na nakatuon sa imitasyon ng polyphony. Ito ay mga gawa ng mga kompositor tulad nina Giacinto Scelsi, Paul Hindemith, Paul Creston at Boguslav Martinu. Ang mga musicologist ay gumagawa ng mga pagtatangka upang makumpleto ang hindi natapos na mga gawa ng mga kompositor ng Baroque (ang pinakasikat sa mga gawang ito ay ang "The Art of Fugue" ni J. S. Bach). Dahil ang musikal na baroque ay isang tanda ng isang buong panahon, ang mga makabagong gawa na nakasulat "sa ilalim ng baroque" ay madalas na lumalabas para gamitin sa telebisyon at sa sinehan. Halimbawa, pinapatawa ng kompositor na si Peter Schickele ang mga klasikal at baroque na istilo sa ilalim ng pseudonym na P. D. C. Bach.

Sa pagtatapos ng ika-20 siglo, ang pagganap na may kaalaman sa kasaysayan (o "tunay na pagganap" o "authenticism") ay lumitaw. Ito ay isang pagtatangka na muling likhain nang detalyado ang istilo ng pagganap ng mga musikero ng baroque. Ang mga gawa nina Quantz at Leopold Mozart ay naging batayan para sa pag-aaral ng mga aspeto ng pagganap ng musikang Baroque. Ang tunay na pagganap ay nagpapahiwatig ng paggamit ng mga string na gawa sa sinew sa halip na metal, ang muling pagtatayo ng mga harpsichord, at ang paggamit ng mga lumang paraan ng paggawa ng tunog at mga nakalimutang diskarte sa pagtugtog. Ilang sikat na ensemble ang gumamit ng mga inobasyong ito. Ito ang Anonymous 4, ang Academy of Ancient Music, ang Boston Haydn at Handel Society, ang Academy of St. Martin in Fields, ang William Christie ensemble na "Les Arts Florissants", Le poeme harmonique, ang Catherine the Great Orchestra at iba pa.

Sa pagliko ng ika-20 at ika-21 siglo, tumaas ang interes sa Baroque music at, una sa lahat, sa Baroque opera. Ang mga kilalang mang-aawit sa opera tulad ni Cecilia Bartoli ay nagsama ng mga barok na gawa sa kanilang repertoire. Ang mga produksyon ay ginaganap sa parehong konsiyerto at klasikal na bersyon.

Jazz

Ang baroque music at jazz ay may ilang karaniwang batayan. Ang Baroque na musika, tulad ng jazz, ay pangunahing isinulat para sa maliliit na ensemble (sa oras na iyon ay walang tunay na posibilidad na mag-assemble ng isang orkestra ng daan-daang musikero), na nakapagpapaalaala sa isang jazz quartet. Gayundin, ang mga gawaing Baroque ay nag-iiwan ng malawak na larangan para sa pagsasagawa ng improvisasyon. Halimbawa, maraming baroque mga gawa ng boses naglalaman ng dalawang bahagi ng tinig: ang unang bahagi ay inaawit/tinutugtugan ayon sa tinukoy ng kompositor at pagkatapos ay inuulit, ngunit ang vocalist ay improvisadong pinalamutian ang pangunahing himig na may mga trills, flourishes at iba pang mga palamuti. Gayunpaman, hindi tulad ng jazz, walang pagbabago sa ritmo o pangunahing melody. Ang improvisasyon sa Baroque ay nagpupuno lamang, ngunit hindi nagbabago ng anuman.

Sa loob ng cool na istilo ng jazz noong 50s ng ika-20 siglo, nagkaroon ng tendensiya na gumuhit ng mga pagkakatulad sa mga komposisyon ng jazz sa musika ng panahon ng Baroque. Ang pagkakaroon ng pagtuklas ng mga karaniwang harmonic at melodic na prinsipyo sa naturang musika at aesthetically malayong mga panahon, ang mga musikero ay nagpakita ng interes sa instrumental na musika ng J. S. Bach. Ang ilang mga musikero at ensemble ay sumunod sa landas ng pagbuo ng mga ideyang ito. Kabilang dito sina Dave Brubeck, Bill Evans, Gerry Mulligan, ngunit pangunahin itong tumutukoy sa Modern Jazz Quartet, na pinamumunuan ng pianist na si John Lewis.

Konklusyon.

Ang panahon ng Baroque ay nag-iwan ng napakalaking bilang ng mga obra maestra ng kultura ng mundo, at hindi isang maliit na bahagi ng mga ito ay mga likha ng instrumental na musika.Kaya, nabubuhay ang Baroque sa paggamit ng musika, sa intonasyon at madaling ritmo musika, sa kilalang-kilala "sa musika ng Vivaldi", sa mga pamantayan ng paaralan ng musikal na wika. Ang mga genre na ipinanganak sa panahon ng Baroque ay buhay at umuunlad sa kanilang sariling mga paraan: fugue, opera, cantata, prelude, sonata, concerto, aria, variations...Sa pamamagitan ng pagsubaybay at pagsusuri sa kasaysayan nito, kumbinsido ka na halos lahat ng modernong musika ay sa isang paraan o iba pang konektado sa musika ng panahon ng Baroque, nang hiwalay sa instrumental na musika. Hanggang ngayon, ang mga sinaunang music ensemble ay nililikha, at marami itong sinasabi...

Listahan ng mga mapagkukunan:

Encyclopedic Dictionary Brockhaus at Efron (1890-1907).

Spogin I. “Musical form.” M., 1984

Sherman N. S. "Pagbuo ng isang sistemang pantay-pantay." M., 1964.

Livanova T.N., "Kasaysayan ng musika sa Kanlurang Europa hanggang 1789 (XVII siglo)", aklat-aralin sa 2 vols. T. 1. M., 1983

Rosenschild. "Ang kasaysayan ng banyagang musika hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo." M. “Musika” 1979

Kolesov. "Mga lektura sa kasaysayan ng mundo masining na kultura." Kiev-2000

en.wikipedia.org

muzlit.ru

krugosvet.ru

Proteksiyon na sheet.

Ang panahon ng Baroque (Siglo XVII) ay isa sa mga pinaka-kagiliw-giliw na panahon sa kasaysayan ng kultura ng mundo. Ang sining ng musika ay gumaganap ng isang espesyal na papel sa panahong ito, na nagsisimula na parang may isang tiyak na punto ng pagbabago, na may isang hindi kompromiso na pakikibaka laban sa lumang "mahigpit na istilo."Ang pangingibabaw ng sekular na musika ay sa wakas ay natukoy (bagaman sa Germany at ilang iba pang mga bansa ang musika ng simbahan ay nagpapanatili din ng malaking kahalagahan).

Kung ikukumpara sa musika ng Renaissance, ang Baroque music ay nagiging mas kumplikado, at ang musika ng Classicism ay nagiging mas structured na may mas kaunting dekorasyon, at nagpapakita ng maraming mga emosyon, habang sa Baroque music ang isang bahagi ay nagdadala ng isa, maliwanag na iginuhit na pakiramdam.

Salamat sa mga mahuhusay na musikero, lumilitaw ang mga bagong genre ng musika, tulad ng symphony at concerto, ang sonata ay umuunlad, at ang fugue ay nakakamit ng hindi pa naganap na katanyagan Ang pinaka makabuluhang uri ng concerto ay ang grosso, ang genre na itobinuo sa malakas na kaibahan; Ang mga instrumento ay nahahati sa mga kalahok sa tunog ng isang buong orkestra, at sa isang mas maliit na solong grupo. Ang musika ay binuo sa matalim na mga transition mula sa malakas na tunog ng mga bahagi sa tahimik na mga, mabilis na mga sipi ay contrasted sa mabagal na mga.

Siyempre, ang duyan at sentro ng baroque instrumental music ay ang Italy, na nagbigay sa mundo ng pinakamalaking bilang ng mga makikinang na vertuoso composers (Girolamo Frescobaldi (1583-1643),Domenico Scarlatti (1685–1757),Antonio Vivaldi (1678-1741), Arcangelo Corelli (1653 -1713). Ang musika ng mga pinakadakilang kompositor na ito ay patuloy na nagpapasaya sa mga tagapakinig kahit ngayon.

Sinusubukan din ng ibang mga bansa sa Kanlurang Europa na makipagsabayan sa Italya: Germany, France, England.

Sa Germany, ang pinakamahalagang pigura ay ang I.S. Si Bach, na nagbigay sa organ ng nangungunang papel sa kanyang trabaho. Ang napakalaking legacy ni Bach ay may epekto sa moral. Lumayo siya sa mga hangganan ng isang istilo, isang panahon.

Kasama sa treasury ng world musical culture ang mga gawa ng French harpsichord virtuosos na sina Jacques Chambonnière, Louis Coupren at François Coupren.

Sa larangan ng English instrumental music, naganap ang pagbuo ng keyboard school. Ang pinakakilalang kompositor ay si George Frideric Handel. Ang pinaka-katangiang genre para sa malikhaing imahe ay ang concerto grosso at ang konsiyerto sa pangkalahatan (para sa organ, para sa orkestra...). Pinayagan ni Handel ang isang libreng komposisyon ng cycle ng konsiyerto at hindi sumunod sa prinsipyong "mabilis-mabagal". Ang kanyang mga konsiyerto (kabilang ang para sa organ) ay puro sekular na mga gawa, na may kasamang mga bahagi ng sayaw.

Kasunod nito, ang instrumental na Baroque na musika ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa lahat ng kasunod na musika at ang mga karaniwang tampok ay matatagpuan kahit na sa jazz.

Kahit ngayon ay nililikha na ang mga ensemble ng sinaunang musika.

organ

Isang kumplikadong instrumentong pangmusika na binubuo ng isang mekanismo ng air-pressure, isang hanay ng mga kahoy at metal na tubo na may iba't ibang laki at isang gumaganap na console (lectern), kung saan matatagpuan ang mga register knobs, ilang mga keyboard at pedal.

Harpsichord

Virginel

Spinet

Ang spinet ay isang maliit na harpsichord ng parisukat, hugis-parihaba o pentagonal na hugis.

Clavicytherium

Ang Claviciterium ay isang harpsichord na may patayong posisyong katawan.

Clavichord

Nakayukong mga string

Baroque violin

Pangunahing artikulo: Baroque violin

Dobleng bass

Ang pinakamalaki at pinakamababang tunog nakayukong instrumento orkestra. Nilalaro nila ito ng nakatayo o nakaupo sa mataas na stool.

Pinutol na mga string

Baroque lute

Noong ika-16 na siglo, ang pinakakaraniwan ay ang anim na kuwerdas na lute (mga instrumentong may limang kuwerdas ay kilala noong ika-15 siglo), sa panahon ng paglipat sa siglo XVII(huling panahon ng Baroque) ang bilang ng mga kuwerdas ay umabot sa dalawampu't apat. Kadalasan mayroong mula 11 hanggang 13 string (9-11 doubles at 2 singles). Ang sukat ay D minor (minsan major).

Theorbo

Ang Theorbo ay isang uri ng bass ng lute. Ang bilang ng mga string ay mula 14 hanggang 19 (karamihan ay iisa, ngunit mayroon ding mga instrumento na may dobleng mga string).

Quitarrone

Ang Quitarrone ay isang bass variety ng tinatawag na. Italian guitar (isang instrumento na may hugis-itlog na katawan, hindi katulad ng Espanyol). Ang bilang ng mga string ay 14 na solong. Ang Quitarrone ay halos hindi naiiba sa theorbo, ngunit may ibang pinagmulan mula dito.

Archlute

Mas maliit sa sukat kaysa theorb. Kadalasan mayroon itong 14 na mga string, ang unang anim sa isang tuning na tipikal ng Renaissance - (hindi tulad ng Baroque lute, kung saan ang unang anim na string ay nagbigay ng isang D minor chord) ay binuo sa isang perpektong ikaapat, maliban sa ika-3 at ika-4, na itinayo sa major third.

Angelica

Mandora

Gallichon

Zither

Archicitra

Mandolin

Baroque na gitara

Pangunahing artikulo: Baroque na gitara

Ang Baroque guitar ay karaniwang may limang pares (choirs) ng gut strings. Ang unang baroque o five-choir guitars ay kilala mula noong katapusan ng ika-16 na siglo. Noon ay idinagdag ang ikalimang koro sa gitara (bago ito ay nilagyan ng apat na magkapares na kuwerdas). Ang istilong rasgeado ay ginagawang napakapopular ang instrumentong ito.

Iba pang mga string

hurdy-gurdy

Ang hurdy-gurdy ay may anim hanggang walong mga kuwerdas, karamihan sa mga ito ay tumutunog nang sabay-sabay, na nag-vibrate bilang resulta ng alitan sa gulong habang ito ay umiikot. kanang kamay. Ang isa o dalawang magkahiwalay na mga kuwerdas, ang tumutunog na bahagi nito ay pinaikli o pinahaba sa tulong ng mga tungkod gamit ang kaliwang kamay, ay nagpaparami ng himig, at ang natitirang mga kuwerdas ay naglalabas ng walang pagbabago na ugong.

tanso

sungay ng Pranses

Ang baroque horn ay walang mekanika at ginawang posible na kunin lamang ang mga tono ng natural na sukat; Para tumugtog sa bawat susi, gumamit ng hiwalay na instrumento.

sungay

Wind brass musical instrument na walang balbula, na may conical barrel.

Trombone

Ang trombone ay mukhang isang malaking metal pipe na nakabaluktot sa isang hugis-itlog. Ang isang mouthpiece ay inilalagay sa itaas na bahagi nito. Ang ibabang liko ng trombone ay nagagalaw at tinatawag na slide. Kapag nabunot ang slide, bumababa ang tunog, at kapag pumapasok ito, tumataas ito.

Woodwinds

Nakahalang plauta

Recorder

Chalumeau

Oboe

Bassoon

Quartbassoon

Quartbassoon - pinalaki na bassoon. Sa pagsulat, ang bahagi ng bassoon ay nakasulat sa parehong paraan tulad ng bassoon, ngunit ang tunog ay isang perpektong pang-apat na mas mababa kaysa sa nakasulat na nota.

kontrabassoon

Ang contrabassoon ay isang uri ng bass ng bassoon.

Mga tambol

Timpani

Ang Timpani ay isang instrumentong pangmusika ng percussion na may tiyak na pitch. Ang pitch ay nababagay gamit ang mga turnilyo o isang espesyal na mekanismo, kadalasan sa anyo ng isang foot pedal.

Kung susuriin mong mabuti ang mga instrumento na kasalukuyang ginagamit at pag-aaralan ang kasaysayan ng alinman sa mga ito, talagang napakahirap hanapin ang mga pinakabago, dahil halos lahat ng mga ito ay may kasaysayan ng siglo. Ang muling pagtatayo ng landas ng bawat instrumento, ang pagtuklas sa makasaysayang batayan para sa lahat ng teknikal na detalye ay isang nakakagulat na kawili-wili at mahalagang gawain para sa isang musikero na kasangkot sa sinaunang musika.

Sa lahat ng mga instrumentong ginagamit ngayon, ang mga nakayuko lamang ang nagpapanatili ng kanilang panlabas na hugis sa loob ng apat na raang taon. Lahat ng iba- ayon sa mga pagbabago sa panlasa at patuloy na tumataas na mga kinakailangan para sa mga teknikal na kakayahan - ay pinalitan bago mga istruktura na may binagong panlabas na hugis. Bakit hindi dumanas ng katulad na kapalaran ang mga nakayukong instrumento? O walang mga pagbabago na kailangan sa kasong ito? Nangangahulugan ba ito na ang tunog ng mga modernong biyolin ay kapareho ng tunog ng mga instrumento noong ika-16 na siglo? Huling tanong higit sa pangunahing: hindi lamang dahil modernong biyolin mukhang sinaunang mga ito, ngunit dahil din sa mas pinahahalagahan ng mga musikero ang mga lumang instrumento kaysa sa mga kamakailang ginawa. Ang lahat ng mga natitirang soloista ay tumutugtog ng mga instrumento na higit sa dalawang daang taong gulang.

Ang mga biyolin, na ang pangwakas na anyo ay nakita na natin noong ika-16 na siglo, ay pinagsasama ang mga tampok ng maraming nakaraang mga instrumento: ang hugis ng katawan ay hiniram mula sa Fidel At lira at braccio, paraan ng tensioning string - kay Rebecca. Ang mga byolin (sa Italy ay tinawag silang viola da braccio - shoulder viola, kumpara sa viola da gamba - knee viola) noong una ay may apat na kuwerdas at nakatutok - gaya ngayon - sa ikalima. Sa lalong madaling panahon, lalo na sa hilagang Italya, lumitaw ang iba't ibang mga modelo: ang ilan ay may mas matalas na tunog, mayaman sa mataas na tono, ang iba ay may mas buo at bilog na tunog. Kaya, depende sa nais na tunog at pamamaraan ng isang partikular na paaralan, ang ilang mga instrumento ay mas matambok at gawa sa mas manipis na kahoy, ang iba ay mas patag at mas makapal ang pader. Mula sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo, ang mga gumagawa ng biyolin ng Timog Aleman at Tyrolean ay nakakuha ng pagkilala. Ang uri ng instrumento na nabuo ni Steiner ay ang sagisag ng isang perpektong obligado para sa hilagang dalisdis ng Alps. Sa kabila ng iba't ibang mga modelo at tunog na ideya, na kung minsan ay naiiba nang malaki sa isa't isa, ang mga violin ay hindi sumailalim sa anumang radikal na pagbabago sa tunog hanggang sa katapusan ng ika-18 siglo. Ang mga ito ay palaging maaaring iakma sa iba't ibang mga kinakailangan na may maliit na pagbabago: sa halip na ang mapurol at tumutunog na gat "G" string, isang string na nakabalot sa metal wire ang ginamit, at ang isang mas mahaba at mas mahusay na balanseng bow ay naging posible upang makamit ang isang pinong kanang kamay. pamamaraan.

Malaking pagbabago sa kasaysayan na nakaimpluwensya pagtatapos ng XVII I siglo sa integridad ng buhay sa buong Europa, makabuluhang reshaping ito, ay makikita sa sining. Ang diwa ng mga panahon, ang pagsalungat sa takot at kawalan ng pananampalataya (halimbawa, sa mga komposisyon ni Beethoven), sa panimula ay nakaimpluwensya sa tunog ng mga instrumento noong panahong iyon. Ang dynamic na sukat ng tunog ay kailangang lumawak - hanggang sa mga limitasyon ng posible.

Ang pabago-bagong sukat ng mga biyolin ay tumigil din upang matugunan ang mga kinakailangan ng mga kompositor at tagapakinig. Sa puntong ito ng pagbabago sa kasaysayan, ang mga makikinang na gumagawa ng violin ay nakahanap ng paraan upang mailigtas ang mga instrumento (kabilang sa maraming biktima ng turning point na iyon, ang gamba ay kabilang sa iba pa) - pinataas nila ang tensyon ng mga kuwerdas, na ginagamit nang husto ang mga teknikal na kakayahan. ng instrumento. Ang kapal ng string ay direktang proporsyonal sa pag-igting nito, at sa gayon ay sa presyon, na ipinadala sa pamamagitan ng stand sa itaas na kubyerta. Ang mas malakas na string, mas malaki ang pag-igting nito at mas mahirap na kailangan mong ilipat ang busog, na hinihikayat itong tumunog. Ngunit ang disenyo mga antigong instrumento ay hindi nagbigay ng ganoong kalaking presyur at hindi makayanan ito, kaya't ang mga bukal ay pinalakas din: ang mga nauna, luma ay pinutol at pinalitan ng mga bago, tatlo o limang beses na mas makapal. Ang parehong reinforced na tuktok ng instrumento ay maaaring makatiis ng mas malaking presyon. Ang lumang cervix ay tinanggal din. Sa halip na isang solid, pinutol kasama ang suso mula sa isang piraso ng kahoy, isang bago, na inilagay sa isang anggulo, ay nakadikit; isang matandang kuhol ang nakakabit dito. Sa ganitong paraan, ang anggulo ng mga string na nakaunat sa stand ay naging matalas at muli ang presyon sa itaas na soundboard ay tumaas nang malaki. Ang tagumpay ng "pagpapalakas" na ito ay nakoronahan ng isang bagong busog, na idinisenyo ni Tourte, na naging posible upang i-play ang bagong nabuong instrumento nang naaayon. Ang busog na ito ay mas mabigat kaysa sa mga luma (sa simula ay napakagaan), malakas na malukong, na humantong sa pagtaas ng pag-igting ng buhok na may pagtaas ng presyon sa string. Ito ay may dalawang beses sa dami ng buhok kaysa sa mga sinaunang busog, at ito ay sinigurado - sa kaibahan sa bilugan at mahinang tuft sa mga sinaunang busog - na may metal na bracket, na nagbibigay dito ng hugis ng isang patag na laso.

Ang lahat ng mga lumang biyolin ay sumailalim sa mga pamamaraan sa itaas, simula noong 1790 at hanggang sa kasalukuyan (ang mga lumang instrumentong Italyano na ginagamit ng mga soloista ngayon ay na-moderno sa ganitong paraan at ngayon ay tumutunog ang mga ito. sa lahat naiiba kaysa sa oras ng pinagmulan nito). Ang mga remade violin, kasama ang bagong busog, ay nagbago nang hindi na makilala malakas na tunog(higit sa tatlong beses) ay binayaran ng malaking pagkawala ng matataas na tono. Sa paglipas ng panahon, ang hindi maiiwasang ito ay naging isang birtud: ang makinis, bilugan na tunog ng mga biyolin ay naging isang mainam, ang tunog ay naging mas "pinakinis", ang mga unwound string ng bituka ay pinalitan ng mga kasalukuyang, bakal at pinagsama-sama ang pagkawala ng mataas na tono ay isang hindi maiiwasang resulta ng pagtaas sa masa ng instrumento; ang dahilan ay hindi lamang sa mga matibay na kisame at malakas na pag-igting ng mga string, kundi pati na rin sa iba pang mga elemento na nagsisilbi upang ayusin ang pag-tune ng napakalaking ebony neck, tailpiece, atbp. Ang mga operasyong ito ay hindi matagumpay para sa lahat ng mga instrumento. Ang ilan, lalo na ang magaan, matambok na mga instrumento ng Steiner school, ay nawalan ng tono, ang tunog ay naging hiyawan, habang nananatiling mahina. Napakaraming mahalagang mga lumang instrumento ang nawasak - ang mga mas mababang soundboard ay hindi makatiis sa presyon ng kaluluwa at nahati. Ang mga alaalang ito ang susi sa pag-unawa sa diwa ng tunog ng mga sinaunang nakayukong instrumento.

Ngayon ihambing ang tunog ng mga baroque violin at isang modernong instrumento ng konsiyerto: ang "baroque" na tunog ay mas tahimik, ngunit nailalarawan sa pamamagitan ng isang matinding matamis na gilid. Ang mga sound nuances ay nakakamit sa pamamagitan ng iba't ibang articulation at, sa isang mas mababang lawak, sa pamamagitan ng dynamics. Makabagong instrumento, sa kabaligtaran, ay may bilog, makinis na tunog na may malaking dynamic na hanay. Iyon ay, ang pangunahing elemento ng pormasyon nito ay dinamika. At sa pangkalahatan, dapat tandaan na ang sound palette ay makitid: sa isang modernong orkestra ang lahat ng mga instrumento ay may isang bilugan na tunog, walang mataas na frequency, ngunit sa isang baroque orchestra ang mga pagkakaiba sa pagitan ng mga indibidwal na grupo ng mga instrumento ay nagbibigay ng mas mayamang mga posibilidad.

Gamit ang mga violin bilang isang halimbawa, tiningnan namin ang kasaysayan ng mga pagbabago sa istruktura ng mga instrumento at ang kanilang tunog. Bumaling tayo ngayon sa iba pang nakayukong instrumento, una sa lahat sa viol at gamba. Para sa akin, ang kanilang angkan ay direktang hinango (kahit na higit pa sa angkan ng mga biyolin) mula sa medieval fiddle. Isang bagay ang tiyak: ang parehong pamilya - ang mga gamba at ang mga biyolin - ay bumangon nang halos sabay-sabay noong ika-16 na siglo. Sa simula pa lang ay tiyak na magkahiwalay sila at magkaiba. Ang pagkakaroon ng dibisyong ito ay makikita salamat sa mga patnubay na umiiral sa mga instrumental na gawa ng Italyano noong ika-17 siglo: ang cello, bagama't hawak sa pagitan ng mga binti (o "da gamba"), ay itinalaga bilang viola oo braccio at kabilang sa pamilya ng violin, at ang maliit na French Pardessus de Viole ay isang treble gumboy, bagaman kadalasan ay nakahawak siya sa balikat (“da braccio”).

Ang Gambas ay naiiba sa mga violin sa mga sukat: isang mas maikling katawan na may kaugnayan sa haba ng mga string, isang patag na mas mababang soundboard at mas mataas na mga gilid. Sa pangkalahatan sila ay mas payat at mas magaan. Ang hugis ng katawan ay naiiba sa mga violin at hindi malinaw na tinukoy, at mayroon ding mas kaunting impluwensya sa tunog ng instrumento. Ang mga mahahalagang katangian ay hiniram mula sa lute: quart-tertz scale at frets. Sa simula ng ika-16 na siglo, ang mga gamba ay ginawa ng mga koro, iyon ay, ang mga instrumento ng iba't ibang laki ay ginawa para sa treble, alto, tenor at bass. Ang mga pangkat na ito ay pangunahing ginamit para sa pagganap ng mga akdang tinig, kung saan - idinagdag ang mga ito sa isang instrumental na bersyon - naaangkop na mga palamuti. Kasama sa mga halimbawa ang mga ehersisyo ni Ortiz (Spain) at Ganassi (Italy), na idinisenyo para sa layuning ito. Noong panahong iyon, ang biyolin ay hindi pa itinuturing na isang pinong instrumento at pangunahing ginagamit para sa improvisasyon sa musika ng sayaw.

Sa pagtatapos ng ika-16 na siglo - nang sa Italya ang pagpapalawak ng mga biyolin ay unti-unting nagsimula bilang pinakaangkop. Italian character mga instrumento - natagpuan ng mga koro ng gamba ang kanilang tunay na tinubuang lupa sa England. Ang Viola da gamba ay lubos na nababagay sa Ingles, na pinatunayan ng napakaraming kahanga-hanga at malalim na musika para sa mga ensemble mula dalawa hanggang pitong gamba, na isinulat sa loob ng isang daang taon. Ang musikang ito - parehong mula sa makasaysayang at sound side - ay maihahambing lamang sa mga string quartets noong ika-18-19 na siglo. Noong mga panahong iyon, ang bawat pamilyang Ingles na tumutugtog ng musika ay may dibdib na may iba't ibang laki ng mga gamba. At kung sa kontinente sa loob ng mahabang panahon ay sumulat sila ng musika para sa mga instrumento na "nasa kamay", nang hindi binibigyang pansin ang kanilang mga detalye, kung gayon sa England sila ay binubuo - na may malinaw na layunin para sa gamba - mga pantasya, inilarawan sa pangkinaugalian na mga sayaw at pagkakaiba-iba. Ang gamba, dahil sa istraktura at frets nito, ay may tunog na mas pino at balanse kaysa sa mga instrumento ng pamilya ng violin. At dahil ang pinakamadaling tunog na nuances ay ang pinakamahalagang paraan ng pagpapahayag para sa gamba, ang musikang inilaan para dito ay umiwas sa labis na karga at dynamic na rich interpretations.

Di-nagtagal, natuklasan ng mga musikero ng Ingles ang mga solong posibilidad ng mga gamba. Para sa layuning ito, isang bahagyang mas maliit kaysa sa karaniwang bass gamba "sa D" ay nilikha, na tinatawag Dibisyon- Viol. Isang mas maliit na solo gamba ang tinawag Lyra-Viol. Ang huli ay may variable na sistema (depende sa piraso), ang bahagi nito ay naitala sa anyo ng tablature (mga diskarte sa paglalaro). Ang pamamaraan ng notasyon at nakalilitong pag-tune ay humantong sa katotohanan na sa kasalukuyan ay walang gumagawa sa kahanga-hanga at teknikal na napaka-kagiliw-giliw na musika na isinulat para sa instrumentong ito. Sa England, ang mga gamba, bilang solong instrumento, ay karaniwang ginagamit para sa libreng improvisasyon. Ang mga matingkad na halimbawa ng sining na ito ay matatagpuan sa "Division Viol" Christopher Simpson - isang manwal para sa pagtuturo ng solong improvisasyon sa paksang ipinakita sa boses ng bass. Ang pamamaraang ito ng improvisasyon ay ang pinakamataas na tagumpay ng sining ng paglalaro ng gamba at ipinakita ang komprehensibong musika, teknikal na kahusayan, at imahinasyon ng tagapalabas. Noong ika-17 siglo, ang mga English Gambist ay nagtamasa ng hindi pa nagagawang katanyagan sa kontinente. Nang gumawa si Steiner ng mga gamba para sa katedral sa Bolzano noong 1670, ginamit niya ang payo ng isa sa kanila, na isinasaalang-alang siya ang pinakamataas na awtoridad.

Gayunpaman, ang bansa kung saan ang mga solong kakayahan ng gamba ay ganap na pinagsamantalahan ay ang France, at pagkatapos lamang sa pagtatapos ng ika-17 siglo. Ang hanay ng noon ay French gamba ay pinalawak sa pamamagitan ng pagdaragdag ng mababang "A" na string. Sa ilalim ng Louis XIV, salamat sa paghihikayat ng mga pinaka-pinong tagahanga ng musika, isang malaking bilang ng mga gawa ni Marin Mare ang lumitaw; ang napakaraming mga tagasunod ay nakahanap din ng magagandang, matapang na komposisyon ng dalawang kinatawan ng pamilya Forqueret. (Ang mga teknikal na kinakailangan sa kanilang mga gawa ay napakataas na nag-udyok sila ng paghahanap para sa mga pangunahing pinagmumulan at ang mga unang halimbawa ng gayong kagalingan. Dati, noong panahon ni Louis XIII, ang sunod sa moda at pinaka-virtuosic na instrumento ay ang lute.

Sa mga daliri, na naitala sa lahat ng mga komposisyong Pranses para sa gamba, malinaw na makikilala ng isa ang mga pamamaraan ng paglalaro na tipikal ng lute). Pinalawak din ng mga kompositor na ito ang hanay ng mga paraan ng pagpapahayag para sa gamba, pagbuo ng isang buong sistema ng mga palatandaan na naging posible upang maitala ang masalimuot at katangi-tanging mga dekorasyon, glissanding at iba pang mga epekto. Sa bawat oras na ipinaliwanag sila sa mga paunang salita. Naabot dito ni Gamba ang rurok ng kanyang solo at teknikal na kakayahan, gayundin, sa isang tiyak na lawak, panlipunan. Maging ang mga marangal na tao ay umunlad sa paglalaro nito. Ang lapit ng tunog nito ay tinukoy ang gamba bilang isang solong instrumento na eksklusibo para sa maliliit na espasyo, at ang paggawa ng napakahusay na tunog ay parehong pinagmumulan ng tagumpay ng instrumento at ang dahilan ng pagbaba nito. Hindi pinansin noong una, ang mga biyolin, na tumutunog nang malakas kahit sa malalaking silid, ay unti-unting nakilala hanggang sa mapalitan nila ang sopistikadong gamba sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. Ang pakikibaka na ito ay matalinghagang nililikha ng mga polemik ng mahilig sa gambo na si Abbe Le Blanc na may mga tagasunod ng violin at cello. Ang kakanyahan ng tunog ng gamba, ang kaselanan at pagiging sopistikado nito ay kitang-kita na walang mga pagtatangka na ginawa upang "iligtas" ito sa pamamagitan ng pagpapahusay ng tunog.

Wala kahit saan ang gamba na nakakuha ng kahalagahan tulad ng sa England o France. Sa Italya, nagsimula itong lumabas sa fashion noong ika-17 siglo sa pagdating ng biyolin. Sa Germany, kakaunti lamang ang makikitang komposisyon para sa gamba, na umaasa sa mga modelong Pranses (maraming mga gawa ng Telemann), o ginamit ang mga kakayahan sa teknikal at tunog nito nang mababaw (Buxtehude, Bach, atbp.). Binubuo ng mga kompositor na ito ang mga katulad na gambo na gawa nang hindi isinasaalang-alang na kailangan itong malalim na tumagos sa likas na katangian ng instrumento; sila ay maaaring parehong mahusay na kinakatawan - nang walang pagkawala sa purong musikal na bagay - kapag ginawa sa iba pang mga instrumento.

Noong ika-18 siglo, sa pagtatapos ng panahon ng Gambian, pansamantalang naging uso ang mga tao mula sa iisang pamilya. Halimbawa, ang Viola d'amour at ang English Violet ay ginamit lamang bilang solong instrumento.

Ang mga pagtatangka ay ginawa upang makamit ang isang bagay tulad ng resonance sa mga ito; Sa pamamagitan ng mga butas sa leeg sila ay hinila sa mga peg at, depende sa dami, sila ay nakatutok sa ilang sukat o chromatically. Ang mga string na ito ay hindi inilaan para sa paglalaro, ngunit nagsilbi lamang bilang mga resonating string. Ang viola d'amour ay isang tunay na naka-istilong instrumento noong ika-18 siglo, at ito ay nakaligtas hanggang sa ika-19 na siglo, pagkatapos na makalimutan ang gamba, bagama't ito ay nanatili sa malalim na anino.

Noong ika-18 siglo, minsan ginawa ang mga bass gamba na may matunog na mga string. Ang isa sa mga pinaka-kahanga-hangang instrumento ng ganitong uri ay ang baritone.

Ito ay may sukat at mga string ng isang bass gamba. Ang mga resonant na string ay inihahain hindi lamang upang kulayan ang tunog - habang tumutugtog, maaari din itong hawakan ng hinlalaki ng kaliwang kamay. Sa ganitong paraan, nakamit ang isang espesyal na epekto: sa halip malakas (tulad ng harpsichord) na mga tunog ay hindi nalunod, ngunit patuloy na tumunog sa loob ng mahabang panahon, madalas na magkakapatong sa isa't isa. Kung si Haydn ay hindi nagsulat ng isang malaking bilang ng mga mahiwagang komposisyon na nagpapakita ng mga katangian ng baritone, ngayon ay halos hindi na nila maaalala ang instrumento na ito: bukod sa kanila, walang iba pang mga gawa para sa baritone. Totoo, medyo marami sa mga instrumento ang napanatili, ang ilan ay mula pa noong ika-17 siglo. Dapat itong bigyang-diin na ang instrumento na ito ay inilaan lalo na para sa improvisasyon, at salamat sa karagdagang mga plucked string, posible na samahan ang sarili, gaya nga.

Sa kasamaang palad, noong muling natuklasan ang gamba noong dekada singkwenta, nawalan na kami ng pagkaunawa sa pambihirang tunog nito. Ang hindi nila pinangahasang gawin noong ika-18 siglo ay nagawa na: maraming magagandang lumang gamba ang pinalaki at kadalasan ay nababawasan na sa laki ng cello.

Ngayong ang impormasyon tungkol sa paggamit ng mga instrumentong baroque at tinatawag na mga instrumentong baroque ay nakolekta sa loob ng dalawang henerasyon, nagbago ang saloobin sa kanila. Wala nang nakikialam sa "pagpapabuti" ng mga lumang instrumento, ngunit sa kabaligtaran, tinutuklasan nila ang mga posibilidad ng kanilang tunay na tunog. Kasabay nito, na parang sa sarili nito, lumitaw ang katotohanan: ang toolkit ng bawat panahon ay lumilikha ng isang kamangha-manghang inangkop na integridad, kung saan ang lugar ng bawat instrumento ay malinaw na tinukoy. Ang paggamit ng mga indibidwal na sinaunang instrumento kasama ng mga modernong ay ganap na imposible. Kaya, ang isang orihinal, wastong nakatutok na gamba sa isang modernong string orchestra ay magiging napakanipis; Maraming mga manlalaro ng gambo ang nahaharap sa isang katulad na problema kapag ginagawa nila ang "Passion" ni Bach bawat taon. (Sa aking palagay, hindi na kailangan ng kompromiso - ang solong bahagi ay dapat i-play alinman sa isang cello o sa isang reinforced gumbo cello).

Kung sumasang-ayon tayo na ang tunog, gayundin ang orihinal na mga instrumento, ay ang pinakamabisang salik sa paglalapit sa atin sa sinaunang musika at pagbibigay ng napakahalagang tulong sa interpretasyon nito, at bilang karagdagan - isang pinagmumulan ng pinakamayamang artistikong pampasigla, kung gayon hindi tayo magpapahinga hanggang dumating kami sa huling ng mga link, na bumubuo ng isang mahabang hanay ng mga pattern. Kung gagawin natin - at malaki - ang mga pagsisikap na ayusin at iakma ang buong instrumento sa ating sarili, kung gayon ang ating gantimpala ay magiging isang nakakumbinsi na sound image, na siyang magiging pinakamahusay na tagapamagitan sa pagitan natin at ng sinaunang musika.

Violin - solong instrumentong baroque

Ang panahon ng Baroque ay nagtaas ng solong pagganap sa walang uliran na mga taas, at ang birtuoso ay "kinailangan" na lumitaw, dahil tumigil sila sa pagiging interesado sa hindi kilalang sining, at nagsimulang humanga sa artista at gawing diyos ang isa na gumagawa ng hindi kapani-paniwalang mga bagay; Ang panahong ito ay ang panahon din kung saan naabot ng mga soloista ang mga limitasyon ng mga kakayahan na tinutukoy ng kalikasan para sa bawat instrumento. At wala ni isa sa kanila ang naghatid ng diwa ng Baroque na kasing-totoo ng biyolin. Ang hitsura nito sa buong ika-16 na siglo ay tila resulta ng unti-unting pagkonkreto ng isang partikular na plano. Ang mga biyolin ay kinuha ang kanilang partikular na anyo - salamat sa sining ng mga makikinang na master mula sa Cremona at Brescia - mula sa maraming Renaissance bowed instrument tulad ng fiddle, ang rebec, ang lira, at ang kanilang maraming mga uri.

1. Sinaunang Greek lyre.
2. Medieval one-string lyre.
3. Lyra da braccio.
4. Folk (may gulong) lira.

Naglalaro si Angel ng fideli

Ang prosesong ito ay naganap kasama ng ebolusyon ng musika mismo, dahil sa mga nakaraang siglo ang lahat ng mga elemento ay nakatiklop sa isang manipis na polyphonic na tela, ang hindi kilalang bahagi nito ay mga indibidwal na instrumento at musikero. Ang bawat instrumento ay kailangang napakalinaw na gumuhit ng sarili nitong linya at sa parehong oras ay umakma sa pangkalahatang imahe ng tunog na may katangiang kulay nito. Ngunit humigit-kumulang 1600 bagong uso ang lumitaw. Ang musikal at declamatory na interpretasyon ng mga akdang patula ay humantong sa paglaganap ng monody, solong pagkanta may saliw. Sa recitar cantando (sung recitative) at sa concitato style, nabuo ang mga bagong paraan ng pagpapahayag, na pinagsama ang salita at tunog sa isang kamangha-manghang integridad. Ang alon na ito ay nagdala din ng purong instrumental na musika na pinalaya ng soloista ang kanyang sarili mula sa ensemble anonymity, naglaan ng bagong monodic sound speech at nagsimulang "magsalita" ng eksklusibo sa tulong ng mga tunog. Ang solong uri ng paggawa ng musika ay itinuturing na isang natatanging wika, na may kaugnayan kung saan kahit na ang teorya ng musikal na retorika ay lumitaw; nakuha ng musika ang katangian ng isang diyalogo, at isa sa mga pangunahing kinakailangan na kinakaharap ng lahat ng mga guro ng musika ng Baroque ay ang kakayahang magturo ng "nagpapahayag" na pagtugtog ("sprechendes" Spiel).

Sa Italya noong panahon ni Claudio Monteverdi, mga biyolinista lamang ang naging kompositor. Ang bagong musikal na wika ng Baroque, sa isang hindi kapani-paniwalang maikling panahon, ay humantong sa paglitaw ng mga birtuoso na panitikan, na sa loob ng mahabang panahon ay itinuturing na hindi maunahan. Isinulat ni Monteverdi ang unang tunay na violin solo sa kanyang "Orpheus" (1607) at sa "Vespro" ("Vespers") (1610), at ang kanyang mga estudyante at tagasunod (Fontana, Marini, Uccellini, atbp.) sa susunod na tatlumpung taon kasama ang ang kanilang matapang, madalas na may kakaibang mga gawa ay nag-ambag sa walang uliran na pamumulaklak ng solong pagtugtog ng biyolin.

Ang mga sumunod na dekada ay nagdala ng kaunting kalmado. Para sa mga violinist, ang panahon ng "bagyo at stress" ay natapos na; karagdagang pag-unlad medyo bumagal ito. Tulad ng estilo ng Baroque mismo, ang mga violin ay isang imbensyon ng Italyano, at kung ang Italian Baroque (sa mga katutubong uri nito) ay nasakop ang buong Europa, kung gayon ang mga violin ay naging isang mahalagang bahagi ng instrumento ng Europa. Mabilis silang nag-ugat sa Germany: nasa unang kalahati na XVII Sa loob ng maraming siglo, ang mga Italyano na birtuoso ay nagtrabaho sa mga korte ng mga prinsipe ng Aleman. Di-nagtagal ay nabuo doon ang isang independiyenteng istilo ng solong violin music; Ang katangian ng pagiging sopistikado ng istilong ito (na kalaunan ay tinawag na "typical German") ay polyphonic, chord playing.

Antas ng violin technique XVII-XVIII siglo ay karaniwang hindi tama ang pagtatantya ngayon. Ang paghahambing ng mataas na teknikal na mga tagumpay ng mga kontemporaryong soloista na may makabuluhang mas mababang mga kakayahan ng mga musikero na nabuhay isang daang taon na ang nakalilipas, naniniwala sila na pinag-uusapan natin ang tungkol sa patuloy na pag-unlad - na parang ang higit pa sa nakaraan, mas mababa ang antas ng pagtugtog ng biyolin. Kasabay nito, nakalimutan nila na ang pampublikong muling pagsusuri ng propesyon ng musikero, na naganap noong ika-19 na siglo, ay tiyak na konektado sa regression. Sinabi ni Henri Martial noong 1910: "Kung maririnig natin ang Corelli, Tartini, Viotti, Rohde o Kreutzer, ang ating pinakamahuhusay na biyolinista ay bumuka ang kanilang mga bibig sa pagkagulat at napagtanto na ang sining ng pagtugtog ng biyolin ay humihina na ngayon."

Maraming mga teknikal na elemento ng modernong paglalaro, tulad ng vibrato, spiccato, flying staccato, atbp., ay itinuturing na mga imbensyon ng Paganini at (maliban sa vibrato) ay itinuturing na hindi katanggap-tanggap sa baroque music. Sa halip, ang tinatawag na "Bach bow" ay naimbento, na, sa mga lugar ng iba't ibang artikulasyon na likas sa estilo ng Baroque, ay nagpapakilala ng ganap na monotony. Gayunpaman, ang musika mismo at ang mga sinaunang teoretikal na treatise ay inilarawan nang detalyado ang iba't ibang mga teknikal na pamamaraan na umiral sa isang tiyak na panahon, pati na rin ang mga lugar kung saan ginamit ang mga diskarteng ito.

Ang Vibrato, isang pamamaraan na kasing sinaunang pagtugtog ng mga nakayukong instrumento mismo, ay nagsisilbing tularan ang pagkanta. Ang tumpak na katibayan ng pagkakaroon nito ay natagpuan na sa ika-16 na siglo (mula sa Agricola). Ang mga paglalarawan nito (bilang isang bagay ng kurso) ay matatagpuan sa ibang pagkakataon (Mersenne 1636, North 1695, Leopold Mozart 1756). Gayunpaman, ang vibrato ay palaging itinuturing na isang uri lamang ng dekorasyon na hindi palaging ginagamit, ngunit ginagamit lamang sa mga partikular na okasyon. Ganito ang sabi ni Leopold Mozart: “May mga artistang nanginginig sa bawat nota, na para bang niyuyugyog sila ng patuloy na pagyanig. Ang Tremulo (vibrato) ay dapat lamang gamitin sa mga lugar kung saan ang kalikasan mismo ay nangangailangan nito."

Ang Spiccato (jump bow) ay isang napakatandang uri ng stroke (sa ika-17 at XVIII siglo- malinaw lang na pinaghihiwalay na mga tala, hindi isang tumatalbog na busog). Sa ganitong paraan, isinagawa ang unligated arpeggio figure o mabilis na umuulit na tunog. Si Walter (1676), Vivaldi at iba pa, na nagsusumikap para sa gayong pagpindot, ay sumulat ng "col arcate sciolte" o, sa madaling salita, "sciolto". Maraming mga halimbawa ng "itinapon" na busog at kahit na mahahabang kadena ng "lumilipad" na staccato ay matatagpuan sa solong panitikan ng violin noong ika-17 siglo (lalo na sa Schmelzer, Bieber at Walter). Mayroon ding iba't ibang kulay ng pizzicato (gamit ang plectron o pick sa fingerboard), na makikita sa Biber, o sa chord playing ni Farina (1626), o col legno (blows with the bow shaft) - lahat sila ay kilala na sa XVII siglo.

Nai-publish noong 1626, ang "Capriccio stravagante" ni Carl Farina (isang estudyante ng Monteverdi) ay isang hindi maunahang katalogo ng mga epekto ng violin. Marami sa kanila ang itinuring na isang tagumpay sa mas huling panahon, habang ang ilan ay nag-akala na sila ay natuklasan lamang noong ika-20 siglo! Ang gawaing ito, na may bilingual (Italian-German) na paunang salita, ay isang mahalagang testamento sa sinaunang pamamaraan ng biyolin. Dito ay inilarawan - bilang isang espesyal na epekto - naglalaro sa matataas na posisyon sa mababang mga string (sa oras na iyon ang "E" string lamang ang nilalaro sa itaas ng unang posisyon): "... ang kamay ay inilipat patungo sa tulay at nagsisimula... gamit ang ikatlong daliri ang ipinahiwatig na nota o tunog " Ang Col legno ay inilarawan bilang mga sumusunod: "... ang mga tala ay dapat na tamaan sa pamamagitan ng paghampas sa baras ng busog, tulad ng isang tamburin, habang ang busog ay hindi maaaring manatiling hindi gumagalaw sa loob ng mahabang panahon, ngunit kailangang ulitin ang paggalaw" - ang baras ng busog ay dapat tumalbog pabalik tulad ng ang mga patpat ng tambol. Inirerekomenda ni Farina ang pagtugtog ng sul ponticello (malapit sa tulay) upang gayahin ang tunog ng mga instrumentong pang-ihip tulad ng plawta o trumpeta: “Ang tunog ng plauta ay ginawa nang malumanay, sa layo ng isang daliri (1 cm) mula sa tulay, napakatahimik, tulad ng isang lira. Ang mga tunog ng mga trumpeta ng militar ay tinutugtog sa parehong paraan, na may pagkakaiba na dapat itong patugtugin nang mas malakas at mas malapit sa kinatatayuan." Ang isang madalas na ginagamit na pamamaraan ng pagtugtog ng Baroque sa mga nakayukong instrumento ay bowed vibrato, na ginagaya ang isang organ tremulant: "ang tremolo ay ginagaya sa pamamagitan ng pagpintig ng kamay na humahawak sa busog (katulad ng tremulant sa isang organ)."

Ang baroque technique ng kaliwang kamay ay naiiba sa modernong tema na sinubukan ng mga biyolinista na iwasan ang matataas na posisyon sa mababang mga kuwerdas. Ang pagbubukod ay ang bariolage lugar, kung saan ang pagkakaiba sa mga kulay sa pagitan ng mataas na pinindot mababa at walang laman mataas na mga string ibinigay ang ninanais sound effect. Ang paggamit ng mga walang laman na mga string ay hindi lamang pinapayagan, ngunit madalas kahit na kinakailangan; Ang mga walang laman na string ng bituka ay hindi kasing-iba ng tunog mula sa mga pinindot na string gaya ng mga kasalukuyang metal.

(materyal na hiniram mula sa site: http://www.nnre.ru/kulturologija/muzyka_jazykom_zvukov_put_k_novomu_ponimaniyu_muzyki/p3.php#metkadoc3