Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Mag-ulat sa kasaysayan ng mga agham

pagkatapos ay ang paksang "Musika ng France noong ika-18 siglo"

10th grade student ng Faculty of Physics and Mathematics

Lyceum No. 1525 "Sparrow Hills"

Kazakova Philippa.

Ang unang bagay na kailangang sabihin tungkol sa musika ng France noong ika-18 siglo ay iyon
hindi tulad ng mga nangungunang bansa sa larangan ng musika (tulad ng Germany,
Austria, Spain at Italy), hindi na maipagmalaki pa ng France
bilang ng mga partikular na sikat na komposisyon, hindi mga performer o mayaman
isang uri ng mga sikat na gawa. Ang pinakasikat na Pranses
Si Gluck ay itinuturing na kompositor ng panahong iyon, ngunit siya ay mula rin sa Alemanya.
Sa bahagi, ang sitwasyong ito ay idinidikta ng mga interes ng lipunan, na nagpasiya
mga istilo ng musika. Isaalang-alang natin ang pag-unlad ng musika noong ika-18 siglo.

Sa simula ng siglo, ang pinakasikat na istilo ng musika ay sentimental
klasisismo. Ito ay mabagal, nakakaaliw na musika, hindi partikular na kumplikado.
Nilalaro nila ito mga instrumentong kuwerdas. Karaniwang sinasamahan niya ang mga bola at kapistahan,
ngunit gusto din nilang makinig sa kanya sa isang nakakarelaks na kapaligiran sa bahay.

Pagkatapos, nagsimulang isama ng lute music ang mga feature at technique ng Rococo, gaya ng
parang trill at flag. Nakakuha ito ng mas masalimuot na anyo, musikal
ang mga parirala ay naging mas kumplikado at kawili-wili. Ang musika ay naging mas nadiskonekta
katotohanan, mas kamangha-mangha, hindi gaanong tama at, sa gayon, mas malapit
sa nakikinig.

Mas malapit sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, ang mga tampok ng Rococo ay naging napakasama sa
musika na nagsimula itong gawin sa isang tiyak na oryentasyon. Oo, malapit na
Sa musika, dalawang direksyon ang malinaw na lumitaw: musika para sa pagsasayaw at
musika para sa pag-awit. Sinabayan ng musika ng sayaw ang mga bola, musika para sa
ang pag-awit ay tumunog sa isang kumpidensyal na setting. Kadalasan ay mga aristokrata
mahilig kumanta sa mga tunog ng home harpsichord. Sabay may lumitaw
bago theatrical genre comedy-ballet na pinagsama ang diyalogo, sayaw at
pantomime, instrumental, minsan vocal music. Ang mga tagalikha nito ay sina J.
B. Moliere at kompositor na si J. B. Lully. Ang genre ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa
kasunod na pag-unlad ng Pranses teatro sa musika.

Kasunod ng mas banayad na paghihiwalay mga genre ng musika, nagsimula
lumalabas ang marching music. Ito ay malupit, malakas, maingay na musika. SA
ang oras na ito ay naging laganap mga instrumentong percussion(tambol at
cymbals), na nagtatakda ng ritmo, sa gayo'y inaalis ang gawain
sariling katangian ng pagganap. Marami rin itong ginamit
mga instrumento tulad ng trumpeta, na pangunahing nagsilbi upang mapahusay ang pangkalahatang
dami ng musika. Ito ay tiyak dahil sa hitsura ng mga drummer at malakas
mga instrumento ng musikang Pranses noong huling bahagi ng ika-18 siglo, sa palagay ko, ay naging
lalo na primitive at hindi outstanding. Ang koronang kaluwalhatian ng marching music ay
hitsura ng akdang "Marseillaise", na isinulat ni Rouget De Lisle noong 1792
taon.

Rouget De Lisle Claude Joseph (1760-1836) French military engineer, makata at
kompositor. Sumulat siya ng mga himno, kanta, romansa. Noong 1792 isinulat niya ang komposisyon
"La Marseillaise", na kalaunan ay naging anthem ng France.

Couperin François (1668-1733) - Pranses na kompositor, harpsichordist,
organista. Mula sa isang dinastiya na maihahambing sa dinastiyang German Bach, mula noong
kasama sa kanyang pamilya ang ilang henerasyon ng mga musikero. Si Couperin ay binansagan
"ang dakilang Couperin" bahagyang dahil sa kanyang pagkamapagpatawa, bahagyang dahil sa
karakter. Ang kanyang gawa ay ang rurok ng French harpsichord art.
Ang musika ni Couperin ay nakikilala sa pamamagitan ng melodic inventiveness, biyaya,
pagiging perpekto ng mga detalye.

Rameau Jean Philippe (1683-1764) - Pranses na kompositor at musikal
teorista. Gamit ang mga nagawa ng French at Italian musical
kultura, makabuluhang binago ang istilo ng classicist opera, na inihanda
reporma sa opera ni K. V. Gluck. Isinulat niya ang mga liriko na trahedya na "Hippolytus at
Arisia" (1733), "Castor and Pollux" (1737), opera-ballet na "Gallant India"
(1735), mga piraso ng harpsichord at higit pa. Ang kanyang mga teoretikal na gawa ay
isang makabuluhang yugto sa pagbuo ng doktrina ng pagkakaisa.

Gluck Christoph Willibald (1714-1787) - sikat na Franco-German
kompositor. Ang kanyang pinakatanyag na aktibidad ay konektado sa Paris
yugto ng opera, kung saan isinulat niya ang kanyang pinakamahusay na mga gawa sa
Mga salitang Pranses. Iyon ang dahilan kung bakit itinuturing itong Pranses ng mga Pranses
kompositor. Ang kanyang maraming mga opera: "Artaserse", "Demofonte",
Ang "Fedra" at iba pa ay ibinigay sa Milan, Turin, Venice, Cremoni.
Nakatanggap ng isang imbitasyon sa London, sumulat si Gluck ng dalawa
mga opera: "La Caduta de Giganti" (1746) at "Artamene" at opera medley
(pasticcio) “Pyram.” Ang huli ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa
Mga karagdagang aktibidad ni Gluck. Lahat ng mga opera na isang malaking tagumpay
Ang Gluck, ay isinulat ayon sa template ng Italyano, na binubuo ng isang bilang ng mga arias; V
Hindi sila binayaran ni Gluck espesyal na atensyon magtext. Ang kanyang opera "Pyram" siya
pinagsama-sama mula sa mga sipi mula sa mga nakaraang opera na nagkaroon ng pinakamalaking tagumpay,
pagsasaayos ng isa pang teksto ng bagong libretto sa mga talatang ito. Kabiguan nito
pinangunahan ng mga opera si Gluck sa ideya na ang ganoong uri ng musika lamang ang makakagawa
wastong impresyon, na direktang nauugnay sa teksto.
Nagsimula siyang sumunod sa prinsipyong ito sa kanyang susunod na mga gawa,
unti-unting nagkakaroon ng mas seryosong saloobin sa declamation,
ginagawa ang recitative arioso sa pinakamaliit na detalye at hindi nakakalimutan
recitation kahit sa arias.

Ang pagnanais para sa isang malapit na koneksyon sa pagitan ng teksto at musika ay kapansin-pansin na
"Semiramis" (1748). Ngunit ang kompositor ay mas madamdamin na lumingon sa opera,
bilang isang musikal na drama, kapansin-pansin sa "Orfeo", "Alceste", "Paride ed Elena"
(1761 - 64), itinanghal sa Vienna. Ang repormador ng opera ni Gluck ay
sa “Iphigenie en Aulide,” na ibinigay sa Paris na may napakalaking tagumpay (1774).
May ibinigay din: "Armide" (1777) at "Iphigenie en Tauride"
(1779) -

Ang pinakahuling opera ni Gluck ay ang “Echo et
Narcisse." Bilang karagdagan sa mga opera, sumulat si Gluck ng mga symphony, salmo at higit pa. lahat
Sumulat si Gluck ng higit sa 50 opera, interlude at ballet.

Sa konklusyon, dapat nating muling bigyang-diin ang pagiging isang panig ng musikang Pranses
ika-18 siglo. Ang pagkamalikhain sa musika ay parang isang craft o isang madali
libangan. Para sa craft, dahil ang lahat ng mga gawa ay halos pareho ang uri at
katulad na kaibigan sa isang kaibigan. On a hobby kasi maraming composers
nag-aral ng musika sa kanyang libreng oras, kaya pinupunan ang kanyang imahe
paglilibang. Tawagan ang aktibidad na ito na propesyonal na paglikha ng malikhaing.
ito ay ipinagbabawal. Kahit na ang pinakasikat na kompositor sa France noong panahong iyon, si Gluck
(na, sa pamamagitan ng paraan, ay hindi eksaktong kompositor ng Pranses),
tinatawag siya ng mga detractors bilang kompositor ng isang obra. Available sa
tingnan ang "Orpheus at Eurydice".

Mga Pinagmulan:

Great Encyclopedia of Cyril and Methodius,

Encyclopedia of Classical Music,

Brockhaus at Efron,

Klasikal na Musika (manwal),

internet,

Ang karampatang musicologist na si Natalya Bogoslavskaya.

Ang "Marseillaise" ay isang French revolutionary song.
Unang tinawag na "Battle Song of the Army of the Rhine", pagkatapos ay ang "March
Marseilles" o "Marseillaise". Sa ilalim ng Ikatlong Republika ito ay naging
pambansang awit ng France (mula noong Hulyo 14, 1975, ginanap sa bagong
edisyong pangmusika). Sa Russia, ang "Pagtatrabaho
Marseillaise" (melody ng "Marseillaise", teksto ni P. L. Lavrov, inilathala noong
pahayagan "Pasulong" 1.7.1875).

HARMONY, nagpapahayag na paraan ng musika batay sa pagkakaisa
tono sa mga katinig at ang koneksyon ng mga katinig sa kanilang sunud-sunod na paggalaw.
Ang pangunahing uri ng katinig ay ang chord. Ang pagkakaisa ay binuo ayon sa tiyak
ang mga batas ng pagkakaisa sa polyphonic music ng anumang uri - homophony,
polyphony. Ang mga elemento ng pagkakaisa - cadence at modulasyon - ang pinakamahalagang salik
anyong musikal. Ang doktrina ng pagkakaisa ay isa sa mga pangunahing seksyon ng teorya
musika.

Ang mga tradisyon ng kulturang musikal ng Pransya ay nagsimulang maitatag bago pa man ang ika-15 siglo. Ito ay tiyak na kilala na ito ay lubos na naiimpluwensyahan ng mga kultura ng mga tribong Germanic at Celtic na naninirahan sa modernong teritoryo ng France. Ang pag-unlad ng musika sa bansang ito ay naganap sa pakikipag-ugnayan sa pagkamalikhain ng mga tao ng mga kalapit na bansa - mga Italyano at Aleman. Kaya pala French pamanang musikal Ito ay naging napakakulay at iba-iba.

Pinagmulan

Sa una, ang katutubong musika ay dumating sa unahan sa France, kung wala ang mga ordinaryong tao ay hindi maisip ang kanilang pag-iral. Sa pagdating ng Kristiyanismo, ipinanganak ang musika ng simbahan, na unti-unting nagsimulang magbago sa ilalim ng impluwensya ng mga tao.

Ang pinakatanyag na manunulat ng mga liturhiya noong panahong iyon ay tinatawag na Hilaria mula sa lalawigan ng Poitiers. Nabuhay siya noong ika-3 siglo at siya ang pinakamatalinong teologo at guro ng simbahan.

Sa paligid ng ika-10 siglo, ang sekular na musika ay nagsimulang makakuha ng katanyagan. Ito ay ginaganap sa mga korteng pyudal, sa mga parisukat ng malalaking lungsod, at sa mga monasteryo. Kasama sa mga instrumento ang drum, flute, tamburin, at lute.

Ang ika-12 siglo ay minarkahan ng pagbubukas ng isang music school sa Notre Dame, ang dakilang Parisian cathedral. Ang mga kompositor nito ay naging mga tagalikha ng mga bagong genre ng musika (conduct, motet).

Noong ika-13 siglo, si Adam de la Al ay naging pinakakilalang musikero, na muling inisip ang gawain ng mga troubadours, na nagbibigay daan sa tunay na sining ng musika. Ang kanyang pinakakawili-wiling likha ay ang "The Game of Robin and Marion." Siya ay naging may-akda ng parehong tula at musika para sa dulang ito, na matagumpay na itinanghal sa korte ng Count of Artois.

Ars nova - direksyon musikang Europeo, na binuo sa France, ay naging sagisag ng mga bagong ideya ng mga musikero. Ang mga kompositor na Pranses na sina Guillaume de Machaut at Philippe de Vitry ay naging pangunahing mga teorista ng panahong ito. Isinulat ni De Vitry ang musikal na saliw sa tulang "The Romance of Fauvel", si de Machaut ang naging may-akda ng "Mass of Notre Dame". Ito ang unang akda na isinulat ng isang kompositor, at hindi sa pakikipagtulungan ng ibang tao.

Renaissance

Mula sa kalagitnaan ng ika-15 hanggang sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo, ang musikang Pranses ay umunlad sa ilalim ng impluwensya ng paaralang Dutch at ang mga panloob na pagbabago sa pulitika gaya ng digmaan ng pag-iisa ng mga Pranses, ang pagtatatag ng isang sentralisadong estado, at ang paglitaw ng burgesya.

Sa ilalim ng impluwensya ng mga kompositor tulad ng Gilles Benchois, Josquin Depres, Orlando di Lasso, isang bagong layer ang nabuo sa musikal na sining ng France. Ang korte ng hari ay hindi tumatabi. Lumilitaw ang mga kapilya doon at naitatag ang posisyon ng punong intendant ng musika. Ang una ay ang Italian violinist na si Baltazarini di Belgioiso.

Ang kasagsagan ng pambansang kultura ng musika ay dumating noong ika-16 na siglo, nang lumitaw ang chanson bilang isang genre. makabuluhang papel nakuha ang musika ng organ. Si Jean Titlouz ang naging tagapagtatag at ideologo ng kalakaran na ito.

Ang gawain ng mga Huguenot ay laganap, ngunit dahil sa relihiyosong alitan, ito ay ibinalik sa likuran. Mga kompositor na Pranses, pinakamalaking kinatawan Ang layer na ito, sina Claude Goudimel at Claude Lejeune ay naging mga may-akda ng daan-daang mga salmo. Pareho silang nagdusa noong St. Bartholomew's Night.

ika-17 siglo

Ang musika ng siglong ito ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng itinatag na absolutong monarkiya. Ang buhay sa korte sa ilalim ng Louis 15 ay sikat sa karangyaan at kasaganaan nito. Samakatuwid, hindi nakakagulat na sa iba pang mga libangan ay lumitaw ang mga mahahalagang genre tulad ng opera at ballet.

Itinaguyod ni Cardinal Mazarin ang pagbuo ng pinong sining. Ang kanyang pinagmulang Italyano ang naging dahilan ng pagpapasikat ng kultura ng bansang ito sa France. Mga eksperimento sa unang paglikha pambansang opera nabibilang kay Elisabeth Jacquet de la Guerre, na sumulat ng Cephalus at Procris noong 1694.

Binuksan noong 1671 Royal opera house ibinigay sa bansa mga kahanga-hangang kompositor. Gumawa si Marc-Antoine Charpentier ng daan-daang mga gawa, kabilang ang mga opera na "Orpheus's Descent into Hell", "Medea", at "The Judgment of Paris". Andre Campra - may-akda ng opera-ballet na "Gallant Europe", "The Carnival of Venice", mga trahedya sa musika"Iphigenia sa Tauris", "Achilles at Deidamia".

Ang ika-17 siglo ay isang panahon ng pagbuo paaralang Pranses mga harpsichordist. Kabilang sa mga kalahok nito ay sina Chambonnière at Jean-Henri d'Anglebert.

ika-18 siglo

Ang musikal at panlipunang buhay ay kapansin-pansing nagbabago sa siglong ito. Ang mga aktibidad sa konsyerto ay higit pa sa korte. Mula noong 1725, ang mga regular na pampublikong konsiyerto ay ginanap sa mga sinehan. Ang mga "Amateur Concerts" at "Friends of Apollo" na mga lipunan ay itinatag sa Paris, kung saan masisiyahan ang mga baguhan sa pagganap ng instrumental na musika.

Naabot ng harpsichord suite ang pinakamataas nito noong 30s. Sumulat si François Couperin ng higit sa 250 piraso para sa harpsichord at naging sikat hindi lamang sa kanyang sariling bansa, kundi pati na rin sa ibang bansa. Gumawa rin siya ng mga royal opera at gumagana para sa organ.

Para sa musika ng ika-18 siglo, ang gawa ni Jean Philippe Rameau, na hindi lamang isang mahuhusay na kompositor, kundi isang kilalang teoretiko sa kanyang larangan, ay napakahalaga. Ang kanyang mga liriko na trahedya na "Castor at Pollux", "Hippolytus at Arisia", at ang ballet-opera na "The Gallant Indians" ay hinihiling din sa mga modernong direktor.

Halos lahat mga gawang musikal hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo sila ay alinman sa eklesiastiko o mitolohiko. Ngunit ang mood sa lipunan ay humingi ng mga bagong interpretasyon at genre. Sa batayan na ito, ang opera buffe ay nakakuha ng katanyagan, na nagpakita mula sa isang satirical side mataas na lipunan at maharlikang kapangyarihan. Ang mga unang libretto para sa naturang mga opera ay isinulat ni Charles Favard.

Ang mga kompositor ng Pranses noong ika-18 siglo ay may malaking impluwensya sa istilo ng opera at sa teoretikal na batayan ng musikal ng genre na ito.

ika-19 na siglo

Ang Great French Revolution ay nagdulot ng makabuluhang pagbabago sa kultura ng musika. Ang musikang tanso ng militar ay nauna. Binuksan ang mga espesyal na paaralan upang sanayin ang mga musikero ng militar. Ang opera ay pinangungunahan na ngayon ng mga makabayang tema na may mga bagong pambansang bayani.

Ang panahon ng Pagpapanumbalik ay minarkahan ng pag-usbong ng romantikong opera. Ang Pranses na kompositor na si Berlioz ang pinakakilalang kinatawan ng panahong ito. Ang kanyang unang gawain sa programa ay ang Symphony Fantastique, na nagpapakita ng labis na emosyonalidad at ang tipikal na mood ng panahon. Siya ang naging tagalikha ng dramatikong symphony na "Romeo and Juliet", ang overture na "King Lear", ang opera na "Benvenuto Cellini". Sa kanyang sariling bansa, si Hector Berlioz ay nasuri nang hindi maliwanag. Ito ay konektado sa isang espesyal malikhaing paraan na pinili niya para sa kanyang sarili. Ang kanyang mga gawa ay puno ng hindi kapani-paniwalang mga epekto ng orkestra, na unang ginamit ng kompositor sa mga musikero ng Pransya.

Ang kalagitnaan ng ika-19 na siglo ay minarkahan ng simula ng pag-unlad ng operetta sa bansa. Ngunit noong 1870s, ang liriko na musika ay nauna, ngunit may makatotohanang mga ugali. Si Charles Gounod ay itinuturing na tagapagtatag ng genre na ito. Ang kanyang mga opera - "The Reluctant Doctor", "Faust" at "Romeo and Juliet" - ay nagpapahayag ng lahat ng mga makabagong pag-unlad ng kompositor.

Dose-dosenang mga gawa na makabuluhan para sa kultura ng France ay nilikha ni Georges Bizet, na namuhay ng maikling buhay. Nag-aral siya sa conservatory mula sa edad na 10 at mula sa simula ay nag-aral malaking tagumpay. Nanalo siya ng ilang makabuluhang kumpetisyon sa musika, na nagpapahintulot sa musikero na pumunta sa Roma sa loob ng ilang taon. Matapos ang kanyang pagbabalik sa Paris, nagsimulang magtrabaho si Georges Bizet sa opera ng kanyang buhay - Carmen. Ang premiere nito ay naganap noong 1875. Hindi tinanggap o naunawaan ng publiko ang gawaing ito. Namatay ang kompositor noong taon ding iyon nang hindi nakita ang tagumpay ni Carmen.

Sa mga huling taon ng ika-19 na siglo, sumulat ang mga kompositor ng Pranses sa ilalim ng impluwensya ng mga Aleman, lalo na si Richard Wagner.

ika-20 siglo

Ang bagong siglo ay minarkahan ng paglaganap ng impresyonismo sa kultura ng musika. Ang mga dakilang kompositor ng Pranses ay naging mga tagasunod ng istilong ito. Ang pinakamaliwanag ay si C. Debussy. Ang kanyang trabaho ay sumasalamin sa lahat ng mga pangunahing tampok na likas sa direksyon na ito. Ang mga aesthetics ng impresyonismo ay hindi nanatiling malayo sa isa pang Pranses. Pinaghalo ni Maurice Ravel ang iba't ibang istilo ng istilo ng kanyang panahon sa kanyang mga gawa.

Ang ika-20 siglo ay isang panahon ng paglikha ng mga malikhaing asosasyon, ang mga miyembro nito ay mga artista. Ang sikat na "French Six", na nilikha sa ilalim ng pamumuno nina Erik Satie at Jean Cocteau, ay naging pinakamakapangyarihang komunidad ng mga kompositor noong panahong iyon.

Natanggap ng asosasyon ang pangalan nito dahil sa pagkakatulad sa Russian Union of Composers - Isang makapangyarihang grupo. Pinagsama-sama sila ng pagnanais na ilayo ang kanilang sarili mula sa dayuhang impluwensya (sa kasong ito Aleman) at paunlarin ang pambansang layer ng sining na ito.

Kasama sa asosasyon sina Louis Durey ("Lyrical Offerings", "Self-Portraits"), Darius Milhaud (opera "The Guilty Mother", ballet "Creation of the World"), Arthur Honegger (opera "Judith", ballet "Shota Rustaveli" ), Georges Auric (musika para sa mga pelikulang "The Princess of Cleves", "Roman Holiday"), Francis Poulenc (opera "Dialogues of the Carmelites", cantata "Un ballo in maschera") at Germaine Taillefer (opera "The Little Mermaid ", ballet "Ang Nagbebenta ng Ibon").

Noong 1935, ipinanganak ang isa pang asosasyon - Young France. Ang mga kalahok nito ay sina Olivier Messiaen (opera "St. Francis of Assisi"), Andre Jolivet (ballets "Beauty and the Beast", "Ariadne").

Ang ganitong bagong kilusan tulad ng musical avant-garde ay lumitaw pagkatapos ng 1950. Ang kilalang kinatawan at inspirasyon nito ay si Pierre Boulez, na nag-aral sa Messiaen. Noong 2010, napabilang siya sa nangungunang dalawampung pinakamahusay na konduktor sa buong mundo.

Pag-unlad kontemporaryong sining sa France ay nag-ambag sa mga makabagong aktibidad ng naturang mga haligi akademikong musika tulad ni Debussy at Ravel.

Debussy

Achille-Claude Debussy, ipinanganak sa Saint-Germain-en-Laye, kasama ang maagang pagkabata nakaramdam ng pananabik sa kagandahan. Nasa edad na 10 siya ay pumasok sa Paris Conservatory. Madali para sa kanya ang pag-aaral, nanalo pa ang bata sa isang maliit na kumpetisyon sa loob. Ngunit si Claude ay nabibigatan ng mga klase sa pagkakaisa, dahil ang guro ay hindi magiliw sa mga eksperimento ng batang lalaki sa mga tunog.

Nang maantala ang kanyang pag-aaral, naglakbay si Claude Debussy kasama ang may-ari ng lupa mula sa Russia na si N. von Meck bilang isang home pianist. Ang oras na ginugol sa lupa ng Russia ay may kapaki-pakinabang na epekto kay Claude. Nasiyahan siya sa gawain nina Tchaikovsky, Balakirev at iba pang mga kompositor.

Pagbalik sa Paris, ipinagpatuloy ni Debussy ang pag-aaral sa konserbatoryo at pagsusulat. Bumubuo pa rin siya ng sarili niyang istilo. Ang pagbabago sa buhay ni Claude ay ang kanyang pagkakakilala kay E. Satie, na sa kanyang mga makabagong ideya ay nagpakita ng paraan para sa naghahangad na kompositor.

Ang mature na istilo ni Debussy ay ganap na nabuo noong 1894, nang isulat niya ang " Pahinga sa hapon Faun", ang sikat na symphonic prelude.

Ravel

Si Maurice Ravel ay ipinanganak sa timog ng France, ngunit lumipat sa Paris sa murang edad upang matutunan ang kanyang paboritong craft. Ang kanyang guro ay ang French composer-pianist na si Charles de Bériot.

Tulad ng kay Debussy, si Maurice ay naimpluwensyahan ng kanyang pakikipagkita kay Erik Satie. Pagkatapos niya, nagsimulang gumawa si Ravel nang may panibagong sigla, na inspirasyon ng mga talumpati at ideya ng kompositor.

Habang nag-aaral pa rin sa konserbatoryo, sumulat si Ravel ng ilang mga gawa batay sa mga motif ng Espanyol ("Habanera", "Ancient Minuet"), na mainit na tinanggap ng mga kapwa musikero. Gayunpaman, ang istilo ng kompositor ay minsang naglaro ng malupit na biro sa kanya. Hindi pinahintulutan si Ravel na lumahok sa kompetisyon para sa prestihiyosong Rome Prize, na binanggit ang mga paghihigpit sa edad. Ngunit ang kompositor ay hindi pa umabot sa 30 taong gulang at maaari, alinsunod sa mga patakaran, isumite ang kanyang komposisyon. Noong 1905, nagdulot ito ng malaking iskandalo sa mundo ng musika.

Pagkatapos ng Unang Digmaang Pandaigdig, kung saan nagboluntaryo si Ravel, ang emosyonal na prinsipyo ay itinuturing na pangunahing isa sa kanyang mga gawa. Ipinapaliwanag nito ang matalim na paglipat mula sa pagsusulat ng mga opera patungo sa mga instrumental na gawa (ang suite na "Tomb of Couperin"). Nakipagtulungan din siya kay Sergei Diaghilev at nagsusulat ng musika para sa ballet na sina Daphnis at Chloe.

Kasabay nito, ang kompositor ay nagsimulang magtrabaho sa kanyang pinakamahalagang gawain - "Bolero". Ang musika ay natapos noong 1928.

Ang huling obra ni Maurice Ravel ay ang "Three Songs", na isinulat para kay Fyodor Chaliapin.

Legrand

Para sa Russian viewer, ang pangalan ng isang French composer ay pamilyar na pamilyar. Ito ay si Michel Legrand, na lumikha ng musika para sa mga pelikulang kulto.

Si Michel Jean ay ipinanganak sa pamilya ng isang konduktor at pianista. Mula sa pagkabata, ang batang lalaki ay nabighani sa sining ng musika, kung kaya't siya ay pumasok sa Paris Conservatory. Matapos makumpleto ang kanyang pag-aaral, nagpunta siya sa USA, kung saan nagsimula siyang magsulat ng musika para sa mga pelikula.

Sa France, nagtrabaho siya sa mga sikat na direktor na sina Jean-Luc Godard at Jacques Demy. Ang kanyang pinakasikat na trabaho ay ang musika para sa pelikulang "The Umbrellas of Cherbourg".

Sumulat ng jazz music. Mula noong 1960s nagtrabaho siya sa Hollywood. Among mga tanyag na gawa kompositor - musika para sa "The Thomas Crown Affair" Reverse side hatinggabi." Si Michel Legrand ay tatlong beses na nagwagi ng Oscar.

ika-21 siglo

Ang akademikong musika ay hinihiling pa rin sa France. Mayroong hindi mabilang na mga festival at parangal na itinatag para sa mga tagumpay sa lugar na ito. Sa Paris, which is sentro ng kultura bansa, mayroong National Conservatory, Opera Bastille, Opera Garnier, at Théâtre des Champs-Élysées. Mayroong dose-dosenang mga orkestra na kilala sa buong mundo.

Ang musika ng mga kompositor ng Pranses ay nagiging kilala sa pangkalahatang publiko salamat sa sinehan. Kasama ng opera at symphonic music, nagsusulat din sila para sa mga pelikula. Ang mga ito ay pangunahing mga gawa para sa industriya ng pelikulang Pranses, ngunit ang ilang mga kompositor ay umabot din sa internasyonal na antas. Ang pinakamatagumpay na buhay na kompositor ng Pranses noong ika-21 siglo ay:

1. Antoine Duhamel ("Stolen Kisses", "Belle Epoque").
2. Maurice Jarre (Doctor Zhivago, A Walk in the Clouds).
3. Vladimir Kosma ("Injection na may Payong", "Mga Tatay").
4. Bruno Coulet ("Belphegor the Phantom of the Louvre", "Chorists").
5. Louis Aubert (opera "The Blue Forest", "Enchanting Night").
6. Philippe Sard ("D'Artagnan's Daughter", "Princess de Montpensier").
7. Eric Serra (mga soundtrack para sa "Leon", "Joan of Arc", "The Fifth Element").
8. Gabriel Yared (The English Patient, Cold Mountain).

Panimula

Kabanata I. Preconditions para sa pag-usbong ng musika ng mga French harpsichordists

1 Mga instrumentong pangmusika sa keyboard noong ika-18 siglo

2 Mga tampok ng istilong Rococo sa musika at iba pang anyo ng pagkamalikhain

Kabanata II. Mga larawang pangmusika ng mga French harpsichordist

1 Harpsichord na musika ni J.F. Ramo

2 Harpsichord na musika ni F. Couperin

Konklusyon

Bibliograpiya

Panimula

Ang French harpsichord school ay umabot sa rurok nito sa gawain ng dalawang henyo - si Francois Couperin at ang kanyang nakababatang kontemporaryong si Jean Philippe Rameau.

Si François Couperin ay isang Pranses na kompositor, harpsichordist, at organist. Mula sa isang dinastiya na maihahambing sa dinastiyang Aleman na Bach, dahil mayroong ilang henerasyon ng mga musikero sa kanyang pamilya. Si Couperin ay binansagan na "ang dakilang Couperin" na bahagyang dahil sa kanyang pagkamapagpatawa at bahagyang dahil sa kanyang karakter. Ang kanyang gawa ay ang rurok ng French harpsichord art. Ang musika ni Couperin ay nakikilala sa pamamagitan ng melodic inventiveness, grasya, at katumpakan ng detalye.

Si Jean Philippe Rameau ay isang Pranses na kompositor at teorista ng musika. Gamit ang mga nagawa ng Pranses at Italyano mga musikal na kultura, makabuluhang binago ang istilo ng classicist opera, inihanda ang opera reform ng K. V. Gluck. Isinulat niya ang mga liriko na trahedya na "Hippolytus at Arisia", "Castor at Pollux", ang opera-ballet na "Gallant India", mga piraso ng harpsichord at iba pa. Ang kanyang mga teoretikal na gawa ay isang makabuluhang yugto sa pag-unlad ng doktrina ng pagkakaisa.

Ang layunin ng gawaing pang-kurso na ito ay pag-aralan ang mga materyal tungkol sa buhay at gawain ng dalawang mahusay na harpsichordist at upang matukoy ang mga tampok ng kanilang trabaho.

) pag-aralan ang panitikan sa tinukoy na paksa;

) isaalang-alang ang mga pangunahing tampok ng estilo ng Rococo;

) upang matukoy ang mga tampok ng gawain ng mga dakilang French harpsichordists - F. Couperin at J.F. Ramo.

Ang gawaing ito ay may kaugnayan sa ating panahon, dahil gumawa ng espesyal na kontribusyon sina Rameau at Couperin sa musikang klasikal sa mundo.

1.1 Mga instrumentong pangmusika sa keyboard noong ika-18 siglo

Noong ika-17 siglo, kilala na ang mga mekanismo ng mga instrumento sa keyboard gaya ng clavichord at harpsichord. Sa clavichord ang tunog ay ginawa gamit ang isang flat metal pin (tangent), at sa harpsichord gamit ang balahibo ng uwak (plectrum).

Ang mga clavichord ay masyadong tahimik na mga instrumento para sa malalaking pagtatanghal. At ang mga harpsichord ay gumawa ng medyo malakas na tunog, ngunit nagpahayag ng kaunti sa bawat nota nang paisa-isa.

Ang pinakamahalagang tagagawa ng mga harpsichord noong ika-18 siglo ay ang Schudis at ang pamilyang Kirkman. Ang kanilang mga instrumento ay may isang oak na katawan na may linya na may playwud at nakikilala malakas na tunog masaganang timbre. Noong ika-18 siglong Alemanya, ang pangunahing sentro ng paggawa ng harpsichord ay Hamburg. Kabilang sa mga ginawa sa lungsod na ito ay mayroong mga instrumento na may dalawa at labing-anim na rehistro, pati na rin ang may tatlong manwal. Ang hindi pangkaraniwang mahabang modelo ng harpsichord ay idinisenyo ni J. D. Duelken, isang nangungunang Dutch master noong ika-18 siglo. Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo<#"justify">Sa loob ng maraming taon ang harpsichord ang pinakamarami sikat na kasangkapan sa maraming bansa sa mundo. Mula ika-16 hanggang ika-18 siglo, napanatili ng harpsichord ang katanyagan nito. Kahit na matapos ang pag-imbento ng piano, na mas madali at mas maginhawang tumugtog, patuloy na ginagamit ng mga musikero ang harpsichord. Humigit-kumulang isang daang taon bago nakalimutan ng mga musikero ang harpsichord at lumipat sa piano.

Mula sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, ang harpsichord ay nagsimulang mawalan ng katanyagan, at sa lalong madaling panahon nawala mula sa entablado. mga bulwagan ng konsiyerto sa lahat. Sa kalagitnaan lamang ng ika-19 na siglo naalala ito ng mga musikero, at ngayon maraming mga paaralan ng musika ang nagsimulang magsanay ng mga performer na tumutugtog ng harpsichord.

2 Mga tampok ng istilong Rococo sa musika at iba pang anyo ng pagkamalikhain

Ang Rococo ay isang istilo ng sining na nagmula sa France<#"justify">Ang paglitaw ng istilong Rococo ay dahil sa mga pagbabago sa pilosopiya, panlasa at buhay hukuman. Ang ideolohikal na batayan ng estilo ay walang hanggang kabataan at kagandahan, galante at mapanglaw na biyaya, pagtakas mula sa katotohanan, ang pagnanais na itago mula sa katotohanan sa isang pastoral idyll at rural joys. Ang estilo ng Rococo ay nagmula sa France at kumalat sa ibang mga bansa: Italy, Germany, Russia, Czech Republic at iba pa. Nalalapat ito sa pagpipinta at iba pang anyo ng sining.

Ang pagpipinta ng Rococo ay malinaw na ipinakita sa France at Italy. Sa halip na contrasts at maliliwanag na kulay Ang iba't ibang hanay ng mga kulay ay lumitaw sa pagpipinta, mga light pastel na kulay, rosas, mala-bughaw, lilac. Ang tema ay pinangungunahan ng mga pastoral<#"justify">Kabanata II. Mga larawang pangmusika ng mga French harpsichordist

2.1 Harpsichord na musika ni J. Rameau

Si Rameau ay ipinanganak at lumaki sa mga propesyonal na musikero sa isa sa sinaunang panahon mga music center France - ang lungsod ng Dijon, sa pamilya ng isang organista. Ang kanyang kaarawan ay hindi alam, ngunit siya ay nabinyagan noong Setyembre 25, 1683. Ang kabisera ng Burgundy ay matagal nang sikat bilang isa sa mga pinakalumang sentro Pranses na musika. Si Jean Rameau, ang ama, ay humawak ng posisyon ng organista sa katedral doon Notre Dame de Dijon at, tila, ang unang musical mentor ng isa sa pinakadakilang kompositor France. Sa malayong oras na iyon, ang edukasyon sa musika sa tahanan ay nag-ugat halos lahat ng dako bilang isang uri ng hindi matitinag na tradisyon, at kabaligtaran, pagpapabuti ng masining binata sa musika institusyong pang-edukasyon tila isang napakabihirang pagbubukod. SA humanidades ang batang Rameau ay sumali sa kolehiyong Jesuit, na kanyang pinasukan sa loob ng apat na taon. Impormasyong kinumpirma ng mga materyal na dokumentaryo tungkol sa kabataan Jean Philippe, kakaunti. Ito ay tiyak na kilala na sa edad na labing-walo, sa inisyatiba ng kanyang ama, siya ay pumunta sa edukasyon sa musika sa Italya, nang hindi pumunta, gayunpaman, higit pa sa Milan.

Sa oras na iyon, ang musikang Italyano ay nakakuha ng atensyon ng lahat dahil sa paglitaw ng isang bagong genre ng French musical theater (Ang Queen's Comic Ballet ay itinanghal na may partisipasyon ng mga Italyano), at dahil sa patakarang maka-Italyano na sinusunod ng mga hari ng Dinastiyang Valois. Noong 1700s, sinamahan ito ng isang teoretikal na debate tungkol sa musikang Italyano at Pranses sa pagitan ng Italianomaniac Abbé Raguenet at ng Gallomaniac Lecerf de la Vieville. Pagkalipas ng ilang buwan, bumalik si Rameau sa France, kung saan gumanap siya sa isang napaka-katamtamang papel bilang isang violinist na naglalaro sa mga tropa ng mga naglalakbay na komedyante - ang parehong mga itinatanghal na may kamangha-manghang katumpakan at tula sa mga gawa ni Antoine Watteau. Ito ay isang napakahalagang panahon sa buhay ng artista: sumali siya katutubong teatro, opera, ballet. Marahil sa mga taong iyon, ang melodic na mga imahe ng ilan sa kanyang mga piraso ng harpsichord ay lumitaw sa texture ng violin.

Mula noong 1702, si Rameau ay gumaganap sa isang bagong papel - organista ng simbahan ng ilang mga lungsod ng probinsiya - Avignon, Clermont-Ferrand, kung saan isinulat ang kanyang unang cantatas - "Medea" at "Impatience". Noong 1705 una siyang lumitaw sa kabisera, kung saan naglaro siya sa dalawang maliliit na simbahan; noong 1706 - inilathala ang unang kuwaderno ng kanyang mga piraso ng harpsichord. Natanggap ng Musical Paris ang bagong dating nang walang malasakit, kung hindi man malamig, sa kabila ng hindi mabilang at kamangha-manghang mga kagandahan kung saan ang unang suite sa Isang menor de edad ng kanyang mga piraso ng harpsichord ay literal na kumikinang at kumikislap (na may sikat na prelude na walang linya ng bar).

Sa simula ng ikalawang panahon ng Paris, nagsimula si Rameau sa landas ng musikal na teatro. Lahat ng bagay sa buhay ay mahirap para sa kanya, at ang landas na ito ay naging matinik. Noong 1727, sa paghahanap ng libretto, paulit-ulit siyang bumaling sa sikat na de la Motte. Isa sa mga liham ni Rameau sa librettist na ito ay isang tunay na klasikong pagtatanghal ng kanyang operatic-aesthetic theory. Gayunpaman, ang paborito ng Royal Opera, na hindi nasusukat ng mga mag-aaral ni Lully, ay hindi man lang naisip na kailangang tumugon sa mga mensaheng ito. Nagpatuloy si Rameau sa pag-compose. Kasunod ng pangalawa, lumitaw ang ikatlong kuwaderno ng mga piraso ng harpsichord at mga bagong cantata - "Aquilon at Oritia" at "Ang Matapat na Pastol". Noong 1732 - ang taon nang isinilang si Joseph Haydn, nang nabuhay si François Couperin sa kanyang mga huling araw, at isinulat ni Voltaire ang "Zaire" - sa parehong taon ay lumitaw si Rameau sa salon ng noon ay makapangyarihang pilantropo, pangkalahatang magsasaka ng buwis na si Alexandre la Pupliniere. Dito niya natagpuan ang kanyang unang librettist, si Abbé Pellegrin, at nakilala ang pinakadakilang makata at ang playwright ng France noon, ang bilanggo ng Bastille kahapon - si Francois Marie Arouet-Voltaire.

Ang pagkakakilalang ito ay naging collaboration ng dalawa mga natatanging artista, ito ay may pinakamahalagang patnubay na kahalagahan para kay Rameau: malaki ang utang ng kompositor sa kanya para sa kanyang pagbabago sa pinakamalaking musical figure ng pre-revolutionary classicism noong ika-18 siglo.

Ang pakikipagtulungan kay Voltaire ay nagkaroon ng mapagpasyang impluwensya kay Rameau, ito ay nag-ambag sa pangwakas na pagbuo ng kanyang mga aesthetics, mga pananaw sa teatro, kanyang dramaturhiya, mga genre, at, bilang isang maaaring ipagpalagay, ang kanyang recitative style, ang hindi mapaglabanan na impluwensya na umaabot sa French music ng ngayon.

Ang elemento ni Rameau ay sayaw, kung saan siya, habang pinapanatili ang mga katangian ng katapangan, ay nagpakilala ng ugali, talas ng isip, at katutubong-genre na maindayog na intonasyon, na narinig sa kanyang kabataan sa entablado ng mga perya. Sa una sila ay tumutunog ng maasim, kung minsan ay mapanghamon, sa kanyang mga piyesa ng harpsichord, at mula roon ay pumasok sila sa opera house, na nagpapakita sa harap ng publiko sa isang bagong, orkestra na damit.

Ang kanyang mga pagtugtog ng harpsichord ay ginanap ng halos lahat ng mga birtuoso ng Europa, at ang pinakamarangal na pamilya ng aristokrasya ng Pransya ay pinagtatalunan sa kanilang sarili ang karapatang turuan ang kanilang mga anak mula sa kanya. Ito ay isang napakatalino na karera.

Ang Rameau ay katangian ng harpsichord music, taliwas sa chamber music. mga tradisyon ng genre, malaking stroke. Hindi siya prone sa fine detail. Ang kanyang musika ay nakikilala sa pamamagitan ng maliliwanag na katangian nito;

Bilang karagdagan sa mga kahanga-hangang piraso ng harpsichord, isinulat ni Rameau ang maraming " mga liriko na trahedya", pati na rin ang makabagong "Treatise on Harmony", na nagdala sa kanya ng reputasyon ng isang pangunahing teorista ng musika.

Nauugnay sa teatro mula sa murang edad, pagsulat ng musika para sa patas na pagtatanghal, nagsimulang gumanap ng operatikong mga gawa si Rameau nang huli na, limampung taong gulang na. Ang unang opus, "Samson," batay sa libretto ni Voltaire, ay hindi nakita ang entablado dahil sa biblikal na balangkas.

Ang isang makabuluhang bahagi ng pagkamalikhain ni Rameau ay harpsichord music. Ang kompositor ay isang natatanging improviser. Noong 1706, 1722 at humigit-kumulang 1728, 5 suite ang nai-publish kung saan ang mga dance piece (allemande, courante, minuet, sarabande, gigue) ay pinapalitan ng mga katangiang piyesa na may mga pangalang nagpapahayag: "Tender Complaints", "Conversation of the Muses", "Savages". ” , “Whirlwinds” at iba pang gawa.

Ang kanyang pinakamahusay na mga pag-play ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang mataas na espirituwalidad - "Bird Calling", "Peasant Woman", nasasabik na ardor - "Gypsy", "Princess", at isang banayad na kumbinasyon ng katatawanan at mapanglaw - "Chicken", "Hromusha". Ang obra maestra ni Rameau ay ang Gavotte and Variations, kung saan ang pinong tema ng sayaw ay unti-unting nagkakaroon ng kalubhaan. Ang dulang ito ay sumasalamin sa espirituwal na paggalaw ng panahon: mula sa pinong tula ng magagaling na kasiyahan sa mga pintura ni Watteau hanggang sa rebolusyonaryong klasisismo ng mga pintura ni David. Bilang karagdagan sa mga solo suite, sumulat si Rameau ng 11 harpsichord concerto na sinamahan ng mga ensemble ng kamara.

Nakilala muna si Rameau sa kanyang mga kontemporaryo bilang isang teorista ng musika, at pagkatapos ay bilang isang kompositor. Bilang isang esthetician, ipinagtanggol niya ang nangungunang teorya ng kanyang panahon - ang teorya ng sining bilang imitasyon ng kalikasan. Paggalugad sa mga batas ng pagkakaisa, siya ay nagpatuloy mahalagang mula sa isang materyalistikong pag-unawa sa tunog at tunog na mga sensasyon (natural na sukat bilang isang kababalaghan ng pisikal na mundo). Hiniling niya na ang musikero ay sumubok at maunawaan ang praktikal na karanasan gamit ang paraan ng katwiran at talino. Rameau theoretically generalized at substantiated ang tertian structure, inversion of chords, introduced the concept of "harmonic center" (tonic), dominant and especially subdominant functions.

2 Harpsichord na musika ni F. Couperin

Si François Couperin ay ipinanganak noong Nobyembre 10, 1668 sa Paris sa namamana pamilyang musikal organista ng simbahan na si Charles Couperin. Ang kanyang mga kakayahan ay nagpakita ng kanilang mga sarili nang maaga; pagkatapos mga aralin sa musika nagpatuloy sa pamumuno ng organista na si J. Tomlen. Noong 1685, kinuha ni François Couperin ang posisyon ng organista sa Church of Saint-Gervais, kung saan dating nagtrabaho ang kanyang lolo na si Louis Couperin at ama. Mula 1693, sinimulan din ni François Couperin ang kanyang mga aktibidad sa korte ng hari - bilang isang guro, pagkatapos ay bilang isang organista. kapilya ng korte, musikero ng silid (harpsichordist).

Iba-iba ang kanyang mga responsibilidad: gumanap siya bilang isang harpsichordist at organist, gumawa ng musika para sa mga konsyerto at para sa simbahan, sinamahan ang mga mang-aawit at nagbigay ng mga aralin sa musika sa mga miyembro ng maharlikang pamilya. Kasabay nito, hindi siya sumuko sa mga pribadong aralin at pinanatili ang kanyang posisyon bilang organista sa Simbahan ng Saint-Gervais. Bagama't ang buhay ni Couperin at posthumous na katanyagan ay pangunahing nauugnay sa kanyang mga merito bilang isang kompositor-harpsichordist, sumulat siya ng maraming mga gawa para sa chamber ensemble (concertos, trio sonatas), at kabilang sa kanyang mga espirituwal na gawa ay mayroong dalawang organ mass, motet at ang tinatawag na " L eçons des Ténèbres" (" Mga pagbabasa sa gabi"). Halos lahat ng buhay ni Couperin ay ginugol sa kabisera ng France o sa Versailles. Napakakaunting mga detalye ng talambuhay ang napanatili tungkol sa kanya.

Ang kanyang istilo ng musika pangunahin nang nabuo sa mga tradisyon ng French school of harpsichordists, gaya ng ganap na kinumpirma ng nilalaman ng kanyang treatise na "The Art of Playing the Harpsichord." Kasabay nito, sa gawain ng Couperin, ang French harpsichordism ay umabot sa isang mataas na antas ng kapanahunan: sa loob nito sa pinakamahusay na posibleng paraan Halos lahat ng mga artistikong posibilidad na umuusbong sa malikhaing paaralan na ito ay nahayag. Kung si Jean Philippe Rameau ay lumampas sa Couperin sa ganitong kahulugan, kung gayon ay nagsimula na siya ng isang uri ng bahagyang rebisyon ng mga tradisyon ng harpsichordism - kapwa sa matalinghaga at komposisyonal na mga termino.

Sa kabuuan, sumulat si Couperin ng higit sa 250 piraso para sa harpsichord. Sa ilang mga pagbubukod, sila ay kasama sa mga koleksyon ng 1713, 1717, 1722 at 1730. Ang mga dulang ito ay nakikilala sa pamamagitan ng kamangha-manghang pagkakaisa at integridad. artistikong istilo. Ito ay mahirap kahit na pakiramdam kung paano eksakto ang pang-matagalang malikhaing ebolusyon kompositor. Kaya lang ba medyo naging mahigpit ang istilo ng pagtatanghal sa paglipas ng mga taon, lumaki ng kaunti ang mga linya, hindi gaanong napapansin ang pagpapakita ng katapangan, at nabawasan ang direktang pag-asa sa sayaw.

Sa mga unang gawa ni Couperin, ang ilang mga sayaw (na may mga pagtatalaga: allemande, courante, sarabande, gigue, gavotte, minuet, canary, paspier, rigaudon), kung minsan ay may mga programmatic na subtitle, ay mas karaniwan. Sa paglipas ng panahon ay mas kaunti sa kanila, ngunit hanggang mga nakaraang taon ang kompositor ay may isang allemande, isang sarabande, isang minuet, isang gavotte, hindi sa banggitin sayaw galaw sa mga piraso ng programa nang walang pagtatalaga ng isang sayaw o iba pa. Nang walang pagsira sa sayaw (kabilang ang mga tradisyonal na sayaw ng suite), lalo na sa prinsipyo ng sayaw sa komposisyon ng kanyang maliliit na pag-play, gayunpaman, hindi pinagsama ni Couperin ang mga ito sa mga suite. Tinatawag niyang "ordre," iyon ay, succession, series. Hindi nito binibigyang-diin ang anumang tipikal na pagtatayo ng kabuuan, ngunit sa bawat oras na ang isang libreng paghahalili ng lima, anim, pito, walo, siyam, sampu (bihirang higit pa) ay gumaganap, nang walang matatag na pag-andar ng mga bahagi. Ang apat na koleksyon ay naglalaman ng 27 tulad ng "mga hilera". Sa bawat isa sa kanila, sa prinsipyo, walang mga pangunahing o pangalawang bahagi, walang ipinag-uutos na magkakaibang mga paghahambing, ngunit ito ay tiyak na ang paghalili ng mga miniature na lilitaw, tulad ng isang garland ng mga ito, na maaaring i-deploy nang mas malawak at mas katamtaman - depende sa plano ng kompositor. Kasabay nito, walang dapat na nakakasawa sa magaan na seryeng ito ng kaaya-aya, kaakit-akit, nakakatawa, nakakatawa, makinang, makulay, katangian, kahit na portrait o genre na mga larawan. Samakatuwid, ang mga dula sa bawat ordre ay pinipili nang may hindi nakakagambalang kagalingan, ngunit hindi nilalabag ang pangkalahatang artistikong pagkakatugma na kinakailangan ng mabuting panlasa (na pinahahalagahan ni Couperin higit sa lahat). Siyempre, maraming mga indibidwal na solusyon ang posible dito, na sa huli ay ang pangunahing prinsipyo ng naturang mga komposisyon.

Ang mga dula mismo, tulad ng dati sa mga harpsichordist, ay may pare-parehong katangian ng isang imahe, maging ito ay isang pagtukoy sa katangian ng isang hitsura (karaniwan ay babae), maging ito ay isang portrait sketch ("nominal" na mga dula), isang mala-tula na natural na kababalaghan , isang genre, isang pagpapahayag ng ilang mga emosyon, isang mythological character , isang eksena o sitwasyon na malinaw na inspirasyon ng opera at ballet theater. At kahit saan ang musika ng Couperin ay matikas, puno ng dekorasyon; minsan rhythmically kakaiba, pabagu-bago, minsan mas sayaw; slim sa hugis; nagpapahayag, ngunit walang affectation; kung maringal, kung gayon kung malambot, kung gayon ay walang gaanong sensitivity, kung gayon ay walang elemental na puwersa kung siya ay naglalaman ng mga malungkot o "madilim" na mga imahe, pagkatapos ay may marangal na pagpigil;

Kinumpirma ng kompositor na palagi niyang iniisip ang kanyang musika sa makasagisag na paraan, kahit na sa portraiture. Alinsunod sa mga aesthetic na kaugalian ng panahon at lalo na sa kapaligiran kung saan nagtrabaho si Couperin, ang kanyang mga imahe - "mga larawan", sa iba't ibang antas, pinagsama ang tunay na katumpakan sa convention. At kung mas mataas ang posisyon sa lipunan ng "inilalarawan", mas nakatali ang artista dito.

Sa kasalukuyan, maraming partikular na personalidad ang kilala na ang mga pangalan ay makikita sa mga pamagat ng mga dula ni Couperin. Ito ang karamihan sa mga asawa o anak ng mga marangal na tao o musikero (G. Garnier, A. Forcret, J. B. Marais) kung saan nakipag-usap ang kompositor.

Ang pagsulat ng musikal ni Couperin ay lubos na binuo sa lahat ng mga subtleties nito at nakakagulat na naka-istilong. Dahil sa ilang partikular na aesthetic na limitasyon at kumbensyon, nakakahanap siya ng iba't iba, kahit na sukdulan, mga pagkakataon upang maging makahulugan sa harpsichord. "Ang harpsichord mismo ay isang napakatalino na instrumento, perpekto sa hanay nito, ngunit dahil ang harpsichord ay hindi makapagpapataas o makakabawas sa lakas ng tunog, ako ay palaging magpapasalamat sa mga taong, salamat sa kanilang walang katapusang perpektong sining at panlasa, ay nakakagawa. nagpapahayag ito. Ito rin ang pinagsikapan ng aking mga nauna, hindi pa banggitin ang mahusay na komposisyon ng kanilang mga dula. Sinubukan kong pagbutihin ang kanilang mga natuklasan, "isinulat ni Couperin na may magandang dahilan sa paunang salita sa unang koleksyon ng mga piraso ng harpsichord.

Sa paghahambing sa kanyang mga nauna, ginagamit ni Couperin ang mga kakayahan ng harpsichord nang mas malawak, pinamamahalaan ang mga sonoridad nang mas malaya sa buong saklaw nito, at may dalawang manual. malaking kasangkapan(ang mga dulang "crois" ay espesyal na idinisenyo para sa kanila ee", iyon ay, sa pamamagitan ng mga tawiran), komprehensibong binubuo ang harpsichord texture, pinapagana ang voice leading (na may pagtukoy sa kahalagahan ng homophonic na istraktura), pinahuhusay ang pangkalahatang dynamics sa loob ng piyesa, at binibigyang pansin ang dekorasyon. Bilang isang resulta, ang musikal na tela ng kanyang mga gawa ay lumalabas na pino at transparent sa parehong oras, kung minsan ay pinalamutian ng katangi-tanging, puno ng pinakamahusay na mga stroke ng intonasyon, kung minsan ay puno ng magaan na paggalaw na may relatibong pagiging simple. karaniwang mga linya. Ang pinakamahirap na bagay ay ang bawasan ang kanyang pagsulat ng harpsichord sa anumang uri o pamantayan. Ang pangunahing kagandahan dito ay ang kadaliang mapakilos, ang paglitaw ng hindi mabilang na mga variant ng komposisyon ng musikal, na tinutukoy ng mga makasagisag na nuances. Ito ay nasa harpsichord, na walang dynamic na paraan ng hinaharap na piano (hindi nito pinapayagan ang tunog na pahabain, upang makamit ang crescendo at diminuendo effect, upang malalim na pag-iba-ibahin ang kulay ng tunog), na ang pinaka detalyado, alahas, "lacey" pagbuo ng texture ay lubhang mahalaga, na kung saan ay natupad sa pamamagitan ng Couperin.

Isang espesyal na lugar Sa gawa ni Couperin, ang Passacaglia sa B minor, kasama sa Ordre VIII, ay sumasakop sa isang lugar - marahil ang pinakamalalim at pinakamadamdaming gawain sa kanyang mga piyesa para sa harpsichord. Malawak (174 bar), napakalinaw sa komposisyon, ito ay isang rondo na may walong taludtod. Ang tema mismo ng rondo ay maganda - mahigpit, pinigilan, chordal, sa isang chromatically ascending bass: isang walong-bar ng dalawang magkaparehong apat na bar:

Ang mga sukat, bigat, at mga minorya na ito ay partikular na binibigyang-diin nang magkakasuwato: ang maayos na pagganap ng boses ay nagbibigay-daan sa isang tao na mahinahon na makamit ang harmonic sharpness at banayad na pagbabago ng mga kulay, kasama ang kanilang pagmuni-muni sa melody, pabalik sa melodic minor. Ang pangkalahatang katangian ng tunog ay pinananatili - seryoso at magiging malupit kung hindi para sa mga soft harmonic modulations na ito. Hindi inaalis ng mga couplet ang impression na ginawa ng ganap na nangingibabaw na tema. Inihayag nila ang kamangha-manghang kayamanan ng imahinasyon ng kompositor - habang pinapanatili ang artistikong integridad ng dula.

Ang banayad na pagiging sopistikado ng marami sa mga dula ni Couperin ay naiiba sa kanilang sariling paraan sa kanyang iilan, ngunit kapansin-pansin pa rin, mga matalinghagang sagisag ng kabayanihan na prinsipyo, militanteng pag-aalsa, at matagumpay na tagumpay. Sa mga dulang "Triumphal" at "Trophy" ang kabayanihang ito ay ipinahayag hindi lamang sa isang simple at lapidary form, kundi maging sa isang tipikal na istraktura ng intonasyon (fanfares, signals).

Kahanga-hanga ang kakayahan ni Couperin na kunin ang magkakaibang mga artistikong resulta mula sa isang sistema ng magkatulad o kaugnay na mga pamamaraan ng pagtatanghal. Napaka-kakaiba, halimbawa, ay ang kanyang ugali na pangunahan ang melody sa isang mababang, na para bang ang tenor ay nagrerehistro sa buong (o halos buong) paglalaro, na nakatagpo na natin sa miniature na "Small Mourning", at gayundin - sa isang ganap na ibang paraan - sa malaking rondo na "Mahiwagang mga hadlang." Sa ibang mga kaso, ang gayong mga kulay ng rehistro ay maaaring magsilbi sa kanya upang ipahayag ang kanyang likas na pagkalalaki ("Sylvanas"), o ihatid ang dagundong ng mga alon, na nagpapakilala sa kanya sa isang espesyal na mala-tula na kapaligiran. ("Waves"), pagkatapos ay kailangan nila kahit na para sa sagisag ng iba't ibang mga imaheng pambabae. Ang huli ay lalong nakakagulat. Gayunpaman, ang malambot, dalisay, medyo hiwalay mula sa mga hilig na imahe ng "Angelica", at ang pino, kahit na matamlay na pabagu-bagong imahe ng "Mapang-akit", at ang kahanga-hanga, tulad ng ariosous na lyrics ng "Touching" - kasama ang lahat ng pagkakaiba sa piniling paraan. ng pagpapahayag - ay perpektong nililiman nito na mas malalim kaysa karaniwan, sa kulay:

Ang kompositor ay nag-aalala sa pagmamasid sa harpsichord, una sa lahat, ang mga pamamaraan ng pagtatanghal na katangian ng instrumentong ito. Bilang isang patakaran, kung ano ang posible sa byolin, sa isang violin sonata, ay dapat na limitado sa harpsichord music, natagpuan niya. "Kung imposibleng palakasin ang tunog sa harpsichord at kung ang pag-uulit ng parehong tunog ay hindi angkop dito, mayroon itong mga pakinabang - katumpakan, kalinawan, kinang, saklaw."

Ang mga kontemporaryo ni Couperin ay ang mga kompositor ng French harpsichordist na sina Louis Marchand, G. Le, J. F. Dandrieu at ilang iba pa. Ang kanilang sining ay nabuo sa parehong direksyon ng malikhaing paaralan na may kagustuhan para sa maliliit na anyo ng mga dula sa programa, na may interes sa tradisyonal at bagong-fangled na mga sayaw. At bagama't ang bawat isa sa kanila ay may kani-kaniyang mga indibidwal na tagumpay, ang gawain ni Couperin ay walang alinlangan na nagpahayag ng oras nito nang may pinakadakilang pagkakumpleto na magagamit sa harpsichordism sa partikular na French refraction nito.

Bibliograpiya

Couperin Rameau French harpsichordist

1. Livanova T. Kasaysayan ng musikang Kanlurang Europa hanggang 1789. Tomo 1. Moscow, 1983. 696 p.

2.Rozenschild K.K. Musika sa France noong ika-17 - unang bahagi ng ika-18 siglo. Moscow, 1979. 168 p.

Livanova T.N. Kanlurang European na musika noong ika-17-18 siglo sa mga sining. Moscow, 1977, 528 p.

Ang isang musikero na gumaganap ng mga musikal na gawa sa harpsichord at sa mga uri nito ay tinatawag harpsichordist.

Pinagmulan

Ang pinakamaagang pagbanggit ng isang instrumentong harpsichord-type ay lumilitaw sa isang 1397 na pinagmulan mula sa Padua (Italy), ang pinakaunang kilalang imahe ay nasa isang altar sa Minden (1425). Ang harpsichord ay nanatiling ginagamit bilang solong instrumento hanggang sa katapusan ng ika-18 siglo. Para sa isang maliit na mas matagal na ito ay ginamit upang magsagawa ng digital bass, upang samahan ang mga recitatives sa mga opera. Sa paligid ng 1810 ito ay halos nawalan ng paggamit. Ang muling pagkabuhay ng kultura ng pagtugtog ng harpsichord ay nagsimula noong pagliko ng XIX-XX mga siglo.

Ang mga harpsichord noong ika-15 siglo ay hindi nakaligtas. Sa paghusga sa mga larawan, ito ay maikling kasangkapan may mabigat na katawan. Karamihan sa mga nakaligtas na harpsichord noong ika-16 na siglo ay ginawa sa Italya, kung saan ang Venice ang pangunahing sentro ng produksyon.

Mayroon silang 8` register (mas madalas dalawang register 8` at 4`) at nakikilala sa pamamagitan ng kanilang biyaya. Ang kanilang katawan ay kadalasang gawa sa cypress. Ang pag-atake sa mga harpsichord na ito ay mas malinaw at ang tunog ay mas bigla kaysa sa mga instrumentong Flemish.

Ang pinakamahalagang sentro ng paggawa ng harpsichord sa Hilagang Europa ay ang Antwerp, kung saan nagtrabaho ang mga kinatawan ng pamilyang Rucker mula noong 1579. Ang kanilang mga harpsichord ay may mas mahabang string at mas mabigat ang katawan kaysa Mga instrumentong Italyano. Mula noong 1590s, ang mga harpsichord na may dalawang manual ay ginawa sa Antwerp. Pinagsasama-sama ng mga French, English, at German harpsichord noong ika-17 siglo ang mga tampok ng mga modelong Flemish at Dutch.

Nakaligtas ang ilang French two-manual harpsichord na may mga walnut na katawan. Mula noong 1690s, ang mga harpsichord ng parehong uri ng mga instrumento ng Ruckers ay ginawa sa France. Kabilang sa mga French harpsichord masters, ang dinastiyang Blanchet ay namumukod-tangi. Noong 1766, ang pagawaan ni Blanchet ay minana ni Taskin.

Ang pinakamahalagang tagagawa ng English harpsichord noong ika-18 siglo ay ang Shudys at ang pamilyang Kirkman. Ang kanilang mga instrumento ay may plywood-lined oak na katawan at nakikilala sa pamamagitan ng malakas na tunog na may masaganang timbre. Noong ika-18 siglong Alemanya, ang pangunahing sentro ng produksyon ng harpsichord ay Hamburg; kabilang sa mga ginawa sa lungsod na ito ay mga instrumento na may 2` at 16` na rehistro, pati na rin ang may 3 manual. Ang hindi pangkaraniwang mahabang modelo ng harpsichord ay idinisenyo ni J.D. Dulken, isang nangungunang Dutch master noong ika-18 siglo.

Noong ika-2 kalahati ng ika-18 siglo, nagsimulang palitan ang harpsichord. Sa paligid ng 1809, ang kumpanya ng Kirkman ay gumawa ng huling harpsichord nito. Ang nagpasimula ng muling pagkabuhay ng instrumento ay si A. Dolmech. Itinayo niya ang kanyang unang harpsichord noong 1896 sa London at hindi nagtagal ay nagbukas ng mga workshop sa Boston, Paris, at Haslemere.

Ang paggawa ng mga harpsichord ay inilunsad din ng mga kumpanya ng Paris na Pleyel at Erard. Nagsimulang gumawa si Pleyel ng isang modelo ng isang harpsichord na may metal na frame na may dalang makapal at mahigpit na mga string; Sinanay ni Wanda Landowska ang isang buong henerasyon ng mga harpsichordist sa mga instrumento ng ganitong uri. Ang mga masters ng Boston na sina Frank Hubbard at William Dowd ang unang nangopya ng mga antigong harpsichord.

Device

Ito ay may hugis na pahaba na tatsulok. Ang mga string nito ay nakaposisyon nang pahalang, parallel sa mga susi.

Sa dulo ng bawat susi mayroong isang pusher (o jumper). Sa itaas na dulo ng pusher ay may isang languette kung saan ang isang plectrum (dila) na gawa sa balahibo ay naayos (sa maraming modernong instrumento ito ay gawa sa plastik), sa itaas lamang ng plectrum ay mayroong isang damper na gawa sa nadama o malambot na katad. Kapag pinindot mo ang isang key, ang pusher ay tumataas at ang plectrum ay pumutol sa string. Kung ang susi ay inilabas, ang mekanismo ng paglabas ay magpapahintulot sa plectrum na bumalik sa lugar nito sa ilalim ng string nang hindi na muling binubunot ang string. Ang vibration ng string ay damped ng damper.

Para sa pagpaparehistro, i.e. binabago ang lakas at timbre ng tunog, gamit ang mga switch ng kamay at paa. Ang dahan-dahang pagtaas at pagbaba ng volume sa isang harpsichord ay imposible. Noong ika-15 siglo, ang hanay ng harpsichord ay 3 octaves (sa ibabang oktaba ay nawawala ang ilang chromatic notes); noong ika-16 na siglo lumawak ito sa 4 na octaves (C - c«`), noong ika-18 siglo hanggang 5 octaves (F` - f«`).

Ang karaniwang ika-18 siglong German o Dutch harpsichord ay may 2 manual (keyboard), 2 set ng 8' string at isang set ng 4' string (tunog ng isang octave na mas mataas), na maaaring gamitin nang isa-isa o magkasama, pati na rin ang manual copulation mekanismo. Lumitaw ang mga switch ng rehistro ng paa at tuhod noong huling bahagi ng 1750s. Karamihan sa mga instrumento ay may tinatawag na rehistro ng lute na may isang katangian na timbre ng ilong (upang makuha ito, ang mga string ay bahagyang na-muffle ng mga bumps ng katad o nadama gamit ang isang espesyal na mekanismo).

Mga kompositor na gumawa ng harpsichord music

Francois Couperin the Great
Louis Couperin
Louis Marchand
Jean-Philippe Rameau
Johann Sebastian Bach
Johann Pachelbel
Dietrich Buxtehude
Girolamo Frescobaldi
Johann Jacob Froberger
George Frideric Handel
William Bird
Henry Purcell
Johann Adam Reinecke
Dominico Scarlatti
Alessandro Scarlatti
Matthias Weckmann
Dominico Zipoli

Video: Harpsichord sa video + tunog

Salamat sa mga video na ito maaari mong gawing pamilyar ang iyong sarili sa tool, panoorin totoong laro dito, pakinggan ang tunog nito, pakiramdam ang mga detalye ng pamamaraan:

Pagbebenta ng mga tool: saan bibili/order?

Ang encyclopedia ay hindi pa naglalaman ng impormasyon tungkol sa kung saan maaari kang bumili o mag-order ng instrumento na ito. Maaari mong baguhin ito!

Mula sa kalagitnaan ng ika-17 siglo, ang primacy sa pag-unlad ng keyboard music ay naipasa mula sa English virginists hanggang sa French harpsichordists. Sa mahabang panahon, halos isang siglo, ang paaralang ito ang pinakamaimpluwensyang sa Kanlurang Europa. Ang ninuno nito ay isinasaalang-alang Jacques Chambonnière

, na kilala bilang isang mahusay na organ at harpsichord player, isang mahuhusay na guro at kompositor. Ang mga konsyerto ng harpsichord na musika sa France ay karaniwang nagaganap sa mga aristokratikong salon at palasyo, pagkatapos ng magaan na maliit na usapan o sayawan. Ang ganitong kapaligiran ay hindi nakakatulong sa malalim at seryosong sining. Sa musika, pinahahalagahan ang kaaya-ayang pagiging sopistikado, pagiging sopistikado, kagaanan, at talino. Kasabay nito, ang mga maliliit na dula ay ginustong - mga miniature.- ito ang hindi nakasulat na batas na dapat sundin ng mga kompositor ng korte sa France. Hindi kataka-taka na ang mga French harpsichordist ay bihirang bumaling sa malalaking anyo at mga siklo ng pagkakaiba-iba - sila ay nakahilig sa suite

, na binubuo ng sayaw at mga miniature ng programa.

Ang mga suite ng mga French harpsichordist, sa kaibahan sa mga German suite, na binubuo lamang ng mga dance number, ay mas malayang itinayo. Medyo bihira silang umasa sa mahigpit na pagkakasunod-sunod ng alemande - courante - sarabande - gigue. Ang kanilang komposisyon ay maaaring maging anuman, kung minsan ay hindi inaasahan, at karamihan sa mga dula ay may pamagat na patula na nagpapakita ng intensyon ng may-akda.

Ang paaralan ng mga French harpsichordist ay kinakatawan ng mga pangalan ni L. Marchand, J.F. Dandrieu, F. Dazhenkura, L.-C. Daquin, Louis Couperin. Ang mga kompositor na ito ay pinakamatagumpay sa mga eleganteng larawang pastoral (“Cuckoo” at “Swallow” ni Daken; “Bird Cry” ni Dandrieu). Ang French harpsichord school ay umabot sa tugatog nito sa gawain ng dalawang henyo - Francois Couperin (1685–1764).

(1668–1733) at ang kanyang nakababatang kontemporaryo

Jean Philippe Rameau Tinawag ng mga kontemporaryo si François Couperin na "François the Great." Wala sa kanilang mga harpsichordist ang maaaring makipagkumpitensya sa kanya sa katanyagan.

Tulad ng nabanggit na, ang musika ng mga harpsichordist ay nagmula sa isang aristokratikong kapaligiran at inilaan para dito. Ito ay kasuwato ng diwa ng aristokratikong kultura, samakatuwid ang panlabas na biyaya sa disenyo ng pampakay na materyal, ang kasaganaan ng dekorasyon, na kumakatawan sa pinaka-katangian na elemento ng estilo ng maharlika. Ang iba't ibang mga dekorasyon ay hindi mapaghihiwalay mula sa mga gawa ng harpsichord hanggang sa unang bahagi ng Beethoven.

Harpsichord na musika Ramo katangian, salungat sa mga tradisyon ng kamara ng genre, ay isang malaking ugnayan. Hindi siya prone sa fine detail. Ang kanyang musika ay nakikilala sa pamamagitan ng maliliwanag na katangian nito;

Bilang karagdagan sa kanyang kahanga-hangang mga piraso ng harpsichord, sumulat si Rameau ng maraming "lirikal na trahedya," pati na rin ang makabagong "Treatise on Harmony" (1722), na nakakuha sa kanya ng reputasyon ng isang pangunahing teorista ng musika.

Ang pag-unlad ng Italian keyboard music ay nauugnay sa pangalan Domenico Scarlatti.

Ang mga programmatic na gawa ay ang mga may partikular na balangkas - isang "programa", na kadalasang limitado sa isang pamagat, ngunit maaaring naglalaman ng isang detalyadong paliwanag.

Marahil, ang hitsura ng mga dekorasyon ay nauugnay sa di-kasakdalan ng harpsichord, ang tunog nito ay namatay kaagad, at ang isang trill o gruppetto ay maaaring bahagyang mabayaran ang kakulangan na ito, na nagpapahaba sa tunog ng reference na tunog.

Sa Kanlurang Europa (lalo na Italian-Spanish) polygonal. wok musika ng huling bahagi ng Middle Ages at ang Renaissance (motets, madrigals, atbp.) bilang mga improvisasyon.

Mula sa 2nd half. ika-16 na siglo libre O. binuo ch. arr. sa Italya, lalo na sa natatanging melodic na istilo nito. kayamanan ng solo wok. musika, gayundin sa violinism, na may kaugaliang virtuosity. musika. Sa oras na iyon sa biyolin. Ang vibrato, na nagbibigay ng pagpapahayag sa mga pinahabang tunog, ay hindi pa nakakahanap ng malawakang paggamit sa musika, at ang mayamang dekorasyon ng melody ang nagsilbing kapalit nito. Melizmatic ang mga dekorasyon (ornement, agrément) ay nakatanggap ng espesyal na pag-unlad sa sining ng Pranses. mga lutenista at harpsichordist noong ika-17 at ika-18 siglo, na nailalarawan sa pamamagitan ng kanilang pag-asa sa sayaw. mga genre na napapailalim sa banayad na stylization. Sa French ang musika ay may malapit na koneksyon sa pagitan ng mga instrumento.

Ang mga Pranses ay lumayo mula sa libreng damit patungo sa mga regulated na dekorasyon. ang mga harpsichordist ay itinalaga sa orc. musika ni J.B. Lully. Gayunpaman, ang Pranses ang regulasyon ng alahas ay hindi ganap na mahigpit, dahil kahit na ang pinakadetalyadong talahanayan ay nagpapahiwatig ng kanilang eksaktong interpretasyon para lamang sa mga tipikal na kaso ng paggamit. Ang mga maliliit na paglihis ay tinatanggap upang umangkop sa mga partikular na katangian ng musika. mga tela.

Nakasalalay sila sa sining at panlasa ng tagapalabas, at sa mga publikasyong may nakasulat na mga transcript - sa pangkakanyahan. kaalaman, prinsipyo at panlasa ng mga editor. Ang mga katulad na paglihis ay hindi maiiwasan kapag gumaganap ng mga dula ng French luminary. harpsichordism ni P. Couperin, na pilit na hinihiling ang eksaktong pagpapatupad ng kanyang mga patakaran para sa pag-decipher ng mga dekorasyon. Franz.

Karaniwan din para sa mga harpsichordist na kumuha ng maliliit na dekorasyon sa ilalim ng kontrol ng awtorisasyon, na kanilang isinulat, lalo na, sa mga pagkakaiba-iba. tumatagal.

Ang kasunod na mataas na pamumulaklak ng Viennese classicism, alinsunod sa mga bagong aesthetics. mithiin, na humantong sa isang mas mahigpit at katamtamang paggamit ng O. Gayunpaman, nagpatuloy itong gumanap ng isang kilalang papel sa gawain ni J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart at ng batang L. Beethoven. Nanatili si Free O. sa Europe. musika sa larangan ng variation, virtuoso conc. cadences at wok. coloratura. Ang huli ay makikita sa romantikong. fp. musika 1st half. ika-19 na siglo (sa mga orihinal na anyo sa F. Chopin). Kasabay nito, ang dissonant sound ng melismas ay nagbigay daan sa isang consonant; sa partikular, nagsimula ang trill sa preim. hindi sa auxiliary, ngunit sa pangunahing. tunog, madalas na may pagbuo ng isang beat.