Ang panahon ng Baroque ay tinatawag na ika-17 siglo sa sining ng Italyano. Ang istilong ito, na naging isa sa mga nangingibabaw sa pagpipinta ng Europa, ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang sensual na full-blooded na pananaw sa mundo at ang dynamism ng mga masining na solusyon. Ito ay ipinahayag na may partikular na kapunuan sa malakihang pagpaplano ng lunsod, arkitektura at magagandang ensemble. Ang pagkakaiba-iba ng sining ng Italyano ay tinutukoy ng pagkakaiba-iba ng mga lokal na artistikong tradisyon, ngunit, tulad ng sa Renaissance, ang imahe ng tao ay nananatiling pokus ng mga artista.

Si Pietro da Cortona, arkitekto at pintor, ay bumaba sa kasaysayan ng sining bilang may-akda mga sikat na cycle mga painting na pinalamutian ang mga palasyo ng Rome at Florence. Ang kanyang komposisyon na "The Return of Hagar" ay isang mahusay na halimbawa ng isang easel painting ng isang master na naghangad na bigyan ang estilo ng Baroque ng halos klasikong higpit ng solusyon.

Ang pag-usbong ng istilong Baroque ay nauugnay sa gawain ng Neapolitanong si Luca Giordano, na nagtrabaho sa iba't ibang lungsod ng Italya at nakaimpluwensya sa maraming artista. Ang dynamics ng paggalaw at panloob na kalunos-lunos na likas sa kanyang mga gawa ay lubos na nahayag sa mga imahe ng altar, sa mga siklo ng monumental at pandekorasyon na mga kuwadro na gawa at mga kuwadro sa dingding. Kasama sa koleksyon ng Museo ang ilang mga gawa ng natitirang master na ito, na nagpapahintulot sa isa na hatulan ang sukat ng kanyang talento. Ang mga ito ay alegoriko, evangelical at mga kwentong mitolohiya- "Ang Parusa kay Marsyas", "Kasal sa Cana ng Galilea", "Ang Pagdurusa ni St. Lawrence." Ang pinakamaganda sa kanila, nang walang pag-aalinlangan, ay ang komposisyon na "Pag-ibig at mga bisyo ay nag-aalis ng sandata sa Katarungan."

Ang paaralang Neapolitan, na minarkahan ng pagka-orihinal ng pag-unlad nito, ay kinakatawan sa eksibisyon ng ilang mga gawa. Sa politika, ang Viceroyalty ng Naples ay nasa ilalim ng pamamahala ng korona ng Espanya, na nag-iwan ng marka sa pag-unlad ng sining. Ang pagpipinta ni Bernardo Cavallino na "The Expulsion of Heliodorus from the Temple", kung saan ang mga tradisyong pang-akademiko ay binago sa kakaibang paraan, at ang mga dramatikong gawa nina Andrea Vaccaro (“Maria at Martha”) at Domenico Gargiulo (“Paglipat ng Arko ng Tipan ni Haring David sa Jerusalem”) ay nagpapatotoo sa pagkakaiba-iba ng mga masining na paghahanap sa loob ng mga indibidwal na paaralan.

Ang istilong Baroque ay nagbigay ng malakas na puwersa sa pag-usbong ng landscape, still life, at genre paintings sa kanilang natatanging pambansang bersyon ng Italyano.

Sa pagliko ng ika-17-18 na siglo, ang sining ay nahaharap sa gawain ng pagtagumpayan ng akademya, na naging isang hanay ng mga abstract na formula. Sa Bologna, ang muog na ito ng tradisyong pang-akademiko, si Giuseppe Maria Crespi, na mahusay na gumamit ng paglalaro ng chiaroscuro, ay nilulutas ang mga relihiyoso (“Banal na Pamilya”) at mga paksang mitolohiya (“Ang mga nimfa na nagdidisarmahan ng mga kupido”) sa isang bagong paraan, na pinupuno sila ng buhay na damdamin ng tao. . Ang Genoese na si Alessandro Magnasco, na nagtrabaho sa Milan, Florence, at Bologna, batay sa mga nakalarawang tradisyon noong ika-17 siglo, ay bumuo ng mga romantikong tendensya. Ang mga tampok ng katawa-tawa ay likas sa kanyang hindi pangkaraniwang mga komposisyon, na nakasulat sa nerbiyos, gumagalaw na mga stroke, na may mga eksena mula sa buhay ng mga monghe at mga gumagala-gala na aktor ("Landscape with Monks", "Nuns' Meal", "The Learned Magpie"). At kahit na ang nagpapatibay sa buhay na mythological na tema ng "Bacchanalia" sa interpretasyon ng master ay napuno ng isang pakiramdam ng malalim na mapanglaw. Ginawa ng pintor ang pagpipinta na ito sa pakikipagtulungan ni Clemente Spera, ang may-akda ng mga guho ng arkitektura.

Ang panahon ng isang bagong pagtaas ay nangyayari noong ika-18 siglo, nang ang istilong Rococo ay itinatag sa lupang Italyano, ang mga tampok na kung saan ay kulay ng mga gawa ng iba't ibang genre - portrait (Sagrestani "Portrait of a Man", Luigi Crespi "Portrait of a Batang babae na may Basket ng mga Bulaklak"), mga paglalarawan ng mga eksena ng pang-araw-araw na buhay (imitator Longhi " Pagpupulong ng procurator kasama ang kanyang asawa"), mga pagpipinta sa mga paksa mula sa sinaunang kasaysayan at mitolohiya (Crosato "The Finding of Moses", Pittoni "The Death of Sophonisba", Sebastiano Ricci "The Centurion before Christ"). Ang huling maliwanag na panahon sa kasaysayan ng sining ng Italyano ay nauugnay sa Venice, na noong ika-18 siglo ay gumawa ng isang buong kalawakan ng mga pintor ng pinakamataas na antas. Ang isang espesyal na lugar sa kanila ay nararapat na inookupahan ni Giambattista Tiepolo, isang natitirang pintor ng kanyang panahon, isang kinikilalang master ng monumental at pandekorasyon na pagpipinta, na nakatanggap ng maraming mga order mula sa mga bansang European. Ang kanyang mga brush ay nabibilang komposisyon ng altar"Madonna and Child and Saints", pati na rin ang malayang naisagawang sketch na "The Death of Dido" at "Two Saints".

Sa seksyon ng ika-18 siglo, ang malaking interes ay ang mga gawa ng Romanong pintor na si Panini ("Binabisita ni Benedict XIV ang Trevi Fountain"), na, sa genre ng mga landscape na may mga motif ng mga guho, ay ang hinalinhan ng Pranses na si Hubert Robert, kaya mataas na kinikilala sa Russia.

Sa Venice, na ang kaakit-akit na kagandahan ay walang iniwan na walang malasakit, isang espesyal na direksyon ng pagpipinta ng landscape ay nabuo - ang imahe ng lungsod kasama ang mga palasyo, kanal, mga parisukat na puno ng isang motley na kaakit-akit na karamihan ng tao. Ang mga canvases ng Canaletto, Bernardo Bellotto, Marieschi, na kabilang sa genre ng architectural vedata, ay nabighani sa ilusyon na katumpakan ng imahe, habang ang mga gawa ng silid ni Francesco Guardi, na tinatawag na capriccio landscapes, ay hindi gaanong nagpaparami. tunay na pananaw, ilan ang nag-aalok sa manonood ng isang tiyak na mala-tula na imahe ng lungsod.

Si Gianantonio Guardi, hindi tulad ng kanyang nakababatang kapatid na si Francesco, ay nakakuha ng katanyagan bilang master ng mga komposisyon na may mga pigura sa mga tema ng bibliya, mitolohiko at makasaysayang. Ang eksibisyon ay nagtatampok ng kanyang pagpipinta na "Alexander the Great sa Body of the Persian King Darius", kinilala isang tunay na obra maestra mga master Sa panahon ng karnabal at ang makikinang na pamumulaklak ng musika, mahusay na gumagamit ng wika ng texture at kulay, si Guardi ay lumilikha ng isang hindi malilimutang kaakit-akit na symphony, na natatakpan ng buhay na paggalaw ng damdamin ng tao. Ang panahon ay nagtatapos sa mataas na talang ito pinakamalaking pamumulaklak sining ng Italyano, na nagsimula sa Renaissance.

Ipakita buong teksto

Mga pangunahing tampok ng sining ng ika-17 siglo. Ang grabitasyon ng mga Baroque masters patungo sa malalaking sukat, kumplikadong mga anyo, napakalaking kagalakan, kalunos-lunos - ang paghahanap ng mga paraan na nagpapahusay sa pagiging epektibo nilikhang mga larawan. Kaya naman ang idealisasyon ng mga makasagisag na solusyon, pagsasadula ng mga plot, pagtaas ng emosyonalidad, hyperbolicity, makulay na irrationality, pagmamalabis ng naturalistic na epekto, kasaganaan at kayamanan ng mga accessory at detalye, ang paggamit ng mga kumplikadong anggulo, liwanag at mga contrast ng kulay na idinisenyo upang lumikha ng mapanlinlang na impresyon ng " mga buhay na painting”. Sa Baroque synthesis ng sining, ang iskultura at pagpipinta ay nasa ilalim ng arkitektura, na patuloy na nakikipag-ugnayan dito. Pinalamutian ng mga makukulay na kuwadro na gawa ang mga domes, lampshade at dingding, na lumilikha ng ilusyon ng malawak na espasyo. Puno ng dynamics, ang eskultura ay kaakit-akit at hindi mapaghihiwalay sa arkitektura. Ang mga tagalikha ng malawak na arkitektura at pandekorasyon na mga ensemble ay kasama sa kanilang likas na komposisyon, na binago ng kamay ng tao. Pinagsasama-sama nila ang mga parisukat at kalye na katabi ng pinakakinakatawan na mga gusali na may mga colonnade, terrace, sculpture, fountain at cascades. May pagnanais para sa isang malawak na saklaw ng katotohanan sa sining.

Ang Baroque Baroque - mula sa "kakaiba, kakaiba" - ay ang estilo ng sining sa Europa at Amerika noong huling bahagi ng ika-16 hanggang kalagitnaan ng ika-18 siglo. Nauugnay sa noble-church architecture ng mature absolutism. Ito ay nakakaakit patungo sa solemne "grand style". B. ay nailalarawan sa pamamagitan ng kaibahan, tensyon, dinamismo ng mga imahe, ang pagnanais para sa kadakilaan at karilagan, ang kumbinasyon ng katotohanan at ilusyon, at ang pagsasanib ng iba't ibang uri ng sining. B. ang arkitektura ay nailalarawan sa pamamagitan ng spatial na saklaw, pagkakaisa, at pagkalikido ng mga kumplikado, kadalasang mga curvilinear na anyo. Para sa iskultura at pagpipinta - mga kamangha-manghang pandekorasyon na komposisyon, mga seremonyal na larawan. Mga kinatawan ng B. - P. Rubens, V. Rastrelli, P. Calderon, T. Tasso, A. van Dyck, F. Borromini.

Mga kapatid na Carracci. Carracci, isang pamilya ng mga Italyano na pintor mula sa Bologna noong unang bahagi ng ika-17 siglo, ang mga tagapagtatag ng akademiko sa pagpipinta ng Europa. Sa pagliko ng ika-16 - ika-17 siglo sa Italya, bilang isang reaksyon sa mannerism, nabuo ang isang akademikong kilusan sa pagpipinta. Ang mga pangunahing prinsipyo nito ay inilatag ng magkakapatid na Carracci - Lodovico (1555-1619), Agostino (1557-1602) at Annibale (1560-1609). Sinikap nilang gamitin nang malawakan ang pamana ng Renaissance, sabay na tumatawag para sa pag-aaral ng kalikasan. Nakatayo sa pinagmulan ng pagpipinta ng Italyano noong ika-17 siglo, higit na tinutukoy nila ang katangian nito. Ang gawain ng mga masters na ito, na minarkahan ang isang punto ng pagbabago sa pag-unlad ng sining ng Italyano, ay nakatanggap ng mahusay na resonance sa European artistic circles, na pinadali ng katotohanan na mula noong 90s ng ika-16 na siglo ang magkapatid na Carracci at Caravaggio ay nagtrabaho sa Roma.

GIOVANNI LORENZO BERNINI Petsa ng kapanganakan: Disyembre 7, 1598 (1598 -1207) Lugar ng kapanganakan: Naples Petsa ng kamatayan: Nobyembre 28, 1680 (1680 -11 -28) (edad 81) Lugar ng kamatayan: Rome Citizenship: Italy Genre: iskultura, arkitektura Estilo: Baroque

"Ang Ecstasy ni Saint Teresa"

FRANCESCO BORROMINI Petsa ng kapanganakan Setyembre 25, 1599(159909 -25) Lugar ng kapanganakan Bissone, Ticino Petsa ng kamatayan Agosto 2, 1667(1667 -08 -02) (edad 67) Lugar ng kamatayan Roma Estilo ng arkitektura barok

Caravaggio Michelangelo Merisi de Caravaggio (Italian Michelangelo Merisi de Caravaggio; Setyembre 28, 1573, Milan - Hulyo 18, 1610, Grosseto [hindi tinukoy na mapagkukunan ng 123 araw], Tuscany) - Italian artist, reformer ng European painting noong ika-17 siglo, isa sa ang pinakadakilang masters baroque. Walang mga paksang panrelihiyon, may mga tunay na tema at larawan, "isang tao mula sa karamihan ng tao." Fragmentation Ang imahe ng Santo ay inilalarawan bilang tunay na makalupang Pamamahagi ng liwanag ng insidente: ilaw sa teatro, ilaw ng rampa, ilaw ng beam: madilim na background, isang panig na pumipiling pag-iilaw. Lokal na pulang kulay Ang tema ng buhay at kamatayan Ang maganda at pangit

"Ang Pagtawag kay Apostol Mateo"

"Madonna ng Rosario" 1607.

Rubens Peter Paul 1577, Siegen, Germany - 1640, Antwerp. Flemish pintor, draftsman. Pinuno ng Flemish school ng Baroque painting. Ang diwa ng optimismo na nagpapatunay sa buhay ay nagpapakilala sa mga pagpipinta ni Rubens sa mga sinaunang tema sa kanilang solemne na ritmo, kadakilaan at buong-dugo na mga imahe, kung minsan ay pinagkalooban ng mabigat na pisikalidad. Napakalaki ng malikhaing hanay ng Rubens, na bumabaling sa mga tema ng Luma at Bagong Tipan, sa paglalarawan ng mga santo, sa sinaunang mitolohiya at makasaysayang paksa, sa alegorya, pang-araw-araw na genre, larawan, at tanawin. Ang kanyang sining, na pinagkalooban ng isang masigla at malakas na pakiramdam ng kalikasan at hindi mauubos na imahinasyon, ay mayaman sa mga motif ng balangkas, detalyadong pagsasadula ng aksyon, iba't ibang mga solusyon sa komposisyon, isang kasaganaan ng mga figure at accessories, intensity ng damdamin at kalunus-lunos na mga kilos. Batay sa mataas na ideya ng Renaissance humanism tungkol sa tao, inilalarawan ni Rubens ang kanyang mga bayani, malayo sa mga klasikal na mithiin, sa pagtaas ng pisikal at espirituwal na pag-igting. Ang pakiramdam ng mga walang hanggang elemento ng kalikasan ay napapailalim sa kanyang mga gawa sa pangkalahatang ideya ng pagkakaisa ng malawak na mundo, ang kalinawan ng plastik na imahinasyon. Muling pag-isipan ang masining na karanasan ng nakaraan alinsunod sa Baroque art system, ang master ay lumilikha ng isang natatanging mundo ng mga imahe kung saan ang mga baroque na tampok ng convention at panlabas na kadakilaan ay umuurong bago ang malakas na presyon ng buhay na katotohanan. Sa paghahanap ng pagluwalhati ng imahe, ang nag-uumapaw na enerhiya, ang pakikibaka ng magkasalungat na pwersa, ang artista ay nakataya. Ang 1610s ay malawak at magkakaibang naghahatid ng dinamika ng paggalaw, na lumalabag sa klasikal na prinsipyo ng saradong espasyo sa komposisyon.

Anthony Van Dyck Marso 22, 1599 - Disyembre 9, 1641) - Pintor ng South Dutch (Flemish) at graphic artist, master ng mga portrait ng korte at mga paksa sa relihiyon sa istilong Baroque. Si Anthony van Dyck ay nanatiling nakatuon sa Flemish realism. Sa kanyang pinakamahusay na mga gawa - sa mga larawan ng mga tao ng iba't ibang klase, antas ng lipunan, naiiba sa mental at intelektwal na make-up - tama niyang natagpuan ang mga indibidwal na pagkakatulad at natagos sa panloob na espirituwal na kakanyahan ng modelo. Ang mga tipikal na larawan ni Van Dyck ay nagbibigay ng ideya ng katangian ng isang buong panahon sa kasaysayan ng Europa. Sa portraiture, lumikha siya ng isang uri ng makikinang na aristokratikong larawan, ang imahe ng isang pino, intelektwal, marangal na tao, ipinanganak ng isang aristokratikong kultura, pino at marupok. Ang mga bayani ni Van Dyck ay mga taong may maseselang anyo ng mukha, na may haplos ng mapanglaw, at kung minsan ay nakatagong kalungkutan at panaginip. Ang mga ito ay kaaya-aya, maayos na ugali, puno ng mahinahon na pagtitiwala at isang pakiramdam ng kalayaan at sa parehong oras ay hindi gumagalaw sa pag-iisip; Ang mga ito ay hindi mga kabalyero, ngunit mga ginoo, mga socialite ng korte o mga taong may pinong talino, na naaakit ng espirituwal na aristokrasya. Gumawa siya ng mga kumplikadong komposisyon na may mga pandekorasyon na background at mga motif ng landscape at arkitektura. Ang mga pinahabang proporsyon, mapagmataas na pose, nagpapakita ng mga kilos, at ang nakamamanghang umaagos na mga fold ng damit ay nagpahusay sa kahanga-hangang mga imahe. Ang pagkilala sa pagpipinta ng Venetian ay nagdala ng kayamanan, kayamanan ng mga kulay, at pinigilan ang pagkakaisa sa kanyang palette. Ang kilos at kasuotan ay nagbigay-diin sa katangian ng taong inilalarawan. Ang pintor ay nagpinta ng mga larawan ng maharlikang pamilya, pinakintab na mga courtier, na madalas itago ang kanilang panloob na kahungkagan sa likod ng kagandahan ng kanilang hitsura. Ang komposisyon ng mga larawan ay naging kumplikado, pandekorasyon, ang scheme ng kulay ay naging malamig na mala-bughaw-pilak.

Snyders France (1579-1657) Flemish na pintor. Ang pinakamalaking Flemish master ng still life at pintor ng hayop. Tinawag si Frans Snyders na "Rubens of still life", kaya matingkad ang kanyang kontribusyon sa tradisyon ng genre na ito Flemish painting. Ang mga monumento na canvases na naglalarawan ng mga stall ng karne, isda, gulay at prutas ay nagdala ng mahusay na katanyagan sa artist. Ang malalaking pandekorasyon na mga gawa na ito, na nilikha upang palamutihan ang mga interior ng seremonyal na palasyo, ay naglalaman ng diwa ng Flemish Baroque. Si Snyders ay isang mahusay na pintor ng hayop; lumikha siya ng mga eksena sa pangangaso, pag-aaral ng mga hayop, at ipinakilala ang mga larawan ng alagang hayop sa kanyang "mga tindahan" at "kusina." Ang mga gawa ni Snyders ay napakapopular sa mga maharlikang Flemish at Espanyol.

Jacob Jordaens Jordaens, Jordaens Jacob (1593 -1678), isang Flemish na pintor na nagpinta ng mga painting ng relihiyoso, historikal, mythological, allegorical na nilalaman, gayundin ang pang-araw-araw na genre na mga painting na may mga life-size na figure at portrait. Ipinanganak sa Antwerp noong Mayo 19, 1593 sa pamilya ng isang mangangalakal ng tela. Matingkad na pandama na pang-unawa sa buhay, optimismo, malakas na pag-sculpting ng mga anyo. Ang pagpipinta ni Jordaens ay lubhang makulay, ang katawan ng mga pigura ay humihinga ng kalusugan at pagiging bago, lalo na ang mga babae; malakas at mapusok ang galaw ng mga tauhan sa mga painting. Sa mga pintura ng Jordaens, tulad ng sa mga gawa ni Rubens, mayroong higit na kapangyarihan at lakas kaysa sa kagandahan ng anyo at biyaya. Ang komposisyon ng mga painting ng Flemish artist ay libre at mayaman, at ang pagpapatupad ay libre at mabilis din. Sa mga unang gawa ni Jordaens, binibigyang-diin ang materyalidad ng mga bagay, pinaghahambing ang chiaroscuro, at ang plebeian na katangian ng mga figure na nakapangkat sa harapan. Mga tampok ng kanyang masining na wika: isang predilection para sa mga full-blooded peasant at burgher type, heavy at strong figures, rich details, isang penchant para sa genre interpretation ng mythological at relihiyosong mga tema, siksik, energetic na pagpipinta na may nangingibabaw na softly nuanced warm tones.

"Bean King"

Jusepe Ribera (1591 -1652) Espanyol (sa kapanganakan) pintor at engraver. Tagasunod ng Italian master na si Michelangelo de Caravaggio, kinatawan makatotohanang direksyon sa pagpipinta ng Europa noong ika-17 siglo. Natanggap niya ang kanyang artistikong edukasyon sa Valencia at Roma. Ginugol niya ang halos buong buhay niya sa Naples, kung saan siya ay naging pintor ng korte para sa mga viceroy ng Espanyol. Nakagawa ng mga pintura batay sa bibliya at mga kuwento ng ebanghelyo, mga ipinintang eksena mula sa buhay ng mga santo, espesyal na atensyon tumutuon sa mga tema ng ermita at mga dramatikong eksena ng pagkamartir. Nilikha niya ang seryeng "Apostles" at "Beggar Philosophers", nagpinta ng mga portrait, painting sa mga sinaunang paksa, at mga eksena sa genre. Sa panahon ng kanyang buhay, siya ay napakapopular at nasiyahan sa pagtangkilik ng haring Espanyol. Si Ribera ay isa sa pinakamahalagang artista sa panahon ng Baroque. Ang kanyang trabaho ay sabay na nabibilang sa sining ng Italyano at Espanyol, dahil ang kanyang istilo, mayaman at kumplikado, ay naging panimulang punto sa pag-unlad ng paaralang Neapolitan, at salamat sa maraming mga gawa na dinala sa Espanya, nagkaroon siya ng malaking impluwensya sa karamihan ng mga artistang Espanyol.

Diego Rodriguez de Silva Velazquez (1599 -1660) Ang mga larawang nilikha ni Velazquez noong 1630-1640 ay nagdala sa kanya ng karapat-dapat na katanyagan bilang master ng genre na ito. Bagama't ang mga larawan ni Velázquez sa pangkalahatan ay walang kilos at galaw, ang mga ito ay hindi pangkaraniwang makatotohanan at natural. Ang background ay pinili upang i-highlight ang figure hangga't maaari, ang scheme ng kulay ay mahigpit, ngunit pinasigla ng maingat na napiling mga kumbinasyon ng kulay. Nagawa ni Velazquez na ihatid ang karakter ng isang tao sa isang portrait, upang ipakita ang hindi pagkakapare-pareho ng kanyang mga katangian ng karakter. Ang pinakatanyag ay ang mga larawan ni Don Juan Mateos (1632), Heneral Olivares (1633), ang equestrian portrait ni King Philip III (1635), Pope Innocent X (1648), pati na rin ang isang serye ng mga larawan ng mga duwende at jester ( Los truhanes). Ang mga larawan ng huling yugto ng akda ni Velázquez ay higit na nailalarawan sa pamamagitan ng kasiningan at sikolohikal na pagkakumpleto (Infanta Maria Teresa, 1651; Philip IV, 1655-1656; Infanta Margaret ng Austria, circa 1660).

Ang tunay na korona ng pagkamalikhain ni Velázquez ay ang kanyang dalawang obra na matatagpuan sa Prado - "Las Meninas" (1656) at "The Spinners" (c. 1657). Ang pagpipinta na "Las Meninas" (sa Portuges, ang menina ay isang batang aristokratikong babae na nagsilbing maid of honor sa mga Spanish infantas, kaya naman ang pagpipinta ay tinatawag ding "Maids of Honor" o "Ladies of the Court") dinadala kami sa madilim na kapaligiran ng isang maluwag na silid ng palasyo. Sa kauna-unahang pagkakataon sa kasaysayan ng pagpipinta, ipinakita ni Velazquez ang buhay ng maharlikang korte sa pang-araw-araw na buhay, na inilalantad sa manonood ang pang-araw-araw nitong buhay, na parang nasa likod ng mga eksena. Ang buong larawan ay binuo sa isang kumplikadong dialectic ng pagbabawas ng opisyal na kadakilaan at ang elevation ng tunay. Bagama't pinagsasama ng "Las Meninas" ang mga tampok ng isang domestic painting at isang group portrait, ang gawain ay lumampas sa mga hangganan ng mga genre na ito.

Moscow State Regional University

Abstract sa kasaysayan ng sining

sining ng Italyano noong ika-17 siglo.

Nakumpleto:

mag-aaral ng sulat

33 grupo ng Faculty of Fine Arts and Science

Minakova Evgenia Yurievna.

Sinuri:

Moscow 2009

• Italya noong ika-17 siglo
• Arkitektura. Estilo ng Baroque sa arkitektura.
• Arkitektura. Maagang Baroque.
• Arkitektura. Mataas, o mature, baroque.
• Arkitektura. Baroque na arkitektura sa labas ng Roma.
• Fine Art. Pangkalahatang katangian.
• Fine Art. Maagang Baroque.
• Fine Art. Makatotohanang daloy.
• Fine Art. Ang ikalawang henerasyon ng mga artista ng Bolognese school.
• Fine arts. Mataas, o mature, baroque.
• Fine arts. Huling Baroque.

Mula sa kalagitnaan ng ika-16 na siglo, ang makasaysayang pag-unlad ng Italya ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagsulong at tagumpay ng reaksyong pyudal-Katoliko. Mahina sa ekonomiya, nahati-hati sa magkakahiwalay na mga independiyenteng estado, ang Italya ay hindi makatiis sa pagsalakay ng mas makapangyarihang mga bansa - France at Spain. Ang mahabang pakikibaka ng mga estadong ito para sa pangingibabaw sa Italya ay natapos sa tagumpay ng Espanya, na sinigurado ng kasunduang pangkapayapaan ng Cateau Cambresi (1559). Mula sa oras na ito, ang kapalaran ng Italya ay malapit na konektado sa Espanya. Maliban sa Venice, Genoa, Piedmont at mga Estado ng Papa, ang Italya ay naging epektibong lalawigan ng Espanya sa halos dalawang siglo. Kasama ng Espanya ang Italya sa mga nagwawasak na digmaan, na kadalasang naganap sa teritoryo ng mga estado ng Italya, at nag-ambag sa pagkalat at pagpapalakas ng pyudal na reaksyon sa Italya, kapwa sa ekonomiya at sa kultural na buhay.

Ang nangingibabaw na posisyon sa pampublikong buhay ng Italya ay inookupahan ng aristokrasya at pinakamataas na klerong Katoliko. Sa mga kondisyon ng malalim na paghina ng ekonomiya ng bansa, tanging malalaking sekular at eklesyastikal na pyudal na panginoon ang mayroon pa ring makabuluhang materyal na yaman. Ang mga Italyano - mga magsasaka at taong-bayan - ay nasa isang napakahirap na sitwasyon, napapahamak sa kahirapan at maging sa pagkalipol. Ang protesta laban sa pyudal at dayuhang pang-aapi ay makikita sa maraming tanyag na pag-aalsa na sumiklab sa buong ika-17 siglo at kung minsan ay ipinapalagay ang isang mabigat na sukat, tulad ng pag-aalsa ng Masaniello sa Naples.

Ang pangkalahatang katangian ng kultura at sining ng Italya noong ika-17 siglo ay tinutukoy ng lahat ng mga tampok ng makasaysayang pag-unlad nito. Ito ay sa Italya na ang Baroque art ay ipinanganak at pinaka-binuo. Gayunpaman, dahil nangingibabaw sa sining ng Italyano noong ika-17 siglo, hindi lamang ang direksyong ito. Bilang karagdagan dito at kasabay nito, ang mga makatotohanang paggalaw ay umuunlad, na nauugnay sa ideolohiya ng demokratikong strata ng lipunang Italyano at tumatanggap ng makabuluhang pag-unlad sa maraming mga sentro ng sining ng Italya.

Ang monumental na arkitektura ng ika-17 siglong Italya ay nasiyahan sa halos eksklusibong mga pangangailangan ng Simbahang Katoliko at ng pinakamataas na sekular na aristokrasya. Sa panahong ito, pangunahing mga gusali ng simbahan, palasyo at villa ang itinayo.

Ang mahirap na sitwasyon sa ekonomiya sa Italya ay hindi naging posible na magtayo ng napakalaking mga istraktura. Kasabay nito, kailangan ng simbahan at ng pinakamataas na aristokrasya na palakasin ang kanilang prestihiyo at impluwensya. Samakatuwid ang pagnanais para sa hindi pangkaraniwang, mapag-aksaya, seremonyal at matalim na mga solusyon sa arkitektura, ang pagnanais para sa mas mataas na decorativeness at sonority ng mga form.

Ang pagtatayo ng kahanga-hanga, bagaman hindi masyadong malaki, ang mga gusali ay nag-ambag sa paglikha ng ilusyon ng panlipunan at pampulitika na kagalingan ng estado.

Naabot ng Baroque ang pinakamalaking tensyon at pagpapahayag nito sa mga lugar ng pagsamba at mga gusali ng simbahan; ang mga arkitektural na anyo nito ay ganap na tumutugma sa mga prinsipyo ng relihiyon at bahagi ng ritwal ng militanteng Katolisismo. Sa pagtatayo ng maraming simbahan, sinikap ng Simbahang Katoliko na palakasin at palakasin ang prestihiyo at impluwensya nito sa bansa.

Ang estilo ng Baroque, na binuo sa arkitektura ng panahong ito, ay nailalarawan, sa isang banda, sa pamamagitan ng pagnanais para sa monumentalidad, sa kabilang banda, sa pamamagitan ng pamamayani ng pandekorasyon at kaakit-akit na mga prinsipyo sa tectonic.

Tulad ng mga gawa ng pinong sining, ang mga monumento ng arkitektura ng Baroque (lalo na ang mga gusali ng simbahan) ay idinisenyo upang mapahusay ang emosyonal na epekto sa manonood. Ang makatuwirang prinsipyo na sumasailalim sa sining at arkitektura ng Renaissance ay nagbigay daan sa hindi makatwiran na prinsipyo, staticity, kalmado - dinamika, pag-igting.

Ang Baroque ay isang istilo ng mga kaibahan at hindi pantay na pamamahagi ng mga elemento ng komposisyon. Malaki at makatas na curvilinear, arched form ay partikular na kahalagahan dito. Ang mga Baroque na gusali ay nailalarawan sa pamamagitan ng frontality at façade construction. Ang mga gusali ay nakikita sa maraming mga kaso mula sa isang gilid - mula sa gilid ng pangunahing harapan, na kadalasang nakakubli sa dami ng istraktura.

Ang Baroque ay nagbabayad ng malaking pansin sa mga ensemble ng arkitektura - lungsod at parke, ngunit ang mga ensemble ng oras na ito ay batay sa iba't ibang mga prinsipyo kaysa sa mga ensemble ng Renaissance. Ang mga baroque ensemble sa Italya ay itinayo sa mga pandekorasyon na prinsipyo. Ang mga ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng paghihiwalay at paghahambing na kalayaan mula sa pangkalahatang sistema ng pagpaplano ng urban area. Ang isang halimbawa ay ang pinakamalaking ensemble sa Roma - ang parisukat sa harap ng Cathedral of St. Petra.

Ang mga colonnade at pandekorasyon na pader na nakapaloob sa espasyo sa harap ng pasukan ng katedral ay sumasakop sa magulo, random na mga gusaling matatagpuan sa likuran nila. Walang koneksyon sa pagitan ng parisukat at ang katabing kumplikadong network ng mga eskinita at mga random na bahay. Ang mga indibidwal na gusali na bahagi ng mga baroque ensemble ay tila nawawalan ng kalayaan, ganap na sumasakop sa pangkalahatang plano ng komposisyon.

Ang Baroque ay nagbigay ng problema sa synthesis ng sining sa isang bagong paraan. Ang eskultura at pagpipinta, na gumaganap ng isang napakahalagang papel sa mga gusali sa panahong ito, na magkakaugnay sa isa't isa at madalas na nakakubli o illusorily deforming architectural forms, ay nakakatulong sa paglikha ng na impression ng kayamanan, karilagan at karilagan na Baroque monuments walang paltos gumawa.

Ang gawain ni Michelangelo ay may malaking kahalagahan para sa pagbuo ng isang bagong istilo. Sa kanyang mga gawa ay nakabuo siya ng isang bilang ng mga anyo at pamamaraan na kalaunan ay ginamit sa arkitektura ng Baroque. Ang arkitekto na si Vignola ay maaari ding makilala bilang isa sa mga nauna sa Baroque; sa kanyang mga gawa ay mapapansin ng isa ang isang bilang ng mga unang palatandaan ng istilong ito.

Isang bagong istilo - ang istilong Baroque sa arkitektura ng Italyano - pinalitan ang Renaissance noong 80s ng ika-16 na siglo at binuo sa buong ika-17 at unang kalahati ng ika-18 siglo.

Karaniwan, sa loob ng arkitektura ng panahong ito, tatlong yugto ang maaaring makilala: maagang Baroque - mula 1580s hanggang sa katapusan ng 1620s, mataas, o mature, Baroque - hanggang sa katapusan ng ika-17 siglo at mamaya - ang unang kalahati ng ika-18 siglo.

Ang mga unang master ng Baroque ay itinuturing na mga arkitekto na sina Giacomo della Porta at Domenico Fontana. Sila ay kabilang sa susunod na henerasyon na may kaugnayan sa Vignola, Alessi, Ammanati, Vasari at natapos ang kanilang aktibidad sa simula ng ika-17 siglo. Kasabay nito, tulad ng naunang nabanggit, ang mga tradisyon ng huling Renaissance ay patuloy na nabubuhay sa gawain ng mga masters na ito.

Giacomo della Porta. Si Giacomo della Porta (1541–1608) ay isang estudyante ng Vignola. Ang pinakamaagang pagtatayo nito, ang Simbahan ni Sita Catarina sa Funari (1564), ay kabilang sa istilo ng Renaissance. Gayunpaman, ang harapan ng Church del Gesù, na natapos ng arkitekto na ito pagkatapos ng pagkamatay ni Vignola (mula 1573), ay higit na Baroque kaysa sa orihinal na proyekto ng kanyang guro. Ang harapan ng simbahang ito, na may katangiang paghahati sa dalawang tier at side volutes, at ang plano sa pagtatayo ay isang modelo para sa ilang simbahang Katoliko sa Italya at iba pang mga bansa. Matapos ang pagkamatay ni Michelangelo, natapos ni Giacomo della Porta ang pagtatayo ng malaking simboryo ng Cathedral of St. Petra. Ang master na ito ay din ang may-akda ng sikat na Villa Aldobrandini sa Frascati malapit sa Roma (1598-1603). Gaya ng dati, ang pangunahing gusali ng villa ay matatagpuan sa gilid ng bundok; Ang isang two-way rounded ramp ay humahantong sa pangunahing pasukan. Sa tapat ng gusali ay may hardin. Sa paanan ng bundok ay may isang kalahating bilog na grotto na may mga arko sa itaas nito ay may isang kaskad ng tubig na nababalutan ng mga hagdan. Ang gusali mismo ay may napakasimpleng prismatic na hugis at kinumpleto ng isang malaking sirang pediment.

Sa komposisyon ng villa, sa mga istruktura ng parke na bumubuo nito at sa likas na katangian ng mga detalye ng plastik, ang pagnanais para sa sadyang kagandahan at pagpipino ng arkitektura, na katangian ng Baroque sa Italya, ay malinaw na ipinakita.

Sa oras na sinusuri, ang sistema ng parke ng Italya ay sa wakas ay nahuhubog. Ito ay nailalarawan sa pagkakaroon ng isang solong axis ng parke, na matatagpuan sa gilid ng bundok na may maraming mga slope at terrace. Ang pangunahing gusali ay matatagpuan sa parehong axis. Ang isang tipikal na halimbawa ng naturang complex ay ang Villa Aldobrandini.

Domenico Fontana. Ang isa pang pangunahing unang arkitekto ng Baroque ay si Domenico Fontana (1543-1607), na isa sa mga Romanong kahalili nina Michelangelo at Vignola. Ang kanyang pinakamalaking obra ay ang Lateran Palace sa Roma. Ang palasyo sa anyo na ibinigay ni Fontana ay halos regular na parisukat na may isang parisukat na patyo na nakapaloob sa loob. Ang disenyo ng façade ng palasyo ay ganap na nakabatay sa arkitektura ng Palazzo Farnese ni Antonio Sangallo the Younger. Sa pangkalahatan, ang pagtatayo ng palasyo ng Italya noong ika-17 siglo ay batay sa karagdagang pag-unlad ng uri ng komposisyon ng palasyo-palazzo, na binuo ng arkitektura ng Renaissance.

Kasama ang kanyang kapatid na si Giovanni Fontana, itinayo ni Domenico ang Acqua Paolo fountain sa Roma noong 1585-1590 (nang walang attic, na kalaunan ay ginawa ni Carlo Maderna). Ang arkitektura nito ay batay sa muling paggawa ng mga anyo ng mga sinaunang triumphal arches.

Carlo Maderna. Ang mag-aaral at pamangkin ni Domenico Fontana na si Carlo Maderna (1556-1629), sa wakas ay pinalakas ang bagong istilo. Ang kanyang trabaho ay transisyonal sa panahon ng binuong Baroque.

Ang unang gawain ni Maderna ay ang harapan ng sinaunang Christian Basilica ng Susanna sa Roma (c. 1601). Batay sa disenyo ng façade ng Church of the Gesù, ang facade ng Church of Susanna ay malinaw na nahahati sa pamamagitan ng mga order, pinalamutian ng mga estatwa sa mga niches at maraming ornamental na dekorasyon.

Noong 1604 si Maderna ay hinirang na punong arkitekto ng Katedral ng St. Petra. Sa utos ni Pope Paul V, gumawa si Maderna ng isang proyekto para sa pagpapalawak ng katedral sa pamamagitan ng pagdaragdag ng front entrance na bahagi. Iginiit ng klero na pahabain ang krus ng Griyego sa anyo ng Latin, na alinsunod sa tradisyon ng arkitektura ng simbahan. Bilang karagdagan, ang mga sukat ng katedral ni Michelangelo ay hindi ganap na sumasakop sa lugar kung saan matatagpuan ang sinaunang basilica, na hindi katanggap-tanggap mula sa pananaw ng mga ministro ng simbahan.

Bilang isang resulta, sa panahon ng pagtatayo ng bagong harap na harapan ng katedral, ganap na nagbago ang Maderna orihinal na plano Michelangelo. Inisip ng huli na ang katedral ay nakatayo sa gitna ng isang malaking parisukat, na magpapahintulot sa isa na maglakad sa paligid ng gusali at makita ito mula sa lahat ng panig. Si Maderna, kasama ang kanyang extension, ay isinara ang mga gilid ng katedral mula sa viewer: ang lapad ng facade ay lumampas sa lapad ng longitudinal na bahagi ng templo. Ang pagpapahaba ng gusali ay humantong sa katotohanan na ang simboryo ng St. Ang Petra ay ganap na nakikita lamang sa isang napakalaking distansya habang papalapit ka sa gusali, ito ay unti-unting nawawala sa likod ng dingding ng harapan.

Ang ikalawang panahon ng arkitektura ng Baroque - ang panahon ng kapanahunan at pamumulaklak ng estilo - ay nauugnay sa gawain ng mga pinakadakilang masters: L. Bernini, F. Borromini, C. Rainaldi - sa Roma, B. Longhena - sa Venice, F . Ricchini - sa Milan, Guarino Guarini - sa Turin.

Lorenzo Bernini. Ang sentral na pigura ng mature na Baroque ay si Lorenzo Bernini (1598-1680). Siya ay hindi lamang isang arkitekto, kundi pati na rin ang pinakamalaking iskultor noong ika-17 siglo sa Italya.

Mula noong 1629, ipinagpatuloy ni Bernini, pagkatapos ng pagkamatay ni Maderna, ang pagtatayo ng Katedral ng St. Petra. Noong 1633, nagtayo siya ng isang malaking bronze canopy sa katedral sa itaas ng pangunahing simboryo, na sinusuportahan ng apat na baluktot, deconstructive na mga haligi sa base nito. Ayon sa tradisyon, ang canopy na ito ay itinuturing na unang gawa ng mature na Baroque. Pinatay ni Bernini panloob na dekorasyon Ang katedral ay iminungkahi sa kanya ng disenyo ni Michelangelo. Ang palamuti na ito ay isang magandang halimbawa ng interior ng Baroque na simbahan.

Ang pinakamalaking gawaing arkitektura ni Bernini ay ang disenyo ng parisukat sa harap ng Cathedral of St. Pedro (1655-1667). Ang arkitekto ay lumikha ng dalawang parisukat - isang malaking elliptical, na naka-frame sa pamamagitan ng mga haligi, at isang hugis-trapezoid na parisukat na kaagad na katabi nito, na limitado sa kabaligtaran ng pangunahing harapan ng katedral. Isang obelisk at dalawang mga fountain na may simetriko na matatagpuan sa loob ng oval square.

Ipinagpatuloy ni Bernini at binuo ang plano ni Maderna: ang mga colonnade ay hindi ginagawang posible na lumapit sa katedral mula sa mga gilid. Tanging ang pangunahing façade ang nananatiling naa-access ng manonood.

Ang marilag na arkitektura ng Piazza Bernini ay nagbigay ng isang karapat-dapat na backdrop para sa seremonya ng kongreso ng maharlika para sa solemne na serbisyo na ginanap sa katedral. Noong ika-17 at ika-18 siglo, ang kongresong ito ay isang kahanga-hanga at solemne na panoorin. Square ng Cathedral of St. Ang Petra ay ang pinakamalaking Italian Baroque ensemble.

Sa Vatican, nilikha ni Bernini ang seremonyal na Royal Staircase - "Scala Regia" ("Rock of the Site"), kung saan ginamit niya ang pamamaraan ng artipisyal na pagpapahusay ng pagbawas ng pananaw. Dahil sa unti-unting pagpapaliit ng martsa at pagbawas ng mga haligi, ang impresyon ng mas malalim na silid at pagtaas ng laki ng hagdanan mismo ay nilikha.

Kabilang sa mga pinaka-katangiang gawa ni Bernini ay ang maliit na simbahan ng San Andrea sa Quirinale (1678), ang pangunahing harapan nito ay parang portal na may mga pilaster at isang tatsulok na pediment. Ang portal na ito ay, kumbaga, mekanikal na nakakabit sa pangunahing dami ng gusali, na hugis-itlog sa plano.

Ang pangunahing gawain ni Bernini sa larangan ng sibil na arkitektura ay ang Palazzo Odescalchi sa Roma (1665), na idinisenyo ayon sa karaniwang disenyo ng Renaissance. Ang compositional center ng gusali ay, gaya ng dati, ang courtyard, na napapalibutan ng mga arcade sa ground floor. Ang pamamahagi ng mga bintana sa mga facade at ang kanilang pandekorasyon na dekorasyon ay nakapagpapaalaala din sa isang palazzo noong ika-16 na siglo. Tanging ang gitnang bahagi ng pangunahing harapan ay binuo sa isang bagong paraan: ang dalawang itaas na palapag ay sakop ng isang malaking pagkakasunud-sunod sa anyo ng mga Corinthian pilasters, ang unang palapag na may kaugnayan sa order na ito ay gumaganap ng papel ng isang pedestal. Ang isang katulad na pagkasira ng façade wall ay magiging laganap sa klasikong arkitektura.

Ipinagpatuloy din ni Bernini ang pagtatayo ng Palazzo Barberini, na sinimulan ni Maderna. Ang gusali ay walang nakapaloob na courtyard, na karaniwan sa mga palasyo ng Italyano. Ang pangunahing gusali ay nakatali sa magkabilang panig ng mga pakpak na nakausli pasulong. Ang gitnang bahagi ng pangunahing harapan ay nakikita bilang isang appliqué na inilapat, para sa mga pandekorasyon na layunin, sa ibabaw ng dingding. Ang gitnang risalit ay may napakalawak at matataas na arko na mga bintana, na may kalahating haligi na inilagay sa mga puwang sa pagitan ng mga ito; sa ground floor ay may malalim na loggia. Ang lahat ng ito ay malinaw na nakikilala ang gitnang bahagi ng harapan mula sa mas malalaking bahagi ng gilid, na idinisenyo sa mga tradisyon ng arkitektura ng ika-16 na siglo. Ang isang katulad na pamamaraan ay napakalawak din sa arkitektura ng Baroque ng Italyano.

Kawili-wili ang hugis-itlog na hagdanan ng Palazzo Barberini na may mga spiral flight na sinusuportahan ng dobleng Tuscan column.

Francesca Borromsh. Ang hindi gaanong kahalagahan para sa Italian Baroque ay ang gawa ni Francesco Borromini (1599-1667), isang collaborator ni Bernini, at kalaunan ay ang kanyang karibal at kaaway. Ang mga gawa ni Borromini ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang partikular na ningning at "dynamic" na mga anyo. Dinala ni Borromini ang istilong Baroque sa pinakamataas na intensity nito.

Ang pangunahing gawain ni Borromini sa larangan ng arkitektura ng templo ay ang Simbahan ng San Carlo "sa apat na bukal" (1638-1667). Ang façade nito ay nakikita bilang isang independiyenteng komposisyon ng arkitektura, na hindi nakasalalay sa gusali. Ito ay binibigyan ng curving, wave-like shapes. Sa loob ng facade na ito makikita mo ang buong arsenal ng mga baroque form - sirang arched cornice, oval cartouches at iba pang mga detalye ng dekorasyon. Ang simbahan mismo ay may isang kumplikadong hugis sa plano, nakapagpapaalaala sa dalawang kampana na inilagay kasama ng kanilang mga base. Ang kisame ay isang hugis-itlog na simboryo. Tulad ng sa maraming iba pang mga gusali sa panahong ito, ang komposisyon ng simbahan ay batay sa kaibahan ng panlabas at panloob na mga volume ng arkitektura, sa sorpresa ng epekto na nangyayari sa pagpasok sa gusali.

Isa sa pinaka makabuluhang gawain Ang arkitekto ay ang Romanong simbahan ng San Ivo, kasama sa gusali ng Sapiencia (unibersidad, 1642-1660). Dapat pansinin ang kumplikadong mga balangkas ng plano ng simbahan at ang kumpletong pagkakaiba sa pagitan ng panlabas at panloob na mga shell ng simboryo. Mula sa labas, ang isa ay nakakakuha ng impresyon ng isang mataas na drum at isang patag na simboryo na sumasaklaw sa drum na ito. Pagpasok sa loob, kumbinsido ka na ang mga bahagi ng takong ng takip ng simboryo ay matatagpuan nang direkta sa base ng drum.

Dinisenyo ni Borromini ang Villa Falconieri sa Frascati. Bilang karagdagan, itinayo niya muli ang Palazzo Spada at nagtrabaho bago si Bernini sa Palazzo Barberini (tingnan sa itaas).

Carlo Rainaldi. Si Carlo Rainaldi (1611-1691) ay isa sa mga pangunahing tagapagtayo ng kasagsagan ng Baroque. Ang pinakamahalagang gawa ni Rainaldi ay ang mga simbahan ng San Agnese at Sita Maria sa Campitelli.

Ang Simbahan ng San Agnese (nagsimula noong 1651) ay matatagpuan sa axis ng Piazza Navona, na nagpapanatili ng mga balangkas ng sinaunang Circus ng Domitian na dating matatagpuan dito. Ang parisukat ay pinalamutian ng mga baroque fountain ni Bernini, na karaniwan sa panahong ito. Ang simbahan ay may nakasentro na plano at nangunguna sa isang malaking simboryo; ang arched, concave façade nito ay napapalibutan ng mga bell tower sa magkabilang gilid. Hindi tulad ng karamihan sa mga simbahang Romano sa panahong ito, ang simboryo ay hindi nakatago sa pamamagitan ng eroplano ng harapan, ngunit gumaganap bilang pangunahing komposisyonal na sentro ng buong lugar.

Ang Simbahan ni Sita Maria sa Campitelli ay itinayo nang maglaon, noong 1665-1675. Ang two-tier façade nito, na idinisenyo ayon sa Church del Gesù system, at ang panloob na disenyo nito ay isang tipikal na halimbawa ng mature na arkitektura ng Baroque.

Pag-aari din ni Rainaldi ang likurang harapan ng simbahang Romano ng Santa Maria Maggiore (1673).

Noong ika-17 siglo, ang arkitektura ng Roma ay pinayaman ng ilang mga bagong villa na matatagpuan sa paligid ng lungsod. Bilang karagdagan sa Villa Doria Pamphilj, na itinayo ng mga arkitekto na sina Algardi at Grimaldi (c. 1620), bukod sa iba pa, ang Villa Mandragone at Villa Torlonia ay nilikha - parehong matatagpuan sa Frascati, pati na rin ang Villa d'Este sa Tivoli may magagandang pool, hanay ng mga puno ng cypress, evergreen bushes, iba't ibang disenyo na terrace na may balustrades, grottoes, maraming eskultura Ang pagiging sopistikado at ningning ng dekorasyong dekorasyon ay madalas na pinagsama sa mga elemento ng ligaw na kalikasan na ipinakilala sa artipisyal na nilikha na landscape.

Ang Baroque sa labas ng Roma ay gumawa ng maraming pangunahing arkitekto. Nagtrabaho si Bartolomeo Bianco sa Genoa noong ika-17 siglo. Ang kanyang pangunahing gawain ay ang pagtatayo ng Unibersidad sa Genoa (mula 1623) na may kahanga-hangang patyo na napapaligiran ng dalawang palapag na arcade at magagandang hagdanan na katabi ng mga ito. Dahil sa ang katunayan na ang Genoa ay matatagpuan sa isang dalisdis ng bundok, tulad ng isang amphitheater na bumababa sa dagat, at ang mga indibidwal na gusali ay itinayo sa mga plot na may malaking slope, ang huli ay pinangungunahan ng paglalagay ng mga gusali at courtyard sa iba't ibang antas. Sa gusali ng Unibersidad, ang front vestibule, ang gitnang patyo at, sa wakas, ang mga hagdanan na matatagpuan sa likod ng openwork na two-tier na arcade na humahantong sa hardin ay nakasabit sa isang pahalang na compositional axis sa pataas na pagkakasunod-sunod.

Ang arkitekto na si Baltassare Longhena (1598-1682) ay nagtrabaho sa Venice. Ang kanyang pangunahing gawain ay ang pinakamalaking, kasama ang Katedral ng St. Mark, Simbahan ng Venice Santa Maria delle Salute (1631-1682); ito ay matatagpuan sa arrow sa pagitan ng Giudecca Canal at ng Grande Canal. Ang simbahang ito ay may dalawang domes. Sa likod ng pangunahing, may walong sulok na dami, na may tuktok na simboryo, mayroong pangalawang volume na naglalaman ng altar; nilagyan din ito ng simboryo, ngunit mas maliit ang sukat. Ang pasukan sa templo ay idinisenyo sa anyo ng isang triumphal arch. Ang drum ng pangunahing simboryo ay pinagsama sa mga pangunahing dingding ng simbahan sa pamamagitan ng 16 na spiral volutes na may mga eskultura na naka-install sa kanila. Pinayaman nila ang silweta ng gusali at binibigyan ito ng isang espesyal na karakter. Sa kabila ng ningning ng dekorasyon, ang panlabas na anyo ng simbahan ay minarkahan ng isang tiyak na pagkapira-piraso ng arkitektura at pagkatuyo ng mga detalye. Sa loob, ang simbahan, na nakasuot ng light gray na marmol, ay maluwag ngunit malamig at pormal.

Sa Grand Canal ng Venice ay matatagpuan ang parehong pinakamahalagang palazzo na itinayo ni Longhena - Palazzo Pesaro (c. 1650) at Palazzo Rezzonico (1680). Sa mga tuntunin ng istraktura ng kanilang mga facade, ang huli ay sa maraming paraan ay katulad ng mga palasyo ng Venice sa panahon ng Renaissance, lalo na sa Palazzo Corner Sanso-Vino, ngunit sa parehong oras sila ay naiiba mula sa kanila sa hindi maihahambing na higit na kayamanan at pandekorasyon. mga form.

Ang arkitekto na si Guarino Guarini (1624-1683), isang dating monghe ng Theatine order, ay nagtrabaho sa Turin. Guarino Guarini - "ang pinaka-baroque sa lahat ng mga arkitekto ng baroque" - ay maihahambing lamang sa kanyang malikhaing ugali kay Francesco Borromini. Sa kanyang mga gawa, madalas niyang ginagamit ang mga recycled na Moorish at Moorish na motif para sa mga layuning pampalamuti, bilang karagdagan sa mga karaniwang anyo. arkitektura ng gothic. Nagtayo siya ng maraming gusali sa Turin, kabilang ang Palazzo Carignano (1680), seremonyal at marilag, ngunit puro pandekorasyon ang disenyo. Ang solusyon ng pangunahing gusali ng palazzo ay tipikal. Ang pangunahing hugis-parihaba na volume nito ay tila may gitnang bahagi na nakapasok dito na may harapan, masalimuot na disenyong hagdanan. Ang mga pader na nasa hangganan nito at ang mga martsa ay may arko na hugis sa plano. Ang lahat ng ito ay makikita nang naaayon sa harapan. Kung ang mga seksyon sa gilid nito ay nagpapanatili ng mga hugis-parihaba na balangkas, kung gayon ang gitna ay isang eroplano na kurbadong sa magkasalungat na direksyon na may puwang sa gitna, kung saan ang isang ganap na magkakaibang motif ay ipinasok sa anyo ng isang applique - isang two-tier loggia, pati na rin ng isang hubog. hugis. Ang mga pambalot ng bintana sa mga facade ay may sirang pagsasaayos ng cartilaginous. Ang mga pilaster ay may tuldok na maliliit at graphic na mga hugis.

Kabilang sa mga simbahang itinayo ni Guarini, ang simbahan ng Madonna della Consolata na may isang hugis-itlog na nave sa likod kung saan ay isang hexagonal na altar ay dapat na naka-highlight. Ang mga simbahang itinayo ni Guarini ay mas kakaiba at kumplikado sa anyo kaysa sa kanyang mga sibil na gusali.

Sa sining, tulad ng sa arkitektura ng Italya, noong ika-17 siglo ang istilong Baroque ay nakakuha ng nangingibabaw na kahalagahan. Ito ay lumitaw bilang isang reaksyon laban sa "mannerism", ang malayo at kumplikadong mga anyo na kung saan ay sinasalungat, una sa lahat, sa pamamagitan ng mahusay na pagiging simple ng mga imahe, na nakuha kapwa mula sa mga gawa ng mga masters ng High Renaissance, at dahil sa independiyenteng pag-aaral ng kalikasan. Ang pagpapanatiling masigasig sa klasikal na pamana, madalas na humiram ng mga indibidwal na elemento mula dito, ang bagong direksyon ay nagsusumikap para sa pinakamalaking posibleng pagpapahayag ng mga anyo sa kanilang mabilis na dinamika. Ang mga bagong diskarte sa pagpipinta ay tumutugma din sa mga bagong pakikipagsapalaran ng sining: ang kalmado at kalinawan ng komposisyon ay pinalitan ng kanilang kalayaan at, kumbaga, randomness. Ang mga figure ay inilipat mula sa kanilang sentral na posisyon at nakaayos sa mga grupo lalo na sa mga linya ng dayagonal. Ang pagtatayo na ito ay mahalaga para sa Baroque. Pinahuhusay nito ang impresyon ng paggalaw at nag-aambag sa isang bagong paglipat ng espasyo. Sa halip na hatiin ito sa magkahiwalay na mga layer, karaniwan para sa Renaissance art, ito ay sakop ng isang sulyap, na lumilikha ng impresyon ng isang random na fragment ng isang napakalawak na kabuuan. Ang bagong pag-unawa sa espasyo ay nabibilang sa pinakamahalagang tagumpay ng Baroque, na gumanap ng isang tiyak na papel sa karagdagang pag-unlad ng makatotohanang sining. Ang pagnanais para sa pagpapahayag at dinamika ng mga anyo ay nagbibigay ng isa pang tampok, hindi gaanong tipikal ng Baroque - ang paggamit ng lahat ng uri ng mga kaibahan: mga kaibahan ng mga imahe, mga paggalaw, mga kaibahan ng mga iluminado at mga plano ng anino, mga kaibahan ng kulay. Ang lahat ng ito ay kinumpleto ng isang binibigkas na pagnanais para sa dekorasyon. Kasabay nito, nagbabago din ang pictorial texture, lumilipat mula sa isang linear-plastic na interpretasyon ng mga form patungo sa isang mas malawak na kaakit-akit na paningin.

Ang mga nabanggit na tampok ng bagong istilo ay nakakuha ng higit at mas tiyak na mga tampok sa paglipas ng panahon. Binibigyang-katwiran nito ang paghahati ng sining ng Italyano noong ika-17 siglo sa tatlong hindi pantay na yugto: ang "maaga", "mature" o "mataas", at ang "huli" na Baroque, na ang pangingibabaw ay tumagal nang mas matagal kaysa sa iba. Ang mga tampok na ito, pati na rin ang mga kronolohikong limitasyon, ay mapapansin sa ibaba.

Ang Baroque art ng Italya ay pangunahing nagsisilbi sa nangingibabaw na Simbahang Katoliko, na itinatag pagkatapos ng Konseho ng Trent, ang mga prinsipeng korte at ang maraming maharlika. Ang mga gawaing itinakda sa harap ng mga artista ay kasing dami ng ideolohikal na pandekorasyon. Ang dekorasyon ng mga simbahan, pati na rin ang mga palasyo ng maharlika, mga monumental na pagpipinta ng mga domes, lampshade, at mga dingding na gumagamit ng fresco technique ay tumatanggap ng hindi pa nagagawang pag-unlad. Ang ganitong uri ng pagpipinta ay naging espesyalidad ng mga artistang Italyano na nagtrabaho kapwa sa kanilang tinubuang-bayan at sa Germany, Spain, France, at England. Napanatili nila ang hindi maikakaila na priyoridad sa lugar na ito ng pagkamalikhain hanggang sa katapusan ng ika-18 siglo. Ang mga tema ng mga pagpipinta ng simbahan ay mga mayayabong na eksena na niluluwalhati ang relihiyon, ang mga dogma o mga santo nito at ang kanilang mga gawa. Ang mga plafond ng mga palasyo ay pinangungunahan ng mga alegorikal at mitolohiyang paksa, na nagsisilbing pagluwalhati sa mga naghaharing pamilya at kanilang mga kinatawan.

Ang malalaking pagpipinta sa altar ay karaniwan pa rin. Sa kanila, kasama ang mga solemne na marilag na larawan ni Kristo at ng Madonna, ang mga larawang may pinakamalakas na epekto sa manonood ay lalong karaniwan. Ito ay mga eksena ng mga pagbitay at pagpapahirap sa mga santo, pati na rin ang kanilang mga estado ng lubos na kaligayahan.

Ang sekular na pagpipinta ng easel ay kusang-loob na kumuha ng mga tema mula sa Bibliya, mitolohiya at sinaunang panahon. Ang landscape, genre ng labanan, at still life ay binuo bilang mga independiyenteng uri.

Sa bingit ng ika-16 at ika-17 siglo, dalawang direksyon ang lumitaw bilang isang reaksyon laban sa mannerism, kung saan nabuo ang lahat ng kasunod na pagpipinta sa Italya: Bolognese academicism at Caravaggism.

Balanse ang paaralan. Mga kapatid na Carracci. Ang akademikong Bolognese ay nabuo sa isang magkakaugnay na sistemang masining noong kalagitnaan ng 1580s. Tatlong artista ng Bolognese - Ludovico Carracci (1555-1609) at ang kanyang mga pinsan na sina Agostino (1557-1602) at Annibale (1560-1609), na una sa mga kapatid - bumuo ng mga pundasyon ng isang bagong istilo, na umaasa sa pag-aaral. ng klasikal na pamana noong ika-16 na siglo. Ang impluwensya ng paaralang Venetian, ang gawain ni Correggio at kalaunan ang sining ng Roma noong ika-16 na siglo ay tumutukoy sa isang mapagpasyang pagliko mula sa mannerism patungo sa pagiging simple, at sa parehong oras ang kamahalan ng mga imahe.

Ang mga unang gawa ng magkakapatid na Carracci sa pagpipinta ng mga palasyo ng Bologna (Palazzo Fava, Palazzo Magnani) ay hindi pa pinapayagan ang isa na malinaw na makilala ang kanilang mga tampok na pangkakanyahan. Ngunit ang mga kuwadro na gawa ng easel ng Annibale Carracci, kung saan ang mga alaala sa paaralan ng Parma ay unang malakas, ay nagpapahiwatig ng umuusbong na maliwanag na artistikong indibidwalidad. Noong 1587 at 1588, lumikha siya ng dalawang pagpipinta ng altar, na tulad ng mga unang gawa ng isang bagong istilo: "The Ascension of the Madonna" at "Madonna with St. Matthew" (parehong nasa Dresden Gallery). Kung sa una ay mayroon pa ring maraming mannerism sa paggalaw ng mga figure at sa kanilang pagpapahayag, kung gayon ang "Madonna kasama si St. Matvey" ay nailalarawan sa pamamagitan ng kalmado na kamahalan ng mga imahe, na nagpapahiwatig ng simula ng isang bagong yugto sa pagpipinta ng Italyano.

Noong 1580s, nagbukas ang magkapatid na Carracci ng isang Academy sa Bologna, na tinawag nilang "Academia dei Incaminati" (Academy embarking on a new path). Sa halip na ang nakaraang pagsasanay ng mga hinaharap na artista, na naglaan para sa pagkuha ng mga kinakailangang kasanayan sa pamamagitan ng pantulong na gawain sa mga workshop ng mga pintor, itinaguyod ng Carracci ang sistematikong pagtuturo ng mga paksang kinakailangan sa pagsasanay ng artist. Kasabay ng pagtuturo ng pagguhit at pagpipinta, ang nasabing Akademya ay nagturo ng anatomy, pananaw, gayundin ng mga disiplina gaya ng kasaysayan, mitolohiya, at panitikan. Ang bagong pamamaraan ay nakalaan upang maglaro ng isang malaking papel sa kasaysayan ng European art, at ang Bologna Academy ay ang prototype ng lahat ng kasunod na akademya na binuksan mula noong ika-17 siglo.

Noong 1595, ang magkakapatid na Carracci, na nakakuha na ng malaking katanyagan, ay inanyayahan sa Roma ni Cardinal Farnese upang ipinta ang kanyang palasyo. Tanging si Annibale lamang ang tumugon sa paanyaya, na iniwan ang Bologna magpakailanman. Sa Roma, ang malapit na pakikipag-ugnay sa mga tradisyon ng lokal na paaralan at ang impluwensya ng sinaunang panahon ay nagbukas ng isang bagong yugto sa sining ng master. Matapos ang isang medyo hindi gaanong kabuluhan na pagpipinta ng isa sa mga bulwagan ng Palazzo Farnese ("Camerino", kalagitnaan ng 1590s), nilikha ni Annibale Carracci ang sikat na kisame ng gallery doon, na kung saan ay, parang, ang korona ng kanyang trabaho at ang panimulang punto ng karamihan sa mga pandekorasyon na pagpipinta noong ika-17 siglo. Hinahati ni Annibale ang espasyo ng gallery (mga 20x6 m), na natatakpan ng mababang box vault, sa isang bilang ng mga independiyenteng seksyon. Ang komposisyon ng istraktura ng kisame ay nakapagpapaalaala sa pagpipinta ng Sistine Chapel ni Michelangelo, kung saan, bilang karagdagan sa dibisyon ng eroplano, hiniram din nito ang ilusyonistikong katangian ng interpretasyon ng iskultura, buhay na mga pigura ng tao at mga kuwadro na gawa. Ang pangkalahatang tema ay mga kwento ng pag-ibig mga diyos ng Olympus. Sa gitna ng kisame ay ang masikip at maingay na “Triumphal Procession of Bacchus and Ariadne.” Sa mga gilid ay may dalawa pang mythological composition, at sa ibaba ay may strip na hiniwa ng marmol na Herms at Atlanteans, kung saan ang mga paa ay nakaupo sa tila buhay na mga binata. Ang mga figure na ito ay naka-frame alinman sa pamamagitan ng mga bilog na medalyon, ginagaya ang mga tansong medalyon, na may mga sinaunang eksena, o sa pamamagitan ng puro nakalarawan na mga komposisyon ng pagsasalaysay. Sa mga sulok, ang frieze na ito ay tila nasira ng imahe ng mga balustrade, kung saan nakasulat ang mga kupido laban sa langit. Ang detalyeng ito ay mahalaga bilang isang maaga, mahiyain pa rin na pagtatangka na basagin ang tunay na espasyo, isang pamamaraan na kalaunan ay naging partikular na katangian ng Baroque lampshades. Ang plastik na kapangyarihan ng mga figure, ang iba't ibang mga pandekorasyon na anyo at makulay na kayamanan ay lumikha ng isang grupo ng pambihirang kariktan.

Ang mga kuwadro na gawa ng easel na nilikha ni Annibale Carracci noong panahon ng pagkamalikhain ng mga Romano ay pangunahing nakatuon sa mga paksang panrelihiyon. Ang malamig na pagiging perpekto ng mga anyo ay nag-iiwan ng maliit na puwang para sa pakiramdam sa kanila. Ang “Lamentation of Christ” (1599, Naples, National Gallery), kung saan pareho ang taas, ay kabilang sa mga eksepsiyon. Ang estilo ng pagpipinta ng karamihan sa mga pagpipinta ay pinangungunahan ng pagnanais para sa isang malinaw na linear-plastic na pagkakakilanlan ng mga numero. Ang “The Myrrh-Bearing Women at the Tomb of Christ” (c. 1605, Hermitage) ay kabilang sa mga pinaka-katangiang halimbawa ng ganitong uri ng gawa ng pintor.

Kadalasang bumaling sa genre ng landscape, si Annibale Carracci ang naging tagapagtatag ng tinatawag na "classical" na landscape, na naging laganap sa hinaharap. Ang kakanyahan ng huli ay namamalagi sa katotohanan na ang mga kinatawan nito, na gumagamit kung minsan ay napaka banayad na sinusunod na mga motibo ng kalikasan, ay nagsusumikap una sa lahat na "palakihin" ang mga anyo nito. Ang mga landscape ay itinayo sa studio ng artist gamit ang mga binuo na mga scheme, kung saan ang pinakamahalagang papel ay ginampanan ng pagbabalanse ng masa, makinis na mga linya ng tabas at ang paggamit ng mga grupo ng mga puno o mga guho bilang mga eksena. Ang "Landscape with the Adoration of the Magi" ni Annibale Carracci sa Doria Gallery sa Roma ay maaaring tawaging isa sa mga unang kumpletong istilo ng mga halimbawa ng ganitong uri.

Caravaggism. Ilang taon pagkatapos ng pagbuo ng Bolognese academicism, lumitaw ang isa pang artistikong kilusan, na higit na tutol sa Mannerism, na nakikilala sa pamamagitan ng isang malinaw na paghahanap para sa makatotohanang mga imahe at pagkakaroon ng higit na demokratikong katangian. Ang kilusang ito, na lubhang mahalaga sa pangkalahatang kasaysayan ng pag-unlad ng realismo, ay karaniwang itinalaga ng terminong "Caravaggism," na hango sa pangalan ng pinuno nito, si Michelangelo Merisi da Caravaggio (1574-1610). Malawak na kilala sa pangalan ng lugar ng kanyang tinubuang-bayan, si Caravaggio ay umunlad bilang isang pintor sa ilalim ng impluwensya ng sining ng Northern Italy. Bilang isang binata, nagtatapos siya sa Roma, kung saan nakakaakit siya ng pansin sa isang bilang ng mga pagpipinta ng genre. Ang itinatanghal na kalahating pigura ng mga batang babae at lalaki, gypsies at sharpers ay pinagkalooban ng isang hindi kilalang materyalidad hanggang ngayon. Ang mga detalye ng mga komposisyon ay inilalarawan tulad ng materyal: mga basket ng mga bulaklak at prutas, mga instrumentong pangmusika. Ang pagpipinta na "The Lute Player" (1594-1595, Hermitage), na kabilang sa pinakamahusay na mga gawa ng bilog na ito, ay nagbibigay ng ideya ng uri ng naturang mga gawa. Ito ay katangian ng maagang Caravaggio at may malinaw na linear na istilo ng pagpipinta.

Ang isang simpleng imahe, na walang anumang ideyalisasyon, na tiyak na naiiba sa mga enoble na larawan ng Carracci, ay ibinigay ni Caravaggio sa kanyang "Bacchus" (1596-1597, Florence, Uffizi),

Sa huling bahagi ng 1590s, natanggap ni Caravaggio ang kanyang unang pangunahing komisyon upang lumikha ng tatlong mga pintura para sa Simbahan ng San Luigi dei Francesi sa Roma. Sa altarpiece na "Si Mateo ang Apostol na Sumulat, na ang kamay ay ginagabayan ng isang anghel" (1597-1598, ang pagpipinta ay nawasak sa panahon ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig), tinalikuran ni Caravaggio ang anumang ideyalisasyon ng apostol, na naglalarawan sa kanya ng walang bahid na katotohanan bilang isang tao ng ang mga tao. Ang larawang ito ay nagdulot ng matinding pagkondena mula sa mga customer, na humiling na ang pagpipinta ay palitan ng isa pang mas katanggap-tanggap na opsyon para sa kanila. Sa isa sa mga susunod na komposisyon ng parehong pagkakasunud-sunod, na kumakatawan sa "The Calling of the Apostle Matthew" (1598-1599), ibinigay ni Caravaggio ang unang halimbawa ng tinatawag na "funerary" painting. Sa larawang ito, nangingibabaw ang isang madilim na tonality, kabaligtaran ng mga detalye ng maliwanag na ilaw, lalo na mahalaga para sa komposisyon: mga ulo, mga balangkas ng mga figure, mga galaw ng kamay. Ang pamamaraan na ito ay may partikular na tiyak na impluwensya sa pagpipinta ng Europa noong unang ikatlong bahagi ng ika-17 siglo.

Isa sa mga pinakatanyag na obra maestra ng pagpipinta ng Caravaggio, "Entombment" (Roma, Pinacoteca Vatican), ay itinayo noong mga unang taon ng ika-17 siglo (1601–1603). Itinayo nang pahilis sa taas, ang komposisyon na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng matinding pagpapahayag at sigla ng mga imahe; sa partikular, ang pigura ng isang baluktot na alagad na umaalalay sa mga paa ng patay na si Kristo ay inihahatid nang may sukdulang realismo. Ang parehong realismo, na hindi pinapayagan ang anumang ideyalisasyon, ay nagpapakilala sa "Assumption of Mary" (1605-1606, Louvre), na isinagawa makalipas ang ilang taon. Sa ibabaw ng nakahiga na katawan ng Madonna, na halos hindi na naaapektuhan ng pagkabulok, ang mga disipulo ni Kristo ay nakatayo sa matinding kalungkutan. Ang genre-based na likas na katangian ng pagpipinta, kung saan ang artist ay tiyak na umalis mula sa tradisyonal na pagtatanghal ng tema, muling nagdulot ng pagpuna mula sa simbahan.

Ang mapanghimagsik na ugali ni Caravaggio ay patuloy na nagdulot sa kanya ng kontrahan sa kapaligiran. Nagkataon na sa isang pag-aaway ay napatay niya ang kanyang kalaban sa isang laro ng bola at napilitang tumakas sa Roma. Isang bagong yugto ang binuksan sa talambuhay ng master, na minarkahan ng patuloy na pagbabago ng lugar. Matapos ang isang maikling pananatili sa Naples, natagpuan niya ang kanyang sarili sa isla ng Malta, kung saan siya ay nagkaroon ng malaking tagumpay sa paglilingkod sa Grand Master ng Order of Malta, ay nakataas sa ranggo ng maharlika, ngunit sa lalong madaling panahon, pagkatapos ng isang bagong away, mauuwi sa kulungan. Pagkatapos ay muli siyang lumitaw sa Naples, pagkatapos ay tumanggap siya ng pahintulot na bumalik sa Roma, ngunit dahil sa isang pagkakamali ng mga awtoridad, napagkakamalang iba siya, siya ay binawian ng kanyang ari-arian, napunta sa isang desyerto na dalampasigan at namatay sa lagnat.

Ito late period pagkamalikhain, ang master ay lumikha ng ilang magagandang gawa. Kabilang sa mga pinakatanyag ay ang "Portrait of the Grand Master of the Order of Malta Alof de Wignacourt" (1608), na kapansin-pansin sa pagiging totoo nito, pati na rin ang "The Adoration of the Shepherds" (1609, Messina), na kung saan ay katangi-tangi sa pagiging simple ng kwento at malalim na pagkatao.

Ang pagkamalikhain ng master, na nakikilala sa pamamagitan ng pagiging bago nito ng paglalarawan ng buhay at pagka-orihinal mga diskarte sa pagpipinta, ay nagkaroon ng malakas na impluwensya sa maraming artista, parehong mga Italyano at dayuhan na nagtatrabaho sa Roma. Kaya, ito ang pinakamahalagang pampasigla para sa pag-unlad ng realismo sa pan-European na pagpipinta noong ika-17 siglo. Sa mga Italyano, si Orazio Dschentileschi (1565-bago 1647) ay kabilang sa mga pinakakilalang tagasunod ng Caravaggio.

Domenichino. Tulad ng para sa pinakamalapit na mga mag-aaral at mga kahalili ng sining ni Carracci, si Domenichino ay lalong namumukod-tangi sa kanila. Si Domenico Zampieri, na may palayaw na Domenichino (1582-1641), ay kilala bilang pinakamalaking kinatawan ng monumental na pagsasalaysay ng fresco painting noong ika-17 siglo. Pinagsasama niya ang kamahalan ng mga ideyal ngunit natural na mga anyo sa kabigatan ng paghahatid ng nilalaman. Ang mga tampok na ito ay lubos na makikita sa pagpipinta ng Romanong simbahan ng Sant'Andrea della Valle (1624-1628), kung saan sa dulo ng apse, sa gitna ng stucco, puti at ginto, palamuti, Domenichino ay naglalarawan ng mga eksena ng salaysay ng ebanghelyo. mula sa buhay ng mga apostol na sina Andres at Pedro, at sa mga layag ng simboryo - apat na ebanghelista na napapalibutan ng mga anghel. Sa mga painting ng master's easel, ang pinakasikat ay ang "The Last Communion of St. Jerome" (1614, Rome, Vatican). Ang klasiko ng mga anyo, na bahagyang sanhi ng kanyang pagkahumaling kay Raphael, ay pinagsama sa interpretasyon ng mga mukha na may malalim na relihiyosong damdamin. Ang mga gawa ni Domenichino ay madalas na minarkahan ng liriko na katangian ng mga imahe. Ang nagpapahiwatig sa bagay na ito ay ang kanyang maagang "Girl with a Unicorn", na ipininta sa itaas ng entrance door ng Palazzo Farnese gallery, at lalo na ang pagpipinta na conventionally na tinatawag na "The Hunt of Diana" (1620, Rome, Galleria Borghese). Ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang archery competition sa pagitan ng mga kasama ni Diana at ang hitsura ng Actaeon sa kanila. Ang pagiging natural ng pagtatanghal ay pinahusay ng pagiging bago ng interpretasyon ng mga imahe.

Francesca Albania. Si Francesco Albani (1578-1660) ay pangunahing pintor ng easel at kawili-wili, bukod sa iba pang mga bagay, para sa pagpapakilala ng isang bagong uri ng mga canvases - maliit, tinatawag na "cabinet" na mga kuwadro, na idinisenyo upang palamutihan ang mga silid na may limitadong dami. Sa kanila, karaniwang inilalarawan ni Albani ang mga payapang tanawin, laban sa background kung saan ang mga pigura ng mga cupid ay nagsasaya at nagsasayaw.

Guado Reni. Si Guido Reni (1575-1642), na naging pinuno ng paaralang Bolognese pagkatapos ng Carracci, ay naimpluwensyahan ng sining ng Caravaggio sa unang bahagi ng kanyang trabaho. Ito ay ipinahayag sa kawalan ng idealization ng mga imahe at matalim na kaibahan ng chiaroscuro ("Crucifixion of the Apostle Peter", ca. 1605, Rome, Vatican). Gayunpaman, sa lalong madaling panahon, si Reni ay bumuo ng kanyang sariling istilo, na kumakatawan sa pinakakapansin-pansing pagpapahayag ng isa sa mga uso na sinusunod sa sining ng ika-17 siglong Italya. Ang tinatawag na "classicist" na kilusan ng unang bahagi ng Baroque ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagpigil sa masining na wika, pati na rin ang kalubhaan ng mga idealized na anyo. Ang istilo ni Guido Reni ay nahayag sa kabuuan nito sa unang pagkakataon sa sikat na "Aurora" (1613-1614, Palazzo Rospigliosi), na pininturahan gamit ang fresco technique sa kisame ng Roman Palazzo Rospigliosi. Laban sa background ng isang ginintuang-dilaw na kalangitan, na napapalibutan ng isang bilog na sayaw ng mga grasya, si Apollo ay nakikipagkarera sa isang karwahe. Ang Aurora na lumilipad sa kanyang harapan ay nagkalat ng mga bulaklak sa lupa at ang tingga ng dagat, na hindi pa naaaninag ng sinag ng araw. Ang linear-plastic na interpretasyon ng mga form, isang balanseng komposisyon na binuo tulad ng isang easel painting, pati na rin ang kaibahan ng iba't ibang, ngunit mahinahon na mga kulay, ang fresco na ito ay lubos na nagpapahiwatig ng maagang yugto ng pag-unlad ng Baroque decorative painting. Ang parehong mga tampok, ngunit may mas contrived poses, ay makikita sa mamaya easel painting - "Atalanta at Hippomenes" (c. 1625, Naples). Madalas na ipinakilala ni Reni ang mga katangian ng sentimentalismo at tamis sa kanyang mga relihiyosong pagpipinta. Ang pagpipinta ng Hermitage na "The Youth of the Madonna" (1610s) ay umaakit sa lapit ng paglalarawan nito ng mga magagandang batang babae na nakikibahagi sa pananahi. Sa ilang iba pang mga gawa, ang idealization ng mga imahe ay hindi ibinubukod ang kanilang pagiging natural at lalim ng pakiramdam (Lamentation of Christ, Bologna, Pinacoteca, 1613-1614; Madonna and Child, New York, pribadong koleksyon, huling bahagi ng 1620s).

Ang ikatlong dekada ng ika-17 siglo ay nagbubukas ng bagong yugto ng Baroque art, na sakop ng konsepto ng "high, o mature, Baroque." Ang pinaka makabuluhang mga tampok nito ay ang tumaas na dinamismo at pagpapahayag ng mga anyo, ang kaakit-akit ng kanilang pag-render at ang matinding pagtaas sa pagiging palamuti. Sa pagpipinta, ang matinding kulay ay idinagdag sa mga nabanggit na tampok.

Giovanni Lanfranco. Isa sa mga masters na iginiit ang pangingibabaw ng bagong istilo, si Giovanni Lanfranco (1580-1641), na higit na umaasa sa monumental na sining ng Correggio, na noong 1625 ay lumikha ng kanyang pagpipinta ng simboryo ng St. Andrea della Valle, na naglalarawan ng "Paraiso" . Ang pag-aayos ng hindi mabilang na mga figure sa mga concentric na bilog - ang Madonna, mga santo, mga anghel, pinangungunahan niya ang mata ng manonood sa isang walang katapusang espasyo, sa gitna kung saan ang maliwanag na pigura ni Kristo ay inilalarawan. Ang artist na ito ay nailalarawan din sa pamamagitan ng kumbinasyon ng mga figure sa malawak na masa na bumubuo ng mga nakamamanghang daloy ng liwanag at anino. Ang parehong mga diskarte sa pagpipinta ay paulit-ulit sa mga easel painting ng Lanfranco, kung saan ang isa sa pinakamahalaga ay ang "The Vision of Saint Margaret of Cortona" (Florence, Palazzo Pitti). Ang estado ng ecstasy at ang pagbuo ng mga diagonal na grupo ay lubhang katangian ng Baroque art.

Guercino. Karaniwan sa nabuong yugto ng monumental na Baroque na sining, ang ilusyon ng sumasabog na espasyo sa itaas ng mga ulo ng mga manonood ay mas malinaw na ipinahayag kaysa sa Lanfranco ng kanyang kontemporaryong si Francesco Barbieri, na may palayaw na Guercino (1591-1666). Sa kisame ng Palazzo Ludovisi sa Roma (1621-1623), gayundin sa nabanggit na kisame ng Guido Reni, inilalarawan ang Aurora, sa pagkakataong ito ay nagmamadali sa isang karwahe sa gitna ng maulap na kalangitan. Ang mga tuktok ng mga dingding at nagtataasang mga puno ng cypress na inilalarawan sa gilid ng komposisyon, kapag tiningnan mula sa isang tiyak na punto ng view, ay lumilikha ng ilusyon ng isang pagpapatuloy ng tunay na arkitektura ng silid. Si Guercino, na parang isang link sa pagitan ng artistikong kaugalian ng Carracci at Caravaggio, ay hiniram ang karakter ng kanyang mga figure mula sa una, at ang mga diskarte ng kanyang chiaroscuro painting mula sa huli. Ang "The Burial of Saint Petronilla" (1621, Rome, Capitoline Gallery) ay isa sa mga malinaw na halimbawa ng maagang pagpipinta ng Guercino, kung saan ang pagiging natural ng mga imahe ay pinagsama sa lawak at lakas. kaakit-akit na pagpapatupad. Sa "The Execution of St. Catherine" (1653, Hermitage), tulad ng sa iba pang mga huli na gawa ng master, ang pagiging totoo ng mga imahe ay pinalitan ng kagandahan ng komposisyon.

Domenico Fetti. Sa iba pang mga artista sa panahong ito, dapat ding banggitin si Domenico Fetti (1589-1624). Sa kanyang mga komposisyon, ang mga elemento ng makatotohanang pang-araw-araw na genre ay magkakasamang nabubuhay sa isang mayamang makulay na palette, na naimpluwensyahan ng sining ng Rubens. Ang kanyang mga painting na "Madonna" at "Healing of Tobit" (1620s, Hermitage). na nakikilala sa pamamagitan ng kanilang sonority at lambot ng kulay, pinapayagan nila kaming makakuha ng isang tiyak na ideya ng coloristic na paghahanap ng artist.

Lorenzo Bernini. Ang sentral na pigura ng mataas na baroque art ay ang makinang na arkitekto at iskultor na si Lorenzo Bernini (1599-1680). Ang iskultura ng master ay kumakatawan sa isang natatanging kumbinasyon ng lahat ng mga tampok na katangian ng estilo ng Baroque. Organikong pinagsama nito ang matinding talas ng isang makatotohanang imahe sa napakalawak na lawak ng pandekorasyon na paningin. Idinagdag dito ang isang hindi maunahang kasanayan sa mga pamamaraan ng pagproseso ng marmol, tanso, at terracotta.

Ang anak ng isang iskultor, si Lorenzo Bernini ay kabilang sa mga master na napakaagang natagpuan ang kanilang masining na wika at umabot sa kapanahunan halos mula sa mga unang hakbang. Noong mga 1620, lumikha si Bernini ng ilang mga eskultura ng marmol na nabibilang sa mga hindi mapag-aalinlanganang obra maestra. Ang kanyang estatwa na "David" ay itinayo noong 1623 (Roma, Galleria Borghese). Siya ay nakikilala sa pamamagitan ng kanyang pambihirang kakayahan sa makatotohanang paghahatid ng tensyon ng espirituwal at pisikal na mga puwersa bayani sa Bibliya, na inilalarawan sa sandali ng paghagis ng bato gamit ang lambanog. Pagkalipas ng dalawang taon, ginanap ang grupong "Apollo Pursuing Daphne" (1620s, Rome, Galleria Borghese). Ang mga kaakit-akit na anyo ng mga tumatakbong figure at ang pambihirang pagiging perpekto ng paggamot sa ibabaw ay kinukumpleto ng pambihirang kahusayan ng mga ekspresyon ng mukha ni Daphne, na hindi pa naramdaman ang metamorphosis na nagaganap (ang kanyang pagbabago sa puno ng bay), at Apollo, na nauunawaan na ang biktimang naabutan niya ay hindi na mababawi.

Ang twenties at thirties ng ika-17 siglo - ang panahon ng pontificate ng Urban VIII - pinalakas ang posisyon ni Bernini bilang nangungunang artist ng Roma. Bilang karagdagan sa maraming mga gawa sa arkitektura, sa parehong panahon ay lumikha siya ng isang bilang ng mga monumental na eskultura, mga larawan, pati na rin ang mga gawa ng isang likas na pandekorasyon. Sa huli, ang pinakaperpekto ay ang "Fountain of Triton" (1637), na tumataas sa isa sa mga parisukat sa Roma. Ang mga kakaibang balangkas ng isang malaking shell na sinusuportahan ng mga dolphin at isang newt na matayog sa itaas nito ay kasuwato ng mga batis ng dumadaloy na tubig.

Ang malakas na binibigkas na dekorasyon ng karamihan sa mga gawa ng master ay maaaring maihambing sa mga larawan ni Constance Buonarelli (Florence, National Museum) at Cardinal Scipione Borghese (Roma, Galleria Borghese) mula sa parehong yugto ng aktibidad ni Bernini, na kamangha-mangha sa kanilang makatotohanang talas. ng mga katangian mula noong 1630s.

Ang pag-akyat ni Innocent X sa trono ng papa noong 1640 ay nangangailangan ng pansamantalang pagtanggal kay Bernini mula sa kanyang nangungunang papel sa pagtatayo at dekorasyon ng Roma. Sa maikling panahon na naghihiwalay sa kanya mula sa kasunod na opisyal na pagkilala, nagsagawa si Bernini ng ilang bagong kahanga-hangang mga gawa. Dahil nasa isip ang pansamantalang hindi pagkilala sa kanyang mga artistikong merito, nilikha niya ang allegorical group na "The Truth That Time Reveals." Ang pigura ng oras ay nanatiling hindi natutupad, ngunit ang nakaupo na alegorikong pigura ng babae ay namangha sa labis na pagpapahayag ng mga makatotohanang anyo nito.

Ang obra maestra ng monumental na Baroque sculpture ay sikat na grupo"Ecstasy ng St. Teresa", pinalamutian ang Cornaro Chapel ng Roman Church of Santa Maria della Vittoria (1645-1652), Isang anghel na may palaso sa kanyang kamay ang lumilitaw sa itaas ng santo na nakayuko sa isang estado ng lubos na kaligayahan. Ang mga damdamin ni Teresa ay ipinahayag sa lahat ng hindi maiiwasan ng isang makatotohanang rendering. Ang interpretasyon ng kanyang malawak na balabal at ang pigura ng isang anghel ay naglalaman ng mga pandekorasyon na katangian. Ang puting kulay ng pangkat ng marmol, na inilagay laban sa background ng mga ginintuang sinag, ay sumasama sa mga makukulay na lilim ng kulay na marmol ng kapaligiran ng arkitektura sa isang eleganteng kulay na grupo. Ang tema at execution ay napaka katangian ng Italian Baroque style.

Ang isa pa sa pinakamahalagang likha ni Bernini ay nagsimula noong 1628-1647 - ang lapida ni Pope Urban VIII sa Katedral ng St. Si Pedro ay nasa Roma. Sa mga tuntunin ng marilag na pagpapahayag ng disenyo nito at ang kahusayan ng disenyong plastik nito, ang monumento na ito ay kabilang sa ang pinakakahanga-hangang mga gawa eskultura ng lapida. Laban sa background ng isang angkop na lugar na may linya na may kulay na marmol, isang puting pedestal na may isang nagpapahayag na tansong pigura ng papa ay tumataas. Ang kanyang kamay na nakataas bilang pagpapala ay nagbibigay ng isang kakila-kilabot na kadakilaan sa pigura. Sa ibaba, sa mga gilid ng berdeng marmol na sarcophagus, may mga puting figure na sumasalamin sa mga birtud ng Urban VIII - matalinong Hustisya at Awa. Ang isang tansong kalahating pigura ng isang may pakpak na kalansay na tumataas mula sa likod ng sarcophagus ay nakakabit sa pedestal ng isang tabla na may nakasulat na pangalan ng namatay.

Ang panahon ng pansamantalang hindi pagkilala kay Bernini ay malapit nang mapalitan ng parehong Innocent X na may pagkilala sa kanya bilang opisyal na pinuno ng paaralang Romano, at halos may higit na kaluwalhatian kaysa dati. Kabilang sa mga sculptural na gawa ng ikalawang kalahati ng karera ni Bernini, mapapansin ng isa ang engrandeng bronze pulpito ng Cathedral of St. Peter sa Roma, ang pigura ni Emperor Constantine na tumatakbo sa likod ng kabayo (ibid.), at lalo na ang paglikha ng isang bagong uri ng larawan, ang pinakamagandang larawan kung saan ay ang marmol na bust ni Louis XIV, na isinagawa ng master sa kanyang pananatili noong 1665 (sa imbitasyon ng French court) sa Paris. Habang pinapanatili ang pagpapahayag ng mga tampok ng mukha, ang pangunahing pansin ay nakatuon na ngayon sa dekorasyon ng kabuuan, na nakamit sa pamamagitan ng isang kaakit-akit na interpretasyon ng mga dumadaloy na kulot ng isang malaking peluka at mga fluttering draperies, na parang nahuli ng hangin.

Pinagkalooban ng pambihirang pagpapahayag at pagka-orihinal magandang istilo at ang pagiging perpekto ng teknikal na kasanayan, ang sining ni Bernini ay nakahanap ng hindi mabilang na mga tagahanga at tagagaya na nakaimpluwensya sa plastik na sining ng Italya at iba pang mga bansa.

Pietro da Nortona. Sa mga pintor, ang pinakakinatawan ng istilong High Baroque ay si Pietro Berrettini da Nortona (1596-1669). Una niyang nakilala ang kanyang sarili sa kanyang mga multi-figure easel paintings ("The Victory of Alexander the Great over Darius", "The Rape of the Sabine Women" - 1620s, both - Capitoline Museum, Rome), kung saan inihayag niya ang isang malalim na kaalaman sa ang materyal na kultura ng Sinaunang Roma, na nakuha bilang resulta ng pag-aaral ng mga sinaunang monumento . Ngunit ang mga pangunahing tagumpay ni Norton ay nauugnay sa larangan ng monumental at pandekorasyon na mga pagpipinta. Sa pagitan ng 1633 at 1639 ay nagpinta siya ng isang maringal na kisame sa Palazzo Barberini (Roma), na isang kapansin-pansing halimbawa ng Baroque decorative painting. Ang plafond ay niluluwalhati ang pinuno ng bahay ng Barberini, si Pope Urban VIII. Sa puwang na napapalibutan ng isang mabigat na parihabang frame, ang pigura ng Divine Wisdom ay inilalarawan na napapalibutan ng maraming alegorikal na mga karakter. Sa kaliwa, sa itaas niya, isang payat na batang babae na may korona ng mga bituin sa kanyang nakataas na mga kamay ay lumilipad pataas sa langit, na nagpapakilala sa Immortality. Kahit na mas mataas, makapangyarihang mga pigura ng Muses, na nagsisilbing paalala ng aktibidad ng patula ng Urban VIII, ay nagdadala ng isang malaking korona, sa gitna kung saan lumilipad ang tatlong bubuyog ng Barberini coat of arms. Sa mga gilid ng frame, sa kurba ng paglipat sa mga dingding, ang mga mitolohikong eksena ay inilalarawan, sa isang alegoriko na anyo na nagsasabi tungkol sa mga aktibidad ng papa. Ang kayamanan ng mga pictorial motifs, pagkakaiba-iba at sigla ng mga imahe ay tumutugma sa masiglang makulay ng kabuuan.

Ang organikong pagsasanib, na katangian ng monumental na istilo ni Norton, sa isang solong pandekorasyon na sistema ng arkitekto ng mga komposisyon, pagpipinta at dekorasyong plastik ay natagpuan ang pinakakumpletong pagpapahayag nito sa pagpipinta ng isang bilang ng mga bulwagan ng Palazzo Pitti sa Florence (1640s), na itinalaga ng mga pangalan ng mga diyos ng Olympus. Sa oras na ito ang pagluwalhati sa bahay ng Medici ay nakikilala sa pamamagitan ng isang hindi pangkaraniwang iba't ibang mga komposisyon. Ang pinaka-kawili-wili ay ang lampshade na nagpapalamuti sa "Hall of Mars" at nagsasalita tungkol sa mga birtud ng militar ng mga may-ari ng Palazzo. Ang dynamics na likas sa imaheng ito, ang kawalaan ng simetrya ng konstruksiyon, pati na rin ang hindi makatwiran ng komposisyon, na ipinahayag sa katotohanan na ang mga light figurine ng mga cupid ay sumusuporta sa napakalaking stone coat of arms ng Medici, ay nabibilang sa matinding mga expression ng Baroque style. , na umabot na sa kabuuan ng pag-unlad nito.

Kasabay nito, ang mga makatotohanang tendensya ay nahahanap ang kanilang pag-unlad sa gawain ng isang bilang ng mga Italian masters, higit sa lahat ay nagtatrabaho sa labas ng Roma.

Salvator Rosa. Kabilang sa mga pinaka orihinal na artista noong kalagitnaan ng ika-17 siglo ay si Salvator Rosa (1615-1673), na hindi lamang isang pintor, kundi isang makata, pamphleteer at aktor. Isang katutubo ng Naples, kung saan ang impluwensya ng paaralang Caravaggio ay lalong nagpapatuloy, si Rosa ay malapit sa huli sa katotohanan ng kanyang mga imahe at ang kanyang estilo ng pagpipinta na may madilim na mga anino. Ang paksa ng gawa ng artist na ito ay lubhang iba-iba, ngunit ang pinakamahalaga para sa kasaysayan ng sining ay ang kanyang maraming mga eksena sa labanan at mga tanawin. Ang mabagyo na ugali ng artista ay ganap na nahayag sa mga komposisyon ng labanan. Ang isang katulad na genre ng labanan, na kinuha ng mga imitator, ay magiging laganap sa buong lugar sining ng Europa. Ang mga tanawin ng master na naglalarawan ng mga mabatong baybayin ng dagat, dahil sa mga motif ng itinatanghal na kalikasan, ang dinamika ng komposisyon, ang matalim na kaibahan ng pag-iilaw at ang emosyonalidad ng pangkalahatang solusyon, ay maaaring tawaging romantiko. Kaya, maihahambing ang mga ito sa mga klasikal na tanawin ng paaralang Carrachi at ang lubos na makatotohanang mga tanawin ng hilagang paaralan. Sa mga malalaking larawan ni Rosa, ang "Odysseus and Nausicaä" (1650s) at "Democrat Surprised at the Dexterity of Protagoras" (mula sa parehong oras) na nakaimbak sa Hermitage ay namumukod-tangi. Nagsisilbi sila bilang mahusay na mga halimbawa ng istilo ng pagsasalaysay ng master at pamamaraan ng pagpipinta.

Noong mga ikaanimnapung taon ng ika-17 siglo, ang huling, pinakamahabang yugto sa pag-unlad ng baroque art sa Italya, ang tinatawag na "late baroque," ay nagsimula. Ito ay nailalarawan hindi gaanong mahigpit pagtatayo ng mga komposisyon, higit na liwanag ng mga figure, lalo na kapansin-pansin sa mga babaeng imahe, pagtaas ng mga subtleties ng kulay at, sa wakas, isang karagdagang pagtaas sa decorativeness.

Giovanni Battista Gauli. Ang pangunahing exponent ng mga bagong uso sa pagpipinta ay si Giovanni Battista Gauli (1639-1709), na kilala bilang isang easel painter at bilang isang artist na lumikha ng maraming fresco. Ang kanyang sining ay malapit na nauugnay sa sining ng yumaong Bernini. SA pinakamahusay na mga gawa Pag-aari ni Gauli ang kanyang mga nauna, nasa edad na mapusyaw na kulay mga pintura ng mga layag ng simbahan ng Sant'Agnese sa Piazza Navona sa Roma (c. 1665). Sa halip na ang mga ebanghelista, ang pinakakaraniwang arkitektura ng simbahan sa mga lugar na ito, ang Gauli ay naglalarawan ng mga alegorikal na eksena ng mga Kristiyanong birtud, na nakikilala sa kanilang magaan na anyo. Ang partikular na kaakit-akit ay ang isa kung saan ipinakita ang dalawang batang babae, ang isa ay naglalagay ng isang korona ng mga bulaklak sa isa pa. Ang mga gawa ng mature na istilo ni Gauli ay ang mga painting ng kisame, simboryo at concha ng apse ng pangunahing simbahan ng Jesuit order na Il Gesu sa Roma (1670s-unang bahagi ng 1680s). Ang lampshade na ito, na kilala bilang Adoration of the Name of Jesus, ay napaka-indicative ng late Baroque style. Kabilang sa ipininta na arkitektura, na nagpapatuloy sa mga tunay na anyo ng simbahan, isang makalangit na espasyo na umaabot hanggang sa kailaliman ay kinakatawan, na puno ng hindi mabilang na mga pigura, tulad ng mga alon na dumadaloy mula sa dilim hanggang sa mas magaan na mga grupo. Ang isa pang uri ng mga pagpipinta ng master ay ang kanyang walang anumang pandekorasyon na mga embellishment, psychologically superbly characterized portraits ng kanyang mga kontemporaryo ("Pope Clement IX", Roma, Gallery of St. Luke; "Portrait of Bernini", Roma, Galleria Corsini).

Andrea Pozzo. Ang paghahanap para sa ilusyon na katangian ng mga istrukturang arkitektura ay umabot sa pinakamataas na pag-unlad nito sa gawain ni Andrea Pozzo (1642-1709). Ang kanyang pangunahing gawain ay ang ceiling fresco ng Church of Saint Ignazio sa Roma, na tinitingnan mula sa gitnang nave, na inilalarawan dito na may mga tier ng terrace, arcade, colonnades ng matataas na pader, sa itaas kung saan si Ignatius ng Loyola ay nakatayo sa gitna ng maraming mga figure - lumilikha. ang ilusyon ng espasyo ng arkitektura. Tulad ng iba pang katulad na lampshades, ang pagkakatugma at kawastuhan ng konstruksiyon ay agad na naaabala sa sandaling lumayo ang viewer mula sa punto kung saan ito idinisenyo.

Ang Neapolitan Luca Giordano (1632-1705) ay kabilang din sa mga pinakasikat na masters ng decorative painting. Isang mahuhusay at napakaraming master, gayunpaman ay pinagkaitan siya lakas ng loob at originality at madalas ginagaya ang ibang mga artista. Kabilang sa kanyang pinakamahusay na mga gawa ay ang kisame na niluluwalhati ang pamilya Medici ng Florentine Palazzo Ricardi.

Sa larangan ng pagpipinta ng easel, kabilang sa mga kontemporaryo ng mga artistang ito, si Carlo Maratta (1625-1713), na kabilang sa paaralang Romano noong huling bahagi ng ika-17 siglo, ay namumukod-tangi. Siya ang pumalit sa pinakamalaking kinatawan ng yumaong Baroque. Ang kanyang mga pagpipinta sa altar ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang makinis na mga linya at marilag na kalmadong komposisyon. Natagpuan niya ang kanyang sarili na maging isang malakas na artista sa larangan ng portraiture. Kabilang sa kanyang mga gawa, ang Hermitage "Portrait of Pope Clement IX" (1669), matalas sa pagkatao at kahanga-hanga sa pagpipinta, ay namumukod-tangi. Si Francesco Solimena (1657-1749), na nagtrabaho sa Naples, sa kanyang biblikal at alegorikal na mga pagpipinta, ay naalala ang mga pamamaraan ng Caravaggio na may matalim na kaibahan ng liwanag at anino, ngunit ginagamit ang mga ito sa mga pandekorasyon na komposisyon. Nag-ambag ang yumaong Bolognese Giuseppe Maria Crespi (1664-1747), isa sa pinakamahuhusay na artista sa panahong sinusuri. malakas na impluwensya sa pagpipinta ng ika-18 siglo. Ang master ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang malakas na ipinahayag na makatotohanang oryentasyon. Ito ay nagpapakita ng sarili kapwa sa mga relihiyosong komposisyon at mas malinaw pa sa kanyang pang-araw-araw na mga pagpipinta (“The Death of St. Joseph,” ca. 1712, Hermitage; “Series of Sacraments,” 1710s, Dresden Gallery).

PAGPIPINTA NG ITALY

Sa Italya, kung saan ang reaksyong Katoliko sa wakas ay nagtagumpay noong ika-17 siglo, ang Baroque art ay nabuo nang maaga, umunlad at naging dominanteng kilusan.

Ang pagpipinta sa oras na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga kamangha-manghang pandekorasyon na komposisyon, mga seremonyal na larawan na naglalarawan ng mga mapagmataas na maharlika at kababaihan na may mapagmataas na pustura, na nalulunod sa mga mararangyang damit at alahas.

Sa halip na isang linya, ang kagustuhan ay ibinigay sa isang kaakit-akit na lugar, masa, at mga kaibahan ng liwanag at anino, sa tulong kung saan nilikha ang anyo. Nilabag ng Baroque ang mga prinsipyo ng paghahati ng espasyo sa mga plano, ang mga prinsipyo ng direktang linear na pananaw upang mapahusay ang lalim, ang ilusyon ng pagpunta sa infinity.

Ang pinagmulan ng pagpipinta ng Baroque sa Italya ay nauugnay sa gawain ng magkakapatid na Carracci, ang mga tagapagtatag ng isa sa mga unang paaralan ng sining sa Italya - ang "Academy ng mga nasa tamang landas" (1585), ang tinatawag na Bologna Academy - isang workshop kung saan ang mga baguhang master ay sinanay ayon sa isang espesyal na programa.

Annibale Carracci (1560-1609) ay ang pinaka-talino sa tatlong magkakapatid na Carracci. Ang kanyang trabaho ay malinaw na nagpapakita ng mga prinsipyo ng Bologna Academy, na itinakda bilang pangunahing gawain nito ang muling pagkabuhay ng monumental na sining at ang mga tradisyon ng Renaissance sa panahon ng kanyang kasagsagan, na iginagalang ng mga kontemporaryo ni Carracci bilang isang halimbawa ng hindi matamo na pagiging perpekto at isang uri ng masining na "ganap" . Samakatuwid, mas nakikita ni Carracci ang mga obra maestra ng kanyang mga dakilang nauna bilang isang mapagkukunan kung saan ang isang tao ay maaaring gumuhit ng mga solusyon sa aesthetic na natagpuan ng mga titans ng Renaissance, at hindi bilang isang panimulang punto para sa kanyang sariling mga malikhaing pakikipagsapalaran. Ang plastik na maganda, ang perpekto ay hindi para sa kanya ang "pinakamataas na antas" ng tunay, ngunit isang obligadong artistikong pamantayan lamang - ang sining ay salungat sa katotohanan, kung saan ang master ay hindi nakakahanap ng isang bagong pangunahing ideyal. Kaya naman ang conventionality at abstractness ng kanyang mga imahe at pictorial solutions.

Kasabay nito, ang sining ng magkapatid na Carracci at Bolognese na akademya ay naging napaka-angkop para sa paglalagay sa serbisyo ng opisyal na ideolohiya ay hindi walang dahilan na ang kanilang trabaho ay mabilis na nakatanggap ng pagkilala sa pinakamataas na (estado at Katoliko) na mga lugar; .

Ang pinakamalaking gawa ni Annibale Carracci sa larangan ng monumental na pagpipinta ay ang pagpipinta ng gallery ng Palazzo Farnese sa Roma na may mga fresco na nagsasabi tungkol sa buhay ng mga diyos - batay sa mga eksena mula sa "Metamorphoses" ng sinaunang Romanong makata na si Ovid (1597-1604). , tapos kasama ang kanyang kapatid at mga katulong).

Binubuo ang pagpipinta ng mga indibidwal na panel na nakahilig patungo sa isang gitnang malaking komposisyon na naglalarawan ng "The Triumph of Bacchus and Ariadne", na nagpapakilala ng elemento ng dynamics sa pictorial ensemble. Ang mga hubad na pigura ng lalaki na inilagay sa pagitan ng mga panel na ito ay ginagaya ang iskultura, habang sa parehong oras ay ang mga pangunahing tauhan ng mga kuwadro na gawa. Ang resulta ay isang kahanga-hangang malakihang gawain, kamangha-manghang hitsura, ngunit hindi pinagsama ng anumang makabuluhang ideya, kung wala ang mga monumental na ensemble ng Renaissance ay hindi maiisip. Sa hinaharap, ang mga prinsipyong ito na kinakatawan ni Carracci - ang pagnanais para sa dynamic na komposisyon, ilusyonistic na epekto at self-sufficient decorativeness - ay magiging katangian ng lahat ng monumental na pagpipinta ng ika-17 siglo.

Gusto ni Annibale Carracci na punan ang mga motif na kinuha mula sa sining ng Renaissance ng buhay na buhay, modernong nilalaman. Nanawagan siya para sa pag-aaral ng kalikasan sa unang bahagi ng kanyang pagkamalikhain, lumiliko pa siya sa pagpipinta ng genre. Ngunit, mula sa pananaw ng master, ang kalikasan mismo ay masyadong magaspang at hindi perpekto, kaya sa canvas dapat itong lumitaw na nagbago na, pinalaki alinsunod sa mga pamantayan ng klasikal na sining. Samakatuwid, ang mga tiyak na motibo sa buhay ay maaaring umiiral sa komposisyon lamang bilang isang hiwalay na fragment na idinisenyo upang pasiglahin ang eksena. Halimbawa, sa pagpipinta na "The Bean Eater" (1580s), mararamdaman ng isang tao ang ironic na saloobin ng artist sa nangyayari: binibigyang-diin niya ang espirituwal na primitiveness ng magsasaka na sakim na kumakain ng beans; ang mga larawan ng mga pigura at bagay ay sadyang pinasimple. Ang iba pang mga pagpipinta ng genre ng batang pintor ay nasa parehong diwa: "The Butcher's Shop", "Self-Portrait with Father", "Hunting" (lahat mula sa 1580s) - adj., fig. 1.

Marami sa mga painting ni Annibale Carracci ay may mga relihiyosong tema. Ngunit ang malamig na pagiging perpekto ng mga anyo ay nag-iiwan ng maliit na puwang para sa pagpapakita ng mga damdamin sa kanila. Sa mga bihirang pagkakataon lang gumagawa ang isang artista ng ibang uri ng mga gawa. Ito ang “Panaghoy ni Kristo” (c. 1605). Sinasabi ng Bibliya kung paano pumunta ang mga banal na mananamba ni Kristo upang sumamba sa kanyang libingan, ngunit natagpuan itong walang laman. Mula sa isang anghel na nakaupo sa gilid ng sarcophagus, nalaman nila ang tungkol sa kanyang mahimalang muling pagkabuhay at natuwa at nabigla sa himalang ito. Ngunit ang imahe at damdamin ng sinaunang teksto ay hindi nakakahanap ng maraming tugon sa Carracci; tanging ang liwanag, umaagos na damit ng anghel ang maihahambing niya sa napakalaking at static na pigura ng mga babae. Ang pangkulay ng larawan ay medyo karaniwan din, ngunit sa parehong oras ito ay nakikilala sa pamamagitan ng lakas at intensity nito.

Ang isang espesyal na grupo ay binubuo ng kanyang mga gawa sa mga tema ng mitolohiya, na sumasalamin sa kanyang pagkahilig para sa mga masters ng Venetian school. Sa mga kuwadro na ito, niluluwalhati ang kagalakan ng pag-ibig, ang kagandahan ng hubad na katawan ng babae, ipinakita ni Annibale ang kanyang sarili bilang isang kahanga-hangang colorist, masigla at makatang artista.

Among pinakamahusay na mga gawa Annibale Carracci - gumagana ang kanyang landscape. Nilikha ni Carracci at ng kanyang mga estudyante, batay sa mga tradisyon ng tanawin ng Venetian noong ika-16 na siglo, isang uri ng tinatawag na klasikal, o kabayanihan, tanawin. Binago din ng artista ang kalikasan sa isang artipisyal na kahanga-hangang espiritu, ngunit walang panlabas na kalungkutan. Ang kanyang mga gawa ay naglatag ng pundasyon para sa isa sa mga pinaka-mabungang uso sa pag-unlad ng landscape painting sa panahong ito ("Flight into Egypt," ca. 1603), na pagkatapos ay natagpuan ang pagpapatuloy at pag-unlad nito sa gawain ng mga masters ng mga susunod na henerasyon, noong partikular na Poussin.

Michelangelo Caravaggio (1573-1610). Ang pinakamahalagang pintor ng Italyano sa panahong ito ay si Michelangelo Caravaggio, na maaaring isaalang-alang ang pinakadakilang mga masters siglo XVII.

Ang pangalan ng artista ay nagmula sa pangalan ng bayan sa hilagang Italya kung saan siya ipinanganak. Mula sa edad na labing-isa ay nagtrabaho na siya bilang isang baguhan sa isa sa mga pintor ng Milanese, at noong 1590 ay umalis siya patungong Roma, na sa pagtatapos ng ika-17 siglo ay naging sentro ng pansining ng buong Europa. Dito nakamit ni Caravaggio ang kanyang pinakamahalagang tagumpay at katanyagan.

Hindi tulad ng karamihan sa kanyang mga kontemporaryo, na nakakita lamang ng higit pa o hindi gaanong pamilyar na hanay ng mga aesthetic na halaga, nagawa ni Caravaggio na talikuran ang mga tradisyon ng nakaraan at lumikha ng kanyang sariling, malalim na indibidwal na istilo. Ito ay bahagyang resulta ng kanyang negatibong reaksyon sa mga artistikong cliches ng panahon.

Hindi kailanman kabilang sa isang partikular na paaralan ng sining, sa kanyang mga unang gawa ay inihambing niya ang indibidwal na pagpapahayag ng modelo, ang mga simpleng pang-araw-araw na motif na may ideyalisasyon ng mga imahe at ang alegorikong interpretasyon ng balangkas na katangian ng sining ng mannerism at akademiko ("Little Sick Bacchus ”, “Young Man with a Basket of Fruits”, pareho - 1593).

Bagaman sa unang sulyap ay tila umalis siya sa mga artistikong canon ng Renaissance, bukod dito, ibinagsak niya ang mga ito, sa katotohanan ang mga pathos ng kanyang makatotohanang sining ay ang kanilang panloob na pagpapatuloy, na naglatag ng mga pundasyon ng realismo ng ika-17 siglo. Ito ay malinaw na pinatunayan ng kanyang sariling mga pahayag. “Bawat larawan, anuman ang ilarawan nito, at kahit sino pa ang ipininta nito,” iginiit ni Caravaggio, “ay hindi mabuti kung ang lahat ng bahagi nito ay hindi naisagawa mula sa buhay; Walang mas pipiliin sa mentor na ito." Ang pahayag na ito ni Caravaggio, kasama ang kanyang katangiang pagiging prangka at pagiging kategorya, ay naglalaman ng buong programa ng kanyang sining.

Ang artista ay gumawa ng isang malaking kontribusyon sa pagbuo ng pang-araw-araw na genre ("Rounders," 1596; "Boy Bitten by a Lizard," 1594). Bayani ng nakararami gawa ng Caravaggio- mga tao mula sa mga tao. Natagpuan niya ang mga ito sa maraming motley ng kalye, sa murang mga tavern at sa maingay na mga parisukat ng lungsod, at dinala sila sa kanyang studio bilang mga modelo, mas pinipili ang ganitong paraan ng trabaho kaysa sa pag-aaral ng mga sinaunang estatwa - ito ay pinatunayan ng unang biographer ng artist. D. Bellori. Ang kanyang mga paboritong karakter ay mga sundalo, card player, manghuhula, musikero ("Fortune Teller", "Lute Player" (parehong 1596); "Musicians", 1593) - adj., fig. 2. Sila ang "naninirahan" sa genre ng mga pagpipinta ng Caravaggio, kung saan iginiit niya hindi lamang ang karapatang umiral, kundi pati na rin masining na kahalagahan motibo ng pribadong sambahayan. Kung nasa maagang mga gawa pagpipinta ni Caravaggio para sa lahat ng kaplastikan at layunin na panghihikayat, ito ay medyo bastos, pagkatapos ay sa hinaharap ay mapupuksa niya ang pagkukulang na ito. Mga mature na gawa ang mga artist ay mga monumental na canvases na may pambihirang dramatikong kapangyarihan (“The Calling of the Apostle Matthew” at “The Martyrdom of the Apostle Matthew” (parehong 1599-1600); “Entombment”, “Death of Mary” (parehong ca. 1605-1606). )) . Ang mga gawang ito, bagama't malapit sa istilo sa kanyang mga unang eksena sa genre, ay puno na ng isang espesyal na panloob na drama.

Ang estilo ng pagpipinta ng Caravaggio sa panahong ito ay batay sa makapangyarihang mga kaibahan ng liwanag at anino, nagpapahayag na pagiging simple ng mga kilos, masiglang pag-sculpting ng mga volume, kayamanan ng kulay - mga diskarte na lumilikha ng emosyonal na pag-igting, na nagbibigay-diin sa matinding epekto ng mga damdamin. Karaniwan ang artist ay naglalarawan ng ilang mga figure, na kinuha sa malapitan, malapit sa viewer at pininturahan ng lahat ng plasticity, materyalidad at nakikitang pagiging tunay. Ang kapaligiran, pang-araw-araw na interior at buhay pa rin ay nagsisimulang maglaro ng malaking papel sa kanyang mga gawa. Ganito, halimbawa, sa pagpipinta na "The Calling of Matthew" ang master ay nagpapakita ng paglitaw ng dakila at espirituwal sa mundo ng "mababa" na pang-araw-araw na buhay.

Ang balangkas ng gawain ay batay sa kuwento mula sa Ebanghelyo tungkol sa kung paano tinawag ni Kristo ang maniningil ng buwis na si Mateo, ang maniningil ng buwis na hinamak ng lahat, upang maging kanyang alagad at tagasunod. Ang mga karakter ay inilalarawan na nakaupo sa isang mesa sa isang hindi komportable, walang laman na silid, at ang mga karakter ay ipinakita sa laki ng buhay, na nakasuot ng mga modernong kasuotan. Ang hindi inaasahang pagpasok ni Kristo at ni Apostol Pedro sa silid ay nagdulot ng iba't ibang reaksyon mula sa mga natipon - mula sa pagkamangha hanggang sa pagiging maingat. Ang daloy ng liwanag na pumapasok sa madilim na silid mula sa itaas ay maindayog na inaayos kung ano ang nangyayari, itinatampok at ikinokonekta ang mga pangunahing elemento nito (ang mukha ni Mateo, ang kamay at profile ni Kristo). Sa pamamagitan ng pag-agaw ng mga pigura mula sa kadiliman at matalas na paghahambing ng maliwanag na liwanag at malalim na anino, ang pintor ay nagbibigay ng pakiramdam ng panloob na pag-igting at dramatikong kaguluhan. Ang eksena ay pinangungunahan ng mga elemento ng damdamin at hilig ng tao. Upang lumikha ng isang emosyonal na kapaligiran, ang Caravaggio ay mahusay na gumagamit ng mayaman na kulay. Sa kasamaang palad, ang malupit na pagiging totoo ni Caravaggio ay hindi naunawaan ng marami sa kanyang mga kontemporaryo, mga tagasunod ng "mataas na sining." Pagkatapos ng lahat, kahit na lumilikha ng mga gawa sa mitolohiya at relihiyosong mga tema (ang pinakasikat sa mga ito ay "Rest on the Flight into Egypt," 1597), palagi siyang nanatiling tapat sa makatotohanang mga prinsipyo ng kanyang pang-araw-araw na pagpipinta, kaya kahit na ang pinaka-tradisyonal na biblikal. natanggap ng mga paksa mula sa kanya ang isang ganap na naiibang intimate psychological interpretasyon na naiiba sa tradisyonal. At ang apela sa kalikasan, na ginawa niyang direktang object ng paglalarawan ng kanyang mga gawa, at ang pagiging totoo ng interpretasyon nito ay nagdulot ng maraming pag-atake sa artist mula sa mga klero at mga opisyal.

Gayunpaman, sa mga artista noong ika-17 siglo, marahil, walang isa sa anumang kahalagahan na hindi, sa isang paraan o iba pa, ay nakaranas ng malakas na impluwensya ng sining ni Caravaggio. Totoo, karamihan sa mga tagasunod ng master, na tinawag na Caravaggists, ay masigasig na kinopya lamang ang kanyang panlabas na mga diskarte, at higit sa lahat, ang kanyang sikat na contrasting chiaroscuro, intensity at materiality ng pagpipinta.

Sina Peter Paul Rubens, Diego Velazquez, Jusepe de Ribera, Rembrandt van Rijn, Georges de La Tour at marami pang iba ay dumaan sa yugto ng pagkahumaling sa Caravaggism. mga sikat na artista. Imposibleng isipin ang karagdagang pag-unlad ng realismo sa ika-17 siglo nang walang rebolusyon na ginawa ni Michelangelo Caravaggio sa pagpipinta ng Europa.

Alessandro Magnasco (1667-1749). Ang kanyang trabaho ay nauugnay sa romantikong kilusan sa sining ng Italyano noong ika-17 siglo.

Ang hinaharap na artista ay ipinanganak sa Genoa. Nag-aral muna siya sa kanyang ama, pagkatapos, pagkatapos ng kanyang kamatayan, sa Milan kasama ang isa sa mga lokal na master, na nagturo sa kanya ng mga teknikal na pamamaraan ng pagpipinta ng Venetian at nagturo sa kanya ng sining ng portraiture. Kasunod nito, nagtrabaho si Magnasco sa loob ng maraming taon sa Milan, Genoa, Florence, at sa kanyang mga humihinang taon, noong 1735, sa wakas ay bumalik siya sa kanyang bayan.

Ang talento ngunit napakakontrobersyal na artist na ito ay pinagkalooban ng isang napakaliwanag na personalidad. Ang gawa ni Magnasco ay lumalaban sa anumang pag-uuri: kung minsan ay malalim na relihiyoso, kung minsan ay kalapastanganan sa kanyang mga gawa ay ipinakita niya ang kanyang sarili bilang isang ordinaryong dekorador o bilang isang pintor na may nanginginig na kaluluwa. Ang kanyang sining ay puno ng mas mataas na emosyonalidad, sa bingit ng mistisismo at kadakilaan.

karakter maagang mga gawa Ang mga gawa ng artist, na nakumpleto sa panahon ng kanyang pananatili sa Milan, ay nagpasiya ng mga tradisyon ng paaralan ng pagpipinta ng Genoese, na nakahilig sa pastoral. Ngunit mayroon nang mga gawa niya bilang ilang "Bacchanalia", "Bandits' Rest" (lahat mula sa 1710s) - na naglalarawan ng mga hindi mapakali na mga pigura ng tao laban sa backdrop ng mga maringal na sinaunang mga guho - ay nagdadala ng isang ganap na naiibang emosyonal na singil kaysa sa mga matahimik na pastoral ng kanyang mga nauna. Ang mga ito ay ginawa sa madilim na kulay, na may pabagu-bago, dynamic na mga stroke, na nagpapahiwatig ng pang-unawa ng mundo sa isang dramatikong aspeto (idagdag., Fig. 3).

Ang atensyon ng artista ay naaakit sa lahat ng hindi pangkaraniwan - mga eksena ng mga tribunal ng Inquisition, pagpapahirap, na maaari niyang obserbahan sa Milan sa ilalim ng pamamahala ng Espanyol ("Torture Chamber"), isang sermon sa isang sinagoga ("Synagogue", huling bahagi ng 1710s-1720s), nomadic mga life gypsies ("Gypsy Meal"), atbp.

Ang mga paboritong paksa ni Magnasco ay iba't ibang mga yugto mula sa monastic life ("Funeral of a Monk", "Nuns' Meal", parehong mula noong 1720s), mga cell ng hermit at alchemist, mga guho ng mga gusali at night landscape na may mga pigura ng mga gypsies, pulubi, gumagala na musikero , atbp. Medyo totoo ang mga karakter ng kanyang mga gawa - mga tulisan, mangingisda, ermitanyo, gypsies, komedyante, sundalo, washerwomen (Landscape with Washerwomen, 1720s) - kumilos sa isang kamangha-manghang kapaligiran. Inilalarawan ang mga ito sa backdrop ng madilim na mga guho, rumaragasang dagat, ligaw na kagubatan, at malupit na bangin. Ipininta ng Magnasco ang kanilang mga pigura bilang labis na pinahaba, na parang namimilipit at patuloy na gumagalaw; ang kanilang mga pinahabang curved silhouette ay napapailalim sa nerbiyos na ritmo ng brushstroke. Ang mga kuwadro ay napuno ng isang trahedya na pakiramdam ng kawalang-halaga ng tao sa harap ng mga bulag na puwersa ng kalikasan at ang kalupitan ng panlipunang realidad.

Ang parehong nakakagambalang dinamika ay nakikilala ang kanyang mga sketch ng landscape, kasama ang kanilang binibigyang-diin na subjectivity at emosyonalidad, na nagtutulak sa background ng paglipat ng mga tunay na larawan ng kalikasan ("Seascape", 1730s; "Mountain Landscape", 1720s). Sa ilan sa mga huling gawa ng master, kapansin-pansin ang impluwensya ng mga landscape ng Italian Salvatore Rosa at mga engraving ng French mannerist artist na si Jacques Callot. Ang mahirap na makilalang aspeto ng katotohanan at ang kakaibang mundo na nilikha ng imahinasyon ng artista, na lubos na naramdaman ang lahat ng kalunos-lunos at masayang mga kaganapan ng nakapaligid na katotohanan na nangyayari sa kanyang paligid, ay palaging naroroon sa kanyang mga gawa, na nagbibigay sa kanila ng karakter. ng parabula o pang-araw-araw na eksena.

Ang nagpapahayag na istilo ng pagpipinta ng Magnasco sa ilang mga paraan ay inaasahan ang mga malikhaing pakikipagsapalaran ng mga artista noong ika-18 siglo. Siya ay nagpinta nang may matatas at mabilis na paghampas, gamit ang hindi mapakali na chiaroscuro, na nagbubunga ng hindi mapakali na mga epekto ng pag-iilaw, na nagbibigay sa kanyang mga pagpipinta ng isang sinasadyang sketchiness, at kung minsan kahit na dekorasyon. Kasabay nito, ang pangkulay ng kanyang mga gawa ay walang makulay na maraming kulay, kadalasan ang master ay limitado sa isang madilim na kulay-abo-kayumanggi o maberde na palette, bagaman sa sarili nitong paraan ay medyo pino at pino. Nakilala sa panahon ng kanyang buhay at nakalimutan ng kanyang mga inapo, ang natatanging artist na ito ay muling nakakuha ng katanyagan sa simula lamang ng ika-20 siglo, nang siya ay nakita bilang isang tagapagpauna ng impresyonismo at maging ang ekspresyonismo.

Giuseppe Maria Crespi (1665-1747) Si , isang katutubo ng Bologna, ay nagsimula sa kanyang karera sa pagpipinta sa pamamagitan ng masigasig na pagkopya ng mga painting at fresco ng mga sikat na master, kabilang ang kanyang mga kababayan na Carracci brothers. Nang maglaon, naglakbay siya sa hilagang Italya, nakilala ang gawain ng mga master ng High Renaissance, pangunahin ang Venetian (Titian at Veronese).

Sa simula ng ika-18 siglo. Si Crespi ay medyo sikat na, lalo na, para sa kanyang mga imahe sa altar. Ngunit ang pangunahing trabaho maagang panahon Ang kanyang gawa ay ang monumental na pagpipinta ng mga kisame ng Palazzo Count Pepoli (1691-1692) sa Bologna, ang mga mythological character na kung saan (mga diyos, bayani, nymphs) sa kanyang interpretasyon ay mukhang lubhang makalupa, animated at nakakumbinsi, sa kaibahan sa tradisyonal. abstract na mga larawan ng Baroque.

Nagtrabaho si Crespi sa iba't ibang genre. Nagpinta siya sa mga mitolohiko, relihiyoso at pang-araw-araw na paksa, lumikha ng mga portrait at still lifes, at nagdala ng bago at taos-pusong pananaw ng kontemporaryong mundo sa bawat isa sa mga tradisyonal na genre. Ang pangako ng artist sa kalikasan at isang tumpak na representasyon ng nakapaligid na katotohanan ay dumating sa hindi mapagkakasundo na salungatan sa mga hulma na tradisyon ng Bolognese academicism, na sa oras na ito ay naging isang preno sa pag-unlad ng sining. Samakatuwid, ang patuloy na pakikibaka laban sa mga kumbensyon ng akademikong pagpipinta para sa tagumpay ng makatotohanang sining ay tumatakbo tulad ng isang pulang sinulid sa lahat ng kanyang gawain.

Noong unang bahagi ng 1700s. Lumipat si Crespi mula sa mga mitolohikong eksena patungo sa paglalarawan ng mga eksena mula sa buhay magsasaka, tinatrato muna ang mga ito sa diwa ng pastoralismo, at pagkatapos ay binibigyan sila ng lalong nakakumbinsi na katangian ng pang-araw-araw na pagpipinta. Isa siya sa mga una sa mga master ng ika-18 siglo na naglalarawan ng pang-araw-araw na buhay. ordinaryong tao– mga labandera, tagapaghugas ng pinggan, tagapagluto, pati na rin ang mga yugto ng buhay magsasaka.

Ang pagnanais na bigyan ang kanyang mga pagpipinta ng higit na pagiging tunay ay pumipilit sa kanya na bumaling sa "libing" na pamamaraan ng liwanag ng Caravaggio - matalas na pag-iilaw ng bahagi ng madilim na espasyo ng interior, salamat sa kung saan ang mga figure ay nakakuha ng plastic na kalinawan. Ang pagiging simple at katapatan ng salaysay ay kinukumpleto ng pagsasama ng mga katutubong bagay sa panloob na paglalarawan, na palaging pininturahan ni Crespi na may mahusay na artistikong kasanayan ("Scene in the Cellar"; "Peasant Family").

Ang pinakamataas na tagumpay ng pang-araw-araw na pagpipinta noong panahong iyon ay ang kanyang mga canvases na "Fair in Poggio a Caiano" (c. 1708) at "Fair" (c. 1709) na naglalarawan ng masikip na mga eksenang bayan.

Ipinakita nila ang interes ng artist sa mga graphic ni Jacques Callot, pati na rin ang kanyang malapit na kakilala sa gawain ng mga Dutch masters ng genre painting noong ika-17 siglo. Ngunit ang mga larawan ni Crespi ng mga magsasaka ay kulang sa kabalintunaan ni Callot, at hindi siya kasing dalubhasa sa pagkilala sa kapaligiran gaya ng ginawa ng mga pintor ng Dutch genre. Ang mga figure at bagay sa foreground ay iginuhit nang mas detalyado kaysa sa iba - ito ay nakapagpapaalaala sa istilo ni Magnasco. Gayunpaman, ang mga likha ng pintor ng Genoese, na isinagawa sa paraang bravura, ay laging naglalaman ng elemento ng pantasya. Nagsumikap si Crespi para sa isang detalyado at tumpak na kuwento tungkol sa isang makulay at masayang eksena. Sa pamamagitan ng malinaw na pamamahagi ng liwanag at anino, pinagkalooban niya ang kanyang mga figure na may mahalagang pagtitiyak, unti-unting nalampasan ang mga tradisyon ng genre ng pastoral.

Ang pinaka makabuluhang gawain mature master isang serye ng pitong pagpipinta na "Pitong Sakramento" (1710s) ang lumitaw - ang pinakamataas na tagumpay ng pagpipinta ng Baroque maagang XVIII siglo (idagdag., Fig. 4). Ang mga ito ay ganap na bagong mga gawa sa espiritu, na minarkahan ang pag-alis mula sa tradisyonal na abstract na interpretasyon ng mga eksena sa relihiyon.

Ang lahat ng mga painting ("Confession", "Baptism", "Marriage", "Communion", "Priesthood", "Confirmation", "Unction") ay pininturahan sa mainit na mapula-pula-kayumanggi na tonality ni Rembrandt. Ang paggamit ng malupit na pag-iilaw ay nagdaragdag ng isang tiyak na emosyonal na tala sa salaysay ng mga sakramento. Ang paleta ng kulay ng artist ay medyo monochrome, ngunit sa parehong oras ay nakakagulat na mayaman. iba't ibang shades at tints ng mga kulay, pinagsama ng isang malambot, minsan parang kumikinang mula sa loob ng chiaroscuro. Binibigyan nito ang lahat ng itinatanghal na mga yugto ng isang ugnayan ng mahiwagang pagpapalagayang-loob sa kung ano ang nangyayari at sa parehong oras ay binibigyang-diin ang plano ni Crespi, na nagsisikap na sabihin ang tungkol sa mga pinakamahalagang yugto ng pag-iral para sa bawat tao noong panahong iyon, na ipinakita sa anyo ng mga eksena. mula sa katotohanan, pagkuha ng katangian ng isang uri ng talinghaga. Bukod dito, ang kuwentong ito ay nakikilala hindi sa didactics na katangian ng Baroque, ngunit sa pamamagitan ng sekular na pagpapatibay.

Halos lahat ng isinulat ng master pagkatapos nito ay nagpapakita ng larawan ng unti-unting pagkupas ng kanyang talento. Parami nang parami, gumagamit siya ng mga pamilyar na cliches, compositional scheme, at academic poses sa kanyang mga painting, na dati niyang iniiwasan. Hindi nakakagulat na sa lalong madaling panahon pagkatapos ng kanyang kamatayan ang trabaho ni Crespi ay mabilis na nakalimutan.

Bilang isang maliwanag at orihinal na master, natuklasan lamang siya noong ikadalawampu siglo. Ngunit sa mga tuntunin ng kalidad, lalim at emosyonal na kayamanan nito, ang pagpipinta ni Crespi, na kumukumpleto sa sining ng ika-17 siglo, sa pinakamahusay na mga pagpapakita nito ay pangalawa, marahil, lamang sa Caravaggio, kung saan nagsimula ang sining ng Italyano sa panahong ito nang napakatalino at makabagong. .

Ang tekstong ito ay isang panimulang fragment. Mula sa libro Sirang buhay, o Magic Horn ni Oberon may-akda Kataev Valentin Petrovich

Painting Mom binili sa akin ng isang bagay tulad ng isang album na unfolded tulad ng isang harmonica, sa zigzags; sa napakakapal nitong karton na mga pahina ay nakalimbag sa pintura ang maraming larawan ng random na nakakalat iba't ibang bagay mga gamit sa bahay: lampara, payong, backpack,

Mula sa aklat na Tamerlane ni Roux Jean-Paul

Pagpipinta Mula sa katotohanan ng paglikha ng Book Academy sa Herat ni Shahrukh at ng kanyang anak, ang pilantropo na si Bai Shungkur (d. 1434), malinaw na sa simula ng ika-15 siglo, isang aklat na isinulat sa eleganteng sulat-kamay na calligraphic, maganda. nakatali at inilarawan sa mga miniature, ay ginamit

Mula sa aklat na Kolyma notebook may-akda Shalamov Varlam

Ang Painting Portrait ay isang ego dispute, isang dispute, Hindi isang reklamo, ngunit isang dialogue. Ang labanan ng dalawang magkaibang katotohanan, ang labanan ng mga brush at linya. Isang batis, kung saan ang mga tula ay mga kulay, Kung saan ang bawat Malyavin ay Chopin, Kung saan ang pagsinta, nang walang takot sa publisidad, Sinira ang pagkabihag ng isang tao. Kung ihahambing sa anumang tanawin, kung saan ang pag-amin ay nasa

Mula sa aklat na Reflections on Writing. Ang aking buhay at ang aking kapanahunan ni Henry Miller

Mula sa aklat na My Life and My Epoch ni Henry Miller

Pagpipinta Mahalagang makabisado ang mga pangunahing kaalaman sa kasanayan, at sa katandaan upang magkaroon ng lakas ng loob at ipinta kung ano ang iginuhit ng mga bata, hindi nabibigatan ng kaalaman. Ang paglalarawan ko sa proseso ng pagpipinta ay may hinahanap ka. Sa palagay ko, ang anumang malikhaing gawa ay katulad nito. Sa musika

Mula sa aklat ni Renoir ni Bonafou Pascal

Ikapitong Kabanata MGA ROWER OF CHATOU, PAINTING OF ITALY Ang kanyang mga kaibigan ay tratuhin si Renoir, na nag-exhibit sa Salon, nang mapagpakumbaba, na hindi siya itinuturing na isang "traidor." Ang katotohanan ay sina Cezanne at Sisley ay "mga taksil", dahil nagpasya silang huwag makibahagi sa ika-apat na eksibisyon ng "mga independiyenteng artista"

Mula sa aklat na Matisse ni Escolier Raymond

PAGHUHUKOM AT PAGPIPINTA Walang anuman, tila, ang pumipigil kay Henri Matisse, na nakatanggap ng klasikal na edukasyon, na matanto ang mga plano ng kanyang ama, at gusto ng kanyang ama na maging abogado siya. Ang pagkakaroon ng madaling nakapasa sa pagsusulit sa Paris noong Oktubre 1887, na nagpapahintulot sa kanya na italaga ang kanyang sarili sa

Mula sa aklat na Churchill na walang kasinungalingan. Bakit sila galit sa kanya? ni Bailey Boris

Churchill at pagpipinta Noong 1969, sinabi ni Clementine kay Martin Gilbert, ang may-akda ng pinakapangunahing talambuhay ni Churchill sa walong tomo (ang unang dalawang tomo ay isinulat ng anak ni Churchill na si Randolph): "Ang kabiguan sa Dardanelles ay pinagmumultuhan si Winston sa buong buhay niya. Pagkaalis

Mula sa aklat na Great Men of the 20th Century may-akda Vulf Vitaly Yakovlevich

Pagpinta

Mula sa aklat na Diary Sheets. Tomo 2 may-akda Roerich Nikolai Konstantinovich

Pagpinta Una sa lahat, naakit ako sa mga pintura. Nagsimula ito sa langis. Ang mga unang kuwadro ay pininturahan nang napakakapal. Walang nag-iisip na maaari mong i-cut nang perpekto sa isang matalim na kutsilyo at makakuha ng isang siksik na ibabaw ng enamel. Kaya naman ang "The Elders Converge" ay lumabas nang napakagaspang at matalas pa. Isang tao sa

Mula sa aklat ni Rachmaninov may-akda Fedyakin Sergey Romanovich

5. Ang pagpipinta at musika na "Island of the Dead" ay isa sa pinakamadilim na gawa ni Rachmaninov. At ang pinakaperpekto. Sisimulan niya itong isulat noong 1908. Magtatapos siya sa simula ng 1909. Noong unang panahon, sa mabagal na paggalaw ng isang hindi natapos na quartet, inaasahan niya ang posibilidad ng naturang musika. mahaba,

Mula sa libro ni Jun. Kalungkutan ng araw may-akda Savitskaya Svetlana

Pagpinta at mga graphics Upang matutong gumuhit, kailangan mo munang matutong makakita. Kahit sino ay maaaring magpinta, parehong camera at isang mobile phone ay maaaring kopyahin, ngunit, tulad ng pinaniniwalaan sa pagpipinta, ang "mukha ng artist" ay mahirap makuha.

Nag-iwan ng marka si Juna sa pagpipinta. Mga painting niya Mula sa aklat na History sining XVII siglo

may-akda Khammatova V.V.

PAGPIPINTA NG SPAIN Ang sining ng Espanya, tulad ng buong kultura ng Espanyol sa kabuuan, ay nakikilala sa pamamagitan ng makabuluhang pagka-orihinal nito, na binubuo sa katotohanan na ang Renaissance sa bansang ito, na halos hindi nakarating sa yugto ng mataas na kaunlaran, ay agad na pumasok sa isang panahon ng paghina at krisis, na

Mula sa aklat ng may-akda

PAGPIPINTA NG SPAIN Ang sining ng Espanya, tulad ng buong kultura ng Espanyol sa kabuuan, ay nakikilala sa pamamagitan ng makabuluhang pagka-orihinal nito, na binubuo sa katotohanan na ang Renaissance sa bansang ito, na halos hindi nakarating sa yugto ng mataas na kaunlaran, ay agad na pumasok sa isang panahon ng paghina at krisis, na

PAGPIPINTA NG FLANDERS Ang sining ng Flemish sa ilang diwa ay matatawag na kakaibang kababalaghan. Hindi kailanman bago sa kasaysayan ay nagkaroon ng isang maliit na bansa sa lugar, na kung saan ay din sa isang umaasa na posisyon, lumikha ng tulad ng isang orihinal at makabuluhang bansa sa sarili nitong karapatan.

PAGPIPINTA NG SPAIN Ang sining ng Espanya, tulad ng buong kultura ng Espanyol sa kabuuan, ay nakikilala sa pamamagitan ng makabuluhang pagka-orihinal nito, na binubuo sa katotohanan na ang Renaissance sa bansang ito, na halos hindi nakarating sa yugto ng mataas na kaunlaran, ay agad na pumasok sa isang panahon ng paghina at krisis, na

PAGPIPINTA NG NETHERLANDS Ginawa ng rebolusyong Dutch ang Holland, sa mga salita ni K. Marx, "sa isang huwarang kapitalistang bansa noong ikalabing pitong siglo." Pananakop ng pambansang kasarinlan, pagkasira ng pyudal na labi, mabilis na pag-unlad ng mga produktibong pwersa at kalakalan PAGPIPINTA NG FRANCE Isang espesyal na lugar sa mga nangunguna sa larangan masining na pagkamalikhain

Sinakop ng France ang mga bansa sa Europa noong ika-17 siglo. Sa dibisyon ng paggawa sa mga pambansang paaralan ng pagpipinta ng Europa sa paglutas ng genre, pampakay, espirituwal at pormal na mga problema, ang bahagi ng France

PANIMULA

Ang ikalabing pitong siglo ay partikular na kahalagahan para sa pagbuo ng mga pambansang kultura ng modernong panahon. Sa panahong ito, ang proseso ng lokalisasyon ng mga malalaking pambansang paaralan ng sining ay nakumpleto, ang pagka-orihinal na kung saan ay natutukoy pareho ng mga kondisyon ng makasaysayang pag-unlad at ang artistikong tradisyon na binuo sa bawat bansa - Italy, Flanders, Holland, Spain at France. Ito ay nagpapahintulot sa amin na isaalang-alang ang ika-17 siglo. bilang isang bagong yugto sa kasaysayan ng sining.

Masining na kultura noong ika-17 siglo. sumasalamin sa pagiging kumplikado ng panahon na naghanda sa tagumpay ng sistemang kapitalista sa mga advanced na bansa sa Europa. Sa mga gawa ng mga artista, ang isang mas holistic at mas malalim na persepsyon ng realidad ay pinagtibay. Ang konsepto ng synthesis ng sining ay tumatanggap ng bagong interpretasyon. Ang ilang uri ng sining, tulad ng mga indibidwal na gawa, ay nawawalan ng paghihiwalay at nagsusumikap na muling magsama-sama sa isa't isa. Organikong kasama ang mga gusali sa espasyo ng isang kalye, parisukat, o parke. Nagiging dynamic ang sculpture at sinasalakay ang arkitektura at espasyo sa hardin. Ang pandekorasyon na pagpipinta ay umaakma sa kung ano ang likas sa interior ng arkitektura na may mga epekto sa spatial-perspective.

Sa matinding pagpapakita, ang sining ng Baroque ay dumating sa hindi makatwiran, sa mistisismo, na nakakaapekto sa imahinasyon at pakiramdam ng manonood na may dramatikong pag-igting at pagpapahayag ng mga anyo. Ang mga kaganapan ay binibigyang kahulugan sa isang napakagandang paraan, mas gusto ng mga artista na ilarawan ang mga eksena ng pagdurusa, lubos na kaligayahan, o panegyric ng mga pagsasamantala at tagumpay.

Ang sining ng klasisismo ay batay sa isang makatwirang prinsipyo. Mula sa pananaw ng klasisismo, maganda lamang ang maayos, makatwiran, at magkakasuwato. Ang mga bayani ng klasisismo ay nagpapailalim sa kanilang mga damdamin sa kontrol ng katwiran sila ay pinigilan at marangal.

Ang mga tampok ng dalawang malalaking istilo na ito ay magkakaugnay sa sining ng isang bansa at maging sa gawain ng isang artista, na nagbubunga ng mga kontradiksyon dito. Kasama ng Baroque at Klasisismo, isang mas direktang makapangyarihang makatotohanang pagmuni-muni ng buhay, na malaya sa mga elementong pangkakanyahan, ang lumitaw sa visual arts. Nabibilang sa ikalabimpitong siglo pinakadakilang masters realismo - Velazquez, Rembrandt, Hals, Caravaggio at iba pa. . .

SINING NG ITALY

Arkitektura

Barromini. Ang irrationality, expressiveness at picturesqueness ng Baroque mahanap ang kanilang matinding expression sa trabaho ni Francesco Barromini (1599 - 1667). Hindi isinasaalang-alang ang lohika ng mga disenyo at ang mga kakayahan ng mga materyales, pinapalitan niya ang mga tuwid na linya at eroplano ng mga hubog, bilugan, at paikot-ikot.

Gamit ang alternating concave at convex lines na nakaayos sa hugis brilyante, gumawa siya ng plano para sa maliit na simbahan ng San Carlo malapit sa apat na fountain sa Roma (1634 - 1667). Ang masalimuot na parang alon na harapan nito, na hinihiwa-hiwalay ng isang dalawang-tier na colonnade, ay pinalamutian ng pandekorasyon na iskultura, malalim na mga niches, at isang oval na pininturahan na panel na sumisira sa cornice at sumisira sa balanse.

Bernini. Tulad ng mga masters ng Renaissance, ang nagtatag ng mature na istilong Baroque, si Lorenzo Bernini (1598 - 1680), ay isang multi-talented na tao. Isang arkitekto, iskultor, pintor, at isang makikinang na dekorador, pangunahin niyang isinasagawa ang mga utos mula sa mga papa at pinamunuan ang opisyal na direksyon ng sining ng Italyano. Isa sa kanyang pinaka-katangiang mga gusali ay ang Simbahan ng Sant'Andrea al Quirinale sa Roma (1653 - 1658).

Ang pinakamalaking gawaing arkitektura ni Bernini ay ang pagkumpleto ng maraming taon ng pagtatayo ng Cathedral of St. Peter's sa Roma at ang disenyo ng parisukat sa harap nito. Itinayo ayon sa kanyang disenyo, dalawang makapangyarihang mga pakpak ng monumental na colonnade ang nagsara sa malawak na espasyo ng parisukat. Ang radiation mula sa pangunahing western facade ng katedral, ang mga colonnade ay unang bumubuo ng isang trapezoid na hugis, at pagkatapos ay nagiging isang malaking hugis-itlog, na binibigyang diin ang espesyal na kadaliang mapakilos ng komposisyon, na idinisenyo upang ayusin ang paggalaw ng mga mass recession. 284 na mga haligi at 80 mga haligi na may taas na 19 m ang bumubuo sa apat na hilera na natatakpan ng colonnade, 96 na malalaking estatwa ang nagpuputong sa attic nito.

Paglililok

Bernini. Sa Katedral ng St. Si Pedro ay mahusay ding gumanap mga gawang eskultura Bernini - altarpiece ng St. Petra na may mga pigura ng mga ama ng simbahan, mga santo at mga anghel, kumikinang na may pagtubog, nakakaakit sa kanyang mabagyong dinamika.

Kasama ng baroque decorative sculpture, si Bernini ay lumilikha ng ilang estatwa at portrait, kung minsan ay lumalampas sa framework ng baroque art. Ang likas na katangian ng kanyang makabagong paghahanap ay ipinakita sa estatwa na "David" (1623, Rome, Borgheso Gallery).

Ang subtlety ng obserbasyon sa buhay ay tumatagos sa huling gawain ni Bernini - ang grupo ng altar na "Ecstasy of St. Teresa" (1644 - 1652, Rome, Church of Santa Maria della Vittoria) na nagsilbing modelo para sa maraming Baroque sculptor hindi lamang sa Italya, kundi maging sa ibang mga bansa.

Pagpinta.

Carvaggio. Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573 - 1610). Kabilang sa mga unang pagpipinta ay "Girl with a Lute" (1595, Leningrad, Hermitage). Nagpatugtog ng musika ang batang babae. Sa mesa sa harap ay isang violin, sheet music, at prutas. Ang lahat ng mga bagay na ito ay pininturahan na may honed na kasanayan sa kanilang siksik na bilog, materyalidad, at tangibility. Ang mukha at pigura ng batang babae ay nililok ng chiaroscuro, ang madilim na background ay binibigyang diin ang kayamanan ng mga light tone na nakausli pasulong, ang objectivity ng lahat ng ipinakita.

Ang komposisyon na "The Calling of Matthew" (1597 - 1601, Rome, Contarelli Chapel sa Church of San Luigi dei Francesi), na naglalarawan sa dalawang kabataang lalaki na naka-istilong kasuotan para sa mga panahong iyon, na tumitingin nang may pagkamausisa sa pagpasok ni Kristo, ay nalutas bilang isang genre scene. Ibinaling ni Matthew ang kanyang tingin kay Kristo, habang ang pangatlong binata, nang hindi itinaas ang kanyang ulo, ay patuloy na nagbibilang ng pera.

Mula sa pagpipinta hanggang sa pagpipinta, ang trahedya na kapangyarihan ng mga imahe ni Caravaggio ay tumataas. Sa “The Entombment” (1604, Rome, Vatican Pinacoteca), sa isang malalim na madilim na background, isang malapit na nagkakaisang grupo ng mga tao na malapit kay Kristo ang namumukod-tanging may maliwanag na liwanag habang ibinababa nila ang kanyang katawan sa libingan.

Bologna Academy. Annibale Carracci. Ang pinaka-talino sa magkakapatid na Carracci ay si Annibale (1560 - 1609), ang may-akda ng isang malaking bilang ng mga imahe ng altar at mga kuwadro na gawa sa mga paksang mitolohiya. Kasama ang kanyang mga kapatid, pininturahan niya ang Palazzo Farnese sa Roma (1597 - 1604).

Pandekorasyon na pagpipinta ng Baroque.

Ang mga kuwadro na gawa ng Pietro da Cortona (1596 - 1669) sa Palazzo Barberini ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang hindi pangkaraniwang ningning at eleganteng maligaya na mga kulay. Si Andrea Pozzo (1642 - 1709) ay gumamit ng masalimuot na pananaw at mga ilusyon na epekto sa mga pintura ng Sant'Ignazio sa Roma.

Kasama ang opisyal na kilusang Baroque, na nangibabaw sa malalaking sentro, sa buong ika-17 siglo. Maraming mga artista ang patuloy na nagtatrabaho sa mga lalawigan, na pinapanatili ang mga tradisyon ng pagiging totoo sa kanilang trabaho. Kabilang sa mga ito, ang Bolognese Giuseppe Maria Cresi (1665 - 1747) ay tumayo para sa espesyal na emosyonal na kayamanan ng kanyang sining, na nagbigay daan para sa pag-unlad ng realismo sa kasunod na panahon.