sining ng Espanyol. Kultura ng musika. Mga mahuhusay na gumaganap na musikero. Ang komposisyong gawa ni I. Albéniz, E. Granados, F. Pedrel,

Manuel de Falla (1876-1946) - isang natatanging kompositor ng Espanyol, kinatawan ng impresyonismo. Malikhaing landas. Vocal cycle "Pitong Kanta ng Kastila". Pagpapatupad ng awiting bayan at intonasyon ng sayaw. Piano at operatic na pagkamalikhain. Aktibidad na kritikal sa musika.

Ang kahalagahan ng gawain ni M. de Falla.

Kultura ng musika at sining ng Hungary. Pagganap ng musika. Bagong operetta school. Ang gawa ni Franz Lehár (1870-1948) at Imre Kalman (1882-1953).

Bela Bartok (1881-1945) – isang natatanging kompositor, pianista, guro. Iba't ibang genre sa kanyang trabaho. Pagproseso ng mga katutubong awit, teoretikal na gawain sa alamat. pagkamalikhain sa Opera. Mga tendensiyang impresyonista at ekspresyonista. Gumagana ang piano. Mga siklo ng mga akda batay sa alamat. "Microcosmos".

panitikan ng Czech at Slovak. Pagganap ng kultura. Musical Science.

Malikhaing landas Leosha Janacek (1854-1928) .

Paglikha Boguslava Martinu (1890-1959) .

§ 15. Amerikanong musikal na kultura ng huling bahagi ng XIX - unang kalahati ng XX siglo

Panitikan. Musika. Ang gawa ng mga performer-composers, mga tagalikha ng mga unang classical jazz opuses. Louis Armstrong, Benny Goodman, Duke Ellington. Ang pinagmulan ng genre ng musika. Ang mga gawa ni Jerome Kern, Richard Rogers, Cole Porter.

Frederick Law at ang kanyang musikal na My Fair Lady.

George Gershwin (1898-1937) . Pamana ng musika. "Rhapsody in Blue", ang natitirang kahalagahan nito sa pagbuo ng mga bagong trend sa American music (jazz symphonization). Iba't ibang genre (blues, swing, ragtime). Ang isang Amerikano sa Paris ay isang napakatalino na orchestral suite. Opera "Porgy at Bess". Ang pagka-orihinal ng operatic dramaturgy. Vocal symphonic na katangian ng mga karakter.

Leonard Bernstein (1918-1990) – kompositor, conductor, pianist, music publicist. Ang musikal na "West Side Story". Isang bagong interpretasyon ng genre.

Ang mga gawa ni Samuel Barber (1910-1981), Aaron Copland (1900-1990), John Cage (1912-1992).

§ 16. Kultura ng musika at sining ng England, France, Italy at Poland sa pagtatapos ng ika-19 - simula ng ika-20 siglo

Mga pambansang kompositor ng Ingles. E. Elgar, R.V. Williams, S. Scott, G. Holst.

Ang gawain ni Benjamin Britten (1913-1976). pagkamalikhain sa Opera. Pagkakaiba-iba ng genre. "War Requiem" Ang orihinalidad ng konsepto ng may-akda. Isang napakagandang komposisyon ng sanaysay. Mga leitmotif, leitrhythms, leitintervals ng Requiem. Tradisyon at pagbabago.

Pranses na sining, panitikan, musika. Mga performer, composers. French "Anim" at ang mga kinatawan nito : Louis Durey (1888-1979), Arthur Honegger (1892-1955), Germaine Taillefer (1892-1983), Darius Milhaud (1892-1974), Francis Poulenc (1899-1963), Jean Cocteau (1899-1963).

Paglikha F. Poulenc . pagkamalikhain sa Opera. Monodrama "Ang Tinig ng Tao". Dramaturhiya sa musika. Iba pang mga sulatin.

Ang grupong Young France at ang mga kinatawan nito : Andre Jolivet (1905-1974), Olivier Messiaen (1908-1992).

Pag-unlad ng sining, panitikan, agham ng musika sa Italya. Pag-aaral ng awit at sayaw na alamat. Ang mga gawa ni Ottorino Respighi (1879-1936), Ildebrando Pizzetti (1880-1968), Gian Francesco Malipiero (1882-1973), Alfredo Casella (1883-1974).

Sining sa musika. Creative Association of Composers "Young Poland". Pagkamalikhain, K. Szymanowski, V. Lutosłowski, M. Karlovich.

Krzysztof Penderecki (b. 1933) – isang kilalang kinatawan ng Polish musical avant-garde. Ang pagkakaiba-iba ng genre ng pagkamalikhain.

"Luke Passion" - isang monumental na gawaing oratorio. Dramaturhiya sa musika. Serial-intonation logic ng pagbuo ng mga musikal na imahe, ang prinsipyo ng pag-install ng magkakaibang mga layer.

Kasunduan sa paggamit ng mga materyales sa site

Hinihiling namin sa iyo na gamitin ang mga gawa na nai-publish sa site na eksklusibo para sa mga personal na layunin. Ipinagbabawal ang pag-publish ng mga materyales sa ibang mga site.
Ang gawaing ito (at lahat ng iba pa) ay ganap na magagamit para sa pag-download nang walang bayad. Maaari mong pasalamatan ang may-akda nito at ang pangkat ng site.

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga mag-aaral, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Mga katulad na dokumento

Ang gumaganap na hitsura ng kompositor na si A.N. Scriabin, pagsusuri ng ilang katangian ng kanyang piano technique. Scriabin ang kompositor: periodization ng pagkamalikhain. Ang matalinhaga at emosyonal na mga globo ng musika ni Scriabin at ang kanilang mga tampok, ang pangunahing katangian ng kanyang istilo.

master's thesis, idinagdag noong 08/24/2013


cheat sheet, idinagdag noong 11/13/2009


Ang pagkabata at kabataan ni Rimsky-Korsakov, kakilala kay Balakirev, serbisyo sa Almaz. Ang mga gawa ng kompositor: ang musikal na pelikulang "Sadko", ang mga symphonic suite na "Antar" at "Scheherazade". Mga overture, symphonic suite mula sa mga opera at mga transkripsyon ng mga eksena sa opera.

course work, idinagdag 05/08/2012


Mga tampok ng musikang Ruso noong ika-18 siglo. Ang Baroque ay isang panahon kung kailan ang mga ideya tungkol sa kung anong musika ang dapat magkaroon ng kanilang anyo ay hindi nawala ang kanilang kaugnayan ngayon. Mahusay na mga kinatawan at mga musikal na gawa ng panahon ng Baroque.

abstract, idinagdag noong 01/14/2010


Maikling impormasyon tungkol sa buhay at gawain ng makikinang na Polish na kompositor at pianista na si Fryderyk Chopin. Makabagong synthesis bilang isang katangian ng kanyang musikal na wika. Mga genre at anyo pagiging malikhain ng piano Chopin, ang kanilang mga katangian.

abstract, idinagdag noong 11/21/2014


Pag-aaral sa landas ng buhay at gawain ng kompositor at pianista na si F. Chopin. Isang piano performance ng Chopin na pinagsasama ang lalim at katapatan ng mga damdamin na may biyaya at teknikal na pagiging perpekto. Artistic na aktibidad, musical heritage. Museo ng F. Chopin.

pagtatanghal, idinagdag noong 02/03/2011


Kultura ng kanta ng Russia noong ika-19 na siglo. Paaralan ng mga kompositor ng Russia: Mikhail Ivanovich Glinka; Alexander Sergeevich Dargomyzhsky; Peter Ilyich Tchaikovsky. Ang "Mighty Handful" partnership ay isang natatanging phenomenon ng Russian music. Kultura ng musikal ng Russia noong unang bahagi ng ika-20 siglo.

Ang nilalaman ng artikulo

WESTERN EUROPEAN MUSIC. Ang musikang Kanlurang Europa ay tumutukoy sa kulturang pangmusika ng Europa - ang tagapagmana ng mga kultura ng Sinaunang Gresya, Sinaunang Roma at Imperyong Romano, na ang pagbagsak sa kanluran at silangang bahagi ay naganap noong ika-4 na siglo.

Umunlad din ang mga kultura alinsunod sa kultura ng Kanlurang Europa ng Silangang Europa at America. Ang kulturang musikal ng Russia, na nagpapakita ng maraming mga tampok na katulad ng musika ng Europa, ay, bilang isang patakaran, ay isinasaalang-alang nang nakapag-iisa. Ang kultura ng sinaunang Griyego ay nagpataba sa Kanluran at Silangan. Ngunit ang Sinaunang Silangan (Egypt, Babylon, Media, Parthia, Sogdiana, Kushans, atbp.) ay may kapansin-pansing impluwensya sa pag-unlad ng musika ng Europa. Sa Middle Ages, iba't-ibang mga Instrumentong pangmusika, ang mga bagong ritmo at sayaw ay lumaganap mula sa timog ng Europa hanggang sa hilaga, at ang Muslim na Espanya ay ang konduktor ng mga Arabong musikal at mga tradisyong pampanitikan. Nang maglaon, ang mga Ottoman Turks ay naging tagapagdala ng propesyonalismo sa musika ng sibilisasyong Islam, na sa sarili nitong paraan ay nagparami ng yaman ng kulturang musikal ng mga tao sa Malapit at Gitnang Silangan na minana mula noong unang panahon.

Ang mga tampok na katangian nito ay Western European Ang kultura ng musika ay umusbong sa Middle Ages. Sa oras na iyon, ang mga propesyonal na tradisyon ng musika ay nabuo sa loob ng balangkas ng simbahang Kristiyano, at sa mga kastilyo ng mga aristokrata, at sa mga kabalyero, at sa pagsasanay ng mga musikero ng lungsod. Sa loob ng maraming siglo ang mga tradisyong ito ay monophonic, at sa panahon lamang ng mature na Middle Ages polyphony at musikal na pagsulat ay lumitaw, isang pinag-isang sistema ng mga mode at ritmo ng simbahan ay ipinanganak, at ang mga instrumentong pangmusika ng Europa (organ, harpsichord, violin) ay umabot sa pagiging perpekto. Pagkatapos ng Renaissance, ang musika ay naging mas malaya, na naghihiwalay sa sarili mula sa mga teksto (liturgical, pampanitikan at patula). Ang indibidwal na katalinuhan ay lubos na pinahahalagahan, ang mga bagong musikal na genre ng sekular na nilalaman (opera) at mga anyo ng instrumental na musika ay ipinanganak, at ang mga ideya tungkol sa isang naitala na musikal na "trabaho" (komposisyon) at ang gawa ng isang kompositor ay lumitaw. Mula noong ika-17 siglo. Ang pag-indibidwal ng proseso ng malikhaing tumitindi - kapwa sa pagbubuo ng musika at sa craft ng paggawa ng mga instrumentong pangmusika, at sa paglaon sa sining ng pagtatanghal. Ang kultura ng musikal sa korte at lungsod ay mas masinsinang umuunlad kaysa sa kultura ng simbahan. Ang mga mode ng simbahan at ang pamamaraan ng polyphony sa anyo kung saan binuo ito ng simbahan (polyphony) ay nagbibigay-daan sa mga bagong mode (major at minor) at ang homophonic-harmonic na prinsipyo ng pagsasama-sama ng mga boses.

Ang mga bagong proseso na nabuo pagkatapos ng ika-17 siglo ay patuloy na naghahayag ng isang karaniwang musikal na "wika" na "sinasalita" ng mga musikero, anuman ang bahagi ng mundo ng Europa na kanilang tinitirhan. Ang musikal na "fashion" na lumitaw sa Italy, France, at Germany ay nagpakalat ng parehong aesthetic na mga ideya tungkol sa musika at mga pamamaraan ng paglikha nito, na tumutukoy sa pagka-orihinal ng estilo ng musikal (mga pamantayan, wikang musikal) ng isang partikular na makasaysayang panahon. Ang mga hangganan ng mga istilong ito, sa kabila ng pagkakaiba-iba ng mga malikhaing larawan ng mga musikero, ay malinaw na nakikilala at nabuo ang parehong mga estilistang pundasyon (baroque, classicism, romanticism, expressionism, impressionism, atbp.) tulad ng sa panitikan, arkitektura, at pinong sining ng kaukulang mga panahon.

Bilang resulta ng patuloy na pagbabago ng mga istilo ng musikal bilang ilang "mga diskarte" ng pagbubuo ng musika, nagbago ang mga semantika, nabuksan ang iba't ibang aspeto ng kakayahang ipahayag ang dinamika, asal, rational-matematika, at sikolohikal na kakayahan ng isang tao. Ang pangangailangan ng mga Europeo na lumikha ng isang bagong bagay sa larangan ng musika, hindi tulad ng nauna, ay humantong sa iba't ibang mga indibidwal na estilo ng mga kompositor, at mula sa ika-20 siglo. - sa isang banda, sa "compilative" na paraan ng pagkamalikhain, gamit ang mga kilalang pamamaraan upang lumikha ng isang bagong gawaing musikal, at sa kabilang banda, sa kumpletong pagtanggi sa lahat ng kilalang mga pamantayang pangkakanyahan sa larangan ng paglikha at pagganap ng musika, sa eksperimentong pagkamalikhain (avant-garde), sa paghahanap ng bagong bagay sa mga materyales na may kaugnayan sa mga modernong ideya tungkol sa musika (ingay at tiyak na mga tunog ng kapaligiran), at sa mga bagong elektronikong instrumental na tunog, sa mga teknikal na pamamaraan ng pagproseso ng anumang uri ng tunog (sa mga synthesizer, mga tape, computer), sa pagtanggi sa mga paraan ng pag-aayos ng isang musikal na gawain sa papel gamit ang sistema ng notasyon ng musika.

MUSIKA NG MIDDLE AGES.

Sa paglipas ng mahabang panahon, isang bagong uri ng kultura ang nabuo sa Kanlurang Europa, kung saan ang kulto (simbahan), knightly (aristocratic) at burgher (urban) na mga tradisyon ay nakikilala. Ang kanilang pagiging tiyak at pakikipag-ugnayan ay nag-ambag sa pagbuo ng mga natatanging katangian ng kulturang musikal ng Kanlurang Europa.

Musika ng Simbahang Katoliko sa Maagang Middle Ages (ika-4–10 siglo).

Ang musika ng Kanlurang Europa ay una sa lahat ay nabuo ang mga propesyonal na tampok nito sa dibdib ng pagsasagawa ng simbahang Kristiyanong Katoliko, na nagsimulang ipakita ang pagiging tiyak nito simula noong ika-4 na siglo. Ang mga monasteryo ay mga sentro ng pag-aaral at propesyonalismo sa musika. Ang musika ng pagsamba ay nakikilala sa pamamagitan ng likas na katangian ng detatsment mula sa lahat ng walang kabuluhan, pagpapakumbaba at paglulubog sa panalangin. Kung sa pinakaunang mga pamayanang Kristiyano ay umawit ang lahat, pagkatapos ng Konseho ng Laodicea (364) ang mga propesyonal na mang-aawit lamang ang nagsimulang kumanta sa simbahan.

Gregorian chant.

Ang mga pinagmulan ng musikal na liturhiya ng uri ng Kristiyano ay makikita sa mga sinaunang awit ng Egypt, Judea, at Syria. Para sa klero, ang awtoridad sa larangan ng musika ay ang sinaunang Judiong haring si David. Siya ay madalas na lumitaw sa Middle Ages: alinman sa isang alamat sa Bibliya, nagpapalayas ng mga demonyo mula kay Haring Saul sa kanyang pagtugtog sa isang instrumentong pangmusika, o itinatanghal na tumutugtog ng iba't ibang mga instrumento (salterya, alpa, mga kampana). Gayunpaman, ang simbahan ay bumuo ng mga bagong tradisyon sa musika batay sa pag-awit ng mga sagradong teksto: "Si David ay umawit sa mga salmo, at kami ay umaawit kasama ni David hanggang sa araw na ito. Gumamit si David ng cithara, ang mga kuwerdas nito ay walang buhay, ngunit ang simbahan ay gumagamit ng cithara na may buhay na mga kuwerdas; ang ating mga dila ay mga tali: naghahayag sila ng iba't ibang tunog, ngunit isang pag-ibig” (mula sa pagbabawal ng simbahan ng Konsilyo ng Laodicea).

Ang pag-awit, na naging batayan ng Kristiyanong pagsamba, ay nanatiling monophonic sa mahabang panahon. Sa karamihan ng mga simbahan, ito ay isinagawa ayon sa uri ng salmo, na katulad ng isang pagbigkas: isang maliit na hanay at halos hindi binibigkas na mga salita ng teksto ay inaawit ng isang tao, at ang mga sumasamba ay tumugon sa parehong monotonous na pagbigkas. Nangibabaw ang teksto sa musika, na sumunod sa ritmo ng mga salita, at ang melodic na intonasyon ay hindi dapat makagambala sa kahulugan ng teksto. Noong ika-5–7 siglo. Mayroong iba't ibang mga monastikong tradisyon na binuo parallel sa Romano. Sa Lyon, Britain at hilagang Italya, lumitaw ang pag-awit ng Gallican, sa Espanya (Toledo), na nasa ilalim ng impluwensya ng kulturang Arab-Muslim, pag-awit ng Mozarabic. Mula ika-5–6 na siglo. Sa Italya, naging kaugalian na magsagawa ng mga sagradong teksto sa paraan ng pag-awit ng mga himno, na nakikilala sa pamamagitan ng vocal chant at melody. Ang lumikha ng ganitong uri ng pag-awit ay si Bishop Ambrose sa Milan, na gumamit ng tula sa anyo ng sinaunang Romanong tula (Ambrosian chant).

Sa pagpapalakas ng institusyon ng kapapahan, ang mga espirituwal na awtoridad ay pumili ng mga himig ng ritwal at isinagawa ang kanilang kanonisasyon. Mula sa ika-6 na siglo Isang paaralan ng pag-awit (Schola cantorum) ang itinatag sa Roma. Sa paglitaw ng Gregorian na uri ng pag-awit, nagkaroon ng pag-iisa ng tradisyon ng pag-awit ng simbahan, ang lumikha nito ay si Pope Gregory I. Nag-compile siya ng isang malaking hanay ng mga awit (antiphonary), na kinabibilangan ng maraming lokal na himig. Ang pangunahing bahagi ng mga pag-awit ay binubuo ng "gumagalaw" na bahagi ng mga serbisyo sa simbahan: ang paunang salmo, ang salmo para sa isang partikular na araw ng taon, panalangin sa panahon ng komunyon, atbp. Mahigpit, walang pagnanasa at matinding chorales, kung saan ang himig ay pinailalim. sa ritmo ng mga salita, ay pinili para sa mga banal na serbisyo. Ang mga teksto (Luma at Bagong Tipan) ay inaawit lamang sa Latin sa anyo ng monody - single-voice male singing, alinman sa choir (in unison) o ng isang mang-aawit. Ang tanging instrumentong pangmusika na nagsimulang marinig sa simbahan mula noong 660, kasama ang pag-awit, ay ang organ, na ipinakilala ni Pope Vitalian. Mula sa Silangan, ang organ ay karaniwan sa pang-araw-araw na buhay, ngunit binigyan ito ng simbahan ng katayuan ng isang "banal na instrumentong pangmusika" at pinahusay ang disenyo nito hanggang sa ika-17 siglo, na nagtatayo ng malalaking organo kasama ng pagtatayo ng simbahan at pagbuo ng pamamaraan. ng pagtugtog ng instrumentong ito.

Ang monotonous na psalmodic na pag-awit ay walang ritmo (isang prosaic na teksto ang inaawit). Ang melody ay maayos na tumaas pataas sa mas mataas na tono, nanatili doon at bumaba sa orihinal na antas. Ang mga teksto at melodies ay nakapaloob sa mga espesyal na libro at na-update. Ang hanay ng mga pangunahing mode-melodies, na nagbibigay-diin sa espirituwal na istraktura ng ritwal ng panalangin, ay limitado sa walo. Binubuo nila ang istruktura ng mga Octoechos - isang sistema ng walong mga paraan ng simbahan na nangibabaw sa pagsasanay ng mga mang-aawit at sa teorya ng musika. Inireseta ng mga medieval theorists ang bawat mode ng sarili nitong emosyonal na istraktura: 1 – kadaliang kumilos, kagalingan ng kamay; 2 – kaseryosohan at nakalulungkot na kataimtiman; 3 – kaguluhan, impetuosity, galit at kalubhaan; 4 – kalmado at kaaya-aya, madaldal at pambobola; 5 – kagalakan, katahimikan at saya; 6 – kalungkutan, nakakaantig at pagsinta; 7 - kagaanan ng kabataan, kasiyahan; 8 – senile seriousness, kamahalan.

Sa hanay ng mga awiting Gregorian, mayroong mga awit na naiiba sa pang-araw-araw na mga awit at bumubuo ng isang espesyal na uri ng paglilingkod - ang misa. Ito ay isang cycle ng mga chants sa okasyon ng pangunahing liturgical holidays mula sa 5-6 na mga seksyon. Ang bawat isa ay pinangalanan ayon sa mga unang salita ng teksto: Kyrie eleison (Panginoon maawa ka); Gloria… (Gloria); Credo… (Naniniwala ako sa iisang Diyos); Sanctus… At Benedictus (Banal ang Panginoong Diyos ng mga Hukbo); (Mapalad ang dumarating sa pangalan ng Diyos); Agnus Dei... (Kordero ng Diyos na nag-aalis ng mga kasalanan ng sanlibutan).

Ang pagsilang ng polyphony.

Noong ika-9 na siglo sa mga sentro ng "pag-aaral ng musika" (ang monasteryo ng St. Gallen, ang mga katedral ng Reims, Lüttich, Chartres, atbp.), kung saan mayroong mahusay na mga puwersa sa pag-awit, lumitaw ang mga bagong uri ng monophonic Gregorian chant, na humantong sa paglitaw ng polyphony sa simbahan. Hanggang sa ika-12–13 siglo. Dalawang boses ang nangingibabaw (diaphony). Ang himig ng Gregorian chant mismo ay hindi nagbago. Ito ay tumunog bilang isang sumusuportang boses, na tinatanggap ang mga pangalan na "even tune" (cantus planus), "strong tune" (cantus firmus). Walang mga boses na awit sa mga chorales ang mga tono ng himig ay pumalit sa bawat isa sa bawat bagong pantig (syllabic chant). Sa paglipas ng panahon, ang pagganap ng chorale ay napuno ng mga inobasyon: sa mga lugar kung saan ang koro ay humalili sa solong pag-awit, isang mas makulay na himig ay nagsimulang lumitaw. Mas madalas na nangyari ito kapag ang bawat saknong ng teksto ay pinangungunahan ng isang uri ng melodic refrain (antiphon), at kapag sa dulo ng teksto, kapag umaawit ng mga tandang (gaya ng “Hallelujah!”), espesyal na pinalamutian na melodic device (melismas) at may mga pinalamutian na awit (anibersaryo). Ganito umusbong ang istilo ng melismatic singing. Sa mga serbisyo, bilang karagdagan sa pangunahing chorale, ang mga karagdagang teksto na may rhyme ay nagsimulang gumanap - sa mga espesyal na himig (mga pagkakasunud-sunod, trope). Nagpatunog sila sa Pasko at Pasko ng Pagkabuhay. Pagkatapos ay nagsimulang magpakita ang pagkamalikhain ng may-akda (Notker Zaika at Totilon - mga monghe ng monasteryo sa St. Galen) at ang talento sa pag-arte ng mga monghe, na nagsimulang bumuo at kumilos ng mga yugto mula sa Ebanghelyo hanggang sa musika (ang pagsamba sa mga pastol. , mga regalo sa sanggol na si Hesus, nagdadalamhati sa mga sanggol na pinatay sa utos ni Herodes, atbp.). Isang kakaibang genre ng liturgical drama ang lumitaw, na maghahayag ng sarili nito mamaya sa oratorio. Ang pagpapakilala ng magkakaibang musikal at patula na materyal ay nagpayaman sa Gregorian na awit at nakakaakit ng mga mananampalataya, ngunit ito ay nanatiling mahalagang monophonic.

Ang mga unang hakbang sa pagbuo ng polyphony ay tulad ng pag-awit, kapag ang mga tono ng chorale melody ay nadoble ng isa pang boses na kasama ng chorale (organum). Ang bawat tono (tala) ay umawit lamang ng isang pantig, at ang pag-awit na may mga tono ng pantig ay "pinakapal" ang choral melody nang patayo, ngunit ang melody mismo ay lumipat sa isang direksyon. Dito naging mahalaga ang artistic at acoustic effect na nilikha sa simbahan sa pamamagitan ng tunog ng mga boses sa iba't ibang rehistro. Ginawang posible na suriin ang kalidad ng kumbinasyon ng mga tono nang patayo (hindi sa himig, ngunit sa pagkakatugma) - bilang euphonious (consonance) at dissonant (dissonance). Sa lugar ng Katolikong katedral, isang espesyal na resonance ang nakamit, ang "echo" na epekto ay pinahusay, na pinadali hindi ng lahat ng mga agwat na lumitaw sa magkasanib na pag-awit, ngunit pangunahin ng mga napagtanto bilang parehong tono (perpekto): octaves, fifths at fourths. Sa paglipas ng panahon, ang tunog ng parehong mga tinig ay magiging mas mababa parallel, i.e. mas malaya sa mga direksyon ng melodic na paggalaw: ang dalawang magkasabay na tunog ay maghihiwalay, pagkatapos ay magsasama, o magkrus. Ang maagang uri ng polyphony na ito ay sumasakop sa halos lahat ng Europa, kabilang ang England. Ang Organum ay ang nangungunang genre ng polyphonic music ng Middle Ages.

Musika sa panahon ng mature na Middle Ages.

Noong ika-11–12 siglo. (ang panahon ng Saint-Martial), isang espesyal na istilo ng dalawang boses na pagkanta na lumaganap, na nagmula sa southern French monastery sa Limoges at sa hilagang Spanish monastery ng Santiago de Compostela. Dito umusbong ang melismatics - pinalamutian ang pangunahing tono ng isang chorale na may independiyente at mas mobile na melody. Sa ilang mga lugar, ang soloista, habang ang ibang mga mang-aawit ay gumaganap ng isang iginuhit na pantig, ay nagpakilala ng kanyang sariling awit ng pantig na ito (mula tatlo hanggang sampung tono). Ang estilo ng melismatic ay nakagambala sa paralelismo ng dalawang boses na tunog " tala-para-tala"at lumikha ng mga kondisyon para sa isang pakiramdam ng kalayaan ng parehong mga boses. Sa ngayon, natanggap nito ang pangalang "Gothic" polyphony, dahil ito ang pinakatuktok sa pag-unlad ng Gregorianism. Sa ilalim ng impluwensya ng nabuong polyphony (polyphony), ang Gregorian chant ay mauubos ang sarili nito sa panahon ng mature Middle Ages.

Teorya ng musika. Notasyon.

Ang pagbuo ng teorya ng musika sa Kanlurang Europa ay isinagawa sa loob ng balangkas ng iskolarship ng simbahan. Ang pagmamana ng mga tradisyon ng mga sinaunang Griyego, ang mga pilosopo ay isinasaalang-alang ang musika sa sistema ng pitong "liberal arts", kung saan ito ay kasama ng arithmetic, geometry at astronomy (bilang bahagi ng "quadrium"). Kasunod ng pilosopong Romano na si Boethius, higit sa lahat ay mayroong tatlong uri ng musika: musika sa mundo - ang paggalaw ng mga celestial na globo, tao - ang kumbinasyon ng mga boses ng tao, instrumental - ang pagpapakita ng mga pattern ng numero. Ang kaalaman sa musika, batay sa pag-unawa sa mga batas ng kagandahan ng bilang at mga sukat, ay pinahahalagahan sa itaas ng pagsasanay: "Ang isang musikero ay isa na nakakuha ng kaalaman sa agham ng pag-awit hindi sa pamamagitan ng pagkaalipin sa praktikal na landas, ngunit sa pamamagitan ng dahilan sa pamamagitan ng mga hinuha. ” (Boethius) Gayunpaman, ang praktikal na pag-unlad ng musika ay "itinuwid" ang teorya, na, pagkatapos ng Renaissance, ay binuo sa direksyon ng mga indibidwal na musikal na mga wika, mga estilo, mga diskarte sa pagganap at pagpapabuti ng mga instrumento, sa paglilinaw ng mga termino ng musika at mga interpretasyon ng may-akda ng mga musikal na wika.

Ang pagtitiyak ng kulturang musikal ng Kanlurang Europa ay nauugnay sa paglitaw ng notasyong pangmusika, na may utang sa pagsilang nito sa kasanayang pangmusika ng simbahan. Ang pagtatanghal ng ensemble ng musika ay hindi maaaring masiyahan sa loob lamang ng nakasulat na tekstong pandiwang. Ang memorya ng mga mang-aawit, na nagsaulo ng ilang "tono" (modal melodies) na angkop para sa ilang mga teolohikong teksto, ay labis na kargado. Ginamit ang notasyon ng liham, na kilala pareho sa Sinaunang Greece at sa mundo ng Islam, ngunit nangangailangan ito ng mga tiyak na indikasyon ng kurso ng melodic development at ang ritmo ng chant.

Hanggang sa ika-11 siglo gumamit ang mga mang-aawit ng mga espesyal na icon (neumas), na inilagay sa itaas ng mga salita ng teksto. Ang di-numerical na pagsulat ay hindi nagtala ng ritmo, ngunit ang relatibong pitch lamang ng mga tono at direksyon ng melody.

Ang mga musikal na teoretikal na gawa ng mga Arabo (Al-Farabi), na isinalin sa Latin sa Muslim na Espanya, ay naging pinagmulan ng maraming mga inobasyon sa musika ng Kanlurang Europa. Kasabay ng pagsasanay ng pagtugtog ng "lute" na nagmula sa mga Arabo (ang dinaglat, walang artikulo, pangalang Arabe na "al-ud" - "laud", "lut"), ang mga Europeo ay hihiram mula sa Eastern treatises ang anyo ng pag-record ng musika : ang balangkas ng apat (mamaya - limang) oud na mga string na nagpapahiwatig ng mga tono sa mga titik na Arabe kung saan ang mga ito ay pinindot gamit ang mga daliri (tablature). Ang mga musikero ng simbahan ay gumuhit din ng mga linya upang ipahiwatig ang iba't ibang mga posisyon ng pitch ng mga tono, ngunit ang bilang ng mga linya ay umabot ng hanggang 18, na nagbibigay ng buong hanay ng pag-awit. Mga pangunahing kaalaman sa modernong musikal na notasyon ay nilikha ng pinuno ng kapilya ng pag-awit, si Guido ng Arezzo (c. 995–1050), na nagpapakilala ng isang sistema ng apat na linya ng musika (staff) na may mga pagtatalaga ng titik ng mga tono. Ang reporma ni Guido ay nakaapekto rin sa teorya ng musika; inilapit niya ang tradisyon ng pagsulat ng mga treatise tungkol sa musika sa "teknikal" ng paglikha ng musika, tinatanggihan ang "pagpilosopo" tungkol sa musika (sa diwa ni Boethius). Responsable din si Guido sa pagpapakilala ng mga sikat na pangalan ng European tone: do-re-mi-fa-sol-la-si. Ayon sa isang bersyon, nauugnay ang mga ito sa mga titik ng alpabetong Latin at lumitaw bilang isang paraan ng pag-awit ng mga tono (solmization) nang walang tekstong pandiwang sa isang Latin na rhyme na espesyal na imbento ni Guido. Ayon sa isa pang bersyon, ang mga pangalan ng mga tono ng Europa ay hiniram mula sa mga Arabo at tumutugma sa mga pangalan ng mga titik sa alpabetong Arabe: dal-ra-mim-fa-sad-lam-sin. ()

Maagang polyphony (polyphony).

Sa gawain ng mga musikero (Leonina, ika-2 kalahati ng ika-12 siglo, at Perotina, ika-12–13 siglo), na nagsilbi sa Singing School ng Chapel ng Notre Dame Cathedral sa Paris, isang bagong uri ng polyphony ang nabubuo. Mula noong ika-12 siglo Ang estilo ng paaralang Notre Dame ay nakikilala sa pamamagitan ng mga katangiang katangian: ang hitsura ng tatlo at apat na tinig, ang melodic mobility ng upper voice (treble), ang kalayaan at kaibahan ng mga karagdagang tinig na may kaugnayan sa chorale, ang pagbabago ng chorale melody sa isang nasusukat na background ng tunog - isang tinig na matagal. Ang pagkakatugma ng tunog ng musika ay nakamit ngayon hindi sa pamamagitan ng mga text caesuras, ngunit sa pamamagitan ng pag-uulit ng melodic chants at rhythmic phrases. Sa mga gawa ni Perotin, na pinangalanang "The Great," nabuo ang isang sistema ng mga musikal na ritmikong mode na independiyente sa teksto (mayroong 6 sa kanila, mamaya 8) at isang bagong diskarte sa pag-unlad (canon, imitasyon) ay lilitaw, batay sa pag-uulit ng parehong himig sa ibang boses. Ang mga prinsipyo ng polyphony ng Notre Dame school, batay hindi lamang sa patayo, kundi pati na rin sa linear na paggalaw ng mga boses, ay kumakalat sa lahat ng dako. Ang kabagalan ng ritwal ng simbahan, na ipinahayag sa tunog ng chorale, ay nagsimulang pinagsama sa makulay ng melodic fantasy.

Sekular na musikal na tradisyon sa Middle Ages.

Sa loob ng mahabang panahon, ang sekular na musikal na pagkamalikhain ay nasa labas ng propesyonal na globo. Ang pagbuo nito ay pinadali ng pagbuo ng korte (knightly) na mga tradisyon sa kultura ng Europa, ang kanilang pakikipag-ugnayan sa musikal na kultura ng mga burghers, sa katutubong kultura ng medyebal na lungsod. Bumalik noong ika-9 na siglo. (panahon ng Carolingian) isang "akademya ng palasyo" ang inorganisa (itinulad sa sinaunang isa), kung saan ginanap ang mga alitan sa siyensya at ginanap ang mga kumpetisyon ng mga makata at musikero. Sa pagdating ng mga bagong sentro ng kultura (unibersidad), kasama ang malalaking katedral, kung saan mayroong mga paaralan para sa pagsasanay ng mga mang-aawit, ang pag-aaral ay puro hindi lamang sa mga bilog ng mga klero, kundi pati na rin sa mga bilog ng napaliwanagan na maharlika.

Trouvères at troubadours.

Ang ideolohiya ng chivalry ay may mahalagang papel sa pagbuo ng mga sekular na tradisyong musikal. Ang mga Krusada sa Silangan at kakilala sa kultura ng korte ng Arab (Islamic) - solong pag-awit ng mga binubuong tula sa saliw ng oud, na umunlad sa Muslim na Espanya, pinalawak ang pananaw sa mundo ng mga kabalyero, nag-ambag sa pagbuo ng mga pamantayan ng "mapayapa. ” pag-uugali at isang code ng karangalan. Ang espesyal na katangian ng pag-uusap ng kabalyero sa "magandang babae", tapat na serbisyo sa kanya at ang mga mithiin ng magalang na pag-ibig, na binuo noong ika-11–12 na siglo. sa musikal at patula na pagkamalikhain ng mga troubadours at trouvères (gaya ng tawag sa mga troubadours sa hilaga) - ang mga unang halimbawa ng sekular na tula na may musikang naitala sa pagsulat. Ang paglikha ng mga tula na may pag-awit na lumuluwalhati sa Magandang Ginang ay hinihiling ng naliwanagang maharlika. Sa mga kastilyo at sa mga sosyal na pagdiriwang, ang kabalyero ay naging isang "magiliw na mahilig sa mga anting-anting na babae." Ang Provençal troubadours ay nagsulat ng tula hindi sa sinasalitang wika, ngunit sa sopistikadong "koine".

Ang mga pangalan ng maraming troubadours at trouvères ay nagpapahiwatig na sila ay nagmula sa iba't ibang strata ng lipunan: Guillaume VII, Count of Poitiers, Duke of Aquitaine; Bilang ng Angoulême; ang kaawa-awang Gascon Marcabrun, na nagsilbi sa Catalan court, Bernart de Ventadorn; Bertrand de Born. Peire Vidal - malawak at mabilis ang dila, nagsilbi sa hukuman ng hari ng Hungarian, siya at si Girouat de Borneil ay malapit sa mga pinuno ng Barcelona; Si Guiraut Riquier ay nagsilbi sa parehong korte sa loob ng maraming taon, na ang mga melodies (48) ay napanatili nang pinakamahusay sa lahat; Folke of Marseilles, mula sa pamilya ng isang mayamang Genoese merchant, at Goselm Fedi, na nawalan ng kayamanan at naging juggler. Noong ika-12 siglo Naging matagumpay ang mga Troubadours sa Castilian court sa hilagang Spain. Karamihan sa mga Trouvère ay nagmula sa Arras (hilaga ng Laura). Sa mga Trouvères mayroong maraming walang pamagat na taong-bayan at mga knight-errant (Jean de Brienne) at mga kalahok sa mga krusada (Guillaume de Ferrieres, Bouchard de Marly). Sikat si Canon de Bethune, ang anak ng isang bilang, ang may-akda ng maraming kanta tungkol sa mga Krusada; isang mahirap na juggler, ngunit isang edukado at banayad na makata, si Colin Muset, gayundin si Thibault, Count of Champagne, King of Navarre (59 melodies ang nakaligtas).

Sa sining ng troubadours at trouvères, mga genre ng katangian: alba (awit ng bukang-liwayway), serventa (awit mula sa pananaw ng kabalyero), ballad, rondo, canzone, dialogue songs, march songs ng crusaders, laments (sa pagkamatay ni Richard the Lionheart). Ang mga liriko ng mga kanta na nagpapahayag ng "malambot" na damdamin ay strophic, ang melody ay binubuo para sa isang saknong at paulit-ulit sa isang bago. Ang anyo ay karaniwang iba-iba - kung minsan ay may mga pag-uulit ng mga seksyon, mga refrain, kung minsan nang wala ang mga ito, ang mga parirala ay malinaw na nahahati at nakikilala sa pamamagitan ng sayaw. Ang koneksyon sa pagitan ng himig at ng taludtod ay ipinakita sa ritmo, dahil ang melody ay "magkasya" sa isa sa anim na ritmikong mode ("mga pattern") - "artipisyal" na mga ritmikong figure.

Noong ika-12–13 siglo, ang gawain ng mga troubadours ay dumating sa Alemanya, ang mga teksto mula sa Pranses ay isinalin sa Aleman, at ang kanilang sariling mga tula ay lumilitaw sa mga kilalang himig. Dito ang mga makata-mang-aawit ay tinatawag na minnesingers. Umunlad ang Minnesang sa mga korte - imperyal, ducal (Vienna), landgrave (Thuringia), Czech royal (Prague), kung saan ginanap ang mga kumpetisyon sa pag-awit. Ang pinakamalaking kinatawan ng Minnesang noong ika-12–15 na siglo: Dietmar von Aist, Walter von der Vogelweide, Nidgart von Rowenthal, Oswald von Wolkenstein. Si Oswald von Wohl, ang may-ari ng kastilyo ng pamilya, ay isang lalaking ikakasal, isang pilgrim, isang kusinero, at isang minnesinger knight. Si Henry ng Meissen ay binansagang "Frauenlob" ("Praiser of Women"). Si Adam de la Halle ang pinakahuli sa mga trouvère, isang edukadong makata at kilalang musikero na nagpalaganap ng mga malikhaing prinsipyo ng mga troubadours sa Italya. Sumulat siya ng polyphonic rondos at ballads at inilatag ang pundasyon ng musical theater genre - siya ang unang lumikha ng court comedy performance na may musika. Laro tungkol kay Robin at Marion(tungkol sa pagmamahal ng isang kabalyero para sa isang pastol).

Mga musikero ng lungsod ( mga juggler, mga minstrel, shpilman). Mula noong ika-9 na siglo lumilitaw ang impormasyon tungkol sa mga katutubong musikero, na ang awit at instrumental na repertoire ay magiging batayan ng sekular na mga liriko ng musika sa ika-12–13 siglo. Ang mga juggler, minstrel, shpilman ay artisan na musikero. Karamihan sa kanila ay gumagala sa lungsod patungo sa lungsod, nagtanghal sila sa mga kapistahan. Ang ilan ay nanirahan at naging mga trumpeter at drummer ng lungsod, mang-aawit, mime, aktor, performer ng iba't ibang mga instrumentong pangmusika (viele - isang uri ng biyolin, alpa, plauta, alampay - isang uri ng oboe, organ, atbp.). Madalas silang makahanap ng trabaho sa mga panginoon. Sa mga naglalakbay na apprentice, ang mang-aawit, makata at manunulat ng dulang si Hans Sachs ay naging tanyag, na naglakbay sa mga lungsod ng Alemanya at pinamunuan ang kilusang Meistersinger sa Nuremberg.

Hindi kinilala ng Simbahang Katoliko ang lahat ng musika, na bumubuo ng "perpektong sining" (ars perfectum) - ang mga musikal na anyo na tumutugma sa pagsamba. Ang mga resolusyon ng mga konseho ng simbahan at mga pahayag ng mga pangunahing teologo, na nababahala sa banal na edukasyon ng mga mananampalataya, ay naglalaman ng mga pagbabawal sa pagpasok sa simbahan ng pag-awit, pagsasayaw at mga katutubong ritwal ng kababaihan, mga libot na mang-aawit at musikero, na tinatawag silang mga histrion. Sa pamamagitan ng paglinang ng moralidad ng mga klero at mga parokyano, naprotektahan ng simbahan ang sarili mula sa buhay ng mga layko. Ang kultura ng musika ay pinagsama sa dalawang layer: kulto at sekular, simbahan at sekular. Gayunpaman, mula sa ika-12-13 siglo. Ang "mga taong gumagala" ay nagsisimulang lumahok sa mga espirituwal na pagtatanghal, sa mga yugto ng serbisyo kung saan kinakailangan ang pagganap ng mga papel sa komiks, o kung saan ang serbisyo ay isinagawa sa mga lokal na wika.

Kulto at sekular na musika noong ika-13–14 na siglo.

Ang mga tampok ng sekularisasyon ng musika ng simbahan ay nagsimulang lumitaw noong ika-12–13 siglo. Ang mga sekular na imahe ay tumagos sa mga espirituwal na tema, at ang mga anyo ng liturhiya ay nagiging mas kahanga-hanga. Ang Gregorian chant ay nananatiling isang obligadong bahagi ng paglilingkod sa simbahan, ngunit ang mga posibilidad ng polyphonic presentation nito ay ipinahayag depende sa indibidwalidad ng may-akda. Ang mga panrehiyong polyphonic na paaralan ay ginagawa. Ang terminong “musica composita,” na malapit sa hinaharap na terminong “komposisyon,” ay lumilitaw (J. de Grogeo, unang bahagi ng ika-14 na siglo), ibig sabihin, ayon sa pagkakatulad sa ginamit ng mga Muslim mula noong ika-9 na siglo. ang terminong “tarkib” (Arabic – “composition”) - “composed music”. Mayroong kumbinasyon ng pamamaraan ng sining ng simbahan na may mga tampok ng sekular na sining.

Ang mga bagong anyo ng sagradong musika ay umuunlad, kung saan ang liriko na prinsipyo ay ipinakita. Sa Italya, lumaganap ang mga hymnical praises (lauda), at ipinakilala ang maikling rhymed prosa, malapit sa sekular na liriko. Sa pag-unlad ng espirituwal na maling pananampalataya (ang Franciscan Order), ang mga espirituwal na awit ay lumitaw sa lokal na diyalekto. Sa France, binuo ni Arsobispo P. Corbeil ang sikat na ngayong “prosa ng asno,” na pumupuri sa asno at nilayon para sa kapistahan ng pagtutuli. Sa Espanya noong ika-13 siglo. Sa korte ni Haring Alfonso X ang Wise ng Castile, isang makata, musikero, patron ng mga agham, espirituwal na liriko ay umunlad: isang koleksyon ng mga himno (cantigs) na nakatuon sa Birheng Maria ay lumitaw (mahigit sa 400 kanta sa Galician dialect). Nagpapahayag sila ng batayan ng awiting bayan, may mga korido, at ginaganap ng isang instrumental na grupo.

Motet. Gimel.

Ang paglitaw at pag-unlad ng estilo ng treble ng pag-awit sa pagsasanay sa simbahan ay naiimpluwensyahan ng mga katutubong tradisyon ng musika, ang kanilang mga intonasyon at mga elemento ng katutubong "discordant" na pag-awit. Noong ika-12 siglo ang diwa ng kultura ng korte ng Pransya noong panahon ni Louis IX ay nagsilang ng isang bagong genre - ang motet, na bumubuo ng multi-tiered polyphony. Ang motet ay naging nangungunang genre, ang "Gothic miniature ng Middle Ages." Ang lumalagong ugali patungo sa pagpapahayag ng mga makatotohanang imahe at ang kanilang indibidwalisasyon ay pinakamahusay na ipinakita sa genre na ito, na naging angkop para sa paglikha ng sagrado at sekular na musika. Bilang karagdagan sa bagong himig, nagsimula ring tumunog ang mga bagong salita dito. Sa chorale na inaawit sa Latin, isa pang himig (ilang himig) ang idinagdag na may teksto sa isang karaniwang wika, kadalasang may nakakatawa, mapaglaro o erotikong nilalaman. Naging katangian ang mga pag-uulit (maindayog, motivic) at anyong tula ng awit. Nakikilala sa pamamagitan ng miniature, mapaglaro at lyrical na kalidad nito, ang motet ay umakma sa grandious polyphonic "canvases" na may mas virtuoso technique at nag-ambag sa pagbuo ng indibidwal na pagkamalikhain. Ang mga motet ay nilalaro sa mga pagdiriwang, paligsahan, libangan at mga seremonya. Sa labas ng simbahan sila ay ginanap na sinamahan ng ilang uri ng instrumento, at mula sa ikalawang kalahati ng ika-13 siglo. lumitaw ang mga instrumental na motet.

Ang pag-usbong ng polyphony sa France ay humantong sa paglitaw ng mature polyphonic writing, na hindi agad nakamit ang kumbinasyon ng ilang independiyenteng (kapwa sa ritmo at melody) na boses, na malalaman sa ika-16–18 na siglo. (mula sa J. Palestrina o J.S. Bach). Isa sa mga impulses na nagdala ng polyphonic style na mas malapit sa taas nito ay ang estilo ng pag-awit na kumalat sa England (gimel, mamaya fabourdon). Ang paraan ng English folk singing na ipinakilala sa pag-awit ng simbahan ng mga kumbinasyon ng mga tinig na bumubuo ng mga patayong pagitan ng ikatlo at sexts, itinuturing na hindi perpekto sa teorya ng simbahan. Natukoy nila ang "problema" ng pagbuo ng mga bagong (hindi-simbahan) na mga mode - major at minor, kung saan ang ikatlong pagitan ay mangingibabaw. Ang medieval na pagsasanay ng polyphonic na pag-awit ay tila nagsusumikap, sa isang banda, na "lumayo" mula sa kumbinasyon ng mga boses nang patayo at nagsimulang lalong bumuo ng kanilang linear (hindi gaanong umaasa sa isa't isa) na kilusan - counterpoint. Ngunit, sa kabilang banda, ang "paghahanap" para sa mga tertiary adjustment na nagbibigay-kasiyahan sa tainga (sa isang patayo, at hindi sa isang progresibong melodic na kumbinasyon - sa isang harmonic) ay magpapatuloy. Sa panahon ng mature Middle Ages, ang major-minor na modal system ay magsisimulang mag-kristal, na bubuo sa mga detalye ng Western European musikal na pag-iisip sa modernong panahon, batay sa homophonic-harmonic technique.

MGA TAMPOK NG RENAISSANCE SA MUSIKA

"Bagong sining" (ars nova).

Ang imahe ng isang propesyonal na musikero, na nabuo noong Middle Ages sa simbahan, sa pagliko ng ika-13–14 na siglo. kinumpleto ng imahe ng isang naliwanagang aristokrata na bumubuo ng musika para sa simbahan at para sa sekular na lipunan. Ang isang propesyonal ay kailangang magkaroon ng kaalaman sa mga batas sa musika, ang erudisyon na hindi alam ng mas karaniwang mahilig sa musika. Nagkaroon ng pag-unawa sa independiyenteng kahalagahan ng musika, ang kakayahang "bumuo" ayon sa sarili nitong mga batas at maging mapagkukunan ng kasiyahan. Ang pagtitiyak ng pakikipag-ugnayan ng kulto at sekular na propesyonalismo sa musika ay ipinakita sa delimitasyon ng musikal at patula na sining sa: "bagong sining" (ars nova) at "lumang sining" (ars antiqua). Ang teorista ng ars nova ay ang Pranses na musikero, makata at pilosopo na si Philippe de Vitry (1291–1361), may-akda ng treatise Ars nova(c. 1320). Tinukoy ng gawaing ito ang isang bagong "vector" para sa pagbuo ng musika, na naiiba sa kulto na itinatag bago ang panahong iyon. Ito ay ipinahayag hindi lamang sa pagkilala sa mga pagitan ng semitone bilang "hindi mali", at pangatlo bilang euphonious (consonance), kundi pati na rin ang mga bagong metro-rhythmic divisions – bilobeds, na umaakma sa mga trilobed na nangingibabaw sa simbahan. Sa paglikha ng mga miniature lyrical motet, rondos, at ballad, nagbago ang matalinghagang istruktura ng propesyonal na musika. Sa mga gawa ng mga kompositor, lumilitaw ang isorhythmic technique (ostinato-variational principle): pagpapalaki ng mga tagal ng mga tono ng mas mababang pangunahing boses (melodic ostinato o pag-uulit - "cantus prius firmus") na may itaas na mga boses na bumubuo ng isang mobile light superstructure sa itaas nito. Paulit-ulit na chorale ang melody ay hindi na gumaganap ng isang matalinghaga-melodic na papel, ngunit nagiging isang kadahilanan ng maharmonya na patayo - ito ay rhythmically co-organize ang lahat ng mga boses.

Ang tatlong boses na motet ng makata at kompositor na si Guillaume de Machaut (c. 1300–1377), na nagsilbi bilang cantor ng Notre Dame Cathedral at sekretarya ni Haring John ng Luxembourg ng Bohemia, ay naging napakatanyag. Ang musika ay tumigil na maging isang "banal na agham", ito ay naging isang exponent ng makalupang prinsipyo: "Ang musika ay isang agham na nagsusumikap para sa amin na magsaya, kumanta at sumayaw" (Machaud). Ang mga kompositor na patuloy na nagtatrabaho para sa simbahan ay humiram mula sa musikang ars nova para sa istilong nagpapahayag nito. Noong ika-14 na siglo Sa Italya, lumitaw ang isang bilang ng mga mahuhusay na indibidwal sa musika na nagsulat ng musika batay sa inspirasyon at bumuo ng kanilang sariling mga melodies para sa polyphonic na masa. Nangibabaw ang mga misa at mga mote ng simbahan, ngunit lumitaw din ang mga sekular na genre - madrigal, caccia, ballad. Nagpatuloy ang malikhaing landas ng mga troubadours, ngunit may ibang propesyonal na pamamaraan - polyphonic, na may mas malawak na hanay ng mga artistikong larawan. Kabilang sa mga namumukod-tanging musikero noong panahong iyon ay ang bulag na birtuoso na organista na si Francesco Landini (1325–1347), ang may-akda ng sikat na dalawa at tatlong boses na madrigal at matamlay na liriko na balad.

Dutch (French-Flemish) polyphonic school noong ika-15–16 na siglo.

Mula sa simula ng ika-15 siglo. Ang hilagang bahagi ay nagsimulang maglaro ng isang aktibong papel sa kultura ng musika ng Europa. Matapos ang pagsasama ng Netherlands sa mga domain ng Dukes ng Burgundy, ang pakikipag-ugnayan ng mga tradisyon ng musikal na Pranses, Burgundian at Ingles ay tumindi, na nagbunga ng isang bagong propesyonal na paaralan ng mga masters ng polyphony, na kumalat sa impluwensya nito sa Italya, Espanya at mga kolonya ng Bagong Daigdig. Noong ika-15–16 na siglo. Ang mga musikero ng Dutch ay nagtrabaho sa halos lahat ng mga pangunahing sentro ng lungsod sa Europa. Malinaw na ipinahayag ng kanilang musika ang espirituwalidad na nauugnay sa mga dakilang ideya ng pananampalatayang Katoliko. Umaasa sa mga nagawa ng Romanong paaralan ng musika ng simbahan, nagawa nilang patabain ang tradisyong ito ng mga bagong impulses ng panahon ng ars nova, na nagbibigay sa musika ng simbahan ng isang pambihirang kapangyarihan ng artistikong kagandahan at pagiging perpekto. Ang mathematically rational mastery ng polyphonic technique ay ipinakita sa tunog ng mga polyphonic choir na kumakanta nang walang saliw (a capella). Ang bagong choral polyphony ay resulta ng maraming phenomena na pinagtibay ng Dutch: ang orthodox chorale, polyphonic secular motets, pag-awit "sa ikatlong bahagi" ng English, Flemish folk song at melodic Italian frotolla. Ang polyphony na ito ay nagsiwalat ng isang one-dimensional na tunog sa choir na maaari lamang makamit sa organ. Ang balanse ng 4 o 5 na boses at ang malawak na hanay ng kanilang tunog (dahil sa pagkakasangkot ng mga mababang boses na pumalit sa mga falsetto) ay lumikha ng tuluy-tuloy na daloy ng musika, kung saan ang isang boses ay "nagpapatong" sa isa pa. Ito ang rurok ng choral linear polyphony.

Sa isang serbisyo sa simbahan, ang misa ay nagiging sentro at nakakakuha ng katayuan ng isang independiyenteng genre ng musika. Sa akda ni Guillaume Dufay (1400–1474), ang apat na tinig na masa ay nagbago mula sa magkakaibang mga numero tungo sa isang gawa ng sining, nang ang pagpapangkat ng mga bahagi ng serbisyo at ang kanilang pagkakaisa ng intonasyon ay bumuo ng isang espesyal na integridad ng musika. Ang pagbibigay pugay sa mga sekular na motet, ang kompositor ay "naghahabi" ng mga katutubong melodies sa mga tinig ng masa, na itinatampok ang mga ito sa kaluwagan, kadalasang umaasa sa istraktura ng chord. Ang master ng polyphonic technique ay si Jan Ockeghem (1428–1495), na mayroong maraming tagasunod. Gumawa siya ng mga pamamaraan para sa panggagaya (pag-uulit) ng melody sa iba't ibang boses (reversal, compression, overlay, atbp.). Mabisang nagpapalit-palit ng buong tunog ng koro at ng mga grupo nito, nakamit niya ang tuluy-tuloy na pagkalikido ng telang pangmusika. Ang musika ay hindi nawala ang kanyang relihiyosong katangian, ngunit ang chorale ay nawala ang papel nito bilang isang pundasyon sa polyphony, dahil ang kanyang himig ay maaaring lumipat mula sa tinig patungo sa tinig at kantahin kapwa mula sa ibaba at mula sa itaas. Kadalasan, sa halip na isang chorale, ang function ng pangunahing tune (cantus firmus) ay ginanap sa pamamagitan ng isang melody na binubuo ng may-akda o isang sikat na kanta. Sa kasong ito, ang misa ay nakatanggap ng isang espesyal na pangalan o walang isa (Okegem - Misa na walang pamagat, J.Depres – La-Sol-Fa-Re).

Ang mga kahanga-hangang master ng Flemish polyphony ay sina Heinrich Isaac (c. 1450–1517) at Jacob Obrecht (c. 1430–1505). Ngunit nakamit ni Josquin Despres ang isang espesyal na papel sa organikong kumbinasyon ng simbahan at folk-secular melodic na prinsipyo sa choral polyphony. Sumulat siya ng mga espirituwal na misa, sekular na madrigal, at mga chanson. Ang kanyang musika ay kinilala ng kanyang mga kontemporaryo bilang perpekto ng "perpektong sining" ng simbahan, dahil hindi niya ginawang kumplikado ang polyphonic technique, ngunit lumikha ng isang mahigpit na "napaliwanagan na istilo" ng polyphonic na pagsulat. Ang katotohanang ito ay napakahalaga para sa pagpapaunlad ng musika ng simbahan, dahil ang independiyenteng kahalagahan ng musika ay hindi tinatanggap ng mga ministro ng simbahan, na nagtalaga dito ng tungkulin ng "nakatutuwang isip na may pag-awit, upang sila, nasasabik, ay mas maunawaan ang kahulugan ng mga awit na ito" (Melanchthon).

Ang polyphonic technique sa "mahigpit" na istilo ng contrapuntal na pagsulat ay umabot sa rurok nito sa mga akda nina O. Lasso at G. Palestrina. Pinagsama ni Lasso ang pamamaraan ng polyphonic mastery ng simbahan sa sekular na imahe, espesyal na theatricality at emosyonalidad, carnivalesque at wit (komposisyon Echo para sa dalawang koro). Pinagsama niya ang polyphonic at harmonic na mga prinsipyo ng tunog, ipinakilala ang mga nagpapahayag na chromatism, melodic ornaments, at dramatic recitations (katulad ng operatic ones) sa sekular at sagradong mga gawa. Si Palestrina, na nagtrabaho sa pinakamalaking kapilya sa Roma at lumahok sa mga reporma ng Konseho ng Trent, ay kinilala bilang "tagapagligtas ng musika ng simbahan" sa panahon ng "nakakasakit" ng sekular na propesyonalismo. Ang may-akda ng maraming misa, motet, magnificats, hymns, madrigals (sekular at sagrado), siya ay naging isang halimbawa ng estilo ng mahigpit na contrapuntal na pagsulat, kapag ang pagpapatuloy at patuloy na pagbabago ay artistikong makabuluhan. iba't ibang boses sa isang koro, ang paglipat ng melodic initiative mula sa boses patungo sa boses. Ang mahusay na "paghahabi" ng mga tinig na ito ay hindi nakatago sa mga salita at epektibong binigyang-diin sa pamamagitan ng simula ng isang bagong melodic na linya o isang pagbabago ng mga rehistro. Ang mga musikal na gawa ng iba pang mga master ng Renaissance ay artistikong makabuluhan: ang Italian G. Allegri, ang Englishman na si T. Tallis at iba pa.

Instrumental na musika ng Renaissance.

Noong ika-15–16 na siglo. Ang instrumental na musika ay nagsisimulang lumabas bilang isang malayang tradisyon at mabilis na kumalat sa pang-araw-araw na buhay, mga salon, korte at simbahan. Ang lute ay nagiging napakapopular sa pang-araw-araw na buhay. Kasama ng mga espirituwal na gawa, ang mga unang nakalimbag na koleksyon ng musika ay nag-aalok ng mga instrumental na piyesa para sa lute (tatlong lute tablature ang pinagsama-sama ni O. Perucci noong 1507–1509). Gayunpaman, ang materyal ng instrumental na repertoire ay higit sa lahat ay nagmula sa boses - ito ay mga pagsasaayos ng mga motet, chansons, folk melodies at chorales. Sa pagtugtog ng organ, lute, at early claviers, nabuo ang mga prinsipyo ng variant execution ng isang theme-melody (halimbawa, organ at clavier na gawa ng Espanyol na kompositor na si F. Antonio Cabezon (1510–1566)). Ngunit ang simbahan, na nagpapahintulot sa mga instrumental na tunog, ay nag-utos: "Hayaan ang mga obispo na pigilan ang pagtugtog ng organ, upang ang mga salita na inaawit ay marinig, at upang ang mga kaluluwa ng mga nakikinig ay mabaling sa papuri sa Diyos na may sagradong mga salita, at hindi sa mausisa, kawili-wiling mga himig” (Resolution of the Council of Toledo , 1566).

Madrigal.

Lumitaw noong ika-14 na siglo. Ang madrigal genre ay pinaka-malinaw na ipinahayag ang bagong sekular na vector ng pag-unlad ng musikal na kultura. Batay sa mga pinagmulan ng katutubong awit, ang musika ay sumanib sa gawa ng mga makatang Renaissance. Ang mga Madrigal ay mga tula, pangunahin sa nilalaman ng pag-ibig, na nilayon para sa pag-awit sa katutubong wika, na isinulat ni F. Petrarch, G. Boccaccio, P. Bembo, T. Tasso, L. Ariosto at iba pa Ang pagnanais para sa sensuality ay nakikilala ang genre na ito, na naging tanyag hindi lamang sa Italya, kundi pati na rin sa France, Germany, England. Pinagsama nito ang mga bagong homophonic-harmonic na prinsipyo ng musikal na wika, dahil ang mga bagong dramatikong posibilidad ng melody ay masinsinang binuo, ang kakayahang "ipahayag" ang mga luha ng tao, mga reklamo, buntong-hininga o ihip ng hangin, daloy ng tubig, mga huni ng ibon. Pagtuklas pagpapatuloy ng kasaysayan sa mga liriko ng troubadours at trouvères, ang madrigal ay umunlad hanggang sa simula ng ika-17 siglo. at natutunan ang mga prinsipyo ng polyphony na binuo sa mga sekular na genre: motet, kachce, frotolla. Noong ika-16 na siglo Ang mga indibidwal na tinig sa madrigal ay nagsimulang mapalitan ng mga instrumento, na nag-ambag sa pagsilang ng isang homophonic-harmonic na istraktura ng musika - ang primacy ng melody na may instrumental na saliw. Kasabay nito, lumitaw ang isang theatrical play na may musika - isang madrigal comedy (O. Vecchi, G. Torelli, atbp.), Malapit sa commedia dell'arte, kung saan lumitaw ang typified, tulad ng sa mga unang opera. mga katangiang pangmusika mga tauhan: kagalakan, galit, kalungkutan, paninibugho, panlilinlang, atbp. Ang isang kinikilalang master ng madrigal ay ang Italyano na si Carlo Gesualdo di Venosa (c. 1560–1615), na nakamit ang espesyal na melodic expression, na nadadala ng mga bagong intonasyon na hindi batay sa diatonic, ngunit sa mga chromatic interval . Nagkaroon din ng genre ng chanson, malapit sa madrigal, na laganap sa France. Mga eksena ng buhay sa lungsod, mga sketch ng kalikasan ( Awit ng ibon, Sigaw ni Paris, Mga babaeng nagkukuwentuhan habang naglalaba) ay ipinakita sa mga sikat na chansons ng Clément Janequin (c. 1475 - c. 1560) - ang pinuno ng mga kapilya sa Bordeaux, Angers, Paris at ang mang-aawit ng Royal Chapel. Bumisita siya sa Italya sa kanyang kabataan, kasama ang kanyang panginoon sa panahon ng "Mga Digmaang Italyano" (1505–1515), na nag-ambag sa pagkalat ng mga sekular na aristokratikong tradisyon ng Italya sa France at ang paglitaw ng sariling kultura ng musikal ng korte dito. Ang madrigal genre ay tumagos sa England, kung saan ang gawa ni John Dowland ay namumukod-tango.

Florentine Camerata. Drama sa bawat musika

(“drama sa pamamagitan ng musika”)

Ang mga ideya ng Renaissance ay humawak sa isipan ng mga musikero sa huli kaysa sa ibang mga larangan ng sining. Ang mundo ng musika ay "nahati" sa mga ideya tungkol sa kung paano dapat isama ang sinaunang prinsipyo ng Griyego sa musika ng ika-16 na siglo. Maraming mga siyentipiko ang humanga sa Dutch polyphony ng J. Depres at sumalungat sa mga inobasyon ng iba pang mga musikero. Sa mga bilog ng korte ng Italya noong ika-2 kalahati ng ika-15 siglo. Bumangon ang mga independiyenteng asosasyon ng mga siyentipiko, makata, at musikero (akademya), kung saan ipinahayag ang mga bagong ideyal, tinatanggihan ang sining ng simbahan at nakatuon sa sinaunang panahon. Ang kompositor, lutenist at mathematician na si Vincenzo Galilei (1520–1591) ay nagbigay inspirasyon sa mga artista at siyentipiko na bumubuo sa Florentine Camerata - isang aristokratikong komunidad ng mga taong may kaparehong pag-iisip, kabilang ang mga makata, musikero, at artista. Isinasagawa Dialogue tungkol sa sinaunang at modernong musika(1581) tinutulan niya ang polyphony, para sa isang homophonic na estilo ng pagsulat, na nagpahayag na sa "perpektong sining" ng simbahan ay walang anuman mula sa mga sinaunang klasiko at tinawag ang Netherlands na "medieval barbarians." Para sa mga miyembro ng camerata, ang mga karanasan ng tao ay sentro, na kanilang pinahahalagahan bilang "creative novelty" (inventio). Isang koleksyon ng mga madrigal at aria na nasa isang boses, tinawag ni Giulio Caccini (1550–1618). Bagong musika(1601). Ang kompositor ay naging tanyag bilang ang imbentor ng "nagpapahayag" na istilong monophonic at recitative na pag-awit, na may emosyonal na tono. Ang huling paghihiwalay ng simbahan (polyphonic) at sekular (homophonic) na mga uri ng musika ay ipinahayag niya sa anyo ng isang bagong malikhaing kredo ng musikero: upang bumuo ng musika "sa kanyang sariling paghuhusga" at payagan ang "mga pagbubukod sa lahat ng mga patakaran. ” na itinatag ng mga canon ng simbahan.

Ang pag-usbong ng kultura ng korte ay ipinahayag sa mga genre ng musika at teatro. Nang isulong ang ideya ng muling pagbuhay sa sinaunang trahedya ng Griyego, ang aristokrasya ay hindi umasa sa mga drama ng Sophocles o Euripides, ito ay nahilig sa mga larawan ng divertissement, patungo sa isang hedonistic na interpretasyon ng mga mythological plot. Nagawa ng mga Florentine na lumikha ng kung ano ang magiging mula sa ika-18 siglo. katangian ng opera. Sa kanilang unang theatrical productions - "mga drama sa pamamagitan ng musika" ( Daphne, Eurydice J. Peri), nagsimulang mangibabaw ang himig (aria), naisakatuparan ang synthesis ng musika na may mga salita sa istilong recitative-declamatory ng pagkanta. Ang mundo ng pastoral, alien sa trahedya at espirituwal na mga salungatan, na ipinahayag sa mga musikal na drama ng mga Florentine, ay kinumpleto ng malikhaing henyo ni Claudio Monteverdi. Iniharap niya ang ideya ng isang "bagong pamamaraan" sa sining ng isang "nasasabik at militanteng istilo". Ang kanyang trabaho ay hindi naka-istilong, ngunit sa madrigals at arias ay malinaw niyang naisama ang parehong mga larawan ng kalikasan at ang mental na estado ng mga bayani, lalo na sa mga produksyon na tinawag niyang "mga kuwento sa musika": Orpheus ( Orpheus), Seneca at Ottavia ( Koronasyon ng Poppea), reklamo ni Ariadne ( Ariadne). Nagsimula ang Opera sa gawa ni Monteverdi, sa unang pagkakataon na nakamit ang synthesis ng musika, mga salita at aksyon sa entablado sa mga katangiang operatic form: arias, recitatives, duet, chorus, instrumental ritornello. Ang Opera ay ang engrandeng musical culmination ng Italian Renaissance.

Musika ng panahon ng Baroque (ika-17 - unang bahagi ng ika-18 siglo)

Maagang ika-17 siglo - ang oras kung kailan ang mga tampok ng istilong Baroque ay nagpakita ng kanilang sarili sa sining. Sa mga sekular na anyo, ang musika ay nagiging mas malapit sa panitikan at nawawalan ng ugnayan sa matematika. Ang sining ng musika ay hindi na isinasaalang-alang sa sistema ng quadrium, ngunit lumalapit sa retorika at, kasama ng gramatika at lohika, ay kasama sa trivium. Ang pagbuo ng mga instrumental na genre ay naghihiwalay sa musika mula sa tula at sayaw. Isang tatlong-volume na treatise ng German organist at kompositor na si Michael Praetorius (1571–1621) ay nai-publish Syntagma musicum(1615–1619), kung saan ang mga anyo ng sagrado at sekular na musika, mga instrumentong pangmusika (cutography) at mga terminong pangmusika, pagtukoy sa kakanyahan ng mga vocal genre na katangian ng kanilang panahon (motet, madrigal) at instrumental (concert, prelude, fantasy, fugue, toccata, sonata, symphony), mga sikat na sayaw (allemande, chime, galliard, volta), atbp.

Mga detalye ng wikang pangmusika noong ika-17 siglo. nagpapakita ng sarili sa isang halo ng iba't ibang mga diskarte, estilo, imahe, sa kumbinasyon ng "luma" at "bago". Ang polyphonic technique ay nangingibabaw, ngunit ang recitative-declamatory, textural-fantasy na mga diskarte ay nagsisikip dito. Pinagsasama ang paglilingkod sa simbahan at paglilingkod sa mga panginoon, ang mga musikero ay umasa sa iba't ibang mga istilo, na inihambing ang mga ito sa isang komposisyon: isang awit na aria na may isang Gregorian na awit, isang madrigal na may isang espirituwal na motet at isang konsiyerto. Ang kakayahang pasayahin, pasayahin ang isang tao, at sa parehong oras ay luwalhatiin ang Diyos, na tumataas sa pang-araw-araw na buhay, ay ang gawain ng isang musikero sa panahong ito. Ang susuriin ay ang kakayahan ng may-akda, ang propesyonal na pagkakayari ng isang musikal na "bagay" (komposisyon), na hindi nawawala sa panandaliang pagtatanghal (improvisasyon), ngunit iniingatan sa pagsulat sa mga manuskrito ng musika at mga publikasyon (pag-print ng musika - mula sa katapusan ng ika-15 siglo). Mula sa katapusan ng ika-16 na siglo. sa Italy ay lumilitaw ang terminong "composer".

Mga tampok ng Baroque sa Italya.

Sa Italya, ang mga bagong sekular na genre ng musika ay nabubuo at lumalakas. Ang Opera, na nagmula sa mga maharlikang salon, ay nagde-demokratize at gumagalaw sa iba't ibang lungsod sa Italy at higit pa. Noong ika-17 siglo isang uri ng opera seria (“seryosong opera”) ang binuo, batay sa mga paksang mitolohiya at makasaysayang-bayanihan. Ang Venetian (M.A. Chesti, F. Cavalli) at Neapolitan (A. Scarlatti) ay nakakuha ng katanyagan mga paaralan ng opera. Kasama ng vocal at theatrical music, bagong genre ang umuusbong: ensemble-instrumental concert, solo - sonata, large-scale vocal-instrumental cycle - oratorio, maliit na organ at clavier na piraso - fantasies, toccatas, preludes; ang mga bagong polyphonic form ay ipinanganak (sa pamamaraan ng libreng counterpoint) - ricercar, fugue; Ang kagustuhan ay ibinibigay sa pang-araw-araw na ritmo at melodies - sayaw sa mga suite, mga kanta sa arias, canzones, serenades. Ang baroqueness ay ipinapakita sa isang pagkahilig para sa mga contrasts (dynamic, textured, instrumental) at figurative pathos, expression, heroism at pathos, isang paghahambing ng clownish at ang dakila. Ang pangunahing prinsipyo ng pag-iisip ng musikal ay nagsisimulang magbago - mula sa polyphonic hanggang homophonic-harmonic, kapag ang pangunahing bagay ay nagiging gravity ng hindi matatag na mga chord hanggang sa mga matatag. Mayroong isang paglipat mula sa medieval mode system (modal) patungo sa bago - major-minor). Sa pagpasok ng ika-16–17 siglo. ang modal na tunog ay iba sa modernong isa; ang pagpili ng ilang mga agwat, kaliskis, at mga kuwerdas ay nagsimula pa lamang, ngunit ang masining na pagpapahayag ng hindi lamang katinig, kundi pati na rin ang dissonance (ikatlo, segundo) ay nagsimulang makilala.

Ang mga tampok ng Baroque ay pinaka malinaw na kinakatawan sa mga gawa ng mga kompositor at organista ng Italyano. Iniharap ng Venice polyphonic school sina Andrea at Giovanni Gabrieli, na naghambing ng mga vocal at instrumental na tunog at nagpakilala ng chord texture. Si G. Gabrieli (1557–1612/13) ay nagsimulang gumamit ng mga dynamic na tagubilin, nagpakilala ng mga pampakay at maindayog na pag-uulit, at lumikha ng mga instrumental na gawa malapit sa umuusbong na bagong sekular na genre ng konsiyerto.

Mga Tampok ng Baroque sa Hilagang Europa.

Ang musika ng hilagang bahagi ng Europa ay nagpahayag ng parehong mga tampok na pangkakanyahan, ngunit medyo naiiba. Ang mga sekular na tradisyon ng musika, na mabilis na umunlad sa Italya sa pagsisimula ng ika-17 siglo, ay umunlad nang mas mabagal dito at, dahil sa kilusang Protestante, ay nanatiling pinigilan ng balangkas ng simbahan sa loob ng mahabang panahon. Ang Dutch polyphonic school ay nakalimutan, ngunit ang mga prinsipyo nito ay ginamit sa Austro-German na lupa, sa musika ng simbahang Protestante. Ang mga espirituwal na gawa ay napuno ng estilo ng opera na nagmula sa Italya at ang lohika ng tonal at harmonic na pag-unlad. Ang gawa ni Heinrich Schütz (1585–1672), na mas gusto ang mga misa sa simbahan, mga mote, at mga magnificat, ay nagpapahiwatig. espirituwal na konsiyerto, oratorio ( Sagrado symphony, Mga hilig ayon kay Matthew at iba pa.). Bilang isang musikero ng korte at ministro ng simbahan sa mga korte ng mga halal na Aleman at mga libingan ng lupa, nag-ambag siya sa pagbuo ng liturhiya ng Protestante. Batay sa kumbinasyon ng teatro at madrigal ng mga Italyano sa kontra-punto ng mga Dutch, ang kanyang pagluwalhati sa Diyos sa musika ay napuno ng sigla nang hindi nawawala ang dakilang kalinisang-puri. Kaya musika ng simbahan hilagang Europa ay puspos ng mga makamundong katangian. Ang pagpapatuloy sa pagitan ng Schutz at ng mga masters ng choral creativity noong ika-18 siglo ay kitang-kita. – J. S. Bach at G. F. Handel, kung saan naging sentro ang genre ng oratorio at cantata. Bilang mga kontemporaryo, binuo ng mga kompositor na ito ang musikal na imahe ng kulturang Protestante. At kahit na ang kanilang mga malikhaing talambuhay ay naganap sa unang kalahati ng ika-18 siglo, ang estilo ng kanilang mga sinulat ay nauugnay sa isang nakalipas na panahon, na tinukoy ng mga tampok ng Baroque. Ito ay hindi nagkataon na pinahahalagahan ng mga kontemporaryo ang mga gawa hindi ng dakilang Bach, ngunit ng kanyang mga anak. Si Philip Emmanuel Bach ay isang mahusay na tagumpay - isang mahusay na tagatugtog ng cymbal; istilo ng musika klasisismo. Ang sukat ng pagkamalikhain at kasanayan ni J. S. Bach ay pinahahalagahan lamang noong ika-19 na siglo, nang mag-organisa si F. Mendelssohn-Bartholdy ng isang pampublikong pagtatanghal Pasyon ni San Mateo(Berlin, 1829). Ang karunungan ni Bach ay nagulat sa lahat: "Hindi "Stream" [German "der Bach" ang apelyido ng kompositor], ngunit dapat siyang tawagin ng "Sea" - ito ay kung paano matalinhagang tinasa ni L. Beethoven ang kadakilaan ng musika ni Bach.

Ang gawain ni J. S. Bach ay ang rurok ng libreng polyphonic na pagsulat, ang batayan nito ay isang fugue (literal na "tumatakbo"), kapag ang mga tinig ay pumasok nang halili na may parehong maikli ngunit nagpapahayag na tema, inuulit ito (imitasyon) sa iba't ibang mga rehistro at sa iba't ibang tono. Ang mga boses (dalawa, tatlo o apat) ay nabuo nang sabay-sabay, na nagpapatunay ng kanilang pagkakapareho. Naabot ni Bach ang taas sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng makatwirang "konstruksyon" ng musika ayon sa mga batas ng counterpoint at artistikong pagpapahayag ng mga imahe, harmonic at tonal development, at timbre discoveries. Ang makasagisag na istraktura ng kanyang mga gawa - koro (cantatas, oratorio, masa, magnificata, na sumasakop sa pinakamalaking bahagi ng kanyang malikhaing pamana) at instrumental (toccatas, fugues, preludes, organ arrangement ng chorales, imbensyon, pantasya, atbp.) dramatiko, puno ng oratorical pathos. Ang malikhaing pagsisikap ng kompositor ay naglalayong baguhin ang uri ng Kristiyanong pagsamba sa simbahang Protestante. Siya ay isang Lutheran, at ang Protestant chorale ang naging batayan ng kanyang gawain. Isang natatanging birtuoso na organista, sa huling yugto ng kanyang buhay ay hawak niya ang nakakahiyang posisyon ng cantor sa Thomas Church sa Leipzig, nangunguna kapilya ng koro mga lalaki. Sa kalaunan ay nakamit niya ang ninanais na posisyon ng "composer ng royal court chapel", na itinalaga sa kanya ni Elector Augustus III. Lumilikha ng pangunahing musika para sa simbahan, nagsulat si Bach ng maraming sekular na mga gawa, na gumaganap ng mga tungkulin ng isang kompositor ng korte para sa mga duke sa Weimar at Ketten sa iba't ibang taon. Gumawa siya ng mga obra maestra ng keyboard suite batay sa mga sinaunang sayaw (Ingles at Mga French suite), orchestral concerto grosso (6 Mga Konsyerto sa Brandenburg) solo at ensemble instrumental music - sonata, concertos, variations, polyphonic pieces (para sa organ, cello, violin, viola, flute, atbp.).

Ang wika ng musika ng Aleman na kompositor na si George Frideric Handel ay pinagsama ang mga tampok ng Baroque sa maagang klasiko. Nabighani sa pagsulat ng Italian opera seria, nagsumite siya ng kanyang kapalaran sa England. Ngunit hindi kinilala ng publikong Ingles ang kanyang mga opera. Pagkatapos ay nagawang "ilapat" ng kompositor ang operatic theatricality at entertainment sa oratorio ( Mesiyas, Hudas Macabeo, Samson). Isinulat niya ang mga espirituwal na gawaing ito hindi para sa simbahan, ngunit para sa bulwagan ng konsiyerto (ginanap sila sa opera house). Kaya, ang musikang may mga kuwento sa Bibliya at mga bayani ay nakakuha ng sekular na katayuan, pangkulay ng mga imahe ng simbahan na may dramatiko at kabayanihan na mga indibidwal na karanasan at isang matapang na interpretasyon ng espirituwal na layunin.

Classicism sa musika noong ika-17–18 siglo.

Noong ika-17–18 siglo. ang sentro ng musikal na propesyonalismo ay lumipat mula sa simbahan patungo sa mga palasyo ng mga hari at maharlika, at noong kalagitnaan ng ika-18 siglo. – sa mga pampublikong institusyon ng lungsod: mga opera house (ang una - sa Venice noong 1637), mga bulwagan ng konsiyerto (ang una - sa London noong 1690) at mga open air venue, aristokratikong salon, musikal na lipunan, mga institusyong pang-edukasyon (mga akademya, konserbatoryo, mga paaralan). Ang kultura ng Kanlurang Europa ay nakikibahagi sa isang aktibong "diyalogo" sa kultura ng Sinaunang Greece, na nagsimula sa panahon ng Renaissance ng Italya. Lumilitaw ang mga ideyang pilosopikal at masining, na hinihimok ng pagbabalik sa mga aesthetic ideals ng unang panahon, ngunit may diin sa kakayahan ng isip ng tao na lumikha ng pagkakaisa at kagandahan. Ang isang bagong musikal na aesthetics ay nabuo bilang pagtukoy sa sinaunang panahon, na itinuturing na modelo ng lahat ng sining. Ang kanilang kakanyahan ay ang pagkakakilanlan ng kagandahan hindi sa Diyos, ngunit sa kalikasan, sa tao, at ang pagiging may-akda at artistikong gawaing-kamay ay napapailalim na ngayon sa pagsusuri. Ang musikal na wika ng panahon ay nabuo - klasiko, echoing ang wika ng panitikan at arkitektura. Ang isang espesyal na lugar sa kasaysayan ng musika ay inookupahan ng "Viennese classics" (J. Haydn, W. Mozart, L. Beethoven), na lumitaw bilang isang independiyenteng kilusang musikal.

Ang mga ideya ng Enlightenment ay nagbunga ng mga bagong ideya tungkol sa mga katangian ng musika - ang kakayahang gayahin ang mga tunog ng kalikasan at ang kalikasan ng pagsasalita ng tao, at ang mga ugali ng mga tao. Ang kakayahan ng musika na ipahayag ang mga tampok ng tunog ay naka-highlight iba't ibang bansa at pagiging malikhain: "ang mga istilo ng mga musikero ay nag-iiba-iba gaya ng mga istilo ng iba't ibang makata." Ito ay humantong sa ang katunayan na hindi lamang isang music connoisseur, isang craftsman, ngunit " henyo sa musika"ay may kakayahang" maghanap para sa sariling mga landas" sa sining (H. Schubart, treatise Mga ideya para sa aesthetics ng musikal na sining, 1784). Hindi tulad ng pagsasalita at tula, ang musika ay itinuturing na isang malayang anyo ng sining - "ang sining ng mga tunog" (M. Chabanon Tungkol sa musika sa wastong kahulugan ng salita at kaugnay ng kaugnayan nito sa pananalita, wika, tula at teatro, 1785); nauunawaan ang mga batas at layunin nito. Ang mga musikero ay nahaharap sa gawain ng paglapit sa mga tao: upang "ibalik ang mga kababalaghan ng mga sinaunang tao," dapat nilang "pumukaw ng mga hilig sa kaluluwa," pukawin ang ilang "mga epekto" sa mga tagapakinig at maranasan ang mga ito mismo (A. Kircher. Treatise Musurgia universalis, 1650). Sa ilalim ng impluwensya ng retorika, lumitaw ang isang teorya ng mga epekto sa musika - isang pagsasaalang-alang ng ilang mga "figure", na, "tulad ng sa tunay na pananalita, ay dapat na hinati ayon sa kanilang layunin at aplikasyon" (I.N. Forkel Pangkalahatang kasaysayan musika, 1788). Ang mga estado ng pag-iisip (maharlika, pag-ibig, paninibugho, kawalan ng pag-asa, pagdurusa, atbp.) ay inuri, at ang mga elemento ng musika (tempo, timbre, mode, mga katangian ng mga agwat, atbp.) na may kakayahang magpahayag ng isa o iba pang nakakaapekto (nababagong kaisipan estado) ay isinasaalang-alang. Nalalapat ito sa parehong paglikha at pagtatanghal ng musika, dahil perpekto ito kapag "ang isang epekto ay pumapalit sa isa pa, ang mga hilig ay sumiklab at humupa sa tuluy-tuloy na pagkakasunud-sunod" (C. P. E. Bach Damhin ang tunay na sining ng paglalaro ng keyboard, 1753–1762). Ang pagbubuo ng musika (pagsusulat ng tablature at mga tala) ay naiiba sa pagganap nito sa parehong paraan tulad ng pagkakaiba ng nakasulat at pasalitang pananalita (declamation). Lumilitaw ang isang teorya ng musika, na hiwalay sa pagsasanay sa musika. Ang paniniwala sa kapangyarihan ng isip, pag-unawa sa mga batas ng kalikasan, ay humahantong sa isang makatwirang paliwanag ng mga batas ng musika batay sa isang bagong pag-unawa sa pagkakaisa bilang batayan ng mode-tonal na pag-iisip: "Ang musika ay isang agham na dapat magkaroon ng ilang mga patakaran. ” (treatises ni J.F. Rameau Bagong sistema ng teorya ng musika, 1726; Patunay ng prinsipyo ng pagkakaisa, 1750, atbp.).

Tinatanggihan ng Classicism ang polyphonic style at ang choral culture na nauugnay dito (“ sinaunang klasiko"). Umuunlad ang pagkamalikhain ng instrumental at isinilang ang mga istilo: solo violin, clavier, organ, ensemble, orchestral, concert, atbp. Ang mga sekular na anyo na nauugnay sa opera at ang homophonic-harmonic na istraktura ng instrumental na musika ay nagtatagumpay. Ang dispassionate system ng mga moda ng simbahan, batay sa ethos (isang pangkalahatan na static na karakter) at walang mga epekto, ay itinapon at pinalitan ng bago - major-minor. At ang paglipat ng melody sa itaas na boses ay nangangahulugan ng pangingibabaw nito. Ang matalinghaga at pampakay na pagpapahayag ng mga instrumental na tema ay nagsimulang makamit bilang resulta ng pagsasama-sama ng melodic na intonasyon sa mga salita, visual na imahe, at ang mga karakter ng mga tauhan sa opera, madrigal, arias, mga piyesa para sa harpsichord at lute. Ang melody ay nagsimulang matukoy ang homophonic-harmonic na pag-iisip, ngunit hindi sa sarili nito. Ang propesyonalismo sa musika ay pinagkadalubhasaan ang karanasan ng polyphony ng simbahan at nakabuo ng isang pakiramdam ng "pinalawak na espasyo ng tunog" - sa mga kumplikadong harmonic (vertical chord) complex at iba't ibang mga layer ng textural. Ang himig (tema) ay nagsimulang umasa sa ganitong uri ng pagkakatugma bilang pundasyon.

Ang homophonic-harmonic na istraktura ay nabuo nang hindi mas maaga kaysa sa kalagitnaan ng ika-17 siglo. Sa proseso ng paglipat mula sa lumang estilo ng musika patungo sa bago, ang pagsasanay ng pagsasagawa ng isang gawaing pangmusika batay sa pangkalahatang bass ay napakahalaga, kapag ang gawain ay hindi nilikha nang maaga (ang komposisyon ay hindi naitala), ngunit ito ay improvised, na nakatuon sa isang naitala na boses ng bass, kung saan nilagdaan ang mga numero. Ang natitirang mga tinig ay tinugtog "as they were" ayon sa mga tagubiling ito. Ang pagsasanay na ito, karaniwan sa pagtugtog ng organ at clavier, ay nag-ambag sa pagbuo ng bagong harmonic (chord) na pag-iisip. Ang mga kilalang polyphonic technique (subvoice, repetitions, imitasyon ng mga tema) ay nakabatay na ngayon hindi sa choral voice, ngunit sa "sound core" na "compressed" sa isang pagkakataon, sa chord harmony. Samakatuwid, ang homophonic-harmonic na istraktura ay hindi isang tagumpay ng monophony, ngunit sa halip ay isang multi-tiered na kumbinasyon ng mga tono na nasa ilalim ng isang boses at inilalantad ang mga harmonies na nakatago dito. Ang Harmony mismo ay nagsimulang maunawaan bilang isang sistema ng bagong modal na pag-iisip, batay sa mga sikolohikal na sensasyon ng "stable" (tense) at "unstable" (calming) tones at chord. Ang pagbabago ng mga tonalidad sa isang gawain ay nagsilbing pinagmumulan ng pag-unlad ng musika at tiniyak ang paglalaro ng mga epekto, mga paglipat mula sa isang "kalagayan ng kaisipan" patungo sa isa pa. Ang kaibahan at "kaganapan" ng tunog, na nakamit sa pamamagitan ng pagbabago ng melodic intonation, ritmo, tempo, texture, ay kinumpleto ng kaibahan ng mga mode - paglilipat ng buong tunog sa isang bagong tonal sphere. Ito ay hindi nagkataon na ang paglikha ng isang tempered musical system, "nakahanay" sa pamamagitan ng semitones, ay naging isang natural na tagumpay ng ika-18 siglo. Ang major at minor scale na nabuo mula sa bawat isa sa 12 semitones ay naging katumbas at naging posible na ilipat ang melody mula sa isa sa isa pang key nang walang pagbaluktot. Ang temperament ang naging batayan ng Western European sound system bilang isa sa mga uri ng sound (interval) system (scales). Ang cycle ng 24 preludes at fugues na nilikha ni J.S Mahusay ang ulo clavier(bahagi 1 – 1722, bahagi 2 – 1744) – isang makinang na artistikong sagisag ng pangkalahatang konsepto ng musika ng Bagong Panahon.

Italian opera sa Europa.

Ang pinagmulan ng sekular na tradisyong musikal noong ika-17–18 siglo. Nanatili ang Italya. Ang Italian opera ay kumalat sa buong Europa (kahit sa Russia). Ang mga musikero na Italyano ay inanyayahan sa mga korte ng mga monarko ng Espanyol, Pranses, at Austrian at dinala bilang mga tagapaglingkod sa mga bahay ng mga marangal na aristokrata. Halimbawa, ang sikat na birtuoso na harpsichordist, na nakipagkumpitensya sa Roma kasama si Handel, si Domenico Scarlatti, ang may-akda ng unang keyboard sonatas, ay nagsilbi sa korte sa Lisbon bilang guro ni Reyna Maria Barbara ng Portugal, ang kompositor at cellist na si Luigi Boccherini (1743). –1805) nagsilbi sa Madrid, at ang kompositor ng posisyon na si Antonio Salieri (1750–1825) ay nagsilbi bilang konduktor ng kumpanya ng opera ng Vienna at musikero ng korte. Hinangad ng mayayamang European court na lumikha ng sarili nilang musical entertainment. Sa kalagitnaan ng ika-17 siglo. Ang mga Aleman na musikero ay master ang mga opera production sa Hamburg (G.F. Telemann, R. Kaiser). Ang opera buffe, na lumabas sa Italy, ay batay sa mga pang-araw-araw, folk at comedy na kwento ( Maid-mistress G.B.Pergolesi, 1733, Cecchina N. Piccini, 1760), kumakalat sa mga uri nito sa France (comic opera), sa England (ballad opera), sa Vienna (singspiel).

Ang reporma ng opera seria, na naglalayong pahusayin ang mga dramatikong karanasan sa pamamagitan ng musikal na paraan, ay isinagawa ng Aleman na kompositor na si Christoph Willibald Gluck. Ipinahayag niya ang kanyang mga pananaw sa mga paunang salita sa mga opera na itinanghal sa Vienna ( Orpheus at Eurydice, 1762, Alceste, 1767): “Dapat mapahusay ng musika ang pagpapahayag ng mga damdamin at magbigay ng malaking interes sa magagandang sitwasyon.” Ang mga rebolusyonaryong ideya ni Gluck, na naglalayong "labagin ang mga batas" ng pandekorasyon at musikal na Italian at French opera, ay may positibong impluwensya sa karagdagang pag-unlad ng genre, bagaman nagdulot ito ng matinding pakikibaka sa pagitan ng "Gluckists at Piccinists."

Kasunod ng Italya, ang France ay gumagawa ng sarili nitong istilo ng opera. Ang mga tampok ng maagang klasisismo ay pinakamahusay na ipinahayag sa gawain ng musikero ng korte ng Pransya na si Jean Baptiste Lully. Ang pagkakaroon ng artistikong at musikal na kakayahan, naakit ni Lully ang atensyon ni Louis XIV, nagsimulang manguna sa mga orkestra ng korte, at natanggap ang mga pamagat ng "composer ng korte ng instrumental na musika" at "master ng musika ng maharlikang pamilya." Ang musikero ay gumawa ng mga ballet at divertissement para sa mga kasiyahan sa korte, mga aria para sa mga dula ni J.B. Molière, at siya mismo ay sumayaw at gumanap sa mga produksyon. Bilang pinuno ng Royal Academy of Music, nakatanggap siya ng monopolyo na karapatang magtanghal ng mga opera sa France. Gumawa siya ng isang musical lyrical na trahedya, na inilipat ang mga komposisyong tampok ng mga trahedya nina P. Corneille at J. Racine sa opera. Pag-ibig sa mga kwentong mitolohiya at mga kabayanihang karakter na may kahanga-hangang damdamin, malinaw na inilalarawan nito ang mga katangiang klasiko: pastoral at idyll contrasted with pathos and heroism; sa dramaturgy contrasting parts ay inihambing at ang prinsipyo ng "musical symmetry" ay nanaig - panimula (overture) at konklusyon; Nangibabaw ang mga expressively elevated na intonasyon ng mga vocal parts at iba't ibang choir (mula folk hanggang pandekorasyon at kaakit-akit); kasama ang maraming instrumental na numero na isinagawa ng orkestra. Ito ay isang tagumpay ng social entertainment at homophonic-harmonic na istilo. Noong 1750, ang "Digmaan ng mga Buffon," na pinamunuan ni J.-J., ay sumiklab sa France laban sa magalang na mga aristokratikong opera ni Lully at ang kanyang pinakamalapit na tagasunod na si Rameau. Sina Rousseau at D. Diderot ay mga tagasunod ng Italian comic opera buffe, na ang mga tampok na demokratiko ay tinatanggap sa bisperas ng rebolusyon.

Instrumental na musika ng unang kalahati ng ika-18 siglo.

Ang pinakamaliwanag na kinatawan ng French classicism ay sina Francois Couperin at Jean Philippe Rameau. Ang mga gawa sa keyboard ng Couperin, Rameau, L.-C ay nagsisilbing isang halimbawa ng isang magagaling na istilo, katulad ng Rococo sa pagpipinta, dahil ang mga ito ay batay sa mga miniature na play ng isang portrait, visual at dance nature (. Mga mang-aani, Mga tsismis Couperin, tamburin Ramo, Cuckoo Daken), na nailalarawan sa pamamagitan ng isang malaking bilang ng mga melodic na burloloy at dekorasyon (melismas). Ang repertoire na minamahal ng mga aristokratikong bilog (mga piraso para sa lute ng French lutenist na si Denis Gautier at ng English lutenist na Dowland, harpsichord sonatas ni Scarlatti, F.E. Bach, maraming opera at ballet batay sa divertissement Gallant India Rameau at iba pa) ay nilinang ang sensual, malambot, eleganteng, mapaglarong erotikong mga imahe. Upang makakuha ng kasiyahan sa musika, kinakailangan ang isang espesyal na paraan ng pagganap: ang pagiging sopistikado at biyaya ay nakamit sa pamamagitan ng nagpapahayag na mga paghinto, ang paglalaro ng mga burloloy na may "aspiration" (French aspiration), "hanging" (suspension) - lahat na nagdadala ng musika na mas malapit sa paghinga, pinapataas nito ang declamatory expressiveness ( Couperin's treatise Ang sining ng pagtugtog ng harpsichord, 1716).

Ang suite form, na dumating sa Europa noong ika-16 na siglo, ay naging laganap. mula sa Muslim East (ang analogue nito ay nuba sa mga Arabo at Persian mula ika-9 na siglo). Ang suite ay batay sa paghahalili sa isang key (mode) ng mga dance piece, na iba-iba sa tempo, ritmo, at karakter. Simula noon, ang lute na hiniram mula sa mga Arabo ay naging popular, kung saan ang repertoire na pinagbabatayan ng suite ay ginanap na may mga pares ng magkakaibang mga sayaw. Sa mga suite para sa harpsichord at ang iba't-ibang virginal nito, ang mga sayaw ay nagiging characteristically figurative na piraso (W. Bird, G. Purcell, L. Marchand, atbp.). Sa ilalim ng impluwensya ng opera, ang melodic na pagpapahayag ng instrumental na musika ay tumitindi at ang papel ng mga instrumental na pagkakaiba-iba ay tumataas - isang anyo kung saan ang isang melodic na nagpapahayag na tema ay nangingibabaw, na binago sa paulit-ulit na pagpapakita. Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. Sa pagbuo ng isang tema, magiging mahalaga ang pagbabago ng tonal nito. Ang paghahambing ng magkasalungat na mga tema at ang kanilang mga paggalaw ng tono ay ang pangunahing prinsipyo sa paglikha klasikal na sonata, symphony, konsiyerto. Samakatuwid, ang "anunsyo" ng pangunahing (orihinal) na susi kung saan nakasulat ang sonata o symphony ay partikular na kahalagahan.

Ang panahon ng organ at lute ay nawawala sa background, na nag-iiwan ng kapansin-pansing marka sa pagbuo ng isang bagong instrumental na kultura. Ngunit ang pagkamalikhain ng organ ay tumatanggap ng bagong makapangyarihang pag-unlad (J. Sweelinck - sa Amsterdam, I. J. Froberg - sa Vienna, A. Reincken - sa Hamburg, G. Böhm - sa Luneburg, I. Pachelbel sa Erfurt, D. Buxtehude - sa Lübeck ) . Ang polyphony na "Scholarly" ay mas malapit sa mga parokyano, na kinukumpleto ng mga katutubong melodies, batay sa mga kanta at sayaw na Aleman, Pranses, Ingles, Polish, isang repertoire ng sambahayan ay nilikha para sa pagtugtog ng musika sa bahay sa organ. Ang pangunahing interes ng mga musikero ay nakatuon sa symphonic at keyboard music. Pinakamabuting natanto nila ang homophonic-harmonic na mga prinsipyo ng musikal na wika kasama ng malakihang spatial-register na tunog at tonal-modal na mga transition. Ang lute ay itinaboy pabalik ng mga Europeo. Ang instrumento ay hindi nasiyahan ang mga bagong pangangailangan ng aesthetic - nagawa niyang manatili sa isang susi lamang sa loob ng mahabang panahon. Hindi rin sapat ang hanay ng lute - mahirap patunugin ang mga kumplikadong chord harmonies dito at imposible ang malawak na pag-aayos ng mga boses. Pinalitan ng mga clavier ang lute, ngunit sila mismo ay nangangailangan ng teknikal na pagpapabuti. Ang isang makabuluhang hakbang ay ang pag-imbento sa simula ng ika-18 siglo. martilyo piano (grand piano at patayong piano), kapag ang pagpindot sa mga susi na hindi lamang epektibong paghahambing ng malakas (forte) at tahimik (piano) na mga tunog ay naging posible, kundi pati na rin ang mga dynamic na pagtaas at pagbaba. Pinahusay ng mga master mula sa Italy, Germany, at France ang instrumentong ito sa buong ika-18 siglo. at ang simula ng susunod. Ang piano, na naging isang simbolo ng modernong kultura ng Europa, ay pinalitan ang parehong lute at iba pang mga clavier. Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. ang mga unang paaralan ng mga pianista ay lumitaw sa Vienna at London (W. Mozart, L. Beethoven, J. Hummel, K. Czerny, M. Clementi, J. Field).

Musika ng mga klasikong Viennese (ika-2 kalahati ng ika-18 siglo)

Ang musika para sa mga orkestra ay pinatunog sa mga simbahan, mga kastilyo at palasyo ng pamilya, mga opera house, mga hardin at mga parke, "sa tubig", mga pagbabalatkayo, mga prusisyon ( Musika para sa paputok Ang Handel ay ginanap ng 56 na musikero sa Green Park ng London noong 1749). Ang mga instrumento ay iba-iba at kadalasan ay hindi eksaktong itinakda ng mga kompositor. Ang pag-usbong ng bowed strings ay naghanda sa pagsilang ng symphony orchestra (“24 Violins of the King” sa korte ng Louis XIV sa Paris, “Royal Chapel of Charles II” sa London, atbp.). Ang orkestra ay maaari lamang magsama ng isang instrumento ng hangin ( Malaking harana Ang B major ni Mozart para sa hangin at double bass o nilalaro ng counterbassoon habang naglalakad). Sa opera at mga orkestra ng simbahan, ang "pag-awit" ay nangingibabaw ang mga kuwerdas ng isang organ at harpsichord; at woodwinds (flute, oboes, bassoon) o tanso (trumpeta, sungay), pati na rin ang pagtambulin (timpani – hiniram sa mga Ottoman Turks). Sa pagpapabuti ng mga disenyo ng sungay, klarinete, bassoon, trombone Sa wakas ay nabuo ni Beethoven ang komposisyon ng klasikal na malaking symphony orchestra.

Ang mga tampok ng late classicism ay pinakamahusay na ipinahayag sa pagkamalikhain Mga klasikong Vienna. Sa mga lupain ng Austro-Prussian, isang transisyon ang naganap mula sa aesthetics ng imitasyon tungo sa aesthetics ng purong musika. Sa Bavaria, namumukod-tangi ang Mannheim Orchestra Chapel (pinamumunuan ni J. Stamitz). Ang paraan ng paglalaro ng mga musikero ng paaralan ng Mannheim ay nagtataglay ng mga tampok ng sentimentalismo - nagpapahayag ng pagtaas at pagbaba sa sonority, pandekorasyon na dekorasyon - "mga buntong-hininga". Ang mga symphony na kanilang ginawa, bagama't may pagkakatulad sila sa opening overture-“symphony” sa Italian operas, naging independent works na binubuo ng 4 na magkakaibang bahagi: fast (Allegro) – slow (Andante) – dance (minuet) – fast ( pangwakas). Ang parehong mga bahagi ay naging batayan ng symphonic cycle ni Haydn at ng kanyang mga tagasunod. Noong ika-18 siglo pinakamalaki sentro ng musika Ang Vienna ay naging Europa. Ang gawain ng mga kompositor ng Viennese (Haydn, Mozart, Beethoven) ay nakikilala sa pamamagitan ng rasyonalismo sa pagbuo ng anyo, lapidary at nagpapahayag na mga tema, proporsyonalidad ng mga elemento ng istraktura ng musikal, na sinamahan ng mapagbigay na melodic richness, inventiveness at dramatic pathos. Ang mga symphony, sonata, trio, quartet, quintet, konsiyerto ng mga klasikong Viennese ay mga halimbawa ng purong musika, na hindi nauugnay sa mga salita, teatro, o matalinghagang programa. Ang mga prinsipyo ng klasisismo ay ipinahayag sa pamamagitan ng purong musikal na paraan, pagsunod sa mga batas ng genre at pagbubunyag ng lohika ng plano at ang pagkakumpleto ng anyo. Ang istilo ng mga klasikong Viennese likas na kalinawan sa pagbuo ng buong gawain at bawat bahagi nito, pagpapahayag at pagkakumpleto ng bawat tema, imahe ng bawat motibo, kayamanan ng instrumental na palette. Tulad ng arkitektura ng mga panahon ng klasisismo, ang proporsyonalidad ng musikal at simetrya ay nagpapakita ng kanilang mga sarili sa eksakto o iba't ibang mga pag-uulit ng tema, sa malinaw na tinukoy na mga caesuras, sa mga cadences - huminto katulad ng malalim na mga busog sa mga sayaw, sa isang serye ng mga kaibahan, paghahambing ng mga tema at motibo, sa mga distansya (mga pagbabago) mula sa pamilyar na mga intonasyon at bumalik sa kanila, atbp. Ang mga prinsipyong ito ay mahigpit na kinakailangan para sa una at huling bahagi ng sonata at symphony , binuo ayon sa mga patakaran ng sonata allegro, pati na rin para sa iba pang mga anyo na minamahal ng mga klasiko: mga pagkakaiba-iba, rondos, minuets, scherzos, adagios.

Ang Austrian kompositor na si Joseph Haydn ay kinikilala bilang "Ama ng Symphony". Sumulat siya hindi lamang instrumental na musika, kundi pati na rin ang mga opera, kanta, at oratorio. Lumikha siya ng higit sa isang daang symphony, masayahin, may katatawanan at katutubong melodies. Ang mga symphony na ginanap sa mga palasyo ng Vienna, Paris, at London ay nawala ang kanilang aesthetics ng palasyo, ngunit napuno ng mga mala-tula na larawan ng katutubong buhay at kalikasan. Ang partikular na kahalagahan ay ang bagong sayaw ng mga tema (minuet, gavotte), na nakatulong upang palakasin ang anyo at malinaw na paghiwalayin ang tema at mga pagkakaiba-iba nito. Ang klasikal (maliit) na komposisyon ng orkestra ng symphony ay itinatag: isang string quintet (una at pangalawang violin, violas, cellos at double basses), timpani at mga pares ng mga instrumento ng hangin (flute, clarinets, oboes, bassoons, horns, trumpets). Ang apat na bahaging cycle ay naitatag na may malalim na kaibahan sa pagitan ng mabilis na una at mabagal na liriko na pangalawa, ang pangatlo sa sayaw at ang mabagyo na katapusan. Mapanlikhang ibinigay ni Haydn ang kanyang mga symphony ng isang matalinghagang kakaiba. Ang mga tagapakinig, ngunit hindi ang may-akda, ay nag-isip ng mga pangalan para sa kanila:

paalam na (№ 45), Pagluluksa (№ 49), Militar (№ 100), May tremolo timpani (№ 103), Pilosopo (№ 22), Aleluya! (№ 30), Pangangaso(No. 73), atbp.

Ang musical genius ni Wolfang Amadeus Mozart ay nagpakita ng sarili mula sa edad na 4. Ang naka-istilong Italian opera ay nakabihag sa batang Mozart; inilaan niya ang bahagi ng kanyang talento dito at lumikha ng mga maliliwanag na komedya batay dito. Ang Kasal ni Figaro), dramatiko ( Don Juan), hindi kapani-paniwala-pilosopikal ( mahiwagang plauta ) mga musikal na drama. Tinukoy ng musikal na pagpapahayag ng mga tauhan sa opera ang istilo ng kompositor at naimpluwensyahan ang paglikha ng mga himig ng instrumental na nagpapahayag ng teatro (ang malambot at malambot na pambungad na tema ng Symphony No. 40 g-moll; marilag na Symphony No. 41 C major,Jupiter at iba pa.). Siya ay nanatiling hindi matamo sa kayamanan ng melodicism, sa kakayahang lumikha ng isang malambing na cantilena, pag-unawa sa pag-unlad ng musika bilang isang natural na "umaagos" ng isang tema sa isa pa. Ang kanyang kakayahan, sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng mga instrumento, upang ihayag ang kabuuan ng maharmonya na patayo at maihatid ang maharmonya na kulay ng himig sa pamamagitan ng mga orkestra na paraan ay kamangha-mangha. Sa musika ni Mozart, lahat ng tinig, maging ang mga harmonic, at lahat ng instrumental na "kanta" ay melodized. Ang mabagal na paggalaw sa kanyang mga divertimentos, symphonic at sonata cycle ay lalong kahanga-hanga. Naglalaman ang mga ito ng hindi maiiwasang lambing na ipinahayag sa musika. Liwanag at kaluwagan ng mga tema, proporsyonalidad ng mga istrukturang pangmusika, parehong maliit (duet, trio, quartets, quintets, serenades, nocturnes), at malalaki (symphony, concert, sonata) Pinagsasama ni Mozart ang hindi mauubos na imahinasyon sa variable na pag-unlad ng isang tema (sa rondos, variations, minuets, adagios, marches). Unti-unti siyang lumalayo mula sa matahimik na mood ng kanyang mga unang gawa (orchestral serenades, divertissement) tungo sa malalim na nagpapahayag - liriko at dramatiko, kung minsan ay trahedya ( Sonata Fantasia C minor, Requiem). Si Mozart ay isa sa mga nagtatag ng sining ng pagganap ng pagtugtog ng piano at ang nagtatag ng klasikal na konsiyerto para sa solong instrumento at orkestra.

Si Ludwig van Beethoven ang naging unang "libreng artista" sa mga kompositor. Ang kanyang trabaho ay nagtatapos sa panahon ng klasisismo, na binubuksan ang panahon ng romantikismo, ngunit ang kompositor ay masyadong indibidwal, at ang kanyang estilo ay halos hindi nakakatugon sa mga pamantayan ng klasisismo. Nag-isip si Beethoven nang malakihan at pangkalahatan kung ihahambing sa mga hedonistic-divertissant na saloobin ng mga classic. Ang pagiging sopistikado at dekorasyon ay nawala sa kanyang musika, hindi ito nakalulugod sa tainga at nakita bilang "hindi makinis," na katulad ng hitsura ng kompositor, na lumakad nang walang peluka, na may "mane ng leon" at isang masungit na hitsura. Ang magandang minuet sa ika-3 kilusan ng kanyang mga symphony ay napalitan ng isang scherzo. Sa pangkalahatan, ang akda ni Beethoven ay tumutugma sa istruktura ng pag-iisip ng mga klasiko at hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa mga nakaraang Aleman (Handel, F.E. Bach, Gluck, Haydn, Mozart) at Pranses (A. Grétry, L. Cherubini, G. Viotti) na mga kompositor. Beethoven's Heroics (opera Fidelio, symphonic overtures Egmont, Coriolanus, Symphony No. 3) ay nabuo ng Rebolusyong Pranses. Isang musikero sa buhay at sa kanyang trabaho, tinanggap niya ang mga mithiin ng "Deklarasyon ng Mga Karapatan at Kalayaan ng Mamamayan." Ang panawagan para sa pagkakapantay-pantay, kalayaan at kapatiran ng lahat ng mga tao ay napakatingkad na nakapaloob sa ika-4 na kilusan ng Symphony No. 9, kung saan naririnig ang mga talata ng oda ni Schiller. Sa kagalakan. Ang pangunahing tema ng final ngayon ay naging awit ng European Union. Ang kalooban ni Beethoven, na hinamak ang karahasan at paniniil, ay nahayag sa lahat ng dako. Pinatunayan niya ang kanyang sariling paghihimagsik sa kapalaran, nilabanan ang pagkabingi na nanaig sa kanya, at ang kalayaan mula sa aristokrasya at kapangyarihan. Ang pagtitiyak ng kanyang estilo ay ipinakita sa pagguho ng mga prinsipyo ng klasiko ng pag-unlad ng musika, sa paglabag sa mga proporsyon at simetrya. Malaya siyang "itigil" ang matahimik na pag-agos ng oras sa patuloy na pag-uulit ng isang matalas na malakas na chord (tulad ng sa 1st movement ng Symphony No. 3). Ang musikal na anyo ng kanyang mga komposisyon ay naging mas malaya, at ang emosyonal na kapangyarihan ay mas maliwanag: mula sa mga liriko na intonasyon (Piano Sonata No. 14 Lunar, Symphony No. 6 Pastoral) sa mga suwail (Sonata para sa piano Passionata, Kreutzer Sonata para sa violin), nakakaawa (Sonata No. 8 Kalunus-lunos, Symphony No. 3, No. 5) sa trahedya (funeral march sa ikalawang paggalaw ng Sonata No. 12 at Symphony No. 3).

ROMANTISMO SA MUSIKA NOONG 19TH CENTURY

ika-19 na siglo - ang siglo ng kasagsagan ng musikal na kultura ng Kanlurang Europa. Ang mga bagong paraan ng pagpapahayag ng musika ay umuusbong, na nagpapakita ng malalim na indibidwal na potensyal ng mga kompositor. Ang kakanyahan ng romantisismo ay pinakamahusay na ipinahayag sa musika. Ang mga gawa ng mga romantikong kompositor, na naghahatid ng kayamanan ng mundo ng mga emosyonal na karanasan ng tao at ang mga kakulay ng kanyang personal na damdamin, ay bumubuo ng batayan ng modernong repertoire ng konsiyerto. Ang romantikismo ay hindi lamang mga liriko, ngunit ang pangingibabaw ng mga damdamin, mga hilig, mga espirituwal na elemento, na kilala lamang sa mga sulok ng sariling kaluluwa. Kinikilala sila ng isang tunay na artista sa tulong ng napakatalino na intuwisyon. Noong ika-19 na siglo Ang musika ay ipinahayag hindi sa estadistika, ngunit sa dinamika, hindi sa abstract na mga konsepto at makatwirang mga konstruksyon, ngunit sa emosyonal na karanasan buhay ng tao. Ang mga damdaming ito ay hindi nailalarawan, hindi pangkalahatan, ngunit napapailalim sa bawat sandali ng pag-playback ng musika. Para sa mga romantiko, ang "pag-iisip sa mga tunog" ay mas mataas kaysa sa "pag-iisip sa mga konsepto", at "nagsisimula ang musika kapag nagtatapos ang mga salita" (G. Heine).

Binibigyang-diin ng mga musikero ang kanilang koneksyon sa kanilang tinubuang-bayan at gumuhit ng inspirasyon mula sa mga katutubong layer ng kultura ng musika. Ganito ka national mga paaralan ng musika, na inilalantad ang nasyonalidad ng bawat romantikong kompositor at ang pagka-orihinal ng kanyang istilo: Carl Maria Weber, batay sa German folk melodies at fairy tale, nilikha pambansang opera (Libreng tagabaril, 1821); Mikhail Ivanovich Glinka - Ruso ( Buhay para sa Tsar, 1836); Ang mga instrumental at vocal na gawa ni Franz Schubert ay puno ng Austrian melodies at pang-araw-araw na sayaw (Ländler, waltz), at sa larangan ng vocal music, siya, tulad ni Robert Schumann, ang mga tagalikha ng bagong genre ng German song na Lied; hindi lamang mazurkas at polonaises para sa piano, ngunit ang lahat ng mga gawa ni Fryderyk Chopin, na nanirahan sa Paris, ay napuno ng mga intonasyon ng kanyang tinubuang-bayan - Poland; pagiging isang Hungarian, Franz Liszt, sa patuloy na paglalakbay sa buong Europa, nilikha Hungarian Rhapsodies para sa piano at isinalin ang mga ritmo ng sayaw ng Hungarian camelcat; Ang gawa ni Richard Wagner ay batay sa mitolohiya at pilosopiya ng Aleman; Si Edvard Grieg ay nakakuha ng inspirasyon mula sa Norwegian na imahe, sayaw at kanta; Iginuhit ni Johannes Brahms ang mga tradisyon ng German polyphonists at nilikha German Requiem; Bedrich Smetana at Antonin Dvorak - sa Slavic melos, Isaac Albeniz - sa Espanyol.

Ang pagbabagong punto na naganap sa kulturang Europeo pagkatapos ng Rebolusyong Pranses ay nagdala ng bagong layer ng mga mamimili ng musika - ang mga burgher. Ang kultura ng hukuman at maharlika ay ibinalik sa background. Ang piling kapaligiran ng mga tagapakinig ay pinalitan ng isang malawak na kapaligiran ng mga naninirahan sa lungsod ang mga tagagawa, negosyante, at intelektwal ay naging mga mamimili ng mga gawang musikal. Kasama na ngayon ang mga kompositor, na ang malikhaing koneksyon sa madla ay nasa mga kamay ng mga negosyante. Naririnig ang musika sa mga pampublikong bulwagan ng konsiyerto, sinehan, cafe, institusyong pang-edukasyon, mga musikal na lipunan. Ang mga mamamayan ay lalong naaakit sa nakakaaliw na musika, at ang mga propesyonal na genre na "mas madaling" maramdaman - operetta - ay umunlad. (J. Offenbach - sa France), orchestral dance waltzes (I. Strauss - sa Vienna). Bilang karagdagan sa pagtangkilik sa mga sining, ang mga kompositor ay tumanggap din ng kanilang kabuhayan mula sa kanilang sariling mga aktibidad sa pagsasagawa, pianistiko, at pagtuturo. Ang mga aktibidad sa pamamahayag ng mga kompositor mismo ay nakakakuha ng kahalagahan. Kaya, idineklara nina Berlioz at Schumann sa kanilang mga artikulo ang isang "digmaan" sa kabastusan, kawalang-galang at gawain, na umunlad sa katauhan ng mga walang talento na "mga pampublikong paborito" sa kanilang paligid. Nilikha ni Schumann ang "Bagong Musical Newspaper", na inilathala ito sa ngalan ng mga kathang-isip na karakter - mga miyembro ng "David Union", na diumano ay pinag-isa ang kanyang mga katulad na kaibigan. Mula noong panahong iyon, ang mga kompositor ay hindi lamang lumikha ng musika, ngunit nagpapahayag din ng kanilang mga saloobin tungkol dito at tungkol sa sining (mga libro Sining at rebolusyon, Opera at drama Wagner).

Papalapit na naman ang musika sa salita. Ang terminong "romantisismo" na lumitaw sa mga bilog na pampanitikan (ipinakilala ni Novalis) ay ganap na tumutugma sa mga detalye ng gawain ng mga kompositor noong ika-19 na siglo. at simula ng ika-20 siglo. Ang literatura at musika ay "pinagkakasundo" sa isa't isa "sa unyon ng sakramento": "Ang mundo ay nabighani lamang, / sa bawat bagay ay may natutulog na string / Gumising na may mahiwagang salita - / maririnig ang musika." (J. von Eichendorff). Ang pilosopikal na pag-iisip nina Herder, Schelling, Schopenhauer ay nagdala ng musika na mas malapit sa tula at naghiwalay kapwa mula sa iba pang mga uri ng sining dahil sa kanilang pansamantalang kalikasan: proseso, pagbabago, pagbabago, walang kapaguran na paggalaw - ang batayan ng musika at pagkamalikhain sa salita. Ang isang mahalagang lugar sa mga akda ng mga romantiko ay inookupahan ng pagnanais na ikonekta ang musika sa ilang mga paksa at imahe (panitikan, patula, pictorial): Margarita sa umiikot na gulong, Hari ng kagubatan Schubert; Tasso Dahon; Mga pangarap, Magmadali, Carnival Schumann). Mas gusto ng mga musikero na lumikha ng maliliit na vocal na "drama" batay sa mga teksto ni G. Heine, W. Müller, L. Relshtab, F. G. Klopstock, I. V. Goethe, F. Schiller at iba pa: Hari ng kagubatan, Serenade, Doble, mga ikot ng kanta Ang ganda ng asawa ni miller, 1823, paglalakbay sa taglamig, 1827 Schubert; Pag-ibig ng makata, 1840 Schumann). Sa kabila ng koneksyon sa pagkamalikhain sa panitikan, ang mga romantiko ay nagpapakita ng mga bagong panig pagpapahayag ng musika, na nagpapakita ng kanilang sarili sa pinakamataas na anyo nito - instrumental ("purong"), hindi nauugnay sa salita. Samakatuwid, ang malalim na emosyonal na imahe ng mga preludes at nocturne ni Chopin para sa piano o sonata, intermezzo at concerto ni Brahms ay hindi nababawasan ng kawalan ng mga pamagat ng programa sa mga ito.

Ang musikal na drama ay patuloy na umunlad sa Italya, at ang "fashion" para sa mga produksyon ng opera ng Italyano ay nagpatuloy sa lahat ng dako. Ang mga idolo ng Opera ay: sa unang kalahati ng siglo Gioachino Antonio Rossini, sa pangalawa - Giuseppe Verdi. Sa sining ng opera, lumilitaw ang isang direksyon na malapit sa pampanitikan - verism (P. Mascagni, R. Leoncavallo, G. Puccini, gayunpaman, sa hilaga, lumilitaw ang opera sa isang bagong anyo, na may kulay ng isang pambansang epiko, engkanto,). at mito. Isang uri ng romantikong opera ang nililikha ( Undine E.T.Hoffman, 1813, Libreng tagabaril Weber, 1820, tetralogy Singsing ng Nibelung Wagner, 1852–1874) - kabaligtaran ng Italyano at Pranses na mga opera ng makatotohanan, liriko, komiks at makasaysayang mga plano ( Barbero ng Seville Rossini, 1816; Norm V. Bellini, 1831; Mga Huguenot J. Meyerbeer, 1835; Romeo at Juliet C. Gounod, 1865; gayuma G. Donizetti, 1832; Rigoletto, 1851, Traviata, 1853, Aida, 1870, Falstaff, 1892 Verdi; Carmen J. Bizet, 1875).

Ang mga romantikong kompositor ay nakaramdam ng hindi pagkakasundo sa katotohanan at hinahangad na "itago" mula sa isang mundong laban sa kanila sa fiction o isang magandang panaginip. Ang musika ay nagsisimulang mag-record ng mga banayad na emosyonal na pagbabagu-bago, madamdamin na mga pores, at pabagu-bagong mood - isang salamin ng mga tunay na alalahanin at mga tadhana sa buhay ng mga musikero, na kung minsan ay trahedya. Ang instrumental na miniature ay naging malapit sa mga kompositor; nilikha ang mga bagong genre ng piano: impromptu, etude, nocturne, prelude, mga cycle ng mga piraso ng programa, ballad, na nakatanggap ng espesyal na pag-unlad sa mga gawa ng mga natitirang pianista (Schumann, Chopin, Liszt, Brahms).

ika-19 na siglo - ang siglo ng tagumpay ng "panitikan" ng piano. Hindi lamang ang disenyo ng piano ay napabuti, kundi pati na rin ang pamamaraan ng pagtugtog nito, ang kakayahang lumikha ng isang singing cantilena at nagpapahayag ng mga melodic na linya ay ipinahayag. Ang ritmo ng mga kompositor ay nagpalaya sa sarili mula sa mga "kadena" ng mga klasikong caesuras at ang mahigpit na regularidad ng mga figure ng sayaw. Ang mga romantikong komposisyon ay puno ng improvisational na kadalian, kapag ang melody ay sumusunod sa pagkakaiba-iba ng mga galaw ng damdamin, ayon sa nilayon ng may-akda at bilang ang gumaganap ay maaaring madama. Ang papel na ginagampanan ng nuance at ang papel ng pagganap ng musika ay tumataas.

Mga gawa ng mga kompositor ng unang kalahati ng ika-19 na siglo. mayroon pa ring mga koneksyon sa mga tradisyon ng mga klasikong Viennese, ngunit lumalabag sa mga batas ng mga klasikong genre: sa France, si Hector Berlioz ay lumikha ng isang autobiographical Isang kamangha-manghang symphony o isang episode mula sa buhay ng isang artista(1830) ng 5 bahagi, kabilang ang hindi lamang isang martsa (ika-4 na bahagi), kundi pati na rin ang isang waltz (ika-2 bahagi); Sumulat si Schubert ng mga symphony para sa orkestra, kung saan ang pinaka-kapansin-pansin ay ang "non-normative" symphony, na binubuo ng 2 bahagi (symphony sa B minor Hindi natapos, 1822). Ang mga musikero ay hindi interesado sa kagandahan ng mga proporsyon ng musikal ng sonata-symphonic cycle, ngunit sa sound brilliance ng orkestra, ang kakayahang "gumuhit" ng mga imahe. Kaya naman, kahanga-hanga ang orkestra na “larawan” ng masasamang espiritu na dumadagsa sa isang piging sa gabi. Kamangha-manghang Symphony Berlioz (bahagi 5 Coven), kung saan hinahampas ng mga violinist ang mga string gamit ang baras ng busog upang ihatid ang "clanging bones". Ang senswalidad ay nasa harapan sa symphony ng mga romantiko. Pinalitan nila ang intelektwalidad ng klasikal na symphony ng isang symphonic overture at isang tula, kung saan mayroon lamang isang kilusan, at lahat ay nasasakop sa programang pampanitikan: ang mahiwagang fairy-tale na kapaligiran ng komedya ni W. Shakespeare - sa F. Mendelssohn-Bartholdy Isang panaginip sa isang gabi ng tag-araw (1826), pilosopong drama J.V. Goethe - mula sa Liszt sa Tasso.Reklamo at Tagumpay(1856), ang mga trahedya ni Shakespeare - ni P.I Romeo at Juliet(1880). Sa pagkamalikhain late romantics(Liszt, Wagner) ang papel ng leitmotif ("nangungunang motibo") ay pinalakas bilang isang nauulit, nakikilalang katangian ng imahe. Ang orkestra sa mga opera ni Wagner ay nakakakuha ng espesyal na kahalagahan, na kapansin-pansin hindi lamang sa pagiging makulay nito, kundi pati na rin sa karagdagang semantic load na nakuha sa pamamagitan ng sistema ng mga leitmotif na binuo ng may-akda (ang motif ng Grail kingdom sa opera. Lohengrin, 1848). Minsan ang musikal na tela ng orkestra ay "hinabi" mula sa kanila, at sila ay sinasadya o hindi sinasadya na "naiintindihan" ng mga tagapakinig, tulad ng sa eksena ng pakikipagkita ni Tristan kay Isolde ( Tristan at Isolde, 1865), kung saan pinapalitan ng mga motibo ang isa't isa: "uhaw para sa isang petsa ng pag-ibig", "pag-asa", "pagtatagumpay ng pag-ibig", "kagalakan", "pagdududa", "pagkakabalisa na pagtatanghal", atbp.). Ang pamamaraan na nilikha ni Wagner ng pagsasama-sama ng hindi kumpletong mga tema-melodies, ngunit maliit at iba-iba sa pagpapahayag ng kanyang intonation-harmonic na "mga segment" (melodies-"shreds"), ay magiging nangungunang sa thematicism ng mga kompositor ng unang bahagi ng ika-20 siglo.

Musika sa pagtatapos ng ika-19–20 siglo.

Sa France, ang mga romantikong tampok ay nakakuha ng isang bagong kulay, ay puspos ng mga pandekorasyon na elemento, mga kakaibang "motif" ng kolonyal na Silangan (S. Frank, C. Saint-Saens). Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. dito nagmula ang istilo impresyonismo sa musika at simbolismo. Ang lumikha nito ay ang kompositor na si Claude Achille Debussy, na ang mga gawa para sa orkestra Prelude to a Faun's Afternoon (1894), Nocturnes(1899), na ginanap pagkatapos ng mga unang eksibisyon ng mga impresyonistang artista, ay nakakuha ng kanyang katanyagan bilang isang impresyonistang musikero. Nanatiling tapat si Debussy sa mga programmatic na ideya ng Romantics ( Hapon ng isang Faun, Batang babae na may flaxen na buhok, Mga hakbang sa niyebe, Mga paputok atbp.), ngunit hindi nagsusumikap para sa tangibility ng mga imahe, ngunit para sa kanilang visibility. Isinulat niya ang ilan sa kanyang mga gawa "mula sa buhay", "sa bukas na hangin" (symphonic sketches dagat, 1905). Ang kanyang musika ay walang hilig ng tao. Ang simbolikong kahalagahan nito ay tumataas (opera Pelias at Melisande, 1902): siya ay sapat sa sarili, at, "nilikha para sa hindi maipahayag," "lumabas mula sa mga anino upang bumalik sa pana-panahon" (Debussy). Sa pamamagitan ng pagkamit nito, ang kompositor ay lumilikha ng isang bagong musikal na wika, na humahantong sa pagkawasak ng mga pamantayan ng klasisismo at romantikismo. Sa intonasyon, si Debussy ay malapit sa French melodies, ngunit umaasa sa mapagnilay-nilay na kagandahan ng Silangan, na kanyang kinagigiliwan, mga impression mula sa komunikasyon sa kalikasan, kasama ang literary bohemia ng France, mula sa pagtugtog ng Javanese "gamelan" orchestra, na dinala. sa Paris para sa World Exhibition noong 1889. Debussy's orchestra, in The opposite of German orchestras, ito ay nabawasan sa bilang ng mga instrumento, ngunit puspos ng mga bagong kumbinasyon. Ang mga motif-kulay, texture-kulay, harmonies-kulay ay nangingibabaw, tulad ng mapapalitang "sound spot", na nagpapatalas sa nagpapahayag na kahulugan ng prinsipyo ng sonority sa musika (tunog o sound-timbre na pangkulay, caloricity). Ang sound fabric ay nagiging mas transparent (ang mga layer ng bawat boses ay malinaw na naririnig) at napalaya mula sa "presyon" ng normative harmonic at tonal na mga istraktura (ang mga pagtatapos ng melodies - cadences - nawawala). Ang mga tampok ng impresyonismo, bilang isa sa mga nangungunang paggalaw ng musika noong unang bahagi ng ika-20 siglo, ay natagpuan ang pagpapahayag sa mga gawa ni M. Ravel, F. Poulenc, N. A. Rimsky-Korsakov, O. Respighi.

KULTURANG MUSIKA NG IKA-20 SIGLO

Musika ng ika-20 siglo ay nakikilala sa pamamagitan ng isang pambihirang pagkakaiba-iba ng mga istilo at uso, ngunit ang pangunahing vector ng pag-unlad nito ay ang pag-alis mula sa mga nakaraang istilo at ang "pagkabulok" ng wika ng musika sa mga bumubuo nitong microstructure. Ang mga pagbabago sa sosyal at kultural na larangan ng Europe ay nakakatulong sa paglahok ng mga bagong non-European musical phenomena, at ang pagkonsumo ng mga produkto ng musika sa audio media ay nagbabago ng mga saloobin sa musika. Nagsisimula na itong maunawaan bilang isang pandaigdigang kababalaghan, at ang paggana nito sa consumer at entertainment ay lumalakas. Ang papel ng kulturang masa at popular mga genre ng musika, sila ay hiwalay sa kultura ng mga piling tao, Western European musical classics at propesyonal na akademikong kompositor na aktibidad. Noong 1950s at 1960s, isang bagong kultura ng kabataan ang lumitaw, na nagpoposisyon sa sarili bilang isang "kontra-kultura" kung saan ang rock music ay gumaganap ng isang nangungunang papel. Ang mga pagbabago sa musikal na teknolohiya at aesthetic na mga alituntunin ay na-compress sa oras at ang hitsura ng lahat ng bago ay itinuturing bilang isang matalim na pagtanggi sa nauna (alternatibong musika ng huling bahagi ng ika-20 siglo).

Musika ng unang kalahati ng ika-20 siglo.

Sa Pransya, umuusbong ang mga bagong uso na tumatanggi sa impresyonismo bilang isang napaka-"languid" na istilo, na wala sa totoong buhay. Uso na ang eccentricity, buffoonery, at outrageousness. Ang subverter ng mga nakaraang istilo, si Erik Satie, ay nabigla sa pagiging bago ng kanyang mga opus (ballet Parada para sa tropa ni S. Diaghilev, 1917 3 pirasong hugis peras At Mga pinatuyong embryo para sa piano). Ipinakilala niya ang mga tunog ng makinilya, beep, katok, propeller hum, at jazz sa kanyang mga komposisyon. Lumilitaw ang isang aesthetics ng musika, na ginagampanan ang papel na "wallpaper ng musika"—furnishing. May inspirasyon ng mga ideya ni J. Cocteau (manifesto Tandang at Harlequin, 1918), ang ideologist ng bagong "malusog at puno ng hiyawan ng mga lansangan at parada" na musika, ang mga kompositor ay nagkakaisa sa iba't ibang komunidad. Ang "Six" (“French Six”) na komunidad ay namumukod-tangi, na kinabibilangan ni Arthur Honegger, ang lumikha ng isang urban piece para sa orkestra na nagdiriwang ng kapangyarihan ng bagong lokomotibo. Pasipiko 231(1913) at isang bilang ng mga neoclassical opuses (oratorio-mystery Joan of Arc sa taya, 1935); may-akda ng sira-sira na ballet ( toro sa bubong, 1923), na nakakuha ng inspirasyon mula sa alamat ng Brazil na si Darius Milhaud; Francis Poulenc, Debussy admirer at opera reformer (mono opera Boses ng tao, 1958).

Expressionism sa musikal na kultura ng Germany.

Melodic at harmonic na wika ng mga kompositor ng Aleman at Austrian noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. (Wagner, Brahms, A. Bruckner, G. Mahler, R. Strauss, G. Wolf, M. Reger) ay naging mas kumplikado, ang orkestra ay tumaas sa laki, at ang musikal na notasyon ay oversaturated sa mga tagubilin ng may-akda sa larangan ng mga nuances . Ang interes ng mga musikero sa mga panloob na karanasan at mga matataas na imahe ay tumitindi (opera Salome R. Strauss, 1905), trahedya at kataka-taka (2 symphony sa c minor ni Mahler, 1894). Ang huli na romantikismo ng Aleman ay "naghanda ng lupa" para sa isang bagong istilo - expressionism . Ang papel ng personalidad ng artista ay pinalakas, ang kanyang indibidwal na karanasan at makahulang pananaw sa mundo ay nakakakuha ng kahalagahan. "Natuklasan ng kompositor panloob na kakanyahan mundo at nagpapahayag ng pinakamalalim na karunungan sa isang wika na hindi naiintindihan ng kanyang isip; tulad ng isang somnambulist na gumagawa ng mga konklusyon tungkol sa mga bagay na wala siyang ideya sa estado ng paggising” (A. Schopenhauer). Ang mga ideya ng musikal na globalismo ay nagsisimula nang maisakatuparan: "Ang musika ay may kakayahang maghatid ng isang makahulang mensahe na naghahayag ng mas mataas na anyo ng buhay kung saan ang sangkatauhan ay gumagalaw." Dahil dito, siya ay "nakikiusap sa mga tao ng lahat ng lahi at kultura" (A. Schoenberg, artikulo Pamantayan sa pagsusuri ng musika).

Ang kapaligiran ng buhay kultural sa Alemanya at Austria sa simula ng ika-20 siglo. ay napuno ng mga kalunus-lunos na pag-aalala sa hinaharap na mga digmaang pandaigdig. Dito nagkaroon ng malay-tao na pagkasira ng tonal na pag-iisip ng mga nakaraang panahon - ang batayan ng musikal na wika ng mga klasiko at romantiko.

Ang pagtanggi sa tonal center (tonic) na nakikita sa isang tiyak na lugar ng trabaho at ang pagkahumaling ng iba pang mga tono at pagkakaisa dito ay nabuo sa pamamagitan ng proseso ng chromatization ng sound series, ang emancipation ng lahat ng labindalawang semitones ng ang tempered scale. Ang tonic bilang isang matatag (panghuling) musikal-sikolohikal na suporta ay iniiwasan, ang pakiramdam ng patuloy na paggalaw ng hindi matatag na mga tunog, ang sikolohikal na pag-igting ng paghihintay para sa isang gamot na pampalakas na hindi umiiral, ay tumindi. Ang panimulang tono ay tumindi, na naglilipat ng isang hindi pagpapatuloy sa isa pa - mula sa isang bagong susi. Ang isang pagkakapareho ng mga posibleng tonics ay itinatag, wala sa mga ito ang ginustong. Ang pamamaraan na ito, na katangian na ng Wagner at post-Romantic composers (R. Strauss, A. Bruckner), ay humantong sa paglitaw dodecapony(lit. - "labindalawang tunog") - "isang sistema ng labindalawang tunog na magkakaugnay lamang sa isa't isa," gaya ng tinukoy ng tagapagtatag nito, ang Austrian na kompositor na si Arnold Schoenberg. Siya rin ang may pananagutan sa paglikha ng isang bagong istilo ng "speech singing" o "speaking singing" ("Sprachgesang"), kung saan ang eksaktong taas ng mga tono ng tono ay wala. Ang mga tagasunod ng pamamaraang dodecaphonic (o "series technique") ay bumuo ng bagong paaralang Viennese (Schoenberg at ang kanyang mga mag-aaral na sina Alban Berg (1885–1935) at Anton Webern). Dahil lahat ng labindalawang tono ay nasa sukat ay idineklara na pantay, ang paraan ng paglikha ng dodecaphonic na musika ay batay sa mga bagong "makabuluhang yunit", na naging bawat indibidwal na tunog ng tunog. Tono at kumbinasyon ng ilang magkakaibang tono ( serye), ngunit hindi ang melody, hindi ang melodic-harmonic complex ay nagsimulang gumanap ng function ng isang "musical theme". Ang pagpapahayag ng naturang mga tema ay nakamit gamit ang mga diskarte na naglilimita sa pag-uulit ng mga tono at serye. Nagsimulang ipahayag ng musika ang mga damdamin ng pagkawala, pagkabalisa, kaguluhan, pagkapira-piraso ng kamalayan - mga palatandaan ng pagpapahayag. Ang kredo ng mga ekspresyonistang musikero ay ipinahayag sa mga salita ni Schoenberg: "Ang sining ay sigaw ng mga lumalaban sa kapalaran." Natagpuan ng serial technique ang napakasining na embodiment nito sa post-war cantata ni Schoenberg Nakaligtas mula sa Warsaw(1947), konsiyerto para sa biyolin at orkestra ( Sa alaala ng isang anghel, 1935) at opera ni Berg ( Wozzeck, 1925). Ang gawa ni Webern ay nagsiwalat ng mga tampok ng musical pointillism, kapag "eventfulness" in pag-unlad ng musika bumababa lamang sa pagbabago ng mga tono mismo - ang kanilang tagal, timbre at dynamic na pagbabago ng kulay. Ang mga gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang hindi pa naganap na kaiklian (ang kabuuang tagal ng lahat ng 31 opus ni Webern ay tatlong oras ng oras ng paglalaro) at ang matinding saturation ng tono ng musika (punto) na "impormasyon." Ang mga prinsipyo ng serial writing technique (isang pinalawak na paraan ng dodecaphony) ay mangingibabaw sa mga gawa ng maraming kompositor.

Sa unang kalahati ng ika-20 siglo. phenomena ay umuusbong sa Europa na lumikha ng mga preconditions para sa avant-gardeism. Ang mga kompositor ay bumaling sa hindi pangkaraniwang mga timbre, ritmo, intonasyon (folklore, jazz, exotic oriental instruments, ingay), pagpapalawak ng saklaw ng materyal ng musika mismo at pagtaas ng arsenal ng mga paraan na ginamit. Ang isang espesyal na pag-update ay sinusunod sa lugar ng ritmo, na nagiging mas matigas, mas agresibo, mas magkakaibang sa karakter at puspos ng mga elemento ng exotic at archaic. Tumataas ang interes sa mga genre ng sayaw, plastik, entablado at oratorio. Nagiging materyal para sa paglikha ng mga bagong akda batay sa mga makabagong pamamaraan ng pagsulat ang mito, fairy tale at tunay (o inilarawan sa pang-istilong) folklore sa musika. Ang bagong direksyon ng alamat (neo-folklore) ay pinili nina Igor Stravinsky, Bela Bartok, at Carl Orff.

Ang isang katangian na tanda ng mga panahon ay ang maraming mga kompositor ay "subukan" ang kanilang sarili sa iba't ibang mga estilo, na nagbibigay ng kagustuhan sa isa o ibang pamamaraan sa iba't ibang panahon ng kanilang trabaho: mula sa "Russian folklorism" (mga unang ballet Sagradong tagsibol, Firebird, Parsley, itinanghal noong 1910–1913 sa Paris) – sa polystylistics (ballet Pulcinella, 1920) at neoclassicism ( Symphony of Psalms, 1948 at Mga awit ng libing, 1966) - ito ang hanay ng Igor Stravinsky. Ang iba't ibang mga estilo ay minsan pinagsama sa isang sanaysay sa anyo ng isang espesyal na paraan ng malikhaing - polystylistics. Ang ninuno nito ay ang Amerikanong kompositor na si Charles Ives, na, sa loob ng isang komposisyon, ay pinagsama ang mga salmo, ragtime, jazz, makabayan at mga awiting pangtrabaho, mga martsang militar, at mga harmoniya ng koro. Ang mga uri ng polystylistics tulad ng quotation, allusion, at collage ay nagsisimula nang gamitin.

Nanaig ang uso para sa walang tono (atonal) na musika, bagama't hindi lahat ng kompositor ay sumunod dito. Ang ilan, sa kabaligtaran, ay nagtanggol artistikong kahalagahan ang tonal na pundasyon ng melody at nagpakita ng interes sa non-classicism. Marami sa mga gawa ng Aleman na kompositor na si Paul Hindemith, kasama ang kanyang pagtuturo sa komposisyon, ay nagbigay-diin sa kahalagahan ng, kung hindi ang mode, at hindi bababa sa tonal center bilang isang nagpapahayag na paraan ng musika. Hindi mahalaga kung ang isang akda ay nakasulat sa mayor o minor, ito ay tinatawag ayon sa pangunahing tono kung saan ito nagtatapos (Symphony in B for winds, 1951; cycle of pieces for piano Ludus tonalis, 1942). Ang pag-asa sa mayor-minor na pag-iisip ay nagpapakilala rin sa gawain ni Honegger, Poulenc, kompositor ng Italyano na si Alfredo Casella (1883–1947), atbp.

Ang gawa ng Pranses na kompositor na si Olivier Messiaen (1908–1992) ay nakikilala sa pamamagitan ng istilong pagka-orihinal nito. Nagawa ng kompositor na ipailalim ang ritmo at timbre na mga inobasyon na kanyang natagpuan, na resulta ng pag-aaral ng kultura ng India ( Turangalila, 1948), matataas na espirituwal na kaisipang may likas na teolohiko at panteistiko. "Nakikipag-usap" siya sa mga madla ng concert hall tungkol sa mga walang hanggang halaga sa isang simpleng anyo ng musika ( Tatlong maliliit na liturhiya para sa banal na presensya, 1941, Dalawampung pananaw sa sanggol na si Hesus, 1944).

Musika ng ikalawang kalahati ng ika-20 siglo.

Kultura ng ika-2 kalahati ng ika-20 siglo. minarkahan ng isang matalim na pagtanggi sa mga nakaraang uso sa istilo. Ang pamamaraan ng pagsulat ng labindalawang tono ay nanatiling pinakamoderno at pangunahing para sa karamihan ng mga serial composers noong 1940s at 1950s. Mahalaga para sa 1950s ang reaksyon sa serial pamamaraan na ipinahayag sa isang artikulo ng Pranses na kompositor at konduktor na si Pierre Boulez Patay na si Schoenberg!(1952). Siya, tulad ng Italyano na kompositor na si L. Berio, ay pinupuna ang paglikha ng musika gamit ang mga serye, dahil ang pamamaraang ito ay "walang kaugnayan sa totoong musika." Ang musikal na pamana ng mga kompositor ng ika-20 siglo. naglalaman ng maraming magkasalungat na phenomena: neo-romanticism at sonorism, serialism at aleatorism, electronic constructivism at minimalism. Ang paglitaw ng neo-romanticism (string quartets ni V. Rome; 2nd symphony at 2nd concerto para sa cello at orchestra ni Krzysztof Penderecki, 1980, 1982; concerto para sa piano at orchestra ni Zygmunt Krause, 1985) ay naging mulat sa pagbabalik ng ilang musikero ang mga romantikong mithiin ng nakaraan, isang pagtanggi sa musikal na eksperimento at konstruktibismo, na naging batayan ng propesyonal na pagkamalikhain sa musika noong ika-20 siglo.

Ang isang radikal na break sa Western European musical tradisyon ay naganap sa kalagitnaan ng ika-20 siglo, kapag ang isang kilusan na tinatawag na avant-garde ay nabuo sa gitnang Europa. Ang nangunguna sa musikal na avant-gardeism ay maaaring ituring na iba't ibang mga indibidwal na pagpapakita ng paghahanap para sa isang bagong musikal na wika, na pinagsama ng ideya ng pagtalikod sa mga nakaraang tradisyon. Sa lugar ng kapanganakan ng futurism, sa Italya, kompositor at pintor na si Luigi Russolo Manifesto ng Musical Futurism(1913) na tinatawag na: "Idirekta ang tubig mula sa mga kanal patungo sa mga crypts ng museo at bahain ang mga ito! At hayaang dalhin ng agos ang mga canvases!", "Hindi na natin mapipigilan ang ating pagnanais na lumikha ng bagong realidad, hindi kasama ang mga violin, piano, double bass at mga organong nagdadalamhati. I-break natin sila! Idineklara ni Russolo na natural o mekanikal na ingay ang ideal ng bagong realidad (libro Ang arte ng ingay, 1961): “Tawid tayo sa malaking lunsod nang nakabukas ang ating mga mata at tainga at masisiyahan tayo sa tunog ng bumubulusok na tubig, hangin, gas sa mga metal na tubo, ang paggiling ng mga tren sa mga riles..., ang pag-awit ng mga kurtina at mga watawat. sa hangin." Ang ideyang ito ay nakapaloob sa gawain ng Amerikanong kompositor na si Edgard Varèse (Pranses sa pamamagitan ng kapanganakan), na sa mga gawa noong 1920s ( Mga integral, Hyperprism, Densidad) pinagsama ang tunog at ingay, gamit ang mga ingay ng pandayan, tunog ng gumaganang sawmill, at mga tunog tulad ng mga sirena.

Ang bagong paraan ng pagbubuo ng musika ay likas na eksperimental. Ang pangunahing layunin ng pagkamalikhain ay ang paghahanap para sa mga bagong paraan ng pagpapahayag sa pamamagitan ng "pagkakabisado" sa pinagmulang materyal kung saan ang mismong mga ideya ng "musika" ay maaaring "mabuo": ang pokus ng atensyon ng mga kompositor ay hindi pagitan o ritmo, ngunit tunog, timbre nito, amplitude, frequency, duration , pati na rin ang ingay, pause. Ang mga parameter na ito ng istraktura ng musika ay walang etniko o pambansang attachment - "ang mga tunog ay hindi na Amerikano sa kalikasan kaysa sa Egyptian" (J. Cage). Dahil kinilala na ang wika ng musika ay ganap na naubos, ang isa ay maaaring "magsimula sa simula, nang hindi lumilingon sa mga guho" (Stockhausen). Ang pagbubuo ng musika ay naging "isang paggalugad ng posibilidad ng pagkonekta ng bagay" (György Ligeti). Ang isang eksperimento sa musika ay hindi tungkol sa paglikha ng isang gawa ng sining, ito ay "isang aksyon na ang mga resulta ay hindi maaaring makita" (Cage).

Sa isang banda, pinagtatalunan na ang batayan ng musika ay discursively ordered thinking. Samakatuwid, ang priyoridad ay ibinigay sa mga teknolohiya ng musika, at ang "pormal na pagkakasunud-sunod" na umaabot "sa kailaliman ng musika, sa antas ng microstructure" (Boulez). Ang mga bagong makatwirang pamamaraan ng gawaing pangmusika ay umaakit sa marami na nauugnay sa matematika at pisikal-teknikal na edukasyon (Boulez, Milton Babbitt, Pierre Schaeffer, Yanis Xenakis - ang imbentor ng kanyang sariling computer para sa paglikha ng mga elektronikong komposisyon na may mga programa sa komposisyon batay sa mga pormula sa matematika at pisikal na batas). Sa kabilang banda, nabighani sa pilosopiya ng Budismo, ang Amerikanong kompositor na si John Cage ay naglagay ng mga estetika ng "katahimikan sa musika" (aklat Katahimikan, 1969), na nagpapatunay na ang musika ay hindi nilikha sa papel, ngunit "ipinanganak mula sa kawalan ng laman, mula sa katahimikan", na "kahit na katahimikan ay musika." Isinalin niya ang ideyang ito sa kanyang sikat na silent opus, na inutusan ang musikero na "manahimik sa loob ng 4 na minuto at 33 segundo" bago magsimulang tumugtog ng instrumento ( 4"33"" tacet, 1952). Ang "Silent music" ay humantong sa paglikha ng isang bagong genre ng musika - instrumental na teatro(sa mga gawa ng Aleman na kompositor na si Maurizio Kagel (b. 1931), Stockhausen, Italyano na kompositor na si Luciano Berio, b. 1925, atbp.).

Maraming mga kompositor ang bumaling sa gawain ng kanilang mga klasikal na nauna, hindi lamang bilang mga sipi sa musika, ngunit bilang isang sanggunian sa musika sa mga gawa ni Bach, Debussy, Berlioz, Beethoven, Mussorgsky, Stravinsky, gamit ang pamamaraan ng "montage" (sa mga gawa ng Kagel).

Ang interes ng mga kompositor sa alamat ay nakakakuha ng mga bagong tampok. Hindi lamang nila muling ginagawa ang kanilang sariling musikal na folklore, ngunit lalong bumaling sa mga tunay na dokumento ng musikal ng mga kulturang hindi Europeo - etniko at relihiyosong musika ng iba't ibang mga tao, malawak na pag-access kung saan ay ibinigay ng mga tagumpay ng modernong musikal na etnograpiya (lalo na ang American etnomusicology) at ang mga paglalakbay ng mga kompositor sa mga bansang Aprikano at Asyano, ang kanilang pag-aaral "sa lupa" ng mga tradisyunal na kasanayan sa musika (mga Amerikano - Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley, Pranses na si Jean-Claude Elois, atbp.). Sa gawain ng ilang musikero, matagumpay na ginagamit ang mga makabagong pamamaraan sa pagsulat upang ipahayag ang mga ideyang pampulitika o pilosopikal, kultural na kagustuhan (oratorio). Namatay si irae. Sa memorya ng mga biktima ng Auschwitz, 1967, Penderecki, vocal-electronic na komposisyon Hindi na kailangang ipagpalit si Marx, 1968, Italyano na kompositor na si Luigi Nono, b.1924).

Ang isa sa mga makabuluhang figure ng Western European avant-garde ay ang Aleman na kompositor na si Karlheinz Stockhausen, na, sa kanyang mga gawa, libro, at aktibong gawain, ay bumalangkas ng espesyal na papel ng kompositor: "ang isang modernong artista ay isang tumatanggap ng radyo, na ang kanyang sarili -Ang kamalayan ay nasa saklaw ng superconscious." Malawakang ginagamit ang lahat ng modernong uri ng avant-garde, sinisikap niyang ipahayag ang malalim na mga ideyang pilosopikal na inspirasyon ng kanyang interes sa mistisismo ng India ( Mantra, 1970), sa astrolohiya ( Zodiac, 1975–1976), sa isang esoteric na interpretasyon ng kanyang malikhaing papel, bilang kakayahang isama ang mga tunog ng Cosmos o bigyang-kahulugan mga kuwento sa Bibliya(mga opera Huwebes mula sa Liwanag, 1978–1980, Sabado mula sa Liwanag, 1981–1983, Lunes mula sa liwanag, 1985–1988).

Ang interes sa panoorin ng mga pagtatanghal sa musika at konsiyerto, tulad ng "mga palabas," ay tumitindi: mga aktor, mimes, kasuotan, ilaw at sound effects. Ang mga kondisyon ng konsyerto para sa pagtatanghal ng musika ay nagbabago, kapag ang mga musikero ay maaaring ibaba sa isang kuweba upang makamit ang pabilog na resonance, at ang mga tagapakinig ay maaaring ilagay sa mga nasuspinde na upuan sa itaas ng kalaliman. Ang mga espesyal na bulwagan ng konsiyerto ay itinatayo (Beethoven Hall sa Bonn, 1970, La Geod hall, isang istraktura sa mga suburb ng Paris sa anyo ng isang bola ng salamin na pinakintab na bakal na 36 m ang lapad). Binuksan ang mga espesyal na electronic studio na nilagyan ng mga synthesizer, na nagiging mga internasyonal na sentro para sa pagtuturo ng bagong musika (Center Georges Pompidou sa Paris). Ang eksperimento sa musika ay kinikilala bilang pangunahing layunin ng malikhaing gawa ng kompositor. Ang Unang Internasyonal na Dekada ng Eksperimental na Musika ay ginanap (Paris, 1958), ang mga International Summer Course ay binuksan at gaganapin bagong musika sa Darmstadt (Germany), summer music school sa Darlington (UK). Ang mga kompositor ay hindi lamang nakakabisado ng mga bagong pamamaraan at pamamaraan ng paglikha ng musika, ngunit nagbibigay din ng mga lektura, sumulat ng mga gawa sa eksperimentong musika, nagsusuri at nagkomento sa kanilang sariling mga gawa. Ang paglikha ng musika mismo at ang paglikha ng mga teksto tungkol sa musikang ito (ang mga gawa ng Messiaen, ang mga multi-volume na publikasyon ng Stockhausen, ang mga artikulo ng Cage, atbp.) ay isang katangiang katangian ng pagkamalikhain ng kompositor noong ika-20 siglo.

Ang avant-garde trend sa musika ay lumikha ng Electronic music. Noong unang bahagi ng 1950s, nagsimula ang karunungan ng mga tunog, ingay at pagbuo ng mga bagong elektronikong instrumento. Ang mga electronic music studio ay sumisibol: sa Cologne, kung saan nagsusulat si Stockhausen; sa Paris sa French radio, kung saan nagtatrabaho ang isang pangkat ng mga mananaliksik - Boulez, Messiaen, Pierre Henri, P. Schaeffer. Ang tagapagtatag ng bagong elektronikong direksyon, unang tinawag na konkretong musika, si Schaeffer, may-akda ng publikasyon Tungo sa pag-aaral ng konkretong musika(1952), gumanap ang kanyang mga komposisyon para sa magnetic tape sa mga konsyerto (Paris, 1948). Nilikha ni Schaeffer kasama si Henri Symphony para sa isang tao(1951) ay nagpakita ng masining na pagpapahayag ng elektronikong musika. Batay sa electronic spatial sound effects Elektronikong tula Varese (1958), gumanap sa Phillips Pavilion sa World's Fair ng 425 loudspeaker na may 11 channel bawat isa. Ang mga komposisyon ni Cage ay naging kapansin-pansing opus sa lugar na ito ( Marso No. 2 para sa 12 radyo, 1951) at Stockhausen ( Mga Himno 1966–1967).

Sonoristics - isang direksyon na naglalagay ng timbre (timbre-texture) na mga kakayahan ng musikal na sining sa unahan. Ang pagpapahayag ng agwat (melodic-thematic relief) ay kumukupas sa background, na nagbibigay-daan sa sound coloring at saturation. Maaaring walang pitch ang isang buong tunog. Ang lugar ng mga musikal na nuances at mga pamamaraan ng paggawa ng tunog ay hindi kapani-paniwalang lumalawak. Ngayon ang "timbre ay naging pinakamahalagang kategorya sa komposisyon" (Boulez). Ang mga eksperimento na may tunog ay humahantong sa hindi pangkaraniwang pagkislap, pagtugtog ng mga instrumentong may kuwerdas sa tulay, sa at sa likod ng tulay, pagtama sa leeg, katawan ng piano, pagkanta habang humihinga, pagbulong, pagsigaw, pag-awit nang walang panginginig ng boses, pagtugtog ng busog sa isang cymbal o vibraphone, tumutugtog sa isang mouthpiece, sa mga tunog ng pilak na tray, toilet cistern, atbp. ( Mga kapaligiran Ligati, 1961; Mga banggaan G.-M. Guretsky, 1960; De natural sonoris Penderecki, 1970). Ang handa na piano ay nagsimula, kung saan nagsagawa ng mga eksperimento si Cage ( Aklat ng musika para sa 2 inihandang piano, 1944). Binago ng instrumento ang timbre nito sa proseso ng espesyal na paghahanda - pag-clamping ng mga string gamit ang mga espesyal na susi, paglalagay sa mga string o pagpasok sa pagitan ng mga ito. iba't ibang bagay(metal, goma, kahoy), atbp.

Ang Aleatorics (Latin: "dice", "lot") ay isang paraan na naging reaksyon sa isang nakapirming komposisyon, kung saan ang lahat ng paraan at parameter ay kinokontrol para sa gumaganap. Lumilitaw ang gawain bilang isang partikular na sandali o yugto ng proseso ng komposisyon, kung saan "mas mahalaga ang mga pamamaraan kaysa sa mga resulta" (Carl Dahlhouse). Sa pamamagitan ng pagtutuon ng interes sa isang musikal na kaganapan, ang tagapalabas at tagapakinig ay kasangkot sa isang tiyak na aksyon, makibahagi dito at ibahagi ang "responsibilidad" ng may-akda para sa panandaliang gawaing ginagawa. Ang aleatoric na pagsasanay ay humantong sa paglikha ng hindi kumpletong notasyong pangmusika, kumbensyonal, eskematiko, graphic, script-text na mga anyo ng imahe. Hindi naayos sa pag-record, ang mobile na "teksto" ng isang musikal na komposisyon ay nakakuha ng pagkakataon na lumikha ng mga bagong bersyon ng pagganap nito, magsagawa ng mga panloob na muling pagsasaayos ng mga bahagi, atbp. (Boulez Piano Sonata 3 – 1957, Mga Larong Venice Witold Lutosławski, 1962.) Ang matinding anyo ng pagpapakita ng aleatorics ay ang nangyayari.

Sa pagtatapos ng 1950s, ang pamamaraan ng minimalism (sa Pransya - "pag-eensayo" na musika) ay ipinanganak, batay sa pag-uulit ng pinakasimpleng mga istrukturang pampakay, ngunit sa isang espesyal na paraan, hiniram mula sa mga obserbasyon ng teknikal na "panghihimasok" sa engineering ng radyo , ng mga acoustic discrepancies. Ang ideya ng pagtatrabaho sa pinakasimpleng pampakay na mga pormasyon ay iniharap ni Cage ( Mga Lektura sa Wala, 1959), ngunit ang nagtatag ng bagong eksperimento ay ang Amerikanong kompositor na si Steve Reich. Sa sanaysay Musika ng pendulum(1968), ang pangunahing "instrumento" ay naging isang nasuspinde na mikropono, hinila pabalik at indayon na parang pendulum sa espasyo ng acoustic system. Ang batayan ng pag-unlad sa minimalism ay ang hindi kasabay na tunog ng parehong pampakay na modelo sa eksaktong o minimally binagong pag-uulit nito. Lumilikha ito ng epekto ng "nagtatagpo" nang sabay-sabay at "nag-iiba" na tunog sa isang ensemble na tunog ( Piano phase, 1967). Sa isang malawak na kahulugan, ang minimalism sa musika ay nagsimulang tukuyin ang pamamaraan ng paglikha ng isang gawa batay sa minimum nagpapahayag na paraan– isa o higit pang melodic figure na binuo gamit ang psychophysiological effect: maraming repetitions, technical-acoustic overlay, dynamic build-ups, contrasts, tempo accelerations, atbp. Sa America, ang istilong ito ay tinawag ding "New York School of Hypnosis." Ang mga kinatawan ng unang alon ng minimalism ay ang mga Amerikanong kompositor na sina T. Riley, F. Glass, Morton Feldman at iba pa.

Sa pagtatapos ng ika-20 siglo. Ang Avant-gardeism ay nauubos ang sarili nito, na nakakaimpluwensya sa iba pang mga uri ng musikal na kultura - jazz, rock, musika ng pelikula. Ang resulta nito ay maaaring ituring na isang bagong pag-unawa sa musika na binuo ng mga kontemporaryo at isang bagong saloobin sa materyal na kung saan ito ginawa, na ngayon ay kinabibilangan ng pinakamalawak na hanay ng lahat ng kilalang makasaysayang at heograpikal na mga istilo at instrumental at tunog na mga teknolohiya. Bilang, tulad ng mataas na musikal na sining ng Europa, isang elitist phenomenon, ang avant-garde ay nawala sa kultura ng pang-araw-araw na buhay, na nagtatagumpay hanggang ngayon. Ang taglay nitong mga bagong musikal na anyo ng paglikha ng musika sa tulong ng mga programa sa kompyuter at mga high sound na teknolohiya ay nagbibigay ng bagong uri ng non-academic na aktibidad sa musika, na naa-access ng isang baguhang musikero na dalubhasa sa mga batas ng pagbuo ng isang musikal na gawain sa labas ng mga dingding ng tradisyonal. mga institusyong propesyonal sa musika.

Tamila Jani-Zadeh, Walida Kelle

Panitikan:

Buchan E. Musika ng Rococo at Classical na panahon. 1934
Druskin M.S. Keyboard music ng Spain, England, Netherlands, France, Italy, Germany noong ika-16-18 na siglo. L., 1960
Musical aesthetics ng Western European Middle Ages at Renaissance. M., 1966
Musik der Altertums. Musikgeschichte sa Bildern. Bd. 2. Leipzig, 1968
Salman W. Haus-und Kammermusik/ Privates Musizieren im Gesellschaftlichen Wandel zwischen 1600 und1900. Musikgeschichte sa Bildern. Musika der Mittelalters und der Renaissance. Bd.4. Leipzig, 1969
Schneerson G. Pranses na musika noong ika-20 siglo. Edisyon 2. M., 1970
Kholopova V.N. Mga isyu ng ritmo sa mga gawa ng mga kompositor ng unang kalahati ng ika-20 siglo. M., 1971
Schwab H.W. Konzert. Musikgeschichte sa Bildern. Musika der Neuzeit. Bd. 4. Leipzig, 1971
Druskin M.S. Tungkol sa musikang Kanlurang Europa noong ika-20 siglo. M., 1973
Musical aesthetics ng France. M., 1974
Kholopov Yu.N. Mga sanaysay sa Modern Harmony. M., 1974
Musika ng ika-20 siglo. Mga materyales at dokumento. M., 1975
Dubravskaya T.N. Musika ng Renaissance. ika-16 na siglo. M., 1976
Salman W. Musikleben sa 16. Jahrhundert. Musikgeschichte sa Bildern. Musika der Mittelalters und der Renaissance. Lief. 9. Leipzig, 1976
Livanova T.N. Kanlurang European na musika noong ika-17-18 siglo sa mga sining. M., 1977
Mga aesthetics ng musika ng Kanlurang Europa noong ika-17-18 siglo. M., 1977
Yarocinsky S. Debussy, impresyonismo at simbolismo. M., 1978
Rosenschild K.K. Musika sa France noong ika-17 at unang bahagi ng ika-18 siglo. M., 1979
Druskin M.S. Kasaysayan ng banyagang kultura ng musika. Ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo. M., 1980
Evdokimova Yu.K., Simakova N.A. Musika ng Renaissance. M., 1982
. Tomo 2. M., 1982
Estetika sa musika Alemanya XIX V. Vol.1, 2. M., 1981, 1982
Evdokimova Yu.K. Polyphony ng Middle Ages ng X-XIV na siglo. Kasaysayan ng polyphony. Isyu 1. M., 1983
Livanova T.N. Kasaysayan ng musika sa Kanlurang Europa hanggang 1789. siglo XVIII. Tomo 1. 2nd ed. M., 1983
Filenko G.T. Pranses na musika ng unang kalahati ng ika-20 siglo. L., 1983
Musika ng ika-20 siglo. Mga sanaysay. Bahagi 2: 1917-1945. Aklat 4. M., 1984
Bogoyavlensky S.N. Italyano na musika Unang kalahati ng ika-20 siglo. M., 1986
Zhitomirsky D.V., Leontyeva O.T., Myalo K.G. Western musical avant-garde pagkatapos ng World War II. M., 1989
Konen V.D. Pangatlong layer. Mga bagong mass genre sa musika ng ikadalawampu siglo. M., "Musika", 1994
Lobanova M.N. Western European musical baroque. M., 1994
Barsova I.A. Mga sanaysay sa kasaysayan ng notasyon ng marka (XVI - unang kalahati ng siglong XVIII). M., 1997
Konen V.D. Mga sanaysay sa kasaysayan ng banyagang musika. M., 1997
Kultura ng musika: XIX-XX. Vol. 2. M., 2002
Saponov M. A. Minstrels. Isang libro tungkol sa musika ng medieval Europe. M., 2004
Fortunatov Yu.A. Mga lektura sa kasaysayan ng mga estilo ng orkestra. M., 2004



gawaing kurso

"Pambansang katangian at kultura ng Espanya"




Panimula

Kabanata 1. Pangkalahatang impormasyon tungkol sa Espanya

1.1 Kasaysayan ng Espanya

1.2 Heograpiya ng Espanya

Kabanata 2. Kultura ng Espanya

2.1 Panitikan

2.2 Arkitektura at sining

2.3 Musika

2.5 Edukasyon

2.6 Libangan at palakasan

Kabanata 3. Pambansang katangian ng Espanya

3.1 Tradisyon ng Espanya

3.2 Mga Espanyol

3.3 Wikang Espanyol. Kasaysayan ng wikang Espanyol

3.4 mga pista opisyal sa Espanya

3.5 Kasuotang Espanyol

3.6 Pambansang lutuin ng Espanya

3.7 Maikling paglalarawan ng mga lungsod, rehiyon at resort sa Spain

3.8 Tanawin ng Espanya

3.9 Panahon sa Spain

Konklusyon

Bibliograpiya

Panimula




Ang anumang bansa at kultura nito ay umiiral nang mahabang panahon, at natural na sa mahabang panahon ay hindi nagbabago ang mga tradisyon nito. Mayroong iba't ibang mga punto ng pagbabago, mga pagbabago sa mga alituntunin, lahat ng bagay na ginagawang posible na pag-usapan ang tungkol sa pag-unlad, ebolusyon o rebolusyon ng pambansang kultura. Laban sa background na ito ng patuloy na pagbabago, mahirap na sistematikong ilarawan ang anumang pambansang kultura. Karamihan sa mga may-akda ay nagsasama sa kanilang mga kahulugan ng mga elementong bumubuo ng sistema ng pambansang kultura tulad ng wika, relihiyon at sining, ngunit wala sa mga elementong ito sa kanilang sarili ang maaaring magsilbi bilang isang tampok na nagpapakilala sa isang pambansang kultura mula sa iba. Paano maiiwasan ang isang mapaglarawang diskarte sa pambansang kultura, kapag sa halip na teorya, alinman sa kultural na kasaysayan o historiosophy (sa anyo ng isang "pambansang ideya") ay iminungkahi? Ang pare-pareho at matatag na mga katangian ng pambansang kultura ay mahirap ihiwalay, at maraming mga diskarte sa problemang ito. Iminumungkahi namin bilang pangunahing mga kategorya ng pagsusuri na kunin ang mga katangiang naroroon sa kultura ng isang bansa sa buong kasaysayan nito, na, sa isang banda, pinapayagan itong mapanatili ang katatagan at pagkakakilanlan nito, at sa kabilang banda, itakda ang tiyak na mode. ng dinamika at katangian ng mga pagbabago sa kasaysayan.

Ang kaugnayan ng paksa ng pananaliksik ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa kontekstong ito. Ang bansang ito, na matatagpuan sa paligid ng mga pangunahing kaganapan ng ikadalawampu siglo, ngayon ay sumasakop sa isang nangungunang posisyon kasama ng iba pang mga bansa sa Europa. Bilang karagdagan, ngayon na ang Europa ay gumagawa ng isa pang pagtatangka sa pagkakaisa, ang mga makabuluhang pagkakaiba sa pagitan ng mga bahagi nito ay nakalantad. Ang kultural na konsepto ng "Western Europe", sa mas malapit, mas maingat na pagsusuri, ay gumuho at nagpapaliwanag ng kaunti sa mga kaso kung saan kinakailangan upang bumuo ng isang ideya ng isang partikular na bansa na heograpikal na nauugnay sa Europa.

Kabanata 1. Pangkalahatang impormasyon tungkol sa Espanya




Espanya ay isang European state na matatagpuan sa Iberian Peninsula, na ang kabisera ay Madrid. Ang pinuno ng Espanya ay si Haring Juan Carlos. Ang anyo ng pamahalaan ay isang monarkiya ng konstitusyonal. Hangganan ng Spain ang France, Portugal, Andorra at ang English colony ng Gibraltar, at hinuhugasan ng Mediterranean Sea at Atlantic Ocean.

Ang bansa ay kabilang sa Balearic, Pitius at Canary Islands, ang mga bundok at talampas ay bumubuo sa 90% ng lugar nito, at ang Mount Mulacén (ang pinakatimog na punto ng Europa, kung saan nagpapatuloy ang snow kahit na sa tag-araw) ay matatagpuan sa teritoryo ng estadong ito.

Klima: Sinasakop ng Espanya ang isang subtropikal na sona at nailalarawan sa pamamagitan ng klimang Mediterranean sa halos lahat ng teritoryo nito. Ang mga likas na kondisyon ng estado na ito ay malapit sa parehong European at African, ngunit mayroon din silang sariling mga katangian dahil sa heograpikal na lokasyon ng Iberian Peninsula.

Populasyon, mga wika: Ang Espanya ay may populasyon na 39.6 milyon. Ang opisyal na wika ay Espanyol bilang karagdagan, ang Basque, Catalan at Galician ay sinasalita dito.

Oras: Sa karamihan ng bansa ito ay nahuhuli sa Moscow ng 2 oras, sa isla ng Tenerife - ng 3.

Pera: Ang pera ng bansa ay ang Euro (EUR). Sa malalaking lungsod maaari kang gumamit ng VISA, MASTER CARD, AMERICAN EXPRESS credit card.

Mga oras ng pagbubukas ng mga institusyon: Bukas ang mga tindahan mula 09.00 hanggang 13.30 at mula 16.30 hanggang 20.00. Ang mga maliliit na tindahan sa mga lugar ng resort ay karaniwang bukas hanggang 22.00. Ang mga department store ay bukas mula 10.00 hanggang 21.00 (Lunes - Sabado), nang walang pahinga. Sa departamento ng serbisyo maaari kang mag-isyu ng isang tax free coupon, na nagbibigay ng diskwento sa mga dayuhan. Bukas ang mga bangko mula 9:00 hanggang 14:00, mga museo - mula 10:00 hanggang 14:00, maliban sa mga sentral. Nagpapahinga ang mga empleyado tuwing Sabado ng hapon at Linggo. Sa tag-araw, karamihan sa mga restaurant at bar ay tinatanggap ang kanilang mga bisita sa buong araw.

Mga tip: Sa mga hotel, restaurant at bar, kadalasang kasama sa bill ang mga tip, ngunit dito ay kaugalian na i-round up ang halaga. Karaniwang ibinibigay ang mga tip sa mga doormen, mga taga-usher ng tiket sa teatro, at sa mga tumutulong sa iyo sa pamamasyal. Sa ibang mga kaso, ang mga tip ay karaniwang umaabot sa 5-10% ng singil.

Transportasyon: Sa Spain, ang mga land transport link ay ibinibigay ng malawak na binuo na network ng mga kalsada at riles. Mayroong isang mahusay na itinatag na sistema ng paglipad ng hangin sa pagitan ng mga pangunahing lungsod. Bilang karagdagan, ang mainland ng bansa ay konektado sa kontinente ng Africa, ang Balearic at Canary Islands sa pamamagitan ng mga pampasaherong barko.

Sa mga lugar ng resort, ang pag-arkila ng kotse ay magagamit para sa mga turista na higit sa 21 taong gulang. Upang tapusin ang isang kasunduan, kailangan mong magkaroon ng isang pasaporte, isang internasyonal na lisensya sa pagmamaneho (na may hindi bababa sa isang taon ng karanasan) at isang deposito ng 50 hanggang 100 US dollars. Ang pagrenta ng kotse tulad ng Opel Corsa o Ford Fiesta ay nagkakahalaga ng humigit-kumulang $40 bawat araw. Ang gastos ng pag-upa ng kotse ay may kasamang seguro, ngunit ang gastos ng gasolina ay karaniwang hindi isinasaalang-alang sa kabuuang halaga, iyon ay, na natanggap ang kotse na may isang buong tangke, dapat na ibalik ng kliyente na puno din ito. Ang isang litro ng gasolina sa Spain ay nagkakahalaga ng humigit-kumulang $0.9.




1.1 Kasaysayan ng Espanya




Matatagpuan sa sangang-daan ng Europa at Africa, ang Espanya at ang Iberian Peninsula ay napapailalim sa mga pagsalakay ng mga lahi at sibilisasyon. Dumating ang mga Romano sa Espanya noong ika-3 siglo BC, ngunit tumagal sila ng dalawang siglo upang masakop ang peninsula. Unti-unting pinagtibay ang mga batas, wika at tradisyon ng mga Romano. Noong 409 AD, ang Romanong Espanya ay nasakop ng mga tribong Aleman at noong 419 ay naitatag ang Kaharian ng Visigothic. Ang mga Visigoth ay namuno hanggang 711, pagkatapos nito ay tumawid ang mga Muslim sa Straits of Gibraltar at tinalo si Roderic, ang huling Gothic na hari.

Noong 714, nakuha ng mga hukbong Muslim ang buong peninsula maliban sa mga bulubunduking lugar sa hilagang Espanya. Ang pananakop ng mga Muslim sa katimugang Espanya (na tinawag ng mga Kastila na Al-Andalus) ay tumagal ng halos 800 taon. Sa panahong ito, umunlad ang sining at agham, binuo ang mga bagong pananim at teknolohiya sa agrikultura, at itinayo ang mga palasyo, mosque, paaralan, hardin, at pampublikong paliguan. Noong 722, sa Covadonga sa hilagang Espanya, isang maliit na hukbo na pinamumunuan ng Visigothic na haring Pelayo ang nagdulot ng unang pagkatalo sa mga Muslim. Ang labanang ito ay minarkahan ang simula ng Reconquista - ang pagbabalik ng Espanya ng mga Kristiyano.

Sa pagtatapos ng ika-13 siglo, ang Castile at Aragon ay lumitaw bilang dalawang pangunahing sentro ng kapangyarihan ng Kristiyanong Espanya, at noong 1469 sila ay pinagsama sa pamamagitan ng kasal ni Isabella, isang Castilian prinsesa, at Ferdinand, tagapagmana ng Aragonese trono. Tinawag na mga Katolikong Monarko, pinag-isa nina Isabella at Fernando ang buong Espanya at pinasimulan ang isang ginintuang panahon. Noong 1478, itinatag nila ang kilalang-kilalang malupit na Inkisisyon ng Espanya, kung saan libu-libong Hudyo at iba pang mga erehe ang pinatalsik at pinatay. Noong 1478 kinubkob nila ang Granada, at pagkaraan ng 10 taon ay sumuko sa kanila ang huling Muslim na hari, na minarkahan ang pinakahihintay na pagtatapos ng muling pagsakop sa bansa.

Ang Spain ay naging isang malaking New World empire matapos dumating si Columbus sa America noong 1492. Habang inaagaw ng mga mananakop ang lupain mula Cuba hanggang Bolivia, dumaloy ang ginto at pilak sa kaban ng Espanya mula sa Mexico at Peru. Monopolyo ng Espanya ang kalakalan sa mga bagong kolonya at naging isa sa pinakamakapangyarihang bansa sa mundo. Gayunpaman, ang proteksyonismong ito ay humadlang sa pag-unlad ng mga kolonya at humantong sa isang serye ng mga magastos na digmaan sa England, France at Netherlands.

Nang ma-guillotin si Louis XVI noong 1793, nagdeklara ang Espanya ng digmaan laban sa bagong Republikang Pranses ngunit natalo. Noong 1808, ang mga tropa ni Napoleon ay pumasok sa Espanya, at ang korona ng Espanya ay nagsimulang mawalan ng kapangyarihan sa mga kolonya. Dahil sa isang pag-aalsa sa Madrid, nagkaisa ang mga Espanyol laban sa mga Pranses at nakipaglaban sa limang taong digmaan para sa kalayaan. Sa wakas ay nasugpo ang mga puwersa ng Pransya noong 1813, at pagkaraan ng isang taon ay muling kinuha ni Fernando VII ang trono ng Espanya. Ang sumunod na dalawampung taong paghahari ni Fernando ay isang negatibong halimbawa ng monarkiya. Sa panahon ng kanyang paghahari, ang Inkisisyon ay naibalik, ang mga liberal at konstitusyonalista ay inusig, at ang kalayaan sa pagsasalita ay ipinagbabawal. Nakaranas ang Espanya ng matinding pagbaba ng ekonomiya at ang mga kolonya ng Amerika ay nakamit ang kanilang kalayaan.

Ang nagwawasak na Digmaang Espanyol-Amerikano noong 1898 ay nagmarka ng pagtatapos ng Imperyong Espanyol. Ang Espanya ay natalo ng Estados Unidos sa isang serye ng isang panig na labanan sa dagat, na nagresulta sa pagkawala ng Cuba, Puerto Rico, Guam at Pilipinas, ang huling pag-aari nito sa ibang bansa. Nagpatuloy ang mga problema ng Espanya hanggang sa unang bahagi ng ika-20 siglo. Noong 1923, habang ang bansa ay nasa bingit ng digmaang sibil, ipinahayag ni Miguel Primo de Riviera ang kanyang sarili na diktador ng militar at namuno hanggang 1930. Noong 1931, tumakas si Alfonso XIII sa bansa at naipahayag ang Ikalawang Republika, ngunit hindi nagtagal ay naging biktima ito ng panloob na tunggalian. Hinati ng halalan noong 1936 ang bansa sa dalawang kampo: kasama ang pamahalaang republika at mga tagasuporta nito sa isang panig (isang hindi mapakali na alyansa ng mga komunista, sosyalista at anarkista na naglalaban upang pataasin ang pagkakapantay-pantay sa lipunan at bawasan ang papel ng simbahan) at ang nasyonalistang oposisyon (isang kanang-wing alyansa ng hukbo, simbahan, monarkiya at Phalanges - mga partidong may pasistang paniniwala) sa kabilang banda.

Ang pagpaslang sa pinuno ng oposisyon na si José Calvo Sotelo ng pulisya ng Republikano noong Hulyo 1936 ay nagtulak sa hukbo na ibagsak ang gobyerno. Sa kasunod na digmaang sibil (1936-39), ang mga nasyonalista ay nagtamasa ng malawakang suportang militar at pinansyal mula sa Nazi Germany at Pasistang Italya, habang ang kanilang mga kalaban ay nagmula lamang sa Russia at, sa mas mababang lawak, mula sa mga inter-brigade na binubuo ng mga dayuhang idealista. Sa kabila ng banta ng pasismo, tumanggi ang England at France na suportahan ang mga Republican.

Noong 1939, ang mga nasyonalista, na pinamumunuan ni Franco, ay nanalo sa digmaan. Mahigit 350,000 Espanyol ang namatay sa pakikibaka, ngunit hindi doon natapos ang pagdanak ng dugo. Tinatayang 100,000 Republicans ang pinatay o namatay sa bilangguan pagkatapos ng digmaan. Sa panahon ng 35-taong diktadura ni Franco, ang Espanya ay naubos ng mga blockade, hindi kasama sa NATO at UN, at nagdusa mula sa isang pag-urong ng ekonomiya. Noong unang bahagi lamang ng 1950 nagsimulang bumawi ang bansa, nang ang pagtaas ng turismo at ang pakikipag-alyansa sa Estados Unidos ay nagbigay nito ng kinakailangang suporta. Noong 1970, nararanasan ng Espanya ang pinakamabilis na lumalagong ekonomiya sa Europa.

Namatay si Franco noong 1975, na dating hinirang si Juan Carlos, ang apo ni Alfonso XIII, bilang kanyang kahalili. Sa trono ni Juan Carlos, lumipat ang Espanya mula sa diktadura patungo sa demokrasya. Ang mga unang halalan ay ginanap noong 1977, isang bagong konstitusyon ang isinulat noong 1978, at ang isang nabigong kudeta ng militar noong 1981 ay isang walang saysay na pagtatangka na ibalik ang orasan. Noong 1982, sa wakas ay sinira ng Espanya ang nakaraan sa pamamagitan ng pagpili ng isang sosyalistang gobyerno na may mayoryang boto. Ang tanging seryosong pagkukulang sa domestic front noong panahong iyon ay ang kampanyang terorista na isinagawa ng separatist military group na ETA, na naglalayong bigyan ng kalayaan ang Basque homeland. Sa loob ng tatlumpung taon ng aktibidad ng terorista, ang grupong ETA ay pumatay ng mahigit 800 katao.

Noong 1986, sumali ang Espanya sa EU, at noong 1992 ay minarkahan nito ang pagbabalik sa entablado ng mundo: ang Olympic Games ay ginanap sa Barcelona, ​​​​Expo 92 sa Seville, at ang Madrid ay idineklara ang European Capital of Culture. Noong 1996, bumoto ang mga Espanyol para sa isang konserbatibong partido na pinamumunuan ni José Maria Aznar, isang tagahanga ni Elton John at dating inspektor ng buwis. Noong Marso 2000, muli siyang nahalal na may ganap na mayorya; ang kanyang tagumpay ay naiugnay sa matatag na estado ng ekonomiya ng Espanya, na lumago ng 45% bawat taon sa panahon ng paghahari ni Aznar.




1.2 Heograpiya ng Espanya




Ang Espanya ay matatagpuan sa timog-kanluran ng kontinente ng Europa sa Iberian Peninsula. Sa kanluran ito ay hangganan ng Portugal (haba ng hangganan 1214 km), sa hilaga - kasama ang France (623 km) at Andorra (65 km), sa timog - kasama ang Gibraltar (1.2 km). Sa silangan at timog ito ay hinuhugasan ng Dagat Mediteraneo, sa kanluran ng Karagatang Atlantiko, at sa hilaga ng Bay of Biscay. Pag-aari ng Spain ang Balearic at Canary Islands, pati na rin ang limang sovereign zone sa baybayin ng Morocco. Ang kabuuang haba ng hangganan ay 1,903.2 km, ang haba ng baybayin ay 4,964 km. Ang Spain ay may matagal nang hindi pagkakaunawaan sa teritoryo sa Britain tungkol sa isyu ng Gibraltar.

Sinasakop ng Spain ang 85% ng Iberian Peninsula. Ang gitnang bahagi ng bansa ay inookupahan ng malawak na talampas ng Meseta na may Cordillera Central bulubundukin, na binubuo ng Sierra de Guadarrama, Sierra de Gredos, at Sierra de Tata. Sa hilaga ay ang Cantabrian Mountains. Ang Pyrenees Mountains ay umaabot sa hangganan ng France (Peak Aneto, 3,404 m). Sa silangan ay matatagpuan ang mga bundok ng Iberian at Catalan. Sa timog ay ang mga bundok ng Sierra Morena at Andalusian. Ang Mount Mulacén, sa taas na 3,482 m, ay ang pinakamataas na mainland point sa Spain at matatagpuan sa mga bundok ng Andalusian. Ang Mount Pico de Teide (3,710 m) ay matatagpuan sa pinakamalaking ng Canary Islands, Tenerife. Ang mga pangunahing ilog ng bansa ay ang Tagus, Duero, Guadalquivir, Guadiana, at Ebro.

Kabanata 2. Kultura ng Espanya




Ang Spain ay may kahanga-hangang artistikong pamana. Ang mga haligi ng gintong panahon ay ang mga artistang sumunod sa Toledo: El Greco at Diego Velazquez. Si Francisco Goya ay ang pinaka-prolific na artista ng Spain noong ika-18 siglo at lumikha ng mga kamangha-manghang makatotohanang larawan ng maharlikang pamilya. Sa simula ng ika-20 siglo, ang mundo ng sining ay naimpluwensyahan ng mga kontrobersyal na artistang Espanyol - sina Pablo Picasso, Juan Gris, Joan Miró at Salvador Dali. Ang arkitektura ng Espanya ay napaka-magkakaibang: mga sinaunang monumento sa Menorca sa Balearic Islands, mga guho ng Romano sa Merida at Tarragona, ang pandekorasyon na Islamic Alhambra sa Granada, mga gusali ng Mudejar, mga Gothic na katedral, mga palasyo at kastilyo, mga kamangha-manghang modernistang monumento at mga kakaibang eskultura ng Gaudí.

Ang isa sa mga pinakadakilang halimbawa ng fiction sa mundo ay ang nobelang Don Quixote La Manca noong ika-17 siglo, na isinulat ng Espanyol na si Miguel Cervantes. Kabilang sa mga kilalang Espanyol na manunulat noong ika-20 siglo sina Miguel de Unamuno, Federico García Lorca at Camilo José Cela, nagwagi ng 1989 Nobel Prize sa Literatura. Kabilang sa mga sikat na manunulat sina Adelaide García Morales, Ana Maria Matute at Montserrat Roig. Ang mga pelikulang Espanyol ay minsang nauugnay sa gawain ng surrealist na henyo na si Louis Buñuel, na nabuhay sa halos buong buhay niya sa ibang bansa. Sa kasalukuyan, ang mga ito ay kinakatawan ng mga maluho na farces ni Pedro Almodóvar, na nakamit ang napakalaking tagumpay sa internasyonal na antas.

Noong 1790s, naimbento ang gitara sa Andalusia sa pamamagitan ng pagdaragdag ng ikaanim na string sa Arabic lute. Ang gitara ay nagkaroon ng modernong anyo nito noong 1870s. Itinaas ng mga Espanyol na musikero ang sining ng pagtugtog ng gitara sa taas ng virtuosity: ginawa ni Andres Segovia (1893-1997) na isang hiwalay na genre ang klasikal na gitara. Ang Flamenco, isang musikang malapit na nauugnay sa mga canto ondo gypsies ng Andalusia, ay kasalukuyang sumasailalim sa isang revival. Si Paco de Lucia ay isang kilalang flamenco guitarist. Ang kanyang kaibigan na si El Camaron de la Isla ay, hanggang sa kanyang kamatayan noong 1992, isang nangungunang musikero sa kontemporaryong Canto Ondo. Noong 1980, salamat sa Pata Negra at Ketama, isang kumbinasyon ng flamenco at rock ang lumitaw, at noong 1990, lumitaw ang Radio Tarifa, na nag-broadcast ng isang kaakit-akit na kumbinasyon ng flamenco, North African at medieval melodies. Ang kumpanya ng Bacalao ay isang kontribusyon ng Espanyol sa mundo ng teknolohiya, ang punong tanggapan nito ay matatagpuan sa Valencia.

Gustung-gusto ng mga Espanyol ang isports, lalo na ang football; Ito ay nagkakahalaga ng pagdalo sa isang football match at pakiramdam ang tensyon sa kapaligiran. Ang bullfighting ay popular din, sa kabila ng patuloy na panggigipit mula sa mga internasyonal na aktibista sa karapatang panghayop.

Bagama't malalim na ang ugat ng Katolisismo sa lahat ng larangan ng lipunang Espanyol, halos 40% lamang ng mga Espanyol ang regular na nagsisimba. Maraming mga Kastila ang labis na nagdududa sa simbahan; Noong digmaang sibil, ang mga simbahan ay sinunog at ang mga klero ay binaril dahil sila ay mga tagasuporta ng panunupil, korapsyon at ang lumang kaayusan.




2.1 Panitikan




Ang simula ng panitikang Espanyol sa wikang Castilian ay minarkahan ng dakilang monumento ng kabayanihang epiko ng Espanyol na The Song of My Cid (c. 1140) tungkol sa mga pagsasamantala ng bayaning Reconquista na si Rodrigo Díaz de Bivar, na binansagan na Cid. Sa batayan nito at ng iba pang mga kabayanihan na tula sa Early Renaissance, nabuo ang Spanish romance - ang pinakasikat na genre ng Spanish folk poetry. Sa pinagmulan ng mga Espanyol na tula ay nakatayo si Gonsalvo de Berceo (c. 1180 - c. 1246), ang may-akda ng relihiyoso at didaktikong mga gawa, at ang nagtatag ng prosa ng Espanyol ay itinuturing na hari ng Castile at Leon Alfonso X the Wise (naghari sa 1252–1284), na nag-iwan ng maraming makasaysayang mga salaysay at treatise. Sa genre ng akdang pampanitikan, ang kanyang mga pagsusumikap ay ipinagpatuloy ng Infante Juan Manuel (1282–1348), ang may-akda ng koleksyon ng mga maikling kwentong Konde Lucanor (1328–1335). Ang pinakamalaking makata sa unang panahon ng panitikan ng Castilian ay si Juan Ruiz (1283 - ca. 1350), na lumikha ng Aklat ng Mabuting Pag-ibig (1343). Ang tugatog ng medyebal na tulang Espanyol ay gawa ng madamdaming liriko na si Jorge Manrique (c. 1440–1479).

Ang Maagang Renaissance (unang bahagi ng ika-16 na siglo) ay minarkahan ng impluwensyang Italyano, sa pangunguna ni Garcilaso de la Vega (1503–1536), at ang pamumulaklak ng Spanish chivalric romance. Ang "Golden Age" ng panitikang Espanyol ay itinuturing na panahon mula sa kalagitnaan ng ika-16 hanggang sa katapusan ng ika-17 siglo, nang si Lope de Rueda (sa pagitan ng 1500–1510 – mga 1565), Lope de Vega (1562–1635) , nagtrabaho si Pedro Calderon (1600–1681), Tirso de Molina (1571–1648), Juan Ruiz de Alarcón (1581–1639), Francisco Quevedo (1580–1645), Luis Góngora (1561–1627) at panghuli Miguel de Cervantes. Saavedra (1547–1616), may-akda ng walang kamatayang Don Quixote (1605–1615).

Sa buong ika-18 at karamihan ng ika-19 na siglo. Ang panitikang Espanyol ay nasa malalim na paghina at higit sa lahat ay nakikibahagi sa panggagaya sa mga modelong pampanitikang Pranses, Ingles at Aleman. Ang Romantisismo sa Espanya ay kinakatawan ng tatlong pangunahing tauhan: ang sanaysay na si Mariano José de Larra (1809–1837), ang makata na si Gustavo Adolfo Becker (1836–1870) at ang manunulat ng prosa na si Benito Pérez Galdós (1843–1920), may-akda ng maraming makasaysayang nobela . Mga nangungunang posisyon sa panitikan noong ika-19 na siglo. sumasakop sa tinatawag na Ang Costumbrism ay isang paglalarawan ng pang-araw-araw na buhay at mga kaugalian na may diin sa lokal na kulay. Lumitaw ang naturalistic at realistic tendency sa mga akda ng mga nobelistang sina Emilia Pardo Basan (1852–1921) at Vicente Blasco Ibáñez (1867–1928).

Ang panitikang Espanyol ay nakaranas ng panibagong pag-unlad sa unang kalahati ng ika-20 siglo. (ang tinatawag na "ikalawang ginintuang panahon"). Ang muling pagkabuhay ng pambansang panitikan ay nagsisimula sa mga manunulat ng “henerasyon ng 1898,” na kinabibilangan nina Miguel de Unamuno (1864–1936), Ramon del Valle Inclan (1869–1936), Pio Baroja (1872–1956), Azorin (1874– 1967); Nagwagi ng Nobel Prize (1922) playwright na si Jacinto Benavente (1866–1954); mga makata na si Antonio Machado (1875–1939) at 1956 na nagwagi ng Nobel Prize sa Literatura na si Juan Ramon Jimenez (1881–1958). Kasunod nila, isang makinang na kalawakan ng mga tinatawag na makata ang pumasok sa panitikan. "1927 generation": Pedro Salinas (1892–1951), Jorge Guillen (b. 1893), Vicente Aleixandre (1898–1984), na tumanggap ng Nobel Prize noong 1977, Rafael Alberti (b. 1902), Miguel Hernandez (1910– 1942) ) at Federico García Lorca (1898–1936). Ang pag-angat sa kapangyarihan ng mga Francoist ay kalunos-lunos na nagpaikli sa pag-unlad ng panitikang Espanyol. Ang unti-unting pagbabagong-buhay ng pambansang tradisyong pampanitikan ay nagsimula noong 1950s–1960s ni Camilo José Cela (1916), Nobel Prize laureate para sa 1989, may-akda ng mga nobelang The Family of Pascual Duarte (1942), The Beehive (1943), atbp.; Anna Maria Matute (1926), Juan Goytisolo (1928), Luis Goytisolo (1935), Miguel Delibes (1920), playwrights Alfonso Sastre (1926) at Antonio Buero Vallejo (1916), makata na si Blas de Otero (1916–1979), atbp Pagkatapos ng kamatayan ni Franco, nagkaroon ng makabuluhang pagbabagong-buhay sa buhay pampanitikan: ang mga bagong manunulat ng tuluyan (Jorge Semprun, Carlos Rojas, Juan Marse, Eduardo Mendoza) at mga makata (Antonio Colinas, Francisco Brines, Carlos Sahagun, Julio Lamasares) ay pumasok sa arena ng panitikan.




2.2 Arkitektura at sining




Ang mga Arabo ay nagdala ng isang maunlad na kultura ng palamuti sa sining ng Espanyol at nag-iwan ng maraming magagandang monumento sa arkitektura sa istilong Moorish, kabilang ang moske sa Cordoba (ika-8 siglo) at ang Alhambra Palace sa Granada (13–15 siglo). Noong ika-11–12 siglo. Ang istilong Romanesque sa arkitektura ay umuunlad sa Espanya, isang kahanga-hangang monumento kung saan ay ang maringal na katedral sa lungsod ng Santiago de Compostela. Sa ika-13 - unang kalahati ng ika-15 siglo. Sa Espanya, tulad ng sa buong Kanlurang Europa, nabuo ang istilong Gothic. Ang Spanish Gothic ay madalas na humihiram ng mga tampok na Moorish, bilang ebedensya ng mga maringal na katedral sa Seville, Burgos at Toledo (isa sa pinakamalaki sa Europa). Ang isang espesyal na artistikong kababalaghan ay ang tinatawag na. ang istilong Mudejar, na nabuo bilang resulta ng pagsasanib ng mga elemento ng Gothic at pagkaraan ng Renaissance sa arkitektura sa pamana ng Moorish.

Noong ika-16 na siglo sa ilalim ng impluwensya ng sining ng Italyano, isang paaralan ng mannerism ang umusbong sa Espanya: ang mga kilalang kinatawan nito ay ang iskultor na si Alonso Berruguete (1490–1561), ang mga pintor na si Luis de Morales (c. 1508–1586) at ang dakilang El Greco (1541–). 1614). Ang mga nagtatag ng sining ng portraiture sa korte ay ang mga sikat na pintor na si Alonso San ches Coelho (c. 1531–1588) at ang kanyang estudyanteng si Juan Pantoja de la Cruz (1553–1608). Sa sekular na arkitektura ng ika-16 na siglo. Ang ornamental na istilong "Plateresque" ay itinatag, na pinalitan sa pagtatapos ng siglo ng malamig na istilong "Herreresco", isang halimbawa nito ay ang Escorial monastery-palace malapit sa Madrid, na itinayo noong 1563–1584 bilang tirahan ng mga Espanyol mga hari.

Ang "Golden Age" ng pagpipinta ng Espanyol ay tinawag na ika-17 siglo, nang ang mga dakilang pintor na sina Jusepe Ribera (1588–1652), Bartolomé Esteban Murillo (1618–1682), Francisco Zurbaran (1598–1664) at Diego de Silva Velazquez (1599– 1660) nagtrabaho. Sa arkitektura mayroong isang pinigilan na istilong "herreresco" sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo. nagbibigay daan sa sobrang pandekorasyon na istilo ng churriguresco.

Panahon ng ika-18–19 na siglo sa pangkalahatan ay nailalarawan sa pamamagitan ng paghina ng sining ng Espanyol, nakakulong sa imitative classicism, at kalaunan sa superficial costumbrism. Laban sa background na ito, ang gawa ni Francisco Goya (1746–1828) ay namumukod-tangi lalo na.

Ang muling pagkabuhay ng dakilang tradisyon ng Espanyol ay nangyayari sa unang kalahati ng ika-20 siglo. Ang mga bagong landas sa sining ng daigdig ay binigkas ng orihinal na arkitekto na si Antonio Gaudi (1852–1926), na tinawag na “henyo ng modernismo,” ang tagapagtatag at kilalang kinatawan ng surrealismo sa pagpipinta, si Salvador Dali (1904–1989), isa sa mga tagapagtatag ng cubism, sina Juan Gris (1887–1921), abstract artist na si Joan Miró (1893–1983) at Pablo Picasso (1881–1973), na nag-ambag sa pag-unlad ng ilang kilusan ng modernong sining.

Diego Velazquez. Ang pinakadakilang pintor ng Espanya ay si Diego Velazquez (1599-1660), isang nakababatang kontemporaryo ng El Greco. Siya ay ipinanganak sa Seville, ang anak ng isang maharlika na Portuges, at mula pagkabata ay nagpasya na italaga ang kanyang sarili sa pagpipinta. Nag-aral siya sa studio ng sikat na artista at siyentipiko ng Seville na si F. Pacheco, salamat sa kanyang rekomendasyon na lumipat siya sa Madrid. Sa edad na 23, naging pintor ng korte si Diego Rodriguez de Silva y Velazquez. Sa pagtatapos ng kanyang buhay, natanggap ni Velazquez ang pinakamataas na posisyon sa korte ng Madrid, naging marshal, kabalyero at miyembro ng Order of Santiago. Ang isang pare-pareho at mataas na suweldo ng hari ay nagpapahintulot sa kanya na huwag magpinta para sa kita; iginuhit lang niya ang gusto niya. Si Velazquez ay halos hindi nakipagtulungan sa mga relihiyosong paksa (gaya ng sinabi ni Théophile Gautier, "kung hindi siya nagpinta ng mga anghel, ito ay dahil lamang sa hindi sila nag-pose para sa kanya"); Bukod dito, ang pagnanasa na iyon, na kung saan ay itinuturing na tampok na pagtukoy ng lahat ng bagay na "Espanyol", ay halos wala dito. Ang malamig na pagmamasid ang nagpasikat kay Velazquez. "Para sa kanya, ang ibig sabihin ng pamumuhay ay pag-iingat sa kanyang distansya. Ito ang sining ng distansya. Ang pagkakaroon ng hiwalay mula sa pagpipinta ng lahat ng bagay na nauugnay sa mga paghihirap ng bapor, pinamamahalaang niyang panatilihing malayo ang kanyang sining, upang makita itong pino sa mahigpit na kakanyahan nito - isang sistema ng mga purong larawang gawain na nangangailangan ng malinaw na solusyon... Ang kanyang mga pigura ay hindi mahahalata, ang mga ito ay purong mga pangitain, at ang katotohanan ay tunay na makamulto. Kaya, sa wakas, ang kumpletong kawalan ng pag-aalala ng manonood. Ang kanyang gawain ay upang magpinta ng isang larawan at palayain ang kanyang sarili mula dito, na iniiwan kami sa harap ng eroplano ng canvas. This is the genius of indifference,” the philosopher X. Ortega y Gasset said about Velazquez. Karamihan sa mga canvases ni Velazquez ay mga portrait: nagpinta siya ng mga court dwarf, infantas, at Roman cardinals. Ang koleksyon ng mga haring Espanyol, na pagmamay-ari na ngayon ng Prado Museum, ay nagpapanatili ng mga tunay na obra maestra ni Velázquez, una sa lahat, ang “Las Meninas,” na naglalarawan sa munting Infanta Margarita na napapalibutan ng kanyang mga babaeng naghihintay (sa Porto: ladies-in-waiting ). Tinawag ng Italian artist na si Luca Giordano ang pagpipinta na ito na “Theology of Painting.”

Spain, ikalawang kalahati ng ika-18 siglo - maagang XIX V. ay isang lupain ng mga kontradiksyon. Habang nasa Russia si Catherine II ay nakipag-ugnayan kay Voltaire at mga saradong monasteryo; Habang ang France ay kumakanta ng Marseillaise at nagpatay ng mga hari, hinatulan ng Inkwisisyon ng Espanya noong 1778 si Count Pablo Olavide, pinuno ng Seville, tagapagtayo ng kalsada sa kabila ng Sierra Morena, repormador at manunulat, ng walong taong pagkakakulong. Para saan? Para sa pag-aayos ng mga pampublikong bola at mga walang galang na komento tungkol sa mga monghe. Si Francisco Goya, na bumangon mula sa mahihirap upang maging pintor sa korte, ay kaibigan ng mga enlighteners - at naroroon sa auto-da-fé at pampublikong pagbitay.




2.3 Musika




Ang pag-usbong ng kulturang musikal ng Espanyol, lalo na sa genre ng musika ng simbahan, ay nagsimula noong ika-16 na siglo. Ang mga nangungunang kompositor ng panahon ay ang master ng vocal polyphony na si Cristóbal de Morales (1500–1553) at ang kanyang estudyanteng si Tomás Luis de Victoria (c. 1548–1611), na tinawag na “Spanish Palestrina,” gayundin si Antonio de Cabezón (1510). –1566), sikat sa kanyang mga komposisyon para sa harpsichord at organ. Noong ika-19 na siglo Matapos ang mahabang panahon ng pagwawalang-kilos, ang nagpasimuno ng muling pagbabangon ng pambansang kultura ng musika ay si Felipe Pedrel (1841–1922), ang nagtatag ng bagong paaralan ng komposisyon ng Espanyol at ang lumikha ng modernong musikaolohiyang Espanyol. Sa pagtatapos ng ika-19 - simula ng ika-20 siglo. Ang musikang Espanyol ay nakakuha ng katanyagan sa Europa dahil sa mga kompositor tulad nina Enrique Granados (1867–1916), Isaac Albéniz (1860–1909) at Manuel de Falla (1876–1946). Ang modernong Espanya ay gumawa ng mga sikat na mang-aawit sa opera gaya ng Placido Domingo, José Carreras at Montserrat Caballe.

2.4 Sinehan




Ang pinakasikat sa mga direktor ng pelikulang Espanyol, si Luis Buñuel (1900–1983), noong 1928, kasama si Salvador Dali, ay gumawa ng kanyang unang surreal na pelikula, The Dog of Andalus. Napilitang umalis si Buñuel sa Espanya pagkatapos ng Digmaang Sibil at nanirahan sa Mexico City, kung saan nilikha niya ang mga sikat na pelikulang The Exterminating Angel (1962), Belle of the Day (1967), The Discreet Charm of the Bourgeoisie (1973) at What Gets in ang Daan (1977). Sa panahon ng post-Franco, maraming mga direktor ng pelikula ang lumitaw sa Espanya na nakakuha ng katanyagan kapwa sa loob at labas ng bansa. Kabilang dito sina Carlos Saura, Pedro Almodóvar (A Woman on the Verge of a Nervous Breakdown, 1988; Quica, 1994) at Fernando Trueva (Belle Epoque, 1994), na tumulong sa pagtatatag ng pandaigdigang katanyagan ng Spanish cinema.




2.5 Edukasyon




Ang pag-aaral ay sapilitan at libre mula edad 6 hanggang 16, kung saan humigit-kumulang isang katlo ng mga mag-aaral ang pumapasok sa mga pribadong paaralan. Mayroong higit sa 40 unibersidad sa Espanya; ang pinakamalaki ay ang mga unibersidad ng Madrid at Barcelona. Noong 1992, 1.2 milyong mga mag-aaral ang nag-aaral sa mga unibersidad, 96% ng mga ito sa mga unibersidad ng estado. Sa Spain, 4.3% ng GDP ang ginugol sa edukasyon noong 1995.




2.6 Libangan at palakasan




Sa gabi, ang mga cafe at bar ay nagho-host ng Spanish music at dance performances; Madalas naririnig ang Andalusian flamenco cantes. Ang mga makukulay na folk festival, fairs at relihiyosong mga pista opisyal ay ginaganap sa iba't ibang bahagi ng bansa.

Sa Spain, nananatiling popular ang bullfighting. Ang paboritong isport ay football. Naglalaro din ang mga kabataan ng pelota, o Basque ball. Sa timog ng bansa, ang mga sabong ay nakakaakit ng malalaking manonood.

Kabanata 3. Pambansang katangian ng Espanya




3.1 Tradisyon ng Espanya




Espanya ay isang ganap na espesyal na bansa, hindi tulad ng mga European na kapitbahay nito, na ang pangunahing pag-aari ay, siyempre, ang mga Espanyol mismo. Ang mga maingay, mapag-init na mga tao ay hindi nagtatago ng kanilang saloobin sa iba, sa kabaligtaran, sinisikap nilang ipahayag ito, at sa pinaka-emosyonal na paraan na posible. Naturally, sa gayong hindi mapakali na bansa, ang lahat ng uri ng pagdiriwang, perya, pagdiriwang at karnabal ay lalong sikat. Isa sa mga ito, na nakatuon kay St. Joseph, ang patron saint ng mga karpintero at cabinetmaker, ay ginanap sa Valencia. Ang malalaking manika - fallas - gawa sa tela at makapal na karton, ang nagbigay ng pangalan sa masayang pagdiriwang na ito. Sa araw, kaugalian na dalhin ang mga ito sa mga lansangan ng lungsod, at sa gabi, na armado ng mga paputok at sparkler, sinusunog ang mga ito. Hindi tumitigil ang hubbub buong gabi pagkatapos nito, at ang kasiyahan ay nagpapatuloy hanggang umaga.

Tulad ng sa ibang bansa, ang Bagong Taon sa Espanya ay isa sa pinakamahalaga at maingay na pista opisyal. Dito siya karaniwang nakikilala sa isang malaking kumpanya sa pangunahing kalye ng lungsod - malamang na alam ng maraming tao ang kaugalian ng Madrid ng pagtitipon sa gitnang plaza at pagkain ng 12 ubas habang ang mga chimes ay umaalingawngaw, hinuhugasan ang mga ito gamit ang champagne. Ito ay isang tunay na ritwal: ang mga Kastila, ang mga dakilang mahilig sa ubas, ay naniniwala na

Kasaysayan ng Labiau mula noong 1258. Wood-earth fortress. Ang ekonomiya ng rehiyon ay kinakatawan ng crop farming, livestock farming, fishmeal production, at shipbuilding. Mga gusali at istruktura ng konstruksyon ng Aleman. Ngayon - Polessk.

Kasaysayan ng Pereslavl-Zalessky. Mga tanawin ng Pereslavl-Zalessky. Monasteryo ng Goritsky. Pereslavl na makitid na gauge na riles. Nikitsky Monastery. Asul na bato. Mga museo ng Pereslavl-Zalessky. Historical, artistic at architectural museum reserve.

Pag-uuri ng mga museo sa rehiyon ng Astrakhan. Mga pangkat ng profile. Mga museo ng koleksyon at uri ng grupo. Dibisyon sa mga pampubliko at pribadong museo at sa administratibong teritoryo. Mga materyales sa museo, pagpapaandar ng eksibisyon ng mga museo.

Maikling talambuhay at papel ng arkitekto A.P. Zenkova sa buhay ni Almaty. Kasaysayan at yugto ng pagtatayo ng Holy Ascension Cathedral. Isang modernong panorama ng isang architectural at urban planning monument, ang paggamit nito sa turismo at potensyal na iskursiyon.

Mga monumento ng arkitektura: Altai Territory, Buryatia, Krasnoyarsk Territory, Irkutsk at Kemerovo, Novosibirsk at Omsk, Tomsk at Chita na mga rehiyon. Kultura at buhay ng Transbaikalia. Mga open-air museum, kasaysayan at kagandahan ng mga gusali sa rehiyon ng Irkutsk.

Heograpikal na lokasyon ng isla at mga kakaibang kondisyon ng klimatiko. Ang mga pangunahing pangkat etniko na naninirahan sa Cyprus ay mga Greek, Turks, Maronites at Armenians. Pambansang Cypriot holidays, tradisyon at kaugalian, atraksyon at makasaysayang monumento.

Rehiyon ng Astrakhan at ang mga lungsod ng Astrakhan. Ang rehiyon ng Astrakhan na may natatanging hanay ng mga mapagkukunan ng turista, libangan at sanatorium-resort, ang mga atraksyon nito. Bahay-Museum ng V. Khlebnikov. Flora at fauna ng reserba, putik at balneological sanatorium.

Ang paglitaw ng China Town. Kitai-Gorod wall. Apat na zone ng China Town - Nogin, Staraya, Novaya, Dzerzhinsky (Lubyanka), Sverdlov (Teatralnaya), Revolution. Mga problema at prospect para sa pag-unlad ng China Town.

Maikling paglalarawan ng Republika ng India, ang administratibo at teritoryong dibisyon nito, ekonomiya, pag-unlad ng turismo. Ang terorismo ay isang banta sa pambansang seguridad ng India. India bilang miyembro ng "nuclear club". Kultura, kasaysayan, kaugalian, tradisyon at relihiyon ng India.

Heograpikal na lokasyon at populasyon ng lungsod ng Arkhangelsk - isang malaking sentrong pang-agham at pang-industriya sa hilagang-kanluran ng Russia. Paglalarawan ng mga pangunahing atraksyon ng lungsod: lokal na kasaysayan, sining, mga makasaysayang museo, mga reserbang kalikasan, mga monasteryo.

Kasaysayan ng etniko ng Crimea. Crimea bilang isang multi-etnikong teritoryo. Ang kontribusyon ng mga grupong etniko at grupong etniko sa pamana ng kultura ng Crimea. Ang kasaysayan ng paglitaw ng mga Belarusian sa Crimea. Mga monumento ng kulturang Greek sa Crimea. Ang gusali ng kenassa sa Simferopol bilang isang etnograpikong bagay.

Dokumentasyon na nagbibigay-katwiran sa internasyonal na proteksyon at pagsasama sa listahan ng pandaigdigang pamana ng kultura ng makasaysayang at kultural na monumento, "St Petersburg kasama ang mga kapaligiran nito." Shuvalovsky Park at ang Shuvalov Estate bilang isang World Cultural Heritage Site.

Ang mga umiiral na labi ng mga medieval na lungsod, kastilyo, monasteryo, mga nayon kung saan mayroong mga artipisyal o natural na kuweba. Mga kuweba bilang mga tirahan, relihiyoso, libingan o mga silid ng utility. Crimean cave lungsod ng Mangup, Chufut-Kale, Bakhchisarai.

Pag-aaral sa kasaysayan ng paglitaw at mga yugto ng pag-unlad ng lungsod ng Tyukalinsk, na matatagpuan sa Kanlurang Siberia sa hilagang-kanluran ng rehiyon ng Omsk sa Tyumen-Omsk highway. Mga tampok ng kumbinasyon ng orihinal na sinaunang at modernong arkitektura ng lungsod. Mga museo sa rehiyon.

Kasaysayan ng lungsod ng Dmitrov. Maginhawang lokasyon ng Dmitrov sa hilaga ng rehiyon ng Moscow, katabi ng Sergiev Posad at Klin, mayaman sa mga atraksyon. Mga ari-arian ng rehiyon ng Moscow at ang kanilang kasaysayan. Mga Templo ng Dmitrov. Mga monasteryo ng Borisoglebsky at Nikolo-Peshnoshsky.

Repasuhin ang kasaysayan ng lokal na rehiyon ng mga sangay ng museo ng rehiyon. Mga koleksyon sa arkeolohiya, paleontolohiya, numismatics, etnograpiya, kalikasan, kasaysayan, ekonomiya at kultura ng rehiyon. Tula samovar bilang isang kailangang-kailangan na katangian ng kapayapaan ng pamilya sa mga lumang araw.

Paglalarawan ng mga pangunahing atraksyon ng Krasnodar, na dapat isama, una sa lahat, ang arkitektura nito - hindi nang walang dahilan sa simula ng ikadalawampu siglo. ang lungsod ay tinawag na Little Paris. Mga pangunahing kalye at boulevard, mga teatro, monumento, katedral ng Krasnodar.

Mga kondisyon ng klima at likas na atraksyon ng Apennine Peninsula. Mga makasaysayang ugat wikang Italyano. Mga katangian ng antropolohikal at relihiyon ng bansa, pambansang pista opisyal, tradisyon, kaugalian. Italy bilang simbolo ng Renaissance.

1.2 Mga katangian ng mga genre ng entablado sa Espanya sa simula ng ika-20 siglo

Sa simula ng ika-20 siglo, bumaba ang drama at teatro ng Espanyol, bagaman dumami ang bilang ng mga gusali at tropa ng teatro. Ang mga pagsasaalang-alang ng kakayahang kumita ay nanaig sa lahat. Ang mga lugar ng mga teatro at tropa ay nasa kamay ng iba't ibang mga negosyante; Tanging ang pinakamalakas na tropa lamang ang naglaro nang magkakasunod na season sa parehong teatro; Karamihan sa mga tropa ay lumipat mula sa lungsod patungo sa lungsod. Ang buong paraan ng buhay teatro ay lipas na. Ang pagdidirekta ay halos hindi umiral; Ang repertoire ay pinangungunahan ng Espanyol at isinalin na mga dula ng magaan na nilalaman, kadalasang bulgar. Ang teatro ay kinuha sa pamamagitan ng maliliit na araw-araw na mga plot. Ang mga dula ng mga makabagong manunulat ng dula ay bihirang umakyat sa entablado. Walang mga banyagang klasiko ang itinanghal. Ang mga dulang Espanyol ng "gintong bilanggo" ay bihirang gumanap at halos palaging may mga pagbabago, na higit sa lahat ay nakabaluktot sa mga dulang klasikal na Espanyol na M., 1975.

Ang tono sa teatro ay itinakda ng maharlika at burges na publiko, na humingi lamang ng libangan mula dito at nagtanim ng mga bulgar na panlasa (ang mga parehong tampok na ito ay pangunahing nagpapakilala sa estado ng teatro sa Espanya at sa ilalim ng pamamahala ng mga Francoist).

Kasabay nito, nagsimula ang isang kilusan sa Espanya para sa muling pagbuhay ng isang masining at orihinal na pambansang kultura ng musika (ang tinatawag na Renacimiento), na pinamumunuan ng kompositor at musikal at pampublikong pigura na si F. Pedrel. Ang kanyang musical op. (opera trilogy "Pyrenees", atbp.), theoretical works at pedagogical activities ay nagkaroon ng mapagpasyang impluwensya sa pagbuo ng modernong Espanyol paaralan ng kompositor. Ang mga nagtatag ng bagong musika ay ang mga mag-aaral ni Pedrel na sina I. Albéniz, E. Granados y Campinha at M. de Falla y Mateu. Ang gawa ng M. de Falla ay ang rurok ng modernong musikang Espanyol, isa sa pinakamataas na tagumpay ng mga klasikong musikal sa Kanlurang Europa noong ika-20 siglo. Umabot ito sa mataas na antas noong ika-20 siglo. sining ng pagtatanghal: mga pianista na sina J. Turina, R. Vines, mga violinist na P. Sarasate i Navasques, J. Manen, mga cellist na P. Casals, G. Casado, mga gitarista na si F. Tarrega, M. Llobet, A. Segovia, mga konduktor na E . Arbos, H. Iturbi, mga mang-aawit na M. Guy. E. Hidalgo, C. Supervia, V. de los Angeles, T. Berganza, P. Lorengar. Kabilang sa mga musicologist ay sina R. Mithana y Gordon, F. Gasque, A. Salazar, H. Subira, E. L. Chavarri, E. M. Thorner at iba pa. Modernong istilo. Pinagmulan. Kwento. Mga problema. - M.: Sining, 1989. - P.108

Sa panahon ng Digmaang Sibil ng Espanya, ang mga teatro na iyon na matatagpuan sa mga teritoryong kontrolado ng mga Republikano ay nasa ilalim ng hurisdiksyon ng estado. buhay teatro sa mga sinehang ito ay kapansin-pansing muling nabuhay at umunlad nang malaki. Bilang karagdagan, ang mga teatro na ito ay bumuo ng mga mobile troupe na gumanap sa mga harapan.

Matapos ang tagumpay ni Heneral Franco, lahat ng mga progresibong reporma sa sektor ng teatro na isinagawa ng pamahalaang Republikano ay kinansela. Ang mga sinehan sa Espanya ay muling naipasa sa mga pribadong kamay at naging mga komersyal na negosyo. Sa prinsipyo, hindi ito masyadong masama, ngunit may mga makabuluhang pagbabago sa theatrical repertoire. Sa halip na mga pagtatanghal sa mga sosyal na tema, karamihan sa mga magaan na pagtatanghal sa libangan ay nagsimulang muling itanghal. Ang teatro ay nawawala ang mga modernistang tendensya at kahit na pambansang katangian, ang sentro ng drama ay inilipat mula sa Madrid patungong Barcelona, ​​ang teatro ng Espanyol ay naging higit na “Catalan” Ranks O.K. "Count Alarcos" ni H. Grau: puppet theater // Bulletin of VyatGSU. Tomo 2. Pilolohiya at kasaysayan ng sining. Bilang 3 (2) 2011. pp. 146-150. .

Noong kalagitnaan lamang ng dekada 1950, sa kabila ng matinding panggigipit mula sa gobyerno ng Franco, ang mga teatro sa Espanya ay nagsimulang muling magtanghal ng mga gawa ng mga klasikong Espanyol. Unti-unti, nagsimulang isama sa mga repertoire ng mga teatro ng Espanyol ang mga dulang may matalas na pagpuna sa lipunan. Bilang karagdagan, sa Espanya noong 1950s at 1960s, ang mga tropa ng amateur na estudyante ay naging napakapopular, na nagtanghal din ng mga pagtatanghal na higit sa lahat ay sumasalungat sa rehimeng Franco. Ang mga sinehan na ito ay walang alinlangan na may positibong impluwensya sa propesyonal na teatro sa Espanya. Bilang karagdagan, sinanay nila ang isang kalawakan ng mga mahuhusay na aktor at direktor: Silyunas, V. Yu "Life is a Dream" - drama at pagganap // Mga Problema ng Ibero-American art: koleksyon. mga artikulo / [rep. ed. E. A. Kozlova]. - M.: Editoryal URRS, 2008. Isyu. 2. - P. 13.

"Panahon ng Pilak" ng kulturang Ruso

1.1 Tula Ang simula ng ikadalawampu siglo ay ang kasagsagan ng tula ng Russia, ang panahon ng paglitaw ng mga maliliwanag na malikhaing indibidwal tulad ng K. Balmont, A. Blok, S. Yesenin, I. Severyanin, N. Gumilev, A. Akhmatova, M. Voloshin, A. Bely at iba pang makata...

Arkitektura ng Novgorod XI-XV siglo

Sa ikalawang kalahati ng ika-12 siglo, ang maliliit, katamtaman, ngunit kahanga-hangang mga simbahan ay nagsimulang itayo sa gastos ng mga boyars, mangangalakal, at residente ng lungsod. Sa oras na ito lumitaw ang isang bagong uri ng templo - halos parisukat sa plano, na may kubiko na volume...

Mga kontribusyon ng kultura at sining ng ika-20 siglo sa kabihasnan sa daigdig

Kultura ng Islam-Arabo. Ang sining ng Europa noong ika-19 na siglo: ang ebolusyon ng mga uri, genre at istilo

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang pag-unlad ng lunsod sa isang hindi pa naganap na sukat ay nabuksan sa Europa. Karamihan sa mga kabisera ng Europa - Paris, St. Petersburg...

Kultura ng Rus' noong ika-10 siglo

Ang unang pambansang kaganapan, na lumalampas sa sukat sa lahat ng mga intra-tribal na gawain ng mga lokal na prinsipe, ay polyudye. Ito ay hindi para sa wala na ang salitang Ruso na ito ay pumasok sa parehong wika ng Greek Caesar at ang wika ng Scandinavian sagas...

Kultura at espirituwal na buhay ng lipunang Ruso noong ika-19 na siglo

Ang simula ng ika-19 na siglo ay isang panahon ng kultura at espirituwal na pagtaas sa Russia, na (lalo na sa simula) ay pinadali ng patakaran ni Alexander I - ang patakaran ng "napaliwanagan na absolutismo". Ang mga pangunahing makasaysayang kaganapan sa kanyang panahon...

Kultural na aspeto ng pag-unlad ng Kanlurang Europa sa simula ng ika-19 na siglo

Noong ika-19 na siglo, naganap ang pagbuo ng isang industriyal na lipunan. Nagmula ito noong ika-18 siglo at umiral hanggang kalagitnaan ng ika-20 siglo. Ang kulturang Europeo ay hindi maiwasang tumugon sa mga pagbabago sa ekonomiya at panlipunan sa lipunan...

Modernismo sa kulturang Espanyol

Musika noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo

Ang pagtatapos ng ika-19 at simula ng ika-20 siglo (bago ang 1917) ay isang panahon na hindi gaanong mayaman, ngunit mas kumplikado. Hindi ito pinaghihiwalay mula sa nauna sa pamamagitan ng anumang bali: ang pinakamahusay...

Pambansang kaisipan at katangian ng mga tao ng Espanya

Mga tampok ng pag-unlad ng theatrical art sa Germany at Russia sa simula ng ikadalawampu siglo

Larawan ng Grand Duchess Alexandra Pavlovna ni Borovikovsky mula sa punto ng view ng pagsusuri sa kasaysayan ng sining

Ang ikalabing walong siglo ay naging isa sa mga pagbabago sa kasaysayan ng Russia. Ang kultura na nagsilbi sa mga espirituwal na pangangailangan ng panahong ito ay nagsimulang mabilis na makakuha ng isang sekular na karakter, na lubos na pinadali ng rapprochement ng sining sa agham...

Ang pag-unlad ng pagpipinta sa Russia sa pagtatapos ng ika-19 - simula ng ika-20 siglo

Sa krisis ng populist movement noong dekada 90, ang “analytical method realismo XIX V." Lapshina N. “World of Art.” Mga sanaysay sa kasaysayan at malikhaing kasanayan. M., 1977.- P.86., gaya ng tawag sa agham ng Russia, ay nagiging lipas na...

Kultura ng Russia noong huling bahagi ng ikadalawampu siglo. Postmodernong arkitektura

Ang kultura ng post-Soviet Russia (mula sa 90s ng ika-20 siglo - simula ng ika-21 siglo) ay kumplikado at nagkakasalungatan. Sa bahagyang paghina ng impluwensya ng kagamitan ng estado, na may isang sistemang pampulitika at ideolohikal na multi-party...

Ang pagkamalikhain ng mga impresyonista bilang pagpapakita ng magkasalungat na kalikasan ng makasaysayang panahon