Ang pinaka makabuluhang lugar sa pag-unlad ng Western European realism ay kabilang sa French art. At hindi ito nagkataon. Mula sa pagtatapos ng ika-18 siglo, ang France ay gumanap ng isang nangungunang papel sa sosyo-politikal na buhay ng Europa, at ang makauring pakikibaka sa pagitan ng maharlika, burgesya at proletaryado ay nagkaroon ng malinaw na mga klasikal na anyo dito. Nagtatago sa likod ng maharlika at imperyal na mantle o igiit ang kanilang kapangyarihan sa isang bukas na anyo, ang burgesya ay nagtagumpay sa tagumpay. "Ang industriya at kalakalan ay lumago sa napakalaking sukat," isinulat ni K. Marx tungkol sa France noong dekada 50 at 60, "ipinagdiwang ng haka-haka ng stock exchange ang mga cosmopolitan orgies nito; ang kahirapan ng masa ay tumingkad nang matindi sa tabi ng walang pakundangan na kinang ng dissolute luxury na nakuha sa pamamagitan ng panloloko at krimen.”
Ang demokratiko at proletaryong kilusan noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo ay nagkaroon ng malawak na saklaw sa France. Ang rebolusyon ng 1830 ay sinundan ng rebolusyon ng 1848; Ang proletaryado, na namumuno sa malawak na masa ng mamamayan, ay lalong lumilitaw sa larangan ng pulitika. Noong Hunyo 1848, hayagang bumangon siya laban sa burgesya, at noong 1871, nang iproklama ang Paris Commune, ginawa niya ang unang kabayanihan sa kasaysayan na kunin ang kapangyarihang pampulitika sa kanyang sariling mga kamay.
Paglala ng mga kontradiksyon sa lipunan, enggrandeng labanan sa uri, bago mga suliraning panlipunan, ang mga isyu ng demokratikong reorganisasyon ng lipunan ay hindi maiwasang pukawin ang mga progresibong isipan, na pinipilit silang suriin ang mga phenomena ng katotohanan at maghanap ng mga bagong landas sa sining. Sa Pransya, na nagbibigay ng pinakamalinaw na larawan ng pagbuo at pag-unlad ng mga pangunahing uso ng ika-19 na siglo, ang pagtaas ng realismo ay sinusunod nang mas maaga kaysa sa ibang mga bansa, ang makatotohanang direksyon ay lumalabas na pinaka malapit na konektado sa sosyo-politikal na buhay. , inilalagay nito ang pinakamalaking kinatawan ng sining noong ika-19 na siglo.
Ang Rebolusyong Hulyo ng 1830 ay isang makabuluhang milestone sa landas ng pag-unlad sining ng Pranses. Sa ilalim ng impluwensya nito, ang mga romantikong ilusyon ay inaalis, ang interes sa mga isyung panlipunan ay tumataas, at ang isang independiyenteng teoretikal na programa ng realismo ay binuo. Ang mga pangunahing kinakailangan para sa bagong sining ay binuo nina Laviron at Galbaccio sa Salon ng 1833. Natanggap nila ang kanilang karagdagang pag-unlad sa mga gawa ng mga pangunahing theoreticians at tagapagtanggol ng realismo: Thoré-Burget, Chanfleury, Duranty, Castagnari at iba pa. Ang lahat ng mga kritiko na ito - mga kinatawan ng henerasyon ng 1848 - ay dinala sa unahan ang tanong ng papel na pang-edukasyon ng sining. Ang sining, ayon sa kanila, ay dapat mag-ambag sa pag-unlad ng lipunan sa landas ng pag-unlad, ay dapat maging isang "guro ng buhay," at para dito kailangan itong maging may kaugnayan, mayaman sa lipunan, at naiintindihan ng mga tao. Ang sining ay dapat makatulong sa mga tao na maunawaan ang mundo sa kanilang paligid at maunawaan ang mga kontradiksyon nito. Magagawa nito ito sa pamamagitan ng pagtapon ng lahat ng ideyalisasyon at pagpapaganda ng buhay. Ang pagiging totoo ng imahe ay inilalagay bilang isa sa mga kinakailangang kondisyon para sa pagkamalikhain - ang pintor ay nagpinta kung ano ang alam niya, kung ano ang nakikita niya sa harap niya. Ang panawagan para sa pagtanggi sa pangkalahatang tinatanggap na mga modelo at para sa pagpapatibay ng katotohanan ng buhay sa sining ay nakatulong sa mga advanced na artist sa pag-master ng mga bagong pamamaraan at paraan ng artistikong pagpapahayag at nagbukas ng malawak na mga prospect para sa mga malikhaing hangarin. Kasabay nito, ang ilang mga kritiko ng kalagitnaan ng ika-19 na siglo ay minsan ay binawasan ang konsepto ng realismo sa panlabas na pagiging tunay ng imahe, ang hindi mapanlinlang na kalikasan ng paglilipat. nakikitang mundo, na, siyempre, disoriented ang mga artist.
Philip Zhanron. Kabilang sa mga nauna sa magagaling na realist artist, ang ilang hindi gaanong makabuluhang master ay nararapat na banggitin. Dahil kulang sa talento ng kanilang mga tagasunod, inihanda nila ang daan para sa kanila. Kabilang sa kanila si Philippe Jeanron (1809-1877). Nakibahagi siya sa mga rebolusyon noong 1830 at 1848, at madalas na lumabas sa print na nagtatanggol sa mga makatotohanang prinsipyo. Nakapasok na maagang trabaho"Mga Bata sa Barricade" (1831, Museo sa Caen) Si Genron ay bumaling sa isang direktang paglalarawan ng mga rebolusyonaryong kaganapan. Sa kanyang mga huling akda, nagbigay siya ng panlipunang pagsusuri ng realidad, na pinag-iiba ang mga kinatawan ng iba't ibang uri ng modernong lipunan sa isa't isa: ang maharlika, ang burgesya at ang proletaryado. Kapag naglalarawan ng mga manggagawa, binigyang diin ng artista ang kanilang kahirapan at pagdurusa, nang hindi iniiwasan ang ilang sentimentalidad. Si Zhanron ay kilala rin bilang isang portrait painter. Nag-iwan siya ng mga nagpapahayag na mga larawan ng mga nangungunang tao sa kanyang panahon - mga kinatawan ng republican intelligentsia.

Realismo sa France at England (panitikan at sining noong ika-19 na siglo)

Sa kalagitnaan ng siglo, ang realismo ang naging dominanteng kalakaran sa kulturang Europeo.

Ang realismo ay lumitaw sa France at England sa ilalim ng mga kondisyon ng itinatag na relasyong kapitalista. Ang mga kontradiksyon sa lipunan at mga pagkukulang ng sistemang kapitalista ay nagtatakda ng matinding kritikal na saloobin ng mga realistang manunulat tungkol dito. Tinuligsa nila ang pangangamkam ng pera, tahasang hindi pagkakapantay-pantay, pagkamakasarili, at pagkukunwari. Sa ideolohikal na layunin nito ay nagiging kritikal na pagiging totoo. Kasabay nito, ang gawain ng mga dakilang realistang manunulat ay nababalot ng mga ideya ng humanismo at katarungang panlipunan.

Panitikan ng France. Isang halimbawa ng makatotohanang tula sa France noong ika-19 na siglo ay ang makata na si Pierre Jean de Béranger (1780-1857) Nagsalita siya noong panahon ng Napoleonic monarkiya at noong 1813, sa kantang “King Yveto,” kinondena niya ang mga pakikipagsapalaran militar ni Napoleon. at ang kanyang patakaran sa buwis. Sa panahon ng Pagpapanumbalik, siya ay naging isang tunay na manunula. Ang kanyang mga mapaglarong kanta sa panahong ito ay kinutya ang mayaman at matagumpay na mga taong bayan. Puno ng demokrasya ang pampulitikang kanta ni Beranger at minarkahan ng masiglang pambansang katatawanan.

Isang napakatalino na kinatawan ng kritikal na realismo ay Stendhal(pagmamay-ari ni Henri Bayle, 1783-1842). Ang manunulat ay hinangaan ng mga taong may aktibo, malakas na karakter. Nakita niya ang gayong mga bayani sa mga pigura ng Renaissance ("Italian Chronicles"), sa Shakespeare, sa kanyang mga kontemporaryo.

Isa sa mga pinakakahanga-hangang nobela Stendhal- "Pula at Itim" (1830). Ang bayani ng nobela ay si Julien Sorel, isang madamdaming tagahanga ng panahon ng Napoleonic, isang taong may kahanga-hanga at sensitibong kaluluwa, na nagsisikap na malampasan ang hindi gumagalaw na kapaligiran sa lipunan. Gayunpaman, nabigo siyang gawin ito, dahil hindi siya tinanggap ng mga naghaharing uri, isang plebeian sa kapanganakan. Sa nobelang "The Parma Monastery," kinondena ng manunulat ang reaksyunaryong panahon, na nagtakda ng trahedya ng matatalino, may talento, malalim na pakiramdam ng mga tao.

Ang tugatog, ang pinakamataas na punto ng pag-unlad ng Western European realism ay ang gawa ni Honore de Balzac(1799 -1850). Ayon sa plano ni Balzac, ang kanyang pangunahing gawain, ang epikong "The Human Comedy," ay binubuo ng 143 na aklat na sumasalamin sa lahat ng aspeto ng buhay ng lipunang Pranses. Inilaan ni Balzac ang lahat ng kanyang lakas sa titanic na gawaing ito; lumikha siya ng 90 nobela at maikling kwento.

Sa epikong ito, ang mga nobela ay pinagdugtong ng isang karaniwang konsepto at maraming tauhan. Kabilang dito ang mga nobela gaya ng "The Unknown Masterpiece", " Shagreen na balat", "Eugenia Grande", "Père Goriot", "Cesar Birotteau", "Lost Illusions", "Cousin Bette" at marami pang iba. Ang epiko ay isang makatotohanang larawan ng napakalaking saklaw, na sumasalamin sa mga moral at kontradiksyon ng buhay panlipunan ng France. Binigyan ni Balzac ang kanyang mga bayani ng katalinuhan, talento, at malakas na karakter. Ang kanyang mga gawa ay malalim na dramatiko, inilalarawan nila ang kapangyarihan ng "prinsipyo ng pera", na nagwawasak ng mga lumang patriyarkal na ugnayan at ugnayan ng pamilya, na nagpapaypay sa apoy ng mga makasariling hilig.

Si Prosper ang master ng novella Merimee(1803-1870), namumukod-tanging realistang manunulat. Ang kanyang mga maikling kwento ay laconic, mahigpit, matikas. Nagtatampok ang mga ito ng malalakas at makulay na mga karakter, mahalagang katangian na may kakayahang magkaroon ng malakas na damdamin - "Carmen" (nagsisilbing batayan para sa opera ng parehong pangalan Bizet), Colomba, Falcom. Kahit na sa mga maikling kwento kung saan ang manunulat ay naglalarawan ng mga romantikong bayani at romantikong sitwasyon, ang aksyon ay hindi inilipat sa isang romantikong eroplano, ngunit isang makatotohanang pagganyak ay ibinigay.

Nagsulat Merimee at naglalaro. Ang isa sa mga namumukod-tanging gawa ng manunulat ay ang dulang salaysay na "Jacquerie," na naglalarawan sa kilusang magsasaka noong ika-14 na siglo. Isinulat niya ang tanging mahusay na nobela, "Chronicle of the Times of Charles IX," na nagsasabi tungkol sa pakikibaka sa pagitan ng mga Katoliko at Protestante at ang mga kaganapan. St. Bartholomew's Night. Pinabulaanan ng may-akda ang panatikong hindi pagpaparaan.

Kaugnay ng pagbabago sa posisyong pampulitika ng burgesya pagkatapos ng rebolusyon ng 1848 at ang pagtanggi nitong makipagtulungan sa uring manggagawa, isang bagong uri ng kritikal na realismo ang umuusbong sa panitikan ng France - ang mga manunulat ay tumanggi na lumikha ng makapangyarihang mga imahe, at ang ang konsepto ng tipikal ay nabawasan sa pinakakaraniwan, karaniwan. Sa pangkalahatan, mas lumalapit ang sining sa buhay.

Ang pinakamalaking kinatawan ng bagong yugto ng realismo ay si Gustave Flaubert(1821-1880). Ang saloobin ng manunulat sa panlipunang strata ng populasyon ay magkasalungat: kinasusuklaman niya ang burgesya sa buong buhay niya, tinatrato ang masa nang may paghamak, at itinuturing na walang kabuluhan ang aktibidad sa pulitika. Samakatuwid, tinawag ni Flaubert ang artista na "pumunta sa tore na garing" at maglingkod sa kagandahan. Sa kabila ng kawalan ng kakayahan ng posisyong ito, nagbigay si Flaubert ng isang kapansin-pansing kritikal na imahe ng burgis na kahalayan, nang hindi nalalayo sa pakikibakang panlipunan. Isa sa mga natatanging gawa Flaubert- nobelang "Madame Bovary". Sa gitna ng nobela ay ang imahe ng isang babae mula sa isang burges na kapaligiran. Magalang romantikong panitikan, namatay siya sa isang banggaan sa burges na katotohanan. Ang nobelang "Edukasyon ng mga Sentimento" ay naglalarawan ng moral ng mga probinsya at Paris, ang moral na kawalang-halaga ng burgesya. Binubuo ng nobelang ito ang tema ng isang binata, matamlay, inert, walang kakayahang aktibong aktibidad. Ang mga nobelang "Salambo", "The Legend of St. Julian the Merciful" at "Herodias" ay batay sa mga makasaysayang paksa, kung saan ang sitwasyon ng malalayong panahon ay naibalik nang may siyentipikong objectivity. Nakamit ng manunulat ang masusing katumpakan sa paggawa ng makatotohanang mga detalye, lalim sikolohikal na pagsusuri, na inihayag sa pamamagitan ng panloob na monologo.

Inglatera:

Panitikan ng England. Ang Scottish na manunulat na si Walter Scott (1771-1832) ay inilapit sa mga romantiko sa pamamagitan ng kanyang interes sa Middle Ages. Sa simula ng kanyang malikhaing karera, nakolekta niya ang Scottish folklore at nagsulat ng mga romantikong tula. Ang kanyang makatotohanang prosa ay nagdala sa kanya ng katanyagan sa buong mundo.

Walter Skol - tagalikha ng genre nobelang pangkasaysayan, pinagsasama ang romantiko at makatotohanang mga ugali. Ang pagkamatay ng Scottish clan ay inilalarawan ng manunulat sa mga nobelang "Waverley" at "Rob Roy". Ang mga nobelang "Ivanhoe" at "Quentin Durward" ay nagpinta ng isang larawan ng medieval England at France. Itinatampok ng mga nobelang “The Puritans” at “The Legend of Montrose” ang pakikibaka ng mga uri na naganap sa England noong ika-17-18 siglo.

Ang gawain ni W. Scott ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang espesyal na komposisyon ng mga nobela, na paunang natukoy sa pamamagitan ng pag-highlight ng paglalarawan ng buhay, paraan ng pamumuhay at mga kaugalian ng mga tao mismo, at hindi ng mga hari, heneral, at maharlika. Kasabay nito, na naglalarawan ng pribadong buhay, ang manunulat ay muling gumagawa ng isang larawan ng mga makasaysayang kaganapan.

Isa sa mga mahusay na artista ng panitikan sa mundo - si Charles dickens(1812-- 1870), siya ang nagtatag at pinuno ng kritikal na realismo sa panitikang Ingles, isang natatanging satirist at humorista. Ang kanyang unang gawa, "The Pickwick Club Notes," ay naglalarawan pa rin ng patriarchal England. Tinatawanan ang pagiging mabait, mapanlinlang, at kawalang-muwang ng kanyang bayani, si Dickens ay nakikiramay sa kanya, na itinatampok ang kanyang pagiging hindi makasarili, katapatan, at pananampalataya sa kabutihan.

Ang kasunod na nobela, The Adventures of Oliver Twist, ay naglalarawan ng isang kapitalistang lungsod kasama ang mga slum nito at ang buhay ng mahihirap. Ang manunulat, na naniniwala sa tagumpay ng hustisya, ay pinipilit ang kanyang bayani na malampasan ang lahat ng mga hadlang at makamit ang personal na kaligayahan.

Gayunpaman, ang mga gawa Dickens puno ng malalim na drama. Nagbigay ang manunulat ng isang buong gallery ng mga tagapagdala ng kasamaan sa lipunan, na mga kinatawan ng uri ng burges. Ito ang nagpapautang na si Ralph Nickleby, ang malupit na gurong si Oquirs, ang ipokrito na si Pecksniff, ang misanthrope Scrooge, ang kapitalistang Bounderby. Ang pinakadakilang tagumpay ni Dickens ay ang imahe ni G. Dombey (ang nobelang Dombey at Anak) - isang tao kung kanino ang lahat ng damdamin ay namatay, at ang kanyang kasiyahan, katangahan, pagkamakasarili, at kawalang-galang ay nabuo sa pamamagitan ng pag-aari sa mundo ng mga may-ari.

Ang mga katangian ni Dickens bilang hindi maaalis na optimismo, maliwanag at napaka pambansang katatawanan, isang matino, makatotohanang pananaw sa buhay - lahat ng ito ay ginagawa siyang pinakadakila pagkatapos ni Shakespeare pambansang manunulat Inglatera.

Dickens kontemporaryo - William Thackeray(1811-1863) sa kanyang pinakamahusay na nobelang "Vanity Fair" malinaw at matalinghagang inilalantad ang mga bisyo ng burges na lipunan. Sa lipunang ito, ginagampanan ng bawat isa ang kanilang tungkulin. Si Thackeray ay hindi nakakakita ng mga positibong bayani; mayroon lamang siyang dalawang kategorya ng mga karakter - manlilinlang o nalinlang. Ngunit ang manunulat ay nagsusumikap para sa sikolohikal na katotohanan at iniiwasan ang katawa-tawa at pagmamalabis na katangian ni Dickens. Tinatrato ni Thackeray ang burges-marangal na elite ng lipunan nang may paghamak, ngunit siya ay walang malasakit sa buhay ng mga nakabababang uri. Siya ay isang pessimist, isang skeptiko.

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. Ang makatotohanang direksyon ng panitikang Ingles ay kinakatawan ng gawain ng pangunahing tatlong manunulat na nakakuha ng katanyagan sa mundo: John Galsworthy (1867-1933), George Bernard Shaw (1856-1950), Herbert George Wells (1866-1946).

Kaya, si D. Galsworthy sa trilogy na "The Forsyte Saga" at "Modern Comedy" ay nagbigay ng isang epikong larawan ng moral ng burges England. huli XIX-simula ng XX siglo inilalantad ang mapangwasak na papel ng pagmamay-ari sa parehong pampubliko at pribadong buhay. Nagsulat siya ng mga drama. Siya ay nakikibahagi sa pamamahayag, kung saan ipinagtanggol niya ang mga prinsipyo ng realismo. Ngunit sa Pagtatapos ng trilogy ng Kabanata, lumitaw ang mga konserbatibong tendensya.

Si D. B. Shaw ay isa sa mga tagapagtatag at unang miyembro ng sosyalistang "Fabian Society", ang lumikha ng mga talakayan sa drama, sa gitna nito ay ang pag-aaway ng mga masasamang ideolohiya, isang hindi kompromiso na solusyon sa panlipunan at etikal na mga problema ("The Houses of a Biyudo", "Propesyon ni Mrs. Warren", " Applecart"). Ang malikhaing pamamaraan ni Shaw ay nailalarawan sa pamamagitan ng kabalintunaan bilang isang paraan ng pagbagsak ng dogmatismo at pagkiling (“Androcles and the Lion,” “Pygmalion”) at mga tradisyonal na ideya (makasaysayang mga dulang “Caesar at Cleopatra,” “Saint Joan”).

Ang G. D. Wells ay isang klasiko ng science fiction literature. Sa mga nobelang "The Time Machine", "The Invisible Man", "War of the Worlds" ang manunulat ay umasa sa pinakabagong mga konseptong pang-agham. Ikinonekta ng manunulat ang mga problemang lumitaw para sa mga tao na may kaugnayan sa pag-unlad ng siyensya at teknolohikal sa mga pagtataya sa lipunan at moral para sa pag-unlad ng lipunan: "Ang kasaysayan ng sangkatauhan ay lalong nagiging isang kompetisyon sa pagitan ng edukasyon at kalamidad."

Sining sa musika. Sa Italya at noong ika-19 na siglo. Sa mga kondisyon ng pampulitikang reaksyon, pinatunayan ng opera ang sarili bilang ang pinakasikat at demokratikong genre ng theatrical art. Ang tugatog ng realismo sa musical opera art noong ika-19 na siglo. - ang gawa ng mahusay na kompositor ng Italyano na si Giusete Verdi (1813-1901), malapit na nauugnay sa kilusang pagpapalaya ng Italyano ("Nabucco", "Lombards sa Unang Krusada"). Sa mga akdang opera gaya ng Ernani, Macbeth, at The Battle of Legnano, ipinahayag ang isang protesta laban sa lahat ng karahasan at pang-aapi. Ang mga pagtatanghal ng mga opera ni Verdi, na puno ng mga ideya ng pakikibaka para sa pagpapalaya at pag-iisa ng Italya, ay sinamahan ng mga mabagyo na makabayang demonstrasyon.

Ang mga obra maestra ng operatic realism ay ang mga opera ni Verdi na Aida, Othello at Falstaff. Ito ay mga musikal na drama na may patuloy na pag-unlad ng aksyon. Ang mga eksena ay malayang binuo, na may nababaluktot na paglipat mula sa recitative patungo sa monologo, mula sa solo hanggang sa grupo. Isang mahalagang lugar ang ibinibigay sa orkestra. Ang Verdi ay may kumpletong pagsasanib ng musika na may dramatikong aksyon. Ang demokrasya at malalim na sangkatauhan ng trabaho ni Verdi ay nagdala sa kanya ng malaking katanyagan. Ang kanyang mga opera ay palaging nasa repertoire mga opera house kapayapaan.

Binuhay ng mga Italian opera ang mga bagong prinsipyo ng vocal at stage performance: dramatic expressiveness ng pag-awit, acting skills ng mang-aawit, historical accuracy ng scenery at costumes. Ang mga kahanga-hangang bokalista, mga kinatawan ng bel canto na may katanyagan sa mundo ay ang mga mang-aawit na sina A. Patti, J. Pasta, I. Colbran at iba pa, mga mang-aawit na sina M. Battistini, F. Galdi at iba pa.

Sa parehong panahon, lumitaw ang isang bagong direksyon sa opera - ang totoo (nt. verismo, mula sa vero - totoo, totoo). Ang mga kinatawan nito ay ang mga kompositor na sina R. Leoncavallo (1857-1919), P. Mascagni (1863-1945), W. Giordano (1867 -1948), G. Puccini (1858-1924). Ang mga gawa ng mga master na ito ay batay sa makatotohanang mga kuwento; isang tunay na salamin ng espirituwal na mundo ng mga ordinaryong tao; emosyonal na nagpapahayag ng musika, kawalan ng mataas na ideya sa lipunan. Ang isang tiyak na istilo ng pagganap ay nabuo din - pinalaking pagpapahayag, sentimental na strain, talamak na drama. Ang pinakamahusay na mga gawa ng direksyong ito ay ang "Honor Rusticana" ni Mascagni, "Pagliacci" ni Leoncavallo. Salamat sa sikolohikal na lalim, ang gawa ni G. Puccini, na sumulat ng "La Bohème," "Tosca," "Cio-chio-san," ay nagtagumpay sa balangkas ng verism.

Sa France, nabuo ang lyric opera, na naiiba sa grand opera sa mas matalik na tema at mga plot na hiniram mula sa klasikal na panitikan. Ito ang mga opera na "Manon" at "Werther" ni J. Massenet, "Faust" at "Romeo and Juliet" ni C. Gounod, "Hamlet" ni A. Thomas at iba pa. Ang mga liriko na opera ay nilikha sa mga kakaibang oriental na paksa. Ito ay ang “Lakmé” ni L. Delibes, “The Pearl Fishers” at “Djamile” ni J. Bizet, “Samson and Delilah” ni C. Saint-Saens. Ang mga liriko na opera ay totoo at banayad na naglalaman ng mga karanasan ng tao. Ang paglalarawan ng pang-araw-araw na buhay ay nailalarawan sa pamamagitan ng tula. Ang musikal na lenggwahe ng mga opera na ito ay demokratiko at malapit sa urban folklore.

Ang opera ni J. Bizet na "Carmen" ay kinikilala bilang ang rurok ng realismo sa French opera. Ang gawain ni Bizet ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagpipino ng mga anyo at kalinawan ng presentasyon. Ang mga bayani ng opera ay mga simpleng tao na may malakas at magkasalungat na karakter. Ang opera na ito ay naglalaman ng pambansang musikal na lasa ng Espanyol. Naglalaman ito ng matinding kurso ng mga dramatikong kaganapan at iba't ibang mga katutubong eksena. Isa ito sa pinakasikat na opera sa mundo. P.I. Kinilala ito ni Tchaikovsky bilang "isang obra maestra sa buong kahulugan ng salita."

kalagitnaan ng ika-19 na siglo naging panahon ng kapanganakan ng bago genre ng musika- operetta - light opera, kabilang ang parehong sayaw at diyalogo (nagmula sa comic opera). Ang lugar ng kapanganakan ng operetta ay France, at ang mga nagtatag nito ay ang mga kompositor na sina F. Herve at J. Offenbach.

Sa Isang siglo sa simula ng ika-19 na siglo. Kasama ang Vienna, Salzburg, Seisenstadt, Esterhasa at iba pa ay naging mga sentrong pangmusika. Binuksan ang Vienna Court Opera noong 1869, ang teatro na ito ang naging nangungunang teatro sa musika sa bansa. Ang kanyang repertoire ay pinangungunahan ng mga opera ng Pranses at Italyano. Sa huling ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo. Ang Venet" operetta ay binuo. Ang mga tagapagtatag nito: F. Suppe (1819--1895), na sumulat ng "Beautiful Galatea", "Boccaccio" at isa sa kanyang pinakamahusay na operetta - "Donna Juanita"; J. Strauss (anak) (1825 -1849) - ang kanyang pinakamahusay na mga nilikha " Gipsy Baron", "The Bat" at iba pa. Ang isang pangunahing kompositor ng genre na ito ay K. Mialeker (1842-1899) - ang may-akda ng mga operetta na "The Beggar Student", "Gasparon", "Poor Jonathan".

Ang mga gawa ng mga kompositor na ito ay malawakang gumagamit ng katutubong melodies, sayaw ritmo, at operettas ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang himig.

Ang Viennese waltzes ("Blue Danube", "Tales of the Vienna Woods", atbp.) ay nagdala din ng I. Strauss sa buong mundo na katanyagan, salamat kung saan natanggap niya ang pangalang "Hari ng Waltzes".

Sa kabila ng katotohanan na para sa pagkamalikhain mga kompositor ng Ingles XIX na siglo Sa pangkalahatan, nailalarawan sa kawalan ng isang malinaw na tinukoy na pambansang karakter, ang kultura ng opera sa England ay mabilis na lumago. Ang Covent Garden Theater ay ang pinakamalaking sa England at nagho-host ng mga pagtatanghal ng Italian Royal Opera. Noong 1856 itinatag ang Royal English Opera. Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. Nagsimula ang isang panahon na bumaba sa kasaysayan sa ilalim ng pangalan ng English musical Renaissance - ang interes ng mga kompositor sa mga pambansang tema ay tumataas.

Art. Sa ganitong uri ng sining, ang pangunahing katangian ng realismo ay ang pag-unawa sa panlipunang katangian ng tao. Gayunpaman, sa pagpipinta ng realismo ay mas malapit na nauugnay sa mga visual na paraan na lumilikha ng ilusyon ng visual na pagiging tunay kaysa sa panitikan.

Ang makatotohanang direksyon sa French painting ay nagpatibay sa posisyon nito kalagitnaan ng ika-19 V. pagkatapos ng rebolusyon ng 1848. Sa kasaysayan ng sining ng Pransya, hindi kailanman nagkaroon ng pakikibaka sa pagitan ng dalawang kampo, ang dalawang pangunahing magkasalungat na kulturang sining ay naging kasing matindi gaya noong panahong ito. Ang pinakamahusay na mga tampok ng mga Pranses at ang kanilang mga advanced na sining ay katawanin ng mga artist tulad ng Millet, Courbet, Manet, at Carp. Hindi sila pinahintulutang dumalo sa mga eksibisyon at inuusig sa mga pahayagan at magasin. Sila ay tinutulan ng masa ng mga mangangalakal ng sining, mga paborito ni Napoleon III at ng buong reaksyunaryong burgesya ng Ikalawang Imperyo.

Si J. F. Mime (1814-1875) sa kanyang epically monumental at puno ng life-truth paintings ay nagpakita sa mga magsasaka ng Pransya, ang kanilang paggawa, ang kanilang lakas sa moral ("The Ear Pickers", "Angelus").

Millet at Courbet ang naging mga nangunguna sa impresyonismo. Ang mga gawa ni Edouard Manet (1832-1883) ay nakatuon sa Paris. Isa siya sa mga makikinang na colorist sa mundo ng sining. Sa kanyang mga kuwadro na gawa, na may kamangha-manghang pagbabantay at pagiging bago, isang tunay na paglalarawan ng lahat ng uri ng mga naninirahan sa Paris ay ipinarating (“Almusal sa Studio,” “Pagbasa,” “Sa Bangka,” “Dana”), na nagpapahayag hanggang ngayon. ang hitsura ng France noong panahong iyon. Bagaman sinubukan ni Manet sa kanyang mga unang pagpipinta na muling pag-isipan ang mga imahe at paksa ng mga matatandang master sa diwa ng modernidad ("Luncheon on the Grass", "Olympia"), pagkatapos ay nagsimula siyang lumikha ng mga pagpipinta sa pang-araw-araw, makasaysayang, at rebolusyonaryong mga tema. Ang pinakamatibay na pahina sa kasaysayan ng French critical realism ay sa kanya huling larawan Ang "Bar at the Folies Bergere" ay tungkol sa kalungkutan ng pagkakaroon ng tao. Inaasahan ang impresyonismo, bumaling siya sa light plein air painting ("Argenteuil") (Plein air (French plein air, lit. - open air) - sa pagpipinta, ang pagpaparami ng mga pagbabago sa kapaligiran ng hangin na dulot ng sikat ng araw at ang estado ng kapaligiran ).

Ang pagpipinta ng Ingles ay umunlad noong ika-19 na siglo. para sa unang ikatlong bahagi ng siglo. Ito ay nauugnay sa pag-unlad ng makikinang na pagpipinta ng landscape.

Ang isa sa mga pinaka orihinal na artista sa kanyang panahon ay si William Termu (1775-1851). Siya ay naglakbay nang husto sa buong Europa, at ang kanyang mga tanawin ay nagkaroon ng romantikong twist ("Shipwreck"). Matapang sa kulay at light-air quests, na may baluktot na sukat ng mga bagay, ang kanyang mga pintura ay, kumbaga, mga nauna sa impresyonismo ("Ulan, singaw at bilis"). Naging tanyag din siya bilang isang makasaysayang pintor, na lumilikha ng mga tanawin na may mitolohiko o mga makasaysayang eksena(“Hardin ng mga Hesperides”, “Dido Building Carthage”, atbp.)

Mga gawa ni F. Goya. Matapos ang pagkamatay ni Velazquez noong 1660, ang sining ng Espanyol ay nasa isang estado ng malalim na paghina sa loob ng isang daang taon. At sa pagtatapos lamang ng ika-18 - simula ng ika-19 na siglo. ang pabalik na Espanya ay hindi inaasahang gumawa ng isang makinang na pintor na naging hindi lamang isa sa mga pinakadakilang pintor at graphic artist sa Espanya, ngunit nagkaroon din ng malalim na impluwensya sa lahat ng sining sa Europa noong ika-19 at ika-20 siglo - Francisco Goya (1746 - 1828). Gumawa siya ng napakaraming magagandang fresco, painting, etchings, lithographs, at drawings. (Ang pag-ukit (mula sa French nitric acid) ay isang uri ng pag-uukit kung saan ang isang disenyo ay kinakamot ng isang ukit na karayom ​​sa isang layer ng acid-resistant na barnis na tumatakip sa isang metal plate. Ang mga scratched na lugar ay nakaukit ng acid, at ang resulta ay malalim. ang imahe ay puno ng pintura at iginuhit sa papel.)

Teatro. Sa Germany na pira-piraso sa pulitika, ang buhay teatro ay puro maliit na mga bayan, kung saan ang mga teatro sa korte ay nagpatugtog ng klasikal na repertoire.

Ang pag-aalis ng mga monopolyo ng mga teatro sa korte noong 1869 ay humantong sa paglitaw ng maraming mga komersyal na sinehan at pagbaba sa antas ng artistikong repertoire. Ang pakikibaka para sa paglikha ng mga pagtatanghal bilang isang solong yugto ng trabaho ay nagsimula sa Meiningen Theater, na naging teatro ng lungsod noong 1871. Ang pinakamalaking aktor sa Germany noong kalagitnaan at huling bahagi ng ika-19 na siglo. mayroong B. Davison, A. Mashkovsky, E. Possart.

Ang mga dakilang trahedya na sina I. Caina at A. Zorm ay nagningning sa mga dula nina G. Ibsen at G. Hauptmann.

Sa pagliko ng siglo, ang Berlin ay naging sentro ng teatro ng Alemanya. Noong 1883 binuksan ang German Theatre, noong 1889 - ang Free Theatre, na nag-promote ng dramaturgy ng Ibsen, Hauptmann, E. Zola, L. Tolstoy.

Sa simula ng ika-19 na siglo. Ang buhay teatro ng Austria ay minarkahan ng isang mahusay na malikhaing pag-unlad ng mga teatro ng mga suburb, na nauugnay sa mga aktibidad ng playwright na si F. Raymond at ang aktor na si I. N. Pestraya. Gayunpaman, pagkatapos ng rebolusyon ng 1848, ang mga teatro na ito ay nawala ang kanilang demokratikong katangian, at ang kanilang repertoire ay pinangungunahan ng mga nakakaaliw na dula.

Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Sinakop ng Burg Theater ang isang nangungunang lugar sa theatrical life ng Austria. Itinatag ng direktor nito, si G. Laube, ang mga klasiko sa entablado. Sa 70-8Q-e. Ang teatro ay pinamunuan ni F. Dilgenstedt, na nagtanghal ng isang siklo ng mga trahedya ng Shakespearean, na ginagampanan ni Ibsen, Gogol, Turgenev, L. Tolstoy.

Ballet. Ang lugar ng kapanganakan ng modernong European ballet ay Italya. Ang ballet ng Italyano ay batay sa mga tradisyon ng sinaunang pantomime at sayaw at ang mayamang kultura ng katutubong sayaw. Sa pagliko ng XVIII-XIX na siglo. Nagsimula ang isang bagong yugto sa pagbuo ng ballet ng Italyano, kasabay ng panahon ng pakikibaka sa pagpapalaya ng mga mamamayang Italyano. Ang mga pagtatanghal ay nilikha batay sa prinsipyo ng mabisang balete, mayaman sa drama, dinamika, at pagpapahayag. Ang mga naturang balete ay itinanghal nina G. John at S. Vshit, at ang mga mananayaw ng pantomime ay gumanap sa kanila.

Ang teatro ng La Scala ay itinuturing na pinakamalaking sentro ng sining ng ballet sa Europa; noong 1813, isang paaralan ng ballet ang nilikha sa teatro.

Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. sa Italy katulad ng sa ibang bansa Kanlurang Europa, nagkaroon ng pagbaba sa ballet art. Sa oras na ito, itinatag ang isang birtuoso na istilo ng pagganap. Nakatuon ang atensyon sa pagtagumpayan ng mga teknikal na paghihirap, at ang dramatikong pagpapahayag ay ibinabalik sa background. Noong 80s ng siglo XIX. Karamihan sa mga kaakit-akit na pagtatanghal ay itinanghal, na nailalarawan sa pamamagitan ng pagiging kumplikado at, bilang isang panuntunan, wala ng ideological na nilalaman.

BAUDLER Charles- Makatang Pranses. Ang gawaing patula ni B. ay kasabay ng pamumulaklak ng mga kilusang romantiko at Parnassian sa panitikang Pranses. Matapos ang bagyo ng Rebolusyong Pranses at ang epiko ng Napoleonic Wars, isang burges na kaayusan ang naitatag sa France, na hindi lamang tumupad sa mga mithiin ng malawak na masa, kundi pati na rin sa mga mithiin ng gitnang saray, ang petiburges na iyon, na gumawa ng pinakamalaking bilang ng mga artista sa pangkalahatan at mga manunulat at makata sa partikular.

Dapat ding tandaan na sa panahon ng 1848, nang yumanig ang isang malakas na rebolusyonaryong kombulsyon sa burges na mundo, tila nagising si Baudelaire. Ang kanyang mga gawa ay nagmula sa panahong ito - "Twilight", "Breaking Dawn" at "The Rag Pickers' Feast". Ang mga demokratiko at bahagyang rebolusyonaryong mga tala ay nagsimulang lumitaw sa tula ni B., ngunit sa lalong madaling panahon sila ay nawala sa mas madilim na pagkabigo.

Ang kanyang pangunahing gawain ay "The Flowers of Evil" (Les fleurs du mal, 1857; mayroong isang pagsasalin sa Russian nina Yakubovich-Melshin at Ellis; maraming iba pang mga makata ang nagsalin nito: Sologub, Vyacheslav Ivanov, atbp.). Ang "Mga Bulaklak ng Kasamaan" ay ang quintessence ng mga mood na napag-usapan natin sa itaas. Isang kontemporaryo ng mga Parnassian, na humingi ng pambihirang filigree ng patula na anyo, katatagan ng istraktura, ekonomiya sa mga salita, mahigpit na ritmo at pagpili ng mga imahe at malalim na pagkakaugnay ng mga pagpapahayag sa kanila, B. hindi lamang sinunod ang lahat ng mga kundisyong ito, ngunit naging isa sa mga pinakadakilang masters nito, klasikal sa kanyang sariling paraan, bumuo ng taludtod. B. nabibilang sa lahi ng mga makata-sculptor. Siya ay umuukit o nagpapanday ng kanyang mga tula. Ang kanyang mga gawa ay matatag, ang bawat salita ay tiyak na nakatayo sa lugar nito. Lalaki ang craftsmanship dito.

Ang realismo bilang isang independiyenteng direksyon ay itinatag ang sarili noong 40s ng ika-19 na siglo, sa kalaunan ay naging anyo ng kritikal na realismo (ang pinakamataas na punto ng realismo - inilalantad ang mga bisyo ng lipunan). Ang pag-unlad ng realismo ay sinamahan ng pag-unlad ng kapitalistang paraan ng produksyon, at, dahil dito, ang paglago ng mga kontradiksyon sa lipunan, na makikita sa sining ng panahong ito.

Realismo sa sining ng ika-19 na siglo. pinagsama sa romantikismo

Pagkadismaya sa mga resulta ng mga rebolusyon

Negatibong saloobin sa burges na katotohanan

Apela sa espirituwal na mundo ng tao

Ang pakikibaka para sa personal na pagpapatibay sa sarili

Malapit na ang tema ng nasyonalidad

Gayunpaman, hindi tulad ng mga romantiko na tumakas mula sa katotohanan, isinasaalang-alang mga emergency, mga pambihirang personalidad, mga kabayanihan na sitwasyon, buhay ng mabagyo na mga hilig, ang pagiging totoo ay malalim na tumagos sa katotohanan, sa pampublikong buhay.

Mga bagong diskarte ng mga realist artist noong ika-19 na siglo. ay upang ipakita kung ano ang tunay na nangyayari "dito at ngayon." Ang mga artista ay kumbinsido sa posibilidad na malaman ang layunin umiiral na mundo sa pamamagitan ng sining. Bumaling sila sa mga eksena ng buhay burgis, nagpapaliwanag sa buhay ng mga magsasaka, at sa pang-araw-araw na gawain ng mga nakabababang uri sa kalunsuran.

Isa sa mga unang realista sa French painting ay Gustave Courtbet, na tumalakay sa tema ng paggawa (“Stone Crusher”), ay sumulat ng mga social canvases batay sa tunay na motibo (“Libing sa Ornans”). Ang “prosaism” ni Courbet ay isang bukas na hamon sa opisyal na pagpuna.

Francois Millet- genre ng magsasaka, walang melodramatic at etnographic shades, ngunit sa pamamagitan ng paghahatid ng mga poses, kilos, paggalaw ng katawan, ay nagsiwalat ng likas na katangian ng proseso ng paggawa, ang lakas at dexterity ng mga magsasaka ("Mga Babaeng Magsasaka na may Twigs", "Mga Tagapagtipon ng mga Tainga" ) - epically monumental canvases na puno ng sigla at katotohanan.

Si Honoré Daumier ay isang artist ng kritikal na realismo na, tulad ni O. Balzac, ay lumikha ng "Human Comedy" ng panahon sa libu-libong lithographs, drawings at paintings - mga karikatura ni King Louis Philippe sa mga satirical magazine na "Caricature" at "Charivari" ( "Down the Curtain" ), ang pangunahing genre nito ay ang pangungutya ng mga moral: ang philistine na mundo ng mga manloloko, mangmang, mga probinsyano sa kabisera ("Leaders of Justice"). Ang "The Laundress" ay hindi isang portrait, ngunit isang kolektibong imahe ng lahat ng Parisian laundresses; isang larawan kung saan ipinahayag ng may-akda ang lahat ng kanyang pagmamahal sa mga tao. Isang serye ng mga guhit para sa "Don Quixote", kung saan sa imahe ng pangunahing karakter sinubukan ng artista na ipakita ang kanyang sariling posisyon sa lipunan, ang tema ng pagdurusa ng tao. Ang panlipunang kaugnayan ng kanyang mga kuwento ay isang panimbang sa ipinagbabawal na censorship.

Pambansang tanawin ng Pransya:

Jean Baptiste Camille Corot– mala-tula na ispiritwalidad ng kalikasan; paboritong motif - "pagkatapos ng ulan", i.e. pagbabago ng estado ng kalikasan; ang kulay-pilak na tono ng kanyang pagpipinta ay "Coro's gray haze".

Paaralan ng Barbizon- pangunahing layunin: naglalarawan ng pagiging natatangi ng pambansang tanawin, naghahatid ng nagbabagong estado ng kalikasan, tinatanggihan ang mga compositional canon. Theodore Rousseau- Ang "Landscape na may Tulay" ay isang tanawin mula sa buhay, espesyal na atensyon sa anyo, ang lahat ng mga puno ay indibidwal, ang kaakit-akit na pagmomolde ay ginagawa silang napakalaki at halos sculptural, ang kanilang monumentalidad ay binibigyang diin ng mababang abot-tanaw.

Jules Dupre– “Autumn landscape” - ang epekto ng papalubog na araw ay binibigyang-diin ang kaibahan ng mga kulay ng taglagas na landscape pagkatapos ng ulan, ang mga punong nangingibabaw sa komposisyon ay lalong solemne.

Charles Daubigny- mga landscape ng ilog ("Bank ng Oise River"), ang pagnanais na makuha ang pinakamaliit na pagbabago sa estado ng kalikasan, banayad na kaakit-akit na paghahatid ng mga light enveloping object.

Mula sa katapusan ng ika-18 siglo. Malaki ang papel ng France sa sosyo-politikal na buhay ng Kanlurang Europa. XIX na siglo ay minarkahan ng isang malawak na demokratikong kilusan na yumakap sa halos lahat ng sektor ng lipunang Pranses. Ang rebolusyon ng 1830 ay sinundan ng rebolusyon ng 1848. Noong 1871, ang mga taong nagpahayag ng Paris Commune ay gumawa ng unang pagtatangka sa kasaysayan ng France at sa buong Kanlurang Europa na agawin ang kapangyarihang pampulitika sa estado.

Ang kritikal na sitwasyon sa bansa ay hindi makakaapekto sa pang-unawa ng mga tao sa mundo. Sa panahong ito, ang mga progresibong French intelligentsia ay nagsusumikap na makahanap ng mga bagong landas sa sining at mga bagong anyo ng masining na pagpapahayag. Iyon ang dahilan kung bakit lumitaw ang makatotohanang mga tendensya sa pagpipinta ng Pransya nang mas maaga kaysa sa ibang mga bansa sa Kanlurang Europa.

Ang rebolusyon ng 1830 ay nagbigay-buhay sa mga demokratikong kalayaan sa France, na hindi nabigong sinamantala ng mga graphic artist. Ang mga matatalas na cartoon na pampulitika na naglalayong sa mga naghaharing lupon, pati na rin ang mga bisyong naghahari sa lipunan, ay napuno sa mga pahina ng mga magasin na "Charivari" at "Caricares". Ang mga ilustrasyon para sa mga peryodiko ay ginawa gamit ang lithography technique. Ang mga artista tulad ng A. Monier, N. Charlet, J. I. Granville, pati na rin ang kahanga-hangang Pranses na graphic artist na si O. Daumier ay nagtrabaho sa genre ng caricature.

Ang isang mahalagang papel sa sining ng France sa panahon sa pagitan ng mga rebolusyon ng 1830 at 1848 ay ginampanan ng makatotohanang direksyon sa pagpipinta ng landscape - ang tinatawag na. paaralan ng Barbizon. Ang terminong ito ay nagmula sa pangalan ng maliit na kaakit-akit na nayon ng Barbizon malapit sa Paris, kung saan noong 1830s at 1840s. Maraming Pranses na artista ang dumating upang pag-aralan ang kalikasan. Hindi nasisiyahan sa mga tradisyon ng akademikong sining, na walang buhay na konkreto at pambansang pagkakakilanlan, nagpumilit sila sa Barbizon, kung saan, maingat na pinag-aaralan ang lahat ng mga pagbabagong nagaganap sa kalikasan, nagpinta sila ng mga larawan na naglalarawan ng mga katamtamang sulok ng kalikasang Pranses.

Kahit na ang mga gawa ng mga masters ng Barbizon school ay nakikilala sa pamamagitan ng pagiging totoo at objectivity, ang mood ng may-akda, ang kanyang mga damdamin at mga karanasan ay palaging nararamdaman sa kanila. Ang kalikasan sa mga tanawin ng Barbizon ay hindi mukhang marilag at malayo, ito ay malapit at naiintindihan ng mga tao.

Kadalasan ang mga artista ay nagpinta ng parehong lugar (kagubatan, ilog, lawa) sa iba't ibang oras ng araw at sa ilalim ng iba't ibang kondisyon ng panahon. Pinoproseso nila ang mga sketch na ginawa sa bukas na hangin sa pagawaan, na lumilikha ng isang larawan na mahalaga sa istraktura ng komposisyon nito. Kadalasan, ang pagiging bago ng mga kulay na katangian ng mga sketch ay nawala sa natapos na pagpipinta, kaya naman ang mga canvases ng maraming Barbizon ay nakikilala sa pamamagitan ng isang madilim na kulay.

Ang pinakamalaking kinatawan ng paaralan ng Barbizon ay si Theodore Rousseau, na, isa nang sikat na pintor ng landscape, ay lumayo sa akademikong pagpipinta at dumating sa Barbizon. Nagprotesta laban sa barbaric deforestation, pinagkalooban ni Rousseau ang kalikasan ng mga katangian ng tao. Siya mismo ay nagsalita tungkol sa pakikinig sa mga tinig ng mga puno at pag-unawa sa kanila. Ang isang mahusay na connoisseur ng kagubatan, ang artist ay napakatumpak na naghahatid ng istraktura, species, at sukat ng bawat puno (“Forest of Fontainebleau,” 1848–1850; “Oaks in Agremont,” 1852). Kasabay nito, ang mga gawa ni Rousseau ay nagpapakita na ang artist, na ang istilo ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng akademikong sining at ang pagpipinta ng mga matandang masters, ay hindi nagawa, gaano man niya sinubukan, upang malutas ang problema ng pagpapadala ng light-air na kapaligiran. . Samakatuwid, ang liwanag at kulay sa kanyang mga landscape ay madalas na isang maginoo na kalikasan.

Malaki ang impluwensya ng sining ni Rousseau sa mga batang Pranses na artista. Ang mga kinatawan ng Academy, na kasangkot sa pagpili ng mga kuwadro na gawa para sa mga Salon, ay sinubukang pigilan ang gawain ni Rousseau na maipakita.

Ang mga sikat na master ng Barbizon school ay sina Jules Dupre, na ang mga landscape ay naglalaman ng mga tampok ng romantikong sining (“The Big Oak,” 1844–1855; “Landscape with Cows,” 1850), at Narcisse Diaz, na naninirahan sa kagubatan ng Fontainebleau na may mga hubad na pigura ng mga nimpa at sinaunang diyosa ("Venus na may kupido", 1851).

Ang kinatawan ng nakababatang henerasyon ng Barbizons ay si Charles Daubigny, na nagsimula sa kanyang malikhaing karera sa mga guhit, ngunit noong 1840s. nakatuon ang sarili sa tanawin. Ang kanyang mga liriko na landscape, na nakatuon sa mga hindi mapagpanggap na sulok ng kalikasan, ay puno ng sikat ng araw at hangin. Kadalasan ay nagpinta si Daubigny mula sa buhay hindi lamang mga sketch, ngunit natapos din ang mga pagpipinta. Gumawa siya ng isang pagawaan na bangka kung saan siya naglayag sa tabi ng ilog, huminto sa mga pinakakaakit-akit na lugar.

Ang pinakadakilang artistang Pranses noong ika-19 na siglo ay malapit sa mga Barbizonian. K. Koro.

Ang rebolusyon ng 1848 ay humantong sa isang pambihirang pagtaas sa buhay panlipunan ng France, sa kultura at sining nito. Sa oras na ito, dalawang pangunahing kinatawan ng makatotohanang pagpipinta ang nagtatrabaho sa bansa - J.-F. Millet at G. Courbet.

Ang realismong Pranses ay pangunahing nauugnay sa mga pangalan ng Stendhal at Balzac, at ito ay totoo sa kasaysayan. Gayunpaman, hindi natin dapat kalimutan na sila ay may mga mahuhusay na nauna, kung saan ang mga gawa ay napakalinaw na nakabalangkas sa makatotohanang mga prinsipyo ng pagsulat. Pinag-uusapan natin ang tungkol sa makata na si Pierre-Jean Beranger, na naging malawak na kilala sa kanyang mga kanta, at ang manunulat ng prosa na si Paul-Louis Courier, ang sikat na pamphleteer na, ayon kay Stendhal, ay ibinalik ang wikang Pranses sa "dating pagiging simple." Ang mga kanta ni Beranger at ang mga polyeto ng Courier ay nag-ambag sa pagbuo ng makatotohanang poetics. Ang parehong layunin ay hinabol ng pang-araw-araw, moral na naglalarawan at "pisyolohikal" na mga sanaysay, na isang mass school ng French realism.

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, lumitaw ang mga mahuhusay na manunulat sa arena ng panitikan ng France na nagdala dito ng katanyagan sa mundo: Frederic Stendhal (pseudonym of Henri-Marie Bayle; 1783-1842), Honoré de Balzac (totoong pangalan Balsa; 1799-1850 ) at Prosper Merimee (1803 -1870).

Stendhal (mga nobelang "Armanet", "Red and Black", "The Parma Monastery", "Lucien Leuven", "Lamiel", ang kwentong "Memoirs of an Egoist", ang maikling kwento na "Vanina Vanini", ang mga aklat na "The Life ng Haydn, Mozart at Metastasio", " History of Painting in Italy", "Rome, Naples and Florence", "About Love", "The Life of Rossini", "Racine and Shakespeare" at iba pang mga gawa) ay ang lumikha ng isang makatotohanang sikolohikal na nobela. Ito ay kanya pangunahing merito, na hindi dinaanan ng pandaigdigang kilusang pampanitikan.

Si Stendhal ay isang demokrata na naghahanap ng mga sanhi ng mga phenomena sa nakapaligid na katotohanan. Siya ay may pambihirang interes sa isip ng tao at sa mga koneksyon nito sa mga pandama. Nasanay si Stendhal sa pag-iisip na ang batayan ng lahat ng mga aksyon ng tao ay isang personal, egoistic na pagnanais, na, gayunpaman, ay dapat na subordinated sa isang moral na damdamin. Binigyan niya ng malaking kahalagahan ang kalooban at itinuturing itong isa sa mga pangunahing puwersa ng personalidad.

Sa kanyang mga gawa ng sining, si Stendhal, hindi katulad ng iba pang mga realista, sa partikular na Balzac, ay naglalagay ng mas malakas na diin sa panloob na mundo ng isang tao kaysa sa lipunan at panlabas na kapaligiran ng bayani. Ang isang tao ay naaakit dito hindi bilang isang produktong panlipunan, ngunit sa halip ay sa pamamagitan ng buhay ng kanyang kamalayan. Ngunit gayon pa man, hindi iniiwan ni Stendhal ang socio-historical determinism. Kaya, nakapalibot kay Pietro, ang bayani ng maikling kuwento na "Vanina Vanini", na may romantikong aura, si Stendhal ay nag-udyok sa kanyang pagnanasa sa pamamagitan ng nasyonalidad (Italyano), ang espesyal na papel ng relihiyon sa kanyang isip (pagkatapos ng pagkatalo, siya, isang makabayan, ay nakadarama ng parusa. at tumulong sa tulong ng relihiyon), sosyal na damdamin, na nag-uutos sa kanya na mas gusto ang pag-ibig ng isang babae kaysa sa pag-ibig sa kanyang tinubuang-bayan. Sa pagtatakda ng mga prinsipyo ng pagkamalikhain, ginamit ni Stendhal ang kanyang karanasan at iginuhit ang mga karakter na inilalarawan niya mula sa maraming tao na pamilyar sa kanya: "Kumuha ako ng isa sa mga taong kilala ko at sinasabi sa aking sarili: ang taong ito ay nakakuha ng ilang mga gawi sa pamamagitan ng pagpunta tuwing umaga sa paghahanap para sa kaligayahan, at pagkatapos ay binibigyan ko ito ng kaunting katalinuhan." Naniniwala si Stendhal na ang tao (at sa maraming paraan ang lipunan) ay pinamamahalaan ng mga hilig. Ang pinakamahalaga sa kanila ay ang pag-ibig, na naging sentro ng kanyang artistikong interes.

Tinutukoy ni Stendhal ang apat na hilig sa pag-ibig (“On Love”): “passion-love”, “passion-ambition”, “passion-attraction”, “physical passion”. Ang pangunahing pansin ay binabayaran sa unang dalawa, kung saan ang "pag-ibig-pag-ibig" ay totoo at walang hanggan, at ang "pagnanasa-ambisyon" ay mapagkunwari at ipinanganak noong ika-19 na siglo.

Ang sikolohiya ni Stendhal ay binuo sa kaibahan ng “passion-love” at “passion-ambition,” sa isang banda, at sa contrast ng passion at reason, sa kabilang banda. Ang bayani ni Stendhal, tulad ng Pechorin ni Lermontov, ay napansin na sa kanya ay tila dalawa sa isang tao: ang isa ay nabubuhay at kumikilos, at ang isa ay nanonood sa kanya. Mula sa karanasan ng pagmumuni-muni, ang manunulat ay gumawa ng isang mahalagang konklusyon: "Ang kaluluwa ay may mga estado lamang, wala itong matatag na mga katangian." Ang pinakamalalim na paraan upang ipakita ang panloob na mundo, ang buhay ng kaluluwa ay ang panloob na monologo, katangian ng lahat ng mga pangunahing tauhan ng manunulat - Julien Sorel, Lucien Levene, Fabrizio del Dongo, atbp.

Sa buhay ng kaisipan, interesado si Stendhal sa paggalaw ng pag-iisip, dahil ang mga hilig ay napuno ng makatuwirang prinsipyo. Huminto ang manunulat sa paggalugad ng mga estado ng pag-iisip, itinuturo lamang ang mga ito. Gayunpaman, ang mga aksyon ng mga bayani ay palaging inilalarawan niya kasabay ng mga reaksyon sa kanila, at nagbibigay ito ng isang ideya ng walang katapusang sariling katangian ng makatuwiran at pandama na karanasan ng mga tao.

Sa kailaliman ng romantikong sining noong unang bahagi ng ika-19 na siglo, nagsimulang mabuo ang realismo, na nauugnay sa mga progresibong damdaming panlipunan. Ang terminong ito ay unang ipinakilala sa paggamit noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Ang kritiko sa panitikan ng Pranses na si J. Chanfleury na magtalaga ng sining na sumasalungat sa romantikismo at simbolismo” Ngunit ang realismo ay isang mas malalim na kategorya kaysa sa mga indibidwal na artistikong istilo sa sining. Realismo sa sa malawak na kahulugan ang mga salita ay naglalayong ganap na sumasalamin sa totoong buhay. Ito ay isang uri ng aesthetic core ng artistikong kultura, na naramdaman na sa Renaissance - "Renaissance realism", at sa Age of Enlightenment - "Enlightenment realism". Ngunit mula noong 30s

XIX na siglo makatotohanang sining, na nagsusumikap para sa isang tumpak na representasyon ng nakapalibot na kapaligiran, nang hindi sinasadyang tinuligsa ang burges na katotohanan. Sa paglipas ng panahon, ang agos na ito ay tinatawag kritikal na pagiging totoo, kasabay ng pag-usbong ng kilusang paggawa sa iba't ibang bansa sa Europa.

Sa una, ang realismo ay nakilala sa naturalismo, at ang paglipat dito, sabihin, sa Alemanya at Austria, ay Biedermeier - isang istilong direksyon na nailalarawan sa pamamagitan ng poeticization ng mundo ng mga bagay, ang kaginhawahan ng loob ng bahay, at malapit na atensyon sa mga pang-araw-araw na eksena ng pamilya. Si Biedermeier ay medyo mabilis na bumagsak sa isang pilistino, matamis na naturalismo, kung saan ang mga maliliit na detalye sa araw-araw ay nauna, ngunit inilalarawan ang "eksaktong tulad ng sa buhay."

Sa France, ang realismo ay nauugnay sa pragmatismo, ang pamamayani ng materyalistikong pananaw, at ang nangingibabaw na papel ng agham. Kabilang sa pinakamalaking kinatawan ng realismo sa panitikan ay sina O. Balzac, G. Flaubert, at sa pagpipinta - O. Daumier at G. Courbet.

Suportahan ang deBalzac(1799-1850) na nasa isa na sa kanyang mga unang gawa na "Shagreen Skin", na pinagsama ang romantikong imahe at simbolismo na may matino na pagsusuri, ay realistikong inilalarawan ang kapaligiran ng Paris pagkatapos ng rebolusyon ng 1830. Ayon sa mga batas ng kanyang sining, si Balzac, sa isang serye ng mga nobela at kwento na bumubuo sa epikong "Human Comedy," ay nagpakita ng isang panlipunang cross-section ng lipunan kung saan ang mga kinatawan ng lahat ng klase, kondisyon, propesyon, sikolohikal na uri ay nabubuhay at nakikipag-ugnayan, na naging mga pangalan ng sambahayan, gaya ng, halimbawa, Gobseck at Rastignac . Ang epiko, na binubuo ng 90 nobela at kuwento at konektado ng isang karaniwang konsepto at mga karakter, ay may kasamang tatlong seksyon: etudes ng moralidad, pilosopikal na pag-aaral at analytical na pag-aaral. Ang mga sketch ng asal ay naglalarawan ng mga eksena ng probinsyal, Parisian, rural na buhay, pribado, pampulitika at militar. Kaya, maliwanag na ipinakita ni Balzac ang mga batas ng pag-unlad ng katotohanan sa isang spiral mula sa mga katotohanan hanggang sa pilosopikal na pangkalahatan. Ayon mismo sa may-akda, hinahangad niyang ilarawan ang isang lipunan na "naglalaman sa loob mismo ng batayan ng paggalaw nito." Ang epiko ni Balzac ay isang makatotohanang larawan ng lipunang Pranses, engrande ang saklaw, na sumasalamin sa mga kontradiksyon nito, ang kabilang panig ng burges na relasyon at moral. Kasabay nito, higit sa isang beses iginiit ni Balzac na hindi siya nagpinta ng mga larawan ng mga partikular na indibidwal, ngunit mga pangkalahatang larawan: ang kanyang mga karakter sa panitikan ay hindi mapang-alipin na kinopya na mga modelo, ngunit kumakatawan sa isang uri ng halimbawa ng isang pamilya, na pinagsasama ang pinaka-katangian na mga katangian ng isang partikular na imahe. Ang paglalahat ay isa sa mga pangunahing utos ng aesthetics ni Balzac.

Estetika Gustaea Flaubert(1821-1880) natagpuan ang pagpapahayag nito sa konseptong kanyang nilikha tungkol sa espesyal na papel at elitismo ng panitikan, na inihalintulad niya sa agham.Ang paglitaw ng nobelang “Madame Bovary” ay nagmarka ng bagong panahon sa panitikan. Gamit ang isang simpleng balangkas tungkol sa pangangalunya, si Flaubert ay ang aming paraan ng pagpapakita ng malalim na pinagmulan ng nakapaligid na kabastusan, ang kawalang-halaga sa moral ng burgesya sa probinsiya, ang nakalulungkot na kapaligiran ng Ikalawang Imperyo na lumitaw pagkatapos ng kudeta noong Hulyo ni Louis Bonaparte noong 1848. Ang nobela , ang obra maestra na ito ng panitikang Pranses, ay hindi walang dahilan na tinatawag na encyclopedia ng lalawigang Pranses noong ika-19 na siglo. Ang manunulat, na pumipili ng mga detalye ng katangian, ay nagpapanumbalik mula sa hindi gaanong mahalagang mga palatandaan ng panahon ang makasaysayang larawan ng buong lipunan. Ang maliit na bayan ng Yonville, kung saan naganap ang nobela, ay kumakatawan sa buong France sa maliit na larawan: mayroon itong sariling maharlika, sariling klero, sariling burgesya, sariling manggagawa at magsasaka, sariling pulubi at bumbero na kumuha ng lugar ng militar. Ang mga taong ito, na namumuhay nang magkatabi, ay mahalagang hiwalay, walang malasakit sa isa't isa at kung minsan ay pagalit. Ang panlipunang hierarchy dito ay hindi masira, malakas

itinutulak ang mahina: inilalabas ng mga may-ari ang kanilang galit sa mga katulong - sa mga inosenteng hayop. Ang pagkamakasarili at kawalang-galang, tulad ng isang impeksyon, ay kumalat sa buong distrito, ang mga damdamin ng kawalan ng pag-asa at kalungkutan ay tumagos sa lahat ng mga butas ng buhay. Si Flaubert na artista ay nag-aalala sa kulay at tunog na istraktura ng nobela, na nagsilbing isang uri ng saliw sa malungkot na kwento Emma Bovary. "Para sa akin," isinulat ni Flaubert, "isa lang ang mahalaga - upang maihatid ang kulay abong kulay, ang kulay ng amag kung saan ang mga woodlice ay namumulaklak." Sa kanyang panlalawigang drama, sinaktan ni Flaubert ang burges na panlasa at huwad na romantikismo. Hindi nakakagulat na ang "Madame Bovary" ay inihambing sa "Don Quixote" ni Cervantes, na nagtapos sa libangan. chivalric romance. Pinatunayan ni Flaubert ang napakalaking posibilidad ng makatotohanang sining at nagkaroon ng mapagpasyang impluwensya sa pag-unlad ng realismo sa panitikan ng mundo.

Ang rebolusyon ng 1830 ay nagbukas ng isang bagong yugto sa kasaysayan ng artistikong kultura sa France, sa partikular, ito ay nag-ambag sa pagbuo ng karikatura bilang isang malakas na paraan ng pagpuna. Sa panitikan, tula, sa pinong sining, ang mga graphic ay tumugon nang malinaw sa mga rebolusyonaryong kaganapan. Ang kinikilalang master ng satirical graphics ay Honore Daumier(1808-1879). Bilang isang napakatalino na draftsman, isang master of the line, gumawa siya ng mga nagpapahayag na larawan na may isang stroke, spot, o silhouette at ginawang isang tunay na sining ang political caricature.

Mahusay na pinagkadalubhasaan ang pamamaraan ng pagmomolde ng liwanag at anino, gumamit si Daumier ng mga graphic na pamamaraan sa kanyang mga pagpipinta at palaging binibigyang-diin ang tabas. Sa isang kalmado, umaagos na itim-kayumanggi na linya, binalangkas niya ang mga contour ng mga figure, profile, at headdress, na isang tampok ng kanyang pictorial method.

Ang mga pagpipinta ni Daumier ay itinalaga ng mga cycle, ang una ay rebolusyonaryo. Ito ay medyo makatwirang sabihin na ang rebolusyon ng 1830 ay lumikha ng Daumier na graphic artist, ang rebolusyon ng 1848 ay lumikha ng Daumier na pintor. Si Daumier ay isang matibay na republikano, at ang mga simpatiya ng artista ay nasa panig ng proletaryado at ng mga demokratikong intelihente. Ang pinakamahalagang gawain ng rebolusyonaryong cycle ay ang "Insureksyon", kung saan, sa pamamagitan ng pagpapakita lamang ng ilang mga pigura, paglalagay sa kanila nang pahilis, nakamit ni Daumier ang impresyon at paggalaw ng isang malaking pulutong ng mga tao, at ang inspirasyon ng masa, at ang lawak ng ang aksyon na lampas sa mga hangganan ng canvas. Ang diin ay inilagay lamang sa pigura ng isang binata sa isang light shirt. Siya ay nasa ilalim ng pangkalahatang kilusan at sa parehong oras ay nagtuturo nito, lumingon sa mga naglalakad sa likuran at may nakataas na kamay na nagpapahiwatig ng landas patungo sa layunin. Sa tabi niya ay isang intelektwal, na ang maputlang mukha ay nagyelo sa pagkamangha, ngunit siya, na dinala ng pangkalahatang salpok, ay sumanib sa karamihan.

Ang "Don Quixote" cycle ay maaaring tawaging isang cross-cutting cycle sa trabaho ni Daumier. Ang kanyang interpretasyon ng mga imahe ng Don Quixote at Sancho Panza ay walang mga analogue sa French art. Kabaligtaran sa mga karaniwang ilustrador ng Cervantes, si Daumier ay interesado lamang sa sikolohikal na bahagi ng imahe, at ang leitmotif ng lahat ng kanyang 27 mga pagkakaiba-iba ay ang payat, hindi kapani-paniwalang matangkad at tuwid na Don Quixote, na nakasakay sa isang madilim na maburol na tanawin sa kanyang napakalaking bony. , tulad ng isang Gothic chimera Rossinante; at sa likod niya sa isang asno ay ang duwag na si Sancho Panza, na laging nahuhuli. Ang imahe ni Sancho ay tila nagsasabi: sapat na mga mithiin, sapat na pakikibaka, oras na para sa wakas ay huminto. Ngunit si Don Quixote ay walang paltos na sumusulong, tapat sa kanyang pangarap, hindi siya napipigilan ng mga hadlang, hindi siya naaakit ng mga biyaya ng buhay, lahat siya ay kumikilos, sa paghahanap.

Kung sa "Don Quixote" na sinasalamin ni Daumier ang kalunos-lunos na kontradiksyon sa pagitan ng dalawang panig ng kaluluwa ng tao, kung gayon sa seryeng "Mga Hukom at Abogado" isang nakakatakot na kaibahan ang lumitaw sa pagitan ng hitsura, panlabas na anyo ng isang tao, at ang kanyang kakanyahan. Sa mga tunay na makikinang na serye, si Daumier ay naging sosyal at

Ang realismo ay nagsimulang magkaroon ng hugis sa kailaliman ng romantikismo sa simula ng ika-19 na siglo. Ang bagong turn na ito ay nauugnay sa progresibong damdamin ng publiko at ang pagtindi ng mga proseso ng pagbuo ng mga bansa, pambansang kultura, interes sa kasaysayang etniko at kultura, una sa lahat, sa pambansang panitikan. Pag-uusapan natin ang tungkol sa romantikismo at simbolismo sa ibang pagkakataon, kahit papaano bilang bahagi ng isang hiwalay na paksa. Sa ngayon, mahalaga at sapat na sabihin na ang romantikismo ay pinabulaanan at tinanggihan ang nangungunang papel ng klasisismo at akademiko sa pag-unlad ng sining.

First time term pagiging totoo ipinakilala noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo Pranses na manunulat at kritikong pampanitikan na si J. Chanfleury. Ang realismo ay nangangahulugang kumpleto at tumpak na pagpapakita nakapalibot sa totoong buhay, na hindi sinasadyang naglantad sa mga bisyo at problema ng burges na realidad ng panahon.

J. Chanfleury

Gayunpaman, ang realismo bilang isang aesthetic phenomenon sa artistikong kultura ay hindi ganap na balita; nang hindi gumagamit ng naaangkop na terminolohiya, naramdaman na ito sa Renaissance - "Renaissance realism", at sa panahon ng Enlightenment - "Enlightenment realism". Ngunit noong ika-19 na siglo iba't-ibang bansa mayroon itong sariling mga partikular na tampok.

Sa France, realism, tinatawag kritikal na pagiging totoo , ay nauugnay sa pragmatismo at ang pamamayani ng materyalistikong pananaw, ang nangingibabaw na papel ng agham at pambansang panitikan ng Pranses sa pagtukoy sa mga gawain ng pag-unlad ng sining. Kabilang sa mga pinakamalaking kinatawan ng French kritikal na realismo sa panitikan ay sina O. Balzac, V. Hugo at G. Flaubert, na ang mga gawa ay kilala sa mga edukadong bahagi. lipunang Ruso at bahagyang naisalin na.

Honore de Balzac

Victor Hugo Gustave Flaubert

Ang mga pangunahing kinatawan ng kritikal na realismo sa French painting ay sina Honore Daumier, Gustave Courbet, Francois Millet, Camille Corot at Théodore Rousseau.

Rebolusyon ng 1830 nagbukas ng isang bagong yugto sa pag-unlad ng pinong sining, karikatura, sa partikular na makikinang, nagpapahayag na mga imahe O. Daumier (1818-1879) ginawa ang satirical graphics na isang tunay na sining.

Honore Daumier portrait ni O. Daumier sa genre ng caricature

Ang mga graphic at pictorial na gawa ni Daumier ay itinalaga ayon sa mga serye o cycle: “Don Quixote” at “Men of Justice” (“Mga Hukom at Abogado”), ngunit ang una ay isang rebolusyonaryong serye na binubuo ng dalawang bahagi: 1830 at 1848. Ang pinakamahalagang gawain ng siklong ito ay ang "Insureksyon" at "Legislative Assembly".
Sa pamamagitan ng pagpapakita lamang ng ilang tao nang pahilis, nakamit ng artist ang impresyon ng isang malaking pulutong ng mga tao na gumagalaw. Ang diin ay nasa pigura ng isang binata sa isang magaan na kamiseta, na nasa ilalim ng pangkalahatang kilusan at pinamumunuan ito, na nagpapahiwatig ng landas patungo sa layunin na may nakataas na kamay.

Insureksyon. 1830

Sa ukit/litograpo, inilarawan ng pintor ang Legislative Assembly o ang Legislative Belly ng mga ministro at miyembro ng gobyerno bilang isang pangit at kaawa-awang kumpanya.

Pambatasang sinapupunan

Ang seryeng "Mga Hukom at Abogado" ay nagpapakita ng nakakatakot na kaibahan sa pagitan ng hitsura, panlabas na anyo ng isang tao, at ang kanyang kakanyahan. Ang mga abogado at hukom na si Daumier ay ang pinakabuod ng kasinungalingan, pagkukunwari at bisyo, ang personipikasyon ng hindi lamang burges na hukuman, kundi bahagi ng lipunan sa kabuuan.

Abogado sa Pagtatanggol ng Hukuman

Ang interpretasyon ng mga imahe ng mga bayani ng Don Quixote cycle - na nagpapakita ng trahedya na kontradiksyon sa pagitan ng dalawang panig ng kaluluwa ng tao - ay walang mga analogue sa mundo ng sining. Si Don Quixote, payat, hindi kapani-paniwalang matangkad, ay sumakay sa isang madilim na maburol na tanawin sa isang napakalaking bony na Rocinante, walang paltos na sumusulong, tapat sa kanyang pangarap, hindi siya napipigilan ng mga hadlang, hindi naaakit ng mga pagpapala ng buhay, lahat siya ay gumagalaw, sa paghahanap. Sa likod niya ay ang kanyang kabaligtaran - sa isang asno, ang laging nahuhuli, duwag na si Sancho Panza, na tila nagsasabi: sapat na mga mithiin, sapat na pakikipaglaban, oras na para sa wakas ay huminto.

Don Quixote Sancho Panza at Don Quixote

Ang pangunahing tema ng gawa ng artist ay mga ordinaryong tao: mga manggagawa, maliliit na empleyado, artisan, washerwomen, na kanyang pininturahan, na sumasalamin hindi lamang sa kanila. mahirap na sitwasyon, ngunit ang halaga ng kanilang trabaho at pagkatao. Ang kanyang catchphrase, "ang isa ay dapat na isang tao sa kanyang panahon," ay sumasalamin sa pangkalahatang direksyon ng kritikal na realismo.

Ang Pasan o ang Manglaba, ang Mahilig sa Paglimbag

3rd class na karwahe

Ang pangunahing pigura sa French critical realism ay Gustave Courtbet (1819-1877).

Gustave Courtbet

Siya ang una sa mga artista sa Kanlurang Europa na hayagang nagpahayag ng realismo bilang kanyang malikhaing pamamaraan: naglalarawan sa mga pinaka-hindi kaakit-akit na aspeto ng buhay na walang pagpapaganda, idealisasyon at sentimentalidad. Ang mga character sa kanyang mga pagpipinta ay mga kinatawan ng lahat ng mga segment ng populasyon, kabilang ang pinakamababa - mga manggagawa, pulubi, mga puta.

Ang pangunahing bagay sa trabaho ni Courbet ay ang kanyang kakayahan, kapag naglalarawan ng mga partikular na tao, na ibigay ang kanilang hitsura ng mga katangian ng tipikal na kahalagahan, at ang mga simpleng eksena sa genre sa mga paksa ng Courbet ay nakakuha ng mga tampok ng monumentalidad.

Winnowers Stone crushers

Libing sa Ornans

Ang artist ay madalas na nagbibigay ng kahit na mga portrait ng isang genre na karakter, na naglalarawan sa modelo sa isang tiyak na pang-araw-araw na sitwasyon. Ang ganitong halimbawa ay isang eksena na naglalarawan sa ama ng artist at mga kaibigan na nagpapahinga sa isang maliit na lokal na cafe.

Pagrerelaks sa hapon sa Ornane

Ang iba pang mga halimbawa ng mga portrait ni Courbet ay ang paglalarawan ng isang tao bilang simbolo ng isang tiyak na direksyon sa artistikong pagkamalikhain.

sa kaliwa ay isang larawan ni Hector Berlioz, ang tagapagtatag ng symphony ng programa
sa kanan ay isang larawan ni Charles Baudelaire, isang klasiko ng Pranses na tula (Mga Bulaklak ng Kasamaan, atbp.) - ang nagtatag ng pagkabulok at simbolismo.

Ang pinaka-nagpapahiwatig na larawan ay ang Courbet's Atelier o ang Artist's Workshop - isang kumplikadong alegorikal na komposisyon, kung saan sa likod ng bawat makatotohanang, portrait-recognizable na imahe ay may isang tiyak na uri, na itinaas ng artist sa ranggo ng isang simbolo.

Atelier o Artist's Workshop

Kasabay nito, binigyang-diin ng artista na ito ay isang bagong uri ng alegorya, makatotohanan, na walang pagkakatulad sa romantikong pantasya o ang nakakaiyak na sentimentalidad ng simbolismo.
Para kay Courbet, ang pinakamahalagang kalidad ng makatotohanang sining ay hindi pakikiramay sa mga nahihirapan at inaapi, ngunit ang paglalarawan ng kanilang pagiging kapaki-pakinabang bilang mga miyembro ng lipunan; hindi isang salamin ng panloob na mundo, ngunit isang panlipunang katangian ng mga modelo.
Naniniwala si Courbet na ang kakanyahan ng realismo ay ang pagtanggi sa ideyal na tulad nito; ang katwiran ay dapat mangibabaw sa lahat ng bagay na may kinalaman sa tao. Ang ganoong posisyon lamang, ang paniniwala ng artista, ay humahantong sa pagpapalaya ng indibidwal at sa huli sa demokrasya.

Galing sa pamilyang magsasaka F. Millet (1814-1875), ginawa ang buhay at gawain ng magsasaka bilang pangunahing tema ng kanyang mga pagpipinta, na nagpapakita ng paggawa sa kanayunan bilang isang natural na estado ng tao, isang anyo ng kanyang pag-iral.

Jean-Francois Millet

Naniniwala ang artista na sa trabaho ang koneksyon ng tao sa kalikasan, na nagtuturo at nagpapalaki sa kanya, ay ipinahayag.

Pagtatanim ng patatas Mga tagakuha ng tainga

Sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, lumitaw ang mga artista sa France na pangunahing nagtrabaho sa larangan ng mga pambansang tanawin. Ang nangungunang papel sa makatotohanang tanawin ay kabilang sa Camille Corot (1796-1875).

Camille Corot

Nagsusumikap na lumikha ng isang makatotohanang pangkalahatang imahe ng kalikasan, sinubukan ni Corot na ipahayag ang kanyang mga damdamin at mood dito. Itinuring ng artist ang mahinahon na nakakalat, banayad na liwanag ng maulap na araw bilang kanyang pangunahing paraan. Siya ay nagtrabaho nang husto sa paghahatid ng liwanag sa larawan, naghahanap ng maraming iba't ibang mga kulay ng parehong kulay, ang tinatawag na valeurs, sinusubukang magbigay ng paggalang sa kanyang mga landscape.

Gust of Wind Source

View ng Riva. Italian Tyrol Tivoli, mga hardin ng Villa d'Este, labas ng Rome, Italy

Ang sining ng France sa Panahon ng Enlightenment ay nabuo sa mga kondisyon ng paghina ng pyudal-absolutist na sistema, ang paglaki at pagkakaisa ng mga demokratikong anti-pyudal na pwersa ng lipunan sa bisperas ng burges na rebolusyon.

Ang pagkawatak-watak ng absolutismo, ang pagpapalakas ng mga bagong pwersang panlipunan - ito ay mga prosesong tumagal ng ilang dekada. Ang maharlika ay mahigpit na kumapit sa mga pribilehiyo ng alipin nito, pinrotektahan sila ng absolutistang estado, pinanatili ng simbahan ang paniniwala sa kanilang kawalang-malabag, na hinahabol ang anumang pagdududa at protesta. Ngunit mas mabilis na umunlad ang advanced na kaisipang panlipunan, at ang mga pag-aalsa ng mga magsasaka at lunsod ay yumanig sa France nang mas madalas.

Ang isang patuloy na pakikibaka sa ideolohiya ay kailangan upang ihanda ang mga isipan para sa rebolusyon, para sa pagkilos. Kinailangan na linisin ang batayan para sa pagkilos na ito, pinalaya ang isipan ng mga tao mula sa nakabaon na maling mga konsepto, mula sa paniniwala sa mga lumang pagkiling, mula sa pagpapasakop sa napakalaking kaayusang panlipunan na salungat sa katwiran.

Iyon ang dahilan kung bakit tinawag ni V. G. Belinsky ang ika-18 siglo sa France na siglo ng pagtanggi. Ang mga pilosopo ng Enlightenment, na pinamumunuan nina Voltaire at Montesquieu, Diderot at Rousseau, ay sumailalim sa sistemang pyudal at sa simbahan sa mapangwasak na pagpuna. Ang mga aktibidad ng mga enlighteners, ang kanilang mga pilosopikal at pampulitikang pananaw ay ang pinakamahalaga at nangungunang elemento ng progresibong kultura ng panahon.

Pranses kultura ng sining Ika-18 siglo sumasalamin sa hitsura ng panahon. Ang pakikibaka laban sa simbahan at absolutismo, na sinisira ang kanilang awtoridad, ay nagpapahina sa kahalagahan ng mga paksa sa relihiyon at kasaysayan at ang hierarchy ng mga genre na katangian ng ika-17 siglo. Sa sining, ang sekular, at kalaunan ang sibil, tiyak na panalo ang prinsipyo. Ito ay nababago sa ugnayan ng mga genre; ang mga bagong genre, mula sa magagaling na kasiyahan sa simula ng siglo hanggang sa makasaysayang larawan ng mga pre-rebolusyonaryong taon na niluluwalhati ang kabayanihan na pakikibaka, ay nakakuha ng primacy sa kanila.

Ang pakikibaka laban sa hindi pagkakapantay-pantay ng uri, na nakuha noong ika-18 siglo. ang gayong makabuluhang saklaw ay nagbunga ng isang mapagpasyang paggigiit sa sining ng dignidad ng indibidwal. Ang interes sa banayad at kumplikadong mga paggalaw ng kaisipan, sa pagsusuri ng mga karanasan sa kanilang mga banayad na lilim ay tinutukoy ang pagka-orihinal ng pagiging totoo ng ika-18 siglo. Ang paghahanap para sa indibidwal at katangian sa sining ng panahong ito ay mas malinaw na kabaligtaran sa mga apotheoses ng "Hari ng Araw" sa pagtatapos ng ika-17 siglo.

Samakatuwid, ang isang mahalagang lugar sa sining ng ika-18 siglo ay inookupahan ng portraiture, pang-araw-araw na buhay at buhay pa rin - ang mga genre kung saan ang mga makatotohanang tendensya ng artistikong kultura ay mas ganap na binuo. Kailanman, maliban sa Holland noong ika-17 siglo, ang mga genre na ito, malapit sa pang-araw-araw na buhay, sa espirituwal na mundo ng isang ordinaryong tao, ay nabuo nang napakatindi. Ang mga bagong uso sa sining ay napansin at masiglang sinuportahan ng mga tagapagturo, lalo na si Denis Diderot; ang kanyang mga pagsusuri sa mga eksibisyon - ang sikat na "Mga Salon" - ay kapansin-pansin para sa kanilang masiglang koneksyon sa masining na pagsasanay, aktibong pagtatanggol sa mga advanced na pakikipagsapalaran.

Sa huli, ang kinahinatnan ng mga pagbabagong ito ay ang pagbabago ng mga tradisyunal na genre - mitolohiya at relihiyoso, pati na rin ang genre ng ceremonial portraiture. Sa ceremonial portrait, mas malakas ang tunog ng intimate, lyrical notes, at nakuha ng mitolohiyang larawan ang katangian ng isang magiting na eksena.

Ang hitsura ng artistikong kultura ng Pransya noong ika-18 siglo, na sensitibo sa mga bagong problema ng panahon, ay tila nababago. Ang malungkot na pagmuni-muni ng magagaling na pagdiriwang ni Watteau, ang mapaglarong epekto ng mga pastoral ni Boucher, ang tula ng pang-araw-araw na buhay sa mga eksena sa genre ni Chardin, ang analytical acuity ng akda ni Latour - ang lahat ng ito ay tumutukoy lamang sa unang kalahati ng ika-18 siglo, na nakilala, ito ay tila, sa pamamagitan ng higit na higit na estilistang pagkakaisa kaysa sa pangalawa.

Ang mga pakikipag-ugnayan at pakikibaka ng mga kilusang masining ay natukoy sa pamamagitan ng pag-unlad ng anti-pyudal na kilusan, paglawak at pagtaas nito. Ngunit ang marangal na kultura, sa kanyang pino, pinong mga anyo na tipikal noong panahong iyon, sa paglipas ng maraming dekada ay tinutukoy ang mga katangian ng nangingibabaw na kilusang masining. Ang maharlika, patungo sa pagbaba, ay sinamahan ng sining na nawala ang kadakilaan ng isang mahusay na artistikong istilo, na walang kabayanihan, drama at lakas. Pagpinta, eskultura at inilapat na sining naging mga elemento ng eleganteng pandekorasyon na dekorasyon ng mga pribadong mansyon kasama ang kanilang maliliit na intimate interior. Ang istilong ito, na tinatawag na Rococo, ay minarkahan ng pagkabulok; siya ay malandi at apektado, madalas erotiko; ang hina at kakaiba ng mga ornamental na anyo ay pinagsama sa pagiging sopistikado ng mga pinong kupas na kulay. Ngunit ang sining ng Rococo ay naglalaman ng mga liriko na merito, lalo na kapag ito ay pinayaman ng matalik na tula ng pakiramdam na nakuha sa buhay. Ang saklaw ng sining ng Rococo ay medyo malawak, bagaman hindi komprehensibo, mula noong kasaysayan ng sining noong ika-18 siglo. ay ang kuwento ng isang masalimuot na pakikibaka sa pagitan ng mga masining na kilusan, na ang pangwakas ay ang tagumpay ng rebolusyonaryong klasisismo ni Louis David.

Sa pag-unlad ng sining ng Pranses noong ika-18 siglo. mayroong ilang mga yugto ( Ang periodization na ginamit sa kasaysayan ng sining ng Pransya ayon sa paghahari ng mga hari ay di-makatwiran at malayong tumutugma sa tunay na proseso ng artistikong pag-unlad.).

Sa unang dalawang dekada, ang larawan ay napaka-motley pa rin, ang mga pandekorasyon na prinsipyo ng Rococo ay nabuo kasama ng mga tradisyon ng akademiko, ngunit hindi pa sila nabuo sa isang solong sistema; Sa panahong ito ng krisis, nang ang pagdududa ay nanaig sa pagpapatibay, ang pinakakapansin-pansing kababalaghan ay ang gawa ni Antoine Watteau.

1730-1740s - ang susunod na panahon na nailalarawan sa pamamagitan ng pag-unlad pandekorasyon na istilo Rococo, pinangunahan ng mga masters gaya nina Boucher at Nattier. Sa kabilang banda, ito ang kasagsagan ng makatotohanang pang-araw-araw na genre at buhay pa rin ni Chardin at makatotohanang larawan ng Latour. Kaya, sa dalawang dekada na ito ay tumindi ang pakikibaka sa pagitan ng mga kilusang masining. Ito ay dahil sa pagpapalakas ng mga progresibong pwersang panlipunan at ang pagkikristal ng mga bagong aesthetic ideals - kasama ang lumalagong kamalayan sa sarili ng ikatlong estate.

Noong 1750-1760s, patuloy na umunlad ang pagiging totoo nina Chardin, Latour at mga masters na malapit sa kanila. Ngunit ang pakikibaka ay lumilipat sa isang mas aktibong yugto. Ang pangangaral ni Grezov ng moral na dignidad ng mga tao mula sa ikatlong estado ay pumapalit sa mga liriko na genre ng Chardin, at ang sensitivity at didacticism ng sentimentalism ay kaibahan sa kawalang-hanggan at kawalan ng laman ng Rococo art. Sa larangan ng aesthetics at artistikong kritisismo, ang mga taong ito ay nakita ang partikular na aktibong aktibidad ng mga tagapagturo na naglantad sa kasamaan ng marangal na kultura. Ang mataas na intensity ng panlipunang pakikibaka at ang paglago ng civic consciousness nakabuo ng interes sa sinaunang heroics; ang lumalagong mga usbong ng klasisismo ay naglalarawan sa pagbuo ng mga bagong artistikong mithiin na karapat-dapat sa rebolusyonaryong panahon.

Mula noong 70s. Ika-18 siglo maaari nating pag-usapan ang tungkol sa isang bagong yugto, kapag ang klasisismo ay unti-unting nagiging nangungunang direksyon hindi lamang sa arkitektura, kung saan ito ay tinukoy nang mas maaga, kundi pati na rin sa pagpipinta at iskultura. Ang sining ng panahong ito ay naglalaman ng "uhaw sa masiglang pagkilos" na sumakop sa Pranses.

Arkitektura

Kung ang ika-17 siglo sa arkitektura ng Pransya ay minarkahan ng maringal na gawaing pagtatayo para sa hari, ang pangunahing resulta kung saan ay ang paglikha ng monumental na grupo ng Versailles, kung saan ang mismong istilo ng klasisismo sa kahanga-hangang karangyaan nito ay nagpapakita ng mga elemento ng panloob na koneksyon sa arkitektura ng Baroque. , pagkatapos ay ang ika-18 siglo ay nagdadala ng mga bagong uso.

Ang konstruksiyon ay inilipat sa mga lungsod. Ang mga bagong pangangailangan ng panahon ay nagdulot ng problema sa paglikha ng isang uri ng urban residential mansion house. Ang pag-unlad ng mga relasyon sa burges, ang paglago ng kalakalan at industriya, ang pagpapalakas ng papel ng ikatlong estate sa pampublikong buhay ay nagsulong ng gawain ng pagtatayo ng mga bagong pampublikong gusali - palitan, lugar ng kalakalan, mga pampublikong sinehan. Ang pagtaas ng papel ng mga lungsod sa pang-ekonomiya at pampulitikang buhay ng bansa, ang paglitaw ng mga bagong uri ng pribado at pampublikong gusali ay nagbibigay ng mga bagong kinakailangan para sa mga arkitekto sa paglikha ng isang urban ensemble.

Jules Hardouin-Mansart, Robert de Cotte. Kapilya sa Palasyo ng Versailles. 1699-1710 Panloob na view

sumasailalim sa mga pagbabago at istilo ng arkitektura kapanahunan. Katangian ng klasisismo ng huling siglo, ang mahusay na pagkakaisa ng mga makasagisag na solusyon ng panlabas na anyo at panloob na espasyo sa simula ng ika-18 siglo. nagkakawatak-watak. Ang prosesong ito ng disintegrasyon ay sinamahan ng isang paghihiwalay ng kasanayan sa pagtatayo at mga teoretikal na pagtuturo, isang pagkakaiba sa mga prinsipyo ng panloob at disenyo ng harapan. Ang mga nangungunang arkitekto sa kanilang mga teoretikal na gawa ay sumasamba pa rin sa sinaunang panahon at sa mga alituntunin ng tatlong mga order, ngunit sa direktang pagsasanay sa arkitektura ay lumalayo sila sa mahigpit na mga kinakailangan ng lohikal na kalinawan at rasyonalismo, subordination ng partikular sa kabuuan, at malinaw na constructiveness. Ang gawain ni Robert de Cotte (1656-1735), ang kahalili ni Jules Hardouin-Mansart bilang maharlikang arkitekto (natapos niya ang pagtatayo ng kapilya ng Versailles Palace, maganda sa mahigpit, marangal na arkitektura nito), ay nagbibigay ng isang nakakumbinsi na halimbawa nito. . Sa mga itinayo niya noong 1710s. Sa mga mansyon ng Paris (Hotel de Toulouse at Hotel d'Estrée), kapansin-pansin ang mas magaan na anyo ng arkitektura at libreng pag-unlad ng palamuti.

Ang bagong istilo, na tinatawag na Rococo o Rocaille, ay hindi maaaring tingnan mula sa isang panig lamang, na nakikita sa loob nito ay isang reaksyunaryo at walang pag-asa na produkto ng isang dekadenteng uri. Ang istilong ito ay sumasalamin hindi lamang sa hedonistikong adhikain ng aristokrasya. Ang ilang mga progresibong uso ng panahon ay na-refracted din sa kakaibang paraan sa Rococo; samakatuwid ang mga pangangailangan para sa isang mas malayang layout na tumutugma sa totoong buhay, isang mas natural at buhay na pag-unlad, at panloob na espasyo. Ang dynamics at liwanag ng mga masa ng arkitektura at palamuti ay kaibahan sa napakalaking karangyaan ng panloob na disenyo sa panahon ng pinakamataas na kapangyarihan ng French absolutism.

Sa simula ng ika-18 siglo. ang pangunahing konstruksyon ay isinasagawa pa rin ng aristokrasya, ngunit ang karakter nito ay nagbabago nang malaki. Ang lugar ng mga manor castle ay kinuha ng mga mansyon ng lungsod, ang tinatawag na mga hotel. Ang paghina ng absolutismo ay makikita rin sa katotohanan na ang maharlika ay umalis sa Versailles at nanirahan sa kabisera. Sa mga luntiang suburb ng Paris - Saint Germain at Saint Opor - isa-isa, noong unang kalahati ng siglo, ang mga mararangyang mansion-hotel na may malawak na hardin at serbisyo ay itinayo (Larawan sa pahina 258). Hindi tulad ng mga gusali ng palasyo noong nakaraang siglo, na hinabol ang mga layunin ng kahanga-hangang pagiging kinatawan at solemne na kadakilaan, sa mga mansyon na nilikha ngayon, maraming pansin ang binabayaran sa aktwal na kaginhawahan ng buhay. Iniwan ng mga arkitekto ang kadena ng mga malalaking bulwagan, na lumalawak sa isang solemne na enfilade, pabor sa mas maliliit na silid, na inayos nang mas kaswal alinsunod sa mga pangangailangan ng pribadong buhay at ang pampublikong representasyon ng mga may-ari. Maraming matataas na bintana ang nagbibigay liwanag sa loob.

Ayon sa kanilang lokasyon sa lungsod, ang mga hotel sa unang kalahati ng ika-18 siglo. kumakatawan sa isang malaking lawak ng isang transisyonal na kababalaghan mula sa isang ari-arian ng bansa patungo sa isang bahay ng lungsod. Isa itong saradong architectural complex, isang uri ng ari-arian sa loob ng isang bloke ng lungsod, na konektado sa kalye sa pamamagitan lamang ng front gate. Ang bahay mismo ay nakatayo sa likod ng plot, nakaharap sa isang malawak na patyo na may linya na may mababang serbisyo. Ang kabaligtaran na harapan ay nakaharap sa hardin, na nagpapanatili ng isang regular na layout.

Sa mga hotel ng unang kalahati ng ika-18 siglo. Ang katangiang kontradiksyon ng arkitektura ng Pransya sa panahong ito ay pinaka-malinaw na ipinakita - ang pagkakaiba sa pagitan ng panlabas na arkitektura at ng panloob na palamuti. Ang harapan ng gusali, bilang panuntunan, ay nagpapanatili ng mga tradisyonal na elemento ng pagkakasunud-sunod, na binibigyang-kahulugan, gayunpaman, nang mas malaya at magaan. Dekorasyon

Gayunpaman, ang mga panloob na espasyo ay kadalasang ganap na lumalabag sa mga batas ng tectonics, na pinagsasama ang dingding sa kisame sa isang kumpletong shell ng panloob na espasyo na walang tiyak na mga hangganan. Hindi sinasadya na ang mga pandekorasyon na artista, na nagawang palamutihan ang interior na may kamangha-manghang kapitaganan at pagiging perpekto, ay nakakuha ng isang malaking papel sa oras na ito. Alam ng panahon ng maaga at mature na Rococo ang isang buong kalawakan ng mga masters na lumikha ng mga katangi-tanging obra maestra ng interior decoration (Gilles Marie Oppenor, 1672-1742; Just Aurèle Meissonnier, 1693-1750, at iba pa). Kadalasan ang isang gusali ay itinayo ng isang arkitekto at dinisenyo ng isa pa. Ngunit kahit na ang lahat ng gawain ay isinasagawa ng isang master, ang kanyang diskarte sa paglutas ng panlabas na hitsura ng hotel at ang loob nito ay sa panimula ay naiiba. Isa sa mga pinakatanyag na arkitekto ng Rococo, si Germain Beaufran (1667-1754), sa kanyang treatise na "Livre d'Architecture" (1745), direktang sinabi na ang kasalukuyang interior decor ay isang ganap na hiwalay na bahagi ng arkitektura, na hindi isinasaalang-alang ang palamuti ng panlabas ng gusali. Sa kanyang pagsasanay, patuloy niyang itinaguyod ang tesis na ito. Sa arkitektura ng kastilyo ng Lunéville, sa mga hotel sa Naisy, na itinayo noong 1720s, mararamdaman ng isa ang pagsunod sa mga tradisyon ng klasisismo - ang sentral Ang bahagi, na binibigyang-diin ng isang portiko na may mga haligi o pilaster, ay malinaw na namumukod-tangi. Iilan lamang ang nagsasalita tungkol sa istilong Rococo dito na hinulma ang mga detalye at paghahambing na magaan ng mga elemento ng pagkakasunud-sunod.

Jean Courton. Hotel Matignon sa Paris. Plano.

Pierre Delamere. Hotel Soubise sa Paris. 1705-1709 Facade.

Ibang-iba ang pagpapasya ni Beaufran sa kanyang mga interior. Ang isang napakatalino na halimbawa nito ay ang interior decor ng Soubise Hotel (1735-1740). Anuman ang panlabas na anyo ng mansyon, na natapos ni Delamere noong 1705-1709. Sa klasikal na tradisyon, binibigyan ni Beaufran ang mga kuwarto ng hotel ng katangian ng magagandang bonbonniere. Ang mga inukit na panel, stucco ornament, at magagandang panel ay tumatakip sa mga dingding at kisame na parang tuluy-tuloy na karpet. Ang epekto ng mga katangi-tanging eleganteng, kakaibang magaan na mga anyo ay dapat na kahanga-hanga lalo na sa kaibahan sa mas pinigilan na arkitektura ng harapan.

Ang relihiyosong pagtatayo sa panahong ito ay walang katulad na hindi gaanong kahalagahan kaysa sekular na pagtatayo. Ang mga gusali ng nakaraang siglo ay halos natapos.

Ganito ang simbahan ng Saint Roch sa Paris, na sinimulan ni Robert de Cotte sa pagtatapos ng ika-17 siglo. at natapos pagkatapos ng pagkamatay ng arkitekto na ito ng kanyang anak na si J.-R. de Cottom.

Jean Nicola Servandoni. Simbahan ng Saint Sulpice sa Paris. 1733-1745 Facade.

Ang mas kawili-wiling Parisian church ng Saint-Sulpice, nagsimula din noong ika-17 siglo. Pagsapit ng 20s. Ika-18 siglo Ang pangunahing façade ay nanatiling hindi natapos. Ito ay dinisenyo ng ilang mga arkitekto. Ang proyekto ng sikat na dekorador na si Meissonnier (1726), na sinubukang ilipat ang mga prinsipyo ng Rocaille sa panlabas na arkitektura, ay tinanggihan. Noong 1732, ang isa pang dekorador, si Jean Nicolas Servandoni (1695-1766), ay nanalo sa kumpetisyon na inihayag para sa disenyo ng harapan, na bumaling sa mga klasikal na anyo sa kanyang desisyon. Ang kanyang ideya ay naging batayan para sa karagdagang pagtatayo. Ang harapan ng simbahan ay nahahati sa dalawang baitang, na ang bawat isa ay may sariling kaayusan. Tumataas ang mga tore sa magkabilang gilid ng harapan.

Mula sa ikalawang quarter ng ika-18 siglo. Ang mga mayamang lungsod sa kalakalan ng lalawigan ay nagsimulang gumanap ng lalong prominenteng papel sa pagtatayo ng Pransya. Ang usapin ay hindi limitado sa pagtatayo ng mga indibidwal na gusali. Ang buong sistema ng lumang pyudal na lungsod kasama ang magulong mga gusali nito, na may masalimuot na grid ng mga kalye na kasama sa masikip na mga kuta ng lungsod, ay sumalungat sa mga bagong pangangailangan ng lumalaking komersyal at industriyal na mga sentro. Ang pagpapanatili ng maraming mahahalagang posisyon sa pamamagitan ng absolutismo ay humantong, gayunpaman, sa una sa isang halip na kompromiso na solusyon sa mga problema sa pagpaplano ng lunsod. Sa maraming mga lungsod, ang muling pagtatayo ng ilang bahagi ng lumang lungsod ay isinasagawa sa pamamagitan ng pagtatayo ng mga royal square. Ang tradisyon ng naturang mga parisukat ay nagsimula noong ika-17 siglo, nang nilikha ang mga ito hindi sa layuning magdala ng kaayusan sa kaguluhan ng medieval na lungsod, ngunit bilang isang bukas na lugar para sa pag-install ng isang estatwa ng hari. Ngayon ang dahilan ay nanatili, parang, pareho - lahat na lumitaw noong ika-18 siglo. Sa panahon ng monarkiya, ang mga parisukat ay inilaan upang magsilbi para sa pag-install ng isang monumento sa monarko, ngunit ang mga arkitekto mismo ay hinabol ang mas malawak na mga layunin sa pagpaplano ng lunsod.

Ang isa sa mga unang parisukat ng isang bagong uri na nauugnay sa muling pagpapaunlad at pagpapaunlad ng buong mga bloke ng lungsod ay ang parisukat sa Bordeaux. Ang taga-disenyo at tagabuo nito ay si Jacques Gabriel (1667-1742), isang kinatawan ng sikat na gusali noong ika-16 na siglo. dinastiya ng mga arkitekto, ama ng sikat na arkitekto na si Jacques Ange Gabriel.

Ang trabaho sa pagpaplano at pagpapaunlad ng parisukat ay nagsimula noong 1731. Ang lugar para dito ay inilalaan sa mga pampang ng malawak na Garonne. Ang arkitekto ay malawak at sari-saring bumuo ng mga posibilidad na lumikha ng isang bagong grupo, na sumasaklaw sa isang makabuluhang bahagi ng lungsod at ikinonekta ito sa natural na kapaligiran.

Sinimulan ni Jacques Gabriel ang kanyang trabaho sa Bordeaux sa demolisyon ng mga luma, hindi matukoy na mga gusali sa pampang ng ilog at ang pagtatayo ng isang napakagandang dike. Ibinaling ng lungsod ang mukha nito sa Garonne - ang pangunahing palamuti nito. Ang pagliko na ito ay inilaan upang pagsamahin ang parehong parisukat, malawak na bukas sa ilog, at ang layout ng dalawang kalye na dumadaloy sa parisukat. Gamit ang prinsipyo ng pagpaplano ng Versailles, inilapat ito ng arkitekto sa isang bagong panlipunan at artistikong organismo - ang lungsod, na nilutas ito sa mas malawak na batayan. Ang mga gusaling matatagpuan sa mga gilid ng parisukat ay inilaan para sa kalakalan at pang-ekonomiyang pangangailangan ng lungsod: sa kanan ay ang stock exchange, sa kaliwa ay ang gusali ng tanggapan ng buwis. Ang kanilang arkitektura ay nakikilala sa pamamagitan ng pagpigil at eleganteng pagiging simple. Ang pagtatayo ng palitan at ang gitnang pavilion sa pagitan ng dalawang kalye ay natapos pagkatapos ng pagkamatay ni Jacques Gabriel ng kanyang anak. Ang isang bilang ng mga makabagong prinsipyo ng Place de Bordeaux - ang bukas na karakter nito, nakaharap ito sa ilog, ang koneksyon sa mga quarters ng lungsod sa tulong ng mga ray-streets - si Jacques Ange Gabriel sa lalong madaling panahon ay mahusay na binuo sa kanyang trabaho sa Place Louis XV sa Paris .

Emmanuel Here de Corney. Ang grupo ng Place Stanislas, Place Carriere at Place de la Government sa Nancy. 1752-1755 Aerial photography.

Kung ang grupo ng parisukat sa Bordeaux ay nagbigay ng solusyon na inaasahang maraming mga prinsipyo sa pagpaplano ng mga susunod na panahon, kung gayon ang isa pang kapansin-pansing grupo ng kalagitnaan ng ika-18 siglo - isang kumplikadong tatlong parisukat sa Nancy, na mas malapit na nauugnay sa nakaraan - ay tila nagbubuod sa paraan ng pag-aayos ng espasyo ng Baroque Era.

Emmanuel Here de Corney. Government Square sa Nancy. 1752-1755 Pangkalahatang anyo.

Tatlong parisukat na may iba't ibang hugis - ang parihabang Stanislaus Square, ang mahabang Carrière Square at ang oval na Government Square - ay bumubuo ng isang malapit na nagkakaisa at panloob na saradong organismo na umiiral lamang sa isang napaka-kamag-anak na koneksyon sa lungsod. Ang oval cour d'honneur ng Government Palace ay pinaghihiwalay ng isang arcade mula sa nakapalibot na lungsod at parke. Ang aktibong paggalaw mula dito ay maaari, sa esensya, ay umuunlad lamang pasulong sa pamamagitan ng hugis boulevard na Carrière Square at ang triumphal arch, upang, sa pagpasok sa Stanislav Square, ito ay agad na maharangan ng monumental na gusali ng town hall. Ang isa ay nakakakuha ng impresyon ng dalawang monumental na court d'honneurs, na nakalatag sa harap ng mga nakamamanghang palasyo at konektado sa pamamagitan ng isang tuwid na eskinita. Ito ay katangian na ang mga kalye na nakaharap sa Stanislav Square ay pinaghihiwalay mula dito ng mga bar. Ang kagandahan ng grupo ay nilikha ng maligaya na arkitektura ng mga palasyo, kamangha-manghang craftsmanship ng mga huwad at ginintuan na mga ihawan, mga fountain sa dalawang sulok ng parisukat, na idinisenyo sa isang solong eleganteng at eleganteng tono ng rococo. Ang tagaplano ng lugar at ang arkitekto ng mga pangunahing gusali ay ang estudyante ni Beaufran na si Emmanuel Eray de Corney (1705-1763), na pangunahing nagtrabaho sa Lorraine. Itinayo noong 1752-1755, ang kumplikadong ito sa mga anyo nito at mga prinsipyo sa pagpaplano ay mukhang medyo anachronistic kumpara sa bagong kilusan sa arkitektura na nagsimula sa pagtatapos ng unang kalahati ng ika-18 siglo.

Ang kilusang ito, ang impluwensya kung saan ay minarkahan na ang disenyo ng parisukat sa Bordeaux, ay ipinahayag sa pagtanggi sa mga sukdulan at quirks ng Rococo sa pabor ng isang mas makatwiran, inayos na arkitektura, sa isang pagtaas ng interes sa sinaunang panahon. Hindi maikakaila ang koneksyon ng kilusang ito sa pagpapalakas ng mga posisyon ng burgesya.

Sa pagsisimula pa lamang ng una at ikalawang kalahati ng siglo, ang talumpati ng mga ensiklopedya, na naglagay ng kriterya ng katwiran bilang tanging sukatan ng lahat ng bagay, ay nagmula. Mula sa mga posisyong ito, ang buong lipunang pyudal at ang mga supling nito - ang istilong Rococo - ay pinupuna bilang walang lohika, katwiran, at pagiging natural. At kabaliktaran, ang lahat ng mga katangiang ito ay makikita sa arkitektura ng mga sinaunang tao. Sa mga taong ito, lumitaw ang mga eksibisyon na nakatuon sa mga monumento ng sinaunang arkitektura. Noong 1752, ang sikat na baguhan at pilantropo na si Count de Caylus ay nagsimulang maglathala ng akdang “Collection of Egyptian, Etruscan, Greek and Roman Antiquities.” Pagkalipas ng dalawang taon, naglakbay ang arkitekto na si David Leroy sa Greece at pagkatapos ay inilabas ang aklat na “Ruins of the Most Beautiful Structures of Greece.” Kabilang sa mga theorists ng arkitektura, namumukod-tangi si Abbé Laugier, na ang "Studies on Architecture", na inilathala noong 1753, ay nagdulot ng masiglang tugon sa malawak na bilog ng lipunang Pranses. Sa pagsasalita mula sa pananaw ng rasyonalismo, itinataguyod niya ang makatwiran, iyon ay, natural na arkitektura. Ang presyon ng pang-edukasyon, sa huli ay mga demokratikong ideya ay napakahusay na nagkaroon din ito ng epekto sa mga opisyal na artistikong bilog. Ang mga pinuno ng artistikong patakaran ng absolutismo ay nadama ang pangangailangan na ihambing ang isang bagay sa positibong programa ng mga ensiklopedista, ang kanilang nakakumbinsi na pagpuna sa pagiging hindi makatwiran at hindi likas ng sining ng Rococo. Ang maharlikang kapangyarihan at ang Akademya ay gumagawa ng ilang mga hakbang upang agawin ang inisyatiba mula sa mga kamay ng ikatlong estate at sila mismo ang namumuno sa bagong kilusan. Noong 1749, isang uri ng artistikong misyon ang ipinadala sa Italya, pinangunahan ng kapatid ng pinakamakapangyarihang paborito ni Louis XV, Madame Pompadour, ang hinaharap na Marquis ng Marigny, na nagsilbi bilang direktor ng mga gusali ng hari. Sinamahan siya ng engraver na si Cochin at ang arkitekto na si Jacques Germain Soufflot, ang magiging tagabuo ng Parisian Pantheon. Ang layunin ng paglalakbay ay upang makilala ang sining ng Italyano - ang duyan ng kagandahang ito. Binisita nila ang mga paghuhukay ng Herculaneum at Pompeii na nagsimula kamakailan. Bilang karagdagan, pinag-aralan ni Soufflot ang mga sinaunang monumento ng Paestum. Ang buong paglalakbay na ito ay isang tanda ng mga bagong phenomena sa sining, at ang kinahinatnan nito ay isang karagdagang pagliko sa klasisismo at isang mas matinding pakikibaka sa mga prinsipyo ng rocaille kahit na sa iba't ibang uri ng pandekorasyon na sining. Kasabay nito, ang paglalakbay na ito ay nagbibigay ng malinaw na katibayan kung paano naiiba ang pag-unawa sa apela sa sinaunang pamana at kung ano ang iba't ibang mga konklusyon mula dito ng mga kinatawan ng naghaharing uri at ng mga artista mismo. Ang mga resulta ng mga impresyon at pagmumuni-muni ng Italyano ay ipinahayag ni Marigny sa mga salitang: "Ayoko ng mga kasalukuyang labis o kalubhaan ng mga sinaunang tao - kaunti nito, kaunti nito." Pagkatapos ay sumunod siya sa patakarang ito ng kompromiso sa masining sa buong maraming taon niyang aktibidad bilang direktor ng sining.

Ang kanyang mga kasama sa paglalakbay, sina Cochin at Soufflot, ay kumuha ng mas progresibo at aktibong posisyon. Ang unang inilathala sa kanyang pagbabalik ng treatise na "Review of the Antiquities of Herculaneum with Several Reflections on the Painting and Sculpture of the Ancients" at pagkatapos ay pinangunahan ang isang napaka-matalim na pakikibaka sa pag-print laban sa mga prinsipyo ng rocaille art, para sa higpit, kadalisayan at kalinawan. ng mga arkitektura at pandekorasyon na anyo. Tulad ng para kay Souflo, ang kanyang karagdagang paglalakbay sa Paestum at ang on-site na pag-aaral ng dalawang kapansin-pansing monumento ng arkitektura ng Greek ay nagpapatotoo sa kanyang malalim na interes sa sinaunang panahon. Sa kanyang pagsasanay sa pagtatayo sa kanyang pagbabalik mula sa Italya, ang mga prinsipyo ng klasisismo ay ganap na nagtagumpay at walang kompromiso.

Sa panahong ito ng transisyonal, ang gawain ng pinakakaakit-akit na master ng arkitektura ng Pranses, si Jacques Ange Gabriel (1699-1782), ay nabuo at umunlad. Ang istilo ni Gabriel ay tila nakakatugon sa mga kinakailangan ni Marigny, ngunit ito ay isang napaka orihinal at organikong kababalaghan na nabuo ng natural, "malalim" na pag-unlad ng arkitektura ng Pranses. Ang master ay hindi pa nakapunta sa Italya, lalo na sa Greece. Ang gawain ni Gabriel ay tila nagpatuloy at bumuo ng linya ng arkitektura ng Pransya na lumitaw sa mga huling gusali ng Jules Hardouin-Mansart (Grand Trianon at ang kapilya sa Versailles), sa silangang harapan ng Louvre. Kasabay nito, inisip din niya ang mga progresibong uso na nakapaloob sa arkitektura ng Rococo: ang pagiging malapit nito sa mga tao, pagpapalagayang-loob, pati na rin ang katangi-tanging kapitaganan ng mga detalye ng dekorasyon.

Ang pakikilahok ni Gabriel sa gawaing pagpaplano sa lunsod ng kanyang ama sa Bordeaux ay naghanda sa kanya nang husto para sa paglutas ng mga problema ng grupo na sumakop sa kanya noong kalagitnaan ng ika-18 siglo. isang lalong kilalang papel sa pagsasanay sa arkitektura. Sa oras na ito, pinatindi ng press ang atensyon sa Paris, sa problema ng paggawa nito sa isang lungsod na karapat-dapat sa pangalan ng kapital.

Ang Paris ay may magagandang monumento sa arkitektura, isang bilang ng mga parisukat na nilikha noong nakaraang siglo, ngunit ang lahat ng ito ay hiwalay, self-contained, nakahiwalay na mga isla ng organisadong pag-unlad. Noong kalagitnaan ng ika-18 siglo, lumitaw ang isang parisukat na may malaking papel sa pagbuo ng ensemble ng sentro ng Paris - ang kasalukuyang Place de la Concorde. Utang nito ang hitsura nito sa isang buong pangkat ng mga arkitekto ng Pransya, ngunit ang pangunahing lumikha nito ay si Jacques Ange Gabriel.

Noong 1748, sa inisyatiba ng mga mangangalakal ng kabisera, ang ideya ng pagtatayo ng isang monumento kay Louis XV ay iniharap. Ang Academy ay nag-anunsyo ng isang kumpetisyon upang lumikha ng isang parisukat para sa monumento na ito. Tulad ng nakikita mo, ang simula ay ganap na tradisyonal, sa diwa ng ika-17 siglo - ang lugar ay inilaan para sa isang estatwa ng monarko.

Bilang resulta ng unang kumpetisyon, wala sa mga proyekto ang napili, ngunit ang lokasyon para sa parisukat ay sa wakas ay naitatag. Pagkatapos ng pangalawang kumpetisyon, na ginanap noong 1753 lamang sa mga miyembro ng Academy, ang disenyo at konstruksiyon ay ipinagkatiwala kay Gabriel, upang isaalang-alang niya ang iba pang mga panukala.

Ang lugar na pinili para sa parisukat ay isang malawak na kaparangan sa mga pampang ng Seine sa kung ano noon ang labas ng Paris, sa pagitan ng hardin ng Tuileries Palace at ang simula ng kalsadang patungo sa Versailles. Kinuha ni Gabriel ang hindi pangkaraniwang mabunga at magandang bentahe sa bukas at baybaying lokasyong ito. Ang lugar nito ay naging axis ng karagdagang pag-unlad ng Paris. Ito ay posible salamat sa kanyang maraming nalalaman na oryentasyon. Sa isang banda, ang parisukat ay naisip bilang ang threshold ng mga complex ng palasyo ng Tuileries at ng Louvre: hindi walang dahilan na ang tatlong sinag na inisip ni Gabriel ay humahantong dito mula sa labas ng lungsod - ang mga eskinita ng Champs Elysees, ang intersection ng kaisipan na kung saan ay matatagpuan sa entrance gate ng Tuileries Park. Ang equestrian monument ng Louis XV ay nakatuon sa parehong direksyon - nakaharap sa palasyo. Kasabay nito, isang gilid lamang ng parisukat ang pinatingkad sa arkitektura - parallel sa Seine. Ang pagtatayo ng dalawang maringal na administratibong gusali ay pinlano dito, at sa pagitan ng mga ito ay idinisenyo ang Royal Street, ang axis nito ay patayo sa Champs-Elysees - Tuileries axis. Sa dulo nito, sa lalong madaling panahon, ang Madeleine Church ng arkitekto na si Contan d'Ivry ay nagsimulang itayo, na isinasara ang pananaw sa portico at simboryo nito. Sa mga gilid ng mga gusali nito, nagdidisenyo si Gabriel ng dalawa pang kalye, parallel sa Royal Nagbibigay ito ng isa pang posibleng direksyon ng paggalaw, na nagkokonekta sa parisukat sa iba pang mga quarters na lumalagong lungsod.

Nilulutas ni Gabriel ang mga hangganan ng parisukat sa isang napaka-matalino at ganap na bagong paraan. Sa pamamagitan ng pagbuo lamang ng isa sa mga hilagang panig nito, na inilalagay ang prinsipyo ng libreng pag-unlad ng espasyo, ang koneksyon nito sa natural na kapaligiran, siya sa parehong oras ay nagsisikap na maiwasan ang impresyon ng amorphousness at kawalan ng katiyakan nito. Sa lahat ng apat na panig ay nagdidisenyo siya ng mababaw na tuyong kanal, na natatakpan ng mga berdeng damuhan, na napapaligiran ng mga balustrade ng bato. Ang mga puwang sa pagitan ng mga ito ay nagbibigay ng karagdagang malinaw na diin sa mga sinag ng Champs Elysees at ang axis ng Royal Street.

Jacques Ange Gabriel. Pag-unlad ng hilagang bahagi ng Place de la Concorde (dating Place Louis XV) sa Paris. 1753-1765

Ang hitsura ng dalawang gusali na nagsasara sa hilagang bahagi ng Place de la Concorde ay malinaw na nagpapahayag ng mga katangiang katangian ng gawa ni Gabriel: isang malinaw, mahinahon na pagkakaisa ng kabuuan at mga detalye, ang lohika ng mga anyo ng arkitektura na madaling makita ng mata. Ang mas mababang tier ng gusali ay mas mabigat at mas malaki, na binibigyang-diin ng malaking rustication ng pader; nagdadala ito ng dalawa pang tier na pinag-isa ng mga column ng Corinthian, isang motif na bumalik sa klasikal na silangang harapan ng Louvre.

Ngunit ang pangunahing merito ni Gabriel ay hindi nakasalalay sa mahusay na disenyo ng mga facade kasama ang kanilang mga payat na fluted na mga haligi na tumataas sa itaas ng makapangyarihang mga arcade sa ibabang palapag, ngunit sa tiyak na ensemble na tunog ng mga gusaling ito. Pareho sa mga gusaling ito ay hindi maiisip kung wala ang isa't isa, at walang espasyo ng parisukat, at walang istraktura na matatagpuan sa isang malaking distansya - nang walang Simbahan ng Madeleine. Ito ay patungo dito na ang parehong mga gusali ng Place de la Concorde ay nakatuon - ito ay hindi nagkataon na ang bawat isa sa kanila ay walang accentuated center at, bilang ito ay, isa lamang sa mga pakpak ng kabuuan. Kaya, sa mga gusaling ito, na idinisenyo noong 1753 at nagsimulang itayo noong 1757 -1758, binalangkas ni Gabriel ang mga prinsipyo ng volumetric-spatial na solusyon na bubuo sa panahon ng mature na klasisismo.

Gabriel. Petit Trianon sa Versailles. Plano.

Jacques Ange Gabrirl. Petit Trianon sa Versailles. 1762-1768

Ang perlas ng arkitektura ng Pransya noong ika-18 siglo ay ang Petit Trianon, na nilikha ni Gabriel sa Versailles noong 1762-1768. Ang tradisyonal na tema ng isang kastilyo ng bansa ay nalutas dito sa isang ganap na bagong paraan. Ang maliit na gusali, na parisukat sa plano, ay nakaharap sa espasyo kasama ang apat na harapan nito. Walang nangingibabaw na diin sa dalawang pangunahing facade, na hanggang kamakailan lamang ay katangian ng mga palasyo at estate. Ang bawat isa sa mga partido ay may independiyenteng kahulugan, na ipinahayag sa kanilang iba't ibang mga desisyon. At sa parehong oras, ang pagkakaibang ito ay hindi kardinal - ito ay, tulad ng mga pagkakaiba-iba ng parehong tema. Nakaharap sa harapan bukas na espasyo Ang parterre, na pinaghihinalaang mula sa pinakamalayong distansya, ay binibigyang-kahulugan na pinaka-plastik. Apat na nakadikit na haligi na nagdudugtong sa magkabilang palapag ay bumubuo ng isang uri ng bahagyang nakausli na portico. Ang isang katulad na motif, gayunpaman sa isang binagong anyo - ang mga haligi ay pinalitan ng mga pilaster - ang mga tunog sa dalawang katabing panig, ngunit sa bawat oras na naiiba, dahil dahil sa pagkakaiba sa mga antas, sa isang kaso ang gusali ay may dalawang palapag, sa isa pa - tatlo . Ang ika-apat na harapan, na nakaharap sa mga kasukalan ng parke ng landscape, ay ganap na simple - ang dingding ay hinihiwalay lamang ng mga hugis-parihaba na bintana ng iba't ibang laki sa bawat isa sa tatlong tier. Kaya, sa kaunting paraan, nakakamit ni Gabriel ang kamangha-manghang kayamanan at kayamanan ng mga impression. Ang kagandahan ay nagmula sa pagkakaisa ng mga simple, madaling makitang mga anyo, mula sa kalinawan ng mga proporsyonal na relasyon.

Ang panloob na layout ay dinisenyo din na may mahusay na pagiging simple at kalinawan. Ang palasyo ay binubuo ng isang bilang ng mga maliliit na hugis-parihaba na mga silid, ang pandekorasyon na dekorasyon na kung saan, na binuo sa paggamit ng mga tuwid na linya, magaan na malamig na kulay, at ang parsimony ng mga plastik na materyales, ay tumutugma sa eleganteng pagpigil at marangal na biyaya ng panlabas na anyo.

Ang gawain ni Gabriel ay isang transisyonal na ugnayan sa pagitan ng arkitektura ng una at ikalawang kalahati ng ika-18 siglo.

Sa mga gusali noong 1760-1780s. Ang nakababatang henerasyon ng mga arkitekto ay bumubuo na ng isang bagong yugto ng klasisismo. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang mapagpasyang pagliko sa antiquity, na naging hindi lamang isang inspirasyon para sa mga artista, kundi pati na rin isang treasury ng mga form na ginamit nila. Ang mga kinakailangan para sa pagiging makatwiran ng isang gawaing arkitektura ay umabot sa pagtanggi sa mga pandekorasyon na dekorasyon. Ang prinsipyo ng utilitarianism ay iniharap, na nauugnay sa prinsipyo ng pagiging natural ng gusali, isang halimbawa nito ay ang mga sinaunang gusali, kasing natural ng utilitarian, ang lahat ng mga anyo nito ay idinidikta ng makatwirang pangangailangan. Ang column, entablature, at pediment, na naging pangunahing paraan ng pagpapahayag ng imaheng arkitektura, ay ibinalik sa kanilang nakabubuo, functional na kahulugan. Alinsunod dito, ang sukat ng mga dibisyon ng order ay pinalaki. Ang pagtatayo ng parke ay nailalarawan sa pamamagitan ng parehong pagnanais para sa pagiging natural. Kaugnay nito ay ang pag-abandona sa regular, "artipisyal" na parke at ang pag-usbong ng landscape garden.

Soufflo. Pantheon sa Paris. Plano.

Jacques Germain Soufflot. Pantheon (dating Simbahan ng St. Genevieve) sa Paris. Nagsimula noong 1755. Pangkalahatang view.

Ang isang katangiang kababalaghan ng arkitektura ng mga pre-rebolusyonaryong dekada na ito ay ang pamamayani sa pagtatayo ng mga pampublikong gusali. Ito ay sa mga pampublikong gusali na ang mga prinsipyo ng bagong arkitektura ay pinaka-malinaw na ipinahayag. At napakahalaga na ang isa sa mga namumukod-tanging gawa sa arkitektura ng panahong ito - ang Pantheon - sa lalong madaling panahon ay naging isang pampublikong monumento mula sa isang gusaling may kahalagahang pangrelihiyon. Ang pagtatayo nito ay ipinaglihi ni Louis XV bilang simbahan ng patroness ng Paris - St. Genevieve, ang lugar kung saan inilalagay ang kanyang mga labi. Ang pagbuo ng proyekto ay ipinagkatiwala noong 1755 kay Jacques Germain Soufflot (1713-1780), na kamakailan lamang ay bumalik mula sa isang paglalakbay sa Italya. Naunawaan ng arkitekto ang kanyang gawain nang mas malawak kaysa sa kanyang kliyente. Iniharap niya ang isang plano na, bilang karagdagan sa simbahan, kasama ang isang malawak na lugar na may dalawang pampublikong gusali - ang mga faculty ng batas at teolohiya. Sa kanyang karagdagang trabaho, kinailangan ni Souflot na talikuran ang planong ito at limitahan ang kanyang gawain sa pagtatayo ng isang simbahan, ang buong hitsura nito ay nagpapatotoo, gayunpaman, na inisip ito ng arkitekto bilang isang gusali na may malaking kahalagahan sa lipunan. Ang gusali, na cruciform sa plano, ay nasa tuktok ng isang engrandeng simboryo sa isang drum na napapalibutan ng mga haligi. Pangunahing harapan binigyang-diin ng isang malakas na malalim na anim na hanay na portico na may pediment. Ang lahat ng iba pang bahagi ng dingding ay iniwang ganap na blangko, nang walang mga bakanteng. Ang malinaw na lohika ng mga anyo ng arkitektura ay malinaw na nakikita sa unang sulyap. Walang mystical o hindi makatwiran - lahat ay makatwiran, mahigpit at simple. Ang parehong kalinawan at mahigpit na pagkakapare-pareho ay katangian ng spatial na disenyo ng interior ng templo. Ang rasyonalismo ng artistikong imahe, na ipinahayag nang taimtim at monumental, ay naging napakalapit sa pananaw sa mundo ng mga rebolusyonaryong taon, at ang bagong natapos na simbahan ay ginawa noong 1791 bilang isang monumento sa mga dakilang tao ng France.

Sa mga pampublikong gusaling itinayo sa Paris noong mga pre-rebolusyonaryong dekada, ang Surgical School of Jacques Gondoin (1737-1818) ay namumukod-tangi. Ang proyekto, na sinimulan niyang gawin noong 1769, ay nakikilala sa pamamagitan ng mahusay na lawak ng konsepto, na sa pangkalahatan ay isang katangian ng arkitektura ng mga taong ito. Kasama ng gusaling ito, binalak ni Gondoin na muling itayo ang buong quarter. At kahit na ang plano ni Gondoin ay hindi ganap na naisakatuparan, ang gusali ng Surgical School mismo, na natapos noong 1786, ay natapos sa malaking sukat. Ito ay isang malawak na dalawang palapag na istraktura na may malaking patyo. Ang gitna ng gusali ay minarkahan ng isang kahanga-hangang yurtik. Ang pinaka-kagiliw-giliw na bahagi ng interior ay ang malaking kalahating bilog na bulwagan ng anatomikal na teatro na may nakataas na mga bangko na may istilong amphitheater at isang naka-cap na vault - isang kakaibang kumbinasyon ng kalahati ng Roman Pantheon kasama ang Colosseum.

Ang teatro ay naging isang bagong laganap na uri ng pampublikong gusali sa panahong ito. At sa kabisera at sa maraming lungsod ng probinsiya ay sunod-sunod silang lumalaki mga gusali ng teatro, conceived sa kanilang hitsura bilang isang mahalagang bahagi sa arkitektural ensemble ng lungsod sentro ng komunidad. Ang isa sa pinakamagagandang at makabuluhang gusali ng ganitong uri ay ang teatro sa Bordeaux, na itinayo noong 1775-1780. arkitekto Victor Louis (1731-1807). Ang isang napakalaking dami ng mga hugis-parihaba na balangkas ay inilalagay sa isang bukas na lugar ng parisukat. Pinalamutian ng labindalawang-kolum na portico ang isa sa makitid na gilid ng gusali ng teatro, na nagbibigay ng solemne na presensya sa pangunahing entrance façade nito. Ang entablature ng portico ay naglalaman ng mga estatwa ng muse at goddesses, na tumutukoy sa layunin ng gusali. Ang pangunahing hagdanan ng teatro, sa unang single-flight, pagkatapos ay nahahati sa dalawang braso na humahantong sa magkasalungat na direksyon, ay nagsilbing modelo para sa maraming mga gusali ng teatro sa France. Ang simple, malinaw at solemne na arkitektura ng teatro sa Bordeaux, ang malinaw na functional na solusyon ng panloob na espasyo nito ay ginagawa ang gusaling ito na isa sa pinakamahalagang monumento ng French classicism.

Sa mga taon na sinusuri, nagsimula ang mga aktibidad ng ilang mga arkitekto, na ang trabaho sa kabuuan ay nabibilang na sa susunod na panahon ng French Architecture, na inspirasyon ng mga ideya ng rebolusyon. Sa ilang mga proyekto at gusali, nakabalangkas na ang mga pamamaraan at pormang iyon na magiging mga katangian ng bagong

Realismo, simbolismo. Ang pagtatanghal ay magpapakilala sa gawa ng mga Pranses na artista na sina Courbet, Daumier, at Millet.

Realismo sa pagpipinta ng Pranses

Ang istilo ng klasisismo, na naghari sa sining ng Enlightenment, ay napalitan na sa pagtatapos ng ika-18 siglo ng isang bagong istilo, na bunga ng mga kaguluhang dulot ng burges na rebolusyon sa France at pagkabigo sa mga resulta nito. Naging romanticism ang istilong ito. Nagtalaga ako ng ilang mga post sa sining ng romantikismo. Ngayon ay pag-uusapan natin pagiging totoo, na nagsimulang magkaroon ng hugis sa kaibuturan ng romantikong sining. Ang Pranses na kritiko sa panitikan na si Jules François Chanfleury, na unang gumamit ng terminong "realismo," ay inihambing ito sa simbolismo at romantikismo. Ngunit ang makatotohanang masining na kilusan ay hindi naging ganap na antagonist ng romantikismo, bagkus ay ang pagpapatuloy nito.

Ang realismong Pranses, na nagsusumikap para sa isang makatotohanang pagmuni-muni ng realidad, ay natural na nauugnay sa rebolusyonaryong kilusan at tinawag na "kritikal na realismo." Apela sa modernidad sa lahat ng mga pagpapakita nito, pagpaparami ng mga tipikal na karakter sa karaniwang mga pangyayari batay sa parang buhay na pagiging tunay ng imahe - ang pangunahing pangangailangan ng pagiging totoo.

"Ang sining ng pagpipinta ay hindi maaaring maging anumang bagay maliban sa paglalarawan ng mga bagay na nakikita at nahahawakan ng pintor... ang isang realistang pintor ay dapat maghatid ng moral, ideya, at hitsura ng kanyang panahon"
Gustave Courtbet

Malamang na hindi ako makapagsalita tungkol sa gawain at kapalaran ni Gustave Courbet, na madalas na tinatawag na tagapagtatag. realismo sa pagpipinta ng Pranses, mas mahusay kaysa sa ginawa ng mga creator pelikulang "Freedom of Courbet" mula sa seryeng "My Pushkinsky"

Sa iyong presentasyon "Realismo sa pagpipinta ng Pranses" Sinubukan ko ring ipakita ang gawa ng mga magagaling na artistang Pranses Francois Millet At Honore Daumier. Para sa mga interesado sa paksang ito, nais kong irekomenda ang pagsuri sa site Gallerix.ru

Gaya ng dati, maliit listahan ng mga libro, kung saan mababasa mo ang tungkol sa French realism at French realist artist:

• Encyclopedia para sa mga bata. T.7. Art. Ikalawang bahagi. – M.: Avanta+, 2000.
• Beckett V. Kasaysayan ng pagpipinta. – M.: Astrel Publishing House LLC: AST Publishing House LLC, 2003.
• Dmitrieva N.A. Maikling kwento sining Isyu III: Mga Bansa ng Kanlurang Europa noong ika-19 na siglo; Russia XIX siglo. – M.: Sining, 1992
• Emokhonova L.G. Kultura ng sining ng daigdig: Teksbuk. Isang manwal para sa mga mag-aaral. avg. ped. aklat-aralin mga establisyimento. – M.: Publishing Center “Academy”, 1998.
• Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova E.A., Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova L.M. Sining ng Daigdig. XIX na siglo. Fine arts, musika, teatro. ‒ St. Petersburg: Peter, 2007.
• Samin D.K. Isang Daang Mahusay na Artista. – M.: Veche, 2004.
• Freeman J. Kasaysayan ng Sining. – M.: Astrel Publishing House, 2003.

Makatotohanang kilusan sa sining at panitikan noong ika-19 na siglo.

Noong ika-19 na siglo, ang lipunan ay nagsimulang umunlad nang mabilis. Ang mga bagong teknolohiya ay umuusbong, gamot, industriya ng kemikal, enerhiya, mechanical engineering, at transportasyon ay umuunlad. Ang populasyon ay nagsimulang unti-unting lumipat mula sa mga lumang nayon patungo sa mga lungsod, nagsusumikap para sa kaginhawahan at modernong buhay.
Ang kultural na globo ay hindi maaaring makatulong ngunit tumugon sa lahat ng mga pagbabagong ito. Pagkatapos ng lahat, ang mga pagbabago sa lipunan - kapwa pang-ekonomiya at panlipunan - ay nagsimulang lumikha ng mga bagong istilo at artistikong direksyon. Kaya, ang romantikismo ay pinalitan ng isang pangunahing estilistang uso - realismo. Hindi tulad ng hinalinhan nito, ang istilong ito ay ipinapalagay na isang salamin ng buhay kung ano ito, nang walang anumang pagpapaganda o pagbaluktot. Ang pagnanais na ito ay hindi bago sa sining - ito ay matatagpuan sa unang panahon, sa medieval folklore, at sa Age of Enlightenment.
Ang realismo ay natagpuan ang mas maliwanag na pagpapahayag nito mula noong katapusan ng ika-17 siglo. Ang pagtaas ng kamalayan ng mga taong pagod na mamuhay sa pamamagitan ng hindi umiiral na mga mithiin ay nagbibigay ng isang layunin na pagmuni-muni - pagiging totoo, na sa Pranses ay nangangahulugang "malaking". Lumilitaw ang ilang realist tendency sa mga painting nina Michelangelo Caravaggia at Rembrandt. Ngunit ang realismo ay naging pinakaholistic na istruktura ng mga pananaw sa buhay noong ika-19 na siglo lamang. Sa panahong ito, naabot nito ang kapanahunan at pinalawak ang mga hangganan nito sa buong teritoryo ng Europa, at, siyempre, Russia.
Ang bayani ng makatotohanang kilusan ay isang tao na naglalaman ng katwiran, na naghahangad na magbigay ng paghatol sa mga negatibong pagpapakita ng nakapaligid na buhay. Ang mga akdang pampanitikan ay nagsasaliksik ng mga kontradiksyon sa lipunan at lalong naglalarawan sa buhay ng mga taong mahihirap. Si Daniel Defoe ay itinuturing na tagapagtatag ng makatotohanang nobela sa Europa. Ang batayan ng kanyang mga gawa ay ang mabuting simula ng tao. Ngunit maaari itong mabago sa pamamagitan ng mga pangyayari, nakalantad ito sa mga panlabas na kadahilanan.
Sa France, ang nagtatag ng bagong direksyon ay si Frederic Stendhal. Siya ay literal na lumangoy laban sa tubig. Pagkatapos ng lahat, sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, naghari ang romantikismo sa sining. Ang pangunahing tauhan ay isang "pambihirang bayani." At biglang, may ganap na kakaibang imahe ang Stendhal. Ang kanyang mga karakter ay talagang nabubuhay hindi lamang sa Paris, kundi sa mga probinsya. Pinatunayan ng may-akda sa mambabasa na ang paglalarawan ng pang-araw-araw na buhay, mga tunay na karanasan ng tao, nang walang pagmamalabis o pagpapaganda, ay maaaring dalhin sa antas ng sining. Mas lumayo pa si G. Flaubert. Inihayag na nito ang sikolohikal na katangian ng bayani. Nangangailangan ito ng isang ganap na tumpak na paglalarawan ng pinakamaliit na detalye, isang pagpapakita ng panlabas na bahagi ng buhay upang maihatid ang kakanyahan nito nang mas detalyado. Ang kanyang tagasunod sa direksyong ito ay si Guy de Maupassant.
Ang mga pinagmulan ng pag-unlad ng realismo sa sining ng ika-19 na siglo sa Russia ay ang mga may-akda tulad nina Ivan Krylov, Alexander Griboyedov, Alexander Pushkin. Ang unang pinakakapansin-pansing elemento ng realismo ay lumitaw na noong 1809 sa debut na koleksyon ng mga pabula ni I.A. Krylova. Ang pangunahing bagay sa puso ng lahat ng kanyang mga pabula ay isang kongkretong katotohanan. Mula dito nabuo ang karakter, ito o ang sitwasyon ng pag-uugali ay ipinanganak, na pinalala ng paggamit ng mga itinatag na ideya tungkol sa katangian ng mga karakter ng hayop. Salamat sa napiling genre, nagpakita si Krylov ng matingkad na mga kontradiksyon sa modernong buhay - mga pag-aaway sa pagitan ng malakas at mahina, mayaman at mahirap, tinutuya ang mga opisyal at maharlika.
Sa Griboyedov, ang pagiging totoo ay ipinakita sa paggamit ng mga tipikal na karakter na nahahanap ang kanilang sarili sa mga tipikal na kalagayan - ang pangunahing prinsipyo ng direksyon na ito. Salamat sa diskarteng ito, ang kanyang komedya na "Woe from Wit" ay may kaugnayan pa rin ngayon. Ang mga karakter na ginamit niya sa kanyang mga gawa ay laging makikita.
Ang realist na si Pushkin ay nagpapakita ng isang bahagyang naiibang artistikong konsepto. Ang kanyang mga karakter ay naghahanap ng mga pattern sa buhay, umaasa sa mga teorya ng paliwanag at mga pangkalahatang halaga ng tao. Ang kasaysayan at relihiyon ay may mahalagang papel sa kanyang mga gawa. Inilalapit nito ang kanyang mga gawa sa mga tao at sa kanilang pagkatao. Ang isang mas talamak at malalim na nasyonalidad ay nagpakita mismo sa mga gawa nina Lermontov at Gogol, at kalaunan sa mga gawa ng mga kinatawan ng "natural na paaralan."
Kung pinag-uusapan natin ang tungkol sa pagpipinta, ang pangunahing motto ng mga realist artist noong ika-19 na siglo ay isang layunin na paglalarawan ng katotohanan. Kaya, ang mga Pranses na artista, noong kalagitnaan ng 30s ng ika-19 na siglo, na pinamumunuan ni Theodore Rousseau, ay nagsimulang magpinta. mga tanawin sa kanayunan. Ito ay lumabas na ang pinaka-ordinaryong kalikasan, nang walang pagpapaganda, ay maaaring maging isang natatanging materyal para sa paglikha. Maging ito ay isang madilim na araw, isang madilim na kalangitan bago ang isang bagyo, isang pagod na mag-aararo - lahat ito ay isang uri ng larawan ng totoong buhay.
Si Gustave Courbet, isang Pranses na pintor ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, ay nagpukaw ng galit sa mga burges na bilog sa kanyang mga ipinta. Pagkatapos ng lahat, inilarawan niya ang totoong buhay, kung ano ang nakita niya sa kanyang paligid. Ang mga ito ay maaaring mga eksena sa genre, portrait at still life. Kabilang sa kanyang pinakasikat na mga gawa ang "Fneral at Ornans", "Fire", "Deer by the Water" at ang mga iskandalosong painting na "The Origin of the World" at "Sleepers".
Sa Russia, ang nagtatag ng realismo sa sining noong ika-19 na siglo ay si P.A. Fedotov ("The Major's Matchmaking"). Sa pamamagitan ng panunuya sa kanyang mga gawa, tinuligsa niya ang masasamang moral at nakikiramay sa mga mahihirap. Kasama sa kanyang pamana ang maraming karikatura at larawan.
Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, ang tema ng "katutubong buhay" ay kinuha ng I.E. Repin. Ang kanyang tanyag na mga pelikulang "Refusal of Confession" at "Barge Haulers on the Volga" ay naglantad sa brutal na pagsasamantala sa mga tao at ang protestang namumuo sa hanay ng masa.
Ang mga makatotohanang uso ay patuloy na umiral noong ika-20 siglo sa mga gawa ng mga manunulat at artista. Ngunit, sa ilalim ng impluwensya ng mga bagong panahon, nagsimula silang makakuha ng iba, mas modernong mga tampok.

Realismong Pranses.

Realismo ng 30-40s

Ang realismo ay isang makatotohanan, layunin na pagmuni-muni ng katotohanan. Ang realismo ay lumitaw sa France at England sa mga kondisyon ng pagtatagumpay ng mga orden ng burges. Ang mga panlipunang antagonismo at mga pagkukulang ng kapitalistang sistema ang nagpasiya sa matalas na kritikal na saloobin ng mga realistang manunulat tungkol dito. Tinuligsa nila ang pag-uusig ng pera, tahasang hindi pagkakapantay-pantay sa lipunan, pagkamakasarili, at pagkukunwari. Sa ideolohikal na layunin nito ay nagiging kritikal na pagiging totoo. Kasama ang mga ideya ng humanismo at katarungang panlipunan. Sa France, noong 30s at 40s, nilikha ni Opore de Balzac ang kanyang pinakamahusay na makatotohanang mga gawa, na sumulat ng 95-volume na "Human Comedy"; Victor Hugo - "Notre Dame de Paris", "The Ninety-Third Year", "Les Miserables", atbp.
Nai-post sa ref.rf
Gustave Flaubert - "Madame Bovary", "Education of the Senses", "Salambo" Prosper Merimo - master ng maikling kwento "Mateo Falcone", "Colomba", "Carmen", may-akda ng mga dula, makasaysayang mga talaan "Chronicle of the Times of Charles10” ʼʼ, atbp.
Nai-post sa ref.rf
Noong 30s at 40s sa England. Si Charles Dickens ay isang natatanging satirist at humorist, ang kanyang mga gawa na "Dombey and Son", "Hard Times", "Great Expectations", na siyang pinakatuktok ng realismo. Si William Makepeace Thackeray sa nobelang "Vanity Fair", sa makasaysayang akdang "The History of Henry Esmond", at sa koleksyon ng mga satirical na sanaysay na "The Book of Snobs", ay matalinghagang ipinakita ang mga bisyong likas sa burges na lipunan. Sa huling ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo. Ang panitikan ng mga bansang Scandinavian ay nakakuha ng isang pandaigdigang resonance. Ito ay, una sa lahat, ang mga gawa ng mga manunulat na Norwegian: Henrik Ibsen - ang mga drama na "A Doll's House" ("Nora"), "Ghosts", "Enemy of the People" na nanawagan para sa pagpapalaya pagkatao ng tao mula sa mapagkunwari na burges na moralidad. Bjornson dramas "Bankruptcy", "Beyond Our Strength", at tula. Knut Hamsun - mga sikolohikal na nobelang "Hunger", "Misteryo", "Pan", "Victoria", na naglalarawan ng paghihimagsik ng indibidwal laban sa kapaligiran ng pilistino.

Rebolusyon ng 1789ᴦ., isang panahon ng matinding pakikibaka sa pulitika. Sa France, limang pampulitikang rehimen ang nagbabago: 1.) 1795 - 1799 panahon ng Direktoryo, 2.) 1799 - 1804 panahon ng konsulado ni Napoleon. 3) 1804 - 1814 - ang panahon ng Napoleonic Empire at mga digmaan. 4) 1815 - 1830 - ang panahon ng pagpapanumbalik. 5) 1830 - 1848 ang panahon ng Hulyo Monarkiya, 6) ang rebolusyon ng 1848, pagpapalakas ng burgesya. Ang pagiging totoo sa France ay nabuo sa teorya at bilang isang salita. Ang panitikan ay nahahati sa dalawang yugto: Balzacian at Flaubertian. I) 30-taon, ang realismo ay nangangahulugan ng pagpaparami ng iba't ibang natural na phenomena. 40s, realism - isang setting para sa paglalarawan ng modernong buhay, batay hindi lamang sa imahinasyon, kundi pati na rin sa direktang pagmamasid. Mga tampok: 1) pagsusuri ng buhay, 2) ang prinsipyo ng typification ay pinagtibay 3) ang prinsipyo ng cyclization 4) oryentasyon patungo sa agham 5) manipestasyon ng sikolohiya. Ang nangungunang genre ay ang nobela. II) 50s Isang pagbabago sa konsepto ng realismo, na nauugnay sa nakalarawan na gawain ng Courbet, siya at si Chanfleury ay bumuo ng isang bagong programa. Prosa, sinseridad, objectivity sa naobserbahan.

BERANGE Pierre-Jean- French songwriter. Una makabuluhang mga gawa B. ganito ang kanyang mga polyeto Napoleon I: ʼʼKing Ivetoʼʼ, ʼʼPolitical treatiseʼʼ. Ngunit ang kasagsagan ng panunuya ni B. ay nahuhulog sa panahon ng panunumbalik. Ang pagbabalik sa kapangyarihan ng mga Bourbon, at kasama nila ang mga emigranteng aristokrata, na walang natutunan at walang nakalimutan sa mga taon ng rebolusyon, ay nagbubunga sa B. ng mahabang serye ng mga kanta at polyeto, kung saan ang buong sistemang panlipunan at pampulitika ng ang panahon ay nakakahanap ng isang makinang na satirical na pagmuni-muni. Ang mga ito ay ipinagpatuloy ng mga pamplet na kanta na nakadirekta laban Louis Philippe bilang kinatawan ng burgesya sa pananalapi sa trono. Sa mga kantang ito, na tinawag mismo ni B. ang mga arrow na ipinutok sa trono, ang simbahan, ang burukrasya, ang bourgeoisie, ang makata ay lumilitaw bilang isang political tribune, sa pamamagitan ng makatang pagkamalikhain na nagtatanggol sa mga interes ng nagtatrabahong philistinism, na gumanap ng isang rebolusyonaryong papel sa Ang panahon ni B., na kalaunan ay naipasa sa proletaryado. Ang pagiging oposisyon kay Napoleon sa panahon ng kanyang paghahari, iginiit ni B. ang kulto ng kanyang memorya sa panahon ng Bourbons at Louis Philippe. Sa mga kanta ng siklong ito, si Napoleon ay idealized bilang isang kinatawan ng rebolusyonaryong kapangyarihan na nauugnay sa masa. Ang mga pangunahing motibo ng siklong ito: pananampalataya sa kapangyarihan ng mga ideya, kalayaan bilang isang uri ng abstract na kabutihan, at hindi bilang isang tunay na resulta ng pakikibaka ng mga uri, na lubhang mahalaga na nauugnay sa karahasan ("Ideya", "Pag-iisip"). Sa isa sa mga kanta sa siklong ito, tinawag ni B. ang kanyang mga guro: Owen, La Fontaine, Fourier. Kaya't mayroon tayong isang tagasunod ng utopian na sosyalismo bago ang Marxian. Ang unang koleksyon ng mga tula ay nag-aalis sa kanya ng pabor ng kanyang mga nakatataas sa unibersidad kung saan siya nagsilbi noon. Ang pangalawang koleksyon ay sumasailalim sa B. sa pag-uusig, na nagtatapos sa tatlong buwang pagkakakulong, dahil sa pang-insulto sa moralidad, simbahan at awtoridad ng hari. Ang ikaapat na koleksyon ay nagresulta sa pangalawang sentensiya ng pagkakulong para sa may-akda, sa pagkakataong ito sa loob ng 9 na buwan. Sa lahat ng iyon, ang pakikilahok ni B. sa buhay pampulitika sa wastong kahulugan ng salita (kung hindi natin pag-aalala ang rebolusyonaryong epekto ng mga kanta) ay nagresulta sa medyo katamtamang mga anyo, halimbawa.
Nai-post sa ref.rf
sa anyo ng suporta para sa mga liberal sa rebolusyon ng 1830. Sa mga nagdaang taon, umalis si B. mula sa pampublikong buhay, nanirahan malapit sa Paris, lumipat sa kanyang trabaho mula sa pampulitika hanggang sa panlipunang mga motibo, na nagpapaunlad sa kanila sa diwa ng populismo ("Red Jeanne" , "Tramp", "Jacques", atbp.) .

BALZAC, ONORE(Balzac, Honoré de) (1799–1850), Pranses na manunulat na muling lumikha ng isang holistic na larawan ng buhay panlipunan noong kanyang panahon. Ang isang pagtatangkang gumawa ng kayamanan sa negosyo ng paglalathala at paglilimbag (1826–1828) ay nagsasangkot kay Balzac sa malalaking utang. Bumaling muli sa pagsusulat, naglathala siya ng isang nobela noong 1829 Ang Huling Shuang. Ito ang unang aklat na nai-publish sa ilalim ng kanyang sariling pangalan, kasama ang isang nakakatawang gabay para sa mga asawa Physiology ng kasal 1829) naakit niya ang pansin ng publiko sa bagong may-akda. Pagkatapos ay nagsimula ang pangunahing gawain ng kanyang buhay: noong 1830 ang una Mga eksena ng pribadong buhay, isang hindi mapag-aalinlanganang obra maestra Bahay ng pusang naglalaro ng bola, noong 1831 ang una Mga nobela at kwentong pilosopikal. Sa loob ng maraming taon, nagtrabaho si Balzac ng part-time bilang isang freelance na mamamahayag, ngunit mula 1830 hanggang 1848 ang kanyang pangunahing pagsisikap ay nakatuon sa isang malawak na serye ng mga nobela at kuwento, kilalang mundo Paano Human comedy. Noong 1834, nagkaroon ng ideya si Balzac na ikonekta ang mga akdang isinulat mula noong 1829 at ang mga hinaharap na may mga karaniwang karakter at pagsamahin ang mga ito sa isang epiko, na kalaunan ay tinawag na "Human Comedy". Naglalaman ng ideya ng unibersal na pagtutulungan sa mundo, nabuo ni Balzac ang isang komprehensibong artistikong pag-aaral ng lipunan at tao ng Pransya. Ang pilosopikal na balangkas ng artistikong gusaling ito ay ika-18 siglong materyalismo, mga teorya ng natural na agham na kasabay ng Balzac, at mga kakaibang natunaw na elemento ng mistikong aral. Ang Human Comedy ay may tatlong seksyon. I. Sketches ng asal: 1) mga eksena ng pribadong buhay; 2) mga eksena ng buhay probinsiya; 3) mga eksena ng buhay sa Paris; 4) mga eksena ng buhay pampulitika; 5) mga eksena ng buhay militar; 6) mga eksena ng buhay sa kanayunan. II. Pilosopikal na pag-aaral. III. Analytical studies. Ito ay, kumbaga, tatlong bilog ng spiral na umaakyat mula sa mga katotohanan patungo sa mga sanhi at pundasyon (tingnan ang Preface to The Human Comedy, Collected.
Nai-post sa ref.rf
soch., tomo 1, M., I960). Ang "Human Comedy" ay may kasamang 90 na gawa. Balzac b ang unang mahusay na manunulat na nagbigay-pansin sa materyal na background at "hitsura" ng kanyang mga karakter; bago sa kanya, walang sinuman ang naglalarawan ng pagiging acquisitiveness at walang awa na karera bilang pangunahing motibasyon sa buhay. Gobsek 1830), sa Isang hindi kilalang obra maestra (1831), Evgenia Grande, Mga sulat sa isang estranghero tungkol sa pag-ibig sa Polish na kondesa.

100 RUR bonus para sa unang order

Piliin ang uri ng trabaho Diploma work Course work Abstract Master's thesis Report on practice Article Report Review Test work Monograph Problem solving Business plan Mga sagot sa mga tanong Malikhaing trabaho Essay Drawing Essays Translation Presentations Pagta-type Iba pa Pagpaparami ng uniqueness ng text Candidate's thesis Gawain sa laboratoryo Online na tulong

Alamin ang presyo

Noong 1830-1840s, lalo na sa mga gawa ni Balzac, lumitaw ang mga katangian ng realismo. Nakikita ng mga realista ang kanilang pangunahing gawain sa masining na pagpaparami ng realidad, sa kaalaman sa mga batas na tumutukoy sa diyalektika at pagkakaiba-iba ng anyo nito.

"Ang lipunang Pranses mismo ay dapat na maging mananalaysay; ang magagawa ko lang ay maging kalihim nito," itinuro ni Balzac sa paunang salita sa The Human Comedy, na nagpapahayag ng prinsipyo ng objectivity sa diskarte sa paglalarawan ng katotohanan bilang ang pinakamahalagang prinsipyo ng makatotohanang sining. Kasabay nito, sinabi ng mahusay na nobelista: "Ang gawain ng sining ay hindi kopyahin ang kalikasan, ngunit ipahayag ito!" Sa katunayan, bilang sining na nagbibigay ng isang multidimensional na larawan ng katotohanan; Ang realismo ay malayo sa pagiging limitado sa moral na paglalarawan at pang-araw-araw na buhay; kasama rin sa mga gawain nito ang isang analytical na pag-aaral ng mga layunin ng batas ng buhay - historikal, panlipunan, etikal, sikolohikal, pati na rin ang isang kritikal na pagtatasa. modernong tao at lipunan, sa isang banda, at pagtukoy ng positibong prinsipyo sa buhay na realidad, sa kabilang banda.

Ang isa sa mga pangunahing postulate ng realismo - ang pagtatatag ng mga prinsipyo ng makatotohanang typification at ang kanilang teoretikal na pag-unawa - ay nauugnay din lalo na sa panitikang Pranses, kasama ang gawain ni Balzac. Makabagong para sa una kalahati ng ika-19 na siglo siglo at ang prinsipyo ng cyclization na ipinakilala ni Balzac ay naging makabuluhan din para sa kapalaran ng realismo sa pangkalahatan. Ang "The Human Comedy" ay kumakatawan sa unang pagtatangka sa paglikha ng isang serye ng mga nobela at kwento na magkakaugnay ng isang kumplikadong hanay ng mga sanhi at kahihinatnan at ang mga tadhana ng mga karakter, sa bawat oras na lumilitaw sa isang bagong yugto ng kanilang kapalaran at moral at sikolohikal na ebolusyon. Ang cyclization ay tumutugma sa pagnanais ng realismo para sa isang sumasaklaw sa lahat, analytical at sistematikong artistikong pag-aaral ng realidad.

Nasa aesthetics na ni Balzac ang isang oryentasyon patungo sa agham ay inihayag, una sa lahat patungo sa biology. Ang kalakaran na ito ay lalong umuunlad sa gawain ni Flaubert, na naglalayong ilapat ang mga prinsipyo ng siyentipikong pananaliksik sa modernong nobela. Kaya, ang "pang-agham" na saloobin na katangian ng positivist aesthetics ay nagpapakita ng sarili sa masining na kasanayan ng mga realista bago pa ito nangunguna sa naturalismo. Ngunit sa parehong Balzac at Flaubert, ang pagnanais para sa "siyentipiko" ay libre, ngunit mula sa hilig na likas sa mga naturalista na ganap na ganapin ang mga likas na batas at ang kanilang papel sa buhay ng lipunan.

Ang malakas at maliwanag na bahagi ng realismo sa France ay sikolohiya, kung saan ang romantikong tradisyon ay lumalabas nang malalim at mas maraming aspeto. Ang hanay ng mga sanhi ng pagganyak ng sikolohiya, karakter, at mga aksyon ng isang tao, kung saan ang kanyang kapalaran sa huli ay binubuo, ay makabuluhang pinalawak sa panitikan ng realismo; ang diin ay inilalagay nang pantay sa historikal at panlipunang determinismo at sa personal at indibidwal na prinsipyo. Salamat sa ito, ang pinakadakilang pagiging maaasahan ng sikolohikal na pagsusuri ay nakamit.

Ang nangungunang genre ng realismo sa France, tulad ng sa ibang mga bansa, ay ang nobela sa mga uri nito: moral na naglalarawan, sosyo-sikolohikal, sikolohikal, pilosopiko, pantasya, pakikipagsapalaran, kasaysayan.

Ang mga bagong tema ay makikita sa mga gawa ng mga realista: ang pag-unlad ng modernong lipunan, ang paglitaw ng mga bagong uri at relasyon, bagong moralidad at mga bagong aesthetic view. Ang mga temang ito ay nakapaloob sa mga gawa ng Stendhal, Balzac at Merimee. Ang pambansang pagka-orihinal ng realismong Pranses ay makikita sa pagnanais ng mga manunulat na ito na maunawaan ang kakanyahan ng mayamang karanasang panlipunan na naipon ng lipunang Pranses sa panahon ng magulong panahon na nagsimula sa rebolusyon ng 1789 at nagpatuloy sa panahon ng buhay ng mga manunulat.

Armado hindi lamang sa kanilang talento, kundi pati na rin sa isang malalim na kaalaman sa katotohanan, ang mga realista ay lumikha ng isang napakalaking panorama buhay Pranses nagpapakita sa kanya sa paggalaw. Ang mga gawa ng Stendhal, Balzac, Mérimée at Bérenger ay nagpahiwatig na sa takbo ng kasaysayan ang maharlikang Pranses ay papalapit na sa kumpletong paghina. Nakita rin ng mga realista ang pattern ng paglitaw ng mga bagong masters ng buhay - mga kinatawan ng bourgeoisie, na binansagan nila sa mga imahe ni Valno o Gobsek.

Ang mga tampok ng umuusbong na realismo ay agad na nagpapakita ng kanilang sarili sa iba't ibang paraan sa mga gawa ng iba't ibang manunulat. Sa kabila ng katotohanan na ang mga problema ng mga gawa ng Balzac at Stendhal sa maraming paraan ay magkatulad, ang mga indibidwal na katangian ng kanilang malikhaing pamamaraan ay makabuluhang naiiba: Stendhal ay, una sa lahat, isang master ng sikolohikal na nobela, na nagsisikap na tuklasin nang malalim ang panloob na mundo. ng mga indibidwal na tao. Lumilikha ang Balzac ng isang malaking canvas ng French reality, isang buong mundo na pinamumunuan ng maraming figure.

Parehong Stendhal at Balzac ay nailalarawan sa pamamagitan ng historicism. Ang ideya na ang lipunan ay nasa patuloy na kalagayan ng pagbabago ay tumatakbo sa kanilang mga gawa, at hinahanap nila ang mga dahilan para sa ebolusyong ito. Ang historiismo ay likas din sa Merimee. Para sa kanya, ang buhay ng lipunan ay isang patuloy na pagbabago sa balanse ng mga pwersang panlipunan na nakakaapekto sa pagkatao ng tao. Sa isang bilang ng kanyang mga gawa, ipinakita ni Merimee ang kanyang mga kontemporaryo, pinutol at napinsala ng burges na lipunan ("Double Fault", "Etruscan Vase", atbp.).

Ang lahat ng mga tampok sa itaas ng realismong Pranses ay lumitaw na noong 1830s at 40s, pangunahin sa mga gawa ng Balzac at Stendhal. Gayunpaman, ang pangunahing bagong bagay ng realismo bilang isang masining na pamamaraan ay nananatiling hindi gaanong naiintindihan ng mga manunulat at kritiko noong panahong iyon. Ang mga teoretikal na talumpati ni Stendhal (kabilang ang "Racine at Shakespeare", "Walter Scott at "Ang Prinsesa ng Cleves"") ay ganap na naaayon sa pakikibaka para sa romantikismo. Bagama't nararamdaman ni Balzac ang pangunahing bagong bagay ng pamamaraang "Human Comedy", hindi niya ito binibigyan ng anumang tiyak na kahulugan. Sa kanyang mga kritikal na gawa, inihiwalay niya ang kanyang sarili mula sa Stendhal at Mérimée, habang kinikilala sa parehong oras ang pagiging malapit na nag-uugnay sa kanya sa mga manunulat na ito. Sa "Etude on Bayle" (1840), sinubukan ni Balzac na uriin ang mga phenomena ng kontemporaryong panitikan, ngunit sa parehong oras ay inuuri ang kanyang sarili (ang "eclectic") at Stendhal (ang "literatura ng mga ideya") bilang magkaibang mga paggalaw. Itinuring ni Balzac na ang "paaralan ng mga ideya" ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang analytical na prinsipyo na naglalayong ibunyag ang mga kumplikadong salungatan ng panloob na mundo. Sa pamamagitan ng "eclectic school" ang ibig niyang sabihin ay sining na nagsusumikap para sa isang malawak na epikong saklaw ng realidad at panlipunang paglalahat na nakapaloob sa iba't ibang uri na nilikha ng mga artista batay sa mga obserbasyon sa buhay. Kahit na ang isang makapangyarihang kritiko noong ika-19 na siglo bilang Sainte-Beuve, sa artikulong "Ten Years Later in Literature" (1840), dispenses ang terminong "realism", at sa "The Human Comedy" nakikita niya lamang ang isang manipestasyon ng labis. at kapintasang katotohanan, na inihahambing ang may-akda nito sa "isang doktor na walang modo na nagbubunyag ng mga kahiya-hiyang sakit ng kanyang mga pasyente." Ang kritiko ay nagpapakahulugan sa mga gawa ni Stendhal nang pantay na mababaw. At sa paglitaw lamang ng "Madame Bovary" (1857) ni Flaubert, ipinahayag ni Sainte-Beuve: "...Tila nahuhuli ko ang mga palatandaan ng isang bagong panitikan, mga tampok na tila katangi-tangi para sa mga kinatawan ng mga bagong henerasyon" ("Madame Bovary” ni Gustave Flaubert” (1857)).

Ang lahat ng ito ay nagpapahiwatig na ang pagbuo ng isang teoretikal na konsepto ng isang bagong artistikong pamamaraan sa unang yugto ng ebolusyon nito ay nahuhuli nang malaki sa pagsasanay. Sa pangkalahatan, ang unang yugto ng realismo ng Pransya ay kumakatawan sa paglikha ng isang bagong pamamaraan, ang teoretikal na katwiran na kung saan ay magsisimula sa ibang pagkakataon.

Ang paglago ng kritikal na kalakaran sa panitikang Pranses ay sumunod sa isang pataas na linya, na tumitindi habang ang anti-popular na kakanyahan ng burges na monarkiya ni Louis Philippe ay inihayag. Bilang katibayan nito, sa ikalawang kalahati ng 30s lumitaw ang "Lost Illusions" ni Balzac, nakatuon sa paksa pagkabigo sa burges na katotohanan.

Sa France, ang makatotohanang aesthetics ay nakatanggap ng isang mas malinaw na teoretikal na pagbabalangkas kaysa sa ibang mga bansa, at ang salitang "realismo" mismo ay unang ginamit bilang isang termino na nagpapahayag ng isang hanay ng mga artistikong prinsipyo, ang mga tagapagtaguyod nito ay lumikha ng isang bagay tulad ng isang paaralan.

Tulad ng nabanggit kanina, ang terminong "realismo" ay nagsisimulang lumitaw sa mga pahina ng mga magasing Pranses noong 1820s, ngunit noong 1840s lamang ang salitang napalaya mula sa negatibong kahulugan ng pagsusuri. Ang mga malalim na pagbabago sa saloobin patungo sa konsepto ng "realismo" ay magaganap sa ibang pagkakataon, sa kalagitnaan ng 50s at maiuugnay sa mga aktibidad nina J. Chanfleury at L. E. Duranty at ng kanilang mga taong katulad ng pag-iisip.

Dapat pansinin na ang landas ng mga unang Pranses na realista ay malayo sa maayos. Nilason at inusig ng lipunang burges ang mga sumulat ng katotohanan tungkol dito. Ang mga talambuhay nina Brenger, Stendhal, at Balzac ay mayaman sa mga katotohanan na nagpapatunay kung gaano katalinong gumamit ng iba't ibang paraan ang burges na naghaharing lupon upang maalis ang mga manunulat na hindi nila nagustuhan. Si Beranger ay nilitis para sa kanyang mga gawa. Si Stendhal ay halos hindi kilala sa kanyang buhay; Si Balzac, na kilala sa ibang bansa, ay namatay nang hindi nakatanggap ng nararapat na pagkilala sa France. Medyo matagumpay ang karera ni Merimee, ngunit pinahahalagahan din siya bilang isang manunulat pagkatapos lamang ng kanyang kamatayan.

Ang 1830s at 40s ay kumakatawan sa isang mahalagang panahon sa kasaysayan ng France at panitikan nito. Sa pagtatapos ng panahong ito, iyon ay, sa bisperas ng rebolusyon ng 1848, naging malinaw na ang pinakamahalaga, ang pinakabago sa mayamang karanasang pampanitikan noong 30s at 40s ay nauugnay sa makatotohanang kilusan, na ang mga kinatawan ay nagawang lumikha ng pinakamatingkad at makatotohanang mga larawan ng buhay Pranses sa pagitan ng dalawang rebolusyon, upang maglatag ng matibay na pundasyon para sa karagdagang pag-unlad ng pambansang panitikan ng Pranses.

Ang paaralang sining ng Pransya sa pagliko ng ika-17 at ika-18 siglo ay matatawag na nangungunang paaralan sa Europa; sa Pransya noong panahong iyon nagsimula ang mga istilo ng sining gaya ng Rococo, Romanticism, Classicism, Realism, Impressionism at Post-Impresionism.

Rococo (French rococo, mula sa rocaille - isang pandekorasyon na motif sa hugis ng isang shell) - isang estilo sa European art ng ika-1 kalahati ng ika-18 siglo. Ang Rococo ay nailalarawan sa pamamagitan ng hedonism, isang pag-urong sa mundo ng idyllic theatrical play, at isang predilection para sa pastoral at sensual-erotic na paksa. Ang katangian ng Rococo decor ay nakakuha ng mariin na eleganteng, sopistikadong mga anyo.

Si François Boucher, Antoine Watteau, at Jean Honoré Fragonard ay nagtrabaho sa istilong Rococo.

Klasisismo - isang istilo sa sining ng Europa noong ika-17 - unang bahagi ng ika-19 na siglo, isang katangian na kung saan ay isang apela sa mga anyo ng sinaunang sining bilang isang perpektong aesthetic at etikal na pamantayan.

Si Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres, at Jacques-Louis David ay nagtrabaho sa istilo ng klasisismo.

Romantisismo - isang istilo ng sining ng Europa noong ika-18-19 na siglo, ang mga tampok na katangian kung saan ay ang pagpapatunay ng intrinsic na halaga ng espirituwal at malikhaing buhay ng indibidwal, ang paglalarawan ng malakas at madalas na mapanghimagsik na mga hilig at karakter.

Nagtrabaho sina Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault, at William Blake sa istilo ng romantikismo.

Edouard Manet. Almusal sa workshop. 1868

Realismo - isang istilo ng sining na ang gawain ay makuha ang katotohanan nang tumpak at obhetibo hangga't maaari. Sa istilo, ang realismo ay maraming mukha at maraming pagpipilian. Ang iba't ibang aspeto ng realismo sa pagpipinta ay ang baroque illusionism ni Caravaggio at Velazquez, ang impresyonismo nina Manet at Degas, at ang Nynen na gawa ni Van Gogh.

Ang pagsilang ng realismo sa pagpipinta ay kadalasang nauugnay sa gawain ng Pranses na artista na si Gustave Courbet, na nagbukas ng kanyang personal na eksibisyon na "Pavilion of Realism" sa Paris noong 1855, kahit na bago pa man sa kanya, ang mga artista ng paaralan ng Barbizon na si Theodore Rousseau, Jean- Si François Millet, at Jules Breton ay nagtrabaho sa makatotohanang paraan . Noong 1870s. Ang realismo ay nahahati sa dalawang pangunahing direksyon - naturalismo at impresyonismo.

Ang makatotohanang pagpipinta ay naging laganap sa buong mundo. Ang mga Itinerant ay nagtrabaho sa istilo ng realismo na may malakas na oryentasyong panlipunan sa Russia noong ika-19 na siglo.

Impresyonismo (mula sa French impression - impression) - isang estilo sa sining ng huling ikatlong bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo, isang katangian na katangian kung saan ay ang pagnanais na pinaka-natural na makuha ang totoong mundo sa kadaliang kumilos at pagkakaiba-iba nito, upang maihatid ang panandalian ng isang tao. mga impression. Ang impresyonismo ay hindi nagtaas ng mga isyung pilosopikal, ngunit nakatuon sa pagkalikido ng sandali, kalooban at pag-iilaw. Ang mga paksa ng mga impresyonista ay nagiging buhay mismo, bilang isang serye ng mga maliliit na pista opisyal, mga partido, kaaya-ayang mga piknik sa kalikasan sa isang magiliw na kapaligiran. Ang mga Impresyonista ay kabilang sa mga unang nagpinta ng en plein air, nang hindi tinatapos ang kanilang trabaho sa studio.

Si Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley at iba pa ay nagtrabaho sa istilo ng impresyonismo.

Post-Impresyonismo ay isang istilo ng sining na lumitaw noong huling bahagi ng ika-19 na siglo. Ang mga Post-Impresyonista ay hinahangad na malaya at sa pangkalahatan ay ihatid ang materyalidad ng mundo, na gumagamit ng pandekorasyon na istilo.

Ang Post-Impresyonismo ay nagbunga ng mga paggalaw ng sining tulad ng expressionism, simbolismo at modernismo.

Si Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne, at Toulouse-Lautrec ay nagtrabaho sa post-impressionist na istilo.

Tingnan natin ang impresyonismo at post-impressionism gamit ang halimbawa ng gawain ng mga indibidwal na master ng France noong ika-19 na siglo.

Edgar Degas. Self-portrait. 1854-1855

Edgar Degas (buhay 1834-1917) - Pranses na pintor, graphic artist at iskultor.

Simula sa mga makasaysayang pagpipinta at mga larawan na mahigpit sa komposisyon, noong 1870s ay naging malapit si Degas sa mga kinatawan ng impresyonismo at bumaling sa paglalarawan ng modernong buhay sa lungsod - mga kalye, cafe, mga palabas sa teatro.

Sa mga pagpipinta ni Degas, isang pabago-bago, kadalasang asymmetrical na komposisyon, tumpak na nababaluktot na pagguhit, hindi inaasahang mga anggulo, at aktibong pakikipag-ugnayan sa pagitan ng pigura at espasyo ay maingat na pinag-isipan at na-verify.

E. Degas. Banyo. 1885

Sa maraming mga gawa, ipinakita ni Edgar Degas ang katangian ng pag-uugali at hitsura ng mga tao, na nabuo ng mga kakaibang katangian ng kanilang buhay, ay nagpapakita ng mekanismo ng propesyonal na kilos, pustura, paggalaw ng tao, ang kanyang plastik na kagandahan. Ang sining ni Degas ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang kumbinasyon ng maganda at ang prosaic; ang artista, bilang isang matino at banayad na tagamasid, ay sabay-sabay na nakukuha ang nakakapagod na pang-araw-araw na gawain na nakatago sa likod ng eleganteng showmanship.

Ang paboritong pamamaraan ng pastel ay nagbigay-daan kay Edgar Degas na ganap na ipakita ang kanyang talento bilang isang draftsman. Ang mga rich tones at "shimmering" stroke ng pastel ay nakatulong sa artist na lumikha ng espesyal na makulay na kapaligiran, ang iridescent na airiness na nagpapakilala sa lahat ng kanyang mga gawa.

Sa kanyang mature years, madalas na binaling ni Degas ang tema ng ballet. Ang marupok at walang timbang na mga pigura ng mga ballerina ay lumilitaw sa harap ng manonood alinman sa takip-silim ng mga klase ng sayaw, o sa spotlight sa entablado, o sa maikling minuto ng pahinga. Ang maliwanag na randomness ng komposisyon at ang walang kinikilingan na posisyon ng may-akda ay lumilikha ng impresyon ng pag-espiya sa buhay ng ibang tao; ang artista ay nagpapakita sa amin ng isang mundo ng biyaya at kagandahan, nang hindi nahuhulog sa labis na sentimentalidad.

Si Edgar Degas ay maaaring tawaging isang banayad na colorist; ang kanyang mga pastel ay nakakagulat na magkakasuwato, kung minsan ay banayad at magaan, kung minsan ay binuo sa matalim na mga kaibahan ng kulay. Kapansin-pansin ang istilo ni Degas para sa kahanga-hangang kalayaan nito; inilapat niya ang mga pastel na may matapang at basag na mga stroke, kung minsan ay iniiwan ang tono ng papel na nagpapakita sa pamamagitan ng pastel o pagdaragdag ng mga stroke sa langis o watercolor. Ang kulay sa mga pintura ni Degas ay nagmumula sa isang iridescent na ningning, mula sa isang umaagos na stream ng mga linya ng bahaghari na nagsilang ng anyo.

Ang mga huli na gawa ni Degas ay nakikilala sa pamamagitan ng intensity at kayamanan ng kulay, na kinukumpleto ng mga epekto ng artipisyal na pag-iilaw, pinalaki, halos patag na mga anyo, at masikip na espasyo, na nagbibigay sa kanila ng matinding dramatikong karakter. Sa ganyan

panahon na sinulat ni Degas ang isa sa kanya pinakamahusay na mga gawa- "Mga Blue Dancers." Gumagana dito ang artist na may malalaking patch ng kulay, na nagbibigay ng pangunahing kahalagahan sa pandekorasyon na organisasyon ng ibabaw ng pagpipinta. Sa mga tuntunin ng kagandahan ng pagkakatugma ng kulay at disenyo ng komposisyon, ang pagpipinta na "Blue Dancers" ay maaaring ituring na pinakamahusay na sagisag ng tema ng ballet ni Degas, na nakamit sa pagpipinta na ito ang sukdulang kayamanan ng texture at mga kumbinasyon ng kulay.

P. O. Renoir. Self-portrait. 1875

Pierre Auguste Renoir (buhay 1841-1919) - Pranses na pintor, graphic artist at iskultor, isa sa mga pangunahing kinatawan ng impresyonismo. Ang Renoir ay pangunahing kilala bilang isang master ng sekular na portraiture, hindi walang sentimentalidad. Noong kalagitnaan ng 1880s. aktwal na nasira sa impresyonismo, na bumalik sa linearity ng classicism sa panahon ng Ingres ng pagkamalikhain. Isang kahanga-hangang colorist, madalas na nakakamit ni Renoir ang impresyon ng monochrome painting sa tulong ng mga banayad na kumbinasyon ng mga halaga, katulad ng mga tono ng kulay.

P.O. Renoir. Paddle pool. 1869

Tulad ng karamihan sa mga impresyonista, pinipili ni Renoir ang mga panandaliang yugto ng buhay bilang mga paksa ng kanyang mga pagpipinta, na nagbibigay ng kagustuhan sa maligaya na mga eksena sa lungsod - mga bola, sayaw, paglalakad ("Bagong Tulay", "Splash Pool", "Moulin da la Galette" at iba pa). Sa mga canvases na ito ay hindi namin makikita ang alinman sa itim o madilim na kayumanggi. Isang hanay lamang ng mga malilinaw at maliliwanag na kulay na nagsasama kapag tiningnan mo ang mga painting mula sa isang tiyak na distansya. Ang mga pigura ng tao sa mga kuwadro na ito ay ipininta sa parehong impresyonistikong pamamaraan tulad ng tanawin sa kanilang paligid, kung saan madalas silang pinagsama.

P. O. Renoir. Larawan ng aktres na si Zhanna Samary. 1877

Ang isang espesyal na lugar sa trabaho ni Renoir ay inookupahan ng mga mala-tula at kaakit-akit na mga imahe ng babae: sa loob ay naiiba, ngunit panlabas na bahagyang katulad sa bawat isa, tila sila ay minarkahan ng karaniwang selyo ng panahon. Ipininta ni Renoir ang tatlong magkakaibang mga larawan ng aktres na si Jeanne Samary. Sa isa sa kanila, ang aktres ay inilalarawan sa isang magandang berdeng asul na damit laban sa isang kulay-rosas na background. Sa larawang ito, pinamamahalaang ni Renoir na bigyang-diin ang pinakamahusay na mga tampok ng kanyang modelo: kagandahan, masiglang isip, bukas na tingin, nagliliwanag na ngiti. Ang istilo ng paggawa ng artista ay napakalaya, sa mga lugar hanggang sa punto ng kawalang-ingat, ngunit lumilikha ito ng isang kapaligiran ng pambihirang pagiging bago, espirituwal na kalinawan at katahimikan. Sa paglalarawan ng mga hubo't hubad, nakamit ni Renoir ang pambihirang pagiging sopistikado ng mga carnation (pagpinta sa kulay ng balat ng tao), na binuo sa isang kumbinasyon ng mga mainit na kulay ng laman na may sliding light greenish at gray -blue reflections, na nagbibigay ng makinis at matte na ibabaw sa canvas. Sa painting na "Nude in Sunlight," pangunahing ginagamit ni Renoir ang pangunahin at pangalawang mga kulay, ganap na hindi kasama ang itim. Ang mga color spot na nakuha gamit ang maliliit na kulay na mga stroke ay nagbibigay ng isang katangian ng pagsasama-sama na epekto habang ang tumitingin ay lumalayo sa larawan.

Dapat pansinin na ang paggamit ng berde, dilaw, okre, rosas at pula na mga tono upang ilarawan ang balat ay nabigla sa publiko noong panahong iyon, hindi handang makita ang katotohanan na ang mga anino ay dapat na may kulay, na puno ng liwanag.

Noong 1880s, nagsimula ang tinatawag na "Ingres period" sa gawain ni Renoir. Ang pinakatanyag na gawain sa panahong ito ay ang "The Great Bathers." Upang makabuo ng isang komposisyon, nagsimulang gumamit si Renoir ng mga sketch at sketch sa unang pagkakataon, ang mga linya ng pagguhit ay naging malinaw at tinukoy, ang mga kulay ay nawala ang kanilang dating ningning at saturation, ang pagpipinta sa kabuuan ay nagsimulang magmukhang mas pinigilan at mas malamig.

Noong unang bahagi ng 1890s, naganap ang mga bagong pagbabago sa sining ni Renoir. Sa isang painterly na paraan, lumilitaw ang isang iridescence ng kulay, kung kaya't ang panahong ito ay tinatawag na "perlas", kung gayon ang panahong ito ay nagbibigay daan sa "pula", pinangalanan ito dahil sa kagustuhan para sa mga kulay ng mapula-pula at rosas na kulay.

Eugene Henri Paul Gauguin (buhay 1848-1903) - Pranses na pintor, iskultor at graphic artist. Kasama sina Cezanne at Van Gogh, siya ang pinakamalaking kinatawan ng post-impressionism. Nagsimula siyang magpinta sa pagtanda; ang kanyang maagang panahon ng pagkamalikhain ay nauugnay sa impresyonismo. Ang pinakamahusay na mga gawa ni Gauguin ay isinulat sa mga isla ng Tahiti at Hiva Oa sa Oceania, kung saan iniwan ni Gauguin ang "mabisyo na sibilisasyon." Kasama sa mga katangian ng istilo ni Gauguin ang paglikha sa malalaking flat canvases ng mga static at contrasting na komposisyon ng kulay, malalim na emosyonal at sa parehong oras ay pandekorasyon.

Sa pagpipinta na "Yellow Christ," inilalarawan ni Gauguin ang pagpapako sa krus laban sa background ng isang tipikal na tanawin sa kanayunan ng Pransya, ang nagdurusa na si Jesus ay napapaligiran ng tatlong babaeng magsasaka ng Breton. Ang kapayapaan sa himpapawid, ang kalmadong masunurin na pose ng mga kababaihan, ang tanawin na puspos ng maaraw na dilaw na kulay na may mga puno sa pulang dahon ng taglagas, ang magsasaka na abala sa kanyang negosyo sa malayo, ay hindi maaaring sumalungat sa kung ano ang nangyayari sa krus. Ang kapaligiran ay lubhang kabaligtaran kay Jesus, na ang mukha ay nagpapakita ng yugto ng pagdurusa na may hangganan sa kawalang-interes, kawalang-interes sa lahat ng bagay sa paligid niya. Ang pagkakasalungatan sa pagitan ng walang hangganang pagdurusa na tinanggap ni Kristo at ang "hindi napapansin" ng sakripisyong ito ng mga tao - ito ay pangunahing paksa gawaing ito ni Gauguin.

P. Gauguin. nagseselos ka ba 1892

Pagpipinta "Oh, nagseselos ka ba?" nabibilang sa panahon ng Polynesian ng gawa ng artista. Ang pagpipinta ay batay sa isang eksena mula sa buhay, na naobserbahan ng artist:

sa baybayin, dalawang magkapatid na babae - katatapos lang nilang lumangoy, at ngayon ang kanilang mga katawan ay nakaunat sa buhangin sa kaswal na nakakaakit na pose - pinag-uusapan ang tungkol sa pag-ibig, ang isang alaala ay nagdudulot ng hindi pagkakasundo: "Paano? Nagseselos ka ba!"

Sa pagpipinta ng luntiang buong-dugo na kagandahan ng tropikal na kalikasan, ang mga likas na tao na hindi nasisira ng sibilisasyon, inilarawan ni Gauguin ang isang utopian na pangarap ng isang makalupang paraiso, ng buhay ng tao na naaayon sa kalikasan. Ang mga pinturang Polynesian ni Gauguin ay kahawig ng mga panel sa kanilang pandekorasyon na kulay, flatness at monumentality ng komposisyon, at pangkalahatan ng naka-istilong disenyo.

P. Gauguin. Saan tayo nanggaling? Sino tayo? Saan tayo pupunta? 1897-1898

Ang pagpipinta "Saan tayo nanggaling? Sino tayo? Saan tayo pupunta?" Itinuring ni Gauguin na ito ang kahanga-hangang kasukdulan ng kanyang mga pagninilay. Ayon sa plano ng artist, ang pagpipinta ay dapat basahin mula kanan hanggang kaliwa: tatlong pangunahing grupo ng mga figure ang naglalarawan ng mga tanong na ibinabanta sa pamagat. Ang grupo ng mga kababaihan na may isang bata sa kanang bahagi ng larawan ay kumakatawan sa simula ng buhay; ang gitnang grupo ay sumisimbolo sa pang-araw-araw na pagkakaroon ng kapanahunan; sa matinding kaliwang grupo, inilarawan ni Gauguin ang katandaan ng tao, papalapit sa kamatayan; ang asul na idolo sa background ay sumisimbolo sa kabilang mundo. Ang pagpipinta na ito ay ang rurok ng makabagong post-impressionist na istilo ni Gauguin; ang kanyang estilo ay pinagsama ang isang malinaw na paggamit ng mga kulay, pandekorasyon na kulay at komposisyon, flatness at monumentality ng imahe na may emosyonal na pagpapahayag.

Inaasahan ng gawa ni Gauguin ang maraming tampok ng istilong Art Nouveau na umusbong sa panahong ito at naimpluwensyahan ang pag-unlad ng mga master ng grupong “Nabi” at iba pang pintor noong unang bahagi ng ika-20 siglo.

V. Van Gogh. Self-portrait. 1889

Vincent Van Gogh (buhay 1853-1890) - Ang Pranses at Dutch na post-impressionist na artist, ay nagsimulang magpinta, tulad ni Paul Gauguin, nasa hustong gulang na, noong 1880s. Hanggang sa panahong ito, matagumpay na nagtrabaho si Van Gogh bilang isang dealer, pagkatapos ay bilang isang guro sa isang boarding school, at kalaunan ay nag-aral sa isang Protestant missionary school at nagtrabaho sa loob ng anim na buwan bilang isang misyonero sa isang mahirap na lugar ng pagmimina sa Belgium. Noong unang bahagi ng 1880s, si Van Gogh ay bumaling sa sining, dumalo sa Academy of Arts sa Brussels (1880-1881) at Antwerp (1885-1886). Sa unang bahagi ng kanyang trabaho, si Van Gogh ay nagsulat ng mga sketch at mga pintura sa isang madilim, painterly palette, na pinili bilang mga paksa ng mga eksena mula sa buhay ng mga minero, magsasaka, at artisan. Ang mga gawa ni Van Gogh sa panahong ito ("The Potato Eaters", "The Old Church Tower in Nynen", "Shoes") ay nagmamarka ng isang masakit na talamak na pang-unawa sa pagdurusa ng tao at damdamin ng depresyon, isang mapang-aping kapaligiran ng sikolohikal na pag-igting. Sa kanyang mga liham sa kanyang kapatid na si Theo, isinulat ng artist ang sumusunod tungkol sa isa sa mga kuwadro na gawa ng panahong ito, "The Potato Eaters": "Sa loob nito, sinubukan kong bigyang-diin na ang mga taong ito, kumakain ng kanilang patatas sa pamamagitan ng liwanag ng lampara, ay naghuhukay ng lupa gamit ang parehong mga kamay na pinalawak nila sa ulam; Kaya, ang pagpipinta ay nagsasalita ng pagsusumikap at ang katotohanan na ang mga tauhan ay tapat na nakakuha ng kanilang pagkain." Noong 1886-1888. Si Van Gogh ay nanirahan sa Paris, binisita ang prestihiyosong pribadong studio ng sining ng sikat na gurong si P. Cormon sa buong Europa, nag-aral ng impresyonistang pagpipinta, pag-ukit ng Hapon, at mga gawang gawa ng tao ni Paul Gauguin. Sa panahong ito, naging magaan ang palette ni Van Gogh, nawala ang makalupang lilim ng pintura, lumitaw ang purong asul, ginintuang dilaw, pulang tono, ang kanyang katangian na dinamiko, dumadaloy na brush stroke ("Agostina Segatori sa Tambourine Cafe," "Bridge over the Seine, ” "Père Tanguy", "View ng Paris mula sa apartment ni Theo sa Rue Lepic").

Noong 1888, lumipat si Van Gogh sa Arles, kung saan natukoy sa wakas ang pagka-orihinal ng kanyang malikhaing istilo. Ang maapoy na artistikong pag-uugali, isang masakit na salpok patungo sa pagkakaisa, kagandahan at kaligayahan at, sa parehong oras, ang takot sa mga pwersang laban sa tao, ay nakapaloob sa alinman sa mga landscape na nagniningning na may maaraw na mga kulay ng timog ("The Yellow House", "The Harvest. La Croe Valley"), o sa nagbabala , mga larawang nagpapaalala sa isang bangungot ("Cafe Terrace sa Gabi"); dynamics ng kulay at brushstroke

V. Van Gogh. Night cafe terrace. 1888

pinupuno ng espirituwal na buhay at paggalaw hindi lamang ang kalikasan at ang mga taong naninirahan dito ("Mga Pulang Ubasan sa Arles"), kundi pati na rin ang mga bagay na walang buhay ("Van Gogh's Bedroom sa Arles").

Ang matinding trabaho ni Van Gogh nitong mga nakaraang taon ay sinamahan ng mga sakit sa pag-iisip, na humantong sa kanya sa isang mental hospital sa Arles, pagkatapos ay sa Saint-Rémy (1889–1890) at sa Auvers-sur-Oise (1890), kung saan siya nagpakamatay. . Pagkamalikhain ng dalawa mga nakaraang taon Ang buhay ng artista ay minarkahan ng kalugud-lugod na pagkahumaling, labis na pinataas na pagpapahayag ng mga kumbinasyon ng kulay, biglaang pagbabago sa mood - mula sa galit na galit na kawalan ng pag-asa at madilim na visionary ("Daan na may Cypresses at mga Bituin") hanggang sa isang nanginginig na pakiramdam ng paliwanag at kapayapaan ("Landscape in Auvers after ang ulan").

V. Van Gogh. Irises. 1889

Sa panahon ng paggamot sa klinika ng Saint-Rémy, pininturahan ni Van Gogh ang ikot ng mga pagpipinta na "Irises". Ang kanyang pagpipinta ng bulaklak ay walang mataas na tensyon at nagpapakita ng impluwensya ng Japanese ukiyo-e prints. Ang pagkakatulad na ito ay ipinakita sa pag-highlight ng mga contour ng mga bagay, hindi pangkaraniwang mga anggulo, ang pagkakaroon ng mga detalyadong lugar at mga lugar na puno ng isang solidong kulay na hindi tumutugma sa katotohanan.

V. Van Gogh. Patlang ng trigo na may mga uwak. 1890

Ang "Wheat Field with Crows" ay isang pagpipinta ni Van Gogh, na ipininta ng pintor noong Hulyo 1890 at isa sa kanyang pinakatanyag na mga gawa. Ang pagpipinta ay dapat na natapos noong Hulyo 10, 1890, 19 araw bago siya namatay sa Auvers-sur-Oise. Mayroong isang bersyon na si Van Gogh ay nagpakamatay sa proseso ng pagpipinta ng pagpipinta na ito (lumabas sa open air na may mga materyales para sa pagpipinta, binaril niya ang kanyang sarili sa lugar ng puso gamit ang isang pistol na binili upang takutin ang mga kawan ng mga ibon, pagkatapos ay malayang naabot ang ospital, kung saan siya namatay mula sa pagkawala ng dugo).