Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang klasikal na musika sa mundo ay hindi maiisip kung wala ang mga gawa ng mga kompositor ng Russia. Russia, dakilang bansa may mga mahuhusay na tao at kanilang pamanang kultural, ay palaging kabilang sa mga nangungunang makina ng pag-unlad at sining ng mundo, kabilang ang musika. Ang paaralan ng komposisyon ng Russia, ang pagpapatuloy ng kung saan ang mga tradisyon ay ang Sobyet at ang mga paaralang Ruso ngayon, ay nagsimula noong ika-19 na siglo kasama ang mga kompositor na pinagsama ang European musical art sa Russian folk melodies, na nag-uugnay sa European form at ang Russian spirit.

Maraming masasabi tungkol sa bawat isa sa mga sikat na taong ito; lahat sila ay may mahirap at kung minsan ay kalunos-lunos na kapalaran, ngunit sa pagsusuri na ito sinubukan naming magbigay lamang ng maikling paglalarawan ng buhay at gawain ng mga kompositor.

1.Mikhail Ivanovich GLINKA (1804—1857)

Si Mikhail Ivanovich Glinka ay ang nagtatag ng Russian klasikal na musika at ang unang Russian classical composer na nakamit ang katanyagan sa mundo. Ang kanyang mga gawa, batay sa mga siglo-lumang tradisyon ng Russian folk music, ay isang bagong salita sa musikal na sining ng ating bansa.
Ipinanganak sa lalawigan ng Smolensk, natanggap niya ang kanyang edukasyon sa St. Petersburg. Ang pagbuo ng pananaw sa mundo at ang pangunahing ideya ng gawain ni Mikhail Glinka ay pinadali ng direktang komunikasyon sa mga personalidad tulad ng Zhukovsky, A.S. Ang malikhaing impetus para sa kanyang mga gawa ay idinagdag ng isang maraming taon na paglalakbay sa Europa noong unang bahagi ng 1830s at mga pagpupulong kasama ang mga nangungunang kompositor noong panahong iyon - V. Bellini, G. Donizetti, F. Mendelssohn at kalaunan kasama si G. Berlioz, J. Meyerbeer. Ang tagumpay ay dumating sa M.I. Glinka pagkatapos ng paggawa ng opera na "Ivan Susanin" ("Buhay para sa Tsar") (1836), na masigasig na natanggap ng lahat sa unang pagkakataon sa musika sa mundo, sining ng koro ng Russia at ng European symphonic at operatic Ang pagsasanay ay pinagsama-samang organiko, pati na rin ang isang bayani na katulad ni Susanin ay lumitaw, na ang larawan ay nagbubuod pinakamahusay na mga tampok pambansang katangian. Inilarawan ni V.F. Odoevsky ang opera " bagong elemento sa Art, at ang isang bagong panahon ay nagsisimula sa kasaysayan nito - ang panahon ng musikang Ruso."
Ang pangalawang opera ay ang epikong "Ruslan at Lyudmila" (1842), ang gawain na kung saan ay isinagawa laban sa backdrop ng pagkamatay ni Pushkin at sa mahirap na mga kondisyon ng pamumuhay ng kompositor, dahil sa malalim na makabagong kalikasan ng trabaho, natanggap ito. hindi malinaw ng madla at ng mga awtoridad at nagdala ng mahihirap na karanasan sa M.I. Pagkatapos nito, naglakbay siya nang marami, salit-salit na naninirahan sa Russia at sa ibang bansa, nang walang tigil sa pag-compose. Kasama sa kanyang legacy ang mga romance, symphonic at chamber works. Noong 1990s, ang "Patriotic Song" ni Mikhail Glinka ay ang opisyal na awit ng Russian Federation.

Quote mula sa M.I. Glinka: "Upang lumikha ng kagandahan, ikaw mismo ay dapat na dalisay sa kaluluwa."

Quote tungkol sa M.I. Glinka: "Ang buong paaralan ng symphonic ng Russia, tulad ng isang buong puno ng oak sa isang acorn, ay nakapaloob sa symphonic fantasy na "Kamarinskaya". P.I.Tchaikovsky

Kawili-wiling katotohanan: Wala sa mabuting kalusugan si Mikhail Ivanovich Glinka, sa kabila nito ay napakadali niya at alam na alam ang heograpiya, marahil kung hindi siya naging isang kompositor, siya ay naging isang manlalakbay. Kilala niya ang anim wikang banyaga, kabilang ang Persian.

2. Alexander Porfirievich BORODIN (1833—1887)

Si Alexander Porfirievich Borodin, isa sa mga nangungunang kompositor ng Russia noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, bilang karagdagan sa kanyang talento bilang isang kompositor, ay isang chemist, doktor, guro, kritiko at may talento sa panitikan.
Ipinanganak sa St. Petersburg, mula pagkabata ay napansin ng lahat sa paligid niya ang kanyang hindi pangkaraniwang aktibidad, hilig at kakayahan sa iba't ibang larangan, pangunahin sa musika at kimika. Si A.P. Borodin ay isang Russian composer-nugget, wala siyang propesyonal na mga guro ng musikero, lahat ng kanyang mga nagawa sa musika ay salamat sa malayang gawain sa mastering compositing techniques. Ang pagbuo ng A.P. Borodin ay naiimpluwensyahan ng gawain ni M.I. Si Glinka (tulad ng lahat ng mga kompositor ng Russia noong ika-19 na siglo), at ang impetus para sa masinsinang pag-aaral ng komposisyon noong unang bahagi ng 1860s ay ibinigay ng dalawang kaganapan - una, ang kanyang kakilala at kasal sa mahuhusay na pianista na si E.S M.A. Balakirev at sumali sa malikhaing komunidad ng mga kompositor ng Russia, na kilala bilang "Mighty Handful". Sa huling bahagi ng 1870s at 1880s, maraming naglakbay at naglibot si A.P. Borodin sa Europa at Amerika, nakilala ang mga nangungunang kompositor ng kanyang panahon, lumaki ang kanyang katanyagan, naging isa siya sa pinakasikat at tanyag na kompositor ng Russia sa Europa sa pagtatapos ng ika-19 siglo.
Ang sentral na lugar sa gawain ng A.P. Borodin ay inookupahan ng opera na "Prince Igor" (1869-1890), na isang halimbawa ng isang pambansang bayani na epiko sa musika at kung saan siya mismo ay walang oras upang makumpleto (ito ay natapos ng kanyang mga kaibigan na sina A.A. Glazunov at N.A. Rimsky-Korsakov). Sa "Prince Igor", laban sa backdrop ng mga maringal na larawan ng mga makasaysayang kaganapan, ay makikita pangunahing ideya sa buong gawain ng kompositor - tapang, kalmado na kadakilaan, espirituwal na maharlika ng pinakamahusay na mga mamamayang Ruso at ang makapangyarihang lakas ng buong mamamayang Ruso, na ipinakita sa pagtatanggol sa kanilang tinubuang-bayan. Sa kabila ng katotohanan na si A.P. Borodin ay nag-iwan ng medyo maliit na bilang ng mga gawa, ang kanyang trabaho ay napaka-magkakaibang at siya ay itinuturing na isa sa mga ama ng Russian symphonic na musika, na nakaimpluwensya sa maraming henerasyon ng mga Ruso at dayuhang kompositor.

Sipi tungkol sa A.P. Borodin: "Ang talento ni Borodin ay pantay na makapangyarihan at kamangha-mangha sa symphony, opera at romansa ang kanyang mga pangunahing katangian ay napakalaking lakas at lawak, napakalaking saklaw, bilis at impetuosity, na sinamahan ng kamangha-manghang pagnanasa, lambing at kagandahan." V.V. Stasov

Kagiliw-giliw na katotohanan: ang kemikal na reaksyon ng mga silver salt ng carboxylic acid na may mga halogens, na nagreresulta sa mga halogenated hydrocarbons, na siya ang unang nag-aral noong 1861, ay pinangalanan sa Borodin.

3. Mahinhin Petrovich MUSORGSKY (1839—1881)

Ang Modest Petrovich Mussorgsky ay isa sa pinakamatalino na kompositor ng Russia noong ika-19 na siglo, isang miyembro ng "Mighty Handful". Ang makabagong gawain ni Mussorgsky ay nauna sa panahon nito.
Ipinanganak sa lalawigan ng Pskov. Tulad ng maraming mahuhusay na tao, mula pagkabata nagpakita siya ng mga kakayahan sa musika, nag-aral sa St. Petersburg, ay, tradisyon ng pamilya, militar. Ang mapagpasyang kaganapan na nagpasiya na si Mussorgsky ay ipinanganak hindi para sa serbisyo militar, ngunit para sa musika, ay ang kanyang pagpupulong kay M.A. Balakirev at sumali sa "Mighty Handful". Mahusay si Mussorgsky dahil sa kanyang magarang mga gawa - ang mga opera na "Boris Godunov" at "Khovanshchina" - nakuha niya sa musika ang mga dramatikong milestone ng kasaysayan ng Russia na may isang radikal na bagong bagay na hindi alam ng musikang Ruso bago siya, na nagpapakita sa kanila ng isang kumbinasyon ng masa. mga eksenang bayan at iba't ibang kayamanan mga uri, ang natatanging katangian ng mga taong Ruso. Ang mga opera na ito, sa maraming mga edisyon ng parehong may-akda at iba pang mga kompositor, ay kabilang sa mga pinakasikat na opera ng Russia sa mundo. Ang isa pang namumukod-tanging gawa ni Mussorgsky ay ang cycle ng mga piyesa ng piano na "Pictures at an Exhibition", makulay at mapag-imbento na mga miniature na natatakpan ng Russian theme-refrain at Orthodox faith.

Nasa buhay ni Mussorgsky ang lahat - parehong kadakilaan at trahedya, ngunit palagi siyang nakikilala sa pamamagitan ng tunay na espirituwal na kadalisayan at pagiging hindi makasarili. Ang kanyang mga huling taon ay mahirap - hindi maayos na buhay, kawalan ng pagkilala sa pagkamalikhain, kalungkutan, pagkagumon sa alkohol, lahat ng ito ay nagpasiya sa kanya. maagang pagkamatay sa 42, siya ay nag-iwan ng medyo ilang mga gawa, na ang ilan ay natapos ng iba pang mga kompositor. Ang tiyak na himig at makabagong pagkakatugma ni Mussorgsky ay inaasahan ang ilang mga tampok ng pag-unlad ng musikal noong ika-20 siglo at may mahalagang papel sa pagbuo ng mga istilo ng maraming kompositor sa mundo.

Sipi mula kay M.P. Mussorgsky: "Ang mga tunog ng pananalita ng tao, bilang panlabas na pagpapakita ng pag-iisip at damdamin, ay dapat, nang walang pagmamalabis at karahasan, ay maging musikang makatotohanan, tumpak, ngunit masining, napakasining."

Sipi tungkol sa M.P. Mussorgsky: "Ang orihinal na tunog ng Ruso sa lahat ng nilikha ni Mussorgsky" N.K.Roerich

Kagiliw-giliw na katotohanan: sa pagtatapos ng kanyang buhay, si Mussorgsky, sa ilalim ng presyon ng kanyang "mga kaibigan" na sina Stasov at Rimsky-Korsakov, ay tinalikuran ang copyright sa kanyang mga gawa at naibigay ang mga ito kay Tertius Filippov

4. Pyotr Ilyich TCHAIKOVSKY (1840—1893)

Si Pyotr Ilyich Tchaikovsky, marahil ang pinakadakilang kompositor ng Russia noong ika-19 na siglo, ay nagtaas ng sining ng musikal ng Russia sa hindi pa nagagawang taas. Isa siya sa pinakamahalagang kompositor ng musikang klasikal sa mundo.
Katutubo lalawigan ng Vyatka, kahit na ang kanyang mga pinagmulan ng ama ay nasa Ukraine, ipinakita ni Tchaikovsky mula pagkabata mga kakayahan sa musika, gayunpaman, ang aking unang edukasyon at trabaho ay nasa larangan ng jurisprudence. Si Tchaikovsky ay isa sa mga unang "propesyonal" na kompositor ng Russia; nag-aral siya ng teorya ng musika at komposisyon sa bagong St. Petersburg Conservatory. Si Tchaikovsky ay itinuturing na isang "Western" na kompositor, kumpara sa mga sikat na figure ng "Mighty Handful", kung saan siya ay may mahusay na malikhain at palakaibigan na relasyon, ngunit ang kanyang trabaho ay hindi gaanong natatakpan ng espiritu ng Russia, pinamamahalaan niyang natatanging pagsamahin ang Western symphonic heritage ng Mozart, Beethoven at Schumann kasama ang mga tradisyon ng mga Ruso na minana kay Mikhail Glinka.
Nanguna ang kompositor aktibong buhay- ay isang guro, konduktor, kritiko, pampublikong pigura, nagtrabaho sa dalawang kabisera, naglibot sa Europa at Amerika. Si Tchaikovsky ay isang medyo emosyonal na hindi matatag na tao;
Upang i-highlight ang isang bagay na pinakamahusay mula sa trabaho ni Tchaikovsky - mahirap na gawain, mayroon siyang ilang mga gawa na may pantay na sukat sa halos lahat mga genre ng musika- opera, ballet, symphony, chamber music. Ang nilalaman ng musika ni Tchaikovsky ay unibersal: na may walang kapantay na melodicism ay tinatanggap nito ang mga imahe ng buhay at kamatayan, pag-ibig, kalikasan, pagkabata, ipinapakita nito ang mga gawa ng panitikan ng Russia at mundo sa isang bagong paraan, at sumasalamin sa malalim na proseso ng espirituwal na buhay.

quote ng kompositor:
"Ako ay isang pintor na kaya at dapat na magdala ng karangalan sa aking Inang Bayan. Masarap ang pakiramdam ko artistikong kapangyarihan, hindi ko pa nagagawa kahit isang ikasampu ng kaya kong gawin. At gusto kong gawin ito nang buong lakas ng aking kaluluwa."
"Ang buhay ay may kagandahan lamang kapag ito ay binubuo ng paghalili ng kagalakan at kalungkutan, ng pakikibaka sa pagitan ng mabuti at masama, ng liwanag at anino, sa isang salita - ng pagkakaiba-iba sa pagkakaisa."
"Ang mahusay na talento ay nangangailangan ng mahusay na pagsusumikap."

Sipi tungkol sa kompositor: "Handa akong tumayo bilang isang bantay ng karangalan araw at gabi sa beranda ng bahay kung saan nakatira si Pyotr Ilyich - iyon ay kung gaano ko siya iginagalang." A.P.Chekhov

Kagiliw-giliw na katotohanan: Ang Cambridge University ay iginawad kay Tchaikovsky ang titulong Doctor of Music in absentia at nang hindi nagtatanggol sa isang disertasyon, at ang Paris Academy of Fine Arts ay naghalal sa kanya ng isang kaukulang miyembro.

5. Nikolai Andreevich RIMSKY-KORSAKOV (1844—1908)

Si Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov ay isang mahuhusay na kompositor ng Russia, isa sa pinakamahalagang pigura sa paglikha ng isang napakahalagang pamana ng musikal na Ruso. Ang kanyang natatanging mundo at pagsamba sa walang hanggang lahat-lahat na kagandahan ng sansinukob, paghanga sa himala ng pagkakaroon, pagkakaisa sa kalikasan ay walang mga analogue sa kasaysayan ng musika.
Ipinanganak sa lalawigan ng Novgorod, ayon sa tradisyon ng pamilya siya ay naging isang opisyal ng hukbong-dagat, at binisita ang maraming mga bansa sa Europa at ang dalawang Amerika sa isang barkong pandigma. Natanggap muna niya ang kanyang edukasyon sa musika mula sa kanyang ina, pagkatapos ay kumuha ng pribadong mga aralin mula sa pianist na si F. Canille. At muli, salamat kay M.A. Balakirev, ang tagapag-ayos ng "Mighty Handful," na nagpakilala kay Rimsky-Korsakov sa komunidad ng musika at naimpluwensyahan ang kanyang trabaho, ang mundo ay hindi nawalan ng isang mahuhusay na kompositor.
Ang sentral na lugar sa pamana ni Rimsky-Korsakov ay binubuo ng mga opera - 15 na gawa na nagpapakita ng pagkakaiba-iba ng genre, stylistic, dramatic, compositional na solusyon ng kompositor, gayunpaman, mayroong isang espesyal na istilo - kasama ang lahat ng kayamanan ng bahagi ng orkestra, ang mga pangunahing. ay melodic vocal lines. Dalawang pangunahing direksyon ang nakikilala ang gawain ng kompositor: ang una ay ang kasaysayan ng Russia, ang pangalawa ay ang mundo ng mga engkanto at epiko, kung saan natanggap niya ang palayaw na "kuwento."
Bilang karagdagan sa kanyang direktang malikhaing aktibidad, si N.A. Rimsky-Korsakov ay kilala bilang isang publicist, compiler ng mga koleksyon ng mga katutubong kanta, kung saan siya ay interesado. malaking interes, at bilang isang completionist ng mga gawa ng kanyang mga kaibigan - Dargomyzhsky, Mussorgsky at Borodin. Si Rimsky-Korsakov ay ang lumikha ng isang paaralan ng komposisyon bilang isang guro at direktor ng St. Petersburg Conservatory, sinanay niya ang humigit-kumulang dalawang daang kompositor, konduktor, at musikologo, kabilang sa kanila sina Prokofiev at Stravinsky.

Sipi tungkol sa kompositor: "Si Rimsky-Korsakov ay isang napaka-Russian na tao at isang napaka-Russian na kompositor Naniniwala ako na ang kanyang orihinal na kakanyahan ng Ruso, ang kanyang malalim na katutubong-Russian na batayan ay dapat na lalo na pahalagahan ngayon." Mstislav Rostropovich

Ang gawain ng mga kompositor ng Russia noong huling bahagi ng ika-19 - unang kalahati ng ika-20 siglo ay isang holistic na pagpapatuloy ng mga tradisyon ng paaralang Ruso. Kasabay nito, ang konsepto ng isang diskarte sa "pambansang" kaakibat ng ito o ang musikang iyon ay pinangalanan halos walang direktang pagsipi ng mga katutubong melodies, ngunit ang intonasyon na batayan ng Ruso, ang kaluluwang Ruso, ay nananatili.

6. Alexander Nikolaevich SKRYABIN (1872 - 1915)

Alexander Nikolaevich Scriabin - kompositor at pianista ng Russia, isa sa pinakamaliwanag na personalidad Kultura ng musikal ng Russia at mundo. Ang orihinal at malalim na mala-tula na pagkamalikhain ni Scriabin ay namumukod-tangi para sa pagbabago nito kahit na sa likod ng pagsilang ng maraming bagong uso sa sining na nauugnay sa mga pagbabago sa pampublikong buhay sa pagpasok ng ika-20 siglo.
Ipinanganak sa Moscow, ang kanyang ina ay namatay nang maaga, ang kanyang ama ay hindi nagbigay pansin sa kanyang anak, dahil siya ay nagsilbi bilang ambasador sa Persia. Si Scriabin ay pinalaki ng kanyang tiyahin at lolo, at nagpakita ng talento sa musika mula pagkabata. Sa una ay nag-aral siya sa cadet corps, kumuha ng pribadong mga aralin sa piano, at pagkatapos ng pagtatapos mula sa corps ay pumasok siya sa Moscow Conservatory, ang kanyang kaklase ay si S.V. Pagkatapos ng graduation mula sa conservatory, buong-buo na inilaan ni Scriabin ang kanyang sarili sa musika - bilang isang pianist-composer ng konsiyerto na nilibot niya sa Europa at Russia, na ginugugol ang karamihan ng kanyang oras sa ibang bansa.
Ang rurok ng pagkamalikhain sa komposisyon ni Scriabin ay ang mga taong 1903-1908, nang ang Third Symphony ("Divine Poem"), ang symphonic na "Poem of Ecstasy", "Tragic" at "Satanic" na mga tula sa piano, ika-4 at ika-5 na sonata at iba pang mga gawa ay pinakawalan. "Tula ng Ecstasy", na binubuo ng ilang mga tema-mga imahe, puro malikhaing ideya Si Sriabin ang kanyang pinakamaliwanag na obra maestra. Pinagsasama nito ang pag-ibig ng kompositor sa kapangyarihan malaking orkestra at ang liriko, mahangin na tunog ng mga solong instrumento. Ang napakalaking mahalagang enerhiya, nagniningas na simbuyo ng damdamin, at malakas na kalooban na nakapaloob sa "Tula ng Ecstasy" ay nagbibigay ng hindi mapaglabanan na impresyon sa nakikinig at nagpapanatili ng kapangyarihan ng epekto nito hanggang sa araw na ito.
Ang isa pang obra maestra ng Scriabin ay ang "Prometheus" ("Tula ng Apoy"), kung saan ganap na na-update ng may-akda ang kanyang harmonic na wika, na umaalis sa tradisyonal sistema ng tonal, at sa unang pagkakataon din sa kasaysayan, ang gawaing ito ay dapat na sinamahan ng kulay na musika, ngunit ang pangunahin, para sa mga teknikal na kadahilanan, ay naganap nang walang mga epekto sa pag-iilaw.
Ang huling hindi natapos na "Misteryo" ay ang plano ni Scriabin, isang mapangarapin, romantiko, pilosopo, na umapela sa lahat ng sangkatauhan at pukawin ito upang lumikha ng isang bagong kamangha-manghang kaayusan sa mundo, ang unyon ng Universal Spirit with Matter.

Sipi mula kay A.N. Scriabin: “Sasabihin ko sa kanila (mga tao) - para sila... huwag umasa ng anuman sa buhay maliban sa kung ano ang magagawa nila para sa kanilang sarili... Sasabihin ko sa kanila na walang anuman upang magdalamhati, na walang pagkawala Upang hindi sila matakot sa kawalan ng pag-asa, na siya lamang ang makapagbibigay ng tunay na tagumpay.

Sipi tungkol kay A.N. Scriabin: "Ang gawain ni Scriabin ay ang kanyang panahon, na ipinahayag sa mga tunog ngunit kapag ang pansamantalang, lumilipas ay natagpuan ang kanyang pagiging malikhain dakilang artista, ito ay nakakakuha ng permanenteng kahulugan at nagiging matatag." G. V. Plekhanov

7. Sergei Vasilievich RACHMANINOV (1873 - 1943)

Si Sergei Vasilyevich Rachmaninov ay ang pinakamalaking kompositor sa mundo noong unang bahagi ng ika-20 siglo, isang mahuhusay na pianista at konduktor. Ang malikhaing imahe ni Rachmaninov na kompositor ay madalas na tinutukoy ng epithet na "ang pinaka-Russian na kompositor," na binibigyang-diin sa maikling pagbabalangkas na ito ang kanyang mga merito sa pag-iisa. mga tradisyong musikal Moscow at St. Petersburg paaralan ng komposisyon at sa paglikha ng kanyang sariling natatanging estilo, na nakatayo out sa mundo musikal kultura.
Ipinanganak sa lalawigan ng Novgorod, sa edad na apat ay nagsimula siyang mag-aral ng musika sa ilalim ng gabay ng kanyang ina. Nag-aral siya sa St. Petersburg Conservatory, pagkatapos ng 3 taon ng pag-aaral ay lumipat siya sa Moscow Conservatory at nagtapos ng isang malaking gintong medalya. Mabilis siyang nakilala bilang konduktor at pianista, at gumawa ng musika. Ang nakapipinsalang premiere ng makabagong First Symphony (1897) sa St. Petersburg ay nagdulot ng krisis ng isang malikhaing kompositor, kung saan lumitaw si Rachmaninov noong unang bahagi ng 1900s na may nabuong istilo na pinag-isa ang awit ng simbahang Ruso, palabas na romantikismong Europeo, modernong impresyonismo at neoclassicism - at lahat ng ito ay puno ng kumplikadong simbolismo. Sa panahong ito ng paglikha, ipinanganak ang kanyang pinakamahusay na mga gawa, kabilang ang 2 at 3 mga konsiyerto sa piano, Second Symphony at ang kanyang pinakapaboritong gawain - ang tula na "Bells" para sa koro, soloista at orkestra.
Noong 1917, napilitang umalis si Rachmaninov at ang kanyang pamilya sa ating bansa at manirahan sa USA. Sa loob ng halos sampung taon pagkatapos umalis, wala siyang kinatha, ngunit naglibot nang malawakan sa Amerika at Europa at kinilala bilang isa sa mga pinakadakilang pianista ng panahon at isang pangunahing konduktor. Para sa lahat ng kanyang abalang aktibidad, si Rachmaninov ay nanatiling mahina at walang katiyakan na tao, nagsusumikap para sa pag-iisa at maging sa kalungkutan, na iniiwasan ang nakakainis na atensyon ng publiko. Taos-puso niyang minahal at nami-miss ang kanyang tinubuang-bayan, iniisip kung nagkamali ba siya sa pag-alis dito. Siya ay palaging interesado sa lahat ng mga kaganapan na nagaganap sa Russia, nagbasa ng mga libro, pahayagan at magasin, at tumulong sa pananalapi. Ang kanyang mga huling gawa - Symphony No. 3 (1937) at "Symphonic Dances" (1940) ay ang resulta ng kanyang malikhaing landas, na isinasama ang lahat ng pinakamahusay sa kanyang natatanging istilo at isang malungkot na pakiramdam ng hindi na mapananauli na pagkawala at pananabik para sa kanyang tinubuang-bayan.

Sipi mula kay S.V. Rachmaninov:
“Para akong multong gumagala mag-isa sa mundong alien sa akin.”
"Ang pinakamataas na kalidad ng lahat ng sining ay ang katapatan nito."
"Ang mga mahusay na kompositor ay palaging at una sa lahat ay nagbigay pansin sa melody bilang nangunguna sa simula sa musika. Ang melody ay musika pangunahing batayan sa lahat ng musika... Ang melodic inventiveness, sa pinakamataas na kahulugan ng salita, ang pangunahing layunin sa buhay kompositor.... Dahil dito, ang mga dakilang kompositor noon ay nagpakita ng labis na interes sa mga katutubong himig ng kanilang mga bansa."

Sipi tungkol kay S.V.
"Si Rachmaninoff ay nilikha mula sa bakal at ginto: Ang bakal ay nasa kanyang mga kamay, ang ginto ay nasa kanyang puso. I. Hoffman
"Ang musika ni Rachmaninov ay ang Karagatan. Ang mga alon nito - musikal - ay nagsisimula nang malayo sa abot-tanaw, at itinaas ka nang napakataas at pinababa nang napakabagal... na naramdaman mo ang Kapangyarihan at Hininga na ito." A. Konchalovsky

Kawili-wiling katotohanan: sa panahon ng Dakila Digmaang Makabayan Nagbigay si Rachmaninov ng ilang mga charity concert, ang mga nalikom mula sa kung saan ipinadala niya sa Red Army Fund upang labanan ang mga mananakop ng Nazi.

8. Igor Fedorovich STRAVINSKY (1882-1971)

Si Igor Fedorovich Stravinsky ay isa sa mga pinaka-maimpluwensyang kompositor ng mundo noong ika-20 siglo, isang pinuno ng neoclassicism. Si Stravinsky ay naging isang "salamin" panahon ng musika, ang kanyang trabaho ay sumasalamin sa maraming mga estilo, patuloy na nagsasalubong at mahirap na uriin. Malaya niyang pinagsasama ang mga genre, anyo, istilo, pinipili ang mga ito mula sa mga siglo ng kasaysayan ng musika at pinailalim ang mga ito sa sarili niyang mga panuntunan.
Ipinanganak malapit sa St. Petersburg, nag-aral sa Faculty of Law ng St. Petersburg University, nakapag-iisa na nag-aral mga disiplina sa musika, kumuha ng mga pribadong aralin mula sa N.A. Rimsky-Korsakov, ito ang nag-iisang kompositor na paaralan ng Stravinsky, salamat sa kung saan pinagkadalubhasaan niya ang compositional technique sa pagiging perpekto. Nagsimula siyang gumawa ng propesyonal na medyo huli, ngunit ang kanyang pagtaas ay mabilis - isang serye ng tatlong ballet: "The Firebird" (1910), "Petrushka" (1911) at "The Rite of Spring" (1913) ay agad na nagdala sa kanya sa ranggo ng mga kompositor ng unang magnitude.
Noong 1914 umalis siya sa Russia, tulad ng nangyari, halos magpakailanman (noong 1962 ay may mga paglilibot sa USSR). Ang Stravinsky ay isang cosmopolitan, na napilitang baguhin ang ilang mga bansa - Russia, Switzerland, France, at kalaunan ay nanatili upang manirahan sa USA. Ang kanyang trabaho ay nahahati sa tatlong panahon - "Russian", "neoclassical", American "mass production", ang mga panahon ay nahahati hindi sa oras ng buhay sa iba't ibang bansa, ngunit sa pamamagitan ng "sulat-kamay" ng may-akda.
Si Stravinsky ay isang napakataas na pinag-aralan, palakaibigan na tao, na may kahanga-hangang pagkamapagpatawa. Kasama sa kanyang mga kakilala at koresponden ang mga musikero, makata, artista, siyentipiko, negosyante, at estadista.
Ang huling pinakamataas na tagumpay ni Stravinsky - "Requiem" (Funeral Hymns) (1966) ay hinigop at pinagsama ang dating artistikong karanasan ng kompositor, na naging tunay na apotheosis ng gawa ng master.
Isang natatanging tampok ang namumukod-tangi sa gawa ni Stavinsky - "natatangi", hindi para sa wala na siya ay tinawag na "ang kompositor ng isang libo at isang estilo", patuloy na pagbabago ng genre, estilo, direksyon ng balangkas - bawat isa sa kanyang mga gawa ay natatangi, ngunit siya ay patuloy na bumalik sa mga disenyo kung saan makikita ng isa pinagmulang Ruso, naririnig ang mga ugat ng Ruso.

Quote mula sa I.F. Stravinsky: "Ako ay nagsasalita ng Ruso sa buong buhay ko, mayroon akong isang pantig na Ruso, marahil hindi ito agad na nakikita sa aking musika, ngunit ito ay likas sa loob nito, ito ay nasa likas na katangian nito."

Sipi tungkol sa I.F. Stravinsky: "Si Stravinsky ay isang tunay na kompositor ng Ruso... Ang diwa ng Ruso ay hindi masisira sa puso ng tunay na mahusay, multifaceted talent na ito, na ipinanganak sa lupain ng Russia at malapit na konektado dito..." D. Shostakovich

Kawili-wiling katotohanan (pabula):
Minsan sa New York, sumakay si Stravinsky ng taxi at nagulat siya nang mabasa ang kanyang apelyido sa karatula.
-Kamag-anak ka ba ng kompositor? - tanong niya sa driver.
- Mayroon bang kompositor na may ganoong apelyido? - nagulat ang driver. - Ito ang unang pagkakataon na narinig ko ito. Gayunpaman, Stravinsky ang pangalan ng may-ari ng taxi. Wala akong kinalaman sa musika - Rossini ang apelyido ko...

9. Sergei Sergeevich PROKOFIEV (1891—1953)

Si Sergei Sergeevich Prokofiev ay isa sa pinakamalaking kompositor ng Russia noong ika-20 siglo, pianista, at konduktor.
Ipinanganak sa rehiyon ng Donetsk, naging kasangkot siya sa musika mula pagkabata. Si Prokofiev ay maaaring ituring na isa sa iilan (kung hindi lamang) Russian musical "prodigies", mula sa edad na 5 siya ay nakikibahagi sa pag-compose, sa edad na 9 ay sumulat siya ng dalawang opera (siyempre, ang mga gawang ito ay wala pa sa gulang, ngunit nagpapakita sila ng pagnanais na lumikha), sa edad na 13 naipasa niya ang mga pagsusulit sa St. Petersburg Conservatory, kabilang sa kanyang mga guro ay N.A. Rimsky-Korsakov. Ang simula ng kanyang propesyonal na karera ay nagdulot ng isang bagyo ng pagpuna at hindi pagkakaunawaan sa kanyang indibidwal, sa panimula anti-romantiko at lubhang modernistang istilo ay ang kabalintunaan ay, habang sinisira ang mga akademikong canon, ang istraktura ng kanyang mga komposisyon ay nanatiling tapat sa mga klasikal na prinsipyo at pagkatapos ay naging isang; pumipigil na puwersa ng modernistang all-denying skepticism. Mula sa simula ng kanyang karera, si Prokofiev ay gumanap at naglibot ng maraming. Noong 1918, nagpunta siya sa isang internasyonal na paglilibot, kabilang ang pagbisita sa USSR, at sa wakas ay bumalik sa kanyang tinubuang-bayan noong 1936.
Ang bansa ay nagbago at ang "libre" na pagkamalikhain ni Prokofiev ay napilitang sumuko sa mga katotohanan ng mga bagong kahilingan. Ang talento ni Prokofiev ay namumulaklak bagong lakas- nagsusulat siya ng mga opera, ballet, musika para sa mga pelikula - matalas, malakas ang kalooban, lubos na tumpak na musika na may mga bagong imahe at ideya, inilatag ang pundasyon para sa klasikal na musika at opera ng Sobyet. Noong 1948, tatlong kalunos-lunos na pangyayari ang naganap nang halos sabay-sabay: ang kanyang unang asawang Espanyol ay inaresto sa hinalang espiya at ipinatapon sa mga kampo; isang Resolusyon ng Poliburo ng Komite Sentral ng All-Union Communist Party of Bolsheviks ay inilabas, kung saan sina Prokofiev, Shostakovich at iba pa ay inatake at inakusahan ng "pormalismo" at ang pinsala ng kanilang musika; Nagkaroon ng matinding pagkasira sa kalusugan ng kompositor;
Isa sa pinakamaliwanag na gawa panahon ng Sobyet naging opera na "Digmaan at Kapayapaan", "The Tale of a Real Man"; ang mga ballet na "Romeo at Juliet" at "Cinderella", na naging isang bagong pamantayan ng musika ng ballet sa mundo; oratorio "Tagapangalaga ng Kapayapaan"; musika para sa mga pelikulang "Alexander Nevsky" at "Ivan the Terrible"; symphony No. 5,6,7; gumaganang piano.
Ang gawa ni Prokofiev ay humanga sa kanyang versatility at lawak ng mga tema, ang pagka-orihinal nito musikal na pag-iisip, ang pagiging bago at pagka-orihinal ay bumubuo ng isang buong panahon sa kulturang pangmusika ng mundo noong ika-20 siglo at nagkaroon ng malakas na epekto sa maraming mga kompositor ng Sobyet at dayuhan.

Quote mula kay S.S. Prokofiev:
“Maaari bang manindigan ang isang pintor sa buhay?.. Sumusunod ako sa paniniwala na ang isang kompositor, tulad ng isang makata, eskultor, pintor, ay tinatawag na maglingkod sa tao at sa mga tao... Siya, una sa lahat, ay obligadong maging isang mamamayan sa kanyang sining, upang luwalhatiin ang buhay ng tao at akayin ang mga tao sa isang magandang kinabukasan..."
"Ako ay isang pagpapakita ng buhay, na nagbibigay sa akin ng lakas upang labanan ang lahat ng hindi espirituwal"

Quote tungkol sa S.S. Prokofiev: "... lahat ng facet ng kanyang musika ay maganda. Ngunit mayroong isang ganap hindi pangkaraniwang bagay. Tila, lahat tayo ay may ilang mga kabiguan, pagdududa, lamang... Bad mood. At sa gayong mga sandali, kahit na hindi ako naglalaro o nakikinig kay Prokofiev, ngunit isipin lamang ang tungkol sa kanya, nakakatanggap ako ng isang hindi kapani-paniwalang singil ng enerhiya, nakakaramdam ako ng isang malaking pagnanais na mabuhay at kumilos

Kawili-wiling katotohanan: Mahal na mahal ni Prokofiev ang chess, at pinayaman ang laro sa kanyang mga ideya at tagumpay, kabilang ang "siyam" na chess na kanyang naimbento - isang 24x24 board na may siyam na hanay ng mga piraso na nakaayos dito.

10. Dmitry Dmitrievich SHOSTAKOVICH (1906 - 1975)

Si Dmitry Dmitrievich Shostakovich ay isa sa pinakamahalaga at gumanap na kompositor sa mundo, ang kanyang impluwensya sa modernong klasikal na musika ay hindi nasusukat. Ang kanyang mga nilikha ay mga tunay na pagpapahayag ng panloob na drama ng tao at salaysay ng mahihirap na pangyayari noong ika-20 siglo, kung saan ang malalim na personal ay kaakibat ng trahedya ng tao at sangkatauhan, kasama ang kapalaran ng kanyang sariling bansa.
Ipinanganak sa St. Petersburg, ang una mga aralin sa musika natanggap mula sa kanyang ina, nagtapos siya sa St. Petersburg Conservatory, sa pagpasok kung saan inihambing siya ng rektor na si Alexander Glazunov kay Mozart - kaya namangha siya sa lahat sa kanyang mahusay na memorya ng musika, matalas na tainga at regalo para sa komposisyon. Nasa unang bahagi ng 20s, sa pagtatapos ng conservatory, si Shostakovich ay nagkaroon ng isang bagahe ng kanyang sariling mga gawa at naging isa sa mga pinakamahusay na kompositor sa bansa. Ang katanyagan sa mundo ay dumating kay Shostakovich matapos manalo sa 1st Pandaigdigang kompetisyon Chopin noong 1927.
Hanggang sa isang tiyak na panahon, lalo na bago ang paggawa ng opera na "Lady Macbeth ng Mtsensk", si Shostakovich ay nagtrabaho bilang isang libreng artist - isang "avant-garde", na nag-eksperimento sa mga estilo at genre. Ang matinding demolisyon ng opera na ito, na inayos noong 1936, at ang mga panunupil noong 1937 ay minarkahan ang simula ng kasunod na patuloy na panloob na pakikibaka ni Shostakovich upang ipahayag ang kanyang mga pananaw sa pamamagitan ng kanyang sariling paraan sa mga kondisyon ng pagpapataw ng estado ng mga uso sa sining. Sa kanyang buhay, ang pulitika at pagkamalikhain ay napakalapit na magkakaugnay, siya ay pinuri ng mga awtoridad at pinag-usig ng mga ito, humawak ng matataas na posisyon at tinanggal sa kanila, siya at ang kanyang mga kamag-anak ay ginawaran at nasa bingit ng pag-aresto.
Isang magiliw, matalino, maselan na tao, natagpuan niya ang kanyang anyo ng pagpapahayag ng mga malikhaing prinsipyo sa mga symphony, kung saan maaari niyang sabihin ang katotohanan tungkol sa oras nang hayagan hangga't maaari. Sa lahat ng malawak na pagkamalikhain ni Shostakovich sa lahat ng mga genre, ang mga symphony (15 na gawa) ang sumasakop sa gitnang lugar ay ang 5, 7, 8, 10, 15 symphony, na naging tuktok ng musikang simponiko ng Sobyet. Ang isang ganap na naiibang Shostakovich ay nagpapakita ng kanyang sarili sa musika ng silid.
Sa kabila ng katotohanan na si Shostakovich mismo ay isang kompositor ng "tahanan" at halos hindi kailanman naglakbay sa ibang bansa, ang kanyang musika, humanistic sa esensya at tunay na artistikong anyo, mabilis at malawak na kumalat sa buong mundo at ginanap ng pinakamahusay na mga conductor. Ang laki ng talento ni Shostakovich ay napakalaki na ang buong pag-unawa sa kakaibang kababalaghan ng sining ng mundo ay nasa unahan pa rin.

Sipi mula kay D.D. Shostakovich: "Ang tunay na musika ay may kakayahang magpahayag lamang ng makataong mga damdamin, tanging maunlad na mga ideya."

Ang mga klasikal na kompositor ay kilala sa buong mundo. Ang bawat pangalan ng isang musical henyo ay isang natatanging indibidwalidad sa kasaysayan ng kultura.

Ano ang klasikal na musika

Ang klasikal na musika ay kaakit-akit na mga himig na nilikha ng mga mahuhusay na may-akda na wastong tinatawag na mga klasikal na kompositor. Ang kanilang mga gawa ay natatangi at palaging hihingin ng mga performer at tagapakinig. Ang klasikal, sa isang banda, ay karaniwang tinatawag na mahigpit, malalim na makabuluhang musika na hindi nauugnay sa mga sumusunod na genre: rock, jazz, folk, pop, chanson, atbp. Sa kabilang banda, sa makasaysayang pag-unlad musika mayroong isang panahon ng huling bahagi ng XIII - unang bahagi ng XX siglo, na tinatawag na classicism.

Ang mga klasikong tema ay nakikilala sa pamamagitan ng napakahusay na intonasyon, pagiging sopistikado, iba't ibang mga kulay at pagkakaisa. Mayroon silang positibong epekto sa emosyonal na pananaw sa mundo ng mga matatanda at bata.

Mga yugto ng pag-unlad ng klasikal na musika. Ang kanilang maikling paglalarawan at pangunahing mga kinatawan

Sa kasaysayan ng pag-unlad ng klasikal na musika, ang mga sumusunod na yugto ay maaaring makilala:

• Renaissance o Renaissance - unang bahagi ng ika-14 - huling quarter ng ika-16 na siglo. Sa Espanya at Inglatera, ang panahon ng Renaissance ay tumagal hanggang sa simula ng ika-17 siglo.
• Baroque - pinalitan ang Renaissance at tumagal hanggang simula ng ika-18 siglo. Ang sentro ng istilo ay ang Espanya.
• Ang Classicism ay ang panahon ng pag-unlad ng kulturang Europeo mula sa simula ng ika-18 hanggang sa simula ng ika-19 na siglo.
• Ang Romantisismo ay isang direksyon na kabaligtaran sa klasisismo. Nagtagal hanggang sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo.
• Mga klasiko ng ika-20 siglo - modernong panahon.

Maikling paglalarawan at pangunahing kinatawan ng mga panahon ng kultura

1. Renaissance - isang mahabang panahon ng pag-unlad ng lahat ng larangan ng kultura. - Si Thomas Tallis, Giovanni da Palestina, T. L. de Victoria ay gumawa at nag-iwan ng walang kamatayang mga nilikha para sa mga susunod na henerasyon.

2. Baroque - sa panahong ito lumalabas ang mga bagong anyo ng musika: polyphony, opera. Sa panahong ito nilikha nina Bach, Handel, at Vivaldi ang kanilang mga sikat na gawa. Ang mga fugue ni Bach ay itinayo alinsunod sa mga kinakailangan ng klasisismo: sapilitan na pagsunod sa mga canon.

3. Klasisismo. Mga klasikong kompositor ng Viennese na lumikha ng kanilang walang kamatayang mga likha sa panahon ng klasisismo: Haydn, Mozart, Beethoven. Lumilitaw ang anyo ng sonata at tumataas ang komposisyon ng orkestra. at Haydn ay naiiba sa mga mabibigat na gawa ni Bach sa simpleng pagkakagawa at kagandahan ng mga melodies. Ito ay isang klasiko pa rin, isang pagsusumikap para sa pagiging perpekto. Ang mga gawa ni Beethoven ay ang dulo ng pakikipag-ugnayan sa pagitan ng romantiko at mga klasikong istilo. Sa musika ni L. van Beethoven mayroong higit na senswalidad at sigasig kaysa sa makatwirang canon. Ang mga mahahalagang genre tulad ng symphony, sonata, suite, at opera ay lumitaw. Si Beethoven ang nagbunga ng Romantikong panahon.

4. Romantisismo. Ang mga gawa sa musika ay nailalarawan sa pamamagitan ng kulay at drama. Nabubuo ang iba't ibang genre ng kanta, halimbawa, ballads. Nakatanggap ng pagkilala ang mga gawa ng piano nina Liszt at Chopin. Ang mga tradisyon ng romantisismo ay minana nina Tchaikovsky, Wagner, at Schubert.

5. Mga klasiko ng ika-20 siglo - nailalarawan sa pagnanais ng mga may-akda para sa pagbabago sa mga melodies ang mga terminong aleatorics, ang atonalism ay lumitaw. Ang mga gawa ni Stravinsky, Rachmaninov, Glass ay inuri sa klasikal na format.

Mga klasikal na kompositor ng Russia

Tchaikovsky P.I. - Ruso na kompositor, kritiko ng musika, pampublikong pigura, guro, konduktor. Ang kanyang mga komposisyon ang pinakamaraming gumanap. Ang mga ito ay taos-puso, madaling mapagtanto, sumasalamin sa patula na pagka-orihinal ng kaluluwa ng Russia, mga magagandang larawan ng kalikasan ng Russia. Ang kompositor ay lumikha ng 6 na ballet, 10 opera, higit sa isang daang romansa, 6 na symphony. Ang sikat sa buong mundo na ballet na "Swan Lake", ang opera na "Eugene Onegin", "Children's Album".

Rachmaninov S.V. - ang mga gawa ng namumukod-tanging kompositor ay emosyonal at masayahin, at ang ilan ay dramatiko sa nilalaman. Ang kanilang mga genre ay iba-iba: mula sa maliliit na dula hanggang sa mga konsyerto at opera. Ang pangkalahatang kinikilalang mga gawa ng may-akda: ang mga opera na "The Miserly Knight", "Aleko" ni Ang tula ni Pushkin"Gypsies", "Francesca da Rimini" batay sa isang balangkas na hiniram mula sa "Divine Comedy" ni Dante, tula na "The Bells"; suite na "Symphonic Dances"; mga konsiyerto sa piano; vocalise para sa boses na may saliw ng piano.

Borodin A.P. ay isang kompositor, guro, botika, at doktor. Ang pinaka makabuluhang paglikha ay ang opera na "Prince Igor" ni gawaing pangkasaysayan"The Tale of Igor's Campaign," na isinulat ng may-akda sa loob ng halos 18 taon. Sa panahon ng kanyang buhay, Borodin ay walang oras upang tapusin ito pagkatapos ng kanyang kamatayan, ang opera ay natapos ni A. Glazunov at N. Rimsky-Korsakov. Ang mahusay na kompositor ay ang nagtatag ng mga classical quartets at symphony sa Russia. Ang "Bogatyr" Symphony ay itinuturing na korona ng mundo at Russian national-heroic symphony. Ang instrumental chamber quartets, ang Una at Ikalawang Quartets, ay kinilala bilang namumukod-tangi. Isa sa mga unang nagpakilala ng mga bayani mula sa sinaunang panitikang Ruso sa mga romansa.

Mahusay na musikero

Si Mussorgsky M.P., kung kanino masasabi, ay isang mahusay na kompositor ng realista, isang matapang na innovator na humipo sa mga talamak na problema sa lipunan, isang kahanga-hangang pianista at isang mahusay na bokalista. Ang pinakamahalagang gawa sa musika ay ang opera na "Boris Godunov" batay sa dramatikong gawain ng A.S. Pushkin at "Khovanshchina" - katutubong musikal na drama, ang pangunahing katangian ng mga opera na ito ay ang mga rebeldeng tao mula sa iba't ibang strata ng lipunan; creative cycle na "Mga Larawan sa isang Exhibition", na inspirasyon ng mga gawa ni Hartmann.

Glinka M.I. - sikat na kompositor ng Russia, tagapagtatag ng klasikal na kilusan sa kulturang musikal ng Russia. Nakumpleto niya ang pamamaraan para sa paglikha ng isang paaralan ng mga kompositor ng Russia, batay sa halaga ng katutubong at propesyonal na musika. Ang mga gawa ng master ay puno ng pagmamahal sa Fatherland at sumasalamin sa ideolohikal na oryentasyon ng mga tao sa panahong iyon sa kasaysayan. Ang sikat sa buong mundo na folk drama na "Ivan Susanin" at ang opera-fairy tale na "Ruslan at Lyudmila" ay naging mga bagong uso sa Russian opera. Symphonic works Ang "Kamarinskaya" at "Spanish Overture" ni Glinka ay ang mga pundasyon ng symphonism ng Russia.

Si Rimsky-Korsakov N.A. ay isang mahuhusay na kompositor ng Russia, opisyal ng hukbong-dagat, guro, publicist. Dalawang uso ang maaaring masubaybayan sa kanyang trabaho: makasaysayang ("The Tsar's Bride", "The Pskov Woman") at fairy-tale ("Sadko", "Snow Maiden", suite na "Scheherazade"). Natatanging tampok ang mga gawa ng kompositor: pagka-orihinal batay sa mga klasikal na halaga, homophony sa maharmonya na istraktura ng mga unang gawa. Ang kanyang mga komposisyon ay may istilo ng may-akda: orihinal na mga solusyon sa orkestra na may hindi pangkaraniwang itinayong mga marka ng boses, na siyang mga pangunahing.

Sinubukan ng mga klasikal na kompositor ng Russia na ipakita sa kanilang mga gawa ang cognitive thinking at folklore na katangian ng bansa.

kulturang Europeo

Ang mga sikat na klasikal na kompositor na sina Mozart, Haydn, Beethoven ay nanirahan sa kabisera ng kultura ng musika noong panahong iyon - Vienna. Ang mga henyo ay nagkakaisa sa pamamagitan ng mahusay na pagganap, mahusay na mga solusyon sa komposisyon, at paggamit ng iba't ibang istilo ng musika: mula sa mga katutubong himig hanggang sa polyphonic na pag-unlad ng mga tema ng musika. Ang mahusay na mga klasiko ay nailalarawan sa pamamagitan ng komprehensibong malikhaing aktibidad sa pag-iisip, kakayahan, kalinawan sa konstruksyon mga anyong musikal. Sa kanilang mga gawa, ang talino at damdamin, ang mga kalunus-lunos at komiks na bahagi, ang kadalian at pagkamahinhin ay organikong magkakaugnay.

Nahilig sina Beethoven at Haydn sa mga instrumental na komposisyon, mahusay na nagtagumpay si Mozart sa parehong operatic at orkestra na komposisyon. Si Beethoven ay isang hindi maunahang lumikha ng mga kabayanihan na gawa, pinahahalagahan at matagumpay na ginamit ni Haydn ang katatawanan at mga uri ng katutubong genre sa kanyang trabaho, si Mozart ay isang unibersal na kompositor.

Mozart - lumikha ng sonata instrumental na anyo. Pinagbuti ito ni Beethoven at dinala ito sa hindi maunahang taas. Ang panahon ay naging isang panahon ng quartet heyday. Haydn, na sinundan ni Beethoven at Mozart, ay gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa pagbuo ng genre na ito.

Italian masters

Si Giuseppe Verdi - isang pambihirang musikero noong ika-19 na siglo, ay bumuo ng tradisyonal na Italian opera. Siya ay may hindi nagkakamali na kasanayan. Ang paghantong ng kanyang mga aktibidad sa pagbubuo ay ang mga operatikong gawa na "Il Trovatore", "La Traviata", "Othello", "Aida".

Niccolo Paganini - isinilang sa Nice, isa sa mga pinaka-musika na likas na personalidad noong ika-18 at ika-19 na siglo. Dalubhasa siya sa biyolin. Gumawa siya ng caprices, sonata, quartets para sa violin, guitar, viola at cello. Sumulat siya ng mga konsyerto para sa biyolin at orkestra.

Gioachino Rossini - nagtrabaho noong ika-19 na siglo. May-akda ng sacred and chamber music, composed 39 operas. Mga natatanging gawa-" Barbero ng Seville", "Othello", "Cinderella", "The Thieving Magpie", "Semiramis".

Si Antonio Vivaldi ay isa sa mga pinakadakilang kinatawan ng violin art noong ika-18 siglo. Nagkamit ng katanyagan salamat sa kanyang pinaka sikat na gawain- 4 na violin concert na "The Seasons". Namuhay ng isang kamangha-manghang mabungang buhay malikhaing buhay, binubuo ng 90 opera.

Ang mga sikat na Italyano na klasikal na kompositor ay nag-iwan ng walang hanggang musical legacy. Ang kanilang mga cantatas, sonata, serenades, symphony, opera ay magdudulot ng kasiyahan sa higit sa isang henerasyon.

Mga kakaibang pang-unawa ng isang bata sa musika

Ang pakikinig sa magandang musika ay may positibong epekto sa psycho-emotional development ng isang bata, ayon sa mga child psychologist. Ang magandang musika ay nagpapakilala sa mga tao sa sining at humuhubog sa aesthetic na lasa, sabi ng mga guro.

Maraming mga sikat na likha ang nilikha ng mga klasikal na kompositor para sa mga bata, na isinasaalang-alang ang kanilang sikolohiya, pang-unawa at mga detalye ng edad, i.e. para sa pakikinig, habang ang iba ay binubuo ng iba't ibang mga dula para sa mga maliliit na performer na madaling makita ng tainga at teknikal na naa-access sa kanila.

"Album ng mga Bata" ni P.I. para sa maliliit na pianista. Ang album na ito ay isang dedikasyon sa isang pamangkin na mahilig sa musika at napaka matalinong bata. Naglalaman ang koleksyon ng higit sa 20 play, ang ilan sa mga ito ay batay sa folklore material: Neapolitan motifs, Russian dance, Tyrolean at French melodies. Koleksyon ng "Mga Kanta ng Bata" ni P.I. dinisenyo para sa auditory perception ng mga bata. Mga kanta ng isang optimistikong kalooban tungkol sa tagsibol, mga ibon, isang namumulaklak na hardin ("Aking Hardin"), tungkol sa pakikiramay kay Kristo at Diyos ("Si Kristo ay may hardin noong bata pa").

Mga klasikong pambata

Maraming mga klasikal na kompositor ang nagtrabaho para sa mga bata, ang listahan ng kung saan ang mga gawa ay napaka-magkakaibang.

Prokofiev S.S. "Peter at ang Lobo" - symphonic na kuwento para sa mga bata. Salamat sa fairy tale na ito, nakikilala ng mga bata mga instrumentong pangmusika orkestra ng symphony. Ang teksto ng fairy tale ay isinulat mismo ni Prokofiev.

Schumann R. Ang "Mga Eksena ng Bata" ay mga maikling kwentong musikal na may simpleng balangkas, na isinulat para sa mga adult na performer, mga alaala ng pagkabata.

Ang piano cycle ni Debussy na "Children's Corner".

Ravel M. “Mother Goose” batay sa mga fairy tales ni C. Perrault.

Bartok B. "Unang hakbang sa piano."

Mga cycle para sa mga bata Gavrilova S. "Para sa maliliit na bata"; "Mga Bayani ng Fairy Tales"; "Guys tungkol sa mga hayop."

Shostakovich D. "Album ng mga piyesa ng piano para sa mga bata."

Bakh I.S. "Ang aklat ng musika ni Anna Magdalena Bach." Habang nagtuturo sa kanyang mga anak ng musika, gumawa siya ng mga espesyal na piraso at pagsasanay para sa kanila upang bumuo ng mga teknikal na kasanayan.

Haydn J. ay ang ninuno ng klasikal na simponya. Gumawa siya ng isang espesyal na symphony na tinatawag na "Children's". Ang mga instrumentong ginamit: isang clay nightingale, isang kalansing, isang cuckoo - bigyan ito ng isang hindi pangkaraniwang tunog, parang bata at mapaglaro.

Si Saint-Saëns K. ay nakabuo ng isang pantasya para sa orkestra at 2 piano na tinatawag na "Carnival of Animals", kung saan mahusay niyang naihatid ang mga huni ng mga manok, ang atungal ng isang leon, ang kasiyahan ng isang elepante at ang paraan ng paggalaw nito, at ang nakakaantig na kaaya-aya na sisne sa pamamagitan ng musikal na paraan.

Kapag nag-compose ng mga komposisyon para sa mga bata at kabataan, ang mga mahuhusay na klasikal na kompositor ay nag-aalaga sa mga kagiliw-giliw na storyline ng trabaho, ang accessibility ng iminungkahing materyal, na isinasaalang-alang ang edad ng tagapalabas o tagapakinig.

Kabilang sa mga melodies na ito ay may tune para sa anumang mood: romantiko, positibo o malungkot, upang makapagpahinga at hindi mag-isip tungkol sa anuman o, sa kabaligtaran, upang kolektahin ang iyong mga iniisip.

twitter.com/ludovicoeinaud

Gumagana ang Italyano na kompositor at pianista sa direksyon ng minimalism, madalas na lumiliko sa ambient na musika at mahusay na pinagsasama ang klasikal na musika sa iba pang mga estilo ng musika. Sa isang malawak na bilog kilala siya sa kanyang mga komposisyon sa atmospera na naging mga soundtrack ng pelikula. Halimbawa, malamang na nakikilala mo ang musika mula sa French film na "1 + 1", na isinulat ni Einaudi.

themagger.net

Ang salamin ay isa sa mga pinakakontrobersyal na personalidad sa mundo ng mga modernong klasiko, na pinupuri sa kalangitan o pinupuna sa siyam. Siya ay tumutugtog sa kanyang sariling banda, ang Philip Glass Ensemble, sa loob ng kalahating siglo at nagsulat ng musika para sa higit sa 50 mga pelikula, kabilang ang The Truman Show, The Illusionist, Taste of Life at Fantastic Four. Mga ringtone Amerikanong kompositor-pinalabo ng mga minimalist ang linya sa pagitan ng klasikal at sikat na musika.

latimes.com

May-akda ng maraming soundtrack, pinakamahusay na kompositor ng pelikula noong 2008 ayon sa European Film Academy at post-minimalist. Nanalo siya sa mga kritiko sa kanyang unang album na Memoryhouse, kung saan ang musika ni Richter ay pinatong sa mga pagbabasa ng tula, at ang mga sumunod na album ay gumamit din ng literary prosa. Bilang karagdagan sa pagsusulat ng sarili niyang mga ambient na komposisyon, nag-aayos siya ng mga gawa ng mga klasiko: Ang "The Four Seasons" ni Vivaldi sa kanyang pag-aayos ay nanguna sa iTunes classical music chart.

Ang lumikha ng instrumental na musikang ito mula sa Italy ay hindi nauugnay sa kinikilalang sinehan, ngunit kilala na bilang isang kompositor, birtuoso at may karanasang guro ng piano. Kung ilalarawan mo ang musika ni Marradi sa dalawang salita, magiging "sensual" at "magical" ang mga ito. Ang kanyang mga likha at pabalat ay makakaakit sa mga mahilig sa retro classic: ang mga tala ng huling siglo ay makikita sa mga motif.

twitter.com/coslive

Ang sikat na kompositor ng pelikula ay lumikha ng musical accompaniment para sa maraming box-office na pelikula at cartoon, kabilang ang Gladiator, Pearl Harbor, Inception, Sherlock Holmes, Interstellar, Madagascar, at The Lion King. Ang kanyang bituin ay nasa Hollywood Walk of Fame, at nasa kanyang istante ang Oscars, Grammys at Golden Globes. Ang musika ni Zimmer ay kasing-iba ng mga pelikulang ito, ngunit anuman ang tono, nakakaantig ito sa puso.

musicaludi.fr

Si Hisaishi ay isa sa pinakasikat na kompositor ng Hapon, na nakatanggap ng apat na Japanese Academy Film Awards para sa pinakamahusay na musika sa pelikula. Naging tanyag siya sa pagbuo ng soundtrack para sa anime ni Hayao Miyazaki na Nausicaä of the Valley of the Wind. Kung fan ka ng mga gawa ng Studio Ghibli o ng mga pelikula ni Takeshi Kitano, malamang na hinahangaan mo ang musika ni Hisaishi. Ito ay halos magaan at magaan.

twitter.com/theipaper

Ang Icelandic multi-instrumentalist na ito ay isang batang lalaki lamang kumpara sa mga nakalistang masters, ngunit sa edad na 30 siya ay naging isang kinikilalang neoclassicist. Nag-record siya ng saliw para sa isang ballet, nanalo ng BAFTA award para sa soundtrack sa British TV series na "Murder on the Beach" at naglabas ng 10 studio album. Ang musika ni Arnalds ay nakapagpapaalaala sa isang malakas na hangin sa isang desyerto na dalampasigan.

yiruma.manifo.com

Ang pinakasikat na mga gawa ni Lee Ru Ma ay ang Kiss the Rain at River Flows in You. Ang kompositor at pianista ng Korean New Age ay nagsusulat ng mga sikat na klasiko na naiintindihan ng mga tagapakinig sa anumang kontinente, sa anumang panlasa ng musika at edukasyon. Ang kanyang magaan at senswal na melodies ay naging simula ng isang pag-ibig sa piano music para sa marami.

Dustin O'Halloran

fracturedair.com

Ang Amerikanong kompositor ay kawili-wili dahil wala siyang edukasyon sa musika, ngunit sa parehong oras ay nagsusulat ng pinaka-kaaya-aya at medyo tanyag na musika. Ang mga himig ni O'Halloran ay ginamit sa Top Gear at ilang mga pelikula. Marahil ang pinakamatagumpay na soundtrack album ay para sa melodrama na "Like Crazy." Ang kompositor at pianist na ito ay maraming alam tungkol sa sining ng pagsasagawa at kung paano lumikha ng elektronikong musika. Ngunit ang kanyang pangunahing larangan ay mga modernong klasiko. Nag-record si Cacciapaglia ng maraming album, tatlo sa mga ito ay kasama ang Royal Philharmonic Orchestra. Ang kanyang musika ay umaagos tulad ng tubig, ito ay isang mahusay na paraan upang makapagpahinga kasama nito.

Ano pang mga kontemporaryong kompositor ang nararapat pakinggan?

Kung gusto mo ng epiko, idagdag si Klaus Badelt, na nagtrabaho kasama si Zimmer sa Pirates of the Caribbean, sa iyong playlist. Hindi mo rin mapapalampas sina Jan Kaczmarek, Alexandre Desplat, Howard Shore at John Williams - kailangan mong magsulat ng hiwalay na artikulo upang mailista ang lahat ng kanilang mga gawa, merito at parangal.

Para sa mas masarap na neoclassical na musika, tingnan ang Nils Frahm at Sylvain Chauveau.

Kung hindi ka makakuha ng sapat, alalahanin ang lumikha ng soundtrack kay "Amelie" Yann Tiersen o tuklasin ang Japanese composer na si Tammon: nagsusulat siya ng mahangin, fairy-tale melodies.

Aling musika ng mga kompositor ang gusto mo at alin ang hindi mo? Sino pa ang idaragdag mo sa listahang ito?

Sa pagliko ng XIX-XX na siglo noong kulturang Europeo magkakasamang umiral ang iba't ibang masining na paggalaw. Ang ilan ay bumuo ng mga tradisyon ng ika-19 na siglo, ang iba ay bumangon bilang resulta ng mga malikhaing paghahanap modernong mga masters. Ang pinaka-makabuluhang kababalaghan ng musikal na sining ay late romanticism. Ang mga kinatawan nito ay nakilala sa pamamagitan ng pagtaas ng interes sa symphonic music at ang engrandeng sukat ng mga gawa. Ang mga kompositor ay lumikha ng mga kumplikadong pilosopikal na programa para sa kanilang mga gawa. Maraming mga kompositor ang nagsumikap sa kanilang trabaho na ipagpatuloy ang mga romantikong tradisyon ng nakaraan, halimbawa, S.V. Rachmaninov (1873-1943), Richard Strauss (1864-1949). Nais kong talakayin nang mas detalyado ang dalawang kinatawan ng huli na istilo ng romantikismo.

Sergei Vasilievich Rachmaninov

Si Sergei Vasilievich Rachmaninov ay isang kompositor, pianista at konduktor ng Russia.

4 na konsiyerto, "Rhapsody on a Theme of Paganini" (1934) para sa piano at orchestra, preludes, etudes-pictures para sa piano, 3 symphony (1895-1936), fantasy "The Cliff" (1893), tula na "Island of the Dead ” (1909), “Symphonic Dances” (1940) para sa orkestra, cantata “Spring” (1902), tula na “Bells” (1913) para sa koro at orkestra, opera “Aleko” (1892), “The Miserly Knight”, “ Francesca da Rimini” (parehong 1904), mga romansa.

Ang mga gawa ni Sergei Vasilyevich Rachmaninoff, isang kompositor at birtuoso na pianista, ay magkakasuwato na pinagsama ang mga tradisyon ng sining ng Ruso at Europa. Para sa karamihan ng mga musikero at tagapakinig, ang mga gawa ni Rachmaninoff ay isang masining na simbolo ng Russia. Ang tema ng tinubuang-bayan ay kinakatawan ng partikular na puwersa sa mga gawa ni Sergei Rachmaninoff. Ang mga romantikong pathos ay pinagsama sa kanyang musika na may liriko at mapagnilay-nilay na mga mood, hindi mauubos na melodic richness, lawak at kalayaan sa paghinga - na may maindayog na enerhiya. Ang musika ni Rachmaninoff ay isang mahalagang bahagi ng huling romantikismo sa Europa. Pagkatapos ng 1917, napilitang manirahan sa ibang bansa si Rachmaninov - sa Switzerland at USA. Ang kanyang pagbuo at lalo na ang pagganap ng mga aktibidad ay naging isang kababalaghan kung wala ito ay imposibleng isipin kultural na buhay Kanluran 20-40 XX siglo.

Kasama sa legacy ni Rachmaninov ang mga opera at symphony, chamber vocal at choral music, ngunit higit sa lahat ang kompositor ay nagsulat para sa piano. Nahilig siya sa makapangyarihan, napakalaking birtuosidad at hinangad na gawin ang piano na parang isang symphony orchestra sa kayamanan ng mga kulay nito.

Ang gawa ni Rachmaninov ay nag-uugnay sa iba't ibang panahon at kultura. Pinapayagan nito ang mga musikero ng Russia na madama ang kanilang malalim na koneksyon sa mga tradisyon ng Europa, at para sa mga musikero sa Kanluran, binuksan ni Rachmaninov ang Russia - nagpapakita ng tunay na espirituwal na kayamanan nito.

Richard Strauss

Si Richard Strauss ay isang Aleman na kompositor ng huling panahon ng Romantico, lalo na sikat sa kanyang mga symphonic na tula at opera. Isa rin siyang outstanding conductor.

Ang istilo ni Richard Strauss ay seryosong naimpluwensyahan ng mga gawa nina Chopin, Schumann, at Mendelssohn. Naimpluwensyahan ng musika ni Richard Wagner, si Strauss ay bumaling sa opera. Ang unang gawain ng ganitong uri ay "Guntram" (1893). Ito romantikong gawain; simple lang ang musical language niya, maganda at malambing ang melodies.

Mula noong 1900, ang opera ay naging nangungunang genre sa gawain ni Richard Strauss. Ang mga gawa ng kompositor ay nakikilala sa pamamagitan ng pagiging simple at kalinawan ng musikal na wika sa kanila ang may-akda ay gumamit ng mga pang-araw-araw na genre ng sayaw.

Ang malikhaing aktibidad ni Strauss ay tumagal ng higit sa pitumpung taon. Nagsimula ang kompositor bilang late romantic, pagkatapos ay dumating sa expressionism at sa wakas ay naging neoclassicism.

Alexander Nikolaevich Scriabin

Mula sa pagkabata ay naakit siya sa mga tunog ng piano. At sa edad na tatlo ay nakaupo na siya ng ilang oras sa instrumento, tinatrato ito na parang buhay na nilalang. Matapos makapagtapos mula sa Moscow Conservatory, nagsimulang magbigay si Alexander ng mga konsyerto at pagtuturo, ngunit ang pagnanais para sa pag-compose ay mas malakas. Nagsisimula siyang mag-compose at ang kanyang mga gawa ay agad na pumasok sa repertoire ng iba pang mga pianista.

"Dapat maging maligaya ang sining," sabi niya, "dapat itong magpasigla at maakit." Ngunit sa katunayan, ang kanyang musika ay naging napakapangahas, bago at hindi karaniwan na ang pagganap ng kanyang "Second Symphony" noong Marso 21, 1903 sa Moscow ay naging isang natural na iskandalo. May humahanga, may tumapak at sumipol... Ngunit hindi napahiya si Scriabin: para siyang mesiyas, tagapagbalita ng bagong relihiyon - sining. Naniniwala siya sa kapangyarihan nitong makapagbago. Naisip niya ang noon ay naka-istilong planetary scale. Ang mistikal na pilosopiya ni Scriabin ay makikita sa kanyang musikal na wika, lalo na sa makabagong pagkakatugma, malayo sa mga hangganan ng tradisyonal na tonality.

Pinangarap ni Scriabin ang isang bagong sintetikong genre, kung saan hindi lamang mga tunog at kulay ang magsasama, kundi pati na rin ang mga amoy at ang plasticity ng sayaw. Ngunit ang plano ay nanatiling hindi natapos. Namatay si Scriabin sa Moscow noong Abril 14 (27), 1915. Ang kanyang buhay, ang buhay ng isang henyo, ay maikli at maliwanag.

Sergei Prokofiev

Si Sergei Prokofiev ay isang kompositor ng Ruso at Sobyet, isa sa mga pinakatanyag na kompositor noong ika-20 siglo.

Ang kahulugan ng "komposer" ay natural para kay Prokofiev bilang "tao".

Sa musika ni Prokofiev, karaniwang maririnig ng isang Prokofiev ang matinding dissonant harmony, springy ritmo, at sadyang tuyo, matapang na motorismo. Agad na tumugon ang kritisismo: "Ang batang may-akda, na hindi pa nakakatapos ng kanyang artistikong edukasyon, na kabilang sa matinding kilusan ng mga modernista, ay higit na lumalabas sa kanyang katapangan kaysa sa modernong mga Pranses."

Marami sa mga kontemporaryo ng batang Prokofiev at maging ang mga mananaliksik ng kanyang trabaho ay nakaligtaan ang "lyrical current" sa kanyang musika, na sinira ang mga talamak na satirical, grotesque, sarcastic na mga imahe, sa pamamagitan ng sadyang magaspang, mabigat na ritmo. At marami sa kanila, ang mga liriko, mahiyain na intonasyon sa mga siklo ng piano na "Fleetness" at "Sarcasm", sa pangalawang tema ng unang bahagi ng Ikalawang Sonata, sa mga romansa batay sa mga tula ni Balmont, Apukhtin, Akhmatova.

Masasabi ng isa tungkol sa Prokofiev: mahusay na musikero natagpuan ang kanyang lugar sa gitna ng mga dakilang transformer ng buhay.

Mily Balakirev

Mily Balakirev - Ruso na kompositor, pianista, konduktor (1836/37-1910)

Ang "Mighty Handful" ay nabuo - isang komunidad ng mga taong katulad ng pag-iisip na nagbigay ng kamangha-mangha sa musikang Ruso.

Ang pamumuno ni Balakirev sa bilog ay pinadali ng kanyang hindi nagkakamali na panlasa, malinaw na analytical na pag-iisip at kaalaman sa isang malaking halaga ng musikal na materyal. Ang mood sa bilog ay ipinahayag ng isa sa mga kritiko noong panahong iyon: "Ang musika ay maaaring ilipat ang mga bundok." Ang kalikasan ni Balakirev ay napaka-energetic at kaakit-akit. Sa bilog, mabilis niyang kinuha ang papel ng organizer.

Itinuring niya ang bilog bilang isang uri ng pagkamalikhain: nilikha niya, "naiimpluwensyahan" ang mga batang kompositor. Mula sa kanila pinagsama niya ang hinaharap na paleta ng musikal ng Russia.

Unti-unti, dumating sa Balakirev ang ideya ng isang Libreng Music School.

Noong 1862 Libre paaralan ng musika binuksan at nagbigay ng unang konsiyerto nito. Si Balakirev ay kumilos bilang isang conductor ng isang symphony orchestra.

Siya mismo ay nagsulat ng maraming, ngunit hindi siya nakaranas ng malikhaing kasiyahan mula sa kanyang nilikha. Gaya ng isinulat ni Cesar Cui, "hanggang sa kanyang kamatayan ay sinabi niya na ang isinulat lamang namin sa ilalim ng kanyang pakpak ay mabuti."

Glazunov Alexander Konstantinovich

Alexander Glazunov - kompositor ng Ruso at Sobyet (1865-1936)

Si Glazunov ay isa sa pinakamalaking kompositor ng Russia noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. Isang kahalili sa mga tradisyon ng Mighty Handful at Tchaikovsky, pinagsama niya ang liriko-epiko at lyrical-dramatic na mga sangay ng musikang Ruso sa kanyang trabaho. Isa sa mga pangunahing lugar sa malikhaing pamana ng Glazunov ay kabilang sa symphonic music ng iba't ibang genre. Sinasalamin nito ang mga kabayanihan ng epiko ng Russia, mga larawan ng katutubong kalikasan, katotohanan ng Russia, at ang mga kanta ng Slavic at silangang mga tao. Ang mga gawa ni Glazunov ay nakikilala sa pamamagitan ng kaluwagan ng mga musikal na tema, ang buo at malinaw na tunog ng orkestra, at ang malawak na paggamit ng polyphonic techniques (ginamit niya ang sabay-sabay na tunog ng iba't ibang tema, isang kumbinasyon ng imitative at variational development). Kabilang sa mga pinakamahusay na gawa ni Glazunov ay ang kanyang concerto para sa byolin at orkestra (1904).

Malaki ang kontribusyon ni Glazunov sa instrumental music ng chamber, gayundin sa ballet genre (Raymonda, 1897, atbp.). Kasunod ng mga tradisyon ng Tchaikovsky, pinalalim ni Glazunov ang papel ng musika sa ballet, pinayaman ang nilalaman nito. Nagmamay-ari si Glazunov ng mga adaptasyon ng mga himno at kanta ng Russian, Czech, at Greek. Kasama ni Rimsky-Korsakov, nakumpleto niya ang opera na "Prince Igor" at naitala ang 1st movement ng 3rd symphony ni Borodin mula sa memorya. Lumahok sa paghahanda para sa paglalathala ng mga gawa ng M. I. Glinka. Orchestrated La Marseillaise (1917), isang bilang ng mga gawa ng mga Ruso at dayuhang kompositor.

Nikolai Yakovlevich Myaskovsky

Nikolai Myaskovsky - kompositor ng Ruso at Sobyet (1881-1950).

Kasama sina Prokofiev at Stravinsky, si Nikolai Yakovlevich Myaskovsky ay kabilang sa mga kompositor na sumasalamin sa mood ng creative intelligentsia ng Russia sa pre-revolutionary period. Pumasok sila post-Oktubre Russia bilang lumang mga espesyalista, at, nakikita sa kanilang paligid ang takot na nakadirekta laban sa kanilang uri, hindi nila naalis ang pakiramdam ng kumplikado. Gayunpaman, lumikha sila ng matapat (o halos matapat), na sumasalamin sa katotohanan sa kanilang paligid.

Ang pahayagan noong panahong iyon ay sumulat: "Ang Ikadalawampu't Pitong Symphony ay isang komposisyon ng isang artista ng Sobyet. Hindi mo makakalimutan ang tungkol dito kahit isang minuto." Siya ay itinuturing na pinuno ng paaralan ng symphony ng Sobyet. Ang mga musikal na gawa ni Myaskovsky ay sumasalamin sa kanyang panahon sa kabuuan ay sumulat siya ng 27 symphony, 13 quartets, 9 piano sonatas at iba pang mga gawa, na marami sa mga ito ay naging mga palatandaan sa musika ng Sobyet. Ang kompositor ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pagsasanib ng mga prinsipyong intelektwal at emosyonal. Ang musika ni Myaskovsky ay natatangi, na minarkahan ng konsentrasyon ng pag-iisip at sa parehong oras ng matinding hilig. Sa ngayon, ang isa ay maaaring magkaroon ng iba't ibang mga saloobin patungo sa gawain ni N. Myaskovsky, ngunit, walang alinlangan, ang kanyang dalawampu't pitong symphony ay lubos na sumasalamin sa buhay ng panahon ng Sobyet.

Nikolai Rimsky-Korsakov

Nikolai Rimsky-Korsakov - kompositor ng Russia (1844-1908)

Ang gawain ng mahusay na kompositor na si N. Rimsky-Korsakov, halos ganap na kabilang sa ika-19 na siglo, ay tumusok tulad ng isang karayom ​​sa ika-20 siglo: sa loob ng walong taon na siya ay nabuhay at nagtrabaho sa siglong ito. Ang kompositor ay parang tulay na nagdudugtong sa dalawang siglo ng musika sa mundo. Ang pigura ni Rimsky-Korsakov ay kawili-wili din dahil siya ay mahalagang itinuro sa sarili.

Georgy Vasilievich Sviridov

Georgy Vasilievich Sviridov - kompositor ng Sobyet, pianista (1915-1998).

Salamat sa pagiging simple nito, ang musika ni Georgy Sviridov ay madaling makilala mula sa mga gawa ng iba pang mga kompositor. Ngunit ang pagiging simple na ito ay medyo katulad ng laconicism. Ang musika ni Sviridov ay may hindi mapagpanggap na pagpapahayag, ngunit ito ay nagpapahayag sa kakanyahan, at hindi sa makulay na anyo iba't ibang uri kasiyahan. Siya ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang mayamang panloob na mundo, ang kanyang tunay na damdamin ay pinigilan... Ang musika ni Sviridov ay madaling maunawaan, na nangangahulugang ito ay internasyonal, ngunit sa parehong oras ay malalim na makabayan, dahil ang tema ng Inang-bayan ay tumatakbo sa pamamagitan nito bilang isang pula. thread. G. Sviridov, ayon sa kanyang guro na si D. Shostakovich, "hindi kailanman napapagod sa pag-imbento ng isang bagong musikal na wika", na naghahanap ng "bagong sining biswal" Samakatuwid, ito ay itinuturing na isa sa mga pinaka kawili-wiling mga may-akda XX siglo.

Kadalasan ay kilala si G. Sviridov bilang isang kompositor na mga gawa ng boses mahirap isagawa. Sa loob ng mga dekada, ang musika ay nag-iipon sa kanyang mga malikhaing kamalig, naghihintay sa mga tagapalabas nito. Ang tradisyonal na istilo ng pagganap ay madalas na hindi angkop para sa musika ni Sviridov; Ang kompositor mismo ay nagsabi na ang pagiging bago at pagiging kumplikado ng kanyang vocal music ay dahil sa katotohanan na ang pagsasalita mismo ay patuloy na pinagbubuti. Kaugnay nito, naalala niya ang mga lumang, dating sikat at naka-istilong aktor at makata. "Ngayon," iginiit ni Sviridov, "hindi sila gagawa ng napakalakas na impresyon sa atin. Ang kanilang pananalita ay magmumukha sa amin alinman sa mannered, cutesy, o masyadong simple. Ang makata na si Igor Severyanin ay ang pinakamodernong kapwa sa imahe at bokabularyo, ngunit ngayon siya ay itinuturing na isang bagay mula sa isang museo. Ang mga bagong tampok ng pagsasalita ay madalas na nakakasagabal sa mga mang-aawit, ngunit ito ay sa direksyon na ito, ayon kay Sviridov, na dapat silang magtrabaho.

Marahil walang sinuman bago si Sviridov ang gumawa ng labis upang bumuo at pagyamanin ang mga vocal genre - oratorio, cantata, choir, romance... Inilalagay nito si G. Sviridov sa mga nangungunang kompositor hindi lamang sa isang Ruso, kundi pati na rin sa isang pandaigdigang sukat.

Stravinsky Igor Fedorovich

Stravinsky Igor Fedorovich - kompositor ng Russia, konduktor (1882-1971).

Ginugol ni Stravinsky ang halos lahat ng kanyang buhay sa labas ng Russia, ngunit hindi tumigil sa pagiging isang kompositor ng Russia. Nakakuha siya ng inspirasyon mula sa kulturang Ruso at wikang Ruso. At nakakuha siya ng tunay na katanyagan sa buong mundo. Ang pangalan ni Stravinsky ay kilala at nananatiling kilala kahit na sa mga may kaunting interes sa musika. Pumasok siya sa kasaysayan ng mundo ng kultura ng musika noong ika-20 siglo bilang isang mahusay na master ng pagsasama-sama ng mga musikal na tradisyon ng modernity at hoary antiquity.

Sinira ng mga gawa ni Stravinsky ang itinatag na balangkas at binago ang saloobin sa alamat. Nakatulong sila upang maunawaan kung paano nabubuhay ang isang katutubong awit, na nakikita sa pamamagitan ng prisma ng modernidad, sa mga kamay ng kompositor. Salamat sa mga kompositor tulad ni Stravinsky, sa pagtatapos ng ika-20 siglo ang prestihiyo ng folklore ay tumaas at nabuo ang etno music.

Sa kabuuan, ang kompositor ay sumulat ng walong orkestra na mga marka para sa teatro ng ballet: "The Firebird", "Petrushka", "The Rite of Spring", "Apollo Musaget", "The Fairy's Kiss", "The Game of Cards", "Orpheus ”, “Agon”. Gumawa din siya ng tatlong ballet na gawa sa pag-awit: "Fairy Tale", "Pulcinella", "Wedding".

Taneyev Sergey Ivanovich

romanticism musical impressionism

Taneyev Sergei Ivanovich - kompositor ng Russia, pianista, guro (1856-1915).

Ang pangalan ng mahusay na musikero at guro na ito ay bihirang banggitin ngayon, ngunit sa mas malapit na pagsusuri ito ay nagbubunga ng tunay na paggalang. Hindi siya naging tanyag bilang isang kompositor, ngunit itinalaga ang kanyang buong buhay sa Moscow Conservatory, na pinalaki ang mga hindi maikakaila na natitirang mga musikero bilang S. Rachmaninov, A. Scriabin, N. Medtner, R. Gliere, K. Igumnov at iba pa. Ang isang mag-aaral ng P. Tchaikovsky, S. Taneyev ay lumikha ng isang buong paaralan na nakikilala ang mga kompositor ng Ruso at Sobyet mula sa mga kompositor sa buong mundo. Ang lahat ng kanyang mga mag-aaral ay nagpatuloy sa mga tradisyon ng symphonism ni Taneyev. marami mga sikat na tao sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo, gaya ni Leo Tolstoy, tinawag siyang kaibigan at itinuturing na isang karangalan ang makipag-usap sa kanya.

Maihahambing si Taneyev kay Socrates, na, nang hindi nagsusulat ng mga seryosong gawaing pilosopikal, ay nag-iwan ng maraming mga mag-aaral.

Bumuo si Taneyev ng maraming mga teorya sa musika, lumikha ng isang natatanging gawain na "Movable counterpoint of strict writing" (1889–1906) at ang pagpapatuloy nito na "The Doctrine of the Canon" (late 90s–1915). Ang bawat artista, na ibinigay ang kanyang buhay sa sining, ay nangangarap na ang kanyang pangalan ay hindi malilimutan ng kanyang mga inapo. Sa mga huling taon ng kanyang buhay, labis na nag-aalala si Taneyev na nagsulat siya ng ilang mga gawa na ipinanganak ng inspirasyon, kahit na marami siyang isinulat at masinsinan. Mula 1905 hanggang 1915 nagsulat siya ng ilang mga choral at vocal cycle, silid at mga instrumental na gawa.

Dmitry Dmitrievich Shostakovich

Dmitry Dmitrievich Shostakovich - kompositor ng Sobyet, pianista (1906-1975).

Shostakovich, nang walang pag-aalinlangan, ay at nananatili pinakadakilang kompositor XX siglo. Ang mga kontemporaryo na nakakakilala sa kanya ay nagsabi na siya ay nangangatuwiran ng isang bagay na tulad nito: bakit mag-abala kung ang iyong mga inapo ay malalaman pa rin ang tungkol sa iyo mula sa iyong mga musikal na gawa? Hindi pinalala ni Shostakovich ang relasyon sa mga awtoridad. Ngunit sa musika ay nagprotesta siya laban sa karahasan laban sa indibidwal.

Isinulat niya ang Symphony No. 7 (nakatuon sa pagkubkob ng Leningrad).

Nakita ni Shostakovich sa kanyang sariling mga mata kung paano namamatay ang mga tao, kung paano lumipad ang mga eroplano at bomba, at sa kanyang gawaing "Symphony No. 7" sinubukan niyang ipakita ang lahat ng mga kaganapan na naranasan ng mga tao.

Ang Symphony ay ginanap ng Great Symphony Orchestra ng Leningrad Radio Committee. Noong mga araw ng blockade, maraming musikero ang namatay sa gutom. Nahinto ang rehearsals noong December. Nang ipagpatuloy nila noong Marso, 15 na mahinang musikero lamang ang maaaring tumugtog. Sa kabila nito, nagsimula ang mga konsyerto noong Abril. Noong Mayo, isang eroplano ang naghatid ng marka ng symphony sa kinubkob na lungsod. Upang mapunan muli ang laki ng orkestra, ang mga nawawalang musikero ay ipinadala mula sa harapan.

Tumugon si Shostakovich sa pasistang pagsalakay gamit ang Symphony No. 7 (1941), na nakatuon sa lungsod ng Leningrad at tumanggap ng pandaigdigang pagkilala bilang simbolo ng paglaban sa pasismo.

Impresyonismo

Sa huli ikatlong bahagi ng XIX siglo, lumitaw ang isang bagong direksyon - impressionism (French impressionisme, mula sa impression - "impression"), una itong lumitaw sa French painting. Ang mga impresyonistang musikero ay naghangad na maghatid ng banayad at kumplikadong mga sensasyon at naghangad ng pagiging sopistikado at pagiging sopistikado ng tunog. Kaya pala naging close sila simbolismong pampanitikan(70s ng ika-19 na siglo - 10s ng ika-20 siglo), na nagmula rin sa France.

Sinaliksik ng mga simbolo ang hindi kilalang at misteryosong mga globo, sinubukang maunawaan ang "ideal na mundo" na nakatago sa ilalim ng belo ng katotohanan. Ang mga impresyonistang kompositor ay madalas na bumaling sa tula at drama ng simbolismo.

Nagtatag ng musical impressionism - Pranses na kompositor, pianista at konduktor na si Claude Debussy (1862-1918). Sa kanyang trabaho, ang pagkakaisa (sa halip na himig) ay nauna sa isang mahalagang papel na ibinigay sa makulay na tunog ng orkestra. Ang pangunahing bagay ay ang mga nuances ng tunog, na, tulad ng sa pagpipinta, ay sumasalamin sa mga kakulay ng mga mood, damdamin at mga impression.

Sinikap ng mga kompositor na bumalik sa kalinawan ng mga harmonies, pagiging simple ng mga melodies at anyo, kagandahan at accessibility ng musikal na wika. Bumaling sila sa polyphony at muling binuhay ang harpsichord music.

Max Reger

Ang mga tampok ng late romanticism at neoclassicism ay pinagsama sa gawain ng German composer at conductor na si Max Reger. Sumulat siya para sa organ, orchestra, piano, violin, viola, at chamber ensembles. Sinikap ni Reger na maunawaan ang pamana ng ika-18 siglo, lalo na ang karanasan ni Johann Sebastian Bach, at sa kanyang mga gawa ay bumaling siya sa mga musikal na larawan ng nakalipas na panahon. Gayunpaman, bilang isang tao sa pagliko ng ika-19-20 siglo, pinunan ni Reger ang kanyang musika ng mga orihinal na harmonies at hindi pangkaraniwang mga timbre.

Neoclassicism

Ang neoclassicism ay naging isa sa mga pagsalungat sa romantikong tradisyon noong ika-19 na siglo, gayundin sa mga paggalaw na nauugnay dito (impressionism, expressionism, verismo, atbp.). Bilang karagdagan, ang interes sa folklore ay tumaas, na humantong sa paglikha ng isang buong disiplina - etnomusicology, na pinag-aaralan ang pag-unlad ng musical folklore at inihahambing ang mga proseso ng musika at kultura sa iba't ibang mga tao sa mundo. Ang ilan ay bumaling sa pinagmulan ng mga sinaunang kultura (Carl Orff) o lubos na umaasa katutubong sining(Leos Janacek, Bela Bartok, Zoltan Kodai). Kasabay nito, ang mga kompositor ay aktibong patuloy na nag-eeksperimento sa kanilang mga komposisyon at tumuklas ng mga bagong aspeto at posibilidad ng harmonic na wika, mga imahe at mga istruktura.

Ang pagbagsak ng mga aesthetic na prinsipyo ng ika-19 na siglo, ang pampulitika at pang-ekonomiyang krisis sa simula ng bagong siglo, na kakaiba, ay nag-ambag sa pagbuo ng isang bagong synthesis, na humantong sa pagtagos ng iba pang mga uri ng sining sa musika: pagpipinta , graphics, arkitektura, panitikan at kahit cinematography. Gayunpaman pangkalahatang batas, na nangibabaw sa pagsasanay ng kompositor mula pa noong panahon ng I.S. Si Bach, ay nilabag at binago.

Sa pagliko ng ika-19-20 siglo, natapos ang isang mahaba at kumplikadong proseso ng mga musikero ng Russia na pinagkadalubhasaan ang mga tradisyon, estilo at genre ng kulturang European. Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. Ang St. Petersburg at Moscow Conservatories ay naging kagalang-galang mga institusyong pang-edukasyon. Ang lahat ng mga namumukod-tanging kompositor ng panahong iyon at maraming mahuhusay na performer ay nagmula sa kanilang mga pader. Lumitaw ang mga paaralan ng mga instrumentalista, mang-aawit at mananayaw. Ang Russian opera at ballet art ay nakabihag sa publiko ng Europa. Ang Imperial Theater ay may mahalagang papel sa pag-unlad ng musikal na teatro. Teatro ng Mariinsky sa St. Petersburg at sa Moscow pribadong Russian opera, na nilikha ng Russian industrialist at pilantropo na si Savva Ivanovich Mamontov (1841 - 1918).

Ang musikang Ruso sa pagsisimula ng siglo ay nakipag-ugnay sa mga tampok ng huling romantikismo at impresyonismo. Malaki ang impluwensya ng mga kilusang pampanitikan, at higit sa lahat simbolismo. Gayunpaman, ang mga pangunahing master ay bumuo ng kanilang sariling mga estilo. Ang kanilang trabaho ay mahirap iugnay sa anumang partikular na paggalaw, at ito ay patunay ng kapanahunan ng kulturang musikal ng Russia.

Ang unang impresyon na nakukuha ng isang tao kapag nakakatugon sa musika ng ika-20 siglo ay parang nasa pagitan sining ng musika Mayroong isang kailaliman sa pagitan ng mga modernong panahon at lahat ng mga nakaraang siglo - ang mga pagkakaiba sa tunog na hitsura ng mga gawa ay napakahalaga.

Kahit na gumagana mula 10-30 taon. Ang ika-20 siglo ay tila sobrang tense at malupit sa tunog. Sa katunayan, ang musika ng ika-20 siglo, tulad ng mga nakaraang siglo, ay sumasalamin sa espirituwal at emosyonal na mundo ng mga tao, dahil ang bilis ng buhay ng tao ay bumilis, naging mas mahigpit at mas matindi.

Mga kalunos-lunos na kaganapan at kontradiksyon - mga digmaan, rebolusyon, pag-unlad ng siyensya at teknolohiya, totalitarianismo at demokrasya - hindi lamang pinalala emosyonal na mga karanasan, likas sa mga tao, ngunit dinala rin ang sangkatauhan sa bingit ng pagkawasak. Kaya naman ang tema ng paghaharap sa pagitan ng buhay at kamatayan ay naging susi sa musika ng ika-20 siglo. Ang tema ng personal na kaalaman sa sarili ay naging hindi gaanong mahalaga para sa sining.

Ang ikadalawampu siglo ay minarkahan ng maraming inobasyon sa sining at panitikan na nauugnay sa mga sakuna na pagbabago sa pampublikong kamalayan sa panahon ng mga rebolusyon at digmaang pandaigdig. Sa pagtatapos ng ika-19 at simula ng ika-20 siglo, at lalo na sa dekada bago ang Oktubre, sa lahat ng bagay. sining ng Russia, at sa partikular na musika, mayroong isang tema ng pag-asam ng mga malalaking pagbabago na dapat walisin ang luma, hindi makatarungang kaayusan sa lipunan. Hindi lahat ng mga kompositor ay natanto ang hindi maiiwasan, ang pangangailangan ng rebolusyon at nakiramay dito, ngunit lahat o halos lahat ay nadama ang pag-igting bago ang bagyo.

Ang bagong nilalaman, tulad ng dati, ay nangangailangan ng mga bagong anyo, at maraming mga kompositor ang may ideya ng radikal na pag-update ng musikal na wika. Una sa lahat, tinalikuran nila ang tradisyonal na European system ng mga mode at susi. Ang konsepto ng atonal na musika ay lumitaw. Ito ay musika kung saan ang isang malinaw na sistema ng mga tono ay hindi tinutukoy ng tainga, at ang mga chord consonances (harmonies) ay malayang nauugnay sa isa't isa, nang hindi sinusunod ang mahigpit na mga patakaran. Ang isa pang mahalagang katangian ng wikang pangmusika noong ika-20 siglo ay hindi pangkaraniwang mga tunog. Upang maihatid ang mga larawan ng modernong buhay, gumamit sila ng hindi pangkaraniwang mga sound effect (clanging at grinding metal, dagundong ng mga makina at iba pang "industriyal" na tunog), at nag-imbento ng mga bagong kasangkapan. Gayunpaman, ang isa pang landas ay nagbunga ng mas kawili-wiling mga resulta. Nag-eksperimento ang mga kompositor tradisyonal na mga instrumento: pinaghalong timbre, nilalaro sa hindi pangkaraniwang mga rehistro, binago ang mga teknikal na pamamaraan. At napag-alaman na ang isang klasikal na symphony orchestra o operatic form ay maaaring perpektong ipakita ang buhay ng isang lungsod kasama ang kumplikadong sistema ng mga tunog at ingay nito, at higit sa lahat, ang hindi mahuhulaan na mga pag-iisip at "kinks" sa psyche ng tao sa pagtatapos ng ang ika-2 milenyo.

Gayunpaman, ang mga makabagong paghahanap ay hindi humantong sa pag-abandona sa mga tradisyon. Ito ay ang ika-20 siglo na muling nabuhay pamanang musikal mga nakalipas na panahon. Matapos ang dalawang daan at tatlong daang taon ng pagkalimot, nagsimulang marinig muli ang mga gawa nina Monteverdi, Corelli at Vivaldi, German at French masters noong ika-17 siglo.

Ang saloobin sa alamat ay nagbago nang malaki. Noong ika-20 siglo, lumitaw ang isang bagong kilusan - neofolklorism (mula sa Greek na "neos" - "bago" at "folklore"). Ang mga tagasuporta nito ay nanawagan para sa paggamit ng mga katutubong himig na naitala sa malalalim na mga lugar sa kanayunan, hindi "pinakinis" sa isang istilong urban. Ang pagpasok sa kumplikadong tela ng isang symphony, sonata o opera, ang naturang kanta ay nagdala ng hindi pa naganap na pagnanasa, isang kayamanan ng mga kulay at intonasyon sa musika.

Sa pagliko ng ika-19-20 siglo, isang bago masining na direksyon– expressionism (mula sa Latin expressio – “expressiveness”). Ang mga kinatawan nito ay sumasalamin sa kanilang mga gawa ang trahedya na pananaw sa mundo ng tao noong Unang Digmaang Pandaigdig - kawalan ng pag-asa, sakit, takot sa kalungkutan. "Ang sining ay isang sigaw para sa tulong mula sa mga nakakaranas sa kanilang sarili ng kapalaran ng sangkatauhan," isinulat ng tagapagtatag ng expressionism sa musika, si Arnold Schoenberg (1874-1951).

Arnold Schoenberg

Ang musical expressionism ay nabuo sa Austria, mas tiyak, sa kabisera nito, Vienna. Ang mga lumikha nito ay sina Arnold Schoenberg, Alban Berg at Anton Webern. Ang malikhaing komunidad ng mga kompositor ay pumasok sa kasaysayan ng musika sa ilalim ng pangalan ng New Viennese (Novovenskaya) na paaralan. Ang bawat isa sa mga masters ay sumunod sa kanyang sariling landas sa sining, ngunit ang kanilang mga gawa ay mayroon ding maraming pagkakatulad. Una sa lahat, ang kalunos-lunos na diwa ng musika, ang pagnanais para sa matinding karanasan at malalim na pagkabigla. Sa likod nito ay isang matinding espirituwal na paghahanap, isang pagnanais na makakuha ng relihiyon at mga mithiing moral, nawala ng nakararami modernong tao. Sa wakas, ang lahat ng tatlong kompositor ay nakabuo ng isang pinag-isang paraan ng pagbubuo ng musika - ang dodecaphonic system, na kapansin-pansing nagbago ng mga tradisyonal na ideya tungkol sa modal at harmonic na istraktura ng isang akda.

Ang gawain ni Schoenberg ay nalulutas ang isang pangunahing problema - ang ipahayag ang pagdurusa ng tao sa pamamagitan ng musika. Ang mabigat, mahinang pag-iisip, isang pakiramdam ng mapanglaw na kakila-kilabot ay napakahusay na naipahayag na sa unang bahagi ng trabaho - Five Pieces for Orchestra (1909). Sa mood at anyo, ito ay mga panimulang silid, ngunit isinulat ito para sa isang malaking orkestra ng symphony, at ang banayad, transparent na disenyo ng tunog ay kahalili ng malalakas na "sigaw" ng hangin at timpani strike.

Ang resulta ng pagmumuni-muni ni Schoenberg sa mga kaganapan ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig ay ang cantana na "A Survivor from Warsaw" (1947) para sa mambabasa, koro at orkestra. Ang tekstong ginamit ay mga totoong kwento ng mga nakasaksi sa masaker ng Nazi sa mga naninirahan sa Jewish ghetto sa Warsaw. Ang musika ng malakihang komposisyon na ito, na binuo sa isang serye, ay nasa pinakamahusay na mga tradisyon ng expressionism - ito ay kumplikado, trahedya at matinding emosyonal. Ang kompositor ay tila sinusubukang iharap ang kanyang mga bayani sa harap ng Diyos at sa Kawalang-hanggan at sa gayon ay ipinapakita na ang kanilang pagdurusa ay hindi walang kabuluhan. Ang cantata ay nagtatapos sa pag-awit ng isang panalangin, at ang musika nito, batay sa mga tunog ng parehong serye, ay organikong lumalaki mula sa trahedya na kadiliman ng mga nakaraang bahagi.

Avant-garde

Ang mga bagong kondisyon ng panlipunang katotohanan ay nagkaroon ng epekto sa buong artistikong kultura sa kabuuan, sa isang banda, na nagbibigay ng bagong hininga sa klasikal na tradisyon, at sa kabilang banda, nagsilang ng isang bagong sining - avant-garde (mula sa French "avant-garde" - nagpapatuloy), o modernismo (mula sa lat. "modernus" - bago, moderno), na lubos na sumasalamin sa mukha ng panahon. Sa esensya, ang terminong "modernismo" ay tumutukoy sa mga artistikong uso, kilusan, paaralan at mga aktibidad ng mga indibidwal na master ng ikadalawampu siglo na nagpahayag ng kalayaan sa pagpapahayag bilang batayan ng kanilang malikhaing pamamaraan.

Ang musikal na kilusang avant-garde ay sumasaklaw sa 50s hanggang 90s. XX siglo. Ito ay lumitaw pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig sa anumang paraan: ang mga pagkabigla sa panahon ng digmaan, at pagkatapos ay isang matalim na pagbabago sa paraan ng pamumuhay, ay nagdulot ng pagkabigo sa moral at kultural na mga halaga ng mga nakaraang panahon. Mga kinatawan ng henerasyon ng 50-60s. Nais kong maging malaya mula sa mga tradisyon, upang lumikha ng aking sariling masining na wika.

Karaniwang kinabibilangan ng musical avant-gardism ang tinatawag na konkretong musika, batay sa kalayaan ng mga tonal harmonies, at hindi sa harmonic series: ang sonorism ay isa sa mga uri ng modernong compositional technique na gumagamit ng pangunahing mga makukulay na tunog (Latin "sonorus" - sonorous , maingay) at halos hindi binabalewala ang mga tumpak na koneksyon sa pitch, elektronikong musika. Ang mga unang paghahanap sa direksyon ng avant-gardeism ay isinagawa sa pinakadulo simula ng ikadalawampu siglo ng kompositor ng Russia na si A.N. Scriabin. Ang ilang mga tagapakinig ay nabighani sa kanyang musika na may inspirasyong kapangyarihan, habang ang iba ay nagalit sa hindi pangkaraniwan nito.

A.N. Scriabin

Ang paghahanap para sa mga bagong pamamaraan ng pagkamalikhain ay nagbigay-buhay sa marami hindi pangkaraniwang mga istilo. Gumagamit ang mga kompositor ng electronic sound recording at sound reproducing equipment bilang "klasikal" na mga instrumento—mga tape recorder, synthesizer, at, sa mga nagdaang taon, mga computer. Ang paglitaw ng elektronikong musika ay sanhi ng pagnanais na maakit ang pansin sa "mga klasiko" ng milyun-milyong mga tagahanga ng pop at rock (kung saan mga elektronikong instrumento nabibilang sa nangungunang posisyon). Gayunpaman, ang mga kompositor na nagtatrabaho sa lugar na ito ay mayroon ding isa pang layunin. Sinusubukan nilang tuklasin ang kumplikadong relasyon sa pagitan ng tao at ng mundo ng teknolohiya, na lalong nagpapasakop sa kamalayan ng mga tao. "Live" na dialogue sa pagitan ng isang musikero at ng kanyang electronic na "double" sa karamihan mga mahuhusay na gawa nagtataglay ng malalim na simbolikong kahulugan.

Nangyayari

Mula noong 50s sa musika, tulad ng sa iba pang mga anyo ng sining (halimbawa, sa teatro), mayroong isang direksyon na nangyayari (mula sa Ingles, nangyayari - "nangyayari", "nangyayari"). Ang pinagmulan nito ay maaaring ituring na gawang "4" 33 "(1954) ng Amerikanong kompositor na si John Cage (ipinanganak noong 1912). Isang pianista ang pumasok sa entablado, na tahimik na nakaupo sa piano sa loob ng apat na minuto at tatlumpu't tatlong segundo, pagkatapos ay nakakuha pataas at umalis Ang premiere ay isang iskandalo: nagpasya ang napaliwanagan na publiko na kinukutya lang nila ito, at ang karaniwang tao ay nagkaroon ng pagkakataong mapagpakumbaba na sabihin: "Kaya ko rin iyon." ang mga plano ng may-akda, ngunit hindi ito ang mismong katapusan , ginawa ni Cage ang mga phenomena ng nakapaligid na katotohanan sa isang gawaing musikal: katahimikan habang naghihintay sa pagsisimula ng laro, mga tunog na ginawa ng mga tagapakinig (pag-ubo, pagbulong, paglangitngit ng mga upuan, atbp. ) Ang madla at ang musikero ay kumilos bilang parehong mga performer at kusang may-akda, ang musika ay nagbago mula sa isang pandinig na imahe sa isang visual na imahe , isang tahimik na pantomime. John Cage

Ang musikal na sining ng ikadalawampu siglo ay puno ng mga makabagong ideya. Ito ay nagmamarka ng isang radikal na pagbabago sa lahat ng aspeto ng musikal na wika. Sa ikadalawampu siglo, ang musika ay madalas na nagsisilbing isang mapagkukunan ng paglalarawan ng mga kakila-kilabot na paggawa ng mga makasaysayang kaganapan, ang mga saksi at kontemporaryo kung saan ang karamihan sa mga dakilang kompositor ng panahong ito, na naging mga innovator at repormador.

KONGKLUSYON

Kaya, ang ikadalawampu siglo ay isang siglo ng pagkakaiba-iba sa musika. Ang musika ng ika-20 siglo, tulad ng mga nakaraang siglo, ay sumasalamin sa espirituwal at emosyonal na mundo ng mga tao, dahil ang bilis ng buhay ng tao ay bumilis, naging mas mahigpit at mas matindi.

Ang mga kalunos-lunos na kaganapan at kontradiksyon - mga digmaan, rebolusyon, pag-unlad ng siyensya at teknolohikal, totalitarianismo at demokrasya, hindi lamang nagpalala sa mga emosyonal na karanasang likas sa mga tao, kundi nagdala rin ng sangkatauhan sa bingit ng pagkawasak. Kaya naman ang tema ng paghaharap sa pagitan ng buhay at kamatayan ay naging susi sa musika ng ika-20 siglo.

Ang tema ng personal na kaalaman sa sarili ay naging hindi gaanong mahalaga para sa sining. Nais ng mga kinatawan ng parami nang parami ng mga bagong henerasyon na malaya mula sa mga tradisyon at lumikha ng kanilang sariling masining na wika.

Ang musikal na sining ng ika-20 siglo ay hindi pangkaraniwang napakalaki. Marahil ay walang isang makasaysayang istilo ng musikal na hindi makikita sa isang paraan o iba pa sa makulay na musikal na kaleidoscope ng ika-20 siglo. Sa bagay na ito, ang siglo ay isang milestone. Lahat ng naipon ng mga nakaraang siglo ng pag-unlad ng musika, at ang lahat ng kakaiba ng pambansang kultura ng musika ay biglang naging pag-aari ng publiko.

Ang bawat panahon ay nagbigay sa atin ng mga henyo nito. Maging sila ay mga kompositor ng ika-19 o ika-20 siglo, ang kanilang mga gawa ay nakuha na ang kanilang lugar sa kasaysayan ng sangkatauhan at naging isang modelo para sa lahat ng henerasyon hindi lamang sa musika, at, sa kabila ng edad ng paglikha, ay nilayon upang maglingkod para sa kagalakan ng mga tao.

MGA SANGGUNIAN

1. Belyanva-Ekzemlarskaya S.N. "Mga karanasan sa musika sa edad ng preschool", vol. 1., - M.: Edukasyon, 1961.

2. Vetlugina N.A. Pag-unlad ng musikal ng bata. - M.: Edukasyon, 1968.

3. Magasin “Preschool Education” Blg. 5-1992. Ipinapakilala ang mga batang preschool sa pambansang kultura ng Russia.

4. Komissarova Visual aid sa musical education ng mga batang preschool. - M.: Edukasyon, 2000.

5. Aking tahanan. Programa para sa moral at makabayang edukasyon ng mga batang preschool. Publishing house na "Mosaic" - Synthesis, Moscow, 2005

6. Teplov B.M. Sikolohiya ng mga kakayahan sa musika., 1947.

7. Teplov B.M. Mga problema ng mga indibidwal na pagkakaiba. - M.: Edukasyon, 1961, - p. 231.

8. Orff K. Sistema ng edukasyong pangmusika. - M. -L. 1970. p.21.

9. Forrai K. Ang impluwensya ng edukasyong pangmusika sa pag-unlad ng pagkatao ng isang bata edad preschool// Edukasyon sa musika sa modernong mundo //, 1973.

Kabilang sa mga melodies na ito ay may tune para sa anumang mood: romantiko, positibo o malungkot, upang makapagpahinga at hindi mag-isip tungkol sa anuman o, sa kabaligtaran, upang kolektahin ang iyong mga iniisip.

twitter.com/ludovicoeinaud

Gumagana ang Italyano na kompositor at pianista sa direksyon ng minimalism, madalas na lumiliko sa ambient na musika at mahusay na pinagsasama ang klasikal na musika sa iba pang mga estilo ng musika. Siya ay kilala sa isang malawak na bilog para sa kanyang mga komposisyon sa atmospera na naging mga soundtrack para sa mga pelikula. Halimbawa, malamang na nakikilala mo ang musika mula sa French film na "1 + 1", na isinulat ni Einaudi.

themagger.net

Ang salamin ay isa sa mga pinakakontrobersyal na personalidad sa mundo ng mga modernong klasiko, na pinupuri sa kalangitan o pinupuna sa siyam. Siya ay tumutugtog sa kanyang sariling banda, ang Philip Glass Ensemble, sa loob ng kalahating siglo at nagsulat ng musika para sa higit sa 50 mga pelikula, kabilang ang The Truman Show, The Illusionist, Taste of Life at Fantastic Four. Ang mga melodies ng Amerikanong minimalist na kompositor ay nagpapalabo ng linya sa pagitan ng klasikal at sikat na musika.

latimes.com

May-akda ng maraming soundtrack, pinakamahusay na kompositor ng pelikula noong 2008 ayon sa European Film Academy at post-minimalist. Nanalo siya sa mga kritiko sa kanyang unang album na Memoryhouse, kung saan ang musika ni Richter ay pinatong sa mga pagbabasa ng tula, at ang mga sumunod na album ay gumamit din ng literary prosa. Bilang karagdagan sa pagsusulat ng sarili niyang mga ambient na komposisyon, nag-aayos siya ng mga gawa ng mga klasiko: Ang "The Four Seasons" ni Vivaldi sa kanyang pag-aayos ay nanguna sa iTunes classical music chart.

Ang lumikha ng instrumental na musikang ito mula sa Italy ay hindi nauugnay sa kinikilalang sinehan, ngunit kilala na bilang isang kompositor, birtuoso at may karanasang guro ng piano. Kung ilalarawan mo ang musika ni Marradi sa dalawang salita, magiging "sensual" at "magical" ang mga ito. Ang kanyang mga likha at pabalat ay makakaakit sa mga mahilig sa retro classic: ang mga tala ng huling siglo ay makikita sa mga motif.

twitter.com/coslive

Ang sikat na kompositor ng pelikula ay lumikha ng musical accompaniment para sa maraming box-office na pelikula at cartoon, kabilang ang Gladiator, Pearl Harbor, Inception, Sherlock Holmes, Interstellar, Madagascar, at The Lion King. Ang kanyang bituin ay nasa Hollywood Walk of Fame, at nasa kanyang istante ang Oscars, Grammys at Golden Globes. Ang musika ni Zimmer ay kasing-iba ng mga pelikulang ito, ngunit anuman ang tono, nakakaantig ito sa puso.

musicaludi.fr

Si Hisaishi ay isa sa mga pinakatanyag na kompositor ng Hapon, na nakatanggap ng apat na Japanese Academy Awards para sa pinakamahusay na musika ng pelikula. Naging tanyag siya sa pagbuo ng soundtrack para sa anime ni Hayao Miyazaki na Nausicaä of the Valley of the Wind. Kung fan ka ng mga gawa ng Studio Ghibli o ng mga pelikula ni Takeshi Kitano, malamang na hinahangaan mo ang musika ni Hisaishi. Ito ay halos magaan at magaan.

twitter.com/theipaper

Ang Icelandic multi-instrumentalist na ito ay isang batang lalaki lamang kumpara sa mga nakalistang masters, ngunit sa edad na 30 siya ay naging isang kinikilalang neoclassicist. Nag-record siya ng saliw para sa isang ballet, nanalo ng BAFTA award para sa soundtrack sa British TV series na "Murder on the Beach" at naglabas ng 10 studio album. Ang musika ni Arnalds ay nakapagpapaalaala sa isang malakas na hangin sa isang desyerto na dalampasigan.

yiruma.manifo.com

Ang pinakasikat na mga gawa ni Lee Ru Ma ay ang Kiss the Rain at River Flows in You. Ang kompositor at pianista ng Korean New Age ay nagsusulat ng mga sikat na classic na naiintindihan ng mga tagapakinig sa anumang kontinente, na may anumang panlasa sa musika at edukasyon. Ang kanyang magaan at senswal na melodies ay naging simula ng isang pag-ibig sa piano music para sa marami.

Dustin O'Halloran

fracturedair.com

Ang Amerikanong kompositor ay kawili-wili dahil wala siyang edukasyon sa musika, ngunit sa parehong oras ay nagsusulat ng pinaka-kaaya-aya at medyo tanyag na musika. Ang mga himig ni O'Halloran ay ginamit sa Top Gear at ilang mga pelikula. Marahil ang pinakamatagumpay na soundtrack album ay para sa melodrama na "Like Crazy." Ang kompositor at pianist na ito ay maraming alam tungkol sa sining ng pagsasagawa at kung paano lumikha ng elektronikong musika. Ngunit ang kanyang pangunahing larangan ay mga modernong klasiko. Ang Cacciapaglia ay nakapagtala ng maraming album, tatlo sa mga ito kasama ang Royal Philharmonic Orchestra. Ang kanyang musika ay umaagos tulad ng tubig, ito ay isang mahusay na paraan upang makapagpahinga kasama nito.

Ano pang mga kontemporaryong kompositor ang nararapat pakinggan?

Kung gusto mo ng epiko, idagdag si Klaus Badelt, na nagtrabaho kasama si Zimmer sa Pirates of the Caribbean, sa iyong playlist. Hindi mo rin mapapalampas sina Jan Kaczmarek, Alexandre Desplat, Howard Shore at John Williams - kailangan mong magsulat ng hiwalay na artikulo upang mailista ang lahat ng kanilang mga gawa, merito at parangal.

Para sa mas masarap na neoclassical na musika, tingnan ang Nils Frahm at Sylvain Chauveau.

Kung hindi ka makakuha ng sapat, alalahanin ang lumikha ng soundtrack kay "Amelie" Yann Tiersen o tuklasin ang Japanese composer na si Tammon: nagsusulat siya ng mahangin, fairy-tale melodies.

Aling musika ng mga kompositor ang gusto mo at alin ang hindi mo? Sino pa ang idaragdag mo sa listahang ito?