Eine Mutter und ein Neugeborenes sind eines der beliebtesten Motive in der Kunst.

Ihm wurde gegeben Besondere Aufmerksamkeit sowohl beliebte als auch bekannte Künstler (Leonardo da Vinci und Rafael Santi) und der breiten Öffentlichkeit wenig bekannt (Bartolomeo Murillo, di Marcovaldo und andere).

Jungfrau Maria von Marcovaldo

Coppo di Marcovaldo gilt als Begründer der Sienaer Kunstschule. Sein Schicksal ist seit der Mitte des 13. Jahrhunderts recht interessant. Er nahm an einer der Schlachten auf der Seite der Florentiner Anhänger des Papstes teil, in deren Folge der Künstler gefangen genommen wurde. Da er jedoch sehr talentiert war, konnte er sich seine Freiheit „erkaufen“, indem er ein sehr schönes und recht realistisches Bild der Madonna mit Kind malte, das dann in die Kirche von Siena übertragen wurde. Diese Madonna erhielt den Namen „Madonna del Bordone“.

Dieses Gemälde zeigt dem Betrachter die auf einem Thron sitzende Jungfrau Maria, die ein Bein leicht anhebt, damit das Baby bequemer in ihren Armen sitzen kann. Sie hält rührend sein Bein und er streckt seine Hand nach ihr aus. Es gibt bereits einige auffällige Wechselwirkungen, die schon lange nicht mehr beobachtet wurden frühe Gemälde.

Der Kopf der Jungfrau ist von einem kaum sichtbaren Heiligenschein umgeben. Bemerkenswert sind die unglaublich ausdrucksstarken Augen dieser Madonna. Sie blickt den Betrachter an, als würde sie in seine Seele schauen. Ihre Kleidung ist ein einfacher schwarzer Umhang, aber um es schicker zu machen, hat die Künstlerin die Vorhänge in Gold bemalt. An den Seiten links und rechts sind Engel in voller Höhe dargestellt (dies ist eine florentinische Tradition). Normalerweise wurden sie gleich gezeichnet, aber diese sind, wenn man genau hinschaut, nicht völlig identisch: Die Unterschiede liegen in ihren Gesichtern.

Gehen wir vom weniger Bekannten zum Beliebteren über und werfen wir einen genaueren Blick auf die auffälligsten Gemälde zu diesem Thema.

„Madonna Litta“ von Leonardo da Vinci

Eine der am häufigsten dargestellten Madonna mit Kind ist das Gemälde „Madonna Litta“ des brillanten Leonardo da Vinci. Jetzt ist es unter den in der Eremitage aufbewahrten Meisterwerken zu sehen.

Die Hauptperson auf diesem Gemälde ist eine junge Frau, die ein Baby im Arm hält und es stillt. Wie alles andere hebt es sich stärker vom Hintergrund ab, wo der Betrachter Rundbogenfenster sehen kann, durch die ein strahlend blauer Himmel mit flauschigen weißen Wolken zu sehen ist. Es ist erwähnenswert, dass die Madonna mit dem Kind sehr klar gezeichnet ist, ihre Gesichtszüge scheinen im Vergleich zum etwas unscharfen Hintergrund hervorgehoben zu sein, als wären sie unter einem Kamerablitz gezeichnet – das ist auch der Fall Unterscheidungsmerkmale Porträts dieser Zeit.

Die Mutter blickt das Kind liebevoll an. Manche Leute denken, dass sie leicht lächelt (das „Leonardo-Lächeln“, beliebt für die Gemälde des Künstlers), aber in Wirklichkeit ist die Madonna nachdenklich. Das Kind blickt den Betrachter an und hält in einer Hand einen Vogel – einen kleinen Stieglitz.

Stieglitz im Gemälde „Madonna Litta“

Es gibt verschiedene Versionen, warum das Küken auf diesem Gemälde dargestellt ist.

Der Vogel als Symbol für das zukünftige Leiden Christi, wobei der rote Kopf des Stieglitzes das vom Sohn Gottes vergossene Blut symbolisiert. Der Legende nach flog ein Stieglitz auf Christus herab, als er nach Golgatha geführt wurde, zog einen Dorn aus der Augenbraue Jesu und Blut tropfte auf ihn.

Der Stieglitz symbolisiert die Seele, die nach dem Tod davonfliegt: Diese Bezeichnung stammt aus dem antiken Heidentum, ist aber auch in der christlichen Semiotik erhalten.

Das apokryphe Thomasevangelium erzählt eine etwas andere Geschichte: Jesus erweckte einen toten Stieglitz zum Leben, indem er ihn einfach in seinen Händen hielt, weshalb viele Gemälde dieses Küken zusammen mit dem Baby zeigen.

Madonnen von Raphael Santi

Aber es gibt noch einen anderen, nicht weniger berühmte Madonna mit einem Baby. Rafael Santi war derjenige, der es geschrieben hat. Oder besser gesagt, er hat eine ganze Reihe von Gemälden mit einer solchen Handlung: Dies ist das bekannte und in der Eremitage aufbewahrte „Madonna Conestabile“ und das außergewöhnliche „Madonna mit Schleier“, das nicht nur eine Mutter und ein Kind darstellt. aber jeder Heilige Familie.

Raffael malte das Gemälde selbst mit dem Titel „Madonna und Kind“ im Jahr 1503. Die Frau darauf ist kultivierter und zweifellos jünger als die von da Vinci. Offensichtlich ist die Bindung zwischen Mutter und Kind stärker ausgeprägt. Sie schauen einander mit rührender Liebe und leichter Nachdenklichkeit an, die Mutter stützt das Baby mit der Hand am Rücken. Dies ist nicht mehr die ängstliche Jungfrau, die in den frühen Gemälden des Künstlers zu sehen ist.

Gemeinsam lesen sie das Buch „Stundenbuch“ – ein Symbol der Autorität der Kirche –, in dem die Texte von Gebeten, Psalmen und Gottesdiensten niedergeschrieben sind (zuvor hatten sie es übrigens aus diesem Buch gelernt). lesen). Einigen Quellen zufolge wird das Stundenbuch auf der Seite geöffnet, die neun Uhr entspricht, also der Zeit, als Jesus am Kreuz gekreuzigt wurde.

Im Hintergrund ist eine rauchige Landschaft mit einer Kirche und Bäumen zu sehen. Diese Landschaft kann übrigens auch als charakteristisches Merkmal von Santis Werken zum Thema Mutter und Kind bezeichnet werden. Fast jedes Gemälde von Raffael hat einen ziemlich detaillierten Landschaftshintergrund.

Es macht keinen Sinn herauszufinden, welches Gemälde besser ist: Da Vinci oder Raphael. Die Madonna mit Kind sieht in jedem von ihnen originell und einzigartig aus.

Das Thema Mutter und Kind interessierte sich nicht nur für die bildende Kunst, daher lohnt es sich zu überlegen, wie es sich in anderen Formen widerspiegelt.

Skulptur Madonna mit Kind

Die Aufmerksamkeit eines jeden Kunstkenners wird von der Skulptur „Madonna mit Kind“ auf sich gezogen, deren Autor ist berühmter Meister Michelangelo.

Nach Angaben der Kunden sollte dieses Meisterwerk eine Höhe von etwa neun Metern haben, damit das Publikum wie eine Gottheit zu ihm aufschauen konnte. Aus diesem Grund ist der Blick von Mutter und Kind übrigens nach unten gerichtet.

Es gibt Hinweise darauf, dass Kardinal Piccolomini (der erste Kunde) mit den Skizzen unzufrieden war, vor allem weil Jesus nackt war, sodass ihr Vertrag mit Michelangelo gebrochen wurde. Und die Skulptur hat natürlich ihren Besitzer gefunden. Er wurde de Mouscron, ein Kaufmann aus der Stadt Brügge. Anschließend schenkte er es der Frauenkirche, wo es in einer dunklen Nische platziert wurde, die einen schönen Kontrast zur marmorweißen Farbe der Skulptur selbst bildete.

An dieser Moment, um es zu schützen, platzierten die Stadtbehörden es hinter kugelsicherem Glas.

„Madonna Doni“ von Michelangelo

Michelangelo war nicht nur ein hervorragender Bildhauer, sondern auch ein wunderbarer Künstler. Obwohl er es nicht als eine Art Leistung ansah und überhaupt nicht stolz auf sein Talent war.

Die von ihm gezeichneten Bilder verblüffen den Betrachter durch ihre unglaubliche Plastizität; es scheint, als würde er Figuren schon beim Zeichnen „skulpturieren“ und ihnen Volumen verleihen. Darüber hinaus zeigt das Gemälde die gesamte Heilige Familie, was bei Gemälden dieser Art selten vorkommt. Natürlich ist Michelangelo im wahrsten Sinne des Wortes ein Bildhauer und kein Künstler. „Madonna und Kind“ hingegen ist einfach ein Meisterwerk.

Fassen wir also zusammen. Wenn wir über das berühmteste Gemälde mit der Darstellung der Jungfrau Maria sprechen, dann ist dies Leonardo da Vincis Meisterwerk „Madonna mit Kind“. Wenn sich jemand für andere Arten von Kunst interessiert, dann ist das Werk von Michelangelo zweifellos das auffälligste und einprägsamste.

Leonardo da Vinci „Madonna mit Kind“ (Madonna Litta), 1490 - 1491, Tempera auf Leinwand. 42x33cm, Staatliche Eremitage, Sankt Petersburg

Das Gemälde wurde offensichtlich in Mailand ausgeführt, wohin der Künstler 1482 übersiedelte. Es ist eines der Werke, deren Entstehung prägend war neue Bühne in der Kunst der Renaissance - ein Statement des Stils Hochrenaissance. Eine schöne Frau, ein Baby zu stillen, erscheint als Verkörperung der mütterlichen Liebe als höchstem menschlichen Wert.

Die Bildkomposition ist lakonisch und ausgewogen. Die Figuren der Maria und des Christuskindes sind mit feinstem Hell-Dunkel modelliert. Die Öffnungen der symmetrischen Fenster geben den Blick auf eine endlose Berglandschaft frei, die an die Harmonie und Erhabenheit des Universums erinnert. Die Figur der Madonna selbst scheint von Licht beleuchtet zu werden, das von irgendwo vorne kommt. Die Frau blickt das Kind zärtlich und nachdenklich an. Madonnas Gesicht ist im Profil dargestellt, auf ihren Lippen ist kein Lächeln zu sehen, nur in den Ecken lauert ein bestimmtes Bild von ihr.

Das Baby schaut den Betrachter geistesabwesend an und hält mit der rechten Hand die Brust seiner Mutter. In seiner linken Hand hält das Kind einen Stieglitz.

Die lebendige Bildsprache des Werkes kommt zum Vorschein kleine Details, die uns viel über Mutter und Kind erzählen. Wir sehen das Baby und die Mutter im dramatischen Moment der Entwöhnung. Die Frau trägt ein rotes Hemd mit schmalem Halsausschnitt. Es verfügt über spezielle Schlitze, durch die das Baby bequem gestillt werden kann, ohne das Kleid ausziehen zu müssen. Beide Schnitte wurden sorgfältig vernäht (d. h. es wurde beschlossen, das Kind von der Brust zu entwöhnen). Doch der rechte Schnitt wurde hastig auseinandergerissen – die Oberstiche und ein Stück Faden sind deutlich zu erkennen. Auf Drängen des Kindes änderte die Mutter ihre Meinung und verschob diesen schwierigen Moment.

Das Gemälde gelangte 1865 aus der Mailänder Sammlung des Herzogs Antonio Litta, mit dessen Namen auch der Titel verbunden ist.
Die Vorzeichnung für das Hermitage-Gemälde wird im Louvre aufbewahrt.

Vor ihrem Einzug in die Eremitage im Jahr 1865 befand sich die „Madonna Litta“ in der Familiensammlung des Herzogs Antoine Litta in Mailand, daher ihr Name. Der Erhaltungszustand des Gemäldes war so schlecht, dass es sofort von Holz auf Leinwand übertragen werden musste. Diese einzigartige Technologie, die es ermöglichte, die Leinwand zu retten, wurde vom Hermitage-Zimmermann Sidorov erfunden, wofür er eine Silbermedaille erhielt.

Die Kontroverse um eines der schönsten malerischen Bilder der Muttergottes mit Kind lässt nicht nach. Die Urheberschaft Leonardos wird in Frage gestellt, und obwohl seine Papiere Skizzen für das Gemälde enthalten, betrachten einige es als Ergebnis der Arbeit der Schüler des Maestros (zumindest was Kleidung und Innenarchitektur betrifft; dennoch gibt es nur wenige Menschen, die dies leugnen würden). Das Gesicht der Muttergottes gehört zum Pinsel von Leonardo). Auch das Entstehungsdatum ist unbekannt. Obwohl das Bild normalerweise zugeschrieben wird Mailänder Periode Da Vincis Leben, aber es gibt auch spätere Daten, bis hin zur Zeit, als Leonardo in Rom lebte – dazu gibt es Hypothesen. Einer davon ist es wert, erzählt zu werden.

Vor nicht allzu langer Zeit, genauer gesagt, in den neunziger Jahren des letzten Jahrhunderts, untersuchte der russische Wissenschaftler und Kirchenarchäologe O. G. Uljanow Fresken in den Katakomben von St. Priscilla in Rom. Dieser Ort ist aus antiken Quellen als „Dame der Katakomben“ bekannt, da dort sieben der ersten Päpste begraben wurden, darunter der Märtyrer Papst Marcellinus und sein Nachfolger Papst Marcellus. Nach neuesten archäologischen Daten stammt es aus dem 2. Jahrhundert n. Chr.

Unter den Fresken der Katakomben befindet sich ein Bild der Jungfrau Maria mit dem Kind, das offenbar das älteste Bild Unsere Liebe Frau in der Weltmalerei. Der russische Wissenschaftler war beeindruckt von der Übereinstimmung mit der Entstehung der „Madonna Litta“. Wie Leonardo dreht sich das fütternde Kind um und blickt den Betrachter an.

Die Ende des 15. Jahrhunderts zufällig entdeckten Katakomben wurden zu einem beliebten Wanderort für in Rom lebende Künstler und Denker. Leonardo kam zu sich Die ewige Stadt im Jahr 1513 und lebte dort drei Jahre lang. Natürlich konnte er, der sich für alles interessierte, vor allem für alles Ungewöhnliche, einfach nicht anders, als in die Katakomben zu gehen, wo er ein altes Fresko sah, das ihn so beeindruckte, dass er es in seinem Gemälde wiederholte. Das heißt, die Entstehung der „Madonna Litta“ ist der Zeit zwischen 1513 und 1517 zuzuordnen. Das Interessante an dieser Hypothese ist jedoch nicht die neue Datierung, sondern die Möglichkeit dieses spirituellen Impulses, der vom unbekannten Maler des 2. Jahrhunderts auf das Genie der Renaissance übertragen wurde.

Leonardo da Vinci ist einer davon größte Vertreter Kunst der Hochrenaissance, ein Beispiel für den „universellen Menschen“.

Er war Künstler, Bildhauer, Architekt, Wissenschaftler (Anatom, Naturforscher), Erfinder, Schriftsteller, Musiker.
Sein voller Name ist Leonardo di ser Piero da Vinci, übersetzt aus italienische Sprache es bedeutet „Leonardo, Sohn von Herrn Piero von Vinci“.
IN modernen Sinn Leonardo hatte keinen Nachnamen – „da Vinci“ bedeutet einfach „(aus) der Stadt Vinci“.
Unsere Zeitgenossen kennen Leonardo vor allem als Künstler. Bekannt 19 malerische Gemälde Pinsel von Leonardo.

Angebliches Selbstporträt von Leonardo da Vinci
Kunsthistoriker können nicht mit Sicherheit sagen, dass es sich bei dem berühmten Porträt eines alten Mannes um ein Selbstporträt handelt. Vielleicht ist dies nur eine Studie des Apostelkopfes für das Letzte Abendmahl.
Aus dem umfangreichen künstlerischen und wissenschaftlichen Erbe von Leonardo da Vinci (1452-1519) betrachten wir in diesem Artikel nur die malerischen Madonnenbilder.

„Madonna mit der Nelke“ (1478)

Holz, Öl. 42x67 cm. Alte Pinakothek (München)
Es wird angenommen, dass dieses Gemälde vom jungen Leonardo da Vinci gemalt wurde, als er Schüler in der Werkstatt des italienischen Bildhauers und Malers Verrocchio war, einem von Leonardos Lehrern.

Beschreibung des Bildes

Madonna wird mit einem kaum wahrnehmbaren Anschein eines Lächelns auf den Lippen dargestellt. In ihrem Gesicht spiegelt sich keine Emotion mehr wider.
Ihre Kleidung passt zu der bizarren Bergkette im Hintergrund. Dargestellt ist Madonna mit einem Empfang Sfumato. Diese Technik wurde von Leonardo da Vinci entwickelt. Es besteht darin, dass die Umrisse von Figuren und Gegenständen durch die sie umhüllende Luft weicher werden (sfumato (italienisch sfumato – schattiert, wörtlich: „wie Rauch verschwinden“).
Das Jesuskind hingegen ist in lebhafter Bewegung dargestellt. Mit seinen noch ungeschickten Händen versucht er, die rote Nelke zu ergreifen, die seine Mutter in ihrer anmutigen Hand hält. Das Baby legt sein rechtes Bein auf das Kissen und sein linkes Bein ist unter Spannung angehoben. Er will unbedingt die Blume erreichen!
Es besteht die Meinung, dass es sich lediglich um eine Kopie des noch unbekannten Originals handelt.

„Madonna Benois“ (oder „Madonna mit Blume“), 1478-1480

Leinwand (aus Holz übersetzt), Öl. 48x31,5 cm. Staatliche Eremitage (St. Petersburg)
Dieses Bild gilt auch für frühe Arbeiten Leonardo. Es gilt als unvollendet. Der Titel des Gemäldes stammt nicht vom Autor. 1914 erwarb die Eremitage es von Maria Alexandrowna Benois, der Frau des Hofarchitekten Leonty Nikolajewitsch Benois, Russischer Architekt und Lehrer. Das Gemälde von Leonardo da Vinci schenkte ihm sein Schwiegervater, ein wohlhabender Fischhändler aus Astrachan.

Beschreibung des Bildes

Die Madonna mit dem Kind ist in einem schwach beleuchteten Raum dargestellt. Die einzige Lichtquelle darin ist ein in der Tiefe befindliches Doppelfenster. Es ist das Licht dieses Fensters, das die Figuren im Bild hervorhebt und es durch das Hell-Dunkel-Spiel belebt.
Der Künstler stellt Madonna als eine gewöhnliche junge Frau dar, eine Mutter, die liebevoll ihr Kind ansieht, das seine ersten Versuche unternimmt, die Welt zu erkunden, indem es eine Blume betrachtet. Madonna trägt ein Kostüm, das schon Leonardos Zeitgenossen trugen. Und sie ließ sich die Haare nach der Mode jener Jahre frisieren.
Die Symbolik des Bildes wird durch die Blume angedeutet Kreuzblütler. Dies ist ein Symbol der Kreuzigung. Aber für ein Kind drin momentan Es ist nur ein unschuldiges Spielzeug.
„Madonna mit der Blume“ von Leonardo da Vinci war den damaligen Künstlern einst weithin bekannt. Weitere Werke wurden unter ihrem Einfluss fertiggestellt berühmte Künstler, darunter Raffael.
Doch dann galt Leonardos Gemälde jahrhundertelang als verschollen.

„Madonna Litta“ (1490-1491)

Leinwand, Tempera. 42x33 cm. Staatliche Eremitage (St. Petersburg)

Litta- Mailänder Adelsfamilie des 17.-19. Jahrhunderts. Das Gemälde befand sich mehrere Jahrhunderte lang in der Privatsammlung dieser Familie – daher der Name. Der ursprüngliche Titel des Gemäldes war „Madonna mit Kind“. Die Madonna wurde 1864 von der Eremitage erworben.
Es wird angenommen, dass das Gemälde in Mailand gemalt wurde, wohin der Künstler 1482 zog.
Sein Erscheinen markierte eine neue Etappe in der Kunst der Renaissance – die Etablierung des Stils der Hochrenaissance.
Die Vorzeichnung für das Hermitage-Gemälde wird im Louvre in Paris aufbewahrt.

Zeichnen im Louvre

Beschreibung des Bildes

Schöne junge Frau, die ein Baby füttert, stellt dar Mutterliebe als den größten menschlichen Wert.
Der Bildaufbau ist schlicht und harmonisch. Die Figuren von Maria und dem Christuskind werden durch leichtes Hell-Dunkel hervorgehoben. Die Harmonie in den Beziehungen zwischen den Figuren im Bild wird durch die Berglandschaft in den symmetrischen Fenstern betont und erweckt ein Gefühl der Erhabenheit des Universums.
Madonnas Gesicht ist im Profil dargestellt, mit einem subtilen Lächeln in den Mundwinkeln. Das Baby konzentriert sich auf seine Beschäftigung und blickt geistesabwesend auf das Publikum. Rechte Hand Er hält die Brust seiner Mutter und in seiner Linken hält er einen Stieglitz.

„Felsenmadonna“

Leonardo da Vinci schuf zwei Gemälde mit ähnlicher Komposition. Eines wurde früher gemalt und ist derzeit im Louvre (Paris) ausgestellt. Ein weiteres (vor 1508 verfasstes) ist im Londoner Museum ausgestellt Nationalgallerie.

„Felsenmadonna“ (1483-1486)

Baum in Öl auf Leinwand übertragen. 199x122 cm. Louvre (Paris)
Diese Version wurde für die Kapelle der Kirche San Francesco Grande in Mailand erstellt. Im 18. Jahrhundert es wurde vom englischen Künstler Gavin Hamilton gekauft und nach England gebracht. Anschließend befand es sich in verschiedenen Privatsammlungen, bis es 1880 von der National Gallery erworben wurde.
Im Jahr 2005 entdeckte eine Infrarotstudie ein weiteres Gemälde unter diesem Gemälde, was einige Forscher zu der Annahme veranlasste, dass Leonardo ursprünglich vorhatte, eine Anbetung des Jesuskindes zu malen.

„Felsenmadonna“ Londoner Nationalgalerie

Beschreibung der Gemälde

Beide Gemälde zeigen die kniende Jungfrau Maria mit ihrer Hand auf dem Kopf des kleinen Johannes des Täufers. Rechts ist das Jesuskind zu sehen, das von einem Engel gehalten wird. Jesus hob seine Hand zum Segen. Die Szene der Beziehung zwischen den dargestellten Charakteren und dem Landschaftshintergrund kontrastiert: Auf der einen Seite herrscht Ruhe und Zärtlichkeit, auf der anderen Seite ein alarmierendes Gefühl der rauen Landschaft. Der Künstler verwendet seine Lieblingstechnik (Sfumato), um die Umrisse von Gesichtern und Objekten weicher zu machen.

„Madonna mit der Spindel“ (um 1501)

Das Original dieses Gemäldes ist verloren gegangen. Es gibt jedoch drei Kopien, von denen zwei 1501 von Leonardo da Vinci (oder Schülern seiner Schule) erstellt wurden. Eine weitere Kopie entstand 1510.

Nationalgalerie von Schottland
Ein Exemplar befindet sich derzeit in der National Gallery of Scotland in Edinburgh, das andere in einer Privatsammlung in New York.
Leonardos Zeitgenossen mochten dieses kleine Gemälde einer sehr jungen Madonna mit Kind. Deshalb wurden Kopien angefertigt.

„Madonna mit der Spindel“ (1501)
Holz, Öl. 48,3 x 36,9 cm. Privatsammlung
Es ist aber durchaus möglich, dass es sich hierbei nicht um eine Kopie handelt, sondern eine neue Version, im selben Jahr 1501 wie das Original erstellt.

„Madonna mit Spindel“ (1510)
Öl auf Leinwand auf Holz, 50,2x36,4 cm. Privatsammlung (New York)
Die hohe Qualität des Gemäldes beweist, dass es in der Werkstatt von Leonardo da Vinci, möglicherweise unter seiner Aufsicht, ausgeführt wurde.

Beschreibung des Bildes

Das Gemälde zeigt die junge Jungfrau Maria und das Christuskind, das eine Spindel in Form eines Kruzifixes hält – ein Symbol zugleich Herd und Zuhause und das Kreuz. In der klassischen Mythologie symbolisierte die Spindel das menschliche Schicksal.
Die gesamte Marienfigur drückt die Liebe zum Kind aus. Es scheint, als wolle sie das Kind von der Spindel ablenken. Aber selbst die Mutter kann die Kreuzigung, die für Christus bestimmt ist, nicht verhindern.
Und das Kind wendet sich ganz dem Symbol seiner zukünftigen Leidenschaft zu und wendet sich vom liebevollen Blick der Mutter ab.

Enthalten in „ Erste Liga» Weltmuseumsschätze. Die Sammlung umfasst drei Millionen Exponate und die prächtige Sammlung, die von Katharina der Großen begonnen wurde, wird bis heute ergänzt. Wir bieten einen kurzen Rundgang durch die Eremitage – und 10 Gemälde, die man unbedingt gesehen haben muss.

Leonardo da Vinci. Madonna und Kind (Benois Madonna)

Italien, 1478–1480

Der zweite Name leitet sich vom Nachnamen der Besitzer des Gemäldes ab. Unter welchen Umständen das Werk des großen Leonardo nach Russland gelangte, ist noch unbekannt. Einer Legende zufolge kaufte die Familie Benoit es von einem Wanderzirkus. Das Meisterwerk wurde von Maria Sapozhnikova (nach der Heirat Benoit) von ihrem Vater geerbt. 1914 erwarb die Eremitage dieses Gemälde von ihr. Zwar hätte die UdSSR-Regierung es nach der Revolution in den schwierigen 1920er und 1930er Jahren beinahe an den US-Finanzminister, den leidenschaftlichen Sammler Andrew Mellon, verkauft. Kunstkritiker, die sich diesem Verkauf widersetzten, hatten Glück: Der Deal scheiterte.

Raphael. Madonna mit Kind (Madonna Conestabile)

Italien, um 1504

„Madonna und Kind“ ist eines davon frühe Werke Raphael. Alexander II. kaufte dieses Gemälde in Italien vom Grafen Conestabile für seine geliebte Frau Maria Alexandrowna. Im Jahr 1870 kostete dieses Geschenk den Kaiser 310.000 Franken. Der Verkauf von Raffaels Werk empörte die örtliche Gemeinde, aber die italienische Regierung verfügte nicht über die Mittel, um das Gemälde vom Eigentümer zu kaufen. Der Besitz der Kaiserin wurde sofort im Eremitage-Gebäude ausgestellt.

Tizian. Danae

Italien, um 1554

Katharina II. erwarb das Gemälde von Tizian im Jahr 1772. Das Gemälde basiert auf einem Mythos, in dem König Akrisius vorhergesagt wurde, dass er durch die Hand seines eigenen Enkels sterben würde, und um dies zu vermeiden, ließ er seine Tochter Danae einsperren. Der findige Gott Zeus drang jedoch immer noch in Form eines goldenen sintflutartigen Regens in sie ein, woraufhin Danae einen Sohn, Perseus, zur Welt brachte.

Katharina II. war eine aufgeklärte Monarchin, hatte einen ausgezeichneten Geschmack und verstand genau, was genau für ihre Sammlung gekauft werden sollte. Es gibt mehrere weitere Gemälde in der Eremitage mit ähnliche Handlung. Zum Beispiel „Danae“ von Ferwilt und „Danae“ von Rembrandt.

El Greco (Domenikos Theotokopoulos). Apostel Petrus und Paulus

Spanien, zwischen 1587–1592

Das Gemälde wurde dem Museum 1911 von Pjotr ​​Durnowo geschenkt. Einige Jahre zuvor zeigte Durnovo es auf einer Ausstellung der Kaiserlichen Gesellschaft zur Förderung der Künste. Dann begann El Greco, der als sehr mittelmäßiger Künstler galt, von ihm als Genie zu sprechen. In diesem Gemälde erwies sich der vom europäischen Akademismus stets ferne Maler als besonders nahestehend an der byzantinischen Ikonenmalerei-Tradition. Er versuchte zu vermitteln Spirituelle Welt und die Charaktere der Apostel. Paul (in Rot) ist durchsetzungsfähig, entscheidungsfreudig und selbstbewusst, während Petrus im Gegenteil zweifelnd und zögerlich ist... Es wird angenommen, dass El Greco sich im Bild von Paulus eingefangen hat. Doch darüber streiten Forscher noch immer.

Caravaggio. Junger Mann mit Laute

Italien, 1595–1596

Caravaggio ist ein berühmter Meister des Barock, der mit seinem „Trauerlicht“ das Bewusstsein mehrerer Generationen veränderte Europäische Künstler. In Russland wird nur eines seiner Werke aufbewahrt, in dem der Künstler damals malte frühe Jahre. Für Gemälde von Caravaggio Charakteristisch ist eine gewisse Dramatik, und die gibt es in „Der Lautenspieler“. Das auf dem Tisch abgebildete Notizbuch enthält die damals beliebte Madrigalmelodie von Jacob Arkadelt „Du weißt, dass ich dich liebe“. Und die zerbrochene Laute in den Händen des jungen Mannes ist ein Symbol unglücklicher Liebe. Die Leinwand wurde 1808 von Alexander I. gekauft.

Peter Paul Rubens. Porträt der Magd der Infantin Isabella

Flandern, Mitte der 1620er Jahre

Trotz des Namens wird angenommen, dass es sich hierbei um ein Porträt der Tochter des Künstlers, Clara Serena, handelt, die im Alter von 12 Jahren starb. Das Gemälde entstand nach dem Tod des Mädchens. Der Künstler hat das flauschige Haar, die zarte Gesichtshaut und den nachdenklichen Blick, von dem man den Blick nicht abwenden kann, subtil dargestellt. Vor dem Betrachter erscheint ein spirituelles und poetisches Bild.

Katharina II. erwarb das Gemälde 1772 für die Sammlung der Eremitage.

Rembrandt van Rijn. Rückkehr des verlorenen Sohnes

Holland, um 1668

Katharina II. kaufte 1766 eines der berühmtesten und bekanntesten Gemälde von Rembrandt. Das Evangeliumsgleichnis vom verlorenen Sohn beschäftigte den Künstler zeitlebens: Die ersten Zeichnungen und Radierungen dieser Handlung schuf er bereits in den 1630er und 40er Jahren und begann in den 1660er Jahren mit der Malerei des Bildes. Rembrandts Gemälde wurde für andere zur Inspiration kreative Persönlichkeiten. Der Avantgarde-Komponist Benjamin Britten schrieb eine von diesem Werk inspirierte Oper. Und Regisseur Andrei Tarkovsky zitierte „Return verlorene Sohn" in einer der letzten Szenen von Solaris.

Edgar Degas. Place de la Concorde (Viscount Lepic mit seinen Töchtern überquert den Place de la Concorde)

Frankreich, 1875

Das Gemälde „Place de la Concorde“ wurde nach dem Zweiten Weltkrieg von Berlin nach Russland transportiert, wo es in einer Privatsammlung aufbewahrt wurde. Die Leinwand ist interessant, weil es sich einerseits um ein Porträt und andererseits um eine typische impressionistische Genreskizze aus dem Leben der Stadt handelt. Degas stellte seine dar enger Freund, Aristokrat Louis Lepic, zusammen mit seinen beiden Töchtern. Das vielfigurige Porträt birgt noch immer viele Geheimnisse. Es ist nicht bekannt, wann und unter welchen Umständen das Gemälde entstand. Kunsthistoriker vermuten, dass das Werk 1876 und nicht auf Bestellung gemalt wurde. Der Künstler hat weder vorher noch nachher ein solches Gemälde gemalt. Da er Geld brauchte, verkaufte er die Leinwand dennoch an Graf Lepik und bis Ende des 19. Jahrhunderts Sie wussten jahrhundertelang nichts von ihm. Nach dem Fall Berlins im Jahr 1945 wurde das Meisterwerk neben anderen „Trophäen“-Werken dorthin geschickt die Sowjetunion und landete in der Eremitage.

Henri Matisse. Tanzen

Frankreich, 1909–1910

Das Gemälde wurde im Auftrag von Sergej Schtschukin, einem berühmten russischen Sammler französischer Bücher, geschaffen Gemälde des 19. Jahrhunderts- Anfang des 20. Jahrhunderts. Die Komposition ist zum Thema des goldenen Zeitalters der Menschheit geschrieben und stellt daher dar bestimmte Menschen, A symbolische Bilder. Matisse ließ sich von Volkstänzen inspirieren, die bekanntlich den Ritualismus einer heidnischen Handlung in sich tragen. Matisse verkörperte die Wut der antiken Bacchanalien in einer Kombination aus reinen Farben – Rot, Blau und Grün. Als Symbole für Mensch, Himmel und Erde. Das Gemälde wurde aus der Moskauer Sammlung in die Eremitage überführt Landesmuseum neue westliche Kunst im Jahr 1948.

Wassily Kandinsky. Komposition VI

Deutschland, 1913

In der Eremitage gibt es einen ganzen Saal, der Kreativität gewidmet Wassily Kandinsky. „Komposition VI“ entstand im Mai 1913 – ein Jahr vor Ausbruch des Ersten Weltkriegs – in München. Das dynamische, helle Bild ist mit freien und schwungvollen Strichen gemalt. Ursprünglich wollte Kandinsky es „Die Sintflut“ nennen: Die abstrakte Leinwand basierte darauf biblische Geschichte. Später gab der Künstler diese Idee jedoch auf, damit der Titel des Werks die Wahrnehmung des Betrachters nicht beeinträchtigte. Die Leinwand kam 1948 vom State Museum of New Western Art ins Museum.

Das Material verwendet Illustrationen von der offiziellen Website

Madonnen von Leonardo da Vinci und Raphael Santi

M a d o n s

Leonardo da Vinci und Raphael Santi

Leonardo da Vinci- einer der größten Vertreter der Kunst der Hochrenaissance, ein Beispiel für einen „universellen Menschen“.

Er war Künstler, Bildhauer, Architekt, Wissenschaftler (Anatom, Naturforscher), Erfinder, Schriftsteller, Musiker.
Sein voller Name ist Leonardo di ser Piero da Vinci, aus dem Italienischen übersetzt bedeutet es „Leonardo, Sohn des Herrn Piero aus Vinci“.
Im modernen Sinne hatte Leonardo keinen Nachnamen – „da Vinci“ bedeutet einfach „(ursprünglich) aus der Stadt Vinci“.
Unsere Zeitgenossen kennen Leonardo vor allem als Künstler.

Mona Lisa - 1503-1506 Leonardo da Vinci

Wer kennt „La Gioconda“ nicht – berühmtes Meisterwerk Leonardo da Vinci?! Das Gesicht von Gioconda ist der ganzen Welt bekannt; ihr Bild ist immer noch das am häufigsten reproduzierte Bild. Doch trotz seiner Beliebtheit und Verbreitung bleibt La Gioconda für uns ein Rätsel.

Dieses Bild ist voller Geheimnisse, und jedes Mal, wenn wir es betrachten, verspüren wir das erstaunliche Gefühl, etwas Neues, bisher Unerforschtes zu entdecken – so wie wir eine aus dem Sommer bekannte Landschaft wiederentdecken und sie eines Herbstes in einem geheimnisvollen Nebeldunst eingetaucht sehen ...

Einst behauptete Vasari, dass „Mona Lisa“ (kurz für „Madonna Lisa“) von der dritten Frau eines reichen Florentiner namens Francesco di Bartolomee del Giocondo gemalt wurde, daher der zweite Name des Gemäldes, „La Gioconda“.

Das für Leonardo da Vincis Malstil typische „Sfumato“ betont hier die geheimnisvolle Kraft der Natur, die der Mensch nur sehen, aber mit seinem Verstand nicht begreifen kann.

Dieser Konflikt zwischen dem Sichtbaren und dem Vorhandenen führt zu einem vagen Angstgefühl, verstärkt durch die Hilflosigkeit gegenüber Natur und Zeit: Der Mensch weiß nicht, wohin er gehen soll, weil sein Leben – wie der kurvenreiche Weg aus der düsteren Landschaft hinter Mona Lisa – kommt aus dem Nichts und eilt ins Nirgendwo ...

Leonardo beschäftigt sich mit der Frage nach dem Platz des Menschen in dieser Welt, und es scheint, dass er eine der möglichen Antworten im Lächeln der unvergleichlichen Mona Lisa zum Ausdruck bringt: Dieses ironische Lächeln ist ein Zeichen dafür, dass er sich der kurzen Dauer der menschlichen Existenz bewusst ist Erde und Unterwerfung unter die ewige Ordnung der Natur. Das ist die Weisheit von Gioconda.

Wie bereits erwähnt Deutscher Philosoph Karl Jaspers (1883-1969), La Gioconda „lindert die Spannung zwischen Persönlichkeit und Natur und verwischt auch die Grenzen zwischen Leben und Tod.“

La Gioconda wurde in Italien geschrieben und blieb für immer in Frankreich – wahrscheinlich als eine Art Bonus für die Gastfreundschaft, die seinem Autor entgegengebracht wurde.

Leonardo da Vinci: Madonna Litta

Litta - Mailänder Adelsfamilie des 17.-19. Jahrhunderts. Das Gemälde befand sich mehrere Jahrhunderte lang in der Privatsammlung dieser Familie – daher der Name. Der ursprüngliche Titel des Gemäldes war „Madonna mit Kind“. Die Madonna wurde 1864 von der Eremitage erworben.
Es wird angenommen, dass das Gemälde in Mailand gemalt wurde, wohin der Künstler 1482 zog.
Sein Erscheinen markierte eine neue Etappe in der Kunst der Renaissance – die Etablierung des Stils der Hochrenaissance.
Die Vorzeichnung für das Hermitage-Gemälde wird im Louvre in Paris aufbewahrt.

„Felsenmadonna“ (1483-1486) Baum in Öl auf Leinwand übertragen. 199x122 cm. Louvre (Paris)

Madonna in der Grotte

„Madonna in der Grotte“ ist das erste Werk Leonardo da Vincis aus der Mailänder Schaffenszeit. Dieses Gemälde sollte ursprünglich den Altar der Kapelle der Bruderschaft der Unbefleckten Empfängnis im Mailänder Dom San Francesco Grande schmücken und ist ein hervorragendes Zeugnis für Leonardo da Vincis unübertroffene Meisterschaft in dieser Kunst. Cut-Off-Modellierung Figuren und Raum.

Leonardo da Vinci: Dame mit Hermelin

Leonardo da Vinci: Madonna Benois

Leonardo da Vinci: Ginevra de' Benci

La Belle Ferroniere ist ein Porträt einer Frau im Louvre, das vermutlich ein Werk von Leonardo da Vinci oder seinen Schülern ist.

„Madonna mit der Nelke“ ist ein Gemälde, das viele Kunsthistoriker dem jungen Leonardo da Vinci zuschreiben. Vermutlich wurde es von Leonardo geschaffen, als er sein Schüler in der Werkstatt von Verrocchio war. 1478-1480

Diese Sammlung enthält die meisten Berühmte Gemälde Raphael, dem Bild der Muttergottes (Madonna) gewidmet.

Folge deinem LehrerPerugino-Künstler Rafael Santi(1483-1520) schuf eine umfangreiche BildergalerieMaria und Kind , die sehr vielfältig sind Kompositionstechniken und psychologische Interpretationen.

Raffaels frühe Madonnen folgen berühmten VorbildernUmbrische Malerei Quattrocento . Idyllische Bilder sind nicht ohne Zwang, Trockenheit und Hieratizität. Interaktion der Figuren auf Madonnen Florentiner Zeit direkter. Sie zeichnen sich durch Komplexität aus Landschaft Hintergründe. Die universellen Erfahrungen der Mutterschaft treten in den Vordergrund – Marias Gefühl der Angst und zugleich des Stolzes über das Schicksal ihres Sohnes. Diese Schönheit der Mutterschaft ist der emotionale Schwerpunkt der Madonnen, die nach dem Umzug des Künstlers nach Rom entstanden. Der absolute Höhepunkt gilt als „Sixtinische Madonna „(1514), wo triumphale Freude und Noten erwachender Angst harmonisch miteinander verwoben sind.

„Madonna mit Kind“ (Madonna di Casa Santi) ist Raffaels erster Appell an das Bild, das zum Hauptbild im Werk des Künstlers werden wird. Das Gemälde stammt aus dem Jahr 1498. Der Künstler war zum Zeitpunkt des Malens erst 15 Jahre alt. Das Gemälde befindet sich heute im Raffael-Museum Italienische Stadt Urbino.

„Madonna Connestabile“ wurde 1504 gemalt und später nach dem Besitzer des Gemäldes, Graf Conestabile, benannt. Das Gemälde wurde gekauft Russischer Kaiser Alexander II. Jetzt befindet sich „Madonna Conestabile“ in der Eremitage (St. Petersburg). "
„Madonna Conestabile“ berücksichtigt letzter Job, geschaffen von Raffael in Umbrien, bevor er nach Florenz zog.

„Madonna mit Kind und den Heiligen Hieronymus und Franziskus“ (Madonna col Bambino tra i santi Girolamo e Francesco), 1499-1504. Das Gemälde befindet sich jetzt in der Berliner Kunsthalle.

„Kleine Madonna von Cowper“ (Piccola Madonna Cowper) wurde zwischen 1504 und 1505 geschrieben. Das Gemälde wurde nach seinem Besitzer Lord Cowper benannt. Das Gemälde befindet sich jetzt in Washington (National Gallery of Art).

„Madonna Terranuova“ wurde zwischen 1504 und 1505 geschrieben. Das Gemälde erhielt seinen Namen von einem der Besitzer – dem italienischen Herzog von Terranuva. Das Gemälde befindet sich jetzt in der Berliner Kunsthalle.

Raffaels Gemälde „Die Heilige Familie unter einer Palme“ (Sacra Famiglia con palma) stammt aus dem Jahr 1506. Einen Sohn letztes Bild, Darstellung der Jungfrau Maria, Jesus Christus und des heiligen Josef (diesmal mit traditionellem Bart). Das Gemälde befindet sich in der National Gallery of Scotland in Edinburgh.

„Madonna im Grünen“ (Madonna del Belvedere) stammt aus dem Jahr 1506. Das Gemälde befindet sich heute in Wien (Kunsthistorisches Museum). Auf dem Gemälde hält die Jungfrau Maria das Christuskind, das Johannes dem Täufer das Kreuz abnimmt.

„Madonna Aldobrandini“ stammt aus dem Jahr 1510. Das Gemälde ist nach den Besitzern benannt – der Familie Aldobrandini. Das Gemälde befindet sich jetzt in der London National Gallery.

„Madonna mit Kandelaber“ (Madonna dei Candelabri) stammt aus den Jahren 1513–1514. Das Gemälde zeigt die Jungfrau Maria mit dem Christuskind, umgeben von zwei Engeln. Das Gemälde ist da Kunstmuseum Walters in Baltimore (USA).

Die Sixtinische Madonna stammt aus den Jahren 1513–1514. Das Gemälde zeigt die Jungfrau Maria mit dem Christuskind im Arm. Links von der Muttergottes steht Papst Sixtus II., rechts die heilige Barbara. Die Sixtinische Madonna befindet sich in der Galerie Alte Meister in Dresden (Deutschland).

„Madonna im Sessel“ (Madonna della Seggiola) stammt aus den Jahren 1513–1514. Das Gemälde zeigt die Jungfrau Maria mit dem Christuskind im Arm und Johannes den Täufer. Das Gemälde befindet sich in der Palatina-Galerie in Florenz.

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