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Rätselhaft und tiefgründig philosophische Bedeutung. Worüber kann der Betrachter mit dem Gemälde sprechen? Jeder hat seine eigene Antwort. Der Zheleznogorsker Künstler Yaroslav Kudryashov regt mit seiner Kreativität zum Nachdenken an. Seine erste persönliche Ausstellung wurde in der Bergmannsstadt eröffnet. Es zeigt Gemälde den letzten Jahren. Die Arbeit ist nicht einfach. Jeder Schlaganfall ist die Überwindung einer Krankheit, die den Körper einschränkt, nicht aber die Kreativität. Welche geheimen Botschaften hinterließ der Künstler auf seinen Leinwänden?

Yaroslav Kudryashov, Künstler: „Ich möchte, dass diese Bilder einen Menschen aus diesem Zustand herausholen, und ich nehme sie selbst so wahr.“

Jeder Zentimeter enthält unzählige Bedeutungen – die des Autors und rein persönliche – die des Publikums. Hier ist eine weibliche Figur auf einer verlassenen Straße. Es ist überall Dämmerung, und nur die Haltestelle blendet Sie mit einem unheimlichen Licht. Hineingehen und der Versuchung nachgeben? Aber irgendetwas sagt dir: Ein paar Schritte und dein Weg endet.

Yaroslav Kudryashov: „Man kann anhalten, man kann vorbeigehen, angezogen von diesem Licht. Einer der ursprünglichen Titel des Gemäldes war „That Light“. Aber ich dachte, es wäre zu dunkel.

„Beobachter“. Wütend, gleichgültig. Es gibt viele davon und du bist allein mit ihnen. Und hier sind es gleich drei Figuren. Aber auch sie scheinen im stillen Wald verloren zu sein. Der Autor liebt Licht und Nacht. Hier ist „Die Katze draußen“. Ein hoher Zaun, der das Leben vom Träumen trennt. Jaroslaw Kudrjaschow ist ein Meister der Einsamkeit. Die Welt ist fast fabelhaft. Im Alltag hat die Person die Fassung verloren. Ein Meer der Ruhe ohne menschliche Augen. Und es wurde ein besonderer Zeitpunkt gewählt – „Nach Mitternacht“.

Yaroslav Kudryashov: „Wahrscheinlich ist es wie ein Vermittler für eine Person. Weil die Leute normalerweise ihre ganze Arbeit nach Mitternacht beenden. Sie schalten ihre Computer aus, kommen nach Hause, essen und nach Mitternacht ... Ich jedenfalls habe es als die heiligste Zeit bezeichnet.“

Jaroslaw verlässt selten das Haus. Daher sind seine Bilder Einblicke in die Welt, in der wir leben, aber wenig sehen. Und wir schätzen es noch weniger. Es ist ein strahlender Tag. Gewünscht und für den Gefangenen nicht verfügbar. Überall ist es heiß und man spürt die Kälte im endlosen Schatten der Gitterstäbe. Und das ist auch ein Treppenkäfig. Unwillkommene Türen. Du siehst sie an und verstehst: Sie sind keine Wächter, sondern Wächter. Jedes Werk ist für Jaroslaw ein endloses Buch. Ein zweiter Blick – eine neue Seite.

Yaroslav Kudryashov: „Aufgrund meiner körperlichen Verfassung kann ich nicht viel tun. Ich arbeite nicht jeden Tag anderthalb Stunden. Meistens eine Stunde am Stück. Viele kreative Ideen. Ich meine, ich arbeite eine Stunde, eineinhalb Stunden, wenn etwas Ernstes passiert. Aber die restliche Zeit denke ich darüber nach, was ich tun soll. Und wenn ich zur Arbeit komme, sitze ich nicht mehr, ich weiß, was ich tun muss.“

Taras Stepanenko

Die Tretjakow-Galerie ist die größte großes Museum Russische Malerei in der Welt. Seine Geschichte begann mit der Privatsammlung von Pawel Tretjakow.

Die Künstler träumten davon, dass er ihre Werke kaufen würde, obwohl Tretjakow nicht immer bereit war, viel zu zahlen. Viele waren von diesem Philanthrop mit seinem bescheidenen Charakter und seinen demokratischen Ansichten fasziniert.

Als Tretjakow seine Galerie Moskau schenkte, verlieh ihm Alexander III. den Adelstitel. Aber Pawel Michailowitsch weigerte sich, weil er sich dessen unwürdig hielt!

Auch sein Geschmack war etwas Besonderes. Er wollte Wahrhaftigkeit, Aufrichtigkeit und Aufrichtigkeit im Bild sehen. Er ignorierte akademische und anspruchsvolle Werke, die mit dem Ziel geschaffen wurden, die Öffentlichkeit zu beeindrucken.

Daher haben viele der von ihm gekauften Werke die Zeit überdauert und gelten als Meisterwerke. Ich werde Ihnen einige davon erzählen.

1. Iwan Schischkin. Roggen. 1878.

Iwan Schischkin. Roggen. 1878. Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau. Gekauft von P. Tretjakow.

Im Gemälde „Roggen“ sehen wir eine unglaubliche Kombination aus niedrigem gelbem Roggen und hohen alten Kiefern. Und vieles mehr interessante Details. Sehr tief fliegende Mauersegler. Menschen mit Zöpfen gehen die Straße entlang.

Shishkin wurde oft vorgeworfen, zu fotografisch zu sein. Und tatsächlich kann man, wenn man in das Bild hineinzoomt, fast jedes Ährchen erkennen.

Aber so einfach ist es nicht. Zwischen den majestätischen Kiefern steht eine Kiefer, die möglicherweise durch einen Blitzschlag abgestorben ist. Was möchte uns der Künstler sagen? Über die Tatsache, dass jede Kraft über Nacht gebrochen werden kann?

Nachdem er den Tod seiner Frau und seiner beiden Kinder überlebt hatte, konnte Shishkin eine solche Stimmung gut auf die Leinwand übertragen. Trotzdem tat er alles, um die Schönheit der russischen Natur zu zeigen.

2. Arkhip Kuindzhi. Nach dem Regen. 1879.

Arkhip Kuindzhi. Nach dem Regen. 1879. Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau. Gekauft von P. Tretjakow.

Protagonist Alle Gemälde von Kuindzhi sind hell. Darüber hinaus verwandelte der Künstler auf unerklärliche Weise gewöhnliches Licht in magisches Licht und wählte die farbenfrohsten Naturphänomene aus. So ist es auch im Gemälde „Nach dem Regen“.

Gerade ist ein schreckliches Gewitter vorbeigezogen. Der braun-lila Himmel sieht unheimlich aus. Doch die Landschaft wird bereits von den ersten Strahlen erleuchtet. Der Regenbogen steht kurz vor der Reife. Das Gras hat nach dem Regen eine reine Smaragdfarbe.

Es gibt keine Gewissheit, dass Kuindzhi nur nach dem Leben malte. Es ist unwahrscheinlich, dass das Pferd dort geblieben wäre Freifläche bei einem heftigen Gewitter. Höchstwahrscheinlich wurde ihre Figur hinzugefügt, um den Kontrast zwischen dem stürmischen Himmel und dem sonnenbeschienenen Gras zu verstärken.

Kuindzhi war nicht nur als Künstler, sondern auch als Person originell. Im Gegensatz zu vielen seiner weniger wohlhabenden Kollegen wurde er durch erfolgreiche Immobilientransaktionen reich. Aber er lebte sehr bescheiden und gab sein ganzes Geld den Bedürftigen.

3. Viktor Wasnezow. Drei Prinzessinnen der Unterwelt. 1881.

Viktor Wasnezow. Drei Prinzessinnen der Unterwelt. 1881. Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau. Eingetragen im Jahr 1910 nach dem Willen von M. Morozov

Das Gemälde „Drei Prinzessinnen“ wurde von Savva Mamontov speziell für den Kohlekonzern in Auftrag gegeben Eisenbahn. Vasnetsov nahm als Grundlage Volksmärchenüber die goldenen, silbernen und kupfernen Prinzessinnen.

Aber er veränderte sie sehr und hinterließ nur die goldene Prinzessin. Zwei weitere habe ich selbst hinzugefügt: die Prinzessin Edelsteine und die Prinzessin der Kohle. Alle drei verherrlichen den Reichtum des russischen Bodens.

Das Mädchen in Schwarz ist das Jüngste, denn mit dem Abbau von Kohle begann man später als mit Gold und Edelsteinen. Deshalb ist ihr Kleid moderner.

Und das Kleid der Prinzessin von Kohle ist bescheidener. Schließlich geht es ihr darum, den Menschen zu helfen. Und nicht, um der menschlichen Gier zu dienen, wie es die beiden älteren Schwestern tun müssen.

Tretjakow liebte es, Werke von Wasnezow zu kaufen: Sie waren gute Freunde. Und kein Wunder. Der Künstler war ein äußerst bescheidener Mensch.

Als er die Akademie der Künste betrat, erfuhr er erst ein Jahr später, dass er die Prüfung bestanden hatte. Als ich kam, um es erneut zu versuchen, war ich mir sicher, dass ich beim ersten Mal versagt hatte.

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4. Ilja Repin. Libelle. 1884.

Ilja Repin. Libelle. 1884. Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau. Gekauft von P. Tretjakow.

„Libelle“ kann unbeabsichtigt mit dem Werk eines Impressionisten aus Paris verwechselt werden. Schließlich ist sie so fröhlich und aufgeweckt.

Ein Kind sitzt auf einer Bar vor dem Hintergrund eines hellen Himmels und schwingt sein Bein. Man hört das Zirpen der Grillen und das Summen der Hummeln.

Das Überraschendste ist, dass Repin die Impressionisten nicht besonders mochte. Ich dachte, es mangele ihnen an Handlung. Aber ich konnte nicht anders, als ich anfing, ein Kind zu zeichnen. Ein anderer Schreibstil führte keineswegs zu kindlicher Spontaneität.

Auf dem Gemälde stellte Repin seine dar älteste Tochter Ich glaube. Außerdem nannte er es selbst Dragonfly. Schließlich ähnelt das blaue Kleid so sehr der Farbe einer Libelle, die ein paar Sekunden auf einem Baumstamm saß, um dann schnell mit Leichtigkeit in den Himmel aufzusteigen.

Vera lebte bis zu seinem Lebensende bei ihrem Vater. Sie hat nie geheiratet. Nur wenige Menschen sprachen schmeichelhaft über sie. Darunter Chukovsky, der die Familie Repin gut kannte, Korney Chukovsky.

Seinen Erinnerungen zufolge verkaufte Vera Iljinitschna ohne zu zögern die Gemälde ihres Vaters. Und von dem Geld, das ich verdiente, kaufte ich mir Ohrringe. Sie war „betrügerisch, feige ... und dumm im Kopf und im Herzen.“ Das ist so eine harte Kritik...

5. Walentin Serow. Mädchen, beleuchtet von der Sonne. 1888.

Walentin Serow. Mädchen, beleuchtet von der Sonne. 1888. Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau. Gekauft von P. Tretjakow.

Ein weiteres impressionistisch gemaltes Gemälde wird in der Tretjakow-Galerie aufbewahrt. Aber es wurde bereits von Valentin Serov erstellt.

Der Impressionismus drückt sich hier in einem unglaublichen Spiel von Licht und Schatten aus. Sonnenblendung, eine hell erleuchtete Lichtung wird mit der dunklen Rinde eines Baumes und dem Rand einer Tiefe kontrastiert von blauer Farbe.

Serov betrachtete „Das von der Sonne beleuchtete Mädchen“ als sein bestes Gemälde, obwohl er es im Alter von 23 Jahren malte. Er gab gegenüber Freunden zu, dass er sein ganzes Leben lang versucht hatte, etwas Ähnliches zu schaffen, aber es hat nie geklappt.

Seine Cousine Maria Simonovich posierte für Serov. Ganze drei Monate lang mehrere Stunden täglich. Der Künstler arbeitete so lange und sorgfältig an dem Gemälde, dass selbst die sehr geduldige Maria es nicht ertragen konnte. Im vierten Arbeitsmonat floh sie unter dem Vorwand, mit dem Unterricht zu beginnen, nach St. Petersburg.

Nicht nur, weil ich müde bin. Dann gab sie zu, dass sie Angst hatte, dass ihr Bruder es übertreiben könnte. Da sie selbst Bildhauerin war, wusste sie, dass man alles ruinieren konnte, wenn man ständig Änderungen am Werk vornahm.

Vielleicht hat sie das Richtige getan. Und dank ihr wurde das Bild zu einem Meisterwerk. An zweiter Stelle nach Serovs Gemälde.

6. Isaak Levitan. Über ewigen Frieden. 1894.

Isaac Levitan. Über ewiger Friede. 1894. Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau. Gekauft von P. Tretjakow.

„Über dem ewigen Frieden“ ist eine der russischsten und philosophischsten Landschaften Levitans. Dem universellen Maßstab der Flussfläche steht das Zerbrechliche gegenüber Menschenleben. Sein Symbol ist ein kaum wahrnehmbares Licht, das in der Kirche brennt.

Levitan selbst hielt dieses Bild für sehr wichtig, da er darin ein Spiegelbild seines Charakters und seiner Seele sah. Aber gleichzeitig machte sie ihm Angst. Es schien ihm, als strahle sie die Kälte der Ewigkeit aus, die „viele Generationen verschlungen hat und noch mehr verschlingen wird“.

Levitan war ein melancholischer Mensch, der dazu neigte dunkle Gedanken und Aktionen. So unternahm er ein Jahr nach dem Malen dieses Bildes einen demonstrativen Selbstmordversuch. Aufgrund der Höhen und Tiefen seines Privatlebens in einem niedergeschlagenen Zustand sein. Damals verliebten sich zwei Frauen gleichzeitig in ihn: Mutter und Tochter.

Im Allgemeinen ist dieses Bild ein Katalysator für Ihre Weltanschauung. Wenn Sie ein optimistischer Mensch sind, fühlen Sie sich eher von der Betrachtung des Weltraums inspiriert. Wenn Sie ein Pessimist sind, dann erwarten Sie andere Emotionen. Sie werden sich wahrscheinlich unwohl fühlen, wenn der Platz alles verschlingt. Michail Wrubel. Lila. 1900. Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau. 1929 vom I. Ostroukhov Museum erhalten.

Auf Vrubels Gemälde sehen wir ein auffallend schönes Flieder. Es wurde mit einem Spachtel* geschrieben, sodass die Blütenstände wie voluminöse Kristalle von außergewöhnlicher Farbe aussehen: von Hellblau bis Lila. Generell sind auf dem Bild so viele dieser Blumen zu sehen, dass man den Flieder riechen kann.

Vor dem Hintergrund des Busches erscheinen die Umrisse eines Mädchens – die Seele des Flieders. Wir sehen nur große dunkle Augen, dichtes Haar und anmutige Hände. Das Mädchen wird im Gegensatz zum Flieder mit einem Pinsel bemalt. Dies unterstreicht seine Unwirklichkeit.

Ein Gemälde kann uns in die Kindheit zurückversetzen. Schließlich waren wir damals geneigt, das Jenseits zu sehen. Hier laufen Sie in der späten Dämmerung einen Weg zwischen Fliederbüschen entlang und blicken ins Grüne. Und unsere Fantasie lockt uns mit dem Unbekannten: den Augen oder Silhouetten von jemandem.

Vrubel im Gegensatz dazu gewöhnlicher Mensch Diese besondere Vision behielt er zeitlebens bei. In seiner Fantasie tauchte er in andere Welten ein und zeigte sie uns dann. In Form von Dämonen, Seraphim oder Baumseelen.

Doch eines Tages konnte er nicht mehr zurückfinden. Kurz nachdem er „Lilac“ geschrieben hatte, begann Vrubels Geistesstörung fortzuschreiten. Er verschwand langsam in der Gefangenschaft anderer Welten und starb 1910.

In der Tretjakow-Galerie gibt es so viele Meisterwerke der russischen Malerei, dass es mir schwer fiel, nur sieben Gemälde auszuwählen. Bestimmt hat es jemandem nicht gefallen. Schließlich habe ich die beliebtesten Meisterwerke nicht in den Artikel aufgenommen. Und sie hat noch nicht über Wereschtschagin gesprochen und.

Ich ließ mich von meinem eigenen Geschmack leiten und wählte die Werke aus, die mich wirklich beeindruckten. Wenn Sie sie noch nicht bemerkt haben, hoffe ich, dass Sie neue Entdeckungen für sich machen konnten.

* Ein dünner Spachtel, mit dem Künstler Grundierung auf die Leinwand (die Basis für die Farbschicht des Gemäldes) auftragen. Manchmal wird dieses Werkzeug auch zum Auftragen von Farbe verwendet.

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Unterirdische Basis U-Boote in Balaklava - eines der berühmtesten Relikte kalter Krieg aus der Sowjetunion. Es war einmal, dass dieser streng geheime Komplex für den Fall geschaffen wurde letzter Krieg Menschheit - der Dritte Weltkrieg mit dem weit verbreiteten Einsatz von Atomwaffen. Glücklicherweise kam es im 20. Jahrhundert nicht zu einem neuen Weltmassaker, und das Land der Sowjets existierte überhaupt nicht. Aus diesen Gründen ist die Balaklawa auch heute noch eine stille Erinnerung an die Ängste und Ambitionen der Supermächte des letzten Jahrhunderts.

Schatten des Weltgemetzels

In Amerika ist die gesamte Geschichte vor und nach dem Bürgerkrieg geteilt. In unserem Land teilen die Bürger die Geschichte psychologisch in die Zeit vor und nach dem Zweiten Weltkrieg ein. In Deutschland war eine ähnliche Haltung während des 30-jährigen Krieges zu beobachten. Und wenn Sie darüber nachdenken, haben die Entwicklung von Atomwaffen sowie die anschließende Bombardierung von Hiroshima und Nagasaki die Geschichte der ganzen Welt in „Vorher“ und „Nachher“ geteilt.

Es ist schwierig und gleichzeitig beängstigend, sich vorzustellen, wie sich die Dinge entwickeln würden Weltgeschichte, wenn eine so mächtige Waffe in den Händen nur eines Staates bliebe. Aus zynischer Ironie“ Langer Frieden„In Europa wird vielleicht das Unmenschlichste verursacht. Im Gegensatz zu Margaret Thatchers Thesen über die Notwendigkeit, das nukleare Potenzial zu reduzieren, bleiben Atomwaffen der Knüppel, der zumindest einen Teil des Friedens rettet.

Das mag etwas zynisch klingen, aber die modernen Konflikte zwischen Russland und den USA sind im Vergleich zu denen, die nach dem Zweiten Weltkrieg zwischen der UdSSR und den USA entstanden, tatsächlich recht „leicht“. Die Entwicklung von Atomwaffen löste sowohl Atomwahn als auch Paranoia aus. Beispielsweise wurde in den USA am 19. Dezember 1949 ein Präventionsplan entwickelt Atomschlag gegen die Sowjetunion im Falle ihrer Aggression in Westeuropa, in den Nahen Osten oder nach Japan. Diese Initiative wurde „Operation Dropshot“ genannt.

Das Hauptziel der Operation Dropshot war die Zerstörung des sowjetischen Industriekomplexes innerhalb eines Monats. Um dies zu erreichen, wurden massive Bombenanschläge auf Städte der UdSSR mit 29.000 Tonnen konventioneller Bomben und 300 Einheiten 50-Kilogramm-Atombomben vorgeschrieben. Etwa 100 wurden als Ziele ausgewählt größten Städte Die Sowjetunion. Ballistische Raketen wird erst in 10 Jahren erscheinen. Die „nukleare Erpressung“ der UdSSR durch die Vereinigten Staaten verlor erst 1956 völlig ihre Wirkung, als die strategische Luftfahrt des Landes nachweisen konnte, dass sie bei Bedarf nach Übersee fliegen konnte, um einen Vergeltungsschlag zu starten.

Dementsprechend sollte man nicht glauben, dass die UdSSR keinen eigenen „Dropshot“ hatte. Obwohl die sowjetischen Initiativen größtenteils den Charakter von Vergeltungsmaßnahmen hatten, unterschieden sie sich ebenso wie die amerikanischen nicht in irgendeiner Art von Menschlichkeit.

„Gibt sich dem Feind nicht hin …“

In den ersten Jahrzehnten zur Zeit der Schöpfung Atombombe Die Menschheit versuchte aktiv zu verstehen, wie das Aussehen aussehen würde neuer Krieg. Zu dieser Zeit waren beide Weltkriege noch in Erinnerung, und daher schien der Dritte nichts Unglaubliches zu sein. Es liegt auf der Hand, dass Atomwaffen in erster Linie zur Zerstörung von Industrie, militärischen Einrichtungen und zum Völkermord an der Bevölkerung eingesetzt werden, wenn auch „begleitend“. Aus diesem Grund begann das Militär, Maßnahmen zum Schutz der wichtigsten Militäreinrichtungen zu ergreifen.

1947 entwickelte das Leningrader Designinstitut „Granit“ ein Projekt für einen Marinestützpunkt zum Schutz des Schwarzen Meeres U-Boot-Flotte im Falle eines Atomkrieges. Das Projekt des Komplexes wurde von Josef Stalin persönlich unterstützt. Für den Bau eines Komplexes mit einer Fläche von 15.000 Quadratmetern wurde die Stadt Balaklava ausgewählt. Bauarbeiten begann im Jahr 1953.

Interessante Tatsache: Die Sturmhaube wurde aus einem bestimmten Grund ausgewählt. Dies ist ein idealer natürlicher Schutz für eine Marine. Der Hafen ist nur 200-400 Meter breit und perfekt vor Stürmen und neugierigen Blicken geschützt. Unterirdischer Komplex Sie platzierten es unter dem Berg Tavros, was zu einem echten Fund wurde. Die Mächtigkeit des Marmorkalksteins erreicht 126 Meter. Dank dessen konnte der U-Boot-Stützpunkt in Balaklava die erste Kategorie des Anti-Atom-Widerstands erhalten – er hält Explosionen von bis zu 100 Kt stand.

Die Bauarbeiten an der geheimen Anlage wurden rund um die Uhr durchgeführt. Für Bergbau- und technische Arbeiten wurden Metrobauer aus Moskau, Charkow und Abakan hinzugezogen. Die Bohrungen wurden überwiegend im Sprengverfahren durchgeführt. Unmittelbar nach dem Entfernen der Erde und des Gesteins installierten die Arbeiter einen Metallrahmen und gossen erst danach M400-Beton ein. Infolgedessen wurde 1961 der Bau einer Spezialwerkstatt im Schiffsreparaturwerk mit Trockendock 825 GTS abgeschlossen. Der Komplex könnte bis zu neun U-Boote der kleinen Klasse oder sieben U-Boote der mittleren Klasse vor einem Atomangriff schützen. Ein Jahr später wurde der Komplex durch ein Atomwaffenarsenal ergänzt.

Interessante Tatsache: unterirdische Basis wurde so konzipiert, dass es im Falle eines Atomkrieges nicht nur das Personal des Reparaturkomplexes, sondern auch das Militärpersonal benachbarter Einheiten und die Zivilbevölkerung der Stadt selbst aufnehmen konnte.

Streng geheim

Aus Gründen der Geheimhaltung durften die Gerichte den Komplex nur betreten dunkle Zeit Tage. Eines der interessantesten Elemente des Komplexes ist der Southern Bathport – ein großes Seetor, das dazu beiträgt, die Bucht vor schädlichen Einflüssen zu schützen Nukleare Explosion. Es handelt sich naturgemäß um eine hohle Metallkonstruktion mit Abmessungen von 18 x 14 x 11 Metern und einem Gewicht von 150 Tonnen. Einst war auch der Eingang zum Kanal mit einem speziellen Tarnnetz in der Farbe der Felsen bedeckt, das mit einer Winde gezogen wurde.

Alle Vollzeitmitarbeiter des Komplexes in Balaklava haben eine Geheimhaltungsvereinbarung unterzeichnet. Darüber hinaus waren ihre Rechte während ihrer Beschäftigung und für weitere fünf Jahre nach der Entlassung eingeschränkt. Diesen Bürgern war es beispielsweise verboten, außerhalb der UdSSR zu reisen, auch in sozialistische Länder. Die Anlage selbst wurde von drei militärischen Wachposten bewacht. Die gesamte Basis war in zahlreiche Geheimhaltungsebenen unterteilt. Interessanterweise hatten einige Stockwerke und Flure zur leichteren Erkennung eine besondere Farbe.

All dies war notwendig, damit im Falle eines neuen Krieges die Sowjetunion konnte einige seiner U-Boote im Schwarzen Meer behalten, die anschließend zur weiteren Kontrolle der Region eingesetzt werden. Der Komplex hörte nach dem Zusammenbruch der UdSSR auf zu existieren. 1995 wurde die letzte Sicherung vom U-Boot-Stützpunkt entfernt. Der Arsenal-Komplex mit Waffen, darunter auch Atomwaffen, war fast zehn Jahre lang geheim. Heute ist der einst geheime Komplex nur noch ein Relikt aus dem Kalten Krieg.

Der Mensch ist unerschöpfliche Quelle Liebe, Freundlichkeit und Freude. Wir sind alle gleich, überall auf der Welt. Wir können unsere Emotionen in berührenden Momenten oder wenn unsere Seele schwer und schmerzhaft ist, nicht zurückhalten.

Diese Fotos zeigen, wie reich die Seele eines jeden Menschen ist, wie stark der Mensch im Geiste ist. Wenn Sie sich diese Fotos ansehen, sind Sie überzeugt, dass für uns das Leben das Wichtigste ist. Und das Leben ist Liebe, die Wärme unseres Herzens, Freundlichkeit gegenüber unseren Nachbarn und Freude an jedem Tag des Lebens.

Der achtjährige Christ nimmt währenddessen die Fahne entgegen Gedenkgottesdienst nach seinem Vater, der auf Patrouille im Irak getötet wurde

Alkoholischer Vater und sein Sohn

„Papa, warte auf mich.“ Bevor man in den Krieg zieht

Sowjetische Soldaten Bereit machen für Schlacht von Kursk, Juli 1943

Auf dem Höhepunkt der Aufstände in Kairo 2011 beschützen Christen Muslime beim Gebet

Terry Gurola lernt seine Tochter kennen, nachdem er sieben Monate im Irak gedient hat

Rumänisches Kinderspenden Luftballon...an einen Polizisten während der Proteste in Bukarest

Fünfjähriges Kind gerettet, nachdem es nach dem Erdbeben in Haiti acht Tage lang unter Trümmern gefangen war

Ajim Shalu, 2, wird in einem Flüchtlingslager im Kosovo über einen Stacheldrahtzaun in die Hände seiner Großeltern übergeben.

Ein weinender Mann... Er sieht aus Familienalbum der nach dem Erdbeben in Sichuan in den Trümmern seines alten Hauses gefunden wurde

Ikonisches Foto eines unbekannten Rebellen, der während der Proteste auf dem Platz des Himmlischen Friedens 1989 in einem Akt der Gehorsamsverweigerung vor einer Kolonne chinesischer Panzer stand

Freunde an vorderster Front, die jedes Jahr fotografiert wurden, bis einer von ihnen starb

Der 17-jährige Jan Rose Kashmir überreicht Soldaten während eines Antikriegsprotestes vor dem Pentagon im Jahr 1967 eine Blume

Die afroamerikanischen Athleten Tommie Smith und John Carlos heben solidarisch ihre Fäuste Olympische Spiele 1968

Jüdische Häftlinge bei ihrer Befreiung aus dem Lager nahe der Elbe im Jahr 1945

John F. Kennedy Jr. begrüßt den Sarg seines Vaters

Ein Hund wurde nach dem japanischen Tsunami 2011 wieder mit seinem Besitzer vereint

Ein deutscher Gefangener, der nach dem Zweiten Weltkrieg von der UdSSR gefangen genommen wurde, sieht zum ersten Mal seine Tochter, die er seit ihrem ersten Lebensjahr nicht mehr gesehen hat.

Ein Pariser weint verzweifelt, als die Nazis Paris im Zweiten Weltkrieg besetzen.

Ein Veteran fand den Panzer, mit dem er den gesamten Krieg während des Großen Vaterländischen Krieges durchgemacht hatte Vaterländischer Krieg. Der Tank wurde eingebaut Kleinstadt wie ein Denkmal

Sonnenuntergang auf dem Mars

Herzchirurg nach einer 23-stündigen (erfolgreichen) Herztransplantation. Sein Assistent schläft in der Ecke

Der Patient überlebte nicht nur die Operation, sondern auch seinen Arzt

Horace Grizzly starrt Heinrich Himmler trotzig an, als er das Lager inspiziert, in dem er eingesperrt war. Grizzly floh mehr als 200 Mal aus dem Lager und machte sich auf den Weg zurück, um ein einheimisches deutsches Mädchen zu treffen, in das er verliebt war

Während einer schweren Überschwemmung im indischen Cuttack im Jahr 2011 rettete ein heldenhafter Anwohner streunende Katzen.

6-jähriger Junge, der in wohnt Waisenhaus in Österreich, freut sich und umarmt ein neues Paar Schuhe, das ihm das Amerikanische Rote Kreuz geschenkt hat. Foto von 1946

Harold Whitles hört zum ersten Mal in seinem Leben, nachdem ihm ein Arzt ein Hörgerät ins linke Ohr eingesetzt hat.

„Hand der Hoffnung“ – ungeborenes Kind zieht seine Hand aus dem Schnitt in der Gebärmutter seiner Mutter während der Operation und ergreift plötzlich die Hand des Chirurgen

Ein 12-jähriger Brasilianer spielt Geige bei der Beerdigung seines Lehrers. Ein Lehrer half ihm durch Musik, Armut und Gewalt zu entkommen

Ein russischer Soldat spielt 1994 in Tschetschenien auf einem verlassenen Klavier.

Bildende Kunst kann eine ganze Reihe von Emotionen hervorrufen. Manche Bilder lassen einen stundenlang anstarren, während andere buchstäblich schockieren, in Erstaunen versetzen und „das Gehirn“ und damit auch die Weltanschauung „explodieren“ lassen.

Es gibt solche Meisterwerke, die zum Nachdenken und Suchen anregen geheime Bedeutung. Manche Gemälde sind von mystischen Geheimnissen umgeben, während bei anderen die Hauptsache ihr exorbitant hoher Preis ist. Wir können sagen, dass die Malerei, wenn wir die Realisten nicht berücksichtigen, immer seltsam war, ist und sein wird. Aber manche Gemälde sind seltsamer als andere. Und obwohl das eigentliche Konzept der Fremdheit subjektiv ist, können wir diese hervorheben Berühmte Werke, die sich deutlich von der allgemeinen Serie abheben.

Edvard Munch „Der Schrei“.

Das 91 x 73,5 cm große Werk entstand 1893. Munch malte es in Öl, Pastell und Tempera; heute wird das Gemälde aufbewahrt Nationalgallerie Oslo. Das Werk des Künstlers ist zu einer Ikone des Impressionismus geworden; es ist allgemein eines der berühmtesten Gemälde der Welt. Munch selbst erzählte die Geschichte seiner Entstehung: „Ich ging mit zwei Freunden einen Weg entlang. Zu dieser Zeit ging die Sonne unter. Plötzlich wurde der Himmel blutrot, ich hielt erschöpft inne und lehnte mich an den Zaun. Ich betrachtete das Blut und die Flammen über dem blauschwarzen Fjord und der Stadt. Meine Freunde zogen weiter, aber ich stand immer noch da, zitterte vor Aufregung und spürte, wie ein endloser Schrei die Natur durchdrang.“

Es gibt zwei Versionen der Interpretation der gezeichneten Bedeutung. Wir können davon ausgehen, dass die dargestellte Figur von Entsetzen erfasst wird und lautlos mit den Händen an den Ohren schreit. Eine andere Version besagt, dass der Mann seine Ohren vor dem Geschrei um ihn herum bedeckte. Insgesamt schuf Munch bis zu vier Versionen von „The Scream“. Einige Experten glauben, dass dieses Gemälde eine klassische Manifestation der manisch-depressiven Psychose ist, an der der Künstler litt. Als Munch in der Klinik behandelt wurde, kehrte er nie wieder zu diesem Gemälde zurück.

Paul Gauguin „Wo kommen wir her? Wer sind wir? Wohin gehen wir?".

Im Boston Museum Bildende Kunst Sie finden dieses impressionistische Werk mit den Maßen 139,1 x 374,6 cm. Es wurde 1897-1898 in Öl auf Leinwand gemalt. Dieses tiefgründige Werk wurde von Gauguin auf Tahiti geschrieben, wo er sich vom Trubel des Pariser Lebens zurückzog. Das Gemälde wurde für den Künstler so wichtig, dass er nach seiner Fertigstellung sogar Selbstmord begehen wollte. Gauguin glaubte, dass es alles, was er zuvor geschaffen hatte, um Längen übertraf. Der Künstler glaubte, dass er nicht in der Lage sein würde, etwas Besseres oder Ähnliches zu schaffen; er hatte einfach nichts anderes anzustreben.

Gauguin lebte noch fünf Jahre und bewies die Wahrheit seiner Urteile. Er selbst sagte, dass er Hauptbild muss von rechts nach links betrachtet werden. Es gibt drei Hauptgruppen von Figuren, die die Themen verkörpern, mit denen die Leinwand betitelt ist. Drei Frauen mit Kind zeigen den Beginn des Lebens, in der Mitte symbolisieren Menschen die Reife, das Alter wird dargestellt alte Frau die auf ihren Tod wartet. Es scheint, dass sie sich damit abgefunden hat und über etwas Eigenes nachdenkt. Liegt zu ihren Füßen weißer Vogel, symbolisiert die Bedeutungslosigkeit von Wörtern.

Pablo Picasso „Guernica“.

Picassos Schöpfung wird im Reina Sofia Museum in Madrid aufbewahrt. Großes Bild Maße: 349 x 776 cm, gemalt in Öl auf Leinwand. Dieses Freskogemälde entstand 1937. Der Film erzählt vom Überfall faschistischer freiwilliger Piloten auf die Stadt Guernica. Infolge dieser Ereignisse wurde eine Stadt mit 6.000 Einwohnern vollständig vom Erdboden vernichtet.

Der Künstler schuf dieses Gemälde buchstäblich in einem Monat. In den ersten Tagen arbeitete Picasso 10-12 Stunden und in seinen ersten Skizzen war die Grundidee bereits sichtbar. Dadurch wurde das Bild zu einem von beste Illustrationen all die Schrecken des Faschismus, der Grausamkeit und des menschlichen Leids. In Guernica ist ein Schauplatz der Gräueltaten, der Gewalt, des Todes, des Leids und der Hilflosigkeit zu sehen. Obwohl die Gründe dafür nicht explizit genannt werden, sind sie aus der Geschichte klar ersichtlich. Es heißt, dass Pablo Picasso 1940 sogar zur Gestapo in Paris vorgeladen wurde. Er wurde sofort gefragt: „Hast du es getan?“ Darauf antwortete der Künstler: „Nein, du hast es geschafft.“

Jan van Eyck „Porträt des Ehepaares Arnolfini.“

Dieses Gemälde wurde 1434 in Öl auf Holz gemalt. Die Abmessungen des Meisterwerks betragen 81,8 x 59,7 cm und es wird in der London National Gallery aufbewahrt. Vermutlich zeigt das Gemälde Giovanni di Nicolao Arnolfini zusammen mit seiner Frau. Das Werk ist eines der komplexesten der westlichen Malschule der nördlichen Renaissance.

In diesem berühmtes Gemälde eine Vielzahl von Symbolen, Allegorien und verschiedenen Hinweisen. Schauen Sie sich einfach die Unterschrift des Künstlers an: „Jan van Eyck war hier.“ Dadurch ist das Gemälde nicht nur ein Kunstwerk, sondern ein echtes historisches Dokument. Immerhin zeigt es echtes Ereignis, das van Eyck einfing.

Mikhail Vrubel „Der sitzende Dämon“.

Die Tretjakow-Galerie beherbergt dieses Meisterwerk von Michail Wrubel, das 1890 in Öl gemalt wurde. Die Leinwandgröße beträgt 114x211 cm. Der hier abgebildete Dämon ist überraschend. Er erscheint als trauriger junger Mann mit lange Haare. So stellen sich die Menschen normalerweise keine bösen Geister vor. Vrubel selbst sagte über sein berühmtestes Gemälde, dass der Dämon in seinem Verständnis weniger ein böser als vielmehr ein leidender Geist sei. Gleichzeitig kann man ihm Autorität und Majestät nicht absprechen.

Vrubels Dämon ist in erster Linie ein Bild des menschlichen Geistes, des ständigen Kampfes mit sich selbst und der Zweifel, die in uns herrschen. Dieses von Blumen umgebene Geschöpf faltete tragischerweise die Hände und blickte mit seinen großen Augen traurig in die Ferne. Die gesamte Komposition bringt die Zwanghaftigkeit der Dämonenfigur zum Ausdruck. Er scheint in diesem Bild zwischen der Ober- und Unterseite des Bilderrahmens eingeklemmt zu sein.

Wassili Wereschtschagin „Apotheose des Krieges“.

Das Bild wurde 1871 gemalt, doch der Autor schien darin die Schrecken zukünftiger Weltkriege vorherzusehen. Die 127 x 197 cm große Leinwand wird in der Tretjakow-Galerie aufbewahrt. Wereschtschagin gilt als einer der besten Schlachtenmaler der russischen Malerei. Allerdings schrieb er Kriege und Schlachten nicht, weil er sie liebte. Künstler bedeutet bildende Kunst versuchte, den Menschen seine negative Einstellung zum Krieg zu vermitteln. Einmal versprach Wereschtschagin sogar, keine Schlachtenbilder mehr zu malen. Schließlich lag dem Künstler die Trauer um jeden verwundeten und getöteten Soldaten zu sehr am Herzen. Das Ergebnis einer solch herzlichen Einstellung zu diesem Thema war „Die Apotheose des Krieges“.

Ein gruseliges und bezauberndes Bild zeigt einen Berg menschlicher Schädel auf einem Feld, umgeben von Krähen. Wereschtschagin hat eine emotionale Leinwand geschaffen; hinter jedem Schädel in einem riesigen Haufen kann man die Geschichte und das Schicksal von Einzelpersonen und ihnen nahestehenden Menschen verfolgen. Der Künstler selbst nannte dieses Gemälde sarkastisch ein Stillleben, weil es die tote Natur darstellt. Alle Details von „Apotheosis of War“ schreien nach Tod und Leere, dies ist sogar im gelben Hintergrund der Erde zu erkennen. Und das Blau des Himmels betont nur den Tod. Die Vorstellung von den Schrecken des Krieges wird durch Einschusslöcher und Säbelspuren auf den Schädeln unterstrichen.

Grant Wood „American Gothic“

Dieses kleine Gemälde misst 74 x 62 cm. Es wurde 1930 geschaffen und wird heute im Art Institute of Chicago aufbewahrt. Das Bild ist eines der schönsten berühmte Beispiele Amerikanische Kunst des letzten Jahrhunderts. Schon in unserer Zeit wird in den Medien häufig der Name „American Gothic“ erwähnt. Das Gemälde zeigt einen eher düsteren Vater und seine Tochter.

Zahlreiche Details erzählen von der Strenge, dem Puritanismus und der Verknöcherung dieser Menschen. Sie haben unzufriedene Gesichter, in der Mitte des Bildes sind aggressive Mistgabeln zu sehen und die Kleidung des Paares ist selbst für damalige Verhältnisse altmodisch. Sogar die Naht an der Kleidung eines Bauern hat die Form einer Heugabel und verdoppelt so die Bedrohung für diejenigen, die in seine Lebensweise eingreifen würden. Die Details des Bildes können endlos studiert werden, wobei man sich körperlich unwohl fühlt.

Es ist interessant, dass das Bild einst bei einem Wettbewerb am Art Institute of Chicago von der Jury als humorvoll eingestuft wurde. Doch die Einwohner von Iowa waren vom Künstler beleidigt, weil er sie in einem so unansehnlichen Blickwinkel zeigte. Das Modell für die Frau war Woods Schwester, aber der Prototyp für den wütenden Mann war der Zahnarzt des Malers.

Rene Magritte „Liebhaber“.

Das Gemälde wurde 1928 in Öl auf Leinwand gemalt. In diesem Fall gibt es zwei Möglichkeiten. Auf einem von ihnen küssen sich ein Mann und eine Frau, nur ihre Köpfe sind in weißes Tuch gehüllt. In einer anderen Version des Gemäldes schauen die Liebenden den Betrachter an. Das Gezeichnete überrascht und fasziniert zugleich. Figuren ohne Gesicht symbolisieren die Blindheit der Liebe. Es ist bekannt, dass Liebende niemanden in der Nähe sehen, aber wir können sie nicht sehen wahre Gefühle. Auch füreinander sind diese gefühlsblinden Menschen eigentlich ein Rätsel.

Und obwohl die Hauptbotschaft des Films klar zu sein scheint, regt „Lovers“ dennoch dazu an, sie anzuschauen und über die Liebe nachzudenken. Im Allgemeinen sind fast alle Gemälde von Magritte Rätsel, die völlig unmöglich zu lösen sind. Schließlich werfen diese Gemälde die zentralen Fragen nach dem Sinn unseres Lebens auf. Darin spricht der Künstler über die illusorische Natur dessen, was wir sehen, über die Tatsache, dass es um uns herum viele mysteriöse Dinge gibt, die wir versuchen, nicht wahrzunehmen.

Marc Chagall „Spaziergang“.

Das Gemälde wurde 1917 in Öl auf Leinwand gemalt und wird heute im Staat aufbewahrt Tretjakow-Galerie. Marc Chagall ist in seinen Werken meist ernst, doch hier erlaubte er sich, seine Gefühle zu zeigen. Das Gemälde drückt das persönliche Glück des Künstlers aus; es ist voller Liebe und Allegorien.

Sein „Walk“ ist ein Selbstporträt, auf dem Chagall seine Frau Bella neben sich darstellt. Sein Auserwählter schwebt in den Himmel, sie ist dabei, den Künstler dorthin zu ziehen, der fast schon den Boden verlassen hat und ihn nur mit seinen Schuhspitzen berührt. In der anderen Hand des Mannes ist eine Meise. Wir können sagen, dass Chagall sein Glück so dargestellt hat. Er hat ein Traumobjekt in Form seiner geliebten Frau und einen Vogel in seinen Händen, womit er seine Kreativität meinte.

Hieronymus Bosch „Der Garten der Lüste“.

Diese 389 x 220 cm große Leinwand wird im Spanischen Rechtsmuseum aufbewahrt. Bosch malte das Ölgemälde auf Holz zwischen 1500 und 1510. Dies ist Boschs berühmtestes Triptychon. Obwohl das Gemälde aus drei Teilen besteht, ist es nach dem zentralen Teil benannt, der der Wollust gewidmet ist. Es gibt ständige Debatten über die Bedeutung des seltsamen Gemäldes; es gibt keine Interpretation, die als die einzig richtige anerkannt werden würde.

Das Interesse am Triptychon entsteht aufgrund der vielen kleine Teile, die den Hauptgedanken zum Ausdruck bringen. Es gibt durchscheinende Figuren, ungewöhnliche Strukturen, Monster, wahr gewordene Albträume und Visionen sowie höllische Variationen der Realität. Dem Künstler gelang es, all dies mit einem scharfen und forschenden Blick zu betrachten und es gelang ihm, unterschiedliche Elemente auf einer einzigen Leinwand zu vereinen.

Einige Forscher versuchten, in dem Bild ein Spiegelbild des menschlichen Lebens zu sehen, was der Autor als vergeblich ansah. Andere fanden Bilder der Liebe, andere entdeckten den Triumph der Wollust. Es ist jedoch zweifelhaft, dass der Autor versucht hat, fleischliche Freuden zu verherrlichen. Schließlich werden die menschlichen Figuren mit kalter Distanziertheit und Einfachheit dargestellt. Und die kirchlichen Behörden reagierten durchaus positiv auf dieses Gemälde von Bosch.

Gustav Klimt „Die drei Lebensalter der Frau“.

In der Nationalgalerie Rom zeitgenössische Kunst Dieses Bild befindet sich. Die quadratische Leinwand mit einer Breite von 180 cm wurde 1905 in Öl auf Leinwand gemalt. Dieses Gemälde drückt gleichzeitig Freude und Trauer aus. Dem Künstler gelang es, das gesamte Leben einer Frau in drei Figuren darzustellen. Der erste, noch ein Kind, ist äußerst sorglos. Eine reife Frau drückt Frieden aus und letztes Alter symbolisiert Verzweiflung. Dabei Durchschnittsalter organisch in das Lebensornament eingewebt, und das Alte hebt sich deutlich von seinem Hintergrund ab.

Der deutliche Kontrast zwischen der jungen Frau und der älteren Frau ist symbolisch. Wenn das Aufblühen des Lebens von zahlreichen Möglichkeiten und Veränderungen begleitet wird, dann ist die letzte Phase eine tief verwurzelte Beständigkeit und ein Konflikt mit der Realität. Ein solches Bild erregt Aufmerksamkeit und regt zum Nachdenken über die Absicht des Künstlers und deren Tiefe an. Es enthält das gesamte Leben mit seinen Unausweichlichkeiten und Metamorphosen.

Egon Schiele „Familie“.

Diese 152,5 x 162,5 cm große Leinwand wurde 1918 in Öl gemalt. Heutzutage wird es im Wiener Belvedere aufbewahrt. Schieles Lehrer war Klimt selbst, aber der Schüler versuchte nicht, ihn fleißig zu kopieren, sondern suchte nach eigenen Ausdrucksmethoden. Wir können mit Sicherheit sagen, dass Schieles Werke noch tragischer, beängstigender und seltsamer sind als die von Klimt.

Manche Elemente würde man heute als pornographisch bezeichnen, es gibt viele verschiedene Perversionen, der Naturalismus ist in seiner ganzen Schönheit vorhanden. Gleichzeitig sind die Bilder buchstäblich von einer Art schmerzlicher Verzweiflung durchdrungen. Der Höhepunkt von Schieles und seiner eigenen Kreativität letztes Bild ist „Familie“.

In diesem Gemälde wird die Verzweiflung auf ein Maximum gebracht, während sich das Werk selbst für den Autor als am wenigsten seltsam herausstellte. Nachdem Schieles schwangere Frau kurz vor seinem Tod an der Spanischen Grippe starb, entstand dieses Meisterwerk. Zwischen den beiden Todesfällen vergingen nur drei Tage; sie reichten aus, um sich selbst mit seiner Frau darzustellen geborenes Kind. Zu diesem Zeitpunkt war Shila erst 28 Jahre alt.

Frida Kahlo „Zwei Fridas“.

Das Bild entstand 1939. Mexikanischer Künstler Frida Kahlo wurde durch die Veröffentlichung eines Films über sie mit Salma Hayek berühmt Hauptrolle. Die Arbeit der Künstlerin basierte auf ihren Selbstporträts. Sie selbst erklärte diesen Umstand so: „Ich schreibe selbst, weil ich viel Zeit alleine verbringe und weil ich das Thema bin, das ich am besten kenne.“

Interessant ist, dass Frida auf keinem ihrer Bilder lächelt. Ihr Gesicht ist ernst, sogar etwas traurig. Zusammengewachsene, dichte Augenbrauen und ein kaum wahrnehmbarer Schnurrbart über den zusammengepressten Lippen drücken maximale Ernsthaftigkeit aus. Die Ideen der Bilder liegen in den Figuren, Hintergründen und Details dessen, was Frida umgibt.

Die Symbolik der Gemälde basiert auf nationale Traditionen Mexiko, eng verwoben mit der altindischen Mythologie. „Two Fridas“ ist eines der beliebtesten beste Gemälde Mexikaner. Drin auf originelle Weise zeigt maskulin und feminin ein einziges Kreislaufsystem haben. Damit zeigte der Künstler die Einheit und Integrität dieser beiden Gegensätze.

Claude Monet „Waterloo-Brücke. Nebeleffekt.

In der St. Petersburger Eremitage finden Sie dieses Gemälde von Monet. Es wurde 1899 in Öl auf Leinwand gemalt. Bei näherer Betrachtung des Gemäldes erscheint es als violetter Fleck mit dicken Strichen darauf. Doch wenn man sich von der Leinwand entfernt, erkennt der Betrachter ihre ganze Magie.

Zunächst werden vage durch die Bildmitte verlaufende Halbkreise sichtbar und die Umrisse von Booten erscheinen. Und schon aus ein paar Metern Entfernung erkennt man alle miteinander verbundenen Bildelemente logische Kette, stellt adme.ru fest.

Jackson Pollock „Nummer 5, 1948“.

Pollock ist ein Klassiker des Genres des abstrakten Expressionismus. Seine meisten berühmtes Bild ist mit Abstand das teuerste der Welt. Und der Künstler hat es 1948 einfach gemalt Ölgemälde auf Faserplatte im Format 240x120 cm auf dem Boden. Im Jahr 2006 wurde dieses Gemälde bei Sotheby's für 140 Millionen Dollar verkauft.

Der Vorbesitzer, Sammler und Filmproduzent David Giffen, verkaufte es an den mexikanischen Finanzier David Martinez. Pollock sagte, er habe sich entschieden, von so vertrauten Künstlerwerkzeugen wie Staffelei, Farben und Pinseln Abstand zu nehmen. Seine Werkzeuge waren Stöcke, Messer, Schaufeln und fließende Farbe. Er verwendete auch eine Mischung davon mit Sand oder sogar Glasscherben.

Pollock beginnt zu kreieren und gibt sich der Inspiration hin, ohne überhaupt zu merken, was er tut. Erst dann kommt die Erkenntnis, was perfekt ist. Gleichzeitig hat der Künstler keine Angst davor, das Bild zu zerstören oder versehentlich zu verändern – das Gemälde beginnt zu leben eigenes Leben. Pollocks Aufgabe ist es, dabei zu helfen, dass es geboren wird und herauskommt. Wenn der Meister jedoch den Kontakt zu seiner Schöpfung verliert, wird das Ergebnis Chaos und Schmutz sein. Im Erfolgsfall verkörpert das Gemälde pure Harmonie und Leichtigkeit, Inspirationen aufzunehmen und umzusetzen.

Joan Miró „Mann und Frau vor einem Haufen Kot.“

Dieses Gemälde wird heute in der Stiftung des Künstlers in Spanien aufbewahrt. Es wurde 1935 in nur einer Woche vom 15. bis 22. Oktober in Öl auf Kupferblech gemalt. Die Größe der Kreation beträgt nur 23 x 32 cm. Trotz eines so provokanten Namens spricht das Bild von Horror Bürgerkriege. Der Autor selbst schilderte somit die Ereignisse dieser Jahre in Spanien. Miro versuchte, eine Phase der Angst darzustellen.

Auf dem Bild sieht man einen regungslosen Mann und eine Frau, die sich dennoch zueinander hingezogen fühlen. Die Leinwand ist mit unheilvollen giftigen Blumen übersät, zusammen mit vergrößerten Genitalien sieht sie bewusst ekelhaft und ekelhaft sexy aus.

Jacek Yerka „Erosion“.

In den Werken dieses polnischen Neosurrealisten entstehen ineinander verflochtene Bilder der Realität neue Realität. In mancher Hinsicht sind sogar berührende Gemälde äußerst detailliert. Sie enthalten Anklänge an die Surrealisten der Vergangenheit, von Bosch bis Dali.

Yerka ist in dieser Atmosphäre aufgewachsen mittelalterliche Architektur, das wie durch ein Wunder die Bombenangriffe des Zweiten Weltkriegs überlebte. Er begann bereits vor seinem Studium mit dem Zeichnen. Sie versuchten, seinen Stil moderner und weniger detailliert zu gestalten, aber Yerka selbst behielt seine Individualität bei. Heute ist es ungewöhnliche Gemälde nicht nur in Polen, sondern auch in Deutschland, Frankreich, Monaco und den USA ausgestellt. Sie befinden sich in zahlreichen Sammlungen auf der ganzen Welt.

Bill Stonehams Hände widerstehen ihm.

Das 1972 entstandene Gemälde kann kaum als Klassiker der Malerei bezeichnet werden. Es besteht jedoch kein Zweifel daran, dass es sich um eine der seltsamsten Schöpfungen von Künstlern handelt. Das Gemälde zeigt einen Jungen, neben ihm steht eine Puppe und hinter ihm sind zahlreiche Handflächen gegen das Glas gedrückt. Dieses Gemälde ist seltsam, geheimnisvoll und etwas mystisch. Es ist bereits mit Legenden überwuchert. Man sagt, dass wegen dieses Gemäldes jemand gestorben ist, aber die Kinder darin leben. Sie sieht wirklich gruselig aus. Es ist nicht verwunderlich, dass das Bild bei Menschen mit einer kranken Psyche Ängste und schreckliche Fantasien hervorruft.

Stoneham selbst versicherte, dass er sich im Alter von 5 Jahren selbst gemalt habe. Die Tür hinter dem Jungen ist eine Barriere zwischen der Realität und der Welt der Träume. Die Puppe ist ein Führer, der ein Kind von einer Welt in eine andere führen kann. Hände sind alternative Leben oder menschliche Fähigkeiten.

Das Bild wurde im Februar 2000 berühmt. Es wurde bei eBay zum Verkauf angeboten mit der Behauptung, es spuke darin. Infolgedessen wurde „Hands Resist Him“ von Kim Smith für 1.025 US-Dollar gekauft. Bald wurde der Käufer regelrecht mit Briefen überschwemmt Gruselgeschichten mit dem Gemälde in Verbindung gebracht und fordert die Zerstörung dieses Gemäldes.