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Was für ein seltsames Gemälde das ist – Stillleben: Es lässt Sie eine Kopie von Dingen bewundern, deren Originale Sie nicht bewundern können.

Blaise Pascal

Und wirklich, haben Sie schon einmal die Früchte vom Küchentisch betrachtet? Na ja... außer wenn du hungrig warst, oder? Aber ein Bild mit einem Obstarrangement oder einem luxuriösen Blumenstrauß kann man stundenlang bewundern. Genau darin liegt der besondere Zauber des Stilllebens.

Aus dem Französischen übersetzt bedeutet Stillleben „tote Natur“(Natur morte). Dies ist jedoch nur eine wörtliche Übersetzung.

Tatsächlich Stillleben- Dies ist ein Bild von bewegungslosen, gefrorenen Objekten (Blumen, Gemüse, Obst, Möbel, Teppiche usw.). Die ersten Stillleben finden sich auf den Fresken des antiken Griechenlands und des antiken Roms.

Stillleben (Fresko aus Pompeji) 63-79, Neapel, Nationalgallerie Capodimonte. Unbekannter Autor.

Wenn ein Freund einen Römer besuchte, erforderten gute Manieren, dass der Hausbesitzer sein bestes Silberbesteck zeigte. Diese Tradition spiegelt sich deutlich im Stillleben aus dem Grab des Vestorius Priscus in Pompeji wider.

Im Zentrum der Komposition steht ein Gefäß zum Mischen von Wein und Wasser, die Verkörperung des Fruchtbarkeitsgottes Dionysos-Liber. Auf beiden Seiten des goldenen Tisches sind Krüge, Krüge und Weinhörner symmetrisch platziert.

Stillleben besteht jedoch nicht nur aus Früchten, Gemüse und Blumen, sondern auch ... aus einem menschlichen Schädel, der die Vergänglichkeit widerspiegeln soll Menschenleben. Genau so stellten sich die Vertreter des Genres „Vanitas“, Vertreter der Frühphase der Stilllebenentwicklung, das Stillleben vor.

Ein herausragendes Beispiel ist ein allegorisches Stillleben eines niederländischen Künstlers Willem Claes Heda, wo neben dem Schädel eine Pfeife abgebildet ist – ein Symbol für die Flüchtigkeit irdischer Freuden, ein Glasgefäß – ein Spiegelbild der Zerbrechlichkeit des Lebens, Schlüssel – ein Symbol für die Macht einer Hausfrau, die Vorräte verwaltet. Das Messer symbolisiert die Verletzlichkeit des Lebens und die Kohlenpfanne, in der die Kohlen kaum noch glühen, bedeutet sein Aussterben.

Eitelkeit. Vanitas, 1628, Willem Claes Heda.

Willem Heda wird zu Recht genannt „Meister des Frühstücks“ Mithilfe einer interessanten Anordnung von Speisen, Geschirr und Küchenutensilien gelang es dem Künstler, die Stimmung der Gemälde überraschend genau wiederzugeben. Und seine Fähigkeit, Lichtreflexionen auf den perfekt glatten Oberflächen von Silberschalen und Glaskelchen darzustellen, überraschte selbst bedeutende Zeitgenossen des Künstlers.

Es ist unglaublich, wie genau und feinfühlig Heda jedes noch so kleine Detail wiedergeben konnte: das Spiel des Lichts, die Formmerkmale, die Farben der Objekte. In allen Gemälden des Niederländers stecken Mysterium, Poesie und aufrichtige Bewunderung für die Welt der Objekte.

Stillleben berühmter Künstler

Stillleben war oft fasziniert berühmte Künstler. Als nächstes werde ich Ihnen von den Meistern des Pinsels und ihren erstaunlichen Werken erzählen.

Pablo Picasso ist der teuerste Künstler der Welt

Einzigartig und unnachahmlich – so nennt man den herausragenden spanischen Künstler des 20. Jahrhunderts. Pablo Picasso. Jedes Werk des Autors ist ein Tandem aus originellem Design und Genialität.

Stillleben mit Blumenstrauß, 1908

Stillleben mit Glühbirnen, 1908

Neben der traditionell perfekten realistischen, lichtdurchfluteten und helle Farben Picasso liebte düstere Stillleben in bläulich-grauen Tönen Kubismus. Der Künstler ordnete Objekte oder Figuren in seinen Gemälden in kleinen geometrischen Formen an.

Und obwohl Kunstkritiker Picassos Kubismus nicht erkannten, verkaufen sich seine Werke mittlerweile gut und befinden sich im Besitz der reichsten Sammler der Welt.

Gitarre und Noten, 1918

Der exzentrische Vincent Van Gogh

Neben der berühmten Sternennacht wurde die Gemäldeserie mit Sonnenblumen zu einem einzigartigen Symbol für Van Goghs Werk. Der Künstler plante, sein Haus in Arles zur Ankunft seines Freundes Paul Gauguin mit Sonnenblumen zu schmücken.

„Der Himmel ist herrlich blau. Die Sonnenstrahlen sind blassgelb. Dies ist eine sanfte, magische Kombination aus Himmelblau- und Gelbtönen aus den Gemälden von Vermeer aus Delft ... So etwas Schönes kann ich nicht malen ...“- Van Gogh sagte zum Scheitern verurteilt. Vielleicht hat der Künstler deshalb unzählige Male Sonnenblumen gemalt.

Vase mit 12 Sonnenblumen, 1889

Unglückliche Liebe, Armut und Nichtannahme seiner Arbeit veranlassen den Künstler zu verrückten Taten und beeinträchtigen seine Gesundheit erheblich. Sondern zum Malen talentierter Künstler beharrlich schrieb: „Selbst wenn ich neunundneunzig Mal falle, werde ich beim hundertsten Mal wieder aufstehen.“

Stillleben mit roten Mohnblumen und Gänseblümchen. Auvers, Juni 1890.

Iris. Saint-Rémy, Mai 1890

Umfassende Stillleben von Paul Cézanne

„Ich möchte der Natur die Ewigkeit zurückgeben“- wiederholte der große französische Künstler Paul Cezanne gern. Der Künstler stellte nicht das zufällige Spiel von Licht und Schatten dar, das sich nicht veränderte, sondern die konstante Beschaffenheit von Objekten.

Er versucht, Objekte von allen Seiten zu zeigen und beschreibt sie so, dass der Betrachter das Stillleben wie aus verschiedenen Blickwinkeln bewundert. Wir sehen den Tisch von oben, die Tischdecke und das Obst von der Seite, die Kiste im Tisch von unten und den Krug gleichzeitig von verschiedenen Seiten.

Pfirsiche und Birnen, 1895

Stillleben mit Kirschen und Pfirsichen, 1883-1887.

Stillleben zeitgenössischer Künstler

Die Farbpalette und eine große Vielfalt an Farbtönen ermöglichen es den Stilllebenmeistern von heute, unglaublichen Realismus und Schönheit zu erreichen. Möchten Sie die beeindruckenden Gemälde talentierter Zeitgenossen bewundern?

Der Brite Cecil Kennedy

Es ist unmöglich, den Blick von den Gemälden dieses Künstlers abzuwenden – seine Werke sind so bezaubernd! Mmmm... ich glaube, ich kann diese unglaublich schönen Blumen schon riechen. Und du?

Cecil Kennedy gilt zu Recht als der herausragendste britische Künstler unserer Zeit. Gewinner mehrerer prestigeträchtiger Auszeichnungen und Favorit vieler „ mächtig der Welt Berühmt wurde Kennedy allerdings erst, als er weit über 40 war.

Der belgische Künstler Julian Stappers

Informationen über das Leben des belgischen Künstlers Julian Stappers sind rar, was über seine Gemälde nicht der Fall ist. Die fröhlichen Stillleben des Künstlers befinden sich in den Sammlungen der reichsten Menschen der Welt.

Gregory Van Raalte

Der zeitgenössische amerikanische Künstler Gregory Van Raalte Besondere Aufmerksamkeit achtet auf das Spiel von Licht und Schatten. Der Künstler ist davon überzeugt, dass Licht nicht direkt fallen sollte, sondern durch den Wald, Baumblätter, Blütenblätter oder von der Wasseroberfläche reflektiert wird.

Der talentierte Künstler lebt in New York. Er malt gerne Stillleben in Aquarelltechnik.

Der iranische Künstler Ali Akbar Sadeghi

Ali Akbar Sadeghi ist einer der erfolgreichsten iranischen Künstler. In seinen Werken kombiniert er gekonnt Kompositionen traditioneller iranischer Malerei, persischer Kulturmythen mit Ikonographie und Glasmalerei.

Stillleben zeitgenössischer ukrainischer Künstler

Was auch immer Sie sagen, ukrainische Pinselmeister haben ihre ganz eigene Vision vom Stillleben Seiner Majestät. Und jetzt werde ich es Dir beweisen.

Sergej Schapowalow

Die Gemälde von Sergei Shapovalov sind voller Sonnenstrahlen. Jedes seiner Meisterwerke ist erfüllt von Licht, Güte und Liebe Heimatland. Der Künstler wurde im Dorf Ingulo-Kamenka, Bezirk Nowgorodkowski, Region Kirowograd, geboren.

Sergei Shapovalov ist ein geehrter Künstler der Ukraine und Mitglied der Nationalen Union der Künstler.

Igor Derkatschow

Der ukrainische Künstler Igor Derkachev wurde 1945 in Dnepropetrowsk geboren, wo er noch heute lebt. Fünfundzwanzig Jahre lang besucht Kunstatelier Nach ihm benanntes Haus der Kultur für Studierende. Yu. Gagarin, zuerst als Schüler, dann als Lehrer.

Die Gemälde des Künstlers sind durchdrungen von Wärme, Liebe zu einheimischen Traditionen und Geschenken der Natur. Diese besondere Wärme wird durch die Gemälde des Autors an alle Fans seiner Arbeit weitergegeben.

Viktor Dovbenko

Nach Aussage des Autors sind seine Stillleben ein Spiegel seiner eigenen Gefühle und Stimmungen. In Rosensträußen, in Streuseln aus Kornblumen, Astern und Dahlien, in „duftenden“ Waldbildern – ein einzigartiger Sommerduft und unschätzbare Geschenke der reichen Natur der Ukraine.

Einleitung…………………………………………………………………………….5

Kapitel 1. Historische Referenz Genre „Stillleben“……………………………....6

1.1. Geschichte der Entwicklung des Stilllebens……………………………………………………6

1.2. Stillleben als Genre der Malerei………………………………...12

Kapitel 2. Merkmale, Wege und Mittel des gewählten Genres……………………..14

2.1. Merkmale des ausgewählten Genres……………………………..14

2.2. In Stillleben dargestellte Objekte……………………………….16

2.3. Kompositionsmerkmale Stillleben………………………….18

2.4.Farbe in der Malerei………………………………………………………..20

Kapitel 3. Beschreibung der für das Schreiben der Produktion gewählten Technik …………..24

3.1 Geschichte des Pastells………………………………………………………..24

3.2 Technik des Zeichnens mit Pastellfarben………………………………………….25

Kapitel 4. Arbeiten an einem Stillleben………………………………………………………………28

4.1. Arbeitsfortschritt……………………………………………………….28

Fazit………………………………………………………………………………...29

Liste der verwendeten Literatur………………………………………………………...30

Anwendung

Einführung

Die Hauptaufgabe von Kunst und Malerei besteht darin, das Schöne im Menschen zu erwecken, ihn zum Nachdenken zu bringen, zum Fühlen zu bringen; die Aufgabe des Künstlers besteht darin, die Aufmerksamkeit des Betrachters zu erregen, in ihm ein Gefühl der Zugehörigkeit zu den im Bild ausgedrückten Erlebnissen zu wecken, um ihn dazu zu bringen, die Welt um ihn herum auf eine neue Art und Weise zu betrachten, um in gewöhnlichen Objekten eine außergewöhnliche Essenz zu erkennen. Die Kunst des Stilllebens hat ihre eigene wunderbare und lange Geschichte. Ein Stillleben führt uns in die Welt um den Künstler ein, gibt uns die Möglichkeit, mehrere Jahrhunderte zurückzublicken und sich in die Motive des Meisters hineinzuversetzen, die er besonders liebt. In einem Stillleben versucht der Künstler mit begrenzten Mitteln, die vielfarbigen Objekte seiner Umgebung zu vermitteln Er ist bestrebt, in jedem Strich das Pulsieren des Lebens, seine Stimmung und sein Wissen über die Welt um ihn herum widerzuspiegeln. Seit vielen Jahrhunderten versuchen Künstler, die Dinge um sie herum zu nutzen, um ihr Verständnis der Welt, ihre Gedanken und Interessen auszudrücken. und jeder Schöpfer gelingt auf seine Weise, jedes Werk ist individuell. In manchen Stillleben dominiert die Realität, in anderen dominiert das Handwerk. Wichtiger sind die Ausdrucksprinzipien der Malerei. Jeder Maler hat sein eigenes Verständnis der Welt.

Die wichtigsten Voraussetzungen dafür Kursarbeit Ist:

Kennenlernen der Illustrationen großer Künstler der Vergangenheit;

Kompositionssuche anhand von Skizzen;

Suche nach einem Kompositionszentrum;

Konstruktive Konstruktion von Stilllebenobjekten;

Farb- und Materialübertragung;

Emotionale Ausdruckskraft schaffen.

Kapitel 1. Historischer Hintergrund des Genres „Stillleben“.

1.1. Geschichte der Entwicklung des Stilllebens

„Stillleben“ ist ein französisches Wort, das wörtlich mit „tote Natur“ übersetzt wird. Im Niederländischen klingt die Bezeichnung für dieses Genre wie stilleven, d. h. „ ruhiges Leben„Nach Meinung vieler Künstler und Kunstkritiker ist dies der genaueste Ausdruck des Wesens des Genres, aber die Stärke der Tradition ist so groß, dass „Stillleben“ ein bekannter und verwurzelter Name ist. Stillebenartig unabhängiges Genre, entstand an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert in Flandern und Holland und erreichte schnell eine außergewöhnliche Perfektion bei der Vermittlung der Vielfalt der Objekte der materiellen Welt. Der Prozess der Stilllebenentwicklung verlief in vielen Ländern mehr oder weniger gleich. Westeuropa. Die Perioden seiner Entwicklung hatten ihre eigenen historischer Hintergrund. Jedes Jahrhundert hat seine eigenen Meister des Stilllebens hervorgebracht. Ihre Werke verkörperten künstlerische Ideale Zeit, die Originalität und Ausdruckskraft plastischer Mittel, die einer bestimmten Epoche innewohnen, und die Individualität einzelner Maler. Die Entstehung des Stilllebens in den Niederlanden war durch zwei Phasen gekennzeichnet; in der ersten konnte es nur in Form eines mehr oder weniger eigenständigen Bildes auf der Rückseite der Bildfläche oder in Form von Accessoires darauf existieren der Vorderseite des Bildes.

Die nächste Stufe in der Entwicklung des Stillleben-Genres waren Werke, in denen Stillleben und religiöse Themen die Plätze tauschten. Die Darstellung unbelebter Objekte war Teil eines aktiven, einheitlichen Prozesses der umfassenden Beherrschung der realen Welt durch den Menschen und ihrer künstlerischen Erfassung.

In Flandern erlebte er eine gewaltige Blüte und ging unter dem Namen Flämisches Stillleben in die Geschichte ein. Die Ära seiner Blütezeit war mit Namen verbunden bedeutende Künstler Flandern, das in die Geschichte der bildenden Künste Westeuropas einging: Frans Snyders und sein Schüler Jan Veit. Eine weitere wirkungsvolle Schule des Stilllebens ist als „holländisches Stillleben“ bekannt. Gemeinschaft historische Schicksale Die Völker Hollands und Flanderns und die gemeinsame Kunst der Vergangenheit, aus der beide Schulen künstlerische Erfahrungen schöpften, führten zu vielen Gemeinsamkeiten in ihrer Malerei. Die vielversprechendste und fortschrittlichste Art des niederländischen Stilllebens war das in Harlem entstandene Genre des „Frühstücks“.

Im Genre des Stilllebens (die Autoren dieser Werke waren die Haarlemer Maler Voplem Claes Heda und Pieter Claes) schufen sie eine besondere Art der demokratischen niederländischen Version des „Frühstücks“. Die „Figuren“ ihrer Stillleben waren wenige und in der Regel sehr bescheidene, alltägliche Haushaltsgegenstände.

Eine sehr wichtige Errungenschaft der Haarlemer „Frühstücks“-Meister war die Entdeckung der Rolle der Licht-Luft-Umgebung und eines einzelnen Farbtons als Hauptmittel, um die reiche Vielfalt an Texturqualitäten von Dingen zu vermitteln und gleichzeitig die Einheit der objektiven Welt offenbaren.

Die weitere Demokratisierung des Genres Stillleben führte zur Verbreitung des Typs „Küchenstillleben“, sowohl in Flandern als auch in Holland. Ein Merkmal dieser Vielfalt bei der Darstellung von Objekten war die große Berücksichtigung der räumlichen Eigenschaften der Umgebung. Ende des 17. Jahrhunderts dominierten dekorative Trends im niederländischen Stillleben. Neben den Stillleben Hollands und Flanderns nimmt das deutsche Stillleben des 17. Jahrhunderts einen untergeordneten Platz ein. Die Erfolge der deutschen Stilllebenmalerei des 17. Jahrhunderts stehen in engem Zusammenhang mit der Moderne Niederländische Kunst. Im deutschen Stillleben des 17. Jahrhunderts existierten zwei Richtungen nahezu ohne Berührung nebeneinander: naturalistisch und dekorativ.

Stillleben in Italienische Malerei war unvergleichlich reicher und vollblütiger als der Deutsche, erreichte jedoch weder die Macht der Flamen noch die Vielseitigkeit und Tiefe der Niederländer. Caravaggio gab der Entwicklung des Stilllebens in Italien einen neuen kraftvollen Impuls. Er war einer der ersten großen Meister, der sich dem Genre des reinen Stilllebens zuwandte und ein monumentales, plastisches Bild der „toten Natur“ schuf.

Das italienische Stillleben des 17. Jahrhunderts entwickelte sich auf seine eigene Weise und erlangte schließlich eine Reihe von Qualitäten, die es von anderen nationalen Schulen unterscheiden.

Das spanische Stillleben zeichnet sich durch erhabene Strenge und besondere Bedeutung in der Darstellung der Dinge aus, was im Werk des spanischen Meisters F. Zurbaran besonders deutlich zum Ausdruck kommt.

MIT spätes XVII Jahrhundert siegten dekorative Tendenzen der höfischen Kunst im französischen Stillleben. Der Höhepunkt des französischen und westeuropäischen Stilllebens des 17. Jahrhunderts war das Werk von J.B.S. Chardin. Es zeichnete sich durch Strenge und Freiheit der Komposition sowie Feinheit der Farblösungen aus. Wir haben der Stillleben-Romantik etwas mehr Aufmerksamkeit geschenkt. Die Romantik hat kein originelles, bedeutsames Konzept des Stilllebens geschaffen. Die Hauptgegenstände des romantischen Stilllebens waren Blumen und Jagdtrophäen.

Im 17. Jahrhundert wurde das Schicksal des Stilllebens von den führenden Meistern der Malerei bestimmt, die in vielen Genres arbeiteten und das Stillleben in den Kampf einbezogen Ästhetische Ansichten und künstlerische Ideen. So formulierte es beispielsweise der französische Realist Gustav Courbet neues Konzept, die die direkte Beziehung des Stilllebens zur Natur definiert und ihm dadurch Vitalität, Reichtum und Tiefe zurückgibt.

Die Impressionisten schufen ihre Stilllebenkomposition, indem sie das von ihnen im Bereich der Landschaft entwickelte Prinzip des Pleinairs auf dieses Genre übertrugen. Da sie im Stillleben nur Licht und Luft erkannten, verwandelten sie Objekte in einfache Träger von Licht-Luft-Reflexen.

Der neue Aufschwung der Stilllebenmalerei war mit der Leistung der Meister des Postimpressionismus verbunden, für die die Welt der Dinge zu einem der Hauptthemen wurde, die für die Werke von P. Cezanne und Van Gogh charakteristisch sind.

Seit Beginn des 20. Jahrhunderts ist das Stillleben zu einer Art Stillleben geworden kreatives Labor Malerei. In Frankreich gehen die Meister des Fomismus A. Matisse und andere den Weg der gesteigerten Identifikation der emotionalen, dekorativen und ausdrucksstarken Möglichkeiten von Farbe und Textur, und Vertreter des Kubismus J. Braque, P. Picasso und andere nutzen das Künstlerische und Analytische Die Möglichkeiten, die den Besonderheiten des Stilllebens innewohnen, streben nach neuen Formen der Vermittlung von Raum und Form. Stillleben lockt auch Meister anderer Bewegungen an.

In der russischen Kunst tauchte das Stillleben im 17. Jahrhundert zusammen mit der Etablierung der weltlichen Malerei auf und spiegelte das pädagogische Pathos der Zeit und den Wunsch wider, die objektive Welt wahrheitsgetreu und genau zu vermitteln. Der detaillierte Charakter und die illusorische Natur dieser Stillleben gaben Anlass, sie „Köder“ zu nennen. Weitere Entwicklung Die russische Stilllebenmalerei war lange Zeit episodischer Natur. Sein Aufstieg in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, der von Namen wie F. P. Tolstoi, A. G. Venetsianov und I. T. Khrutsky geprägt war, ist mit dem Wunsch verbunden, Schönheit im Kleinen und Gewöhnlichen zu sehen.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts begann das Stillleben seine semantische Kraft zu gewinnen, allerdings zunächst nur in den Handlungssträngen der Kompositionen von P. Fedotov, V. Petrov, V. Makovsky, V. Polenov und anderen Malern Der demokratische Trend. Stillleben in Genrebildern dieses Autorenkreises offenbarten und stärkten die soziale Ausrichtung ihrer Werke und prägten die Zeit.

Die eigenständige Lösung einer Stilllebenskizze steigert sich um Wende des 19. Jahrhunderts und 20. Jahrhundert in den Werken von M. A. Vrubel und V. Borisov-Masutov. Die Blütezeit des russischen Stilllebens fand zu Beginn des 20. Jahrhunderts statt. Kunst zeichnet sich durch Suchen im Bereich von Farbe, Form und Raumkonstruktion aus. Der Wunsch, die Möglichkeiten der Bildsprache zu erweitern, ermutigt Künstler, sich den Traditionen der alten russischen und Volkskunst, der Kultur des Ostens, zuzuwenden. klassisches Erbe West, zu den Errungenschaften der modernen französischen Malerei.

Zu den besten Beispielen dieser Zeit zählen die impressionistischen Werke von K. A. Korovin, I. E. Grabar; die Werke der Künstler der „Welt der Künste“ A. Ya. Golovin und anderer, die die historische und alltägliche Natur der Dinge präzise wiedergeben; scharf dekorative P.V. Kuznetsov, S.Yu. Saryan und andere Maler des „Blue Roses“-Kreises, erfüllt von der Fülle des „Karo-Buben“ Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, R. R. Falk, A. V. Lentulov und andere.

In den 1920er und 1930er Jahren beinhaltete das Stillleben auch ein in der Komposition geschärftes philosophisches Verständnis der Moderne in den Werken von K. S. Petrov-Vodkin. Sie zeichnen sich durch die Originalität der Farbe und der perspektivischen Konstruktion aus. Die Themen werden darin nicht aus einem Blickwinkel geschrieben, sondern aus mehreren. Diese Technik der Raumkonstruktion erweiterte die visuellen Mittel des Künstlers und trug dazu bei, die Formen und das Volumen von Objekten zu vermitteln und eine genauere Darstellung ihrer Beziehung auf einer Ebene zu ermöglichen. Stillleben nahm einen großen Platz im Werk von Yu. I. Pimenov ein. Das Sujet in seinen Stillleben ist mit großer emotionaler Ausdruckskraft ausgestattet.

Angereichert mit neuen Themen, Bildern und künstlerische Techniken Das russische Stillleben zu Beginn des 20. Jahrhunderts entwickelte sich ungewöhnlich schnell: In anderthalb Jahrzehnten durchlief es einen komplexen Weg vom Impressionismus zur abstrakten Formensprache und spielte eine große Rolle in der Entwicklung der Kunst unseres Jahrhunderts. Nie zuvor hatte er in der Geschichte der russischen Malerei einen so herausragenden Platz eingenommen.

Das Stillleben sollte sozusagen für viele Künstler und auch für die russische Malerei des frühen 20. Jahrhunderts zu einer Art Labor für die Suche nach einer neuen Bildsprache werden. Aber natürlich veränderte sich nicht nur die sogenannte Formensprache der Malerei und wurde überhaupt auf ihre Weise bereichert, sondern auch ihr Inhalt, ihre Methode, die Prinzipien ihres figurativen Systems.

Dem Stillleben dieser Zeit verdanken wir die außerordentliche Erweiterung seiner Grenzen als visuelles Genre. Die menschliche Persönlichkeit dieser schwierigen Zeit offenbart sich in ihm auf sehr vielfältige Weise. In diesem Stillleben spürt der Betrachter nicht nur die Besonderheiten dieser oder jener Lebensweise, sondern auch jene Besonderheiten, die einer bestimmten Individualität innewohnen. Das tiefe Wesen des Phänomens der umgebenden Welt wird nun vollständiger offenbart4.

Der Schönheitsbegriff im Stillleben ist vielfältiger geworden; Der Künstler sieht eine Fülle von Formen und Farben, wo er zuvor nichts Bemerkenswertes gefunden hatte. Der Kreis der im Stillleben dargestellten Phänomene erweiterte sich ins Unermessliche.

1.2. Stillleben als Genre der Malerei

Stillleben (französisch „nature morte“ – „tote Natur“) ist ein Genre bildende Kunst, das Objekte um uns herum darstellt, die eine semantische Verbindung miteinander haben. Diese Art von Kunst besticht durch ihre großen visuellen Möglichkeiten, die zur Entwicklung der kompositorischen Fähigkeiten und der Farbkonstruktion beitragen.

Stillleben vermitteln uns bestimmte Bilder und Symbole der Welt um uns herum. Bezieht uns in die Welt der Kommunikation zwischen Objekten ein und bietet uns die Möglichkeit, in die Rolle eines Gesprächspartners zu schlüpfen. Ein wahrer Künstler bietet dem Betrachter die Möglichkeit, die geheime Bedeutung der Objekte um uns herum zu erkennen. Durch die Vorauswahl und Anordnung bestimmter Attribute zu einer spezifischen Komposition, die eine spezifische semantische Aufgabe trägt.

Das Stillleben entstand im 16. und 17. Jahrhundert in Europa, seine Vorgeschichte reichte jedoch viel früher zurück. Gleichwertig mit alltägliches Genre Das Stillleben konnte lange Zeit keine führende Stellung in der Malerei einnehmen. Denn es galt als unmöglich, durch diese Art der Malerei gesellschaftliche Grundideen zu vermitteln. Dank der großen Meister wurde erkannt, dass das Genre durchaus in der Lage ist, verschiedene soziale Bedingungen zu vermitteln und dadurch verschiedene soziale Tugenden zu beeinflussen. Mithilfe verschiedener Attribute wurde das eine oder andere Bild erstellt, das die Bedeutung der Hauptidee widerspiegelt. Haushaltsgegenstände klassifiziert sozialer Status, der Lebensstil ihres Besitzers, der für die Vermittlung von Bildern sozialer Schichten von Bedeutung war.

Wenn man sich die Chronologie der Kunstgeschichte ansieht, kann man den Aufstieg und Fall eines so einzigartigen Genres wie des Stilllebens verfolgen.

„Die Entstehung des Stilllebens als eigenständiges Genre der Malerei erfolgte dank der Kreativität der Niederländer und Flamen Künstler XVII Jahrhundert. Das 17. Jahrhundert war in Europa das Jahrhundert der Blütezeit des Stilllebens. In dieser Zeit entstanden alle wesentlichen Spielarten des Stilllebens.

Die fortschreitende Entwicklung des Stilllebens in der westeuropäischen Malerei des 17. individuell und universell. Das Stillleben bekräftigte künstlerisch die konkreteste aller Besonderheiten dieser Welt – ein Ding, ein Produkt einer ganz konkreten menschlichen Tätigkeit, gleichzeitig wurden diese irdischen, von Menschenhand geschaffenen Dinge mit einer allegorischen, symbolischen Bedeutung ausgestattet, wahrgenommen als Zeichen immaterieller, spiritueller Werte, als personifizierte Reflexion über den Sinn des menschlichen Lebens. Ein Ding, das seine allegorische Bedeutung verloren hat, hört auf, Gegenstand großer Kunst zu sein. Das Stillleben-Genre wird allmählich obsolet.

Seine Wiederbelebung erfolgte Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts. Dank seiner Handlung und zum Teil semantischen Sterilität erweist sich das Stillleben in diesen turbulenten Jahrzehnten der Kunstentwicklung als besonders geeignet für kreative Experimente. Als eines der konservativsten, aus ikonographischer Sicht, eines der etabliertesten in kompositorischer Hinsicht, erlaubte das Stillleben den Künstlern, die gewagtesten, manchmal sogar paradoxen Verstöße gegen die Gesetze des Genres zu begehen gleichzeitig innerhalb seiner Grenzen bleiben. Die meisten Experimente auf diesem Gebiet hatten die Aufgabe, die Handlung und die figurative Entmaterialisierung der Dinge möglichst vollständig zu gestalten.

Die Dinge scheinen ihre Grenzen zu überschreiten, ihre Selbstbedeutung zu verlieren und nicht mehr mit sich selbst gleich zu sein. Sie lösen sich entweder in Licht und Farbe auf, zerstreuen sich in der Strahlung von Energien oder verdichten sich zu Materieklumpen, die Kombinationen einfachster Volumina bilden, oder zerstreuen sich in viele Fragmente – und daraus entsteht neues Extramaterial oder umgekehrt Supermaterial Dinge entstehen auf der Leinwand. Wie in den Gemälden des 17. Jahrhunderts haben sie eine allegorische Bedeutung, aber im Gegensatz zu klassischen Stillleben spielen in diesen Bildkryptogrammen nicht so sehr die Objekte selbst die Rolle der primären Elemente, sondern ihre individuellen Eigenschaften, ihre Qualitäten die mit erhöhter semantischer Spannung gesättigt sind.

In den ersten Jahren des 20. Jahrhunderts kam es nicht nur zu einer Verwischung der Grenzen der Dinge innerhalb des Stilllebens, sondern auch zu einer deutlichen Verwischung der Grenzen des Genres selbst. In Matisses offenen Leinwänden verschmelzen die Objekte, aus denen ein Stillleben besteht, das von den organischen Rhythmen der Natur durchdrungen ist, mit der Landschaft oder verwandeln sich selbst in eine Landschaft und überwinden so die Barriere zwischen der Welt des Lebendigen und der Welt des Unbelebten. In Picassos konstruierten kubistischen Landschaften wird die Natur selbst objektiviert und erhält die Züge des Gemachtseins, der Dinghaftigkeit, die Landschaft wird mit einem Stillleben verglichen.“ .

„Stillleben nahmen auch im Werk französischer Impressionisten (Manet, Cezanne, Monet usw.) einen herausragenden Platz ein. Sie versuchten, das Erste zu verkörpern frische Eindrücke von dem, was er gesehen hat. Ihre Stillleben sowie die impressionistische Malerei im Allgemeinen zeichnen sich durch Harmonie reiner, direkt in der Natur wahrgenommener Farben, Natürlichkeit und lebenswichtige Einfachheit der Komposition aus.

Einer von die besten Meister Stillleben war berühmt Französischer Künstler Chardin, dem es gelang, einzudringen intimes Leben die alltäglichsten Dinge, um sie dem Betrachter näher zu bringen, und dies wird vor allem durch die gedämpfte Farbgebung seiner Bilder erleichtert, die tief durchdacht ist und aus der Beobachtung des Lebens, der Einfachheit und Natürlichkeit in der Anordnung der Objekte resultiert.

In Chardins Stillleben gibt es keine von der niederländischen Schule entwickelten strengen Schemata, keine Monotonie Kompositionstechniken, Auswahl der Objekte, Farbpalette.“ .

In Russland erschien das Stillleben als eigenständiges Genre der Malerei Anfang des 18. Jahrhunderts Jahrhundert. Die Idee dazu war ursprünglich mit dem Bild der Gaben der Erde und des Meeres verbunden, der vielfältigen Welt der Dinge, die den Menschen umgeben. Bis zu Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert Stillleben, im Gegensatz zu Porträt und historische Malerei, galt als „niederes“ Genre. Er existierte hauptsächlich als Schulungsproduktion und war als Malerei von Blumen und Früchten nur in begrenztem Umfang erlaubt.

Der Beginn des 20. Jahrhunderts war geprägt von der Blüte der russischen Stilllebenmalerei, die erstmals eine Gleichstellung mit anderen Genres erlangte. Der Wunsch der Künstler, die Möglichkeiten der Bildsprache zu erweitern, ging mit einer aktiven Suche im Bereich Farbe, Form und Komposition einher. All dies kam im Stillleben besonders deutlich zum Ausdruck. Angereichert mit neuen Themen, Bildern und künstlerischen Techniken entwickelte sich das russische Stillleben ungewöhnlich schnell: In anderthalb Jahrzehnten gelangte es vom Impressionismus zur abstrakten Formensprache.

In den 30er und 40er Jahren des 20. Jahrhunderts kam diese Entwicklung zum Stillstand, doch seit Mitte der 50er Jahre herrscht Stillleben Sowjetische Malerei einen neuen Aufschwung und steht fortan endgültig und fest auf Augenhöhe mit anderen Genres.

In der bildenden Kunst wird ein Stillleben (von französisch natur morte – „tote Natur“) üblicherweise als Bild unbelebter Objekte bezeichnet, die zu einer einzigen Kompositionsgruppe zusammengefasst sind. Für viele ist die deutsche oder englische Version der Bezeichnung Stillleben und Stillleben geläufiger. Im Niederländischen klingt die Bezeichnung dieses Genres wie stilleven, also „stilles Leben“, nach Meinung vieler Künstler und Kunstkritiker ist dies der genaueste Ausdruck des Wesens des Genres, aber darin liegt die Stärke der Tradition dass „Stillleben“ ein bekannter und verwurzelter Name ist. Ein Stillleben kann sowohl eine eigenständige Bedeutung haben als auch sein Bestandteil Kompositionen Genremalerei. Ein Stillleben drückt die Haltung eines Menschen gegenüber der Welt um ihn herum aus. Es offenbart das Schönheitsverständnis, das dem Künstler als Mann seiner Zeit innewohnt.

Das Stillleben als eigenständiges Genre entstand an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert in Flandern und Holland und erreichte schnell eine außergewöhnliche Perfektion bei der Darstellung der Vielfalt der Objekte der materiellen Welt. Der Entstehungsprozess des Stilllebens verlief in vielen Ländern Westeuropas mehr oder weniger gleich. Wenn wir jedoch die Kunstgeschichte als Ganzes betrachten, dann reicht die erste Phase in der Entwicklung des Stilllebens bis in die Altsteinzeit zurück. Es gibt zwei Haupttechniken, die antike Künstler verwendeten: Naturalismus und Ornamentik. Dann beginnen diese beiden Trends näher zusammenzurücken und es entsteht ein „halbbewusstes“ Stillleben, ein Bild einzelner Teile eines Objekts. Ein echtes Gesamtobjekt kann nur in gefunden werden Bronzezeit. Diese zweite Stufe in der Entwicklung des Stilllebens erreicht in der ägyptischen Kunst ihren Höhepunkt. Objekte werden immer isoliert voneinander dargestellt. Erstmals wird das Blumenmotiv, das Thema Schnittpflanzen, vorgestellt. Korrelative Proportionen treten in Werken der ägäischen Kunst auf. Die Objekte sind in drei Vierteln dargestellt und in Gruppen angeordnet. Die Traditionen der ägäischen Malerei wurden fortgeführt Griechische Kultur. Wir können dieses Genre der bildenden Kunst anhand der Vasen beurteilen. Gegenstände hängen nicht mehr in der Luft, sondern haben ihre eigene „ echter Ort„im Weltraum: ein an einen Baum gelehnter Schild, ein über einen Ast geworfener Mantel – das sogenannte „hängende“ Stillleben. auch in Sketche aus der Schule Oft wird ein „musikalisches“ Stillleben dargestellt. Man kann noch einen weiteren Typ griechischer Stillleben unterscheiden: „antik“. Künstler erstellen Bilder von Werkstätten: Statuenstücke, eine Säge, einen Hammer, Skizzenplatten. Es ist fast unmöglich, auf griechischen Vasen Abbildungen von Blumen und Tieren zu finden.

IN mittelalterliche Kunst Durch die Fragmentierung der Komposition, die Aufteilung des Gemäldes in einzigartige Register wird das Objekt zum Attribut und nicht zum Objekt des Bildes. Auch Ornamente spielen weiterhin eine wichtige Rolle, insbesondere in der Glasmalerei. Katholische Kathedralen. Die harte, äußerst asketische Kunst von Byzanz, die unsterbliche, monumental verallgemeinerte, erhaben heroische Bilder schuf, verwendete Bilder einzelner Objekte mit außergewöhnlicher Ausdruckskraft.

In der altrussischen Ikonenmalerei spielten auch die wenigen Objekte eine große Rolle, die der Künstler in seine streng kanonischen Werke einführte. Sie brachten Spontaneität, Vitalität und wirkten manchmal wie ein offener Ausdruck von Gefühlen in einem Werk, das einer abstrakten mythologischen Handlung gewidmet ist.

Stillleben spielten in der Malerei eine noch größere Rolle Künstler XV-XVI Jahrhunderte während der Renaissance. Der Maler, der zum ersten Mal der Welt um ihn herum große Aufmerksamkeit schenkte, versuchte, den Ort und den Wert aller Dinge zu bestimmen, die dem Menschen dienen. Haushaltsgegenstände erlangten den Adel und die stolze Bedeutung ihres Besitzers, desjenigen, dem sie dienten. Auf großen Leinwänden nahm das Stillleben meist einen sehr bescheidenen Platz ein: ein Glasgefäß mit Wasser, eine elegante Silbervase oder zarte weiße Lilien auf dünnen Stielen, die oft in der Ecke des Bildes zusammengedrängt waren. Allerdings steckte in der Darstellung dieser Dinge so viel poetische Liebe zur Natur, ihre Bedeutung war so stark vergeistigt, dass man hier bereits alle Merkmale erkennen kann, die später die eigenständige Entwicklung des gesamten Genres bestimmten.

Im 17. Jahrhundert – im Zeitalter des entwickelten Stillleben-Genres – erhielten Gegenstände und materielle Elemente in der Malerei eine neue Bedeutung. In komplexen Kompositionen mit literarische Handlung sie nahmen ihren Platz zusammen mit anderen Helden des Werkes ein. Wenn man die Werke dieser Zeit analysiert, kann man erkennen, welche wichtige Rolle das Stillleben in der Malerei zu spielen begann. Die Dinge begannen in diesen Werken als die Hauptdinge aufzutauchen Figuren und zeigt, was ein Künstler erreichen kann, wenn er sein Können dieser Art von Kunst widmet.

Objekte, die von geschickten, fleißigen und weisen Händen hergestellt wurden, tragen den Abdruck der Gedanken, Wünsche und Neigungen eines Menschen. Sie dienen ihm, erfreuen ihn und erwecken in ihm ein berechtigtes Gefühl des Stolzes. Nicht umsonst erfahren wir aus den Scherben von Geschirr, Haushaltsutensilien und Ritualgegenständen, die für Archäologen zu verstreuten Seiten der Menschheitsgeschichte werden, von Epochen, die längst vom Erdboden verschwunden sind.

Der Künstler blickt in die Welt um ihn herum, durchdringt mit neugierigem Geist ihre Gesetze, enträtselt die faszinierenden Geheimnisse des Lebens und spiegelt sie in seiner Kunst umfassender und umfassender wider. Er stellt nicht nur die Welt um ihn herum dar, sondern vermittelt auch sein Verständnis, seine Einstellung zur Realität.

Die Entstehungs- und Entwicklungsgeschichte verschiedener Genres der Malerei ist ein lebendiges Zeugnis unermüdlicher Arbeit menschliches Bewusstsein, bestrebt, die unendliche Vielfalt der Aktivitäten zu erfassen und ästhetisch zu erfassen. Besonders deutlich manifestierte sich das Genre des Stilllebens in Niederländische Malerei Proto-Renaissance. Es ist immer noch Teil der Inneneinrichtung, aber die Liebe zum Detail der Künstler schafft erstaunliche kleine Stillleben: Geschirr, ein Arbeitstisch, auf dem Boden stehende Schuhe. All dies wird mit der gleichen Liebe dargestellt wie die Figuren von Menschen und Heiligen. In Italien tauchen Stillleben aus der Landschaft auf. Anschließend erhält das Objekt eine Art eigenständige Aktivität und wird zum Teilnehmer der Aktion. Seit der Proto-Renaissance ist die objektive Welt immer realistischer, manchmal sogar fast greifbar geworden. Es ist kein Requisit mehr, sondern wird zum Alltag. Im 16. Jahrhundert begannen Künstler der nördlichen Renaissance, Gegenstände freizulegen und ihre Hüllen abzureißen (zum Beispiel die Haut von Tieren).

Stillleben ist ein relativ junges Genre. Unabhängige Bedeutung in Europa erhielt es erst im 17. Jahrhundert. Die Entwicklungsgeschichte des Stilllebens ist interessant und lehrreich. In Flandern und den Niederlanden blühte das Stillleben besonders üppig und prächtig auf. Das Stillleben etabliert sich endgültig als eigenständiges Genre der Malerei. Seine Entstehung ist mit jenen revolutionären historischen Ereignissen verbunden, durch die diese Länder nach der Erlangung der Unabhängigkeit zu Beginn des 17. Jahrhunderts den Weg der bürgerlichen Entwicklung betraten. Für Europa war dies damals ein wichtiges und fortschrittliches Phänomen. Der Kunst eröffneten sich neue Horizonte. Historische Bedingungen und neue gesellschaftliche Beziehungen lenkten und bestimmten kreative Wünsche und Veränderungen bei der Lösung der Probleme, mit denen der Maler konfrontiert war. Ohne historische Ereignisse direkt darzustellen, warfen die Künstler einen neuen Blick auf die Welt und fanden neue Werte im Menschen. Das Leben, der Alltag erschien ihnen in einer bis dahin unbekannten Bedeutung und Vollständigkeit. Sie wurden von den Besonderheiten des nationalen Lebens angezogen, heimische Natur, Dinge, die den Abdruck der Werke und Tage gewöhnlicher Menschen tragen. Von hier aus, aus einem bewussten, tiefen Interesse am Leben der Menschen, angetrieben durch das System selbst, entstanden eigenständige und eigenständige Genres der Alltagsmalerei, der Landschaftsmalerei und des Stilllebens.

Die im 17. Jahrhundert entwickelte Kunst des Stilllebens bestimmte die Hauptqualitäten dieser Gattung. Das der Welt der Dinge gewidmete Gemälde sprach über die grundlegenden Eigenschaften der den Menschen umgebenden Objekte, offenbarte die Haltung des Künstlers und seines Zeitgenossen gegenüber dem Dargestellten und drückte die Natur und Vollständigkeit der Kenntnis der Realität aus. Der Maler vermittelte die materielle Existenz der Dinge, ihr Volumen, ihr Gewicht, ihre Textur, ihre Farbe, den funktionalen Wert von Haushaltsgegenständen, ihre lebendige Verbindung mit menschlichem Handeln. Die Schönheit und Perfektion von Haushaltsgeräten wurde nicht nur durch ihre Notwendigkeit bestimmt, sondern auch durch das Können ihres Schöpfers. Das Stillleben der revolutionären Ära des siegreichen Bürgertums spiegelte den Respekt des Künstlers vor den neuen Formen des nationalen Lebens seiner Landsleute und den Respekt vor der Arbeit wider.

Die im 17. Jahrhundert formulierten Aufgaben der Gattung in allgemeiner Überblick existierte in Europäische Schule bis zu Mitte des 19 Jahrhundert. Dies bedeutet jedoch nicht, dass Künstler sich nicht neue Aufgaben stellten und vorgefertigte Lösungen mechanisch wiederholten.

Im Laufe der Epochen haben sich nicht nur die Methoden und Methoden der Stilllebenmalerei verändert, es haben sich auch künstlerische Erfahrungen angesammelt und im Laufe der Entstehung ein komplexeres und immer bereichernderes Weltbild entwickelt.

In der bildenden Kunst bezeichnet der Begriff „Stillleben“ eine bestimmte Gattung der Malerei, bei der es um die freie Anordnung von Gegenständen des täglichen Lebens auf einem Tisch geht:

• Schnittblumen, insbesondere Rosen,
• Küchenutensilien,
• Haushaltsgegenstände,
• Obst, Gemüse, Obst,
• Lebensmittel,
• Fisch,
• gekochtes Essen.

Der Begriff ist eine direkte Übersetzung des niederländischen Wortes „Stilleven“, das seit 1656 zur Beschreibung der Gattung der Gemälde verwendet wird. Früher wurden solche Gemälde einfach „Frucht“, „Blume“, „Rosen“, „Frühstück“, „Bankett“ oder pronk (protzig) genannt.

Im Barock erhielten allegorische Bilder mit religiösem Unterton die Bezeichnung Vanitas („Eitelkeit“). Ein obligatorisches Attribut und der Hauptschwerpunkt in den Gemälden war der Schädel.

Arten

Herkömmlicherweise werden Stillleben in vier Hauptgruppen eingeteilt, darunter:

• Blumen;
• Frühstücke oder Bankette;
• emotional;
• symbolisch.

Einige Werke werden geschaffen, um die technische Virtuosität des Zeichnens und die Fähigkeiten des Künstlers zu demonstrieren oder um Emotionen zu demonstrieren.

• emotional;
• luxuriös;
• Illusionsleinwände.

Berühmte Stilllebengemälde enthielten komplexe symbolische Botschaften, die in der Art der Objekte zum Ausdruck kamen. Bei der Untersuchung der Komposition eines Stilllebens war jedes angezeigte Element ein Symbol und trug dem Bild eine bestimmte Bedeutung bei. Daher enthält das Stillleben-Genre, ebenso wie die Landschaft, normalerweise keine menschlichen Formen, ist aber in der Lage, eine politische, moralische oder spirituelle Botschaft zu vermitteln. Obwohl Anhänger der akademischen bildenden Kunst das Stillleben als das einfachste der fünf Hauptgenres betrachten.

Karikatur in der Malerei

Symbolische Gemälde sind eine breite Kategorie jeglicher Art von Stillleben mit offensichtlichem Charakter religiöser Natur. Ein konkretes Beispiel für eine solche Symbolik ist die Vanitas-Malerei, die zwischen 1620 und 1650 ihre Blütezeit erlebte und symbolische Bilder von Totenköpfen, Kerzen, Rosen, Sanduhren usw. enthielt. Kartenspielen, Schmetterlinge und andere Objekte, die den Betrachter an die Vergänglichkeit und Trivialität des irdischen Lebens erinnern sollen. Symbolische Bilder Auf den Gemälden gibt es offen religiöse Dinge – Brot, Wein, Wasser und andere.

Hauptmerkmale der Leinwände

Der Zauber von Stillleben liegt in der Fähigkeit, die eigene Wahrnehmung zu zeigen gewöhnliche Gegenstände um uns herum. Die gezielte Anordnung und Darstellung von Objekten mit Farbe, Tusche, Pastell oder einem anderen Medium verleiht den Objekten eine ganz neue Bedeutung.

Die für die Gemälde ausgewählten Objekte haben eine besondere Bedeutung auf persönlicher, kultureller, sozialer, religiöser oder philosophischer Ebene. Die Themen rund um Kunstwerke regen zur Selbstbeobachtung und zum Nachdenken über die Stimmung des Betrachters an. Daher rufen die abgebildeten Objekte je nach Platzierung, Farbwahl und Beleuchtung unterschiedlichste Emotionen hervor.

Allegorie als Genre in der Malerei

Das Thema in Stilllebenbildern wird durch die dargestellten Objekte bestimmt. Das Studium der Symbolik ermöglicht einen Einblick in die Bedeutung des Gemäldes.
Emotionen und Ereignisse, die auf den materiellen Eigenschaften von Farbe oder Textur basieren. Themen sind anmutig in die Darstellung schöner Objekte eingeflochten, aber nicht jeder ist in der Lage, die Bedeutung eines Werkes zu erkennen.

Geschichte

Die Darstellung von Lebensmitteln wurde geübt antike Welt, wurde aber im 16. Jahrhundert als eigenständige Gattung in der Kunstgeschichte wiederbelebt. Unabhängig von der Namensbildung des Genres entwickelte sich das Stillleben im Norden Europas – in Holland und Flandern – unter Künstlern der letzten Zeit aktiv Nördliche Renaissance. Schulen für Stilllebenmalerei entstanden in Neapel, Spanien und Frankreich.

Historisch gesehen waren Stillleben von religiöser und mythologischer Bedeutung geprägt.
Im 16. Jahrhundert veränderte sich die Gesellschaft. Wissenschaft und Natur begannen, die Religion in der Malerei zu ersetzen.
Mitte des 19. Jahrhunderts waren die Natur und Rosen aus der Mode gekommen. In den Werken der Maler zeigte sich ein Interesse an der Erforschung unserer inneren Welt, Stimmung und Emotionen.

Im 20. Jahrhundert lösten sich Stillleben in die Geometrie auf. Gegen Ende des Jahrtausends wurden Objekte in Gemälden Teil der Pop-Art- und Fotorealismus-Bewegungen. Heutzutage umfassen Gemälde eine grenzenlose Auswahl an modernen Objekten, vom Urinal bis hin zu leeren Bierdosen.

Religiöse Malerei

Stillleben der nördlichen Renaissance und des niederländischen Realismus nach 1517

Die wohlhabende bürgerliche Gesellschaft der Niederlande ist durch eine materialistische Zurschaustellung auffälligen Konsums gekennzeichnet. Aber es war in der westeuropäischen Malerei die esoterische christliche Symbolik und ihre Schwere Sprache im Mittelalter und in der Renaissance.

Stillleben wurden zunehmend als „tote Natur oder Natur“ bezeichnet, und in den Gemälden lag der Schwerpunkt auf unbelebten symbolischen Konnotationen. Der Symbolismus entwickelte sich im abstrakten und metaphysischen Manierismus Italiens und Spaniens im 17. Jahrhundert:

Tromple oder Trompe l'oeil

Im 18. Jahrhundert

In der französischen Malerei war J. B. Chardin (1699-1779) ein Meister vieler Arten von Stillleben, von bescheidenen Küchenobjekten bis hin zu einzigartigen Allegorien und der poetischen Vermittlung von Emotionen durch die einfache Anordnung von Früchten und Rosen. Seine Werke zeichnen sich durch ihren Realismus aufgrund des Farbspiels und der künstlerischen Lichtführung aus.

Anna Coster (1744–1818) war eine Anhängerin Chardins. Ihre Arbeit wird oft mit der des Meisters verwechselt. Doch Kosters Kompositionen sind filigraner und reproduzieren sehr seltsame Objekte.
Extravagante Ansammlungen von Korallen und Muscheln auf einem Steinregal verblüffen mit fast fotografischer Präzision.

Im 19. Jahrhundert

Bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts galt das Stillleben als minderwertiges Genre mit begrenztem thematischem Ausdruckspotenzial. Die Philosophie des Realismus und der reinen Malerei von Courbet (1819-1877) galt als eigenständiges Mittel der Form, Farbe und Farbe. Die Maler ignorierten die spöttische Haltung gegenüber dem Genre.

Mythologische Malerei

Die von Manet, Renoir (1841-1919), Cézanne (1839-1906), C. Monet (1840-1926) und Van Gogh (1853-1890) angeführte Revolution in der Malerei schloss das Thema dieser Diskussion für immer ab. Fans erkannten, dass Stillleben ein beredtes, poetisches und „edles“ Genre der bildenden Kunst ist.

Im 20. Jahrhundert

Unbelebte Objekte im neuen Stillleben drücken das Geheimnis der Welt durch die Korrespondenz zwischen Formen und Raum aus.

Jeder bewunderte Manets Austernteller, Cezannes Totenköpfe und Uhren oder Van Goghs Irisvase als wunderbare Interpretation der Welt um ihn herum.

Cézanne malt einen Apfel als Frau oder als Berg, während J. Braque (1882-1963) einen Apfel als eine Reihe überlappender geometrischer Gesichter darstellt.

Die Umwandlung von Form und Inhalt in reinste Elemente der Geometrie, Farbe sowie Symbolik ist in den Kompositionen von G. Chirico (1888-1976) und S. Dali (1904-1989) sichtbar – dies ist der Beginn des 20. Jahrhunderts Jahrhundert.

Der rätselhafte J. Morandi (1890-1964) brachte seinen eigenen Stil in die Malerei ein – Plastizität mit einer begrenzten Palette, die an die römische Malerei erinnert.

Pastoral in der Malerei

Pablo Picasso (1881-1973) nutzte das Genre maximal aus und beeindruckte mit unvorstellbaren Formen und einer breiten Palette stilistischer Variationen.

Andy Warhols berühmte Pop-Art verwandelt einen Alltagsgegenstand in ein kolossales Bild.
Künstler des 20. Jahrhunderts nutzten das Stillleben als Labor, um neue Techniken zu entdecken und neue konzeptionelle Ideen zu testen. Sie taten dies in gegenständlichen und abstrakten Formaten, expandierten in andere Genres und vermischten Malerei mit Skulptur, Collage, Fotografie, Video und Hologrammen in Werken, die als Stillleben klassifiziert werden. Man kann heute Unterschiede in den Gemälden erkennen.