Einleitung…………………………………………………………………………….5

Kapitel 1. Historischer Hintergrund Genre „Stillleben“……………………………....6

1.1. Geschichte der Entwicklung des Stilllebens……………………………………………………6

1.2. Stillleben als Genre der Malerei………………………………...12

Kapitel 2. Merkmale, Wege und Mittel des gewählten Genres……………………..14

2.1. Merkmale des ausgewählten Genres……………………………..14

2.2. In Stillleben dargestellte Objekte……………………………….16

2.3. Kompositionsmerkmale Stillleben………………………….18

2.4.Farbe in der Malerei………………………………………………………..20

Kapitel 3. Beschreibung der für das Schreiben der Produktion gewählten Technik …………..24

3.1 Geschichte des Pastells………………………………………………………..24

3.2 Technik des Zeichnens mit Pastellfarben………………………………………….25

Kapitel 4. Arbeiten an einem Stillleben………………………………………………………………28

4.1. Arbeitsfortschritt……………………………………………………….28

Fazit………………………………………………………………………………...29

Liste der verwendeten Literatur………………………………………………………...30

Anwendung

Einführung

Die Hauptaufgabe von Kunst und Malerei besteht darin, das Schöne im Menschen zu erwecken, ihn zum Nachdenken zu bringen, zum Fühlen zu bringen; die Aufgabe des Künstlers besteht darin, die Aufmerksamkeit des Betrachters zu erregen, in ihm ein Gefühl der Zugehörigkeit zu den darin ausgedrückten Erfahrungen zu wecken Bild, um ihn dazu zu bringen, die Welt um ihn herum auf eine neue Art und Weise zu betrachten, um in gewöhnlichen Objekten eine außergewöhnliche Essenz zu erkennen. Die Kunst des Stilllebens hat ihre eigene wunderbare und lange Geschichte. Ein Stillleben führt uns in die Welt um den Künstler ein, gibt uns die Möglichkeit, mehrere Jahrhunderte zurückzublicken und die Motive des Meisters nachzuempfinden, die er besonders liebt. In einem Stillleben versucht der Künstler mit begrenzten Mitteln, die vielfarbigen Objekte zu vermitteln um ihn herum versucht er, in jedem Strich das Pulsieren des Lebens, seine Stimmung, sein Wissen über die Welt um ihn herum widerzuspiegeln. Seit vielen Jahrhunderten versuchen Künstler, die Dinge um sie herum zu nutzen, um ihr Verständnis der Welt, ihre Gedanken und Interessen auszudrücken , und jeder Schöpfer gelingt auf seine Weise, jedes Werk ist individuell. In manchen Stillleben dominiert die Realität, in anderen dominiert das Handwerk. Wichtiger sind die Ausdrucksprinzipien der Malerei. Jeder Maler hat sein eigenes Verständnis der Welt.

Die wichtigsten Voraussetzungen dafür Kursarbeit Ist:

Kennenlernen der Illustrationen großer Künstler der Vergangenheit;

Kompositionssuche anhand von Skizzen;

Suche nach einem Kompositionszentrum;

Konstruktive Konstruktion von Stilllebenobjekten;

Farb- und Materialübertragung;

Emotionale Ausdruckskraft schaffen.

Kapitel 1. Historischer Hintergrund des Genres „Stillleben“.

1.1. Geschichte der Entwicklung des Stilllebens

„Stillleben“ ist ein französisches Wort, das wörtlich mit „tote Natur“ übersetzt wird. Im Niederländischen klingt die Bezeichnung für dieses Genre wie stilleven, d. h. „ ruhiges Leben„Nach Meinung vieler Künstler und Kunstkritiker ist dies der genaueste Ausdruck des Wesens des Genres, aber die Stärke der Tradition ist so groß, dass „Stillleben“ ein bekannter und verwurzelter Name ist. Das Stillleben als eigenständiges Genre entstand an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert in Flandern und Holland und erreichte schnell eine außergewöhnliche Perfektion bei der Darstellung der Vielfalt der Objekte in der materiellen Welt. Der Prozess der Stilllebenentwicklung verlief in vielen Ländern mehr oder weniger gleich. Westeuropa. Die Perioden seiner Entwicklung hatten ihre eigenen historischen Hintergrund. Jedes Jahrhundert hat seine eigenen Meister des Stilllebens hervorgebracht. Ihre Werke verkörperten künstlerische Ideale Zeit, die Originalität und Ausdruckskraft plastischer Mittel, die einer bestimmten Epoche innewohnen, und die Individualität einzelner Maler. Die Entstehung des Stilllebens in den Niederlanden war durch zwei Phasen gekennzeichnet; in der ersten konnte es nur in Form eines mehr oder weniger eigenständigen Bildes auf der Rückseite der Bildfläche oder in Form von Accessoires darauf existieren der Vorderseite des Bildes.

Die nächste Stufe in der Entwicklung des Stillleben-Genres waren Werke, in denen Stillleben und religiöse Themen die Plätze tauschten. Die Darstellung unbelebter Objekte war Teil eines aktiven, einheitlichen Prozesses der umfassenden Beherrschung der realen Welt durch den Menschen und ihrer künstlerischen Erfassung.

In Flandern erlebte er eine gewaltige Blüte und ging unter dem Namen Flämisches Stillleben in die Geschichte ein. Die Ära seiner Blütezeit war mit Namen verbunden bedeutende Künstler Flandern, das in die Geschichte der bildenden Künste Westeuropas einging: Frans Snyders und sein Schüler Jan Veit. Eine weitere wirkungsvolle Schule des Stilllebens ist als „holländisches Stillleben“ bekannt. Gemeinschaft historische Schicksale Die Völker Hollands und Flanderns und die gemeinsame Kunst der Vergangenheit, aus der beide Schulen künstlerische Erfahrungen schöpften, führten zu vielen Gemeinsamkeiten in ihrer Malerei. Die vielversprechendste und fortschrittlichste Art des niederländischen Stilllebens war das in Harlem entstandene Genre des „Frühstücks“.

Im Genre des Stilllebens (die Autoren dieser Werke waren die Haarlemer Maler Voplem Claes Heda und Pieter Claes) schufen sie eine besondere Art der demokratischen niederländischen Version des „Frühstücks“. Die „Figuren“ ihrer Stillleben waren wenige und in der Regel sehr bescheidene, alltägliche Haushaltsgegenstände.

Eine sehr wichtige Errungenschaft der Haarlemer „Frühstücks“-Meister war die Entdeckung der Rolle der Licht-Luft-Umgebung und eines einzelnen Farbtons als Hauptmittel, um die reiche Vielfalt an Texturqualitäten von Dingen zu vermitteln und gleichzeitig die Einheit der objektiven Welt offenbaren.

Die weitere Demokratisierung des Genres Stillleben führte zur Verbreitung des Typs „Küchenstillleben“, sowohl in Flandern als auch in Holland. Ein Merkmal dieser Vielfalt bei der Darstellung von Objekten war die große Berücksichtigung der räumlichen Eigenschaften der Umgebung. Ende des 17. Jahrhunderts dominierten dekorative Trends im niederländischen Stillleben. Neben den Stillleben Hollands und Flanderns nimmt das deutsche Stillleben des 17. Jahrhunderts einen untergeordneten Platz ein. Die Erfolge der deutschen Stilllebenmalerei des 17. Jahrhunderts stehen in engem Zusammenhang mit der Moderne Niederländische Kunst. Im deutschen Stillleben des 17. Jahrhunderts existierten zwei Richtungen nahezu ohne Berührung nebeneinander: naturalistisch und dekorativ.

Stillleben in Italienische Malerei war unvergleichlich reicher und vollblütiger als der Deutsche, erreichte jedoch weder die Macht der Flamen noch die Vielseitigkeit und Tiefe der Niederländer. Caravaggio gab der Entwicklung des Stilllebens in Italien einen neuen kraftvollen Impuls. Er war einer der ersten großen Meister, der sich dem Genre des reinen Stilllebens zuwandte und ein monumentales, plastisches Bild der „toten Natur“ schuf.

Das italienische Stillleben des 17. Jahrhunderts entwickelte sich auf seine eigene Weise und erlangte schließlich eine Reihe von Qualitäten, die es von anderen nationalen Schulen unterscheiden.

Das spanische Stillleben zeichnet sich durch erhabene Strenge und besondere Bedeutung in der Darstellung der Dinge aus, was im Werk des spanischen Meisters F. Zurbaran besonders deutlich zum Ausdruck kommt.

Ab dem Ende des 17. Jahrhunderts siegten dekorative Tendenzen der höfischen Kunst im französischen Stillleben. Der Höhepunkt des französischen und westeuropäischen Stilllebens des 17. Jahrhunderts war das Werk von J.B.S. Chardin. Es zeichnete sich durch Strenge und Freiheit der Komposition sowie Feinheit der Farblösungen aus. Wir haben der Stillleben-Romantik etwas mehr Aufmerksamkeit geschenkt. Die Romantik hat kein originelles, bedeutungsvolles Konzept des Stilllebens geschaffen. Die Hauptgegenstände des romantischen Stilllebens waren Blumen und Jagdtrophäen.

Im 17. Jahrhundert wurde das Schicksal des Stilllebens von den führenden Meistern der Malerei bestimmt, die in vielen Genres arbeiteten und das Stillleben in den Kampf einbezogen Ästhetische Ansichten Und künstlerische Ideen. So formulierte es beispielsweise der französische Realist Gustav Courbet neues Konzept, nachdem er die direkte Beziehung des Stilllebens zur Natur festgestellt und auf diese zurückgeführt hatte Vitalität, Reichtum und Tiefe.

Die Impressionisten schufen ihre Stilllebenkomposition, indem sie das von ihnen im Bereich der Landschaft entwickelte Prinzip des Pleinairs auf dieses Genre übertrugen. Da sie im Stillleben nur Licht und Luft erkannten, verwandelten sie Objekte in einfache Träger von Licht-Luft-Reflexen.

Der neue Aufschwung der Stilllebenmalerei war mit der Leistung der Meister des Postimpressionismus verbunden, für die die Welt der Dinge zu einem der Hauptthemen wurde, die für die Werke von P. Cezanne und Van Gogh charakteristisch sind.

Seit Beginn des 20. Jahrhunderts ist das Stillleben zu einer Art Stillleben geworden kreatives Labor Malerei. In Frankreich gehen die Meister des Fomismus A. Matisse und andere den Weg der gesteigerten Identifikation der emotionalen, dekorativen und ausdrucksstarken Möglichkeiten von Farbe und Textur, und Vertreter des Kubismus J. Braque, P. Picasso und andere nutzen die künstlerischen und analytischen Möglichkeiten Den Besonderheiten des Stilllebens innewohnend, streben wir danach, neue Wege der Vermittlung von Raum und Form zu finden. Stillleben lockt auch Meister anderer Bewegungen an.

In der russischen Kunst tauchte das Stillleben im 17. Jahrhundert zusammen mit der Etablierung der weltlichen Malerei auf und spiegelte das pädagogische Pathos der Zeit und den Wunsch wider, die objektive Welt wahrheitsgetreu und genau zu vermitteln. Der detaillierte Charakter und die illusorische Natur dieser Stillleben gaben Anlass, sie „Köder“ zu nennen. Weiterentwicklung Die russische Stilllebenmalerei war lange Zeit episodischer Natur. Sein Aufstieg in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, der von Namen wie F. P. Tolstoi, A. G. Venetsianov und I. T. Khrutsky geprägt war, ist mit dem Wunsch verbunden, Schönheit im Kleinen und Gewöhnlichen zu sehen.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts begann das Stillleben seine semantische Kraft zu gewinnen, allerdings zunächst nur in den Handlungsgängen der Kompositionen von P. Fedotov, V. Petrov, V. Makovsky, V. Polenov und anderen Malern Der demokratische Trend. Stillleben in Genrebildern dieses Autorenkreises offenbarten und stärkten die soziale Ausrichtung ihrer Werke und prägten die Zeit.

Die eigenständige Lösung einer Stilllebenskizze steigert sich um Wende des 19. Jahrhunderts und 20. Jahrhundert in den Werken von M. A. Vrubel und V. Borisov-Masutov. Die Blütezeit des russischen Stilllebens fand zu Beginn des 20. Jahrhunderts statt. Kunst zeichnet sich durch Suchen im Bereich von Farbe, Form und Raumkonstruktion aus. Streben nach Erweiterung der Möglichkeiten Bildsprache ermutigt Künstler, sich den Traditionen des alten Russland zuzuwenden und Volkskunst, die Kultur des Ostens, klassisches Erbe West, zu den Errungenschaften der modernen französischen Malerei.

Zu den besten Beispielen dieser Zeit zählen die impressionistischen Werke von K. A. Korovin, I. E. Grabar; die Werke der Künstler der „Welt der Künste“ A. Ya. Golovin und anderer, die die historische und alltägliche Natur der Dinge präzise wiedergeben; scharf dekorative P.V. Kuznetsov, S.Yu. Saryan und andere Maler des Blue Roses-Kreises, durchdrungen von der Fülle des „Jack of Diamonds“ P.P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, R. R. Falk, A. V. Lentulov und andere.

In den 1920er und 1930er Jahren beinhaltete das Stillleben in den Werken von K. S. Petrov-Vodkin auch ein philosophisches Verständnis der Moderne, das in der Komposition gesteigert wurde. Sie zeichnen sich durch die Originalität der Farbe und der perspektivischen Konstruktion aus. Die Themen werden darin nicht aus einem Blickwinkel geschrieben, sondern aus mehreren. Diese Technik der Raumkonstruktion erweiterte sich bildende Kunst Der Künstler hilft dabei, die Formen und das Volumen von Objekten zu vermitteln und trägt zu einer genaueren Darstellung ihrer Beziehung auf der Ebene bei. Toller Ort Stillleben nahm einen Platz im Werk von Yu. I. Pimenov ein. Das Sujet in seinen Stillleben ist mit großer emotionaler Ausdruckskraft ausgestattet.

Angereichert mit neuen Themen, Bildern und künstlerische Techniken Das russische Stillleben zu Beginn des 20. Jahrhunderts entwickelte sich ungewöhnlich schnell: In anderthalb Jahrzehnten durchlief es einen schwierigen Weg vom Impressionismus zur abstrakten Formensprache und spielte eine große Rolle in der Entwicklung der Kunst unseres Jahrhunderts. Nie zuvor hatte er in der Geschichte der russischen Malerei einen so herausragenden Platz eingenommen.

Das Stillleben sollte sozusagen für viele Künstler und auch für die russische Malerei des frühen 20. Jahrhunderts zu einer Art Labor für die Suche nach einer neuen Bildsprache werden. Aber natürlich veränderte sich nicht nur die sogenannte Formensprache der Malerei und wurde überhaupt auf ihre Weise bereichert, sondern auch ihr Inhalt, ihre Methode, die Prinzipien ihres figurativen Systems.

Dem Stillleben dieser Zeit verdanken wir die außerordentliche Erweiterung seiner Grenzen als visuelles Genre. Menschliche Persönlichkeit Die Geschichte dieser schwierigen Zeit offenbart sich in ihm auf sehr vielfältige Weise. In diesem Stillleben spürt der Betrachter nicht nur die Besonderheiten dieser oder jener Lebensweise, sondern auch jene Besonderheiten, die einer bestimmten Individualität innewohnen. Das tiefe Wesen des Phänomens der umgebenden Welt wird nun vollständiger offenbart4.

Der Schönheitsbegriff im Stillleben ist vielfältiger geworden; Der Künstler sieht eine Fülle von Formen und Farben, wo er zuvor nichts Bemerkenswertes gefunden hatte. Der Kreis der im Stillleben dargestellten Phänomene erweiterte sich ins Unermessliche.

1.2. Stillleben als Genre der Malerei

In einem schwülen Sommer auf dem Land oder in einem anhaltenden Schneesturm. Ohne das Haus zu verlassen, können Sie sich von gewöhnlichen Früchten oder ungewöhnlichen Blumen inspirieren lassen. Das Motiv versucht nicht, den Kopf zu drehen, wie bei einem Porträt, und verwandelt nicht jede Sekunde Schatten in Licht, wie bei einer Landschaft. Das ist das Gute am Stillleben-Genre. Und „tote Natur“, übersetzt aus dem Französischen, oder „stilles Leben der Dinge“ in der niederländischen Version, belebt den Innenraum wirklich. Natalya Letnikova präsentiert die Top 7 Stillleben russischer Künstler.

„Waldveilchen und Vergissmeinnicht“

Waldveilchen und Vergissmeinnicht

Das Gemälde von Isaac Levitan ist wie ein blauer Himmel und eine weiße Wolke – vom Sänger der russischen Natur. Nur auf der Leinwand sind keine heimischen Freiflächen, sondern ein Strauß Wildblumen zu sehen. Löwenzahn, Flieder, Kornblumen, Immortelle, Farne und Azaleen ... Nach dem Wald verwandelte sich das Atelier des Künstlers in „entweder ein Gewächshaus oder einen Blumenladen“. Levitan liebte Blumenstillleben und lehrte seine Schüler, sowohl Farben als auch Blütenstände zu sehen: „Sie sollten nicht nach Farbe, sondern nach Blumen riechen.“

„Äpfel und Blätter“

Äpfel und Blätter

Die Werke von Ilja Repin setzen den brillanten Rahmen des Russischen Museums organisch in Szene. Der reisende Künstler komponierte eine Komposition für seinen Schüler Valentin Serov. Es ist so malerisch geworden, dass der Lehrer selbst zum Pinsel gegriffen hat. Sechs Äpfel aus einem gewöhnlichen Garten – zerquetscht und mit „Fässern“ und ein Haufen zerfetzter Blätter Herbstfarben, als Inspirationsquelle.

„Blumenstrauß. Phloxen"

Blumenstrauß. Phloxen

Gemälde von Ivan Kramskoy. „Eine talentierte Person wird keine Zeit damit verschwenden, beispielsweise Becken, Fische usw. darzustellen. Es ist gut, dies für Leute zu tun, die bereits alles haben, aber wir haben noch viel zu tun“, schrieb Kramskoy an Vasnetsov. Und doch hat der berühmte Porträtmaler am Ende seines Lebens das Genre des Stilllebens nicht außer Acht gelassen. Blumenstrauß aus Phloxen Glasvase wurde auf der XII. Wanderausstellung präsentiert. Das Gemälde wurde vor dem Eröffnungstag gekauft.

"Stillleben"

Stillleben

Kasimir Malewitsch auf dem Weg zum „Schwarzen Quadrat“ durch Impressionismus und Kubismus, vorbei am Realismus. Eine Obstschale ist das Ergebnis kreativer Suche, auch innerhalb desselben Bildes: dicke schwarze Linien der französischen Cloisonné-Technik, flache Schalen und voluminöse Früchte. Alle Bestandteile des Bildes werden nur durch die Farbe vereint. Charakteristisch für einen Künstler – hell und reichhaltig. Wie eine Herausforderung für Pastellfarben echtes Leben.

„Hering und Zitrone“

Hering und Zitrone

Vier Kinder und Malerei. Diese Kombination im Leben eines Künstlers bestimmt unverkennbar das Genre. Das ist mit Zinaida Serebryakova passiert. Zahlreiche Familienporträts und Stillleben, aus denen Sie ein Menü zusammenstellen können: „Obstkorb“, „Spargel und Erdbeeren“, „Trauben“, „Fisch auf Gemüse“ ... In den Händen eines wahren Meisters werden „Hering und Zitrone“ zu einem Kunstwerk. Poesie und Einfachheit: spiralförmige Zitronenschale und Fisch ohne Schnickschnack.

„Stillleben mit Samowar“

Stillleben mit Samowar

Ilya Mashkov, ein Schüler von Serov, Korovin und Vasnetsov, liebte es, die Welt um ihn herum darzustellen, und zwar lebendiger. Porzellanfiguren und Begonien, Kürbisse... Fleisch, Wild – im Geiste der alten Meister und Moskauer Brot – Skizzen vom Smolensker Markt der Hauptstadt. Und was wären wir nach russischer Tradition ohne einen Samowar? Ein Stillleben aus dem Bereich des Festlebens mit Früchten und buntem Geschirr wird durch einen Totenkopf ergänzt – eine Erinnerung an die Zerbrechlichkeit des Lebens.

„Studieren mit Medaillen“

Studieren Sie mit Medaillen

Stillleben im sowjetischen Stil. Der Künstler des 20. Jahrhunderts, Anatoly Nikich-Krilichevsky, zeigte in einem Gemälde das gesamte Leben der ersten sowjetischen Weltmeisterin im Eisschnelllauf, Maria Isakova. Mit Pokalen, hinter denen sich jahrelanges Training verbirgt; Medaillen, die in einem erbitterten Kampf gewonnen wurden; Briefe und riesige Blumensträuße. Schönes Bild für den Künstler und eine künstlerische Chronik sportlicher Erfolge. Stilllebengeschichte.

These

1. Geschichte der Entwicklung des Stilllebens

In der bildenden Kunst wird ein Stillleben (von französisch natur morte – „tote Natur“) üblicherweise als Bild bezeichnet unbelebte Objekte, vereint in einer einzigen Kompositionsgruppe. Für viele ist die deutsche oder englische Version der Bezeichnung Stillleben und Stillleben geläufiger. Im Niederländischen klingt die Bezeichnung dieses Genres wie stilleven, also „stilles Leben“, nach Meinung vieler Künstler und Kunstkritiker ist dies der genaueste Ausdruck des Wesens des Genres, aber darin liegt die Stärke der Tradition dass „Stillleben“ ein bekannter und verwurzelter Name ist. Ein Stillleben kann sowohl eigenständige Bedeutung haben als auch sein integraler Bestandteil Kompositionen Genremalerei. Ein Stillleben drückt die Haltung eines Menschen gegenüber der Welt um ihn herum aus. Es offenbart das Schönheitsverständnis, das dem Künstler als Mann seiner Zeit innewohnt.

Das Stillleben als eigenständiges Genre entstand an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert in Flandern und Holland und erreichte schnell eine außergewöhnliche Perfektion bei der Darstellung der Vielfalt der Objekte in der materiellen Welt. Der Entstehungsprozess des Stilllebens verlief in vielen Ländern Westeuropas mehr oder weniger gleich. Wenn wir jedoch die Kunstgeschichte als Ganzes betrachten, dann reicht die erste Phase in der Entwicklung des Stilllebens bis in die Altsteinzeit zurück. Es gibt zwei Haupttechniken, die antike Künstler verwendeten: Naturalismus und Ornamentik. Dann beginnen diese beiden Trends näher zusammenzurücken und es entsteht ein „halbbewusstes“ Stillleben, ein Bild einzelner Teile eines Objekts. Ein echtes Gesamtobjekt kann nur in gefunden werden Bronzezeit. Diese zweite Stufe in der Entwicklung des Stilllebens erreicht in der ägyptischen Kunst ihren Höhepunkt. Objekte werden immer isoliert voneinander dargestellt. Erstmals wird das Blumenmotiv, das Thema Schnittpflanzen, vorgestellt. Korrelative Proportionen treten in Werken der ägäischen Kunst auf. Die Objekte sind in drei Vierteln dargestellt und in Gruppen angeordnet. Die Traditionen der ägäischen Malerei wurden fortgeführt Griechische Kultur. Wir können dieses Genre beurteilen Schöne Künste durch Vasen. Gegenstände hängen nicht mehr in der Luft, sondern haben ihre eigene „ echter Ort„im Weltraum: ein an einen Baum gelehnter Schild, ein über einen Ast geworfener Mantel – das sogenannte „hängende“ Stillleben. Auch in Sketche aus der Schule Oft wird ein „musikalisches“ Stillleben dargestellt. Man kann noch einen weiteren Typ griechischer Stillleben unterscheiden: „antik“. Künstler erstellen Bilder von Werkstätten: Statuenstücke, eine Säge, einen Hammer, Skizzenplatten. Es ist fast unmöglich, auf griechischen Vasen Abbildungen von Blumen und Tieren zu finden.

IN mittelalterliche Kunst Durch die Fragmentierung der Komposition, die Aufteilung des Gemäldes in einzigartige Register wird das Objekt zum Attribut und nicht zum Objekt des Bildes. Auch Ornamente spielen weiterhin eine wichtige Rolle, insbesondere in Buntglasfenstern Katholische Kathedralen. Die harte, äußerst asketische Kunst von Byzanz, die unsterbliche, monumental verallgemeinerte, erhaben heroische Bilder schuf, verwendete Bilder einzelner Objekte mit außergewöhnlicher Ausdruckskraft.

In der altrussischen Ikonenmalerei spielten auch die wenigen Objekte eine große Rolle, die der Künstler in seine streng kanonischen Werke einführte. Sie brachten Spontaneität, Vitalität und wirkten manchmal wie ein offener Ausdruck von Gefühlen in einem Werk, das einer abstrakten mythologischen Handlung gewidmet ist.

Stillleben spielten in der Malerei eine noch größere Rolle Künstler XV-XVI Jahrhunderte während der Renaissance. Der Maler, der zum ersten Mal der Welt um ihn herum große Aufmerksamkeit schenkte, versuchte, den Ort und den Wert aller Dinge zu bestimmen, die dem Menschen dienen. Haushaltsgegenstände erlangten den Adel und die stolze Bedeutung ihres Besitzers, desjenigen, dem sie dienten. Auf großen Leinwänden nahm das Stillleben meist einen sehr bescheidenen Platz ein: ein Glasgefäß mit Wasser, eine elegante Silbervase oder zarte weiße Lilien auf dünnen Stielen, die oft in der Ecke des Bildes zusammengedrängt waren. Allerdings steckte in der Darstellung dieser Dinge so viel poetische Liebe zur Natur, ihre Bedeutung war so stark vergeistigt, dass man hier bereits alle Merkmale erkennen kann, die später die eigenständige Entwicklung des gesamten Genres bestimmten.

Im 17. Jahrhundert – im Zeitalter des entwickelten Stillleben-Genres – erhielten Gegenstände und materielle Elemente in der Malerei eine neue Bedeutung. In komplexen Kompositionen mit literarische Handlung sie nahmen ihren Platz zusammen mit anderen Helden des Werkes ein. Wenn man die Werke dieser Zeit analysiert, kann man erkennen, welche wichtige Rolle das Stillleben in der Malerei zu spielen begann. Die Dinge begannen in diesen Werken als die Hauptdinge aufzutauchen Charaktere und zeigt, was ein Künstler erreichen kann, wenn er sein Können dieser Art von Kunst widmet.

Von geschickten, fleißigen und weisen Händen gefertigte Gegenstände tragen den Abdruck der Gedanken, Wünsche und Neigungen eines Menschen. Sie dienen ihm, erfreuen ihn und erwecken in ihm ein berechtigtes Gefühl des Stolzes. Nicht umsonst erfahren wir aus den Scherben von Geschirr, Haushaltsutensilien und Ritualgegenständen, die für Archäologen zu verstreuten Seiten der Menschheitsgeschichte werden, etwas über Epochen, die längst vom Erdboden verschwunden sind.

Der Künstler blickt in die Welt um ihn herum, durchdringt mit neugierigem Geist ihre Gesetze, enträtselt die faszinierenden Geheimnisse des Lebens und spiegelt sie in seiner Kunst umfassender und umfassender wider. Er stellt nicht nur die Welt um ihn herum dar, sondern vermittelt auch sein Verständnis, seine Einstellung zur Realität.

Die Entstehungs- und Entwicklungsgeschichte verschiedener Malereigattungen ist ein lebendiges Zeugnis unermüdlicher Arbeit menschliches Bewusstsein, bestrebt, die unendliche Vielfalt der Aktivitäten zu erfassen und ästhetisch zu erfassen. Besonders deutlich manifestierte sich das Genre des Stilllebens in Niederländische Malerei Proto-Renaissance. Es ist immer noch Teil der Inneneinrichtung, aber die Liebe zum Detail der Künstler schafft erstaunliche kleine Stillleben: Geschirr, ein Arbeitstisch, auf dem Boden stehende Schuhe. All dies wird mit der gleichen Liebe dargestellt wie die Figuren von Menschen und Heiligen. In Italien tauchen Stillleben aus der Landschaft auf. Anschließend erhält das Objekt eine Art eigenständige Aktivität und wird zum Teilnehmer der Aktion. Seit der Proto-Renaissance ist die objektive Welt immer realistischer, manchmal sogar fast greifbar geworden. Es ist kein Requisit mehr, sondern wird zum Alltag. Im 16. Jahrhundert Künstler Nördliche Renaissance Sie beginnen, Gegenstände freizulegen, indem sie ihre Hüllen abreißen (zum Beispiel Tierhäute).

Stillleben ist ein relativ junges Genre. Unabhängige Bedeutung in Europa erhielt es erst im 17. Jahrhundert. Die Entwicklungsgeschichte des Stilllebens ist interessant und lehrreich. Besonders üppig und leuchtend blühte das Stillleben in Flandern und den Niederlanden. Das Stillleben etabliert sich endgültig als eigenständiges Genre der Malerei. Seine Entstehung ist mit jenen revolutionären historischen Ereignissen verbunden, durch die diese Länder, nachdem sie ihre Unabhängigkeit erlangt hatten, Anfang des XVII Jahrhunderte begannen auf dem Weg der bürgerlichen Entwicklung. Für Europa war dies damals ein wichtiges und fortschrittliches Phänomen. Der Kunst eröffneten sich neue Horizonte. Historische Bedingungen und neue gesellschaftliche Beziehungen lenkten und bestimmten kreative Wünsche und Veränderungen bei der Lösung der Probleme, mit denen der Maler konfrontiert war. Ohne direkt abzubilden historische Ereignisse, Künstler haben einen neuen Blick auf die Welt geworfen, neue Werte im Menschen gefunden. Das Leben, der Alltag erschien ihnen in einer bis dahin unbekannten Bedeutung und Vollständigkeit. Sie wurden von den Besonderheiten des nationalen Lebens angezogen, heimische Natur, Dinge, die den Abdruck von Arbeit und Tagen tragen gewöhnliche Menschen. Von hier aus, aus einem bewussten, tiefen Interesse am Leben der Menschen, angetrieben durch das System selbst, wurde isoliert und unabhängige Genres Es entstanden alltägliche Gemälde, Landschaften und Stillleben.

Die im 17. Jahrhundert entwickelte Kunst des Stilllebens bestimmte die Hauptqualitäten dieser Gattung. Malerei, dem Frieden gewidmet Dinge, sprach über die grundlegenden Eigenschaften, die den eine Person umgebenden Objekten innewohnen, enthüllte die Haltung des Künstlers und Zeitgenossen gegenüber dem Dargestellten, drückte die Natur und Vollständigkeit der Kenntnis der Realität aus. Der Maler vermittelte die materielle Existenz der Dinge, ihr Volumen, ihr Gewicht, ihre Textur, ihre Farbe, den funktionalen Wert von Haushaltsgegenständen, ihre lebendige Verbindung mit menschlichem Handeln. Die Schönheit und Perfektion von Haushaltsgeräten wurde nicht nur durch ihre Notwendigkeit bestimmt, sondern auch durch das Können ihres Schöpfers. Das Stillleben der revolutionären Ära des siegreichen Bürgertums spiegelte den Respekt des Künstlers vor den neuen Formen des nationalen Lebens seiner Landsleute und den Respekt vor der Arbeit wider.

Die im 17. Jahrhundert formulierten Aufgaben der Gattung in allgemeiner Überblick existierte in Europäische Schule bis zu Mitte des 19 Jahrhundert. Dies bedeutet jedoch nicht, dass Künstler sich nicht neue Aufgaben stellten und vorgefertigte Lösungen mechanisch wiederholten.

Im Laufe der Epochen haben sich nicht nur die Methoden und Methoden der Stilllebenmalerei verändert, auch künstlerische Erfahrungen haben sich angesammelt und im Entstehungsprozess hat sich ein komplexeres und immer bereichernderes Weltbild entwickelt.

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In der bildenden Kunst wird ein Stillleben (von französisch natur morte – „tote Natur“) üblicherweise als Bild unbelebter Objekte bezeichnet, die zu einer einzigen Kompositionsgruppe zusammengefasst sind. Für viele ist die deutsche oder englische Version der Bezeichnung Stillleben und Stillleben geläufiger. Im Niederländischen klingt die Bezeichnung dieses Genres wie stilleven, also „stilles Leben“, nach Meinung vieler Künstler und Kunstkritiker ist dies der genaueste Ausdruck des Wesens des Genres, aber darin liegt die Stärke der Tradition dass „Stillleben“ ein bekannter und verwurzelter Name ist. Ein Stillleben kann sowohl eine eigenständige Bedeutung haben als auch integraler Bestandteil der Komposition eines Genrebildes sein. Ein Stillleben drückt die Haltung eines Menschen gegenüber der Welt um ihn herum aus. Es offenbart das Schönheitsverständnis, das dem Künstler als Mann seiner Zeit innewohnt.

Das Stillleben als eigenständiges Genre entstand an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert in Flandern und Holland und erreichte schnell eine außergewöhnliche Perfektion bei der Darstellung der Vielfalt der Objekte in der materiellen Welt. Der Entstehungsprozess des Stilllebens verlief in vielen Ländern Westeuropas mehr oder weniger gleich. Wenn wir jedoch die Kunstgeschichte als Ganzes betrachten, dann reicht die erste Phase in der Entwicklung des Stilllebens bis in die Altsteinzeit zurück. Es gibt zwei Haupttechniken, die antike Künstler verwendeten: Naturalismus und Ornamentik. Dann beginnen diese beiden Trends näher zusammenzurücken und es entsteht ein „halbbewusstes“ Stillleben, ein Bild einzelner Teile eines Objekts. Ein wirklich vollständiges Objekt kann nur in der Bronzezeit gefunden werden. Diese zweite Stufe in der Entwicklung des Stilllebens erreicht in der ägyptischen Kunst ihren Höhepunkt. Objekte werden immer isoliert voneinander dargestellt. Erstmals wird das Blumenmotiv, das Thema Schnittpflanzen, vorgestellt. Korrelative Proportionen treten in Werken der ägäischen Kunst auf. Die Objekte sind in drei Vierteln dargestellt und in Gruppen angeordnet. Die Traditionen der ägäischen Malerei fanden ihre Fortsetzung in der griechischen Kultur. Wir können dieses Genre der bildenden Kunst anhand der Vasen beurteilen. Gegenstände hängen nicht mehr in der Luft, sondern haben ihren eigenen „realen Platz“ im Raum: ein an einen Baum gelehnter Schild, ein über einen Ast geworfener Mantel – das sogenannte „hängende“ Stillleben. Auch Schulszenen zeigen oft ein „musikalisches“ Stillleben. Man kann noch einen weiteren Typ griechischer Stillleben unterscheiden: „antik“. Künstler erstellen Bilder von Werkstätten: Statuenstücke, eine Säge, einen Hammer, Skizzenplatten. Es ist fast unmöglich, auf griechischen Vasen Abbildungen von Blumen und Tieren zu finden.

In der mittelalterlichen Kunst wird durch die Fragmentierung der Komposition, die Aufteilung des Gemäldes in einzigartige Register, das Objekt zum Attribut und nicht zum Objekt des Bildes. Auch Ornamente spielen weiterhin eine wichtige Rolle, insbesondere in Buntglasfenstern katholischer Kathedralen. Die harte, äußerst asketische Kunst von Byzanz, die unsterbliche, monumental verallgemeinerte, erhaben heroische Bilder schuf, verwendete Bilder einzelner Objekte mit außergewöhnlicher Ausdruckskraft.

In der altrussischen Ikonenmalerei spielten auch die wenigen Objekte eine große Rolle, die der Künstler in seine streng kanonischen Werke einführte. Sie brachten Spontaneität, Vitalität und wirkten manchmal wie ein offener Ausdruck von Gefühlen in einem Werk, das einer abstrakten mythologischen Handlung gewidmet ist.

Stillleben spielten in der Renaissance eine noch größere Rolle in der Malerei der Künstler des 15.-16. Jahrhunderts. Der Maler, der zum ersten Mal der Welt um ihn herum große Aufmerksamkeit schenkte, versuchte, den Ort und den Wert aller Dinge zu bestimmen, die dem Menschen dienen. Haushaltsgegenstände erlangten den Adel und die stolze Bedeutung ihres Besitzers, desjenigen, dem sie dienten. Auf großen Leinwänden nahm das Stillleben meist einen sehr bescheidenen Platz ein: ein Glasgefäß mit Wasser, eine elegante Silbervase oder zarte weiße Lilien auf dünnen Stielen, die oft in der Ecke des Bildes zusammengedrängt waren. Allerdings steckte in der Darstellung dieser Dinge so viel poetische Liebe zur Natur, ihre Bedeutung war so stark vergeistigt, dass man hier bereits alle Merkmale erkennen kann, die später die eigenständige Entwicklung des gesamten Genres bestimmten.

Im 17. Jahrhundert – im Zeitalter des entwickelten Stillleben-Genres – erhielten Gegenstände und materielle Elemente in der Malerei eine neue Bedeutung. In komplexen Kompositionen mit literarischer Handlung nahmen sie zusammen mit anderen Helden des Werkes ihren Platz ein. Wenn man die Werke dieser Zeit analysiert, kann man erkennen, welche wichtige Rolle das Stillleben in der Malerei zu spielen begann. In diesen Werken tauchten Dinge als Hauptfiguren auf und zeigten, was ein Künstler erreichen kann, wenn er sein Können dieser Art von Kunst widmet.

Von geschickten, fleißigen und weisen Händen gefertigte Gegenstände tragen den Abdruck der Gedanken, Wünsche und Neigungen eines Menschen. Sie dienen ihm, erfreuen ihn und erwecken in ihm ein berechtigtes Gefühl des Stolzes. Nicht umsonst erfahren wir aus den Scherben von Geschirr, Haushaltsutensilien und Ritualgegenständen, die für Archäologen zu verstreuten Seiten der Menschheitsgeschichte werden, etwas über Epochen, die längst vom Erdboden verschwunden sind.

Der Künstler blickt in die Welt um ihn herum, durchdringt mit neugierigem Geist ihre Gesetze, enträtselt die faszinierenden Geheimnisse des Lebens und spiegelt sie in seiner Kunst umfassender und umfassender wider. Er stellt nicht nur die Welt um ihn herum dar, sondern vermittelt auch sein Verständnis, seine Einstellung zur Realität.

Die Entstehungs- und Entwicklungsgeschichte verschiedener Genres der Malerei ist ein lebendiger Beweis für die unermüdliche Arbeit des menschlichen Bewusstseins, das danach strebt, die endlose Vielfalt der Aktivitäten zu erfassen und ästhetisch zu erfassen. Das Genre des Stilllebens manifestierte sich besonders deutlich in der niederländischen Malerei der Proto-Renaissance. Es ist immer noch Teil der Inneneinrichtung, aber die Liebe zum Detail der Künstler schafft erstaunliche kleine Stillleben: Geschirr, ein Arbeitstisch, auf dem Boden stehende Schuhe. All dies wird mit der gleichen Liebe dargestellt wie die Figuren von Menschen und Heiligen. In Italien tauchen Stillleben aus der Landschaft auf. Anschließend erhält das Objekt eine Art eigenständige Aktivität und wird zum Teilnehmer der Aktion. Seit der Proto-Renaissance ist die objektive Welt immer realistischer, manchmal sogar fast greifbar geworden. Es ist kein Requisit mehr, sondern wird zum Alltag. Im 16. Jahrhundert begannen Künstler der nördlichen Renaissance, Gegenstände freizulegen und ihre Hüllen abzureißen (zum Beispiel die Haut von Tieren).

Stillleben ist ein relativ junges Genre. Erst im 17. Jahrhundert erlangte es in Europa eigenständige Bedeutung. Die Entwicklungsgeschichte des Stilllebens ist interessant und lehrreich. In Flandern und den Niederlanden blühte das Stillleben besonders üppig und prächtig auf. Das Stillleben etabliert sich endgültig als eigenständiges Genre der Malerei. Seine Entstehung ist mit jenen revolutionären historischen Ereignissen verbunden, durch die diese Länder nach der Erlangung der Unabhängigkeit zu Beginn des 17. Jahrhunderts den Weg der bürgerlichen Entwicklung betraten. Für Europa war dies damals ein wichtiges und fortschrittliches Phänomen. Der Kunst eröffneten sich neue Horizonte. Historische Bedingungen und neue gesellschaftliche Beziehungen lenkten und bestimmten kreative Wünsche und Veränderungen bei der Lösung der Probleme, mit denen der Maler konfrontiert war. Ohne historische Ereignisse direkt darzustellen, warfen die Künstler einen neuen Blick auf die Welt und fanden neue Werte im Menschen. Das Leben, der Alltag erschien ihnen in einer bis dahin unbekannten Bedeutung und Vollständigkeit. Sie fühlten sich von den Besonderheiten des nationalen Lebens, der einheimischen Natur und den Dingen angezogen, die von den Werken und Tagen der einfachen Leute geprägt waren. Von hier aus, aus einem bewussten, tiefen Interesse am Leben der Menschen, angetrieben durch das System selbst, entstanden eigenständige und eigenständige Genres der Alltagsmalerei, der Landschaftsmalerei und des Stilllebens.

Die im 17. Jahrhundert entwickelte Kunst des Stilllebens bestimmte die Hauptqualitäten dieser Gattung. Das der Welt der Dinge gewidmete Gemälde sprach über die grundlegenden Eigenschaften der den Menschen umgebenden Objekte, offenbarte die Haltung des Künstlers und seines Zeitgenossen gegenüber dem Dargestellten und drückte die Natur und Vollständigkeit der Kenntnis der Realität aus. Der Maler vermittelte die materielle Existenz der Dinge, ihr Volumen, ihr Gewicht, ihre Textur, ihre Farbe, den funktionalen Wert von Haushaltsgegenständen, ihre lebendige Verbindung mit menschlichem Handeln. Die Schönheit und Perfektion von Haushaltsgeräten wurde nicht nur durch ihre Notwendigkeit bestimmt, sondern auch durch das Können ihres Schöpfers. Das Stillleben der revolutionären Ära des siegreichen Bürgertums spiegelte den Respekt des Künstlers vor den neuen Formen des nationalen Lebens seiner Landsleute und den Respekt vor der Arbeit wider.

Die im 17. Jahrhundert formulierten Aufgaben der Gattung existierten in allgemeiner Form in der europäischen Schule bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts. Dies bedeutet jedoch nicht, dass Künstler sich nicht neue Aufgaben stellten und vorgefertigte Lösungen mechanisch wiederholten.

Im Laufe der Epochen haben sich nicht nur die Methoden und Methoden der Stilllebenmalerei verändert, auch künstlerische Erfahrungen haben sich angesammelt und im Entstehungsprozess hat sich ein komplexeres und immer bereichernderes Weltbild entwickelt.

Stillleben, Genre der bildenden Kunst

Im 19. Jahrhundert Das Schicksal des Stilllebens wurde von führenden Meistern der Malerei bestimmt, die in vielen Genres arbeiteten und das Stillleben in den Kampf ästhetischer Ansichten und künstlerischer Ideen verwickelten (F. Goya in Spanien, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet in Frankreich). Unter den Meistern des 19. Jahrhunderts, die sich auf dieses Genre spezialisiert haben, ragen auch A. Fantin-Latour (Frankreich) und W. Harnett (USA) heraus. Der neue Aufschwung der Stilllebenmalerei war mit der Leistung der Meister des Postimpressionismus verbunden, für die die Welt der Dinge zu einem der Hauptthemen wurde (P. Cezanne, V. van Gogh). Seit Beginn des 20. Jahrhunderts. Stillleben ist eine Art kreatives Mallabor. In Frankreich gehen die Meister des Fauvismus (A. Matisse und andere) den Weg der verstärkten Identifizierung der emotionalen und dekorativ-expressiven Fähigkeiten von Farbe und Textur und Vertreter des Kubismus (J. Braque, P. Picasso, X. Gris, etc.) streben unter Nutzung der den Besonderheiten des Stilllebens innewohnenden künstlerischen und analytischen Möglichkeiten danach, neue Wege der Raum- und Formvermittlung zu etablieren. Das Stillleben zieht auch Meister anderer Bewegungen an (A. Kanoldt in Deutschland, G. Morandi in Italien, S. Lucian in Rumänien, B. Kubista und E. Filla in der Tschechischen Republik usw.). Gesellschaftliche Trends im Stillleben des 20. Jahrhunderts werden durch die Werke von D. Rivera und D. Siqueiros in Mexiko, R. Guttuso in Italien repräsentiert.

In der russischen Kunst Stillleben erschien im 18. Jahrhundert. zusammen mit der Etablierung der weltlichen Malerei, die das kognitive Pathos der Zeit und den Wunsch widerspiegelt, die objektive Welt wahrheitsgetreu und genau zu vermitteln (die „Tricks“ von G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov usw.). Die Weiterentwicklung des russischen Stilllebens verlief lange Zeit episodisch. Sein leichter Anstieg erfolgte in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. (F. P. Tolstoi, Schule von A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky) ist mit dem Wunsch verbunden, Schönheit im Kleinen und Gewöhnlichen zu sehen. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan wandten sich nur gelegentlich Stillleben mit Skizzencharakter zu; Hilfsbedeutung des Stilllebens in künstlerisches System Die Wanderers folgten ihrer Vorstellung von der dominanten Rolle des handlungsthematischen Bildes. Die eigenständige Bedeutung der Stilllebenskizze nimmt um die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert zu. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Die Blütezeit des russischen Stilllebens fand zu Beginn des 20. Jahrhunderts statt. Zu seinen besten Beispielen zählen die impressionistischen Werke von K. A. Korovin, I. E. Grabar; Werke von Künstlern aus der „Welt der Kunst“ (A. Ya. Golovin und andere), die auf subtile Weise die historische und alltägliche Natur der Dinge aufgreifen; akut dekorative Bilder P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, M. S. Saryan und andere Maler des Kreises „Blaue Rose“; Helle, von der Fülle des Seins durchdrungene Stillleben der Meister des „Karo-Buben“ (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Goncharova). Sowjetisches Stillleben, das sich im Einklang mit der Kunst entwickelt Sozialistischer Realismus, wird mit neuen Inhalten bereichert. In den 20-30er Jahren. Es beinhaltet ein philosophisches Verständnis der Moderne in kompositorisch geschärften Werken (K. S. Petrov-Vodkin) und thematischen „revolutionären“ Stillleben (F. S. Bogorodsky und andere) und versucht, das vom sogenannten Nicht abgelehnte „Ding“ wieder greifbar zu finden -objektlose Menschen. durch Experimente auf dem Gebiet der Farbe und Textur (D. P. Shterenberg, N. I. Altman) und eine vollwertige Nachbildung des Farbreichtums und der Vielfalt der objektiven Welt (A. M. Gerasimov, Konchalovsky, Mashkov, Kuprin. Lentulov, Saryan , A. A. Osmerkin und andere) sowie die Suche nach subtiler koloristischer Harmonie, Poetisierung der Welt der Dinge (V. V. Lebedev, N. A. Tyrsa usw.). In den 40-50er Jahren. Stillleben, die sich stilistisch deutlich unterscheiden und wesentliche Merkmale widerspiegeln moderne Epochen, erstellt von P.V. Kuznetsov, Yu.I. Pimenov und anderen. P. P. Konchalovsky, V. B. Elkonik, V. F. Stozharov, A. Yu. Nikich arbeiten aktiv im Stillleben. Unter den Meistern des Stilllebens in den Unionsrepubliken stechen A. Akopyan in Armenien, T. F. Narimanbekov in Aserbaidschan, L. Svemp und L. Endzelina in Lettland sowie N. I. Kormashov in Estland hervor. Die Tendenz zu erhöhter „Objektivität“ des Bildes, die Ästhetisierung der Welt der Dinge um einen Menschen herum, führte bei jungen Künstlern der 70er und frühen 80er Jahre zu einem Interesse am Stillleben. (Ya. G. Anmanis, A. I. Akhaltsev, O. V. Bulgakova, M. V. Leis usw.).

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