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Er schuf seine Gemälde während der Taisho-Zeit (1912–26) und im frühen Seva. Er wurde 1891 geboren
Jahr in Tokio, war der Sohn der Journalistin Kishida Ginko. Im Jahr 1908 schloss er im Alter die Schule ab
15 Jahre lang wurde er Christ und widmete sich zunächst kirchlichen Aktivitäten, dann Kishida
Ryūsei studierte westliche Kunststile im Hakubakai-Studio unter der Anleitung von
Seiki Kuroda (1866-1924), einer der Gründer der Akademie der Künste in Japan.
Bereits 1910 begann der junge Künstler, seine Werke auf der Jahrestagung auszustellen
Landesausstellung Banten. Seine frühen Werke, insbesondere Landschaften, wurden geschrieben
stark beeinflusst vom Stil seines Lehrers Kuroda Seika und dessen Nachahmung.

Porträt von Reiko

Später lernte der Künstler Mushanokoji Saneatsu kennen und freundete sich mit ihm an.
der den Künstler in die Shirakaba-Gesellschaft (Weiße Birke) einführte und ihn mit Europa bekannt machte
Fauvismus und Kubismus. Kishida Ryūseis Aufstieg als Künstler erfolgte im ersten
Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts, als viele japanische junge Künstler studierten
Malerei im Ausland, vor allem nach Paris. Kishida Ryūsei war noch nie in Europa und
studierte nicht bei europäischen Meistern, sondern wurde vom europäischen Postimpressionismus beeinflusst
war enorm, insbesondere die Arbeit von Van Gogh und Cezanne. Von Ende 1911 bis Anfang
1912 ließ er sich von Werken zeitgenössischer Künstler inspirieren Französische Künstler, mit dessen Werken
Ich traf ihn in der Zeitschrift Shirakaba und durch illustrierte Bücher. Sein frühe Arbeiten offensichtlich
entstanden unter dem Einfluss von Henri Matisse und den Fauves.

Selbstbildnis mit Hut, 1912
Stil: Fauvismus

Im Jahr 1912, im Alter von einundzwanzig Jahren, debütierte Kishida Ryūsei als
Als professioneller Künstler fand seine erste persönliche Ausstellung in statt
Kunstgalerie Rokando. Im selben Jahr organisierte der Künstler sein
Kunstkreis Fyizankai zum Studieren und Fördern
Post-Impressionismus.

Garten des Präsidenten der Südmandschurischen Eisenbahngesellschaft 1929

Nach zwei Ausstellungen löste sich der Kreis aufgrund interner Konflikte bald auf.
Um 1914 gab der Künstler den Fauvismus, seinen frühen Stil, auf. Im Jahr 1915
Jahr gründete Kishida Reisai die Shodosa-Gruppe, zu der auch sein wichtigster Kamerad, ein Student, gehörte
und ein Anhänger war der Künstler Michisai Kono.

Weg im Frühsommer 1917
Stil: Yoga-Ka

Von da an entwickelte er seinen eigenen, einzigartigen japanischen Stil eines großen Meisters
In der Sprache wird es „Shajitsu“ oder „Shasei“ genannt und ins Russische normalerweise als Realismus übersetzt.
Der Künstler vereinfacht die Formen, findet einen einzigartigen Geschmack, all das kommt aus der Kunst
Cezanne. Obwohl Kishida Reisai die Kunst Frankreichs sehr schätzte, war er späte Periode Er
östliche Kunst wurde als viel höher angesehen als westliche Kunst.

Straße durch einen Hügel geschnitten, 1915
Stil: Yoga-Ka

Porträt von Bernard Leach, 1913
Stil: Fauvismus

Selbstbildnis, 1915,
Stil: Yoga-Ka

Selbstbildnis, 1913,
Stil: Yoga-Ka

Selbstbildnis, 1917,
Stil: Yoga-Ka

Porträt eines Mannes
Stil: Yoga-Ka

Um 1917 zog der Künstler nach Kugenuma Fujisawa in der Gegend von Kanagawa. Er begann
Studieren Sie die Stile und Methoden des Nordens Europäische Künstler Renaissance, wie z
Dürer und Van Dyck. In dieser Zeit malte er seine berühmte Gemäldeserie seiner Tochter Reiko,
die fast fotografischen Realismus mit Surrealismus verbinden
dekorative Elemente. In den frühen 1920er Jahren zeigte Kishida Ryūsei Interesse daran
Elemente der orientalischen Kunst, insbesondere zu chinesischen Gemälden „Lieder“ und
"Yuan-Dynastie".

„Porträt von Sanada Hisakichi“

Während des großen Kanto-Erdbebens von 1923 befand sich das Haus des Künstlers in Kugenuma
zerstört, zog Kishida Ryūsei für kurze Zeit nach Kyoto, danach im Februar
1926 kehrte er nach Kamakura zurück und lebte dort. In den 1920er Jahren malte der Künstler zahlreich
Artikel über Ästhetik und Geschichte Japanische Malerei.

Teetasse, Teeschale und drei grüne Äpfel, 1917
Stil: Cezannis

Stillleben, 1918,
Stil: Cezannis

Zwei rote Äpfel, Teetasse, Teeschale und eine Flasche, 1918,
Stil: Cezannis

1929 mit Unterstützung der Südmandschurei Eisenbahn Kishida Ryūsei verpflichtete sich
Die einzige Auslandsreise meines Lebens mit Besuchen in Dalian, Harbin und Fengtian
in der Mandschurei. Auf dem Heimweg machte er einen Zwischenstopp in der Stadt Tokuyama im Bezirk
Yamaguchi, wo er plötzlich an einer akuten Selbstvergiftung des Körpers starb. Kishida Ryūsei
Seine Porträts, Landschaften und Stillleben schuf er bis zu seinem frühen Tod
38 Jahre. Das Grab des Künstlers befindet sich auf dem Tama-Reien-Friedhof in Tokio. Nach dem Tod
Kishida Ryūsei zwei seiner Gemälde Japanische Regierungsagentur für kulturelle Angelegenheiten
mit dem Titel „National“ ausgezeichnet Kultureller Wert" Im Dezember 2000 wurde einer von
Seine Porträts seiner Tochter Reiko mit einem Schal auf den Schultern wurden für 360 Millionen Yen verkauft
wurde der höchste Preis bei Auktionen japanischer Gemälde.

Die zeitgenössische japanische Kunstszene scheint vollständig globalisiert zu sein. Die Künstler bewegen sich zwischen Tokio und New York, fast alle haben eine europäische oder amerikanische Ausbildung erhalten und sprechen in internationalem Kunstenglisch über ihre Arbeit. Dieses Bild ist jedoch noch lange nicht vollständig.

Nationale Formen und Trends erweisen sich als eines der begehrtesten Güter, die Japan dem Weltmarkt für künstlerische Ideen und Werke anbieten kann.

Flugzeugbetrieb. Wie die Superflat-Bewegung amerikanische Geek-Kultur und traditionelle japanische Malerei verbindet

Takashi Murakami. „Tang Tang Bo“

Wenn in der westlichen Welt für fast alle (außer vielleicht den leidenschaftlichsten Theoretikern der Postmoderne) die Grenze zwischen Hoch- und Massenkultur immer noch relevant, wenn auch problematisch, bleibt, dann sind diese Welten in Japan völlig gemischt.

Ein Beispiel dafür ist Takashi Murakami, der Ausstellungen in den besten Galerien der Welt und Streaming-Produktion erfolgreich kombiniert.

Aufzeichnung eines Rundgangs durch die Murakami-Ausstellung „There Will Be Gentle Rain“

Allerdings ist Murakamis Beziehung zur Populärkultur – und für Japan ist dies in erster Linie die Kultur der Manga- und Anime-Fans (Otaku) – komplizierter. Der Philosoph Hiroki Azuma kritisiert das Verständnis von Otaku als authentisches japanisches Phänomen. Otaku fühlen sich direkt mit den Traditionen der Edo-Zeit des 17.–19. Jahrhunderts verbunden – einer Ära des Isolationismus und der Verweigerung der Modernisierung. Azuma behauptet, dass die Otaku-Bewegung auf Manga, Animation, Graphic Novels basiert. Computerspiele- konnte erst im Kontext der amerikanischen Nachkriegsbesatzung als Folge des Imports amerikanischer Kultur entstehen. Die Kunst von Murakami und seinen Anhängern erfindet Otaku mithilfe von Pop-Art-Methoden neu und entlarvt den nationalistischen Mythos über die Authentizität dieser Tradition. Es stellt die „Re-Amerikanisierung der japanisierten amerikanischen Kultur“ dar.

Aus kunsthistorischer Sicht steht Superflat der frühen japanischen Ukiyo-e-Malerei am nächsten. Am meisten berühmtes Werk In dieser Tradition steht der Druck „Die große Welle vor Kanagawa“ von Katsushika Hokusai (1823–1831).

Für die westliche Moderne war die Entdeckung der japanischen Malerei ein Durchbruch. Es ermöglichte uns, das Bild als eine Ebene zu sehen und strebte danach, diese Eigenschaft nicht zu überwinden, sondern mit ihr zu arbeiten.

Katsushiki Hokusai. „Die große Welle vor Kanagawa“

Pioniere der Performancekunst. Was japanische Kunst der 1950er Jahre heute bedeutet

Dokumentation des kreativen Prozesses von Akira Kanayama und Kazuo Shiraga

Superflat nahm erst in den 2000er Jahren Gestalt an. Aber bedeutsam für die Weltkunst künstlerische Veranstaltungen begann in Japan viel früher – und sogar früher als im Westen.

Die performative Wende in der Kunst vollzog sich an der Wende der 60er und 70er Jahre des letzten Jahrhunderts. In Japan tauchte in den fünfziger Jahren Performancekunst auf.

Zum ersten Mal hat die Gutai-Gruppe ihren Fokus von der Schaffung autarker Objekte auf den Prozess ihrer Herstellung verlagert. Von hier aus ist es nur noch einen Schritt entfernt, das Kunstobjekt zugunsten eines flüchtigen Ereignisses aufzugeben.

Obwohl einzelne Künstler aus Gutai (im Laufe von zwanzig Jahren waren es insgesamt 59) im internationalen Kontext aktiv existierten, begann das Verständnis der japanischen Nachkriegskunst als allgemeine kollektive Aktivität im Westen erst vor kurzem. 2013 kam der Boom: mehrere Ausstellungen in kleinen Galerien in New York und Los Angeles, „Tokyo 1955–1970: The New Avant-Garde“ im MoMA und eine groß angelegte historische Retrospektive „Gutai: Splendid Playground“ im Guggenheim Museum. Der Moskauer Import japanischer Kunst scheint eine fast verspätete Fortsetzung dieses Trends zu sein.

Sadamasa Motonaga. Arbeit (Wasser) im Guggenheim Museum

Es ist erstaunlich, wie zeitgemäß diese Retrospektivausstellungen wirken. Zentrales Objekt der Ausstellung im Guggenheim Museum ist beispielsweise eine Rekonstruktion von Work (Water) von Sadamasa Motonaga, bei der die Ebenen der Museumsrotunde durch Polyethylenschläuche mit gefärbtem Wasser verbunden sind. Sie ähneln Pinselstrichen, die von der Leinwand gerissen wurden, und veranschaulichen Gutais zentralen Fokus auf „Konkretheit“ (übersetzt aus Japanischer Name Gruppen), die Materialität der Objekte, mit denen der Künstler arbeitet.

Viele Gutai-Teilnehmer erhielten eine Ausbildung mit Bezug zur klassischen Nihonga-Malerei, viele sind biografisch mit dem religiösen Kontext des Zen-Buddhismus, seiner charakteristischen japanischen Kalligraphie, verbunden. Sie alle fanden einen neuen, prozessualen oder partizipatorischen Zugang zu alten Traditionen. Kazuo Shiraga nahm Videos auf, in denen er seine Monochrome mit seinen Füßen malte und Rauschenberg vorwegnahm, und schuf sogar Gemälde in der Öffentlichkeit.

Minoru Yoshida verwandelte Blumen aus japanischen Drucken in psychedelische Objekte – ein Beispiel dafür ist Bisexual Flower, eine der ersten kinetischen (bewegten) Skulpturen der Welt.

Die Kuratoren der Ausstellung im Guggenheim Museum sprechen über die politische Bedeutung dieser Werke:

„Gutai demonstrierte, wie wichtig freies individuelles Handeln, die Untergrabung von Zuschauererwartungen und sogar Dummheit sind, um der gesellschaftlichen Passivität und Konformität entgegenzuwirken, die es einer militaristischen Regierung über mehrere Jahrzehnte hinweg ermöglichten, eine kritische Masse an Einfluss zu erlangen, in China einzumarschieren und …“ Dann treten Sie dem Zweiten Weltkrieg bei.“

Gut und weise. Warum verließen Künstler in den 1960er Jahren Japan in Richtung Amerika?

Gutai war im Japan der Nachkriegszeit die Ausnahme von der Regel. Avantgardistische Gruppen blieben marginal, die Kunstwelt war streng hierarchisch. Der wichtigste Weg zur Anerkennung war die Teilnahme an Wettbewerben anerkannter Vereinigungen klassischer Künstler. Daher zogen es viele vor, in den Westen zu gehen und sich in das englischsprachige Kunstsystem zu integrieren.

Besonders schwer war es für die Frauen. Selbst im fortschrittlichen Gutai erreichte ihr Anteil nicht einmal ein Fünftel. Was können wir über traditionelle Institutionen sagen, deren Zugang eine besondere Ausbildung erforderte? In den sechziger Jahren hatten Mädchen bereits das Recht darauf erworben, aber eine Ausbildung in Kunst (wenn wir nicht über dekorative Kunst sprachen, die Teil der Fähigkeiten war) Ryosai Kenbo- eine gute Ehefrau und weise Mutter) war eine gesellschaftlich missbilligte Aktivität.

Yoko Ono. Stück abschneiden

Die Geschichte der Auswanderung fünf mächtiger japanischer Künstlerinnen aus Tokio in die USA wurde zum Thema von Midori Yoshimotos Studie „Into Performance: Japanische Künstlerinnen in New York“. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi und Shigeko Kubota beschlossen zu Beginn ihrer Karriere, nach New York zu ziehen und arbeiteten dort unter anderem an der Modernisierung der Traditionen der japanischen Kunst. Nur Yoko Ono wuchs in den Vereinigten Staaten auf – aber auch sie weigerte sich bewusst, nach Japan zurückzukehren, da sie während eines kurzen Aufenthalts in den Jahren 1962–1964 von der künstlerischen Hierarchie Tokios desillusioniert war.

Ono wurde die berühmteste dieser fünf – nicht nur als Ehefrau von John Lennon, sondern auch als Autorin protofeministischer Performances, die sich der Objektivierung des weiblichen Körpers widmeten. Es gibt offensichtliche Parallelen zwischen Onos Cut Piece, bei dem der Betrachter Teile der Kleidung des Künstlers abschneiden konnte, und „Rhythm 0“ der „Großmutter der Performance“ Marina Abramović.

Auf kurzen Beinen. Wie man die ursprüngliche Schauspielausbildung von Tadashi Suzuki absolviert

Im Fall von Ono und Gutai erlangten die Methoden und Themen ihrer Arbeit unabhängig von den Autoren internationale Bedeutung. Es gibt andere Formen des Exports – wenn die Arbeit des Künstlers auf der internationalen Bühne mit Interesse aufgenommen wird, die Methode selbst jedoch aufgrund ihrer Spezifität nicht übernommen wird. Der auffälligste Fall ist das Schauspieltrainingssystem von Tadashi Suzuki.

Selbst in Russland ist das Suzuki-Theater beliebt – und das ist nicht verwunderlich. Das letzte Mal er besuchte uns 2016 mit dem Stück „Die Trojanerinnen“ nach den Texten von Euripides und in den 2000er Jahren kam er mehrmals mit Inszenierungen von Shakespeare und Tschechow. Suzuki übertrug die Handlung der Stücke auf den aktuellen japanischen Kontext und bot nicht offensichtliche Interpretationen der Texte: Er entdeckte den Antisemitismus bei Ivanov und verglich ihn mit der verächtlichen Haltung der Japaner gegenüber den Chinesen und übertrug die Handlung von König Lear in ein japanisches Irrenhaus.

Suzuki baute sein System im Gegensatz zur russischen Theaterschule auf. Ende des 19. Jahrhunderts, während der sogenannten Meiji-Zeit, erlebte das modernisierende kaiserliche Japan einen Anstieg der Oppositionsbewegungen. Das Ergebnis war eine groß angelegte Verwestlichung einer zuvor äußerst geschlossenen Kultur. Zu den importierten Formen gehörte das Stanislawski-System, das noch immer eine der wichtigsten Regiemethoden in Japan (und in Russland) ist.

Suzuki-Übungen

In den sechziger Jahren, als Suzuki seine Karriere begann, verbreitete sich zunehmend die These, dass sich japanische Schauspieler aufgrund ihrer körperlichen Eigenschaften nicht an die Rollen aus westlichen Texten gewöhnen könnten, die das damalige Repertoire füllten. Dem jungen Regisseur gelang es, die überzeugendste Alternative anzubieten.

Suzukis Übungssystem, Grammatik der Beine genannt, umfasst Dutzende Arten des Sitzens und noch mehr Möglichkeiten des Stehens und Gehens.

Seine Schauspieler spielen meist barfuß und wirken durch die Absenkung des Schwerpunkts möglichst schwer, am Boden gefesselt. Suzuki bringt ihnen und ausländischen Künstlern seine Technik im Dorf Toga bei, in alten japanischen Häusern voller moderner Ausrüstung. Seine Truppe gibt nur etwa 70 Auftritte pro Jahr, die restliche Zeit lebt er, verlässt das Dorf fast nie und hat keine Zeit für persönliche Angelegenheiten – nur für die Arbeit.

Das Zentrum in Toga entstand in den siebziger Jahren und wurde auf Wunsch des Weltdirektors entworfen berühmter Architekt Arata Isozaka. Suzukis System mag patriarchalisch und konservativ wirken, aber er selbst spricht über Toga in modernen Begriffen der Dezentralisierung. Bereits Mitte der 2000er Jahre erkannte Suzuki, wie wichtig es ist, Kunst aus der Hauptstadt in die Regionen zu exportieren und lokale Produktionsstandorte zu organisieren. Laut dem Regisseur ähnelt Japans Theaterkarte in vielerlei Hinsicht der Russlands – die Künste konzentrieren sich auf Tokio und mehrere kleinere Zentren. Russisches Theater Schön wäre auch ein Unternehmen, das regelmäßig Kleinstädte bereist und seinen Sitz weit weg von der Hauptstadt hat.

SCOT Company Center in Toga

Blumenwege. Welche Ressource hat das moderne Theater im Noh- und Kabuki-System entdeckt?

Die Suzuki-Methode geht aus zwei alten japanischen Traditionen hervor – Kabuki. Nicht nur, dass diese Theaterformen oft als wandelnde Kunst bezeichnet werden, sondern auch die offensichtlicheren Details. Suzuki folgt häufig der Regel, dass alle Rollen von Männern gespielt werden, und verwendet charakteristische räumliche Lösungen, beispielsweise den Hanamichi („Blumenpfad“) des Kabuki-Beispiels – eine Plattform, die sich von der Bühne bis in die Tiefen des Zuschauerraums erstreckt. Er verwendet auch sehr erkennbare Symbole wie Blumen und Schriftrollen.

In einer globalen Welt ist das natürlich nicht der Fall es wird geredetüber das Privileg der Japaner, ihre nationalen Formen zu verwenden.

Auf Anleihen daraus entstand das Theater eines der bedeutendsten Regisseure unserer Zeit, des Amerikaners Robert Wilson.

Er verwendet nicht nur Masken und Make-up, die das Massenpublikum an Japan erinnern, sondern übernimmt auch Schauspielmethoden, die auf maximaler Zeitlupe und autarker Ausdruckskraft der Gesten basieren. Durch die Kombination traditioneller und ritueller Formen mit modernster Lichtmusik und minimalistischer Musik (eines von Wilsons berühmtesten Werken ist die Inszenierung von Philip Glass‘ „Einstein on the Beach“) schafft Wilson im Wesentlichen die Synthese von Ursprung und Relevanz, die ein Großteil der zeitgenössischen Kunst anstrebt.

Robert Wilson. „Einstein am Strand“

Aus Noh und Kabuki entstand eine der Säulen moderner Tanz- Butoh, wörtlich übersetzt - Tanz der Dunkelheit. Butoh wurde 1959 von den Choreografen Kazuo Ono und Tatsumi Hijikata kreiert, die ebenfalls auf einen niedrigen Schwerpunkt und die Konzentration auf die Beine setzten, und stellte die Übertragung von Reflexionen über traumatische Kriegserlebnisse in die physische Dimension dar.

„Sie zeigten einen Körper, der krank, verwesend, sogar monströs, monströs war.<…>Die Bewegungen sind mal langsam, mal bewusst scharf, explosiv. Dazu kommt eine spezielle Technik zum Einsatz, bei der die Bewegung aufgrund der Knochenhebel des Skeletts so ausgeführt wird, als würde die Hauptmuskulatur nicht beansprucht“, schreibt Tanzhistorikerin Irina Sirotkina Butoh in die Geschichte der Befreiung des Körpers und verbindet es mit der Abkehr von der Ballettnormativität. Sie vergleicht Butoh mit den Praktiken von Tänzern und Choreografen des frühen 20. Jahrhunderts – Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman – und spricht über den Einfluss auf den späteren „postmodernen“ Tanz.

Ein Fragment eines Tanzes von Katsura Kan, einem modernen Nachfolger der Butoh-Tradition

Heute ist Butoh in seiner ursprünglichen Form keine avantgardistische Praxis mehr, sondern eine historische Rekonstruktion.

Das von Ono, Hijikata und ihren Anhängern entwickelte Bewegungsvokabular bleibt jedoch bestehen bedeutende Ressource für moderne Choreografen. Im Westen wird es von Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky und sogar im Video zu „Belong To The World“ von The Weekend verwendet. In Japan ist der Fortsetzer der Butoh-Tradition beispielsweise Saburo Teshigawara, der im Oktober nach Russland kommen wird. Obwohl er selbst jegliche Parallelen zum Tanz der Dunkelheit bestreitet, finden Kritiker durchaus erkennbare Zeichen: einen scheinbar knochenlosen Körper, Zerbrechlichkeit und lautlose Schritte. Zwar werden sie bereits in den Kontext der postmodernen Choreografie gestellt – mit ihrem hohen Tempo, dem Joggen, der Arbeit mit postindustrieller Noise-Musik.

Saburo Teshigawara. Metamorphose

Lokal global. Inwiefern ähnelt zeitgenössische japanische Kunst der westlichen Kunst?

Die Werke von Teshigawara und vielen seiner Kollegen fügen sich nahtlos in die Programme der besten westlichen Festivals für zeitgenössischen Tanz ein. Wenn man sich schnell die Beschreibungen der Aufführungen und Aufführungen anschaut, die beim Festival/Tokyo – der größten jährlichen Show japanischen Theaters – gezeigt wurden, wird es schwierig sein, grundlegende Unterschiede zu europäischen Trends zu erkennen.

Eines der zentralen Themen ist die Ortsspezifität – japanische Künstler erkunden die Räume Tokios, die von Ansammlungen des Kapitalismus in Form von Wolkenkratzern bis hin zu Randgebieten der Otaku-Konzentration reichen.

Ein weiteres Thema ist die Ausarbeitung generationsübergreifender Missverständnisse, Theater als Ort der Live-Begegnung und der organisierten Kommunikation von Menschen verschiedene Alter. Ihr gewidmete Projekte von Toshiki Okada und Akira Tanayama wurden mehrere Jahre in Folge für einen der Schlüssel nach Wien gebracht Europäische Festivals darstellende Künste. Ende der 2000er Jahre war es nichts Neues, dokumentarisches Material und persönliche Geschichten auf die Bühne zu bringen, doch der Kurator der Wiener Festwochen präsentierte diese Projekte der Öffentlichkeit als Möglichkeit für einen lebendigen, gezielten Kontakt mit einer anderen Kultur.

Ein weiterer Schwerpunkt ist die Aufarbeitung traumatischer Erfahrungen. Für die Japaner ist es nicht mit dem Gulag oder dem Holocaust verbunden, sondern mit der Bombardierung von Hiroshima und Nagasaki. Das Theater bezieht sich ständig darauf, aber die kraftvollste Aussage über Atomexplosionen als Entstehungsmoment der gesamten modernen japanischen Kultur stammt immer noch von Takashi Murakami.

für die Ausstellung „Little Boy: Die Künste der explodierenden Subkultur Japans“

„Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture“ ist der Titel seines kuratorischen Projekts, das 2005 in New York gezeigt wurde. „Little Boy“ – „Baby“ auf Russisch – ist der Name einer der Bomben, die 1945 über Japan abgeworfen wurden. Murakami sammelte Hunderte von Manga-Comics von führenden Illustratoren, unverwechselbare Vintage-Spielzeuge und Souvenirs basierend auf berühmten Animes – von Godzilla bis Hello Kitty – und steigerte die Konzentration von Niedlichem – Kawaii – im Museumsraum auf ein Höchstmaß. Gleichzeitig startete er eine Auswahl an Animationen, deren zentrale Bilder Bilder von Explosionen, nackter Erde und zerstörten Städten waren.

Dieser Kontrast wurde zur ersten groß angelegten Aussage über die Infantilisierung der japanischen Kultur als Mittel zur Bewältigung posttraumatischer Belastungsstörungen.

Nun scheint diese Schlussfolgerung offensichtlich. Darauf basiert Inuhiko Yomotas akademische Forschung zu Kawaii.

Es gibt auch spätere traumatische Auslöser. Am wichtigsten sind die Ereignisse vom 11. März 2011, das Erdbeben und der Tsunami, die zu einem schweren Unfall im Kernkraftwerk Fukushima führten. Beim Festival/Tokyo 2018 war ein ganzes Programm von sechs Aufführungen dem Verständnis der Folgen einer Natur- und Technologiekatastrophe gewidmet; Sie wurden auch zum Thema eines der in Soljanka präsentierten Werke. Dieses Beispiel zeigt deutlich, dass sich das Arsenal kritischer Methoden in der westlichen und japanischen Kunst nicht grundsätzlich unterscheidet. Haruyuki Ishii kreiert eine Installation aus drei Fernsehern, auf denen in hoher Geschwindigkeit geloopte Aufnahmen aus Fernsehsendungen über das Erdbeben in einer Endlosschleife abgespielt werden.

„Die Arbeit besteht aus 111 Videos, die der Künstler täglich in den Nachrichten sah, bis zu dem Moment, als alles, was er sah, als Fiktion wahrgenommen wurde“, erklären die Kuratoren. „Neues Japan“ ist ein eindrucksvolles Beispiel dafür, wie Kunst sich einer Interpretation auf der Grundlage nationaler Mythen nicht widersetzt, sondern gleichzeitig kritischer Blick zeigt, dass die gleiche Interpretation für Kunst jeglicher Herkunft relevant sein könnte. Kuratoren sprechen von Kontemplation als Grundlage Japanische Tradition, Zitate aus Lao Tzu zeichnend. Gleichzeitig konzentriert sich fast die gesamte zeitgenössische Kunst, als würde man Klammern weglassen, auf den „Beobachtereffekt“ (so heißt die Ausstellung) – sei es in Form der Schaffung neuer Kontexte für die Wahrnehmung bekannter Phänomene oder in der Erweckung die Frage nach der Möglichkeit adäquater Wahrnehmung als solcher.

Imagined Communities ist ein weiteres Werk des Videokünstlers Haruyuki Ishii

Spiel

Allerdings sollte man nicht glauben, dass Japan in den 2010er Jahren eine Konzentration von Fortschrittlichkeit darstellt.

Die Gewohnheiten des guten alten Traditionalismus und die Liebe zur orientalistischen Exotik sind noch nicht überwunden. „Theater der Jungfrauen“ ist der Titel eines eher bewundernden Artikels über das japanische Takarazuka-Theater in der russischen konservativen Zeitschrift PTZh. Takarazuka entstand Ende des 19. Jahrhunderts als Geschäftsprojekt, um Touristen in die abgelegene Stadt gleichen Namens zu locken, die zufällig zur Endstation einer Privatbahn wurde. Sie spielen nur im Theater unverheiratete Mädchen, die nach dem Plan des Bahnbesitzers männliche Zuschauer in die Stadt locken sollten. Heute funktioniert Takarazuka wie eine Industrie – mit einem eigenen Fernsehsender, einem umfangreichen Konzertprogramm und sogar einem örtlichen Vergnügungspark. Aber nur unverheiratete Mädchen haben noch das Recht, in der Truppe zu sein – hoffen wir, dass sie zumindest nicht ihre Jungfräulichkeit überprüfen.

Allerdings verblasst Takarazuka im Vergleich zum Toji Deluxe Club in Kyoto, den die Japaner auch als Theater bezeichnen. Demnach zu urteilen, zeigen sie absolut wilde Dinge Beschreibung New Yorker-Kolumnist Ian Buruma, Striptease-Show: Mehrere unbekleidete Mädchen auf der Bühne verwandeln die Zurschaustellung ihrer Genitalien in ein öffentliches Ritual.

Wie viele künstlerische Praktiken basiert auch diese Show auf alten Legenden (mit Hilfe einer Kerze und einer Lupe konnten Männer im Publikum abwechselnd die „Geheimnisse der Muttergöttin Amaterasu“ erkunden), und der Autor selbst wurde daran erinnert die Noh-Tradition.

Die Suche nach westlichen Analogien für Takarazuka und Toji überlassen wir dem Leser – es ist nicht schwer, sie zu finden. Beachten wir nur, dass ein bedeutender Teil der zeitgenössischen Kunst – sowohl westlicher als auch japanischer, vom Superflat- bis zum Butoh-Tanz – gerade auf die Bekämpfung solcher Unterdrückungspraktiken abzielt.

Japan? Wie hat es sich entwickelt? Diese und weitere Fragen beantworten wir im Artikel. Die japanische Kultur entstand als Ergebnis einer historischen Bewegung, die begann, als die Japaner vom Festland auf den Archipel zogen und die Zivilisation der Jomon-Zeit entstand.

Die gegenwärtige Aufklärung dieses Volkes wurde stark von Europa, Asien (insbesondere Korea und China) und beeinflusst Nordamerika. Eines der Zeichen der japanischen Kultur ist ihre lange Entwicklung in der Ära der völligen Isolation des Staates (Sakoku-Politik) von allen anderen Ländern während der Herrschaft des Tokugawa-Shogunats, die bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts – dem Beginn des Meiji – dauerte Epoche.

Beeinflussen

Wie es sich entwickelte Kunstkultur Japan? Die Zivilisation wurde maßgeblich durch die isolierte regionale Lage des Landes, Klima und beeinflusst geographische Merkmale sowie Naturphänomene (Taifune und häufige Erdbeben). Dies drückte sich in der außergewöhnlichen Einstellung der Bevölkerung zum Lebewesen Natur aus. Besonderheit Volkscharakter Die Japaner zeichnen sich durch die Fähigkeit aus, die fließende Schönheit des Universums zu bewundern, die in vielen Arten von Kunst in einem kleinen Land zum Ausdruck kommt.

Die künstlerische Kultur Japans entstand unter dem Einfluss des Buddhismus, Shintoismus und Konfuzianismus. Dieselben Richtungen beeinflussten seine weitere Entwicklung.

Alte Zeiten

Stimmen Sie zu, Japans künstlerische Kultur ist großartig. Der Shintoismus hat seine Wurzeln in der Antike. Obwohl der Buddhismus vor unserer Zeitrechnung aufkam, begann er sich erst ab dem fünften Jahrhundert zu verbreiten. Die Heian-Zeit (8.–12. Jahrhundert) gilt als das goldene Zeitalter der japanischen Staatlichkeit. Im gleichen Zeitraum erreichte die Bildkultur dieses Landes ihren Höhepunkt.

Der Konfuzianismus entstand im 13. Jahrhundert. Zu diesem Zeitpunkt kam es zur Trennung der Philosophie des Konfuzius und des Buddhismus.

Hieroglyphen

Das Bild der japanischen Kunstkultur wird in einem einzigartigen Vers namens verkörpert. In diesem Land ist auch die Kunst der Kalligraphie hoch entwickelt, die der Legende nach aus himmlischen göttlichen Bildern hervorgegangen ist. Sie haben der Schrift Leben eingehaucht, daher reagiert die Bevölkerung sensibel auf jedes Zeichen in der Rechtschreibung.

Es gibt Gerüchte, dass die japanische Kultur durch Hieroglyphen geprägt wurde, da aus ihnen die Bilder rund um die Inschrift hervorgegangen sind. Wenig später begann man eine starke Kombination von Elementen der Malerei und Poesie in einem Werk zu beobachten.

Wenn Sie eine japanische Schriftrolle studieren, werden Sie feststellen, dass das Werk zwei Arten von Symbolen enthält. Dies sind Zeichen der Schrift – Siegel, Gedichte, Kolophene sowie Gemälde. Gleichzeitig erfreute sich das Kabuki-Theater großer Beliebtheit. Eine andere Art von Theater – Nein – wird vor allem von Militärangehörigen bevorzugt. Ihre Strenge und Grausamkeit wirkten sich auf But aus starker Einfluss.

Malerei

Künstlerische Kultur wurde von vielen Spezialisten untersucht. Eine große Rolle in seiner Entwicklung spielte die Kaiga-Malerei, was auf Japanisch Zeichnen oder Malen bedeutet. Diese Kunst gilt als die älteste Malerei des Landes, die durch eine Vielzahl von Lösungen und Formen bestimmt wird.

Darin nimmt die Natur einen besonderen Platz ein, der das heilige Prinzip definiert. Die Einteilung der Malerei in Sumi-e und Yamato-e existiert seit dem zehnten Jahrhundert. Der erste Stil entwickelte sich näher am 14. Jahrhundert. Es ist eine Art monochromes Aquarell. Yamato-e sind horizontal gefaltete Schriftrollen, die häufig bei der Gestaltung literarischer Werke verwendet wurden.

Wenig später, im 17. Jahrhundert, erschien im Land das Drucken auf Tafeln – Ukiyo-e. Meister stellten Landschaften, Geishas, Berühmte Schauspieler Kabuki-Theater. Diese Art der Malerei hatte einen starken Einfluss auf die Kunst Europas im 18. Jahrhundert. Der aufkommende Trend wurde „Japanismus“ genannt. Im Mittelalter reichte die japanische Kultur über die Landesgrenzen hinaus – sie begann, bei der Gestaltung stilvoller und modischer Innenräume auf der ganzen Welt zum Einsatz zu kommen.

Kalligraphie

Oh, wie schön ist die künstlerische Kultur Japans! Das Erreichen der Harmonie mit der Natur ist in jedem Abschnitt zu erkennen. Was ist moderne japanische Kalligraphie? Es wird Shodo („der Weg der Benachrichtigung“) genannt. Kalligraphie ist wie Schreiben eine Pflichtdisziplin. Wissenschaftler haben herausgefunden, dass diese Kunst zur gleichen Zeit wie die chinesische Schrift dort entstand.

Übrigens wurde die Kultur eines Menschen in der Antike anhand seines kalligraphischen Niveaus beurteilt. Heute gibt es große Nummer Schreibstile, die von buddhistischen Mönchen entwickelt wurden.

Skulptur

Wie entstand die japanische Kultur? Wir werden die Entwicklung und Arten dieses Bereichs menschlicher Tätigkeit so detailliert wie möglich untersuchen. Skulptur ist die älteste Kunstform in Japan. In der Antike stellten die Menschen dieses Landes Götzenfiguren und Geschirr aus Keramik her. Dann begannen die Menschen, Haniwa-Skulpturen aus gebranntem Ton auf den Gräbern anzubringen.

Die Entwicklung des bildhauerischen Handwerks in der modernen japanischen Kultur ist mit der Verbreitung des Buddhismus im Staat verbunden. Einer der ältesten Vertreter japanischer Denkmäler ist die Holzstatue von Amitabha Buddha im Zenko-ji-Tempel.

Die Skulpturen wurden sehr oft aus Balken gefertigt, sahen aber sehr reichhaltig aus: Die Handwerker überzogen sie mit Lack, Gold und leuchtenden Farben.

Origami

Magst du die japanische Kunstkultur? Das Verständnis für den Einklang mit der Natur wird unvergessliche Eindrücke hinterlassen. Charakteristisches Merkmal Die japanische Kultur ist zur Quelle erstaunlicher Origami-Produkte („gefaltetes Papier“) geworden. Diese Fertigkeit hat ihren Ursprung in China, wo tatsächlich das Pergament erfunden wurde.

Zunächst wurde „gefaltetes Papier“ in religiösen Ritualen verwendet. Diese Kunst konnte nur von der Oberschicht erlernt werden. Doch nach dem Zweiten Weltkrieg verließ Origami die Häuser des Adels und fand seine Bewunderer auf der ganzen Erde.

Ikebana

Jeder Mensch sollte wissen, was die künstlerische Kultur der östlichen Länder ist. Japan hat viel Arbeit in seine Entwicklung gesteckt. Ein weiterer Bestandteil der Kultur dieses erstaunlichen Landes ist Ikebana („frische Blumen“). neues Leben Farben"). Die Japaner sind Fans von Ästhetik und Einfachheit. Diese beiden Qualitäten werden in die Arbeit einbezogen. Die Raffinesse der Bilder wird durch die vorteilhafte Nutzung der natürlichen Schönheit der Vegetation erreicht. Ikebana diente wie Origami auch als Teil einer religiösen Zeremonie.

Miniaturen

Wahrscheinlich haben viele diese künstlerische Kultur bereits erkannt Antikes China und Japan sind eng miteinander verflochten. Was ist Bonsai? Dies ist eine einzigartige japanische Fähigkeit, eine nahezu exakte Miniaturkopie eines echten Baumes zu züchten.

In Japan ist es auch üblich, Netsuke herzustellen – kleine Skulpturen, die eine Art Schlüsselanhänger sind. Oftmals wurden solche Figuren in dieser Eigenschaft an japanischer Kleidung befestigt, die keine Taschen hatte. Sie schmückten es nicht nur, sondern dienten auch als einzigartiges Gegengewicht. Schlüsselanhänger wurden in Form eines Schlüssels, eines Beutels oder eines Weidenkorbs hergestellt.

Geschichte der Malerei

Die künstlerische Kultur des alten Japan interessiert viele Menschen. Die Malerei hierzulande entstand im japanischen Paläolithikum und entwickelte sich wie folgt:

• Yamato-Zeit. Während der Zeit von Asuka und Kofun (IV.-VII. Jahrhundert), gleichzeitig mit der Einführung von Hieroglyphen, der Schaffung eines Staatsregimes nach chinesischem Vorbild und der Popularisierung des Buddhismus, wurden viele Kunstwerke aus dem Himmlischen Reich nach Japan gebracht . Danach auf dem Land aufgehende Sonne begann, Gemälde im chinesischen Stil zu reproduzieren.
• Nara-Zeit. Im VI. und VII. Jahrhundert. Der Buddhismus entwickelte sich in Japan weiter. In dieser Hinsicht begann die religiöse Malerei zu blühen, die zur Dekoration zahlreicher von der Aristokratie erbauter Tempel verwendet wurde. Im Allgemeinen trug die Nara-Ära mehr zur Entwicklung der Bildhauerei und Kunst als zur Malerei bei. Zu den frühen Gemälden dieses Zyklus gehören Gemälde an den Innenwänden des Horyu-ji-Tempels in der Präfektur Nara, die das Leben von Shakyamuni Buddha darstellen.
• Heian-Ära. In der japanischen Malerei wurde ab dem 10. Jahrhundert der Yamato-e-Trend unterschieden, über den wir oben geschrieben haben. Bei solchen Gemälden handelt es sich um horizontale Schriftrollen, die zur Illustration von Büchern verwendet wurden.
• Muromachi-Ära. Im 14. Jahrhundert erschien der Supi-e-Stil (monochromes Aquarell), in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Künstler begannen, Gravuren auf Tafeln zu drucken – Ukiyo-e.
• Die Malerei der Azuchi-Momoyama-Zeit steht in scharfem Kontrast zur Malerei der Muromachi-Zeit. Es zeichnet sich durch einen polychromen Stil mit viel Silber und Silber aus. In dieser Zeit genoss es großes Ansehen und Ruhm. Bildungseinrichtung Kano. Sein Gründer war Kano Eitoku, der Decken und Schiebetüren zu getrennten Räumen bemalte. Solche Zeichnungen schmückten die Burgen und Paläste des Militäradels.
• Maiji-Ära. Ab dem zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts Jahrhundert wurde die Kunst in konkurrierende traditionelle und europäische Stile unterteilt. Während der Maiji-Ära erlebte Japan große soziale und soziale Veränderungen politische Veränderungen im von den Behörden organisierten Prozess der Modernisierung und Europäisierung. Junge vielversprechende Künstler wurden zum Studieren ins Ausland geschickt, und ausländische Maler kamen nach Japan, um dort zu schaffen Schulprogramme in Kunst. Wie dem auch sei, nach der anfänglichen Welle der Neugier künstlerischer Stil Im Westen schlug das Pendel in die entgegengesetzte Richtung aus und der traditionelle japanische Stil wurde wiederbelebt. Im Jahr 1880 wurden westliche Kunstpraktiken aus offiziellen Ausstellungen verbannt und heftig kritisiert.

Poesie

Die künstlerische Kultur des alten Japan wird noch immer untersucht. Seine Besonderheit ist seine Vielseitigkeit, eine gewisse Synthetik, da es unter dem Einfluss verschiedener Religionen entstanden ist. Es ist bekannt, dass die klassische japanische Poesie aus dem Alltag hervorging, in ihm agierte und diese Bodenständigkeit bis zu einem gewissen Grad erhalten blieb traditionelle Formen moderne Poesie - dreizeiliges Haiku und fünfzeiliges Tanka, die sich durch einen klar zum Ausdruck gebrachten Massencharakter auszeichnen. Genau diese Eigenschaft unterscheidet sie übrigens von der zum Elitismus tendierenden „freien Verse“, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts in Japan unter dem Einfluss europäischer Poesie aufkam.

Ist Ihnen aufgefallen, dass die Entwicklungsstadien der japanischen Kunstkultur vielfältig sind? Die Poesie spielte in der Gesellschaft dieses Landes eine besondere Rolle. Eines der bekanntesten Genres ist das Haiku; man kann es nur verstehen, wenn man sich mit seiner Geschichte vertraut macht.

Er tauchte erstmals in der Heian-Ära auf und ähnelte dem Renga-Stil, der eine Art Ventil für Dichter war, die sich eine Pause von den nachdenklichen Waha-Gedichten gönnen wollten. Haikai entwickelte sich im 16. Jahrhundert zu einem eigenen Genre, als Renga zu ernst wurde und Haiku auf gesprochener Sprache beruhte und immer noch humorvoll war.

Natürlich wird die künstlerische Kultur Japans in vielen Werken kurz beschrieben, aber wir werden versuchen, ausführlicher darüber zu sprechen. Es ist bekannt, dass Tanka („lakonisches Lied“) im Mittelalter eine der berühmtesten japanischen Literaturgattungen war. In den meisten Fällen handelt es sich um eine Pentaverse, die aus einem Strophenpaar mit einer festen Silbenzahl besteht: 5-7-5 Silben in drei Zeilen der ersten Strophe und 7-7 in zwei Zeilen der zweiten. Was den Inhalt betrifft, verwendet der Tank das folgende Schema: Die erste Strophe stellt ein bestimmtes natürliches Bild dar, und die zweite spiegelt das menschliche Gefühl wider, das dieses Bild widerspiegelt:

• In den fernen, abgelegenen Bergen
  Langschwanzfasan döst -
  Diese lange, lange Nacht
  Soll ich alleine schlafen? ( Kakinomoto no Hitowaro, frühes 8. Jahrhundert, Übersetzung von Sanovich.)

Japanisches Drama

Viele Menschen behaupten, dass die künstlerische Kultur Chinas und Japans faszinierend sei. Magst du darstellende Kunst? Die traditionelle Dramaturgie des Landes der aufgehenden Sonne gliedert sich in Joruri (Puppentheater), Noh-Dramaturgie (Kyogen und Yokyouku), Kabuki-Theater und Shingeki. Die Bräuche dieser Kunst umfassen fünf grundlegende Theatergenres: Kyogen, No, Bugaku, Kabuki und Bunraku. Alle fünf dieser Traditionen sind auch heute noch präsent. Trotz ihrer enormen Unterschiede verbindet sie gemeinsame ästhetische Prinzipien, die der japanischen Kunst zugrunde liegen. Das japanische Drama entstand übrigens auf der Bühne des Nō.

Das Kabuki-Theater entstand im 17. Jahrhundert und erreichte gegen Ende des 18. Jahrhunderts seinen Höhepunkt. Die in dieser Zeit entwickelte Aufführungsform ist auf der modernen Kabuki-Bühne erhalten geblieben. Die Produktionen dieses Theaters sind im Gegensatz zu den Noh-Bühnen, die sich an einen engen Kreis von Fans antiker Kunst richten, für ein Massenpublikum konzipiert. Die Wurzeln der Kabuki-Fähigkeiten liegen in den Auftritten von Komikern – Darstellern kleiner Farcen, Sketche, die aus Tanz und Gesang bestanden. Theaterkenntnisse Kabuki hat Elemente von Joruri und Noh aufgenommen.

Die Entstehung des Kabuki-Theaters ist mit dem Namen eines Arbeiters im buddhistischen Heiligtum O-Kuni in Kyoto (1603) verbunden. O-Kuni trat auf der Bühne mit religiösen Tänzen auf, zu denen auch die Bewegungen der Nembutsu-odori-Volkstänze gehörten. Ihre Auftritte waren mit komischen Theaterstücken durchsetzt. Zu diesem Zeitpunkt wurden die Aufführungen Yujo-Kabuki (Kabuki der Kurtisanen), O-Kuni-Kabuki oder Onna-Kabuki (Damen-Kabuki) genannt.

Gravuren

Im letzten Jahrhundert begegneten die Europäer und dann auch die Russen dem Phänomen der japanischen Kunst durch die Gravur. Im Land der aufgehenden Sonne galt das Zeichnen auf Holz zunächst überhaupt nicht als Kunstfertigkeit, obwohl es alle Eigenschaften besaß Popkultur- niedrige Kosten, Verfügbarkeit, Verbreitung. Ukiyo-e-Experten wussten, wie man sowohl bei der Verkörperung der Handlung als auch bei der Auswahl höchste Klarheit und Einfachheit erreicht.

Ukiyo-e war eine besondere Kunstschule und konnte daher eine Reihe herausragender Künstler hervorbringen. So ist die Anfangsphase der Entwicklung der Plotgravur mit dem Namen Hishikawa Moronobu (1618-1694) verbunden. IN Mitte des 18. Jahrhunderts Jahrhundert wurde der erste Experte für Mehrfarbengravur, Suzuki Harunobu, gegründet. Die Hauptmotive seiner Arbeit waren lyrische Szenen, in denen nicht auf die Handlung geachtet wurde, sondern auf die Übertragung von Stimmungen und Gefühlen: Liebe, Zärtlichkeit, Traurigkeit. Wie exquisit Antike Kunst Während der Heian-Ära belebten Ukiyo-e-Virtuosen den außergewöhnlichen Kult der raffinierten Schönheit von Frauen in einer erneuerten städtischen Umgebung wieder.

Der einzige Unterschied bestand darin, dass die Gravuren statt der stolzen Heian-Aristokraten anmutige Geishas aus den Vergnügungsvierteln von Edo zeigten. Der Künstler Utamaro (1753-1806) ist vielleicht ein einzigartiges Beispiel in der Geschichte der Malerei eines Fachmanns, der sein Werk ausschließlich der Darstellung von Damen in verschiedenen Posen und Outfits und in verschiedenen Lebensumständen widmete. Eines seiner besten Werke ist der Stich „Geisha Osama“, der in Moskau im A. S. Puschkin-Museum für Malerei aufbewahrt wird. Der Künstler vermittelte unglaublich subtil die Einheit von Gestik und Stimmung, Mimik.

Manga und Anime

Viele Künstler versuchen, japanische Malerei zu studieren. Was ist Anime (japanische Animation)? Der Unterschied zu anderen Animationsgenres besteht darin, dass der Schwerpunkt stärker auf dem erwachsenen Zuschauer liegt. Zur Eindeutigkeit erfolgt hier eine doppelte Einteilung in Stile Zielgruppe. Das Maß der Fragmentierung ist das Geschlecht, das Alter oder das psychologische Porträt des Filmzuschauers. Sehr oft handelt es sich bei Anime um eine Verfilmung eines japanischen Manga-Comics, der ebenfalls großen Ruhm erlangt hat.

Der Grundteil des Mangas ist für einen erwachsenen Zuschauer gedacht. Im Jahr 2002 machten Manga-Comics etwa 20 % des gesamten japanischen Buchmarktes aus.

Japan liegt geografisch in unserer Nähe, blieb aber dennoch lange Zeit für die ganze Welt unverständlich und unzugänglich. Heute wissen wir viel über dieses Land. Die lange freiwillige Isolation hat dazu geführt, dass sich seine Kultur völlig von den Kulturen anderer Staaten unterscheidet.

Hat sehr reiche Vergangenheit; Seine Tradition ist umfangreich und Japans einzigartige Stellung in der Welt hat großen Einfluss auf die vorherrschenden Stile und Techniken japanischer Künstler. Bekannte Tatsache Dass Japan viele Jahrhunderte lang ziemlich isoliert war, liegt nicht nur an der Geographie, sondern auch an der vorherrschenden kulturellen Tendenz Japans zur Isolation, die die Geschichte des Landes geprägt hat. Im Laufe der Jahrhunderte dessen, was wir als „japanische Zivilisation“ bezeichnen könnten, entwickelten sich Kultur und Kunst getrennt von denen im Rest der Welt. Und das macht sich sogar in der Praxis der japanischen Malerei bemerkbar. Nihonga-Gemälde zählen beispielsweise zu den Hauptwerken der japanischen Malpraxis. Es basiert auf einer über tausendjährigen Tradition und die Gemälde werden meist mit Pinseln auf Vashi (japanisches Papier) oder Egina (Seide) gemalt.

Allerdings wurden japanische Kunst und Malerei durch ausländische künstlerische Praktiken beeinflusst. Erstens war es chinesische Kunst im 16. Jahrhundert und Chinesische Kunst und die chinesische Kunsttradition, die in mehrfacher Hinsicht besonders einflussreich war. Ab dem 17. Jahrhundert wurde auch die japanische Malerei von westlichen Traditionen beeinflusst. Insbesondere in der Vorkriegszeit, die von 1868 bis 1945 dauerte, wurde die japanische Malerei vom Impressionismus beeinflusst Europäische Romantik. Gleichzeitig wurden auch neue europäische Kunstbewegungen maßgeblich von japanischen Kunsttechniken beeinflusst. In der Kunstgeschichte wird dieser Einfluss als „Japanismus“ bezeichnet und ist insbesondere für die Impressionisten, Kubisten und Künstler der Moderne von Bedeutung.

Die lange Geschichte der japanischen Malerei kann als Synthese mehrerer Traditionen betrachtet werden, die Teile einer anerkannten japanischen Ästhetik hervorbringen. Erstens haben buddhistische Kunst und Malmethoden sowie religiöse Malerei die Ästhetik japanischer Gemälde maßgeblich geprägt. Wassertuschemalerei von Landschaften in der chinesischen Tradition literarische Malerei- ein weiteres wichtiges Element, das in vielen berühmten japanischen Gemälden bekannt ist; Gemälde von Tieren und Pflanzen, insbesondere Vögeln und Blumen, werden häufig mit japanischen Kompositionen in Verbindung gebracht, ebenso wie Landschaften und Szenen aus dem Alltagsleben. Endlich, großer Einfluss Die japanische Malerei hatte alte Vorstellungen von Schönheit aus der Philosophie und Kultur des alten Japan. Wabi, was vergängliche und raue Schönheit bedeutet, Sabi (die Schönheit der natürlichen Patina und des Alterns) und Yugen (tiefe Anmut und Subtilität) beeinflussen weiterhin die Ideale in der Praxis der japanischen Malerei.

Wenn wir uns schließlich auf die Auswahl der zehn berühmtesten japanischen Meisterwerke konzentrieren, müssen wir Ukiyo-e erwähnen, eine der beliebtesten Kunstgattungen in Japan, obwohl sie zur Druckgrafik gehört. Er dominierte Japanische Kunst aus dem 17.-19. Jahrhundert, während Künstler dieser Gattung Holzschnitte und Gemälde mit Objekten wie z schöne Mädchen, Kabuki-Schauspieler und Sumo-Ringer sowie Szenen aus der Geschichte und Volksmärchen, Reiseszenen und Landschaften, Flora und Fauna und sogar Erotik.

Es ist immer schwierig, eine Liste der besten Gemälde zusammenzustellen künstlerische Traditionen. Viele erstaunliche Werke werden ausgeschlossen; Diese Liste enthält jedoch zehn der bekanntesten japanischen Gemälde der Welt. In diesem Artikel werden nur Gemälde vorgestellt, die vom 19. Jahrhundert bis heute entstanden sind.

Die japanische Malerei hat eine äußerst reiche Geschichte. Im Laufe der Jahrhunderte haben sich japanische Künstler weiterentwickelt große Menge einzigartige Techniken und Stile, die Japans wertvollsten Beitrag zur Welt der Kunst darstellen. Eine dieser Techniken ist Sumi-e. Sumi-e bedeutet wörtlich „Tuschezeichnung“ und kombiniert Kalligraphie und Tuschemalerei, um eine seltene Schönheit pinselgezeichneter Kompositionen zu schaffen. Diese Schönheit ist paradox – alt und doch modern, einfach und doch komplex, kühn und doch zurückhaltend und spiegelt zweifellos die spirituelle Grundlage der Kunst im Zen-Buddhismus wider. Im sechsten Jahrhundert brachten buddhistische Priester aus China feste Tuscheblöcke und Bambuspinsel nach Japan, und in den letzten 14 Jahrhunderten hat Japan ein reiches Erbe der Tuschemalerei entwickelt.

Scrollen Sie nach unten und sehen Sie sich 10 japanische Meisterwerke der Malerei an

1. Katsushika Hokusai „Der Traum der Frau des Fischers“

Eines der bekanntesten japanischen Gemälde ist „Der Traum der Frau des Fischers“. Es wurde 1814 vom berühmten Künstler Hokusai gemalt. Wenn Sie strengen Definitionen folgen, ist dies der Fall tolle Arbeit Hokusai kann nicht als Gemälde betrachtet werden, da es sich um einen Holzschnitt des Ukiyo-e-Genres aus dem Buch Young Pines (Kinoe no Komatsu) handelt, einem dreibändigen Shunga-Buch. Die Komposition zeigt einen jungen Ama-Taucher, der sexuell mit einem Krakenpaar umschlungen ist. Dieses Bild war im 19. und 20. Jahrhundert sehr einflussreich. Das Werk beeinflusste spätere Künstler wie Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopff und Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka „Abe no Nakamaro schreibt ein nostalgisches Gedicht, während er den Mond beobachtet“

Tessai Tomioka ist das Pseudonym eines berühmten japanischen Künstlers und Kalligraphen. Er gilt als der letzte große Künstler der Bunjing-Tradition und als einer der ersten bedeutende Künstler Nihonga-Stil. Bunjinga war eine Schule japanischer Malerei, die in der späten Edo-Ära unter Künstlern florierte, die sich als Literaten oder Intellektuelle betrachteten. Jeder dieser Künstler, einschließlich Tessaya, entwickelte seinen eigenen Stil und seine eigene Technik, aber sie alle waren große Fans davon chinesische Kunst und Kultur.

3. Fujishima Takeji „Sonnenaufgang über dem Ostmeer“

Fujishima Takeji war ein japanischer Künstler, der für seine Arbeit zur Entwicklung der Romantik und des Impressionismus in der Yoga-Kunstbewegung (westlicher Stil) des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts bekannt war. 1905 reiste er nach Frankreich, wo er von den französischen Strömungen der Zeit, insbesondere dem Impressionismus, beeinflusst wurde, wie in seinem Gemälde „Sonnenaufgang über dem Ostmeer“ aus dem Jahr 1932 zu sehen ist.

4. Kitagawa Utamaro „Zehn Arten weiblicher Gesichter, eine Sammlung herrschender Schönheiten“

Kitagawa Utamaro war ein bekannter japanischer Künstler, der 1753 geboren wurde und 1806 starb. Am bekanntesten ist er sicherlich für eine Serie mit dem Titel „Zehn Arten von Frauengesichtern“. Eine Sammlung dominanter Schönheiten, große Liebesthemen der klassischen Poesie“ (manchmal auch „Frauen in der Liebe“ genannt, enthält separate Stiche „Naked Love“ und „Thoughtful Love“). Er ist einer der bedeutendsten Künstler des Ukiyo-e-Holzschnitt-Genres.

5. Kawanabe Kyosai „Tiger“

Kawanabe Kyosai war einer der berühmtesten japanischen Künstler der Edo-Zeit. Seine Kunst wurde von der Arbeit von Tohaku beeinflusst, einem Maler der Kano-Schule aus dem 16. Jahrhundert, der als einziger Künstler seiner Zeit Bildschirme vollständig mit Tinte auf einen zarten Hintergrund aus gepulvertem Gold malte. Obwohl Kyosai als Cartoonist bekannt ist, hat er einige der bekanntesten Cartoons geschrieben Berühmte Gemälde V Japanische Geschichte Kunst des 19. Jahrhunderts. „Tiger“ ist eines dieser Gemälde, die Kyosai mit Aquarell und Tusche geschaffen hat.

6. Hiroshi Yoshida „Fuji vom Kawaguchi-See“

Hiroshi Yoshida ist als eine der Hauptfiguren des Shin-hanga-Stils bekannt (Shin-hanga ist eine künstlerische Bewegung in Japan im frühen 20. Jahrhundert, während der Taisho- und Showa-Zeiten, die die traditionelle Kunst des Ukiyo-e wiederbelebte hatte seine Wurzeln in der Edo- und Meiji-Zeit (17. – 19. Jahrhundert). Er lernte in der Tradition der westlichen Ölmalerei, die während der Meiji-Zeit aus Japan übernommen wurde.

7. Takashi Murakami „727“

Takashi Murakami ist wahrscheinlich der beliebteste japanische Künstler unserer Zeit. Seine Werke erzielen auf großen Auktionen astronomische Preise und seine Arbeiten inspirieren bereits neue Generationen von Künstlern nicht nur in Japan, sondern auch im Ausland. Murakamis Kunst umfasst eine Reihe von Medien und wird üblicherweise als superflach beschrieben. Seine Arbeit ist bekannt für die Verwendung von Farben, die Motive aus der japanischen Tradition und der traditionellen japanischen Kunst einbeziehen Popkultur. Der Inhalt seiner Bilder wird oft als „niedlich“, „psychedelisch“ oder „satirisch“ beschrieben.

8. Yayoi Kusama „Kürbis“

Yaoi Kusama ist auch einer der bekanntesten japanischen Künstler. Sie kreiert in einer Vielzahl von Medien, darunter Malerei, Collage, Scat-Skulptur, Performance, Umweltkunst und Installation, von denen die meisten ihr thematisches Interesse an psychedelischen Farben, Wiederholungen und Mustern zeigen. Eine der bekanntesten Serien dieses großen Künstlers ist die „Pumpkin“-Serie. Mit einem Tupfenmuster bedeckt, präsentiert sich ein regelmäßiger Kürbis in leuchtendem Gelb vor einem Netzhintergrund. Zusammen bilden alle diese Elemente eine visuelle Sprache, die unverkennbar dem Stil des Künstlers entspricht und über Jahrzehnte sorgfältiger Produktion und Reproduktion entwickelt und verfeinert wurde.

9. Tenmyoya Hisashi „Japanischer Geist Nr. 14“

Tenmyoya Hisashi ist ein zeitgenössischer japanischer Künstler, der für seine Neo-Nihonga-Gemälde bekannt ist. Er beteiligte sich an der Wiederbelebung der alten Tradition der japanischen Malerei, die das komplette Gegenteil der modernen japanischen Malerei darstellt. Im Jahr 2000 gründete er auch sein eigenes ein neuer Stil Butouha, der eine starke Haltung gegenüber Autoritäten an den Tag legt künstlerisches System durch seine Gemälde. „Japanese Spirit No. 14“ entstand im Rahmen von künstlerisches Schema„BASARA“, in der japanischen Kultur interpretiert als das rebellische Verhalten der niederen Aristokratie während der Zeit der Streitenden Reiche, um den Machthabern die Möglichkeit zu verweigern, einen idealen Lebensstil zu erreichen, indem sie sich üppige und luxuriöse Kleidung anziehen und aus freiem Willen handeln, der ihnen unangemessen ist Gesellschaftsklasse.

10. Katsushika Hokusai „Die große Welle vor Kanagawa“

Schließlich ist „Die große Welle vor Kanagawa“ wahrscheinlich das bekannteste japanische Malerei jemals geschrieben. Es ist tatsächlich das berühmteste Kunstwerk Japans. Es zeigt große Wellen bedrohliche Boote vor der Küste der Präfektur Kanagawa. Obwohl die Welle manchmal mit einem Tsunami verwechselt wird, ist sie, wie der Titel des Gemäldes vermuten lässt, höchstwahrscheinlich einfach ungewöhnlich hoch. Das Gemälde ist in der Ukiyo-e-Tradition gefertigt.

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Ein Kommentar:

Guten Tag, liebe Leser! Ich setze meine Auswahl an Spielfilmen über Japan fort, die ich zum Anschauen empfehle. Filme ermöglichen es Ihnen, wie Bücher, dem Lebensstil, der Mentalität und der Kultur der Bewohner des Landes der aufgehenden Sonne näher zu kommen.

Japanische Spielfilme:

1. Kaiser, gemeinsamer Film Japan und die USA, erschienen 2012, Genre – Militärgeschichte, Regie: Pitter Webber. Der Film zeigt die Ereignisse in Japan nach dem Zweiten Weltkrieg, als amerikanische Truppen in Japan eintrafen, um die Ordnung wiederherzustellen, Kriegsverbrecher zu verhaften und den weiteren Verlauf der Entwicklung Japans zu bestimmen. Die Situation wird durch die Augen eines amerikanischen Generals gesehen, der vor dem Krieg in ein japanisches Mädchen verliebt war. Er musste den Grad der Schuld des japanischen Kaisers Hirohito am Beginn des Krieges ermitteln.

Der Film ist aus historischer Sicht interessant, da er reale Ereignisse dieser Zeit zeigt. Und Japan wird nicht nur als Aggressorland, sondern auch als geschädigtes Land dargestellt – Städte wurden völlig zerstört und niedergebrannt, Hunderttausende Menschen wurden bei der Explosion von Atombomben verbrannt.

2.Shinsengumi, Produktionsjahr 1969, produziert in Japan, Regie Tadashi Sawashima.

Der Film zeigt letzten Jahren Herrschaft des Tokugawa-Shogunats. Als aus einer Gruppe freier Samurai (Ronin) eine kleine Abteilung gebildet wurde, um den letzten Shogun des Tokugawa-Clans zu schützen, die sogenannte selbsternannte Polizeieinheit. Diese militärische Abteilung verzweifelter und mutiger Samurai wurde von Kondo Isami, einem gebürtigen Bauern, angeführt. Die Abteilung war berühmt für ihre unübertroffene militärische Geschicklichkeit Nahkampf und die Vorstellungen vom Sieg des Shogunats über die kaiserliche Macht.

Zum gleichen Thema finden Sie einen Dokumentarfilm, der die damaligen Ereignisse wiederherstellt und eine objektive Einschätzung des Vorgehens der Shinsengumi-Abteilung und ihres Kommandanten Kondo Isami gibt. Der Film basiert auf historischen Ereignissen und der Spielfilm ändert praktisch nichts am Wesen des Dokumentarfilms.

3. Versteckte Klinge, produziert in Japan, veröffentlicht im Jahr 2004, Regie: Yoji Yamada. Das Genre des Films ist Drama, Melodram. Der Film spielt Mitte des 19. Jahrhunderts im kleinen Fürstentum Unasaku an der Nordwestküste Japans. In dieser Zeit fanden große Veränderungen im Land statt, die Samurai passten sich wieder dem westlichen Stil an und beherrschten Schusswaffen und neue Methoden der Kriegsführung. Es beginnt ein Konflikt zwischen der alten Lebensweise und allem Neuen, das rasch das Leben der Japaner erobert.

Vor dem Hintergrund der Beziehung zwischen Mann und Frau wird unaufdringlich das Bild eines Samurai gezeigt, das in der strikten Einhaltung der Regeln von Ehre, Würde und Ehrlichkeit besteht. Nachdem Sie diesen Film gesehen haben, kommen Sie erneut zu dem Schluss, dass das Klischee, dass Samurai eine militante Klasse seien, falsch ist. Mit den Worten des Helden des Films: „Für einen Samurai ist es genauso schwierig, einen Menschen zu töten wie für jeden anderen.“

4.Meine regnerischen Tage, Produziert in Japan 2009, Genredrama. Der Film zeigt das Leben von Schulmädchen, die Enjo-Kasai praktizieren. Alles ändert sich, wenn Hauptfigur trifft einen jungen Mann, einen Geschichtslehrer. Dieser romantische Film erzählt von der Entwicklung der Beziehung zwischen ihnen. Ein sehr süßer und berührender Film.

5.Liebe auf einer besonderen Ebene— produziert in Japan, Filmregisseur Naoto Kumazawa, veröffentlicht 2014, Genre Melodram.

Alles beginnt in der High School, Kururuki Yuni ist eine Highschool-Schülerin, klug, sie hat in allen Disziplinen außer Englisch gute Noten. Sie ist zielstrebig und klug, verbirgt alle Emotionen tief in sich und ist daher sehr einsam.

Der junge Englischlehrer Sakurai gibt Yunis täglichen Unterricht. Was hat ihn dazu bewogen? Der Wunsch, Kukuruki die Sprache beizubringen oder der Wunsch, das Mädchen aus seinem Schneckenhaus zu befreien. Aber was auch immer es ist, zusätzliche Kurse Englische Sprache führte zu einem Ergebnis, mit dem niemand gerechnet hatte. Der Film ist süß, alle Aktionen laufen langsam ab Mindestsatz Worte und Spiel der Gefühle, schöne Schauspieler, ruhige musikalische Begleitung. Konzipiert für ein weibliches Teenagerpublikum. Kann etwas langwierig wirken.

6. Ich möchte dich umarmen– produziert in Japan, Filmregisseur Akihiko Shioto, veröffentlicht im Jahr 2014.

Die traurige und berührende Geschichte der Beziehung zwischen dem Jungen Masami und dem Mädchen Tsukasa basiert auf wahren Begebenheiten. Der Film spielt auf der Insel Hokkaido. Eines Tages kommt eine Gruppe Basketball spielender Jugendlicher in die Turnhalle, die zur gleichen Zeit von einer Gruppe Behinderter reserviert war. Diese Veranstaltung ermöglichte es dem Taxifahrer Masami, der seit der Schule Basketball spielte, Tsukasa zu treffen, der daraufhin Basketball spielte Autounfall wurde behindert.

Tsukasa mag es nicht, wie eine behinderte Person behandelt zu werden. Nachdem sie die schweren Folgen des Unfalls überstanden hatte und nach und nach ins Leben zurückgekehrt war, wurde sie stark. Masami wiederum ist eine freundliche und sanfte Person. Ihre Beziehung wurde von den Eltern beider Seiten nicht verstanden, dennoch trafen sich die Jugendlichen weiterhin. Als die Eltern erkannten, dass die Beziehung zwischen den jungen Menschen aufrichtig war, verliebten sie sich auch in Tsukasa. Es gab eine wundervolle Hochzeit zwischen einem hübschen jungen Mann und einem Mädchen Rollstuhl, aber das Leben geht seinen eigenen Weg...