Sein Zuhause war Italien, die am Ende des Mittelalters die am weitesten entwickelte Kultur Europas hervorgebracht hat.

An seinem Standort war Italien der direkte Erbe der antiken römischen Kultur, deren Auswirkungen im Laufe seiner Geschichte zu spüren waren. Seit der Antike wurde auch ihr spirituelles Leben von beeinflusst Griechische Kultur, besonders nach dem Fall von Konstantinopel im Jahr 1453, als große Menge Byzantinische Gelehrte.

Die Renaissance beschränkte sich jedoch nicht auf eine einfache Kopie antiker Traditionen; es war ein komplexeres und tieferes Phänomen in der Weltgeschichte, neu in seinem Umfang und seiner Perspektive. Die raffinierte und komplexe Kultur des Mittelalters spielte bei ihrer Entstehung nicht weniger eine Rolle als die Kultur der Antike, so dass die Renaissance in vielerlei Hinsicht eine direkte Fortsetzung des Mittelalters war.

Italien blieb politisch in mehrere konkurrierende Staaten zersplittert, aber wirtschaftlich waren viele von ihnen die größten Industrieländer Europa. Die italienischen Staaten nehmen seit langem führende Positionen im Handel zwischen Ost und West ein. Es ist in den Städten Nord Italien neue Formen der industriellen Produktion und des Bankwesens, der politischen Aktivität und der diplomatischen Kunst wurden geboren. Einerseits ein hohes Maß an wirtschaftlicher Entwicklung und ein Reichtum intellektuelles Leben- andererseits machten sie diese Städte zu Zentren der Neubildung Europäische Kultur. Italienisch städtische Kultur wurde zum Nährboden, in dem die Voraussetzungen der Renaissance Wirklichkeit werden konnten.

Die erste Hauptstadt der italienischen Renaissance war Hauptstadt Toskana Florenz, wo es eine einzigartige Kombination von Umständen gab, die zum schnellen Aufstieg der Kultur beitrugen. Zur Zeit der Renaissance zog das Zentrum der Renaissancekunst um Rom. Die Päpste Julius II. und Leo X. unternahmen daraufhin große Anstrengungen, um den einstigen Glanz wiederzubeleben die ewige Stadt Dank dessen wurde es wirklich zum Zentrum der Weltkunst. Drittgrößtes Zentrum Italienische Renaissance wurden Venedig, wo die Kunst der Renaissance aufgrund lokaler Besonderheiten eine besondere Färbung erhielt.

Kunst

Eine der prominentesten Figuren der italienischen Renaissance war Leonardo da Vinci(1452-1519). Er vereinte viele Talente in sich – ein Maler, ein Bildhauer, ein Architekt, ein Ingenieur, ein origineller Denker. Seine Malerei ist einer der Höhepunkte in der Entwicklung der Weltkunst. Mit seinen experimentellen Beobachtungen bereicherte der große Leonardo fast alle Wissenschaftsbereiche seiner Zeit.

Mit dem Genie von Leonardo da Vinci konkurrierten nicht weniger großartiger Künstler Michelangelo(1475-1564), der sich ebenfalls durch vielfältige Begabungen auszeichnete. Michelangelo wurde als Bildhauer und Architekt, Maler und Dichter berühmt. Fresken brachten ihm ewigen Ruhm Sixtinische Kapelle im Vatikan, wo Michelangelo 600 qm malte. m Szenen aus Altes Testament. Nach seinem Projekt entstand die grandiose Kuppel des Petersdoms, die bis heute weder an Größe noch an Pracht übertroffen wurde. Das architektonische Erscheinungsbild der gesamten Altstadt Roms ist bis heute untrennbar mit dem Namen Michelangelo verbunden.

Eine besondere Rolle in der Entwicklung der Renaissancemalerei gehörte dazu Sandro Botticelli(1445-1510). Er ging in die Geschichte der Weltkultur ein als Schöpfer subtiler, vergeistigter Bilder, die die Erhabenheit der spätmittelalterlichen Malerei mit der Aufmerksamkeit für die menschliche Persönlichkeit verbinden, die die neue Zeit prägte.

Der Höhepunkt der italienischen Kunst dieser Zeit war die Kreativität Raffael(1483-1520). In seinen Werken erreichten die malerischen Kanons der Hochrenaissance ihren Höhepunkt.

Einen ehrenvollen Platz in der Kunstgeschichte der Renaissance nimmt auch die venezianische Malschule ein, deren prominentester Vertreter sie ist Tizian(1470/80er - 1576). Alles, was er von seinen Vorgängern gelernt hatte, brachte Tizian zur Vollendung, und die freie Art zu schreiben hatte er geschaffen großen Einfluss zur weiteren Entwicklung der Weltmalerei. Material von der Website

Die Architektur

Auch die Architektur erlebte in der Renaissance eine wahre Revolution. Die Verbesserung der Bautechnik ermöglichte es den Meistern der Renaissance, architektonische Probleme zu lösen, die den Architekten der früheren Zeit unzugänglich waren. Die Gründer des Neuen architektonischer Stil werden hervorragende Meister Vor allem Florenz F. Brunelleschi der die monumentale Kuppel der Kathedrale Santa Maria del Fiore geschaffen hat. Aber der Haupttyp architektonische Struktur in dieser Zeit wird es nicht mehr Kirche, sondern Profanbau - Palazzo(Schloss). Der Renaissancestil in der Architektur zeichnet sich durch Monumentalität und betonte Einfachheit der Fassaden sowie die Bequemlichkeit geräumiger Innenräume aus.

Auf meine Art geographische Lage Früher als andere Länder Westeuropas trat Italien in enge Handelsbeziehungen mit dem Osten ein, was die italienischen Städte sehr bereicherte. Genua, Venedig und Florenz wurden Handels-, Industrie- und Bankenzentren und betraten als unabhängige Stadtstaaten die Arena der internationalen Wirtschaftsbeziehungen. Eine wichtige Rolle im Leben solcher Stadtstaaten spielte die Bourgeoisie (Dritter Stand). Sie konnte in den Städten ihre eigenen Regeln aufstellen. Damit wurde die Diktatur der Kirche endgültig gebrochen. Daher ergaben sich Bedingungen für die Entstehung weltliche Kultur, das heißt, es erscheint bürgerliche Intelligenz (Wissenschaftler und Philosophen sind es nicht mehr Kirchenbeamte). Es gibt eine Intelligenz, deren Aktivitäten mit Kultur und Kunst verbunden sind.

Die Kultur des Humanismus impliziert weltliche Bildung im Gegensatz zu theologischer.

In vielen europäischen Ländern endete der Kampf gegen die Feudalherren mit der Einigung des Landes, und in ihnen wurde eine starke zentralisierte monarchische Macht errichtet. In Italien war das anders: Es gab keine Zentralisierung und keinen Übergang zu einer absoluten Monarchie. Das bedeutet, dass nichts die Aktivitäten des dritten Standes behinderte und er seine eigenen Regeln in den Städten aufstellte. So wurde Florenz zu einer wichtigen Stadt, genau wie Athen im antiken Griechenland. Die Entwicklung von Industrie, Handel und Bankwesen gab der Klasse der Handwerker, Kaufleute und Geldwechsler Kraft und Zuversicht. Sie erwiesen sich politisch als so stark, dass sie den Adligen allgemein die Wahl- und politischen Rechte entzogen. Diese Ereignisse dauerten ein ganzes Jahrhundert (während des 14. Jahrhunderts). In der Atmosphäre dieser Ereignisse wurde das Genie Dantes geformt.

Der aufstrebenden neuen bürgerlichen Klasse war die Tragödie der Weltanschauung, das Pathos des Leidens, der Kult der Armut (also alles, was sich in der mittelalterlichen Kunst widerspiegelte) fremd. Der Respekt vor dem Gewinner wuchs. In allem spürte der Mensch die Fülle des Lebens – im alltäglichen Kampf, in der Wissenschaft, in Handel und Bereicherung, in weltlichen Freuden.

Menschen im Bild der Renaissance-Künstler sehen sowohl völlig lebendig als auch außergewöhnlich aus. Dennoch drangen zeitgenössische Sujets nicht in die Kunst ein. Sein Inhalt war die antike Mythologie. Aber die "gottähnlichen" antiken Helden wurden als echte Menschen dargestellt. Der Mensch – die Krone von allem, was auf der Welt existiert – wurde mit Gott verglichen, und Gott wurde mit den Merkmalen einer realen Person ausgestattet, die den Künstlern zeitgenössisch ist.

Renaissance ist nicht nur eine Sammlung von Werken künstlerische Kultur, sondern vor allem neuer Typ Denken und Religiosität, ein besonderes spirituelles Lager und Lebensweise.

Die Renaissance verband eine neue Lektüre der Antike mit einer neuen Lektüre des Christentums.

Die Grundlage der Kunst der Renaissance ist die Suche nach Individualität. Seit der Renaissance beginnt die Durchsetzung des Prinzips der Einzigartigkeit und Originalität jedes Einzelnen. Erweckung verbunden natürlicher Mensch Antike und das christliche Verständnis des von oben mit Entscheidungsfreiheit ausgestatteten Individuums.

Das ethische und ästhetische Ideal der Renaissance ist das Bild eines freien, universellen, sich selbst schaffenden Menschen.

Die Kunst der Renaissance richtete sich an den einfachen Mann, erkannte aber Ritter, Heilige, Könige und mythologische Gestalten als Helden an. Gleichzeitig spielte die Kirche eine große Rolle bei der Bildung der Renaissancekultur - in der Malerei, in der Architektur, in der Musik.

In der Renaissance wurde ein neues Weltbild geboren, das die mittelalterliche Denkweise ablöste. Es erklärte das Leben auf eine neue Art und Weise und besonders den Platz des Menschen darin. Dieses neue Weltbild war auf den Menschen und die Schöpfung seiner Hände (humana studia) ausgerichtet. Aus diesem Wort wurden die Namen „Humanist“, „Humanismus“ gebildet. (Aber die Begriffe „Humanist“ und „ humaner Mensch“ haben unterschiedliche Bedeutungen).

Humanisten der Renaissance waren keine professionellen Philosophen. Das sind Dichter, Künstler, Schriftsteller, Politiker, Philanthropen. Renaissance-Humanisten sind neu denkende Menschen. Unter ihnen waren der Tyrann Lorenzo Medici, der umsichtige und schlaue Politiker Niccolo Machiavelli, der verräterische und grausame Caesar Borgia. Sie beschäftigten sich mit Philosophie, Politik, Rhetorik, Ethik, historischer Forschung usw., und im Laufe ihres aktiven Lebens wurde eine neue Art des Denkens geschaffen - der Renaissance-Humanismus.

Humanisten glaubten, dass die Wissenschaft den Menschen offen stehen sollte, um ihnen das Wissen über die Natur und den Menschen selbst näher zu bringen. Die Wissenschaft der Renaissance rebelliert nicht gegen Gott, sie studiert die von ihm geschaffene Welt und seine Hauptschöpfung - den Menschen. Und Wissenschaft wird zu einem Phänomen Kultur XIV- XV Jahrhunderte.

Die Kunst der Renaissance ist Literatur, bildende Kunst, Architektur undtolles Theater.

Italien - der Geburtsort der Renaissance

Der Geburtsort der Renaissance war Florenz, die im XIII Jahrhundert. war eine Stadt reicher Kaufleute, Besitzer von Manufakturen, einer großen Anzahl von Handwerkern, die in Werkstätten organisiert waren. Außerdem waren die Werkstätten von Ärzten, Apothekern und Musikern für die damalige Zeit sehr zahlreich. Es gab auch viele Anwälte - Rechtsanwälte, Rechtsanwälte, Notare. Unter den Vertretern dieser Klasse begannen sich Kreise von Gebildeten zu bilden, die ihre Interessen zum Gegenstand machten Mensch und alles, was mit seinem Leben zu tun hat. Sie wandten sich zu künstlerisches Erbe der Antike bis hin zu den Werken der Griechen und Römer, die zu ihrer Zeit das Bild eines an Leib und Seele ungebundenen Mannes schufen. So neue Ära in der Entwicklung der europäischen Kultur und wurde "Renaissance" genannt, was den Wunsch widerspiegelt, die Bilder und Werte der alten Kultur unter neuen historischen Bedingungen wiederzubeleben.

Fast bis zum Ende des XV Jahrhunderts. Die Renaissance war im Grunde nur ein italienisches Phänomen. Dies hat zu einem großen Teil dazu beigetragen hohes Niveau Urbanisierung Nord- und Mittelitaliens, die Unterordnung des Dorfes unter die Stadt, das breite Spektrum der handwerklichen Produktion, des Handels und des Finanzwesens. Wohlhabend, wohlhabend italienische Stadt wurde zur Hauptbasis für die Bildung der Kultur der Renaissance und erfüllte ihre Bedürfnisse besser Gemeindeentwicklung. Aber nach und nach dringen neue Ideen in andere ein europäische Länder, bilden ein Phänomen Nördliche Renaissance (Renaissance in den Ländern nördlich von Italien).

Die Wiederbelebung des antiken Erbes begann mit dem Studium der griechischen und griechischen Sprache Latein, wurde aber später zur Sprache der Renaissance Latein. Die Gründer des Neuen kulturelle Epoche waren Historiker, Philologen, Bibliothekare, liebten es, in alten Manuskripten und Büchern zu stöbern, sammelten Antiquitäten. Sie begannen, die vergessenen Werke griechischer und römischer Autoren zu restaurieren, neu zu übersetzen wissenschaftliche Texte, im Mittelalter verzerrt. Diese Texte waren nicht nur Denkmäler einer anderen Kulturepoche, sondern auch „Lehrer“, die ihnen halfen, sich selbst zu entdecken, ihre Persönlichkeit zu formen.

Diese Situation wurde von Francesco Petrarca sehr gut vermittelt:

Anwälte vergaßen Justinian, Ärzte - Esculapius.

Sie waren fassungslos über die Namen von Homer und Virgil.

Zimmerleute und Bauern kündigten ihre Arbeit

Und sie sprechen über die Musen und Apollo.

Die Begründer der Renaissance begannen ihre Tätigkeit mit Umschreiben und Studieren Literarische Texte, aber nach und nach geraten auch andere Denkmäler der Kunstkultur der Antike, vor allem Statuen, in ihren Interessenkreis. Außerdem sind in Florenz, Rom, Ravenna, Neapel, Venedig ziemlich viele griechische und römische Statuen, bemalte Gefäße, architektonische Gebäude. Zum ersten Mal in tausend Jahren christlicher Herrschaft wurden antike Statuen nicht als heidnische Idole, sondern als Kunstwerke behandelt.

Später wurde das antike Erbe in das Bildungssystem aufgenommen und mit antike Literatur, Skulptur, Philosophie erfüllt weiter Kreis von Leuten. Dichter und Künstler versuchten, antike Autoren nachzuahmen und antike Kunst im Allgemeinen wiederzubeleben. Aber wie so oft in der Kultur führt der Wunsch, einige alte Prinzipien und Formen wiederzubeleben, zur Schaffung eines völlig neuen. Die Kultur der Renaissance wurde nicht zu einer einfachen Rückkehr zur Antike. Sie entwickelte es und interpretierte es neu, ausgehend von den veränderten historischen Bedingungen. Daher war die Kultur der Renaissance das Ergebnis einer Synthese von Alt und Neu.

Von Anfang an strebten die Menschen der Renaissance danach, es besser zu machen als die Meister der Antike. Sich von den Alten inspirieren zu lassen, um Neues zu schaffen, ist das Ziel der Ära. Interessanterweise gaben die Meister gleichzeitig die Erfahrung des Mittelalters nicht auf, obwohl sie sie laut mit Verachtung behandelten. Zunächst wurden die Erfahrungen aus Romanik und Gotik in der Architektur genutzt – beim Bau von Burgen und Kathedralen. Daher erinnern Neubauten oft nur vordergründig an die griechisch-römische Zeit. Dasselbe passiert in der Malerei, weil die Künstler der Renaissance mehr besaßen hohe TechnologieÖlmalerei und Perspektive unbekannter Antike. Gleichzeitig wurden lokale Traditionen in einigen Ländern weit verbreitet - byzantinisch, in einem anderen - romanisch, in einem dritten - gotisch und beispielsweise in Portugal - maritim und exotisch. Aus der Antike wurden vor allem dekorative Elemente entlehnt. Mit der Suche ist ein gravierender Einfluss der Antike verbunden mathematische Formel Schönheit, die von den Künstlern der Hochrenaissance praktiziert wurde, in deren Werken eine zurückhaltende, klare, harmonische Ästhetik triumphierte. Aber das ist eher eine Wiederbelebung des antiken Geistes als seiner Techniken. Und als die Renaissance-Künstler begannen, nach ihren eigenen Techniken und Ausdrucksmöglichkeiten zu suchen, was im 16 Manierismus, dies führte zum Siegeszug der antiklassischen Strömung, der Ästhetik des Manierismus, die zum unmittelbaren Vorläufer des Barock wurde.

Kunst der Renaissance

Renaissance- Dies ist die Blütezeit aller Künste, einschließlich des Theaters, der Literatur und der Musik, aber zweifellos war die wichtigste unter ihnen, die den Geist ihrer Zeit am besten zum Ausdruck brachte, die bildende Kunst.

Es ist kein Zufall, dass es eine Theorie gibt, dass die Renaissance damit begann, dass sich die Künstler mit dem Rahmen des vorherrschenden „byzantinischen“ Stils nicht mehr zufriedengaben und sich auf der Suche nach Vorbildern für ihre Arbeit als erste an sie wandten zur Antike. Der Begriff „Renaissance“ (Renaissance) wurde vom Denker und Künstler der Epoche selbst, Giorgio Vasari („Biographie berühmter Maler, Bildhauer und Architekten“), eingeführt. So nannte er die Zeit von 1250 bis 1550. Aus seiner Sicht war dies die Zeit der Wiederbelebung der Antike. Für Vasari erscheint die Antike in idealer Weise.

In der Zukunft hat sich der Inhalt des Begriffs weiterentwickelt. Die Wiederbelebung bedeutete die Emanzipation von Wissenschaft und Kunst von der Theologie, eine Abkühlung zur christlichen Ethik, die Geburt der Nationalliteratur, den Wunsch des Menschen nach Freiheit von Beschränkungen. katholische Kirche. Das heißt, die Renaissance begann im Wesentlichen zu bedeuten Humanismus.

WIEDERBELEBUNG, RENAISSANCE(Französische Renaissance - Wiedergeburt) - eine der größten Epochen, Wendepunkt in der Entwicklung der Weltkunst zwischen Mittelalter und Neuzeit. Die Renaissance umfasst die XIV-XVI Jahrhunderte. in Italien, XV-XVI Jahrhundert. in anderen europäischen Ländern. Sein Name - Renaissance (oder Renaissance) - erhielt diese Periode in der Entwicklung der Kultur im Zusammenhang mit der Wiederbelebung des Interesses an Antike Kunst. Die damaligen Künstler kopierten jedoch nicht nur alte Muster, sondern gaben ihnen auch einen qualitativ neuen Inhalt. Die Renaissance sollte nicht als künstlerischer Stil oder Richtung betrachtet werden, da es in dieser Zeit verschiedene künstlerische Stile, Trends und Strömungen gab. Das ästhetische Ideal der Renaissance wurde auf der Grundlage einer neuen fortschrittlichen Weltanschauung - des Humanismus - geformt. Die reale Welt und der Mensch wurden zum höchsten Wert erklärt: Der Mensch ist das Maß aller Dinge. Die Rolle der kreativen Person hat besonders zugenommen.

Humanistisches Pathos der Zeit die beste Weise in der Kunst verkörpert, die wie in früheren Jahrhunderten darauf abzielte, ein Bild des Universums zu geben. Neu war, dass sie versuchten, das Materielle und das Geistige zu einem Ganzen zu vereinen. Es war schwierig, eine Person zu finden, die der Kunst gleichgültig gegenüberstand, aber der bildenden Kunst und der Architektur wurde der Vorzug gegeben.

Italienische Malerei des 15. Jahrhunderts meist monumental (Fresken). Unter den bildenden Künsten nimmt die Malerei einen Spitzenplatz ein. Es entspricht am ehesten dem Renaissance-Prinzip der „Nachahmung der Natur“. Auf der Grundlage des Naturstudiums entsteht ein neues visuelles System. Der Künstler Masaccio leistete einen würdigen Beitrag zur Entwicklung eines Verständnisses von Volumen, seiner Übertragung mit Hilfe von Hell-Dunkel. Entdeckung und wissenschaftliche Begründung der Gesetze der linearen und Aerial Perspektive das weitere Schicksal der europäischen Malerei maßgeblich beeinflusst. Eine neue plastische Sprache der Skulptur entsteht, ihr Begründer war Donatello. Er belebte die freistehende runde Statue wieder. Sein bestes Werk ist die Skulptur von David (Florenz).

In der Architektur werden die Prinzipien des antiken Ordnungssystems wiederbelebt, die Bedeutung der Proportionen erhöht, neue Gebäudetypen geformt (Stadtschloss, Landvilla usw.), die Architekturtheorie und das Konzept einer idealen Stadt entwickelt werden. Der Architekt Brunelleschi baute Gebäude, in denen er das antike Architekturverständnis mit den Traditionen der Spätgotik verband und zu einer neuen figurativen Spiritualität der Architektur gelangte, die den Alten unbekannt war. Während der Hochrenaissance wurde das neue Weltbild am besten in den Werken von Künstlern verkörpert, die zu Recht als Genies bezeichnet werden: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione und Tizian. Die letzten zwei Drittel des 16. Jahrhunderts als Spätrenaissance bezeichnet. Zu diesem Zeitpunkt erfasst die Krise die Kunst. Es wird geregelt, höfisch, verliert seine Wärme und Natürlichkeit. Einzelne große Künstler - Tizian, Tintoretto - schaffen jedoch in dieser Zeit weiterhin Meisterwerke.

Die italienische Renaissance hatte einen großen Einfluss auf die Kunst Frankreichs, Spaniens, Deutschlands, Englands und Russlands.

Der Aufstieg in der Entwicklung der Kunst der Niederlande, Frankreichs und Deutschlands (XV-XVI Jahrhunderte) wird als Nordrenaissance bezeichnet. Das Werk der Maler Jan van Eyck, P. Brueghel d. Ä. ist der Höhepunkt dieser Periode der Kunstentwicklung. In Deutschland der größte Künstler Deutsche Renaissance war A. Dürer.

Die Entdeckungen der Renaissance auf dem Gebiet der geistigen Kultur und Kunst waren von großer historischer Bedeutung für die Entwicklung der europäischen Kunst in den folgenden Jahrhunderten. Das Interesse an ihnen hält bis heute an.

Die Renaissance in Italien durchlief mehrere Phasen: Frührenaissance, Hochrenaissance, Spätrenaissance. Florenz wurde zum Geburtsort der Renaissance. Die Grundlagen der neuen Kunst wurden von dem Maler Masaccio, dem Bildhauer Donatello und dem Architekten F. Brunelleschi entwickelt.

Der erste, der zum ersten Mal Gemälde anstelle von Ikonen schuf der größte Meister Proto-Renaissance Giotto. Er war der erste, der sich bemühte, christliche ethische Ideen durch die Darstellung echter menschlicher Gefühle und Erfahrungen zu vermitteln, wobei er die Symbolik durch die Darstellung realer Räume und bestimmter Objekte ersetzte. Auf den berühmten Fresken von Giotto in Arena-Kapelle in Padua neben den Heiligen sieht man ganz ungewöhnliche Gestalten: Hirten oder einen Spinner. Jede einzelne Person in Giotto bringt ganz bestimmte Erfahrungen, einen bestimmten Charakter zum Ausdruck.

In der Ära der frühen Renaissance in der Kunst findet die Entwicklung des alten künstlerischen Erbes statt, neue ethische Ideale werden gebildet, Künstler wenden sich den Errungenschaften der Wissenschaft (Mathematik, Geometrie, Optik, Anatomie) zu. Die führende Rolle bei der Bildung der ideologischen und stilistischen Prinzipien der Kunst der Frührenaissance wird von gespielt Florenz. In den Bildern von Meistern wie Donatello, Verrocchio dominiert die Reiterstatue des Condottiere Gattamelata David von Donatello die heroischen und patriotischen Prinzipien ("St. George" und "David" von Donatello und "David" von Verrocchio).

Masaccio war der Begründer der Renaissance-Malerei.(Wandmalereien in der Brancacci-Kapelle, "Dreifaltigkeit") verstand es Masaccio, die Tiefe des Raumes zu vermitteln, Figur und Landschaft mit einer einzigen kompositorischen Idee zu verbinden und den einzelnen Porträts Ausdruckskraft zu verleihen.

Aber die Entstehung und Entwicklung des bildlichen Porträts, das das Interesse der Renaissancekultur am Menschen widerspiegelte, sind mit den Namen der Künstler der Umrbi-Schule verbunden: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Das Werk des Künstlers sticht in der Frührenaissance hervor Sandro Botticelli. Seine Bilder sind vergeistigt und poetisch. Die Forscher bemerken die Abstraktion und den raffinierten Intellektualismus in den Werken des Künstlers, seinen Wunsch, mythologische Kompositionen mit kompliziertem und verschlüsseltem Inhalt zu schaffen ("Frühling", "Die Geburt der Venus"). Einer von Botticellis Biographen sagte, dass seine Madonnen und Venus den Eindruck erwecken Verlust, der uns ein Gefühl unauslöschlicher Traurigkeit verursacht... Einige von ihnen haben den Himmel verloren, andere - die Erde.

"Frühling" "Geburt der Venus"

Der Höhepunkt in der Entwicklung der ideologischen und künstlerischen Prinzipien der italienischen Renaissance ist Hochrenaissance. Der Begründer der Kunst der Hochrenaissance ist Leonardo da Vinci, ein großer Künstler und Wissenschaftler.

Er schuf eine Reihe von Meisterwerken: „Mona Lisa“ („La Gioconda“) Streng genommen zeichnet sich das Gesicht der Gioconda durch Zurückhaltung und Ruhe aus, das Lächeln, das ihren Weltruhm begründete und später zu einem unverzichtbaren Bestandteil der Werke wurde der Leonardo-Schule ist darin kaum zu spüren. Doch in dem sanft schmelzenden Schleier, der Gesicht und Figur umhüllt, gelingt es Leonardo, die grenzenlose Variabilität menschlicher Mimik fühlbar zu machen. Obwohl die Augen von Gioconda den Betrachter aufmerksam und ruhig anblicken, könnte man aufgrund der Schattierung ihrer Augenhöhlen meinen, dass sie leicht die Stirn runzeln; Ihre Lippen sind zusammengepresst, aber kaum wahrnehmbare Schatten zeichnen sich in der Nähe ihrer Ecken ab, was Sie glauben lässt, dass sie sich jede Minute öffnen, lächeln, sprechen werden. Schon der Kontrast zwischen ihrem Blick und dem halben Lächeln auf ihren Lippen lässt erahnen, wie widersprüchlich ihre Erfahrungen sind. Nicht umsonst quälte Leonardo sein Model mit langen Sessions. Wie keinem anderen gelang es ihm, in diesem Bild Schatten, Schattierungen und Halbtöne zu vermitteln, die ein Gefühl von zitterndem Leben entstehen lassen. Kein Wunder, dass Vasari dachte, dass man am Hals der Mona Lisa sehen kann, wie eine Ader schlägt.

Im Porträt von Gioconda hat Leonardo nicht nur den Körper und die Umhüllung perfekt wiedergegeben Luft Umgebung. Er hat auch ein Verständnis dafür eingebracht, was das Auge braucht, damit ein Bild einen harmonischen Eindruck macht, weshalb alles so aussieht, als wären die Formen natürlich aus dem anderen entstanden, wie es in der Musik geschieht, wenn eine gespannte Dissonanz aufgelöst wird durch einen harmonischen Akkord. Gioconda ist perfekt in ein streng proportionales Rechteck eingeschrieben, ihre Halbfigur bildet etwas Ganzes, gefaltete Hände geben ihrem Bild Vollständigkeit. Jetzt konnte natürlich von den bizarren Locken der frühen Verkündigung keine Rede sein. Doch so weich alle Konturen auch sein mögen, die wellige Haarlocke der Gioconda harmoniert mit dem durchsichtigen Schleier, und der über die Schulter geworfene Stoff findet ein Echo in den glatten Windungen der fernen Straße. In all dem zeigt Leonardo seine Fähigkeit, nach den Gesetzen von Rhythmus und Harmonie zu schaffen. „In technischer Hinsicht galt Mona Lisa immer als etwas Unerklärliches. Jetzt glaube ich, kann ich dieses Rätsel lösen“, sagt Frank. Ihm zufolge verwendete Leonardo die von ihm entwickelte Technik "sfumato" (italienisch "sfumato", wörtlich - "verschwand wie Rauch"). Der Trick besteht darin, dass die Objekte in den Gemälden keine klaren Grenzen haben sollten, alles sollte reibungslos ineinander übergehen, die Umrisse von Objekten werden mit Hilfe des sie umgebenden Licht-Luft-Schleiers weicher. Die Hauptschwierigkeit dieser Technik liegt in den kleinsten Strichen (etwa ein Viertel Millimeter), die weder unter dem Mikroskop noch mit Röntgenstrahlen einer Erkennung zugänglich sind. So dauerte es mehrere hundert Sitzungen, um ein da Vinci-Gemälde zu malen. Das Bild der Mona Lisa besteht aus etwa 30 Schichten flüssiger, fast durchsichtiger Ölfarbe. Für solche Schmuckarbeiten musste der Künstler offenbar eine Lupe verwenden. Vielleicht erklärt die Verwendung einer so mühsamen Technik die lange Arbeit an dem Porträt - fast 4 Jahre.

, "Das letzte Abendmahl" hinterlässt einen bleibenden Eindruck. An der Wand entfaltet sich das uralte Gospel-Drama des betrogenen Vertrauens, als würde es sie überwinden und den Betrachter in die Welt der Harmonie und der majestätischen Visionen entführen. Und dieses Drama findet seine Auflösung in einem allgemeinen Impuls, der sich an die Hauptfigur richtet - einen Ehemann mit traurigem Gesicht, der das Geschehen als unvermeidlich hinnimmt. Christus hatte gerade zu seinen Jüngern gesagt: "Einer von euch wird mich verraten." Der Verräter sitzt bei den anderen; Die alten Meister stellten Judas separat sitzend dar, aber Leonardo brachte seine düstere Isolation viel überzeugender zur Geltung, indem er seine Züge mit einem Schatten verhüllte. Christus ist seinem Schicksal unterwürfig, voller Bewusstsein des Opfers seiner Leistung. Sein geneigter Kopf mit gesenkten Augen, die Geste seiner Hände sind unendlich schön und majestätisch. Durch das Fenster hinter seiner Figur öffnet sich eine bezaubernde Landschaft. Christus ist das Zentrum der ganzen Komposition, all dieses Wirbels von Leidenschaften, die herumtoben. Seine Traurigkeit und Ruhe sind sozusagen ewig, natürlich - und das ist die tiefe Bedeutung des gezeigten Dramas.Er suchte die Quellen perfekter Kunstformen in der Natur, aber N. Berdyaev sieht ihn für den kommenden Prozess verantwortlich der Mechanisierung und Mechanisierung des menschlichen Lebens, die den Menschen von der Natur riss.

Malerei erreicht klassische Harmonie in der Kreativität Raffael. Seine Kunst entwickelt sich von den frühen, kühlen umbrischen Madonnenbildern (Madonna Conestabile) zur Welt des „glücklichen Christentums“ der florentinischen und römischen Werke. „Madonna mit Stieglitz“ und „Madonna im Sessel“ sind weich, menschlich und sogar gewöhnlich in ihrer Menschlichkeit.

Aber das Bild der "Sixtinischen Madonna" ist majestätisch und verbindet symbolisch die himmlische und die irdische Welt. Raphael ist vor allem als Schöpfer sanfter Madonnenbilder bekannt. Aber in der Malerei verkörperte er sowohl das Ideal des universellen Menschen der Renaissance (Porträt von Castiglione) als auch das Drama historischer Ereignisse. Die Sixtinische Madonna (um 1513, Dresden, Gemäldegalerie) ist eines der inspirierendsten Werke des Künstlers. Geschrieben als Altarbild für die Kirche des Klosters St. Sixtus in Piacenza, dieses Gemälde unterscheidet sich in Gestaltung, Komposition und Bildinterpretation deutlich von den „Madonnen“ Florentiner Zeit. Anstelle eines intimen und irdischen Bildes eines schönen jungen Mädchens, das herablassend den Vergnügungen zweier Babys folgt, haben wir hier eine wunderbare Vision, die plötzlich am Himmel auftauchte, weil jemand einen Vorhang zurückgezogen hatte. Umgeben von goldenem Glanz, feierlich und majestätisch schreitet Maria durch die Wolken, das Christkind vor sich haltend. Links und rechts knien vor ihrem St. Sixtus und St. Barbara. Die symmetrische, streng ausbalancierte Komposition, die Klarheit der Silhouette und die monumentale Verallgemeinerung der Formen verleihen der Sixtinischen Madonna eine besondere Erhabenheit.

Raffael gelang es in diesem Bild vielleicht mehr als anderswo, die lebensechte Wahrhaftigkeit des Bildes mit den Zügen idealer Vollkommenheit zu verbinden. Das Bild der Madonna ist komplex. Die berührende Reinheit und Naivität einer sehr jungen Frau verbindet sich in ihm mit fester Entschlossenheit und heroischer Opferbereitschaft. Dieses Heldentum lässt das Bild der Madonna mit den besten Traditionen des italienischen Humanismus in Verbindung stehen. Die Kombination von Ideal und Wirklichkeit in diesem Bild erinnert an die bekannten Worte Rafaels aus einem Brief an seinen Freund B. Castiglione. „Und ich werde Ihnen sagen“, schrieb Raphael, „dass ich, um eine Schönheit zu schreiben, viele Schönheiten sehen muss … aber aufgrund eines Mangels … an wunderschöne Frauen, verwende ich eine Idee, die mir in den Sinn kommt. Ob es irgendeine Perfektion hat, weiß ich nicht, aber ich bemühe mich sehr, es zu erreichen. Diese Worte bringen Licht ins Dunkel kreative Methode Künstler. Ausgehend von der Realität und sich auf sie verlassend, strebt er zugleich danach, das Bild über alles Zufällige und Vergängliche zu erheben.

Michelangelo(1475-1564) - zweifellos einer der inspirierendsten Künstler der Kunstgeschichte und neben Leonardo da Vinci die mächtigste Figur der italienischen Hochrenaissance. Als Bildhauer, Architekt, Maler und Dichter hatte Michelangelo einen enormen Einfluss auf seine Zeitgenossen und auf die spätere westliche Kunst im Allgemeinen.

Er betrachtete sich als Florentiner – obwohl er am 6. März 1475 in dem kleinen Dorf Caprese nahe der Stadt Arezzo geboren wurde. Michelangelo liebte seine Stadt, ihre Kunst und Kultur sehr und trug diese Liebe bis ans Ende seiner Tage. Er verbrachte die meisten seiner reifen Jahre in Rom und arbeitete für die Päpste; er hinterließ jedoch ein Testament, wonach sein Leichnam in Florenz in einem wunderschönen Grab in der Kirche Santa Croce beerdigt wurde.

Michelangelo vollendete die Marmorskulptur Pieta(Beweinung Christi) (1498-1500), die sich noch an ihrem ursprünglichen Standort - im Petersdom - befindet. Dies ist einer der meisten Berühmte Werke in der Geschichte der Weltkunst. Die Pieta wurde wahrscheinlich von Michelangelo fertiggestellt, bevor er 25 Jahre alt war. Dies ist das einzige Werk, das er signiert hat. Die junge Maria ist mit dem toten Christus auf den Knien dargestellt, ein Bild, das der nordeuropäischen Kunst entlehnt ist. Marys Blick ist weniger traurig als ernst. Das höchster Punkt Werk des jungen Michelangelo.

Nicht weniger bedeutendes Werk des jungen Michelangelo war ein riesiges (4,34 m) Marmorbild David(Akademie, Florenz), hingerichtet zwischen 1501 und 1504, nach Rückkehr nach Florenz. Der Held des Alten Testaments wird von Michelangelo in Form eines gutaussehenden, muskulösen, nackten jungen Mannes dargestellt, der ängstlich in die Ferne blickt, als würde er seinen Feind abschätzen - Goliath, mit dem er kämpfen muss. Der lebendige, angespannte Ausdruck von Davids Gesicht ist charakteristisch für viele Werke Michelangelos – ein Zeichen seiner individuellen skulpturalen Art. Der David, Michelangelos berühmteste Skulptur, ist zu einem Symbol von Florenz geworden und wurde ursprünglich auf der Piazza della Signoria vor dem Palazzo Vecchio, dem Florentiner Rathaus, aufgestellt. Mit dieser Statue bewies Michelangelo seinen Zeitgenossen, dass er nicht nur alle zeitgenössischen Künstler, sondern auch die Meister der Antike übertroffen hat.

Malerei auf dem Gewölbe der Sixtinischen Kapelle 1505 wurde Michelangelo von Papst Julius II. nach Rom gerufen, um zwei Aufträge zu erfüllen. Das wichtigste war die Freskenmalerei des Gewölbes der Sixtinischen Kapelle. Auf hohen Gerüsten direkt unter der Decke liegend schuf Michelangelo zwischen 1508 und 1512 die schönsten Illustrationen zu einigen biblischen Geschichten. Auf dem Gewölbe der päpstlichen Kapelle stellte er neun Szenen aus dem Buch Genesis dar, beginnend mit der Trennung des Lichts von der Dunkelheit und einschließlich der Erschaffung Adams, der Erschaffung Evas, der Versuchung und des Falls von Adam und Eva und der Sintflut . Um die Hauptgemälde herum wechseln sich Bilder von Propheten und Sibyllen auf Marmorthronen, anderen alttestamentlichen Figuren und den Vorfahren Christi ab.

Zur Vorbereitung dieses großartigen Werkes fertigte Michelangelo eine Vielzahl von Skizzen und Kartons an, auf denen er die Figuren der Dargestellten in unterschiedlichen Posen darstellte. Diese majestätischen, kraftvollen Bilder beweisen das meisterhafte Verständnis des Künstlers für die menschliche Anatomie und Bewegung, das der westeuropäischen Kunst eine neue Richtung gab.

Zwei weitere ausgezeichnete Statuen, Gebundener Gefangener und Tod eines Sklaven(beide um 1510-13) befinden sich im Louvre, Paris. Sie demonstrieren Michelangelos Herangehensweise an die Skulptur. Seiner Meinung nach sind die Figuren einfach in einen Marmorblock eingeschlossen, und es ist die Aufgabe des Künstlers, sie zu befreien, indem er den überschüssigen Stein entfernt. Oft ließ Michelangelo die Skulpturen unvollendet, entweder weil sie nicht mehr benötigt wurden oder weil sie einfach das Interesse für den Künstler verloren hatten.

Bibliothek von San Lorenzo Das Projekt des Grabes von Julius II erforderte eine Architekturstudie, aber Michelangelos ernsthafte Arbeit im architektonischen Bereich begann erst 1519, als er die Fassade der Bibliothek von St. Lawrence in Florenz bestellte, wohin der Künstler zurückkehrte wieder (dieses Projekt wurde nie umgesetzt). In den 1520er Jahren entwarf er auch die elegante Eingangshalle der Bibliothek neben der Kirche San Lorenzo. Diese Strukturen wurden nur wenige Jahrzehnte nach dem Tod des Autors fertiggestellt.

Michelangelo, ein Anhänger der republikanischen Fraktion, nahm in den Jahren 1527-29 am Krieg gegen die Medici teil. Zu seinen Aufgaben gehörten der Bau und Wiederaufbau der Befestigungsanlagen von Florenz.

Medici-Kapellen. Nachdem er längere Zeit in Florenz gelebt hatte, vollendete Michelangelo zwischen 1519 und 1534 den Auftrag der Familie Medici, zwei Gräber in der neuen Sakristei der Kirche San Lorenzo zu errichten. In einer Halle mit hohem Kuppelgewölbe errichtete der Künstler zwei prächtige Gräber in der Nähe der Mauern, bestimmt für Lorenzo De Medici, Herzog von Urbino, und für Giuliano De Medici, Herzog von Nemours. Zwei komplexe Gräber wurden als Darstellungen gegensätzlicher Typen konzipiert: Lorenzo – ein in sich eingeschlossener, nachdenklicher, zurückgezogener Mensch; Giuliano hingegen ist aktiv, offen. Über dem Grab von Lorenzo platzierte der Bildhauer allegorische Skulpturen von Morgen und Abend und über dem Grab von Giuliano - Allegorien von Tag und Nacht. Die Arbeit an den Medici-Gräbern wurde fortgesetzt, nachdem Michelangelo 1534 nach Rom zurückgekehrt war. Er besuchte seine geliebte Stadt nie wieder.

Jüngstes Gericht

Von 1536 bis 1541 arbeitete Michelangelo in Rom an der Bemalung der Altarwand der Sixtinischen Kapelle im Vatikan. Das größte Fresko der Renaissance stellt den Tag des Jüngsten Gerichts dar. Christus teilt mit einem feurigen Blitz in der Hand alle Bewohner der Erde unaufhaltsam in die geretteten Gerechten, die auf der linken Seite der Komposition dargestellt sind, und die hinabsteigenden Sünder Dantes Hölle (linke Seite des Freskos). Strikt seiner eigenen Tradition folgend, malte Michelangelo ursprünglich alle Figuren nackt, aber ein Jahrzehnt später „kleidete“ ein puritanischer Künstler sie an, als das kulturelle Klima konservativer wurde. Michelangelo hinterließ sein eigenes Selbstporträt auf dem Fresko – sein Gesicht ist leicht auf der abgerissenen Haut des heiligen Märtyrer-Apostels Bartholomäus zu erahnen.

Obwohl Michelangelo in dieser Zeit andere Malaufträge hatte, wie zum Beispiel die Kapelle des Apostels Paulus (1940), versuchte er zunächst, seine ganze Kraft der Architektur zu widmen.

Kuppel des Petersdoms. 1546 wurde Michelangelo zum Chefarchitekten des im Bau befindlichen Petersdoms im Vatikan ernannt. Das Gebäude wurde nach den Plänen von Donato Bramante gebaut, aber Michelangelo wurde letztendlich für den Bau der Altarapsis und für die Entwicklung der technischen und künstlerischen Lösung für die Kuppel der Kathedrale verantwortlich. Die Vollendung des Baus des Petersdoms war die höchste Errungenschaft des Florentiner Meisters auf dem Gebiet der Architektur. Während seines langen Lebens war Michelangelo ein enger Freund von Fürsten und Päpsten, von Lorenzo de Medici bis Leo X., Clemens VIII. und Pius III., sowie vielen Kardinälen, Malern und Dichtern. Das Wesen des Künstlers, seine Lebensstellung ist durch seine Werke schwer eindeutig zu erfassen – so vielfältig sind sie. Außer in der Poesie wandte sich Michelangelo in seinen eigenen Gedichten häufiger und intensiver Fragen der Kreativität und seines Platzes in der Kunst zu. Einen großen Platz in seinen Gedichten nehmen die Probleme und Schwierigkeiten ein, mit denen er sich bei seiner Arbeit auseinandersetzen musste, sowie die persönlichen Beziehungen zu den prominentesten Vertretern dieser Zeit berühmte Dichter Renaissance Lodovico Ariosto schrieb dafür ein Epitaph berühmter Künstler: "Michele ist mehr als ein Sterblicher, er ist ein göttlicher Engel."

Die Renaissance ist eine Zeit kultureller Blüte, Blütezeit aller Künste, aber am deutlichsten Ausdruck des Zeitgeistes war die bildende Kunst.

Renaissance oder Renaissance(Französisch „wieder“ + „geboren“) hatte globale Bedeutung in der europäischen Kulturgeschichte. Die Renaissance löste das Mittelalter ab und ging der Aufklärung voraus.
Die Hauptmerkmale der Renaissance- der säkulare Charakter von Kultur, Humanismus und Anthropozentrismus (Interesse an einer Person und ihren Aktivitäten). Während der Renaissance Interesse an antike Kultur und es gibt eine Art „Wiedergeburt“ davon.
Die Wiederbelebung entstand in Italien - ihre ersten Anzeichen zeigten sich bereits im 13.-14. Jahrhundert. (Tony Paramoni, Pisano, Giotto, Orcagna und andere). Aber es wurde ab den 20er Jahren des 15. Jahrhunderts und bis zum Ende des 15. Jahrhunderts fest etabliert. erreichte seinen höchsten Höhepunkt.
In anderen Ländern begann die Renaissance viel später. Im 16. Jahrhundert. die Krise der Ideen der Renaissance beginnt, die Folge dieser Krise ist das Aufkommen von Manierismus und Barock.

Renaissance-Perioden

Die Renaissance ist in 4 Perioden unterteilt:

1. Proto-Renaissance (2. Hälfte des XIII. Jahrhunderts - XIV. Jahrhundert)
2. Frührenaissance (Anfang XV-Ende XV Jahrhundert)
3. Hochrenaissance(spätes 15. - erste 20 Jahre des 16. Jahrhunderts)
4. Spätrenaissance (Mitte 16.-90er Jahre des 16. Jahrhunderts)

Der Fall spielte eine Rolle bei der Entstehung der Renaissance Byzantinisches Reich. Die Byzantiner, die nach Europa zogen, brachten ihre Bibliotheken und Kunstwerke mit, die ihnen unbekannt waren mittelalterliches Europa. Auch in Byzanz hat man nie mit der antiken Kultur gebrochen.
Aussehen Humanismus(der sozialphilosophischen Bewegung, die den Menschen als höchsten Wert betrachtete) wurde mit dem Fehlen feudaler Beziehungen in den italienischen Stadtrepubliken in Verbindung gebracht.
In den Städten, die nicht von der Kirche kontrolliert wurden, begannen weltliche Zentren der Wissenschaft und Kunst zu entstehen. deren Aktivitäten außerhalb der Kontrolle der Kirche lagen. In der Mitte des XV Jahrhunderts. Die Typografie wurde erfunden, die eine wichtige Rolle bei der Verbreitung neuer Ansichten in ganz Europa spielte.

Kurze Merkmale der Renaissance-Perioden

Proto-Renaissance

Die Proto-Renaissance ist der Vorläufer der Renaissance. Es ist noch immer eng mit dem Mittelalter verbunden, mit byzantinischen, romanischen und gotischen Traditionen. Es ist mit den Namen von Giotto, Arnolfo di Cambio, den Brüdern Pisano und Andrea Pisano verbunden.

Andrea Pisano. Flachrelief "Erschaffung Adams". Opera del Duomo (Florenz)

Die Malerei der Proto-Renaissance ist mit zwei vertreten Kunstschulen: Florenz (Cimabue, Giotto) und Siena (Duccio, Simone Martini). Zentralfigur Malerei war Giotto. Er galt als Reformator der Malerei: Er füllte religiöse Formen mit profanen Inhalten, ging allmählich von Flächendarstellungen zu Raum- und Reliefdarstellungen über, wandte sich dem Realismus zu, führte das plastische Volumen der Figuren in die Malerei ein, stellte das Innere in der Malerei dar.

Frührenaissance

Dies ist die Zeit von 1420 bis 1500. Maler Frührenaissance Italien schöpfte Motive aus dem Leben, füllte traditionelle religiöse Plots mit irdischem Inhalt. In der Bildhauerei waren dies L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, die Familie della Robbia, A. Rossellino, Desiderio da Settignano, B. da Maiano, A. Verrocchio. Freistehende Statuen, malerische Reliefs, Porträtbüsten und Reiterdenkmäler beginnen sich in ihrer Arbeit zu entwickeln.
BEIM Italienische Malerei 15. Jahrhundert (Masaccio, Filippo Lippi, A. del Castagno, P. Uccello, Fra Angelico, D. Ghirlandaio, A. Pollaiolo, Verrocchio, Piero della Francesca, A. Mantegna, P. Perugino usw.) zeichnen sich durch einen Sinn für das aus harmonische Ordnung der Welt, Bekehrung zu den ethischen und bürgerlichen Idealen des Humanismus, freudige Wahrnehmung der Schönheit und Vielfalt der realen Welt.
Filippo Brunelleschi (1377-1446), ein Architekt, Bildhauer und Wissenschaftler, einer der Schöpfer von wissenschaftliche Theorie Perspektiven.

Einen besonderen Platz in der Geschichte der italienischen Architektur nimmt ein Leon Battista Alberti (1404-1472). Dieser italienische Gelehrte, Architekt, Schriftsteller und Musiker der Frührenaissance wurde in Padua ausgebildet, studierte Jura in Bologna und lebte später in Florenz und Rom. Er verfasste theoretische Abhandlungen zur Statue (1435), zur Malerei (1435–1436) und zur Architektur (veröffentlicht 1485). Er verteidigte die „volkstümliche“ (italienische) Sprache als Literatursprache, in der ethischen Abhandlung „Über die Familie“ (1737-1441) entwickelte er das Ideal einer harmonisch entwickelten Persönlichkeit. In seiner architektonischen Arbeit tendierte Alberti zu mutigen experimentellen Lösungen. Er war einer der Pioniere der neuen europäischen Architektur.

Palazzo Rucellai

Leon Battista Alberti entwarf einen neuen Typ von Palazzo mit einer Fassade, die in voller Höhe mit Rustizierung behandelt und von drei Pilasterreihen zergliedert ist, die wie die strukturelle Basis des Gebäudes aussehen (Palazzo Rucellai in Florenz, erbaut von B. Rossellino nach Alberti Pläne).
Dem Palazzo gegenüber steht die Loggia Rucellai, wo Empfänge und Bankette für Handelspartner abgehalten, Hochzeiten gefeiert wurden.

Loggia Rucellai

Hochrenaissance

Dies ist die Zeit der großartigsten Entwicklung des Renaissancestils. In Italien dauerte sie von etwa 1500 bis 1527. Jetzt verlagert sich das Zentrum der italienischen Kunst dank der Thronbesteigung von Florenz nach Rom. Julia II, ein ehrgeiziger, mutiger, unternehmungslustiger Mensch, der an seinen Hof zog beste Künstler Italien.

Raphael Santi "Porträt von Papst Julius II"

In Rom werden viele monumentale Gebäude errichtet, prächtige Skulpturen geschaffen, Fresken und Gemälde gemalt, die immer noch als Meisterwerke der Malerei gelten. Die Antike wird immer noch hoch geschätzt und sorgfältig studiert. Aber die Nachahmung der Alten erstickt nicht die Unabhängigkeit der Künstler.
Der Höhepunkt der Renaissance ist das Werk von Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo Buonarroti (1475-1564) und Raphael Santi (1483-1520).

Spätrenaissance

In Italien ist dies der Zeitraum von den 1530er bis 1590er-1620er Jahren. Die Kunst und Kultur dieser Zeit ist sehr vielfältig. Einige glauben (zum Beispiel britische Gelehrte), dass "die Renaissance als integrale historische Periode mit dem Fall Roms im Jahr 1527 endete". Kunst Spätrenaissance stellt ein sehr komplexes Bild des Kampfes verschiedener Strömungen dar. Viele Künstler versuchten nicht, die Natur und ihre Gesetze zu studieren, sondern versuchten nur äußerlich, sich die „Art“ der großen Meister anzueignen: Leonardo, Raphael und Michelangelo. Bei dieser Gelegenheit sagte der greise Michelangelo einmal, als er sich anschaute, wie Künstler sein „Jüngstes Gericht“ kopieren: „Meine Kunst wird viele zum Narren halten.“
In Südeuropa triumphierte die Gegenreformation, die jegliches freie Denken, einschließlich des Singens, nicht willkommen hieß menschlicher Körper und die Auferstehung der Ideale der Antike.
Berühmte Künstler dieser Zeit waren Giorgione (1477/1478-1510), Paolo Veronese (1528-1588), Caravaggio (1571-1610) und andere. Caravaggio gilt als Begründer des Barockstils.