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Herkunft

Urgroßvater Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch väterlicherseits - Tierarzt Pjotr ​​​​Michailowitsch Schostakowitsch(1808-1871) - in Dokumenten betrachtete er sich als Bauer; Als Freiwilliger absolvierte er die Wilnaer Medizinisch-Chirurgische Akademie. In den Jahren 1830-1831 nahm er am polnischen Aufstand teil und wurde nach dessen Niederschlagung zusammen mit seiner Frau Maria Jozefa Jasinska in den Ural, in die Provinz Perm, verbannt. In den 40er Jahren lebte das Paar in Jekaterinburg, wo am 27. Januar 1845 ihr Sohn Boleslav-Arthur geboren wurde.

In Jekaterinburg Peter Schostakowitsch stieg in den Rang eines College-Assessors auf; 1858 zog die Familie nach Kasan. Hier kam Boleslaw Petrowitsch schon in seiner Gymnasialzeit den Anführern von „Land und Freiheit“ nahe. Nach seinem Abschluss am Gymnasium ging er Ende 1862 nach Moskau und folgte den Kasaner „Landern“ Yu. M. Mosolov und N. M. Shatilov; arbeitete im Management von Nischni Nowgorod Eisenbahn, beteiligte sich aktiv an der Organisation der Flucht des Revolutionärs Jaroslaw Dombrowski aus dem Gefängnis. Im Jahr 1865 Boleslaw Schostakowitsch kehrte nach Kasan zurück, wurde aber bereits 1866 verhaftet, nach Moskau transportiert und im Fall N.A. Ishutin - D.V. Karakozov vor Gericht gestellt. Nach vier Monaten Aufenthalt in Peter-und-Paul-Festung er wurde zum Exil nach Sibirien verurteilt; lebte 1872-1877 in Tomsk - in Narym, wo am 11. Oktober 1875 sein Sohn namens Dmitry geboren wurde, dann war er in Irkutsk Leiter der örtlichen Filiale der Sibirischen Handelsbank. Im Jahr 1892, damals bereits Ehrenbürger von Irkutsk, Boleslav Schostakowitsch erhielt das Recht, überall zu leben, entschied sich jedoch dafür, in Sibirien zu bleiben.

Dmitri Boleslawowitsch Schostakowitsch(1875-1922) ging Mitte der 90er Jahre nach St. Petersburg und trat in die naturwissenschaftliche Abteilung der Fakultät für Physik und Mathematik der Universität St. Petersburg ein, woraufhin er 1900 von der Kammer für Maß und Gewicht eingestellt wurde , kürzlich von D. I. Mendeleev erstellt. 1902 wurde er zum Oberprüfer der Kammer und 1906 zum Leiter des Städtischen Prüfzeltes ernannt. Teilnahme an revolutionäre Bewegung In der Familie Schostakowitsch war es bereits zu Beginn des 20. Jahrhunderts zur Tradition geworden, und Dmitri war keine Ausnahme: Nach Familienaussagen nahm er am 9. Januar 1905 an der Prozession zum Winterpalast teil und später In seiner Wohnung wurden Proklamationen gedruckt.

Dmitrys Großvater Dmitrijewitsch Schostakowitsch mütterlicherseits wurde Wassili Kokoulin (1850-1911) wie Dmitri Boleslawowitsch in Sibirien geboren; Nach seinem Abschluss an der Stadtschule in Kirensk zog er Ende der 60er Jahre nach Bodaibo, wo in diesen Jahren viele vom „Goldrausch“ angezogen wurden, und wurde 1889 Leiter eines Minenbüros. Die offizielle Presse bemerkte, dass er „Zeit gefunden habe, sich mit den Bedürfnissen der Angestellten und Arbeiter auseinanderzusetzen und ihre Bedürfnisse zu befriedigen“: Er führte Versicherungen und medizinische Versorgung für die Arbeiter ein, etablierte den Handel mit billigeren Waren für sie und baute warme Kasernen. Seine Frau, Alexandra Petrovna Kokoulina, eröffnete eine Schule für Arbeiterkinder; Es gibt keine Informationen über ihre Ausbildung, aber es ist bekannt, dass sie in Bodaibo ein in Sibirien weithin bekanntes Amateurorchester organisierte.

Die Liebe zur Musik wurde von meiner Mutter geerbt jüngste Tochter Kokoulinykh, Sofya Vasilievna (1878-1955): Sie studierte Klavier unter der Anleitung ihrer Mutter und am Irkutsker Institut für Edle Jungfrauen, und nach ihrem Abschluss ging sie, ihrem älteren Bruder Yakov folgend, in die Hauptstadt und wurde an der St. Petersburger Konservatorium, wo sie zunächst bei S. A. Malozemova und dann bei A. A. Rozanova studierte. Yakov Kokoulin studierte an der naturwissenschaftlichen Fakultät der Fakultät für Physik und Mathematik der Universität St. Petersburg, wo er seinen Landsmann kennenlernte Dmitri Schostakowitsch; Ihre Liebe zur Musik brachte sie zusammen. Jakow stellte Dmitri Boleslawowitsch seiner Schwester Sophia als hervorragenden Sänger vor, und ihre Hochzeit fand im Februar 1903 statt. Im Oktober desselben Jahres bekam das junge Paar eine Tochter, Maria, und im September 1906 einen Sohn namens Dmitri und drei Jahre später - die jüngste Tochter, Zoya.

Kindheit und Jugend

Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch wurde im Haus Nr. 2 in der Podolskaja-Straße geboren, wo D. I. Mendelejew 1906 den ersten Stock für das städtische Eichzelt mietete [K 1].

Im Jahr 1915 Schostakowitsch trat in das Maria-Schidlowskaja-Handelsgymnasium ein, und seine ersten ernsthaften musikalischen Eindrücke stammen aus dieser Zeit: nach dem Besuch einer Aufführung von N. A. Rimsky-Korsakovs Oper „Das Märchen vom Zaren Saltan“, dem jungen Schostakowitsch erklärte seinen Wunsch, Musik ernst zu nehmen. Den ersten Klavierunterricht erhielt er von seiner Mutter, und zwar nach mehreren Monaten Unterricht Schostakowitsch konnte mit dem Privatstudium beginnen Musikschule der damals berühmte Klavierlehrer I. A. Glyasser.

Studieren bei Glasser, Schostakowitsch erzielte einige Erfolge im Klavierspiel, teilte jedoch nicht das Interesse seines Schülers an der Komposition, und zwar im Jahr 1918 Schostakowitsch verließ seine Schule. Nächsten Sommer junger Musiker hörte A.K. Glasunow zu, der anerkennend über sein Talent als Komponist sprach. Im Herbst desselben Jahres trat Schostakowitsch in das Petrograder Konservatorium ein, wo er Harmonielehre und Orchestrierung unter der Leitung von M. O. Steinberg, Kontrapunkt und Fuge bei N. A. Sokolov sowie Dirigieren studierte. Ende 1919 Schostakowitsch habe mein erstes Hauptfach geschrieben Orchesterkomposition- Scherzo fis-moll.

An nächstes Jahr Schostakowitsch trat in die Klavierklasse von L. V. Nikolaev ein, wo zu seinen Klassenkameraden Maria Yudina und Vladimir Sofronitsky gehörten. In dieser Zeit entstand der „Anna Vogt Circle“, der sich auf die neuesten Trends der westlichen Musik dieser Zeit konzentrierte. Ein aktiver Teilnehmer in diesem Kreis wird auch Schostakowitsch, trifft er die Komponisten B. V. Asafiev und V. V. Shcherbachev, den Dirigenten N. A. Malko. Schostakowitsch schreibt „Zwei Fabeln von Krylov“ für Mezzosopran und Klavier und „Drei fantastische Tänze“ für Klavier.

Am Konservatorium studierte er trotz der Schwierigkeiten dieser Zeit fleißig und mit besonderem Eifer: Erstens Weltkrieg, Revolution, Bürgerkrieg, Verwüstung, Hungersnot. Im Winter gab es im Wintergarten keine Heizung, der Transport war schlecht und viele gaben die Musik auf und schwänzten den Unterricht. Schostakowitsch „nagte am Granit der Wissenschaft“. Fast jeden Abend war er bei Konzerten der Petrograder Philharmonie zu sehen, die 1921 wiedereröffnet wurde.

Ein hartes Leben mit einer halb verhungerten Existenz (konservative Rationen waren sehr gering) führte zu schwerer Erschöpfung. 1922 starb Schostakowitschs Vater und die Familie war ohne Existenzgrundlage. Und nach ein paar Monaten Schostakowitsch unterzog sich einer schweren Operation, die ihn fast das Leben gekostet hätte. Trotz seines angeschlagenen Gesundheitszustandes sucht er Arbeit und bekommt einen Job als Pianist-Pianist in einem Kino. Große Hilfe und Unterstützung leistete in diesen Jahren Glasunow, dem es gelang, Geld zu beschaffen Schostakowitsch zusätzliche Rationen und persönliches Stipendium.

1920er Jahre

Im Jahr 1923 Schostakowitsch Er schloss sein Studium am Konservatorium in Klavier (bei L. V. Nikolaev) und 1925 in Komposition (bei M. O. Steinberg) ab. Sein Abschlusswerk war die Erste Symphonie. Während seines Studiums am Konservatorium unterrichtete er das Lesen von Partituren an der nach M. P. Mussorgsky benannten Musikhochschule. Einer Tradition zufolge, die auf Rubinstein, Rachmaninow und Prokofjew zurückgeht, Schostakowitsch plante, seine Karriere sowohl als Konzertpianist als auch als Komponist fortzusetzen. 1927 erhielt er beim Ersten Internationalen Chopin-Klavierwettbewerb in Warschau, bei dem Schostakowitsch auch eine Sonate seiner eigenen Komposition aufführte, ein Ehrendiplom. Glücklicherweise bemerkte der berühmte deutsche Dirigent Bruno Walter das ungewöhnliche Talent des Musikers schon früher, während seiner Tournee in der UdSSR; Nachdem er die Erste Symphonie gehört hatte, bat Walter Schostakowitsch sofort, ihm die Partitur nach Berlin zu schicken; Die Auslandspremiere der Sinfonie fand am 22. November 1927 in Berlin statt. Nach Bruno Walter wurde die Symphonie in Deutschland von Otto Klemperer, in den USA von Leopold Stokowski (amerikanische Erstaufführung am 2. November 1928 in Philadelphia) und Arturo Toscanini aufgeführt und machte den russischen Komponisten dadurch berühmt.

Im Jahr 1927 ereigneten sich zwei weitere bedeutende Ereignisse im Leben Schostakowitschs. Ich habe Leningrad im Januar besucht Österreichischer Komponist Neue Wiener Schule Alban Berg. Bergs Ankunft war auf die russische Erstaufführung seiner Oper Wozzeck zurückzuführen, die zu einem großen Ereignis im kulturellen Leben des Landes wurde und auch inspirierte Schostakowitsch Beginnen Sie mit dem Schreiben der Oper „Die Nase“, basierend auf der Geschichte von N.V. Gogol. Zu anderen wichtige Veranstaltung war die Bekanntschaft Schostakowitschs mit I. I. Sollertinsky, der sich im Laufe seiner langjährigen Freundschaft mit dem Komponisten bereichert hat Schostakowitsch Bekanntschaft mit dem Werk großer Komponisten der Vergangenheit und Gegenwart.

Zur gleichen Zeit, in den späten 1920er und frühen 1930er Jahren, entstanden Schostakowitschs nächste beiden Sinfonien – beide unter Beteiligung eines Chors: die Zweite („Symphonische Widmung an den Oktober“, nach den Worten von A. I. Bezymensky) und die Dritte („ Maifeiertag“, nach den Worten von S. I. Kirsanov).

Im Jahr 1928 Schostakowitsch trifft V. E. Meyerhold in Leningrad und arbeitet auf seine Einladung einige Zeit als Pianist und Leiter der Musikabteilung des V. E. Meyerhold Theaters in Moskau. Von 1930 bis 1933 arbeitete er als Leiter der Musikabteilung des Leningrader TRAM (heute Baltisches Haustheater).

1930er Jahre

Seine Oper „Lady Macbeth von Mzensk“ nach der Erzählung von N. S. Leskov (geschrieben 1930-1932, inszeniert 1934 in Leningrad), die zunächst mit Begeisterung aufgenommen wurde und bereits seit anderthalb Spielzeiten auf der Bühne stand, wurde in der Folge zerstört Sowjetische Presse (Artikel „Verwirrung statt Musik“ in der Zeitung „Prawda“ vom 28. Januar 1936).

Im selben Jahr 1936 sollte die Uraufführung der 4. Symphonie stattfinden – ein Werk von weitaus monumentalerem Umfang als alle bisherigen Sinfonien Schostakowitsch Es verbindet tragisches Pathos mit grotesken, lyrischen und intimen Episoden und hätte vielleicht eine neue, reife Periode im Werk des Komponisten einläuten sollen. Schostakowitsch unterbrach die Proben für die Symphonie vor der Premiere im Dezember. Die 4. Symphonie wurde erst 1961 uraufgeführt.

Im Mai 1937 Schostakowitsch veröffentlichte die 5. Symphonie – ein Werk, dessen durchaus dramatischer Charakter im Gegensatz zu den drei vorangegangenen „Avantgarde“-Sinfonien äußerlich in der allgemein anerkannten symphonischen Form (4 Sätze: mit einer Sonatenform des ersten Satzes, a Scherzo, ein Adagio und ein Finale mit scheinbar triumphalem Schluss) und andere „klassische“ Elemente. Stalin kommentierte die Veröffentlichung der 5. Symphonie auf den Seiten der Prawda mit den Worten: „Die geschäftsmäßige kreative Antwort des sowjetischen Künstlers auf faire Kritik.“ Nach der Uraufführung des Werkes wurde in der Prawda ein lobender Artikel veröffentlicht.

Seit 1937 Schostakowitsch unterrichtete eine Kompositionsklasse am Leningrader Staatlichen Konservatorium, benannt nach N. A. Rimsky-Korsakov. 1939 wurde er Professor.

1940er Jahre

Während in den ersten Monaten des Großen Vaterländischer Krieg in Leningrad (bis zur Evakuierung nach Kuibyschew im Oktober), Schostakowitsch beginnt mit der Arbeit an der 7. Symphonie – „Leningrad“. Die Symphonie wurde am 5. März 1942 auf der Bühne des Kuibyshev-Opern- und Balletttheaters und am 29. März 1942 im Säulensaal des Moskauer Gewerkschaftshauses uraufgeführt. Am 9. August 1942 wurde das Werk aufgeführt belagerte Leningrad. Organisator und Dirigent war der Dirigent des Bolschoi-Symphonieorchesters des Leningrader Rundfunkkomitees, Karl Eliasberg. Die Aufführung der Symphonie wurde zu einem wichtigen Ereignis im Leben der kämpfenden Stadt und ihrer Bewohner.

In einem Jahr Schostakowitsch schreibt die 8. Sinfonie (jewgeni Alexandrowitsch Mrawinski gewidmet), in der er, als folge er Mahlers Gebot, dass „sich die ganze Welt in der Sinfonie widerspiegeln sollte“, ein monumentales Fresko dessen malt, was um ihn herum geschieht.

1943 zog der Komponist nach Moskau und lehrte bis 1948 Komposition und Instrumentation am Moskauer Konservatorium (seit 1943 Professor). V. D. Bibergan, R. S. Bunin, A. D. Gadzhiev, G. G. Galynin, O. A. Evlakhov, K. A. Karaev, G. V. Sviridov studierten bei ihm (am Leningrader Konservatorium), B. I. Tishchenko, A. Mnatsakanyan (in der Graduiertenschule am Leningrader Konservatorium), K. S. Khachaturyan, B. A. Tschaikowsky, A. G. Chugaev.

Um Ihre innersten Ideen, Gedanken und Gefühle auszudrücken Schostakowitsch nutzt Genres der Kammermusik. Auf diesem Gebiet schuf er Meisterwerke wie Klavierquintett (1940), Klaviertrio (1944), Streichquartett Nr. 2 (1944), Nr. 3 (1946) und Nr. 4 (1949).

1945, nach Kriegsende, Schostakowitsch schreibt die 9. Symphonie.

1948 wurde ihm „Formalismus“, „bürgerliche Dekadenz“ und „Vorschleichen vor dem Westen“ vorgeworfen. Schostakowitsch wurde berufliche Inkompetenz vorgeworfen, ihm wurde der Titel eines Professors an den Moskauer und Leningrader Konservatorien entzogen und er wurde von diesen ausgeschlossen. Der Hauptankläger war der Sekretär des Zentralkomitees der Allunionskommunistischen Partei der Bolschewiki, A. A. Schdanow. 1948 kreiert er Stimmzyklus„Aus jüdischer Volksdichtung“, lässt es aber auf dem Tisch (damals wurde im Land eine Kampagne zur „Bekämpfung des Kosmopolitismus“ gestartet). Auch das 1948 entstandene Erste Violinkonzert wurde damals noch nicht veröffentlicht und erst 1955 uraufgeführt. Nur 13 Jahre später kehrte Schostakowitsch zu seiner Lehrtätigkeit am Leningrader Konservatorium zurück, wo er mehrere Doktoranden betreute, darunter V. Bibergan, G. Belov, V. Nagovitsyn, B. Tishchenko, V. Uspensky (1961–1968).

Im Jahr 1949 schrieb Schostakowitsch die Kantate „Lied von den Wäldern“ – ein Beispiel für den erbärmlichen „großen Stil“ der offiziellen Kunst jener Zeit (basierend auf den Gedichten von E. A. Dolmatovsky), die die Geschichte der triumphalen Nachkriegsrestauration erzählt die Sowjetunion). Die Uraufführung der Kantate ist ein beispielloser Erfolg und bringt Schostakowitsch Stalin-Preis.

1950er Jahre

Die fünfziger Jahre begannen für Schostakowitsch sehr wichtige Arbeit. Als er im Herbst 1950 als Jurymitglied am Bach-Wettbewerb in Leipzig teilnahm, war der Komponist von der Atmosphäre der Stadt und der Musik ihres großen Bewohners – J. S. Bach – so inspiriert, dass er nach seiner Ankunft in Moskau mit dem Komponieren begann 24 Präludien und Fugen für Klavier.

1954 schrieb er die „Festliche Ouvertüre“ zur Eröffnung der Allrussischen Landwirtschaftsausstellung und erhielt den Titel „Volkskünstler der UdSSR“.

Viele Werke der zweiten Hälfte des Jahrzehnts sind voller Optimismus und Uncharakteristisch Schostakowitsch zuvor freudige Verspieltheit. Dabei handelt es sich um das 6. Streichquartett (1956), das Zweite Konzert für Klavier und Orchester (1957) und die Operette „Moskau, Tscherjomuschki“. Im selben Jahr schuf der Komponist die 11. Symphonie, nannte sie „1905“ und arbeitete weiterhin im Instrumentalkonzertgenre: Erstes Konzert für Cello und Orchester (1959).

In diesen Jahren beginnt die Annäherung Schostakowitsch mit offiziellen Behörden. 1957 wurde er Sekretär des Untersuchungsausschusses der UdSSR, 1960 des Untersuchungsausschusses der RSFSR (1960-1968 erster Sekretär). Im selben Jahr 1960 trat Schostakowitsch der KPdSU bei.

1960er Jahre

Im Jahr 1961 Schostakowitsch führt den zweiten Teil seiner „revolutionären“ symphonischen Duologie durch: Parallel zur Elften Symphonie „1905“ schreibt er die Symphonie Nr. Leinwand, der Komponist malt musikalische Bilder von Petrograd, W. I. Lenins Zufluchtsort am Razliv-See und den Oktoberereignissen selbst. Ein Jahr später stellte er sich eine ganz andere Aufgabe, als er sich der Poesie von E. A. Yevtushenko zuwandte: Er schrieb zunächst das Gedicht „Babi Yar“ (für Basssolist, Basschor und Orchester) und fügte ihm dann vier weitere Teile hinzu das Leben des modernen Russlands und seine jüngste Geschichte und schuf so eine „Kantaten“-Symphonie, die Dreizehnte, die im November 1962 aufgeführt wurde.

Nach der Entmachtung N. S. Chruschtschows und mit Beginn der Ära der politischen Stagnation in der UdSSR nahm der Ton von Schostakowitschs Werken erneut einen düsteren Charakter an. Seine Quartette Nr. 11 (1966) und Nr. 12 (1968), seine Konzerte für das zweite Cello (1966) und die zweite Violine (1967) sowie seine Violinsonate (1968), ein Gesangszyklus nach den Worten von A. A. Blok, sind von Angst durchdrungen. Schmerz und unausweichliche Melancholie. In der Vierzehnten Symphonie (1969) – erneut „Gesang“, diesmal jedoch kammermusikalisch, für zwei Solosänger und ein Orchester, das nur aus Streichern und Schlagzeug besteht – verwendet Schostakowitsch Gedichte von G. Apollinaire, R. M. Rilke, V. K. Kuchelbecker und F. Garcia Lorca , die durch ein Thema verbunden sind – den Tod (sie sprechen über ungerechten, frühen oder gewaltsamen Tod).

1970er Jahre

In diesen Jahren schuf der Komponist Gesangszyklen nach Gedichten von M. I. Tsvetaeva und Michelangelo, das 13. (1969-1970), 14. (1973) und 15. (1974) Streichquartett sowie die Symphonie Nr. 15, eine Komposition, die sich durch stimmungsvolle Nachdenklichkeit auszeichnet. Nostalgie, Erinnerungen. Schostakowitsch verwendet in der Musik der Sinfonie Zitate aus G. Rossinis Ouvertüre zur Oper „Wilhelm Tell“ und das Schicksalsthema aus R. Wagners Operntetralogie „Der Ring des Nibelungen“ sowie musikalische Anspielungen auf die Musik von M. I. Glinka, G. Mahler und seine eigenen. Die Sinfonie entstand im Sommer 1971 und wurde am 8. Januar 1972 uraufgeführt. Der letzte Aufsatz Schostakowitsch wurde zur Sonate für Bratsche und Klavier.

In den letzten Jahren seines Lebens war der Komponist schwer krank und litt an Lungenkrebs. Dmitri Schostakowitsch starb am 9. August 1975 in Moskau und wurde entgegen seinem Willen auf dem Nowodewitschi-Friedhof der Hauptstadt (Grundstück Nr. 2) beigesetzt.

Gattin - Schostakowitsch Nina Wassiljewna (geb. Varzar) (1909-1954)

Sohn - Maxim Dmitrievich Schostakowitsch(geb. 1938) - Dirigent, Pianist. Schüler von A. V. Gauk und G. N. Rozhdestvensky.

Die Bedeutung von Kreativität

Schostakowitsch- einer der meistgespielten Komponisten der Welt. Ein hohes Maß an Kompositionstechnik, die Fähigkeit, helle und ausdrucksstarke Melodien und Themen zu schaffen, die meisterhafte Beherrschung der Polyphonie und die feinste Beherrschung der Orchestrierungskunst, gepaart mit persönlicher Emotionalität und kolossaler Effizienz, machten seine musikalischen Werke hell, originell und enorm besitzend künstlerischer Wert. Beitrag Schostakowitsch In der Entwicklung der Musik des 20. Jahrhunderts gilt er allgemein als herausragend, er hatte großen Einfluss auf viele Zeitgenossen und Anhänger. Offen über den Einfluss der musikalischen Sprache und Persönlichkeit auf sie Schostakowitsch angegeben von Komponisten wie Penderecki, Tischtschenko, Slonimski, Schnittke, Kantscheli, Bernstein, Salonen und vielen anderen Musikern [Quelle nicht angegeben 790 Tage].

Genre- und ästhetische Vielfalt der Musik Schostakowitsch riesig, es vereint Elemente tonaler, atonaler und modaler Musik; Modernismus, Traditionalismus, Expressionismus und der „große Stil“ sind im Werk des Komponisten miteinander verflochten.

Musik

In den frühen Jahren Schostakowitsch wurde von der Musik von G. Mahler, A. Berg, I. F. Strawinsky, S. S. Prokofjew, P. Hindemith, M. P. Mussorgsky beeinflusst. Indem er sich ständig mit klassischen und avantgardistischen Traditionen beschäftigte, entwickelte Schostakowitsch seine eigene musikalische Sprache, die emotional aufgeladen ist und die Herzen von Musikern und Musikliebhabern auf der ganzen Welt berührt.

Die bemerkenswertesten Genres in Schostakowitschs Werk sind Symphonien und Streichquartette – er schrieb jeweils 15 Werke. Während während der gesamten Karriere des Komponisten Symphonien entstanden, schrieb Schostakowitsch die meisten Quartette gegen Ende seines Lebens. Zu den beliebtesten Symphonien zählen die Fünfte und Zehnte, bei den Quartetten die Achte und Fünfzehnte.

In der Kreativität D. D. Schostakowitsch Der Einfluss der Komponisten, die er liebte und verehrte, ist spürbar: J. S. Bach (in seinen Fugen und Passacaglia), L. Beethoven (in seinen späten Quartetten), P. I. Tschaikowsky, G. Mahler und teilweise S. V. Rachmaninow (in seinen Sinfonien), A. Berg (teilweise - zusammen mit M. P. Mussorgsky in seinen Opern sowie bei der Verwendung der Technik des musikalischen Zitats). Von den russischen Komponisten hegte Schostakowitsch die größte Liebe für M. P. Mussorgski, für seine Opern „Boris Godunow“ und „Khowanschtschina“. Schostakowitsch machte neue Orchestrierungen. Der Einfluss Mussorgskis ist besonders in bestimmten Szenen der Oper „Lady Macbeth von Mzensk“, in der Elften Symphonie sowie in satirischen Werken spürbar.

Hauptarbeiten

• 15 Sinfonien
• Opern: „Die Nase“, „Lady Macbeth von Mzensk“ („Katerina Izmailova“), „The Players“ (vollendet von K. Meyer)
• Ballette: „The Golden Age“ (1930), „Bolt“ (1931) und „Bright Stream“ (1935)
• 15 Streichquartette
• Zyklus „Vierundzwanzig Präludien und Fugen“, Op. 87 (1950-1951)
• Festliche Ouvertüre zur Eröffnung der Allrussischen Landwirtschaftsausstellung mit nächtlichem Licht- und Musikprogramm der Brunnen (1954)
• Quintett
• Oratorium „Lied der Wälder“
• Kantaten „Die Sonne scheint über unserem Vaterland“ und „Die Hinrichtung von Stepan Rasin“
• Anti-formalistisches Paradies
• Konzerte und Sonaten für verschiedene Instrumente
• Romanzen und Lieder für Gesang mit Klavier und Symphonieorchester
• Operette „Moskau, Tscherjomuschki“
• Musik für Filme: „Ordinary People“ (1945), „The Young Guard“ (1948), „The Capture of Berlin“ (1949), „The Gadfly“ (1955), „Hamlet“ (1964), „Cheryomushki“, „König Lear“ (1971).

Auszeichnungen und Preise

• Held Sozialistische Arbeit (1966)
• Verdienter Künstler der RSFSR (1942)
• Volkskünstler der RSFSR (1947)
• Volkskünstler der UdSSR (1954)
• Stalin-Preis, erster Grad (1941) – für Klavierquintett
• Stalin-Preis ersten Grades (1942) – für die 7. („Leningrader“) Symphonie
• Stalin-Preis zweiten Grades (1946) – für das Trio
• Stalin-Preis 1. Grades (1950) – für das Oratorium „Lied der Wälder“ und Musik zum Film „Der Untergang Berlins“ (1949)
• Stalin-Preis zweiten Grades (1952) – für zehn Gedichte für unbegleiteten Chor nach Gedichten revolutionärer Dichter (1951)
• Lenin-Preis (1958) – für die 11. Symphonie „1905“
• Staatspreis der UdSSR (1968) – für das Gedicht „Die Hinrichtung von Stepan Rasin“ für Bass, Chor und Orchester
• Staatspreis der RSFSR benannt nach M. I. Glinka (1974) – für das 14. Streichquartett und den Chorzyklus „Fidelity“
• Staatspreis der Ukrainischen SSR, benannt nach T. G. Shevchenko (1976 – posthum) – für die Oper „Katerina Izmailova“, aufgeführt auf der Bühne des nach T. G. Shevchenko benannten KUGATOB
• Internationaler Friedenspreis (1954)
• Preis benannt nach J. Sibelius (1958)
• Leonie-Sonning-Preis (1973)
• Drei Lenin-Orden (1946, 1956, 1966)
• Befehl Oktoberrevolution (1971)
• Orden des Roten Banners der Arbeit (1940)
• Orden der Völkerfreundschaft (1972)
• Kommandeur des Ordens der Künste und Literatur (Frankreich, 1958)
• Silbernes Komturkreuz des Ehrenordens für Verdienste um die Republik Österreich (1967)
• Medaillen
• Ehrendiplom für 1. Internationale Chopin-Klavierwettbewerb in Warschau (1927).
• Preis des 1. All-Union Film Festival für beste Musik für den Film „Hamlet“ (Leningrad, 1964).
• Mitgliedschaft in Organisationen[Bearbeiten | Wiki-Text bearbeiten]
• Mitglied der KPdSU seit 1960
• Doktor der Kunstgeschichte (1965)
• Mitglied des Sowjetischen Friedenskomitees (seit 1949), des Slawischen Komitees der UdSSR (seit 1942), des Weltfriedenskomitees (seit 1968)
• Ehrenmitglied des American Institute of Arts and Letters (1943), der Königlich Schwedischen Musikakademie (1954), der Italienischen Akademie der Künste „Santa Cecilia“ (1956) und der Serbischen Akademie der Wissenschaften und Künste (1965).
• Ehrendoktor der Musik der Universität Oxford (1958)
• Ehrendoktorwürde der Northwestern University in Evanston (USA, 1973)
• Mitglied der Französischen Akademie der Schönen Künste (1975)
• Korrespondierendes Mitglied der Akademie der Künste der DDR (1956), der Bayerischen Akademie der Schönen Künste (1968), Mitglied der Royal Academy of Music of England (1958).
• Emeritierter Professor des mexikanischen Konservatoriums.
• Präsident der Gesellschaft UdSSR-Österreich (1958)
• Stellvertreter des Obersten Sowjets der UdSSR der 6.-9. Einberufung.
• Stellvertreter des Obersten Rates der RSFSR der 2.-5. Einberufung.

Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch (12. (25) September 1906, St. Petersburg – 9. August 1975, Moskau) – russisch-sowjetischer Komponist, Pianist, Lehrer und Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, einer der bedeutendsten Komponisten des 20. Jahrhunderts, der einen kreativen Einfluss auf Komponisten hatte und noch immer hat. In seinen frühen Jahren wurde Schostakowitsch von der Musik Strawinskys, Bergs, Prokofjews, Hindemiths und später (in der Mitte...) beeinflusst. Lese alles

Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch (12. (25.) September 1906, St. Petersburg – 9. August 1975, Moskau) – russisch-sowjetischer Komponist, Pianist, Lehrer und Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, einer der bedeutendsten Komponisten des 20. Jahrhunderts, der es gab und bis heute tut einen kreativen Einfluss auf Komponisten auszuüben. In seinen frühen Jahren wurde Schostakowitsch von der Musik Strawinskys, Bergs, Prokofjews, Hindemiths und später (Mitte der 1930er Jahre) von Mahler beeinflusst. Indem er sich ständig mit klassischen und avantgardistischen Traditionen beschäftigte, entwickelte Schostakowitsch seine eigene musikalische Sprache, die emotional aufgeladen ist und die Herzen von Musikern und Musikliebhabern auf der ganzen Welt berührt.

Im Frühjahr 1926 spielte das Leningrader Philharmonische Orchester unter der Leitung von Nikolai Malko zum ersten Mal Dmitri Schostakowitschs Erste Symphonie. In einem Brief an die Kiewer Pianistin L. Izarova schrieb N. Malko: „Ich bin gerade von einem Konzert zurückgekehrt. Dirigierte erstmals die Sinfonie des jungen Leningraders Mitja Schostakowitsch. Ich habe das Gefühl, eine neue Seite in der Geschichte der russischen Musik aufgeschlagen zu haben.“

Die Aufnahme der Symphonie durch das Publikum, das Orchester und die Presse kann nicht einfach als Erfolg bezeichnet werden, sie war ein Triumph. Das Gleiche galt für ihren Umzug durch die berühmtesten Symphoniebühnen der Welt. Otto Klemperer, Arturo Toscanini, Bruno Walter, Hermann Abendroth, Leopold Stokowski beugten sich über die Partitur der Symphonie. Ihnen, den Dirigenten und Denkern, erschien der Zusammenhang zwischen dem Können und dem Alter des Autors unplausibel. Ich war beeindruckt von der völligen Freiheit, mit der der neunzehnjährige Komponist über alle Ressourcen des Orchesters verfügte, um seine Ideen zu verwirklichen, und die Ideen selbst waren von frühlingshafter Frische.

Schostakowitschs Symphonie war tatsächlich die erste Symphonie aus der neuen Welt, über die das Oktobergewitter hinwegfegte. Auffallend war der Kontrast zwischen der Musik voller Fröhlichkeit, dem überschwänglichen Aufblühen junger Kräfte, den subtilen, schüchternen Texten und der düsteren expressionistischen Kunst vieler ausländischer Zeitgenossen Schostakowitschs.

Unter Umgehung der üblichen Jugendphase trat Schostakowitsch selbstbewusst in die Reife ein. Diese hervorragende Schule gab ihm dieses Selbstvertrauen. Der gebürtige Leningrader wurde in den Mauern des Leningrader Konservatoriums in den Klassen des Pianisten L. Nikolaev und des Komponisten M. Steinberg ausgebildet. Leonid Wladimirowitsch Nikolajew, der als Komponist einen der fruchtbarsten Zweige der sowjetischen Pianistenschule begründete, war wiederum ein Schüler Tanejews ehemaliger Schüler Tschaikowsky. Maximilian Oseevich Steinberg ist ein Schüler Rimski-Korsakows und Anhänger seiner pädagogischen Prinzipien und Methoden. Von ihren Lehrern haben Nikolaev und Steinberg den völligen Hass auf den Amateurismus geerbt. In ihren Klassen herrschte ein Geist tiefen Respekts vor der Arbeit, vor dem, was Ravel gerne mit dem Wort Metier bezeichnete – Handwerk. Deshalb war die Kultur der Meisterschaft bereits im ersten großen Werk des jungen Komponisten so hoch.

Seitdem sind viele Jahre vergangen. Der Ersten Symphonie wurden vierzehn weitere hinzugefügt. Es erschienen fünfzehn Quartette, zwei Trios, zwei Opern, drei Ballette, zwei Klavier-, zwei Violin- und zwei Cellokonzerte, Liebeszyklen, Sammlungen von Klavierpräludien und -fugen, Kantaten, Oratorien, Musik für zahlreiche Filme und dramatische Aufführungen.

Die Frühphase von Schostakowitschs Schaffen fällt mit dem Ende der zwanziger Jahre zusammen, einer Zeit hitziger Diskussionen über Kernfragen der sowjetischen Kunstkultur, in der sich die Grundlagen von Methode und Stil herauskristallisierten Sowjetische Kunst- Sozialistischer Realismus. Wie viele Vertreter der jungen und nicht nur der jüngeren Generation der sowjetischen künstlerischen Intelligenz würdigt Schostakowitsch seine Leidenschaft für die experimentellen Werke des Regisseurs V. E. Meyerhold, die Opern von Alban Berg (Wozzeck) und Ernst Kschenek (Jumping Over the Shadow). , Johnny) , Ballettaufführungen Fedora Lopukhov.

Auch die Kombination aus akuter Groteske und tiefer Tragik, die für viele Phänomene der aus dem Ausland stammenden expressionistischen Kunst typisch ist, erregte die Aufmerksamkeit des jungen Komponisten. Gleichzeitig lebt in ihm immer die Bewunderung für Bach, Beethoven, Tschaikowsky, Glinka und Berlioz. Früher machte er sich Sorgen wegen des Grandiosen symphonisches Epos Mahler: die Tiefe der darin enthaltenen ethischen Probleme: Künstler und Gesellschaft, Künstler und Moderne. Doch keiner der Komponisten vergangener Epochen schockiert ihn so sehr wie Mussorgski.

Am Anfang kreativer Weg Schostakowitsch, in einer Zeit der Suche, Hobbys und Streitigkeiten, entsteht seine Oper „Die Nase“ (1928) – eines der umstrittensten Werke seiner kreativen Jugend. In dieser auf Gogols Handlung basierenden Oper waren durch die spürbaren Einflüsse von Meyerholds „Der Generalinspekteur“ musikalische Exzentrizitäten und helle Züge erkennbar, die „Die Nase“ an Mussorgskys Oper „Die Hochzeit“ erinnern. „Die Nase“ spielte eine bedeutende Rolle in Schostakowitschs kreativer Entwicklung.

Der Beginn der 30er Jahre ist in der Biografie des Komponisten durch eine Flut von Werken unterschiedlicher Genres gekennzeichnet. Hier sind die Ballette „Das Goldene Zeitalter“ und „Der Bolzen“, Musik für Meyerholds Inszenierung von Majakowskis Stück „Die Bettwanze“, Musik für mehrere Aufführungen des Leningrader Theaters der arbeitenden Jugend (TRAM) und schließlich Schostakowitschs erster Einstieg in die Kinematographie. die Erstellung von Musik für die Filme „Alone“, „Golden Mountains“, „Counter“; Musik für die Varieté- und Zirkusvorstellung der Leningrader Musikhalle „Conditionally Killed“; kreative Kommunikation mit verwandten Künsten: Ballett, Schauspiel, Kino; Die Entstehung des ersten Liebeszyklus (basierend auf Gedichten japanischer Dichter) zeugt vom Bedürfnis des Komponisten, die figurative Struktur der Musik zu konkretisieren.

Den zentralen Platz unter Schostakowitschs Werken der ersten Hälfte der 1930er Jahre nimmt die Oper „Lady Macbeth von Mzensk“ („Katerina Izmailova“) ein. Grundlage ihrer Dramaturgie ist das Werk von N. Leskov, dessen Genre die Autorin mit dem Wort „Essay“ bezeichnete, als ob sie damit die Authentizität, Verlässlichkeit der Ereignisse und die Porträtmalerei betonen würde Figuren. Die Musik von „Lady Macbeth“ ist eine tragische Geschichte über eine schreckliche Ära der Tyrannei und Gesetzlosigkeit, in der alles Menschliche in einem Menschen, seine Würde, Gedanken, Bestrebungen, Gefühle, getötet wurde; Als primitive Instinkte gefordert waren und die Handlungen und das Leben selbst beherrschten, gingen sie gefesselt über die endlosen Straßen Russlands. Auf einem von ihnen sah Schostakowitsch seine Heldin – die Frau eines ehemaligen Kaufmanns, eine Sträfling, die den vollen Preis für ihr kriminelles Glück bezahlte. Ich sah es und erzählte aufgeregt ihr Schicksal in meiner Oper.

Der Hass auf die alte Welt, die Welt der Gewalt, der Lüge und der Unmenschlichkeit, manifestiert sich in vielen Werken Schostakowitschs unterschiedlicher Genres. Sie ist der stärkste Gegensatz positive Bilder Ideen, die Schostakowitschs künstlerisches und gesellschaftliches Credo prägen. Glaube an die unwiderstehliche Kraft des Menschen, Bewunderung für den Reichtum der geistigen Welt, Mitgefühl für sein Leiden, ein leidenschaftlicher Drang, sich am Kampf für seine strahlenden Ideale zu beteiligen – das sind die wichtigsten Merkmale dieses Credos. Besonders deutlich kommt es in seinen Schlüssel- und Meilensteinwerken zum Ausdruck. Unter ihnen ist eine der bedeutendsten, die 1936 erschienene Fünfte Symphonie, die eine neue Etappe einläutete kreative Biografie Komponist, neues Kapitel Geschichte der sowjetischen Kultur. In dieser Symphonie, die man als „optimistische Tragödie“ bezeichnen kann, nähert sich der Autor dem tiefen philosophischen Problem der Persönlichkeitsbildung seines Zeitgenossen.

Der Musik Schostakowitschs nach zu urteilen, war das Symphoniegenre für ihn schon immer eine Plattform, von der aus nur die wichtigsten und feurigsten Reden gehalten werden sollten, die auf die Erreichung höchster ethischer Ziele abzielten. Die Symphonieplattform wurde nicht zur Beredsamkeit errichtet. Dies ist das Sprungbrett des Militanten philosophischer Gedanke, der für die Ideale des Humanismus kämpft, das Böse und die Niedrigkeit anprangert, als würde er noch einmal die berühmte Goethean-Position bekräftigen:

Nur er ist des Glücks und der Freiheit würdig,
Wer kämpft jeden Tag für sie?
Es ist bezeichnend, dass keine einzige der fünfzehn Sinfonien Schostakowitschs aus der Neuzeit stammt. Das Erste wurde oben erwähnt, das Zweite ist eine symphonische Widmung an den Oktober, das Dritte ist der „Maifeiertag“. In ihnen greift der Komponist auf die Poesie von A. Bezymensky und S. Kirsanov zurück, um die Freude und Feierlichkeit der darin lodernden revolutionären Feierlichkeiten deutlicher zum Ausdruck zu bringen.

Doch schon ab der Vierten Symphonie aus dem Jahr 1936 dringt eine fremde, böse Macht in die Welt des freudigen Verständnisses von Leben, Güte und Freundlichkeit ein. Sie nimmt verschiedene Gestalten an. Irgendwo tritt sie grob auf den mit Frühlingsgrün bedeckten Boden, mit einem zynischen Grinsen befleckt sie Reinheit und Aufrichtigkeit, sie ist wütend, sie droht, sie lässt den Tod ahnen. Es steht in innerer Nähe zu den dunklen Themen, die das menschliche Glück bedrohen, auf den Seiten der Partituren von Tschaikowskys letzten drei Sinfonien.

Sowohl im fünften als auch im zweiten Satz von Schostakowitschs Sechster Symphonie ist sie dies gewaltige Kraft, macht sich bemerkbar. Aber erst in der Siebten, der Leningrader Symphonie, erreicht sie ihre volle Höhe. Plötzlich dringt eine grausame und schreckliche Macht in die Welt der philosophischen Gedanken, reinen Träume, sportlichen Kraft und levitanischen poetischen Landschaften ein. Sie kam, um diese reine Welt hinwegzufegen und Dunkelheit, Blut und Tod zu schaffen. Einschmeichelnd erklingt aus der Ferne das kaum hörbare Rascheln einer kleinen Trommel, aus deren klarem Rhythmus sich ein hartes, kantiges Thema erschließt. Es wiederholt sich elfmal mit dumpfer Mechanik und gewinnt an Stärke, es nimmt heisere, knurrende, irgendwie struppige Töne an. Und nun betritt das Mensch-Tier in seiner ganzen erschreckenden Nacktheit die Erde.

Im Gegensatz zum „Thema der Invasion“ taucht in der Musik das „Thema des Mutes“ auf und wird stärker. Der Monolog des Fagotts ist extrem von der Bitterkeit des Verlustes durchdrungen und erinnert an Nekrasovs Zeilen: „Das sind die Tränen armer Mütter, sie werden ihre Kinder, die auf dem blutigen Feld starben, nicht vergessen.“ Aber so traurig die Verluste auch sein mögen, das Leben behauptet sich jede Minute. Diese Idee durchdringt das Scherzo – Teil II. Und von hier aus führt es durch Nachdenken (Teil III) zu einem triumphal klingenden Ende.

Der Komponist schrieb seine legendäre Leningrader Symphonie in einem Haus, das ständig von Explosionen erschüttert wurde. In einer seiner Reden sagte Schostakowitsch: „Ich blickte mit Schmerz und Stolz auf meine geliebte Stadt. Und er stand da, vom Feuer verbrannt, kampferprobt, das tiefe Leid eines Kämpfers erlebt und war in seiner strengen Erhabenheit noch schöner. Wie könnte ich diese von Petrus erbaute Stadt nicht lieben und nicht der ganzen Welt von ihrem Ruhm und dem Mut ihrer Verteidiger erzählen ... Meine Waffe war Musik.“

Der bürgerliche Komponist hasst das Böse und die Gewalt leidenschaftlich und prangert den Feind an, den Krieg, der Nationen in den Abgrund der Katastrophe sät. Deshalb beschäftigt das Thema Krieg den Komponisten seit langem. Es erklingt in der achten, grandiosen Skala, in der Tiefe tragischer Konflikte, komponiert 1943, in der zehnten und dreizehnten Symphonie, im Klaviertrio, geschrieben zum Gedenken an I. I. Sollertinsky. Dieses Thema dringt auch in das Achte Quartett ein, in die Musik zu den Filmen „Der Fall Berlins“, „Treffen an der Elbe“ und „Junge Garde“. In einem Artikel zum ersten Jahrestag des Siegestages schrieb Schostakowitsch: „ Der Sieg verpflichtet nicht weniger als der Krieg, der im Namen des Sieges geführt wurde. Die Niederlage des Faschismus ist nur eine Etappe in der unaufhaltsamen Offensivbewegung der Menschheit, in der Verwirklichung der fortschrittlichen Mission des sowjetischen Volkes.“

Die Neunte Symphonie, Schostakowitschs erstes Nachkriegswerk. Die Uraufführung erfolgte im Herbst 1945; teilweise blieb die Symphonie hinter den Erwartungen zurück. Es gibt darin keine monumentale Feierlichkeit, die die Bilder des siegreichen Kriegsendes in Musik verkörpern könnte. Aber da ist noch etwas anderes drin: unmittelbare Freude, Witze, Lachen, als wäre einem eine riesige Last von den Schultern gefallen, und zum ersten Mal seit so vielen Jahren war es möglich, das Licht ohne Vorhänge, ohne Verdunkelung und … anzumachen Alle Fenster der Häuser leuchteten vor Freude. Und erst im vorletzten Teil taucht eine harte Erinnerung an das Erlebte auf. Doch für kurze Zeit herrscht Dunkelheit – die Musik kehrt wieder in die Welt des Lichts und Spaßes zurück.

Acht Jahre liegen zwischen der Zehnten und der Neunten Symphonie. Einen solchen Bruch hat es in der symphonischen Chronik Schostakowitschs noch nie gegeben. Und wieder haben wir ein Werk voller tragischer Zusammenstöße und tiefer ideologischer Probleme vor uns, das mit seinen pathetischen Erzählungen über eine Zeit großer Umbrüche, eine Zeit großer Hoffnungen für die Menschheit fesselt.

Die Elfte und Zwölfte nehmen in der Liste der Sinfonien Schostakowitschs einen besonderen Platz ein.

Bevor man sich der Elften Symphonie aus dem Jahr 1957 zuwendet, muss man sich die Zehn Gedichte in Erinnerung rufen gemischter Chor(1951) basierend auf den Worten revolutionärer Dichter des 19. bis frühen 20. Jahrhunderts. Die Gedichte revolutionärer Dichter: L. Radin, A. Gmyrev, A. Kots, V. Tan-Bogoraz inspirierten Schostakowitsch zu Musik, deren jeder Takt von ihm komponiert wurde und die gleichzeitig den Liedern des Revolutionärs ähnelte Untergrund, Studentenversammlungen, die in den Kerkern Butyrok und in Shushenskoye und in Lynjumo auf Capri zu den Liedern gehört wurden, die und waren Familien tradition im Haus der Eltern des Komponisten. Sein Großvater, Boleslaw Boleslawowitsch Schostakowitsch, wurde wegen seiner Teilnahme am polnischen Aufstand von 1863 ins Exil geschickt. Sein Sohn Dmitri Boleslawowitsch, der Vater des Komponisten, war während seiner Studienzeit und nach seinem Abschluss an der Universität St. Petersburg eng mit der Familie Lukaschewitsch verbunden, deren Mitglieder zusammen mit Alexander Iljitsch Uljanow ein Attentat auf Alexander III. vorbereiteten. Lukaschewitsch verbrachte 18 Jahre in der Festung Schlisselburg.

Einer der eindrucksvollsten Eindrücke aus Schostakowitschs gesamtem Leben stammt vom 3. April 1917, dem Tag der Ankunft W. I. Lenins in Petrograd. So spricht der Komponist darüber. „Ich war Zeuge der Ereignisse der Oktoberrevolution und gehörte zu denen, die Wladimir Iljitsch am Tag seiner Ankunft in Petrograd auf dem Platz vor dem Finnischandski-Bahnhof zuhörten. Und obwohl ich damals noch sehr jung war, hat es sich für immer in mein Gedächtnis eingeprägt.“

Das Thema der Revolution ging dem Komponisten bereits in seiner Kindheit in Fleisch und Blut über und reifte in ihm mit zunehmendem Bewusstsein zu einer seiner Grundlagen. Dieses Thema kristallisierte sich in der Elften Symphonie (1957) mit dem Titel „1905“ heraus. Jeder Teil hat seinen eigenen Namen. Daraus kann man sich die Idee und Dramaturgie des Werkes gut vorstellen: „Palastplatz“, „9. Januar“, „Ewige Erinnerung“, „Alarm“. Die Symphonie ist durchdrungen von den Intonationen von Liedern des revolutionären Untergrunds: „Hör zu“, „Gefangener“, „Du bist ein Opfer gefallen“, „Wut, Tyrannen“, „Warschawjanka“. Sie verleihen der reichen musikalischen Erzählung eine besondere Spannung und Authentizität eines historischen Dokuments.

Die Zwölfte Symphonie (1961) – ein Werk von epischer Kraft – ist dem Andenken an Wladimir Iljitsch Lenin gewidmet und setzt die instrumentale Geschichte der Revolution fort. Wie in der Elften geben die Programmnamen der Teile eine völlig klare Vorstellung von ihrem Inhalt: „Revolutionäres Petrograd“, „Razliv“, „Aurora“, „Dawn of Humanity“.

Schostakowitschs Dreizehnte Symphonie (1962) steht dem Genre des Oratoriums nahe. Es wurde für eine ungewöhnliche Komposition geschrieben: ein Sinfonieorchester, einen Basschor und einen Basssolisten. Textliche Grundlage der fünf Teile der Symphonie sind die Verse von Evg. Jewtuschenko: „Babi Jar“, „Humor“, „Im Laden“, „Ängste“ und „Karriere“. Die Idee der Symphonie, ihr Pathos ist die Anprangerung des Bösen im Namen des Kampfes um die Wahrheit, für den Menschen. Und diese Symphonie offenbart den aktiven, offensiven Humanismus, der Schostakowitsch innewohnt.

Nach einer siebenjährigen Pause entstand 1969 die Vierzehnte Symphonie, geschrieben für ein Kammerorchester: Streicher, eine kleine Anzahl Schlagzeug und zwei Stimmen – Sopran und Bass. Die Sinfonie enthält Gedichte von Garcia Lorca, Guillaume Apollinaire, M. Rilke und Wilhelm Kuchelbecker. Die Benjamin Britten gewidmete Sinfonie entstand nach Angaben ihres Autors unter dem Einfluss von M. P. Mussorgskys „Lieder und Tänze des Todes“. In dem großartigen Artikel „Aus den Tiefen der Tiefen“, der der Vierzehnten Symphonie gewidmet ist, schrieb Marietta Shaginyan: „... Schostakowitschs Vierzehnte Symphonie, der Höhepunkt seines Schaffens. Die vierzehnte Symphonie – ich möchte sie die ersten „Menschlichen Leidenschaften“ der neuen Ära nennen – spricht überzeugend davon, wie sehr unsere Zeit sowohl eine tiefgreifende Interpretation moralischer Widersprüche als auch ein tragisches Verständnis spiritueller Prüfungen („Leidenschaften“) braucht. , durch die die Menschheit geht.“

D. Schostakowitschs fünfzehnte Symphonie wurde im Sommer 1971 komponiert. Nach einer längeren Pause kehrt der Komponist für die Sinfonie zu einer rein instrumentalen Partitur zurück. Die helle Farbgebung des „Spielzeugscherzo“ des ersten Satzes wird mit Bildern aus der Kindheit assoziiert. Das Thema aus Rossinis „Wilhelm Tell“-Ouvertüre „fügt“ organisch in die Musik ein. Die traurige Musik zu Beginn des zweiten Teils im düsteren Klang einer Blaskapelle lässt Gedanken an den Verlust, an die erste schreckliche Trauer aufkommen. Die Musik des zweiten Teils ist voller unheilvoller Fantasie, die in gewisser Weise an etwas erinnert Märchenwelt"Der Nussknacker". Zu Beginn von Teil IV greift Schostakowitsch erneut auf Zitate zurück. Diesmal ist es das Schicksalsthema von Walküre, das den tragischen Höhepunkt der weiteren Entwicklung vorgibt.

Fünfzehn Sinfonien von Schostakowitsch sind fünfzehn Kapitel der epischen Chronik unserer Zeit. Schostakowitsch reiht sich in die Reihe derjenigen ein, die die Welt aktiv und unmittelbar verändern. Seine Waffe ist Musik, die zur Philosophie geworden ist, Philosophie, die zur Musik geworden ist.

Schostakowitschs Schaffensanspruch erstreckt sich über alle existierenden Musikgattungen – vom Massenlied aus „The Counter“ über das monumentale Oratorium „Lied vom Wald“ bis hin zu Opern, Sinfonien und Instrumentalkonzerten. Ein bedeutender Teil seiner Arbeit ist diesem Thema gewidmet Kammermusik, eines seiner Werke, „24 Präludien und Fugen“ für Klavier, belegt spezieller Ort. Nach Johann Sebastian Bach trauten sich nur wenige Menschen, einen polyphonen Zyklus dieser Art und Größenordnung anzufassen. Dabei geht es nicht um das Vorhandensein oder Fehlen geeigneter Technologie, einer besonderen Art von Fähigkeit. Schostakowitschs „24 Präludien und Fugen“ sind nicht nur eine Sammlung polyphoner Weisheiten des 20. Jahrhunderts, sie sind auch der deutlichste Indikator für die Stärke und Spannung des Denkens und dringen in die Tiefen der komplexesten Phänomene vor. Diese Art des Denkens ähnelt der intellektuellen Kraft von Kurchatov, Landau, Fermi, und daher überraschen Schostakowitschs Präludien und Fugen nicht nur durch den hohen Akademismus, mit dem sie die Geheimnisse von Bachs Polyphonie enthüllen, sondern vor allem durch das philosophische Denken, das wirklich in die eindringt „Tiefen der Tiefen“ seines Zeitgenossen, die treibenden Kräfte, Widersprüche und Pathos der Ära großer Transformationen.

Nah an Sinfonien guter Platz Schostakowitschs Schaffensbiografie umfasst seine fünfzehn Quartette. In diesem hinsichtlich der Anzahl der Interpreten bescheidenen Ensemble wendet sich der Komponist einem thematischen Kreis zu, der dem ähnelt, von dem er in seinen Sinfonien spricht. Es ist kein Zufall, dass einige Quartette fast gleichzeitig mit Sinfonien erscheinen und ihre ursprünglichen „Begleiter“ sind.

In den Symphonien wendet sich der Komponist an Millionen und setzt in diesem Sinne die Linie der Beethovenschen Symphonie fort, während sich die Quartette an einen engeren, kammermusikalischen Kreis richten. Mit ihm teilt er, was erregt, erfreut, deprimiert, wovon er träumt.

Keines der Quartette trägt einen besonderen Titel, um seinen Inhalt besser zu verstehen. Nichts als eine Seriennummer. Und doch ist ihre Bedeutung jedem klar, der Kammermusik liebt und zu hören weiß. Das erste Quartett ist im gleichen Alter wie die Fünfte Symphonie. In seiner heiteren, dem Neoklassizismus nahestehenden Struktur mit einer nachdenklichen Sarabande des ersten Satzes, einem Haydnschen funkelnden Finale, einem flatternden Walzer und einem gefühlvollen russischen Bratschenchor, langgezogen und klar, kann man die Heilung von den schweren Gedanken spüren, die ihn überwältigten Held der Fünften Symphonie.

Wir erinnern uns, wie wichtig die Lyrik in Gedichten, Liedern und Briefen während der Kriegsjahre war und wie die lyrische Wärme einiger aufrichtiger Sätze die spirituelle Stärke vervielfachte. Der Walzer und die Romantik des 1944 geschriebenen Zweiten Quartetts sind davon durchdrungen.

Wie unterschiedlich sind die Bilder des Dritten Quartetts voneinander. Es enthält die Sorglosigkeit der Jugend und schmerzhafte Visionen der „Mächte des Bösen“, das Spannungsfeld des Widerstands und die dazugehörigen Texte Philosophische Reflexion. Das Fünfte Quartett (1952), das der Zehnten Symphonie vorausgeht, und in noch größerem Maße das Achte Quartett (1960) sind voller tragischer Visionen – Erinnerungen an die Kriegsjahre. In der Musik dieser Quartette, wie auch in der Siebten und Zehnten Symphonie, stehen sich die Kräfte des Lichts und die Kräfte der Dunkelheit scharf gegenüber. Auf der Titelseite des Achten Quartetts heißt es: „Im Gedenken an die Opfer von Faschismus und Krieg.“ Dieses Quartett entstand drei Tage lang in Dresden, wo Schostakowitsch an der Musik für den Film „Fünf Tage, fünf Nächte“ arbeitete.

Zusammen mit den Quartetten, die „ Große Welt„Mit seinen Konflikten, Ereignissen und Lebenskollisionen hat Schostakowitsch Quartette, die wie Seiten eines Tagebuchs klingen. Im Ersten sind sie fröhlich; im Vierten sprechen sie von Selbstbezogenheit, Kontemplation, Frieden; im Sechsten werden Bilder der Einheit mit der Natur und tiefer Ruhe offenbart; in der Siebten und Elften, die der Erinnerung an geliebte Menschen gewidmet sind, erreicht die Musik vor allem in den tragischen Höhepunkten geradezu verbale Ausdruckskraft.

Im Vierzehnten Quartett die Charaktereigenschaften Russische Melos. In Teil I Musikalische Bilder Sie bestechen durch ihre romantische Art, ein breites Spektrum an Gefühlen auszudrücken: von tief empfundener Bewunderung für die Schönheit der Natur bis hin zu Ausbrüchen geistiger Unruhe und der Rückkehr in die Ruhe und Stille der Landschaft. Das Adagio des Vierzehnten Quartetts erinnert an den russischen Geist des Bratschenchors im Ersten Quartett. In III – dem letzten Teil – wird die Musik von Tanzrhythmen umrissen, die mehr oder weniger klar klingen. Bei der Beurteilung von Schostakowitschs Vierzehntem Quartett spricht D. B. Kabalevsky vom „Beethoven-Anfang“ seiner hohen Vollkommenheit.

Das fünfzehnte Quartett wurde im Herbst 1974 uraufgeführt. Seine Struktur ist ungewöhnlich; es besteht aus sechs Teilen, die ohne Unterbrechung aufeinander folgen. Alle Teile gehen zu in einem langsamen Tempo: Elegie, Serenade, Intermezzo, Nocturne, Trauermarsch und Epilog. Das fünfzehnte Quartett verblüfft durch die Tiefe des philosophischen Denkens, die für Schostakowitsch in vielen Werken dieser Gattung so charakteristisch ist.

Schostakowitschs Quartettwerk stellt einen der Höhepunkte der Gattungsentwicklung in der Zeit nach Beethoven dar. Wie in den Sinfonien herrscht auch hier eine Welt erhabener Ideen, Überlegungen und philosophischer Verallgemeinerungen. Aber im Gegensatz zu Sinfonien haben Quartette diesen vertrauensvollen Tonfall, der beim Publikum sofort eine emotionale Reaktion hervorruft. Diese Eigenschaft der Quartette von Schostakowitsch macht sie den Quartetten von Tschaikowsky ähnlich.

Neben den Quartetten nimmt das Klavierquintett aus dem Jahr 1940 zu Recht einen der höchsten Plätze im Kammermusikgenre ein, ein Werk, das tiefen Intellektualismus, der sich besonders im Präludium und in der Fuge zeigt, mit subtiler Emotionalität verbindet und irgendwo an Levitans Werk erinnert Landschaften.

Der Komponist wendet sich zunehmend der Kammervokalmusik zu Nachkriegsjahre. Sechs Romanzen erscheinen nach den Worten von W. Raleigh, R. Burns, W. Shakespeare; Gesangszyklus „Aus jüdischer Volksdichtung“; Zwei Romanzen zu Gedichten von M. Lermontov, vier Monologe zu Gedichten von A. Puschkin, Lieder und Romanzen zu Gedichten von M. Svetlov, E. Dolmatovsky, der Zyklus „Spanische Lieder“, fünf Satiren zu den Worten von Sasha Cherny, fünf Humoresken zu Worten aus der Zeitschrift „Crocodile“, Suite nach Gedichten von M. Tsvetaeva.

Eine solche Fülle an Vokalmusik, die auf Texten von Klassikern der Poesie und sowjetischen Dichtern basiert, zeugt vom breiten Spektrum der literarischen Interessen des Komponisten. In Schostakowitschs Vokalmusik beeindruckt nicht nur das subtile Gespür des Dichters für Stil und Handschrift, sondern auch die Fähigkeit, die nationalen Besonderheiten der Musik wiederzugeben. Besonders deutlich wird dies in den „Spanischen Liedern“, im Zyklus „Aus jüdischer Volkspoesie“, in Romanzen nach Gedichten englischer Dichter. Die Traditionen russischer Liebestexte, die von Tschaikowsky und Tanejew stammen, sind in den Fünf Romanzen „Fünf Tage“ zu hören, die auf den Gedichten von E. Dolmatovsky basieren: „Der Tag der Begegnung“, „Der Tag der Geständnisse“, „Der Tag der Ressentiments“, „Der Tag der Freude“, „Der Tag der Erinnerungen“ .

Einen besonderen Platz nehmen „Satires“ nach den Worten von Sasha Cherny und „Humoresques“ aus „Crocodile“ ein. Sie spiegeln Schostakowitschs Liebe zu Mussorgski wider. Es entstand in frühe Jahre und erschien zuerst in seinem Zyklus „Krylovs Fabeln“, dann in der Oper „Die Nase“, dann in „Katerina Ismailowa“ (insbesondere im vierten Akt der Oper). Dreimal wendet sich Schostakowitsch direkt an Mussorgski, orchestriert und bearbeitet „Boris Godunow“ und „Khowanschtschina“ neu und orchestriert zum ersten Mal „Lieder und Tänze des Todes“. Und wieder spiegelt sich die Bewunderung für Mussorgsky im Gedicht für Solist, Chor und Orchester wider – „Die Hinrichtung von Stepan Rasin“ zu den Versen von Evg. Jewtuschenko.

Wie stark und tief muss die Verbundenheit mit Mussorgski sein, wenn Schostakowitsch mit einer so strahlenden Individualität, die man an zwei, drei Sätzen unverkennbar erkennen kann, so bescheiden, mit so viel Liebe den Stil nicht nachahmt, nein, sondern übernimmt und interpretiert auf seine eigene Weise einen großartigen realistischen Musiker zu schreiben.

Robert Schumann bewunderte einst das Genie Chopins, der gerade erst am europäischen Musikhorizont aufgetaucht war, und schrieb: „Wenn Mozart am Leben wäre, hätte er ein Chopin-Konzert geschrieben.“ Um Schumann zu paraphrasieren, können wir sagen: Wenn Mussorgski gelebt hätte, hätte er „Die Hinrichtung von Stepan Rasin“ von Schostakowitsch geschrieben. Dmitri Schostakowitsch - herausragender Meister Theatermusik. Nahe bei ihm verschiedene Genres: Oper, Ballett, Musikkomödie, Varietés (Music Hall), Theater des Dramas. Dazu gehört auch Musik für Filme. Nennen wir nur einige Werke dieser Genres aus mehr als dreißig Filmen: „Die goldenen Berge“, „The Counter“, „The Maxim Trilogy“, „The Young Guard“, „Treffen an der Elbe“, „The Fall of Berlin“. “, „The Gadfly“, „Fünf“ Tage – fünf Nächte“, „Hamlet“, „King Lear“. Von der Musik bis dramatische Darbietungen: „The Bedbug“ von V. Mayakovsky, „The Shot“ von A. Bezymensky, „Hamlet“ und „King Lear“ von V. Shakespeare, „Salute, Spain“ von A. Afinogenov, „ Menschliche Komödie» O. Balzac.

So unterschiedlich Schostakowitschs Werke in Film und Theater in Genre und Umfang auch sein mögen, eines verbindet sie: Musik schafft sozusagen ihre eigene „sinfonische Reihe“ der Verkörperung von Ideen und Charakteren und beeinflusst die Atmosphäre des Films oder Leistung.

Das Schicksal der Ballette war unglücklich. Hier liegt die Schuld ausschließlich beim minderwertigen Drehbuch. Aber die mit lebendiger Bildsprache und Humor ausgestattete Musik, die im Orchester brillant klingt, ist in Form von Suiten erhalten geblieben und nimmt einen herausragenden Platz im Repertoire von Sinfoniekonzerten ein. Das Ballett „Die junge Dame und der Hooligan“ zur Musik von D. Schostakowitsch nach dem Libretto von A. Belinsky, dem das Drehbuch von V. Mayakovsky zugrunde lag, wird mit großem Erfolg auf vielen Bühnen sowjetischer Musiktheater aufgeführt.

Dmitri Schostakowitsch leistete einen großen Beitrag zur Gattung des Instrumentalkonzerts. Das erste, das geschrieben wurde, war ein Klavierkonzert in c-Moll mit Solotrompete (1933). Mit seiner Jugendlichkeit, seinem Schalk und seiner jugendlich-charmanten Kantigkeit erinnert das Konzert an die Erste Symphonie. Vierzehn Jahre später erscheint ein Violinkonzert von tiefem Nachdenken, großartigem Umfang und virtuoser Brillanz; 1957 folgte das Zweite Klavierkonzert, das er seinem Sohn Maxim widmete und für Kinderaufführungen konzipierte. Die Liste der Konzertliteratur aus der Feder Schostakowitschs wird durch die Cellokonzerte (1959, 1967) und das Zweite Violinkonzert (1967) vervollständigt. Diese Konzerte sind am allerwenigsten auf den „Rausch technischer Brillanz“ ausgelegt. In puncto Gedankentiefe und Dramatik stehen sie den Symphonien gleich.

Die in diesem Aufsatz aufgeführte Werkliste umfasst nur die typischsten Werke der Hauptgattungen. Dutzende Titel in verschiedenen Bereichen der Kreativität blieben außerhalb der Liste.

Sein Weg zur Welt Ruhm – der Weg Einer der größten Musiker des 20. Jahrhunderts, der mutig neue Meilensteine ​​in der Welt setzt Musikkultur. Sein Weg zum Weltruhm, der Weg eines jener Menschen, für die es bedeutet, für seine Zeit mitten im Geschehen eines jeden zu leben, tief in die Bedeutung des Geschehens einzutauchen, in Streitigkeiten eine faire Position einzunehmen, Meinungsverschiedenheiten, im Kampf und mit der ganzen Kraft seiner gigantischen Gaben für alles zu antworten, was in einem großen Wort ausgedrückt wird – dem Leben.

Dmitri Schostakowitsch ist polnischer Abstammung und wurde am 12. (25.) September 1906 in St. Petersburg geboren. Er starb am 9. August 1975 in Moskau.

Schostakowitsch Dmitri Dmitrijewitsch (1906-1975) ist einer der größten Komponisten unserer Zeit, ein herausragender Pianist, Lehrer und eine Persönlichkeit des öffentlichen Lebens. Schostakowitsch erhielt den Titel „Volkskünstler der UdSSR“ (1954), „Held der sozialistischen Arbeit“ (1966), Staatspreis UdSSR (1941, 1942, 1946, 1950, 1952, 1968), Staatspreis der RSFSR (1974), nach ihm benannter Preis. Sibelius, Internationaler Preis Frieden (1954). Ehrenmitglied von Akademien und Universitäten in vielen Ländern der Welt.

Dmitri Schostakowitsch ist polnischer Abstammung und wurde am 12. (25.) September 1906 in St. Petersburg geboren. Er starb am 9. August 1975 in Moskau. Vater ist Chemieingenieur und Musikliebhaber. Meine Mutter ist eine begabte Pianistin und hat mir erste Klavierkenntnisse vermittelt. Nach seinem Studium an einer privaten Musikschule im Jahr 1919 wurde Schostakowitsch zum Klavierstudium am Petrograder Konservatorium zugelassen und begann später ein Kompositionsstudium. Noch während seines Studiums begann er als Performer bei der Vorführung von „Stummfilmen“ zu arbeiten.

1923 schloss Schostakowitsch das Konservatorium als Pianist (bei L. V. Nikolaev) und 1925 als Komponist ab. Seine These war First Simony. Es wurde zum größten Ereignis im Musikleben und markierte den Beginn des Weltruhms des Autors.

Bereits in der Ersten Symphonie kann man sehen, wie der Autor die Traditionen von P.I. fortführt. Tschaikowsky, N.A. Rimsky-Korsakov, M.P. Mussorgski, Ljadow. All dies manifestiert sich als Synthese führender Strömungen, auf ihre eigene Weise und frisch gebrochen. Die Symphonie zeichnet sich durch Aktivität, dynamischen Druck und unerwartete Kontraste aus.

In denselben Jahren gab Schostakowitsch Konzerte als Pianist. Beim ersten Internationalen Wettbewerb erhielt er ein Ehrendiplom. F. Chopin in Warschau stand einige Zeit vor der Wahl, das Komponieren von Musik oder die Konzerttätigkeit zu seinem Beruf zu machen.

Nach der Ersten Symphonie begann eine kurze Zeit des Experimentierens und der Suche nach neuen musikalischen Mitteln. Zu dieser Zeit erschienen: die Erste Klaviersonate (1926), das Theaterstück „Aphorismen“ (1927), die Zweite Symphonie „Oktober“ (1927), die Dritte Symphonie „May Day“ (1929).

Das Erscheinen von Film- und Theatermusik („New Babylon“ 1929), „Golden Mountains“ 1931, die Aufführungen „The Bedbug“ 1929 und „Hamlet“ 1932) ist mit der Entstehung neuer Bilder, insbesondere der Sozialkarikatur, verbunden. Eine Fortsetzung davon fand sich in der Oper „Die Nase“ (nach N.V. Gogol, 1928) und in der Oper „Lady Macbeth von Mzensk“ („Katerina Izmailova“) nach N.S. Leskow (1932).

Die Handlung der gleichnamigen Geschichte von N. S. Leskov wurde von Schostakowitsch als Drama außergewöhnlicher weiblicher Natur in einer ungerechten Gesellschaftsordnung neu gedacht. Der Autor selbst nannte seine Oper eine „Tragödie-Satire“. In ihr musikalische Sprache Groteske im Geiste von „The Nose“ wird mit Elementen russischer Romantik und nachklingendem Gesang kombiniert. 1934 wurde die Oper in Leningrad und Moskau unter dem Titel „Katerina Ismailowa“ aufgeführt; Es folgten zahlreiche Kinopremieren Nordamerika und Europa (die Oper wurde 36 Mal in (umbenannt) Leningrad aufgeführt, 94 Mal in Moskau, außerdem wurde sie in Stockholm, Prag, London, Zürich und Kopenhagen aufgeführt. Es war ein Triumph und Schostakowitsch wurde als Genie beglückwünscht.)

Im Januar 1936 besuchte Stalin das Stück „Katerina Izmailova“. Die Oper schockierte ihn. Die Reaktion kam in dem Leitartikel „Verwirrung statt Musik“ zum Ausdruck, der unter anderem in der Prawda veröffentlicht wurde lange Jahre bestimmte den Weg der Entwicklung Sowjetische Musik. Einige Tage später veröffentlichte die Prawda einen weiteren Leitartikel am musikalisches Thema„Ballett-Falschheit“; Diesmal wurde Schostakowitschs Ballett „Der helle Strom“ (1935) scharfer Kritik ausgesetzt.

Nach den Artikeln der „Prawda“ verschwanden die meisten vor 1936 verfassten Werke Schostakowitschs praktisch aus der kulturellen Zirkulation des Landes. Der Komponist war gezwungen, die für Herbst 1936 geplante Uraufführung der Symphonie Nr. 4 (die Uraufführung erfolgte 1961) abzusagen. „Katerina Izmailova“ wurde in ihrer Heimat erst 1962 „rehabilitiert“. Werke aus den 1920er Jahren (mit Ausnahme der Symphonie Nr. 1 und einiger Miniaturen) wurden in der UdSSR erst Mitte der 1960er Jahre aufgeführt, „Die Nase“ schon erst 1974 wiederbelebt.

Die Vierte (1934), Fünfte (1937) und Sechste (1939) Symphonie stellen eine interessante neue Etappe in Schostakowitschs Werk dar.

Schostakowitsch entwickelt das symphonische Genre und gibt gleichzeitig alles höherer Wert Kammerinstrumentalmusik.

Die klare, helle, anmutige und ausgewogene Sonate für Cello und Klavier (1934), das Erste Streichquartett (1938) und das Quintett für Streichquartett und Klavier (1940) erschienen und wurden zu wichtigen Ereignissen im Musikleben.

Die Siebte Symphonie (1941) wurde zum musikalischen Denkmal des Großen Vaterländischen Krieges. Die Achte Symphonie war eine Fortsetzung ihrer Ideen.

In den Nachkriegsjahren widmete Schostakowitsch der Gesangsgattung immer mehr Aufmerksamkeit.

Im Februar 1948 wurde das Dekret des Zentralkomitees der Allunionskommunistischen Partei der Bolschewiki zu W. I. Muradelis Oper „Die große Freundschaft“ veröffentlicht, in dem die Musik bedeutender sowjetischer Komponisten, darunter Prokofjew, Schostakowitsch und Chatschaturjan, für „formalistisch“ erklärt wurde. und „dem sowjetischen Volk fremd“. Die neue Welle von Angriffen auf Schostakowitsch in der Presse übertraf die von 1936 deutlich. Gezwungen, sich dem Diktat zu unterwerfen, führte Schostakowitsch, „seine Fehler erkennend“, das Oratorium „Lied der Wälder“ (1949), die Kantate „ Die Sonne scheint über unserem Vaterland“ (1952), Musik für eine Reihe von Filmen mit historischem und militärpatriotischem Inhalt usw., was seine Situation teilweise erleichterte. Parallel dazu entstanden Werke von höherem künstlerischen Wert: Konzert N1 für Violine und Orchester, Gesangszyklus „Aus jüdischer Volksdichtung“ (beide 1948) (letzterer Zyklus stand in keiner Weise im Einklang mit der antisemitischen Politik des Staates), Streichquartette N4 und N5 (1949, 1952), Zyklus „24 Präludien und Fugen“ für Klavier (1951); Mit Ausnahme des letzten wurden sie alle erst nach Stalins Tod hingerichtet.

Schostakowitschs Symphonie liefert interessante Beispiele für die Verwendung klassisches Erbe Alltagsgenres, Massenlieder (Elfte Symphonie „1905“ (1957), Zwölfte Symphonie „1917“ (1961)). Fortsetzung und Weiterentwicklung des Erbes von L.-V. Beethovens Dreizehnte Symphonie (1962), geschrieben nach Gedichten von E. Jewtuschenko. Der Autor selbst sagte, dass seine Vierzehnte Symphonie (1969) die Ideen von Mussorgskys „Liedern und Tänzen des Todes“ verwendet habe.

Ein wichtiger Meilenstein ist das Gedicht „Die Hinrichtung von Stepan Rasin“ (1964), es wurde zum Höhepunkt einer epischen Zeile in Schostakowitschs Werk.

Die vierzehnte Symphonie vereinte die Errungenschaften der Genres Kammergesang, Kammerinstrumental und Symphonie. Basierend auf Gedichten von F. Garcia Loca, T. Appolinaro, W. Kuchelbecker und R.M. Rilke schuf ein zutiefst philosophisches, lyrisches Werk.

Fertigstellung gut gemacht Die Weiterentwicklung des symphonischen Genres war die Fünfzehnte Symphonie (1971), die das Beste vereinte, was in erreicht worden war verschiedenen Stadien Kreativität D.D. Schostakowitsch.

Der enorme Umfang und das höchste Niveau von Schostakowitschs Schaffen sind nicht nur ein Beitrag zum Schicksal und zur Geschichte der russischen Musik, sondern auch ein Beitrag zur Entwicklung der Weltkultur.

Eine Frage bleibt: In Russland herrscht eine gewisse Abkühlung gegenüber Schostakowitsch, während er im Westen mittlerweile zunehmend als erster unter Gleichen in der Familie der größten Komponisten des 20. Jahrhunderts bezeichnet wird. In Russland wird offenbar ein nicht sehr sympathischer Gedanke ausgelöst: „Hier gibt es genug eigene Probleme. Warum sollte man sich sonst in einem Konzertsaal die Seele zerreißen?“

Schostakowitsch war wie ein Spiegel: Jeder sah sich in ihm, seinen eigenen. Das ist die Qualität der größten Künstler. Deshalb nennen wir sie „ewige Begleiter“.

Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch wurde 1906 in St. Petersburg geboren. Ein außergewöhnlich talentierter junger Mann erhielt eine musikalische Ausbildung am Petrograder Konservatorium, in die er im Alter von 13 Jahren aufgenommen wurde. Er studierte Klavier und Komposition und studierte gleichzeitig auch Dirigieren.

Bereits 1919 schrieb Schostakowitsch sein erstes großes Orchesterwerk – das Scherzo fis-moll. Die Zeit nach der Revolution war schwierig, aber Dmitri lernte sehr fleißig und besuchte fast jeden Abend Konzerte der Petrograder Philharmonie. 1922 starb der Vater des zukünftigen Komponisten und die Familie war ohne Existenzgrundlage. Also junger Mann Ich musste Teilzeit als Darsteller in einem Kino arbeiten.

1923 schloss Schostakowitsch sein Klavierstudium am Konservatorium ab und 1925 sein Kompositionsstudium. Sein Abschlusswerk war die Erste Symphonie. Seine triumphale Uraufführung fand 1926 statt und bereits im Alter von 19 Jahren erlangte Schostakowitsch Weltruhm.

Schaffung

In seiner Jugend schrieb Schostakowitsch viel für das Theater; er ist Autor der Musik von drei Balletten und zwei Opern: „Die Nase“ (1928) und „Lady Macbeth von Mzensk“ (1932). Nach heftiger und öffentlicher Kritik im Jahr 1936 änderte der Komponist die Richtung und begann, hauptsächlich für den Konzertsaal zu schreiben. Unter der riesigen Menge an Orchester-, Kammer- und Vokalmusik sind zwei Zyklen mit 15 Sinfonien und 15 Streichquartetten am bemerkenswertesten. Sie zählen zu den meistgespielten Werken des 20. Jahrhunderts.

Zu Beginn des Großen Vaterländischen Krieges begann Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch mit der Arbeit an der Siebten Symphonie („Leningrad“), die zum Symbol des Kriegskampfes wurde. In den Kriegsjahren entstand auch die Achte Symphonie, in der der Komponist dem Neoklassizismus Tribut zollte. 1943 zog Schostakowitsch von Kuibyschew, wo er während der Evakuierung lebte, nach Moskau. In der Hauptstadt unterrichtete er am Moskauer Konservatorium.

1948 wurde Schostakowitsch auf dem Kongress der sowjetischen Komponisten heftig kritisiert und gedemütigt. Ihm wurde „Formalismus“ und „Vorschleichen vor dem Westen“ vorgeworfen. Wie schon 1938 wurde er zur Persona non grata. Ihm wurde seine Professur entzogen und ihm wurde Inkompetenz vorgeworfen.

Schostakowitsch arbeitete eng mit einigen der größten Interpreten seiner Zeit zusammen. Evgeny Mravinsky spielte bei den Uraufführungen vieler seiner Stücke Orchesterwerke, und der Komponist schrieb einige Konzerte für den Geiger David Oistrach und den Cellisten Mstislaw Rostropowitsch.

In den letzten Jahren litt Schostakowitsch unter einem schlechten Gesundheitszustand und wurde lange Zeit in Krankenhäusern und Sanatorien behandelt. Der Komponist litt an Lungenkrebs und einer Krankheit, die mit Muskelschäden einhergeht. Die Musik seiner letzten Schaffensperiode, darunter zwei Sinfonien, seine späten Quartette, seine letzten Gesangszyklen und die Bratschensonate op. 147 (1975), ist düster und spiegelt viel Leid wider. Er starb am 9. August 1975 in Moskau. Er wurde auf dem Nowodewitschi-Friedhof beigesetzt.

Privatleben

Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch war dreimal verheiratet. Nina Wassiljewna, die erste Frau, war von Beruf Astrophysikerin. Doch nachdem sie ihre wissenschaftliche Karriere aufgegeben hatte, widmete sie sich ganz ihrer Familie. Aus dieser Ehe gingen ein Sohn, Maxim, und eine Tochter, Galina, hervor.

Die zweite Ehe mit Margarita Kainova zerbrach sehr schnell. Schostakowitschs dritte Frau, Irina Supinskaja, arbeitete als Redakteurin beim Verlag „Sowjetischer Komponist“.

D. Schostakowitsch – Klassiker der Musik des 20. Jahrhunderts. Keiner seiner großen Meister war so eng mit den schwierigen Schicksalen seines Heimatlandes verbunden, noch war er in der Lage, die schreienden Widersprüche seiner Zeit mit solcher Kraft und Leidenschaft auszudrücken oder sie mit einem strengen moralischen Urteil zu bewerten. In dieser Komplizenschaft des Komponisten mit dem Leid und Unglück seines Volkes liegt die Hauptbedeutung seines Beitrags zur Musikgeschichte im Jahrhundert der Weltkriege und grandiosen gesellschaftlichen Umwälzungen, die die Menschheit noch nie zuvor erlebt hatte.

Schostakowitsch ist von Natur aus ein Künstler mit universellem Talent. Es gibt kein einziges Genre, in dem er nicht sein gewichtiges Wort gesagt hätte. Er kam auch in engen Kontakt mit jener Art von Musik, die von seriösen Musikern teilweise arrogant behandelt wurde. Er ist Autor einer Reihe von Liedern, die von der Masse der Menschen aufgegriffen wurden, und bis heute sind seine brillanten Adaptionen populärer und populärer Lieder Jazz Musik, was ihm während der Entstehung des Stils in den 20er und 30er Jahren besonders gut gefiel. Aber das Hauptanwendungsgebiet der schöpferischen Kräfte war für ihn die Symphonie. Nicht, weil ihm andere Genres der E-Musik völlig fremd waren – er verfügte über das unübertroffene Talent eines wahrhaft theatralischen Komponisten, und die Arbeit im Kino sicherte ihm die wichtigste Lebensgrundlage. Doch die grobe und unfaire Kritik, die er 1936 in einem Leitartikel der Prawda mit dem Titel „Verwirrung statt Musik“ äußerte, hielt ihn für lange Zeit vom Studium ab Operngenre- Die unternommenen Versuche (die Oper „Die Spieler“ nach N. Gogol) blieben unvollendet und die Pläne erreichten nicht das Stadium der Umsetzung.

Vielleicht spiegelten sich hier gerade die Persönlichkeitsmerkmale Schostakowitschs wider – von Natur aus neigte er nicht zu offenen Formen des Protestausdrucks, er gab aufgrund seiner besonderen Intelligenz, Feinfühligkeit und Wehrlosigkeit gegenüber grober Tyrannei leicht hartnäckigen Nichtigkeiten nach. Dies war jedoch nur im Leben der Fall – in seiner Kunst blieb er seinen schöpferischen Prinzipien treu und bekräftigte sie in dem Genre, in dem er sich völlig frei fühlte. Daher wurde die konzeptionelle Symphonie, in der er offen und kompromisslos die Wahrheit über seine Zeit sagen konnte, zum Zentrum von Schostakowitschs Suche. Er weigerte sich jedoch nicht, an künstlerischen Unternehmungen teilzunehmen, die unter dem Druck der strengen Anforderungen an die Kunst durch das kommando-administrative System entstanden waren, wie etwa dem Film von M. Chiaureli „Der Fall Berlins“, in dem das uneingeschränkte Lob des Größe und Weisheit des „Vaters der Nationen“ gingen bis zum Äußersten. Aber die Teilnahme an solchen Filmdenkmälern oder anderen, manchmal sogar talentierten Werken, die die historische Wahrheit verzerrten und einen der politischen Führung gefälligen Mythos schufen, schützte den Künstler nicht vor den brutalen Repressalien des Jahres 1948. Der führende Ideologe des stalinistischen Regimes , A. Schdanow, wiederholte die groben Angriffe eines alten Artikels der Zeitung Prawda und warf dem Komponisten zusammen mit anderen Meistern der sowjetischen Musik dieser Zeit vor, am antinationalen Formalismus festzuhalten.

Später, während des „Tauwetters“ Chruschtschows, wurden diese Vorwürfe fallen gelassen und die herausragenden Werke des Komponisten, deren öffentliche Aufführung verboten worden war, gelangten zum Hörer. Aber das dramatische persönliche Schicksal des Komponisten, der eine Zeit ungerechtfertigter Verfolgung überlebte, hinterließ einen unauslöschlichen Eindruck in seiner Persönlichkeit und bestimmte die Richtung seiner schöpferischen Suche, an die er sich richtete moralische Probleme menschliche Existenz auf der Erde. Das war und ist das Hauptmerkmal Schostakowitschs unter den Musikschaffenden des 20. Jahrhunderts.

Sein Lebensweg Es war nicht ereignisreich. Nach seinem Abschluss am Leningrader Konservatorium mit einem brillanten Debüt – der großartigen Ersten Symphonie – begann er das Leben eines professionellen Komponisten, zunächst in der Stadt an der Newa, dann während des Großen Vaterländischen Krieges in Moskau. Seine Tätigkeit als Lehrer am Konservatorium war relativ kurz – er verließ es nicht aus freien Stücken. Doch bis heute haben seine Schüler die Erinnerung an den großen Meister bewahrt, der bei ihrer Ausbildung eine entscheidende Rolle gespielt hat kreative Individualität. Bereits in der Ersten Symphonie (1925) sind zwei Eigenschaften der Musik Schostakowitschs deutlich erkennbar. Einer davon beeinflusste die Entstehung eines neuen Instrumentalstils mit seiner inhärenten Leichtigkeit, der Leichtigkeit des Wettbewerbs zwischen Konzertinstrumenten. Ein anderer manifestierte sich in dem anhaltenden Wunsch, der Musik die höchste Bedeutung zu verleihen und mit den Mitteln der symphonischen Gattung ein tiefes Konzept philosophischer Bedeutung zu offenbaren.

Viele der Werke des Komponisten, die auf einen so brillanten Anfang folgten, spiegelten die turbulente Atmosphäre der Zeit wider, in der der neue Stil der Ära im Kampf widersprüchlicher Haltungen geformt wurde. So zollte Schostakowitsch in der Zweiten und Dritten Symphonie („Oktober“ – 1927, „Maifeiertag“ – 1929) dem Musikplakat Tribut; sie spiegelten deutlich den Einfluss der kriegerischen Propagandakunst der 20er Jahre wider. (Es ist kein Zufall, dass der Komponist Chorfragmente nach Gedichten der jungen Dichter A. Bezymensky und S. Kirsanov aufgenommen hat.) Gleichzeitig zeigten sie auch eine helle Theatralik, die in den Inszenierungen von E. Vakhtangov und Vs. so fesselnd war. Meyerhold. Es waren ihre Darbietungen, die den Stil von Schostakowitschs erster Oper „Die Nase“ (1928) beeinflussten, die auf der berühmten Erzählung von Gogol basiert. Von hier aus entsteht nicht nur scharfe Satire und Parodie, die in der Darstellung einzelner Charaktere und der leichtgläubigen Menge, die schnell in Panik gerät und sich schnell verurteilen lässt, den Punkt der Groteske erreicht, sondern auch die ergreifende Intonation von „Lachen durch Tränen“, die hilft uns, eine Person selbst in solch einer Vulgarität und offensichtlich einer Nichtigkeit zu erkennen, wie Gogols Major Kovalev.

Schostakowitschs Stil nahm nicht nur Einflüsse auf, die aus der Erfahrung der Weltmusikkultur stammten (hier waren M. Mussorgsky, P. Tschaikowsky und G. Mahler die wichtigsten für den Komponisten), sondern auch die Klänge des damaligen Musiklebens – das öffentlich zugängliche Kultur des Genres „Light“, die das Bewusstsein der Massen kontrollierte. Die Haltung des Komponisten dazu ist ambivalent – ​​er übertreibt manchmal, parodiert die charakteristischen Wendungen modischer Lieder und Tänze, veredelt sie aber gleichzeitig und erhebt sie auf die Höhe echter Kunst. Diese Haltung spiegelte sich besonders deutlich in den frühen Balletten „Das Goldene Zeitalter“ (1930) und „Bolt“ (1931) im Ersten wider Klavierkonzert(1933), wo die Solotrompete zusammen mit dem Orchester zu einem würdigen Rivalen des Klaviers wird, und später im Scherzo und Finale der Sechsten Symphonie (1939). Brillante Virtuosität und kühne Exzentrizität vereinen sich in diesem Werk mit gefühlvollen Texten und der erstaunlichen Natürlichkeit der Entfaltung der „endlosen“ Melodie im ersten Teil der Symphonie.

Und schließlich kann man nicht umhin, die andere Seite der kreativen Tätigkeit des jungen Komponisten zu erwähnen – er arbeitete viel und beharrlich im Kino, zunächst als Illustrator für die Vorführung von Stummfilmen, dann als einer der Schöpfer des sowjetischen Tonkinos. Sein Lied aus dem Film „Oncoming“ (1932) erlangte landesweite Popularität. Gleichzeitig wirkte sich der Einfluss der „jungen Muse“ auch auf Stil, Sprache, Kompositionsprinzipien seine konzertanten und philharmonischen Werke.

Der Wunsch, die schärfsten Konflikte der modernen Welt mit ihren enormen Umwälzungen und heftigen Auseinandersetzungen gegensätzlicher Kräfte zu verkörpern, spiegelte sich insbesondere in den Hauptwerken des Meisters der 30er Jahre wider. Ein wichtiger Schritt auf diesem Weg war die Oper „Katerina Izmailova“ (1932), die auf der Handlung der Geschichte „Lady Macbeth von Mzensk“ von N. Leskov basiert. Das Bild der Hauptfigur offenbart einen komplexen inneren Kampf in der Seele einer ganzheitlichen und von der Natur reich begabten Natur – unter dem Joch der „bleiernen Abscheulichkeiten des Lebens“, unter der Macht blinder, unvernünftiger Leidenschaft begeht sie Ernstes Verbrechen, gefolgt von grausamer Vergeltung.

Seinen größten Erfolg erzielte der Komponist jedoch mit der Fünften Symphonie (1937) – der bedeutendsten und grundlegendsten Errungenschaft in der Entwicklung der sowjetischen Symphonie in den 30er Jahren. (Eine Hinwendung zu einer neuen Stilqualität wurde in der zuvor geschriebenen, aber damals nicht gehörten Vierten Symphonie von 1936 skizziert.) Die Stärke der Fünften Symphonie liegt darin, dass die Erfahrungen ihres lyrischen Helden in engstem Zusammenhang mit dem Leben der Menschen und im weiteren Sinne der gesamten Menschheit am Vorabend des größten Schocks, den die Völker der Sinfonie je erlebt haben, offenbart werden Welt - der Zweite Weltkrieg. Dies bestimmte die betonte Dramatik der Musik, ihren inhärenten gesteigerten Ausdruck – der lyrische Held wird in dieser Symphonie nicht zum passiven Betrachter, er beurteilt das Geschehen und das Kommende mit höchster moralischer Instanz. Die bürgerliche Haltung des Künstlers und die humanistische Ausrichtung seiner Musik spiegelten sich in seiner Gleichgültigkeit gegenüber dem Schicksal der Welt wider. Es ist auch in einer Reihe anderer Werke zu spüren, die zur Gattung der Kammermusik gehören. instrumentelle Kreativität, unter denen das Klavierquintett (1940) hervorsticht.

Während des Großen Vaterländischen Krieges gehörte Schostakowitsch zu den ersten Künstlern, die gegen den Faschismus kämpften. Seine Siebte („Leningrader“) Symphonie (1941) wurde weltweit als lebendige Stimme eines kämpfenden Volkes wahrgenommen, das im Namen des Existenzrechts und zur Verteidigung der höchsten menschlichen Werte in einen Kampf auf Leben und Tod zog . In diesem Werk, wie auch in der später (1943) entstandenen Achten Symphonie, kam der Gegensatz der beiden gegensätzlichen Lager direkt und unmittelbar zum Ausdruck. Noch nie wurden in der Musikkunst die Mächte des Bösen so deutlich dargestellt, noch nie wurde die langweilige Mechanik der geschäftig arbeitenden faschistischen „Zerstörungsmaschine“ mit solcher Wut und Leidenschaft entlarvt. Aber die spirituelle Schönheit und der Reichtum der inneren Welt eines Menschen, der unter den Nöten seiner Zeit leidet, werden in den „militärischen“ Symphonien des Komponisten ebenso deutlich dargestellt (wie auch in einer Reihe seiner anderen Werke, beispielsweise im Klaviertrio in). Erinnerung an I. Sollertinsky - 1944).

In den Nachkriegsjahren entwickelte sich Schostakowitschs schöpferische Tätigkeit mit neuer Kraft. Nach wie vor wurde die Hauptlinie seiner künstlerischen Suche in monumentalen symphonischen Gemälden dargestellt. Nach der etwas leichteren Neunten (1945), einer Art Intermezzo, allerdings nicht ohne deutliche Anklänge an den gerade beendeten Krieg, schuf der Komponist die inspirierte Zehnte Symphonie (1953), in der das Thema thematisiert wurde tragisches Schicksal Künstler, das hohe Maß an Verantwortung in moderne Welt. Das Neue war jedoch größtenteils das Ergebnis der Bemühungen früherer Generationen – weshalb der Komponist von den Ereignissen eines Wendepunkts in der russischen Geschichte so angezogen wurde. Die Revolution von 1905, die durch den Blutsonntag am 9. Januar gekennzeichnet war, erwacht im monumentalen Programm der Elften Symphonie (1957) zum Leben, und die Errungenschaften der siegreichen Symphonie von 1917 inspirierten Schostakowitsch zur Schaffung der Zwölften Symphonie (1961).

Reflexionen über den Sinn der Geschichte, über die Bedeutung der Taten ihrer Helden spiegelten sich auch in der einteiligen vokalsinfonischen Dichtung „Die Hinrichtung von Stepan Rasin“ (1964) wider, die auf einem Fragment von E. Jewtuschenko basiert Gedicht „Wasserkraftwerk Bratsk“. Aber die Ereignisse unserer Zeit, verursacht durch drastische Veränderungen im Leben der Menschen und in ihrer Weltanschauung, angekündigt durch den 20. Parteitag der KPdSU, ließen den großen Meister der sowjetischen Musik nicht gleichgültig – ihr lebendiger Atem ist im Dreizehnten spürbar Symphonie (1962), ebenfalls nach den Worten von E. Jewtuschenko geschrieben. In der Vierzehnten Symphonie wandte sich der Komponist den Gedichten von Dichtern verschiedener Zeiten und Völker zu (F. G. Lorca, G. Apollinaire, W. Kuchelbecker, R. M. Rilke) – das Thema der Vergänglichkeit reizte ihn Menschenleben und die Ewigkeit der Schöpfungen wahrer Kunst, vor der selbst der allmächtige Tod zurücktritt. Das gleiche Thema bildete die Grundlage für die Gestaltung eines vokal-symphonischen Zyklus basierend auf Gedichten des großen italienischen Künstlers Michelangelo Buonarroti (1974). Und schließlich werden in der letzten Fünfzehnten Symphonie (1971) die Bilder der Kindheit wieder lebendig, neu erschaffen vor den Augen eines weisen Schöpfers, der ein wahrhaft unermessliches Maß menschlichen Leids erlebt hat.

Bei aller Bedeutung der Symphonie in Kreativität der Nachkriegszeit Schostakowitsch erschöpft nicht alle bedeutenden Dinge, die der Komponist in den letzten dreißig Jahren seines Lebens und Schaffens geschaffen hat. Besonderes Augenmerk legte er auf die Genres Konzert- und Kammermusikinstrumente. Er schuf zwei Violinkonzerte (und 1967), zwei Cellokonzerte (1959 und 1966) und ein zweites Klavierkonzert (1957). IN beste essays Dieses Genre verkörpert tiefe Konzepte von philosophischer Bedeutung, die mit denen vergleichbar sind, die in seinen Symphonien mit so beeindruckender Kraft zum Ausdruck kommen. Die Heftigkeit des Konflikts zwischen dem Spirituellen und dem Unspirituellen, den höchsten Impulsen menschlichen Genies und dem aggressiven Ansturm der Vulgarität und bewussten Primitivität ist im Zweiten Cellokonzert spürbar, wo eine einfache „Straßen“-Melodie bis zur Unkenntlichkeit verwandelt wird und ihr Eigenes offenbart unmenschliches Wesen.

Doch sowohl in Konzerten als auch in der Kammermusik zeigt sich Schostakowitschs virtuoses kompositorisches Können und eröffnet Raum für einen freien Wettbewerb zwischen Musikkünstlern. Hier war das traditionelle Streichquartett das Hauptgenre, das die Aufmerksamkeit des Meisters auf sich zog (der Komponist schrieb so viele davon wie Symphonien – 15). Schostakowitschs Quartette verblüffen durch ihre Vielfalt an Lösungen, von mehrsätzigen Zyklen (Elfter – 1966) bis hin zu einsätzigen Kompositionen (Dreizehnter – 1970). In einigen seiner Kammermusikwerke (im Achten Quartett – 1960, in der Sonate für Bratsche und Klavier – 1975) greift der Komponist auf die Musik seiner früheren Werke zurück und verleiht ihr einen neuen Klang.

Zu den Werken anderer Genres zählen der monumentale Zyklus der Präludien und Fugen für Klavier (1951), der von Bachs Feierlichkeiten in Leipzig inspiriert wurde, und das Oratorium „Lied von den Wäldern“ (1949), das zum ersten Mal in der sowjetischen Musik entstand Das Thema der Verantwortung des Menschen für die Erhaltung der ihn umgebenden Natur wurde angesprochen. Sie können auch Zehn Gedichte für A-cappella-Chor (1951), den Gesangszyklus „Aus jüdischer Volkspoesie“ (1948) und Zyklen nach Gedichten der Dichter Sasha Cherny („Satires“ – 1960) und Marina Tsvetaeva (1973) nennen.

Auch in den Nachkriegsjahren wurde die Arbeit im Kino fortgesetzt – Schostakowitschs Musik für die Filme „The Gadfly“ (nach dem Roman von E. Voynich – 1955) sowie für die Verfilmungen von W. Shakespeares Tragödien „Hamlet“ ( 1964) und „König Lear“ (1971) wurden weithin bekannt. ).

Schostakowitsch hatte maßgeblichen Einfluss auf die Entwicklung der sowjetischen Musik. Dies spiegelte sich nicht so sehr im direkten Einfluss des Stils des Meisters und seiner charakteristischen künstlerischen Mittel wider, sondern im Wunsch nach einem hohen Gehalt der Musik, ihrer Verbindung mit den grundlegenden Problemen des menschlichen Lebens auf der Erde. Humanistisch in seinem Wesen, wahrhaft künstlerisch in der Form, erlangte Schostakowitschs Werk weltweite Anerkennung und wurde zum klaren Ausdruck des Neuen, das die Musik des Landes der Sowjets der Welt schenkte.