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Die zeitgenössische belgische Künstlerin Deborah Missourtin ( Debora Missoorten) wurde in Antwerpen, Belgien, geboren und lebt dort, wo sie als Selbstständige arbeitet professioneller Künstler. Sie schloss ihr Studium an der Akademie der Künste mit einem Abschluss in Kostümdesign für das Theater ab.

Zeitgenössische Künstler Belgiens. Jean-Claude-Kleid

Jean-Claude ist einer der wenigen Künstler unserer Zeit, die auf die großen Beispiele der Vergangenheit zurückgreifen konnten und diese entsprechend seiner persönlichen Vision überarbeiten und bearbeiten konnten. Er füllt seine Werke so mit Emotionen, dass sie den Betrachter zur Quelle dieser Emotionalität zurückbringen, bereichert durch die Bemühungen des Autors, ein sorgfältig entwickeltes Konzept von Bild, Farbe und Harmonie. Der Künstler tut dies, um uns Freude daran zu bereiten, die Geheimnisse rund um diese Quelle zu lüften.

Ich versuche das Unsichtbare zu zeigen. Juan Maria Bolle

Juan Maria Bolle ist ein berühmter flämischer (belgischer) Künstler, der im Dezember 1958 in Vilvoorde bei Brüssel, Belgien, geboren wurde. 1976 machte er seinen Abschluss an der Royal Athenaeum High School in seiner Heimatstadt. 1985 schloss er sein Studium am St. Lucas Institute of Arts in Brüssel ab.

Leidenschaft braucht kein Etikett. Peter Seminck

Peter Seminck ist ein berühmter belgischer Künstler, geboren 1958 in Antwerpen. Seine Ausbildung erhielt er an der Kunstakademie Schoten, wo er zunächst einen Bachelor- und dann einen Master-Abschluss erhielt Bildende Kunst. Er beschränkt sich nicht auf Themen; er malt verschiedene Gemälde, meist in Öl auf Leinwand. Lebt und arbeitet derzeit in Malle, einem Vorort von Antwerpen, Belgien.

Zeitgenössischer belgischer Künstler. Debora Missoorten

Die zeitgenössische belgische Künstlerin Debora Missoorten wurde in Antwerpen, Belgien, geboren und lebt dort, wo sie als unabhängige professionelle Künstlerin arbeitet. Sie schloss ihr Studium an der Akademie der Künste mit einem Abschluss in Kostümdesign für das Theater ab.

Zeitgenössische Künstler Belgiens. Frédéric Dufoor

Zeitgenössischer Künstler Frédéric Dufort wurde 1943 in Tournai, Belgien, geboren und erhielt seine Ausbildung am Saint-Luc-Institut in Tournai und anschließend an der Mons Academy. Nach einer kurzen Pause wurde er im Atelier von Louis Van Lint am Saint-Luc-Institut in Brüssel eingeschrieben. Seit 1967, nach seinem Abschluss, lehrte er zehn Jahre lang am Institut für grafische Kommunikation und nahm dann eine Lehrstelle am Saint-Luc-Institut in Brüssel an, wo er bis Dezember 1998 arbeitete.

Moussin Irjan. Zeitgenössische Malerei

Musin Irzhan, modern Künstler, geboren 1977 in Almaty, Kasachstan. Von 1992 bis 1995 studierte er an der Kunstschule in Almaty. Anschließend trat er 1999 in die I. E. Repin Academy of Arts in St. Petersburg ein und schloss diese erfolgreich ab. Danach studierte er mehrere Jahre moderne Technik Malerei an der RHoK Art School in Brüssel und an der Akademie der Künste in Antwerpen.
Seit 2002 hat er mehr als einmal ausgestellt und an verschiedenen Wettbewerben teilgenommen, bei denen er mehr als einmal platziert wurde Spitzenplätze und erhielt Auszeichnungen. Seine Gemälde befinden sich in Privatsammlungen in England, Frankreich, Holland, den USA, Kolumbien, Belgien und Russland. Lebt und arbeitet derzeit in Antwerpen, Belgien.

Pol Ledent. Zeitgenössischer Autodidakt. Landschaften und Blumen

Das Hauptthema der Gemälde dieses Künstlers ist die Tierwelt, Landschaften und Jahreszeiten, aber Paulus widmete viele seiner Werke der Kraft, Energie und Schönheit des menschlichen Körpers.

Pol Ledent. Zeitgenössischer Autodidakt. Menschen

Paul Legent wurde 1952 in Belgien geboren. Zur Malerei kam er aber nicht gleich, sondern erst 1989. Er begann mit Aquarellen, merkte aber schnell, dass dies nicht das war, was er brauchte, Ölmalerei würde eher seiner Denkweise entsprechen.
Das Hauptthema von Pauls Gemälden ist die Tierwelt, Landschaften und Jahreszeiten, aber er widmete viele Werke der Kraft, Energie und Schönheit des menschlichen Körpers.

Sov Gürtel belgischer Künstler. Christiane Vleugels

Stéphane Heurion. Aquarellzeichnungen

Paul Ledent wurde 1952 in Belgien geboren. Für die Malerei entschied er sich nicht sofort, sondern erst nach mehrjähriger Tätigkeit als Ingenieur im Jahr 1989. Paul begann mit Aquarellen, hatte aber schnell das Gefühl, dass Ölmalerei besser zu seiner Denkweise passen würde.

Cedric Leonard jung Designer aus Belgien. Geboren 1985. Er schloss sein Studium der Bildenden Künste an der St. Luc School of the Arts mit einem Bachelor ab. Bald darauf begann er bei zu arbeiten kleines Unternehmen, Webmaster. Derzeit arbeitet er als freiberuflicher Designer. Cedric strebt bei allem, was er tut, nach Originalität und glaubt an den Reiz moderner visueller Effekte.

Vielfältiger und farbenfroher als die flämische Architektur und Skulptur entfaltet die flämische Malerei des 17. Jahrhunderts ihre prächtige Blüte. Noch deutlicher als in diesen Künsten tritt hier aus der Mischung nördlicher und südlicher Grundlagen das ewige Flamen als unauslöschlicher Nationalschatz hervor. In keinem anderen Land erfasste die zeitgenössische Malerei ein derart reichhaltiges und vielfältiges Themenspektrum. In neuen oder restaurierten Kirchen warteten Hunderte riesiger Barockaltäre auf auf große Leinwände gemalte Heiligenbilder. In Palästen und Häusern sehnten sich riesige Mauern nach mythologischen, allegorischen und genrehaften Staffeleigemälden; und die Porträtmalerei, die sich im 16. Jahrhundert zu lebensgroßen Porträts entwickelte, blieb eine große Kunst im wahrsten Sinne des Wortes, die bestechende Natürlichkeit mit edlem Ausdruck verband.

Neben diesem großartigen Gemälde, das Belgien mit Italien und Frankreich teilte, blühte hier die originale Kabinettmalerei, meist auf kleinen Holz- oder Kupfertafeln, auf, die die alten Traditionen fortsetzte, ungewöhnlich reichhaltig war, alles Dargestellte umfasste und religiöse, mythologische oder allegorische Themen nicht vernachlässigte. bevorzugen Alltag alle Bevölkerungsschichten, insbesondere Bauern, Taxifahrer, Soldaten, Jäger und Seeleute in all ihren Erscheinungsformen. Die entwickelten Landschafts- oder Raumhintergründe dieser kleinfigurigen Gemälde wurden in den Händen einiger Meister zu eigenständigen Landschafts- und Architekturgemälden. Diese Serie endet mit Bildern von Blumen, Früchten und Tieren. Der Überseehandel brachte Wunder der Flora und Fauna in die Kindergärten und Menagerien der regierenden Erzherzöge in Brüssel. Der Reichtum ihrer Formen und Farben war für die Künstler, die alles beherrschten, nicht zu übersehen.

Trotz alledem gab es in Belgien keinen Boden mehr für monumentale Wandmalereien. Mit Ausnahme von Rubens‘ Gemälden in der Antwerpener Jesuitenkirche und einigen Kirchenlandschaftsserien schufen die großen Meister Belgiens ihre großen Leinwand-, Wand- und Deckengemälde für ausländische Herrscher, und der Niedergang der Brüsseler Tapisserietechnik, an dem Rubens beteiligt war gab nur einen vorübergehenden Aufstieg, machte die Teilnahme anderer belgischer Meister wie den Jordans und Teniers überflüssig. Aber die belgischen Meister beteiligten sich in gewissem Maße, wenn auch nicht so tiefgreifend wie die Niederländer, an der Weiterentwicklung der Gravur und Radierung. Die gebürtigen Niederländer waren sogar die besten Kupferstecher vor Rubens, und die Beteiligung der größten belgischen Maler: der Rubens, der Jordans, der Van Dycks, der Brouwers und der Teniers an der „malerischen Gravur“ – der Radierung, ist teilweise nur zweitrangig Angelegenheit, teilweise sogar zweifelhaft.

Antwerpen, die reiche niederdeutsche Handelsstadt an der Schelde, wurde nun mehr denn je im wahrsten Sinne des Wortes zur Hauptstadt des Niederdeutschen Niederländische Malerei. Die Brüsseler Malerei, die nur eigenständige Wege in der Landschaft suchte, wurde zu einem Zweig der Antwerpener Kunst; selbst die Malerei der alten flämischen Kunstzentren Brügge, Gent und Mecheln lebte zunächst nur von ihren Beziehungen zu den Antwerpener Werkstätten. Aber im wallonischen Teil Belgiens, konkret in Lüttich, lässt sich eine eigenständige Anziehungskraft auf die Italiener und die Franzosen zurückführen.

Zur allgemeinen Geschichte der flämischen Malerei des 17. Jahrhunderts gehören neben den literarischen Quellensammlungen von Van Mander, Goubraken, de Bie, Van Gool und Weyerman auch die Lexika von Immerzeel, Cramm und Wurzbach sowie die konsolidierten, nur teilweise veralteten Bücher von Michiels, Waagen, Woters, Riegel und Philippi sind wichtig. Angesichts der herausragenden Bedeutung der Schelde-Kunst kann man auch die Geschichte der Antwerpener Kunst von Van den Branden und Rooses erwähnen, die natürlich Ergänzungen und Änderungen erfordert. Das diesbezügliche Kapitel des Autors dieses Buches in seiner und Woltmanns „Geschichte der Malerei“ ist im Detail bereits veraltet.

Die flämische Malerei des 17. Jahrhunderts erlangte in den kreativen Händen ihres großen Meisters Peter Paul Rubens, der Antwerpen zum zentralen Ort für den Export von Gemälden machte, völlige Freiheit in der Bildanordnung und -ausführung, innere Einheit von Design und Farben, die sanfteste Breite und Stärke für ganz Europa. An Meistern, die am Übergang zwischen alter und neuer Richtung standen, herrschte jedoch kein Mangel.

In den nationalrealistischen Zweigen mit kleinen Figuren vor dem Hintergrund der entwickelten Landschaft lebten noch immer nur Anklänge an die Größe und Spontaneität von Pieter Bruegel dem Älteren. Die Wiedergabe der Übergangslandschaft bleibt im Rahmen von Gilliss Van Coninksloos „Szenenstil“ mit seinem büscheligen Baumlaub und der Vermeidung der Schwierigkeiten der Luft- und Linearperspektive durch die Entwicklung einzelner, aufeinanderfolgender, unterschiedlich gefärbter Töne. Auch die Begründer der modernen Landschaftsmalerei, die Antwerpener Brüder Matthäus und Paul Bril (1550 – 1584 und 1554 – 1626), entstammten diesem konventionellen Stil, über dessen Entwicklung nahezu nichts bekannt ist. Matthäus Briel trat plötzlich als Maler von Landschaftsfresken im Vatikan in Rom auf. Nach seinem frühen Tod entwickelte Paul Bril, der Vatikankamerad seines Bruders, den damals neuen niederländischen Landschaftsstil weiter. Von Matthäus sind nur wenige authentische Gemälde erhalten; umso mehr stammt von Paulus, über dessen Kirchen- und Palastlandschaften im Vatikan, im Lateran und im Palazzo Rospigliosi in Santa Cecilia und in Santa Maria Maggiore in Rom ich an anderer Stelle berichtet habe. Erst allmählich gelangen sie unter dem Einfluss der freieren, einheitlicheren Landschaften von Annibale Carracci zum oben erwähnten ausgewogenen Übergangsstil. Briels Weiterentwicklung, die in die allgemeine Geschichte der Landschaftsmalerei einreiht, spiegelt sich in seinen zahlreichen, teilweise von Jahren geprägten, kleinen Landschaften auf Brettern wider (1598 in Parma, 1600 in Dresden, 1601 in München, 1608 und 1624 in Dresden, 1609). , 1620 und 1624 – im Louvre, 1626 – in St. Petersburg), wie üblich reich an Bäumen, selten versucht, einen bestimmten Bereich zu vermitteln. Auf jeden Fall gehört Paul Bril zu den Begründern des Landschaftsstils, aus dem die Kunst von Claude Lorrain hervorging.

In den Niederlanden entwickelte der Antwerpener Josse de Momper (1564 - 1644), der am besten in Dresden vertreten ist, den Koninksloo-Bühnenstil in elegant gemalten Berglandschaften, nicht besonders reich an Bäumen, in denen „drei Hintergründe“, manchmal mit dem Zusatz eines sonnenbeschienene vierte, erscheint normalerweise in seiner ganzen braun-grün-grau-blauen Pracht.

Den Einfluss von Brills älteren Gemälden spürte der zweite Sohn von Peter Bruegel dem Älteren, Jan Brueghel der Ältere (1568–1625), der vor seiner Rückkehr nach Antwerpen im Jahr 1596 in Rom und Mailand arbeitete. Crivelli und Michel widmeten ihm jeweils eigene Werke. Er malte überwiegend kleine, manchmal auch Miniaturbilder, die auch dann den Eindruck einer Landschaft erwecken, wenn sie biblische, allegorische oder Genrethemen darstellen. Sie sind es, die fest am Koninksloo-Stil mit büscheligem Blattwerk festhalten, obwohl sie die gegenseitigen Übergänge der drei Hintergründe subtiler vermitteln. Charakteristisch für Jan Brueghels Vielseitigkeit ist, dass er Landschaftshintergründe für Figurenmaler wie Balen, Figuren für Landschaftsmaler wie Momper und Blumenkränze für Meister wie Rubens malte. Er ist berühmt für sein frisch und subtil ausgeführtes Werk „Der Untergang des Haager Museums“, in dem Rubens Adam und Eva malte und Jan Brueghel Landschaften und Tiere malte. Seine eigenen Landschaften, reichlich ausgestattet mit buntem Volksleben, die den Himmel mit seinen Wolken noch nicht besonders ausdrucksstark wiedergeben, stellen hauptsächlich von Flüssen bewässerte Hügelgebiete, Ebenen mit Windmühlen, Dorfstraßen mit Tavernenszenen, Kanäle mit bewaldete Ufer, belebte Landstraßen auf bewaldeten Höhen und Forststraßen mit Holzfällern und Jägern, anschaulich und originalgetreu beobachtet. Frühe Gemälde Seine Pinsel sind in der Mailänder Ambrosiana zu sehen. Es ist am besten in Madrid vertreten, aber auch in München, Dresden, St. Petersburg und Paris. Von besonderer Bedeutung im Sinne der Suche nach neuen Wegen war seine Blumenmalerei, die nicht nur den ganzen Charme der Formen und die Farbbrillanz seltener Farben, sondern auch deren Kombinationen äußerst überzeugend vermittelte. Madrid, Wien und Berlin haben Blumengemälde von seinem Pinsel.

Von seinen Mitarbeitern sollten wir Hendrik Van Balen (1575 - 1632) nicht verpassen, dessen Lehrer als Rubens‘ zweiter Lehrer, Adam Van Noort, gilt. Seine Altarbilder (zum Beispiel in der Jakobskirche in Antwerpen) sind unerträglich. Er wurde berühmt für seine kleinen, glatt geschriebenen, zuckersüßen Gemälde auf Tafeln, deren Inhalt hauptsächlich aus antiken Fabeln stammte, zum Beispiel „Das Fest der Götter“ im Louvre, „Ariadne“ in Dresden, „Die Sammlung des Mannas“ in Braunschweig, Allerdings mangelt es seinen Gemälden dieser Art auch an künstlerischer Frische und Spontaneität.

Der oben beschriebene Landschaftsstil des Übergangs setzte sich jedoch bis zu Beginn unter schwachen Nachahmern fort XVIII Jahrhundert. Hier können wir nur die stärksten Meister dieser Richtung erwähnen, die sie nach Holland übertrugen: David Vinkboons aus Mecheln (1578 - 1629), der von Antwerpen nach Amsterdam zog, malte frische Wald- und Dorfszenen, gelegentlich auch biblische Episoden in Landschaftskulissen , aber vor allem Tempelfeiertage vor Dorfschenken. Seine besten Gemälde in Augsburg, Hamburg, Braunschweig, München und St. Petersburg sind ganz direkt betrachtet und nicht ohne Zwang, mit bunten Farben gemalt. Roelant Savery von Courtrai (1576 - 1639), dem Curt Erasmus eine liebevoll verfasste Studie widmete, studierte im Dienste Rudolfs II. die deutschen Waldberge und ließ sich anschließend als Maler und Radierer zunächst in Amsterdam, dann in Utrecht nieder. Er bestückte seine lichtdurchfluteten, drei nach und nach ineinander übergehenden, in der Ausführung jedoch etwas trockenen Pläne mit Berg-, Fels- und Waldlandschaften, die gut in Wien und Dresden zu sehen sind, mit lebenden Gruppen wilder und zahmer Tiere in Jagdszenen, in Bildern von Paradies und Orpheus. Er gehört auch zu den ersten unabhängigen Blumenmalern. Adam Willaerts aus Antwerpen (1577, gest. nach 1649), der 1611 nach Utrecht zog, war ein Vertreter der Seelandschaft dieses Übergangsstils. Seine Küsten- und Meeresansichten (zum Beispiel in Dresden, bei Weber in Hamburg, in der Liechtenstein-Galerie) sind noch trocken im Wellenmuster, noch rau in der Darstellung des Schiffslebens, bestechen aber durch die Ehrlichkeit ihres Umgangs mit der Natur . Schließlich folgt Alexander Kerrinckx aus Antwerpen (1600 - 1652), der seine flämische Landschaftskunst nach Amsterdam übertrug, in Gemälden mit seiner Signatur immer noch ganz Koninksloe, ist aber in späteren Gemälden von Braunschweig und Dresden offensichtlich von der bräunlichen holländischen Tonmalerei beeinflusst Van Goyen. Er gehört damit im wahrsten Sinne des Wortes zu den Übergangsmeistern.

Unter den beheimateten Antwerpener Meistern dieses Stils ist Sebastian Vranx (1573 - 1647) als Landschafts- und Pferdemaler zweifellos erfolgreich. Er stellt auch Laub in Form von Büscheln dar, meist hängend, wie eine Birke, verleiht ihm aber eine natürlichere Verbindung, verleiht dem luftigen Ton eine neue Klarheit und versteht es, den Handlungen des souverän und schlüssig Geschriebenen einen vitalen Charakter zu verleihen Pferde und Reiter seiner Kampf- und Räuberszenen, die beispielsweise in Braunschweig, Aschaffenburg, Rotterdam und bei Weber in Hamburg zu sehen sind.

In der Architekturmalerei schließlich im 16. Jahrhundert sein Sohn Hendrik Steenvik der Jüngere (1580 – 1649), der nach London zog, und neben ihm das Hauptbild, Peter Neefs der Ältere (1578 – 1656), Innenansichten deren Kirchen befinden sich in Dresden, Madrid, Paris und St. Petersburg.

Überhaupt war die flämische Malerei offensichtlich auf dem richtigen Weg, zur Kleinkunst zurückzukehren, als die große Kunst von Rubens sich wie die Sonne über sie erhob und sie mit sich in das Reich des Lichts und der Freiheit trug.

Peter Paul Rubens (1577 – 1640) – die Sonne, um die sich alles Belgische dreht Kunst XVII Jahrhundert, aber zugleich einer der großen Koryphäen der gesamteuropäischen Kunst dieser Zeit. Im Gegensatz zu allen italienischen Barockmalern ist er der Hauptvertreter des Barock in der Malerei. Die Fülle der Formen, die Bewegungsfreiheit, die Dominanz über die Massen, die dem barocken Architekturstil Malerisches verleiht, werden in Rubens‘ Gemälden von der Schwere des Steins abgeschafft und erhalten mit dem berauschenden Luxus der Farben ein eigenständiges, neues Recht darauf Existenz. Mit der Kraft einzelner Formen, der Erhabenheit der Komposition, der blühenden Fülle von Licht und Farben, der Leidenschaft des Lebens, die plötzliche Handlungen vermittelt, der Kraft und dem Feuer, das körperliche und geistige Leben seiner fleischigen Männer und Frauen, gekleidet und anregend, zu erregen In unbekleideten Figuren übertrifft er alle anderen Meister. Der luxuriöse Körper seiner blonden Frauen mit vollen Wangen, prallen Lippen und einem fröhlichen Lächeln erstrahlt weiß. Von der Sonne verbrannt, strahlt die Haut seiner Krieger, und ihre kühne, konvexe Stirn wird durch die kräftigen Wölbungen ihrer Augenbrauen belebt. Seine Porträts sind die frischesten und gesündesten, nicht die individuellsten und intimsten ihrer Zeit. Niemand wusste, wie er wilde und zahme Tiere so anschaulich wiedergeben konnte wie er, obwohl er aus Zeitmangel in den meisten Fällen Assistenten zurückließ, um sie in seinen Gemälden darzustellen. In der Landschaft, deren Ausführung er auch Gehilfen anvertraute, sah er vor allem die Gesamtwirkung des atmosphärischen Lebens, malte aber auch im hohen Alter selbst erstaunliche Landschaften. Seine Kunst umfasste die gesamte Welt der spirituellen und physischen Phänomene, die gesamte Komplexität der Vergangenheit und Gegenwart. Er malte Altarbilder und erneut Altarbilder für die Kirche. Er malte Porträts und Porträts hauptsächlich für sich und seine Freunde. Er schuf mythologische, allegorische, historische Bilder und Jagdszenen für die Großen dieser Welt. Landschafts- und Genrebilder waren zufällige Nebenbeschäftigungen.

Befehle prasselten auf Rubens ein. Aus seinem Atelier kamen mindestens zweitausend Gemälde. Die große Nachfrage nach seiner Kunst entstand durch die häufige Wiederholung ganzer Gemälde oder einzelner Teile durch die Hände seiner Schüler und Gehilfen. Auf dem Höhepunkt seines Lebens überließ er seine Bilder meist seinen Assistenten. Es gibt alle Übergänge zwischen seinen eigenen Werken und den Gemälden der Werkstatt, für die er nur Skizzen lieferte. Bei aller Ähnlichkeit der Grundformen und Grundstimmungen weisen seine eigenen Gemälde, genau wie die vieler seiner Zeitgenossen, deutliche Stilveränderungen auf, von solider plastischer Modellierung und dicker, schwerer Schrift zu einer leichteren, freieren, helleren Ausführung und mehr von animierten Konturen bis hin zu sanfteren, luftigeren und stimmungsvolleren Modellierungen, beleuchtet durch die farbenfrohen Farben der Tonmalerei.

An der Spitze der neuesten Literatur zu Rubens steht das breit angelegte Sammelwerk von Max Rooses: „The Works of Rubens“ (1887 – 1892). Die besten und wichtigsten biografischen Werke stammen von Rooses und Michel. Sammelwerke wurden nach Waagen auch von Jacob Burchardt, Robert Fischer, Adolf Rosenberg und Wilhelm Bode veröffentlicht. Einzelne Fragen zu Rubens wurden von Ruelens, Woltmann, Riegel, Heller von Ravensburg, Grosmann, Riemanns und anderen untersucht. Giemans und Voorthelm-Schnevogt waren bei Rubens als Kupferstecher beschäftigt.

Rubens wurde in Siegen bei Köln als Sohn angesehener Antwerpener geboren und erhielt seine erste künstlerische Ausbildung in der Stadt seiner Väter bei Tobias Verhegt (1561 – 1631), einem mittelmäßigen Landschaftsmaler des Übergangsstils, und studierte anschließend vier Jahre lang bei Adam Van Noort (1562 - 1641), einer der durchschnittlichen Meister des manierierten Italismus, wie man ihn heute kennt, und arbeitete dann weitere vier Jahre mit Otto Van Wen zusammen, reich an Erfindungen, leer in der Form, ein falscher Klassiker, mit dem er zunächst eng zusammenarbeitete trat bei und wurde 1598 Zunftmeister. 1908 widmete Haberzwil den drei Lehrern von Rubens ausführliche Artikel. Kein Gemälde aus Rubens‘ früher Antwerpener Zeit kann mit Sicherheit nachgewiesen werden. Von 1600 bis 1608 lebte er in Italien; zunächst in Venedig, dann hauptsächlich im Dienst von Vincenzo Gonzaga in Mantua. Doch bereits 1601 schrieb er in Rom für drei Altäre der Kirche Santa Croce in Gerusalemme „Die Auffindung des Kreuzes“, „Die Dornenkrönung“ und „Die Erhöhung des Kreuzes“. Diese drei Gemälde, die heute zur Krankenhauskapelle in Grasse in Südfrankreich gehören, offenbaren den Stil seiner ersten italienischen Periode, noch auf der Suche nach sich selbst, immer noch beeinflusst von Kopien von Tintoretto, Tizian und Correggio, aber bereits erfüllt von einem eigenständigen Wunsch nach Kraft und Bewegung. Der junge Meister ging 1603 auf Befehl seines Fürsten nach Spanien. Von den Gemälden, die er dort malte, zeigen die Figuren der Philosophen Heraklit, Demokrit und Archimedes im Madrider Museum noch immer pompöse, abhängige Formen, aber auch einen starken Eindruck psychologischer Tiefe. Als Rubens nach Mantua zurückkehrte, malte er ein großes dreiteiliges Altarbild. mittleres Bild die, mit der Verehrung der Familie Gonzaga, St. Die „Taufe Christi“, die in zwei Teilen in der Bibliothek von Mantua aufbewahrt wird, und die breiten, figurenreichen Seitengemälde, die die stetig wachsende Kraft der Formen und das Wirken der Massen zeigen, landeten im Antwerpener Museum und „Verklärung“ im Nancy Museum. Dann, im Jahr 1606, malte der Meister erneut in Rom für die Chiesa Nuova ein prächtiges Altarbild der Himmelfahrt des Heiligen, das in seinen in Licht getauchten Figuren bereits von rubensischer Kraft erfüllt war. Gregory“, heute im Besitz des Grenoble-Museums, und in Rom bereits 1608 durch drei andere, keineswegs bessere Gemälde desselben Meisters ersetzt. Die spektakuläre „Beschneidung Christi“ von 1607 in Sant’Ambrogio in Genua ähnelt deutlicher Caravaggios Stil. Forscher wie Rooses und Rosenberg führen den Meister jedoch auf die italienische Zeit zurück, als er Werke von Tizian, Tintoretto, Correggio, Caravaggio, Leonardo, Michelangelo und Raffael sowie eine Reihe von Gemälden von ihm kopierte, die er jedoch offenbar selbst gemalt hatte später. Große, aus Mantua stammende, kräftig in Form und Farbe, Allegorien der Zurschaustellung und Tugend in Dresden, wenn nicht, wie Michel bei uns denkt, um 1608 in Mantua geschrieben, dann geben wir zusammen mit Bode eher zu, dass sie nach Rubens entstanden sind ' Rückkehr in seine Heimat als bei Roosers, dass sie vor seiner Italienreise nach Antwerpen geschrieben wurden. Auch das souverän gezeichnete und plastisch modellierte Bild des Hieronymus in Dresden offenbart einen eigentümlichen, für seine italienische Zeit vielleicht sogar zu entwickelten Rubensischen Stil, dem wir nun dieses Bild zuordnen. Als Rubens 1608 nach Antwerpen zurückkehrte, wurde er bereits 1609 zum Hofmaler von Albrecht und Isabella ernannt, und sein bereits eigenständiger Stil entwickelte sich schnell zu enormer Kraft und Größe.

Seine „Anbetung der Heiligen Drei Könige“ (1609–1610) in Madrid ist überladen in der Komposition, unruhig in den Umrissen und ungleichmäßig in der Lichtwirkung, jedoch von kraftvoller Bewegung geprägt. Voller Leben und Leidenschaft, kraftvoll in der muskulösen Modellierung der Körper, sein berühmtes dreiteiliges Bild „Die Kreuzerhöhung“ in der Antwerpener Kathedrale. Stärkere italienische Erinnerungen spiegeln sich in zeitgleichen mythologischen Gemälden wider, etwa Venus, Amor, Bacchus und Ceres in Kassel und der rundliche, gefesselte Prometheus in Oldenburg. Typische Beispiele für großformatige Porträts dieser Epoche sind Landschaftsporträts von Albrecht und Isabella in Madrid und ein prächtiges Münchner Gemälde, das den Meister selbst in einer Geißblattlaube mit seiner jungen Frau Isabella Brant zeigt, die er 1609 in seine Heimat brachte unvergleichliches Bild ruhiger, reiner Glücksliebe.

Die Kunst von Rubens fand zwischen 1611 und 1614 ihre weitere Blüte. Das riesige Gemälde „Die Kreuzabnahme“ mit dem majestätischen „Besuch Mariens Elisabeths“ und „Einführung in den Tempel“ an den Türen in der Antwerpener Kathedrale gilt als das erste Werk, in dem der Meister seine eigenen und eigenen Vorbilder mitbrachte Schreibweise zur vollen Entfaltung. Die leidenschaftliche Lebendigkeit der einzelnen Bewegungen ist wunderbar, und noch wunderbarer ist die gefühlvolle Kraft der bildnerischen Umsetzung. Zu diesen Jahren gehören auch mythologische Gemälde wie „Romulus und Remus“ in der Kapitolinischen Galerie, „Faun und Faun“ in der Schönborn-Galerie in Wien.

Rubens' kompositionssicheres Gemälde mit klar definierten Formen und Farben aus den Jahren 1613 und 1614 ist auf einigen Gemälden vertreten, die ausnahmsweise mit seinem Namen und dem Entstehungsjahr versehen sind. Dies sind das Gemälde „Jupiter und Kallisto“ (1613), rein in der Form, wunderschön in der Farbe, „Flucht nach Ägypten“ in Kassel, voller magischem Licht, „Gekühlte Venus“ (1614) in Antwerpen, pathetische „Wehklage“ (1614). ) in Wien und „Susanna“ (1614) in Stockholm, deren Körper zweifellos angenehmer und besser verständlich ist als der zu luxuriöse Körper seiner früheren Susanna in Madrid; Entsprechend der Malweise werden diese Gemälde auch von kraftvollen Symbolbildern eines einsamen gekreuzigten Christus vor dem Hintergrund eines verdunkelten Himmels in München und Antwerpen begleitet.

Von diesem Zeitpunkt an häuften sich die Aufträge im Atelier von Rubens so sehr, dass er seinen Assistenten eine wichtigere Rolle bei der Ausführung seiner Gemälde zuwies. Zu den ältesten zählen neben Jan Bruegel der herausragende Tier- und Früchtemaler Frans Snyders (1579 – 1657), der laut Rubens selbst den Adler im oben erwähnten Oldenburger Gemälde mit Prometheus malte, und der lebhafte Landschaftsmaler Jan Wildens (1586 - 1653), der ab 1618 für Rubens arbeitete. Der bemerkenswerteste Mitarbeiter war Anton Van Dyck (1599 – 1641), der später eine unabhängige Persönlichkeit wurde. Jedenfalls war er, nachdem er 1618 Meister geworden war, bis 1620 Rubens‘ rechte Hand. Rubens‘ eigene Gemälde dieser Jahre kontrastieren den bläulichen Halbschatten des Körpers meist mit einem rötlich-gelben Lichtfleck, während sich Gemälde mit einer klar erkennbaren Zusammenarbeit mit Van Dyck durch ein gleichmäßiges warmes Hell-Dunkel und eine nervösere malerische Wiedergabe auszeichnen. Dazu gehören sechs große, mit Begeisterung gemalte Bilder aus dem Leben des römischen Konsuls Decius Mussa im Liechtensteinpalais in Wien, Kartons, die Rubens 1618 für gewebte Teppiche anfertigte (erhaltene Kopien befinden sich in Madrid), und große dekorative Deckengemälde (erhalten). nur Skizzen in verschiedenen Sammlungen), und einige der spektakulärsten in der Komposition, mit vielen Figuren der Altarbilder dieser Kirche, „Das Wunder des Hl. Xavier“ und „Das Wunder des Hl. Ignatius“, gerettet vom Wiener Hofmuseum. Auch bei der großen Kreuzigung in Antwerpen, bei der Longinus zu Pferd mit einem Speer in die Seite des Erlösers sticht, bei der Madonna mit reuigen Sündern in Kassel und laut Bode auch bei der Münchner „Dreifaltigkeit“ besteht kein Zweifel an Van Dycks Mitwirkung Day“ und im Berliner „Lazare“, laut Rooses auch bei der dramatischen Löwenjagd und bei der nicht minder dramatischen, leidenschaftlichen und schnellen Entführung der Töchter des Leukipp in München. Alle diese Gemälde glänzen nicht nur durch die kühne Kraft der Komposition von Rubens, sondern auch durch die eindringliche Subtilität von Van Dycks Malgefühl. Zu den handgemalten Gemälden, die Rubens in den Jahren 1615 bis 1620 zum großen Teil selbst malte, zählen die besten religiösen Gemälde – voller überschwänglicher, aufgeregter Massenbewegungen. Jüngstes Gericht„in München und voller innerer Belebtheit „Mariä Himmelfahrt“ in Brüssel und Wien, sowie meisterhafte mythologische Gemälde, luxuriöse „Bacchanalien“ und Bilder von „Thiasos“ in München, Berlin, St. Petersburg und Dresden, in denen Die Kraft der überströmenden sinnlichen Lebensfreude, aus dem Römischen ins Flämische übersetzt, kommt offenbar erstmals voll zum Ausdruck. „Die Amazonenschlacht“ in München (um 1620), eine unerreichbare Schöpfung im Sinne einer malerischen Übertragung der wildesten Schlachten und Schlachten, obwohl in kleinem Umfang geschrieben, steht hier nebenan. Dann folgen lebensgroße nackte Kinder, wie prächtige „Putten“ mit einer Früchtegirlande in München, dann wilde Jagdszenen, Löwenjagden, von denen die beste in München ist, und Wildschweinjagden, von denen die beste in Dresden hängt. Dann folgen erste Landschaftsbilder mit mythologischen Ergänzungen, etwa das stimmungsvolle „Der Schiffbruch des Aeneas“ in Berlin, oder mit naturnaher Umgebung, wie die strahlende römische Ruinenlandschaft im Louvre (um 1615) und die lebendigen Landschaften „Sommer“ und „Winter“ (um 1620) in Windsor. Majestätisch dargestellt, großzügig und wahrheitsgetreu gemalt, ohne einen Hauch alter Manierismen, beleuchtet vom Licht aller möglichen himmlischen Manifestationen, stehen sie wie Grenzpfeiler in der Geschichte der Landschaftsmalerei.

Deutlich, majestätisch und kraftvoll stechen schließlich die Porträts von Rubens zu diesem fünften Jahrestag hervor. Sein Selbstporträt in den Uffizien ist ein Meisterwerk und seine Porträtgruppe „Vier Philosophen“ im Pitti-Palast ist großartig. Seine Frau Isabella erscheint in der Blüte ihrer Schönheit in edlen Porträts von Berlin und Den Haag. Um 1620 wurde in der Londoner National Gallery auch ein erstaunliches Porträt von Susanna Furman mit Hut und Feder gemalt, das mit zartem Hell-Dunkel bedeckt war. Die berühmten Männerporträts des Meisters aus diesen Jahren sind in München und in der Liechtenstein-Galerie zu sehen. So leidenschaftlich Rubens Episoden aus der heiligen Weltgeschichte, Jagdszenen und sogar Landschaften darstellte, so ruhig malte er seine Porträtfiguren und verstand es, ihre Körperhülle mit monumentaler Kraft und Wahrheit zu vermitteln, ohne jedoch den Versuch zu unternehmen, innerlich zu vergeistigen, sondern nur im Allgemeinen einzufangen , Gesichtszüge.

Van Dyck verließ Rubens 1620 und seine Frau Isabella Brant starb 1626. Einen neuen Impuls für seine Kunst gab seine zweite Heirat mit der schönen jungen Helena Furman im Jahr 1630. Aber auch seine künstlerischen und diplomatischen Reisen nach Paris dienten als Anstoß (1622). , 1623, 1625), nach Madrid (1628, 1629) und nach London (1629, 1630). Von den beiden großen historischen Serien mit Allegorien gehören heute 21 riesige Gemälde aus dem Leben von Marie de Medici (die Geschichte wurde von Grossman geschrieben) zu den besten Dekorationen des Louvre. Diese historischen Gemälde wurden von der meisterhaften Hand von Rubens entworfen, von seinen Schülern gemalt und von ihm selbst fertiggestellt. Sie sind mit vielen modernen Porträts und allegorischen mythologischen Figuren im Geiste des modernen Barocks gefüllt und repräsentieren eine solche Fülle individueller Schönheiten und eine solche künstlerische Harmonie, dass sie werden für immer die besten Werke der Malerei des 17. Jahrhunderts bleiben. Von einer Reihe von Gemälden über das Leben Heinrichs IV. von Frankreich landeten zwei halbfertige Gemälde in den Uffizien; Skizzen für andere werden in verschiedenen Sammlungen aufbewahrt. Die neun Gemälde zur Verherrlichung Jakobs I. von England, mit denen Rubens einige Jahre später die vom Londoner Ruß geschwärzten Deckenfelder des Prunksaals im White Hall schmückte, sind zwar nicht wiederzuerkennen, gehören aber selbst nicht zu den erfolgreichsten Werken des Meisters.

Von den religiösen Gemälden, die Rubens in den zwanziger Jahren malte, markiert die große, feurige Anbetung der Könige in Antwerpen, die 1625 fertiggestellt wurde, mit ihrem lockereren und breiteren Pinsel, der leichteren Formensprache und der goldeneren, luftigeren erneut einen Wendepunkt in seiner künstlerischen Entwicklung Färbung. Die helle, luftige „Himmelfahrt Mariens“ in der Antwerpener Kathedrale war 1626 fertig. Es folgen die malerische, kostenlose „Anbetung der Heiligen Drei Könige“ im Louvre und „Die Auferweckung der Jungfrau Maria“ in Antwerpen. In Madrid, wo der Meister erneut Tizian studierte, wurde seine Farbgebung reicher und „florider“. Die „Madonna“ mit den sie anbetenden Heiligen in der Augustinerkirche in Antwerpen ist eine eher barocke Wiederholung von Tizians Madonna-Frari. Auch der sinnvoll überarbeitete Teil von Mantegnas „Triumph Caesars“, der sich 1629 in London befand (heute in der National Gallery), dürfte ihrem Brief nach zu urteilen erst nach dieser Zeit erschienen sein. Dieses Jahrzehnt ist besonders reich an großen Porträts des Meisters. Gealtert, aber immer noch voller wärmender Schönheit ist Isabella Brant in dem wunderschönen Hermitage-Porträt; Das Porträt in den Uffizien weist noch schärfere Züge auf. Zu den schönsten und farbenprächtigsten zählt das Doppelporträt seiner Söhne in der Galerie Liechtenstein. Berühmt ist das ausdrucksstarke Porträt von Caspar Gevaert an seinem Schreibtisch in Antwerpen. Und der greise Meister selbst erscheint mit einem subtilen diplomatischen Lächeln auf den Lippen auf dem wunderschönen Brustbildnis Arembergs in Brüssel vor uns.

Das letzte Jahrzehnt, das Rubens (1631 - 1640) zuteil wurde, stand unter dem Stern seiner geliebten zweiten Frau Helena Furman, die er in allen Formen malte und die ihm als Vorbild für religiöse und mythologische Gemälde diente. Ihre besten Porträts von Rubens gehören zu den schönsten Frauenporträts der Welt: halbfigurig, in reichem Kleid, mit Hut und Feder; lebensgroß, sitzend, in einem luxuriösen, an der Brust offenen Kleid; in kleiner Form, neben ihrem Mann beim Gartenspaziergang - sie erscheint in der Münchner Pinakothek; nackt, nur teilweise mit einem Pelzgewand bedeckt – im Wiener Hofmuseum; im Anzug für einen Feldspaziergang - in der Eremitage; mit ihrem Erstgeborenen an der Seite, am Arm ihres Mannes und auch auf der Straße, begleitet von einem Pagen – mit Baron Alphonse Rothschild in Paris.

Die bedeutendsten Kirchenwerke dieser blühenden, strahlenden Spätzeit des Meisters sind der majestätisch und ruhig komponierte, in allen Farben des Regenbogens leuchtende Altar des Hl. Ildefonso mit mächtigen Stifterfiguren an den Türen des Wiener Hofmuseums und ein prächtiges Altarbild in Rubens‘ eigener Grabkapelle in der Jakobskirche in Antwerpen mit den Heiligen der Stadt, gemalt von Personen aus dem Umfeld des Meisters. Einfachere Werke, wie zum Beispiel: St. Cecilia in Berlin und die prächtige Bathseba in Dresden stehen ihnen in Ton und Farben in nichts nach. Zu den wertvollen mythologischen Bildern dieser Zeit zählen die brillanten Pariser Höfe in London und Madrid; und welche leidenschaftliche Lebendigkeit atmet Dianas Jagd in Berlin, wie sagenhaft luxuriös ist das Venusfest in Wien, was für ein magisches Licht erhellen Orpheus und Eurydike in Madrid!

Einige Genrebilder des Meisters bereiten diese Art der Malerei vor. So wird der Charakter des mythologischen Genres in der kühn sinnlichen, lebensgroßen „Rendezvous Hour“ in München eingefangen.

Die Prototypen aller gesellschaftlichen Szenen Watteaus sind die berühmten Gemälde mit fliegenden Liebesgöttern, genannt „Gärten der Liebe“, mit Gruppen luxuriös gekleideter verliebter Paare auf einer Party im Garten. Eines der besten Werke dieser Art befindet sich im Besitz von Baron Rothschild in Paris, ein weiteres im Madrider Museum. Die bedeutendsten Genrebilder mit kleinen Figuren aus dem Volksleben, gemalt von Rubens, sind ein stattlicher und vitaler, rein rubensischer Bauerntanz in Madrid, ein Halblandschaftsturnier vor dem Burggraben, im Louvre und ein Jahrmarkt im derselben Kollektion, deren Motive an Teniers erinnern.

Auch die meisten realen Landschaften von Rubens gehören zu den letzten Jahren seines Lebens: so die strahlende Landschaft mit Odysseus im Pitti-Palazzo, so sind die Landschaften neu gestaltet, die mit einem einfachen und umfassenden Bild der Umgebung der Wohnung künstlerisch erklären Gegend, in der sich Rubens' Datscha befand, und mit majestätischen, stimmungsvollen Veränderungen am Himmel. Zu den schönsten zählen der feurige Sonnenuntergang in London und Landschaften mit Regenbögen in München und St. Petersburg.

Was auch immer Rubens annahm, er verwandelte alles in glänzendes Gold; und jeder, der als Mitarbeiter oder Anhänger mit seiner Kunst in Berührung kam, konnte sich seinem verzauberten Kreis nicht mehr entziehen.

Von Rubens' vielen Schülern erreicht nur Anton Van Dyck (1599 - 1641) – dessen Licht natürlich mit Rubens‘ Licht in Beziehung steht, wie der Mond mit der Sonne – den Himmel der Kunst mit einem von Brillanz erleuchteten Kopf. Obwohl Balen als sein eigentlicher Lehrer gilt, nannte ihn Rubens selbst seinen Schüler. Auf jeden Fall stand seine jugendliche Entwicklung, soweit wir wissen, unter dem Einfluss von Rubens, von dem er sich nie ganz löste, sondern ihn entsprechend seinem beeinflussbareren Temperament in eine nervösere, sanftere und subtilere Art umwandelte Malerei und weniger stark im Zeichnen. Sein langjähriger Aufenthalt in Italien machte ihn schließlich zum Maler und Meister der Farben. Es war nicht seine Aufgabe, lebendige Handlung zu erfinden und dramatisch zu steigern, aber er verstand es, in seinen historischen Gemälden Figuren in klar durchdachte Beziehungen zueinander zu setzen und in seinen Porträts die subtilen Merkmale des sozialen Status zu vermitteln, was zum Lieblingsmaler wurde der Adligen seiner Zeit.

Die neuesten zusammenfassenden Arbeiten über Van Dyck stammen von Michiels, Guiffrey, Kust und Schaeffer. Einzelne Seiten seines Lebens und seiner Kunst wurden von Vibiral, Bode, Giemans, Rooses, Lau, Menotti und dem Autor dieses Buches erläutert. Noch heute streiten sie über die Abgrenzung verschiedener Lebensabschnitte, die vor allem mit Reisen verbunden waren. Nach neuesten Forschungen wirkte er bis 1620 in Antwerpen, 1620 – 1621 in London, 1621 – 1627 in Italien, hauptsächlich in Genua, mit einer Unterbrechung von 1622 bis 1623, die, wie Rooses zeigte, wahrscheinlich in seiner Heimat erfolgte , 1627 - 1628 in Holland, dann wieder in Antwerpen und ab 1632 als Hofmaler Karls I. in London, wo er 1641 starb, und in dieser Zeit war er 1634 - 1635 in Brüssel, 1640 und 1641 in Antwerpen und Paris.

Es gibt kaum welche frühe Arbeiten Van Dyck, bei dem der Einfluss von Rubens nicht spürbar wäre. Schon seine frühen apostolischen Serien weisen Spuren von Rubens‘ Stil auf. Davon sind einige Originalköpfe in Dresden erhalten, andere in Althorp. Zu den religiösen Gemälden, die Van Dyck in den Jahren 1618 bis 1620, während er im Dienste von Rubens stand, nach eigenen Plänen und auf eigene Gefahr und Gefahr malte, gehören „Das Martyrium des hl. Sebastian“, mit den in alter Manier überladenen Kompositionen „Beweinung Christi“ und „Badende Susanna“ in München. „Thomas in St. Petersburg“, „Die Kupferschlange“ in Madrid. Keines dieser Gemälde zeichnet sich durch eine makellose Komposition aus, aber sie sind gut gemalt und farbenfroh. Der Dresdner „Hieronymus“ ist malerisch und tief empfunden und stellt einen klaren Kontrast zum benachbarten, ruhigeren und grob geschriebenen Hieronymus von Rubens dar.

Dann folgen: „Die Schändung Christi“ in Berlin, das kraftvollste und ausdrucksstärkste dieser semi-rubensischen Gemälde und wunderschön in der Komposition, zweifellos von Rubens entworfen, „St. Martin“ in Windsor, der auf einem Pferd sitzt und einem Bettler einen Umhang anbietet. Die vereinfachte und schwächere Wiederholung dieses Martin in der Kirche von Saventem steht der späteren Manier des Meisters näher.

Van Dyck ist ein großartiger Künstler dieser Rubens-Ära, insbesondere in seinen Porträts. Einige von ihnen, die die bekannten Vorzüge beider Meister vereinen, wurden im 19. Jahrhundert Rubens zugeschrieben, bis Bode sie an Van Dyck zurückgab. Sie sind individueller in den einzelnen Zügen, nervöser im Ausdruck, weicher und tiefer in der Schrift als die zeitgenössischen Porträts von Rubens. Zu den ältesten dieser halbrubensischen Porträts von Van Dyck gehören die beiden Brustbildnisse eines älteren Ehepaares aus dem Jahr 1618 in Dresden, am schönsten sind die Halbfiguren zweier Ehepaare in der Liechtensteiner Galerie: eine Frau mit Goldschnürung ihre Brust, ein Herr zieht Handschuhe an, und vor einem roten Vorhang sitzende Dame mit einem Kind auf dem Schoß, in Dresden. Ihm gehört die prächtige Isabella Brant aus der Eremitage, und aus dem Louvre befindet sich ein Doppelporträt des vermeintlichen Jean Grusset Richardo und seines neben ihm stehenden Sohnes. Von den bekannten Doppelporträts in der Nähe stehen Ehegatten – ein Porträt von Frans Snyders und seiner Frau mit sehr forcierten Posen, Jan de Wael und seine Frau in München, das malerischste. In den jugendlichen Selbstporträts des Meisters mit nachdenklichem, selbstbewusstem Blick in St. Petersburg, München und London schließlich weist sein Alter von etwa zwanzig Jahren auf eine frühe Phase hin.

Aus religiösen Gemälden, die Van Dyck zwischen 1621 und 1627 gemalt hat. in Italien, im Süden, blieb eine schöne, von Tizian inspirierte Szene mit der „Münze des Petrus“ und „Maria mit Kind“ in einem feurigen Heiligenschein, im Palazzo Bianco, die an Rubens erinnert, die „Kreuzigung“ im Königspalast in Genua, zärtlich spürbar in der malerischen und spirituelle Beziehungen, die Grablegung der Galleria Borghese in Rom, das träge Haupt Mariens im Palazzo Pitti, die prächtige, farbenfrohe Familie in der Turiner Pinakothek und das kraftvolle, aber eher manierierte Altarbild der Madonna del Rosario in Palermo mit länglichen Figuren. Von den weltlichen Gemälden erwähnen wir hier nur das wunderschöne, im Geiste Giorgiones gestaltete Gemälde, das die drei Lebensalter im Stadtmuseum in Vincenza darstellt, und das schlichte, aber leidenschaftlich gemalte Gemälde „Diana und Endimon“ in Madrid.

Die souveräne, feste und zugleich sanfte Pinselstrichmodellierung in dunklem Hell-Dunkel und die tiefe, satte Farbgebung der nach Einheit der Stimmung strebenden italienischen Köpfe des Meisters sind auch in seinen italienischen, insbesondere genuesischen Porträts erkennbar. Das Reiterporträt von Antonio Giulio Brignole Sale, das zur Begrüßung seinen Hut in der rechten Hand schwenkte und aus kühner Perspektive gemalt und fast dem Betrachter zugewandt war und sich im Palazzo Rossi in Genua befand, war ein echter Indikator für den neuen Weg. Edel, mit barocken Säulen und Draperie im Hintergrund, Porträts von Signora Geronima Brignole Sale mit ihrer Tochter Paola Adorio in einem dunkelblauen Seidenkleid mit Goldstickerei und junger Mann In der Kleidung einer Adligen aus derselben Sammlung stehen sie auf dem Höhepunkt der absoluten Porträtkunst. Dazu gesellen sich Porträts der Marquiseurin von Durazzo in hellgelbem Seidendamastkleid mit Kindern vor rotem Vorhang, ein lebhaftes Gruppenbildnis dreier Kinder mit Hund und ein edles Bildnis eines Knaben in weißem Kleid, mit einem Papagei, aufbewahrt im Palazzo Durazzo Pallavicini. In Rom befindet sich in der Kapitolinischen Galerie ein sehr lebendiges Doppelporträt von Luca und Cornelis de Wael; im Palazzo Pitti befindet sich ein inspiriertes, ausdrucksstarkes Porträt von Kardinal Giulio Bentivolio. Andere Porträts aus Van Dycks italienischer Zeit fanden ihren Weg ins Ausland. Eines der schönsten gehört Pierpont Morgan in New York, es gibt sie aber auch in London, Berlin, Dresden und München.

Die fünf Jahre (1627 – 1632), die der Meister nach seiner Rückkehr aus Italien in seiner Heimat verbrachte, erwiesen sich als äußerst fruchtbar. Große Altarbilder voller Bewegung, wie die kraftvollen Kreuzigungen in der Kirche St. Frauen in Dendermonde, in der Michaelskirche in Gent und in der Romualdkirche in Mecheln, und daneben die „Kreuzerhöhung“ in der Kirche St. Die Frauen in Courtray repräsentieren ihn nicht so gut wie die Werke voller Innenleben, zu denen wir die Kreuzigung mit der bevorstehenden im Museum von Lille, „Ruhe während der Flucht“ in München und einzelne gefühlvolle Kreuzigungen in Antwerpen zählen. Wien und München. Diese Gemälde übersetzen Rubens‘ Bilder von der heroischen Sprache in die Sprache des Gefühls. Zu den schönsten Gemälden dieser Zeit zählen die Madonna mit dem knienden Stifterpaar und blumengießenden Engeln im Louvre, die Madonna mit dem stehenden Christuskind in München und die stimmungsvollen „Klagelieder über Christus“ in Antwerpen, München, Berlin und Paris. Madonnen und Klagelieder im Allgemeinen waren Van Dycks Lieblingsthemen. Er nahm selten Bilder heidnischer Götter auf, obwohl sein „Herkules am Scheideweg“ in den Uffizien, Bilder von Venus, Vulkan, in Wien und Paris zeigen, dass er ihnen einigermaßen gewachsen war. Er blieb hauptsächlich Porträtmaler. Von diesem fünfjährigen Jubiläum sind etwa 150 Porträts von ihm erhalten. Ihre Gesichtszüge sind noch schärfer, ihre typisch anmutigen, sitzenden Hände noch weniger ausdrucksstark als in seinen italienischen Gemälden dieser Art. Ihrer Haltung wurde eine etwas aristokratischere Leichtigkeit verliehen, und in der kälteren Farbgebung erschien eine subtilere Gesamtstimmung. Kleidung fällt normalerweise leicht und frei, aber materiell. Zu den schönsten davon, in Lebensgröße gemalt, zählen die charakteristischen Porträts der Herrscherin Isabella in Turin, im Louvre und in der Liechtenstein Gallery, Philip de Roy und seine Frau in der Wallace-Sammlung in London, Doppelporträts eines Herrn und eine Dame mit einem Kind im Arm im Louvre und im Gotischen Museum sowie mehrere weitere Porträts von Herren und Damen in München. Zu den ausdrucksstärksten Halbfiguren- und Generationenporträts zählen die Porträts von Bischof Mulderus und Martin Pepin in Antwerpen, Adrian Stevens und seiner Frau in St. Petersburg, Graf Van den Bergh in Madrid und Domherr Antonio de Tassis in der Galerie Liechtenstein. Der Organist Liberty blickt träge, der Bildhauer Colin de Nole, seine Frau und ihre Tochter wirken langweilig bei einer Porträtgruppe in München. Die Porträts des Herrn und der Dame in Dresden und Marie Louise de Tassis in der Galerie Liechtenstein zeichnen sich besonders durch ihre edle malerische Haltung aus. Van Dycks Einfluss auf alle Porträts seiner Zeit, insbesondere auf Englisch und Französisch, war enorm; Allerdings können seine Porträts in natürlicher Charakteristik und innerer Wahrheit denen seiner Zeitgenossen Velazquez und Frans Hals, um keine anderen zu nennen, nicht gleichkommen.

Gelegentlich griff Van Dyck jedoch auch zur Graviernadel. Es gibt 24 leicht und aussagekräftig ausgeführte Blätter seines Werkes. Andererseits beauftragte er andere Graveure mit der Reproduktion einer großen Serie kleiner, von ihm gezeichneter Porträts berühmter Zeitgenossen, die im gleichen Grauton gemalt waren. Diese „Ikonographie von Van Dyck“ in hundert Blättern erschien erst nach seinem Tod in der Gesamtsammlung.

Als Hofmaler Karls I. malte Van Dyck in den letzten acht Jahren seines Lebens kleine religiöse oder mythologische Gemälde. Dennoch stammen mehrere Meister aus dieser späten Zeit. beste Gemälde , geschrieben während seines kurzen Aufenthalts in den Niederlanden. Dies war das letzte und malerischste Bild der „Ruhe auf der Flucht nach Ägypten“ mit einem Reigen von Engeln und fliegenden Rebhühnern, jetzt in der Eremitage, die ausgereifteste und schönste „Beweinung Christi“ im Antwerpener Museum. Nicht nur klar, ruhig und berührend in der Komposition und dem gefühlvollen Ausdruck wahrer Trauer, sondern auch in seinen Farben, seinen wunderschönen Akkorden aus Blau, Weiß und dunklem Gold, die ein meisterhaftes, bezauberndes Werk darstellen. Es folgen äußerst zahlreiche Porträts der englischen Zeit. Zwar werden seine Köpfe unter dem Einfluss des Londoner Hoftypus immer maskenhafter, seine Hände werden immer weniger ausdrucksstark; aber die Kleider werden immer raffinierter und gehaltvoller im Design, die Farben, deren Silberton erst allmählich zu verblassen beginnt, werden immer zarter in ihrem Reiz. Natürlich richtete Van Dyck in London auch eine Werkstatt mit Großproduktion ein, in der zahlreiche Studenten arbeiteten. Das Familienporträt in Windsor, das das königliche Paar mit seinen beiden Kindern und seinem Hund sitzend zeigt, ist ein eher schwaches Prunkstück. Das dort befindliche Reiterporträt des Königs vor dem Triumphbogen wurde mit viel Geschmack gemalt; sein Reiterporträt in der Nationalgalerie ist noch malerischer; Der Louvre ist wirklich malerisch. Von den Porträts der Königin Henrietta Maria von Van Dyck gehört das von Lord Northbrook in London, das die Königin mit ihren Zwergen auf der Gartenterrasse zeigt, zu den frischesten und frühesten, und das in der Dresdner Galerie ist trotz seiner Noblesse eines der frischesten und frühesten. gehört zu den schwächsten und neuesten. Berühmt sind verschiedene Porträts der Kinder des englischen Königs, die zu den schönsten Meisterwerken Van Dycks gehören. Die schönsten Porträts der drei Königskinder sind die von Turin und Windsor; aber das luxuriöseste und schönste von allen ist das Windsor-Porträt mit den fünf Kindern des Königs, mit einem großen und einem kleinen Hund. Von den anderen zahlreichen Porträts von Van Dyck in Windsor kündigt das Porträt von Lady Venice Digby mit seinen allegorischen Ergänzungen in Form von Tauben und Liebesgöttern eine neue Ära an, und das Doppelporträt von Thomas Killigrew und Thomas Carew verblüfft mit dem Leben Beziehungen der Dargestellten, ungewöhnlich für unseren Meister. Besonders anmutig ist das Porträt von James Stuart mit einem großen Hund an ihm im Metropolitan Museum of Art in New York; das Porträt der Verlobten, der Kinder von Wilhelm II. von Oranien und Henrietta Maria Stuart, im Stadtmuseum in Amsterdam entzückend. Aus der englischen Zeit des Meisters sind etwa hundert Porträts erhalten.

Van Dyck starb jung. Als Künstler hat er offenbar alles gesagt. Ihm fehlt die Vielseitigkeit, Vollständigkeit und Kraft seines großen Lehrers, aber er übertraf alle seine flämischen Zeitgenossen in der Subtilität einer rein malerischen Stimmung.

Die übrigen bedeutenden Maler, Rubens‘ Mitarbeiter und Studenten in Antwerpen vor und nach Van Dyck, leben nur in Anklängen an Rubens‘ Kunst, selbst Abraham Diepepbeck (1596 – 1675), Cornelis Schut (1597 – 1655), Theodore Van Thulden ( 1606 - 1676), Erasmus Quellinus (1607 - 1678), der Bruder des großen Bildhauers, und sein Enkel Jan Erasmus Quellinus (1674 - 1715) sind nicht so bedeutend, dass wir uns näher mit ihnen befassen müssen. Vertreter der verschiedenen realistischen Abteilungen der Rubens-Werkstatt haben eine eigenständigere Bedeutung. Frans Snyders (1579 – 1657) begann mit einer toten Natur, die er gerne in natürlicher Größe, breit, realistisch und zugleich dekorativ darstellte; Sein ganzes Leben lang malte er große, gesunde Beobachtungsbilder von Küchenutensilien und Früchten, wie sie beispielsweise in Brüssel, München und Dresden erhältlich sind. In Rubens‘ Werkstatt lernte er auch, die lebendige Welt, lebensgroße Tiere in Jagdszenen lebendig und spannend darzustellen, fast mit der Kraft und Helligkeit seines Lehrers. Seine großen Jagdgemälde in Dresden, München, Wien, Paris, Kassel und Madrid sind Klassiker ihrer Art. Manchmal wird sein Schwager Paul de Vos (1590 – 1678) mit Snyders vermischt, dessen große Tiergemälde nicht mit der Frische und Wärme von Snyders‘ Gemälden zu vergleichen sind. Der neue Landschaftsstil, der sich unter dem Einfluss von Rubens entwickelte und fast vollständig auf die alten dreifarbigen Hintergrundhintergründe und das traditionelle büschelige Laubwerk verzichtete, erscheint deutlicher in den Gemälden und Radierungen von Lucas Van Udens (1595 – 1672). , ein Assistent in den späteren Jahren des Landschaftsmeisters. Seine zahlreichen, aber meist kleinen Landschaftsgemälde, von denen neun in Dresden, drei in St. Petersburg, zwei in München hängen, sind einfache, natürlich eingefangene Bilder der reizvollen lokalen Grenzlandschaften zwischen dem Brabanter Hügelland und der flämischen Ebene. Die Ausführung ist umfassend und gründlich. Seine Farben streben danach, nicht nur den natürlichen Eindruck von grünen Bäumen und Wiesen, bräunlicher Erde und bläulichen Hügelfernen zu vermitteln, sondern auch einen leicht bewölkten, hellen Himmel. Die Sonnenseiten seiner Wolken und Bäume flackern meist mit gelben Lichtflecken, und unter dem Einfluss von Rubens erscheinen manchmal auch Regenwolken und Regenbögen.

Rubens' Kunst löste auch eine Revolution im niederländischen Kupferstich aus. Zahlreiche Kupferstecher, deren Werke er selbst untersuchte, standen in seinen Diensten. Die Ältesten von ihnen, der Antwerpener Cornelis Halle (1576 – 1656) und die Niederländer Jacob Matham (1571 – 1631) und Jan Müller, übersetzten seinen Stil noch in eine ältere Formensprache, doch die Kupferstecher der Rubens-Schule haben eine Reihe von die von Peter Southman aus Haarlem (1580 – 1643) entdeckt wurden und weiterhin mit Namen wie Lucas Forsterman (geb. 1584), Paul Pontius (1603 – 1658), Boethius und Schelte glänzen. Bolsvert, Pieter de Jode der Jüngere und insbesondere der große Hell-Dunkel-Stecher Jan Witdöck (geb. 1604) schafften es, ihren Blättern die Kraft und Bewegung von Rubens zu verleihen. Die neue Mezzotinta-Technik, die einer Platte mittels Greifstich eine raue Oberfläche verlieh, um darauf in weichen Massen ein Muster auszukratzen, wurde, wenn nicht erfunden, so doch zum ersten Mal von Vallerand Vaillant in großem Umfang angewendet Lille (1623 – 1677), ein Schüler von Rubens‘ Schüler Erasmus Quellinus, einem berühmten hervorragenden Porträtmaler und einem einzigartigen Maler der toten Natur. Da Vaillant diese Kunst jedoch nicht in Belgien, sondern in Amsterdam, wohin er übersiedelte, studierte, kann die Geschichte der flämischen Kunst sie nur erwähnen.

Einige wichtige Antwerpener Meister dieser Zeit, die keine direkten Beziehungen zu Rubens oder seinen Schülern hatten, schlossen sich Caravaggio in Rom an und bildeten die römische Gruppe. Klare Umrisse, plastische Modellierung und schwere Schatten von Caravaggio werden erst in ihren späteren Gemälden durch eine freiere, wärmere und breitere Schrift aufgeweicht, die vom Einfluss von Rubens zeugt. An der Spitze dieser Gruppe steht Abraham Janssens Van Nuessen (1576 – 1632), dessen Schüler Gerard Zeghers (1591 – 1651) in seinen späteren Gemälden zweifellos in die Fußstapfen von Rubens trat, und Theodor Rombouts (1597 – 1637) lässt den Einfluss von Caravaggio erkennen in seinem Genre, in Lebensgröße, mit metallisch glänzenden Farben und schwarzen Schatten, Gemälde in Antwerpen, Gent, St. Petersburg, Madrid und München.

Der älteste der damaligen flämischen Maler, der nicht in Italien gewesen war, Caspar de Crayer (1582 - 1669), zog nach Brüssel, wo er im Wettbewerb mit Rubens nicht über den Eklektizismus hinausging. Sie werden vom Antwerpener Jacob Jordaens (1583–1678) geleitet, ebenfalls ein Schüler und Schwiegersohn von Adam Van Noort, dem Oberhaupt der wirklich unabhängigen belgischen Realisten dieser Zeit, einem der bedeutendsten seiner Art in Flandern Maler des 17. Jahrhunderts neben Rubens und Van Dyck. Rooses widmete ihm auch einen ausführlichen Aufsatz. Er ist unhöflicher als Rubens, spontaner und origineller. Sein Körper ist noch massiger und fleischiger als der von Rubens, seine Köpfe sind runder und gewöhnlicher. Seine in der Regel wiederholten Kompositionen mit geringfügigen Änderungen für verschiedene Gemälde sind oft schlichter und oft überladen, sein Pinsel ist trotz seines Könnens trockener, glatter, manchmal dichter. Trotzdem ist er ein wunderbarer, origineller Kolorist. Zunächst schreibt er frisch und zügig, locker modelliert in kräftigen Lokalfarben; Nach 1631 geht er, fasziniert vom Zauber Rubens, zu zarterem Hell-Dunkel, zu schärferen Zwischenfarben und zu einem bräunlichen Malton über, aus dem satte, tiefe Grundtöne effektvoll durchscheinen. Er hat auch alles Dargestellte abgebildet. Seinen größten Erfolg verdankt er lebensgroßen Allegorien und Genrebildern, meist zum Thema Volkssprichwörter.

Früheste berühmtes Bild Jordaens „Kreuzigung“ 1617 in der Kirche St. Paulus in Antwerpen offenbart den Einfluss von Rubens. Ganz er selbst erscheint Jordaens 1618 in „Die Anbetung der Hirten“ in Stockholm und in einem ähnlichen Bild in Braunschweig, insbesondere in den frühen Bildern des Satyrs, der einen Bauern besucht, dem er eine unglaubliche Geschichte erzählt. Das früheste Gemälde dieser Art befindet sich im Besitz der Stadt Celst in Brüssel; Es folgten Instanzen in Budapest, München und Kassel. Zu den frühen religiösen Gemälden gehören auch ausdrucksstarke Darstellungen der Evangelisten im Louvre und „Jünger am Grab des Erlösers“ in Dresden; Von den frühen mythologischen Gemälden verdient „Meleager und Atlanta“ in Antwerpen Erwähnung. Die früheste seiner lebenden Familienkompositionen Porträtgruppen(um 1622) gehören zum Madrider Museum.

Der Einfluss von Rubens ist auch in den nach 1631 entstandenen Gemälden von Jordaens deutlich zu erkennen. In seiner Satire auf den Brüsseler Bauern ist bereits eine Wendung erkennbar. Seine berühmten Bilder des „Bohnenkönigs“, von denen Kassel das früheste Exemplar besitzt – weitere befinden sich im Louvre und in Brüssel – sowie seine unzähligen Male wiederholten Bilder des Sprichworts „Was die Alten singen, das quietschen die Kleinen“, der Die Antwerpener Kopie stammt aus dem Jahr 1638. Noch farbfrischer als die Dresdner Kopie aus dem Jahr 1641 – andere im Louvre und in Berlin – gehören bereits zum glatteren und weicheren Stil des Meisters.

Vor 1642 entstanden auch grobe mythologische Gemälde von „Die Prozession des Bacchus“ in Kassel und „Ariadne“ in Dresden sowie lebhafte, hervorragende Porträts von Jan Wirth und seiner Frau in Köln; dann, bis 1652, Gemälde, die trotz der ruhigeren Linien äußerlich und innerlich belebt waren, wie St. Ivo in Brüssel (1645), ein großartiges Familienporträt in Kassel und der lebhafte „Bohnenkönig“ in Wien.

Die Einladung nach Den Haag, an der Ausschmückung des „Waldschlosses“ mitzuwirken, fand den Meister 1652 in voller Kraft, wozu „Die Vergöttlichung des Prinzen Friedrich Heinrich“ und „Der Sieg des Todes über den Neid“ von Jordaens' Pinseln gehören sein Abdruck und 1661 eine Einladung nach Amsterdam, wo er die erhaltenen, aber heute kaum noch zu unterscheidenden Gemälde für das neue Rathaus malte.

Das schönste und religiösste Bild seiner späteren Jahre ist „Jesus unter den Schriftgelehrten“ (1663) in Mainz; die farbenprächtige „Einführung in den Tempel“ in Dresden und das leuchtende „Letzte Abendmahl“ in Antwerpen.

Wenn Jordaens zu rau und uneben ist, um zu den Größten der Großen gezählt zu werden, so nimmt er als Antwerpener Bürgermaler und Maler der Bürger dennoch einen Ehrenplatz neben Rubens, dem Malerfürsten und Maler der Fürsten, ein . Aber gerade aufgrund seiner Originalität hat er keine bemerkenswerten Schüler oder Anhänger hervorgebracht.

Ein Meister wie Jordaens, der unabhängig zur Vor-Rubens-Vergangenheit der flämischen Kunst gehörte, war Cornelis de Vos (1585 - 1651), besonders herausragend als Porträtmaler, der mit einer ruhigen, gefühlvollen Bildweise nach ungekünstelter Wahrheit und Aufrichtigkeit strebte, u. a eigenartiges Funkeln in den Augen seiner Figuren und eine Farbe voller Licht. Die beste Familienporträtgruppe mit entspannter Komposition gehört dem Brüsseler Museum und die stärkste Einzelporträt Zunftmeister Grapheus – nach Antwerpen. Sehr typisch sind auch seine Doppelporträts des Ehepaares und seiner kleinen Töchter in Berlin.

Im Gegensatz zu seinem rein flämischen Stil mit einer Beimischung von Italienisch, der mit mehr oder weniger Abweichungen von der überwiegenden Mehrheit der belgischen Maler des 17. Jahrhunderts beibehalten wurde, entwickelte die von Gelbier studierte wallonische Lütticher Schule den römisch-belgischen Stil Poussinische Richtung, die den Franzosen folgte. An der Spitze dieser Schule steht Gerard Duffet (1594 – 1660), ein erfinderischer, malerischer Akademiker, den man am besten in München sehen kann. Ein Schüler seines Schülers Barthollet Flemalle oder Flemal (1614 - 1675), eines trägen Nachahmers von Poussin, Gerard Leresse (1641 - 1711), der bereits 1667 nach Amsterdam gezogen war, verpflanzte diesen akademischen Stil, der die französischen imitierte, von Lüttich nach Holland. die er nicht nur als Maler und Radierer mythologischer Themen ausführte, sondern auch mit der Feder in seinem Buch, das großen Einfluss hatte. Er war ein extremer Reaktionär und trug um die Jahrhundertwende vor allem dazu bei, dass sich der gesunde nationale Trend der niederländischen Malerei hin zur Romanik wendete. „Seleukos und Antiochus“ in Amsterdam und Schwerin, „Parnass“ in Dresden, „Die Abreise der Kleopatra“ im Louvre geben eine ausreichende Vorstellung von ihm.

Leres führt uns endlich von der großen belgischen Malerei zur kleinen zurück; und dieser erlebte zweifellos noch in kleinfigurigen Gemälden mit Landschafts- oder Architekturhintergrund die reife nationale Blüte des 17. Jahrhunderts, die direkt aus dem von den Meistern der Übergangszeit vorbereiteten Boden erwuchs, aber völlige Freiheit erlangte Bewegung dank des allmächtigen Rubens und an manchen Orten auch dank neuer Einflüsse, französischer und italienischer Art, oder sogar des Einflusses der jungen niederländischen Kunst auf die flämische.

Ein echtes Genrebild, das nach wie vor in Flandern die erste Rolle spielte. Gleichzeitig ist eine ziemlich scharfe Grenze zwischen den Meistern, die das Leben der Oberschicht in gesellschaftlichen Szenen oder Kleingruppenporträts darstellten, und den Malern des Volkslebens in Tavernen, Jahrmärkten und Landstraßen erkennbar. Rubens schuf Exemplare beider Gattungen. Weltliche Maler stellen ganz im Sinne von Rubens‘ „Gärten der Liebe“ Damen und Herren in Seide und Samt dar, die Karten spielen, ein Fest feiern, fröhliche Musik spielen oder tanzen. Einer der ersten dieser Maler war Christian Van der Lamen (1615 – 1661), bekannt für seine Gemälde in Madrid, Gotha, insbesondere in Lucca. Sein erfolgreichster Schüler war Jeroom Janssens (1624 – 1693), dessen „Tänzerin“ und Tanzszenen in Braungsweig zu sehen sind. Über ihm als Maler steht Gonzales Kokvets (1618 – 1684), ein Meister der aristokratischen Kleingruppenporträts, die Familienmitglieder in häuslicher Umgebung in Kassel, Dresden, London, Budapest und Den Haag zeigen. Die produktivsten flämischen Darstellungen des Volkslebens der Unterschicht waren die Teniers. Aus der großen Familie dieser Künstler ragen David Teniers der Ältere (1582 – 1649) und sein Sohn David Teniers der Jüngere (1610 – 1690) heraus. Der Ältere war wahrscheinlich ein Schüler von Rubens, und Rubens gab dem Jüngeren wahrscheinlich freundliche Ratschläge. Beide sind sowohl in der Landschaft als auch im Genre gleichermaßen stark. Allerdings war es nicht möglich, alle Werke des Älteren von den Jugendgemälden des Jüngeren zu trennen. Zweifellos gehört der Ältere zu den vier mythologischen Landschaften des Wiener Hofmuseums, die noch immer damit beschäftigt sind, die „drei Pläne“, „Die Versuchung des hl. Antonia“ in Berlin, „Bergschloss“ in Braunschweig und „Bergschlucht“ in München.

Da David Teniers der Jüngere vom großen Adrien Brouwer von Oudenard (1606 – 1638) beeinflusst wurde, geben wir Letzterem den Vorzug. Brower ist der Schöpfer und Wegbereiter neuer Wege. Bode studierte seine Kunst und sein Leben gründlich. In vielerlei Hinsicht ist er der größte niederländische Maler des Volkslebens und gleichzeitig einer der spirituellsten belgischen und niederländischen Landschaftsmaler. Der Einfluss der niederländischen Malerei auf die flämische Malerei im 17. Jahrhundert zeigte sich erstmals bei ihm, einem Schüler von Frans Hals in Haarlem, bereits vor 1623. Nach seiner Rückkehr aus Holland ließ er sich in Antwerpen nieder.

Gleichzeitig beweist seine Kunst, dass die einfachsten Epitheta aus dem Leben des einfachen Volkes dank ihrer Ausführung höchste künstlerische Bedeutung erlangen können. Von den Niederländern übernahm er die Spontaneität der Naturwahrnehmung, die bildnerische Ausführung, die an sich schon künstlerisch ist. Als Holländer erklärt er sich mit strikter Isolation in der Darstellung von Momenten verschiedener Erscheinungsformen des Lebens, als Holländer hebt er mit kostbarem Humor Szenen von Rauchen, Kämpfen, Kartenspielen und Wirtshaustrinken hervor.

Die frühesten Gemälde, die er in Holland malte, Bauerntrinkereien, Kämpfe in Amsterdam, offenbaren in ihren groben, großnasigen Charakteren Reaktionen der altflämischen Übergangskunst. Die Meisterwerke dieser Zeit waren seine Antwerpener „Kartenspieler“ und die Wirtshausszenen des Städel-Instituts in Frankfurt. Die Weiterentwicklung zeigt sich deutlich in „Messerkampf“ und „Dorfbad“ der Münchner Pinakothek: Hier sind die Aktionen dramatisch stark, ohne unnötige Nebenfiguren; die Ausführung ist bis ins kleinste Detail durchdacht; Aus der goldenen Hell-Dunkel-Färbung leuchten noch Rot- und Gelbtöne. Es folgt die reifere Spätzeit des Meisters (1633 – 1636), mit mehr individuellen Figuren, einem kühleren Farbton, in dem grüne und blaue Farbstellen hervorstechen. Darunter sind 12 seiner 18 Münchner Gemälde und die besten seiner vier Dresdner Gemälde. Schmidt-Degener fügte ihnen eine Reihe von Gemälden aus Pariser Privatsammlungen hinzu, deren Echtheit jedoch offenbar nicht immer genau nachgewiesen ist. Zu diesen Jahren gehören auch die besten Landschaften von Brouwer, in denen einfachste Naturmotive aus den Vororten von Antwerpen mit einer warmen, strahlenden Übertragung von Luft- und Lichtphänomenen aufgefächert werden. „Dünen“ in Brüssel, ein Gemälde mit dem Namen des Meisters, beweist die Echtheit anderer. Sie wirken moderner als alle seine anderen flämischen Landschaften. Das beste Bild gehört Mondlicht und die pastorale Landschaft in Berlin, die Dünenlandschaft mit dem roten Dach in der Bridgwater Gallery und die kraftvolle Sonnenuntergangslandschaft, die Rubens zugeschrieben wird, in London.

Großformatige Genrebilder der letzten beiden Lebensjahre des Meisters bevorzugen eine helle, schattierte Schrift und eine klarere Unterordnung der Lokalfarben gegenüber einem allgemeinen Grauton. Singende Bauern, würfelnde Soldaten und das Wirtspaar im Trinkhaus der Münchner Pinakothek gesellen sich zu kraftvollen Gemälden, die den Betrieb des Städel-Instituts und „Der Raucher“ im Louvre darstellen. Brouwers Originalkunst stellt immer das komplette Gegenteil aller akademischen Konventionen dar.

David Teniers der Jüngere, der beliebteste Genremaler der adligen Welt, der 1651 vom Hofmaler und Galeriedirektor des Erzherzogs Leopold Wilhelm von Antwerpen nach Brüssel eingeladen wurde, wo er im hohen Alter starb, kann sich in der Unmittelbarkeit nicht mit Brouwer messen die Übertragung des Lebens, in emotionales Erlebnis Humor, aber gerade deshalb übertrifft es ihn in seiner äußeren Raffinesse und urban verstandenen Stilisierung des Volkslebens. Er liebte es, aristokratisch gekleidete Stadtbewohner in ihren Beziehungen zu den Dorfbewohnern darzustellen, gelegentlich malte er weltliche Szenen aus dem Leben der Aristokratie und vermittelte sogar religiöse Episoden im Stil seiner Genrebilder, in exquisit dekorierten Räumen oder in wahrheitsgemäßen, aber dekorativen Räumen Landschaften. Versuchung des hl. Antonia (in Dresden, Berlin, St. Petersburg, Paris, Madrid, Brüssel) gehört zu seinen Lieblingsthemen. Mehr als einmal malte er auch einen Kerker mit dem Bildnis des Petrus im Hintergrund (Dresden, Berlin). Zu den mythologischen Themen im Stil seiner Genrebilder zählen „Neptun und Amphitrite“ in Berlin, das allegorische Gemälde „Die fünf Sinne“ in Brüssel und poetische Werke – zwölf Gemälde aus dem „Befreiten Jerusalem“ in Madrid. Auch seine Gemälde mit Darstellungen von Alchemisten (Dresden, Berlin, Madrid) lassen sich dem Genre der High Society zuordnen. Die überwiegende Mehrheit seiner Gemälde, von denen es 50 in Madrid, 40 in St. Petersburg, 30 in Paris, 28 in München und 24 in Dresden gibt, zeigt die Umgebung von Dorfbewohnern, die sich in ihrer Freizeit vergnügen. Er zeigt sie beim Schlemmen, Trinken, Tanzen, Rauchen, Karten- oder Würfelspielen, zu Besuch, in einer Taverne oder auf der Straße. Seine leichte und in ihrer Natürlichkeit freie Formensprache, seine schwungvolle und zugleich sanfte Schrift erfuhren nur in der Farbe Veränderungen. Der Ton seines „Tempelfestes im Dämmerlicht“ von 1641 in Dresden ist schwer, aber tief und kalt. Dann kehrt es zum Braunton zurück frühe Jahre, der sich in Gemälden wie dem Kerker von 1642 in St. Petersburg, dem Gildensaal von 1643 in München und dem verlorenen Sohn von 1644 im Louvre schnell zu einem feurig-goldenen Ton entwickelt, leuchtet in Gemälden wie dem Tanz von 1645 immer heller auf in München und „Die Würfelspieler“ von 1646 in Dresden, wird dann, wie die „Raucher“ von 1650 in München zeigen, allmählich grauer und wandelt sich schließlich 1651 in „Die Bauernhochzeit“ in München in eine verfeinerte Form Silberton und wird von der immer leichteren und flüssigeren Schrift begleitet, die Teniers‘ Gemälde der fünfziger Jahre charakterisierte, beispielsweise sein „Guard House“ im Buckingham Palace von 1657. Nach 1660 wurde sein Pinsel schließlich weniger sicher, die Farbgebung wurde wieder brauner, trockener und schlammiger. München besitzt ein Gemälde, das einen Alchemisten darstellt, mit Merkmalen der Schrift des alten Meisters aus dem Jahr 1680.

Unter Brouwers Schülern sticht Joos Van Kreesbeek (1606 – 1654) hervor, in dessen Gemälden Kämpfe manchmal tragisch enden; Unter den Schülern Teniers des Jüngeren ist Gillis Van Tilborch (ca. 1625 – 1678) bekannt, der ebenfalls Familiengruppenporträts im Stil der Coques malte. Mit ihnen sind Mitglieder der Künstlerfamilie Rikaert vertreten, von denen insbesondere David Rikaert III. (1612 – 1661) zu einer gewissen Unabhängigkeit gelangte.

Neben der nationalen flämischen Kleinfigurenmalerei gibt es eine gleichzeitige, wenn auch nicht gleichwertige, italienisierende Bewegung, deren Meister zeitweise in Italien arbeiteten und das italienische Leben in all seinen Erscheinungsformen darstellten. Die größten dieser von Raffael oder Michelangelo begeisterten Mitglieder der niederländischen „Gemeinschaft“ in Rom waren jedoch die Niederländer, auf die wir weiter unten zurückkommen werden. Pieter Van Laer aus Haarlem (1582 – 1642) ist der wahre Begründer dieser Bewegung, der sowohl Italiener wie Cerquozzi als auch Belgier wie Jan Mils (1599 – 1668) gleichermaßen beeinflusste. Weniger unabhängig sind Anton Goubau (1616 – 1698), der römische Ruinen mit buntem Leben bereicherte, und Peter Van Blemen, genannt Standaard (1657 – 1720), der italienische Pferdemärkte, Kavallerieschlachten und Lagerszenen bevorzugte. Seit der Zeit dieser Meister ist das italienische Volksleben ein Gebiet geblieben, das jedes Jahr Scharen nordischer Maler anzieht.

Im Gegenteil, die Landschaftsmalerei entwickelte sich im national-flämischen Geist mit Schlachten- und Banditenthemen in der Nähe von Sebastian Vranx, dessen Schüler Peter Snyers (1592 - 1667) von Antwerpen nach Brüssel zog. Snyers‘ frühe Gemälde, etwa in Dresden, zeigen ihn auf einem recht malerischen Weg. Später, als Schlachtenmaler für das Haus Habsburg, legte er mehr Wert auf topografische und strategische Treue als auf bildnerische Treue, wie seine großen Gemälde in Brüssel, Wien und Madrid zeigen. Sein bester Schüler war Adam Frans Van der Meulen (1631 – 1690), Schlachtenmaler Ludwigs XIV. und Professor an der Pariser Akademie, der Snyers‘ Stil nach Paris übertrug, den er in der Luft- und Lichtperspektive verfeinerte. Im Schloss von Versailles und im Hôtel des Invalides in Paris malte er große Serien von Wandgemälden, die sich durch ihre selbstbewussten Formen und den Eindruck einer malerischen Landschaft auszeichnen. Auch seine Gemälde in Dresden, Wien, Madrid und Brüssel mit Feldzügen, Belagerungen von Städten, Lagern und siegreichen Einzügen des Großkönigs zeichnen sich durch ihre helle bildnerische Feinheit der Wahrnehmung aus. Dieses neuniederländische Schlachtengemälde wurde von Cornelis de Wael (1592–1662) nach Italien gebracht, der sich in Genua niederließ und, nachdem er hier einen perfekteren Pinsel und warme Farben erworben hatte, bald dazu überging, das italienische Volksleben darzustellen.

In der belgischen Landschaftsmalerei selbst, die der Autor dieses Buches in „Geschichte der Malerei“ (seine eigene und Woltmanns) ausführlicher beschreibt, kann man die ursprüngliche, einheimische, nur leicht von südlichen Einflüssen berührte Richtung ganz klar vom Falschen unterscheiden -klassische Richtung, die in Italien an Poussin angrenzte. Die nationale belgische Landschaftsmalerei behielt im Vergleich zur niederländischen Malerei, abgesehen von Rubens und Brouwer, ein äußerlich eher dekoratives Merkmal bei; Mit dieser Eigenschaft schmückte sie Paläste und Kirchen in einer solchen Fülle wie nirgendwo sonst mit dekorativen Gemäldeserien. Der Antwerpener Paul Bril führte diese Art der Malerei in Rom ein; Später schmückten die französischisierten Belgier François Millet und Philippe de Champagne Pariser Kirchen mit Landschaftsgemälden. Der Autor dieses Buches schrieb 1890 einen separaten Artikel über Kirchenlandschaften.

Von den Antwerpener Meistern sind vor allem Caspar de Witte (1624 - 1681) und dann Peter Spyrinks (1635 - 1711) hervorzuheben, dem die fälschlicherweise Peter Rysbrack (1655 - 1719) zugeschriebenen Kirchenlandschaften im Chor der Kirche gehören Augustinerkirche in Antwerpen und insbesondere an Jan Frans Van Blemen (1662 - 1748), der den Spitznamen „Horizonte“ wegen der Klarheit der blauen Bergstrecken seiner gelungenen, stark an Duguay erinnernden, aber harten und kalten Gemälde erhielt.

Die nationale belgische Landschaftsmalerei dieser Zeit blühte hauptsächlich in Brüssel auf. Sein Begründer war Denis Van Alsloot (ca. 1570 – 1626), der auf der Grundlage des Übergangsstils in seinen halbländlichen, halbstädtischen Gemälden eine große Stärke, Festigkeit und Klarheit der Malerei entwickelte. Sein großer Schüler Lucas Achtschellinx (1626 – 1699), beeinflusst von Jacques d'Artois, beteiligte sich an der Ausschmückung belgischer Kirchen mit biblischen Landschaften mit üppigen dunkelgrünen Bäumen und blauen Hügeln in einer weiten, freien, etwas schwungvollen Art und Weise. Jacques d'Artois (1613 - 1683), der beste Brüsseler Landschaftsmaler, ein Schüler des fast unbekannten Jan Mertens, schmückte auch Kirchen und Klöster mit großen Landschaften, deren biblische Szenen von seinen Freunden, historischen Malern, gemalt wurden. Seine Landschaften der Kapelle St. Der Autor dieses Buches sah die Frauen der Brüsseler Kathedrale in der Sakristei dieser Kirche. Seine großen Gemälde des Hofmuseums und der Liechtenstein-Galerie in Wien waren jedenfalls auch Kirchenlandschaften. Seine kleinen Innengemälde, die die üppige bewaldete Natur am Stadtrand von Brüssel mit ihren riesigen grünen Bäumen, gelben Sandstraßen, blauen Hügellandschaften, leuchtenden Flüssen und Teichen darstellen, sind am besten in Madrid und Brüssel zu sehen und auch hervorragend in Dresden, München und Darmstadt. Mit einer luxuriösen geschlossenen Komposition, tief, gesättigt mit leuchtenden Farben, mit klarer Luft und Wolken, die durch goldgelb beleuchtete Seiten gekennzeichnet sind, vermitteln sie perfekt den allgemeinen, aber immer noch nur allgemeinen Charakter der Gegend. Goldener, wärmer, dekorativer, wenn man so will, mehr venezianischer Farbe als d'Artois, sein bester Schüler Cornelis Huysmans (1648 - 1727), dessen beste Kirchenlandschaft „Christus in Emmaus“ in der Kirche St. Frauen in ist Mecheln.

In der Küstenstadt Antwerpen entstand auf natürliche Weise ein Yachthafen. Der Wunsch nach Freiheit und Natürlichkeit des 17. Jahrhunderts wurde hier in Gemälden umgesetzt, die die Küsten- und Küstenlandschaft darstellen Seeschlachten Andries Artvelt oder Van Ertvelt (1590 – 1652), Buonaventure Peters (1614 – 1652) und Hendrik Mindergoat (1632 – 1696), die jedoch nicht mit den besten niederländischen Meistern derselben Branche mithalten können.

Auch in der Architekturmalerei, die gerne das Innere gotischer Kirchen darstellte, fehlte flämischen Meistern wie Peter Neefs d Bilder von Kirchen.

Umso kühner und leuchtender verliehen die Belgier den Bildern von Tieren, Früchten, toter Natur und Blumen. Doch selbst Jan Fit (1611 – 1661), ein Maler von Küchenutensilien und Früchten, der alle Details sorgfältig ausführte und dekorativ zusammenfügte, ging nicht weiter als Snyders. Auch die Blumenmalerei kam in Antwerpen, zumindest nicht von alleine, über Jan Brueghel d. Ä. hinaus nicht voran. Sogar Bruegels Schüler auf diesem Gebiet, Daniel Seghers (1590 - 1661), übertraf ihn nur in der Breite und dem Luxus der dekorativen Gestaltung, nicht jedoch im Verständnis der Schönheit der Formen und des Farbspiels einzelner Farben. Seghers‘ Blumenkränze auf den Madonnen großfiguriger Maler und seine seltenen, eigenständigen Blumendarstellungen, wie die Silbervase in Dresden, offenbaren jedenfalls ein klares, kaltes Licht von unvergleichlicher Ausführung. Im 17. Jahrhundert war Antwerpen der wichtigste Ort der niederländischen Blumen- und Früchtemalerei; dies ist jedoch weniger den örtlichen Meistern als vielmehr dem großen Utrechter Jan Davids de Geem (1606 - 1684) zu verdanken, der nach Antwerpen zog und hier aufwuchs sein in Leiden geborener Sohn Cornelis de Geem (1631 - 1695), später ebenfalls Antwerpener Meister. Aber sie sind es, die größten aller Blumen- und Früchtemaler, die sich durch ihre unendliche Liebe zur Detailveredelung und die Kraft der Malerei auszeichnen, die diese Details innerlich verschmelzen kann, wie Meister des niederländischen und nicht des belgischen Typs.

Wir haben gesehen, dass es bedeutende Verbindungen zwischen der flämischen Malerei und der niederländischen, italienischen und französischen Kunst gab. Die Flamen wussten die direkte, intime Wahrnehmung der Niederländer, die pathetische Anmut der Franzosen, den dekorativen Luxus der Formen und Farben der Italiener zu schätzen, aber abgesehen von Überläufern und isolierten Phänomenen blieben sie in ihrer Kunst immer sie selbst nur ein Viertel, das andere Viertel waren innerlich und äußerlich romanisierte germanische Niederländer, die es verstanden, Natur und Leben mit starker und schneller Inspiration und im dekorativen Sinne mit Stimmung einzufangen und wiederzugeben.

L. Aleshina

Ein kleines Land, das der Welt in der Vergangenheit eine Reihe der größten Künstler bescherte – um nur die Brüder van Eyck, Bruegel und Rubens zu nennen – Belgien zu Beginn des 19. Jahrhunderts. erlebte eine lange Stagnation der Kunst. Eine gewisse Rolle spielte dabei die politisch und wirtschaftlich untergeordnete Stellung Belgiens, das bis 1830 keine nationale Unabhängigkeit besaß. Erst als sich ab Beginn des neuen Jahrhunderts die nationale Befreiungsbewegung immer stärker entwickelte, erwachte die Kunst zum Leben, die bald einen sehr wichtigen Platz im kulturellen Leben des Landes einnahm. Bezeichnend ist zumindest, dass im Vergleich zu anderen europäischen Ländern die Zahl der Künstler im kleinen Belgien im Verhältnis zur Bevölkerung sehr groß war.

In der Entstehung der belgischen Kunstkultur des 19. Jahrhunderts. Dabei spielten die großen Traditionen der Nationalmalerei eine große Rolle. Die Verbundenheit mit Traditionen drückte sich nicht nur in der direkten Nachahmung vieler Künstler durch ihre herausragenden Vorgänger aus, obwohl dies für die belgische Malerei, insbesondere in der Mitte des Jahrhunderts, charakteristisch war. Der Einfluss von Traditionen beeinflusste die Besonderheiten des Belgiers Kunstschule neue Zeit. Eine dieser Besonderheiten ist das Engagement belgischer Künstler für die objektive Welt, für das wahre Fleisch der Dinge. Daher der Erfolg der realistischen Kunst in Belgien, aber auch einige Einschränkungen bei der Interpretation des Realismus.

Ein charakteristisches Merkmal des künstlerischen Lebens des Landes war die enge Interaktion der belgischen Kultur mit der Kultur Frankreichs im Laufe des Jahrhunderts. Junge Künstler und Architekten gehen dorthin, um ihr Wissen zu vertiefen. Viele französische Meister wiederum besuchen Belgien nicht nur, sondern leben dort auch viele Jahre und nehmen am künstlerischen Leben ihres kleinen Nachbarn teil.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts dominierte in Belgien, wie in vielen anderen europäischen Ländern, der Klassizismus in Malerei, Bildhauerei und Architektur. Der bedeutendste Maler dieser Zeit war François Joseph Navez (1787–1869). Er studierte zunächst in Brüssel, dann ab 1813 in Paris bei David, den er bei der Emigration nach Brüssel begleitete. Während seines belgischen Exils genoss der bemerkenswerte französische Meister die größte Autorität unter den einheimischen Künstlern. Navez war einer von Davids Lieblingsschülern. Seine Kreativität ist ungleich. Mythologische und biblische Kompositionen, in denen er den Kanonen des Klassizismus folgte, sind leblos und kalt. Die Porträts, die den größten Teil seines Nachlasses ausmachen, sind sehr interessant. In seinen Porträts verbanden sich genaue und aufmerksame Beobachtung und Studium der Natur mit einer erhaben idealen Vorstellung von der menschlichen Persönlichkeit. Die besten Merkmale der klassizistischen Methode – starke kompositorische Struktur, plastische Formenfülle – verschmelzen in Navez‘ Porträts harmonisch mit der Ausdruckskraft und Spezifität des Lebensbildes. Das Porträt der Familie Hamptinne (1816; Brüssel, Museum für moderne Kunst) scheint von höchster künstlerischer Qualität zu sein.

Die schwierige Aufgabe eines Porträts mit drei Charakteren wurde vom Künstler erfolgreich gelöst. Alle Mitglieder der jungen Familie – ein Ehepaar mit einer kleinen Tochter – werden in lebhaften, entspannten Posen, aber mit dem Gefühl einer starken inneren Verbundenheit dargestellt. Die Farbgebung des Porträts zeugt von Navez‘ Wunsch, die klassischen Traditionen der flämischen Malerei zu verstehen, die auf van Eyck zurückgehen. Rein leuchtende Farben verschmelzen zu einem fröhlichen harmonischen Akkord. Das hervorragende Porträt der Familie Hamptinne kommt in seiner plastischen Kraft und dokumentarischen Genauigkeit dem späteren Porträt sehr nahe Porträtarbeiten David und seine Lyrik und der Wunsch, das Innenleben der Seele zu vermitteln, sind mit der bereits aufkommenden Romantik verbunden. Noch näher an der Romantik ist ein Selbstporträt von Navez in jungen Jahren (1810er Jahre; Brüssel, Privatsammlung), in dem der Künstler sich selbst mit Bleistift und Album in der Hand darstellt, wie er lebhaft und aufmerksam auf etwas vor ihm blickt. Navez spielte als Lehrer eine sehr bedeutende Rolle. Viele Künstler studierten bei ihm, der später den Kern der realistischen Bewegung in der belgischen Malerei bildete.

Das Anwachsen der revolutionären Stimmung im Land trug zum Siegeszug der romantischen Kunst bei. Der Kampf um die nationale Unabhängigkeit führte im Sommer 1830 zu einer revolutionären Explosion, in deren Folge Belgien die Beziehungen zu den Niederlanden abbrach und einen unabhängigen Staat gründete. Kunst spielte bei den Ereignissen eine wichtige Rolle. Es weckte patriotische Gefühle und löste rebellische Gefühle aus. Unmittelbarer Auslöser des revolutionären Aufstands in Brüssel war bekanntlich die Aufführung von Auberts Oper „Der Stumme von Portici“.

Am Vorabend der Revolution zeichnete sich in der belgischen Malerei eine patriotische Richtung im historischen Genre ab. Der Anführer dieses Trends war der junge Künstler Gustave Wappers (1803-1874), der 1830 das Gemälde „Die Selbstaufopferung des Bürgermeisters van der Werff bei der Belagerung von Leiden“ (Utrecht, Museum) ausstellte. Die Meister dieser Bewegung verherrlichen die Heldentaten ihrer Vorfahren und greifen auf die romantische Formensprache zurück. Die pathetische Hochstimmung der figurativen Struktur und der verstärkte Farbklang der Farben wurden von Zeitgenossen als Wiederbelebung der ursprünglichen nationalen Maltraditionen wahrgenommen, die am deutlichsten von Rubens repräsentiert wurden.

In den 30er Jahren Die belgische Malerei gewinnt dank historischer Gemälde zunehmend an Bedeutung in der europäischen Kunst. Sein programmatischer und patriotischer Charakter, der den allgemeinen Zielen der Entwicklung des Landes diente, war ausschlaggebend für diesen Erfolg. Wappers, Nicaise de Keyser (1813-1887) und Louis Galle gehörten zu den beliebtesten Künstlern Europas. Doch schon bald offenbarte diese Richtung ihre begrenzten Seiten. Am erfolgreichsten waren jene Werke, die das Pathos der nationalen Befreiungsbewegung des Volkes widerspiegelten und vom Heldentum vergangener und gegenwärtiger Freiheitskämpfe inspiriert waren. Es ist kein Zufall, dass Wappers‘ Gemälde „Septembertage 1830“ (1834-1835; Brüssel, Museum für Moderne Kunst) den größten Erfolg hatte. Der Künstler schuf eine historische Leinwand auf modernem Material und verdeutlichte die Bedeutung revolutionärer Ereignisse. Gezeigt wird eine der Episoden der Revolution. Die Aktion findet auf dem zentralen Platz von Brüssel statt. Der heftige Aufschwung der Volksbewegung wird durch eine unausgewogene diagonale Komposition vermittelt. Die Anordnung der Gruppen und einige der Figuren erinnern an Delacroix‘ Gemälde „Die Freiheit führt das Volk“, das zweifellos ein Vorbild für den Künstler war. Gleichzeitig ist Wappers in diesem Gemälde etwas äußerlich und deklarativ. Seine Bilder zeichnen sich teilweise durch theatralische Auffälligkeit und Demonstrativität beim Ausdruck von Gefühlen aus.

Bald nach der Unabhängigkeit Belgiens verlor die Historienmalerei an inhaltlicher Tiefe. Das Thema der nationalen Befreiung verliert seine Relevanz, seine gesellschaftliche Grundlage. Historisches Bild wird zu einem üppigen Kostümspektakel mit unterhaltsamer Handlung. Zwei Strömungen in der historischen Malerei kristallisieren sich heraus; Einerseits handelt es sich um monumentale, pompöse Leinwände; Eine andere Richtung zeichnet sich durch eine Genreinterpretation der Geschichte aus. Nationale Traditionen der Malerei werden sehr oberflächlich verstanden – als eine Summe von Techniken und Mitteln, die nicht durch den Einfluss der Epoche bestimmt sind. Es gibt viele Künstler, die ihre ganze Berufung in den Genres der Malerei sehen, wie die „Meister des 17. Jahrhunderts“ oder historische Szenen, „wie Rubens.“

Antoine Joseph Wirtz (1806-1865) versucht prätentiös, aber erfolglos, die Errungenschaften von Michelangelo und Rubens in seinen riesigen historischen und symbolischen Gemälden zu vereinen. Hendrik Leys (1815-1869) malte zunächst kleine genrehistorische Gemälde und imitierte dabei die Farbgebung Rembrandts. Seit den 60er Jahren er wechselt zu umfangreichen mehrfigurigen Kompositionen mit Alltagsszenen der Zeit Nördliche Renaissance, in der Ausführungsweise folgt er der naiven Präzision und Detailtreue der Meister dieser Zeit.

Unter den zahlreichen historischen Malern der Mitte des Jahrhunderts ist Louis Galle (1810-1887) zu erwähnen, dessen Gemälde sich durch Zurückhaltung und lakonische Komposition auszeichnen und dessen Bilder sich durch eine gewisse innere Bedeutung und Noblesse auszeichnen. Ein typisches Beispiel ist das Gemälde „Letzte Ehrungen für die Überreste der Grafen von Egmont und Horn“ (1851; Tournai, Museum, Wiederholung 1863 – Puschkin-Museum). Dieselben Eigenschaften sind noch charakteristischer für seine Genrebilder wie „Die Familie des Fischers“ (1848) und „Slavonets“ (1854; beide Hermitage).

Allmählich verliert die belgische Historienmalerei ihre führende Rolle im Genresystem und tritt etwa ab den 60er Jahren in den Vordergrund. Haushaltsmalerei steht vor der Tür. Genremaler der Mitte des Jahrhunderts neigten dazu, Künstler des 17. Jahrhunderts zu imitieren und wandten sich der Schaffung unterhaltsamer Szenen in Tavernen oder gemütlichen Innenräumen zu. Dies sind viele Gemälde von Jean Baptiste Madou (1796-1877). Hendrik de Brakeler (1840-1888) war in seinen Motiven sehr traditionell und stellte einsame Figuren bei ruhiger Aktivität in lichtdurchfluteten Innenräumen dar. Sein Verdienst liegt in der Lösung des Problems der Beleuchtung und luftigen Atmosphäre mittels moderner Malerei.

Die kapitalistische Entwicklung des Landes erfolgte bereits in den 60er Jahren nach der Erlangung der Unabhängigkeit in einem sehr schnellen Tempo. stellte die Kunst vor neue Probleme. IN künstlerische Kultur Belgien wird zunehmend von der Moderne überfallen. Die jüngere Künstlergeneration vertritt den Slogan des Realismus und zeigt die charakteristischen Aspekte des umgebenden Lebens. In ihren Bestrebungen stützten sie sich auf das Beispiel Courbets. 1868 wurde in Brüssel die Freie Gesellschaft der Schönen Künste gegründet. Die bedeutendsten seiner Teilnehmer waren Charles de Groux, Constantin Meunier, Felicien Rops und Louis Dubois. Sie alle traten unter dem Motto des Realismus auf, mit dem Aufruf zum Kampf gegen die alte Kunst mit ihren lebensfernen Themen und der veralteten Kunstsprache. Herold Ästhetische Ansichten Aus dieser Gesellschaft entstand die Zeitschrift „Free Art“, deren Veröffentlichung 1871 begann. Der aktivste Teilnehmer der Free Society of Fine Arts war bereits Ende der 40er Jahre Charles de Groux (1825-1870). wurde berühmt für seine Gemälde vom Leben der unteren Gesellschaftsschichten. Sein Schreibstil steht Courbet nahe. Die Farbgebung ist in dunklen, zurückhaltenden Tönen gehalten, die der schmerzlichen Düsterkeit des Dargestellten emotional entsprechen. So ist das Gemälde „Kaffeeröster“ (60er Jahre; Antwerpen, Museum); Es zeigt arme Menschen, die sich an einem dunklen, kalten Wintertag draußen in der Nähe einer Rösterei wärmen, in der Kaffeebohnen geröstet werden. Tiefes Mitgefühl für die Benachteiligten prägt das Werk des Künstlers.

Der Realismus erlangte in Belgien sehr bald eine starke Stellung in allen Kunstgattungen. Es erscheint eine ganze Galaxie von Landschaftsmalern, die ihre heimische Natur wahrheitsgetreu und zugleich vielfältig darstellen – die sogenannte Tervuren-Schule (benannt nach einem Ort im Wald bei Brüssel). Der Leiter der Schule, Hippolyte Boulanger (1837–1874), malte subtile, etwas melancholische Waldlandschaften, deren Farbgebung den Barbizon-Gemälden ähnelte. Louis Artand (1837-1890) nahm die Natur energischer wahr. Am häufigsten stellte er Ansichten des Meeres und der Küste dar. Sein Schlag ist dynamisch und elastisch; Der Künstler ist bestrebt, die wechselnde Atmosphäre und Stimmung der Landschaft zu vermitteln.

Felicien Rops (1833-1898) nahm in der belgischen Kunst einen besonderen Platz ein. Obwohl der Meister einen bedeutenden Teil seines Schaffens in Frankreich verbrachte, beteiligte er sich aktiv am belgischen Werk künstlerischer Prozess. Der eher skandalöse Ruhm des Künstlers als Sänger der Pariser Kokotten verdeckt oft seine sehr wichtige Rolle im kulturellen Leben Belgiens. Rops ist einer der Gründer der Literatur- und Kunstzeitschrift Eulenspiegel (gegründet 1856 in Brüssel) und der erste Illustrator des berühmten Romans von Charles de Coster (1867). Die in der Ätztechnik angefertigten Illustrationen bieten scharfe und interessante Verkörperungen der Bilder der Hauptfiguren des Romans. Rops war ein brillanter Meister des Zeichnens und ein aufmerksamer Beobachter des modernen Lebens, wie viele seiner Werke beweisen.

Architektur Belgiens bis zum Ende des 19. Jahrhunderts. hat nichts Bedeutendes geschaffen. In der ersten Hälfte des Jahrhunderts wurden noch mehrere Gebäude im klassizistischen Stil erbaut, der von strengem Geschmack geprägt war (der Akademiepalast in Brüssel – 1823–1826, Architekt Charles van der Straten; Gewächshäuser im Botanischen Garten von Brüssel – 1826–1829). , Architekten F.-T Seys und P.-F. Seit der Mitte des Jahrhunderts erstarken in der Architektur ein unbändiger Eklektizismus und der Wunsch, üppige, pompöse Bauten zu schaffen. Charakteristisch sind beispielsweise das Gebäude der Börse in Brüssel (1873–1876, Architekt L. Seys), das Gebäude des Museums für Antike Kunst an gleicher Stelle (1875–1885, Architekt A. Bala). Der wohlhabende belgische Kapitalismus möchte seiner Macht ein Denkmal setzen. So entstand das Gebäude des Justizpalastes in Brüssel (1866-1883, Architekt J. Poulart) – eines der grandiosesten Gebäude Europas in Bezug auf die Größe, das sich durch eine prätentiöse und absurde Anhäufung und Mischung aller Arten von Architektur auszeichnet Gleichzeitig spielt die Stilisierung eine große Rolle in der Architektur Belgiens. Viele Kirchen, Rathäuser und andere öffentliche Gebäude imitieren den Stil der Gotik, der flämischen Renaissance und der Romanik.

Belgische Skulptur bis letztes Quartal 19. Jahrhundert blieb in seiner Entwicklung hinter der Malerei zurück. In den 30er Jahren Unter dem Einfluss patriotischer Ideen entstanden dennoch einige interessante Statuen. Hier sind zunächst die Werke von Willem Hefs (1805-1883 – sein Grabstein des Grafen Frederic de Merode, der in den Revolutionskämpfen in Brüssel (1837, Brüssel, St. Gudula-Kathedrale) gefallen ist) und die Statue zu erwähnen von General Belliard, stehend auf einem der Plätze der Hauptstadt (1836) Die Mitte des Jahrhunderts war in Belgien, wie in vielen anderen Ländern, von einem Niedergang der Bildhauerkunst geprägt.

In diesen für die Monumentalkunst schwierigen Jahren entstand das Werk des größten belgischen Künstlers Constantin Meunier (1831-4905). Meunier begann sein Studium an der Brüsseler Akademie der Schönen Künste in der Bildhauerklasse. Hier dominierte in der Mitte des Jahrhunderts ein konservatives akademisches System; Lehrer folgten in ihrer Kreativität und in ihrem Unterricht einem Muster und einer Routine und forderten die Verschönerung der Natur im Namen eines abstrakten Ideals. Meuniers erste plastische Arbeiten standen dieser Richtung noch sehr nahe („Girlande“; 1851 ausgestellt, nicht erhalten). Bald jedoch gab er die Bildhauerei auf und wandte sich der Malerei zu und wurde ein Schüler von Navez. Letzteres war zwar in jenen Jahren ein Symbol des überholten Klassizismus, konnte aber eine souveräne Beherrschung des Zeichnens, plastisches Formen der Formen in der Malerei und Verständnis für großen Stil lehren. Ein weiterer Einflussstrom auf den jungen Meister zu dieser Zeit war mit seiner Freundschaft mit Charles de Groux und seiner Bekanntschaft mit den Werken der französischen Realisten Courbet und Millet verbunden. Meunier ist auf der Suche nach einer zutiefst bedeutungsvollen Kunst, der Kunst der großen Ideen, wendet sich aber zunächst nicht einem modernen Thema, sondern der religiösen und historischen Malerei zu. Besonders interessant ist das Gemälde „Episode aus Bauernkrieg 1797“ (1875; Brüssel, Museum für Moderne Kunst). Der Künstler wählt eine der letzten Szenen des Aufstands, der mit einer Niederlage endete. Er stellt das Geschehen als nationale Tragödie dar und zeigt gleichzeitig den unbeugsamen Willen des Volkes. Das Bild unterscheidet sich stark von anderen Werken des belgischen historischen Genres dieser Jahre. Hier geht es um einen anderen Ansatz zum Verständnis der Geschichte, um Realismus in der Darstellung der Charaktere, um die gefühlvolle Emotionalität der Dargestellten und um die Einführung der Landschaft als aktiv klingende Umgebung.

Ende der 70er Jahre. Meunier landet im „schwarzen Land“ – den Industriegebieten Belgiens. Hier eröffnet er eine völlig neue Welt, die sich in der Kunst noch nicht widerspiegelt. Lebensphänomene mit ihren völlig unterschiedlichen Schönheitsaspekten diktierten ein Neues künstlerische Sprache, ein ganz besonderer Geschmack. Meunier schafft Gemälde, die der Arbeit von Bergleuten gewidmet sind, er malt Typen von Bergleuten und Bergarbeiterinnen und fängt die Landschaften dieses „schwarzen Landes“ ein. Der Hauptakzent seiner Bilder ist nicht das Mitgefühl, sondern die Stärke der Werktätigen. Das ist die innovative Bedeutung von Meuniers Werk. Der Mensch wird nicht als Objekt des Mitleids und der Sympathie, der Mensch als Schöpfer großer Lebenswerte und damit schon anspruchsvoll dargestellt anständige Behandlung. In dieser Anerkennung der großen Bedeutung der arbeitenden Menschen im Leben der Gesellschaft stand Meunier objektiv auf einer Ebene mit den fortschrittlichsten Denkern seiner Zeit.

Meunier bedient sich in seinen Gemälden der Sprache der Verallgemeinerung. Er formt Formen mithilfe von Farbe. Seine Farbgebung ist streng und zurückhaltend – ein oder zwei helle Farbflecken sind mit grauen Erdtönen durchsetzt, wodurch die ganze Skala harsch klingt. Seine Komposition ist einfach und monumental, es verwendet den Rhythmus einfacher, klarer Linien. Ein typisches Gemälde ist „Rückkehr aus der Mine“ (um 1890; Antwerpen, Museum). Drei Arbeiter sind als klare Silhouette vor dem Hintergrund eines rauchigen Himmels gezeichnet, als würden sie über die Leinwand gehen. Die Bewegung der Figuren wiederholt sich und variiert gleichzeitig das Gesamtmotiv. Der Rhythmus der Gruppe und der Rhythmus des Bildraumes ergeben eine harmonische, ausgewogene Lösung. Die Figuren sind an den linken Bildrand verschoben, zwischen ihnen und dem rechten Seitenrahmen entsteht ein offener Freiraum. Die Klarheit und Allgemeingültigkeit der Silhouette der Gruppe, die Lakonizität des Bildes jeder Figur verleihen der Komposition den Charakter eines fast plastischen Flachreliefs. Als Meunier sich einem neuen Thema zuwandte, das ihn faszinierte, erinnerte er sich sehr bald an seine ursprüngliche Berufung. Die Verallgemeinerung und Lakonizität der Mittel der plastischen Sprache könnte bestmöglich genutzt werden, um die Schönheit der menschlichen Arbeit zu verherrlichen. Seit Mitte der 80er Jahre. Nach und nach erschienen Statuen und Reliefs von Meunier, die seinen Namen verherrlichten und eine Ära in der Entwicklung der bildenden Künste des 19. Jahrhunderts einleiteten. Das Hauptthema und das Bild des Bildhauers ist Arbeit, Menschen der Arbeit: Hammerarbeiter, Bergleute, Fischer, Bergmanninnen, Bauern. Arbeitende Menschen betraten die Bildhauerei, die zuvor auf einen engen Kreis konventioneller Sujets und Figuren fernab der Moderne beschränkt war. Die zuvor völlig entmachtete plastische Sprache erlangte wieder erhebliche rohe Gewalt und starke Überzeugungskraft. Der menschliche Körper zeigte die neuen Möglichkeiten der Schönheit, die in ihm verborgen waren. Im Relief „Industrie“ (1901; Brüssel, Menier-Museum) entstellen die Anspannung aller Muskeln, die elastische Flexibilität und Kraft der Figuren, Atembeschwerden, Brustrisse, schwere geschwollene Arme keinen Menschen, sondern gibt ihm besondere Kraft und Schönheit. Meunier wurde zum Begründer einer neuen bemerkenswerten Tradition – der Tradition der Darstellung der Arbeiterklasse, der Poesie des Arbeitsprozesses.

Die von Meunier dargestellten Personen nehmen keine besonders schönen oder traditionell klassischen Posen ein. Sie werden vom Bildhauer in einer wirklich realen Position gesehen und präsentiert. Ihre Bewegungen sind grob, wie zum Beispiel im starken, kämpferischen „Fetcher“ (1888; Brüssel, Menier-Museum), manchmal sogar ungeschickt („Puddler“, 1886; Brüssel, Museum für Antike Kunst). In der Art und Weise, wie diese Figuren stehen oder sitzen, spürt man die Spuren, die die Arbeit in ihrem Aussehen und Charakter hinterlassen hat. Und gleichzeitig sind ihre Posen voller fesselnder plastischer Schönheit und Kraft. Dies ist eine Skulptur im wahrsten Sinne des Wortes, die im Raum lebt und ihn um sich herum organisiert. Unter Meuniers Hand offenbart der menschliche Körper seine ganze elastische Kraft und seine raue, intensive Dynamik.

Meuniers plastische Sprache ist verallgemeinert und lakonisch. So wurde bei der Statue „Loader“ (um 1905; Brüssel, Menier-Museum) weniger ein Porträt als vielmehr ein verallgemeinerter Typus geschaffen, was ihr eine große Überzeugungskraft verleiht. Meunier lehnt herkömmliche akademische Drapierungen ab; seine Arbeiterin trägt sozusagen „Overall-Kleidung“, aber diese Kleidung drückt nicht und reduziert auch nicht die Form. Die breiten Stoffflächen scheinen sich an die Muskulatur anzuschmiegen; einige einzelne Falten betonen die Bewegung des Körpers. Einer von beste Werke Meunier ist „Antwerpen“ (1900; Brüssel, Menier-Museum). Der Bildhauer wählte keine abstrakten Allegorien, um die fleißige und aktive Stadt zu verkörpern, sondern ein ganz konkretes Bild eines Hafenarbeiters. Der strenge und mutige Kopf, der mit äußerster Lakonizität geformt ist, ruht fest auf muskulösen Schultern. Meunier verherrlicht die Arbeit und verschließt nicht die Augen vor ihrer Strenge. Eines seiner beeindruckendsten plastischen Werke ist die Gruppe „Mine Gas“ (1893; Brüssel, Museum für Antike Kunst). Es ist authentisch moderne Version das ewige Thema der Trauer um eine Mutter toter Sohn. Hier eingefangen tragische Konsequenz Minenkatastrophen. Die traurige Frauenfigur beugte sich in verhaltener, stummer Verzweiflung über den krampfhaft gedehnten nackten Körper.

Meunier schuf in den 90er Jahren unzählige Typen und Bilder von arbeitenden Menschen. monumentales Denkmal für Labour. Es hätte mehrere Reliefs enthalten sollen, die verschiedene Arten der Arbeit verherrlichen – „Industrie“, „Ernte“, „Hafen“ usw., sowie eine runde Skulptur – Statuen „Sämann“, „Mutterschaft“, „Arbeiter“ usw. Dies Der Plan wurde aufgrund des Todes des Meisters nie endgültig verwirklicht, sondern 1930 in Brüssel auf der Grundlage der Originale des Bildhauers umgesetzt. Das Denkmal als Ganzes macht keinen monumentalen Eindruck. Seine einzelnen Fragmente sind überzeugender. Ihre Kombination in der vom Architekten Orta vorgeschlagenen architektonischen Version erwies sich als recht äußerlich und bruchstückhaft.

Meuniers Werk fasste auf einzigartige Weise die Entwicklung der belgischen Kunst des 19. Jahrhunderts zusammen. Es erwies sich im Berichtszeitraum als höchste Errungenschaft des Realismus in diesem Land. Gleichzeitig ging die Bedeutung von Meuniers realistischen Leistungen über die reine Nationalkunst hinaus. Die bemerkenswerten Werke des Bildhauers hatten einen enormen Einfluss auf die Entwicklung der weltweiten bildenden Künste.

Kultur

Belgische Künstler

Der Höhepunkt der Malerei in Belgien fand während der burgundischen Herrschaft im 15. Jahrhundert statt. Während der Renaissance malten Künstler Porträts mit komplizierten Details. Dabei handelte es sich um lebensnahe und nicht idealisierte Gemälde, bei denen die Künstler ein Höchstmaß an Realismus und Klarheit anstrebten. Dieser Malstil erklärt sich durch den Einfluss der neuen niederländischen Schule.

Für die belgische Malerei wurde das 20. Jahrhundert zum zweiten goldenen Zeitalter. Doch bereits in der Malerei haben sich Künstler von den Prinzipien des Realismus abgewendet und sich dem Surrealismus zugewandt. Einer dieser Künstler war Rene Magritte.

Die belgische Malerei hat alte Traditionen, auf die die Belgier zu Recht stolz sind. Das Rubenshaus-Museum befindet sich in Antwerpen und das Königliche Museum der Schönen Künste befindet sich in Brüssel. Sie wurden zum Ausdruck des tiefen Respekts, den die Belgier ihren Künstlern und den alten Traditionen der Malerei entgegenbringen.

Flämische Primitivisten

Bereits am Ende des Mittelalters begann Europa, sich der Malerei in Flandern und Brüssel zu widmen. Jan Van Eyck (ca. 1400-1441) revolutionierte die flämische Kunst. Er war der erste, der Öl zur Herstellung dauerhafter Farben verwendete und Farben auf Leinwand oder Holz mischte. Diese Innovationen ermöglichten eine längere Konservierung von Gemälden. Während der Renaissance begann sich die Tafelmalerei zu verbreiten.

Jan Van Eyck wurde zum Begründer der Schule des flämischen Primitivismus und stellte auf seinen Leinwänden das Leben in leuchtenden Farben und in Bewegung dar. In der Genter Kathedrale gibt es einen Polyptychon-Altar „Anbetung des Lammes“, der vom berühmten Künstler und seinem Bruder geschaffen wurde.

Der flämische Primitivismus in der Malerei zeichnet sich durch besonders realistische Porträts, klare Beleuchtung und sorgfältige Darstellung von Kleidungs- und Stofftexturen aus. Einer von beste Künstler Wer in dieser Richtung arbeitete, war Rogierde la Pasture (Rogier Van der Weyden) (ca. 1400-1464). Eines der berühmtesten Gemälde von Rogirde la Pastura ist „Die Kreuzabnahme“. Der Künstler vereinte die Kraft religiöser Gefühle und Realismus. Die Gemälde von Rogierde la Pasture inspirierten viele belgische Künstler, die die neue Technik übernahmen.

Möglichkeiten neue Technologie erweitert von Dirk Bouts (1415-1475).

Als letzter flämischer Primitivist gilt Hans Memling (ca. 1433–1494), dessen Gemälde Brügge im 15. Jahrhundert darstellen. Die ersten Gemälde, die europäische Industriestädte darstellen, wurden von Joachim Patinir (ca. 1475-1524) gemalt.

Bruegel-Dynastie

Die belgische Kunst zu Beginn des 16. Jahrhunderts wurde stark von Italien beeinflusst. Der Künstler Jan Gossaert (ca. 1478–1533) studierte in Rom. Um Bilder für die herrschende Dynastie der Herzöge von Brabant zu malen, wählte er mythologische Themen.

Im 16.-17. Jahrhundert. Den größten Einfluss auf die flämische Kunst hatte die Familie Bruegel. Einer der besten Künstler der flämischen Schule war Pieter Bruegel der Ältere (ca. 1525–1569). Er kam 1563 in Brüssel an. Seine berühmtesten Werke sind Gemälde mit komischen Bauernfiguren. Sie bieten die Möglichkeit, in die Welt des Mittelalters einzutauchen. Eines der berühmten Gemälde von Pieter Bruegel dem Jüngeren (1564-1638), der Gemälde zu religiösen Themen malte, ist „Die Volkszählung von Bethlehem“ (1610). Jan Brueghel der Ältere (1568–1625), auch „Samtbruegel“ genannt, malte komplexe Stillleben mit Blumendarstellungen vor einem Hintergrund aus Samtvorhängen. Jan Brueghel der Jüngere (1601-1678) malte prächtige Landschaften und war Hofkünstler.

Künstler aus Antwerpen

Das Zentrum der belgischen Malerei verlagerte sich im 17. Jahrhundert von Brüssel nach Antwerpen – dem Zentrum Flanderns. Dies wurde maßgeblich dadurch beeinflusst, dass er einer der ersten weltberühmten war Flämische Künstler Peter Paul Rubens (1577-1640) lebte in Antwerpen. Rubens malte prächtige Landschaften, Gemälde mit mythologischen Themen und war Hofkünstler. Aber seine berühmtesten Gemälde zeigen vollbusige Frauen. Rubens‘ Popularität war so groß, dass flämische Weber eine große Sammlung von Wandteppichen mit Darstellungen seiner großartigen Gemälde schufen.

Rubens‘ Schüler, der Hofporträtmaler Anthony Van Dyck (1599-1641), erlangte als zweiter Künstler aus Antwerpen Weltruhm.

Jan Brueghel der Ältere ließ sich in Antwerpen nieder und sein Schwiegersohn David Teniers II. (1610–1690) gründete 1665 die Akademie der Künste in Antwerpen.

Europäischer Einfluss

Im 18. Jahrhundert blieb der Einfluss von Rubens auf die Kunst bestehen, so dass es in der Entwicklung der flämischen Kunst keine wesentlichen Veränderungen gab.

Ab Beginn des 19. Jahrhunderts war der starke Einfluss anderer europäischer Schulen auf die Kunst Belgiens spürbar. François Joseph Navez (1787-1869) fügte der flämischen Malerei den Neoklassizismus hinzu. Constantin Meunier (1831-1905) bevorzugte den Realismus. Guillaume Vogels (1836-1896) malte im Stil des Impressionismus. Ein Befürworter der romantischen Richtung in der Malerei war der Brüsseler Künstler Antoine Wirtz (1806-1865).

Die verstörenden, verzerrten und verschwommenen Gemälde von Antoine Wirtz, wie zum Beispiel Hasty Cruelty, entstanden um 1830, markieren den Beginn des Surrealismus in der Kunst. Fernand Knopf (1858-1921), bekannt für seine erschreckenden Porträts zwielichtiger Frauen, wird berücksichtigt früher Vertreter Schule des belgischen Symbolismus. Sein Werk wurde von Gustav Klimt, dem deutschen Romantiker, beeinflusst.

James Ensor (1860-1949) war ein weiterer Künstler, dessen Werk vom Realismus zum Surrealismus überging. Seine Leinwände zeigen oft mysteriöse und gruselige Skelette. Künstlervereinigung „LesVingt“ (LesXX) 1884-1894. organisierte in Brüssel eine Ausstellung mit Werken berühmter ausländischer Avantgarde-Künstler und belebte damit das kulturelle Leben in der Stadt.

Surrealismus

Seit Beginn des 20. Jahrhunderts ist der Einfluss von Cézanne in der belgischen Kunst spürbar. In dieser Zeit traten in Belgien Fauvisten auf, die helle, von der Sonne durchflutete Landschaften darstellten. Ein prominenter Vertreter des Fauvismus war der Bildhauer und Künstler Rick Wouters (1882–1916).

Mitte der zwanziger Jahre des 20. Jahrhunderts erschien der Surrealismus in Brüssel. Rene Magritte (1898-1967) wurde zu einem prominenten Vertreter dieser Kunstrichtung. Der Surrealismus begann sich im 16. Jahrhundert zu entwickeln. Die phantasmagorischen Gemälde von Pieter Bruegel dem Älteren und Bosch wurden in diesem Stil gemalt. In Magrittes Gemälden gibt es keine Vorgaben; er definierte seinen surrealistischen Stil als „eine Rückkehr vom Vertrauten zum Fremden“.

Paul Delvaux (1897-1989) war ein ausgefallenerer und emotionalerer Künstler. Seine Leinwände zeigten skurrile, elegante Innenräume mit nebligen Figuren.

Die CoBRA-Bewegung im Jahr 1948 förderte die abstrakte Kunst. Der Abstraktionismus wurde durch Konzeptkunst ersetzt, angeführt von Marcel Brudthaers (1924-1976), einem Meister der Installationen. Brudthaers stellte bekannte Gegenstände dar, beispielsweise einen mit Muscheln gefüllten Topf.

Wandteppiche und Spitze

Belgische Wandteppiche und Spitzen gelten seit sechshundert Jahren als Luxus. Im 12. Jahrhundert begann man in Flandern, Wandteppiche von Hand anzufertigen, später auch in Brüssel, Tournai, Oudenaarde und Mechelen.

Ab Beginn des 16. Jahrhunderts begann sich in Belgien die Kunst der Spitzenherstellung zu entwickeln. Spitze wurde in allen Provinzen gewebt, am meisten geschätzt wurde jedoch Spitze aus Brüssel und Brügge. Oftmals wurden die erfahrensten Spitzenklöpplerinnen von Aristokraten gefördert. Für den Adel galten feine Wandteppiche und erlesene Spitzen als Zeichen seines Status. Im 15.-18. Jahrhundert. Spitzen und Wandteppiche waren die wichtigsten Exportgüter. Und heute gilt Belgien als Geburtsort der besten Wandteppiche und Spitzen.

Die flämischen Städte Tournai und Arras (heute in Frankreich gelegen) wurden zu Beginn des 13. Jahrhunderts zu berühmten europäischen Webzentren. Handwerk und Handel entwickelten sich. Die Technik ermöglichte es, feinere und teurere Arbeiten auszuführen; der Wolle wurden Fäden aus echtem Silber und Gold hinzugefügt, was die Kosten der Produkte noch weiter erhöhte.

Eine Revolution in der Herstellung von Wandteppichen vollzog Bernard Van Orley (1492–1542), der in seinen Zeichnungen flämischen Realismus und italienischen Idealismus verband. Später wurden flämische Meister nach Europa gelockt, und am Ende des 18. Jahrhunderts ging der ganze Ruhm der flämischen Wandteppiche auf die Pariser Fabrik über.

Belgien das ganze Jahr über

Das belgische Klima ist typisch für Nordeuropa. Aus diesem Grund können Feiern sowohl auf der Straße als auch zu Hause stattfinden. Die Wetterbedingungen ermöglichen es den Künstlern der Hauptstadt perfekt, sowohl in Stadien als auch in alten Gebäuden aufzutreten. Die Belgier wissen, wie sie den Wechsel der Jahreszeiten nutzen können. Im Sommer wird beispielsweise in der Hauptstadt ein Blumenfest eröffnet. Der Grand Place ist jeden zweiten August mit Millionen von Blumen bedeckt. Die Eröffnung der Tanz-, Kino- und Theatersaison findet im Januar statt. Hier erwarten Premieren vom „Autokino“ bis zum alten Kloster ihre Zuschauer.

In Brüssel können Sie das ganze Jahr über verschiedene Festivals beobachten. Hier können Sie luxuriöse, lebendige historische Prozessionen sehen. Sie finden seit dem Mittelalter jedes Jahr statt. Hier wird die neueste experimentelle Kunst aus Europa präsentiert.

Feiertage

• Neujahr - 1. Januar
• Ostern - schwebendes Datum
• Sauberer Montag- Floating-Datum
• Tag der Arbeit – 1. Mai
• Himmelfahrt - schwebendes Datum
• Dreifaltigkeitstag – schwebendes Datum
• Spiritueller Montag – schwebendes Datum
• Belgischer Nationalfeiertag – 21. Juli
• Mariä Himmelfahrt - 15. August
• Allerheiligen – 1. November
• Waffenstillstand – 11. November
• Weihnachten – 25. Dezember

Wann Frühlingstage in Belgien werden länger und das kulturelle Leben belebt sich. Es beginnen Touristen hierher zu kommen. Durchführung Musikfestivals passiert direkt auf der Straße. Wenn die Stadtparks blühen, werden die weltweit bekannten tropischen Gewächshäuser von Laiken für Besucher geöffnet. Für den bedeutenden Feiertag Ostern sind die belgischen Schokoladenhersteller damit beschäftigt, allerlei Süßigkeiten zuzubereiten.

• Internationales Fantasy-Filmfestival (3. und 4. Woche). Liebhaber von Wundern und Kuriositäten können in den Kinos der gesamten Hauptstadt mit neuen Filmen rechnen.
• Ars Music (Mitte März – Mitte April). Dieser Feiertag ist eines der besten europäischen Feste. Berühmte Künstler kommen, um es zu sehen. Im Museum für Alte Meister finden häufig Konzerte statt. Alle Musikkenner sind bei diesem Festival anwesend.
• Euroantica (letzte Woche). Das Heysel-Stadion ist voller Besucher und Verkäufer, die Antiquitäten kaufen oder verkaufen möchten.
• Ostern (Ostersonntag). Es gibt einen Glauben, dass vor Ostern Kirchenglocken nach Rom fliegen. Bei ihrer Rückkehr hinterlassen sie Ostereier speziell für die Kinder auf den Feldern und im Wald. So werden jedes Jahr mehr als 1.000 bemalte Eier von Erwachsenen im Königlichen Park versteckt, und Kinder aus der ganzen Stadt versammeln sich, um danach zu suchen.

April

• Frühlingsbarock auf Sablon (3. Woche). Junge belgische Talente treffen sich am berühmten Place de la Grande Sablon. Sie spielen Musik aus dem 17. Jahrhundert.
• Königliche Gewächshäuser in Laiken (12 Tage, Termine variieren). Wenn Kakteen und allerlei exotische Pflanzen zu blühen beginnen, werden die privaten Gewächshäuser der belgischen Königsfamilie für die Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Die Räumlichkeiten bestehen aus Glas und sind mit Eisen verkleidet. Hier werden zahlreiche seltene Pflanzen aller Art vor schlechtem Wetter geschützt.
• Festival in Flandern (Mitte April – Oktober) Dieses Festival ist ein musikalisches Fest, bei dem alle möglichen Stile und Trends gemischt werden. Mehr als 120 berühmte Orchester und Chöre treten hier auf.
• „Bildschirmszenen“ (3. Woche - Ende). Täglich werden neue europäische Filme speziell für die Zuschauer präsentiert.

• Wir feiern den Europatag (7.-9. Mai). Da Brüssel die Hauptstadt Europas ist, wird dies an diesem Feiertag noch einmal betont. So trägt beispielsweise auch Mannequin Piece einen blauen Anzug, der mit gelben Sternen verziert ist.
• Künsten Arts Festival (9.-31. Mai). An diesem Festival nehmen junge Theaterschauspieler und Tänzer teil.
• Königin-Elizabeth-Wettbewerb (Mai – Mitte Juni). Dieser Musikwettbewerb bringt Fans der Klassiker zusammen. Dieser Wettbewerb läuft seit über vierzig Jahren. Dort treten junge Pianisten, Geiger und Sänger auf. Berühmte Dirigenten und Solisten wählen unter ihnen die würdigsten Interpreten aus.
• 20-km-Rennen in Brüssel (letzten Sonntag). Durchführung von Joggingveranstaltungen in der Hauptstadt, an denen mehr als 20.000 Amateur- und Profiläufer aktiv teilnehmen.
• Jazz-Rallye (letzter freier Tag). Kleine Jazz-Ensembles treten in Bistros und Cafés auf.

Im Juli beginnt in Ommengang die Saison des Hofglanzes. Dies ist ein ziemlich alter Brauch. Eine riesige Prozession zieht durch den Grand Place und die umliegenden Straßen. Zu dieser wunderbaren Jahreszeit können Sie Musik verschiedener Stilrichtungen hören. Künstler können an verschiedenen Orten musizieren, zum Beispiel im riesigen König-Baudouin-Stadion in Heysel oder in kleinen Café-Bars. Am Unabhängigkeitstag kommen alle Belgier zur Midi-Messe. Es findet in einem Bereich statt, in dem Tabletts aufgestellt und Wege angelegt werden.

• Brüsseler Sommerfestival (Anfang Juni – September). Konzertprogramme finden in berühmten antiken Gebäuden statt.
• Festival in der Wallonie (Juni - Oktober). Eine Reihe von Galakonzerten in Brüssel und Flandern ermöglicht es uns, dem Publikum die talentiertesten jungen belgischen Solisten und Orchestermitglieder vorzustellen.
• Festival des Cafés „Cooler“ (letzte Woche). Drei Tage lang findet in einer umgebauten Tour-e-Taxi-Lagerhalle ein sehr modisches Programm statt. Das Publikum erwartet afrikanische Schlagzeuger, Salsa, Ethno-Musik und Acid Jazz.
• Musikfestival (letzter freier Tag). Zwei Wochen lang finden in Rathäusern und Museen Benefizveranstaltungen und Konzerte statt, die sich der Weltmusik widmen.

• Ommegang (1. freier Tag im Juli). Touristen aus aller Welt kommen, um diese Aktion zu sehen. Dieses Fest findet seit 1549 in Brüssel statt. Diese Prozession (oder, wie sie genannt wird, „Umweg“) umrundet den Grand Place und alle angrenzenden Straßen und bewegt sich im Kreis. Mehr als 2000 Teilnehmer nehmen hier teil. Die Kostüme verwandeln sie in Städter der Renaissance. Die Parade führt an hochrangigen belgischen Beamten vorbei. Tickets müssen im Voraus reserviert werden.
• Jazz-Folk-Festival „Brosella“ (2. Wochenende). Das Festival findet im Osseghem Park statt. Alle berühmten Musiker aus Europa kommen dorthin.
• Sommerfestival in Brüssel (Juli – August). Zu dieser Jahreszeit spielen Musiker klassische Werke in der Unter- und Oberstadt.
• Midi-Messe (Mitte Juli – Mitte August). Die Messe findet am berühmten Brüsseler Bahnhof Gardu-Midi statt. Diese Veranstaltung dauert einen Monat. Kinder mögen es wirklich. Diese Messe gilt als die größte in Europa.

• Belgien-Tag (21. Juli). Zu Ehren des Unabhängigkeitstages, der seit 1831 gefeiert wird, findet eine Militärparade statt, gefolgt von einem Feuerwerk im Brüsseler Park.
• Tage der offenen Tür im Königspalast (letzte Juliwoche – 2. Septemberwoche). Die Türen des Königspalastes öffnen sich für Besucher. Diese Veranstaltung findet sechs aufeinanderfolgende Wochen statt.

• Maibaum (Mayboom) (9. August). Dieses Fest geht auf das Jahr 1213 zurück. Die Teilnehmer dieser Aktion verkleiden sich in riesigen Kostümen – Puppen. Die Prozession führt durch die Unterstadt. Es hält am Grand Place, dann wird dort ein Maibaum aufgestellt.
• Blumenteppich (Mitte August, alle 2 Jahre). Dieser Feiertag findet alle zwei Jahre statt. Dies ist eine Hommage an den Blumenanbau in Brüssel. Der gesamte Grand Place ist mit frischen Blumen bedeckt. Die Gesamtfläche eines solchen Teppichs beträgt ca. 2000 m².

Herbst

Im Herbst verlagern sich die Unterhaltungsaktivitäten der Belgier nach drinnen – in Cafés oder Kulturzentren, wo sie moderne Musik hören können. Während der Tage des Denkmals hat die Öffentlichkeit die Möglichkeit, Architektur zu genießen, indem sie Privathäuser besucht, die zu anderen Zeiten nicht für die Öffentlichkeit zugänglich sind, und die dort untergebrachten Sammlungen besichtigt.

September

• Geburtstag von Mannequin Piece (letzter freier Tag).
• Die berühmte Skulptur des pissenden Jungen trägt einen anderen Anzug, gespendet von einem hochrangigen ausländischen Gast.

• Festival „Happy City“ (erstes Wochenende).
• Derzeit finden etwa 60 Konzerte in drei Dutzend der besten Brüsseler Cafés statt.
• „Botanische Nächte“ (letzte Woche).
• Das französische Kulturzentrum „Le Botanique“, gelegen in den ehemaligen Gewächshäusern des Botanischen Gartens, veranstaltet eine Reihe von Konzerten, die alle Liebhaber der Jazzmusik begeistern werden.
• Heritage Days (2. oder 3. freier Tag).
• Für einige Tage öffnen zahlreiche denkmalgeschützte Gebäude und Privathäuser sowie geschlossene Kunstsammlungen ihre Türen für Besucher.

• Audi Jazz Festival (Mitte Oktober – Mitte November).
• Die Klänge des Jazz sind im ganzen Land zu hören und mildern die herbstliche Langeweile. Lokale Künstler treten auf, aber auch einige europäische Stars treten häufig im Palais des Beaux-Arts in Brüssel auf.

Im Winter regnet und schneit es in Belgien normalerweise, sodass fast alle Veranstaltungen in dieser Zeit in Innenräumen stattfinden. In Kunstgalerien finden Ausstellungen von Weltrang statt, und beim Brüsseler Filmfestival können Sie die Werke berühmter Meister und junger Talente sehen. Vor den Weihnachtsfeiertagen wird die Unterstadt mit hellen Lichtern geschmückt und an Weihnachten werden belgische Tische mit traditionellen Gerichten geschmückt.

• „Sablon’s Nocturne“ (letzter freier Tag). Alle Einkaufszentren und Museen am Place Grand Sablon schließen erst am späten Abend. Über die Messe fahren Pferdekarren, die Kunden befördern, und auf dem Hauptplatz kann jeder echten Glühwein probieren.

• Nikolaustag (6. Dezember).
• Der Legende nach kommt an diesem Tag der Schutzpatron von Weihnachten, der Weihnachtsmann, in die Stadt und alle belgischen Kinder erhalten Süßigkeiten, Schokolade und andere Geschenke.
• Weihnachten (24.-25. Dezember).
• Wie in anderen katholischen Ländern wird Weihnachten in Belgien am Abend des 24. Dezember gefeiert. Belgier tauschen Geschenke aus und besuchen dann am nächsten Tag ihre Eltern. Bis zum 6. Januar schmücken allerlei Weihnachtsattribute die Straßen der Hauptstadt.

• Königstag (6. Januar).
• An diesem Tag werden spezielle Mandel-„Königskuchen“ zubereitet und jeder sucht nach der dort versteckten Erbse. Wer es findet, wird für die gesamte Festnacht zum König erklärt.
• Brüsseler Filmfestival (Mitte-Ende Januar).
• Erstvorführung neuer Filme unter Beteiligung europäischer Filmstars.

• Antiquitätenmesse (2. und 3. Woche).
• Im Palast der Schönen Künste treffen sich Antiquitätenverkäufer aus aller Welt.
• Internationales Comic-Festival (2. und 3. Woche).
• Comic-Autoren und -Künstler strömen in die Stadt, die einen großen Einfluss auf die Comic-Kunst hatte, um ihre Erfahrungen auszutauschen und neue Werke vorzustellen.

Darunter ist auch ein Porträt eines der berühmtesten Meister Flanderns dieser Zeit, Adrian Brouwer, zu sehen (1606-1632) , dessen Gemälde von Rubens selbst gesammelt wurden (es gab siebzehn davon in seiner Sammlung). Jedes Werk Brouwers ist eine Perle der Malerei. Der Künstler verfügte über ein enormes koloristisches Talent. Als Thema seiner Arbeit wählte er den Alltag der flämischen Armen – Bauern, Bettler, Vagabunden – langweilig mit seiner Monotonie und Leere, mit seiner erbärmlichen Unterhaltung, manchmal gestört durch den Ausbruch wilder Tierleidenschaften. Brouwer führte die Traditionen von Bosch und Bruegel in der Kunst fort, mit seiner aktiven Ablehnung des Elends und der Hässlichkeit des Lebens, der Dummheit und der tierischen Niedrigkeit der menschlichen Natur und gleichzeitig einem ausgeprägten Interesse an dem, was einzigartig ist. Ziel ist es nicht, dem Betrachter einen breiten Hintergrund des gesellschaftlichen Lebens zu offenbaren. Seine Stärke liegt in der Darstellung spezifischer Genresituationen. Er verfügt insbesondere über die Fähigkeit, die verschiedenen Affekte von Gefühlen und Empfindungen, die ein Mensch erlebt, in der Mimik auszudrücken. Im Gegensatz zu Rubens, van Dyck und sogar Jordanes denkt er nicht an Ideale oder edle Leidenschaften. Er beobachtet einen Menschen sarkastisch, so wie er ist. Im Museum ist sein Gemälde „Drinking Buddies“ zu sehen, das sich durch seine zarte Lichtfarbe auszeichnet, die die Beleuchtung und den atmosphärischen Zustand eindrucksvoll zum Ausdruck bringt. Das elende Stadtbild in der Nähe der Stadtmauer ruft zusammen mit den vagabundierenden Spielern eine herzzerreißende Melancholie in der Seele hervor. Diese Stimmung des Künstlers selbst, der von der tristen Hoffnungslosigkeit des Daseins spricht, ist sicherlich zutiefst dramatisch.

Frans Hals

Die Abteilung für niederländische Malerei ist relativ klein, enthält aber Gemälde von Rembrandt, Jacob Ruisdael, kleinen Holländern, Meistern der Landschaft, des Stilllebens und der Genreszenen. Ein merkwürdiges Porträt des Kaufmanns Willem Heythuissen, ein Werk des großen niederländischen Künstlers Frans Hals (1581/85-1666) . Heythuissen war ein reicher, aber engstirniger und äußerst eitler Mann. Von Natur aus rustikal, strebte er dennoch danach, mit der Eleganz, die ihm sein Reichtum zu ermöglichen schien, adeligen Aristokraten zu ähneln. Die Behauptungen dieses Emporkömmlings sind lächerlich und für Khals fremd. Deshalb macht er es so beharrlich, mit einem gewissen Maß an Sarkasmus, ambivalent Porträtbild. Zuerst fällt uns Heythuissens entspannte Haltung auf, sein üppiger, eleganter Anzug, sein Hut mit elegant gedrehter Krempe und dann – ein ausdrucksloses, blasses, bereits mittelalteriges Gesicht mit trübem Blick. Das prosaische Wesen dieses Mannes kommt trotz aller Tricks, es zu verbergen, zum Vorschein. Der innere Widerspruch und die Instabilität des Bildes werden vor allem durch die originelle Komposition des Porträts deutlich. Heythuissen sitzt mit einer Peitsche in der Hand, wie nach einem Ausritt, auf einem Stuhl, den er zu schaukeln scheint. Diese Pose lässt darauf schließen, dass der Künstler den Zustand des Modells in kurzer Zeit schnell erfasst hat. Und die gleiche Pose verleiht dem Bild einen Hauch von innerer Entspannung und Lethargie. Es liegt etwas Erbärmliches in diesem Mann, der versucht, den unvermeidlichen Verfall, die Eitelkeit der Wünsche und die innere Leere vor sich selbst zu verbergen.

Lucas Cranach

In der Abteilung für deutsche Malerei des Brüsseler Museums erregt das brillante Werk von Lucas Cranach dem Älteren Aufmerksamkeit. (1472-1553) . Dies ist ein Porträt von Dr. Johann Schering aus dem Jahr 1529. Das Bild eines Willensstarken starker Mann typisch für die Kunst der deutschen Renaissance. Aber Cranach fängt jedes Mal die individuellen Qualitäten von Geist und Charakter ein und offenbart sie in der physischen Erscheinung des Modells, scharf eingefangen in seiner Einzigartigkeit. In Sherings strengem Blick, in seinem Gesicht kann man eine Art kalte Besessenheit, Starrheit und Unnachgiebigkeit spüren. Sein Bild wäre einfach unangenehm, wenn seine enorme innere Stärke nicht ein Gefühl des Respekts für den einzigartigen Charakter dieses Mannes hervorrufen würde. Erstaunlich ist die Virtuosität des zeichnerischen Könnens des Künstlers, der die hässlichen großen Gesichtszüge und die vielen kleinen Details des Porträts so gekonnt wiedergab.

Italienische und französische Sammlungen

Die Sammlung von Gemälden italienischer Künstler könnte das Interesse der Museumsbesucher wecken, da sie Werke von Tintoretto, dem großen Maler, dem letzten Titanen, enthält Italienische Renaissance. „Hinrichtung des hl. Markus“ ist ein Gemälde aus einem Zyklus, der dem Leben des Heiligen gewidmet ist. Das Bild ist von stürmischer Dramatik und leidenschaftlichem Pathos durchdrungen. Nicht nur die Menschen, auch der Himmel in zerrissenen Wolken und das tosende Meer schienen den Tod eines Menschen zu betrauern.

Die Meisterwerke der französischen Sammlung sind ein Porträt eines jungen Mannes von Mathieu Lenain und eine Landschaft von Claude Lorrain.

Die Abteilung für alte Kunst umfasst derzeit mehr als eintausend Kunstwerke, von denen viele in der Lage sind, dem Betrachter ein tiefes ästhetisches Vergnügen zu bereiten.

Jacques Louis David

Der zweite Teil des Königlichen Museums der Schönen Künste ist die Sammlung von Kunst aus dem 19. und 20. Jahrhundert. Sie enthalten hauptsächlich Werke belgischer Meister. Das herausragendste im Museum aufbewahrte Werk der französischen Schule ist „Der Tod des Marat“ von Jacques Louis David (1748-1825) .

David ist ein berühmter Künstler Frankreichs, der Kopf des revolutionären Klassizismus, dessen historische Gemälde in den Jahren vor der französischen bürgerlichen Revolution eine große Rolle bei der Erweckung des Bürgerbewusstseins seiner Zeitgenossen spielten. Die meisten vorrevolutionären Gemälde des Künstlers basierten auf Themen aus der Geschichte des antiken Griechenlands und Roms, aber die revolutionäre Realität zwang David, sich der Moderne zuzuwenden und in ihr einen Helden zu finden, der eines Ideals würdig war.

„Maratu – David. Jahr zwei“ – so lautet die lakonische Inschrift auf dem Gemälde. Es wird als Epitaph wahrgenommen. Marat – einer der Anführer der Französischen Revolution – wurde 1793 getötet (nach revolutionären Berechnungen im zweiten Jahr) Royalistin Charlotte Corday. Der „Volksfreund“ wird im Moment des Todes unmittelbar nach dem Schlag dargestellt. Das blutige Messer wurde in die Nähe des Heilbades geworfen, in dem er trotz körperlicher Leiden arbeitete. Eine raue Stille erfüllt das Bild, das wie ein Requiem für einen gefallenen Helden klingt. Seine Figur ist kraftvoll mit Hell-Dunkel geformt und ähnelt einer Statue. Der geworfene Kopf und die gefallene Hand schienen in ewigem, feierlichem Frieden erstarrt zu sein. Die Komposition besticht durch die Strenge der Objektauswahl und die Klarheit linearer Rhythmen. Der Tod von Marat wurde von David als heroisches Drama über das Schicksal eines großen Bürgers wahrgenommen.

Ein Schüler Davids, der lebte letzten Jahren Leben im Exil und in Brüssel, wurde der Belgier François Joseph Navez (1787-1863) . Bis zu seinem Lebensende blieb Navez der von seinem Lehrer geschaffenen Tradition treu, insbesondere in der Porträtmalerei, obwohl er diesem Genre einen gewissen Hauch romantischer Interpretation des Bildes einbrachte. Einer von Berühmte Werke Das „Porträt der Familie Emptynne“ des Künstlers wurde 1816 gemalt. Dem Betrachter wird unwillkürlich vermittelt, dass das junge und schöne Paar Liebes- und Glücksgefühle verbindet. Wenn das Bild einer Frau voller ruhiger Freude ist, dann ist das Bild eines Mannes voller romantischer Geheimnisse und einer leichten Spur von Traurigkeit.

Belgische Malerei des 19. und 20. Jahrhunderts

In den Sälen des Museums können Sie Werke der größten belgischen Maler des 19. Jahrhunderts sehen: Henri Leys, Joseph Stevens, Hippolyte Boulanger. Jan Stobbarts ist mit einem seiner besten Gemälde vertreten, „Bauernhof in Kreiningen“, das die Bauernarbeit in Belgien wahrheitsgetreu darstellt. Obwohl der Künstler Autodidakt war, weist das Gemälde eine hervorragende Komposition auf und zeichnet sich durch seine hohe malerische Qualität aus. Sein Thema könnte von Rubens‘ Gemälde „Rückkehr“ inspiriert worden sein verlorene Sohn" Stobbarts war einer der ersten Maler des 19. Jahrhunderts, der die Prinzipien des Realismus verkündete.

Der Beginn seiner künstlerischen Laufbahn war schwierig. Das an das romantische Konzept des künstlerischen Bildes gewöhnte Antwerpener Publikum lehnte seine wahrheitsgetreuen Gemälde mit Empörung ab. Dieser Gegensatz war so stark, dass Stobbarts schließlich gezwungen war, nach Brüssel zu ziehen.

Das Museum verfügt über 27 Gemälde des berühmten belgischen Künstlers Henri de Braquelaere (1840-1888) , der der Neffe und Schüler von A. Leys war, ein herausragender Historienmaler. De Brakelers gesteigertes Interesse an der nationalen Geschichte Belgiens, seinen Traditionen, seiner Lebensweise und seiner Kultur war mit einem seltsamen Gefühl der Liebe verbunden, voller leichtem Bedauern und Sehnsucht nach der Vergangenheit. Seine Genreszenen sind von Erinnerungen an die Vergangenheit durchdrungen, seine Helden ähneln Menschen vergangener Jahrhunderte, umgeben von antiken Dingen und Gegenständen. Es gibt zweifellos ein Moment der Stilisierung in de Brakelers Werk. Insbesondere sein Gemälde „Geograph“ erinnert an die Werke der niederländischen Meister G. Metsu und N. Mas aus dem 17. Jahrhundert. Auf dem Bild sehen wir einen alten Mann, der auf einem Samthocker aus dem 17. Jahrhundert sitzt und in die Betrachtung eines antiken bemalten Satins vertieft ist.

Gemälde von James Ensor (1860-1949) „Dame in Blau“ (1881) weist Spuren des starken Einflusses des französischen Impressionismus auf. Die malerische Palette besteht aus Blau-, Blaugrau- und Grüntönen. Ein lebendiger und freier Schlag vermittelt Vibration und Luftbewegung.

Die bildliche Interpretation des Gemäldes verwandelt ein alltägliches Motiv in eine poetische Szene. Die gesteigerte Bildwahrnehmung, der Hang zur Fantasie und der ständige Wunsch des Künstlers, das Gesehene in etwas Ungewöhnliches zu verwandeln, spiegeln sich auch in seinen brillanten Stillleben wider, deren erfolgreichstes Beispiel das Brüsseler „Scat“ ist. Der Seefisch ist abstoßend schön mit seiner scharfen rosa Farbe und Form, die vor den Augen zu verschwimmen scheint, und in seinem betörend durchdringenden Blick, der direkt auf den Betrachter gerichtet ist, liegt etwas Unangenehmes und Verstörendes.

Ensor lebte ein langes Leben, doch die Tätigkeit seines Schaffens fällt in den Zeitraum von 1879 bis 1893. Ensors Ironie und Ablehnung der hässlichen Züge der menschlichen Natur mit gnadenlosem Sarkasmus manifestieren sich in zahlreichen Gemälden mit Karnevalsmasken, die auch im Brüsseler Museum zu sehen sind. Ensors Kontinuität mit der Kunst von Bosch und Bruegel ist unbestreitbar.

Der wunderbarste Kolorist und begabteste Bildhauer, der im Ersten Weltkrieg starb, Rick Wouters (1882-1916) im Museum mit Gemälden und Skulpturen präsentiert. Der Künstler erlebte den starken Einfluss von Cézanne, schloss sich der Bewegung des sogenannten „Brabantinischen Fauvismus“ an, wurde aber dennoch zu einem zutiefst originellen Meister. Seine temperamentvolle Kunst ist von einer glühenden Liebe zum Leben durchdrungen. In „Die Dame mit der gelben Halskette“ erkennen wir seine Frau Nel, die auf einem Stuhl sitzt. Der festliche Klang von gelben Vorhängen, einer rot karierten Decke, grünen Girlanden auf der Tapete und einem blauen Kleid weckt ein Gefühl der Lebensfreude, das die ganze Seele erfasst.

Das Museum beherbergt mehrere Werke des herausragenden belgischen Malers Permeke (1886-1952) .

Constant Permeke ist weithin als Kopf des belgischen Expressionismus bekannt. Belgien war nach Deutschland das zweite Land, in dem diese Bewegung großen Einfluss auf das künstlerische Umfeld erlangte. Die Helden von Permeke, meist Menschen aus dem Volk, werden mit bewusster Rauheit dargestellt, die nach der Idee des Autors ihre natürliche Stärke und Kraft offenbaren soll. Permeke greift auf Verformung und eine vereinfachte Farbgebung zurück. Dennoch gibt es in seiner „Verlobten“ eine Art Monumentalisierung der, wenn auch primitiven Bilder, den Wunsch, den Charakter und die Beziehung des Seemanns und seiner Freundin zu offenbaren.

Unter den Meistern der realistischen Bewegung des 20. Jahrhunderts ragen Isidore Opsomer und Pierre Polus heraus. Der erste ist als wunderbarer Porträtmaler bekannt („Porträt von Jules Destre“), der zweite - als Künstler, der sich wie C. Meunier in seiner Arbeit der Darstellung des schwierigen Lebens der belgischen Bergleute widmete. In den Sälen des Museums werden auch Werke belgischer Künstler anderer Strömungen ausgestellt. zeitgenössische Kunst, hauptsächlich Surrealismus und Abstraktionismus.