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Bildunterschriften:

Porträt in der Malerei. Arten von Menschenporträts. Präsentation vorbereitet von: Bazanova Elena Mikhailovna

Ein Porträt ist ein Bild oder eine Beschreibung einer Person oder Personengruppe, die in der Realität existiert oder existierte. Das Porträt ist eines der Hauptgenres der Malerei, Bildhauerei und Grafik, seine Bedeutung besteht gerade darin, individuelle Qualitäten wiederzugeben spezielle Person. Der Name dieses Genres stammt von einem alten französischen Ausdruck und bedeutet „etwas Punkt für Punkt reproduzieren“.

Aquarell PORTRAIT Bleistift GRAVIERTE GEMÄLDE (ÖL, TEMPERA, GOUACHE) SKULPTUR RELIEF (auf Medaillen und Münzen)

Bleistiftporträt Aquarellporträt Gravur Gemäldeporträt (Öl) Relief Skulpturales Porträt

ARTEN VON PORTRÄTS: Kammer; Psychologisch; Sozial; Vorderseite; Einzel, Doppel, Gruppe. Selbstporträt

Kammerporträt – ein Porträt mit einem hüftlangen, brustlangen oder schulterlangen Bild. Die Figur eines Kammerporträts wird meist vor einem neutralen Hintergrund dargestellt.

Ein psychologisches Porträt soll die Tiefe der inneren Welt und Erfahrungen eines Menschen zeigen, die Fülle seiner Persönlichkeit widerspiegeln und die endlose Bewegung menschlicher Gefühle und Handlungen in einem Augenblick einfangen.

Ein Sozialporträt ermöglicht es Ihnen, den Inhalt der beruflichen Tätigkeit und der Freizeitgestaltung zu verstehen und die Persönlichkeit einer Person anhand der Merkmale der Umgebung, in der sie lebt, einzuschätzen.

Zeremonielles Porträt – ein Porträt, das eine Person zeigt vollständige Höhe, auf einem Pferd, stehend oder sitzend. Typischerweise wird die Figur in einem formellen Porträt vor einem architektonischen oder landschaftlichen Hintergrund dargestellt.

Einzel, Doppel, Gruppe.

Ein Selbstporträt ist ein grafisches, bildhaftes oder skulpturales Abbild des Künstlers, das er selbst unter Verwendung eines Spiegels oder eines Spiegelsystems angefertigt hat.

Je nach Format werden Porträts unterschieden: kopflang (schulterlang), hüftlang, hüftlang, knielang, Ganzkörperporträts

Kopfporträt, Ganzkörperporträt, Halbfigurenporträt, Hüftporträt, Ganzkörperporträt

Je nach Drehung des Kopfes sind Porträts: Vollgesicht (französisch en face, „vom Gesicht“), eine viertel Drehung nach rechts oder links, eine halbe Drehung, dreiviertel im Profil

Aufgabe: Ihre Aufgabe ist es, ein malerisches Porträt zu erstellen. Dies kann ein Selbstporträt oder ein Porträt einer Ihnen nahestehenden Person sein. Überlegen Sie, welche Farbkombinationen Ihren Charakter und Gemütszustand am besten zum Ausdruck bringen.

Ein klassisches Porträt ist eine Art bildender Kunst, die eine Person oder mehrere Personen darstellt. Hierbei handelt es sich um ein ähnliches Bild einer Person auf Papier oder Leinwand, mit dem Ziel, nicht nur sein Aussehen zum Ausdruck zu bringen, sondern auch Emotionen, Charaktereigenschaften, Lebenswerte usw. zu zeigen. Es ist auch erwähnenswert, dass das Zeichnen eines Gesichts der komplexeste Prozess in der Kunst ist. Ein talentierter Künstler muss die wichtigsten persönlichen Aspekte hervorheben, die charakteristischsten Merkmale und Emotionen eines Menschen bestimmen und seine Werte im Leben zeigen.

Die Antworten auf die Frage, welche Arten von Porträts es gibt, können unterschiedlich sein. Porträts werden normalerweise nach Genres und Subgenres, Themen und Ausführungstechniken unterschieden. Sie können eine Person bis zur Brust, bis zur Taille, in vollem Wachstum darstellen oder das Gesicht zeigen Nahaufnahme. Welche Art von Porträts es in der Malerei gibt, unterscheidet sich auch in der Positionierung des Gesichts. Je nach Position kann die Person von vorne oder vom Gesicht, in einer Dreivierteldrehung oder im Profil dargestellt werden.

Was sind die Genres und Subgenres von Porträts?

Die Antwort auf die Frage, welche Arten von Porträts es gibt, beginnt mit ihrer Einteilung in Genres. Die Genres sind in Intim-, Zeremonien- und Kammerporträts unterteilt. Ein eigenes Genre ist das Selbstporträt, bei dem der Künstler sich selbst darstellt. Generell handelt es sich bei der Porträtmalerei heute um eine eigenständige Kunstgattung, die keiner weiteren Beschreibung bedarf.

Darüber hinaus gibt es auch Subgenres, in denen es um Porträts bei der Zeichnung von Menschen geht. Sie verkörpern eine Richtung, die auf die eine oder andere Weise mit den Merkmalen anderer Genres der Porträtmalerei verbunden ist. Wenn Sie nicht wissen, welche Arten von Porträts es gibt, können Sie sich hierzu ganz einfach auf spezialisierten Websites informieren. Beispielsweise wird ein historisches Porträt mit alten Zeiten in Verbindung gebracht. Beispielsweise kann eine Person im Geiste einer bestimmten Person Kleidung tragen historische Ära, kann eine entsprechende Umgebung geschaffen werden. Oft wird ein Kostümporträt verwendet, das ungewöhnliche Utensilien und ein interessantes Bild suggeriert und in vielerlei Hinsicht an eine Theateraufführung erinnert.

Welche Techniken gibt es zum Malen von Porträts?

Porträts können, wie auch andere Gemälde, in der Ausführungstechnik stark variieren. Welche Arten von Porträts gibt es aufgrund der Technik? Sie können also in Öl auf Leinwand, mit einem trockenen Pinsel, mit Buntstiften, einem Bleistift usw. gemalt werden. Die Öl-auf-Leinwand-Technik ist eine der beliebtesten Porträts überhaupt. Dieser Prozess ist ziemlich arbeitsintensiv und erfordert viel Geduld, Genauigkeit und Aufmerksamkeit des berühmten Künstlers. Der Ölporträtstil ist sehr unterschiedlich reichhaltige Geschichte, und heute ist er auch auf der ganzen Welt sehr berühmt, ebenso wie die Art von Porträts, die es gibt. Im Laufe der Zeit wurden die sogenannten operativen Arbeitstechniken, schnelle Skizzen, Kohle, Bleistift, Sepia, populär. Beliebt sind auch Aquarell-, Pastell- und Trockenpinsel.

Im heutigen Beitrag möchte ich kurz auf die Entwicklungsgeschichte der Porträtmalerei eingehen. Es ist nicht möglich, im begrenzten Umfang des Beitrags das gesamte Material zu diesem Thema vollständig abzudecken, daher habe ich mir keine solche Aufgabe gestellt.

Ein kleiner Ausflug in die Geschichte der Porträtmalerei

Porträt(aus dem französischen Porträt) - Dies ist ein Genre der bildenden Kunst sowie Werke dieses Genres, die das Aussehen einer bestimmten Person zeigen. Ein Porträt vermittelt individuelle Eigenschaften, einzigartige Merkmale, die nur einem Modell innewohnen (ein Modell ist eine Person, die für einen Meister posiert, während sie an einem Kunstwerk arbeitet).

"Pariser". Fresko aus dem Palast von Knossos, 16. Jahrhundert v. Chr.

Aber Äußere Ähnlichkeit ist nicht die einzige und vielleicht nicht die wichtigste Eigenschaft eines Porträts . Ein echter Porträtmaler beschränkt sich nicht darauf, die äußeren Merkmale seines Modells wiederzugeben, er ist bestrebt die Eigenschaften ihres Charakters vermitteln, ihr Inneres offenbaren, Spirituelle Welt . Es ist auch sehr wichtig, die soziale Stellung der porträtierten Person darzustellen, um ein typisches Bild eines Vertreters einer bestimmten Epoche zu schaffen.
Als Genre tauchte das Porträt vor mehreren tausend Jahren auf Antike Kunst. Unter den Fresken des berühmten Knossos-Palastes, die Archäologen bei Ausgrabungen auf der Insel Kreta gefunden haben, gibt es eine Reihe malerischer Frauenbilder aus der Zeit XVI Jahrhundert Chr. Obwohl Forscher diese Bilder „Hofdamen“ nannten, wissen wir nicht, wen die kretischen Meister darzustellen versuchten – Göttinnen, Priesterinnen oder edle Damen in eleganten Kleidern.
Das berühmteste Porträt einer jungen Frau, von Wissenschaftlern als „Pariserin“ bezeichnet. Wir sehen vor uns ein Profilbild (nach den Traditionen der damaligen Kunst) einer jungen Frau, die sehr kokett ist und die Kosmetik nicht vernachlässigt, wie ihre dunkel umrandeten Augen und die hell geschminkten Lippen beweisen.
Die Künstler, die Freskenporträts ihrer Zeitgenossen schufen, haben sich nicht mit den Eigenschaften der Modelle befasst, und die äußere Ähnlichkeit dieser Bilder ist sehr relativ.

„Porträt eines jungen Römers“, frühes 3. Jahrhundert n. Chr.

IN Antikes Griechenland und das antike Rom Staffelei-Malerei existierte nicht, daher drückte sich die Porträtkunst hauptsächlich in der Skulptur aus. Alte Meister schufen plastische Bilder von Dichtern, Philosophen, Militärführern und Politikern. Diese Werke zeichnen sich durch Idealisierung aus, gleichzeitig finden sich unter ihnen auch Bilder, die in ihren psychologischen Eigenschaften sehr treffend sind.
Von großem Interesse malerische Porträts, geschaffen in Ägypten im 1.-4. Jahrhundert n. Chr. In Anlehnung an den Fundort (die Gräber von Hawara nördlich von Kairo und die Nekropolen der Fayum-Oase, unter den Ptolemäern Arsinoe genannt) werden sie Fayum genannt. Diese Bilder erfüllten rituelle und magische Funktionen. Sie erschienen in der hellenistischen Ära, als Antikes Ägypten wurde von den Römern erobert. Diese auf Holzbrettern oder auf Leinwand ausgeführten Porträtbilder wurden zusammen mit der Mumie in das Grab des Verstorbenen gelegt.
In den Fayum-Porträts sehen wir Ägypter, Syrer, Nubier, Juden, Griechen und Römer, die im 1.-4. Jahrhundert n. Chr. in Ägypten lebten. Aus Antikes Rom Nach Ägypten gelangte der Brauch, im Haus Porträts der Besitzer auf Holztafeln aufzubewahren sowie skulpturale Masken verstorbener Verwandter aufzubewahren.

Porträt einer Fayum-Mumie

Fayum-Porträts wurden mit Tempera- oder Enkaustiktechniken erstellt, was besonders charakteristisch für frühere Bilder ist. Enkaustik ist das Malen mit Farben, wobei das wichtigste Verbindungsglied Wachs war. Künstler verwendeten geschmolzene Wachsfarben (auf vielen Tafeln mit Porträtbilder Spuren des Abfließens solcher Farben sind erhalten geblieben). Diese Technik erforderte spezielle Techniken. Auf die Bereiche Wangen, Kinn und Nase wurde Farbe in dichten Schichten aufgetragen, der Rest des Gesichts und der Haare wurde mit dünnerer Farbe bemalt. Für Porträts verwendeten die Meister dünne Bretter aus Bergahorn (Maulbeerfeigenbaum) und libanesischer Zeder.

G. Bellini. „Porträt eines Spenders“ Fragment

Zu den berühmtesten Porträts, die mit der Enkaustik-Technik angefertigt wurden, gehören „ Porträt eines Mannes„(zweite Hälfte des 1. Jahrhunderts n. Chr.) und „Porträt eines älteren Mannes“ (Ende des 1. Jahrhunderts n. Chr.), bei denen es sich um lebenslange Bilder handelt. In diesen Werken kommt das Geschickte zum Einsatz Cut-Off-Modellierung und die Verwendung von Farbreflexen. Wahrscheinlich haben die uns unbekannten Meister, die die Porträts malten, die hellenistische Malschule durchlaufen. Zwei weitere Gemälde wurden auf die gleiche Weise ausgeführt – „Porträt eines Nubiers“ und ein wunderschönes Frauenbild, das sogenannte. „Herrin Alina“ (2. Jahrhundert n. Chr.). Das letzte Porträt Mit Pinsel und flüssiger Tempera auf Leinwand gefertigt.
Im Mittelalter, als die Kunst der Kirche untergeordnet war, entstanden in der Malerei vor allem religiöse Bilder. Aber auch zu dieser Zeit malten einige Künstler psychologisch korrekte Porträts. Weit verbreitet waren Bilder von Spendern (Spendern, Kunden), die meist im Profil vor Gott, der Madonna oder einem Heiligen dargestellt wurden. Die Bilder der Spender hatten äußerlich zweifellos Ähnlichkeit mit den Originalen, gingen jedoch nicht über die ikonografischen Kanons hinaus, die in der Komposition eine Rolle spielten unwichtige Rolle. Von der Ikone ausgehende Profilbilder behielten ihre dominante Stellung, auch als das Porträt begann, eine eigenständige Bedeutung zu erlangen.
Blütezeit Porträtgenre begann während der Renaissance, als Hauptwert Die Welt ist zu einem aktiven und zielstrebigen Menschen geworden, der in der Lage ist, diese Welt zu verändern und allen Widrigkeiten zu trotzen. Im 15. Jahrhundert begannen Künstler, eigenständige Porträts zu schaffen, die Modelle vor dem Hintergrund majestätischer Panoramalandschaften zeigten. Dies ist das „Porträt eines Jungen“ von B. Pinturicchio.

B. Pinturicchio. „Bildnis eines Knaben“, Kunsthalle Dresden

Die Präsenz von Naturfragmenten in Porträts schafft jedoch keine Integrität, die Einheit einer Person und der Welt um sie herum scheint die natürliche Landschaft zu verdecken. Erst in Porträts des 16. Jahrhunderts entsteht Harmonie, eine Art Mikrokosmos.

Viele berühmte Meister der Renaissance wandten sich der Porträtmalerei zu, darunter Botticelli, Raffael und Leonardo da Vinci. Das größte Werk der Weltkunst war berühmtes Meisterwerk Leonardos Porträt der Mona Lisa (La Gioconda, ca. 1503), in dem viele Porträtmaler nachfolgender Generationen ein Vorbild sahen.
Tizian spielte eine große Rolle bei der Entwicklung des europäischen Porträtgenres und schuf eine ganze Galerie mit Bildern seiner Zeitgenossen: Dichter, Wissenschaftler, Geistliche und Herrscher. In diesen Werken ist das Große Italienischer Meister fungierte als subtiler Psychologe und hervorragender Experte für die menschliche Seele.

Tizian: Kaiserin Isabella von Portugal.

Während der Renaissance wandten sich viele Künstler, die Altar- und mythologische Kompositionen schufen, dem Porträtgenre zu. Tiefes Eindringen in Innere Modelle sind unterschiedlich Psychologische Porträts Niederländischer Maler Jan van Eyck („Timothy“, 1432; „Der Mann mit dem roten Turban“, 1433). Ein anerkannter Meister des Porträtgenres war Deutscher Künstler Albrecht Dürer, dessen Selbstporträts noch heute den Betrachter begeistern und als Vorbild für Künstler dienen.

Albrecht Dürer, Selbstbildnis

Während der Renaissance in Europäische Malerei erschien verschiedene Formen Porträt. Das Ganzkörperporträt erfreute sich damals großer Beliebtheit, es erschienen aber auch Halb-, Seiten- und Ganzkörperporträts. Adelspaare bestellten Paarporträts, bei denen die Modelle auf unterschiedlichen Leinwänden abgebildet waren, aber beide Kompositionen waren durch ein gemeinsames Konzept, eine gemeinsame Farbe und einen gemeinsamen Landschaftshintergrund vereint. Ein markantes Beispiel für Paarporträts ist das Bild des Herzogs und der Herzogin von Urbino (Federigo da Montefeltro und Battista Sforza, 1465), geschaffen vom italienischen Maler Piero della Francesca.
Auch Gruppenporträts verbreiteten sich, bei denen der Künstler mehrere Modelle auf einer Leinwand zeigte. Ein Beispiel für ein solches Werk ist „Porträt von Papst Paul III. mit Alessandro und Ottavio Farnese“ (1545-1546) von Tizian.

Basierend auf der Art des Bildes begann man, Porträts in zeremonielle und intime Porträts zu unterteilen. Die ersten wurden zu dem Zweck geschaffen, die darauf dargestellten Menschen zu verherrlichen und zu verherrlichen. Zeremonielle Porträts wurden bei bestellt berühmte Künstler regierende Personen und ihre Familienangehörigen, Höflinge, Geistliche, die die oberen Stufen der hierarchischen Leiter besetzten.
Bei der Erstellung zeremonieller Porträts stellten Maler Männer in prächtigen, mit Gold bestickten Uniformen dar. Die Damen, die für den Künstler posierten, trugen die luxuriösesten Kleider und schmückten sich mit Schmuck. Der Hintergrund spielte bei solchen Porträts eine besondere Rolle. Die Meister malten ihre Modelle vor dem Hintergrund einer Landschaft, architektonischen Elementen (Bögen, Säulen) und üppigen Vorhängen.
Der größte Meister zeremonieller Porträts war der Flame P.P. Rubens, der an den Königshöfen vieler Staaten tätig war. Seine edlen und wohlhabenden Zeitgenossen träumten davon, dass der Maler sie auf seinen Leinwänden festhalten würde. Rubens‘ Auftragsporträts bestechen durch ihren Farbreichtum und ihre virtuose Gestaltung und wirken etwas idealisiert und kalt. Die Bilder von Familie und Freunden, die der Künstler für sich selbst geschaffen hat, sind voller warmer und aufrichtiger Gefühle; es besteht kein Wunsch, dem Modell zu schmeicheln, wie in zeremoniellen Porträts für wohlhabende Kunden.

Porträt der Infantin Isabella Clara Eugenie, Regentin von Flandern, Wien, Kunsthistorisches Museum

Ein Schüler und Anhänger von Rubens war der talentierte flämische Maler A. van Dyck, der eine Galerie mit Porträtbildern seiner Zeitgenossen schuf: Wissenschaftler, Anwälte, Ärzte, Künstler, Kaufleute, Militärführer, Geistliche und Höflinge. Diese realistischen Bilder vermitteln auf subtile Weise die individuelle Einzigartigkeit der Modelle.
Porträts von van Dyck in späte Periode Als die Künstler am Hofe des englischen Königs Karl arbeiteten, waren sie künstlerisch weniger perfekt, weil Der Meister, der viele Aufträge erhielt, kam mit diesen nicht zurecht und vertraute das Bild einiger Teile seinen Assistenten an. Aber auch zu dieser Zeit malte van Dyck eine Reihe recht erfolgreicher Gemälde (Louvre-Porträt Karls I., ca. 1635; „Die drei Kinder Karls I.“, 1635).

A. van Dyck. „Die drei Kinder Karls I.“, 1635, Königliche Sammlung, Schloss Windsor

Einen wichtigen Platz in der europäischen Malerei nahmen im 17. Jahrhundert intime (Kammer-)Porträts ein, deren Zweck es war zu zeigen Geisteszustand ein Mensch, seine Gefühle und Emotionen. Der niederländische Künstler Rembrandt, der viele gefühlvolle Bilder malte, wurde zu einem anerkannten Meister dieser Art von Porträt. „Porträt einer alten Dame“ (1654), „Porträt des Sohnes des Titus beim Lesen“ (1657) und „Hendrickje Stoffels am Fenster“ (Porträt der zweiten Frau des Künstlers, um 1659) sind von aufrichtigen Gefühlen durchdrungen. Diese Werke präsentieren dem Betrachter gewöhnliche Menschen, die weder adelige Vorfahren noch Reichtum haben. Aber für Rembrandt, der eine neue Seite in der Geschichte des Porträtgenres aufschlug, war es wichtig, die spirituelle Freundlichkeit seines Modells, ihre wahrhaft menschlichen Qualitäten, zu vermitteln.

Unbekannter Künstler. Parsuna „Iwan IV. der Schreckliche“, Herrscher von ganz Russland, Ende XVII Jahrhundert.

Rembrandts Können zeigte sich auch in seinen großformatigen Gruppenporträts („Nachtwache“, 1642; „Syndics“, 1662), die unterschiedliche Temperamente und strahlende menschliche Persönlichkeiten zum Ausdruck brachten.
Einer der bemerkenswertesten europäischen Porträtisten des 17. Jahrhunderts war der spanische Künstler D. Velazquez, der nicht nur zahlreiche zeremonielle Porträts spanischer Könige, ihrer Frauen und Kinder malte, sondern auch eine Reihe intimer Bilder gewöhnlicher Menschen. Appelliert an die besten Gefühle des Betrachters tragische Bilder Hofzwerge – weise und zurückhaltend oder verbittert, aber stets im Bewusstsein der Menschenwürde („Porträt des Narren Sebastiano Mora“, um 1648).

Das Porträtgenre erfuhr im 18. Jahrhundert eine Weiterentwicklung. Porträts verschafften Künstlern im Gegensatz zu Landschaften ein gutes Einkommen. Viele Maler, die zeremonielle Porträts schufen und versuchten, einem reichen und hochgeborenen Kunden zu schmeicheln, versuchten, die attraktivsten Merkmale seines Aussehens hervorzuheben und seine Mängel zu verschleiern.
Aber die mutigsten und talentiertesten Meister hatten keine Angst vor dem Zorn der Herrscher und zeigten den Menschen, wie sie wirklich waren, ohne ihre körperlichen und moralischen Mängel zu verbergen. In diesem Sinne ist das berühmte „Porträt der Familie von König Karl IV.“ (1801) des berühmten spanischen Malers und Grafikers F. Goya interessant. Nationale Schule Porträtmalerei erschien in England. Ihre größten Vertreter sind die im 18. Jahrhundert tätigen Künstler J. Reynolds und T. Gainsborough. Ihre Traditionen wurden von jüngeren englischen Meistern übernommen: J. Romney, J. Hopner, J. Opie.
Das Porträt nahm einen wichtigen Platz in der Kunst Frankreichs ein. Einer der talentiertesten Künstler der zweiten Generation Hälfte des XVIII- Im ersten Viertel des 19. Jahrhunderts gab es J.L. David, der zusammen mit Gemälden antiker und historisches Genre, viele schöne Porträts. Zu den Meisterwerken des Meisters zählen das ungewöhnlich ausdrucksstarke Bild von Madame Recamier (1800) und das romantisch überhöhte Porträt „Napoleon Bonaparte am Bernhardinerpass“ (1800).

Ein unübertroffener Meister des Porträtgenres war J.O.D. Ingres, der seinen Namen mit zeremoniellen Porträts verherrlichte, die sich durch klangvolle Farben und anmutige Linien auszeichneten.
Hervorragende Beispiele romantischer Porträtmalerei wurden der Welt von französischen Künstlern wie T. Gericault und E. Delacroix präsentiert.
Französische Realisten (J. F. Millet, C. Corot, G. Courbet), Impressionisten (E. Degas, O. Renoir) und Postimpressionisten (P. Cézanne, W. van Gogh) drückten in Porträts ihr Lebens- und Kunstgefühl aus.
Auch Vertreter der im 20. Jahrhundert aufkommenden modernistischen Strömungen wandten sich dem Porträtgenre zu. Der berühmte Mann hat uns viele Porträts hinterlassen Französischer Künstler Pablo Picasso. Anhand dieser Werke lässt sich nachvollziehen, wie sich das Werk des Meisters aus dem sogenannten entwickelte. blaue Periode bis zum Kubismus.

In seiner „Blauen Periode“ (1901–1904) entstehen Porträts und Genretypen, in denen er die Einsamkeit, die Trauer und den menschlichen Untergang thematisiert und dabei die geistige Welt des Helden und die ihm feindselige Umwelt durchdringt. Dies ist das Porträt des Freundes des Künstlers, des Dichters X. Sabartes (1901, Moskau, Puschkin-Museum).

P. Picasso. „Porträt von Vollard“, um 1900. 1909, Puschkin-Museum, Moskau

(Ein Beispiel für „analytischen“ Kubismus: Ein Objekt wird in kleine, deutlich voneinander getrennte Teile zerkleinert, die Objektform scheint auf der Leinwand zu verschwimmen.)

In der russischen Malerei tauchte das Porträtgenre später auf als in der europäischen Malerei. Das erste Beispiel der Porträtkunst war Parsuna (vom russischen „Person“) – Werke der russischen, weißrussischen und ukrainischen Porträtmalerei, die in der Tradition der Ikonenmalerei ausgeführt wurden.
Dieses auf der Übertragung äußerer Ähnlichkeit basierende Porträt erschien in XVIII Jahrhundert. Viele Porträts entstanden in der ersten Hälfte des Jahrhunderts auf ihre eigene Art und Weise künstlerische Besonderheitenähnelte immer noch einer Parsuna. Dies ist das Bild von Colonel A.P. Radishchev, Großvater des berühmten Autors des Buches „Reise von St. Petersburg nach Moskau“ A.N. Radishcheva.

D.D. Schilinski. „Porträt des Bildhauers I.S. Efimov“, 1954, Kalmückisches Heimatmuseum. Professor N.N. Palmova, Elista.

Er leistete einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung der russischen Porträtmalerei talentierter Künstler erste Hälfte des 18. Jahrhunderts I.N. Nikitin zeigte mit dem Können eines Psychologen in „Porträt eines Bodenhetmans“ (1720er Jahre) ein komplexes, vielschichtiges Bild eines Mannes aus der Petruszeit.

Die Malerei der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts ist mit den Namen so berühmter Porträtmaler wie F.S. Rokotov, der viele inspirierte Bilder seiner Zeitgenossen schuf (Porträt von V.I. Maykov, ca. 1765), D.G. Levitsky, der Autor wunderschöner Zeremonien- und Kammerporträts, die die Integrität des Charakters der Modelle zum Ausdruck bringen (Porträts von Studenten des Smolny-Instituts, ca. 1773-1776), V.L. Borovikovsky, dessen erstaunlich lyrische Frauenporträts den Betrachter noch immer begeistern.

Borovikovsky, Vladimir Lukich: Porträt von Elena Alexandrovna Naryshkina.

Wie in der europäischen Kunst war auch in der russischen Porträtmalerei die Hauptfigur die erste Hälfte des 19. Jahrhunderts Jahrhundert wird romantischer Held, eine außergewöhnliche Persönlichkeit mit vielschichtigem Charakter. Verträumtheit und zugleich heroisches Pathos sind charakteristisch für das Bild des Husaren E.V. Davydov (O.A. Kiprensky, 1809). Viele Künstler schaffen wunderbare Selbstporträts, erfüllt vom romantischen Glauben an den Menschen, an seine Fähigkeit, Schönheit zu schaffen („Selbstporträt mit einem Album in seinen Händen“ von O.A. Kiprensky; Selbstporträt von Karl Bryullov, 1848).

Die 1860er und 1870er Jahre waren die Zeit der Herausbildung des Realismus in der russischen Malerei, die sich am deutlichsten im Werk der Wanderkünstler manifestierte. In dieser Zeit im Porträtgenre großer Erfolg Die demokratisch gesinnte Öffentlichkeit nutzte ein Typenporträt, in dem das Modell nicht nur eine psychologische Beurteilung erhielt, sondern auch unter dem Gesichtspunkt seines Platzes in der Gesellschaft betrachtet wurde. In solchen Werken achteten die Autoren gleichermaßen auf die individuellen und typischen Merkmale der Dargestellten.
Ein Beispiel für diese Art von Porträt wurde 1867 vom Künstler N.N. gemalt. Ge-Porträt von A.I. Herzen. Wenn man sich die Fotografien des demokratischen Schriftstellers ansieht, kann man verstehen, wie genau der Meister die äußere Ähnlichkeit eingefangen hat. Aber der Maler hörte hier nicht auf; er hielt das spirituelle Leben eines Einzelnen auf der Leinwand fest, der durch Kampf Glück für sein Volk erreichen wollte. Im Bild von Herzen zeigte Ge einen kollektiven Typ die besten Leute seiner Zeit.

N.N. Ge-Porträt von A.I. Herzen

Ges Traditionen der Porträtmalerei wurden von Meistern wie V.G. Perov (Porträt von F.M. Dostoevsky, 1872), I.N. Kramskoy (Porträt von L. N. Tolstoi, 1873). Diese Künstler schufen eine ganze Galerie mit Bildern ihrer herausragenden Zeitgenossen.
Wundervolle Porträts wurden von I.E. gemalt. Repin, der es geschafft hat, die einzigartige Individualität jedes Menschen sehr genau zu vermitteln. Mithilfe korrekt notierter Gesten, Posen und Mimik gibt der Meister soziale und spirituelle Charakteristika der Dargestellten wieder. Auf dem 1881 von Repin geschaffenen Porträt von N. I. erscheint eine bedeutende und willensstarke Person. Pirogow. Der Betrachter erkennt das tiefe künstlerische Talent und die Leidenschaft der Natur in seinem Gemälde mit der Darstellung der Schauspielerin P.A. Strepetow (1882).

Porträt der Schauspielerin Pelageya Antipovna Strepetova in der Rolle der Elisabeth. 1881

IN Sowjetzeit realistischer Porträttyp erhalten weitere Entwicklung in den Werken von Künstlern wie G.G. Ryazhsky („Vorsitzende“, 1928), M.V. Nesterov („Porträt des Akademikers I.P. Pavlov“, 1935). Typische Funktionen Volkscharakter spiegelt sich in zahlreichen Bauernbildern des Künstlers A.A. wider. Plastov („Porträt eines Försters Pjotr ​​Tonschin“, 1958).
Scharf psychologische Merkmale Berühmte Porträtmaler wie P.D. geben ihre Modelle. Korin („Porträt des Bildhauers S.T. Konenkov“, 1947), T.T. Salakhov („Komponist Kara Karaev, 1960“), D. I. Zhilinsky („Porträt des Bildhauers I. S. Efimov“, 1954) und viele andere.
Derzeit arbeiten Künstler wie N. Safronov, der viele malerische Bilder berühmter Politiker, Schauspieler und Musiker I.S. aufführte, erfolgreich im Porträtgenre. Glasunow, der eine ganze Galerie mit Porträts berühmter Persönlichkeiten aus Wissenschaft und Kultur geschaffen hat.

Glasunow_ Porträt von Ilya Reznik, 1999

A.M. leistete einen großen Beitrag zur Entwicklung der russischen Porträtmalerei. Shilov („Porträt des Akademikers I.L. Knunyants“, 1974; „Porträt von Olya“, 1974).

BIN. Schilow. „Porträt von Olya“, 1974

Materialien, die bei der Vorbereitung des Materials verwendet wurden

Malerei ist eine der häufigsten Kunstformen, mit deren Hilfe Künstler dem Betrachter ihre Vision der Welt vermitteln.

Somit ist die Malerei eine eigenständige und sehr beliebte Form der bildenden Kunst, bei der der Meister durch das Auftragen von Farben auf die Bildoberfläche visuelle Bilder vermittelt.

I. I. Shishkin. Landschaft" Schiffshain"(1898).

Alle heute existierenden Gemälde lassen sich in mehrere separate Genres einteilen, die ihre eigenen Charakteristika in Thematik und Bildtechnik aufweisen. Betrachten wir die wichtigsten, um eine richtige Vorstellung von der Struktur von Gemälden zu bekommen.

Unter den modernen Genres der Malerei können wir also Folgendes nennen:

• Porträt
• Landschaft
• Yachthafen
• Historienmalerei
• Schlachtenmalerei
• Stillleben
• Genremalerei
• Architekturmalerei
• Religiöse Malerei
• Tiermalerei
• Dekorative Malerei

Schematisch sieht die Einteilung der Malereigattungen wie folgt aus:

Porträt

Viele von uns kennen das Genre der Malerei, das als Porträtmalerei bekannt ist. Dies ist eines der meisten älteste Art feine Malerei, findet sich aber auch in der Bildhauerei und Grafik. Bisher gab es keine Fotos, also ist jeder reich bzw berühmte Person hielt es für notwendig, sein Gesicht und seine Figur für die Nachwelt zu verewigen – und dabei kamen ihm Porträtmaler zu Hilfe.

Darüber hinaus kann das Porträt sowohl reale Menschen als auch literarische oder mythische Helden darstellen. Darüber hinaus kann sowohl ein Porträt einer Person, die in vergangenen Zeiten gelebt hat, als auch eines unserer heutigen Zeitgenossen erstellt werden.

Das Genre des Porträts hat keine klaren Grenzen, daher kann ein Porträt in einem Werk mit Elementen anderer Genres der Malerei kombiniert werden – Landschaft, Stillleben usw.

Arten von Porträts

Zu den häufigsten Arten der Porträtmalerei gehören:

• Historisches Porträt
• Retrospektives Porträt
• Porträtgemälde
• Typisches Porträt
• Selbstporträt
• Spenderporträt
• Zeremonielles Porträt
• Halbgekleidetes Porträt
• Kammerporträt
• Intimes Porträt
• Kleinformatiges Porträt
• Porträt - Miniatur

Jede Art von Porträtmalerei hat ihre eigenen charakteristischen Merkmale und Unterschiede in der Ausführungstechnik. Schauen wir sie uns genauer an.

• Historisches Porträt- enthält irgendeine Art von Bild historische Figur, Politiker oder kreativer Mensch. Ein solches Porträt kann aus den Erinnerungen von Zeitgenossen entstehen oder in der Fantasie des Malers entstehen.

A. M. Matveev. Porträt von Peter dem Großen (1724 - 1725). Leinwand, Öl.

• Retrospektives Porträt- ein posthumes Bild einer in der Vergangenheit lebenden Person, das nach Beschreibungen von Augenzeugen oder aus einem intravitalen Bild erstellt wurde. Es kann jedoch auch Fälle geben, in denen das Porträt vollständig vom Meister komponiert wurde.

Vladislav Rozhnev „Frauenporträt“ (1973). Leinwand, Öl.

• Malerei - Porträt- Eine Person wird in einer Handlungsbeziehung mit der umgebenden Welt, der Natur, vor dem Hintergrund dargestellt architektonische Gebäude oder die Aktivitäten anderer Menschen. In der Porträtmalerei werden Grenzen verwischt und verschiedene Genres kombiniert – Landschaft, Historie und Schlachtmalerei usw.

Boris Kustodijew. Das Gemälde ist ein Porträt von F. I. Schaljapin (1922). Leinwand, Öl.

• Typisches Porträt- Künstler - Maler stellt dar kollektives Bild, besteht aus Charakteristische Eigenschaften das Auftreten vieler Menschen, die durch gemeinsame Ideen, Aktivitäten, sozialen Status oder Lebensstil verbunden sind.

F. V. Sychkov „Porträt einer Bäuerin“.

• Porträt im Kostüm- Die dargestellte Person wird dem Betrachter in Form einer literarischen oder theatralischen Figur, einer historischen Figur oder dargestellt mythologischer Held. Solche Porträts sind für die Untersuchung von Kostümen aus anderen Epochen von besonderem Interesse.

• Selbstporträt- eine besondere Art der Porträtmalerei, in der der Künstler sich selbst darstellt. Das heißt, er möchte dem Publikum sein inneres Wesen vermitteln und vermitteln.

• Spenderporträt- eine der veralteten Formen der Porträtmalerei. Ein solches Gemälde mit religiösem Thema zeigte eine Person, die große Spenden an die Kirche leistete. Er erschien vor dem Publikum, umgeben von Heiligen, neben der Madonna oder auf einer der Türen des Altars, kniend. Wohlhabende Menschen sahen damals eine besondere Bedeutung in der Anfertigung eines Stifterporträts, da solche Gemälde stets positiv wahrgenommen und gleichberechtigt verehrt wurden.

Pinturicchio. „Auferstehung Christi“ mit kniendem Papst Alexander VI.

Nach Art und Art der Darstellung Menschliche Figuren, alle Porträts sind in folgende Typen unterteilt:

• Zeremonielles Porträt- zeigt einen Mann im Stehen in voller Körpergröße. Gleichzeitig sind alle Details des Aussehens und der Figur sehr klar ausgeschrieben.

• Halbgekleidetes Porträt- Eine Person wird von der Taille aufwärts bis zu den Knien oder in sitzender Position dargestellt, wenn der untere Teil der Beine nicht sichtbar ist. Bei einer solchen Porträtarbeit spielt die Darstellung der Umgebung oder der Accessoires eine große Rolle.

Rokotov F. S. „Krönungsporträt von Katharina II.“ (1763).

• Kammerporträt- Die menschliche Figur wird auf einem neutralen Hintergrund dargestellt und es wird eine verkürzte Version des Bildes der menschlichen Figur verwendet – bis zur Taille, bis zur Brust oder sogar bis zur Schulterhöhe. In diesem Fall zeichnet der Meister die Gesichtszüge der Person besonders deutlich und sorgfältig heraus.

• Intimes Porträt- wird äußerst selten verwendet und stellt aufgrund seiner Ausführung auf neutralem Hintergrund eine der Spielarten intimer Porträts dar. Die Grundlage für die Erstellung eines intimen Porträts ist Tiefe Gefühle zwischen dem Künstler und der dargestellten Person bzw. dem vertrauensvollen Verhältnis zwischen ihnen.

Edouard Manet „Mädchen in spanischer Tracht“ (1862 - 1863).

• Kleinformatiges Porträt — Malerei kleine Größe. normalerweise mit Tinte, Bleistift, Pastell oder Wasserfarben.

• Porträt - Miniatur- eine der bekanntesten und technisch komplexesten Arten der Porträtmalerei. Die Miniatur zeichnet sich durch ein kleines Bildformat (von 1,5 bis 20 cm) sowie eine außergewöhnliche Feinheit der Schrift und eine sorgfältige, fast schmuckartige Zeichnung aller Linien aus. Miniaturporträts wurden in Medaillons eingefügt und zur Verzierung von Uhren, Armbändern, Broschen, Ringen und Schnupftabakdosen verwendet.

Jacques Augustine „Die Bacchantin“ – Miniaturporträt (1799). Knochen, Aquarell, Gouache. Größe 8 cm (Kreis).

Landschaft

Landschaft ist ein eigenständiges Genre der Malerei, dessen Hauptgegenstand die Natur in ihrer ursprünglichen oder im Laufe der menschlichen Tätigkeit leicht veränderten Form ist.

Konstantin Kryzhitsky „Straße“ (1899).

Genre Landschaftsmalerei seit der Antike bekannt. Im Mittelalter verlor es jedoch etwas an Bedeutung. Doch bereits in der Renaissance erlebte die Landschaft eine Wiederbelebung und erlangte die Bedeutung einer der wichtigsten Gattungen der Bildkunst.

Jean - Francois Millet „Frühling“.

Yachthafen

Marina (vom lateinischen Wort „marinus“ – „Meer“) ist ein besonderes Genre der Malerei, in dem alle dargestellten Ereignisse und Ansichten dargestellt werden Menschliche Aktivität und Naturgemälde sind dem Meer gewidmet. Oftmals zeigen die Leinwände Meereslandschaften zu unterschiedlichen Jahreszeiten und unter unterschiedlichen Lichtverhältnissen.

I.K. Aivazovsky „Die neunte Welle“ (1850).

Künstler, die das Meer in seinen verschiedenen Erscheinungsformen malen, werden „Marinemaler“ genannt. Einer der berühmtesten Marinemaler ist Ivan Aivazovsky, der über 6.000 Gemälde zum Thema Marine schuf.

Ivan Aivazovsky „Regenbogen“ (1873).

Historienmalerei

Das Genre der Historienmalerei entstand in der Renaissance, als Künstler versuchten, in ihren Gemälden Szenen aus dem Leben der Gesellschaft in verschiedenen Epochen der Geschichte widerzuspiegeln.

Historische Gemälde konnten jedoch nicht nur Bilder aus dem Leben darstellen echte Menschen, aber auch mythologische Geschichten sowie illustrierte Neuinterpretationen biblischer und evangelischer Geschichten.

Domenico Beccafumi „Die Mäßigkeit des Scilio Africanus“ (um 1525).

Die historische Malerei dient der Darstellung vergangener Ereignisse, die für ein bestimmtes Volk oder die gesamte Menschheit von größter Bedeutung sind.

Francisco Pradilla „Taufe des Prinzen Juan, Sohn von Ferdinand und Isabella“ (1910).

Schlachtenmalerei

Eine der Spielarten des historischen Genres ist die Schlachtenmalerei, deren Bilder sich hauptsächlich militärischen Ereignissen, berühmten Land- und Seeschlachten sowie Feldzügen widmen. Das Kampfgenre umfasst die Geschichte militärischer Zusammenstöße in der gesamten Geschichte der menschlichen Zivilisation.

Gleichzeitig unterscheiden sich die Schlachtengemälde Große anzahl und die Vielfalt der dargestellten Figuren sowie ziemlich genaue Bilder des Geländes und der Merkmale einer bestimmten Region.

Francois Edouard Picot „Die Belagerung von Calais“ (1838).

Der Schlachtenmaler steht vor mehreren schwierigen Aufgaben:

1. Zeigen Sie die Heldentaten des Krieges und das Verhalten der mutigsten Krieger.
2. Erfassen Sie einen besonders wichtigen oder Wendepunkt in einer Schlacht.
3. Enthüllen Sie Ihre Arbeit voll und ganz historische Bedeutung militärische Ereignisse.
4. Bringen Sie das Verhalten und die Erfahrungen jedes einzelnen Teilnehmers der Schlacht – sowohl berühmter Kommandeure als auch gewöhnlicher Soldaten – präzise und klar zum Ausdruck.

Jean-Baptiste Debray » Napoleon spricht am 20. April 1809 in Abensberg zu den bayerischen Truppen.

Es ist zu beachten, dass das Genre der Schlachtenmalerei als eines der schwierigsten gilt, weshalb solche Gemälde von Meistern geschaffen werden lange Zeit- manchmal zehn Jahre lang. Vom Künstler werden nicht nur hervorragende Kenntnisse verlangt ausführliche Geschichte dargestellte Schlacht, aber auch die Möglichkeit, mehrfigurige Leinwände mit einer Vielzahl von Hilfsdetails zu erstellen. Dazu gehören Bilder der Natur, Elemente der Architektur sowie Bilder von Waffen oder militärischen Vorrichtungen. Daher nimmt das Battle-Genre ein spezieller Ort und grenzt sich von der historischen Malerei ab.

Stillleben

Stillleben ist die Schaffung von Kompositionen aus Leinwänden leblose Gegenstände in verschiedenen Kombinationen. Am beliebtesten sind Bilder von Gerichten, Blumentöpfen mit Blumensträußen und Früchten auf einer Platte.

Cezanne „Die Ecke des Tisches“ (1895 - 1900).

Das Thema der Bilder im Genre des Stilllebens entstand zunächst an der Wende vom 15. zum 16. Jahrhundert, die endgültige Herausbildung des Genres in eine eigene Richtung der Malerei erfolgte jedoch im 17. Jahrhundert. Die ersten Schöpfer von Stillleben waren niederländische und flämische Künstler. Später nahm das Stillleben einen wichtigen Platz im Werk russischer Künstler ein.

Die Bildthemen in Stillleben können sehr reichhaltig und vielfältig sein und beschränken sich nicht ausschließlich auf Alltagsgegenstände. Das können Bücher, Zeitschriften und Zeitungen, Flaschen, Figuren, ein Globus und viele andere Gegenstände sein.

David Teniers der Jüngere. Stillleben (1645 - 1650).

Der Grundgedanke von Kompositionen im Vanitas-Genre ist die Idee der Endlichkeit des irdischen Daseins und der Demut vor der Unvermeidlichkeit des Übergangs in eine andere Welt. Stillleben mit einem Totenkopf im Zentrum der Komposition erlangten im 16.-17. Jahrhundert in Flandern und den Niederlanden die größte Popularität. Wenig später begannen französische und spanische Künstler Kontakt zu ihm aufzunehmen.

Peter Claes „Stillleben mit Totenkopf“.

Genremalerei

In der bildenden Kunst Genremalerei als Teil des alltäglichen Genres betrachtet. Seit der Antike haben Künstler Szenen aus dem Alltag der einfachen Leute dargestellt – Bauern, Handwerker, Händler sowie Diener adliger Höflinge bei der Arbeit oder in Alltagsleben ihre Familien.

Gabriel Metsu „Der Vogelverkäufer“ (1662).

Erste Proben Genrebilder im modernen Sinne tauchte im Mittelalter auf und erfreute sich in der Folge großer Beliebtheit und Verbreitung. Die Themen der Genrebilder zeichnen sich durch eine beneidenswerte Vielfalt aus, die das Interesse des Betrachters weckt.

Bernardo Strozzi „Der Koch“ (1625).

Architekturmalerei

Architekturmalerei ist ein besonderes Bildgenre, dessen Gegenstand sich der Darstellung von Gebäuden, Bauwerken und verschiedenen Baudenkmälern sowie den interessantesten Lösungen im historischen Aspekt widmet. Gemeint ist damit das Bild der Innenarchitektur von Palästen, Theatern usw Konzerthallen usw.

Dank solcher Gemälde hat der Betrachter die Möglichkeit, Baudenkmäler in ihrer ursprünglichen Form durch die Augen des Künstlers persönlich zu sehen. Funktioniert Architekturmalerei helfen auch beim Studium der architektonischen Landschaft vergangener Städte.

Louis Daguerre „Nebel und Schnee sichtbar durch eine zerstörte gotische Kolonnade“ (1826).

Tiermalerei

Das animalische Genre ist ein eigenständiges Genre der Malerei, das sich hauptsächlich auf die Darstellung der Tierwelt unseres Planeten spezialisiert hat. In Gemälden dieses Genres können wir Tiere, Vögel, Fische sowie Vertreter vieler anderer Arten in ihrem natürlichen Lebensraum sehen.

George Stubbs „Der schlafende Leopard“ (1777).

Dies bedeutet jedoch nicht, dass das Thema des Tiergenres nur wilde Tiere sind. Im Gegenteil, Künstler malen sehr oft Gemälde, die Haustieren gewidmet sind – Katzen, Hunden, Pferden und so weiter.

Dekorative Malerei

Das Genre der dekorativen Malerei kann in mehrere Typen unterteilt werden, die ihre eigenen Unterschiede aufweisen:

• Monumentale Malerei
• Theaterlandschaftsmalerei
• Dekorative Malerei

Die Vielfalt des dekorativen Genres erklärt sich aus der Tatsache, dass Künstler zu allen Zeiten versuchten, jeden Gegenstand in der umgebenden Welt zu dekorieren.

• Monumentale Malerei- eine Gattung monumentaler Kunst, deren Werke relativ großformatig sind und als dekorative Dekoration für Gebäude und Bauwerke weltlicher und religiöser Natur für verschiedene Zwecke (sowie Kirchen, Bürogebäude und Kulturgebäude) verwendet werden. Baudenkmäler und Wohngebäude).

• Theaterkulisse- Dies ist eine sehr beliebte Art des dekorativen Genres, das die Schaffung von Bühnenbildern und Kostümentwürfen für Charaktere umfasst Theaterproduktionen und Filmfiguren sowie Skizzen einzelner Inszenierungen. Künstler - Dekorateure im Theater und so weiter Filmset Manchmal schaffen sie echte Meisterwerke, die später zu den besten Theater- und Kinokulissen zählen.

• Dekorative Malerei- stellt Handlungskompositionen oder ornamentale Dekorationen dar, die an verschiedenen Teilen von Gebäuden und Bauwerken sowie an Beispielen dekorativer und angewandter Kunst geschaffen wurden, die ihren Ursprung im Volkskunsthandwerk haben. Die wichtigsten Arten bemalter Gegenstände waren Geschirr, Haushaltsgegenstände, Möbel usw.

PORTRÄT IN DER BILDENDEN KUNST ist eine künstlerische Aussage, die einen Inhalt und eine Ausdrucksweise (Grammatik, Stil) hat. Was ist das Thema eines jeden Porträts? Das Porträt stellt die äußere Erscheinung (und dadurch die innere Welt) einer bestimmten, realen Person dar, die in der Vergangenheit existierte oder in der Gegenwart existiert. Das allgemeine (invariante) Thema des Porträts ist das individuelle Leben eines Menschen, die individuelle Form seines Wesens. Unabhängig davon, wie viele Personen im Porträt abgebildet sind – zwei (Paarporträt) oder mehrere (Gruppenporträt), hat jeder von ihnen im Porträt eine relative Autonomie. Ein Porträt kann zwei oder drei Themen usw. haben, aber jedes davon ist ein Thema individuelles Leben. Verlieren die Themen ihre Eigenständigkeit, sprengt das Porträt seine Genrespezifität. Wenn das Thema beispielsweise ein Ereignis ist, haben wir kein Porträt, sondern ein Gemälde vor uns, obwohl seine Charaktere in Porträts dargestellt werden können.

Neben dem Thema hat das Porträt eine universelle (invariante) Handlung, eine Seinsform wie kontemplatives Denken, intellektuelle, innere Kontemplation. In diesem Zustand nimmt das Subjekt die gesamte Welt der Objekte und Zusammenhänge aus der Perspektive ihrer Bedeutung, Bedeutung und grundlegenden Fragen der menschlichen Existenz auf. Das Bewusstsein taucht in sich selbst ein. Gleichzeitig wird der Mensch von Einseitigkeit, von der Enge der Leidenschaft oder einer zufälligen Stimmung befreit. Das Individuum ist in sich selbst voller Poesie und Fantasie, tiefes Eintauchen in Reflexionen und Gedanken, in seine eigene geschlossene Innenwelt.

Handlung und sprachmotorische Aktivität sind bei diesem Zustand kontraindiziert (im Porträt „spricht die Person in der Regel nicht“. Im Porträt schweigt die Person, aber das ist beredtes Schweigen. Affekte (Wut, Wut, heftige Freude). usw.) sind für das Porträt kontraindiziert - ein starkes kurzfristiges Gefühl verbunden mit einer aktiven motorischen Reaktion. Das Porträt zeichnet sich durch lebhafte Ruhe aus.

Eine kontemplierende Person nimmt eine vielfältige Kombination anderer Merkmale an – sozialer Status, Nationalität, Alter, religiöse und moralische Merkmale, Charakter usw.

Der nachdenkliche und nachdenkliche Mensch wird im Porträt in seiner äußeren Erscheinung dargestellt. Hier geht es vor allem um den Spiegel der Seele, das Gesicht, und im Gesicht liegt der Ausdruck der Augen. Der Blick ist in die Ferne gerichtet oder geht tief in die Seele, er „geht“ durch den Betrachter hindurch.

Was ist die ästhetische Invariante des Porträtgenres? Es fällt auf, dass das Model im Porträt nicht lacht und kein Lachen hervorruft. Die Kategorie des Komischen ist im „Archetyp“ des Porträtgenres kontraindiziert. Die ästhetische Invariante eines Porträts ist die Kategorie „ernsthaft“. Das Porträt ist ernst. Das Modell im Porträt wird in einem ernsten Moment ihres Lebens dargestellt. Das Porträt lässt weg, was zum bloßen Zufall gehört, eine flüchtige Situation, dem Menschen innewohnend V wahres Leben. In diesem Sinne „schmeichelt“ das Porträt dem Modell, wie Hegel es ausdrückt. Es besteht ein innerer Zusammenhang zwischen Kontemplation-Reflexion und ästhetischem Ernst. Wenn jemand es ernst meint, lacht er nicht. Wo das Modell im Porträt lacht, liegt das Porträtgenre an der Grenze zu anderen Genres – Skizze, Skizze, „Genre“ usw. Der spirituelle Aspekt steht bei einem Porträt im Vordergrund. Der Inhalt von etwas Ernstem kann sowohl tragisch als auch erhaben sein.

Ein Porträt verwirklicht sich, wie jede künstlerische Aussage, durch kompositorische Form. Es ist spezifisch für die Kunst. Die kompositorische Invariante eines Porträts ist eine solche Konstruktion, bei der das Gesicht des Modells im Zentrum der Komposition, im Fokus der Wahrnehmung des Betrachters erscheint. Es ist kein Zufall, dass das kompositorische Symptom der Entstehung des Genres der europäischen Porträtmalerei in der Frührenaissance als „Ausstieg aus dem Profil“ bezeichnet wird. Historische Kanons auf dem Gebiet der Porträtkomposition schreiben eine bestimmte Interpretation der zentralen Position des Gesichts in Bezug auf Pose, Kleidung, Umgebung, Hintergrund usw. vor.

Aus inhaltlicher (semantischer) Sicht des Genreporträts gelten „Stillleben“ und „dekorative“ Porträts als mit seinem Archetyp unvereinbar. „Stillleben“-Porträts, die Individualität darstellen, interpretieren sie als „Ding“; „dekorative“ – nicht aus der Sicht der Kategorie „ernsthaft“, sondern aus der Sicht der „dekorativen Sensation“.

Die Analyse des „Archetyps“ des Porträtgenres aus ausdruckstechnischer Sicht erfolgt auf drei Ebenen: kommunikativ, ästhetisch und kompositorisch. Die ästhetische Ausdrucksform darf nur vollkommen, harmonisch, „schön“ sein, während die kompositorische Form „technisch“ die Umsetzung der ästhetischen und kommunikativen Form gewährleisten muss. Die kommunikative Invariante des Porträtgenres ist das Bild. Das Hauptmerkmal des Bildes ist seine Ähnlichkeit mit dem dargestellten Objekt, dem Modell. Ähnlichkeit ist Ähnlichkeit, aber keine Identität. Eine Abweichung von der Identität innerhalb der Grenzen der Ähnlichkeit ist nicht nur zulässig, sondern für die Zwecke des Porträts notwendig.

Ein Porträt stellt nicht nur die Individualität eines Menschen dar, sondern drückt auch Individualität aus künstlerische Persönlichkeit Autor. Porträt ist „Selbstporträt“. Der Künstler gewöhnt sich an das Aussehen des Modells und begreift dadurch das spirituelle Wesen der menschlichen Individualität. Ein solches Verständnis geschieht nur im Akt der Empathie (Reinkarnation) im Prozess der Verschmelzung des „Ich“ des Modells und des „Ich“ des Autors. Es entsteht eine neue Einheit, ähnlich der zwischen dem Schauspieler und seiner Rolle. Dank dieser Verschmelzung sieht das Modell im Porträt so aus, als wäre es tatsächlich am Leben. Auch die Animation des Modells im Porträt gehört zu den Merkmalen, die die Invariante des Porträts ausmachen. Da ein Porträt dem Autor immer etwas ähnlich ist, ist es gleichzeitig in gewisser Weise dem Vorbild nicht ähnlich. Ähnlichkeit und Unähnlichkeit sind für ein Porträt gleichermaßen wichtig.

Warum entsteht ein Porträt, welchen Sinn hat es im Leben?

Ein Porträt, das ein Gesicht nicht zum „Ding“ macht und nicht nur nach irgendwelchen völlig abstrakten Formgesetzen lebt, enthält die Wahrheit über die Individualität des Betrachters (sowohl des Modells als auch des Autors). Deshalb ist die kognitive Funktion eines Porträts ein wesentliches und notwendiges Merkmal der Porträtgattung, ihr „Archetyp“. Andere Nutzungsmöglichkeiten eines Porträts (gedenklich, repräsentativ, dekorativ etc.) im Sinne der in der Kunstgeschichte bestehenden Typologie der Porträtkunst bleiben hiervon unberührt.

Im Gegensatz zur Invariante („Archetyp“) gilt die kanonische Struktur des Porträts nicht für alle Epochen, sondern nur für einige: Durch die Kanons, ihren historischen Wandel, erfolgt die Entwicklung des Porträtgenres. Der Kanon sollte nicht mit einem Stempel identifiziert werden; er ist eine der Entwicklungsformen der Kunst und ihrer Gattungen. Die Anforderungen des Kanons gelten für alle Formebenen, die in ihrer Integrität den Stil des Porträts prägen. Zum Beispiel der Stil der Avantgarde-Porträts des späten 19.–20. Jahrhunderts. gekennzeichnet durch Merkmale wie „Stillleben“, Ausdruck des Gattungsprinzips (nicht „Ich“, sondern „WIR“), Selbstausdruck, konstruktive Ähnlichkeit mit dem Vorbild, Groteske als führende ästhetische Kategorie. All dies spricht für eine Krise des klassischen Kanons des Porträtgenres in der Avantgarde-Kunst unter Wahrung des „Archetyps“.

Als Ergebnis können wir die folgende Definition des Porträtgenres in seinem Sinne geben klassischer Look: Das Porträt offenbart unter dem Gesichtspunkt der ästhetischen Kategorie „ernsthaft“ und im Rahmen des Bildstils die Wahrheit der menschlichen Individualität durch ein animiertes Bild der äußeren Erscheinung einer Person (die Bildkomposition ist so, dass das Gesicht und Augen sind in der Mitte), die den nachdenklichen und meditativen Zustand des Modells und des Autors zum Ausdruck bringen.

Evgeniy-Becken