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Barockmusik ist eine Periode in der Entwicklung der europäischen akademischen Musik, etwa zwischen 1600 und 1750. Die Barockmusik entstand am Ende der Renaissance und ging der Musik des Klassizismus voraus. Komponisten des Barock wirkten in verschiedenen Bereichen Musikgenres. Die in der Spätrenaissance entstandene Oper entwickelte sich zu einer der wichtigsten Musikformen des Barock. Man kann sich an die Werke von Meistern des Genres wie Alessandro Scarlatti (1660-1725), Händel, Claudio Monteverdi und anderen erinnern. Die Gattung Oratorium erreichte ihren Höhepunkt in den Werken von J. S. Bach und Händel; Opern und Oratorien verwendeten oft ähnliche musikalische Formen. Zum Beispiel die weit verbreitete Arie da capo. Formen geistlicher Musik wie Messe und Motette wurden weniger populär, aber die Kantatenform fand bei vielen protestantischen Komponisten, darunter Johann Bach, Beachtung. Es entwickelten sich virtuose Kompositionsformen wie Toccaten und Fugen.

Instrumentalsonaten und Suiten wurden sowohl für Einzelinstrumente als auch für Kammerorchester geschrieben. Die Konzertgattung erschien in beiden Formen: für ein Instrument mit Orchester und als Concerto grosso, bei dem eine kleine Gruppe von Soloinstrumenten einem kompletten Ensemble gegenübersteht. Werke in Form der französischen Ouvertüre mit ihren kontrastierenden schnellen und langsamen Teilen verliehen vielen königlichen Höfen Prunk und Glanz.

Werke für Tasteninstrumente wurden von Komponisten häufig zu ihrem eigenen Vergnügen oder als Lehrmaterial geschrieben. Solche Werke sind die reifen Werke von J. S. Bach, die allgemein anerkannten intellektuellen Meisterwerke des Barock: „Das Wohltemperierte Klavier“, „Goldberg-Variationen“ und „Die Kunst der Fuge“.

17. Musik der Aufklärung (Realismus, Romantik, Impressionismus).

Im Zeitalter der Aufklärung erlebte die Musikkunst einen beispiellosen Aufstieg. Nach der Reform von K.V. Gluck (1714–1787) wurde die Oper zu einer synthetischen Kunst, die Musik, Gesang und komplexe dramatische Handlungen in einer Aufführung vereinte. F. J. Haydn (1732–1809) erhob die Instrumentalmusik auf die höchste Stufe der klassischen Kunst. Der Höhepunkt der Musikkultur der Aufklärung ist das Werk von J. S. Bach (1685–1750) und W. A. ​​​​Mozart (1756–1791). Besonders deutlich tritt der Bildungsideal in Mozarts Oper hervor“ Zauberflöte„(1791), das sich durch den Kult der Vernunft, des Lichts und der Vorstellung vom Menschen als Krone des Universums auszeichnet. Opernkunst des 18. Jahrhunderts Opernreform zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts war in vielerlei Hinsicht eine literarische Bewegung. Ihr Vorläufer war der französische Schriftsteller und Philosoph J. J. Rousseau.

18. Genrevielfalt der Renaissance (Barock, Klassizismus).

Es gibt zwei historische Phasen in der Entwicklung des Klassizismus. Der Klassizismus des 17. Jahrhunderts, der aus der Kunst der Renaissance hervorging, entwickelte sich gleichzeitig mit dem Barock, teils im Kampf, teils in Wechselwirkung mit ihm, und erlebte in dieser Zeit in Frankreich seine größte Entwicklung. Mit der Aufklärung verbundener Spätklassizismus, etwa ab Mitte des 18. Jahrhunderts bis Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhundert wird vor allem mit der Wiener Klassik in Verbindung gebracht.

Das komplexe Verhältnis von Klassizismus und Barock löste zu Beginn des 20. Jahrhunderts eine Debatte aus: Viele Musikwissenschaftler, vor allem in Deutschland, betrachten den Barock als einen einzigen Stil Europäische Musik zwischen Renaissance und Aufklärung – etwa bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts, bis einschließlich J. S. Bach und G. F. Händel. In Frankreich, dem Geburtsort des Klassizismus, neigten dagegen einige Musikwissenschaftler zu einer zu weiten Interpretation dieses Konzepts und betrachteten den Barockstil als eine der besonderen Erscheinungsformen des Klassizismus.

Die Periodisierung von Epochen wird durch die Tatsache erschwert, dass in verschiedenen nationalen Kulturen Musikstile weit verbreitet waren andere Zeit; Was unbestreitbar ist, ist das in Mitte des 18. Jahrhunderts Jahrhundert siegte der Klassizismus fast überall. Zu dieser Richtung gehören insbesondere die Reformopern von K. V. Gluck, der frühen Wiener und Mannheimer Schule. Die höchsten Errungenschaften des Klassizismus in der Musik sind mit den Aktivitäten der Wiener verbunden klassische Schule- mit den Werken von J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart und L. van Beethoven.

Klassizismus als künstlerische Leitung in Frankreich in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts entwickelt: Interesse an antike Kultur, die Nachahmungen antiker Vorbilder in verschiedenen Kunstgattungen hervorbrachte, verwandelte sich im absolutistischen Frankreich in eine normative Ästhetik auf der Grundlage der „Poetik“ des Aristoteles und ergänzte diese um eine Reihe besonderer strenger Anforderungen.

Die Ästhetik des Klassizismus basierte auf dem Glauben an die Rationalität und Harmonie der Weltordnung, der sich in der Beachtung der Ausgewogenheit der Teile des Werks, der sorgfältigen Ausarbeitung von Details und der Entwicklung der Grundkanons der musikalischen Form manifestierte. In dieser Zeit entstand schließlich die Sonatenform, die auf der Entwicklung und Gegenüberstellung zweier kontrastierender Themen basierte, und die klassische Komposition der Teile der Sonate und der Symphonie wurde festgelegt.

Das Zeitalter der Aufklärung und die Opernkunst im 18. Jahrhundert.

Eine neue Etappe in der Entwicklung des menschlichen Bewusstseins – das Zeitalter der Aufklärung – wurde durch viele Ereignisse vorbereitet. Die Große Industrielle Revolution in England und die Große Französische Revolution dienten als Vorbote einer neuen Ordnung der Dinge, in der wissenschaftliche und kulturelle Ideen die treibende Kraft in der Entwicklung der Gesellschaft und das Hauptthema historischer Veränderungen, ihr Anstifter, sind die Intelligenz. Seitdem hat in Europa kein einziges Großereignis ohne die führende Rolle oder direkte Beteiligung dieser besonderen Bevölkerungsgruppe stattgefunden neuer Typ Menschen – Intellektuelle, Menschen der Wissenschaft und Kultur. Sie rekrutierten sich aus allen Schichten der Gesellschaft, vor allem aber aus dem Dritten Stand, der die Arena der Geschichte betrat und sich in der Kunst erklärte. Die Etablierung pädagogischer Ideen erfolgte weitgehend im Auftrag dieser Klasse. Die Einstellung zum Leben und zur Weltanschauung wurde vom Geist bestimmt. Eine rationale Lebenseinstellung erforderte gleichzeitig menschliche Tugenden und schuf einen praktischen und unternehmungslustigen Menschen. Vernünftigkeit, Ehrlichkeit, harte Arbeit und Großzügigkeit sind die Haupttugenden positiver Held Lehrdrama und Roman.

Die wichtigsten Ereignisse dieser Zeit - Französische Revolution und US-Unabhängigkeitserklärung, Eröffnung neuer Planet Uranus und die Musik von Beethoven, Haydn, Mozart, Glucks Opern und Lamarcks evolutionäre Entwicklungstheorie und viele Arten und vieles mehr.

IN verschiedene Länder Ach, das Zeitalter der Aufklärung kam nicht gleichzeitig. England war das erste Land, das in die neue Ära eintrat – in spätes XVII Jahrhundert. Mitte des 18. Jahrhunderts verlagerte sich das Zentrum des neuen Denkens nach Frankreich. Die Aufklärung war der Abschluss eines mächtigen revolutionären Aufschwungs, der die führenden Länder des Westens eroberte. Es stimmt, das waren friedliche Revolutionen: industriell – in England, politisch – in Frankreich, philosophisch und ästhetisch – in Deutschland. Hundert Jahre lang – von 1689 bis 1789 – veränderte sich die Welt bis zur Unkenntlichkeit.

Die wichtigsten Vertreter der Kultur der Aufklärung sind: Voltaire, J.-J. Rousseau, C. Montesquieu, K.A. Helvetius, D. Diderot in Frankreich, J. Locke in Großbritannien, G.E. Lessing, I.G. Herder, I.V. Goethe, f. Schiller in Deutschland, T. Payne, B. Franklin, T. Jefferson in den USA, N.I. Novikov, A. N. Radischtschow in Russland.

In ihren höchsten Erscheinungsformen drückte sich die bürgerliche Kultur im 18. Jahrhundert durch die wissenschaftliche Ideologie aus. In der Philosophie stellte sich die Aufklärung gegen jede Metaphysik und förderte die Entwicklung der Naturwissenschaften und den Glauben an den gesellschaftlichen Fortschritt. Das Zeitalter der Aufklärung wird auch mit den Namen großer Philosophen bezeichnet: in Frankreich – das Jahrhundert von Voltaire, in Deutschland – das Jahrhundert von Kant, in Russland – das Jahrhundert von Lomonossow und Radischtschow. Die Aufklärung ist in Frankreich mit den Namen Voltaire, Jean-Jacques Rousseau, Denis Diderot, Charles Louis Montesquieu, Paul Henri Holbach und anderen verbunden. Eine ganze Etappe der Bildungsbewegung in Frankreich ist mit dem Namen des großen französischen Schriftstellers und Philosophen verbunden J.-J. Rousseau (1712-1778). In seinen Diskursen über die Wissenschaften und Künste (1750) formulierte Rousseau erstmals Hauptthema seine Sozialphilosophie - der Konflikt zwischen moderne Gesellschaft und die menschliche Natur. Wir werden uns später in unserem Gespräch über die Oper an ihn erinnern.

Die Philosophie der Aufklärung in Deutschland entstand unter dem Einfluss von Christian Wolf (1679-1754), einem Systematisierer und Popularisierer der Lehren von G. Leibniz.

Enorme Auswirkungen auf eine ganze Epoche der deutschen Kulturgeschichte und -entwicklung Europäische Kultur Im Allgemeinen hatte die deutsche Literaturbewegung „Sturm und Drang“ der 70er und 80er Jahre des 18. Jahrhunderts einen positiven Einfluss und erklärte, dass dies der Fall sei Wunsch, moralische und soziale Normen zu ändern.

Der große deutsche Dichter, Dramatiker und Theoretiker der Aufklärungskunst Friedrich Schiller war zusammen mit G. E. Lessing und I. V. Goethe der Begründer des Deutschen klassische Literatur. Eine besondere Rolle in der Entwicklung der deutschen Aufklärung kommt dem großen Dichter und Schriftsteller Johann Wolfgang Goethe zu. Kunst, einschließlich Musik, war schon immer Ausdruck der Ideen der Zeit.

„Es gibt nichts Höheres und Schöneres, als vielen Menschen Glück zu schenken!“ - Ludwig van Beethoven.

Als Reaktion auf alles, was auf der Welt geschah, entstanden neue Richtungen in der Kunst. Das Zeitalter der Aufklärung ist gekennzeichnet durch die Konfrontation zweier antagonistischer Stile – des Klassizismus, der auf Rationalismus und einer Rückkehr zu den Idealen der Antike basiert, und der Romantik, die als Reaktion darauf entstand und sich zu Sinnlichkeit, Sentimentalismus und Irrationalität bekennt. Barock, Klassizismus und Romantik manifestierten sich in allem – von der Literatur über Malerei, Bildhauerei und Architektur bis hin zum Rokoko – hauptsächlich nur in Malerei und Bildhauerei.

Barockartig künstlerischer Stil, das sich zwischen 1600 und 1750 in Europa entwickelte, zeichnet sich durch Ausdruckskraft, Pracht und Dynamik aus. Die barocke Kunst versuchte, die Gefühle des Publikums direkt zu beeinflussen und betonte das Dramatische emotionale Erlebnisse Person in moderne Welt. Die höchsten Erfolge Die Barockkultur ist vertreten in Bildende Kunst(Rubens, Van Dyck, Velazquez, Ribera, Rembrandt), in der Architektur (Bernini, Puget, Coisevoux), in der Musik (Corelli, Vivaldi).

In Französische Kunst 18. Jahrhundert Rokoko wurde zum Leittrend. Die gesamte Kunst des Rokoko basiert auf Asymmetrie und erzeugt ein Gefühl des Unbehagens – ein verspieltes, spöttisches, prätentiöses, neckendes Gefühl. Es ist kein Zufall, dass der Ursprung des Begriffs „Rokoko“ auf das Wort „Muschel“ (französisch Rocaille) zurückzuführen ist.

Die Hauptrichtung ist der Klassizismus, den Forscher der Kultur der Neuen Zeit zuordnen, als einen Stil und eine Weltanschauung, die unter der Schirmherrschaft der für die Renaissance charakteristischen Ideen entstanden ist, die Hauptkriterien jedoch verengt und leicht verändert. Der Klassizismus bezog sich nicht auf die Antike als Ganzes, sondern direkt auf die antiken griechischen Klassiker – die harmonischste, verhältnismäßigste und ruhigste Periode in der Geschichte der antiken griechischen Zivilisation. Der Klassizismus wurde am deutlichsten von absolutistischen Staaten übernommen; deren Führer von der Idee majestätischer Ordnung, strikter Unterordnung und beeindruckender Einheit beeindruckt waren. Die staatlichen Behörden beanspruchten die Rationalität dieser sozialen Struktur und wollten sie als ein vereinendes, heroisch erhabenes Prinzip sehen. Die Vorstellungen von „Pflicht“ und „Dienst“ wurden zu den wichtigsten in der Ethik und Ästhetik des Klassizismus. Im Gegensatz zum Barock verwirklichte er die andere Seite humanistischer Ideale – den Wunsch nach einer vernünftigen, harmonischen Lebensordnung. Es ist natürlich, dass im Zeitalter der nationalen Einheit die Überwindung erfolgt feudale Zersplitterung eine ähnliche Idee lebte in den Tiefen Nationalbewusstsein. Der Ursprung des Klassizismus wird normalerweise mit verbunden französische Kultur. In der Ära Ludwigs XIV. nimmt dieser Stil strenge, unerschütterliche Formen an.

Die spirituelle Musik dieser Zeit ist die Musik der Traurigkeit, aber es handelt sich dabei nicht um die universelle Trauer des Barock, sondern um die helle Traurigkeit des Klassizismus. Ist der Klang in barocken Messen dicht und gesättigt mit dichten polyphonen Stimmlinien, so ist der Klang in der Musik des Klassizismus leicht und transparent – ​​nur schmerzende Dissonanzen und ein melancholisches Moll überschatten ihn manchmal. Die geistliche Musik klassischer Komponisten ist im Wesentlichen weltliche Musik, die Musik des Neuen klassisches Zeitalter. Giovanni Pergolesi (sehr jung im Alter von 26 Jahren gestorben) war der Erste, der hörte und verstand, was es sein sollte. Stabat Mater – seins letzter Aufsatz, die der kranke Komponist an sich selbst richten konnte. Das Licht und die Hoffnung, die durch die Traurigkeit von Stabat Mater scheinen, erinnern uns noch einmal daran berühmter Ausdruck, mit dem Philosophen des 20. Jahrhunderts das Zeitalter der Aufklärung charakterisierten: „Klassizismus ist der Mut zum Unmöglichen.“

Auch in anderen Genres fand die Philosophie der Aufklärung häufig ihren Niederschlag. Beispielsweise wurden nach Mozarts Anweisungen zahlreiche Änderungen am Stück „Die Entführung aus dem Serail“ vorgenommen, die so bedeutsam waren, dass Librettist Bretzner zweimal in Zeitungen gegen die angebliche Verfälschung protestierte. Selims Image veränderte sich entscheidend; Aufgrund seines geringen Volumens ist seine Rolle wichtig geworden ideologische Bedeutung. Bei Bretzner erkennt Selim seinen vermissten Sohn in Belmont und lässt die Gefangenen frei. Bei Mozart erteilt der Mohammedaner, der „Wilde“, das Kind der Natur, den Christen eine Lektion in hoher Moral: Er lässt den Sohn seines Blutfeindes frei und spricht von der Freude, das Böse mit guten Taten zu vergelten. Ein solcher Akt entsprach ganz dem Geiste der Aufklärungsphilosophie und den Idealen Rousseaus.

Opernkunst des 18. Jahrhunderts
Seit ihrem Erscheinen hat die Oper keine Brüche in ihrer Entwicklung erlebt. Opernreform der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. war in vielerlei Hinsicht eine literarische Bewegung. Ihr Vorfahr war Französischer Schriftsteller und Philosoph J. J. Rousseau. Rousseau studierte auch Musik, und wenn er in der Philosophie eine Rückkehr zur Natur forderte, so trat er in der Operngattung für eine Rückkehr zur Einfachheit ein. Im Jahr 1752, ein Jahr vor dem Erfolg Pariser Premiere Als Maid-Madam Pergolesi komponierte Rousseau seine eigene komische Oper, The Village Sorcerer, der die bissigen Letters on folgten französische Musik, wo Rameau zum Hauptobjekt der Angriffe wurde. Der Reformgedanke lag in der Luft. Blütezeit verschiedene Typen komische Oper war eines der Symptome; andere waren Briefe über Tanz und Ballette des französischen Choreografen J. Nover (1727-1810), in denen die Idee des Balletts als Drama und nicht nur als Spektakel entwickelt wurde. Der Mann, der die Reform ins Leben rief, war K.V. Gluck (1714-1787). Wie viele Revolutionäre begann Gluck als Traditionalist. Mehrere Jahre lang inszenierte er Tragödien nacheinander im alten Stil und wandte sich eher unter dem Druck der Umstände als aus innerem Antrieb der komischen Oper zu. 1762 lernte er R. di Calzabigi (1714-1795) kennen, einen Freund Casanovas, der zurückkehren sollte Opernlibretti dem Ideal der natürlichen Ausdruckskraft der Florentiner Camerata. Die Opernkunst verschiedener Länder hat ihre eigenen Besonderheiten. Italien. Nach Monteverdi traten nacheinander Opernkomponisten wie Cavalli, Alessandro Scarlatti (Vater von Domenico Scarlatti, dem größten Autor von Werken für Cembalo), Vivaldi und Pergolesi in Italien auf.

Der Aufstieg der komischen Oper. Eine andere Art von Oper stammt aus Neapel – die Opera buffa, die als natürliche Reaktion auf die Opera seria entstand. Die Leidenschaft für diese Art von Oper breitete sich schnell auf europäische Städte aus – Wien, Paris, London. Von ihren früheren Herrschern, den Spaniern, die Neapel von 1522 bis 1707 regierten, erbte die Stadt die Tradition der Volkskomödie. Obwohl sie von strengen Lehrern an Konservatorien verurteilt wurde, faszinierte die Komödie die Schüler. Einer von ihnen, G. B. Pergolesi (1710-1736), schrieb im Alter von 23 Jahren ein Intermezzo, eine kleine komische Oper, The Maid and Mistress (1733). Komponisten haben schon früher Intermezzi komponiert (sie wurden normalerweise zwischen Akten der Opera seria gespielt), aber Pergolesis Schöpfung war ein überwältigender Erfolg. In seinem Libretto ging es nicht um die Heldentaten antiker Helden, sondern um eine völlig moderne Situation. Die Hauptfiguren gehörten zu den aus der „commedia dell’arte“ bekannten Typen – der traditionellen italienischen Improvisationskomödie mit einem einheitlichen komischen Rollenset. Das Genre der Opera buffa erlebte eine bemerkenswerte Entwicklung in den Werken so später Neapolitaner wie G. Paisiello (1740–1816) und D. Cimarosa (1749–1801), ganz zu schweigen von den komischen Opern von Gluck und Mozart. Frankreich. In Frankreich wurde Lully durch Rameau ersetzt, der dominierte Opernbühne in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts.

Die französische Analogie zur Opera buffa war „komische Oper“ (Opera Comique). Autoren wie F. Philidor (1726–1795), P. A. Monsigny (1729–1817) und A. Grétry (1741–1813) nahmen sich die pergolesische Verspottung der Tradition zu Herzen und entwickelten ihr eigenes Modell der komischen Oper, das im Einklang mit dem Gallischen stand Geschmacklich sah es die Einführung gesprochener Szenen anstelle von Rezitativen vor. Deutschland. Es wird angenommen, dass die Oper in Deutschland weniger entwickelt war. Tatsache ist, dass viele deutsche Opernkomponisten außerhalb Deutschlands arbeiteten – Händel in England, Gasse in Italien, Gluck in Wien und Paris, während die deutschen Hoftheater von modischen italienischen Truppen besetzt waren. Das Singspiel, das lokale Analogon der Opera buffa und der französischen komischen Oper, begann seine Entwicklung später als in den lateinamerikanischen Ländern. Das erste Beispiel dieses Genres war „Der Teufel ist frei“ von I. A. Hiller (1728-1804), geschrieben im Jahr 1766, sechs Jahre vor Mozarts Entführung aus dem Serail. Ironischerweise inspirierten die großen deutschen Dichter Goethe und Schiller nicht einheimische, sondern italienische und französische Dichter Opernkomponisten.

Romantik vereint mit dem Singspiel in Fidelio, der einzigen Oper von L. van Beethoven (1770-1827). Als überzeugter Verfechter der Ideale der Gleichheit und Brüderlichkeit der Französischen Revolution wählte Beethoven eine Handlung über eine treue Frau, die ihren zu Unrecht verurteilten Ehemann vor dem Gefängnis und der Hinrichtung rettet. Der Komponist ging bei der Fertigstellung der Opernpartitur äußerst vorsichtig vor: Er beendete Fidelio im Jahr 1805, fertigte 1806 eine zweite Ausgabe und 1814 eine dritte an Operngenre es gelang ihm nicht; Es ist immer noch nicht entschieden: Entweder gelang es Beethoven, das Singspiel in eine wunderbare Oper zu verwandeln, oder Fidelio ist ein kolossaler Fehlschlag.

Eine herausragende Rolle bei der Entwicklung spielte der deutsche Komponist Georg Philipp Telemann (1681–1767). Opernhaus. Die Hauptfunktion sein Opernkreativität ist der Wunsch danach musikalische Eigenschaften Charaktere mit instrumentalen Mitteln. In diesem Sinne war Telemann der unmittelbare Vorgänger von Gluck und Mozart. Seit mehr als 70 Jahren Kreative Aktivitäten Telemann schuf in allen damals bekannten Musikrichtungen und in verschiedenen Musikstilen, die es im 18. Jahrhundert gab. Er war einer der ersten, der sich vom Stil des sogenannten „deutschen Barocks“ abwandte und begann, im „galanten Stil“ zu komponieren, und bereitete damit den Boden für die entstehende neue Richtung der Musikkunst, die zur Klassik führen sollte Stil Wiener Schule. Er schrieb mehr als 40 Opern. Österreich. Die Oper in Wien war in drei Hauptrichtungen unterteilt. Den Spitzenplatz belegte die seriöse italienische Oper (italienische Opera seria), wo klassische Helden und die Götter lebten und starben in einer Atmosphäre höchster Tragödie. Weniger formell war die komische Oper (Opera Buffa), die auf der Handlung von Harlekin und Columbine aus der italienischen Komödie (Commedia dell'arte) basierte und neben diesen Italienern von schamlosen Lakaien, ihren altersschwachen Herren und allerlei Schurken und Betrügern umgeben war Formen, die die deutsche komische Oper (Singspiel) entwickelten), deren Erfolg vielleicht in der Verwendung einer Muttersprache lag, die der breiten Öffentlichkeit zugänglich war deutsche Sprache. Noch bevor Mozarts Opernkarriere begann, plädierte Gluck für eine Rückkehr zur Einfachheit der Oper des 17. Jahrhunderts, deren Handlung nicht durch lange Soloarien gedämpft wurde, die die Entwicklung der Handlung verzögerten und den Sängern nur als Gelegenheit dienten, ihre Macht zu demonstrieren ihrer Stimmen.

Mit der Kraft seines Talents verband Mozart diese drei Richtungen. Noch als Teenager schrieb er jeweils eine Oper jeder Gattung. Als reifer Komponist arbeitete er weiterhin in allen drei Richtungen, obwohl die Tradition der Opera seria verblasste. Die Französische Revolution vollendete die mit Rousseaus Broschüren begonnene Arbeit. Paradoxerweise war die Diktatur Napoleons der letzte Aufstieg der Opera seria. Solche Werke erschienen als Medea von L. Cherubini (1797), Joseph E. Megyulya (1807), Vestalin von G. Spontini (1807). Die komische Oper verschwindet allmählich, und an ihrer Stelle taucht im Werk einiger Komponisten eine neue Art von Oper auf – die Romantik.

„Der Einfluss aufklärerischer Ideen“ – Aufklärungsbewegung. Der Amerikanische Unabhängigkeitskrieg. „Goldenes Zeitalter“ des russischen Adels. Staat Russland. Katharina die Große. „Über den Gesellschaftsvertrag oder die Grundsätze des politischen Rechts.“ Pugatschows Aufstand. Jean-Jacques Rousseau. Amerikanische Aufklärungsbewegung. Die Politik des „aufgeklärten Absolutismus“ in Russland.

„Aufklärung“ – Aufklärung-. Deutsche Aufklärung. Charles Montesquieu. Geboren in Genf in der Familie eines Uhrmachers. Musik. Jonathan Swift (1667-1745). Ideen von Enzyklopädisten. Nennen Sie die französischen Aufklärer. Was bedeutet das Motto des Zeitalters der Aufklärung? Die Bedeutung der Aktivitäten von Pädagogen. England ist der Geburtsort der Aufklärung. Enzyklopädisten.

„Der Unabhängigkeitskrieg und die Bildung der Vereinigten Staaten“ – George Washington. Zusätzliches Material zum Thema in Form einer Präsentation in der 7. Klasse, für den Kurs „Neue Geschichte“. Der Unabhängigkeitskrieg und die Entstehung der Vereinigten Staaten. Wohnsitz des Präsidenten der Vereinigten Staaten - Weißes Haus. Übergabe der britischen Truppen bei Yorktown. Washingtons feierlicher Einzug in New York. Unterzeichnung der Unabhängigkeitserklärung der Vereinigten Provinzen.

„Kultur der Aufklärung“ – Goethes Aktivitätspathos widersetzt sich der spießbürgerlichen Versöhnung mit der Realität. 4. Enzyklopädisten. Die Zentren der Ideologie und Philosophie der Aufklärung waren Frankreich, England und Deutschland. Die Lösung aller gesellschaftlichen Probleme sahen die Aufklärer in der Verbreitung von Wissen. Enzyklopädisten glaubten, dass „Ideen“ den tatsächlichen sozialen Fortschritt beeinflussten.

„Aufklärung, Klassizismus, Sentimentalismus“ – Henry Fielding. Gefühl. Beethoven. Begrenzter Geist. Ausbildung. Diderot. Der Aufstieg der Musikkunst. Porträt von Lopukhina. T. J. Smollett. J.-J. Rousseau. Nicolas Boileau. Jonathan Swift. Frankreich. Wie sieht es aus? Aufklärung, Klassizismus, Sentimentalismus. Kritiker. Die Essenz des Klassizismus. Carlo Gozzi. Klassizismus.

„Europa des 18. Jahrhunderts“ – Das Hauptziel ist die Vorherrschaft im Baltikum. Interne politische Struktur. D. Kantemir Aram Oleg. Die Kriege und Revolutionen des 19. Jahrhunderts haben wenig dazu beigetragen, die Form der europäischen Länder zu verändern. Gesellschaft. Außenpolitik. EUROPA in der zweiten Hälfte des 17. – 18. Jahrhunderts.

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Musikalische Kunst kann mit Theater und literarischer Kunst gleichgesetzt werden. Opern und andere Musikwerke wurden zu Themen der Werke großer Schriftsteller und Dramatiker geschrieben.

Die Entwicklung der Musikkunst ist in erster Linie mit den Namen so großer Komponisten verbunden wie J. S. Bach, G. F. Händel, J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, L. V. Beethoven Kaufen Sie eine 200-ml-Spritze und kaufen Sie medizinische Spritzen 200 unter sigma-med.ru.

Ein unübertroffener Meister Polyphonie war ein deutscher Komponist, Organist und Cembalist Johann Sebastian Bach (1685–1750).

Seine Werke waren von Tiefe durchdrungen philosophische Bedeutung, hohe Ethik. Er konnte die Errungenschaften seiner Vorgänger in der Musikkunst zusammenfassen. Zu seinen bekanntesten Werken zählen „Das Wohltemperierte Klavier“ (1722–1744), „Die Johannes-Passion“ (1724), „Die Matthäus-Passion“ (1727 und 1729), zahlreiche Konzerte und Kantaten sowie die Messe Moll (1747–1749) usw.

Im Gegensatz zu J. S. Bach, der keine einzige Oper schrieb, ist der deutsche Komponist und Organist Georg Friedrich Händel (1685–1759)

gehören zu mehr als vierzig Opern. Und funktioniert auch weiter biblische Themen(Oratorien „Israel in Ägypten“ (1739), „Saul“ (1739), „Messias“ (1742), „Samson“ (1743), „Judas Makkabäus“ (1747) usw.), Orgelkonzerte, Sonaten, Suiten usw.

Der große Meister klassischer Instrumentalgenres wie Sinfonien, Quartette und Sonatenformen Österreichischer Komponist

Joseph Haydn (1732–1809).

Ihm ist es zu verdanken, dass die klassische Besetzung des Orchesters entstand. Er besitzt mehrere Oratorien („Die Jahreszeiten“ (1801), „Die Erschaffung der Welt“ (1798)), 104 Sinfonien, 83 Quartette, 52 Klaviersonaten, 14mess.d.

Ein weiterer österreichischer Komponist, Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791),

war ein Wunderkind und wurde dadurch berühmt frühe Kindheit. Er schrieb über 20 Opern, darunter die berühmte „Die Hochzeit des Figaro“ (1786), „Don Giovanni“ (1787), „Die Zauberflöte“ (1791), mehr als 50 Sinfonien, viele Konzerte, Klavierwerke(Sonaten, Fantasien, Variationen), unvollendetes „Requiem“ (1791), Lieder, Messen usw.

Es war ein schweres Schicksal, das alle Kreativität prägte Deutscher Komponist Ludwig van Beethoven (1770–1827).

Sein Genie manifestierte sich bereits in der Kindheit und ließ ihn nicht einmal in der für jeden Komponisten und Musiker schrecklichen Schwierigkeit zurück – Hörverlust. Seine Werke haben einen philosophischen Charakter. Viele Werke wurden von seinen republikanischen Ansichten als Komponist beeinflusst. Beethoven besitzt neun Sinfonien, Instrumentalsonaten (Moonlight, Pathétique), sechzehn Streichquartette, Ensembles, die Oper Fidelio, Ouvertüren (Egmont, Coriolanus), Konzerte für Klavier und Orchester und andere Werke.

Sein berühmter Ausspruch: „Musik soll die Herzen der Menschen entzünden.“ Dieser Idee folgte er für den Rest seines Lebens.

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Musikalischer Klassizismus und die Hauptstadien seiner Entwicklung

Der Klassizismus (von lat. classicus – vorbildlich) ist ein Stil in der Kunst des 17. – 18. Jahrhunderts. Der Name „Klassizismus“ leitet sich von einer Berufung auf die klassische Antike als höchstem Maßstab ästhetischer Perfektion ab. Vertreter des Klassizismus schöpften ihr ästhetisches Ideal aus Vorbildern Antike Kunst. Der Klassizismus basierte auf dem Glauben an die Rationalität der Existenz, an das Vorhandensein von Ordnung und Harmonie in der Natur und innere Welt Person. Die Ästhetik des Klassizismus enthält eine Summe zwingender strenger Regeln, denen ein Kunstwerk genügen muss. Die wichtigsten davon sind die Forderung nach einem Gleichgewicht zwischen Schönheit und Wahrheit, logischer Klarheit, Harmonie und Vollständigkeit der Komposition, strengen Proportionen und einer klaren Unterscheidung zwischen den Genres.

Es gibt zwei Phasen in der Entwicklung des Klassizismus:

Klassizismus XVII Jahrhundert, teils im Kampf gegen die Barockkunst, teils in Wechselwirkung mit ihr entstanden.

Aufklärungsklassizismus des 18. Jahrhunderts.

Der Klassizismus des 17. Jahrhunderts ist in vielerlei Hinsicht das Gegenstück zum Barock. Seine vollständigste Ausprägung findet es in Frankreich. Dies war die Blütezeit der absoluten Monarchie, die der höfischen Kunst die höchste Schirmherrschaft gewährte und von ihr Prunk und Prunk verlangte. Die Spitze Französischer Klassizismus im Gebiet Theaterkunst wurden die Tragödien von Corneille und Racine sowie die Komödien von Moliere, auf deren Werk sich Lully stützte. Sein " lyrische Tragödien„tragen den Einfluss des Klassizismus (strenge Konstruktionslogik, Heldentum, Selbstbeherrschung) auf, weisen aber auch Merkmale des Barock auf – den Prunk seiner Opern, die Fülle an Tänzen, Prozessionen und Chören.“

Klassizismus XVIII Jahrhundert fiel mit dem Zeitalter der Aufklärung zusammen. Aufklärung ist eine breite Bewegung in Philosophie, Literatur und Kunst, die alles umfasst europäische Länder. Der Name „Aufklärung“ erklärt sich aus der Tatsache, dass die Philosophen dieser Zeit (Voltaire, Diderot, Rousseau) versuchten, ihre Mitbürger aufzuklären und Strukturfragen zu lösen menschliche Gesellschaft, die menschliche Natur, seine Rechte. Die Aufklärer gingen von der Idee der Allmacht des menschlichen Geistes aus. Der Glaube an den Menschen bestimmt in seinem Geist die helle, optimistische Haltung, die den Ansichten der Persönlichkeiten der Aufklärung innewohnt.

Die Oper steht im Zentrum musikalischer und ästhetischer Debatten. Französische Enzyklopädisten betrachteten es als ein Genre, in dem das Gesamtkunstwerk des antiken Theaters wiederhergestellt werden sollte. Diese Idee bildete die Grundlage der Opernreform von K.V. Glück.

Die große Errungenschaft des pädagogischen Klassizismus ist die Schaffung der Gattung der Symphonie (Sonaten-Symphonie-Zyklus) und der Sonatenform, die mit dem Werk der Komponisten der Mannheimer Schule verbunden ist. Auf dieser Grundlage entwickelte sich Mitte des 18. Jahrhunderts in Mannheim (Deutschland) die Mannheimer Schule Hofkapelle, in dem hauptsächlich tschechische Musiker arbeiteten ( größter Vertreter– Tscheche Jan Stamitz). In den Werken der Komponisten der Mannheimer Schule wurden der 4-sätzige Aufbau der Sinfonie und die klassische Komposition des Orchesters etabliert.

Die Mannheimer Schule wurde zum Vorläufer der Wiener Klassik - Musikrichtung, bezeichnet das Werk von Haydn, Mozart, Beethoven. Im Werk der Wiener Klassiker bildeten sich schließlich der klassisch gewordene Sonaten-Sinfonie-Zyklus sowie die Gattungen Kammerensemble und Konzert heraus.

Unter den Instrumentalgenres waren die beliebtesten Verschiedene Arten Haushaltsunterhaltungsmusik - Serenaden, Divertissements, abends im Freien erklingen. Divertimento (französische Unterhaltung) – instrumentale mehrsätzige Werke für Kammerensemble oder Orchester, die die Merkmale einer Sonate und Suite vereinen und einer Serenade und Nocturne nahe kommen.

K. V. Gluck – der große Reformator des Opernhauses

Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787) – gebürtiger Deutscher (geboren in Erasbach (Bayern, Deutschland)), ist dennoch einer der herausragenden Vertreter der Wiener Klassik.

Reformaktivitäten Gluck fand in Wien und Paris statt und wurde im Einklang mit der Ästhetik des Klassizismus durchgeführt. Insgesamt schrieb Gluck etwa 40 Opern – italienisch und französisch, Buffa und Seria, traditionell und innovativ. Letzterem war es zu verdanken, dass er sich einen herausragenden Platz in der Musikgeschichte sicherte.

Die Grundsätze von Glucks Reform sind in seinem Vorwort zur Partitur der Oper Alceste dargelegt. Sie laufen auf Folgendes hinaus:

Musik soll ausdrücken poetischer Text Oper kann nicht für sich allein existieren, außerhalb dramatische Aktion. Damit steigert Gluck die Rolle der literarischen und dramatischen Grundlage der Oper deutlich und ordnet die Musik dem Drama unter.

Die Oper sollte einen moralischen Einfluss auf eine Person haben, daher der Appell alte Geschichten mit ihrem hohen Pathos und Adel („Orpheus und Eurydike“, „Paris und Helena“, „Iphigenie in Aulis“). G. Berlioz nannte Gluck „Aischylos der Musik“.

Die Oper muss „den drei großen Prinzipien der Schönheit in allen Kunstformen“ entsprechen – „Einfachheit, Wahrheit und Natürlichkeit“. Es ist notwendig, die Oper von übermäßiger Virtuosität und stimmlicher Ausschmückung (die der italienischen Oper innewohnt) sowie von komplizierten Handlungssträngen zu befreien.

Es sollte kein scharfer Kontrast zwischen der Arie und dem Rezitativ bestehen. Gluck ersetzt das Secco-Rezitativ durch ein begleitetes, wodurch es sich einer Arie nähert (in der traditionellen Opera seria dienten Rezitative nur als Bindeglied zwischen Konzertnummern).

Gluck interpretiert die Arien auch auf neue Weise: Er führt Merkmale der improvisatorischen Freiheit und Entwicklung ein Musikalisches Material mit Veränderung verbunden psychologischer Zustand Held. Arien, Rezitative und Chöre werden zu großen dramatischen Szenen zusammengefasst.

Die Ouvertüre soll den Inhalt der Oper vorwegnehmen und den Zuhörer in ihre Atmosphäre einführen.

Das Ballett sollte keine Einlegenummer sein, die nicht mit der Handlung der Oper in Zusammenhang steht. Seine Einführung sollte durch den Verlauf der dramatischen Handlung bedingt sein.

Die meisten dieser Prinzipien wurden in der Oper „Orpheus und Eurydike“ (Uraufführung 1762) verkörpert. Diese Oper markiert den Beginn einer neuen Etappe nicht nur in Glucks Werk, sondern in der Geschichte der gesamten europäischen Oper. Auf Orpheus folgte eine weitere seiner innovativen Opern, Alceste (1767).

In Paris schrieb Gluck weitere Reformopern: Iphigenie in Aulis (1774), Armida (1777), Iphigenie in Tauris (1779). Die Produktion jedes einzelnen von ihnen wurde zu einem grandiosen Ereignis im Leben von Paris und löste heftige Kontroversen zwischen den „Gluckisten“ und den „Piccinisten“ – Anhängern des Traditionellen – aus Italienische Oper, die durch den neapolitanischen Komponisten Nicolo Piccini (1728 - 1800) verkörpert wurde. Glucks Sieg in dieser Kontroverse war durch den Triumph seiner Oper Iphigenie auf Tauris gekennzeichnet.

So machte Gluck die Oper zu einer Kunst mit hohen pädagogischen Idealen, erfüllte sie mit tiefem moralischen Inhalt und offenbarte auf der Bühne echte menschliche Gefühle. Glucks Opernreform hatte sowohl auf seine Zeitgenossen als auch auf ihn einen fruchtbaren Einfluss nachfolgende Generationen Komponisten (insbesondere Wiener Klassiker).